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1.-Leonardo Da Vinci
• Aspectos biográficos
• La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica
2.-Rafael. (Raffaello Sanzio. pintor y arquitecto)
• Aspectos biográficos
• La obra pictórica de Rafael
• Aspectos biográficos
• La obra pictórica de Miguel Angel
Historia del Arte 2º de Bachillerato. Tema 10: La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. 1
© Departamento de Geografía e Historia
I.E.S. “FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA
1.-Leonardo Da Vinci
• Aspectos biográficos
Nace a mediados del siglo XV en Vinci, cerca de Florencia. Fue hijo ilegítimo
de un rico notario florentino y de una campesina. Fue pintor, arquitecto, ingeniero,
biólogo, músico y escritor. Se formó en el taller de Verrochio. Estuvo al servicio de
Ludovico el Moro, en Milán, donde permaneció cerca de veinte años.
El destronamiento de aquél le hace recorrer Italia durante algunos años,
hasta que, al final de su vida, entró al servicio de Francisco I de Francia.
En su notable deseo de saber, de poseer y dominar todas las técnicas y de
inventar, es, quizás, el genio más representativo del Renacimiento. Como artista le
interesó sobremanera conocer el cuerpo humano, tanto en su contextura interna,
de lo que son buena muestra sus dibujos de anatomía, como en su aspecto
expresivo y en sus movimientos. Las actitudes de sus personajes son mucho más
complicadas y ricas que las de sus predecesores, y en este aspecto su influencia en
los maestros posteriores es decisiva.
El interés por el movimiento le lleva a preocuparse por el arte de enlazar unas
figuras con otras, tanto formal como espiritualmente. Paralelo a este interés por el
movimiento es el que siente por la luz y la sombra. El tránsito suave de una a la
otra es una de sus principales preocupaciones dando lugar al típico sfumato.
Además, Leonardo es un gran teórico que nos dejó expuestas sus doctrinas en
su Tratado de la Pintura.
• La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica
1.La Virgen de las Rocas.
Pintado en 1483, este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo del
Louvre aunque Leonardo realizó una variación del mismo tema muchos años
después que se encuentra actualmente en Londres.
Es su primera gran obra milanesa, en donde las figuras de la Virgen, Jesús, San
Juan y el ángel se inscriben en un triángulo. Es pues, una composición piramidal.
Junto a la técnica del sfumato agrega la del claroscuro. En su obra “Tratado della
pintura” nos explica que toda cosa lejana o cercana al pintor debe ser considerada
como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las
masas, a tonalizar el color: esta es la base del sfumato leonardesco; es decir, la
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sustitución del dibujo lineal de los pintores del siglo XV por el modelado vaporoso
que tiene por efecto fundir los contornos de la atmósfera.
Este cuadro nos habla de la belleza ideal. El tema es San Juan niño, adorando
a Jesús, que está situado en el centro y bañado de luz en presencia de un ángel y
de María. Las figuras miran hacia el centro. Parece más una expresión poética que
una realidad, ya que pinta a las figuras emergiendo de la penumbra de una gruta
solitaria y rocosa, en una atmósfera de humedad, generada por un estanque, que
vela sus formas con una especie de neblina, con rocas puntiagudas destacando
sobre un cielo rojizo del sol poniente.
2. La Última Cena.
Fue pintada en 1495-1498 en el Refectorio del Convento dominico de Santa
María de las Gracias, en Milán. La técnica utilizada es óleo y temple sobre muro. Es
una obra monumental (4,20 x 9,10 ms.). A Leonardo no le interesaba el
procedimiento del fresco ya que su rápido secado exigía prontitud de ejecución y el
artista necesitaba tiempo para estudiar cada detalle. Ante esta circunstancia trató
de inventar un sistema que le permitiera pintar al temple en la pared. El resultado
fue poco afortunado y la majestad y belleza del tiempo en que la realizó se ha
desvanecido.
Leonardo, siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, agranda ópticamente el
muro frontal del refectorio con un cenáculo (comedor) fingido. El recurso utilizado
consiste en hacer converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a las
espaldas de Cristo, que dan profundidad y luz natural a la estancia. La posición de
los discípulos detrás de la mesa y agrupándose en tríos, es nueva. Hasta entonces
solía situarse a Judas aislado en frente del resto de los comensales.
La escena recoge le momento en que Jesús comunica a sus discípulos que uno
de ellos le va a traicionar y entregar. El artista tiene que plasmar dos aspectos
(según su Tratado della pintura): el hombre físico y los movimientos del alma; lo
primero es fácil, lo segundo no, porque tiene que representarlo a través de
actitudes y gestos de los personajes. Leonardo visualiza este “movimiento del
alma” en el dramatismo de los discípulos y sus reacciones de incertidumbre e
interrogación ante el anuncio de la traición. Sólo uno comprenderá las palabras de
Cristo: Judas, que se siente descubierto y exterioriza la conciencia del peligro,
estrujando con inquietud la bolsa de monedas. Las palabras de Jesús hacen
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• Aspectos biográficos
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Análisis:
Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de El
Perugino maestro de Rafael. Igualmente consideran los críticos que la pintura se
inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, del
ciclo de frescos en la Capilla Sixtina
No obstante, existen una serie de detalles que evidencian que Rafael
pertenece, ya, a otra generación de pintores. Rafael se aparta del tipo de
composición de Perugino. Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y
calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas
del pavimento, que subrayan la perspectiva. El grupo principal se resalta en
detrimento de las figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de
la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y San José, y todos los hombres.
Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el
templo del fondo y en la forma superior de la tabla. En primer plano hay un
adolescente que rompe un bastón. Se introduce así el tema de los pretendientes
rechazados. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal que llevan la
mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al templo:
una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha; en
estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del
templo: a la izquierda, una figura a contraluz, y a la derecha otros dos individuos.
De esta manera se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro.
Predominan los colores cálidos. Esta obra marca la culminación de su actividad
juvenil. La acción se sitúa en un amplio escenario, con un esquema general que
recuerda al realizado por Perugino. En la armonía del cuadro se funden tres
elementos en aparente contraste: el cortejo nupcial, las colinas del fondo y el
santuario judío (que recuerda a San Pietro in Montorio y es una muestra el ideal de
la nueva arquitectura.)
2.-La Madonna del Jilguero. (Selectividad) (ver video restauración)
Título: La Madonna del Jilguero (Madonna del Cardellino)
Autor: Rafael Sanzio de Urbino
Cronología: 1504
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: Temple y óleo sobre tabla
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Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre
ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la
belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.
En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel
Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos
Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo
extraía de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en
ellos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al
que Miguel Ángel se resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero
que se convirtió en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales,
que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas
y jóvenes desnudos, en un todo dominado por dos cualidades: belleza física y
energía dinámica.
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La Creación del sol, la luna y las estrellas, La Creación de los Planetas y Dios
separando la luz de las tinieblas.
• Cada uno de las escenas principales está flanqueada por cuatro atlantes
masculinos desnudos (los Ignudi, símbolos platónicos de la Belleza y la
Bondad) que sostienen guirnaldas y escudos.
Estos paneles están sobre las figuras de los Profetas y Sibilas que se alternan en
las pechinas. A cada extremo hay un profeta que cierra la composición. Al lado
de cada profeta y sibila y aupados por los soportes laterales de sus tronos, hay
dos putti, varón y hembra. De entre las Sibilas-que son cinco: dos viejas
(Pérsica y Cumana) y tres jóvenes (Délfica, Líbica y Eritrea)- destaca La Sibila
Délfica llamada así porque solía formular sus oscuros vaticinios en el templo de
Apolo en Delfos. Es la más famosa de todas y la más hermosa, tiene un óvalo de
la cara perfecto y la pureza de sus líneas recuerda a las Vírgenes juveniles de
Miguel Ángel.
1.La Creación de Adán (Selectividad)
Título: La Creación de Adán
Autor: Miguel Ángel Buonarotti.
Cronología:1508-1512
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: fresco sobre muro
Dimensiones: 280 cm × 570 cm
Localización: Capilla Sixtina
Tema: Pintura religiosa
Análisis:
Es una de las escenas más famosas de la bóveda, en donde Dios Padre, es
representado como un anciano majestuoso de abundante barba envuelto en una
alborotada túnica color púrpura (quizá la figura idealizada de Julio II) rodeado de
ángeles que, contrariamente a la tradición, ni tienen alas ni son evanescentes, sino
corpóreos y robustos, creados antes que el hombre, a quien la mano de Dios
transmite el flujo de la vida a través del contacto eléctrico de los dedos. El brazo
derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio
dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios
Adán abre los ojos a un Edén que no es un delicioso jardín, sino una desnuda
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humanas. Las formas de las figuras muestran los cambios que han experimentado
desde su concepción del cuerpo juvenil. Como todas las obras de Miguel Ángel, sus
personajes manifiestan la típica terribilitá o fuerza sobrehumana muy visible en la
figura de Cristo. Los numerosos desnudos de descomunal tamaño permiten apreciar
su preferencia por el Canon hercúleo, con una musculatura muy desarrollada,
superior a la de las figuras de la bóveda.
4.La escuela veneciana: Tiziano
• Apuntes biográficos.
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en España como
Tiziano o Tician fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores
exponentes de la escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el
sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos,
igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le
lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una
larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que
su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer
que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la
misma mano. El estilo de Tiziano evoluciona hasta el punto de que, mientras sus
primeras obras son de superficies perfectamente terminadas, en la última emplea
una pincelada suelta, casi impresionista. En cualquier caso, el conjunto de su obra
se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y
una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del
Arte occidental.
• Su obra pictórica
1.- La Bacanal (selectividad)
Título: La Bacanal
Autor: Tiziano
Cronología:1519-1520
Estilo: Renacentista de transición al manierismo (escuela veneciana)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 175 x 193 cms
Localización: Museo del Prado
Tema: Mitológico
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Análisis:
Es una obra temprana en la que muestra un gusto por el desnudo y por el
paisaje típico de la escuela veneciana, aunque Tiziano le imprime mayor
movimiento. Lo que le importa del mundo clásico son los desnudos femeninos y el
movimiento. Sobre un fondo azul intenso y de nubes doradas, nos muestra la
alegría y la laxitud que el vino produce, haciendo dormir tanto al viejo en la colina
como a la joven que aparece en primer plano, e inspira la alegría a los que beben y
danzan en el grupo central. También se llamó a este cuadro Los Andrianos, pues
muestra la llegada de Baco a la isla de Andros. Estos temas mitológico-bucólicos
resultaban muy gratos a la sensibilidad de la época. Tiziano rinde culto a la alegría
de vivir y al lujo reflejado en las telas-Los personajes se agitan por toda la parte
inferior de la tela, unas se inclinan hablando, otras beben vino, otras bailan, con
brazos y piernas formando líneas curvas. Se pasan el vino los unos a los otros. La
mujer recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es
Violante, de quien el pintor estaba enamorado por entonces. Junto a ella hay una
partitura, en la que se lee: «Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es
beber».
2.-La Venus de Urbino también llamada La Venus del perrito. Óleo sobre
lienzo 165 cm × 119 cm Galería Uffizi
Pintado en 1538 presenta a una Venus reposando en la habitación de un
palacio, sobre un fondo de cortinas, recostada en una cama; al fondo, en el lado
derecho, unas doncellas buscan en un arcón las vestiduras que ocultan su bello
desnudo. Contrasta la serenidad de la Venus con las servidoras, trazadas éstas al
modo impresionista con un movimiento de trazos.. Hay un gusto por los colores
brillantes, por la luz, por el desnudo modelado por suaves modulaciones de color
que le da una sensualidad distinta a la de Botticelli.
3. Dánae recibiendo a Júpiter en forma de lluvia de oro. (óleo sobre lienzo
129 cm x 180 cm Museo del Prado)
Muestra uno de los más hermosos desnudos pintados por Tiziano. La joven
Dánae tumbada observa el oro en polvo, una de las múltiples formas en que se
convertía Zeus, que suelta la anciana sentada a sus pies. La piel blanca y tersa de
la joven contrasta con la oscura y áspera de la anciana. La pincelada utilizada por
Tiziano es suelta.
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66. La Gioconda
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