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Museo del Louvre
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Museo del Louvre
Museo del Louvre

Museo del Louvre
El Louvre visto desde el Sena. Coordenadas Pas Ciudad Director Inauguracin Superficie Visitantes 485136.38N 22022.66E Francia Pars Henri Loyrette 8 de noviembre de 1793 160.106 m 6.894.000 (2004) 8.300.000 (2005) www.louvre.fr [1]
Sitio web
El Museo del Louvre (en francs: Muse du Louvre) es el gran museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo, tanto bellas artes como arqueologa y artes decorativas. Es considerado el museo ms importante del mundo, por la riqueza de sus colecciones y por la influencia que ha ejercido en los restantes museos del planeta. Est ubicado en Pars (Francia), en el antiguo palacio real del Louvre, y actualmente promueve la apertura de dos subsedes, en Lens (Francia) y en Abu Dabi (Emiratos rabes Unidos) [2]. Sus extensas colecciones son el resultado de un esfuerzo histrico: por un lado, el coleccionismo real desarrollado a lo largo de varios siglos, y por otro el esfuerzo de los hombres de la Ilustracin y la labor desamortizadora de la Revolucin francesa. La apertura del Louvre en 1793 signific, dentro de la historia de los museos, el traspaso de las colecciones privadas de las clases dirigentes (monarqua, aristocracia e Iglesia) a galeras de propiedad pblica para disfrute del conjunto de la sociedad. Por ello el Louvre constituy el precedente de todos los grandes museos nacionales europeos y norteamericanos, y de hecho fue el modelo para muchos de ellos. Con ms de quince millones de visitantes en 2008 es, con gran diferencia, el museo de arte ms visitado del mundo y el ms recordado por varias de sus obras maestras, como La Gioconda de Leonardo da Vinci.
Museo del Louvre
Historia del edificio

El edificio que alberga el museo desde su fundacin es el viejo castillo del Louvre, luego reconvertido en palacio real. Su origen se remonta al siglo XII, y fue embellecido con ampliaciones renacentistas y otras ms tardas. En este edificio acumul el rey Carlos V sus colecciones artsticas. Los posteriores monarcas Francisco I y Enrique II planearon reformas para hacer de l una verdadera residencia real renacentista. Fue la reina Catalina de Mdicis la que esboz el proyecto que hizo del Louvre el gran palacio que es actualmente, labores que continu Enrique IV despus de las guerras de religin. En sus mejoras arquitectnicas y decorativas han intervenido mltiples artistas a lo largo de varios siglos, desde Claude Perrault y los pintores Simon Vouet y Charles Le Brun en el XVII hasta Delacroix y Georges Braque, quienes pintaron algunos de sus techos. La construccin del Palacio de Versalles, agilizada bajo el reinado de Luis XIV, hizo que el Louvre quedara desocupado por la familia real a finales del siglo XVII, y por ello se instalaron en l, ya en el siglo XVIII, la Academia Francesa y despus las restantes academias. All se celebraron exposiciones anuales de la Real Academia de Pintura y Escultura. Tras la Revolucin francesa que implic la abolicin de la monarqua, el Palacio del Louvre fue destinado (por decreto de mayo de 1791) a funciones artsticas y cientficas, concentrndose en l al ao siguiente las colecciones de la corona. Parte del Louvre se abri por primera vez al pblico como museo el 8 de noviembre de 1793. sta era una solucin lgica, habida cuenta de que estaba ocupado por las academias y porque, ya en 1778, se haba elaborado el proyecto de utilizar su Gran Galera como pinacoteca. Lo novedoso de la medida fue que se nacionalizaban bienes de propiedad real, y que el acceso era libre pues no se limitaba al pblico culto ni se regulaba mediante visitas concertadas, como s ocurra en los Uffizi y en el Museo del Prado durante sus primeros aos.
Restos de la fortaleza original sobre la que se construy el palacio.
El Louvre y su Pirmide vistos desde el Arco del carrusel.
El edificio del Louvre estuvo unido al palacio de las Tulleras (la traduccin correcta es Palacio de las Tejeras) formando un solo conjunto hasta 1870, cuando este ltimo fue destruido en los hechos de la Comuna de Pars. Los tesoros artsticos de las Tulleras se perdieron en el incendio del palacio, cuyas ruinas fueron demolidas; desde entonces, el Louvre domina el gran parque abierto en dicho solar.
Museo del Louvre El enorme museo, cuyas salas y pasillos marcan un recorrido de varios kilmetros, fue sometido a una ambiciosa modernizacin en la dcada de 1980, cuyo elemento ms visible fue la pirmide de cristal. Fue diseada por el arquitecto Ieoh Ming Pei e inaugurada en 1989 para centralizar el acceso de los visitantes, que descienden por ella a un recibidor subterrneo por el que se accede a las diversas alas del museo. A pesar de tal modernizacin, varios sectores del Louvre seguan ocupados por organismos pblicos, y slo en fecha reciente se han desalojado y adaptado como salas de exposicin. En marzo de 2004 se anunci la apertura de una nueva ala dedicada al arte del Islam. Para su diseo se convoc un concurso internacional en 2005. Se inaugur en el 2008, con una inversin de 50 millones de euros.
El patio del Museo del Louvre por la noche, con la Pirmide mostrada en el centro.
Colecciones
El Museo del Louvre refleja el papel protagonista de Francia como potencia econmica y cultural de Europa, y recoge los mejores frutos de la actividad coleccionista y de mecenazgo promovida por sus clases dirigentes a lo largo de varios siglos. Gracias al poder de la dinasta Borbn y de Napolen Bonaparte, a campaas arqueolgicas y a posteriores adquisiciones, cuenta actualmente con diferentes colecciones de obras de arte provenientes de civilizaciones, culturas y pocas variadas. Contiene alrededor de 300.000 piezas, de las que slo 35.000 estn expuestas. A pesar de las mltiples ampliaciones y reformas, el Louvre mantiene almacenado un gran porcentaje de sus colecciones, lo que explica la apertura de una segunda sede en Lens, cerca de la frontera con Blgica. Esta ciudad se hallaba econmicamente deprimida por una crisis industrial, y la apertura del Muse Louvre-Lens, con unas 600 obras, promete asegurarle un estimable flujo turstico. As mismo, el Louvre ha accedido a abrir una segunda delegacin, sta en el extranjero: en Abu Dabi (Emiratos rabes Unidos). A cambio de una cuantiosa suma, la institucin prestar obras de arte, asesoramiento y su nombre a un museo de nueva construccin diseado por Jean Nouvel. Este acuerdo imita en cierta manera la frmula de museos-sucursales instaurada por el Museo Guggenheim, y ha sido muy cuestionado en la misma Francia.
Museo del Louvre
Las colecciones del Louvre provienen de diversos orgenes: Las colecciones reales. Los monarcas franceses mostraron, ya desde el siglo XIV, aficin por adquirir obras de arte, debiendo destacarse la labor de Francisco I, quien protegi a Leonardo da Vinci en sus ltimos aos. Con todo, la coleccin real era relativamente pequea hasta que Luis XIV adquiri las colecciones del banquero Jabach y del Esfinges del dromos del Serapeum de Saqqara. Museo del Louvre. cardenal Mazarino. Luis XV adquiri la coleccin del prncipe de Carignan, y Luis XVI, cuadros de las escuelas flamenca y holandesa. La revolucin francesa signific la obtencin de obras de arte para el estado por diversos caminos: la supresin de las rdenes monsticas, la desafectacin de las iglesias y el abandono de bienes por la nobleza huida. Tambin, entre 1794 y 1795, llegaron obras requisadas por el ejrcito revolucionario en Blgica y Holanda. Las guerras napolenicas significaron un notable incremento de las colecciones del Louvre, rebautizado como Museo Napolen, pues los ejrcitos requisaron obras en los distintos pases invadidos. Muchas de estas obras tuvieron que devolverse al caer el rgimen napolenico, pero algunas muy importantes quedaron en el Louvre, como Las bodas de Can de Verons. En 1801 la firma del Concordato oblig a devolver a las iglesias obras religiosas. Durante los siglos XIX y XX, la coleccin se increment mediante donaciones de coleccionistas privados, as como por una poltica de adquisiciones que se ha centrado especialmente en la escuela francesa, que estaba representada de manera incompleta de acuerdo al gusto de los sucesivos reyes. Muchas obras medievales, del rococ y del romanticismo llegaron poco antes de 1900. El fondo de pintura medieval italiana creci sustancialmente gracias a que Napolen III compr la Coleccin Campana, propiedad del financiero italiano del mismo apellido. Parte de ella se halla depositada en el Petit Palais de Avin. Entre las donaciones, cabe destacar la del coleccionista Lacaze, que aport la Betsab de Rembrandt y El patizambo de Jos de Ribera, y en 1935 la del Baron Edmond de Rothschild (1845-1934), con ms de 40.000 grabados, casi 3.000 dibujos y 500 libros ilustrados. En fecha reciente, el difunto Yves Saint Laurent leg un importante retrato de Goya al Louvre. De acuerdo a una ordenacin cronolgica de las colecciones nacionales, el Louvre muestra obras de arte anteriores a 1848. Casi todas las obras del siglo XIX avanzado, desde el realismo (Courbet) hasta el impresionismo y Toulouse-Lautrec, fueron transferidas al Museo de Orsay, y el arte contemporneo se exhibe en el Centro Pompidou.
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Pintura occidental
El Louvre alberga varias de las obras maestras del arte universal, que han alcanzado la categora de icono y que son reconocidas instantneamente en cualquier lugar del planeta. Aqu se encuentra la Gioconda, acaso la pintura ms clebre, debida a Leonardo Da Vinci, as como la Virgen del Canciller Rolin de Jan van Eyck, La encajera de Vermeer, la serie de grandes pinturas de La Vida de Mara de Mdicis de Rubens, La coronacin de Napolen de Jacques-Louis David y La Libertad guiando al pueblo de Delacroix. Adems de las citadas obras maestras, podemos encontrar en el Louvre muchas ms obras de autores muy conocidos. El fondo de pintura francesa es colosal, con la mayor coleccin de obras de Poussin y que abarca un panorama desde la Edad Media hasta Ingres y Gricault. Hay que mencionar el Retrato de Luis XIV de Rigaud, Peregrinacin a la isla de Citera y Gilles de Watteau, La gran odalisca de Ingres, La balsa de la Medusa de Gricault y La muerte de Sardanpalo de Delacroix. Sobresale la pintura italiana, con abundantes ejemplos desde Cimabue, Giotto, Fra Angelico (La Coronacin de la Virgen), Andrea Mantegna y Paolo Uccello (La Batalla de San Romano) hasta Caravaggio (La muerte de la Virgen), Guido Reni... El repertorio del Renacimiento es singularmente rico, con el conjunto ms valioso de Leonardo da Vinci ( La Gioconda, La Virgen de las Rocas, San Juan Bautista...) y varias obras de Rafael Sanzio, Tiziano, Andrea del Sarto... El fondo de los Pases Bajos no es demasiado extenso, aunque incluye ejemplos de primer orden desde Hans Memling hasta Rubens y Van Dyck. El repertorio holands brilla con Rembrandt ( El buey desollado), Frans Hals (La gitana) y Vermeer, con la famosa Encajera y El astrnomo. Entre las contadas muestras alemanas, destaca un Autorretrato de Durero, y las salas de pintura espaola incluyen a Zurbarn, Murillo, Jos de Ribera ( El patizambo), Goya... Tristemente, ninguno de los cuadros que se asignaban a Velzquez son suyos. Adems de obras de arte, el Louvre tiene una amplia coleccin de muebles, siendo el objeto ms espectacular de esta coleccin el Bureau du Roi del siglo XVIII, hoy devuelto al Palacio de Versalles.
Escultura
No menos relevantes son las colecciones de escultura, que abarcan desde las civilizaciones antiguas de Mesopotamia y Egipto hasta el neoclsico (Canova). Incluyen obras legendarias como los gigantescos toros alados de Mesopotamia, el Cdigo de Hammurabi, la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia o El escriba sentado, de la V dinasta de Egipto. El Louvre cuenta tambin con un fragmento de friso del Partenn de Atenas. La presencia de estas esculturas fuera de sus lugares de origen, en muchos casos obtenidas por expolio o compras dudosas, ha provocado tensiones entre los franceses y los pases afectados, Italia, Grecia y Egipto entre otros. Con todo, hay que reconocer que el hallazgo y envo de tales obras al Louvre garantiz su conservacin y difusin masiva. La escultura de la Edad Media tiene por principal joya la Tumba de Philippe Pot, con el sarcfago sostenido por inquietantes figuras de vestiduras negras. Junto con un relieve de Donatello, destacan el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde de Miguel ngel y La ninfa de Fontainebleau, que le fue encargada a Benvenuto Cellini por Francisco I.
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Antigedades orientales
El departamento de antigedades orientales conserva objetos de la regin situada entre la actual India y el Mar Mediterrneo. Desde el Neoltico, numerosas civilizaciones se han sucedido en esta zona, donde se observa la aparicin de una administracin poltica, militar y religiosa. Es igualmente la cuna de la escritura, que hizo aparicin alrededor del 3300a.C. en Uruk, Mesopotamia. El museo del Louvre dispone de tres colecciones relevantes en este departamento, organizadas segn los conjuntos geogrficos y culturales: Mesopotamia (Sumeria, Babilonia, Asiria, Anatolia...), con el Cdigo de Hammurabi como principal joya. Irn. Pases de Levante (costa siria-palestina, Chipre).
Arte islmico
Este departamento, creado en otoo de 2003, reagrupa las colecciones provenientes del rea situada entre Espaa y la India y datan del origen de la civilizacin islmica (622) hasta el siglo XIX. Aqu se encuentran muchas joyas del arte islmico: como el Pxide de Al-Mughira, una caja de marfil del ao 968 elaborada en el califato de Crdoba; Le Plat au Paon, una importante cermica otomana, y sobre todo el Baptisterio de San Luis, una de las ms clebres y enigmticas piezas de este arte, creada por Muhammad ibn al-Zayn a comienzos del siglo XIV. Tambin es destacable el material de las excavaciones en Susa (Irn), en las que el museo particip. El museo pronto tuvo que doblar el espacio dedicado al arte islmico para mostrar al menos 3.005 obras.
Obras destacadas
Siglos XIII al XV
Madonna con ngeles, Cimabue, h. 1270
Retrato de Juan II el Bueno, annimo, h. 1350
Madonna con ngeles, Cimabue (h. 1270) San Francisco de Ass recibe los estigmas, Giotto (h. 1290-1300)
Museo del Louvre Retrato de Juan II el Bueno, annimo (h. 1350). Adquirido por Luis XV, parte de las colecciones reales Virgen del Canciller Rolin, Jan van Eyck (h. 1435). Tomada en la Revolucin Francesa (1796) Retrato de Carlos VII, Jean Fouquet (1445-1448). Comprado en 1838 Il Condottiere, Antonello da Messina (1475). Comprado en 1865 San Sebastin, Andrea Mantegna (1480) La nave de los locos, el Bosco (1490-1500) Autorretrato, Alberto Durero (1493). Comprado en 1922
Esculturas
Psique reanimada por el beso del amor, de Antonio Canova. El escriba sentado, del Antiguo Egipto.
Victoria alada de Samotracia.
Venus de Milo, de la Antigua Grecia.
El escriba sentado, autor annimo, (2480-2350 a. C.) Cdigo de Hammurabi, de Mesopotamia (1760 a. C.) Venus de Milo, autor annimo. Victoria alada de Samotracia, probablemente de Pithkritos de Rodas, (hacia el 190 a. C.) Psique reanimada por el beso del amor, de Antonio Canova, escultura del ao 1797
Museo del Louvre Renacimiento: Siglo XVI
Las bodas de Can, por el Verons
La Gioconda, por Leonardo da Vinci
La Virgen, el Nio Jess y santa Ana, por Leonardo da Vinci
La Virgen de las Rocas, Leonardo da Vinci, (1483-1486) La Gioconda, Leonardo da Vinci (1503-1506), adquirida por Francisco I en 1519 La Virgen, el Nio Jess y santa Ana, Leonardo da Vinci (1508) La Bella Jardinera, Rafael Sanzio (1508). Perteneci a las colecciones reales, y fue adquirida por Francisco I. Retrato de Baltasar Castiglione, Rafael (h. 1515), adquirido por Luis XIV del patrimonio del Cardenal Mazarino Las bodas de Can, Paolo Veronese (1562-1563). Colgaba a dos metros y medio del suelo en el monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia hasta que fue saqueado por las tropas napolenicas en 1797 Siglo XVII
Et in Arcadia ego, Nicolas Poussin (1637-1638) Betsab en el bao, Rembrandt (1654) Carlos I de Inglaterra, Van Dyck (1635)
Exvoto de 1662, Philippe de Champaigne (1662)
Carlos I de Inglaterra, sir Anthony van Dyck (1635) Naturaleza muerta, Willem Heda (1637) San Jos carpintero, Georges de la Tour (1642), donado en 1948 El pie varo, Jos de Ribera (1642), adquirido en 1869
Museo del Louvre Los peregrinos de Emas, Rembrandt (1648), cogido durante la Revolucin francesa en 1793 Nio mendigo, Murillo (h. 1650), comprado por Louis XVI alrededor de 1782 Betsab en el bao, Rembrandt (1654), adquirido en 1869. El buey desollado, Rembrandt, (1655), adquirido en 1857. Exvoto de 1662, Philippe de Champaigne (1662), cogido durante la Revolucin Francesa en 1793 La encajera, Johannes Vermeer, (1669-1670), comprado en 1870 Et in Arcadia ego, Nicolas Poussin (1637-1638) Siglo XVIII
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Bodegn con gato y raya, Chardin, 1728
Embarque para Citerea (detalle), Watteau, 1717 Retrato de Luis XIV, Rigaud, 1701
Retrato de Luis XIV, Hyacinthe Rigaud (1701) Embarque para Citerea, Antoine Watteau (1717) Bodegn con gato y raya, Jean Simon Chardin (1728) Juramento de los Horacios, Jacques-Louis David (1784) Master Hare, Joshua Reynolds (1788-1789)
Retrato de la condesa del Carpio, Francisco de Goya (1794-1795) Siglo XIX
Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, Gros, 1804
La balsa de la Medusa, Gricault, 1819
La libertad guiando al pueblo, Delacroix, 1830
Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, Antoine-Jean Gros (1804) La balsa de la Medusa, Thodore Gricault (1819) Puente de Narni, Camille Corot (1826) La Libertad guiando al pueblo, Eugne Delacroix (1830)
Museo del Louvre Las dos hermanas, Thodore Chassriau (1843) El bao turco, Ingres (1862)
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El Louvre en la literatura y el cine

Literatura
L'Assommoir, novela de mile Zola (1877). El cdigo Da Vinci, novela de Dan Brown. La canopea del Louvre, cuentos de Regina Avila y William Navarrete, Valencia 2007.
Cine
La ciudad Louvre (La ville Louvre, Nicolas Philibert, 1990), documental. La ciudad Louvre [3] en www.trendesombras.com [4] Banda aparte (Bande part, Jean-Luc Godard, 1964), ficcin. Belphgor, el fantasma del Louvre (Belphgor, le fantme du Louvre, Jean-Paul Salom, 2000), ficcin. Soadores (The Dreamers / I sognatori), Bernardo Bertolucci, 2003, ficcin. El cdigo Da Vinci, Ron Howard, 2006, ficcin.
Fuente (parcial)
Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa)
Enlaces externos
Pgina web oficial del museo (en francs) [1] Imgenes del Louvre en el Castillo de la Real Fuerza (Cuba) [5] Pgina oficial sobre la sede del Louvre en Abu Dabi (en francs)
[2]
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Museo del Louvre.Commons
Referencias
[1] [2] [3] [4] [5] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ commun/ home. jsp http:/ / www. culture. gouv. fr/ culture/ actualites/ index-aboudabi. html http:/ / www. trendesombras. com/ num1/ philibert02. asp http:/ / www. trendesombras. com http:/ / www. cubasi. cu/ graficosinteractivos/ imagenes-del-louvre-cuba-castillo-de-la-real-fuerza. htm
ngel (Rafael, Pars)
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ngel (Rafael, Pars)
ngel (Fragmento del retablo Baronci) Rafael Sanzio, 1500-1501 leo sobre tabla- Renacimiento 57 cm 36 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este ngel es una de las cuatro tablas que formaban el retablo Baronci, obra del pintor italiano Rafael. Est realizado al leo sobre tabla. Mide 57 cm de alto y 36 cm de ancho. Fue pintado en 1500-1501. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars, Francia.
Historia
El retablo Baronci es conocido en italiano como Pala di San Nicola da Tolentino (Retablo de san Nicols de Tolentino). El 10 de diciembre de 1500, Rafael y Evangelista da Pian di Meleto, un pntor mayor del taller del padre de Rafael, recibieron el encargo de pintar juntos un gran retablo dedicado a Nicols de Tolentino para la capilla Baronci en la iglesia de San Agustn en Citt di Castello, cerca de Urbino. En los documentos Rafael, a diferencia de su colaborador, es mencionado como magister ("maestro"). La obra se finaliz el 3 de septiembre de 1501. Durante un fuerte terremoto en 1789 la obra result tan daada que decidieron serrarla en pedazos y mostrar slo las partes no afectadas. Ese mismo ao, el papa Po VI adquiri los fragmentos para las Colecciones Vaticanas, donde permanecieron hasta 1849. No est claro lo que ocurri con ellos despus. Slo muchos aos ms tarde los estudiosos pudieron localizar seis piezas diferentes, cuatro fragmentos de la pintura principal y dos predelas, que han entrado a formar parte de diferentes colecciones.
ngel (Rafael, Pars)
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Descripcin de la obra
Se trataba de un retablo, pintado al leo sobre madera. Una imagen de la obra al completo se encuentra en una copia del siglo XVIII en la Pinacoteca cvica en Citt di Castello. Esbozos preliminares de Rafael se pueden encontrar en el Museo Wicar, Lille y el Museo Ashmolean, Oxford. Sobre la base de estos dibujos se ha asumido que el diseo del altar es enteramente obra de Rafael, mientras que en la ejecucin fue ayudado por Evangelista da Pian di Meleto. Lo ms probable es que Rafael pintara el retablo y Pian di Mileto las predelas. En el centro del retablo apareca Nicols de Tolentino, en pie, bajo una arquera, con el diablo a sus pies. Junto a l haba tres ngeles. Por encima, Dios Padre con una corona en la mano, y rodeado de cabezas de ngeles. A su izquierda, estaban pintados la Virgen Mara y Agustn de Hipona.
Fragmentos supervivientes
Fragmentos del retablo principal: Dios Padre, 112 x 75 cm Npoles, Museo de Capodimonte. Virgen Mara, 51 x 41 cm. Npoles, Museo de Capodimonte. ngel, 57 x 36 cm. Pars, Museo del Louvre. ngel, 31 x 27 cm Brescia, Pinacoteca Tosio Martinengo. Predelas: San Nicols de Tolentino resucitando dos perdices, 29.2 x 54.0 cm. Detroit, Institute of Art. San Nicols de Tolentino rescatando a un nio que
ngel expuesto en Brescia
iba a ahogarse, 26.7 x 51.8 cm. Detroit, Institute of Art.
Referencias
Basado en el artculo de la wikipedia en alemn, que da como fuentes: Hertig, Louis; Pierluigi de Vecci (1967). Klassiker der Kunst Raffael. Viena: Kunstkreis Luzern Freudenstadt. Ferino Pagden, Sylvia; Maria Antonietta Zancan (1989). Raffaello : catalogo completo dei dipinti. Florencia: Cantini. ISBN 88-8030-146-2.
ngel (Rafael, Pars)
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Enlaces externos
San Nicols de Tolentino resucitando dos perdices [1] San Nicols de Tolentino rescatando a un nio que iba a ahogarse
[2]
Referencias
[1] http:/ / www. dia. org/ the_collection/ overview/ full. asp?objectID=56933& image=1 [2] http:/ / www. dia. org/ the_collection/ overview/ full. asp?objectID=56934& image=1
Anunciacin (Leonardo, Louvre)
Anunciacin (Annunciazione) Leonardo da Vinci, c 1478 Temple y leo sobre tabla- Renacimiento 16 cm 60 cm Museo del Louvre
La tabla tiene unos dos centmetros de espesor. La madera es lamo. El cuadro constituye la parte central de la predela de un altar encargado en 1474 a Andrea del Verrocchio con destino a una de las capillas de la catedral de Pistoia. La atribucin a Leonardo ha sido siempre discutida. En el momento de su ingreso en el Louvre, en 1863 fue adjudicada a Ghirlandaio, y posteriormente a Lorenzo di Credi, antes de que se consignara definitivamente como de Leonardo. Ha habido intentos de atribuir la obra a la ejecucin por parte de diferentes artistas del crculo de Verrocchio, de forma simultanea. Sin embargo, el pequeo tamao de la obra hace difcil imaginar a varios pintores colaborando en su realizacin. Los crticos partidarios de atribuir la obra a Leonardo sitan el cuadro entre los aos 1478 y 1480. Sin embargo desde un punto de vista estilstico es difcil de combinar esta aseveracin con otra obra del mismo periodo, como el Retrato de Ginebra de Benci, muy superior en todos los aspectos, y por supuesto en cuanto a tcnica pictrica, a la pequea Anunciacin del Louvre. Para poder mantener la autora leonardiana habra que retrotraer la obra mucho antes de 1478. Algunos crticos proponen la teora de atribuir la obra a la mano de Lorenzo di Credi, pero partiendo ste para su realizacin de un dibujo previo de Leonardo. Apoya esta proposicin la existencia de un dibujo atribuido a Leonardo con el mismo esquema general, y que se conserva en la Galera Uffizi.
Anunciacin (Leonardo, Louvre)
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Referencias
"Leonardo", Los grandes genios del arte, n. 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2 Pijon, J., "Los ltimos cuatrocentistas", en Summa Artis, Antologa, V, Espasa, pg. 66; ISBN 84-670-1356-7.
Autorretrato con pintura y pinceles
Autorretrato con pintura y pinceles Rembrandt, 1660 leo sobre tela- Barroco 111 cm 85 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este Autorretrato del pintor holands Rembrandt est realizado en leo sobre lienzo, y fue pintado en el ao 1660. Mide 111 cm de alto y 85 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars (Francia), donde se exhibe con el ttulo de Portrait de l'artiste au chevalet. Form parte de la coleccin de Luis XIV, adquirido por el marchante De La Feuille en 1671. Rembrandt realiz numerosos autorretratos a lo largo de la vida, lo que permite conocer su evolucin estilstica y adems interrogarse, analizarse a s mismo. Este impresionante autorretrato es uno de los ltimos, y como en el resto, se presenta con realismo: las ojeras, las arrugas, la nariz grande, el gorro de pintor, el pelo despeinado. Los ojos miran fijamente hacia el espectador. Encuadrado en un entorno sombro, slo destacan, adems de su rostro, las manos, una sosteniendo un pincel y otra la paleta, as como el perfil del cuadro que est pintando, en el lado derecho. Aparece as Rembrandt igualndose a un gran maestro antiguo, como un Ticiano, o un nuevo Apeles.
Autorretrato con pintura y pinceles
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Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Artculo sobre este cuadro [1] en la pgina web del Museo del Louvre
Referencias
[1] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=25562
Autorretrato de Durero (Louvre)
''Autorretrato(Selbstportait) Alberto Durero, 1493 leo sobre tela encolada- Renacimiento 56,5 cm 44,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este Autorretrato (en alemn, Selbstportait) es una de las obras ms conocidas del pintor alemn Alberto Durero (Albrecht Drer). Es un leo sobre tela encolada, pintado en 1493. Mide 56,5 cm de alto y 44,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars. Tambin es conocido como Autorretrato con flor de cardo.
Historia
Alberto Durero, hijo de un orfebre hngaro que se estableci en Nremberg, es el mximo representante del Renacimiento en Alemania. Fue el primer pintor occidental que se represent a s mismo en varios autorretratos, a lo largo de su vida. Gracias a ellos, se puede ver la evolucin humana del artista. Precisamente la obra suya ms antigua que se conserva es un Autorretrato [1] realizado a punta de plata, que es un tipo de grabado en el que no cabe rectificacin. Lo hizo en el ao 1484, cuando tena 13 aos. Se conserva en el museo Albertina, que se encuentra en el Palacio Imperial de Hofburg (Viena), junto a otras obras del autor como La liebre. Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autnomo sobre caballete de la pintura alemana.
Autorretrato de Durero (Louvre)
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Anlisis del cuadro

Esta obra fue realizada sobre papel (pergamino) despus pegado al lienzo, con las siguientes dimensiones: 57 45 cm. Durero aparece imberbe, adolescente, con una ramita de cardo en las manos, smbolo del sufrimiento de Cristo; la flor de cardo, llamada Mannestruc en alemn, representa tambin desde la Antigedad, la fidelidad conyugal, y se ofreca a las jvenes esposas. Durero, sin embargo, tena entonces 22 aos y an estaba soltero, pues su boda tuvo lugar al ao siguiente. Podra ser un cuadro para regalar a su novia, Agnes Frey. Adopta una postura de tres cuartos. Mira fijamente al espectador. El cabello rubio y largo no impide que se le vea la frente, la mandbula y el lbulo de la oreja. Lleva un tocado de color rojo, como los ribetes de la ropa. A juzgar por su peinado y apariencia, parece que el momento que transcurra era de una pobreza relativa. En la parte superior, sobre su cabeza, aparece la fecha y una inscripcin que dice: My sach die gat / Als es oben schtat. Se ha traducido como Mi destino progresar segn el orden Supremo; tambin puede entenderse como Todo me va como est ordenado desde all arriba o Las cosas me van como all arriba est ordenado. Es una de sus primeras obras, en la que combina la expresin retenida del gtico alemn, con la precisin de un Van Eyck. Pero a este estilo nrdico le insufla un espritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente, dueo de sus pensamientos, ejemplo de espritu humanista. Es una Obra maestra de introspeccin aguda, anlisis lcido y sin pasin por su propio genio (B. Zumthor) Como en el resto de sus autorretratos y retratos, resulta magistral en cuando a la profundidad psicolgica.
Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Pijon, J., Durero, en Summa Artis, Antologa, V, Espasa; ISBN 84-670-1356-7 Zumthor, B., Durero, en el Diccionario Larousse de la Pintura, Planeta-Agostini, 1987. ISBN 84-395-0649-X Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 165
Enlaces externos
Artculo sobre el cuadro Autoportrait o Portrait de l'artiste tenant un chardon pgina web del Museo del Louvre.
[2]
en la
Referencias
[1] http:/ / www-history. mcs. st-andrews. ac. uk/ ~history/ Miscellaneous/ Durer/ Self_13. html [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673226353& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673226353& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500797& fromDept=false& baseIndex=4
Baco (Leonardo)
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Baco (Leonardo)
Baco (o san Juan Bautista) Bacco (o San Giovanni Battista) Leonardo da Vinci, h. 1510-1515 leo sobre tabla transferido a lienzo- Renacimiento 177 cm 115 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Baco (en italiano, Bacco) es un cuadro a menudo atribuido al pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Est pintado al leo sobre tabla transferido a lienzo y mide 177 cm. de alto y 115 cm. de ancho y data del periodo 1510-1515. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars (Francia). Algunos autores han afirmado que la pintura pudo ser obra de Cesare da Sesto, Cesare Bernazzano, Francesco Melzi o un "pintor lombardo". El fondo no parece tpico de la obra de Leonardo y por ello da lugar a especulaciones sobre su autora. Actualmente se considera que es un cuadro heredado por Salai, documentado en 1625 en Fontainebleau y en 1695 en las colecciones reales francesas.
Anlisis
La obra se centra en un personaje sentado cuya mano derecha, con el brazo doblado sobre el pecho, apunta hacia la derecha mientras que la izquierda seala hacia abajo. Es un joven prcticamente desnudo de aspecto andrgino. Est colocado en una ambientacin naturalstica y supone una vuelta al tema de la figura clsica. La figura humana tiene un modelado suave logrado por el esfumado. No se sabe con certeza si Leonardo pint a Juan el Bautista en el desierto o al dios romano del vino y la embriaguez, Baco. En la coleccin del rey Fracisco I apareca como San Juan en el desierto. Para ser Juan el Bautista, no tiene en la mano el bastn crucfero tpico de la iconografa clsica y s lo que parece un tirso. No obstante, la ausencia de este smbolo, junto a la posicin de las manos, podra indicar que sin la cruz, ests condenado al infierno, que sera a dnde est apuntando con la mano izquierda. El fondo del paisaje, adems, no es propiamente un desierto, ya que aparece vegetacin. Segn parte de la crtica, originariamente representaba a san Juan en el desierto, con sus atributos tpicos y slo posteriormente, entre 1683 y 1695, se le aadieron la corona de pmpanos, la piel de pantera y el racimo de uvas, atributos de Baco. Ninguno de estos atributos bquicos aparecen en dos copias conocidas de la obra: una de Cesare da Sesto y
Baco (Leonardo) otra en la iglesia de San Eustorgo de Miln; y s aparecen, en cambio, en una derivacin pintada por Andrea del Sarto y que se conserva en Worcester.
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Referencias
"Leonardo", Los grandes genios del arte, n. 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2 Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 95
Enlace externo
Muse du Louvre
[1]
- Pgina web oficial
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr
Baptisterio de San Luis

El Baptisterio de Saint Louis est considerado una de las joyas del arte islmico. Es un cuenco de latn, elaborado en poca del sultanato de los mamelucos, pueblo formado por antiguos esclavos de origen turco.
Ubicacin de la obra
Perteneci en primera instancia al tesoro de la Santa-Capilla de Vincennes. Desde Luis XIII al menos, serva de cuba expuesta en el Museo del Louvre, Pars. bautismal en los bautismos de los nios de la corte en Francia, y sirvi por ltima vez al del prncipe Napolon Eugne en 1856. Pas a formar parte de la coleccin del Museo del Louvre, despus de la Revolucin francesa, en 1793.
Detalle de un medalln exterior de la pieza
Historia
Se duda si el cuenco procede concretamente de Siria o Egipto; se ha datado en el siglo XIV y fue elaborado por el taller del metalrgico rabe Muhammad ibn al-Zayn. El nombre de baptisterio de San Luis se le dio en el siglo XVIII pero no corresponde a ninguna realidad histrica, dado que se fabric despus de la muerte de Luis IX en 1270. El cuenco contiene inscripciones florales arabescas, jinetes combatiendo, reyes en su trono, y toda clase de animales terrestres: gacelas, conejos, elefantes, animales acuticos: serpientes, tortugas, cangrejos y anguilas y fantsticos, como el unicornio. Se desconoce quin encarg esta pieza; se han encontrado seis inscripciones con el nombre del autor en el cuenco.
Baptisterio de San Luis
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Caractersticas
Material: latn martillado, oro, plata y pasta negra. Altura: 22,8 cm.
Bibliografa
Ayalon, David, Le Phnomene mamelouk dans lOrient islamique, Pars, PUF, 1996. ISBN 2130478069. b
Vase tambin
Mamelucos Arte islmico Museo del Louvre
Enlaces externos
www.louvre.fr
[1] [1] Imagen de un mameluco.
Vdeo en youtube de la pieza
Referencias
[1] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=hwQiv6Uj79s/
La barca de Dante
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La barca de Dante
La barca de Dante (La Barque de Dante) Eugne Delacroix, 1822 leo sobre lienzo- Romanticismo 189 cm 241 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La Barque de Dante o Dante et Virgile aux enfers (La barca de Dante o Dante y Virgilio en los infiernos) es un leo sobre lienzo de Eugne Delacroix pintada en 1822.
Batalla de San Romano
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Batalla de san Romano. Intervencin decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto da Cotignola (Battaglia di san Romano. Intervento decisivo a fianco dei fiorentini del condottiero Micheletto Attendolo da Cotignola) Paolo Uccello, 1456 Tmpera sobre madera- Renacimiento 180 316 Museo del Louvre, Pars, Francia
La batalla de San Romano o La derrota de san Romano (en italiano, Battaglia di san Romano) es un trptico o conjunto de tres pinturas, obra del pintor italiano Paolo Uccello. Est realizado con temple al huevo sobre tabla y actualmente se conserva disperso en tres museos: National Gallery de Londres, Louvre de Pars y Galera de los Uffizi de Florencia.
Datacin
Se considera que el trptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y contina siendo objeto de considerable debate. Los crticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho despus de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hiptesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.
Historia
Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicols de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola. Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, como se crey durante mucho tiempo, un encargo de Cosme de Mdicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena. Aparentemente tuvieron en un principio forma de arco. La tabla del Louvre est sin duda rellenada en sus esquinas superiores y en el rea inferior izquierda cuando, entre 1479 y 1486, las tres escenas de la batalla fueron requisadas por Lorenzo de Mdicis para su
Batalla de San Romano palacio en Florencia. Estn descritas en un inventario de su dormitorio en 1492. Actualmente se conservan por separado en tres de los museos ms destacados de Europa, con las siguientes medidas, indicadas en Wikicommons: Nicols de Tolentino liderando a los florentinos (Niccol da Tolentino alla testa dei fiorentini), National Gallery de Londres, donde se encuentra expuesta con el ttulo de Niccol Mauruzi da Tolentino at the Battle of San Romano. Mide 182 cm de alto y 317 cm de ancho. Intervencin decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto da Cotignola o Contraataque de Michelotto da Cotignola en la Batalla de San Romano (Intervento decisivo a fianco dei fiorentini del condottiero Micheletto Attendolo da Cotignola). Mide 180 cm de alto y 316 cm de ancho. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars, Francia, con el ttulo de La Bataille de San Romano. La Contre-attaque de Micheletto da Cotignola. Nicols Mauricio de Tolentino derriba a Bernardino Della Ciarda en la Batalla de san Romano o El triunfo sobre Bernardino Della Ciarda (Disarcionamento di Bernardino della Ciarda). Mide 182 cm de alto y 323 cm de ancho. Se encuentra en la Galera Uffizi, Florencia. La primera tabla se cree que es la de la Nacional Gallery de Londres, representando el inicio de las hostilidades, con Niccol da Tolentino dirigiendo a las tropas florentinas. El contraataque por parte de Micheletto da Cotignola presenta el segundo episodio de este ciclo histrico. La tercera sera la de los Uffizi, mostrando el final de la batalla, con la derrota de los sieneses: Bernardino della Ciarda, lder del ejrcito siens, resulta descabalgado.
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Anlisis de la obra
En este trptico, como en otras obras del mismo artista, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como, por ejemplo, el tratamiento escultrico de los volmenes y los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de tradicin gtica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas de los combatientes. Las figuras de los hombres y de los animales son geomtricas y precisas, aunque irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules. Esa luz y colores irreales puede que estn inspirados en algn relato
El contraataque de Micheletto da Cotignola, detalle
caballeresco. Al presentar el contraataque de Micheletto, la descripcin de la secuencia de acontecimientos es un pretexto para una expresin detallada del movimiento. Las figuras se presentan en escorzos, esto es, mediante la representacin deformada del motivo bajo el efecto de una perspectiva inusual, lo que permite representar situaciones dramticas. Gracias a este recurso, Uccello crea sensacin de profundidad en el espacio. Puede verse en el cadver que yace en el suelo en una posicin similar a la del Cristo muerto de Mantegna, pero boca abajo en lugar de boca arriba; y en los dos jinetes ligeramente
Batalla de San Romano inclinados y vistos de espalda de la parte derecha del cuadro. Algunos caballos se muestran de espaldas o de lado, para ensayar su relieve pictrico. A la derecha, los guerreros esperan el asalto, con uno de ellos preparando su arma. El centro de la tabla del Louvre est ocupado por Micheletto da Cotignola sobre un caballo negro dando la seal de ataque. Tiene una actitud de mando y una grave expresin en el rostro, que contrasta con el gesto embravecido del caballo. El ejrcito empieza a moverse y a la izquierda la caballera carga contra el enemigo, bajando las lanzas en posicin de ataque. De esta manera Uccello triunfa al crear la ilusin de un mpetu general orquestado por las lanzas y los caballos. Para el pintor, esta masa de caballeros e infantera, le permite ejercitar satisfactoriamente su obsesin con la representacin de la forma pura de acuerdo con las leyes de la ptica. Uccello sigue fielmente los principios de la perspectiva arquitectnica pero, a diferencia de otros pintores de su tiempo, no usa su conocimiento extenso de la perspectiva para colocar esta escena en un espacio claramente definido, sino que representa la batalla contra un fondo relativamente oscuro. Destaca la presencia de los mazzochi, sombreros florentinos de diferente aspecto que el artista describe detalladamente. Tambin describe con minuciosidad las suntuosas armaduras de los soldados; para colorearlas, Uccello us un compuesto que ha resultado daado con el paso del tiempo.
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Trptico
La Batalla de san Romano
Referencias
Este artculo es una traduccin de las Wikipedias italiana e inglesa, y, adems, usa las siguientes fuentes: La batalla de san Romano
[1]
(Museo del Louvre, en francs).
Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007, ISBN 978-84-674-3807-9, pp. 6263. Maneyre-Dagen, N., Leer la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-598-5. Monreal, L., Grandes Museos, vol. 2, Editorial Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (coleccin completa).
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Enlaces externos
Reproducciones de las tres pinturas
[2]
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225156& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225156& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& baseIndex=29& bmUID=1171105299032& bmLocale=fr_FR [2] http:/ / gallery. euroweb. hu/ html/ u/ uccello/ 4battle/ index. html
El benedcite
El benedcite (Le Bndicit) Jean Simon Chardin, 1740 leo sobre tela- Rococ 49,5 cm 38,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El benedcite (en francs, Le Bndicit) o La bendicin es un lienzo del pintor francs Jean Simon Chardin. Est realizado en leo sobre lienzo. Mide 49,5 cm de alto y 38,5 cm de ancho. Fue pintado en 1740, encontrndose actualmente en el Museo del Louvre, de Pars (Francia).
Historia
Esta escena de gnero fue presentada por Chardin en el saln de 1740. Fue muy admirada por el filsofo Diderot, sin duda por su exaltacin de la sencilla vida familiar y la intimidad que se transmite. La adquiri el rey Luis XV y pas a formar parte de las colecciones reales. No obstante, es un cuadro que qued olvidado diez aos despus de la muerte de Luis XV. Durante la Revolucin Francesa, pas al Musum Central des Arts, germen del Museo del Louvre, en 1793. La burguesa del siglo XIX redescubri esta obra en 1845. En la poca se apreciaban las virtudes burguesas (honor, orden, ahorro) en contraposicin al libertinaje general de la nobleza. Chardin pint varias versiones de este lienzo.
El benedcite
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Anlisis
Se representa una modesta escena de interior. Una madre y sus dos hijos se disponen a comer. Pero antes bendicen la mesa. Es un tema que ya con anterioridad se haba tratado en la escuela holandesa de pintura del siglo XVII. Chardin enfatiza las virtudes burguesas, tranquilas, discretas, ocultas. Describe una vida dedicada al deber. Es una obra de composicin simple, con grandes espacios vacos. La ambientacin se reduce al mnimo: una estantera con botellas, una fuente de arcilla y una cacerola en la pared. Una mesa cubierta por un mantel blanco[1] . La forma redonda de la mesa se reitera en la disposicin de las figuras en torno a ella. Sus miradas no salen del cuadro, enlazndose entre s para recrear el mundo cerrado en s mismo. La ejecucin es refinada; la luz y los colores, moderados[1] .
Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Artculo sobre esta pintura en la pgina web del Louvre
[2] [1] Eva-Gesine Baur, El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 358, ISBN 3-8228-4744-5 [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225125& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225125& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& baseIndex=7& bmUID=1186093410919& bmLocale=en
Bonaparte cruzando los Alpes
Bonaparte cruzando los Alpes (Bonaparte franchissant les Alpes) Paul Delaroche, 1848 leo sobre lienzo- Realismo 118 cm 279 cm Museo del Louvre
Bonaparte cruzando los Alpes (tambin llamado Napolen cruzando los Alpes, a pesar de la existencia de otra pintura con ese nombre) es una pintura al leo de 18481850 que
Bonaparte cruzando los Alpes retrata a Napolen Bonaparte,[1] realizada por el artista francs Paul Delaroche.[2] [3] La pintura muestra a Bonaparte montado en una mula, guiando a su ejrcito a travs de los Alpes,[I] un viaje realizado en la primavera de 1800,[4] en su intento por sorprender a las tropas austracas en Italia.[5] [6] La obra se inspir en la serie de cinco pinturas de Napolen cruzando los Alpes (1801-1805) realizadas por Jacques-Louis David. Las obras de David tambin muestran el viaje de Napolen por el paso del Gran San Bernardo; sin embargo, existen importantes diferencias estilsticas entre ambas concepciones. El Napolen de Delaroche tiene fro y est alicado, mientras que el de David viste un uniforme prstino y es idealizado como hroe. Delaroche recibi la comisin de pintar un retrato realista, estilo que estaba surgiendo en esa poca.[1] [7] Pese a que la pintura representaba y era una de las pioneras de este nuevo estilo, la obra fue criticada por varias autoridades en el tema. Sus motivos eran variados: desde la representacin de la escena, hasta la desaprobacin general del mismo Delaroche. Muchos de los que adheran a esta ltima opinin sentan que Delaroche trataba de plasmar de algn modo el genio de Napolen y que haba fallado en el intento.[8]
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Trasfondo
Contexto histrico
Como parte de su campaa de 1798 durante las Guerras Revolucionarias Francesas, Napolen prepar la invasin y conquista de Egipto, el cual en esa poca era una provincia del Imperio Otomano.[9] Una accin militar como esa prometa grandes beneficios, como por ejemplo asegurar los intereses comerciales de Francia e impedir el acceso de los britnicos a la India. Para el primero de julio de ese mismo ao, Napolen haba desembarcado en la costa egipcia.[10] Sin embargo, luego de una prolongada cadena de conflictos que resultaron en enormes prdidas, la campaa acab con la victoria otomano-britnica y Napolen debi regresar a Francia.
La batalla de las Pirmides (17981799) de Francois-Louis-Joseph Watteau muestra la batalla del mismo nombre, ocurrida durante la campaa de Egipto realizada por Napolen (Museo de Bellas Artes de Valenciennes, Francia).
Cuando lleg, encontr que en su ausencia, las fuerzas austracas haban vuelto a tomar Italia. Para recuperar su ventaja, plane lanzar un asalto sorpresivo sobre el ejrcito austraco destinado en la Repblica Cisalpina. Basado en el supuesto de que los austracos jams esperaran que el gran ejrcito napolenico fuese capaz de atravesar los Alpes, opt por tomar esa ruta,[11] eligiendo el paso ms corto (el Paso del Gran San Bernardo), que le permitira alcanzar su destino tan velozmente como era posible.[12] [13] El 15 de mayo de 1800, Napolen y su ejrcito de 40.000 hombres sin incluir la artillera de campaa y los vagones de carga (35.000 de artillera ligera e infantera, y 5.000 de caballera) comenzaron el arduo viaje por las montaas.[14] [15] [16] [II] Durante los cinco das que demor el cruce del paso, el ejrcito napolenico consumi casi 22.000 botellas de vino, ms de una tonelada y media de queso y cerca de 800 kilogramos de carne.[14]
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Luego de cruzar los Alpes, Napolen comenz las operaciones militares contra el ejrcito austraco. A pesar del comienzo poco auspicioso de la campaa, las fuerzas austracas fueron obligadas a retroceder hasta Marengo despus de casi un mes. All fue donde el 14 de junio tuvo lugar una gran batalla que acab con la evacuacin de Italia por parte de los austracos.[1] Aunque el ejrcito de Napolen result victorioso, fue quien sufri ms bajas: aproximadamente 1.100 frente a las 960 de los austracos.[III]
Delaroche
Los primeros trabajos de Delaroche haban estado basados en el Antiguo Testamento, pero poco a poco su inters fue variando hacia escenas de la historia inglesa y francesa.[17] l combinaba su habilidad para los colores con su inters en escenas detalladas de la historia.[18] Bonaparte cruzando los Alpes, que fue pintada apenas ocho aos antes de la muerte de Delaroche, ejemplifica este perodo en su carrera.
Napolen en la vspera de su primera abdicacin, el 4 de abril de 1814 (Napolon abdiquant Fontainebleau"), pintura al leo de Delaroche, 1845 (Museo de Artes Plsticas de Leipzig, Alemania.
Dejando a un lado su encargo, Delaroche se inspir para crear Bonaparte cruzando los Alpes debido a que senta que l se pareca a Napolen y que sus logros eran comparables con los de ste.[2] Es probable que la pintura de Delaroche sea precisa histricamente; los detalles como la vestimenta de Napolen parecen haber sido investigados por el artista en su esfuerzo por conferirle autenticidad.[8]
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Obra
Encargo de la obra
Arthur George, Tercer Earl de Onslow, encarg la realizacin de la pintura luego de que l y Delaroche visitaron el Louvre en Pars, donde vieron la versin de David del famoso acontecimiento. La obra haba vuelto a exponerse haca poco tiempo, tras una renovacin del inters en Napolen, casi 40 aos despus de su exilio.[IV] George, quien posea una coleccin considerable de parafernalia napolenica, opinaba al igual que Delaroche que la pintura no reflejaba la realidad y le encarg la creacin de una representacin ms realista.[19]
La versin de Jacques-Louis Davi de la escena difiere enormemente del pensamiento de Delaroche de Napolen cruzando los Alpes (Castillo de Malmaison, Yvelines, Francia).
Contraste con la representacin de David

El contraste entre la representacin de Jacques-Louis
David de la misma escena (de Napolen atravesando los Alpes camino a Italia), que fue un retrato halagador [20] [V] solicitado por el rey de Espaa para Napolen[21] (como regalo), y la representacin de Delaroche en Bonaparte cruzando los Alpes es evidente. La primera y ms importante diferencia se halla en Napolen, en su vestimenta y en su talla. David muestra a Napolen vestido con un uniforme colorido e inmaculado, acompaado por una capa drapeada. Por otro lado, la versin de Delaroche presenta a Napolen con un abrigo gris bastante comn que tiene el nico propsito de mantener alejado el fro ms que mostrarlo como el smbolo que pudo haber representado: el de un lder militar poderoso y galante, que es la impresin que uno recibe de la versin de David. Sin embargo, existe otra diferencia significativa en el mismsimo Napolen, en su estado mental. El Napolen de David es exuberante,[21] seguro de su liderazgo del ejrcito francs y de su capacidad para cruzar los Alpes y derrotar a los austracos en Italia. En cambio, el de Delaroche est alicado, demacrado y amargado por el cruel fro; los ojos y la cara inexpresiva evidencian su agotamiento, su cansancio como resultado del largo e inestable viaje. La ltima diferencia de importancia (dejando de lado el verdadero escenario, los hombres que se ven a la distancia, etc.) es respecto al animal en el cual est montado Napolen. En la versin de David, Napolen se encuentra sobre un corcel grande y fuerte de larga crin; esta cuestin en la versin de David es irrefutablemente falsa: es sabido que Napolen mont una mula durante la travesa (la cual tom prestada de un campesino local),[1] y no un caballo.[22] [15] La presencia de un caballo en lugar de una mula fue uno de los principales motivos de crtica formulados por Delaroche respecto de la versin de David y la base de su afirmacin en cuanto a que Bonaparte cruzando los Alpes, donde s hay una mula, es una representacin ms realista de la escena.
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Anlisis
Escenario
Puede apreciarse a Napolen vistiendo ropas apropiadas para la circunstancia: sobre su uniforme lleva un sobretodo que lo envuelve firmemente, en el cual mantiene abrigada su mano derecha, sin guante, conservando una pizca de dignidad mediante el bicornio de borde dorado que usa en la cabeza.[7] La mula sobre la cual viaja est desnutrida, cansada por su calvario a travs de los Alpes. A la izquierda de la mula aparece su gua, Pierre Nicholas Dorsaz,[23] [11] quien debe seguir adelante y hacer avanzar a la mula, y se apoya pesadamente sobre el bastn al que se aferra con su mano izquierda para continuar; su vestimenta est gastada por el clima, su rostro, rojo por el fro. l no posee el lujo de viajar montado en un animal ya que debe conducirse independientemente sobre el terreno. Pueden verse otros miembros del squito de Napolen un poco detrs de l; sus figuras robustas acentan la fragilidad de Bonaparte.[7] Los elementos pertenecientes al fro y duro ambiente de los Alpes son evidentes: las montaas distantes cubiertas de nieve se asoman detrs de Napolen y compaa, mientras que a su izquierda aparece el costado de un acantilado, y el sendero bajo sus pies posee una gruesa capa de nieve. Napolen aparenta encontrarse en lo ms alto de las montaas, y parece ser un hombre mortal y en peligro. Aunque en cierto sentido esto parece disminuir la figura de Napolen (y contrastar en extremo con la versin de David, que lo muestra inmune al fro y bajo una luz heroica), la obra de Delaroche no pretenda retratarlo de un modo hostil o impropio. Delaroche deseaba representar a Napolen como un hombre de carne y hueso que tambin sufra y pasaba penurias en sus hazaas ms osadas, y sinti que mostrndolo tal como debi haber estado en esas circunstancias no degradaba en absoluto su estatus como cono ni su legado sino que lo transformaba en una persona an ms admirable.[2]
Estilo artstico
Junto con la masa blanca que puede observarse detrs de Napolen, el brillo mbar del sol, proveniente del oeste de la posicin del grupo de Napolen, es la fuente de luz central en la pintura. Unida con las sombras, sta produce contraste, y, por medio de la iluminacin, enfatiza los aspectos clave de la escena; esto puede apreciarse particularmente en la luz que cae sobre el pecho de Bonaparte.[7] Napolen y la mula que monta tienen una textura muy rica visualmente debido al contraste de luz y sombra, al igual que el gua que conduce a la mula. Las capas de hielo y nieve tambin aparecen an ms blancas por la luz solar del oeste, alumbrando toda la escena. Sin embargo, la saliente a la izquierda del gua y las patas de la mula producen sombras que balancean la iluminacin del cuadro. El esquema y tonos de textura que Delaroche utiliza en esta pintura son bastante detallados y estudiados, en especial respecto a las figuras ms importantes; tal aspecto de la obra fue descrito como
La luz mbar cae sobre Napolen, permitiendo la introduccin del contraste.
Bonaparte cruzando los Alpes ...representado con una fidelidad que no ha omitido las trenzas de un ropaje, la textura peluda del cuadrpedo, ni el detalle en el arns a sus espaldas.[8] El pelaje de la mula fue texturado intensamente y pintado en detalle para que pareciera duro e hirsuto a la vista y, la mula misma, extenuada por el cansancio. La misma tcnica se aplic a los adornos rojos y amarillos que cubren y cuelgan del animal. El detalle central en Napolen se aplica a su abrigo, en sus pliegues y arrugas. Gran parte del detalle y la diversidad en cuanto a texturas se conceden tambin al gua, en particular a su rostro, su tnica verde sacudida por el viento, y sus botas de cuero. El cuidado en el detalle y la precisin literal que Delaroche pone en esta pintura evidencian y demuestran la lenta pero firme evolucin del realismo dentro del arte durante el siglo XIX, y cmo comenz a crecer su popularidad.[1]
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Recepcin
La obra, pese a su intento por mostrar a Napolen en forma realista, fue criticada por varias autoridades en el tema debido a mltiples razones. Algunos desaprobaban la eleccin tomada por Delaroche respecto a la escena, mientras que otros criticaban directamente a Delaroche diciendo, en cierto modo, que pretendi plasmar el genio de Napolen sin lograrlo.[8] Poco despus de estar terminado, el cuadro fue llevado a Inglaterra y all, en 1850, el crtico de la Athenaeum,[VI] una revista literaria, escribi una resea.[24] Los comentarios efectuados por la revista acerca de la obra indican que, pese a alabar la pintura a causa de varias de sus caractersticas, Delaroche era criticado por varios motivos: Un oficial con traje fracs montado sobre una mula es conducido por un campesino tosco a travs de un peligroso paso cuyo rastro apenas es discernible en medio de la nieve; y este ayudante de campo slo es visible en un barranco de los imponentes Alpes. Estos hechos han sido representados con una fidelidad que no ha omitido las trenzas de un ropaje, la textura peluda del cuadrpedo, ni el detalle en el arns a sus espaldas. El amontonamiento de nieve, el carmbano pendiente realizado por un solitario rayo de sol en un momento pasajero, todo ha sido dotado de una verosimilitud que resultar adorable para quienes exaltan la Escuela Holandesa por sus caractersticas similares en la ms absoluta excelencia. Pero ser en vano la bsqueda de M. Delaroche del noble y osado genio que llev al humilde teniente de Ajaccio a convertirse en seor y rbitro del destino de la mayor parte de Europa.[8] Algunas personas estaban disgustadas con las obras de Delaroche en general y, en parte, con Bonaparte cruzando los Alpes, criticando lo que fue descrito como su bajo nivel artstico. Entre tales crticas se incluye The Gentleman's Magazine, donde se public el siguiente texto: Todo revela una modificacin en su estilo, pero no una que sea feliz. Sus obras ms recientes no estn calculadas para recuperar la simpata que haba perdido. Uno debe confesar que Delaroche es un artista talentoso ms que un genio. Su educacin y dedicacin por el estudio lo acreditan como pintor, pero no como artista en el verdadero sentido de la palabra. Ha fracasado en la misin de todo artista: hacer avanzar la educacin de las masas; cuando estuvo en su poder impulsar, cedi; ha sido un reflejo, pero no una luz; y en lugar de elevar al pblico hasta su obra, se ha rebajado hasta el pblico.[25]
Bonaparte cruzando los Alpes No queda claro si Delaroche perdi la simpata que haba ganado por su encarcelamiento o por su asignacin como Primer Pintor, pero parecera que The Gentleman's Magazine no senta que el pintor estuviese aportando nada nuevo al espectro artstico con su empleo del realismo dentro de la pintura.
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Galera
Detalle del rostro de Napolen y su caballo perteneciente a la versin de David.
Aqu, en la versin de David, Napolen viste ropas coloridas y prstinas junto con una capa drapeada.
La mula de Napolen es guiada por su gua. El efecto de la luz ambarina vuelve a ser evidente.
Notas
I Bonaparte decidi cruzar los Alpes en una mula (obtenida en un convento en Martigny)[26] y no en un caballo, la tpica montura de la poca para un caballero, debido a que se consideraba que las mulas caminaban con ms seguridad en las pendientes resbaladizas y los pasos estrechos de los Alpes, y que eran ms robustas y resistentes para realizar un viaje tan peligroso sobre un terreno tan inestable.[27] [28] II Napolen orden reunir ms de 5.000 piezas de artillera para transportarlas a travs del paso, pese a que todos consideraban que este era demasiado estrecho y la ruta muy inestable para permitir que cualquier forma de artillera (ligera o pesada) lo cruzase. Por ello, los consejeros militares de Napolen le advirtieron sobre esta decisin y l insisti en la presencia de tan elevado nmero de piezas.[29] IIIAdems de estas cifras, unos 3.600 franceses fueron heridos y ms de 900 capturados o desaparecidos, mientras que casi 5.520 austracos resultaron heridos y ms de 2.900 capturados (no puede estimarse con precisin el nmero de desaparecidos).[30] IVEl cuadro volvi a ser colgado debido al resurgimiento de la reputacin de Napolen y al nuevo inters por sus logros. Sin embargo, previo a esto, en 1815, el ao que Napolen estuvo exiliado, cualquier forma de arte que tuviese por tema a Napolen fue proscrita para los artistas y pintores. Recin en los aos 1830 pudieron crearse
Bonaparte cruzando los Alpes nuevamente obras relacionadas con el emperador. Como tal, luego de haber sido quitada de las paredes del Louvre cerca de 1815, la versin de David volvi a exponerse en la poca en que Delaroche la vio.[8] VEl rey de Espaa (Carlos IV) encarg a Jacques-Louis David la realizacin de Napolen cruzando los Alpes como un gesto de amistad hacia Bonaparte, con la esperanza de que el regalo fortaleciera las relaciones entre Francia y Espaa al punto que Napolen no considerase invadir Espaa y tomar el control de sta. Sin embargo, el intento de Carlos fracas y, poco despus de coronarse rey, Napolen cruz los Pirineos y conquist Espaa.[20] VILa Athenaeum era una revista o peridico literario de buena reputacin que fue publicada en Londres entre 1828 y 1923. De publicacin semanal,[31] la Athenaeum creci y se expandi hasta convertirse en uno de los peridicos ms influyentes y ledos de la poca victoriana. En su mayor parte estaba compuesta por artculos, reseas y noticias polticas y cientficas.[24] Los tpicos tratados en estos textos incluan obras de la literatura, las bellas artes, la msica y el teatro, y la ciencia y la poltica.[31]
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Referencias
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Bonaparte cruzando los Alpes.
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Enlaces externos
Imagen ampliable de la obra
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Referencias
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El buey desollado
El buey desollado Rembrandt, 1655 leo sobre madera- Barroco 94 cm 69cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El buey desollado (en francs, Le Boeuf corch), tambin conocido como El buey en canal, es una de las pinturas ms conocidas del pintor holands Rembrandt. Est realizado en leo sobre madera, y fue pintado en el 1655. Mide 94 cm de alto y 69 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars, adquirido del coleccionista y crtico de arte Louis Viardot (Pars, 1857). La obra est firmada y datada REMBRANDT F: madurez, poco antes de su bancarrota de 1655.
1655.
Rembrandt lo pint en su etapa de
Es un cuadro excepcional dentro de la produccin de Rembrandt, tanto por el tema como por la calidad. Se trata de un bodegn, algo inusual dentro de la produccin del artista. Sobre el mismo tema hay otro cuadro del mismo autor, fechado hacia 1643 y que se conserva en la Glasgow Art Gallery and Museum, lo que ha dado lugar a que se sugiera la posibilidad de que Rembrandt hiciera este cuadro como un estudio sobre las variaciones de luz y color sobre el mismo objeto.
El buey desollado
36 Ciertamente, en la pintura holandesa de gnero la presencia de animales muertos y desollados era frecuente en escenas de cocina, que se difundieron a partir del Cinquecento. Podra ser una especie de memento mori o leccin de vanidad, es decir, una representacin del inevitable final de todas las cosas terrenales. La presencia de una figura femenina que atisba este interior al fondo del cuadro permite sospechar que se tratara de una pintura de gnero, ms que de un bodegn. Se representa una escena de interior, posiblemente un stano. En el fondo se entrev una figura humana, una mujer con cofia, la mujer del carnicero, reducida al rango de secundaria, que se asoma por una puerta. Pero en primer plano, dominndolo todo, el cadver de un buey, colgado de una barra de madera prxima al techo; este travesao sirve para dar perspectiva y profundidad al cuadro. La representacin del buey, que a simple vista parece crudamente real, viola varias leyes fsicas de gravedad.
El buey desollado (versin de Glasgow), h. 1643, leo sobre tabla, 73,3 51,8 cm, Art Gallery and Museum, Glasgow
En lo que se refiere a la calidad, es una obra de impresionante factura tcnica, en uno de los estudios ms crudos de la realidad que jams se haya efectuado por medios pictricos (L. Monreal). La pintura est ejecutada con pinceladas gruesas y violentas, muy sueltas, que anticipa un poco el expresionismo del siglo XX. Se consigue as que en determinados puntos se acumulen grumos de pintura al leo, lo que proporciona relieve a la superficie pictrica. La mujer, por ejemplo, aparece borrosa, como una mancha realizada con pinceladas gruesas y densas. Este lienzo fue objeto de imitacin por otros pintores posteriores, como Eugne Delacroix, Honor Daumier, Francis Bacon y Chaim Soutine.
Referencias
Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 179 Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) Oliver, M., Cien obras maestras de la pintura. Artculo en la pgina web del Louvre [1]
El buey desollado
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Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225938& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225938& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500811& fromDept=false& baseIndex=8& bmUID=1167861557993& bmLocale=en
Caballero, la Muerte y el Diablo

El caballero, la Muerte y el Diablo (en alemn, Ritter, Tod und Teufel) es un grabado en metal del pintor alemn Alberto Durero (Albrecht Drer). Fue realizado en 1513. En el Museo del Louvre se guarda un ejemplar de este grabado, con dimensiones de 25 x 19 cm. Desde 1510 Durero se dedic ms al grabado que a la pintura y produjo estas obras maestras, en las que la perfeccin tcnica y plstica se convierte en vehculo de un pensamiento que se traduce en alegoras. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de smbolos iconogrficos.
Anlisis
Los tres personajes principales dan ttulo a la obra: un caballero, la El caballero, la Muerte y el Diablo muerte y el diablo. Pero aparte de ellos, se representan multitud de elementos que llenan la composicin para conjurar el horror vacui. El caballero, completamente equipado y montado sobre un caballo, es la figura central. Ha de prestarse atencin a la completa elaboracin anatmica del cuerpo del caballo, lo que es tpico de los artistas del Renacimiento preocupados por las ciencias naturales y la anatoma. Probablemente a Durero le influyen las impresiones obtenidas en su viaje a Italia, cuando hizo el esbozo de un caballo. En cuanto al caballero, es modelo directo de este el que aparece en un estudio previo de Durero (vase figura abajo a la izquierda). Est acompaado por un perro que se asocia a la lealtad y la fe (fides) y es un motivo usado a menudo por Durero. En la parte inferior derecha un lagarto huye en direccin opuesta. Otros dos acompaantes del caballero, que despiertan menos confianza, son la Muerte y el Diablo. La muerte est representada con forma barbuda, sobre un caballo viejo, inestable, con un reloj de arena como smbolo de lo transitorio, y pelo serpenteante. El diablo se sita
Caballero, la Muerte y el Diablo en la parte posterior del caballero, siendo una creacin particularmente imaginativa, una mezcla de animales diferentes. En la parte inferior izquierda hay una placa con las iniciales del nombre y del apellido del artista (A D), formando un anagrama caracterstico con el que firmaba algunas obras. Adems, puede verse la fecha. Detrs de esta placa hay una calavera, otro smbolo de la muerte. Puede aludir al hecho de que este caballero, tan orgullosamente sentado sobre su caballo, pronto puede matar y a su vez, sufrir la muerte. El caballero parece estar cabalgando por un valle o por un paisaje montaoso con rboles y maleza. En el fondo se reconoce un castillo o una ciudad que se asemeja a Nremberg. El paisaje est realizado con gran detalle, como es propio de un autor que se dedic tambin al gnero paisajstico.
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Interpretacin
Este Caballero acechado de la Muerte y el Diablo es uno de los grabados al cobre ejecutados por Durero de ms profunda intencin. Iba acompaado de un largo poema moralizador, pero su contenido no es tan oscuro como el de los otros grabados de la poca. Se ha considerado que formaba parte de un grupo consciente de meisterstreich con su San Jernimo en su gabinete y la Melancola I, ambos de 1514. Sera as un trptico de grabados que comprendera las alegoras de las tres clases de virtudes y tres esferas de actividad segn una clasificacin an medieval. El Caballero, la Muerte y el Diablo representara la esfera moral; el caballero podra representar la vita activa, el luchador generoso. Aunque en vida de Durero, los tiempos de la caballera haban pasado, persistan los ideales caballerescos. San Jernimo en su gabinete simbolizara la teologa y la vida meditativa. Por ltimo, Melancola I representara la esfera intelectual dominada por el planeta Saturno, segn la tradicin astrolgica ligado al sentimiento de la melancola, constituyendo una conexin entre el mundo racional de las ciencias y el imaginativo de las artes.
Durero: Estudio de un caballo (1495)
Pero no falta la tragedia en este cuadro: el caballero se dirige a la muerte, como evidencian la muerte como compaera y la calavera que est en la parte inferior. Su camino lo lleva, hasta cierto punto, a un valle de la muerte posiblemente al Valle de la Muerte en Jerusaln, al Valle de Hinn. La ciudad en la parte posterior podra ser tambin Durero: Caballero montado, Jerusaln, el lugar de la resurreccin de Jesucristo (la estudio de 1512/13 Jerusaln celeste, el paraso). De esta manera, el camino del caballero es tanto la cada como el bienestar. La composicin, estas y otras posibilidades de interpretacin implican una tensin en este grabado tpico de una gran obra de arte.
Caballero, la Muerte y el Diablo
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Referencias
Fedja Anzelewsky: Albrecht Drer. Werk und Wirkung (Erlangen 1988) Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 167 Pijon, J., Durero, en Summa Artis, Antologa, V, Espasa, pg. 66; ISBN 84-670-1356-7
Enlaces externos
Descripcin e interpretacin
[1]
Referencias
[1] http:/ / karaart. com/ udine/ durer/ ritter. html
El camisn arrebatado
El camisn arrebatado (La chemise enleve) Jean-Honore Fragonard, Hacia 1770 leo sobre lienzo- Rococ 35 cm 42 cm Museo del Louvre
El camisn arrebatado (en francs, La chemise enleve) es un cuadro del artista rococ francs Jean Honor Fragonard, realizado hacia 1770. Es una pintura al leo sobre lienzo de pequeas dimensiones: 35 centmetros de alto por 42 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars (Francia), habiendo sido adquirido mediante el legado del Dr. Louis La Caze en 1869. Con este cuadro hace pareja otro, Le feu aux poudres, sin duda anterior, presente en el Louvre con la coleccin Beistegui. Fue expuesto en Pars en 1860. Esta obra sirvi para el redescubrimiento del artista, en una poca en la que los hermanos Goncourt pusieron de moda el siglo XVIII gracioso y licencioso. En efecto, Fragonard cay en el olvido despus de la Revolucin Francesa, pero fue la pluma de los Goncourt la que permiti que reencontrara su lugar, si bien como pintor frvolo; su talento como pintor histrico y elegaco no se vio reconocido hasta el siglo XX[1] . Representa a una joven tumbada en su lecho. Lleva una cinta azul en el pelo y un amorcillo, atributo de la diosa Venus, le arrebata el camisn. Su desnudez permite al pintor recrearse en el atractivo sensual de la carne rosada[2] .
Le feu aux poudres, pendant de El camisn arrebatado.
El camisn arrebatado
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Referencias
Ficha sobre el cuadro
[3]
en la pgina web del Museo del Louvre
[1] P. F. R. Carrassat, Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7, pg. 163 [2] Eva-Gesine Baur, El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 360, ISBN 3-8228-4744-5 [3] http:/ / cartelfr. louvre. fr/ cartelfr/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=10333
Carlos I de Inglaterra (Van Dyck)
Carlos I de Inglaterra ( Charles Ier, roi d'Angleterre (1600 - 1649), Charles I at the Hunt) Anthony van Dyck, h. 1635 leo sobre lienzo- Barroco 105 cm 76 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Carlos I de Inglaterra es el retrato ms conocido que hizo el pintor holands Antn Van Dyck. Est realizado en leo sobre tela, y fue pintado en el 1635. Mide 105 cm de alto y 76 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars.
Historia
Van Dyck destac como retratista en la corte de Londres, donde se instal en 1632. Hizo numerosos retratos del rey, la reina Enriqueta Mara de Francia, as como de sus hijos. El rey de Inglaterra abon este cuadro en 1638.
Anlisis del cuadro

Este lienzo muestra al rey Carlos I de Inglaterra descansando un momento en una jornada de caza, mientras dos pajes se hacen cargo del caballo. No aparece con los atributos tpicos de un monarca, corona, cetro o grandiosas vestiduras, sino como un campesino, elegante y distinguido. La imagen entraa notable mrito artstico, pues el rey era extremadamente corto de estatura (se le menciona como el rey ingls ms alto de la Historia). No obstante, mira con arrogancia, directamente al espectador. Hay una armona entre las figuras humanas, el animal y el paisaje.
Carlos I de Inglaterra (Van Dyck)
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Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Carlos I de Inglaterra .Commons Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, Artculo en la pgina web del Louvre [1]
Referencias
Cdigo de Hammurabi
El Cdigo de Hammurabi, creado en el ao 1760a.C. (segn la cronologa media), es uno de los primeros conjuntos de leyes que se han encontrado y uno de los ejemplos mejor conservados de este tipo de documento de la antigua Mesopotamia y en breves trminos se refiere a la conocida frase ojo por ojo, diente por diente. Entre otras recopilaciones de leyes se encuentran el Cdice de Ur-Nammu, rey de Ur (ca. 2050a.C.), el Cdice de Eshnunna (ca. 1930a.C.) y el Cdice de Lipit-Ishtar de Isn (ca. 1870a.C.).Ellos tambien crearon leyes como la 205 que se trataba de que si el esclavo de un hombre golpea en la mejilla al hijo de un hombre, que le corten una oreja. A menudo se lo seala como el primer ejemplo del concepto jurdico de que algunas leyes son tan fundamentales que ni un rey tiene la capacidad de cambiarlas. Las leyes, escritas en piedra, eran inmutables. Este concepto pervive en la mayora de los sistemas jurdicos modernos.
Cdigo de Hammurabi ( Museo del Louvre, Pars)
Estas leyes, al igual que sucede con casi todos los cdigos en la Antigedad, son consideradas de origen divino, como representa la imagen tallada en lo alto de la estela, donde el dios Shamash, el dios de la Justicia, entrega las leyes al rey Hammurabi. De hecho, anteriormente la administracin de justicia recaa en los sacerdotes, que a partir de Hammurabi pierden este poder. Por otra parte, consegua unificar criterios, evitando la excesiva subjetividad de cada juez.
Cdigo de Hammurabi
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Historia
Al rey Hammurabi (1722-1686a.C. segn la cronologa breve o 1792-1750a.C. segn la cronologa media) le pareci que el cuerpo de leyes de su territorio se tena que escribir para complacer a sus dioses. A diferencia de muchos reyes anteriores y contemporneos, no se consideraba emparentado con ninguna deidad, aunque l mismo se llama el favorito de las diosas. El Cdigo de Hammurabi fue tallado en un bloque de basalto de unos 2,50m de altura por 1,90m de Cdigo de Hammurabi (detalle), Museo del Louvre base y colocado en el templo de Sippar; igualmente se colocaron otros ejemplares a lo largo y ancho del reino. El objeto de esta ley era homogeneizar jurdicamente el reino de Hammurabi. De este modo, dando a todas las partes del reino una legislacin comn, se poda controlar el conjunto con mayor facilidad. Durante las diferentes invasiones de Babilonia, el cdigo fue trasladado hacia el 1200a.C. a la ciudad de Susa (en Elam), actualmente en el Juzestn (Irn). En esta ciudad fue descubierto por la expedicin que dirigi Jacques de Morgan, en diciembre de 1901. Fue llevado a Pars, Francia, donde el padre Jean-Vincent Scheil tradujo el cdigo al francs. Posteriormente, el cdigo se instal en el Museo del Louvre, en Pars, donde se encuentra en la actualidad.
Aspecto
El Cdigo de Hammurabi se presenta como una gran estela de basalto de 2,25 metros de alto. En lo alto hay un medio relieve que representa a Hammurabi de pie delante del dios del Sol de Mesopotamia, Shamash, principal de la ciudad sumeria de Larsa. Debajo aparecen inscritos, en caracteres cuneiformes acadios, leyes que rigen la vida cotidiana.
Contenido
Las leyes del Cdigo de Hammurabi (numeradas del 1 al 282, aunque faltan los nmeros 13, 6699 y 110111) estn escritas en babilonio antiguo y fijan diversas reglas de la vida cotidiana. Norman particularmente: la jerarquizacin de la sociedad: existen tres grupos, los hombres libres o "awilum", los "mushkenum" (quienes se especula podran ser siervos o subalternos) y los esclavos o "wardum".
Parte superior de la gran estela.
los precios: los honorarios de los mdicos varan segn se atienda a un hombre libre o a un esclavo. los salarios: varan segn la naturaleza de los trabajos realizados. la responsabilidad profesional: un arquitecto que haya construido una casa que se desplome sobre sus ocupantes y les haya causado la muerte es condenado a la pena de
Cdigo de Hammurabi muerte. el funcionamiento judicial: la justicia la imparten los tribunales y se puede apelar al rey; los fallos se deben plasmar por escrito. las penas: aparece inscrita toda una escala de penas segn los delitos y crmenes cometidos. La base de esta escala es la Ley del Talin. Se tratan tambin el robo, la actividad agrcola (o pecuaria), el dao a la propiedad, los derechos de la mujer, los derechos en el matrimonio, los derechos de los menores, los derechos de los esclavos, homicidio, muerte y lesiones. El castigo vara segn el tipo de delincuente y de vctima. Las leyes no admiten excusas ni explicaciones en caso de errores o faltas; el Cdigo se pona a la vista de todos, de modo que nadie pudiera alegar ignorancia de la ley como pretexto. Cabe recordar, sin embargo, que eran pocos (escribas en su mayora) los que saban leer y escribir en aquella poca.
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Juicios sobre el cdigo

Aunque el cdigo sea la inspiracin del "ojo por ojo, diente por diente", tiene mucha ms enjundia y, sobre todo, tiene "artculos" muy alejados de ese concepto del "ojo y el diente". Los artculos que constituyen el primer ejemplo de la llamada Ley del Talin son el 196 (el ojo), el 197 (el hueso) y el 200 (el diente). Tambin pueden formar parte de ese "revanchismo legal" los arts. 1,2,3 y, hasta cierto punto, el 21 y el 25. El resto conocido establece indemnizaciones o penas graves, pero no implican un "te hago lo que me hiciste" o "la ley te hace lo que quisiste hacer". El cdigo est inspirado por un alto sentimiento de moralidad y orden. No hay privilegios de clase. Las reglas de los contratos son todava las establecidas por los sumerios. Se fija la responsabilidad mutua del amo y el obrero. Este tiene que recibir un salario mnimo y gozar de tres das de vacaciones cada mes. El Cdigo es una simple recopilacin de leyes Sumerias, hecha por un rey, Hammurabi, sexto de los reyes de la primera dinasta babilnica, amorreo, semita, (no sumerio). Hay bases para suponer prstamo directo de los babilonios a los hebreos, como las hay para ver inspiraciones en este Cdigo por parte de la propia Roma. El cdigo no debe dar la impresin negativa y simplista de la Ley del Talin. Entre otras cosas porque contribuye a mirar a los Sumerios y Babilonios (la "sumeria" semita) como autnticos salvajes, cuando stos son los Asirios, que vinieron bastante despus (Nnive), segn los juzga la historia.
Comparacin con la ley mosaica

Algunas partes de la Ley Mosaica son similares a ciertas leyes del Cdigo de Hammurabi, por lo que algunos estudiosos han afirmado que los hebreos derivaron su derecho del babilonio. Otros especialistas difieren: No hay bases para suponer prstamo directo alguno de los babilonios a los hebreos. Aunque ambos conjuntos de leyes difieran poco en la letra, difieren mucho en el espritu.Thomas (1958) Se presentan a continuacin algunos ejemplos de las diferencias:
Cdigo de Hammurabi Pena de muerte por hurto de propiedad de la Iglesia y el Estado o por recibir bienes robados (Ley 6) Ley mosaica Se castiga al ladrn resarciendo a la vctima (x. 22.1-9)
Cdigo de Hammurabi
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"No entregars a su seor el siervo que huye de l y acude a ti." (Deut. 23.15) "Los padres no morirn por los hijos ni los hijos por los padres." (Deut. 24.16). "Y el que causare lesin en su prjimo, segn hizo, as le sea hecho: rotura por rotura, ojo por ojo, diente por diente; segn la lesin que haya hecho a otro, tal se har a l. (Lev. 24.19)
Muerte por ayudar a un esclavo a escapar o por refugiar a un esclavo fugitivo (Ley 15, 16) Si una casa mal hecha causa la muerte de un hijo del dueo de la casa, la falta se paga con la muerte del hijo del constructor (Ley 230)
Mero exilio por incesto: "Si un seor hombre de alto Pena de muerte por incesto (Lev. 18.6, 29) rango se ayuntare con su hija, harn salir a tal seor de la ciudad." (Ley 154) Distinciones de clases: penas duras para quien lesione al miembro de una casta superior. Penas leves para quien lesione a miembros de una casta inferior (Ley 196205) No cometers injusticia en los juicios, ni favoreciendo al pobre ni complaciendo al grande (Lev. 19.15). Si un hombre hiere a su esclavo o a su esclava con un palo y los mata, ser reo de crimen. Pero si sobreviven uno o dos das no se le culpar porque le pertenecan (xodo 21. 20).
Bibliografa
En espaol
Cdigo de Hammurabi. Mxico: Crdenas Editor y Distribuidor, 1992. Lara, F.: Cdigo de Hammurabi. Madrid: Editora Nacional, 1982. Sanmartn, J.: Cdigos legales de tradicin babilnica. Barcelona, 1999. "Codigo de Hammurabi", Horacio N. Castro Dassen - Carlos A. Gonzalez Sanchez. Cooperadora de Derecho y Ciencias Sociales. Buenos Aires, 1966.
En otras lenguas
Falkenstein, A.: Die neusumerischen Gerichtsurkunden IIII. Mnich. Kohler, J., y J. E. Peiser: Aus dem Babylonischen Rechtsleben. Leipzig, 1890. Oppert & Menant: Documents juridiques de l'Assyrie et de la Chaldee. Pars, 1877. Thomas, D. Winton, ed.: Documents from Old Testament Times. Londres y Nueva York, 1958.
Vase tambin
Quid pro quo Leyes de Manu De los delitos y las penas (ensayo)
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cdigo de Hammurabi.Commons Wikisource contiene el documento histrico Cdigo de Hammurabi.
[1]
Wikisource
thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/hammurabi.htm Hammurabi).
(texto del Cdigo de
Cdigo de Hammurabi clio.rediris.es/clionet/fichas/hammurabi.htm Clo). [[zh:] Sus leyes eran muy malas, serian como ojo por ojo diente por diente.
[2]
45 (Cdigo de Hammurabi en el Proyecto
Referencias
[1] http:/ / thales. cica. es/ rd/ Recursos/ rd98/ HisArtLit/ 01/ hammurabi. htm [2] http:/ / clio. rediris. es/ clionet/ fichas/ hammurabi. htm
La coronacin de Napolen
La coronacin de Napolen (Le Sacre de Napolon) Jacques-Louis David, 1805 leo sobre lienzo- Neoclasicismo 629 cm 979 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La coronacin de Napolen (en francs Le Sacre de Napolon) es una obra de Jacques-Louis David, pintor oficial de Napolen Bonaparte realizada entre 1805 y 1808. El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x 979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia, pero tambin en Versalles. La coronacin y la consagracin tuvieron lugar en Notre Dame de Pars, una manera para Napolen de poner de manifiesto que era un hijo de la Revolucin: designaba la capital como el centro poltico, administrativo y cultural de Francia.
Historia
La obra fue encargada oralmente por Napolen I en septiembre de 1804. David comienza su realizacin el 21 de diciembre de 1805 en la antigua capilla del colegio de Cluny, cerca de la Sorbona, que le sirve de taller. Asistido por su alumno Georges Rouget, le da el ltimo toque en noviembre de 1807. Del 7 de febrero al 21 de marzo de 1808, se expone la obra en el Saln de pintura anual; en 1810, se presenta al concurso de los premios decenales. El cuadro sigue siendo la propiedad de David hasta 1819, ao en que se cede a los museos
La coronacin de Napolen reales. stos lo almacenan en reserva hasta 1837. Se instala entonces en la sala de la Consagracin del museo histrico del castillo de Versalles por orden del rey Luis-Felipe. En 1889, es enviado al museo del Louvre, y sido sustituido en Versalles por una rplica tarda autgrafa del pintor.
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Contexto
Napolen Bonaparte dirige Francia desde 1799 como Primer cnsul. Impuso por etapas un fuerte poder personal. El rgimen se hace aceptar por medio de plebiscitos.
Composicin
El cuadro est recorrido por varias lneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo. Una del principales es la que pasa por la cruz y que tiene una orientacin vertical. Todas las miradas parecen converger hacia Napolen que est en el centro de la composicin. Un eje diagonal va del papa a la emperatriz.
Personajes
La representacin de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804, en la catedral de Notre Dame de Pars. Napolen se distancia aqu del protocolo de la monarqua de antiguo rgimen y quiere romper con la herencia de la Casa de Borbn. Sin embargo, los distintos objetos recuerdan los smbolos reales: estn presentes la corona y el cetro. El emperador es consagrado por la gracia de Dios, pero su coronacin por mano propia simboliza su derecho a la corona por la voluntad del pueblo. En efecto, Napolen nunca "arrabat" la corona de manos del Papa,segn el mito inventado por Adolfo Thiers y repetido errneamente desde entonces. Este gesto estaba previsto en los preparativos oficiales y haba sido aprobadopor el Papa.
El emperador Napoleon se corona a s mismo. Dibujo de David, conservado en el Louvre.
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El decorado arcaizante, el globo crucfero y la corona de laurel indican la fascinacin de Napolen a la vez por el imperio carolingio y el imperio romano. La presencia de altos dignatarios as como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo rgimen. Componen a la nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808), de una nobleza basada en el mrito. Los protagonistas de la escena. Napolen restablece una corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarqua francesa (Tulleras). El dato curioso se presenta a partir que la madre de Napolen I nunca estuvo en la ceremonia, pero el Emperador orden que igualmente fuera pintada.
Los testimonios
He aqu lo que dice la Sra. de Rmusat (extractos de Memorias de la Sra. de Rmusat, volumen 2, 1881), amiga de Josefina de Beauharnais: Hubo en primer lugar grandes debates sobre la coronacin particular del emperador." La primera idea era que el papa le colocara la corona con sus propias manos; pero Bonaparte se negaba a la idea de recibirla de l. Se determin finalmente que el propio emperador se coronara y que el papa dara solamente su bendicin [... ] Llegado a Notre Dame, el emperador permaneci algn tiempo en el arzobispado para revestir sus grandes ropas que parecan aplastarlo un poco. Su Laetitia Bonaparte. pequeo tamao se funda bajo su enorme manto de armio. Una simple corona de laurel cea su cabeza; se asemejaba a una medalla antigua. Pero tena una extrema palidez, verdaderamente emocionado y con la mirada turbia. Despus de haberse coronado l mismo, Napolen corona a Josphine. El momento en que se coron a la emperatriz excit un movimiento general de admiracin. Ella march bien hacia el altar, se arrodill de una manera tan elegante y tan simple que este acto satisfizo todas las miradas [... ] el papa durante toda la ceremonia tuvo un poco siempre el aire de una vctima resignada, pero resignada noblemente. Otro testigo describe la coronacin en estos trminos: (extractos de Memorias de una mujer de calidad, Pars, 1830):
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El papa bendijo a uno despus del otro, y recit los versculos y oraciones convenientes a cada objeto, las coronas del emperador y la emperatriz, la espada, los abrigos, los anillos, mientras que Sus Majestades Imperiales seguan estando sobre su pequeo trono. Hechas las bendiciones, Napolen y Josefina regresaron de nuevo al pie del altar. La tradicin de los ornamentos del emperador se hizo en el siguiente orden: el anillo, la espada, el abrigo, la mano de Napolen y Josefina justicia, el cetro, la corona. El papa hizo sucesivamente el rezo sobre cada uno ellos, y aqu acabaron sus funciones, ya que la corona se coloc sobre el altar, l propio Napolen la tom con sus manos y la coloc sobre su cabeza; esta corona era una diadema de hojas de roble y laurel en oro; diamantes formaban los blanos y los frutos. Hecho esto, el emperador tom tambin del altar la corona destinada a la emperatriz, y lo puso sobre la cabeza de Josefina arrodillada ante l [... ] luego el emperador, sentado, con la corona sobre la cabeza, y la mano sobre los Santos Evangelios, pronunci el juramento. El juramento en cuestin fue este: Juro mantener la integridad del territorio de la Repblica, respetar las leyes del Concordato y la libertad de culto; respetar y hacer respetar la igualdad de los derechos, la libertad poltica y civil, la irrevocabilidad de las ventas de los bienes nacionales; no aumentar ningn impuesto, no establecer ningn impuesto ms que en virtud de la ley; mantener la institucin de la Legin de honor; gobernar con el slo objetivo del inters, la felicidad y la gloria del pueblo francs.
Una obra dinstica

El arte se puso al servicio de la nueva dinasta napolenida, preparando la posteridad del emperador. Se trata de una obra de encargo y el cuadro fue expuesto en el museo Napolen (futuro museo del Louvre). La obra da prueba en primer lugar del inters de Napolen en su proceso de creacin: este ltimo visitaba regularmente el taller de David para dar seguimiento la ejecucin del cuadro. El Papa est representado sentado, ms arriba que el emperador. Este ltimo le vuelve la espalda. Se ha dicho que el Sumo Pontfice slo tiene un papel en segundo plano, pero no es as, puesto que previamente a la coronacin llev a cabo la consagracin de Napolen por medio de Jacques-Louis David, Napolen en traje de consagracin, 1805. la uncin de los Santos leos, dando personalmente la legitimidad espiritual al Emperador a quien, a pesar de las diferencias ulteriores, calificar de ms tarde de "hroe" recordando su restablecimiento de la religin catlica por medio del concordato.
La coronacin de Napolen La primera versin de la obra representaba al emperador coronndose a s mismo, pero Napolen juzg la escena se juzg demasiado arrogante y irrespetuosa para la figura del Papa. La convergencia de las miradas puede hacer pensar en la centralizacin del rgimen, factible por la institucin de los prefectos. A continuacin, el decorado y la pompa de los ornamentos muestran una voluntad de teatralizacin de la escena. El pintor pretende mostrar la unin de los franceses en torno al Emperador. Se sabe realmente que la madre de Napolen no haba querido desplazarse en Pars para la ceremonia. An as, figura en el cuadro, en las tribunas. Es necesario recordar tambin que las hermanas de Napolen se haban negado a llevar el manto de Josefina. Sin embargo la familia sirve los intereses de la dinasta dirigiendo los territorios regidos por sus miembros: Luis en los Holanda, Jernimo en Westfalia, Jos en Espaa ...
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Vase tambin
Notas
Este cuadro es objeto de un captulo de la obra semi-seria, semi-humorstica Rubrique--brac Gallery. Paralelamente al documentado comentario de Marie-Ange Guillaume, Gotlib propone una divertida parodia de la obra de David.
Referencias
Bibliografa
Sylvain Laveissire, Le Sacre de Napolon peint par David, Pars, Museo del Louvre, 2004
Enlaces internos
Primer Imperio Consagracin Napolen I
Enlaces externos
La coronacin de Napolen con lupa [1] (Medios de comunicacin) (en francs) Sitio del Instituto Napolenico Mxico-Francia [2]
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ templates/ llv/ flash/ sacre/ sacre_fr. html [2] http:/ / www. inmf. org
Cristo crucificado con dos donantes
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Cristo crucificado con dos donantes
Cristo crucificado con dos donantes El Greco, Hacia 1590 leo sobre tela- Manierismo 260 cm 171 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El Cristo crucificado con dos donantes es una pintura del pintor greco-espaol Domnikos Theotokpoulos, ms conocido como El Greco, pintada hacia 1590. En la actualidad se conserva en el Museo del Louvre, en Pars.
Historia de la obra
Esta tela fue encargado al Greco por uno de los dos personajes retratados a los pies de la cruz. Su destino era una capilla del convento de las jernimas de Toledo. En principio se crey que los retratos de los donantes correspondan a los de los hermanos Covarrubias, hijos del arquitecto Alonso de Covarrubias. Hoy se cree que la figura de la izquierda correspondera a Dionisio Melgar, cannigo del citado convento, quien habra realizado el encargo. En cuanto a la figura de la derecha, no se ha llegado a ninguna conclusin sobre su identidad: se han propuesto varios vecinos de Toledo, como Blas de Fuentechada o Pablo Rodrguez de Belalczar, pero no hay consenso al respecto.[1] Se sabe que en 1715 el lienzo an permaneca en el convento de las jernimas de Toledo. Ya en el siglo XIX el cuadro se encuentra en la coleccin de pintura espaola del rey de Francia, Luis Felipe I. En 1908 aparece en el Saln de Otoo de Pars, donde fue adquirido por el Museo del Louvre, donde se conserva hasta la actualidad.[1] El cuadro se puede observar en la sala de pintura espaola, en el pabelln Denon, primera planta, sala 26.[2]
Anlisis de la obra
Este Cristo crucificado es el primero de los once que el pintor toledano realiz a lo largo de su carrera. El primer rasgo original de la obra es haber situado a los dos donantes en el lugar en que tradicionalmente se encontraran la Virgen Mara y el apstol San Juan. La ausencia de paisaje, sustituido por las nubes en movimiento caractersticas del Greco, que evocan la oscuridad que, segn los Evangelios, cay sobre la tierra tras la muerte de Jess, focaliza la atencin en el cuerpo de Cristo.[3] Este est tratado a la manera propia del Greco, con una gran estilizacin y en forma de serpentinata. Las formas alargadas y el uso
Cristo crucificado con dos donantes de colores fros caractersticos del pintor estn presentes en esta obra.[1]
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Referencias
[1] Frutos, Cristina M. (julio de 2006). El Greco (http:/ / www. elmundo. es/ suplementos/ magazine/ 2006/ 357/ 1153929320. html). El Mundo. Consultado el 18 de enero de 2009. [2] Plano interactivo del Museo del Louvre (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ pratique/ plan. jsp?salle=456& niveau=3) [3] Ficha del cuadro en la web del Museo del Louvre (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT<>cnt_id=10134198673226330& CURRENT_LLV_NOTICE<>cnt_id=10134198673226330& FOLDER<>folder_id=9852723696500811& fromDept=false& baseIndex=7) (en francs e ingls)
Dama de Auxerre
Dama de Auxerre, tambin conocida como Kore de Auxerre. Escultura griega realizada en piedra, de pequeo tamao (65 cm de altura), perteneciente al conocido como periodo arcaico. Se encuentra en el Museo del Louvre, en Pars. La obra data del siglo VIIa.C., cuando Grecia estaba saliendo de la que se ha venido en llamar Edad Oscura. Una de las hiptesis de atribucin es que representa a Persfone. Fue hallada en 1907 por un empleado del Museo del Louvre en un pequeo museo de la ciudad de Auxerre, desconocindose cmo haba llegado a ese lugar. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Dama de Auxerre.Commons
Bibliografa
Jean-Luc Martinez, 2000. La Dame d'Auxerre (Runion des Muses Nationaux)
Enlace externo
[1]. Encyclopaedia Britannica Daedalic sculpture
[2] Copia de la escultura original, con la posible policroma original, segn interpretacin de la Universidad de Cambridge
(Skulpturhalle, Basel) Ute W. Gottschall, "La Dame d'Auxerre" [3] (Alemn)
Dama de Auxerre
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Referencias
[1] http:/ / www. louvre. or. jp/ louvre/ francais/ magazine/ co_solo. htm [2] http:/ / www. britannica. com/ eb/ article-9028508/ Daedalic-sculpture [3] http:/ / www. skulpturhalle. ch/ sammlung/ highlights/ 2004/ 06/ dame. html
Derbi en Epsom
Derbi en Epsom (Le Derby d'Epsom) Thodore Gricault, 1821 leo sobre lienzo- Romanticismo 92 cm 123 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Derbi en Epsom, (en francs, Le Derby d'Epsom), (1821) es una pintura romntica de Thodore Gricault. Se trata de un leo sobre lienzo que mide 92 centmetros de alto por 123 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Thodore Gricault era un apasionado de los caballos. Aqu representa la carrera o derbi de Epsom, que est considerado an hoy en da como una de las ms prestigiosas carreras de caballos del mundo. Tiene lugar esta carrera todos los aos, en el primer fin de semana de junio en el hipdromo de Epsom Downs, Surrey, Inglaterra. Este derbi est documentado por primera vez en en ao 1661. Se origin como una celebracin despus de la primera carrera de los Epsom Oaks en 1779. Edward Smith-Stanley, 12. Conde de Derby (cuyo caballo Bridget haba ganado la carrera) y Sir Charles Bunbury echaron una moneda al aire y acordaron que la carrera llevara el nombre de quien lo ganara. Gricault realiz este cuadro slo dos aos ms tarde de La balsa de la Medusa, estando en Inglaterra[1] . En una ocasin, Gricault estaba viendo una carrera cuando cay una fuerte tormenta[1] , y ese ambiente elctrico y tormentoso es lo que ha querido reflejar aqu. Esta obra tuvo una notable influencia en los impresionistas. Toda la atencin se fija en los caballos, mientras que las franjas superior (el cielo) e inferior (la hierba) son meras manchas de color que pasan rpidamente, intensificando de esta manera la sensacin de velocidad[1] .
Derbi en Epsom Llama la atencin por su falta de realismo. En efecto, los caballos parecen flotar en el aire. Como si se tratara de una danza estilizada, los caballos son todos representados en el tiempo de suspensin de su galope. Por el contrario, y eso se ha descubierto posteriormente a la fecha de este cuadro, y gracias a las fotografas, los caballos no tienen jams al mismo tiempo las cuatro patas tensas. Por este detalle se dice que no es un cuadro realista, a pesar del meticuloso cuidado que prest Gricault al dibujo. Utiliza Gricault colores fuertes. El intenso verde de la hierba brilla fantasmagrico, contrastando con la penumbra del cielo cargado de tormenta[1] .
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Referencias
[1] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 427, ISBN 3-8228-4744-5
El desliz
El desliz (Le faux-pas) Antoine Watteau, 1717 leo sobre lienzo- Rococ 50 cm 41 cm Museo del Louvre
El desliz (en francs, Le faux-pas), es un cuadro del pintor francs Jean-Antoine Watteau. Est realizado en leo sobre lienzo. Mide 50 cm de alto y 41 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia, que lo adquiri a travs del legado del Dr. Louis La Caze, 1869. En esta escena se representa el deseo del hombre, luchando contra la pdica resistencia de la mujer. l la tiende hacia la capa roja que yace en el suelo, a la derecha. Una mano de la mujer se opone, pero las lneas de la nuca y de la espalda tienden hacia la otra direccin[1] . Watteau llena el instante de gran tensin psicolgica. el tema recuerda las obras nrdicas, como la Kerms de Rubens, tambin en el Louvre. La escena se desarrolla en un entorno campestre con rboles y arbustos apenas esbozados[1] .
El desliz
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Enlaces externos
Ficha sobre el cuadro Museo del Louvre
[2]
en la pgina web oficial del
La Kerms o La Kerms flamenca, de Pedro Pablo Rubens, h. 1635, leo sobre tabla, 149 261 cm, Museo del Louvre, Pars, obra antecesora estilsticamente de El desliz
Referencias
[1] Eva-Gesine Baur, El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 350, ISBN 3-8228-4744-5 [2] http:/ / cartelfr. louvre. fr/ cartelfr/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=10642
Diana de Versalles
La Diana de Versalles es una estatua de mrmol de la diosa griega Artemisa (latn: Diana), con un ciervo, que se encuentra en el Museo del Louvre, Pars. La estatua, que tiene un <3 tamao levemente mayor al natural,[1] es una copia romana (perteneciente al siglo I o II) de un original griego en bronce que se perdi y es atribudo a Leocares,[2] circa 325a.C. La obra tambin es conocida como Diana la Biche, Diane Chasseresse (Diana cazadora) y Artemisa de la caza.
Descripcin
Diana es representada como una cazadora esbelta y masculina, acompaada por un ciervo macho de tamao menor que el natural, lleno de vitalidad. Ella mira hacia la derecha, tal vez al ciervo mismo, mientras que con el brazo derecho toma una flecha de su aljaba. Se puede observar
Diana de Versalles <3 en la Galerie des Caryatides (Sala de las Caritides), que fue diseada para ella, en el Louvre.
Diana de Versalles que la mano derecha sostiene parte de un arco, aunque falta la totalidad; la desaparicin del arco convierte a la imagen en un sencillo pastoral. Diana viste un corto quitn dorio, un peplo alrededor de la cintura y sandalias.
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Historia
La estatua fue descubierta en Italia: el sitio web del Louvre indica que en Nemi, donde exista un antiguo santuario; otras fuentes comentan su procedencia de la Villa Adriana en Tvoli. A fines de la dcada de 1550, el papa Pablo IV se la regal a Enrique II de Francia, como una sutil pero inevitable alusin a la amante del rey, Diana de Poitiers, siendo instalada como pieza central del Jardin de la Reine (Jardn de la Reina), al oeste de la Galerie des Cerfs (Galera de los Ciervos) en Fontainebleau; all fue una de las primeras y ms destacadas esculturas romanas que se vieran en Francia. nica entre las estatuas exportadas desde Italia antes de la segunda mitad del siglo XVII, la Diane Chasseresse adquiri una reputacin fuera de Italia equivalente a las obras maestras en el Cortile del Belvedere o la Villa Borghese" (Haskell y Penny 1981:196), pese a que sus admiradores solan confundirla con la Artemisa de feso. En 1602, Enrique IV la traslad al Palacio del Louvre, donde la Diana fue instalada en una sala diseada especialmente para acogerla, la Salle des Antiques (ahora, la Salle des Caryatides). En su momento, su restauracin corri a cargo de Barthlemy Prieur. En su remplazo, en Fontainebleau, se encontraba la rplica en bronce creada por Prieur en 1605 (Haskell and Penny 1981:196), la misma fue colocada en un alto pedestal manierista de mrmol dispuesto por el ingeniero hidrulico Tommaso Francini, con cabezas de perros de caza y ciervos de las cuales sala agua que haban sido creadas por Pierre Briard, en un parterre rodeado por una orangerie.[3] En 1634, Hubert Le Sueur cre otra rplica en bronce para Carlos I de Inglaterra, el cuado de Luis XIII.[4] Luis XIV instal a la Diana en la Grande Galerie de Versalles. En 1710, Guillaume Coustou realiz una copia en mrmol para Marly. Siendo uno de los mayores tesoros de Francia, la Diane Chasseresse regres al Louvre en An VI de la Primera Repblica (1798).[5] Volvi a ser restaurada en 1802 por Bernard Lange.[6] El sitio web del Louvre menciona replicas romanas similares al original que han sido halladas en Leptis Magna (Libia) y en Antalya (Turqua).
Referencias
Maxime Collignon, (1890). Manual of Mythology, in Relation to Greek Art. H. Grevel & Co. Pgina 94. Francis Haskell and Nicholas Penny, (1981). Taste and the Antique: The Lure of Classical Sculpture 1500-1900. Yale University Press. Cat. N 30. Martin Robertson, (1975). A History of Greek Art. Vol. I, pp. 460-61. Cambridge University Press.
Diana de Versalles
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Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Diana de Versalles. Diana de Versalles [7] (en espaol) Diana of Versailles [8] (en ingls) (Muse du Louvre) Artmis la biche, dite "Diane de Versailles" [9] (en francs) Chteau de Fontainebleau: Le Jardin de Diane [10] (en francs)
Referencias
[1] La estatua mide 2,01 metros de alto. [2] Ficha: Diana de Versalles (http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ historia/ obras/ 7971. htm). Consultado el 14 de enerode 2008. [3] La orangerie retirada bajo el reinado de Luis Felipe I. En 1813, la rplica de Prieur fue remplazada por otra realizada en 1684; la obra de Prieur fue trasladada a la Galerie des Cerfs. [4] En la actualidad se encuentra en el Castillo de Windsor. [5] Nmero de catlogo 589. [6] Lange tambin es conocido por haber efectuado la primera restauracin de la Venus de Milo. [7] http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ historia/ obras/ 7971. htm [8] http:/ / www. theoi. com/ Gallery/ S6. 1. html [9] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=911 [10] http:/ / www. chateaudefontainebleau. net/ visites/ visite38. php
Las dos hermanas

Las dos hermanas (Les deux soeurs) Thodore Chassriau, 1843 leo sobre lienzo- Romanticismo 180 cm 135 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Las dos hermanas (en francs, Les deux soeurs), tambin conocida como Las hermanas del artista, es considerada la obra maestra del pintor francs Thodore Chassriau. Est realizado en leo sobre lienzo. Fue pintado en 1843. Mide 180 cm de alto y 135 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars. Thodore Chassriau pinta en este lienzo a sus dos hermanas, quienes ya en otras ocasiones le sirvieron de modelo. La de la izquierda, que lleva una exuberante rosa en la cintura, es su hermana mayor, Adle, y la de la derecha es Aline. Se apoyan la una a la otra. Adle era doce aos mayor que Aline, pero en el cuadro no se aprecia la diferencia de edad entre ellas. Las dos presentan un cabello oscuro, fino y de suave brillantez, con raya al medio y recogido en un moo. Delan al descubierto la piel del rostro, el busto, los antebrazos y las manos, es una piel fina y blanca. Llevan vestido y joyas similares, en tonos rosas y marrones. Sus dos figuras, delineadas en negro, destacan respecto al fondo. Aunque de formacin clsica bajo Ingres, Chassriau no puede evitar asumir el fuego pasional de Delacroix, lo que se evidencia en este caso en el fuerte colorido de la obra. Usa colores casi violentos, especialmente en los mantones en que se envuelven, de un rojo vivo
Las dos hermanas con orlas de mltiples colores. Este cuadro se considera un profundo estudio de psicologa. Se trata de una obra de finales del primer perodo de su obra artstica, en el que el realismo clsico de las formas, aprendido de Ingres, predomina la influencia de Delacroix.
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Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre La dos hermanas.Commons Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Eschenburg, B., y Gssow, I., El Romanticismo y el realismo, en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5 Artculo en la pgina web oficial del Museo del Louvre [1]
Referencias
Dptico Barberini
El Dptico Barberini era un antiguo dptico imperial de marfil bizantino del que se conserva una hoja. Data de la Antigedad tarda y actualmente est conservado en el Louvre. Est tallado en el estilo clsico conocido como teodosiano tardo, representando al emperador como un vencedor triunfante. Generalmente se data de la primera mitad del siglo VI y se atribuye a un taller imperial de Constantinopla, mientras que el emperador normalmente es identificado con Justiniano, o posiblemente Anastasio I o Zenn. Es un destacado documento histrico debido a que est relacionado con la reina Brunilda de Austrasia. En la parte posterior hay una lista de reyes francos, todos parientes de Brunilda, indicando la importante posicin de las reinas dentro de las familias
Dptico Barberini expuesto en el Louvre.
Dptico Barberini reales francas. Presumiblemente, ella orden que se inscribiera la lista y la ofreci a la iglesia como una imagen votiva. Aunque no es un dptico consular, comparte muchos rasgos de sus esquemas decorativos. El emperador est acompaado en el panel principal por un brbaro conquistado en pantalones a la izquierda, una figura alegrica, probablemente representando el territorio conquistado o reconquistado, quien tiene sujeta su pie en expresin de agradecimiento o de sumisin, y un ngel o victoria, coronando al emperador con la tradicional palma de la victoria (que actualmente se ha perdido). Aunque el brbaro est en parte oculto por la enorme lanza del emperador, esta no parece atravesarle, y parece ms sorprendido y sobrecogido que combativo. Encima, Cristo, con un peinado rizoso a la moda, est flanqueado por otros dos ngeles ms, en el estilo de figuras de victoria paganas; reina por encima, mientras que el emperador lo representa abajo en la tierra. En el panel inferior brbaros europeos (a la izquierda, en pantalones) y frica (a la derecha, con marfil) le traen tributo, que incluye animales salvajes. La figura del panel de la izquierda, aparentemente no un santo sino que representa un soldado, lleva una estatuilla de la Victoria; su equivalente en el lado derecho se ha perdido.
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Diseo
Originalmente estaba formado por cuatro placas rectangulares, aunque a la derecha ha sido reemplazada (quiz en el siglo XVI) por una tabla con la inscripcin CONSTANT. N. IMP. CONST. Las placas estn unidas por un machihembrado, alrededor de una placa central ms grande. La pieza en conjunto es el nico objeto secular semejante que sobrevive as de bien conservado.,[1] a menudo agrupados con el ttulo de dpticos imperiales. Mide 34,2 centmetros de alto por 26,8 de ancho en total, con el panel central 19 cm de alto por 12,5 cm de ancho con 2,5 cm de profundidad. Fue ejecutado en marfil de elefante, esculpido y en relieve con piedras preciosas (sobreviven siete perlas). No muestra trazas de policroma, al contrario de lo que algunos historiadores han supuesto. No queda claro que el marfil Barberini perteneciera a un dptico, es decir, que hubiera un segundo conjunto de placas que formasen una segunda hoja con otro retrato, quiz de la emperatriz la primera hoja ya es bastante pesada para ser usada realmente como una tablilla de verdad para escribir, y no hay resto de una bisagra que pudiera indicar que era la tapa de un libro.
Propietarios
El reverso del objeto es liso y suave, sin la depresin para cera que se encontrara en un dptico consular, que sera usado como una tablilla para escribir. No obstante, est rayado con lneas grabadas ms tarde sobre inscripciones de tinta ms antiguas - incluye una lista de nombres (oraciones por los muertos), entre los cuales pueden verse los reyes de Austrasia y otros nombres, en su mayor parte latinos. La onomstica muestra que se trata de una lista que proviene de Auvernia y no de Provenza como se crey por la localizacin del objeto en la poca moderna. Las inscripciones tambin datan del siglo VII (quiz alrededor del ao 613 y muestran que la obra fue llevada a la Galia a principios de su existencia. La historia del marfil entre ese momento y 1625 se desconoce en aquel ao le fue ofrecido por Nicolas-Claude Fabri de Peiresc al legado Francesco Barberini en Aix-en-Provence, entrando a formar parte de la coleccin Barberini en Roma. Peiresc la menciona
Dptico Barberini especficamente en una carta a su amigo Palamde de Vallavez, datada el 29 de octubre de 1625: [el cardenal] qued encantado al ver un antiguo bajorrelieve en marfil que recuper un poco antes, donde est representado el emperador Heraclio a caballo, con los bordes luciendo una cruz y su hijo Constantino llevando una Victoria y muchas provincias cautivas a sus pies, como la del Grand 'Camayeul' de Tiberio. Se lo di cuando se fue(...) tena piezas parecidas en el mismo estilo en marfil, que con [mi ejemplo] irn bien.[2] Probablemente la confirmacin de que estaba en la coleccin barberini aparece en una mencin de un marfil representando a Constantino en el inventario de esculturas en posesin de Francesco Barberini entre 1626 y 1631.[3] Fue adquirido por el Louvre en 1899 y desde entonces ha estado en el dpartement des objets d'art (nmero de inventario OA 9063).
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Iconografa
La obra combina por un lado un tema clsico del poder absoluto de un emperador victorioso, coronado por la Victoria, cuyo gobierno universal es sinnimo de paz y prosperidad, y por otro lado el tema de la victoria cristiana trada por el mecenazgo de Cristo y la bendicin del emperador. Introduce una nueva jerarqua csmica en la representacin del triunfo del Imperio Romano y as una obra altamente poltica diseada para servir como propaganda imperial. La calidad del artesano permite que sea atribuido a un taller imperial en Constantinopla.
Dptico Barberini
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Panel central
La composicin se organiza en torno a una placa central que domina por su motivo as como por su calidad estilstica. El motivo esculpido es una figura triunfante de un emperador sobre un encabritado. En su mano derecha el emperador sostiene el extremo de una lanza, con el otro extremo apuntado hacia el suelo, y en su derecha sostiene las riendas del caballo. Detrs de la lanza est la figura de un brbaro, identificado como tal por su pelo, su barba enredada y sobre todo por sus ropas su caperuza curvada (parecida a un gorro frigio) indicando un origen oriental, una tnica de manga larga y pantalones holgados. Simboliza a un persa o a un escita, los pueblos derrotados por el emperador - como un signo de sumisin toca la lanza con su mano derecha y alza su mano izquierda. En la esquina inferior derecha, debajo del caballo, una mujer queda en el suelo. Su ropa se ha resbalado, mostrando el pecho derecho, y en su mano izquierda sostiene un pliegue de su ropa conteniendo frutas, smbolos de prosperidad. Su mano derecha est alzada hacia el pie derecho del emperador en un gesto de sumisin. Personifica a la Tierra, representando la dominacin universal del emperador y con los frutos como smbolo de la propseridad de su reino. Esta personificacin fue a menudo presentada en este papel en imgenes del emperador triunfante o del emperador en majestad, como por ejemplo en el Disco de Teodosio (con Tellus fue nuevamente representado en la parte inferior de la composicin, bajo la figura de Teodosio I el Grande entronizado en majestad) y sobre el relieve de la pietas augustorum sobre el arco de Galerio (donde los tetrarcas est acompaados por una serie de personificaciones, incluyendo a Gaia[4] ) Estas personificaciones de Tellus/Gaia son generalmente reconocibles por su principal atributo de una cornucopia - esto no se encuentra presente en el marfil por s, pero el pliegue de la ropa llena de fruta es de la misma forma y cumple la misma funcin simblica.
El emperador triunfante en el panel central.
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Simtrica a esta primera figura femenina, en la parte superior derecha del panel central, hay una estatuilla de una Victoria alada sobre un globo inscrito con el signo de la cruz, sosteniendo una palma (smbolo de la victoria) en su mano izquierda y en su mano derecha (hoy rota) casi con seguridad llevaba una corona que Slido de Constantino II, acuado en Heraclea entre 326 y colocar en la cabeza del emperador. 330 Esta clase de personificacin en estatuilla era tambin una de las unidas a la iconografa dl emperador triunfante, que puede encontrarse en varias monedas (como en el reverso de un slido de Constantino II, derecha) pero tambin en escultura (como la escena de sacrificio en el arco de Galerio) y sobre algunos dpticos consulares. El emperador tiene un corte de pelo en tazn o arquivolta, del tipo donde el flequillo describe un crculo arqueado alrededor de su rostro, y luce una corona tachonada de perlas, de las cuales sobreviven cuatro. Sus rasgos faciales son de forma ovalada y bastante pesados, notablemente las pestaas y la nariz, pero le da un carcter alegre al retrato imperial. El emperador luce uniforme milidar de comandante en jefe, en cuyo papel est retratado - bajo su coraza luce una tnica corta y sobre la coraza una capa (paludamentum), de la que un pliegue cae detrs de l y que est sujeto a su hombro por una fbula redonda. La fbula estaba hecha originalmente de piedra preciosa, como la coraza. Luce botas con cordones cruzados, ornamentadas con una cabeza de len, y los arreos del caballo estn decorados con una serie de medallones que caen en incrustaciones, hoy perdidas aparte de la del centro de su cabeza. El relieve de este motivo central estaba particularmente acentuado - la Victoria, la lanza, y en menor medida las cabezas del emperador y de su caballo estn todas esculpidas muy cerca del bulto redondo. El cuidado que se ha puesto a la hora de modelar los ropajes y de reflejar ciertos detalles anatmicos, como los msculos del brazo del emperador, podran calificarse como clasicizantes. Estas caractersticas, aadidas a la desproporcin de las figuras, subrayan la majestad de la persona imperial, recordando al arte teodosiano.
Paneles laterales
Los paneles laterales son un relieve menos elevado (la profundidad mxima del grabado del panel central es de 28 milmetros, mientras que es slo de 9 en los paneles laterales), y son estilsticamente ligeramente menos virtuosos que el panel central. Tienen los bordes inscritos en una pauta en zig-zag simple, dejando espacio en el borde alrededor del panel central para una guirnalda de hojas estilizadas con un pequeo agujero a mitad de cada lafo para cuatro incrustaciones hoy perdidas.
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El panel al lado izquierdo representa a un oficial superior, reconocible por su ropa y equipamiento militares, comparables a los del emperador. Con barba, luce una coraza y el paludamentum, fijado a su hombro derecho por una fbula ms simple que la que lleva el emperador. Se puede distinguir la vaina de su espada fijada al cinturn, lucida en el lado izquierdo. Avanza hacia el emperador y le presenta con una estatuilla de la Victoria sobre un pedestal ella sostiene una corona y una palma, como la Victoria del panel central. A sus pies hay una bolsa. El hombre permanece en pie en un marco arquitectnico formado por dos columnas que sostienen capiteles corintios y de una pauta de teselada (posiblemente opus sectile) evocando una habitacin de un palacio imperial. Esta figura a veces es interpretada como un cnsul, interpretando la estatuilla de la Victoria y la bolsa (interpretada aqu como con toda probabilidad conteniendo oro) como atributos consulares. Sin Vista en tres cuartos, subrayando las embargo, la figura puede tambin representar diferentes profundidades del dptico sparsio, la generosidad consular representada en Barberini. otros dpticos, como los de Clemente (513) y Justino (540), con la bolsa de oro ms abiertamente simblica de botn de guerra, prueba del triunfo imperial. Igualmente, donde el Csar galo sostiene una estatuilla de la Victoria semejante en su imagen sobre el Calendario de 354, luce ropas civiles y no militares. El oficial del dptico Barberini es por tanto ms probable que represente a un general que intervino en la campaa victoriosa representada por el marfil. Es natural suponer que en el panel simtrico a la derecha (hoy desaparecido) mostrara otro general en una moda similar.
Panel inferior
El panel inferior forma una especie de friso decorado por una doble procesin de brbaros y animales que convergen hacia una figura central de la Victoria. Ella se vuelve a mirar hacia arriba, hacia la figura del emperador en el panel central y sostiene en su mano derecha un trofeo militar, representado en la forma tradicional de una rama con armas militares, armadura y botn unidos a ella. Los brbaros derrotados llevan al emperador varios regalos como tributo y se diferencian por sus ropas y por los animales salvajes que los acompaan. A la izquierda, dos figuras con barba son del mismo tipo que el brbaro en el panel central, luciendo una tnica corta, un gorro frigio y botas cerradas. Uno de ellos lleva corona, el otro un contenedor cilndrico con contenido desconocido, quizs oro, y por delante de ellos marcha un len. Pueden ser persas o escitas. A la derecha, los dos brbaros estn vestidos de manera muy diferente - desnudos de la cintura para arriba, lucen un tocado de tela adornado con plumas, una pieza simple de tela atada a la cintura y sandalias. Estn acompaados por un tigre y un pequeo elefante. El primero luce colmillo de elefante sobre su hombro y el segundo un bastn de funcin
Dptico Barberini desconocida. Representan a indios. Este tema de brbaros rindiendo homenaje al emperador es comn en bajorrelieves romanos y bizantinos - aqu, es el aurum coronarium, la presentacin del tributo. Muestran la clementia del emperador y subrayan el simbolismo de la victoria imperial. Uno de los dos fragmentos de marfil atribuidos a un dptico imperial actualmente en Miln tambin representan este motivo, en una obra ligeramente anterior.[5] Puede encontrarse tambin en Constantinopla, por ejemplo en la base de la columna de Arcadio (en una composicin comparable a la del dptico Barberini) o sobre el obelisco de Teodosio en el hipdromo (izquierda). Sobre el obelisco de teodosio diez brbaros, de nuevo divididos en dos grupos, convergen sobre la figura central del emperador, en este ejemplo entronizado en majestad en un palco imperial rodeado por otros augusti. A la izquierda estn los persas, y a la derecha hay brbaros occidentales indeterminados, quiz alemanes o godos. La Victoria est ausente en este relieve, pero est bien representada en la base perdida de la columna de Arcadio y sobre la base perdida tradicionalmente atribuida a la columna de Constantino en ambos casos, la Victoria est en una posicin central, como una especie de intermediario entre los brbaros derrotados y la figura del emperador, situada debajo.
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Panel superior
El panel superior de este marfil se encuentra ocupado por dos ngeles que llevan una imago clipeata, un gran medalln que luce un busto de un Cristo joven y sin barba, sosteniendo un cetro cruciforme en su mano izquierda y haciendo el signo tradicional de bendicin con su mano derecha (el dedo anular agarrado sobre el pulgar). El busto est enmarcado por smbolos del Sol a la izquierda y de la Luna y una estrella a la derecha. La pareja de ngeles que llevan una imagen de Cristo aqu reemplazan la imagen anterior de dos Victorias llevando una personificacin de Constantinopla que puede encontrarse en el segundo panel del anteriormente mencionado dptico imperial de Miln - la sustitucin est lejos de ser insignificante e implica un cambio vital paradigmtico respecto a la datacin y la comprensin del dptico Barberini.
Identificacin del emperador

La cuestin de la identidad del emperador representado en el panel central es el problema central que ha ocupado a los comentaristas del dptico Barberini - su primer propietario moderno, Peiresc, le reconoci sin duda como Heraclio e identific al oficial ofreciendo la estatuilla de la Victoria como su hijo Constantino III. Identificaciones posteriores de la figura central han incluido tambin a Constantino I, Constancio II, Zenn y sobre todo Anastasio I o Justiniano.[6] La identificacin se complica por el hecho de que el emperador mostrado no es necesariamente el que reinaba en la fecha en que se tall el marfil. As la datacin del marfil es innegablemente una indicacin til de la identidad del emperador pero no es concluyente a ese respecto.
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Anastasio
Desde el punto de vista estilstico, la escultura en altorrelieve del panel central es comparable a otros dos paneles de marfil que datan de comienzos del siglo VI, representando auna emperatriz - uno est en el Bargello de Florencia (izquierda), el otro en el Museo de Historia del Arte de Viena.[7] Muestran a la emperatriz Ariadna (?-518), esposa del emperador Zenn (430-491) y luego de Anastasio I (491-518). Este paralelismo sugerira la identificacin del emperador del dptico Barberini con Anastasio. El reinado de Anastasio estuvo marcado por una difcil guerra contra los persas desde 502 hasta 505, concluida por la paz de 506 que restaur el statu quo pero que podra presentarse en Constantinopla como un triunfo despus de las primeras derrotas romanas. La produccin del dptico Barberini podra verse en este contexto, como marca del triunfo representado uno celebrado sobre los persas. Aunque la figura comparte caractersticas con ciertos cnsules de dpticos contemporneos de Anastasio I, como el de Anastasio (517) y sobre todo el de Magno (518), el retrato del emperador en el dptico Barberini tiene poco parecido con los retratos conocidos de Anastasio como el medalln del dptico consular de Anastasio. Es de hecho ms parecido a retratos conocidos de Constantino, que ha permitido a ciertos historiadores identificarlo con ese emperador, incluyendo al propio Barberini, pues un artculo en un catlogo contemporneo de l muestra (vase arriba). Esta interpretacin tambin debe algo a la inscripcin moderna en el panel de reemplazo de la derecha, en el que es fcil reconocer el nombre del emperador, o al menos en tanto no se refiera a Constante o Constancio
Panel de un dptico imperial representando a la emperatriz Ariadna, Bargello.
Semis de Anastasio I
II en su lugar. Por otro lado, criterios estilsticos no dejan duda de que el marfil no es ms antiguo que finales del siglo V, con lo que el parecido del retrato imperial a retratos de Constantino se explicaran por el deseo explcito del comitente de recordar la imagen de ese emperador. Desde esta perspectiva, esta referencia se remonta a la iconografa de Constantino se ajusta a Justiniano ms que a Anastasio I.
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Justiniano
El estilo bajorrelieve de los paneles secundarios, y especialmente la presentacin grfica y poco plstica de la ropa, se acomoda a una fecha posterior de la obra alrededor de mediados del siglo VI. La combinacin de la obra de relieves de alta calidad evoca otra famosa obra de escultura de marfil de esta poca, el trono de Maximiano en Rvena (545-556), muy visiblemente otro producto de los talleres imperiales en Constantinopla con esto sera el emperador Justiniano triunfante. La posicin atractiva que se da en la composicin a la figura de cristo bendiciendo al emperador sugiere tambin una fecha justinianea - es comparable a un dptico consular de Justino de 540, el ltimo dptico consular conocido antes de que Justiniano suprimiera el consulado en 541, y el primero en colocar imgenes de Cristo y de la pareja imperial (Justiniano y Teodora) en medallones por debajo del retrato del cnsul. Hasta entonces la presencia cristiana en estos dpticos se haba limitado al smbolo de la cruz, como aquellos que enmarcan a los retratos imperiales del dptico consular de Clemente en 513. Esta cruz podra tambin mostrarse dentro de una corona que llevan dos ngeles, el motivo ms conocido de la era teodosiana - adems de marfiles como el de Dibujo de la estatua ecuestre de Justiniano en el Murano, tambin figura en bajorrelieves de Augustaion por Nymphirios la columna de Arcadio y la decoracin del sarcfago de Sarigzel. Reemplazando la cruz dentro de la corona con un busto de Cristo en el dptico Barberini marca otro paso en la cristianizacin de la forma del relieve, que tambin la datara de un momento posterior al reinado de Anastasio y se correspondera bien con la orientacin ideolgica observada en el comienzo del reinado de Justiniano. El gran dptico imperial de Londres, del que slo sobrevive un panel, representa un arcngel sosteniendo un cetro y un globo coronado por una cruz y puede asignarse al mismo movimiento ideolgico. Se dat precisamente de comienzos del reinado de Justiniano en 527 por D.H.Wright, despus de hacer una nueva traduccin de su inscripcin griega.[8] La identificacin del emperador triunfante con Justiniano as se correspondera bastante bien con la imaginera dejada por este emperador, que tambin incluye estatuas ecuestres y estatuas de Victoria (pues victorias sobre los persas que eran intensamente proclamadas en la propaganda pero no particularmente reales). Un dibujo de Nymphirios (un miembro del entorno de Ciraco de Ancona) hoy en la biblioteca de la Universidad de Budapest[9] muestra la estatua que est coronada por la columna alzada por Justiniano en 543/4 en el Augustaion de Constantinopla y descrita ampliamente por Procopio de Cesarea en sus Edificios (I, 2, 5). El emperador, montado a caballo con un casco alzado, sostiene un orbe coronado por una cruz en su mano izquierda y saluda al espectador con la derecha. Est
Dptico Barberini coronado por un amplio tocado de plumas o toufa. Segn el epigrama que era su inscripcin dedicatoria, conservado en la Antologa de Planudes[10] y confirmada por el relato de Procopio, la estatua se coloc para que quedara orientada al Este y los persas, como un signo del emperador amenazndolos. La conexin de esta estatua con el emperador triunfante del dptico Barberini est tambin justificada en que el anterior era parte de un grupo escultrico en el Augustaion que tambin inclua estatuas de tres reyes brbaros ofreciendo tributo al emperador, como en el panel inferior del dptico.[11] El dibujo de la estatua del Augustaion puede relacionarse con otra representacin ecuestre de Justiniano en una de sus medallas, izquierda.[12] La medalla en cuestin es una de oro que pesa solidi (164g), descubierta en 1751 y hoy perdida despus de ser robada del Cabinet des Mdailles (hoy parte de la BNF) en 1831, aunque un electrotipo de ella sobrevive. En Varios slidos de Justiniano, representando una estatua ecuestre perdida del emperador, hacia 534 el anverso hay un busto nimbado de Justiniano como un general, armado con una lanza, luciendo una coraza y coronado con la diadema y toufa. Dice la inscripcin Dominus Noster Iustiniianus Perpetuus Augustus[13] (Nuestro Seor Justiniano, Augusto Perpetuo). El reverso muestra a Justiniano, de nuevo con un nimbo, cabalgando en un caballo ricamente enjaezado cuyos arreos recuerdan a los del Semi-follis de Justiniano mostrando un retrato caballo del dptico Barberini. Frente a l imperial de todo el rostro, 538. hay una Victoria sosteniendo una palma y un trofeo bajo su brazo izquierdo. Se muestra una estrella sobre el campo, la inscripcin exergo da la marca CONOB (indicando una ceca de Constantinopla) y la leyenda dice Salus et Gloria Romanorum (Salud y Gloria para los romanos). El retrato de Justiniano en perfil tres cuartos permite datar la medalla de antes de 538, fecha despus de la cual fue sistemticamente representado slo de frente (derecha). Las celebraciones particularmente suntuosas del triunfo de 534 marcaban la reconquista de Cartago de los vndalos pudo haber sido la ocasin marcada por la acuacin de esta medalla excepcional. Otra estatua ecuestre, de la que slo queda la inscripcin dedicatoria (de nuevo en la Antologa de Planudes), puede verse en el hipdromo de Constantinopla. Esta vez no hay dibujos supervivientes de la estatua, pero su ubicacin en el hipdromo (el principal lugar de encuentro en Constantinopla y por tanto el mejor lugar para exhibir imgenes de propaganda imperial) nos lleva a pensar que debe haber sido una de las estatuas ecuestres ms famosas del emperador y por tanto probablemente sera imitada en marfil y otros medios. La inscripcin ciertamente sugiere una composicin monumental que no deja de recordar al motivo central del dptico Barberini: Contempla, prncipe [y] exterminador de los medos, las ofrendas que te trae Eustaquio, al mismo tiempo padre e hijo de la Roma que sostienes: un caballo que se alza sobre una
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Dptico Barberini Victoria, una segunda Victoria que te corona, y t mismo a horcajadas sobre ese caballo, rpido como el viento. As de alto ha llegado tu poder, oh, Justiniano! - y sobre la tierra los campeones de los medos y escitas permanecern por siempre encadenados. La existencia de estas estatuas ecuestres de Justiniano en Constantinopla sugieren que el tema central del dptico Barberini repite un tipo perdido popularizado por estas estatuas, ms que crear un tipo nuevo. Al menos otro ejemplo de este tipo sobrevive, sobre una pesa de bronce, hoy conservado en el Museo bizantino y cristiano de Atenas (derecha). Luce una copia exacta del motivo central directamente modelado sobre el marfil, es ms probable que ambos derivaran de un mismo modelo nico, quizs una estatua ecuestre perdida en el hipdromo. Esto no arroja dudas sobre que el bronce, como el dptico, fuera el producto de un taller imperial y un objeto oficial. Sin embargo, el bronce permanece una copia ms modesta del modelo, ms barato y por as quizs se pretenda que tuviera una circulacin ms amplia que el marfil.
Panel de bronce con una imitacin del panel central del dptico Barberini La existencia de esta copia ms barata confirma la (Museo Cristiano y Bizantino de popularidad de este tipo de imagen de propaganda bajo Atenas) el gobierno de Justiniano y tambin habla del celo del emperador por hacer y divulgar estas imgenes a travs de medios muy diferentes, desde las esculturas figurativas monumentales en tres dimensiones, a relieves, miniaturas de bronce y paneles de marfil. El reinado de Justiniano contuvo muchas guerras que acabaron en victoria, o ms a menudo guerras que podan presentarse propagandsticamente como tales, justificando as la produccin de este tipo de objeto.
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La posicin prominente de un brbaro tradicionalmente identificado como persa as como el paralelo del tipo con el grupo estatuario del Augustaion invita al espectador a considerar que la creacin de este tipo de imagen estuvo ocasionada por la paz perpetua concluida con el Imperio Persa en 532, aunque criterios estilsticos sugieren una fecha posterior.
Bibliografa
Antony Cutler, Barberiniana. Notes on the Making, Content, and Provenance of Louvre OA. 9063, Tesserae : Festschrift fr Josef Engemann, Jahrbuch fr Antike und Christentum, Ergnzungsband 18, 1993, p.329-339 ; Danile Gaborit-Chopin, en Byzance, l'art byzantin dans les collections publiques franaises (catlogo de una exposicin en el Louvre, 3 de noviembre de 1992-1 de febrero de 1993), Pars, 1993, n. 20, p.63-65 (en francs); A. Hron de Villefosse, L'Ivoire de Peiresc , Mmoires de la Socit nationale des Antiquaires de France, 75, 1915-1918, p.267-295 (en francs); Jean-Pierre Sodini, Images sculptes et propagande impriale du IVe au VIe sicle : recherches rcentes sur les colonnes honorifiques et les reliefs politiques Byzance, en A. Guillou y J. Durand, Byzance et les images, La Documentation franaise, Pars, 1994, p.43-94 (en francs);
Dptico Barberini Richard Delbrck, Die Consulardiptychen und verwandte Denkmler, Berln, 1929, n. 48 (en alemn); Wolfgang Fritz Volbach, Elfenbeinarbeiten der Sptantike und des Frhen Mittelalters, Mainz, 1952 2, n. 48, p.36-37 (en alemn).
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Enlaces externos
Artculo en el catlogo del Louvre [14] (en francs) Polptico Barberini [15] en artehistoria.jcyl.es Todo o parte de este artculo fue creado a partir de la traduccin del artculo Barberini ivory de la Wikipedia en ingls, bajo licencia GFDL. A su vez es traduccin del artculo en francs, Ivoire Barberini.
Referencias
[1] Los otros marfiles de la poca comparables son en efecto dpticos eclesisticos como el evangelio de San Lupicino o la encuadernacin de Etschmiadzin. [2] Citado por A. Hron de Villefosse, op. cit. p. 275-276 [3] Vase M. A. Lavin, Seventeenth century Barberini Documents and Inventories of Art, Nueva York, 1975, 82 n. 160. [4] La comparacin temtica con los relieves del arco de Galerio se justifica tambin por el arco y el marfil Barberini ambos siendo conmemoraciones de un triunfo imperial - el arco es un monumento al triunfo del emperador Galerio como vencedor de los persas en 297. [5] Volbach, op. cit. no 49, pl. 12. [6] Para la bibliografa de estas diversas identificaciones, vase Cutler, op. cit. 335-336. [7] Dptico de Ariadna (http:/ / www. khm. at/ system2E. html?/ staticE/ page261. html) en el Museo de Historia del Arte de Viena. [8] La inscripcin se encuentra en D. H. Wright, Justinian and an Archangel, Studien zur Sptantike und Byzantinischen Kunst (Festschrift Deichmann), P. Feld (editor), Univ. Bonn, Rmisch-Germanisches Zentralmuseum, 3, 75-80, pl. 21-24. [9] Ms. 35, fol. 144 v. [10] (En francs) R. Aubreton y F. Butire (editores), Anthologie de Planude, Les Belles-Lettres, n. 63. [11] Las estatuas de estos reyes brbaros se conocen a travs de relatos de peregrinos rusos - G. Majeska, Russian travelers to Constantinople in the fourteenth and fifteenth centuries, Dumbarton Oaks Studies, 1984, 134-137 [12] [13] [14] [15] Cf. la noticia por C. Morrisson en (en francs) Byzance dans les collections franaises, n. 113, p. 167-169. La repeticin de la I en Iustiniianus muestra las dificultades de acuar tan gran medalla. http:/ / cartelfr. louvre. fr/ cartelfr/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=6397 http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ historia/ obras/ 8915. htm
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Eco y Narciso
Eco y Narciso (cho et Narcisse) Nicolas Poussin, Hacia 1627-1628 leo sobre lienzo- Clasicismo 74 cm 100 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Eco y Narciso (en francs, cho et Narcisse) es un cuadro del pintor francs Nicolas Poussin. Est realizado al leo sobre lienzo. Mide 74 cm de alto y 100 cm de ancho. Fue pintado en 1627 y 1628. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars, Francia. La obra pertenece al gnero mitolgico. Segn Las metamorfosis de Ovidio, la ninfa Eco se enamor de Narciso, pero ste la rechaz. Por eso ella, desolada, se ocult en una cueva y se consumi de dolor, hasta quedar solamente su voz. Nmesis, la diosa de la venganza, castig a Narciso haciendo que se enamorara de su propia imagen reflejada en una fuente, consumindose de amor hacia s mismo. All donde muri, brot la flor azafranada que lleva su nombre: Narcissus[1] . Poussin refleja esta leyenda situando a tres personajes en un paisaje idlico: en primer trmino, Narciso, detrs Eros y sentada sobre una roca, Eco. De la cabeza del joven Narciso estn brotando ya los narcisos. Eco, recostada sobre una roca, resulta una aparicin elegaca e inmaterial[1] .
Referencias
[1] Andreas Prater, El Barroco en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 246, ISBN 3-8228-4744-5
El bao turco
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El bao turco
El bao turco (Le bain turc) Dominique Ingres, 1862 leo sobre lienzo- Romanticismo 108 cm 108 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El bao turco es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista representa un grupo de mujeres desnudas en un harn. El erotismo del cuadro es suave y no provoca gran escndalo ni lo hizo en su poca (a diferencia de otros del mismo gnero, p. ej. el Djeuner sur lherbe de douard Manet 1863). Durante mucho tiempo perteneci a colecciones privadas. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de Le Bain turc. Est considerada como la obra maestra de los ltimos aos de Ingres.
Realizacin
Es ya un anciano el que firma el cuadro ertico en 1862, no sin una cierta malicia, ya que l lo inscribe con orgullo AETATIS LXXXII ('a la edad de ochenta y dos aos'). Algunos aos despus (en 1867), Ingres declara: todo el fuego de un hombre de treinta aos. Rectangular en su origen, el pintor le dar forma de tondo o medalln en el ao 1863, acentuando as el carcter furtivo de la mirada que lo contempla, que parece espiar a travs de una cerradura y otorgando una nueva dimensin a la obra, reforzando la cadencia de los cuerpos desnudos.[1] Para realizar este cuadro Ingres no recurre a modelos; se inspira en los numerosos croquis y cuadros que ha pintado a lo largo de su carrera, ya que el desnudo femenino fue el tema principal de su obra.[1] Se puede ver, por ejemplo, en las figuras de La baista y La Odalisca,[1] que dibuj o pint solas, sobre un divn o un estanque. El primer plano est ocupado por una mujer vuelta de espaldas que est tocando una especia de lad. Recuerda a la figura ms conocida de Ingres: La baista de Valpinon, que reprodujo de forma casi idntica, variando la posicin del brazo, de manera que aqu al estar un poco levantado, deja entrever su seno.[1] Constituye el elemento central de la composicin. Igualmente, la odalisca con los brazos levantados que se ve en primer plano, fue producto de un croquis que hizo el pintor en 1818 y que representaba a su mujer (Madeleine). La espalda de esta
El bao turco mujer de los brazos levantados, es ms larga de lo normal, incoherencia anatmica del artista que utilizaba con frecuencia y de manera absolutamente consciente, sacrificando la verosimilitud por el efecto; quiere pintar la belleza, su belleza, una belleza individual (por ejemplo las tres vrtebras suplementarias de La Gran Odalisca). Los dems cuerpos estn yuxtapuestos en diferentes planos, sin que se crucen sus miradas. Ingres puebla el cuadro de infinidad de mujeres, en posturas y actitudes distintas: estiradas, tomando caf, charlando, bailando, etc.[1] Son docenas de turcas desnudas que estn sentadas o tumbadas, alrededor de una piscina. Muchas de estas baistas acaban de salir del agua y se las ve secndose o durmiendo. El mayor erotismo del cuadro viene proporcionado por las dos mujeres que estn a la derecha, una tocando el pecho de la que tiene a su lado. En el primer plano, a la derecha, hay una manta roja y, sobre ella, una mesita con una serie de objetos. Forman un bodegn: una tetera plateada, una jarra de porcelana, una taza.[1]
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Posteridad
Este obra es un encargo hecho alrededor de 1848 por un pariente de Napolen III (o del propio prncipe Napolen, segn la pgina web del Museo del Louvre, quien poco despus de adquirirlo se lo devolvi al pintor, porque su mujer (la emperatriz Eugenia) lo encontraba poco conveniente. El pintor sigui trabajando en su obra hasta 1863, incluso despus de que l mismo lo datara en 1862. En 1865 lo adquiri Halil Serif Pascha, llamado Khalil Bey, un diplomtico turco que viva en Pars, incorporndolo a su coleccin de cuadros erticos, entre los que se hallaba El origen del mundo, de Gustave Courbet. A finales del siglo XIX unos mecenas quisieron regalar El bao turco al Museo del Louvre, pero el consejo del museo lo rechaz en dos ocasiones. Slo se revel al gran pblico en 1905, con ocasin de la retrospectiva de Ingres en el Saln de Otoo, donde entusiasm a pintores de vanguardia como Picasso. Despus de que lo intentaran comprar los coleccionistas nacionales de los museos de Mnich, el Louvre lo acept en sus colecciones en 1911. Edgar Degas pidi que el cuadro se presentase en la Exposicin Universal, lo que provoc diferentes reacciones: Paul Claudel lleg a compararlo a un corro de gitanos.
La inspiracin orientalista
Ingres estuvo muy influenciado por la corriente orientalista, relanzada despus de la batalla de Egipto de Napolen. En 1806, cuando Ingres va a Italia, copia en sus cuadernos un texto en el que se habla de los baos del serrallo de Mohamed. Se puede leer una descripcin del harn en la que explica: sucede en una sala rodeada de sofs () en ella, varias mujeres atienden al sultn a la salida del bao, secndole y rocindole con las ms perfumadas esencias; seguro que l disfrutaba de un voluptuoso reposo. En 1825 Ingres copia un pasaje de Lettres dOrient de Lady Mary Montagu, titulado Descripcin del bao de las mujeres de Andrinopla. Lady Mary, esposa de un diplomtico ingls, acompa a su marido en 1716 cuando fue destinado al Imperio Otomano. Estas cartas se reeditaron en Francia entre 1763 y 1857 en ocho ocasiones, lo que aliment la fiebre orientalista. Yo creo que haba unas doscientas mujeres, indica Lady Montagu en el pasaje copiado por Ingres. Bellas mujeres desnudas en poses diversasunas conversando
El bao turco entre s, otras dedicadas a su labor, otras bebiendo caf o degustando un helado, y muchas tendidas indolentemente, mientras sus esclavas (en general encantadoras jvenes de diecisiete o dieciocho aos) se dedicaban a peinar sus cabellos a su capricho. La inspiracin de este cuadro en la obra de Lady Montagu es evidente.[1] Sin embargo, as como Delacroix visit un harn en Argelia, Ingres no viaj jams a frica o al Oriente Medio. Las cortesanas que l pinta tienen un color ms europeo que oriental. El tema oriental es para l, ante todo, un pretexto para pintar el desnudo femenino en una pose pasiva y lasciva. Los elementos exticos son raros en sus composiciones, e incluyen instrumentos de msica, algunos juegos o un incensario.
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Enlaces externos
Artculo sobre Le Bain turc ingls)
[2]
en la pgina web del Museo del Louvre (en francs e
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 178-179 [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673226335& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673226335& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815
El cambista y su mujer
El cambista y su mujer Quentin Massys, 1514 leo sobre tabla- Renacimiento 71 cm 68 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El cambista y su mujer es quiz la obra ms conocida de Quentin Massys. Es un leo sobre tabla que mide 71 cm de alto y 68 cm de ancho. Data del ao 1514 y se conserva en el Museo del Louvre de Pars. Se trata de una de las primeras escenas de gnero de la historia del arte. Se representa el taller u oficina de un cambista. El marido est pesando monedas, y su mujer le mira, ms interesada en el dinero que en el libro de devocin que tiene entre las manos.
El cambista y su mujer
73 En esta pareja se representa el conflicto insinuado sutilmente entre la avaricia y la oracin; en la produccin de Massys, ilustra la introduccin de una nueva nota satrica en sus pinturas. El estilo recuerda al de los primitivos flamencos, aunque la figura humana ha ganado en monumentalidad. Los objetos detallados componen un autntico bodegn, como se ve en el libro ilustrado, jarrones, oro y joyas, adems del espejo que hay en el primer plano. Produce el efecto de ilusin sobre el reflejo de algo que supuestamente queda en las afueras del cuadro. Este detalle que permite mostrar el virtuosismo del pintor apareci en otras pinturas flamencas precedentes como El matrimonio Arnolfini, el Dptico de la Virgen con Maarten van Nieuwenhove o Un orfebre en su taller.
Fragmento de la obra: un espejo muestra el exterior del cuadro
Referencias
Rynck, Patrick de: Quentin Massys, El banquero y su mujer, en las pp. 120-121 de Cmo leer la pintura, 2005, Grupo Editorial Random House Mondadori, S.L., ISBN 84-8156-388-9 Walter, Ingo F. (editor): Quentin Metsys, El cambista y su mujer, en la p. 200 de Los maestros de la pintura occidental, Tomo I, 2005, Taschen, ISBN 3-8228-4744-5
Enlaces externos
Web Gallery of Art: The Moneylender and his Wife.
[1]
(en ingls)
Referencias
[1] http:/ / www. wga. hu/ frames-e. html?/ html/ m/ massys/ quentin/ 2/ moneylen. html
El desembarco de Mara de Mdicis en el puerto de Marsella
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El desembarco de Mara de Mdicis en el puerto de Marsella Peter Paul Rubens, 1622-1625 leo sobre tela- Barroco 394 cm 295 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El desembarco de Mara de Mdicis en el puerto de Marsella es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Es uno de los cuadros del ciclo de la Vida de Mara de Mdicis, que ocup al autor entre 1621 y 1625 y fue sin duda el encargo ms importante de su vida. Se trata de una pintura al leo sobre tela, que mide 3,94 metros de alto y 2,95 m. de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars (Francia). En esta tela se representa un tema histrico. Mara de Mdicis, que haba sido la reina de Francia como consorte de Enrique IV, era al tiempo de la ejecucin de los cuadros la reina madre y regente, dado que el rey Luis XIII, haba ascendido al trono a los nueve aos (en 1610). El encargo fue realizado por la propia Mara, con la finalidad de reforzar su soberana y legitimidad en unos tiempos en que su hijo Luis XIII entraba en conflicto con su madre. El programa de toda la serie fue ideado por el abad de Saint-Ambroise, pero igualmente contribuyeron con sus propuestas la reina, el cardenal Richelieu y el propio pintor. Rubens dibuj los esbozos en Pars, pero la ejecucin material fue llevada a cabo con ayuda de colaboradores en Amberes. Mientras que los cuadros de la serie se conservan en el Louvre, los esbozos estn en la Alte Pinakothek de Mnich. En este cuadro se representa un hecho histrico ocurrido el 3 de noviembre de 1600: Mara de Mdicis llega a Marsella. Alegoras de Francia y de la ciudad la cumplimentan. Por encima, la sobrevuela la Fama. La composicin es descentrada, con un dinamismo tpicamente barroco. Junto a los personajes histricos o reales del plano superior coexisten los personajes mitolgicos en el mar: monstruos marinos, sirenas, ninfas, en los que abundan los opulentos desnudos y los colores clidos tpicos de la escuela veneciana. Son Neptuno y las nereidas, que han acompaado al barco para asegurar una travesa sin incidentes. De esta manera elimina las fronteras entre lo histrico, lo terrenal y las fuerzas eternas.
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Referencias
Bauer, H., El Barroco en los Pases Bajos en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 292, ISBN 3-8228-4744-5 Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7
El escriba sentado
El escriba sentado, tambin conocido como El escriba sentado del Louvre, es una de las estatuas ms representativas de la escultura de la V dinasta de Egipto, y una de las ms famosas y bien conservadas de toda la Civilizacin egipcia. Fue esculpida entre los aos 2480 y 2350a.C. Se realiz en una poca en que Egipto se encuentra en la cima de su gloria y se ha abandonado la construccin de grandes pirmides: los artesanos cubren ms campos, las tumbas y los templos tienen una arquitectura ms compleja y el arte se ocupa de objetos ms pequeos, reproduciendo la vida cotidiana. Los escribas, que son indispensables en el Estado fuertemente centralizado, son representados frecuentemente.
Anlisis de la obra
La estatua fue hallada en la necrpolis de Saqqara, situada en la ribera occidental del Nilo, frente la antigua ciudad de Menfis, que fue la capital del Imperio Antiguo de Egipto, y se estima que representa a un alto funcionario de la administracin. Colocada en la capilla de culto de una tumba, la estatua participaba en las ceremonias y reciba las ofrendas para el difunto, su funcin tena pues un carcter funerario. El artista le represent mientras escriba en posicin sedente con las piernas cruzadas y encima de ellas reposa un papiro desplegado, mientras est a punto
El Escriba sentado, expuesto en el Museo del Louvre, Pars.
Detalle del rostro del Escriba sentado.
El escriba sentado de realizar su labor como escriba, por lo que sostiene un clamo en su mano. lleva un como prenda de vestir un shenti, donde apoya el papiro. Hecho de caliza, cristal de roca, cobre y magnesio, su cara est atenta y su mirada es viva; esta parte del cuerpo es muy realista, resaltan los pmulos y las mejillas estn huecas, mientras los ojos presentan muchos detalles. Las manos estn talladas con una cierta atencin al detalle. Su postura es un poco hiertica, su actitud es tiesa. Presenta muchas formas, en el vientre, que hacen resultar su obesidad. Su buena conservacin nos permite ver la policroma antigua, con la aplicacin de los diferentes colores. La escultura al Antiguo Imperio se caracterizaba por una actitud bastante hiertica, por lo que es extrao el realismo de esta obra y la representacin de la obesidad del escriba. Tambin es poco comn el representarlo realizando su actividad. Otro detalle del realismo son los ojos, muy detallados. Actualmente la estatua se exhibe en el Museo del Louvre de Pars, Francia.
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Caractersticas
Material: piedra caliza policromada; los ojos son de cuarzo blanco, bano y cristal de roca; altura: 53 cm.
Vase tambin
Escriba Museo del Louvre dinasta V de Egipto
Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre el escriba sentado. www.louvre.fr [1]
El hombre del guante
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El hombre del guante
El hombre del guante (Ritratto d'uomo con un guanto) Tiziano, hacia 1520-1523 leo sobre lienzo- Manierismo 100 cm 89 cm Museo del Louvre
Retrato de hombre llamado El hombre del guante o Joven con guante es un cuadro ejecutado por el pintor italiano Tiziano en su juventud (hacia 1520-1523). Se trata de un leo sobre lienzo que mide 100 centmetros de alto y 89 cm. de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de L'Homme au gant. Se trata de un retrato, gnero en el que Ticiano consigui crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicolgica vena dada por la atencin que prestaba a la expresin del retratado. Contribuye as al desarrollo del retrato psicolgico. En este caso es un joven aristcrata, representado con gran sencillez. No se ha podido identificar al modelo. La elegante apariencia, particularmen el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristcrata en torno a los veinte aos de edad, seguidor de la moda veneciana de la poca. El retratado est sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mrmol. El rostro est dispuesto en tres cuartos, vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro, mientras que los puos irradian las manos, procedimiento caracterstico de Ticiano. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta, como el fondo, es oscuro, de manera que se concentra toda la atencin en el rostro. Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas azules. El pintor concentra su inters en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, misma direccin en la que seala el dedo de su mano desnuda. Una mano est enguantada y sostiene el guante de la otra, que queda as desnuda. Los guantes castaos estn representados de manera minuciosa. El peso de la composicin cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura.
El hombre del guante Ticiano consigue transmitir la personalidad del modelo mediante la cuidadosa observacin y reproduccin del rostro y las manos del personaje, ms que a travs de atributos y detalles decorativos.
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Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 115
Enlaces externos
Artculo sobre L'Homme au gant e ingls)
[1]
en la pgina web del Museo del Louvre (en francs
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225144& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225144& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816
El tahr
El tahr (Le Tricheur o Le Tricheur l'as de carreau) Georges de La Tour, H. 1620-1640 leo sobre lienzo- Barroco 106 cm 146 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El tahr o El tahr del as de diamantes (en francs, Le Tricheur l'as de carreau), es una de las pinturas ms conocidas del pintor francs Georges de La Tour. Est realizada al leo sobre lienzo. Se considera que debi ejecutarse entre 1620 y 1640. Mide 106 cm de alto y 146 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars (Francia), que lo adquiri en 1972.
El tahr Es un cuadro de gnero en el que se retrata una escena de burdel, en el que un tahr y una prostituta, con la complicidad de una criada, desp'luman a un joven rico, ataviado con lujo, quien no se da cuenta de que el tahr se saca del cinturn un as de diamantes[1] .
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Enlaces externos
Artculo sobre este cuadro
[2]
en la pgina web del Museo del Louvre (en francs)
Referencias
[1] Andreas Prater, El Barroco en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 242, ISBN 3-8228-4744-5 [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673237837& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673237837& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& fromDept=false& baseIndex=7& bmUID=1188490370632
El ngelus
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El ngelus (L'Anglus) Jean-Franois Millet, 1857-1859 leo sobre lienzo- Realismo 66 cm 55,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El ngelus es un cuadro del pintor realista francs Jean F. Millet. Data del perodo 1857-1859 y se trata de un leo sobre lienzo que mide 66 cm. de alto por 55,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Millet representa aqu una escena campestre, que es la que dominar en principio su obra. Esta posicin atraer la atencin de la burguesa, ya que el mundo rural simbolizaba lo bueno en contraposicin de la postura reaccionaria del sector obrero. En la pintura en tela, se observa una clara inclinacin por motivos vinculados con la naturaleza y el paisaje, donde los efectos de contraste lo vinculan con el estilo de Honor Daumier, aunque tiende a ser opaca y terrosa. En un primer momento, Millet haba pintado dentro de la cesta que
El ngelus est en el suelo a una criatura de pocos meses de nacida, pero que haba fallecido, y a los dos personajes de pie como los compungidos padres que la miraban sin consuelo. Esta situacin conmocion mucho a los que la vieron por primera vez, y recibi criticas de censura, por lo que este pintor se decidi a retocarla quedando como la vemos hoy. La escena actual muestra a dos campesinos que han interrumpido su trabajo en el campo para rezar el ngelus, la oracin que recuerda el saludo del ngel a la Virgen Maria en la Anunciacin. En medio de un llano desrtico, los dos campesinos se recogen en su plegaria. Sus caras quedan en sombra, mientras que la luz destaca los gestos y las actitudes, consiguiendo expresar un profundo sentimiento de recogimiento. La atmsfera de la escena parece neblinosa, lo que simplifica el volumen de las figuras lo que genera una fusin entre los personajes y el paisaje natural, realzando el patetismo de la obra, aunque esta a primera vista no se deje ver. Millet, junto con Daumier y Courbet comprendieron que, en el contexto de la poca, las manifestaciones artsticas que plasman la realidad, mas all de las controversias, centran la atencin del espectador en un mensaje crtico que produce una reaccin, una movilizacin que traer como corolario la conciencia en la libertad y la nacin para dejar de lado lo superficial e individual del romanticismo.
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Et in Arcadia ego
Et in Arcadia ego Nicolas Poussin, 1637-1638 leo sobre lienzo- Clasicismo 85 cm 122 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Et in Arcadia ego o Los pastores de Arcadia (en francs, Les Bergers dArcadie) es un cuadro del pintor francs Nicolas Poussin. Est realizado al leo sobre lienzo. Mide 85 cm de alto y 121 cm de ancho. Fue pintado en 1637 y 1638. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars, Francia. La obra pertenece al gnero mitolgico, alegrico y pastoral y representa a tres pastores idealizados y una dama dispuestos ante una tumba austera. A partir de enero de 2007, esta pintura estar expuesta temporalmente en el High Museum of Art en Atlanta, Georgia, como parte de la Exposicin del Louvre en Atlanta.
Et in Arcadia ego
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El trmino y su origen
Con este ttulo, Nicolas Poussin (15941665) pint dos cuadros pastorales que representan pastores idealizados de la Antigedad clsica, rodeando una austera tumba. Esta es la segunda versin, la ms famosa. La frase es un memento mori. Et in Arcadia ego se traduce literalmente por y yo en la Arcadia, se ha de interpretar como yo, la muerte, reino incluso en la Arcadia. Sin embargo, el bigrafo de Poussin, Andre Felibien, interpreta que quiere decir que "la persona enterrada en esta tumba ha vivido en la Arcadia"; en otras palabras, que ellos tambin en un tiempo disfrutaron de los placeres de la vida sobre la tierra. Se considera normalmente que la interpretacin correcta es la primera. De cualquiera de las dos formas, el sentimiento pretenda establecer un contraste irnico al representar la sombra de la muerte sobre el usual entretenimiento y alegra que se supone que disfrutaban las ninfas y dems habitantes de la Arcadia. Tradicionalmente, se considera un smbolo de la caducidad de la vida, incluso en sus momentos ms idlicos. La primera aparicin de una tumba con una inscripcin conmemorativa (a Dafnis) en los paisajes idlicos de la Arcadia aparece en la obra de Virgilio Buclicas V 42 ff. Virgilio cogi a los rsticos sicilianos idealizados que haban aparecido por vez primera en los Idilios de Tecrito y los ubic en el primitivo distrito griego de Arcadia (vase Buclicas VII y X). La idea fue retomada en el crculo de Lorenzo de Mdicis en los aos 1460 y 1470, durante el Renacimiento Florentino. En su obra pastoral Arcadia (1504), Jacopo Sannazaro Obra sobre el mismo tema, de Guercino, estableci la percepcin de comienzos de la Era 1622 Moderna sobre la Arcadia como un mundo perdido de idlico encanto, recordado con tristeza. En los aos 1590, sir Philip Sidney hizo circular copias de su romance La Arcadia de la Condesa de Pembroke, que pronto dio a la imprenta. La primera representacin pictrica de este familiar memento mori que fue popularizado en la Venecia del siglo XVI, ahora ms vvido y concreta con la inscripcin ET IN ARCADIA EGO, es la versin de Guercino, pintada entre 1618 y 1622 (Galera Barberini, Roma), en la que la inscripcin gana fuerza debido a la presencia de un crneo en el fondo, debajo del cual estn grabadas las palabras.
Et in Arcadia ego
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Anlisis del cuadro

Poussin sita a unos pastores con sus atributos, coronas y bastones, en un paisaje plcido y luminoso. Han perdido todo gesto de turbacin ante la muerte, el crneo que haba en una versin anterior ha desaparecido, su actitud de leer y descifrar nos indica que son pastores cultos. La primera versin de Poussin de este tema (hoy en Chatsworth House) fue probablemente encargado como una imitacin de la versin de Guercino. Tiene un estilo ms Barroco que la versin posterior, caracterstico de las primeras obras de Poussin. En el cuadro de Chatsworth los pastores estn descubriendo de forma activa la tumba semiescondida, y leyendo la inscripcin con expresiones curiosas. Las pastoras, en pie a la izquierda, posan de un modo sexualmente sugerente, muy distinto de su austero contrapunto de la versin posterior. La versin posterior tiene una composicin mucho ms geomtrica y las figuras son mucho ms contemplativas. La cara de estas pastoras, que recuerdan a una mscara, cumplen las convenciones del clsico "perfil griego".
Los pastores de la Arcadia, Primera versin de Poussin sobre el tema, h. 1628-1630, leo sobre lienzo, 101 x 82 cm, Chatsworth House, Chatsworth, Derbyshire, mostrando una tumba diferente con la misma inscripcin
Teoras de conspiracin
La frase latina "et in Arcadia ego" parece incompleta, al no aparecer expresamente ningn verbo. En realidad, el latn, como otros idiomas, permite estructuras elpticas omitiendo formas del verbo ser que se encuentran sobreentendidas. Este supuesto defecto ha llevado a algunos pseudohistoriadores y novelistas a creer que representa algn mensaje esotrico en un cdigo posiblemente anagramtico, dentro de teoras conspirativas sobre el supuesto Priorato de Sin. "Et in Arcadia ego" sera el presunto lema de la familia Plantard y del Priorato de Sin, segn una reivindicacin aparecida por vez primera en 1964.
Enlaces externos
Marc Wiesmann, "Classical Arcadia" [1] (en ingls) Cuadro de Guercino de la Galera Barberini [2] (en italiano) Crtica escptica a la lectura esotrica de la locucin "Et in Arcadia ego".
[3]
Referencias
[1] http:/ / arcadia. ceid. upatras. gr/ arkadia/ engversion/ culture/ clasarcadia/ etinarc. html [2] http:/ / www. galleriaborghese. it/ barberini/ it/ arcadia. htm [3] http:/ / www. circuloesceptico. org/ Documentos/ critica-libros/ los-guardianes-del-secreto. php?cap=14
Exposicin del cuerpo de San Buenaventura
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Exposicin del cuerpo de San Buenaventura
Exposicin del cuerpo de San Buenaventura Francisco de Zurbarn, 1629 leo sobre lienzo- Barroco 250 cm 225 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La Exposicin del cuerpo de San Buenaventura es un cuadro de Francisco de Zurbarn expuesto en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Est pintado al leo sobre lienzo y mide 250 cm de alto por 225 cm de ancho.
Gilles
Gilles (Pierrot, dit autrefois Gilles ) Antoine Watteau, 1721 leo sobre lienzo- Rococ 184 cm 149 cm Museo del Louvre
Gilles es un cuadro del pintor francs Jean-Antoine Watteau. Est realizado en leo sobre lienzo. Mide 184 cm de alto y 149 cm de ancho. El tamao de esta obra es excepcional dentro de la produccin de Watteau: 1,85 m de alto y 1,50 m de ancho. Puede haber sido un
Gilles cartel para una cafetera propiedad de Belloni, un antiguo actor. Fue realizado por Watteau en 1721, ao de su muerte. Se expone en el Museo del Louvre de Pars, Francia, con el ttulo de Pierrot, dit autrefois Gilles, esto es, Pierrot, llamado anteriormente Gilles; asimismo es conocido como Pierrot, tambin llamado Gilles. Tradicionalmente se la ha llamado Gilles, pero actualmente se prefiere el ttulo de Pierrot, por entenderse que es ms apropiado al tema de la obra. El cuadro perteneci a Dominique Vivant Denon. Posteriormente fue adquirido por el doctor Louis La Caze, coleccionista de arte del siglo XVIII que leg su coleccin al Louvre en 1869. El protagonista, anteriormente llamado Gilles, es Pierrot, tpico personaje de la comedia del arte.[1] No obstante, est representado de manera poco acorde con un desenvuelto Pierrot: est de pie, con los brazos cados, tmido y melanclico. Viste de blanco, con unos pantalones que le quedan cortos. En los pies lleva zapatillas con dos lazos rojos. No parece un animado personaje de la comedia del arte, sino ms bien ensimismado y soador. Ms que un ser humano, parece una marioneta.[1] No se sabe con certeza quin es la persona aqu representada, si se trata de un autorretrato, un retrato de un actor o de algn amigo de Watteau, o si se trata de un producto de su imaginacin. Su actitud contrasta con la de los compaeros que estn detrs de l s se manifiestan desenvueltos, vitales y divertidos[2] Son personajes tpicos de la comedia del arte: a la izquierda est Casandro, el doctor, sobre un asno que parece prestar atencin al protagonista. A la derecha estn, en primer lugar, el enamorado Leandro con un gorro en forma de cresta y expresin de sorpresa. La forma de pintarse esta cabeza y la expresin de sorpresa recuerdan a la Cabeza de Medusa de Caravaggio (1590-1600). Los otros dos personajes seran la joven Isabel y el elegantn capitn.[1] Esos personajes permanecen indiferentes al Pierrot del primer plano.
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Detalle de los personajes de la derecha del cuadro
Esta pintura est considerada una obra maestra de su autor gracias a la fluidez de su pincelada, los colores brillantes y el punto de vista, desde abajo, adoptado por el autor.
Cabeza de Medusa, de Caravaggio, 1590-1600
Enlaces externos
Artculo sobre el cuadro
[3]
en la pgina web oficial del Louvre
Gilles
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Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 93 [2] Eva-Gesine Baur, El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 350, ISBN 3-8228-4744-5 [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673237642& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673237642& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& fromDept=false& baseIndex=5& bmUID=1188690583140
El indiferente
El indiferente (Lindiffrent) Antoine Watteau, 1717 leo sobre madera- Rococ 26 cm 19 cm Museo del Louvre
El indiferente (en francs, Lindiffrent), es un cuadro del pintor francs Jean-Antoine Watteau. Est realizado en leo sobre madera. Mide 26 cm de alto y 19 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia, que lo adquiri por el legado del Sr. Louis La Caze (1869). En este cuadro aparece un solo personaje, en el centro de la composicin, contra un fondo boscoso. Se realiz sobre soporte de tabla con una simple capa de preparacin, delatndose las vetas de la madera a travs de las pinceladas. Adopta una postura de baile inestable: el pie izquierdo est girando, formando un ngulo recto con la pierna derecha, y de sta slo apoya la punta del pie; se representa as un momento concreto de gracia extrema y artificial[1] , en el curso de la danza. El ttulo enigmtico de la obra contribuye a la seduccin ejercida por la gracia del personajes. En 1738 fue creada la Orden de los Indiferentes (Ordre des Indiffrents), asociacin cuyos miembros juraban sustraerse al imperio del amor. Hay otro cuadro, de una joven tocando el lad, que forma pareja con ste.
El indiferente
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Enlaces externos
Ficha de este cuadro
[2]
en la pgina web oficial del Louvre
Referencias
Joven mendigo
Joven mendigo Bartolom Esteban Murillo, h. 1650 leo sobre lienzo- Barroco 134 cm 110 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Joven mendigo o El mendigo es una obra de Bartolom Esteban Murillo datada hacia 1650. Se trata de un leo sobre lienzo que mide 134 cm de alto por 110 de ancho. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de Le Jeune Mendiant. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI. El pintor sevillano Murillo es conocido ante todo por su pintura religiosa. Pero, como otros pintores barrocos espaoles (Ribera, Velzquez), tambin realiz obras realistas. Entre ellas estn los mendigos o pilluelos, bien en escenas, bien solos. El realismo no le impide presentarlos de forma amable, con la gracia propia de Murillo, sin expresar dolor o miseria. Se ha apuntado la posibilidad de que esta obra fuera un encargo de mercaderes extranjeros en Sevilla, dado el gusto flamenco por las obras de gnero que reflejan la vida cotidiana. Igualmente, se ha indicado la posibilidad de que se pintara por influencia de los franciscanos, para quien Murillo sola trabajar, y sus teoras sobre la caridad. La primera de estas representaciones de estos golfillos urbanos es este Joven mendigo del Louvre. Aparece un mendigo vestido con harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las manos. Se cree que est despiojndose. Tiene los pies sucios. Puede ser un mendigo o ms bien un pcaro de los que aparecen en las novelas el Lazarillo de Tormes (1511) o las Ejemplares de Cervantes (1613). Por todo acompaamiento, Murillo pinta un cntaro de barro y un cesto con manzanas. En el suelo, restos de camarones u otros crustceos. Forman un bodegn por s mismos.
Joven mendigo Gracias a ellos, demuestra su gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales y texturas. La escena est iluminada con un fuerte claroscuro propio de la poca barroca, de influencia caravagista. La luz proviene de la ventana que queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la estancia. La composicin est dominada por ejes diagonales, lo cual es tpicamente barroco. En cuanto al cromatismo, dominan los colores amarillentos y castaos, desde los ms claros hasta los oscuros, casi negros.
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Referencias
Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 181 Prez Snchez, A.E., Pintura espaola en la segunda mitad del siglo XVII: el pleno barroco. Madrid y Sevilla. La pintura barroca en Hispanoamrica, en Historia del arte, Anaya, 1986. Artculo sobre Le Jeune Mendiant [1] en la pgina web del Museo del Louvre
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225757& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225757& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500811& fromDept=false& baseIndex=11
Juana de Arco en la coronacin de Carlos VII
Juana de Arco en la coronacin de Carlos VII, en la catedral de Reims (Jeanne dArc au sacre du roi Charles VII) Dominique Ingres, 1854 leo sobre lienzo- Romanticismo 240 cm 178 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Juana de Arco en la coronacin de Carlos VII, en la catedral de Reims (en francs, Jeanne dArc au sacre du roi Charles VII) es un cuadro del pintor francs Dominique Ingres. Data del ao 1854 y se trata de un leo sobre lienzo que mide 240 cm de alto por 178 cm de
Juana de Arco en la coronacin de Carlos VII ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Se trata de un cuadro perteneciente al gnero de la pintura histrica, que Ingres cultiv sobre todo a partir de su estancia en Italia. En este tipo de obras, Ingres procuraba seguir el estilo de su maestro, Jacques-Louis David, pudiendo enmarcarse en el llamado estilo trovador, esto es, un gnero de pintura histrica que evoca el pasado no clsico[1] . Para este tipo de retratos antiguos, Ingres sola dibujas a un modelo viviente, desnudo, antes de vestirlo o de envolverlo con tejidos reales[2] Este cuadro, pintado al final de la vida el pintor, fue un encargo realizado en 1852 por el director de la Academia de Bellas Artes de Orlans para conmemorar a Santa Juana de Arco[3] . Ingres representa un asunto medieval: Juana de Arco, erguida con una bandera, en la coronacin de Carlos VII en la catedral de Reims. Se presenta como una doncella victoriosa que alza los ojos al cielo indicando as de quin considera que es realmente la victoria. Detrs de ella se observa a tres pajes, el monje Jean Paquerel y un funcionario en el que Ingres se autorretrat, todos ellos reverenciando a la doncella[3] . La escena se enmarca en un ambiente de lujo con objetos suntuosos y ricas telas que Ingres dibuja con precisin y a los que dota de colores brillantes[3] .
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Referencias
[1] Patricia Fride R. Carrassat e Isabelle Marcad, Movimientos de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2004, pg. 47, ISBN 84-8332-596-9 [2] P. F. R. Carrassat, Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 , pg. 193 [3] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 428, ISBN 3-8228-4744-5
Juramento de los Horacios
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Juramento de los Horacios (Le Serment des Horaces) Jacques-Louis David, 1784 leo sobre lienzo- Neoclasicismo 330 cm 425 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Juramento de los Horacios (en francs Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolucin Francesa. El cuadro tiene una dimensin de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclsica.[1] En l se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo. El tema de la pintura tiene una perspectiva extrema patritica y neoclsica; ms tarde se convirti en modelo a seguir por futuros pintores. Aument la fama de su autor, y le permiti mantener a sus propios estudiantes.
El encargo de la obra
En el ao 1774, David consigui el Premio de Roma con la obra rasistrate dcouvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. Este hecho le permiti permanecer cinco aos (1775-1780), en Roma como estudiante a cargo del gobierno francs. A su vuelta a Pars present una exposicin, en la que Diderot alab su pintura; el xito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permiti que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. All conoci a Pcoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pcoul, con la que contrajo matrimonio.[2] El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intencin de que fuera una alegora sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca.[3] A medida que se acercaba la Revolucin francesa, iban aumentando las pinturas que hacan referencia a la lealtad hacia el estado ms que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco aos antes de la Revolucin, el Juramento de los Horacios, se convirti en una de las imgenes representativas de la poca. En el ao 1789, pint Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que tambin era un encargo real. Irnicamente, poco despus, el rey subira al patbulo acusado tambin de traicin a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la
Juramento de los Horacios Asamblea Nacional, que apoy la ejecucin de Luis XVI. No se sabe bien por qu lo hizo, ya que parece que habra de tener ms oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel perodo, incluso la llegada de [4] un gobierno republicano.
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Inspiracin de la obra
El Juramento de los Horacios, es una muestra de cmo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una iconografa sencilla. El propio David coment de su obra: Si debo el tema a Corneille, debo el cuadro a Poussin.[5] El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.[1] Representa a los Horacios romanos quienes, segn el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, tambin trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Esta pintura ocupa un lugar extremadamente importante en el cuerpo de la obra de David y en la historia de la pintura francesa. La historia se toma de Livio. Estamos en la poca de guerras entre Roma y Alba, en 669a.C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma Estudio para Camila. de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, est casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, est prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.[6]
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Horacio de Pierre Corneille

En la obra de teatro Horacio, publicada en el ao 1640, la accin se sita en los orgenes de Roma. Empieza con una situacin de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio est casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el novio de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharn para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios. Los que hasta entonces eran amigos se encuentran as cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrn de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patritico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino. En la lucha, Horacio vence despus de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusndola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces. El proceso permitir que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio ser declarado inocente, a pesar de la acusacin de su amigo Valerio, quien tambin amaba a Camila.
Estudio para Sabina.
Dibujo preparatorio del padre Horacio.
Juramento de los Horacios Al principio, David, pretenda representar este ltimo episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David ms tarde decidi que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber pblico sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentndose sobre los cuerpos de sus hijos despus de haber ordenado l mismo su ejecucin por traicin.
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Personajes de la obra pictrica

Padre Horacio Es el personaje central y el que realiza la accin principal, tomando juramento a sus hijos, mientras sostiene las tres espadas con sus manos, obligndolos al cumplimiento del deber con la patria. No muestra ninguna emocin. Tres hermanos Horacios En la pintura los tres hermanos se sitan a la izquierda, expresan su lealtad y solidaridad con Roma antes de la batalla, totalmente apoyados por su padre. Son hombres deseosos de entregar sus vidas por deber patritico. En esta sociedad patriarcal, los hombres de acero, de resuelta mirada y miembros tensos, son la ciudadela del patriotismo republicano. Eran smbolos de las ms altas virtudes de la Repblica; las mujeres, de ms tierno corazn, se quedan en casa llorando y estn satisfechas con esperar. Camila Horacio Su desesperacin est explicada en parte por el hecho de que es hermana de los Horacios, viste una toga blanca que demuestra los conocimientos arqueolgicos de David; es una Horacio prometida con un Curiacio. Sabina Curiacio Sabina, vestida de marrn, es una Curiacio que est casada con uno de los Horacios, por lo que llora por su esposo y su hermano[1] . Hijos de Sabina y aya La mujer vestida de negro al fondo sostiene dos nios de uno de los esposos Horacio y la esposa Curiacio. La hija menor oculta su rostro en el vestido de su aya mientras que el hijo rechaza que le tapen los ojos.[1]
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Tcnica simblica
El neoclasicismo es un perodo artstico que se desarroll durante los siglos XVIII y XIX, y tuvo una especial importancia en Francia y en el norte de Europa. Haba nacido como producto de la insatisfaccin, por las tradiciones artsticas, que sentan los artistas y escritores; este movimiento hizo renacer los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. En su realizacin se usaban formas y colores sencillos y se rechazaban los colores brillantes habituales en las pocas precedentes del barroco y del rococ, usndose como modelos las antigedades griegas y romanas.[7]
Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura.
Este cuadro muestra el estilo artstico neoclsico, y emplea varias tcnicas que son tpicas de l: El paisaje o fondo no est muy resaltado, mientras que las figuras en primer plano estn remarcadas para acentuar su importancia. El uso de colores apagados muestra la importancia de la historia detrs de la pintura sobre el cuadro en s. El cuadro est claramente organizado, mostrando el simbolismo del nmero tres y del propio momento, estructurndose geomtricamente.[1] El foco sobre detalles claros y duros y la ausencia de uso de los golpes de pincel, predilectos del arte Rococ. Las pinceladas son invisibles, para mostrar que el cuadro es ms importante que el artista. La calidad glida del cuadro tambin pretende mostrar racionabilidad, a diferencia del estilo Rococ. La nica emocin que se muestra es la de las mujeres, a las que se permita sentir, mientras que los hombres tenan que cumplir con el deber. El hecho de que tambin representa una historia moralmente compleja o perturbadora lleva a que se clasifique como una obra de arte neoclsica. Predominio del dibujo sobre el color.[1]
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Composicin
Segn Johann Joachim Winckelmann: ...la precisin del reseguimiento; caracterstica de los antiguos. esta distincin
es la particularidad que el pintor muestra con ms fuerza en esta obra. El espacio se vuelve teatral gracias al uso de la luz, hecho que recuerda a Caravaggio, y que procede de la parte izquierda del cuadro. Al ritual del juramento de las espadas se puede observan una gran tensin, y tambin la energa de las figuras Lnea del horizonte con los puntos masculinas, que contrastan con el desconsuelo ms centrales de toda la representacin. pasivo del grupo de figuras femeninas que dentro de la composicin, con sus cabezas juntas, forman una pirmide. Es de resaltar las lneas compositivas rectas y firmes para los hombres y curvadas para la representacin de las mujeres. La figura del fondo que est con los nios, es el punto que refleja un tipo de sentimiento propio de la poca.[8] El fondo del cuadro est dividido en tres partes gracias a la inclusin de tres arcos; cada uno de ellos sirven de marco para los personajes, con dos grupos en los arcos laterales y un personaje principal ms destacado en el central. Esta composicin narrativa ya haba estado empleada por Giotto y el Perugino en los frescos de Santa Mara Magdalena, en Florencia. La perspectiva se centra en las manos de la figura central del padre, que adems, realiza la accin principal en el juramento de sus hijos, que es el sostenimiento de las espadas. La oposicin de lneas se encuentra entre la verticalidad de las columnas que forman los arcos y las horizontales de las baldosas del pavimento, siguiendo estas lneas se encuentra el punto de fuga de la composicin: la mano del padre que sostiene las tres espadas. De los tres hermanos el que est colocado en primer plano, es, sin duda, el que atrae la mirada del espectador, la leyenda cuenta que slo uno de los tres Horacios sali victorioso, mientras que los otros extienden las manos en direccin hacia su padre y las espadas, formando la lnea de horizonte, su brazo es derecho y firme, la fuerza representada por su brazo es la de su firme compromiso con la patria. El detalle ms Juramento en el Rtli, de Fssli. revelador reside en la alineacin de su mirada con el punto de fuga junto con la tambin mirada de su padre y a la vez forman parte de la lnea del horizonte. En esta lnea el punto central se encuentra en la unin de las manos del padre sosteniendo el smbolo de las espadas.[9] El Juramento de los Horacios, tiene un cierto paralelismo con la pintura del Juramento en el Rtli (1779), donde las figuras llenan el espacio, sin fondo, en posturas violentas; fue realizada por el pintor suizo Johann Heinrich Fssli, aunque no se sabe con certeza si David
Juramento de los Horacios conoca esta obra.[10] Cuando el pintor italiano Pompeo Batoni vio la obra, le dijo a David: Tu y yo somos pintores; por lo que hace al resto, se les puede tirar al rio[11]
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Recepcin
El cuadro fue un encargo del rey en 1784. Se expuso por primera vez en el estudio del pintor en Roma durante el ao 1785,[12] sacerdotes, cardenales, prncipes y princesas acudieron a ver el increble trabajo de David, crendose poemas laudatorios del cuadro, incluso el Papa quera ver El Juramento. David quiso exponer la pintura en el Saln, pero lleg tarde y los acadmicos opuestos a David la colocaron en un mal lugar. Finalmente, las quejas pblicas hicieron necesario trasladar este cuadro a una mejor posicin. A causa de la lectura que se desprenda de la pintura, la obra fue considerada una declaracin poltica, e incluso, para algunos como una invitacin para el levantamiento en armas, a pesar de ser una opinin bien discutible.[13] Aos ms tarde, a partir de 1790, David, se integr ms activamente en la actividad revolucionaria, y actu como un artista al servicio de la propaganda de la Revolucin; este mismo ao se le encarg que pintara el Juramento del Juego de Pelota, obra que dej incompleta. En 1794, despus de haber estado elegido miembro de La Convencin, fue detenido y encarcelado.[14] Mas tarde, se hizo adepto de Napolen, y vivi un gran perodo en el que disfrut de fama artstica y poltica, perodo que termin con la cada del emperador.[15] Osvaldo Svanascini, en el libro El juicio del siglo XX (1969), hace referencia a la pintura y dice: Esta enorme prosa de David que asume en el Juramento de los Horacios, es suficiente tributo al amaneramiento o al amor un poco desmesurado del pintor por la herencia greco-romana. Es un cuadro tan fro, tan protocolario en su accin centralizante y mecnica, que hace olvidar las bondades tcnicas, las de la composicin, el rigor de la pincelada.[16] Raymond Cogniat escribe: El Juramento de los Horacios es el ejemplo ms representativo de las nuevas tendencias y su mejor ilustracin, y al mismo tiempo la justificacin de las objeciones que se le podran hacer.
Influencia
Tuvo una gran cantidad de discpulos, la mayora de los cuales se incorporaron a los estilos del realismo y sobre todo, del romanticismo. Sin duda, Ingres, alumno de David desde muy joven, fue un seguidor de las enseanzas del maestro; un ejemplo de la influencia de David se aprecia claramente en la Ilada, una pintura de los comienzos de la carrera de Ingres, y que es la composicin ms parecida a la obra de David.[17] El Juramento de los Horacios tambin sirvi de inspiracin al compositor italiano Bernardo Porta, (1758-1829), amigo del pintor, que en el ao 1800 escribi la pera Los Horacios, con texto de la obra Horacio del ao 1640 del dramaturgo francs Pierre Corneille. En esta pera, hay una escena donde se rinde homenaje al cuadro de David. Como ancdota, en el estreno de la obra asisti el primer cnsul Napolen Bonaparte, que sufri una tentativa de complot de asesinato; que se conoce como conspiracin de los "poignards".[18]
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Bibliografa
Cirlot, Lourdes (2007). Museo del Louvre I. Espasa. ISBN 978-84-674-3806-2. Gonzlez-Palacios, Alvar (1969). Pinacoteca de los Genios-David. Buenos Aires, Editorial Codex. Milicua, Jose (1988). Historia Universal del Arte. Barcelona, Editorial Planeta. ISBN 84-320-6688-5. DDAA (1984). Historia Universal del Arte,Volumen 10. Madrid, Editorial SARPE. ISBN 84-7291-594-8.
Enlaces externos
Artculo sobre Le Serment des Horaces francs e ingls)
[19]
en la pgina web del Museo del Louvre (en
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 138-139 [2] [3] [4] [5] [6] Gonzlez-Palacios, lvar (1969), p. 4 Volum 10, Historia Universal del Arte, 1984, Madrid, Editorial SARPE, pp. 1384. ISBN 84-7291-594-8 Gonzlez-Palacios, lvar (1969), p. 4 Volum 6, Historia Universal del Arte, 1984, Madrid, Editorial SARPE, pp. 836-837. ISBN 84-7291-594-8 Master Drawings - Recent Acquisitions (http:/ / www. leclaire-kunst. de/ katalog-17. pdf) - Le Claire, Thomas Kunsthandel XVII
[7] Volumen 6, Historia Universal del Arte, (1984), Madrid, Ed. SARPE, pp. 825-826. ISBN 84-7291-594-8 [8] Milicua, Jos (1988), p. 52 [9] Gonzlez-Palacios, Alvar (1969), pp. 4-5 [10] Volumen 10, Historia Universal del Arte, 1984, Madrid, Editorial SARPE, pp. 1384-1385. ISBN 84-7291-594-8 [11] Gonzlez-Palacios, Alvar (1969), p. 2 [12] Milicua, Jos (1988), p. 50 [13] Erika Bornay, Historia Universal del Arte, El siglo XIX, 1987, Barcelona, Editorial Planeta, pp. 50-52. ISBN 84-320-6688-5 [14] Milicua, Jos (1988), pp. 52-53 [15] Gonzlez-Palacios, Alvar (1969), p. 1 [16] Svanascini, Osvaldo (1969). El juicio del siglo XX Buenos Aires, Ed. CODEX [17] Erika Bornay, (1987) Historia Universal del Arte, El siglo XIX Barcelona, Editorial Planeta, pp. 64-80 ISBN 84-320-6688-5 [18] Adolphe Thiers, Histoire du Consulat et de l'Empire, Paris, Paulin, 1847, tome II, p. 333-334. [19] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225718& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225718& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815
La Belle Ferronire
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La Belle Ferronire
''La belle ferronire'' Leonardo da Vinci, 1490-1495 leo sobre tabla- Renacimiento 62 cm 44 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La belle ferronire es el ttulo de dos retratos del Renacimiento: uno en el Museo del Louvre y otro en el Museo Czartoryski de Cracovia, ambos atribuidos al pintor italiano Leonardo da Vinci. Este Retrato de una mujer desconocida o Retrato de dama del Museo del Louvre fue pintado hacia 1490-95, y se reputa posterior a La dama del armio de Cracovia. Es un leo sobre tabla que mide 63 cm. de alto y 45 cm. de ancho.
Autora
Bernardino de'Conti o Boltraffio puede que haya sido el autor del retrato de la Mujer Desconocida, aunque actualmente se atribuye por la crtica, de forma generalizada, a Leonardo. La pintura aparece, brevemente, en la secuencia inicial de la pelcula de 2006 El cdigo da Vinci.
Origen del ttulo

"La Belle Ferronire" fue una de las amantes del rey Francisco I de Francia. Era una burguesa de Pars, y recibira su nombre de la profesin de su marido, ferronnier (ferretero, persona que comercia con hierro), o simplemente del nombre de su marido, llamado Ferron. Este hombre fingi tolerar la conducta de su mujer, pero secretamente ide una forma odiosa de deshacerse de ella y su amante real, contrayendo la sfilis. Ella muri pronto y Francisco I no se cur jams. Esta mujer dio su nombre (ferronire) a una joya que consista en una cinta o cadena que rodea la cabeza, inmovilizando el cabello, y que se cierra sobre la frente con un camafeo o una piedra preciosa. Este adorno se puso de moda entre las mujeres de Francia e Italia del siglo XVI, usndose para ocultar lesiones sifilticas. La dama de esta obra de Da Vinci usa esa joya, lo cual dio lugar a un error de catalogacin a finales del siglo XVIII. En realidad, se ignora quin es la retratada. Tradicionalmente se la ha identificado con Isabel de Este, Beatriz de Este o incluso con Isabel Gonzaga o una de las muchas amantes de Ludovico Sforza, como Lucrezia Crivelli, de la que Leonardo hizo un
La Belle Ferronire retrato, segn consta en el Cdice Atlntico (f. 167 vto.); puede que represente a Cecilia Gallerani, amante del Moro, en una edad ms avanzada respecto a las facciones juveniles que presenta en la Dama del armio. Est documentado en las colecciones reales francesas en Fontainebleau en 1642, lo que hace suponer, aunque no est confirmado, que fue adquirido ya en tiempos de Luis XII o Francisco I.
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Anlisis de la obra
La obra fue realizada durante los aos de la estancia en Miln del artista, y refleja el intenso estudio de ptica de aquel perodo, evidente en el bellsimo detalle de la reverberacin del vestido rojo en la mejilla del enigmtico rostro. El modelado de las carnaciones se consigue gracias al juego de luces y sombras. Esta hermosa mujer parece estar en la flor de la juventud. Tiene un listn en la frente al igual que la dama del armio, y porta un peinado similar a esta ltima; su pelo es liso y cubre las orejas y la parte lateral de la cara, evidencia de la moda de aquel tiempo. Est representada en un busto de tres cuartos. A juzgar por la posicin que se puede ver en sus brazos, tiene las manos cogidas entre s. Gira levemente inclinando su cabeza hacia el espectador, signo de inocencia y curiosidad. Aunque permanece callada, no est del todo seria. Sus ojos muestran gran viveza y la mirada resulta penetrante. Su vestido es rojo y tiene pequeos moos y listones grises y transparentes. La riqueza del tejido del vestido es una indicacin del elevado estatus social de la retratada. Porta un listn en forma de collar en su cuello. Son muchas las caractersticas que tiene en comn este retrato con La dama del armio. Inclusive, el fondo es oscuro en las dos obras, pero Leonardo aun no experimenta con el esfumado en estos momentos, una de las razones por la cual este retrato no es tan famoso como la Gioconda. El anlisis de la obra a travs de rayos X ha permitido comprobar que el pelo quedaba ms arriba, de forma que se vea la parte inferior de la oreja izquierda de la retratada.
Referencias
Este artculo es traduccin de las wikipedias inglesa e italiana, que no sealan fuente, as como la francesa, que se remite al Dictionnaire Bouillet. "Leonardo", Los grandes genios del arte, n. 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2 Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 89
La Belle Ferronire
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Enlaces externos
Comentario sobre el cuadro [1] (en italiano) Comentario [2] (en ingls) Imagen de La belle Ferronire o La dama del armio Imagen de la otra La belle Ferronire [4]
[3]
Referencias
[1] [2] [3] [4] http:/ / www. artonline. it/ opera. asp?IDOpera=12 http:/ / www. kfki. hu/ ~/ arthp/ html/ l/ leonardo/ 03/ 2ferroni. html http:/ / www. wga. hu/ art/ l/ leonardo/ 02/ 4ermine. jpg http:/ / www. abcgallery. com/ L/ leonardo/ leonardo26. html
La Gioconda
Para la pera de Amilcare Ponchielli, vase La Gioconda (pera)
La Gioconda Leonardo da Vinci, 1503-1506 leo sobre tabla- Renacimiento 77 cm 53 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El cuadro La Gioconda, conocido tambin como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictrica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francs, y se exhibe en el Museo del Louvre de Pars. Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis ms aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini. Es un leo sobre tabla de lamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506,[1] y retocado varias veces por el autor. La tcnica usada fue el sfumato, procedimiento muy caracterstico de Leonardo. El cuadro est protegido por mltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservacin ptima.[2] Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro. Adems, se han usado herramientas tecnolgicas para la investigacin de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios histricos se ha determinado que la modelo podra
La Gioconda ser una vecina de Leonardo, que podran conocerse sus descendientes y que la modelo podra haber estado embarazada.[3] Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera ms curiosidad entre los admiradores del cuadro. La fama de esta pintura no se basa nicamente en la tcnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Adems, el robo que sufri en 1911, las reproducciones realizadas,[4] los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa,[3] las mltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro ms famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.[5]
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Autor
Leonardo da Vinci naci en el casero de Anchiano del municipio de Vinci en Italia. Fue fruto de la relacin ilegtima del notario Ser Piero y de su sirvienta, Catarina Vacca.[1] A los 14 aos entr en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrochio, donde estudi junto a Sandro Botticelli y Perugino.[6] Desarroll el estudio de las matemticas, la geometra, la perspectiva y todas las ciencias de la observacin del medio natural,[7] las cuales se consideraban indispensables en la poca. Como educacin complementaria, y tambin estudi arquitectura e ingeniera.[8] Leonardo fue un humanista renacentista, destacado en mltiples disciplinas.[9] Sirvi a personas tan distintas e influyentes como Lorenzo de Mdici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.[7]
Leonardo da Vinci.
Entre sus obras ms destacadas estn La Virgen de las Rocas, La batalla de Anghiari, La ltima cena,
Obra innovadora y La Gioconda.[7]
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Historia
La Gioconda es el retrato ms famoso de la historia y quizs el cuadro ms famoso de la pintura occidental.[10] [11] Su fama se debe probablemente a las mltiples referencias literarias, a las diversas interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911. Es adems la ltima gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que sigui retocndola hasta sus ltimos aos.[12] Cuando Leonardo se march a Roma a instancias del nuevo Papa, su vida se hizo montona y nada productiva.[13] Leonardo falleci sin encargos importantes, bajo la proteccin de Len X, Giovanni de Mdici, hijo del gran Lorenzo de Mdici.[14] [15] Despus de terminar el cuadro, Leonardo llev su obra a Roma y luego a Francia, donde se conserv hasta su fallecimiento.[16] Se sabe que pas a manos del rey Rey Francisco I de Francia, quien posey el cuadro por algn tiempo. francs Francisco I, quien la habra comprado a un valor de 12.000 francos (4.000 escudos de oro),[17] aunque no est claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519.[18] Tras la muerte del rey, la obra pas a Fontainebleau, luego a Pars y ms tarde al Palacio de Versalles. Sin embargo, est comprobado que permaneci en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX, Napolen Bonaparte lo tuvo guardado en el Palacio de las Tulleras tras una temporada en su residencia.[19] Con la Revolucin francesa lleg al Museo del Louvre, donde se encuentra actualmente; Napolen lo retir de all para colocarlo en su cmara personal. Finalmente regres al museo,[5] donde se aloj hasta 2005 en la Sala Rosa, y fue trasladada en ese ao al Saln de los Estados.[20] Es pertinente decir que la mayora de datos acerca del cuadro se poseen gracias al trabajo biogrfico del pintor contemporneo Giorgio Vasari.[21] [22]
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Tcnica
Leonardo dibuj el esbozo del cuadro y despus aplic el leo diluido en aceite esencial. La tcnica se conoce como Sfumato,[23] [24] la cual consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresin de inmersin total en la atmsfera, lo cual da una sensacin de tres dimensiones a la figura.[25] El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de lamo extremadamente frgil recubierta por varias capas de enlucido.[26] Se conserva en una urna de cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas,[20] [1] tratada de manera especial para evitar los reflejos.[20] La cmara que alberga el cuadro est diseada para mantener una temperatura constante de 20C y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones ptimas para los cuidados de la pintura.[20]
Pintura que se exhibe tras el cristal antibalas en el Louvre. [27]
La pintura tiene una grieta de 12 centmetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminacin del marco original, aunque un estudio con infrarrojos, revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo;[28] dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX.[29] En la actualidad, se ha determinado que es estable y no ha empeorado con el tiempo.[29] Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conform un equipo de curadores franceses, quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteracin provocada por el tiempo.[30]
En este retrato, la dama est sentada en un silln, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo caracterstico del esfumado, y tambin puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensacin de volumen.[31] [14] Aparece sentada en una galera,[32] vindose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas.
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103 La galera se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Miln.[33] El paisaje posee una atmsfera hmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porcin del Lago de Como,[33] sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se disee un modelo continuado de la imagen.[34] Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar ms alto que el derecho, entrando en contraste con la fsica, puesto que el agua no puede encontrarse esttica a desnivel en el terreno.[35] Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich, expresa que:[34] En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas
Detalle del lado izquierdo del paisaje.
sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece ms alta o ms erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posicin, porque tambin en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud E.H. Gombrich Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, elemento de civilizacin, que podra estar sealando la importancia de la ingeniera y la arquitectura.[32]
Detalle del lado derecho del paisaje.
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La modelo carece de cejas y pestaas, posiblemente por una restauracin demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habran barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto, s habla de cejas: En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, ms o menos abundantes y, girados segn los poros de la carne, no podan ser ms Detalle de la mirada de la modelo. reales.[36] Segn otros expertos, Leonardo nunca le pint cejas ni pestaas para dejar su expresin ms ambigua o porque, realmente, nunca lleg a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmtica.[20] Cuenta Vasari que Mientras la retrataba, tena gente cantando o tocando, y bufones que la hacan estar alegre, para rehuir esa melancola que se suele dar en la pintura de retratos.[36] Sin embargo, no existen evidencias de dicha afirmacin. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.[32] El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresin de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.[32] La tcnica de Leonardo da Vinci se aprecia con ms facilidad gracias a la "inmersin" de la modelo en la atmsfera y el paisaje que la rodean, potenciada adems por el avance en la "perspectiva atmosfrica" del fondo, que sera logro final del Barroco,[37] y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensacin de profundidad.[38] La conservacin de la obra es mediana. Acusa una fisura relativamente importante en el borde superior, que desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Las capas de barniz han amarilleado por el tiempo. Pero se dice que los responsables del Louvre se resisten a abordar una restauracin en profundidad, por miedo a alterar el aspecto de la obra. Mediante un programa informtico, se ha recreado el aspecto que debera tener la obra, si se eliminasen las capas de suciedad.
Enigmas
Durante varios siglos, las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo, creando pasiones en muchos autores e investigadores. Pese a la gran cantidad de preguntas, las respuestas a las mismas no suelen ser del todo convincentes, dejando abierto el debate. Especialmente durante los siglos XIX y XX, las teoras acerca del origen de la modelo, la expresin de su rostro, la inspiracin del autor y otras tantas, han tomado gran protagonismo y obligan a un anlisis histrico y cientfico profundo.
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La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pint la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y slo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.[39] El juego de sombras potencia la sensacin de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si parece sonrer o si es una sonrisa llena de amargura.[32] Margaret Livingstone, experta en percepcin visual, desvel en el Congreso Europeo de Percepcin Visual que se celebr en La Corua que la enigmtica sonrisa es "una ilusin que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imgenes".[39] [40] Livingstone seala adems que los artistas llevan mucho ms tiempo estudiando la percepcin visual humana, que los mismos mdicos especialistas en el tema.[39]
Detalle de la sonrisa de la Mona Lisa.
El ojo humano tiene una visin fotpica, fvea o directa, y la escotpica o perifrica. La primera sirve cuando se trata de percibir detalles, pero no para distinguir sombras, que es la especialidad de la segunda.[41] Leonardo pint la sonrisa de la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visin perifrica.[39] Para ilustrar el efecto, puede concentrarse la mirada en una sola letra sobre una pgina impresa y comprobar lo difcil que resulta reconocer el resto de letras.[42] Por otro lado, para efectos de esclarecer los enigmas, se utiliz un software especializado en la "medicin de emociones", el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de la expresin de la modelo.[43] La conclusin revelada por el programa, es que La Mona Lisa est un 83% feliz, un 9% disgustada, un 6% temerosa y un 2% enfadada.[44] El software trabaja sobre la base de tomar en cuenta rasgos como la curvatura de los labios y las arrugas producidas alrededor de los ojos. Tras obtener las mediciones, se compara con una base de datos de expresiones faciales femeninas, la cual contiene una expresin promedio.[44] As, mediante este nuevo programa, se podra analizar el estado de nimo de una persona a travs de una fotografa suya o un cuadro.
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Supuesto embarazo y condicin fsica

Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el momento de posar.[45] Para esclarecer esta teora, un grupo de investigadores utilizaron un escner de infrarrojos en tres dimensiones, cuyos resultados fueron publicados el 26 de septiembre de 2006 por el Consejo de Investigaciones de [29] [46] Canad. El uso de dicha tcnica permite una resolucin 10 veces ms fina que el cabello humano; las pesquisas permitieron a los investigadores apreciar detalles hasta ahora desconocidos. Consideran que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solan llevar las mujeres embarazadas.[29] [47] Por otro lado, el estudio revel el peso Las manos de la Gioconda sobre el vientre hacen (63 kilos) y la estatura (1.68 m) de la suponer que estaba embarazada. [28] modelo, as como que llevaba un moo en el pelo cubierto por un bonete detrs de la cabeza, que el cuadro fue colocado en el cuarto de bao del rey Francisco I y que no aparece ningn mensaje secreto en ninguna de las capas de la pintura, como se contaba en la novela El Cdigo Da Vinci. Adems, el doctor Julio Cruz Hermida, de la Universidad Complutense de Madrid, afirma que la modelo tena bruxismo (rechinar de los dientes), alopecia (cada del cabello) y principios de la Enfermedad de Parkinson.[5] Los resultados del estudio fueron avalados por el Consejo Nacional de Investigaciones de Canad, principal institucin oficial de investigacin del pas. Los hallazgos fueron presentados en Ottawa, durante un acto acadmico en 2004.[45]
Identidad de la modelo
Diversas hiptesis se han generado en torno a la identidad de la modelo. El pintor y bigrafo Giorgio Vasari escribi en 1550: Hizo para Francesco del Giocondo el retrato de su mujer Mona Lisa y, a pesar de dedicarle los esfuerzos de cuatro aos, lo dej inacabado. Esta obra la tiene hoy el rey Francisco de Francia en Fontainebleau.[36] En 1625, Cassiano dal Pozzo vio la obra en Fontainebleau y escribi sobre ella: Un retrato de tamao natural, en tabla, enmarcado en nogal tallado, es media figura y retrato de una tal 'Gioconda'. En base a estos testimonios se ha identificado a la modelo con Lisa Gherardini, la esposa del acaudalado comerciante Francesco del Giocondo.
La Gioconda Sin embargo, en 1517, antes del escrito de Vasari, Antonio de Beatis visit a Leonardo en el castillo de Cloux y mencion tres cuadros suyos, uno de ellos de una dama florentina hecha del natural a peticin de Juliano II de Mdicis. Aunque Antonio de Beatis podra haber visto una tabla distinta, este testimonio parece discrepar con los de Vasari y Cassiano del Pozzo, por lo que algunos han supuesto que la modelo fue en realidad una amiga o amante de Juliano II de Mdicis.[17] Algunas otras teoras poco difundidas afirman que podra tratarse de Isabel de Aragn, a quien Leonardo dibuj a lpiz para luego hacer un leo. Tambin podra tratarse de Constanza d'Avalos, duquesa de Francaville, mencionada en un poema de la poca, donde se lee que Leonardo la pint "bajo el hermoso velo negro".[5] E incluso otras propuestas han sido que la modelo pudo ser una amante del propio Leonardo, un adolescente vestido de mujer,[5] un autorretrato del autor en versin femenina[48] o incluso, una simple mujer imaginaria.[49] [50] Al respecto, Sigmund Freud sugiri que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad.[51] En el ao 2005, Armin Schlechter, de la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, descubri una nota de Agostino Vespucci en el margen de un libro de la coleccin de la biblioteca que confirmaba con certeza la creencia tradicional de que la modelo del retrato era Lisa.[52] En esta acotacin, el oficial Vespucci, quien era un amigo cercano a Leonardo da Vinci, establece: Leonardo se encuentra trabajando en tres obras pictricas, incluyendo el retrato de Lisa Gherardini.[53] Esta pequea anotacin data de octubre de 1503, aproximadamente 47 aos antes a las referencias realizadas por Giorgio Vasari. Adems, el libro donde se realiz el comentario sobre la Mona Lisa pertenece al autor Marco Tulio Cicern, y particularmente esta edicin fue publicada en 1477.[54]
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Retrato de quien se supone es Isabel de Aragn, elaborado por Rafael Sanzio. Galera Doria, Roma.
La nota descubierta en la Universidad de Heidelberg escrita por Agostino Vespucci.
El historiador Giuseppe Pallanti, en su libro La historia de la Mona Lisa, trata el tema tras veinticinco aos de investigacin.[29] En los archivos de impuestos de 1480, puede verificarse la identidad, paradero y lugar de nacimiento de la modelo.[49] Naci el 15 de junio de 1479 y muri el 15 de julio de 1542, a los 63 aos, en el convento de Santa rsula de Florencia.[55] [56] Segn el historiador Pallanti, Gherardini ingres en el convento cuatro aos despus de quedar viuda, donde ya era monja su hija Marietta.[51] Basndose en estos datos, el investigador genealogista italiano, Domenico Savini, asegura que existen descendientes de Gherardini; se trata de Natalia e Irina Strozzi, hijas del prncipe Girolamo de Toscana. En el supuesto de que la modelo de Leonardo fuera la mujer que falleci en el convento, el mdico forense Maurizio Seracini se ha ofrecido para buscar el cadver y hacer un anlisis de ADN para establecer el parentesco de los Strozzi con
La Gioconda Gherardini.[57] Unido a dichos elementos, documentos oficiales del censo de la poca confirman que el padre de Leonardo da Vinci viva exactamente enfrente de la familia de Gherardini.[55] El historiador supone, sin mayores pruebas, que el retrato fue un regalo de Giocondo a su esposa por motivo de su segundo embarazo, a los veinticuatro aos de edad.[23] Debe tenerse en cuenta que existen detractores de las teoras expuestas por Pallanti. Pese a ello, sus explicaciones son ampliamente aceptadas.[49] Para saciar la curiosidad histrica acerca de la veracidad de las teoras vertidas, en 1987 se realizaron los primeros estudios, superponiendo un autorretrato de Leonardo a la pintura de la Mona Lisa; el resultado fue una gran similitud en las dimensiones y rasgos fsicos.[58] [5] Los detractores de dicha investigacin alegan que dado que el autor es el mismo, los trazos son similares y es por eso que generan la confusin. Lillian Swartz y Gerald Holzman, los directores de dicha prueba, aseguran que el autor se autorretrat, dndose apariencia de mujer.[58] Tambin, tras la aparicin de El cdigo da Vinci, se ha manejado la teora minoritaria acerca de la relacin entre Mara Magdalena y la pintura,[43] aseverando que se trata de la mujer de los tiempos de Jess de Nazaret, embarazada.[50] [59] Tanta ha sido la obsesin por esclarecer la identidad de la Mona Lisa que el doctor Matsumi Suzuki, investigador japons, reconstruy el crneo de la Gioconda mediante un anlisis seo, y a partir de dicho clculo gener la posible voz de la modelo.[60] El investigador asegura que la reproduccin de la voz es fiable en un noventa por ciento. Tambin ha realizado la misma simulacin para el autor de la obra, de la cual desconfa un poco porque la barba reflejada en los autorretratos esconde algunos detalles importantes.[60]
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El ttulo del cuadro

El ttulo oficial de la obra es Gioconda, que se justifica debido a que Giocondo era el apellido del esposo de la retratada, Lissa Gherardini.[49] Este ttulo aparece documentado por vez primera mucho despus de la muerte de su autor, por lo cual no pudo ser Leonardo quien le pusiese dicho ttulo;[43] por otro lado, se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras. [15] Con respecto al nombre de Monna Lisa, ms usado en fuentes anglosajonas, Monna es el diminutivo en italiano de Madonna, que quiere decir mi seora. De cualquier manera, el nombre ms popular en Italia es Gioconda.[21]
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El robo
Un comerciante argentino llamado Eduardo Valfiemo convenci al carpintero italiano Vincenzo Perugia (ex empleado del Museo del Louvre) para que robase el cuadro, con el fin de venderlo por una cifra millonaria.[61] El 21 de agosto de 1911, Perugia lleg al Museo del Louvre a las 7 de la maana, vestido con una gabardina blanca como las que usaba el personal del museo, descolg el cuadro y a continuacin, en la escalera El Museo del Louvre, de donde fue hurtado el cuadro y donde Visconti, retir la tabla de su hasta la fecha se exhibe. marco, abandonando este ltimo. Poco despus sali del museo con el cuadro escondido bajo su ropa, colocndolo posteriormente en una valija.[62] [63] Cuando el pintor Louis Broud entr al saln para apreciar el cuadro, not que no estaba y avis de inmediato a la guardia. El museo cerr por una semana, para efectos de investigacin.[64] Valfiemo hizo negocio con cinco coleccionistas estadounidenses y un brasileo,[65] a quienes les vendi falsificaciones realizadas por el pintor Yves Chaudron,[66] a cada uno por trescientos mil dlares.[5] [67] Unos aos antes, el museo haba sufrido el robo de otras piezas de arte, lo cual hizo suponer a la polica que ambos acontecimientos estaban relacionados.[66] Esta suposicin se mantuvo hasta el 6 de septiembre de 1911, cuando se captura errneamente al escritor Guillaume Apollinaire, quien fue declarado inocente ms adelante. Se haba credo en su culpabilidad debido a que l haba propuesto la quema del museo, aduciendo que all se "encarcelaba el arte".[64] Posteriormente, fue capturado el pintor Pablo Picasso, debido a que tena antecedentes de comprar objetos de arte robados,[68] quien posteriormente tambin fue declarado inocente.[64] Al mismo tiempo que se realizaban las investigaciones sobre el robo, se captur al aventurero belga Honor-Joseph Gry Pieret, quien confes ser el autor del robo de 1906, pero no del de La Gioconda.[66] Durante su ausencia en el museo, la afluencia de visitantes continuaba; acudan (en menor nmero) a apreciar el hueco en la pared, de donde el cuadro fue hurtado.[69] La pintura fue recuperada dos aos y ciento once das despus del robo, registrndose la captura de Perugia.[70] El detenido, intent vender el cuadro original al director de la Galleria degli Uffizi, Alfredo Geri, quien se hizo acompaar de la polica.[66] Perugia aleg que el robo haba sido perpetrado para devolver la obra a su verdadera patria,[71] y que l slo era vctima de un estafador; el jurado lo sentenci a varios aos de prisin.[72] Antes de regresar al museo, la pintura se exhibi en Florencia, Roma y Miln.[73] En 1931, Valfierno cont su historia a un periodista estadounidense, revelando la identidad de los estafados con las falsificaciones.[72]
La Gioconda Tras dicho robo, algunos pintores afirman que puede dudarse de la originalidad del cuadro en exhibicin, puesto que fcilmente puede ser una copia.[74] Durante la Segunda Guerra Mundial, el cuadro fue custodiado en el castillo de Amboise y posteriormente en la abada de Loc-Dieu.[75]
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Reproducciones y parodias
La Mona Lisa adquiri un estatuto de icono cultural.[76] Son numerosas sus reproducciones y utilizacin en la publicidad, objetos cotidianos y tambin como referencia cultural. Algunas incluyen: Reproducciones Algunos autores afirman que el mismo Leonardo hizo una reproduccin llamada Isleworth Mona Lisa, su autenticidad es evidentemente cuestionada.[77] Dicha pintura es propiedad de Hugh Blake, quien la exhibe privadamente en Londres, Inglaterra. Existe una copia con variantes del cuadro en el Museo del Prado, en Madrid. Se trata de una tabla de roble, por lo que podra ser procedente del norte de Europa. Algunos investigadores han propuesto como posibles autores de esta tabla al alemn Hans Holbein el Joven y al espaol Fernando Yez de la Almedina, pero otros crticos no aceptan estas atribuciones.[78] La reproduccin libre de Rafael, la cual se exhibe en el mismo museo que la obra de Leonardo.[33] Una copia annima que se conserva en el Parlamento Italiano.[33] Una copia en la coleccin Luchner, en Innsbruck, de la que se ha supuesto que podra ser obra de Salai.[17] Parodias En 1919, el dadasta Marcel Duchamp pint una parodia de la Mona Lisa que inclua un bigote y perilla en la modelo y la inscripcin LHOOQ (que significa ella tiene el culo caliente, traducido del francs).[79] Salvador Dal, pint su autorretrato sobre el paisaje de la obra de Leonardo, a manera de ridiculizacin.[79] Fernando Botero pint una mujer extremadamente obesa y deforme a manera de parodia del cuadro.[80]
Reproduccin de La Gioconda de autor desconocido.
Mona Lisa, graffiti en Oporto, Portugal.
La Gioconda Jim Henson mont sobre el cuadro la cara de la Cerdita Piggy.[81] La revista "The New Yorker" hizo un montaje del rostro de Monica Lewinsky sobre el cuadro de Leonardo.[5] Samuel Clemens reprodujo La Gioconda a base de pigmentos oscuros sobre una lona de [82] 40 x 60 pies en Oregn.
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Vase tambin
Pintura renacentista Pintura renacentista italiana Renacimiento italiano Arte en Italia Pintura en Italia
Bibliografa
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Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre La Gioconda. Artculo sobre Portrait de Lisa Gherardini, pouse de Francesco del Giocondo [83] en la pgina web del Museo del Louvre] (en francs e ingls) La Gioconda o Mona Lisa - Curiosidades e historia del genial cuadro de Leonardo da Vinci [84] La sonrisa de Lisa [85] Artculo sobre la Gioconda en Funversion (espaol) Cmo pintar La Mona Lisa en Paint [86]
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Referencias
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La Nave de los locos
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La Nave de los locos
La nave de los locos El Bosco, 1503-1504 leo sobre tabla- Gtico 58 cm 33 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La nave de los locos es un cuadro del pintor flamenco El Bosco, ejecutado en leo sobre tabla y que mide 58 centmetros de alto por 33 cm. de ancho. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de Pars (Francia), donde lleg en 1918[1] y que lo exhibe con el ttulo de La Nef des fous. Como el resto de obras de su autor, carece de una datacin unnime entre los especialistas. Se ha sealado el perodo 1503-1504; Wundram indica, simplemente, despus de 1490.[2] Parece claro que es una obra tarda del Bosco, debido a la factura desenfadada del cuadro, en particular en los colores frescos del cielo y del paisaje.[3]
Historia
El Bosco es un pintor flamenco cuya obra se sita a caballo entre los siglos XV y XVI, una poca en la que los conflictos sociales estaban en su apogeo y en que la religin pasaba por una profunda crisis. La pintura flamenca es fiel a la tradicin religiosa. El xito de la obra del Bosco fue sin duda posible slo por la coyuntura del momento, cuando en Italia emergan los principios del Renacimiento como el descubrimiento de la perspectiva y el conocimiento de la anatoma, mientras que en los Pases Bajos an estaban de actualidad las tradiciones de los pintores medievales, como lo demuestra El Bosco con su eterna lucha entre el Bien y el Mal. En esta Nave de los locos, El Bosco lleva al espectador a un mundo tanto real como surreal. La Nave de los locos va ms lejos del aspecto burlesco que se aprecia en un primer acercamiento. Describe la locura de la humanidad pecadora que conduce a la muerte, criticando a los hombres que viven al revs perdiendo sus referentes religiosos. Muestra a humanos prdigos que malgastan sus vidas jugando a las cartas, bebiendo, flirteando y comiendo en lugar de emplearla de manera "til". De esta manera, a travs de la pintura se critican las costumbres de la sociedad de la poca en que fue pintada, de forma alegrica: las profanidades presentes en todos los grupos sociales (incluido el clero, como se puede ver, en primer plano de la pintura), el juego y la bebida.
La Nave de los locos El mundo que pinta es un mundo al revs tal como se lo encuentra en la vida en la poca (aparte de las intervenciones de origen imaginario del artista). Aqu no reina la cabeza sino el vientre. Si la cabeza no reina es que est loca. Su locura es adorar el vientre, su locura es el pecado. La gula y la lujuria eran defectos muy extendidos desde haca tiempo en los monasterios. El Bosco muestra por lo tanto su visin del mundo de la poca, criticando la moral disoluta de la clereca, el vicio en la vida monstica y la locura humana que cede a los vicios.
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Tema
La nave de los locos es un tema recogido en las tradiciones de Flandes en el siglo XV. En efecto, la obra del Bosco encuentra tambin sus fuentes en la literatura de la poca. En 1494 se public en Basilea la obra satrica alemana La nave de los necios, escrita por Sebastian Brant. S. Brant acoge, en su simblica nace, locos de todas las categoras, y hace que desfilen las debilidades humanas. Una de sus estrofas dice: Es mejor seguir siendo laico que comportarse mal dentro de las rdenes. Existen muchas semejanzas entre este libro y la representacin que hace El Bosco. Y es muy posible que el pintor se basara en este poema.[1] En la obra de Brant, un grupo de locos se embarca en una nave hacia Narragonien, la tierra prometida de los insanos, antes del naufragio, llegan a Schlaraffenland, la tierra de la riqueza. Tambin existen similitudes nada desdeables con el Elogio de la locura, obra de Erasmo. De hecho, la metfora de la barca era una de las ms frecuentes en la Edad Media. Se encuentra igualmente en La Barca azul de Jacque Van Oestvoren. As pues, la relacin que establece El Bosco entre vicio y locura es caracterstica de la literatura del siglo XV. Con este cuadro, advierte de una manera burlesca sobre la prdida de los valores eclesisticos, con la corrupcin existente en el clero[1] , la negligencia o la locura de los hombres con relacin a la religin, todo lo que reina al final del siglo XV, en el ocaso de la Edad Media.
Anlisis del cuadro

Se presentan tipos entresacados de la hez humana: el bufn, los borrachos, el novicio goliardo cantando, la monja tocando el lad. La barca donde se come, se bebe y se canta, va a la deriva. El mstil es un rbol de Mayo; entre sus hojas espa el diablo, y pende del palo un crneo descarnado de caballo.[4] Los protagonistas de esta pintura son la monja y el fraile franciscanos que se encuentran tan distrados, intentando hincar el diente en un pedazo de comida que cuelga de un hilo, que no se dan cuenta de que un ladrn les va a robar lo poco que les queda sobre la mesa.[1] Estos religiosos cantan juntos, lo que tiene ciertas asociaciones erticas, especialmente por la presencia del lad, puesto que los hombres y las mujeres de las rdenes monsticas se supona que deban permanecer separados. Los dems personajes se esfuerzan por conseguir vino y alimentos. El sentido de la escena se condensa en el bufn sentado sobre una rama podrida.[5] La pintura presente un denso simbolismo: El mstil se ha convertido en un rbol. En medio del ramaje puede verse una figura que unos han considerado que es una lechuza o bho que simbolizara la hereja; otros aprecian en l una calavera,[1] que representara a la Muerte; otros, en fin, ceeen ver una
La Nave de los locos mscara (el demonio) o un diablo que desde el centro del follaje contempla la escena.[6] En el mstil ondea una banderola rosa con una media luna musulmana que ha sido interpretada como smbolo de hereja o, tambin, como una alusin a los lunticos, esto es, a los locos que, marginados, estaban condenados a vagar en un barco sin rumbo fijo.[1] El lad y el bol con cerezas tienen connotaciones erticas. La gente en el agua representara los pecados de la gula o la lujuria. El embudo invertido en la parte inferior izquierda simbolizara la locura. El ave asada simbolizara la gula. El cuchillo que se usa para cortarlo y que caiga sera un smbolo flico o del pecado de la ira. El Bosco denuncia los vicios en que incurre la locura del hombre atribuyndoselos a personajes que parecen de clases sociales inferiores. El invitado que vomita muestra el vicio de quien sucumbe a los efectos del alcohol; algunos autores consideran que es un smbolo de la horrible nusea que sienten los condenados en el infierno.[1] Aparece igualmente un cntaro alusivo al sexo femenino o el diablo; el pescado muerto sin escama sera el pecado. La pintura tal como se conoce hoy en da es un fragmento de un trptico que fue cortado en varias partes. La Nave de los locos estaba pintada en una de las alas del retablo, y tiene como dos tercios de su tamao original. El tercio restante pertenece a la galera de arte de la Universidad de Yale y se exhibe con el ttulo de Alegora de la glotonera y la lujuria. El ala del lado opuesto, que ms o menos ha conservado toda su longitud, es La muerte de un avaro hoy en la Galera Nacional de Washington. Los dos paneles juntos habran representado los dos extremos de la prodigalidad y la miseria, condenando y caricaturizando ambos.
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Referencias
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La Virgen de las Rocas
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La Virgen de las Rocas (Vergine delle Rocce) Leonardo da Vinci, 1483-1486 leo sobre lienzo - Renacimiento 199 cm 122 cm Museo del Louvre
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idntica composicin pictrica con leo sobre lienzo. La versin del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la de Londrs an permanece sobre la tabla. Tiene un tamao de 200 x 120 centmetros.
Historia de las pinturas

El 25 de abril de 1483, con los hermanos pintores Evangelista y Giovanni Ambroglio de Predis, por un lado, y Bartolomeo Scorione, prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcin, por otra, se estipul el contrato para un retablo a colocar sobre el altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco Grande. Esta capilla haba sido fundada en el siglo XIV por Beatriz de Este, esposa de Galeazzo I Visconti, y qued destruida en 1576. Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de las Rocas. La obra deba celebrar la Inmaculada Concepcin. El contrato prevea tres pinturas, que deban estar acabadas el 8 de diciembre por un precio de 800 liras que se pagaran a plazos hasta febrero de 1485. La tabla central deba representar a la Virgen con Nio y dos profetas y ngeles, las otras dos, cuatro ngeles cantores y msicos.
En el Louvre
Una de las dos versiones se exhibe en el Museo del Louvre de Pars, Francia, con el ttulo de La Vierge aux rochers. Se considera generalmente que es la versin original, datada sobre 1483-1486. Fue la primera gran obra de Leonardo durante su estancia en Miln.[1] Se cree generalmente que la versin del Louvre es la primera, porque est estilsticamente ms cerca a otras obras de Leonardo de los aos 1480. Las autoridades francesas consideran que la obra es autntica y realizada por Leonardo en su integridad, gracias sobre todo al uso del claroscuro, o contraste entre lo oscuro y lo claro, caracterstico de muchas obras de Leonardo. En 1483 el contrato se ampli para incluir la colaboracin con los hermanos Ambrogio y Evangelista de Predis, que realizaran los paneles laterales representando ngeles, de tal manera que la pintura fuese un trptico. La obra deba estar acabada al menos en 1490, mas la crtica la considera generalmente acabada en 1486. En una peticin a Ludovico el Moro, datada en 1493, Leonardo y Ambroglio De Predis (Evangelista haba muerto a finales de 1490 o a comienzos de 1491) queran un pago de 1.200 liras, rechazado por los frailes. El pleito se desarroll hasta el 27 de abril de 1506, cuando los peritos establecieron que la tabla estaba inacabada, fijaron dos aos para que terminasen la obra, concedieron el precio
La Virgen de las Rocas de 200 liras; el 23 de octubre de 1508 Ambroglio cobr el ltimo plazo y Leonardo ratific el pago. Ese ao la obra completa fue finalmente instalada. Existe la teora de que a lo largo de esta larga disputa financiera con la Hermandad, Leonardo vendi este trabajo original por 400 liras a un cliente privado, quiz, al rey de Francia Luis XII. Tambin est generalizada la hiptesis de que la tabla fue un regalo de Ludovico el Moro a Maximiliano I de Habsburgo cuando se cas con Blanca Mara Sforza, por lo que la tabla habra estado en Innsbruck antes de pasar a Francia como nuevo regalo de bodas, esta vez de Leonor de Austria, hija de Felipe el Hermoso y Juana la Loca y, por lo tanto, nieta de Maximiliano, que cas con Francisco I. Se trata, de cualquier modo, de una obra que tuvo un xito inmediato y fue copiada innumerables veces.
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En la National Gallery de Londres

En general se acepta que esta versin de la Virgen de las rocas es posterior a la del Louvre, pintada entre 1492 y 1508. La de Londres apunta a un estilo ms maduro, pero se cree que posiblemente la pint con la ayuda de otros artistas, quiz los hermanos Predis u otros pintores. La autenticidad de la versin de Londres en su integridad ha sido cuestionada por la geloga Ann C. Pizzorusso, quien seala sus errores geolgicos, a diferencia de la versin del Louvre, implicando que es improbable que provenga de la mano de Leonardo. Esta segunda versin sera la que se instal en San Francesco Grande con las alas realizadas por los hermanos Predis. All estuvo hasta la disolucin de la Confraternidad en 1781. Fue adquirida en 1785 por el pintor Gavin Hamilton por 112 ceques de Roma. Fue robada de Florencia durante las guerras napolenicas y recuperada, unos 50 aos despus, en una pequea ciudad de Austria. Desde entonces, fue adquirida por un comerciante francs antes de ser vendida a la National Gallery de Londres en 1880 y donde se conserva hoy junto con las dos tablas de De Predis.
La Virgen de las Rocas (versin de Londres), leo sobre tabla, 189,5 120 cm, National Gallery de Londres
En junio de 2005, la imagen infrarroja, al parecer revel la existencia de un cuadro previo debajo del actual. Se cree que representa una mujer arrodillada posiblemente sosteniendo a un nio con una mano. Algunos investigadores creen que la intencin original del artista era pintar una Adoracin del Nio Jess.[2]
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Estilo
A pesar de su gran tamao (dos metros de alto por uno veinte de ancho), lo cierto es que no se trata de una composicin tan compleja como La adoracin de los magos, ordenada por los monjes de San Donato, pues hay slo cuatro figuras en lugar de 50, y un paisaje rocoso en vez de detalles arquitectnicos. En el cuadro predominan la lnea que contornea las figuras y los colores ms utilizados son el marrn, el negro, el azul y el color carne. Hay contrastes de luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la imagen. Los personajes, que son lo principal, los hace resaltar ms para conseguir profundidad en la superficie plana. Aqu se puede apreciar su teora de la perspectiva area, segn la cual la profundidad en los cuadros se consigue usando tonalidades de azul y que sean cada vez menos detallados conforme se alejan del primer plano, creando as una ilusin ptica. La Virgen est sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso de alta montaa. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las ms famosas cumbres de los Apeninos.[3] Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirmide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Tanto las flores como las plantas acuticas estn representadas con gran precisin, si bien las especies representadas son distintas en uno y otro cuadro.
Los personajes
La Virgen est en el centro, con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista, a quien la Virgen est mirando. A su izquierda hay un ngel sentado ms abajo que la Virgen. Ms abajo est el nio Jess sentado,y el tambin mira a Juan Bautista. La Virgen predomina en la imagen. Leonardo eligi pintar un momento apcrifo de la infancia de Cristo, cuando Juan el Bautista nio (San Juanito), hurfano, refugiado dentro de una gruta y protegido por un ngel[1] , encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto. De acuerdo con la interpretacin tradicional de las pinturas, representan a la Virgen Mara en el centro, empujando a Juan hacia Jess, que est sentado con el ngel Uriel. Jess est bendiciendo a Juan, que extiende su mano en un gesto de oracin. En este cuadro, tal como lo pinta Leonardo, Juan reconoce y venera al Nio como Cristo. En la versin del Louvre, Uriel apunta a Juan y, con una leve sonrissa, mira ligeramente hacia el espectador.[1] Este gesto falta en la versin londinense, en la que el ngel mira al nio y no hace ninguna seal con el dedo. Otra diferencia entre la versin de Londres y la de Pars es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre, como los halos[1] y la tradicional vara cruciforme de Juan. Esto clarifica la identificacin de los nios Jess y Juan, y fueron aadidos por otro artista, posiblemente despus de la muerte de Leonardo. Las figuras de la segunda versin (la londinense) son ms grandes, y los drapeados ms sencillos, con lo que se obtiene mayor monumentalidad.
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Uso en El Cdigo Da Vinci

En la popular novela El Cdigo da Vinci, escrita por el novelista estadounidense Dan Brown, se cuenta que la versin del Louvre contiene smbolos ocultos que contradicen las creencias cristianas ortodoxas, destacadamente el hecho de que Jess es mostrado rezando a Juan ms que a la inversa. La novela implica que el nio de la izquierda debe ser Jess ms que Juan, porque es el que est con la Virgen. Tambin relata que la Virgen parece estar sosteniendo una cabeza invisible y que Uriel parece estar "cortndole el cuello" con su dedo. Por esta razn la pintura fue rechazada por la Iglesia, y por eso pint una segunda versin, ms ortodoxa. No hay evidencia histrica que apoye ninguna de estas ideas. La nica diferencia significativa entre ambas versiones, excluyendo la posterior adicin de atributos, es el hecho de que Uriel no seala en la segunda. Sin embargo, esta diferencia se explica fcilmente por la posibilidad de que la distincin entre Jess y Juan era difcil en la primera pintura debido precisamente a que Juan est con la Virgen, y el gesto de sealar obligaba a prestar demasiada atencin a Juan. En cuanto a que la pintura resultase "muy escandalosa" para ser mostrada en una iglesia, Leonardo y los Predis realmente queran ms dinero de la iglesia que lo originariamente pactado. La iglesia estuvo de acuerdo en pagar un sustancial incremento, pero no tanto como Leonardo y los Predis queran. As que Leonardo y los hermanos Predis vendieron el primer cuadro a un coleccionista particular y entonces hicieron una segunda copia. Los cuadros se hicieron tan populares (no escandalosos) que se cree que hubo una tercera versin, la que actualmente se conserva en la Coleccin Chramy en Suiza.
Imitaciones
En su libro de 1967 (publicado en ingls en 1985) Angela Ottino della Chiesa cita cuatro imitaciones de La Virgen de las Rocas: La Sagrada Familia y san Juan por Bernardino Luini, la Madonna Thuelin por Marco d'Oggiono y los Sagrados Nios abrazndose, por Joos van Cleve. La imagen de Juan el Bautista y Jess de nios, abrazndose, fue muy copiada por artistas flamencos como Joos van Cleve y Quentin Massys - hay una pequea pintura en Chatsworth del ltimo. El nombre en el marco es LEONARDO DA VINCI, mostrando que en un tiempo, este trabajo flamenco se crey obra del maestro, Leonardo. Angela es una autoridad en Bernardino Luini; su obra Las obras completas de Leonardo da Vinci (con introduccin de Leopold Ettlinger) est ms disponibles que Leonardo da Vinci; Las obras completas por Pietro C. Marani (Abrams - Nueva York, 2000; en Espaa: Marani, P., Leonardo : catlogo completo de pinturas, 1 ed., Tres Cantos. Ediciones Akal, S.A. , 10/1992. ISBN 84-460-0136-5.)
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Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 87 [2] New Leonardo picture discovered (http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ uk/ 4639945. stm), BBC News, July 1, 2005. [3] Pijon, J., "Los ltimos cuatrocentistas", en Summa Artis, Antologa, V, Espasa, pg. 62; ISBN 84-670-1356-7
"Leonardo", Los grandes genios del arte, n. 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2
Enlaces externos
Artculo sobre La Virgen de las Rocas en la National Gallery de Londres (http:/ / www. nationalgallery. org. uk/ cgi-bin/ WebObjects. dll/ CollectionPublisher. woa/ wa/ work?workNumber=NG1093) (ingls) Artculo sobre La Virgen de las Rocas en el Museo del Louvre de Pars (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT<>cnt_id=10134198673352436& CURRENT_LLV_NOTICE<>cnt_id=10134198673352436& FOLDER<>folder_id=9852723696500816& bmUID=1164453952822) (francs) Pgina oficial del Louvre (http:/ / www. louvre. fr/ anglais/ collec/ peint/ inv0777/ peint_f. htm) (ingls) Ilustraciones de las dos versiones (http:/ / www. lairweb. org. nz/ leonardo/ rocks. html) (ingls) Comentarios sobre las diferencias entre las dos versiones (http:/ / www. artist-biography. info/ gallery/ leonardo_da_vinci/ 31/ ) (ingls) Comentarios sobre las diferencias entre las tres versiones del cuadro (http:/ / freeweb. supereva. com/ flobert/ index. htm?p) (ingls)
La Virgen, el Nio Jess y santa Ana
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La Virgen, el Nio Jess y santa Ana
Santa Ana, con la Virgen y el Nio (Sant'Anna, la Madonna, il Bambino) Leonardo da Vinci, h. 1510-13 leo sobre tabla - Renacimiento 168 cm 130 cm Museo del Louvre
Santa Ana, con la Virgen y el Nio o La Virgen, el Nio Jess y santa Ana, es una pintura al leo de Leonardo da Vinci representando a Santa Ana, su hija la Virgen Mara y el Nio Jess. Cristo es representado agarrando un cordero lo que simbolizaba su Pasin mientras que la Virgen intenta detenerlo. Esta tabla mide 168 cm. de alto y 130 cm. de ancho. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de Pars (Francia), donde se exhibe con el ttulo de La Vierge l'Enfant avec sainte Anne.
Historia
No se sabe con exactitud quin encarg esta obra ni cundo. Actualmente se la data hacia 1510-13. Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la Basilica della Santissima Annunziata en Florencia. No obstante, en la pgina web del Louvre se defiende la tesis de que fue un encargo del rey Luis XII de Francia para agradecer a santa Ana el nacimiento de su hija nica, Claude, en 1499, pero que Leonardo tard mucho tiempo en realizarla. El tema de santa Ana, la Virgen y el Nio haba ocupado a Leonardo desde haca tiempo. En efecto, se conserva en la National Gallery de (Londres) el llamado Cartn de Burlington House, que incluye a las tres figuras y adems un nio representando a Juan el Bautista. Hubo otro esbozo anterior, hoy perdido, que se exhiba en Santissima Annunziata en 1501. Al final, logr realizar esta pintura en los ltimos aos de su vida, cuando estaba preocupado por las matemticas y otros asuntos. Quiz por estar pintada dentro de la poca en la que Da Vinci se dedicaba a La Gioconda existe ese gran parecido entre el rostro de Mona Lisa y Santa Ana. Las exigencias que planteaban esos otros intereses hicieron que la pintura quedase incompleta, siendo de otro pintor la figura del cordero, que posiblemente estaba tan slo manchada con un color neutro. En octubre de 1517 esta pintura fue admirada por el cardenal Luis de Aragn en Cloux (Amboise) y reseada por su secretario, Antonio de Beatis. Por entonces Leonardo estaba pensionado por el rey Francisco I de Francia. Lo que ocurri despus de la muerte de
La Virgen, el Nio Jess y santa Ana Leonardo no es seguro, ya que hay quien considera que form parte de la herencia de Vinei, y Francesco Melzi lo llev a Italia. En 1629 lo adquiri el cardenal Richelieu en Casale Monferrato y posteriormente se lo dio al rey Luis XIII de Francia (1636). L. Monreal apunta a que a la muerte de Leonardo debi pasar al monarca francs, pues aparece descrita por Paolo Giovio en el estudio del rey Francisco I en Fontainebleau, pero que despus debi regalarlo a algn ilustre personaje y por eso aparece en la localidad piamontesa de Casal, donde lo adquiere Richelieu. Finalmente, en la pgina web del Museo del Louvre considera como tesis ms probable que Francisco I lo adquiriese del asistente de Leonardo, Salai. En el Louvre est desde 1810.
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Anlisis del cuadro

En la composicin se delata un incipiente manierismo. De nuevo Leonardo escoge el tema de figuras en un paisaje, lo que se remonta al cuadro de San Jernimo con la figura dispuesta en un ngulo oblicuo. Lo que hace inusual a esta pintura es que hay dos figuras colocadas de forma oblicua, superpuestas: Mara y Santa Ana, con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda.[1] Mara se inclina hacia delante para sujetar al Nio Jess mientras este juega, de manera bastante brusca, con un cordero, smbolo de su propio sacrificio.[1] Los rostros son dulces y amorosos, aprecindose gran parecido entre madre e hija.[1] El grupo triangular del primer plano encuentra correspondencia con los elementos en prisma de las colinas. La escena se desarrolla en un paisaje atemporal,[1] rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata el inters del autor por la geologa. Los picos montaosos parecen evaporarse en una atmsfera azulada que inunda toda la composicin. La luz proviene de una fuente indeterminada. Las pinceladas son ligeras, en el tpico esfumado leonardesco, mediante una tcnica de veladuras sucesivas que crean un efecto evanescente. La defectuosa conservacin ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana, as como ha hecho desaparecer una poza que ocupaba todo el primer plano y en el que se hundan los pies de Santa Ana. La estructura piramidal[1] de esta pintura influy en Rafael y Andrea del Sarto. Leonardo muestra una serie de rasgos que seran adoptados, adems, por los pintores venecianos como Tiziano y Tintoretto, as como por Pontormo y Correggio. Su composicin inspir dos grandes esculturas renacentistas, una de Andrea Sansovino (S. Agostino, Roma) y otra, una obra menos lograda de Francesco da Sangallo (Orsanmichele, Florencia). La representacin de este grupo de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en la Edad Media. Los Evangelios no mencionan a Ana, la madre de la Virgen Mara. S lo hacen escritos apcrifos, como el Evangelio de la Natividad de Mara, el Evangelio del pseudo-Mateo y el Protoevangelio de Santiago. La ms antigua representacin de santa Ana es una pintura mural en Santa Mara Antiqua (siglo VIII) en Roma. Las narraciones sobre Santa Ana se incluyeron en la "Leyenda Dorada" (siglo XIII), y en los siglos posteriores se difundi el culto a la santa por Occidente. Desde mediados del siglo XIII se incrementaron las representaciones de la santa. En el siglo XV el culto a santa Ana se expandi con rapidez, surgiendo por todas partes hermandades de Santa Ana y altares a la misma. El perodo en que florecieron las representaciones de esta santa es precisamente en los siglos XV y XVI, entre las cuales ha de encontrarse esta representacin de Leonardo da Vinci.
La Virgen, el Nio Jess y santa Ana Adems del simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro Novellara, un vicegeneral de la orden carmelita vio un significado simblico ms profundo en esta pintura. Crea que la serena expresin de Santa Ana, que contrasta con la ansiedad de Mara hacia el Nio, quiz representa a la Iglesia, que no desea evitar la Pasin de Cristo.
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Interpretacin freudiana
Sigmund Freud llev a cabo un examen psicoanaltico de la obra de Leonardo en su ensayo Leonardo da Vinci, Una Memoria de su Infancia.[2] De acuerdo con Freud, la ropa de la Virgen revela, vista de reojo, la existencia de un buitre. Freud consider que esto era una manifestacin de una fantasa infantil de un homosexual pasivo sobre la cual Leonardo escribi en el Codex Atlanticus, en la que relata que fue atacado, siendo un nio en la cuna, por la cola de un buitre. As lo transcribi:
Recreacin visual del buitre.
Parece que yo estaba destinado a estar siempre profundamente preocupado con los buitrespues uno de mis primeros recuerdos es que estando yo en la cuna vino un buitre sobre m, y abri mi boca con su cola, y golpe muchas veces mis labios con su cola. De acuerdo con Freud, esta fantasa se basa en el recuerdo de chupar el pezn de su madre. Sostuvo su recuerdo con el hecho de que en los jeroglficos egipcios se representa a la madre como un buitre, porque los egipcios crean que no hay buitres masculinos y que la hembra de la especie era inseminada por el viento. Desafortunadamente para Freud, la palabra buitre fue una mala traduccin del traductor alemn del Codex, y el pjaro que Leonardo imaginaba en realidad era un milano. Esto disgust a Freud porque, tal como confes a Lou Andreas Salom, consideraba Leonardo la 'nica cosa bella que haba escrito'. Algunos eruditos freudianos, sin embargo, han realizado intentos de rehabilitar la teora incorporando el milano. Otra teora propuesta por Freud intenta explicar el cario de Leonardo al representar a la Virgen Mara con santa Ana. Leonardo, que era hijo ilegtimo, fue criado por su madre biolgica antes que ser 'adoptado' por la esposa de su padre Ser Piero. La idea de representar a la Madre de Dios con su propia madre era por lo tanto particularmente cercano al corazn de Leonardo, porque l mismo, en cierto modo, tena dos madres. Cabe destacar que en las dos versiones, tanto el cuadro del Louvre como el esbozo de Londres, es difcil distinguir a primera vista cul de las dos mujeres es santa Ana y cul la Virgen Mara, cul de ellas es una generacin ms vieja que la otra. La interpretacin freudiana fue ubicada en su exactitud y precisin por Jacques Lacan. En su seminario sobre Las relaciones de objeto en las estructuras freudianas (1956-57), Lacan muestra como Freud, a pesar de ciertos deslices de informacin, mal utilizados por criticos apresurados, conduce a una captacin de la inversion de Leonardo --cf. su escritura invertida--, es decir, de un sujeto a quien cuya formidable obra y esfuerzo sublimatorio no dejo de significar para l la criatura que al fin y al cabo es aquello que lo domina por completo. La creacin del artista que domina, sujeta, aprisiona la vida del
La Virgen, el Nio Jess y santa Ana artista en una singular trasposicion. El psicoanalista Eric Laurent asimismo subrayo la justeza de la lectura de Lacan, e inclusive aporto como otra modalidad parecida, la fascinacin que ejerci sobre el escritor Jean Genet su propia creacin del palestino.
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Enlaces externos
Artculo sobre La Vierge l'Enfant avec sainte Anne Louvre (en francs e ingls)
[3]
en la pgina web del Museo del
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 93 [2] Sigmund Freud. Obras completas. Volumen XI - Cinco conferencias sobre Psicoanlisis, Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci, y otras obras (1910). Buenos Aires: Amorrortu editores. ISBN 978-950-518-587-0} [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673352167& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673352167& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& fromDept=false& baseIndex=3
La balsa de la Medusa
La balsa de la Medusa (Le Radeau de la Mduse) Thodore Gricault, 1819 leo sobre lienzo- Romanticismo 491 cm 717 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La balsa de la Medusa (1819) es una pintura romntica de Thodore Gricault que hace referencia al naufragio del barco francs "la Medusa" en la costa occidental africana en 1816.
La balsa de la Medusa
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Hechos reales
Durante el trayecto hacia las costas de la colonia francesa de St. Louis (Senegal), el barco "La Medusa" queda varado en un banco de arena a ms de 50 millas de la costa. La carencia de botes salvavidas suficientes para toda la tripulacin y el pasaje, obligan a construir una enorme balsa que se sobrecarga con 149 personas que ya no caban en los botes salvavidas. En un principio se intenta remolcar la balsa con el resto de los botes salvavidas, pero las grandes dimensiones de la misma lo impiden. A instancias de las autoridades civiles y los pasajeros de alta alcurnia que se encontraban a bordo de los botes, el capitn ordena cortar los cabos de remolque abandonando la balsa a su suerte, dejando a la deriva a 149 tripulantes. Dos semanas despus, la balsa es localizada por un navo francs. Slo quedaban a bordo 15 personas vivas en condiciones deplorables. Posteriormente los supervivientes del naufragio acusaron de abandono a los aristcratas que componan la oficialidad, pudiendo adems relatar la traumtica experiencia que supuso permanecer cerca de 15 das en una balsa improvisada, teniendo que recurrir al canibalismo para poder sobrevivir. Debido a la presin popular y a la conmocin que supuso este drama para la sociedad francesa, Luis XVIII se vio obligado a instigar un juicio militar contra el capitn de "La Medusa" quien result condenado por negligencia y abandono de la tripulacin. El naufragio de la Medusa supuso un autntico choque para la opinin pblica francesa, de manera que la obra ha de ser situada dentro del escenario poltico, pues el escndalo que supuso el abandono a su suerte de gran parte de la tripulacin por el egosmo de la oficialidad aristocrtica llegara hasta el extremo de convertirse en un smbolo de denuncia de la corrupcin borbnica.
Composicin
En la obra puede apreciarse una estructuracin claramente piramidal, as como diagonales establecidas por uno de los lados del tringulo, de manera que los brazos de los tripulantes se extienden hacia una misma direccin, colaborando en el trazado de la diagonal. En la cspide de la pirmide y extremo de la diagonal principal, est el punto de nimo ms intenso, en el que se ve a un hombre agitando con vigor un trapo con el objetivo de hacer seales hacia un supuesto barco que creen haber avistado en el horizonte. En el lado contrario de la diagonal, se encuentra el estado de nimo opuesto, pudiendo apreciarse una figura envejecida con gesto desanimado y con total ausencia de esperanza, rodeado de los cadveres de sus compaeros. Este hombre est sosteniendo entre sus brazos a su hijo muerto, y es la nica figura que parece mirar al espectador. Representa el drama, la desesperanza que nos mira directamente. Adems, el autor le rodea de un manto de llamativo color rojo, con el objetivo de que sea la primera figura a la que prestemos atencin al observar la pintura, de manera que el espectador, lo que primero ve es a un viejo totalmente abatido, y ha de seguir las diagonales ascendentes (trazadas por los maderos de la balsa y por los brazos extendidos de los tripulantes) para poder detenerse en la figura antagnica situada en el extremo opuesto, la cual representar la esperanza exaltada y cargada de energa (agita furiosamente un pao tratando de llamar la atencin del barco). Tambin hay que destacar la situacin de los elementos secundarios de la composicin, pues el autor sita a esta pequea balsa atestada de gente entre inmensas olas, y fuerza al
La balsa de la Medusa espectador a buscar el barco que los nufragos creen haber divisado, pese a que el punto es tan confuso que no puede decirse con seguridad que sea un navo. As pues, la esperanza se muestra incierta y lejana, y antagnicamente, se muestran unas olas amenazadoras y cercanas, que se distinguen con total claridad, y que vienen a representar la cruda realidad. Otro detalle a tener muy en cuenta ser el rudimentario velamen de la balsa, pues viene a sealar la direccin del viento, que dicho sea de paso, sopla en contra de la balsa, separndoles del supuesto barco al que hacen seales, es decir, alejndoles de lo que sera su salvacin. El simbolismo es claro. La suerte y el azar (direccin del viento) slo les depara un destino an ms trgico (impedir que salven la vida). Pese a ello, el joven situado en el extremo superior de la pirmide comba su cuerpo en contra del viento, oponindosele. En el otro extremo, el anciano est inclinado de manera que parece que ha sido vencido por el viento, y acepta su desastrosa direccin. Hay que destacar que como obra modelo del romanticismo, tiene un predominio del color sobre el dibujo. Adems, el autor muestra con un realismo macabro la escena, deleitndose en la anatoma resaltada de los nufragos, y componiendo las figuras a base de lneas en zig-zag y espirales.
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Curiosidades
Delacroix posara para esta obra, pues era amigo del autor. La obsesin por el realismo llevara a Gricault a amontonar cadveres en su estudio para poder plasmar la muerte de la manera ms fidedigna posible. Por otro lado, la pintura tiene un tamao colosal, con casi 5 metros de alto y 7 metros de ancho, y Gricault habra de alquilar un estudio entero para poder realizarla. Todo el esfuerzo que dedica el autor se explica al pensar que quera sacar a la luz su obra cumbre, aquella que le representara de cara al futuro. Y a pesar de los malos resultados que inicialmente tuvo en la exposicin de 1819, la obra terminara siendo la ms representativa de Gricault, as como uno de los lienzos ms famosos del romanticismo pictrico. La exposicin del lienzo fue prohibida en su da en Francia y tuvo que exponerse en Londres. Aparece como ejemplo de conducta en la pelcula La Ciudad de la Alegra, de Roland Joff.
Pelcula
La balsa de la Mdusa (Le radeau de la Mduse) es una pelcula francesa de Iradj Azmi (1998), Reparto: Jean Yanne, Daniel Mesguich, Alain Mac, Claude Jade, Philippe Laudenbach, Rufus, Laurent Terzieff.
Referencias
Historia del Arte vol.4, Juan Antonio Ramrez (direccin), Alianza Editorial, 1997. El Naufragio de La Medusa. Carlos Calvera, Ediciones Abraxas (2005). La balsa. Antoine Choplin, Bassarai Ediciones (2008)
La batalla de Anghiari
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La batalla de Anghiari (copia de Rubens (La battaglia di Anghiari) Leonardo da Vinci, 1505 Fresco- Renacimiento 7 metros 17 metros Museo del Louvre, Pars, Francia
La batalla de Anghiari (en italiano, La battaglia di Anghiari) es una pintura al fresco perdida, obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Algunos creen que subsiste tapada en una pared del Saln de los Quinientos del Palazzo Vecchio de Florencia. Una pintura de Peter Paul Rubens en el Museo del Louvre, Pars, conocida como La batalla del estandarte, se cree que es una copia de la propia pintura de Leonardo. Rubens hizo la pintura en 1603, basndose en un grabado de Lorenzo Zacchia del ao 1558. Hay varias diferencias con el original, pero Rubens logr representar la furia, las intensas emociones y el sentido de poder que estaban presentes en la pintura original.
Historia
Estudio de cabeza de soldado para la Los dos grandes genios del Renacimiento, Leonardo y pintura, Museo de Bellas Artes de Miguel ngel se encontraron en un momento dado (era Budapest abril de 1503), enfrentndose directamente sobre el terreno de la pintura, pues ambos recibieron del gonfaloniere Piero Soderini un encargo para decorar el Saln de los Quinientos. Miguel ngel acababa de
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finalizar su David, cuando fue designado para pintar la pared de la izquierda. Es la nica vez que Leonardo da Vinci y Miguel ngel trabajaron juntos en el mismo proyecto. Ambos deban realizar una batalla: la de Leonardo sera la de Anghiari sobre la pared de la derecha, en la que vencieron los florentinos, y Miguel ngel representara un episodio de la batalla de Cascina, acaecida en 1364 cuando las tropas florentinas que se estaban baando en el Arno se alertaron ante un posible ataque de sus enemigos de Pisa. Las dos pinturas deban tener 7 metros de alto y 17 de largo. El contrato de Leonardo fue firmado nada menos que por Maquiavelo. Sin embargo, Miguel ngel no permaneci mucho tiempo. Acab el cartn pero slo parcialmente la pintura. Fue invitado a regresar a Roma en 1505 por el nuevo papa Julio II y le encargaron construir la tumba del Papa. Del cartn o plantilla que Miguel ngel realiz para pintar el mural existe una copia parcial en Norfolk (Inglaterra), y un fragmento an ms reducido fue grabado por Marcantonio Raimondi (Los escaladores), provocando la admiracin de Rafael. El 24 de octubre de 1503, el Consejo asign a Leonardo un local en Santa Mara Novella para que le sirviera de estudio.[1] Leonardo da Vinci dibuj su gran cartn en Santa Mara Novella, representando una escena de la vida de Niccol Piccinino, un condottiero al servicio del duque Filippo Maria Visconti de Miln. Dibuj una escena de un violento choque de caballos y una furiosa batalla de hombres peleando por el estandarte en la batalla de Anghiari. Giorgio Vasari en su libro Le Vite declara que es imposible expresar la manera magistral en la que Leonardo represent esta escena sobre el papel: Sera imposible expresar la inventiva del dibujo de Leonardo para los uniformes de los soldados, que esboz en toda su variedad, o las crestas de los yelmos y otros ornamentos, por no mencionar la increble habilidad que demostr en la forma y los rasgos de los caballos, que Leonardo, ms que ningn otro maestro, cre en toda su osada, msculos, y graciosa belleza. Leonardo mont un ingenioso andamio en el Saln de los Quinientos que poda alzarse o doblarse del mismo modo que un acorden. La pintura iba a ser su obra ms grande y sustancial. Leonardo tena una mala experiencia con la pintura al fresco (La ltima Cena, refectorio de Santa Mara delle Grazie, Miln). La tcnica del fresco no era apropiada para Leonardo, porque requiere una ejecucin rpida y en lugar de ello Leonardo est lleno de pensamientos, de tiempos de reflexin y de lentitud. Era una tcnica adecuada para Miguel ngel, que realiza sus obras con gran rapidez y seguridad, pero no para Leonardo que en lugar de ello necesita tiempos ms largos, y eventualmente incluso la posibilidad de rehacer o retocar algunas partes. Por estos motivos, Leonardo decidi utilizar otra tcnica, tambin para darle mayor resistencia a los colores, la llamada tcnica del encausto ya descrita por Plinio el Viejo. La tcnica del encausto requiere una fuente de calor muy fuerte para fijar los colores sobre la pared. La composicin se tena que calentar, cuando ya estaba pintada la pared, con un hornillo de carbn de lea para que la pintura secara rpidamente. Leonardo lo prob en el taller y le dio buen resultado. Pero cuando aplic el mtodo
Otro estudio para la obra
La batalla de Anghiari propuesto por Plinio en el fresco de la Gran Cmara, los hornillos slo secaban la parte baja; la parte superior se desprendi a pedazos, como pasta mojada,[2] o los colores se mezclaron debido a que no se pudieron secar suficientemente rpido. Entonces Leonardo abandon el proyecto. En realidad, a pesar del desastre, la obra estaba prcticamente acabada. Leonardo haba trabajado durante un ao con seis asistentes entre ellos, segn dos documentos de 1505, un Ferrando Spagnolo, pittore, lo que acaso corresponde a Fernando Yez de la Almedina o ms probablemente a Hernando de los Llanos. A pesar de los daos en la parte alta, entonces, la Batalla de Anghiari permaneci expuesta en el Palazzo Vecchio durante varios aos; muchos la vieron, muchos la reprodujeron tambin, y entre ellos estuvo Rubens, que recopi la parte central, de manera que gracias a este dibujo de Rubens, se est actualmente en condiciones de tener una idea bastante clara de cmo era el fresco de Leonardo. Las pinturas inacabadas de Miguel ngel y Leonardo colgaron en la misma habitacin juntas durante casi una dcada (1505- 1512). El cartn de la pintura de Miguel ngel fue cortado en trozos por Baccio Bandinelli por celos en 1512. La pieza central de la batalla de Anghiari fue muy admirada y se hicieron numerosas copias durante dcadas. El Saln de los Quinientos del Palazzo Vecchio, que hoy es la Sala del Mayor Consejo de la Repblica de Florencia, es el saln ms grande para la gestin del poder jams realizada en Italia. Hoy mide 54 metros de largo y 18 metros de alto, pero en los tiempos de Leonardo era distinta: era ms espartana y menos decorada. La transformacin se produjo a mediados del siglo XVI (1555-1572), cuando el Saln fue ampliado y reestructurado por Vasari y sus ayudantes, de manera que el Gran Duque Cosme I de Mdici pudiera alojar a su corte en esta cmara. En lo alto hizo realizar el techo dorado con casetones en el que se representa el triunfo de Cosme, el nuevo soberano de Florencia, y la sumisin de la ciudad y de la regin. Durante esta transformacin se perdieron obras famosas pero inacabadas, incluyendo la Batalla de Cascina de Miguel ngel y la Batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci, pues en los lados pint seis frescos, smbolo de la potencia de los Mdicis: por un lado la toma de Siena y por el otro la derrota de Pisa.
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El fresco representaba a caballeros y caballos animados por una profunda torsin. Los personajes de la escena, de hecho, luchan incansablemente por obtener el gonfalone o estandarte, smbolo de la ciudad de Florencia. La escena refleja el pensamiento del artista fundado en una visin pesimista del hombre, que debe luchar para vencer a sus propios miedos.
Existe todava? Posible recuperacin

El Saln de los quinientos del Palazzo Vecchio, que entonces era la Sala del Maggior Consiglio della Repubblica di Firenze (Sala del consejo mayor de la Repblica de Florencia), es la sala ms grande para la gestin del poder realizada nunca en Italia. Hoy tiene 54 metros de largo por 18 de alto, pero en los tiempos de Leonardo era muy distinta; ms espartana y menos decorada. Fue Giorgio Vasari quien al transformarla a peticin de Cosme I de Mdici, para acentuar su belleza, la acort y la alz en unos 7 metros. En lo alto se realiz el techo dorado con paneles sobre los que se observa el triunfo de Cosme, el
La batalla de Anghiari nuevo soberano de Florencia, y la sumisin de la ciudad y de los cuarteles. Maurizio Seracini, un experto italiano en anlisis de arte de alta tecnologa, cree que detrs de uno de estos murales de Vasari, la Batalla de Marciano en Val di Chiana (1563), est escondido el fresco original de Leonardo da Vinci. Sobre lo alto del fresco de Vasari, a 12 metros del suelo, un soldado florentino mueve un estandarte verde con las palabras Cerca trova (El que busca encuentra). Estas palabras enigmticas parecen ser una pista de Vasari, quien siempre habl en trminos de gran consideracin hacia los frescos de Leonardo da Vinci. Vasari sinti una gran admiracin por Leonardo y no habra probablemente osado destruir una obra suya. En la pared oeste haba 4 ventanas, hoy tapiadas por lo que no podra haber alojado la pintura, pero en la este slo haba 2 ventanas, y es aqu donde se ejecut el mural. Vasari es muy claro en sus escritos: el lazo izquierdo de la pared se reservaba a Miguel ngel, y el derecho a Leonardo y, considerando todas las modificaciones que ha sufrido el Saln, se ha calculado que el ncleo de la pintura, el ms famoso, probablemente se encuentra en la zona sobre la puerta del sureste. Seracini cree que es improbable que Vasari destruyese la obra de su predecesor durante su renovacin del Saln de los Quinientos y que habra intentado salvar de algn modo la pintura. Usando tcnicas no invasivas, como radar de alta frecuencia que penetra en la superficie y cmara termogrfica, Seracini hizo una investigacin en el Saln. Entre otras conclusiones, encontr que Vasari haba construido otra pared en frente de la pared oriental donde se document la existencia del fresco original de Leonardo da Vinci. Seracini afirma que encontr un hueco de 1 a 3 centmetros entre las dos paredes, suficientemente grande para que se conservase el antiguo fresco. Obviamente la hiptesis, pero sobre todo el deseo, que una obra tan grande, aunque no exitosa, tan cargada de historia, se encuentre an y que quiz se encuentre slo a pocas decenas de centmetros del observador, desencadena la fantasa de muchas personas. A principios de 2007, el ayuntamiento de Florencia y el Ministerio italiano de Cultura han dado luz verde a mayores investigaciones.[3]
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Referencias
DaVinci decodificado
[4]
Giorgio Vasari : Lives of the Painters, Sculptors and Architects, Volumes I and II. Everyman's Library, 1996. ISBN 0-679-45101-3 La batalla de Anghiari - descripcin de su creacin [5] M. Pieraccini, D. Mecatti, G. Luzi, M. Seracini, G. Pinelli and C. Atzeni, Non-contact intrawall penetrating radar for Heritage survey: the search of the Battle of Anghiari by Leonardo da Vinci, NDT&E international, Vol. 38, pp. 151157 (2005) Estratto da "http:/ / it. wikipedia. org/ wiki/ Battaglia_di_Anghiari_%28Leonardo%29"
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Vase tambin
Leonardo da Vinci Michelangelo Rubens Palazzo Vecchio Giorgio Vasari La batalla de Anghiari
[6]
Reconstrucciones [7] {Hay un esbozo reconstruido de cmo "La batalla de Anghiari" habra sido; tambin hay un espozo de una porcin acabada (que est al revs)
Referencias
[1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] Pijon, J., "Los ltimos cuatrocentistas", en Summa Artis, Antologa, V, Espasa, pg. 66; ISBN 84-670-1356-7 Summa Artis, V, pg. 66 Posible recuperacin (http:/ / news. independent. co. uk/ europe/ article2204088. ece) http:/ / alumni. ucsd. edu/ magazine/ vol3no1/ features/ seracini. htm http:/ / www. lairweb. org. nz/ leonardo/ battle. html http:/ / www. anghiari. it http:/ / www. anghiari. it/ english/ s2/ d1Daquater. htm
La baista de Valpinon
La baista de Valpinon (La Baigneuse de Valpinon) Dominique Ingres, 1808 leo sobre lienzo- Romanticismo 146 cm 97,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La baista de Valpinon o La gran baista es un cuadro del pintor francs Dominique Ingres. Data del ao 1808 y se trata de un leo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia. En francs se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse. Ingres cultiv el orientalismo sobre todo a travs de sus numerosos desnudos femeninos, de lneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres estn dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII. Estas baistas presentan una belleza perfecta, con curvas sinuosas[1] .
La baista de Valpinon Esta baista es la primera de una serie que realizar a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el perodo 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. All se entusiasm con las antigedades clsicas y los frescos de Rafael. Esta Gran baista, lo mismo que Franois-Marius Granet (1807) y Madame Devauay [2] (1807), fueron aplaudidas por la crtica parisina. La Gran baista recuerda a los lienzos de Jacques-Louis David durante la Revolucin.[3] La composicin est dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mnima la escenificacin: una cama cubierta por una sbana blanca y un cortinn verde oscuro a la izquierda.[4] El torso femenino est realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer est iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con lneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.[4] El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual.[3] Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatmicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.[4] En cuanto al cromatismo, predominan los tonos clidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sbana y el verde oscuro de la cortina.[4]
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Enlaces externos
Artculo sobre La Baigneuse ingls)
[5]
en la pgina web del museo del Louvre (en francs e
Referencias
[1] Patricia Fride R. Carrassat e Isabelle Marcad, Movimientos de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2004, pg. 52, ISBN 84-8332-596-9 [2] P. F. R. Carrassat, Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 , pg. 192 [3] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, ISBN 3-8228-4744-5 [4] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pg. 169 [5] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673226356& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673226356& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& bmLocale=en
La bella Jardinera
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La bella Jardinera
La Bella Jardinera ( La bella Giardiniera) Rafael Sanzio, 1507 leo sobre tabla- Renacimiento 122 cm 80 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La Bella Jardinera (en italiano, La bella Giardiniera) es un cuadro obra del pintor italiano Rafael Sanzio. Est realizado al leo sobre tabla, en el ao 1507 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, con el ttulo de La Vierge l'Enfant avec le petit saint Jean-Baptiste, llamada La Belle Jardinire.
Historia
Se ignora quin fue exactamente el comitente del cuadro, aunque se considera que fue encargada por el patricio siens Filippo Sergardi. Tampoco se sabe cundo lleg a las colecciones reales francesas, donde se encuentra al menos con posterioridad a Luis XIV. Segn la tradicin, fue adquirida por Francisco I de Francia, pero no hay prueba de ello.
Anlisis de la obra
Esta pintura de La Virgen y el Nio con el pequeo san Juan Bautista, llamado La bella jardinera es un leo sobre madera representando a la Virgen Mara con Jess nio y un joven Juan el Bautista. La obra est firmada en la orla del manto de la Virgen: "RAPHAELLO URB." y datada "MDVII". El ttulo "Bella Jardinera" se debe a la florida belleza de la Virgen y al ambiente campestre que la rodea. La Virgen representa la belleza femenina, con su valo puro tpicamente florentino y el refinamiento y simplicidad del peinado. Las figuras se integran en el paisaje de manera ideal. La Virgen est sentada sobre un peasco, mirando hacia el nio, que le devuelve la mirada, mientras que delante suyo se encuentra Juan que parece apoyarse en su bastn crucfero. Las miradas que cruzan entre s los personajes transmiten emocin silenciosa. Los halos,
La bella Jardinera tan destacados en la pintura precedente (gtica y quattrocentista) han quedado reducidos a una suave lnea dorada, casi imperceptible. En este cuadro se sintetizan las distintas influencias que recibi Rafael: Perugino, Leonardo y Miguel ngel. La Virgen con el Nio y san Juan forman una composicin dinmica y piramidal, esquema que aporta equilibrio y serenidad a la escena. el grupo se sita en el primer plano de un paisaje luminoso y abierto. Al fondo, a la derecha, se ve el perfil de una ciudad con edificios gticos. Las plantas y los arbustos son representados con rigor cientfico. Entre ellas se ven violetas, smbolo de la humildad de la Virgen, y aguileas, smbolos de la Pasin de Cristo. La dulce mirada de la Virgen hacia Jess y el arbusto frgil son de inspiracin peruginesca. Las transparencias azuladas del paisaje lejano (esfumado), as como el modelado suave de los nios, a travs del efecto de luces y sombras (claroscuro) derivan de Leonardo da Vinci. De Miguel ngel toma el vigor plstico y la firmeza monumental de las figuras, as como el contrapposto del Nio Jess. Esta es una de las representaciones de la Virgen Mara realizadas por Rafael mientras se encontraba en Florencia. Para realizarla, hizo numerosos esbozos y un cartn que se conservan en la coleccin de Holkham Hall (Reino Unido). Otras representaciones de la poca con la misma atmsfera buclica son la Virgen del prado (1506), hoy en el Kunsthistorisches de Viena, y la Virgen del jilguero, (h. 1507), Galera Uffizi, Florencia. Todas ellas las pint al final de su estancia en Florencia, y en ellas se representa a la Virgen con los dos nios, en primer plano de un paisaje y con smbolos que prefiguran la Pasin de Cristo.
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Virgen del prado, 1506, Kunsthistorisches, Viena
Virgen del jilguero, 1507, Galera de los Uffizi, Florencia
La bella Jardinera
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Referencias
Este artculo es traduccin de las wikipedias italiana e inglesa, y, adems, usa las siguientes fuentes: La bella jardinera
[1]
(Museo del Louvre, en francs)
Monreal, L., Grandes Museos, vol. 2, Editorial Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (coleccin completa) Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 107
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673237929& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673237929& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& fromDept=false& baseIndex=42& bmUID=1171108378539
La buenaventura
La buenaventura (segunda versin) (Buona ventura) Caravaggio, h. 1595 leo sobre lienzo- Barroco 93 cm 131 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La buenaventura (en italiano, Buona ventura) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Est realizado al leo sobre lienzo. Existen dos versiones, la primera de 1594 (actualmente en los Museos Capitolinos en Roma, y la segunda de 1595, que se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, con el ttulo de La diseuse de bonne aventure. La datacin de ambas obras es objeto de debate. La buenaventura es una de las dos piezas de gnero realizadas por Caravaggio en el ao 1594, siendo la otra Partida de cartas. Se cree que La buenaventura es la primera de las dos, y que data del perodo durante el cual el artista haba dejado recientemente el taller de Giuseppe Cesari para trabajar con independencia vendiendo sus cuadros a travs del marchante Costantino. Con ella introduce Caravaggio la temtica de gnero que hasta entonces slo se cultivaba por los flamencos: escenas de la vida cotidiana que pretenden aleccionar al observador[1] .
La buenaventura
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Descripcin
El cuadro muestra a un joven vestido como un petimetre (en la segunda versin se cree que el modelo era el compaero de Caravaggio, el pintor siciliano Mario Minniti), al que una chica gitana lee la palma de la mano. El chico parece encantado al mirarle a la cara; no se da cuenta de que ella est quitndole poco a poco el anillo al tiempo que acaricia su montculo de Venus[1] ; a esta ufana mirada masculina ella responde con su propia mirada astuta y silenciosa. La atencin del espectador se centra precisamente en esas miradas que permiten adivinar lo que cada uno de los personajes piensan, en lugar de lo que ocurre en las dos manos de los personajes.[2] Esta escena requiere una lectura a varios niveles: contiene en efecto connotaciones moralizadoras, por lo que se refiere a las falsas profecas y la seduccin interesada. Se trata pues de una clase de escena de gnero alegrica sobre el fraude, y la ingenuidad, prxima a la literatura y el teatro contemporneos. El bigrafo de Caravaggio, Giovan Petro Bellori, sostiene que el artista escogi a la chica gitana entre los viandantes de la calle para demostrar que no necesitaba copiar las obras de los maestros de la antigedad: Cuando se le mostraban las ms famosas estatuas de Fidias o Glykon para que pudiera usarlas como modelo, su nica respuesta era sealar a una grupo de personas diciendo que la naturaleza le haba dado abundancia de maestros. Este pasaje se usa a menudo para demostrar que los artistas manieristas educados en los clsicos, de la poca de Caravaggio, desaprobaban su insistencia en pintar del natural en lugar de copias y dibujos hechos por los antiguos maestros, pero Bellori finaliza diciendo: ...y en estas dos medias figuras [Caravaggio] tradujo la realidad de manera tan pura que confirmaba lo que l deca. Un madrigal de Gaspare Murtola de 1603 se haca eco de esta leyenda: Llam a una gitana que casualmente pasaba por la calle y, llevndola al mesn, la retrat en actitud de decir la buena ventura, como suelen hacer estas mujeres de raza egipcia. Pint tambin a un joven que pone una mano con el guante sobre la espada y tiende la otra mano, descubierta, a la mujer que la retiene y la mira.[2] La historia es posiblemente apcrifa - Bellori escribi ms de medio siglo despus de la muerte de Caravaggio, y no aparece en Manzini ni en Giovanni Baglione, las dos fuentes contemporneas que lo conocieron pero indica la esencia del revolucionario impacto de Caravaggio sobre sus contemporneos comenzando con La buenaventura que iba a reemplazar la teora renacentista del arte como una ficcin didctica con arte como representacin de la vida real.
La buenaventura
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Las dos versiones

La buenaventura de 1594 despert considerable inters entre los artistas jvenes y los ms modernos coleccionistas de arte de Roma, pero, segn Manzini, la pobreza de Caravaggio le oblig a venderla por la pequea suma de ocho escudos. Entr en la coleccin de un banquero adinerado, el aficionado al arte Marqus Vincente Giustiniani, que se convirti en un importante mecenas del artista. El amigo de Giustiniani, cardenal Francesco Mara Del Monte, compr la otra La buenaventura, primera versin, 1593-95, leo sobre lienzo, 115 150 cm, Roma, Pinacoteca Capitolina pieza de gnero, Partida de cartas, en 1595, y en algn momento de ese ao Caravaggio entr a formar parte de la casa del cardenal. Para Del Monte pint Caravaggio una segunda versin de La buenaventura, copiada de la de Giustiniani pero con algunos cambios. El fondo indiferenciado de 1594 se hace una pared verdadera, rota por las sombras de una cortina semiechada y la faja de una ventana, y las figuras ocupan el espacio de manera ms completa, definindolo en tres dimensiones. La luz es ms radiante, la textura de la tela de doblete del muchacho y las mangas de la muchacha ms sutilmente representada. El inocentn parece ms infantil y ms inocentemente vulnerable, mientras que la chica tiene un aspecto menos cauteloso, inclinndose sobre l, ms controlando la situacin. La espada de hombre en la infantil cadera de Mario sobresale ahora hacia el espectador, definiendo la escena en un espacio real, y parece ms un peligro para l mismo que para un posible oponente. La versin del Louvre (1595) est bien conservada y fue restaurada en 1984-85, mientras que la de los Museos Capitolinos est en peores condiciones.
Anlisis
El encuadre apretado, con personajes cortados a medio cuerpo, permite al espectador entrar en el cuadro. ste en efecto no queda distanciado por un primer plano, como en algunos pintores contemporneos. El fondo unido y neutro, caracterstica de Caravaggio, hace resaltar a los personajes, concentrando la atencin del espectador sobre la escena. La luz desempea un papel importante en la puesta en escena: un nico rayo lateral cae sobre los personajes y les confiere valor. Esta luz direccional es tpica de Caravaggio. No obstante, esta luz clida, dorada, imitando el sol y no de origen indeterminado, se relaciona con su primer perodo. Fuerte y abstracta a pesar de todo, crea juegos de reflejos sobre las superficies brillantes. Caravaggio utiliza aqu una gama cromtica clida, limitada y contrastada. Se observa una gran ruptura con el manierismo, por la representacin inmediata, la autenticidad de las figuras pintadas al natural (traje tpico de la gitana), los volmenes redondos y simples (no
La buenaventura hay lneas serpentinas ni de cuerpos alargados) y la ausencia de colores cidos y antinaturalistas. La buenaventura es, pues, una obra caracterstica del primer estilo de Caravaggio, que introduce varias novedades frente a la pintura anterior: la luz direccional, la utilizacin de un tema popular, con personajes de la vida corriente, ni deformados ni idealizados sino pintados segn naturaleza, la utilizacin de colores naturales y realistas, y la simplicidad de la composicin y las formas.
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Enlaces externos
Ficha sobre La Diseuse de bonne aventure (en francs)
[3]
Referencias
[1] Andreas Prater, El Barroco en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 229, ISBN 3-8228-4744-5 [2] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 93 [3] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=14280
La encajera
La encajera (De Kantwerkster) Johannes Vermeer, h. 1669 leo sobre tela- Barroco 23,9 cm 20,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La encajera o La encajera de bolillos (en neerlands, De Kantwerkster), es una de las pinturas ms conocidas del pintor holands Johannes Vermeer. Est realizado en leo sobre lienzo, montado sobre madera. Se calcula que fue pintado hacia 1669-1670. Mide 23,9 cm de alto y 20,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars.
La encajera
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Historia
La obra est firmada IVMeer, ligeramente desvanecida. No se conoce con exactitud su fecha de composicin, distintas fuentes sealan 1644, 1664 o 1669. Actualmente se calcula que debi pintarse hacia 1669 y 1670. Es, en cualquier caso, una obra de madurez del autor. Es posible que su primer propietario fuera Pieter Claesz van Ruijven, de Delft, antes de 1674. Apareci en la venta Dissius de 1696 en msterdam. La pintura pas posteriormente a diversos propietarios de los Pases Bajos. A pesar de su fama, en 1869 el museo Boymans de Rtterdam fracas en su intento de adquirir La encajera. Por entonces formaba parte de la coleccin de Dirk Vis Blokhuyzen (1799-1869), quien al morir dej su patrimonio de pinturas, dibujos y libros a la ciudad de Rtterdam, a cambio de que entregaran una cantidad de dinero a sus herederos. Sin embargo, no se pudo obtener ese dinero y fue subastada la coleccin en Pars en 1870; fue adquirida por el coleccionista Eugne Fral, quien lo vendi con un beneficio de casi 2.000 francos dos meses ms tarde al Louvre. Fue el primer Vermeer adquirido por una coleccin pblica francesa.
El soporte est ligeramente abierto. El lienzo se peg a un panel de roble que mide 23,9 centmetros por 20,5 centmetros, lo que hace de esta obra la ms pequea de las que pint Vermeer. Es una obra tpica del autor: retrata a un personaje ordinario en la intimidad de sus tareas cotidianas. Como en La lechera (h. 1658, Rijksmuseum, Amsterdam), es una de esas ojeadas a la aislada intimidad domstica que tanto fascinaron al autor. Le gustaba observar los objetos cotidianos que lo rodeaban y pintar combinaciones diferentes de ellos. Vermeer muestra a sus figuras, recogidas en un momento ntimo, aisladas en un mundo ajeno al del espectador, envueltas en un resplandor claro y apacible, en silencio. En este caso, se trata de una joven dedicada al encaje, encorvada sobre su trabajo. Su mirada se concentra en la labor y en el movimiento de las manos, que manipulan hbilmente bobinas, alfileres e hilo. El tema de la encajera es frecuente en la literatura y la pintura holandesas, como representacin de las virtudes femeninas domsticas; as se ve, por ejemplo, en la obra de Caspar Netscher (La encajera, 1662, leo sobre lienzo, en la col. Wallace, Londres) o Nicolaes Maes (Una mujer bordando, 1655, leo sobre tabla, en la col. Harold Samuel, Londres). Esta representacin de la virtud se La encajera, 1662, por Caspar Netscher refuerza en la obra a travs del pequeo libro cubierto por tapicera sobre la mesa. Aunque el libro no tiene rasgos que lo identifiquen, casi con seguridad es un libro de oraciones o una pequea Biblia. La ambientacin se reduce al mnimo: un cojn con hilos en el primer plano, la encajera en el segundo y un fondo monocolor. La mujer no es la esposa de Vermeer, como en algn momento se ha sostenido; con toda seguridad ser un miembro de la burguesa de Delft. No lleva ropas de trabajo. Vermeer sugiere la total concentracin de la encajera en su trabajo a travs de su postura forzada y el amarillo limn de su ropa, un color activo y psicolgicamente intenso. Incluso su peinado representa en parte su estado fsico y psquico, pues est firmemente sujeto pero, al mismo
La encajera tiempo, fluye en sus tirabuzones. Finalmente, los claros toques de luz que iluminan su frente y dedos enfatizan la precisin y claridad de visin que requiere este arte tan exigente del encaje. El cabello y las manos nacen de la luz que, a diferencia de la mayor parte de las obras de Vermeer, entra por la derecha, y no por la izquierda. Este cuadro ilustra las inquietudes del autor por el estudio de la ptica. Est pintado con suaves modulaciones de luz y color. Vermeer utiliza en l un procedimiento usual: exager lateralmente el primer plano, que muestra desenfocado, para dar mayor efecto de profundidad a la perspectiva. El genio del autor se muestra en la reproduccin de las deformaciones naturales pticas del ojo humano para crear profundidad de campo. El centro de atencin es la figura femenina, quien recibe una iluminacin lateral, seguramente a travs de una ventana, y cuyo trabajo se describe con gran detalle y aguda mirada, en particular el fino hilo blanco estirado entre los dedos de la joven. Pero lejos de este foco visual las formas se hacen menos precisas y desenfocadas: en el primer trmino se encuentra la esquina de una mesa, sobre la cual est apoyado un cojn de recamar, usado para guardar los materiales de coser: del contenedor semiabierto fluyen hilos rojos y blancos, que se muestran casi como regatos abstractos de pintura. Sus formas lquidas salen en tropel sobre la igualmente sugerente tapicera que cubre la mesa; esta tapicera est pintada con pequeas aplicaciones "puntillistas" de color puro, produciendo tambin un efecto de desenfoque. Hay un tercer plano: el fondo de color claro, sobre el que se recorta un tirabuzn claramente definido. De hecho, los hilos y el rizado tirabuzn contrastan con los hilos tensos de las bobinas, situando as la actividad de la encajera aislada de su entorno. La ubicacin central de la figura, junto al pequeo tamao del cuadro, refuerzan la sensacin de intimidad. No obstante, a pesar de esta sensacin de proximidad con la encajera, realmente no se puede penetrar en su universo. La tapicera y la mesa se interponen entre el espectador y la encajera. La concentracin del modelo y el juego de los colores contra el gris claro del fondo hacen de esta una de las obras maestras de Vermeer. Fue especialmente valorado por los pintores impresionistas, cuyo objeto principal era la luz que nace del color. As, Renoir consideraba que esta obra maestra era el cuadro ms bello del mundo, junto con el Embarque para la isla de Citera, de Watteau. Tambin van Gogh qued fascinado por el color de esta pintura, y en una carta a mile Bernard en 1888 destac la belleza de su "arreglo amarillo limn, azul claro y gris perla."
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Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre La encajera.Commons Baer, H., El Barroco en los Pases Bajos en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 332, ISBN 3-8228-4744-5 Broos, B., y otros, Johannes Vermeer, catlogo de la exposicin organizada por el Real Gabinete de Pinturas Mauritshuis de La Haya y la Galera Nacional de Arte de Washington, 1995-1996. ISBN 90-400-9794-3 Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Artculo en la pgina web del Louvre
[1]
La encajera
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Referencias
La fbrica de cal
La fbrica de cal (Le Four pltre) Thodore Gricault, Hacia 1821-1822 leo sobre lienzo- Romanticismo 50 cm 60 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La fbrica de cal (1821-1822) es una pintura romntica de Thodore Gricault. Se trata de un leo sobre lienzo que mide 50 centmetros de alto por 60 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Tambin se conoce este cuadro como El horno de yeso, obra realizada por Gricault al final de su carrera. Esta imagen en la que estn ausentes las figuras humanas acaba pareciendo, ms que un cuadro de gnero, un paisaje. Se representa una fbrica de cal, en la que Gricault haba invertido dinero, y que esboz en una primera visita, sobre el terreno[1] . Aqu representa a tres caballos vigorosos, an con los arreos, que estn comienzo de los morrales que llevan al cuello. Delante de ellos, ocupando la mitad derecha del primer plano, el terreno embarrado de la fbrica. Detrs puede verse el edificio, en el que estn entrando otros dos caballos. De la fbrica sale, por la parte izquierda, un intenso humo blanco, que revela la realizacin de actividades en su interior. Esas nubes de humo blanco contrastan con el cielo sombro[1] . Gricault realiza una pintura prcticamente monocroma, toda ella en tonos terrosos, beiges y marrones[1] .
Referencias
[1] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 425, ISBN 3-8228-4744-5
La gitana
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La gitana
La gitana Frans Hals, Hacia 1628-1630 leo sobre madera- Barroco 58 cm 52 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La gitana es un cuadro del pintor neerlands Frans Hals. Est realizado al leo sobre madera. Mide 58 cm de alto y 52 cm de ancho. Fue pintado hacia 1628-1630, encontrndose actualmente en el Museo del Louvre, de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de La Bohmienne (La bohemia). Fue legado al Louvre en 1869 por Louis La Caze. Esta obra, tambin conocido como La cngara o La gitanilla es posiblemente el ms conocido de los retratos de tipos populares ejecutados por Hals, acercndose al cuadro de gnero. La identificacin de una gitana es casi eufemstica, porque se cree que es ms bien una prostituta, por la intencin de que Hals la dot con el uso de la luz rasante en el escote, la expresin desenvuelta de la modelo y el carcter provocativo del vestido,[1] as como en su mirada y en la boca entreabierta, lo que era inslito en un retrato femenino, ya que nunca se deba representar al personaje sonriendo, ni enseando los dientes, por considerarse provocativo e indecente.[2] El retrato de personajes de los bajos fondos de Haarlem era un tema habitual en Frans Hals.[2] Frans Hals usa un gesto rpido.[2] La tcnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holands. Estas pinceladas discontinuas y superpuestas anticipan el impresionismo de dos siglos y medio posterior.[2] Esto sirve perfectamente para la representacin de gesto, un tanto agridulce de la muchacha. Prescinde Hals, como en la mayora de sus retratos individuales de fondo paisajstico, si bien aparecen rasgos que podran aludir a un paisaje rocoso o a un cielo nublado, lo que sugiere que podra ser un retrato ejecutado al aire libre (de plein air). La luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada.
La gitana
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Enlaces externos
Artculo sobre este cuadro
[3]
en la pgina web oficial del Museo del Louvre
Referencias
[1] Hermann Bauer, El Barroco en los Pases Bajos en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 296, ISBN 3-8228-4744-5 [2] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 173 [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198674058913& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198674058913& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500813& bmUID=1188563452165
La gran odalisca
La gran odalisca (La Grande Odalisque) Dominique Ingres, 1814 leo sobre lienzo- Romanticismo 91 cm 162 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La gran odalisca es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista pintada en 1814 representa a una mujer desnuda. Se trata de un cuadro al leo de forma apaisada, que mide 91 centmetros de alto y 162 de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars, en Francia. Este cuadro fue encargado por Carolina, hermana de Napolen y reina de Npoles, como un pendant, esto es, cuadro que forma pareja con otro, en este caso, otro desnudo. Se expuso en el Saln de Pars de 1819. La palabra odalisca, del turco odalik, designa a una mujer del harn. Est recostada voluptuosamente en un divn, con una pose que recuerda a Madame Rcamier, de David, de la que Ingres pint los accesorios. Se retrata a la mujer vuelta de espaldas, pero girando la cabeza hacia el espectador. Aparecen en la obra accesorios que le dan su toque oriental: el abanico, el turbante y la pipa. Con gran precisin refleja la textura de las telas.
La gran odalisca Los crticos de la poca resaltaron ciertos defectos, como el ser particularmente larga. En efecto, esta odalisca est dotada de tres vrtebras suplementarias. El pintor es enteramente consciente de ello. Sacrifica la verosimilitud por el efecto y combina cinco modelos diferentes. Ingres desea pintar una belleza individualizada. Ha retomado aqu el estilo serpentino y el irreal alargamiento de los miembros propio del manierismo. Debe sealarse que Ingres visit Florencia y ya haba descubierto las pinturas italianas. Se ve notablemente la influencia de Rafael en las curvas de esta obra y en la dulzura del rostro. En cuanto al cromatismo, los crticos acusaron a Ingres de usar una gama cromtica leve y montona. No obstante, esa era una decisin consciente del pintor, que consigue un gran preciosismo a travs del uso del azul en las cortinas, combinado con el rojo, el blanco y el dorado.
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Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Cirlot, L., Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 174-175
Enlaces externos
Artculo sobre Une Odalisque ingls)
[1]
en la pgina web del Museo del Louvre] (en francs e
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673226311& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673226311& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& bmLocale=en
Las bodas de Can
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Las bodas de Can
Las bodas de Can Paolo Veronese, 1563 leo sobre lienzo- Manierismo 666 cm 990 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Las bodas de Can es una de las pinturas ms famosas de la produccin total del pintor italiano Paolo Veronese, conocido por Verons. Est realizada al leo sobre tela, y fue pintada en el 1563. Es una obra colosal: mide 990 cm de largo y 666 cm de alto.
Historia
Este cuadro fue encargado para el refectorio del convento benedictino de San Giorgio, estancia proyectada por Palladio. Segn el contrato, Verons, que entonces tena 34 aos, recibira 324 ducados, ms la manutencin y un barril de vino. La obra fue encargada el 6 de junio de 1562 por el monasterio benedictino ubicado en la isla de San Giorgio Maggiore de Venecia (Italia), para ser colgada en el refectorio. Verons la pint a lo largo de quince meses, durante los cuales probablemente fue ayudado por su hermano, Benedetto Caliari. La entreg al monasterio en septiembre de 1563. El cuadro se conserv en el monasterio durante 235 aos. Colgaba a dos metros, lo que teniendo en cuenta sus dimensiones, permite suponer la amplitud del edificio. El cuadro fue saqueado por Napolen durante la Campaa de Italia, en 1797, y enviado a Pars, encontrndose en el primer piso del Museo del Louvre desde 1798. Cuando Antonio Canova, el clebre escultor, negoci recuperar todas las obras de arte italiano confiscadas por Napolon, dej Las Bodas en Francia, convencido por Vivant Denon de la gran fragilidad de este lienzo. A cambio, ofrecieron a Italia una obra de Charles Le Brun. Durante la Segunda guerra mundial, el cuadro fue llevado al sur de Francia para protegerlo, lo que evidencia que no era imposible desplazarlo. Despus de la guerra, regres a Pars, aunque qued daado por el transporte. De 1990 a 1992 se produjo una restauracin que tuvo bastante eco en los medios de comunicacin: parte del lienzo se hunda, lo que retras los trabajos; igualmente se descubri que el abrigo de uno de los personajes no era el inicial y, finalmente, hubo un movimiento de opinin a favor de
Las bodas de Can devolverlo al refectorio de los benedictinos de S. Giorgio Maggiore en Venecia, sustentado, entre otros, por el abogado Arno Klarsfeld y la modelo Carla Bruni.
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Anlisis del cuadro

El lienzo tiene un tamao impresionante, de 666 x 990 cm. Con tales dimensiones, es el ms imponente de los cuadros de las colecciones nacionales francesas, y en todo caso, las del Louvre. La altura de 666 centmetros no es ninguna referencia oculta al Apocalipsis, sino pura coincidencia, ya que el sistema mtrico no exista en la poca de Verons. La pintura representa las Bodas de Can, recogido en el Evangelio de Juan, una historia sobre un milagro tomada del Nuevo Testamento cristiano. En la historia, Jess y sus discpulos estn invitados a una celebracin nupcial en Can, Galilea. Hacia el final de la fiesta, cuando se quedan sin vino, Jess orden a los siervos que llenaran tinajas con agua, que l convirti en vino, siendo este su primer milagro. Como es usual en Verons, representa un episodio evanglico ocurrido en la antigua ciudad de Can al estilo de las grandes fiestas venecianas de la poca, en un marco arquitectnico renacentista, con columnas dricas y corintias alrededor de un patio abierto. Pero tambin caus cierto escndalo, al insistir ms en la fiesta que en los elementos religiosos. Se deca en la poca que los venecianos crean "muchsimo en san Marcos, bastante en Dios y poco o nada en el Papa"). Resultaba un cuadro muy moderno, pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados por Palladio ese mismo ao; y tambin cosmopolita, al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales. El cuadro tiene dos partes diferenciadas: la inferior, en la que se amontonan hasta 130 figuras, y la superior, dominada por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos, y con unos elementos arquitectnicos captados en perspectiva. En el centro del patio se sientan un grupo de msicos tocando instrumentos renacentistas: lad y los primeros instrumentos de cuerda. El artista se autorretrato aqu, vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba. El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente, vestido de rojo, tocando un violonchelo; Tintoretto se encuentra al violn y Jacopo Bassano a la flauta. En el centro del cuadro, Jesucristo, sentado, con un halo alrededor de la cabeza; a su derecha se sienta la Virgen Mara y los rodean sus doce discpulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta poca). Seala L. Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la poca: Alfonso de valos, marqus del Vasto, que gobernaba el Milanesado; Leonor de Austria, Francisco I, Mara de Inglaterra, Solimn el Magnfico, que es el personaje de la izquierda con turbante; Vittoria Colonna, y Carlos V de perfil, dirigindose a un sirviente. Sobre Jess, sobre una pasarela elevada, varios hombres cortan la carne de un animal no identificado. A su derecha, traen otro animal para sacrificarlo. Los crticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero, considerando que Jess es el Agnus Dei o "Cordero de Dios". El cordero sacrificado es por lo tanto un smbolo de su futuro sacrificio. Cristo se halla justo bajo la hoja. Hacia la parte inferior izquierda de la pintura, hay un hombre sirvindose vino de un jarro enorme y ornamentado. A su lado, un hombre permanece de pie, estudiando una copa de vino; es Benedetto, hermano de Verons. Debe destacarse que, aunque muchos de los personajes en la pintura, sostienen
Las bodas de Can vasos de vino, nadie parece estar ebrio, sino que disfrutan sanamente de la fiesta. Este eje vertical es tambin sumamente simblico, por que detrs de Cristo est el cordero sacrificado, debajo de l, los msicos y justo en frente de los msicos hay un reloj de arena, que en arte es llamado una "vanidad". Muestra los placeres terrenales como la msica, pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena, el sacrificio). No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro estn claramente hablando. Esto es as porque fue encargado por un monasterio benedictino, y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente. El centro de la pintura est dominado por un cielo azul, abierto, en el que se ve una airosa torre, importante elemento que abra la habitacin donde la pintura colg originariamente.
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Curiosidades
Lo ms probable es que las figuras de la pintura estn disfrutando el postre, pues sobre la mesa se ve azcar, frutas y (de acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre), mermelada de membrillo. Irnicamente, parece sin embargo que al tiempo se prepara el plato principal, que son los animales sacrificados. Esto podra reforzar la teora de que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simblica.
Referencias
Louvre visitor's guide, English version, 2004 (del artculo en ingls) Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa)
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Las Bodas de Can .Commons Artculo en la pgina web del Louvre [1] Facsmil del cuadro creado en 2007 por Factum Arte, el mayor y ms positivo acontecimiento relacionado con el cuadro ocurrido en los ltimos 250 aos [2]
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225111& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225111& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& bmUID=1138483297476& bmLocale=en [2] http:/ / www. factum-arte. com/ eng/ conservacion/ cana/ Default. asp
La leccin de msica (Fragonard)
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La leccin de msica (Fragonard)
La leccin de msica (La leon de musique) Jean-Honore Fragonard, Hacia 1770-1772 leo sobre lienzo- Rococ 109 cm 121 cm Museo del Louvre
La leccin de msica (en francs, La leon de musique) es un cuadro del artista rococ francs Jean Honor Fragonard, realizado hacia 1770. Es una pintura al leo sobre lienzo que mide 109 centmetros de alto por 121 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars (Francia), al que lleg en 1849 por donacin de Hippolyte Walferdin. Se trata de un cuadro que todava desconcierta a los especialistas, quienes oscilan entre considerarla una tela precoz e inconclusa o un esbozo tardo. El tema de la leccin de msica fue tratado con frecuencia por los pintores holandeses, como puede verse en la Leccin de msica de Vermeer; en la pintura barroca, sin embargo, sola ser una alegora de los cinco sentidos[1] . Aqu el tema se ha transformado en galante envuelto en una atmsfera de ensueo amoroso: el joven profesor de msica corteja a su alumna y le mira el escote. Su entrega es paralela a la entrega de la joven pianista[1] .
Referencias
Artculo sobre el cuadro
[2]
La Libertad guiando al pueblo
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"La Libertad guiando al pueblo" (La Libert guidant le peuple) Eugne Delacroix, 1830 leo sobre lienzo- Romanticismo 259 cm 352 cm Museo del Louvre
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugne Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de Pars. He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintar para ella. Eugne Delacroix El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de Pars levant barricadas. El rey Carlos X de Francia haba suprimido el parlamento por decreto y tena la intencin de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desemboc en una revolucin seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existi un nico cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como gua que conduce al pueblo. Tampoco est representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegrica muy sensual y real. El espectador slo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella . El pueblo es la unin de clases: se representa al burgus con su sombrero de copa y empuando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francs bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicandonos que ha valido la pena morir por ella.
Tema
El tema de la obra es la insurreccin burguesa que tuvo lugar los das 27, 28 y 29 de julio de 1830 (denominadas las Tres jornadas gloriosas). Es una de las revoluciones burguesas, y ms concretamente la que puso fin al terror blanco tras los diecisis aos de restaurada la monarqua borbnica, encarnada en el ultraconservador de Carlos X, que fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey burgus, con lo que se consum el acceso al poder de la burguesa liberal, aunque no se instaur la
La Libertad guiando al pueblo repblica. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es ms, l mismo se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes y en primera fila. La revuelta se inici el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringan libertades ciudadanas. En esa noche jvenes republicanos se pusieron al frente de la insurreccin y ya de da se elevaron barricadas (de hecho al cuadro se le conoce tambin como La Barricada). El da 29 los revolucionarios eran dueos de la ciudad. La revuelta rebas las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberacin nacional (como los belgas sublevados contra los holandeses), en varios pases europeos. Segn G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro poltico de la pintura moderna, pues en su opinin la historia contempornea es la lucha poltica por la libertad. Libertad que, segn este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella poca al concepto de Patria. De ah que la figura central de la mujer, que es alegora de la libertad, lo sea tambin de la nacin. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nacin (el nacionalismo) es una constante en los romnticos. El mismo autor trata idntico tema en otras obras como La matanza de Quos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro ste ltimo en el que la nacin aparece igualmente representada por una mujer -en este caso con el pecho sin descubrir totalmente- y que adems refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberacin del yugo turco, en el que pereci colaborando con el bando griego- el gran poeta romntico Lord Byron.
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Cuadro
Hay una estructura en forma de pirmide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensin y el movimiento aadi contrastes complementarios junto a la oposicin de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tena un valor de representacin, sino sobre todo un significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposicin de nimo de las personas. Se utilizan colores plidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.
Personajes
En el cuadro aparecen jvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que, como ya se ha dicho, en este caso se identifica tambin con Francia y es representada como una mujer empuando un fusil de la poca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto, hecho este ltimo que escandaliz a crticos y a parte de la sociedad de la poca. Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen tambin soldados leales a Carlos X. El personaje del sombrero es un burgus, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no particip en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribi a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintar para ella". Aunque, como era habitual en los romnticos, Delacroix criticaba a la pequea burguesa por su estrechez de miras, l mismo proceda de
La Libertad guiando al pueblo una familia de la alta burguesa y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, as como fue revolucionario en 1830, adopt una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese ao Marx publica su Manifiesto Comunista). En cualquier caso como ocurri con David, fue un autor polticamente comprometido. La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos smbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo rgimen -a pesar de ser monrquico- adopt nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de Pars, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizs para afirmar el sometimiento de la iglesia, que haba sido uno de los apoyos de la restauracin borbnica.
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Composicin
La composicin del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Gricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha sealado que al igual que en la balsa, el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composicin que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. No obstante, este mismo autor seala que aunque hay similitudes, tambin hay diferencias, y as en mientras que en la obra de Gricault el movimiento es de delante hacia atrs, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen tambin haber influido en esta obra, por las asimetras, las diagonales y los estallidos de color. Caractersticas formales Forma abierta La sensacin de perspectiva est presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamao al fondo del lienzo. La lnea del horizonte es algo inestable, sera la lnea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos (bandera, camisa del muerto de la izquierda y vestimenta del herido que se alza frente a la Liberdad) forman una lnea recta imaginaria que forma un eje central. Las figuras principales se enmarcan dentro de una pirmide que asciende en el vrtice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer trmino cierran el tringulo. La luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del nio que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en comn: potenciar el movimiento. Las pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulacin. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.
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Otros aspectos
Junto a la figura alegrica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda. Es un cuadro alegrico o histrico? No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo nico alegrico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Para Argan es simplemente un cuadro realista que ana alegora y realidad. Thophile Thor elogi la obra y refirindose a la mujer dijo: Es una muchacha del pueblo? Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] La verdadera alegora debe tener el doble carcter de ser una figura viviente y un smbolo. La obra est impregnada de movimiento no solo por los gestos dramticos de los personajes, y por la composicin en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composicin y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracin del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramtica y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de ms inquietud a la composicin. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogneas en tonos de bronce como en Caravaggio-, pues incorpora con gran maestra ms fuerza y variedad cromtica, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina tambin el color, del que fue un fino estudioso. La perfecta combinacin de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrs de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontremos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contempornea. Por otra parte su maestra en ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanpalo o la de esta obra, es tambin evidente. Delacroix, que tuvo una formacin neoclsica, reaccion contra el academicismo y lleg a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Gricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clsica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo.
Opiniones[citarequerida]
Estas son algunas de las afirmaciones que se han hecho a propsito del autor: ...elige los momentos de mxima tensin y refuerza la expresin con un gran predominio del color. En su obra destaca su inters por los aspectos puramente plsticos y formales de la pintura, aunque nunca abandon el carcter narrativo Imaginacin y exotismo son sus constantes, raramente parti de la realidad circundante y cuando lo hizo fue para crear una alegora como en La Libertad... ...aport a la pintura francesa un nuevo tratamiento del color y un elemento de libertad y pasin expresivas que, a la larga, se revelaran fundamentales ...un gran cuadro que representa la fuerza del pueblo acabando con la opresion sufrida por causa del absolutismo borbn...
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Curiosidades
Como curiosidad hay que sealar que el cuadro fue comprado por el Estado francs en 1831, pero ante las crticas recibidas parece ser que fue devuelto al autor en 1839. Sin embargo, en 1848 el director de los museos nacionales lo reclam, siendo devuelto por el autor al ao siguiente. Cuando se instaur el Segundo Imperio la tela pas a formar parte de la reserva del Louvre, hasta que qued expuesto en 1863, despus de la muerte del autor. La obra se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad. En 2008, este cuadro fue usado por la banda britnica Coldplay en la portada de su cuarto disco "Viva la Vida or Death and All his Friends".
Enlaces externos
Comentario en Artehistoria
Universal
[2] [1]
El contenido de este artculo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre , publicada en espaol bajo la licencia GFDL.
Referencias
[1] http:/ / www. artehistoria. com/ frames. htm?http:/ / www. artehistoria. com/ historia/ obras/ 2201. htm [2] http:/ / enciclopedia. us. es/ index. php/ La_Libertad_guiando_al_pueblo
Madame Rcamier (pintura)
Madame Rcamier Jacques-Louis David, 1800 leo sobre lienzo- Neoclasicismo 174 cm 224 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Madame Rcamier es un cuadro pintado al leo sobre lienzo de 174 centmetros de alto por 224 cm. de ancho pintado por el artista francs Jacques-Louis David en 1800. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia.
Madame Rcamier (pintura) Juliette Rcamier, esposa de un banquero, era una de las jvenes ms notables y bellas de su poca. Tena un saln en el que se reunan los realistas, partidarios de una restauracin borbnica y contrarios a Napolen y concurrido por intelectuales como Jacques-Louis David, Benjamin Constant o Chateaubriand. Cuando se realiz este cuadro contaba con 23 aos. Por estar relaciones con escritores antimonrquicos, y negarse a ser dama de honor de Josefina, acab siendo exiliada por Napolon. David la retrata como una herona de la Repblica o protagonista del Imperio, cuando ideolgicamente era opuesta a ambas cosas. Est recostada, vistiendo un sencillo vestido blanco de estilo helnico; muestra los pies desnudos. No lleva joyas ni maquillaje, y el peinado es un sobrio recogido tipo romano con una cinta. Se la ve desde la distancia, de tal manera que el rostro parece bastante pequeo, lo que al final hace que se trate menos de un retrato de una persona y ms de un ideal de elegancia femenina. La ambientacin es clsica: un tipo de divn o triclinio que a partir de entonces se conoci como Rcamier, un reposapis y un candelabro o lmpara romana. Aparece as como una moderna virgen vestal con la mirada desenfadada, pero con el cuerpo girado para indicar castidad. Este tipo de mobiliario romano acababa de ser descubierto gracias a las entonces recientes excavaciones arqueolgicas en Pompeya y Herculano. Esta sobriedad y sencillez a la manera de la antigedad, que en el pasado pudo entenderse como revolucionario, era al tiempo de la pintura (1800) tan slo una moda o estilo ms. La obra est inacabada, sin que se sepa muy bien por qu. Ello permite estudiar la tcnica de David, antes de que sus vibrantes pinceladas preliminares se vean cubiertas por la capa de acabado de colores translcidos. Uno de los aspectos ms innovadores de esta obra es su formato horizontal, inusual para un retrato y ms propio de pinturas de historia.
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Referencias
Baur, E.-G., El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 365, ISBN 3-8228-4744-5 Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 150-151
Enlaces externos
Artculo sobre Madame Rcamier ingls)
[1]
en la pgina web del Museo del Louvre (en francs e
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225719& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225719& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& fromDept=false& baseIndex=68
Mademoiselle Caroline Rivire
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Mademoiselle Caroline Rivire Dominique Ingres, 1806 leo sobre lienzo- Romanticismo 100 cm 70 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Mademoiselle Caroline Rivire es un retrato obra del pintor francs Dominique Ingres. Data del ao 1806 y se trata de un leo sobre lienzo que mide 100 cm de alto por 70 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Este cuadro pertenece al gnero del retrato. Aunque Ingres lo consider durante su juventud un gnero menor, los cierto es que con el tiempo acab convirtindose en el retratista refinado de la nobleza y la alta burguesa, que haba accedido al poder durante la monarqua de julio[1] . Es uno de los retratos realizados por Ingres en la primera poca de su carrera, cuando Ingres tena que pintar retratos para ganarse la vida[1] . Fue un encargo de tres retratos: adems de Mademoiselle Rivire, Ingres pint a Monsieur y Madame Rivire, todos en 1805-1806. Se expusieron en el Saln de 1806, y fueron criticados por considerarse arcaicos[2] . La modelo fallecera meses despus de hacerse el retrato, a los 15 aos de edad[1] . La joven mira seria y despierta al espectador, mientras que insina una sonrisa con sus labios brillantes. La postura del cuerpo denota cierta rigidez. Viste un vestido blanco con un boa y guantes amarillos. Se enmarca en un paisaje de la Isla de Francia, brumoso, con el cielo azul claro, paisaje que parece armonizar con el estado de nimo de la modelo[1] .
Madame Rivire, por Ingres
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Referencias
[1] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, ISBN 3-8228-4744-5 [2] P. F. R. Carrassat, Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 , pg. 192
La matanza de Quos
La matanza de Quos (Scne des massacres de Scio) Eugne Delacroix, 1824 leo sobre lienzo- Romanticismo 417 cm 354 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La matanza de Quos (en francs, Scne des massacres de Scio) es un cuadro de Eugne Delacroix, conservado en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Se trata de un leo sobre lienzo que mide 417 cm de alto por 354 cm de ancho. Data del ao 1824. Este cuadro representa un episodio de la guerra de independencia de los griegos contra los otomanos ocurrido ese mismo ao: la matanza de 20.000 habitantes de las islas griegas,[1] y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y los nios supervivientes.[2] Al parecer esta guerra de Grecia le pareca un tema con el que lograr su propsito artstico, como seala en una carta a un amigo de 1821: Para el prximo Saln deseo pintar un cuadro que tenga como asunto la nueva guerra entre turcos y griegos; de este modo, creo que las circunstancias me permitirn atraer la atencin del pblico.[1] Cuando Delacroix expuso el cuadro en el Saln de Pars, vio la obra de John Constable destinada al mismo (La carreta de heno), y su propio cuadro le pareci triste y sin luz, por lo que decidi modificarlo, introduciendo veladuras de irisacin y nuevos efectos gracias a pequeas pinceladas fuertes, muy cerca unas de otras.[1] Estas pinceladas borrosas fortalecen la impresin de desolacin que el cuadro transmite. El resultado es este cuadro prcticamente monocromo, con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal.[2] El cuadro se compone de tres pirmides humanas. De izquierda a derecha, se ven expresiones de miedo y desesperacin. Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan la derrota de los griegos.
La matanza de Quos A la izquierda hay una pareja moribunda. Puede verse la sangre que recorre el cuerpo del hombre. En primer plano, a la derecha, se encuentra la figura de una mujer vieja, que mira hacia afuera del lienzo con expresin de horror. Su presencia refuerza el patetismo de la escena.[2] Detrs de ella, a la derecha, se ve a un oficial turco llevndose a una mujer desnuda, lo que enfatiza la crueldad de la masacre.[2] Destaca en el lienzo la ausencia de un hroe. La masa de los habitantes son los protagonistas, los que resultan heroicos, sufriendo todos ellos la guerra.
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Enlaces externos
Artculo sobre Scne des massacres de Scio
[3]
Referencias
[1] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, ISBN 3-8228-4744-5, pg. 432. [2] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007, ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 23. [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ activite/ detail_parcours. jsp?CURRENT_LLV_PARCOURS%3C%3Ecnt_id=10134198673389836& CURRENT_LLV_CHEMINEMENT%3C%3Ecnt_id=10134198673390005& CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673390005& FOLDER%3C%3Efolder_id=2534374302023690& bmLocale=fr_FR
Monsieur Bertin
Monsieur Bertin Dominique Ingres, 1832 leo sobre lienzo- Romanticismo 116 cm 96 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este retrato de Monsieur Bertin es un cuadro de Dominique Ingres. Adems de las obras orientalistas por la que es conocido principalmente Ingres, cultiv el retrato, como en este leo que mide 116 centmetros de alto y 96 de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de Pars, en Francia.
Monsieur Bertin
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Historia
Louis-Franois Bertin era el director del Journal des Dbats, un rico empresario editorial en la poca de Luis Felipe. Ingres realiza en este cuadro el arquetipo del retrato burgus que influir profundamente a los pintores acadmicos como Lon Bonnat, pero tambin a pintores modernos como Degas y Picasso. Es una de sus obras ms clebres. Encargado y adquirido por Bertin en 1832, fue legado a su hija Louise Bertin despus de su muerte. Ella a su vez se lo lega a su sobrina Marie Bertin esposa de Jules Bapst director del Journal des dbats. La ltima propietaria Ccile Bapst, su sobrina, vendi el retrato al Louvre en 1897.
Anlisis
El cuadro tiene un formato mediano, de 116 cm por 96 cm. Sobre un fondo marrn iluminado desde la derecha del cuadro, se destaca la silueta masiva de Bertin. Est retratado en tres cuartos sobre una silla cuyo brazo se ve. Ingres lo representa de manera poco habitual, que en la poca lleg a considerarse vulgar: con las manos, con los dedos abiertos, apoyadas en los muslos. No obstante, es esa postura decidida la que proporciona la clave de la personalidad del retratado, ms que el rostro en s. La gama cromtica es limitada: el negro de las vestiduras y el marrn oscuro del fondo. Viste una chaqueta y unos pantalones negros, con un chaleco marrn en satn sobre una camisa blanca cuyo cuello supera, y de un corbata del mismo color. Se percibe tambin un par de catalejos que sale del bolsillo derecho de los pantalones. De este entorno oscuro, destaca su rostro. Es un hombre envejecido, que tiene por entonces 66 aos, ya que naci en 1766. Tiene el cabello gris claro casi blanco. El rostro presenta una expresin dura y observa directamente al espectador. Puede verse, en la parte baja de la pared una decoracin con un motivo griego, y el reflejo de una ventana sobre el brazo de la silla. En lo alto a la derecha est escrito L.F. BERTIN. En la esquina superior izquierda aparece la firma y fecha del cuadro: J.INGRES PINXIT 1832 .
Referencia
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Hans Naef, Die Bildniszeichnungen von J.-A.-D. Ingres, Benteli Verlag Bern, 1979, tomo III, pg. 114-135.
La muerte de Sardanpalo
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La muerte de Sardanpalo (La Mort de Sardanapale) Eugne Delacroix, 1827 leo sobre lienzo- Romanticismo 392 cm 496 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La Muerte de Sardanpalo es un cuadro de gran tamao, obra de Eugne Delacroix. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, donde se exhibe con el ttulo de Mort de Sardanapale. Sobre el mismo tema, el museo alberga igualmente un pequeo cuadro (100 cm x 81 cm).
Tema
Sardanpalo es un rey legendario de Nnive en Asiria que habra vivido de 661a.C. al 631a.C. Sera una mitologizacin de Assurbanipal, un rey muy cultivado y poco belicoso. La otra posibilidad es que Sardanpalo fuera el hermano de Assurbanipal, siendo este ltimo el encargado de gobernar Babilonia. Sardanpalo posteriormente conspir contra Assurbanipal y, para castigarle, este rey sita la ciudad (650a.C.-648a.C.). Cuando Sardanpalo intuye la derrota inminente, decide suicidarse con todas sus mujeres y sus caballos e incendiar su palacio y la ciudad, para evitar que el enemigo se apropiase de sus bienes. La escena representada por Delacroix muestra el episodio dramtico de la muerte del soberano, cuya capital es asediada sin alguna esperanza de libertad y que decide suicidarse. Delacroix sinti la necesidad de realizar algunas declaraciones cuando el lienzo fue expuesto por primera vez, y lo hizo en los siguientes trminos: Los rebeldes asediaron su palacio... Acostado en una magnfica cama, en la cima de una inmensa hoguera, Sardanpalo da la orden a sus eunucos y a los oficiales de palacio de degollar sus mujeres, sus pajes, hasta sus caballos y sus perros favoritos; ninguno de los objetos que haban servido a sus placeres deban sobrevivir. El poeta ingls Lord Byron, uno de los emblemas del romanticismo, haba publicado en Inglaterra en 1821 un drama - Sardanapalus - traducido en Francia en 1822. Ciertos historiadores piensan que Delacroix habra extrado su inspiracin de l. El poema narra el trgico fin de este legendario rey de Asiria, que, vio escapar su poder a consecuencia de una conspiracin, eligi, al rendirse contar que su derrota fue ineluctable, arrojarse en
La muerte de Sardanpalo compaa de su favorita, Myrrha, una esclava, a las llamas de una gigantesca hoguera. Delacroix parece haber retomado la trama general del drama de Byron - Myrrha sera la mujer sobre la cama a los pies del monarca -, pero parece, en cambio, que el holocausto de las mujeres, de los caballos y del tesoro, lo extrajo de otro autor, Diodoro de Sicilia, que narra una escena anloga en su Biblioteca histrica: Para no caer preso del enemigo, hizo instalar en su palacio una gigantesca hoguera en la cul puso su oro, su plata y todas sus posesiones de monarca; se encerr con sus mujeres y sus eunucos en un espacio habilitado en medio de la hoguera, dejndose as quemar con su gente y su palacio.
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Anlisis
No es esta Muerte de Sardanpalo un lienzo perfilado. La pintura yuxtapuesta de los rayos de color que representan una forma nicamente cuando retrocedemos. El color domina, la luminosidad es brillante. Delacroix utiliza preferentemente colores clidos, en particular pigmentos castaos y rojos; de ellos surgen, poco a poco, colores ms claros como el blanco de las telas, de la tnica o de la piel del caballo, y los amarillos y anaranjados de los cuerpos de las mujeres. Sobre un
[1]
gran
lecho
est
dispuesto
Sardanpalo,
impasible. A su alrededor, se arremolinan personas, animales y objetos, en una composicin abigarrada en torno a distintos ejes que se entrecruzan.[1] Era su primera composicin en diagonal. La luz marca una diagonal que va desde el monarca asirio, arriba en lo alto, Estudio de Desnudo femenino hasta el hombre que est dando muerte a una mujer, abajo visto desde atrs, Pastel, sanguina a la derecha, que pasa por la figura de una joven muerta y y tiza sobre papel, 40X27 cm un hombre agonizante, ambos cuerpos blancos sobre el lecho de intenso color rojo. A los pies del lecho y delante de la figura de la mujer que va a ser asesinada, aparece una esclava circasiana, cuya piel es ms oscura que el resto de los personajes.[1]
163 Este cuadro supuso el triunfo definitivo de la escuela romntica en pintura. Ms all de la historia, este cuadro aparece como un manifiesto de la rivalidad entre la pintura romntica representada por Delacroix - y el clasicismo o el neoclasicismo- representado por Ingres ya que Delacroix pone delante de su obra esta relajacin de las convenciones formales, que rechazan las clsicas: estas no son ms que las formas y los sujetos que el artista pone en valor, adems de la intensidad de los colores, de los contrastes y de la luz (La pugna del dibujo y del color entre Ingres y Delacroix).
Estudio para la muerte de Sardanpalo, Pastel con trazos de lpiz, sanguna, lpiz negro y tiza sobre papel, 44X58cm
La obra fue expuesta en el Saln de 1827, saln donde Ingres expuso La apoteosis de Homero. Fue peor recibida que otra obra anterior de Delacroix, La matanza de Quos (1824) expuesta dos aos antes, que haba sido un escndalo y promovi a Delacroix al rango de jefe de filas de la escuela romntica de pintura. El escndalo obedeca a que la perspectiva era muy poco convencional, la pincelada pareca demasiado libre y las figuras presentaban una anatoma distorsionada.[1] La Muerte de Sardanpalo es ciertamente el lienzo ms romntico de Delacroix. Sobre el mismo tema, Hector Berlioz escribi una cantata que le vali su primer xito oficial.
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pp. 26-27
Maneyre-Dagen, N., Leer la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-598-5.
Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre La muerte de Sardanpalo. Ficha sobre el cuadro Mort de Sardanapale (http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=22747) en la pgina web del Museo del Louvre
Muerte de la Virgen (Caravaggio)
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Muerte de la Virgen ( Morte della Vergine) Caravaggio, 1606 leo sobre lienzo- Barroco 369 cm 245 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
La Muerte de la Virgen (en italiano, Morte Della Vergine) es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Est realizado al leo sobre lienzo, en el ao 1606 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, con el ttulo de La Mort de la Vierge.
Historia
Es una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nio y Santa Ana (Dei Palafrenieri), actualmente en la Galera Borghese. Le fue encargada por Laerzio Cherubini, un abogado papal, para su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el Trastevere, Roma, en 1601. Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606. La representacin de la Virgen Mara caus cierto escndalo, y fue rechazada como inadecuada para la parroquia, que en su lugar puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni. Por consiguiente, y por recomendacin de Pedro Pablo Rubens, que la ensalz como una de las mejores obras de Caravaggio, el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, por trescientos ducados. Antes de abandonar Roma, esta obra fue expuesta en la Accademia di San Luca durante dos semanas, sin embargo, por entonces, Caravaggio haba abandonado Roma, para no volver nunca pblicamente. Durante una de sus frecuentes peleas en Roma, el impulsivo Caravaggio mat a un hombre, Ranuccio Tomassoni, durante una lucha a espada despus de un juego de tenis. Despus de pertenecer a los Gonzaga, fue adquirida por Carlos I de Inglaterra y, tras la venta de su almoneda, pas al banquero Everhard Jabach y, mediante adquisicin en 1671, al rey Luis XIV de Francia.
Anlisis del cuadro

Es un lienzo de gran tamao representando la muerte de la Virgen Mara. Era un tema debatido y no resuelto por la doctrina catlica. Este cuadro se realiz en un tiempo en que el dogma de la Asuncin de Mara no se haba enunciado formalmente ex ctedra por el papa. Aunque su asuncin en cuerpo y alma sea un dogma, no hay evidencia documental en relacin con la muerte de la Virgen. Cmo muri no es un dogma. Algunos imaginaron una dormicin post-mortem como un momento en el que Dios resucit su cuerpo no ptrido y lo llev al cielo. Otros sealaron que no sinti dolor ni enfermedad, ni miedo por la muerte, pues muri sin pecado, y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la muerte. La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamao, sobriedad y el naturalismo fotogrfico. Su naturalismo es tpico de la Contrarreforma.
Muerte de la Virgen (Caravaggio) Las figuras casi tienen tamao real. El centro de atencin del cuadro es la figura de la Virgen Mara, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos msticos, evidencindose su santidad slo en el halo. Por otro lado, la Mara de Caravaggio s est muerta; sus pies, hinchados. No hay una nube de querubines llevndola al cielo como hizo una dcada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi. No representa una asuncin sino su muerte, con la mano apuntando al suelo. Si sinti dolor o no es algo que no se sabe, pero queda claro que es vctima de una enfermedad. Sus contemporneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta. Alrededor de la Virgen se encuentran Mara Magdalena y los Apstoles. En primer plano, Mara Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apstoles, a su alrededor, tambin se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. Caravaggio, maestro de los lienzos oscuros y tenebristas, no est interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones. De alguna forma este es un dolor silencioso, no una llamada a los plaideros. Los gemidos discurren en un silencio emocional sin rostro. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quiz sea Juan el Evangelista. La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros, con los nicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran teln rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fnebre. Es prcticamente el nico elemento de una escenografa pobre. Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motiv su rechazo. Para comprender el cuadro debemos tener presente que Caravaggio estaba prximo a las posiciones paupersticas de muchos movimientos religiosos contemporneos, como los Oratorianos, sus variantes iconogrficas vinieron realizadas teniendo presente las exigencias devocionales de estos movimientos: la Virgen es retratada como una joven, porque representa alegricamente la Iglesia inmortal, mientras que el vientre hinchado, simboliza la gracia divina de la que est "grvida". Algunos consideran inadecuado este ltimo particular, nace la leyenda de que el artista se inspir en una prostituta ahogada en el ro Tber. Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se representan segn modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la prdida de un ser querido. En este sentido, se acerca al tratamiento que pintores de la Reforma como Rembrandt dieron a los temas religiosos.
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Referencias
Este artculo es traduccin de las wikipedias inglesa e italiana. La primera seala como fuente: Hubbard, Howard (1983). Caravaggio. Harper and Rowe. La muerte de la Virgen [2] (Museo del Louvre, en francs) Monreal, L., Grandes Museos, vol. 2, Editorial Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (coleccin completa)
Referencias
[1] http:/ / gallery. euroweb. hu/ html/ c/ carracci/ annibale/ 2/ assumpt. html|(imagen) [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225132& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225132& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& fromDept=false& baseIndex=15& bmUID=1171136823668
Mujeres de Argel
Mujeres de Argel (Femmes dAlger dans leur appartement) Eugne Delacroix, 1834 leo sobre lienzo- Romanticismo 180 229 Museo del Louvre, Pars, Francia
Mujeres de Argel (en su apartamento) (en francs, Femmes dAlger dans leur appartement) es un cuadro del pintor francs Eugne Delacroix. Est realizado al leo sobre lienzo. Mide 180 cm de alto y 229 cm de ancho. Fue pintado en 1834. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars, Francia.
Historia
Delacroix viaj a Argel en 1832, dentro de una misin diplomtica francesa. Durante este viaje no dej de dibujar y pintar acuarelas de todo aquel mundo que le resultaba extico. Una de las experiencias ms inusuales de Delacroix durante este viaje fue poder entrar en un harn, de la que disfrut y que le llev a exclamar Qu belleza! Como en poca de Homero[1] . Habra sido de los primeros occidentales en ver el interior de uno de ellos. Hizo un boceto a la acuarela con sus impresiones de este harn, apuntando a lpiz los
Mujeres de Argel colores[1] . Dos aos despus (1834) debi recomponer la escena en su imaginacin, una vez que regres a su taller de Pars.
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Anlisis del cuadro

Este cuadro es, a un tiempo, orientalista y romntico. Parte del rostro de la mujer de la izquierda queda inmerso en la sombra. El pintor us esta tcnica en muchas figuras para lograr un aire de misterio y aislamiento. A su lado estn sentadas otras dos mujeres mientras que otra figura femenina, una criada negra, est en pie; su presencia, de espaldas y girando, parece hacer entrar al espectador en el cuadro. Destaca en el cuadro la forma en que la luz est representada. Es una luz lgica, pues viene de una ventana, sin representar una luz idealizada sino como era en realidad. Delacroix qued entusiasmado por la luz del norte de frica, y pretendi plasmarla en sus obras.[2] Igualmente fue famoso por sus connotaciones sexuales. Representa a las concubinas argelinas de un harn. Tambin muestra opio, que a menudo acompaa cuadros de prostitutas. En el siglo XIX, la pintura era conocida por su contenido sexual y su orientalismo. No obstante, para el pintor, este universo femenino encarnaba lo verdadero y lo bello, redescubriendo la Antigedad[1] . Estas mujeres simbolizaran el ideal de belleza femenina para Delacroix, combinacin de la suntuosidad oriental con los rasgos griegos propios de un Fidias.[1] Las carnaciones estn tratadas con tonos bronceados, lo que refuerza el exotismo de la pintura.[2] En cuanto a la tcnica, us pequeos toques de color, independientes, lo cual explica que sea considerado precedente del impresionismo. Destac sobre todo el tratamiento cromtico que le dio a las ropas: Estudio para las Mujeres de Argel, 1832, Acuarela pantalones verdes con motivos amarillos, con retoques de lpiz, 10,7x13,8 cm enaguas verdes y azules, un chal amarillo con rayas rojas, una falda rosa y negra.[2] De hecho, este cuadro sirvi de fuente de inspiracin a autores impresionistas posteriores,[3] desde Auguste Renoir hasta Henri Matisse, sobre todo por su intenso colorido, logrado al aclarar el tono general, mediante colores puros.[1] Inspir varios cuadros de Picasso con este mismo nombre, Femmes d'Alger. La versin de 1955, pintada para su esposa, Jacqueline Roque, fue vendida en mayo de 2005 por 18,6 millones de dlares. Da, igualmente, nombre a una recopilacin de relatos de Assia Djebar.
Mujeres de Argel
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Referencias
Monreal, L., Grandes Museos, vol. 2, Editorial Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (coleccin completa)
[1] Brbara Eschenburg e Ingeborg Gssow, El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 433, ISBN 3-8228-4744-5 [2] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pp. 38-39 [3] "Women of Algiers" by Eugne Delacroix [Selected Works] (http:/ / www. humanitiesweb. org/ human. php?s=g& p=c& a=p& ID=96)
Enlaces externos
Artculo sobre Femmes d'Alger dans leur appartement (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT<>cnt_id=10134198673238913& CURRENT_LLV_NOTICE<>cnt_id=10134198673238913& FOLDER<>folder_id=9852723696500815& fromDept=false& baseIndex=9& bmLocale=en) en la pgina web del Museo del Louvre (en francs)
Naturaleza muerta (Heda, Pars)
Naturaleza muerta Willem Heda, 1637 Lienzo- Barroco 44 56 Museo del Louvre, Pars, Francia
Naturaleza muerta es uno de los cuadros ms conocidos del pintor neerlands Willem Heda. Se trata de un lienzo que mide 44 cm de alto y 56 cm de ancho. Fue pintado en 1637 y se encuentra en el Museo del Louvre, de Pars, Francia, con el ttulo Fin de collation, dit aussi Un dessert (Fin del postre, llamado tambin Un postre). Este cuadro es tpico del autor: una naturaleza muerta en la que quedan objetos diversos sobre la mesa. Usa poca variedad de tonos, hasta el punto de ser un "banquete monocromo".
Naturaleza muerta (Heda, Pars)
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Referencias
Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Artculo en la pgina web del Louvre [1]
Referencias
[1] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=rs_display_res& langue=fr& critere=Willem+ Heda& operator=AND& nbToDisplay=5& x=14& y=5
El nio de la peonza
El nio de la peona (L'enfant au toton) Jean Simon Chardin, 1738 leo sobre lienzo- Rococ 67 cm 76 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El nio de la peonza (en francs, L'enfant au toton) es un cuadro del pintor francs Jean Simon Chardin. Est realizado en leo sobre lienzo. Mide 67 cm de alto y 76 cm de ancho. Fue pintado en 1738, encontrndose actualmente en el Museo del Louvre, de Pars (Francia), que lo adquiri en 1907. Es un retrato de Auguste-Gabriel, hijo menor del joyero Charles Godefroy. Se representa en el cuadro a un nio absorto en la contemplacin del giro de una peonza. El juguete gira sobre la mesa en la que se apoya el nio. En esta mesa, en un segundo plano, pueden distinguirse libros, una pluma y un tintero. Se trata, ante todo, de una imagen que est fuera del tiempo, la de un nio absorto en su mundo de juegos, ajeno a todo lo que le rodea. El siglo XVIII se caracteriz por el descubrimiento y valoracin del mundo infantil, al que se concedi gran inters, como puede verse en las obras de Jean-Jacques Rousseau. El cuadro consigue reflejar sosiego y la felicidad infantil[1] .
El nio de la peonza
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Referencias
Ficha sobre este cuadro
[2]
Oficial de cazadores a la carga
Oficial de cazadores a la carga (Officier de chasseurs cheval de la garde impriale chargeant) Thodore Gricault, Hacia 1812 leo sobre lienzo- Romanticismo 349 cm 266 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Oficial de cazadores a caballo de la guardia imperial, a la carga (1812), es un cuadro del pintor romntico francs Thodore Gricault. Se trata de un leo sobre lienzo. Esta pintura, que revela el inters del autor por un asunto contemporneo, se le ocurri a Gricault cuando, estando en una fiesta popular en Saint-Cloud, el ruido hizo que de repente se encabritase un caballo. Inmediatamente hizo toda una serie de bocetos con este motivo. Gricault se dio a conocer con el tema de los caballos y de los asuntos militares, como esta pintura, gracias a la cual consigui la medalla de oro en el Saln de Pars de 1812. Es considerada su primera gran obra. Revela su inters en la representacin de un asunto contemporneo. Representa a un oficial de la caballera de Napolen sobre un caballo, preparado para atacar. El ruido de los caones encabrita al fogoso caballo. De esta manera el oficial, que ya ha desenvainado su cimitarra, queda por encima del polvo de la batalla. La pintura es representativa del romanticismo francs y tiene un motivo similar a la obra de Jacques Louis David Napolen cruzando los Alpes, pero hay una serie de caractersticas en esta pintura que la alejan del clasicismo: su disposicin diagonal dramtica y vigoroso manejo de la pintura, con pinceladas bruscas. Esta disposicin del caballo encabritado y elevado en diagonal evidencia las influencias de la pintura barroca, en concreto del estilo de Rubens. No en vano, Gricault estudi obras de este pintor flamenco, as como la Batalla de Constantinopla, de la escuela de Rafael.
Oficial de cazadores a la carga Este apartamiento formal del pintor del imperio, David, evidencia un cambio en el ambiente francs, en el ao en que la grandeza y los sueos del emperador estaba chocando con problemas en la campaa de Rusia y en Espaa. El oficial es fogoso, pero el caballo parece asustarse ante un atacante invisible, representando as las dudas de su tiempo, las ruinas del imperio, la conciencia de la muerte.
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Referencias
Chu, Petra ten-Doesschate. Nineteenth Century European Art. Prentice Hall: Upper Saddle River, NJ: 2006. Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Eschenburg, B., y Gssow, I., El Romanticismo y el Realismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 425, ISBN 3-8228-4744-5
Peregrinacin a la isla de Citera
Peregrinacin a la isla de Citera (Plerinage l'le de Cythre) Antoine Watteau, 1717 leo sobre tela- Rococ 129 cm 194 cm Museo del Louvre
Peregrinacin a la isla de Citera (en francs, Plerinage l'le de Cythre), es el ms clebre de los cuadros del pintor francs Jean-Antoine Watteau, considerado su obra maestra. Est realizado en leo sobre tela. Mide 129 cm de alto y 194 cm de ancho.
Peregrinacin a la isla de Citera
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Historia
Fue pintado en el ao 1717, obra que don a la Academia que le haba nombrado agregado en 1712. Fue su ejercicio de ingreso en la Academia Real de Pintura y Escultura, tardando cinco aos en acabarla debido al elevado nmero de encargos privados derivados de su creciente reputacin como artista. El tema fue tan sorprendente y nuevo que se invent el gnero fiesta galante (fte galante) expresamente para describirlo: escenas cortesanas en un paisaje rural idlico. La obra marca un hito importante en la historia del arte del siglo XVIII. Tuvo tal xito que en 1718, Watteau hizo l mismo una rplica algo diferente, a peticin de su amigo Jean de Julienne; se titula Embarque para la isla de Citera (Embarquement pour Cythre), expuesto actualmente en el castillo de Charlottenburg, en Berln, formando parte de la coleccin de Federico II. La obra permaneci en las colecciones de la Academia hasta que se tralad al Musum Central des Arts de la Rpublique en 1793, lo que pasara a ser ms tarde el Museo del Louvre de Pars (Francia), donde se encuentra actualmente.
Anlisis
Es un cuadro del gnero de ilustracin de las fiestas galantes. Esta obra se ha relacionado con un grabado de Tardieu.[1] Representa una idea propia de la poesa francesa: un viaje a una isla de bienaventurados en la que reside el amor. Desde la Antigedad, la isla de Citera tena un templo dedicado a Afrodita, diosa del amor. La isla representaba as el smbolo de los placeres amorosos. Ahora bien, no se sabe si son parejas que emprenden el viaje hacia la isla o regresan de ella. Los historiadores del arte han llegado a una amplia variedad de interpretaciones de la alegora del viaje a la isla del amor. La composicin se lee de derecha a izquierda,[1] desde la escultura de la derecha hacia la popa del barco, a travs de la diagonal formada por varias parejas en distintas actitudes amorosas que ocupan el primer plano y se dirigen hacia una barca sobre la que dos pilotos se preparan para marchar. Watteau estableci un cierto equilibrio dentro del cuadro, distribuyendo adecuadamente sus Embarque para la isla de Citera, versin de Charlottenburg, leo distintos elementos. Por un lado sobre lienzo, 129 x 194 cm. pudo compensar el desequilibrio creado por las lneas verticales de los rboles y el eje de la estatua. Es admirable la rtmica estructua de la pintura, con un sutil sentido de continuidad entre los grupos de figuras. Watteau pint con pinceladas rpidas y vibrantes, sin precisin en las lneas. Los colores son bellos, predominando los clidos dorados y rosas, que estn acompaados del verde o el azul. Mediante contrastes y gradaciones de luz representa los rayos del sol que sealan el final del da. Esa claridad descendente le aade misterio al cuadro, pues confunde en
Peregrinacin a la isla de Citera cuanto a que no se sabe si han emprendido ya la peregrinacin o no. No se puede determinar si las personas acaban de llegar a la isla o si, por el contrario, se preparan para abandonarla, a su pesar. An est sin responder la pregunta de si los amantes van a marchar a Citera o si regresan ahora de la isla del amor. El paisaje es ideal, con grandes rboles que dominan todo el segundo plano. El lado izquierdo est dominado por el azul del mar y del cielo y el rosado de las montaas lejanas. Este misterioso paisaje neblinoso en la distancia recuerda los los paisajes de Rubens y Leonardo da Vinci. Las figuras son pequeas, pero estn minuciosamente tratadas, prestando especial atencin a los efectos de luz sobre los ropajes que visten. Hay en ellos elementos alusivos a una peregrinacin: sombreros, cayados y capas de peregrinos[2] .
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Simbolismo
Hay en la obra numerosos smbolos mitolgicos, como la estatua de piedra que representa a Venus, diosa del amor, o la popa de la barca, en forma de concha. Hay otras citas mitolgicas, como los amorcillos suspendidos en el aire y est el sileno, compaero de Baco[2] . Se alude de manera simblica al erotismo o amor carnal. As, la barquilla tiene forma de cama, las parejas enlazadas evocan el amor que se interpreta como un viaje de los personajes a la isla de Citera, un peregrinaje hacia la isla de los placeres y del amor. El escultor Rodin consideraba que Wattau haba representado una escena de teatro que encuadraba tres acciones sucesivas entra las parejas: proposicin y splicas del hombre a la mujer que duda lo que la hace parecer indiferente; aceptacin de la amante convencida, y abandono de la pareja. En cierto sentido este se debe a la actitud ambigua de las parejas de la derecha, que representan pasos o momentos opuestos del cortejo: la vulgaridad, el retraso, la indecisin y el amor. Las tres parejas del primer plano representaran las etapas de la seduccin enamorada. De derecha a izquierda: el cumplido galante. Un joven, como un Cupido, tira del vestido de la joven, como para alentarla[1] sobre la seduccin que comienza entre ella y el galn con el que mantiene una conversacin la invitacin a la danza. El galn, de pie, toma a la joven mujer por las manos, y la invita a levantarse. el enlace. Es una tercera pareja que se dirige hacia el barco. La joven mira hacia atrs con nostalgia, como lamentando dejar la isla donde ha pasado horas felices; aunque puede que lamente en realidad la indiferencia de su anterior enamorado. La pareja est acompaada por un perrito, que ha sido interpretado como smbolo de erotismo o de fidelidad. En la distancia, una serie de figuras suben a un soberbio barco con querubines sobrevolndolo. El cierto misterio que envuelve el cuadro provoca ms de una interpretacin, lo que le otorga cierto distanciamiento respecto a lo que parece apreciarse a simple vista. Ahora bien, el cuadro no se presta al anlisis intelectual, ya que la voluntad de Watteau era lograr una representacin potica. No hay en l protesta social, comparando a aristcratas y gente del pueblo, sino una representacin del universo del teatro, inspirado en la comedia del
Peregrinacin a la isla de Citera arte. Una interpretacin del tema es que el acto de dejar la isla de Citera representa el abandono de los placeres de la seduccin para dar paso a los del amor fsico. Se pasa entonces del sueo a la realidad.
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Referencias
Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7 Artculo sobre esta obra [3] en la pgina web del Museo del Louvre
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 90-91 [2] Eva-Gesine Baur, El rococ y el neoclasicismo en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 349, ISBN 3-8228-4744-5 [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225149& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225149& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500815& fromDept=false& baseIndex=16& bmUID=1186090337392
El pie varo
El pie varo Jos de Ribera, 1642 leo sobre lienzo- Barroco 164 cm 92 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El pie varo o El lisiado o El zambo es una de las pinturas ms conocidas del pintor espaol Jos de Ribera. Est realizado en leo sobre tela, y fue pintado en el 1642. Mide 164 cm de alto y 92-94 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars. Es un ejemplo del crtico realismo de la escuela espaola del Siglo de Oro. Este lienzo se encuentra en el Museo de Louvre en Pars. Antes de ingresar en las colecciones del Louvre se le llam El enano, pues el personaje representado lo parece.
El pie varo
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Historia
Fue pintado en Npoles. Se ha credo durante mucho tiempo que fue pintado para el virrey espaol de Npoles, el duque de Medina de las Torres. No obstante, en la pgina web del Louvre se seala que debi ser un encargo de un comerciante flamenco. Los pintores flamencos haban acostumbrado a sus compatriotas a representaciones de mendigos, y por ello los comerciantes flamencos encargaban este tipo de cuadros a pintores espaoles, como hicieron por ejemplo con Murillo.
Anlisis del cuadro

Este lienzo muestra el realismo estricto con el que Jos de Ribera pintaba. El cuadro est firmado y datado en el ngulo inferior derecho, sobre el suelo: "Juseppe de Ribera espaol F. 1642". La estructura compositiva es simple: un mendigo de cuerpo entero sobre un fondo paisajstico. El cuadro representa al joven mendigo con aspecto humilde. Tiene un pie deforme, varo, de manera que no puede sostenerse sobre el taln. El patizambo sonre directamente al espectador, vindose que le faltan algunos dientes. Muestra en una mano un papel que dice en latn: "DA MIHI ELIMO/SINAM PROPTER AMOREM DEI", lo que significa "Dme una limosna, por amor de Dios". Este papel era la autorizacin necesaria en el reino de Npoles para ser un pordiosero. Con ese mismo brazo sujeta al hombro su muleta. El mendigo se mantiene en pie frente a un cielo claro y luminoso, llenando el lienzo con una luz casi natural. En ello se ve que es una obra del perodo de madurez de Ribera, pues evolucion desde un tenebrismo caravaggesco a un estilo luminoso bajo la influencia de los maestros de Bolonia (Annibale Carracci, Guido Reni) y Venecia (Ticiano). No obstante, prevalece un sentimiento tpicamente hispnico, recordando a cuadros de Velzquez y de Zurbarn. La figura en su conjunto se representa de forma casi monumental, desde un punto de vista muy bajo, propio de los teatros reales, lo que dota a la figura del mendigo de gran dignidad. Los tonos son monocromos. Frente al luminoso azul del cielo, el mendigo se ha pintado con colores apagados y oscuros. Ribera debi usar, como haca Caravaggio, un modelo real, extrado del nivel social ms bajo. Este lienzo es fiel testimonio de una crtica a la cultura cientfica y a la miseria humana. Representaba a figuras humildes como hizo Caravaggio antes que l, del mismo modo que lo hizo su contemporneo Velzquez, que represent en sus cuadros lisiados y enanos.
Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre El pie varo.Commons Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) Artculo en la pgina web del Louvre [1]
Pirmide del Museo del Louvre
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Pirmide del Museo del Louvre

La Pirmide del Museo del Louvre es una obra situada en el patio del Museo del Louvre, en Pars, que da acceso al edificio. Fue diseada por el arquitecto Ieoh Ming Pei. De estilo internacional, esta pirmide de vidrio y aluminio fue inaugurada en el ao 1989 por el entonces presidente francs, Franois Mitterrand. Tiene una altura de 21,6 m y un total de 673 paneles de vidrio La pirmide rodeada por el Louvre. laminado transparente, divididos en 603 rombos y 70 tringulos.[1] El peso total de la estructura es de 180 toneladas. La inclinacin de sus paredes, al igual que ocurre con las pirmides egipcias, es de 51. Su centro de gravedad coincide con el de los tres pabellones del museo, Richelieu al norte, Denon al sur y Sully al este. sta pirmide es la principal y ms grande de las pirmides de cristal del museo, que incluye, a nivel subterrneo, otra pirmide pero invertida. Antes de construirse la pirmide, la entrada al Louvre tena unas largas colas. Con su construccin, adems de solucionarse el problema, se aumenta el espacio de exposicin del museo. Desde su construccin, la pirmide ha estado sujeta a polmicas, debido al contraste de estilos entre la modernidad del vidrio y el clasicismo del museo, si bien ha servido de inspiracin para las ampliaciones de muchos otros museos.
Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pirmide del Museo del Louvre. La Pirmide del Museo del Louvre en Great Biuldings Online [2] (en ingls) Fotos de la pirmide [3] (en ingls) Fotos de la pirmide [4] (en ingls)
Referencias
[1] Le Louvre (http:/ / www. todoarquitectura. com/ revista/ 40/ sp05_Louvre. asp) (en espaol). Todo Arquitectura. Consultado el 23 de mayode 2008. [2] http:/ / www. greatbuildings. com/ buildings/ Pyramide_du_Louvre. html [3] http:/ / davinci-code. info/ louvre-pyramid-1 [4] http:/ / www. city-photos. digitalphoto. pl/ Paris/ photos/ Louvre_in_Paris/
Psique reanimada por el beso del amor
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Psique reanimada por el beso del amor, tambin llamada El amor de Psique o El beso, es una escultura de mrmol de estilo neoclsico que representa a Cupido y Psique.
Historia
La escultura fue elaborada, en 1787 pero no fue terminada hasta 1793, por el considerado mejor escultor neoclsico, Antonio Canova (Possagno, Italia, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822), por encargo del coronel ingls John Campbell (Lord Lawdor), en 1787 aunque acab siendo adquirida por el marchante y coleccionista holands Henry Hoppe en 1800 y despus acab en manos del rey de Npoles y cuado de Napolen, Joaqun Murat, que la adquiri para mostrarla en su castillo. Es una de las seis versiones de la leyenda de Cupido y Psique, inmortalizada por Apuleyo en su Metamorfosis, (El Asno de Oro) que cre Antonio Canova. Actualmente la pieza se exhibe en el Museo del Louvre de Pars, Francia.
Psique reanimada por el beso del amor, obra de Antonio Canova, expuesta en el Museo del Louvre, Pars.
Caractersticas
Primer plano.
Estilo neoclsico Altura: 1,55 m. Largo: 1,68 m. Ancho:1,01 m. Material: mrmol. Tecnica: esculpido.
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Vase tambin
Antonio Canova Neoclasicismo Cupido y Psique Museo del Louvre
Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Psique reanimada por el beso del amor.
Puente de Narni
El puente de Narni (Le pont de Narni) Camille Corot, 1826 leo sobre papel montado en lienzo- Realismo 34 cm 48 cm Museo del Louvre
El puente de Narni (en francs, Le pont de Narni), es uno de los ms conocidos paisajes del pintor francs Camille Corot. Fue pintado en 1826. Mide 34 cm de alto y 48 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars, por donacin de tienne Moreau-Nlaton (1906). Es una de las primeras obras de Corot. Pertenece a su primera estancia en Roma (1825-1828), durante la cual pint del natural una serie de esbozos al leo, vistas de antiguos monumentos romanos y paisajes de los alrededores de Roma, como este del puente de Narni. Es uno de los primeros pintores que pint en plena naturaleza, algo que luego hicieron los impresionistas. Se caracteriza por la libertad en el toque pictrico y en la perspectiva asumida. El pintor capta la luz con inusual espontaneidad. Esta plida luminosidad es realista. La aparicin de un puente romano en el fondo de la pintura es una alusin a la Antigedad.
Puente de Narni En el Saln de 1827, Corot expuso un cuadro que describa el mismo paisaje, y que se encuentra en la Galera Nacional de Canad (Ottawa), que se inscribe en la tradicin noble del paisaje neoclsico. Es una pintura directa, sin dejos literarios, muy anterior a sus poticos paisajes plateados, que enriquecen luminosas esfumaduras M. Olivar
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Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre El puente de Narni .Commons Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pp. 182-183 Artculo en la pgina web oficial del Museo del Louvre [1]
Referencias
Pxide de Al-Mughira
El Pxide de Al-Muguira, tambin llamado "Bote de Almoguira", considerado una de las joyas del arte islmico, es una urna de marfil de elefante, que perteneci al prncipe al-Mughira, hijo del califa omeya de Al-ndalus, Abderramn III.
Historia
La urna fue hallada por los arquelogos en la antigua ciudad del califato de Crdoba, llamada Madinat al-Zahra, (la ciudad de Zahra), fundada por el califa Abderramn III (Abd al-Rahman III, al-Nasir), y que estaba situada a unos 5 km de Crdoba en direccin oeste. El pxide fue tallado posiblemente por el maestro Halaf, en el ao 968, y destaca por su increble detalle y finura en la ejecucin, contiene inscripciones cficas y dibujos de jinetes a caballo, un msico tocando un lad, palmeras, flores de loto, cetreros con sus halcones, dos leones etc.; se desconoce el uso concreto que se le dio a esta urna, aunque se cree que pudo contener perfumes, o joyas.
El Pxide del Prncipe Al-Mughira, expuesto en el Museo del Louvre, Pars.
Pxide de Al- Mughira Desde el ao 1898, la pieza se exhibe en el Museo del Louvre de Pars, Francia quien la adquiri de la antigua Coleccin Riano.
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Caractersticas
Material: marfil de elefante. Espesor de la pared: 1,8 cm. Inscripciones hechas con incisiones de 1,5 cm de profundidad. Se abre y se cierra mediante dos charnelas [1].
Vase tambin
Madinat al-Zahra Museo del Louvre Abderramn III califato de Crdoba Al-ndalus
Vista de los restos de la antigua ciudad omeya de Madinat al-Zahra.
Enlaces externos
www.louvre.fr [1] Instituto Cervantes, Al-ndalus
[2]
Referencias
[1] http:/ / buscon. rae. es/ draeI/ SrvltGUIBusUsual?TIPO_HTML=2& TIPO_BUS=3& LEMA=charnela/ [2] http:/ / www. cervantesvirtual. com/ historia/ monarquia/ alandalus. shtml/
Retrato de Ana de Clveris
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Retrato de Ana de Clveris
''Retrato de Ana de Clveris'' Hans Holbein el Joven, 1539 Pergamino encolado sobre tela- Renacimiento 65 cm 48 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El Retrato de Ana de Clveris es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Se trata de una pintura ejecutada con acuarela sobre un pergamino encolado sobre tela con unas dimensiones de 65 centmetros de alto y 48 de ancho. Fue ejecutada en el ao 1539. La persona retratada es la reina de Inglaterra Ana de Clveris, esposa del rey Enrique VIII. Es el retrato realizado con motivo del compromiso entre esta princesa que pas a ser la cuarta esposa del rey Enrique VIII. El rey la eligi al verla en este retrato. Es un retrato de tres cuartos, totalmente frontal. La reina viste ropas lujosas, en tonos dorados sobre terciopelo rojo, poniendo en evidencia de esa forma su alto rango. Cruza las manos en un signo de resignacin. El fondo es oscuro, lo que realza ms la calidad de las ropas. Es una composicin simtrica, equilibrada, con una modelo algo distante, ejemplo de la frialdad objetiva de sus reatratos.
Referencia
Retrato de Baltasar de Castiglione
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Retrato de Baltasar de Castiglione

Retrato de Baltasar de Castiglione (Ritratto di Baldassarre Castiglione) Rafael Sanzio, 1514-1515 leo sobre lienzo- Renacimiento 82 cm 67 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El Retrato de Baltasar de Castiglione (en italiano, Ritratto di Baldassarre Castiglione) es un cuadro del pintor italiano Rafael. Est realizado al leo sobre lienzo. Fue pintado hacia 1515, mide 82 cm de alto y 67 de ancho y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars, con el ttulo de Portrait de Baldassare Castiglione, crivain et diplomate (1478-1529).
Historia
La autora de este retrato ha sido puesta en duda. De acuerdo con una carta de 1516 de Pietro Bembo al cardenal Bibbiena, "El retrato de M. Baldassare Castiglione... [y el del Duque Guidobaldo di Montefeltro] pudieron ser obra de uno de los alumnos de Rafael". No obstante, la opinin generalizada es que s es obra de Rafael debido a la alta calidad y la magistral combinacin de elementos pictricos que distinguen la pintura, como el afecto inherente en el inteligente y calmado rostro de Castiglione. Las apagadas tonalidades de la ropa y el fondo, inusualmente ligero, indican la mano de un pintor experimentado y hbil, as como la mirada directa del sujeto, que establece un contacto inmediato e ntimo con el observador. De la casa de los Castiglioni en Mantua, el lienzo pas a los Pases Bajos y fue adquirido en 1630 en msterdam por Lucas van Uffel, marchante amigo de Van Dyck; se cuenta que Rembrandt acudi a la subasta e intent pujar, pero no dispona de dinero suficiente. Nueve aos ms tarde el cuadro fue adquirido por el Cardenal Mazarino y en 1661 entr en la coleccin de Luis XIV de Francia. Este retrato estuvo expuesto del 25 de marzo al 4 de junio de 2006 en el Museo de Capodimonte dentro de la exposicin Tiziano y el retrato de corte, de Rafael a Carraci. Posteriormente, ha formado parte de la exposicin Louvre Atlanta celebrada hasta enero de 2007, en el High Museum of Art de Atlanta, Georgia.
Anlisis del cuadro

Es un retrato de Baltasar de Castiglione, nacido en Mantua en 1478, fue una figura literaria activa en la corte de Urbino en los primeros aos del siglo XVI; tambin desempe el papel de embajador. En primer plano resaltan las manos entrelazadas, mientras que los brazos se abren, permitiendo as medir la amplitud del torso. En este retrato, Rafael capta el ideal de un hombre equilibrado, culto, dominador de sus pasiones, por medio de la entonacin recproca de los colores marcados: las tonalidades
Retrato de Baltasar de Castiglione oscuras y argnteas de la ropa, la blancura de la camisa. La ropa oscura es propia de la moda borgoona.
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Referencias
Este artculo es traduccin de las wikipedias inglesa e italiano, que no ofrecen fuente.
Enlaces externos
Retrato de Castiglione
[1]
en la pgina web del Museo del Louvre (en francs)
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225136& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225136& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& fromDept=false& baseIndex=18& bmUID=1171344331824
Retrato de Ferdinand Guillemardet
Retrato de Ferdinand Guillemardet Francisco de Goya, 1798 leo sobre lienzo- Neoclasicismo 185 cm 125 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El Retrato de Ferdinand Guillemardet (1798) es un leo sobre lienzo de Francisco de Goya conservado en el Museo del Louvre. La obra fue expuesta en julio de 1799 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, luego el propio embajador lo llev de regreso a Francia. Su hijo, amigo de Delacroix, lo don finalmente al Louvre.
Anlisis
Presenta al embajador de Francia en Espaa entre 1798 y 1800, que fue diputado de la Convencin y fue conocido por promulgar un edicto para transformar edificios de la Iglesia en centros de reunin civil. En el cuadro, Ferdinand Guillemardet (1765-1809), aparece sentado con el cuerpo de perfil y el rostro de frente, cara al espectador, con una inteligente mirada, y las piernas cruzadas en una actitud relajada.
Retrato de Ferdinand Guillemardet El retrato nos habla de un hombre enrgico y de un representante de la poderosa nacin vecina. Aunque la pose parece natural, en realidad est muy pensada para alejarse de las posturas algo ms envaradas con que Goya represent a otros de sus retratados. Fue uno de sus cuadros preferidos, segn afirmacin del propio pintor. Los colores de Francia (azul, rojo y blanco) destacan por sus vivos colores en la faja atada en su talle as como sobre la escarapela y las plumas de su sombrero bicorne colocado sobre la mesa detrs de l, en contraste con los suaves dorados de la mesa y la silla. El retratado personifica la pujanza de la Repblica Francesa. y segura de s misma. Ferdinand Guillemardet, retratado por Goya pleno de seguro, a imagen de la joven Repblica que representaba. En conclusin, usa el cromatismo con gran habilidad, a base de sutiles matices y reflejos en los negros azulados dominantes en el cuadro. No se conoce el motivo que llev a la realizacin de esta pintura. Es posible que Guillemardet fuera animado a ser retratado por el Pintor de Cmara del rey por los ministros Mariano Luis de Urquijo o Jovellanos, ferviente afrancesado.
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Referencias
BOZAL, Valeriano, Francisco Goya, vida y obra, Madrid, Tf, 2005, vol. 1 (Aficiones, 5-6), pgs. 127-128. ISBN 978-84-96209-39-8.
Enlaces externos
Ficha de la obra en el catlogo de la Universidad de Zaragoza.
[1]
Referencias
[1] http:/ / goya. unizar. es/ Infogoya/ Obra/ Catalogo_/ Pintura_/ 322p. html
Retrato de Isabel de Este
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''Retrato de Isabel de Este(Ritratto di Isabella d'Este) Leonardo da Vinci, 1500 Tiza negra, sanguina y pastel amarillo sobre papel- Renacimiento 63 cm 46 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este cartn para un Retrato de Isabel de Este (en italiano, Ritratto di Isabella d'Este) es uno de los dibujos ms conocidos del pintor italiano Leonardo da Vinci. Est realizado con tiza negra, sanguina y pastel amarillo sobre papel y mide 63 centmetros de alto y 46 cm de ancho. Se encuentra en el Cabinet des Dessins del Museo del Louvre, en Pars (Francia). Fue pintado en el ao 1500, en el breve paso de Leonardo por la corte de Mantua durante su huida de Miln. Estuvo en la coleccin Vallardi y lleg al Louvre en 1860. Este retrato no ha tenido una gran fortuna crtica porque derivaba de un modelo herldico, una medalla ejecutada por Gian Cristoforo Romano en el ao 1498. Se dice que la marquesa Isabel de Este no quiso posar, aunque existen varios documentos en que peda que Leonardo le hiciera un retrato, as como correspondencia de Cecilia Gallerani en la que expresaba a Isabel su opinin de que Leonardo era mejor retratista que Giovanni Bellini. A pesar de ello, se trata de un dibujo en el que se anticipan ciertos rasgos de la Gioconda, y en el que el modelo parece haber sido captado en el mismo momento de girar el la cabeza. A lo largo de las lneas que forman el cuerpo de los suntuosos ropajes, son visibles los diminutos agujeros destinados a dejar pasar a la tabla el finsimo polvo de carbn que habra constituido la traza de base de la pintura.
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Referencias
Enlaces externos
Museo del Louvre
[1]
Pgina web oficial
Retrato de Luis XIV
Luis XIV (Louis XIV, 1638-1715) Hyacinthe Rigaud, 1701 leo sobre lienzo- Clasicismo 279 cm 190 cm Museo del Louvre
El Retrato del rey Luis XIV o, simplemente, Luis XIV (en francs, Louis XIV), es la pintura ms conocida del pintor francs Hyacinthe Rigaud, y la imagen ms representativa del Gran Siglo francs. Est realizado en leo sobre lienzo. Fue pintado en 1701. Mide 279 cm de alto y 190 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars.
Historia
El rey Luis XIV era uno de los ms importantes monarcas de la poca; era hijo del rey Luis XIII y de la infanta espaola Ana de Austria, y se cas igualmente con una infanta espaola, Mara Teresa de Austria. Su nieto, Felipe, pas a ser rey de Espaa con el ttulo de Felipe V de Espaa. Luis XIV encarg este cuadro, en principio, como regalo para este nieto suyo, Felipe V. Sin embargo, gust tanto en la corte que nunca lo enviaron a Espaa. La pintura fue mostrada en el saln de 1704, despertando la admiracin del pblico de la poca. Pas a formar parte de la coleccin de Luis XIV. Permaneci en las colecciones reales hasta despus de la Revolucin cuando, en 1793 fue entregado al Museo Central de Artes de la Repblica, ms tarde conocido como el Museo del Louvre.
Retrato de Luis XIV
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Anlisis del cuadro

Es un cuadro de gran tamao, que crea un prototipo de representacin mayesttico. Es un retrato del rey Luis XIV, realizado cuando este rey tena 63 aos de edad. Representa la quinta esencia del poder absoluto: la nobleza del marco antiguo en el que se entrev una columna de mrmol, sobre un amplio basamento en el que se ve una figura femenina con instrumento musical, la exuberante cortina de organza carmes con ribetes dorados, y la solemnidad del Rey Sol luciendo sus ropas de coronacin bordadas con la real flor de lis, que se extienden por el suelo en pesados pliegues. Destaca la minuciosidad y detalle de las vestiduras reales, con el manto forrado de armio que repite el pliegue de la cortina, y el brocado de terciopelo azul, bordado con la flor de lis, que se imita en la tapicera del silln y del cojn, y en el mantel de la mesa. Aparecen detalles que informan sobre la moda de la poca, como son las zapatillas blancas con tacn alto y lazo rojos, medias blancas de tafetn y encajes en las muecas. El rey lleva una voluminosa peluca. Para resaltar la nobleza del personaje retratado, adopta un punto de vista muy bajo. El rey est representado en majestuosa apostura, con el cuerpo ligeramente vuelto hacia el espectador, en una postura de firmeza. Aparece con los atributos del poder: lleva a un lado la espada real, y en la mano contraria, se apoya en el cetro. La corona est detrs, sobre un cojn. Otros artistas del taller de Rigaud debieron trabajar en algunas partes del cuadro, pero la cara del rey, pintada sobre papel montado sobre el lienzo terminado, era obra del propio Rigaud, que produjo un retrato realista pero noble, en el que La boca est cerrada, irnica y decidida, los ojos tienen un brillo duro y oscuro, la fina nariz revela intransigencia. Este soberano no es bueno ni malo, sino que se encuentra ms all de todas las categoras morales Andreas Prater Rigaud muestra en este lienzo la suntuosidad palaciega, con sus materiales nobles como el mrmol, las telas preciosas, los metales nobles y las joyas.
Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Retrato de Luis XIV.Commons Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, p. 87 Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Prater, A., El Barroco. La pintura del siglo XVII en Italia, Francia, Inglaterra, Alemania y Espaa, en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5 Artculo en la pgina web oficial del Museo del Louvre [1]
Retrato de Luis XIV
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Referencias
Retrato de Nicolas Kratzer
''Retrato de Nicolas Kratzer'' Hans Holbein el Joven, 1528 leo sobre madera- Renacimiento 83 cm 67 cm Museo del Louvre
El Retrato de Nicolas Kratzer es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Se trata de un leo sobre madera con unas dimensiones de 83 centmetros de alto y 67 de ancho. Fue ejecutada en el ao 1528. La persona retratada es el astrnomo Nikolaus Kratzer, amigo de Toms Moro. Es un retrato de medio cuerpo, en el que el astrnomo aparece en escorzo. Viste ropas sobrias, oscuras, y se encuentra rodeado de instrumentos propios de su oficio, que son representados con detalle y realismo, como es tpico de la pintura flamenca, constituyendo prcticamente ellos solos un bodegn.
Referencia
Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta
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Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta (Ritratto di Sigismondo Pandolfo Malatesta) Piero della Francesca, h.1451 leo y temple sobre tabla- Renacimiento 44,5 cm 34,5 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta (en italiano, Ritratto di Sigismondo Pandolfo Malatesta), es un cuadro del pintor renacentista Italiano Piero della Francesca. Est realizado al temple y leo sobre tabla. Mide 44,5 cm de alto y 34,5 cm de ancho. Fue pintado hacia 1451, encontrndose actualmente en el Museo del Louvre, Francia, que lo adquiri en 1978. Representa al condottiero y seor de Rmini y Fano Segismundo Malatesta. El retrato representa al condottiero de perfil y, segn algunas fuentes, se bas en una medalla ejecutada en 1445 por Pisanello, o una de Matteo di Pasti[1] datada en 1450. La pintura en s misma fue ejecutada por Piero della Francesca durante su viaje a Rmini, en el cual pint tambin el fresco con Sigismondo Pandolfo arrodillndose y completamente de perfil, frente a san Segismundo en el Templo Malatestiano (Catedral) de la ciudad.[1] En el cuadro, el condottiero posa de perfil, lo cual es tpico en los reatros de este tipo de figuras eminentes, que estn en absoluta abstraccin; de ese modo repite la iconografa oficial en lnea con la de las medallas; no obstante, en la realizacin del cuadro queda clara una particular atencin a los detalles naturalistas: esto se advierte, especialmente, en la minuciosa descripcin del tejido de la ropa (posiblemente seda),[1] en el realismo del pelo del comitente y de la misma carnacin, que recibe unos matices muy propios de la pintura flamenca.[1] El rostro serio resalta contra el fondo oscuro. Tiene una nariz aguilea. El pelo est cortado en forma de casco, lo que se supone que era moda de la poca. La expresin es casi hiertica[1] Piero della Francesca pudo obtener semejante realismo gracias a su profundo conocimiento de la obra de los pintores flamencos, y en particular de la obra de Rogier van der Weyden.
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Enlaces externos
Pgina en el Museo del Louvre
[2]
(en francs)
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 71 [2] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225171& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225171& CURRENT_LLV_DEP%3C%3Efolder_id=1408474395181066& CURRENT_LLV_DIV%3C%3Efolder_id=2534374302023708& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& bmUID=1123771567430
Retrato de una princesa de la casa de Este
Retrato de una princesa de la casa de Este Pisanello, 1435-1449 Tmpera sobre tabla- Gtico 43 cm 30 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Este Retrato de una princesa de la casa de Este est pintado a la tmpera sobre madera, y est atribuido al pintor italiano de finales del gtico Pisanello. Probablemente se ejecut entre 1435 y 1449. Se atribuye a Pisanello por su estancia en Ferrara en esa poca, donde tambin acab un retrato y una medalla conmemorativa del Marqus Leonello de Este. Se encuentra en el Museo del Louvre en Pars, Francia.
Anlisis
La princesa se muestra de perfil contra un fondo de numerosas mariposas y aguileas (Aquilegia vulgaris). El sujeto de la pintura ha sido identificada como Ginevra d'Este (siendo una clave para ello la presencia de juniperus, ginepro en italiano), aunque inicialmente se crey que podra ser Margherita Gonzaga, esposa de Leonello d'Este. De hecho, las flores del fondo no contienen referencias a smbolos de los Gonzaga, mientras que un jarro, smbolo de los Este, s est presente. Ginevra de Este se cas con el condottiero y seor de Rmini, Segismundo
Retrato de una princesa de la casa de Este Malatesta, pero este la mat tras descubrir sus infidelidades. La presencia de la aguilea, smbolo del matrimonio pero tambin de la muerte), ha llevado a pensar que la pintura fue ejecutada por Pisanello despus de la muerte de Ginevra, en los aos 1440. La mariposa cerca de la ceja de la princesa es un smbolo del alma.
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Referencias
Este artculo es traduccin de la wikipedia inglesa, que da como fuente: Ventura, Leandro (1996). Pisanello. Art dossier (113). Turin: Giunti.
Retrato del Abb de Saint-Non
Retrato del Abb de Saint-Non Jean-Honore Fragonard, 1769 leo sobre tela- Rococ 80 cm 65 cm Museo del Louvre
Retrato del Abb de Saint-Non es una pintura del artista rococ francs Jean Honor Fragonard, que data de 1769. Es una pintura al leo sobre tela con unas dimensiones de 80 centmetros de alto y 65 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Entre los diversos gneros que abord el pintor Fragonard est el del retrato. Sus retratos son de rpda ejecucin, predominando en ellos la captacin de posturas instantneas, en lugar de esforzarse por lograr el parecido o la penetracin psicolgica. Inventa la figura de fantasa, una nueva concepcin del retrato. Son retratos libres y esbozados con bro, entre los que se encuentra este Retrato del Abb de Saint-Non. Es de pincelada suelta, ejecucin rpida, pintado en una hora. Se presenta al retratado de medio cuerpo, con la cabeza girada hacia atrs. Viste ricas ropas que ondean con gran dinamismo. Es una postura reiterada en muchos otros de sus retratos o figuras de fantasa.
Retrato del Abb de Saint- Non
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Galera
Otros retratos de la misma poca, en los que puede verse idntica postura:
Retrato de Franois-Henri d'Harcourt, h. 1769, leo sobre lienzo
Inspiracin o El escritor (posible autorretrato), 1769, Pars, Louvre Jean-Claude Richard, l'abb de Saint-Non, vestido a la espaola, h. 1769, Barcelona, MNAC
Referencias
P. F. R. Carrassat, Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7
Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt
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Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt
Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt (Ritratto di Alof de Wignacourt) Caravaggio, 1607-1608 leo sobre lienzo- Barroco 195 cm 134 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
El Retrato de Alof de Wignacourt (en italiano, Ritratto di Alof de Wignacourt) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Est realizado al leo sobre lienzo. Data de 1607-1608, durante la estancia del pintor en la isla de Malta. Mide 195 cm de alto y 134 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de Pars.
Historia del cuadro

Alof de Wignacourt se uni a la Orden de los Caballeros de San Juan (los Caballeros de Malta) en 1564, a los diecisiete aos, y se distingui al ao siguiente durante el Gran Sitio de Malta cuando los turcos invadieron la mayor parte de la isla [1]. Fue elegido Gran Maestre en 1601, decidido a realzar el prestigio de la Orden y de su nueva capital, posterior al sitio, Valletta. No puede sorprender, pues, que agradeciera la oportunidad de tener en su corte al ms famoso pintor de Roma y Npoles, Michelangelo da Caravaggio. Caravaggio lleg a Malta desde Npoles en julio de 1607 y, de acuerdo con sus primeros bigrafos, Giovanni Baglione y Giovanni Bellori, comenz al principio con retratos de Wignacourt y otros caballeros del ms alto rango de la orden. Este famoso retrato muestra al Gran Maestre en armadura formal, sosteniendo su bastn de mando, en una imagen brillante de la militar fuerza de los caballeros. Por entonces tena unos sesenta aos de edad. Haba reforzado las fortificaciones de la isla, construido un acueducto que garantizase agua a la ciudad, y lanzado varios ataques sobre los turcos. Convirti a los caballeros en un poder soberano, convirtindose de hecho en un prncipe que slo responda ante el papa, con su propia corte crecientemente rica. Una de sus novedades fue rodearse de jvenes pajes, a imitacin de la moda de las cortes principescas, y sus pajes estaban seleccionados, por supuesto, de entre las ms nobles familias catlicas de Europa. Conforme a John Gash y otros el paje es probablemente Nicholas de Paris Boissy, un aristcrata francs destinado a una carrera distinguida - se convirti en Gran Prior de
Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt Francia en 1657. Como recompensa por esta pintura de Wignacourt hizo caballero al artista, pero a los tres meses Caravaggio abandonaba Malta despus de haber cado en desgracia.
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Anlisis de la obra
Est situado de manera un poco extraa en la composicin, pues sus pies se alinean con los pies de Wignacourt, como si estuviera detrs de l, pero su mano y el yelmo se solapan en el codo de Wignacourt, dando la impresin de que, desde la cintura para arriba, est frente al caballero. El hecho puede explicarse por la prctica de Caravaggio de pintar por separado a partir de modelos del natural - de Wignacourt y el paje, aparentemente, no estuvieron en su estudio al mismo tiempo. La vivaz expresin del chico y atenta mirada le hacen un sujeto atractivo por s mismo, hasta el punto de que fue copiado varias veces por otros artistas posteriores que visitaron Malta. De Wignacourt, encajonado en una esplndida armadura milanesa negra y dorada, mira hacia arriba y afuera del cuadro de manera muy digna que invita al espectador a mirarle con respeto, dejando al paje, con su mirada de juvenil inters, como la nica presencia verdaderamente humana, y ms simptica que la del afectado hombre de hierro. El doble retrato con el paje era una combinacin inusual para aquella poca. Pudo haber sido ordenado por Wignacourt para enfatizar la nobleza de su corte, o Caravaggio puede haberse inspirado por una pintura de Tiziano que pudo haber visto en su juventud en Miln, El retrato de Alfonso de valos, mostrando al gobernados espaol de la ciudad dirigindose a sus caballeros con un paje a su lado sosteniendo su yelmo. Las posturas de valos y su paje son las mismas que las de Wignacourt y su paje, el gobernador ocupado con sus soldados, mientras el chico mira con curiosidad al artista y al espectador.
Referencias
Este artculo es traduccin de la wikipedia inglesa, que da como fuentes: John Gash, "Caravaggio" (2003), ISBN 1-904449-22-0 Rosa Giorgi, "Caravaggio: Master of light and dark - his life in paintings (1999), ISBN 0-7894-4138-1 Peter Robb, "M" (1998), ISBN 0-312-27474-2, ISBN 0-7475-4858-7 Helen Langdon, "Caravaggio: A Life" (1998), ISBN 0-374-11894-9
Enlaces externos
Ficha del Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt ARTEHISTORIA [3]. Descripcin en el Washington Post [4]
[2]
en
Referencias
[1] http:/ / www. carnaval. com/ malta/ history/ knights/ [2] http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ genios/ cuadros/ 2373. htm [3] http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ index. html [4] http:/ / www. washingtonpost. com/ wp-srv/ style/ books/ reviews/ caravaggio990711. htm
San Jorge (Rafael)
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San Jorge (Rafael)
San Jorge y el dragn (San Giorgio e il drago) Rafael Sanzio, 1504 leo sobre tabla- Renacimiento 31 cm 27 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
San Jorge o San Jorge y el Dragn (en italiano San Giorgio e il drago) es una pequea pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data del ao 1504. Es una pintura al leo sobre tabla con unas dimensiones de 31 centmetros de alto y 27 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de Saint Georges luttant avec le dragon. Se ha sealado como posible comitente de la obra al duque de Urbino, Guidolbaldo da Montefeltro, hijo de Federico da Montefeltro. El cuadro perteneci al cardenal Ascanio Sforza, pas despus al cardenal Mazarino, que lo exhiba, a modo de dptico, junto a un Pequeo san Miguel, tambin en el Louvre. En 1661 pas a las las colecciones del rey Luis XIV. Rafael representa a San Jorge montado en su caballo decidido a golpear al dragn con su espada. Anteriormente, el santo ha acometido con su lanza al dragn, hacindose sta pedazos, lo que se evidencia por un trozo de lanza que el animal tiene clavado en el pecho, quedando los dems trozos dispersos por el suelo en diferentes direcciones. En un segundo plano puede verse a la princesa huyendo. La armadura del guerrero est pintada con gran detalle, recordando un poco al arte de las miniaturas.[1] Consigue imprimir movimiento gracias a la cabriola del caballo, en escorzo, y la postura del dragn.[1] La perspectiva y sensacin de profundidad se logra con los tres trozos de lanza que yacen en el suelo.[1] Una versin posterior del mismo tema es el San Jorge en la Galera Nacional de Arte en Washington, DC.
San Jorge (Rafael)
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Enlaces externos
Ficha sobre el cuadro Saint Georges luttant avec le dragon Museo del Louvre (en francs)
[2]
en la pgina web del
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 105 [2] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=13826
San Jos carpintero

San Jos, carpintero (Saint Joseph Charpentier) Georges de La Tour, h. 1642 leo sobre lienzo- Barroco 137 cm 102 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
San Jos, carpintero (en francs, Saint Joseph charpentier), es una de las pinturas ms conocidas del pintor francs Georges de La Tour. Est realizado en leo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado a principios de la dcada de los aos 1640, en 1642 o 1645. Mide 137 cm de alto y 102 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de Pars, a donde lleg por la donacin Percy Moore Turner, en 1948. En el cuadro, Jos de Nazaret trabaja una viga delante del Nio Jess de Nazaret, que lo ilumina con una vela. Jos es carpintero de armar o de obra de afuera, esto es, carpintero que hace las armaduras, entramados y dems armazones de madera para los edificios. San Jos es el patrono de este gremio. La vigueta que Jos est serrando se interpreta como una prefiguracin de la madera de la cruz en la que morir. Esta pintura muestra el inters de Georges de La Tour en las diversas fuentes de luz. Es una obra de madurez del pintor, plenamente tenebrista. La fuente de luz artificial es explcita, como en el caso de la escuela de Utrecht y en particular de Gerard van Honthorst: una vela. La fuente de luz modela modela abruptamente las figuras, mientras que el resto se sume en la oscuridad. Se crean interesantes sombras en la pared del fondo, as como en el traje del Nio y en el suelo, producida esta ltima por su sandalia. El nio sujeta la vela con una mano, mientras coloca otra delante. Con gran maestra se representan las sombras en la mano derecha de Jess, as como la forma en que la luz incide en la mano izquierda, haciendo traslcidos los desdos y filtrndose entre ellos. La pintura es casi monocroma. El rostro de Jos est tratado con trazos gruesos de pintura que evidencias sus arrugas. Una mancha gruesa de pintura consigue representar la barba.
San Jos carpintero
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Referencias
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre San Jos carpintero .Commons Cirlot, L. (dir.), Museo del Louvre I, Col. Museos del Mundo, Tomo 3, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3806-2, pg. 57 Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Bsica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X Artculo en la pgina web oficial del Museo del Louvre [1]
Referencias
San Juan Bautista (Leonardo)
San Juan Bautista (San Giovanni Battista) Leonardo da Vinci, 1508-1513 leo sobre tabla- Renacimiento 69 cm 57 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
San Juan Bautista (en italiano, San Giovanni Battista) es uno de los ltimos cuadros del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, datado hacia 1508-1513, poca en que el Alto Renacimiento estaba metamorfosendose en el Manierismo. Est pintado al leo sobre tabla que mide 69 cm. de alto y 57 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars (Francia). Fue una de las ltimas pinturas del autor y, sin duda, una de las ms debatidas. Hay mucha polmica sobre el significado de la mano del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa enigmtica ha provocado discusiones semejantes a las de la Mona Lisa. El cuadro puede considerarse enteramente autgrafo. Es uno de los que Leonardo mostr al cardenal de Aragn, Antonio de Beatis, y de su squito el 10 de octubre de 1517 en el Castillo de Clos-Luc. A la muerte de Leonardo, fue heredado por Salai, cuyos herederos la vendieron; en 1666 pas de la coleccin Jabach a Luis XIV, de donde pas al Louvre.
San Juan Bautista (Leonardo) Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto. Est representado de medio cuerpo, una variacin sobre el tema de la figura construida clsica y monumentalmente en el espacio en directa sugestin de los modelos de la estatuaria antigua. San Juan viste pieles, tiene largo pelo rizado. Sostiene una cruz de junco en su mano izquierda mientras que la derecha apunta hacia el cielo. Se cree que la cruz y las pieles se aadieron ms adelante por otro pintor. La figura est envuelta en una mrbida sombra. Mientras que el tronco tiene una cierta solidez y fuerza, el rostro y la expresin tienen una delicadeza y misteriosa suavidad que parecen contradecir la personalidad de Juan, el intransigente y abstemio predicador en el desierto, como lo describe la Biblia. Puede ser que haya escogido retratar al santo en el momento de bautizar a Jesucristo, el momento en el que el Espritu Santo desciende sobre Jess en forma de paloma. La expresin del rostro, lnguida y ambigua, es tpica de las ltimas obras de Leonardo. Algunos han indicado, igualmente, que la apariencia de san Juan es andrgina o hermafrodita [1], una teora apoyada por un esbozo de Leonardo conocido como "El ngel encarnado". El gesto de sealar al cielo sugiere la importancia de la salvacin a travs del bautismo que san Juan representa. La obra es a menudo repetida por otros pintores posteriores, especialmente aquellos de las escuelas del renacimiento tardo y el manierismo. La inclusin de un gesto similar al de Juan incrementara la importancia de una obra con un sentido religioso.
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Referencia
Enlaces externos
Museo del Louvre
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Pgina web oficial
Referencias
[1] http:/ / www. lairweb. org. nz/ leonardo/ john. html
San Miguel (Rafael, 1501)
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San Miguel (San Michele) Rafael Sanzio, Hacia 1501 leo sobre tabla- Renacimiento 31 cm 27 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
San Miguel (en italiano San Michele) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data alrededor de 1501. Es una pintura al leo sobre tabla, con unas dimensiones de 31 centmetros de alto y 27 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. No debe confundirse con otro San Miguel, tambin de Rafael, que se conserva en el mismo museo y que data del ao 1518. En un paisaje desolado con la silueta de una ciudad ardiendo en la distancia, San Miguel acaba de aplastar contra el suelo al Demonio y va a matarlo con un golpe de su espada. Los monstruos que se arrastran desde todos los lados son reminiscencia de los creados por Hieronymus Bosch, mientras que las figuras del centro recuerdan a las del Inferno del poema pico de Dante la Divina Comedia. A la izquierda estn los hipcritas, con armaduras de plomo, condenados a seguir su tortuoso camino, mientras que a la derecha estn los ladrones, atormentados por serpientes. Este San Miguel, el San Jorge en el Louvre, y el San Jorge de la Galera Nacional de Arte de Washington DC estn relacionados entre s por el mismo tema - un joven armado luchando contra un dragn - y por sus elementos estilsticos. Los tres estn atribuidos al periodo florentino de Rafael y reflejan los estmulos que Rafael recibi de los grandes maestros que trabajaban en Florencia o cuyas pinturas eran visibles all. La influencia de Leonardo - cuyos guerreros de la Batalla de Anghiari (1505) en el Palacio de la Seora proporcionaban un extraordinario ejemplo de arte marcial (la pintura se deterior muy rpidamente debido a las limitaciones en la tcnica experimental de Leonardo, de manera que ya no es visible) - predomina en estas obras. Pero las referencias ala pintura flamenca sugiere el entorno de Urbino, donde las influencias nrdicas an eran bastante vvidas. La imaginacin de Rafael est particularmente desarrollada en los detalles de san Miguel, y est ms equilibrada en la figura del Arcngel, el foco de toda la composicin. Este sentido de equilibrio y compostura est ms desarrollado en los otros dos paneles, donde el paisaje, an de derivacin umbra, acenta la serenidad de las figuras, a pesar de carcter dramtico del tema. Estos pequeos paneles son indicativos de un momento en el que el pintor recoge los frutos estilsticos de lo que hasta entonces haba asimilado, y al mismo tiempo, plantea problemas pictricos que todava se desarrollarn en el futuro.
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San Miguel derrota a Satans (San Michele sconfigge Satana) Rafael Sanzio, 1518 leo sobre lienzo- Renacimiento 268 cm 160 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
San Miguel o San Miguel derrota a Satans (en italiano San Michele sconfigge Satana) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data del ao 1518. Es una pintura al leo sobre tela, transportado desde una tabla, con unas dimensiones de 268 centmetros de alto y 160 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Pars, Francia. La obra est firmada y datada sobre la orla de la ropa de San Miguel: PINGEBAT MDXVIII. La tabla fue un encargo de Lorenzo de Mdici. Rafael representa a San Miguel con una lanza en la mano mientras que a sus pies est representado Satans. No debe confundirse con otro San Miguel del mismo artista que tambin se encuentra en el Louvre y que data hacia 1501.
RAPHAEL URBINAS
Enlaces externos
Museo del Louvre
[1]
- Pgina web oficial
San Sebastin (Mantegna)
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San Sebastin Andrea Mantegna, 1490 Tabla, 68 30 cm Ca' d'Oro, Venecia
San Sebastin Andrea Mantegna, 1480 Lienzo, 255 x 140 cm Museo del Louvre, Pars
San Sebastin Andrea Mantegna, 1456-1459 Tabla, 68 30 cm Museo de Historia del Arte de Viena
San Sebastin (Mantegna) San Sebastin es el tema de tres pinturas del pintor del primer Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El artista paduano vivi en un perodo en que eran frecuentes las pestes; Sebastin era considerado protector contra la peste al haber sido herido por flechas y se pensaba que la peste se difunda a travs del aire. En su larga estancia en Mantua, ms an, Mantegna residi cerca de la iglesia de San Sebastin.
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El San Sebastin de Viena

Se ha sugerido que el cuadro fue realizado despus de que Mantegna se recuperase de la peste en Padua (14561457). Probablemente fue encargo del podest de la ciudad para celebrar el fin de la peste, fue acabada antes de que el artista dejara la ciudad para ir a Mantua. Segn Battisti, el tema se refiere al Libro de la Revelacin. Un jinete est presente en las nubes en la parte superior izquierda. Como se especifica en la obra de san Juan, la nube es blanca y el jinete tiene una guadaa, que l estaba usando para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno, el dios grecorromano: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo que pasaba y dejaba todo destrozado detrs de si. En lugar de la figura clsica de Sebastin atado a un poste en el Campo Marzio de Roma (Campo de Marte), el pintor retrat al santo contra un arco, bien sea un arco de triunfo o bien la puerta de una ciudad. En 1457 el pintor fue llevado a juicio por inadecuacin artstica por haber puesto slo ocho apstoles en su fresco de la Asuncin. A modo de respuesta, l aplic los principios del clasicismo de Alberti en los cuadros siguientes, incluyendo este pequeo San Sebastin, aunque defomrada por la perspectiva nostlgica propia de l.
Detalle del jinete en la nube del San Sebastin de Viena.
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Es caracterstico de Mantegna la claridad de la superficie, la precisin de la reproduccin arqueolgica de los detalles arquitectnicos, y la elegancia de la postura del mrtir. La inscripcin vertical en el lado derecho del santo es la firma de Mantegna en griego.
El San Sebastin del Louvre

El San Sebastin del Louvre fue una vez parte del retablo de San Zenn en Verona. A finales del siglo XVII o principios del XVIII se document en la Sainte Chapelle de Aigueperse, en la regin de Auvernia en Francia: su presencia all est relacionada con el matrimonio de Chiara Gonzaga, hija de Federico I de Mantua, con Gilbert de Bourbon, Delfn de Auvernia (1486). El cuadro presumiblemente ilustra el tema del
Atleta de Dios, inspirado por un sermn espurio de san Agustn. El santo, de nuevo atado a un arco clsico, es observado desde una perspectiva baja, inusual, usada por el artista para reforzar la impresin de solidez y dominio de su figura. La cabeza y los ojos vueltos hacia el cielo confirman la firmeza de San Sebastin al sobrellevar su martirio. A sus pies se muestran dos personas malvadas (representadas por un do de arqueros): se pretende que creen un contraste entre el hombre de fe trascendente, y aquellos quienes slo son atrados por goces profanos. Aparte del simbolismo, el cuadro se caracteriza por la precisin de Mantegna en las representaciones de las ruinas antiguas, as como el dertalle en particulares realistas como la higuera cerca de la columna y la descripcin del cuerpo de Sebastin.
Detalle de la antigua ciudad en la parte posterior del San Sebastin del Louvre. Las ruinas clsicas son tpicas de los cuadros de Mantegna. El camino acantilado, la grava y las cuevas son referencias a las dificultades de alcanzar la Jerusaln Celestial, la ciudad fortificada representada en la parte superior de la montaa, en la esquina superior derecha del cuadro, y descrita en el Captulo 21 del Apocalipsis de Juan.
El San Sebastin de Venecia

El tercer San Sebastin de Mantegna fue pintado algunos aos ms tarde (h. 1490), y difiere bastante de las composiciones precedentes, muestra un marcado pesimismo. La figura grandiosa, roturada del santo est representado ante un fondo neutral y plano en color marrn. Las intenciones del artista en esta obra estn explicadas en una banderola en espiral alrededor de una vela apagada, en la esquina inferior derecha. Aqu, en latn, est escrito: Nihil nisi divinum stabile est. Caetera fumus (Nada es estable salvo lo divino. El resto es humo). La inscripcin puede que fuera necesaria debido al tema de la fugacidad de la vida no era normalmente asociado con cuadros de san Sebastin. La letra M formada por las flechas cruzadas sobre las piernas del santo pueden referirse a Morte (Muerte) o Mantegna.
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Referencias
Zuffi, Stefano (1991). Mantegna. Arnoldo Mondadori. Todo o parte de este artculo fue creado a partir de la traduccin del artculo St. Sebastian (Mantegna) de la Wikipedia en ingls, bajo licencia GFDL.
Enlaces externos
San Sebastin del Louvre
[1]
(en italiano)
Referencias
[1] http:/ / www. francescomorante. it/ pag_2/ 205bd. htm
Santa Apolonia (Zurbarn)
Santa Apolonia Francisco de Zurbarn, 1636 leo sobre lienzo- Barroco 113 cm 66 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Santa Apolonia es un cuadro de Francisco de Zurbarn expuesto en el Museo del Louvre de Pars, Francia. Est pintado al leo sobre lienzo y mide 113 cm de alto por 66 cm de ancho.
Enlaces externos
Ficha de Santa Apolonia en ARTEHISTORIA.
[1]
Referencias
[1] http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ genios/ cuadros/ 1876. htm
Venus de Arls
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Venus de Arls
La Venus de Arls es una escultura de 1,94m de alto de Venus conservada en el Museo del Louvre.[1] Est esculpida en mrmol de Himeto y data de finales del siglo Ia.C. Puede ser una copia de la Afrodita de Tespias de Praxteles, encargada por la cortesana Frin.[2] En el siglo IId.C., Pausanias mencion la existencia en Tespias (Beocia, centro de Grecia) de un grupo compuesto por Cupido, Frin y Afrodita.[3] El estilo praxiteliano puede encontrarse en el parecido de la cabeza con el de la Afrodita Cnidea (definitivamente una obra de Praxteles). En un intento de reconstruir su carrera, la Afrodita de Tespias original sera una obra de juventud (aos 360a.C.), si elegimos creer que esta mujer parcialmente cubierta (repetida con frecuencia en la poca helenstica: vase por ejemplo la Venus de Milo) es un preludio del desnudo integral que fue su Afrodita Cnidea de aproximadamente el 350a.C.[4]
La Venus de Arls.
La Venus de Arls fue descubierta en varios trozos en el teatro romano de Arls (Francia)[5] en 1651 por obreros que cavaban un pozo. Primero apareci la cabeza, a una profundidad de 2m, lo que estimul nuevas excavaciones. Ms tarde, tras haber sido dada en 1681 a Luis XIV para decorar la Galera de los Espejos del Palacio de Versalles, se realizaron ms excavaciones en la zona del scenae frons del teatro, pero no se encontraron ms fragmentos. La estatua fue confiscada de la coleccin real en la Revolucin y ha estado en el Museo del Louvre[6] desde su fundacin, si bien actualmente no se exhibe.
El teatro de Arls, lugar donde se hall la estatua.
En su restauracin de la escultura, el escultor real Franois Girardon, para hacerla ms definitivamente una Venus, aadi algunos atributos: la manzana en la mano derecha, como ganada en el Juicio de Paris, y el espejo en la izquierda.[7] La cabeza, a pesar de que sus bordes rotos no encajan directamente con el torso, pertenece con seguridad al cuerpo, lo que es un punto importante dado que es la nica escultura de este tipo concreto que conserva su cabeza, y sta es praxiteliana, comparable a su Afrodita de Cnido.[8] El brazalete de su brazo izquierdo, sin embargo, es original, resultando un rasgo identificativo de la diosa, como se ve en la Afrodita Cnidea.
Venus de Arls
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Referencias
[1] Ancient Greek & Roman Sculpture: Aphrodite Venus D'Arles (http:/ / www. theoi. com/ Gallery/ S10. 5. html) (en ingls). Theoi Project. Consultado el 12 de mayo de 2009. [2] La atribucin, como una obra de juventud de Praxteles, fue adelantada por Adolf Furtwngler (1893). Meisterwerke der Griechischen Plastik. Leipzig: Giesecke & Devrient. OCLC 29103771 (http:/ / worldcat. org/ oclc/ 29103771). [3] Pausanias ix.27.5. [4] Aphrodite dite Vnus d'Arles (http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=20232) (en francs). Sitio web oficial del Museo del Louvre. Consultado el 12 de mayo de 2009. [5] El programa escultrico de Arls fue ejecutado en Italia, quizs por artesanos griegos. Venus era el ancestro divino del gens Julia; Arls, que haba apoyado al Csar cuando Masalia apoy a Pompeya, fue recompensada de muchas formas. Una estatua heroica semidesnuda de Augusto era la figura dominante en el programa escultrico del teatro de Arls (Kleiner, Fred S. (octubre de 1973). Gallia Graeca, Gallia Romana and the Introduction of Classical Sculpture in Gaul. American Journal of Archaeology 77 (4): 387 y sig.) [6] Louvre 439. [7] El descubrimiento en 1911 de un molde hecho de la escultura cuando haba sido restaurada solo lo justo para ensamblarla, antes de que Girardon recibiese el encargo de mejorarla, demuestra la amplitud de las trasformaciones de ste, que incluyeron la reterminacin de las superficies, adelgazando la figura en el proceso. Que el resultado sea tanto de Girardon como romano mantiene la escultura en los almacenes del Louvre. Vase Brunilde Sismondo Ridgway (primavera de 1976). The Aphrodite of Arles. American Journal of Archaeology 80 (2): 147. [8] Ridgway 1976:147.
Venus de Milo
La Afrodita de Milos (griego: " "), ms conocida como Venus de Milo es una de las estatuas ms representativas del periodo helenstico de la escultura griega, y una de las ms famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada en algn momento entre los aos 130 y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita (denominada Venus por los romanos), diosa del amor y la belleza. Esculpida en mrmol en un tamao ligeramente superior al natural, el autor es annimo, aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxteles. Actualmente se encuentra en el Louvre de Pars.
Descubrimiento y autora
La estatua se encontr semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada tambin Milo, por un campesino llamado Yrgos Kendrots. Cerca de la estatua se encontraron un fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana (En lengua griega, significa literalmente manzana) y estos
La Venus de Milo, Museo del Louvre, Pars.
Venus de Milo restos son considerados parte de sus brazos. El brazo derecho se piensa que sostena la tnica, mientras el izquierdo sostena la manzana del Juicio de Paris, manzana que el troyano Paris hubo de ofrecer a la mismsima Afrodita en testimonio de su decisin en el mtico juicio de bellezas al que fue sometido. Lo cierto es que no est claro si los brazos pudieron perderse despus del hallazgo moderno de la escultura: Yrgos dej una mitad de la Venus en el mismo lugar donde la haba encontrado por no poder desenterrarla, pensemos que el conjunto tena un peso de 900 kilos, y la otra mitad la llev al establo, ofreciendo en primer lugar la venta de la estatua a un clrigo ortodoxo. En aqullos momentos se estaba librando la ltima etapa de la Guerra de la Independencia de Grecia del Imperio Otomano, y el clrigo griego contact, para eludir a las autoridades turcas, con un oficial naval francs Jules Dumont, quien enseguida reconoci su valor y arreglaron supuestamente entre ambos una oscura compra por el embajador francs en Constantinopla, el Marqus de Riviere. Esta es la versin oficial, aunque algunos historiadores apuntan a que la estatua salo de la isla por la fuerza, perdiendo los dos brazos al golpearse contra las rocas. Lo cierto es que despus de algn trabajo de reparacin, la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821. Finalmente, el Rey la entreg al Museo del Louvre en Pars, donde todava se muestra hoy a la admiracin pblica. La Afrodita de Milo sali de Grecia el 1 de marzo de 1821, apenas veinte das antes de que la Grecia moderna declarara su independencia del Imperio Otomano, el 25 de marzo de ese mismo ao. Pocos aos antes, en 1815, el Museo del Louvre haba tenido que devolver a Italia, su lugar original, otra escultura famosa, la llamada Venus de Mdici, trada a Pars por Napolen Bonaparte y que la restaurada monarqua francesa haba devuelto a Italia. La autora no est clara, porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos artistas de Antioqua llamados Agesandros y Aleixandros, aunque se desconoce si stos eran lo autores de la obra o de otros pedestales colocados ms tarde junto a la estatua. Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas, escultor clsico del siglo IVa.C., aunque en ella no se detecta el pathos caracterstico de este autor.
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Fama y restauracin
La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino tambin en gran parte debido a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia haba perdido la Venus de Mdici, considerada como una de las esculturas clsicas ms finas en la historia, que haba sido saqueada de Italia por Napolen Bonaparte. Tras la cada de Napolen, la Medici Venus haba sido devuelta a los italianos. Los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro ms grande que el que ellos haban perdido recientemente. Fue alabada debidamente por artistas y crticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante. Sin embargo, otros estudiosos como Pierre-Auguste Renoir la calificaron de gendarme grande.
Venus de Milo
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Despus de haber hallado la estatua, se hicieron numerosas tentativas para reconstruir su postura, aunque nunca se restaur.
Caractersticas
Tiene una altura de 204 cm y como se ha dicho antes, un peso aproximado de 900 kilos, se labr en mrmol de Paros, posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo. Est tallada en fragmentos, algo usual en la poca a imitacin de las esculturas crisoelefantinas del periodo clsico. Aparece semidesnuda, con perfil y reposada expresin clsica en su rostro, sin embargo, su ligera contorsin da lugar a una figura levemente serpentinata, rasgo tpicamente helenstico. El manto, que cae cubriendo la zona pbica y piernas, la Dibujo de la restauracin convierten en una Venus pdica como la Afrodita Cnidia de propuesta Praxteles donde puede estar su primera fuente de inspiracin, ya que este modelo iconogrfico goz de gran xito y fue muy imitado incluso siglos despus. Tambin puede inspirarse en la Afrodita de Capua de Lisipo, extremo que no excluye la influencia praxiteliana toda vez que ciertas corrientes del helenismo escultrico recurrieron a modelos clsicos en un intento por volver sus ojos a la poca de mximo esplendor griego. Esta estatua no deber ser confundida con el grupo de estatuillas prehistricas conocidas como figurillas de Venus.
Vase tambin
Escultura griega Venus de Cnido
Referencias
PIJON, J.- Summa Artis. Volumen IV. El arte griego. Madrid, Espasa-Calpe, 1982 (8 edicin). ISBN 84-239-5204-5. BLANCO FREIJEIRO, A.- Arte griego. Madrid, CSIC, 1990 (7 edicin). ISBN 84-00-07055-0. WOODFORD, S.- Grecia y Roma. Coleccin Introduccin a la Historia del Arte de la Universidad de Cambridge. Ed. Gustavo Gili S.A. - Crculo de Lectores, Barcelona, 1987 (2 edicin). ISBN 84-226-1995-4
Venus de Milo
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Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Venus de Milo.Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Antigedades griegas en el Louvre - Sala 12.Commons Completo artculo sobre la escultura [1] Por qu la Venus de Milo no tiene brazos? en sabercurioso.org [2]
El contenido de este artculo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre Universal
[3]
, publicada en espaol bajo la licencia GFDL.
Referencias
[1] http:/ / mule. iespana. es/ arte/ venus_milo. htm [2] http:/ / www. sabercurioso. com/ 2007/ 08/ 25/ venus-milo-no-tiene-brazos/ [3] http:/ / enciclopedia. us. es/ index. php/ Venus_de_Milo
Venus ofrece dones a una joven
Venus ofrece dones a una joven (Venere offre doni a una giovane) Sandro Botticelli, 1483-86 Fresco- Renacimiento 211 cm 284 cm Museo del Louvre
Venus ofrece dones a una joven (en italiano, Venere offre doni a una giovane), es un fresco realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Pertenece al Ciclo de Villa Lemmi, habindose quitado del muro y conservndose actualmente en el Museo del Louvre, Pars. Mide 211 cm de alto y 284 cm de ancho. Se cree que fue pintado entre 1483 y 1486. Esta obra forma parte de un ciclo que se encontraba en la villa de Legnaia, propiedad de la familia Tornabuoni, aliados de los Mdicis, entre 1469 y 1541; luego pas a los Lemmi. En 1873 esta escena y otra se encontraron bajo el enjalbegado de una pared corta de una sala. Crowe y Cavalcaselle, que fueron de los primeros en ver las obras recin descubiertas,
Venus ofrece dones a una joven atribuyeron los frescos a Botticelli. En aquel momento se identificaron los escudos de los Albizi y los Tornabuoni, por lo que se cree que son pinturas que se hicieron en alusin a un matrimonio entre ambas familias. Puede ser el de Nanna Tornabuoni y Matteo degli Albizi, celebrado en 1483, o el de Giovanna deglo Albizi y Lorenzo Tornabuoni en 1486. En esta obra se ve a Venus, la diosa del amor, vestida como en la Alegora de la primavera, y acompaada por las tres Gracias, que homenajean a una joven, que recibe, en pie, con un pao entre las manos, los dones de la diosa.
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Referencias
Basta, Ch. y otros, "Botticelli", Los grandes genios del arte, n. 29, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-97-8
Enlaces externos
Muse du Louvre
[1]
- Sitio oficial
Venus y Amor descubiertos por un stiro

Venus y Amor descubiertos por un stiro (Venere e Amore spiati da un satiro) Antonio Allegri da Correggio, h. 1524-1525 leo sobre lienzo- Manierismo 188 cm 125 cm Museo del Louvre, Pars, Francia
Venus y Amor descubiertos por un stiro un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Est realizado en leo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrndose actualmente en el Museo del Louvre de Pars, Francia, donde se exhibe con el ttulo de Vnus et l'Amour dcouverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Jpiter y Antope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Jpiter y Antope, y an hoy puede ser mencionado con este ttulo. Es un cuadro de tema mitolgico. Es una alegora del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educacin del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representara el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha sealado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontraran estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei. Antope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, segn otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llam la atencin de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un stiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro est representada Antope dormida,
Venus y Amor descubiertos por un stiro con Cupido a su lado, tambin dormido. La acecha Zeus en forma de stiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple stiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, smbolo tradicional de la diosa y no de Antope. Es un cuadro tpico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromticas, logrando imprimir un aspecto suave y mrbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baa las figuras dotndolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composicin en diagonal.[1] La figura del stiro es escultrica, recordando a la obra de Miguel ngel.[1] La impresin general es de sensualidad,[1] gracias a la adopcin de una lnea sinuosa, color atmosfrico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.
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Enlaces externos
Artculo sobre Vnus et l'Amour dcouverts par un satyre [3] en la pgina web del Museo del Louvre
La educacin del Amor, o Venus, Mercurio y Amor, h. 1525, lienzo, 155 92 cm, National Gallery de Londres, cuadro que se considera pendant de este Venus y Amor descubiertos por un stiro
Referencias
[1] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pg. 123 [2] Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pg. 174, ISBN 3-8228-4744-5 [3] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225130& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225130& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500816& fromDept=false& baseIndex=52
Victoria alada de Samotracia
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La Victoria alada de Samotracia, tambin conocida como Victoria de Samotracia y Nik de Samotracia, es una escultura en bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del periodo helenstico. Se encuentra en el Museo del Louvre, Pars. En griego la estatua se denomina Nik tis Samothrakis ( ). Tiene una altura de 245 cm y se elabor en mrmol hacia el 190a.C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a Pithkritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia (Samothraki, en griego) por el cnsul francs Charles Champoiseau, un arquelogo aficionado.
Victoria alada de Samotracia pintada Aunque cuando se descubri se pens que fue mandada por Juan Carlos Rogers esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Ster en el ao 306a.C., porque figuraba en las monedas emitidas del 294 al 288a.C., la datacin de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de Cristo hace ms lgico pensar que en realidad se labr para celebrar las victorias sobre Antoco III Megas.
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navo, que acta de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsin. Va envuelta en un fino chitn y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatoma, tratamiento ste que recuerda a la denominada tcnica de paos mojados atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composicin muy caracterstica en otras figuras femeninas de la misma poca. Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan caracterstico de la escuela escultrica rodia, una de las ms barrocas del helenismo. Marinetti, en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en 1909, utiliz esta obra para condensar su ataque a la estatuaria y, por extensin, al arte tradicional de tipo clasicista, en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los progresos tcnicos de la industrializacin, connotados por la velocidad y las mquinas. As, puede leerse que un automvil de carreras es ms hermoso que la Victoria de Samotracia. Hay que precisar que una de sus alas, al menos en parte, no es original sino producto de una restauracin. Como curiosidad, cabe sealar que la conocida marca deportiva Nike, toma su nombre y su logo (en forma de ala) en honor a esta escultura.
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Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Victoria alada de Samotracia. Museo del Louvre Obras Selectas Victoria de Samotracia [1] (en ingls) Pgina griega que reclama la devolucin de la Victoria a Grecia [2] (en ingls)
El contenido de este artculo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre Universal
[3]
, publicada en espaol bajo la licencia GFDL.
Referencias
[1] http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225805& CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225805& FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500817& bmUID=1135775234852& bmLocale=en [2] http:/ / www. esiemth. gr/ BKT_EN/ xxxxxxxx. htm [3] http:/ / enciclopedia. us. es/ index. php/ Victoria_alada_de_Samotracia
Virgen del Canciller Rolin
La Virgen del Canciller Rolin Jan van Eyck, 1435 leo sobre tabla- Gtico 66 cm 62 cm Museo del Louvre
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en leo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435. Actualmente est expuesta en el Museo del Louvre en Pars, donde se exhibe con el ttulo de La Vierge du chancelier Rolin.
Gnero
Es un cuadro religioso pintado al leo sobre tabla, pero como aparece el comitente o donante, tambin puede ser considerado un retrato. La pintura fue encargada por Nicols Rolin, canciller de Felipe el Bueno, un importante funcionario de la corte de Borgoa.[1] Jan Van Eyck no slo plasm su apariencia fsica, sino tambin su temperamento. Se trataba de un poltico muy arrogante, lo que explica, por ejemplo, que se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamao que ella.[2] Hasta entonces, los cuadros con
Virgen del Canciller Rolin donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamao que las figuras sagradas de la Virgen o Jess y, en segundo lugar, por la presencia de un santo, generalmente el del nombre del donante, que hiciera de intermediario ante la Virgen. A ello se une la ostentacin de lujo que describe la posicin social del donante.
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Autor
Jan Van Eyck, castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espaa, naci en Maastricht en el ao 1390 y muri en Brujas en el ao 1441. Trabaj tanto en Dijon como en Brujas, casi siempre para Felipe III, archiduque de Borgoa y su corte, a la que perteneca el Canciller Rolin. Se le considera, junto a su hermano Huberto, fundador de la Escuela pictrica de los Primitivos Flamencos. Sus obras ms conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galera Nacional de Londres, Inglaterra; y el Polptico de la adoracin del Cordero Mstico, en la catedral de Gante, Blgica).
Tcnica
Es una obra pintada al leo sobre tabla. El leo es una tcnica basada en la disolucin de pigmentos en aceites que fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck, hasta el punto de que lleg a atriburseles errneamente su invencin. El leo presenta claras ventajas sobre la pintura al temple que era la tcnica usada hasta entonces: es ms transparente y luminoso, por ello permite un mejor tratamiento de la perspectiva, del aire y de la luz; al ser ms consistente, los objetos se pueden representar con mayor exactitud; y seca ms despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego.
Estilo
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos, su estilo tiene, pues, caracteres comunes a todos los pintores del grupo, y otras propias:
Minuciosidad
Esta obra se concibi para verla de cerca ya que deba colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de Autun;[3] por eso, los detalles se plasman con una exactitud microscpica, Detalle del fondo slo posible gracias al empleo del leo y de plumillas especiales. En la sacrista de esa catedral estuvo hasta 1800.[4]
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Deleite en la reproduccin de objetos

Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso, de ah que el cuadro sea un alarde de riqueza, pero adems, los objetos suelen esconder una simbologa. El paisaje urbano que se aprecia a travs del ventanal, posiblemente sea Lieja, aunque se ha sugerido tambin que podra ser Maastricht, Utrecht o Autun.[4] . Pero esa urbe es tambin una metfora de la Nueva Jerusaln, o una referencia grfica a las dos ciudades de San Agustn: la ciudad Terrenal, a nuestra izquierda, y la ciudad Celestial, a nuestra derecha, es decir, la Ciudad de Dios. Sera por lo tanto ms bien una ciudad ideal construida a partir de edificios que podran remitir a la realidad.[4] El puente, en cambio, alude al puente de Montereau donde fue asesinado Juan Sin Miedo, y que entr en el acuerdo de paz (Tratado de Arras) que el canciller Rolin logr entre Borgoa y Francia. Ms cerca, bajo la ventana, el huerto, desde donde dos personajes miran el panorama, es un edn simblico, alegora del Paraso Terrenal. Otros autores apuntan a que esa balconada, llena de flores simblicas, aludira al hortus conclusus, el jardn cerrado que representa la virginidad de Mara.[5] Todos estos smbolos sociales y religiosos se vinculan a la presencia de la Virgen y del Nio, ya que en el jardn aparecen pavos reales (que es una de las seales de Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen). En cualquier caso, son elementos (el libro que tiene abierto el cardenal, las plantas y las flores, los animales y las personas, paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo.[4] Se presta gran atencin a la corona de oro que un ngel sostiene sobre la cabeza de la Virgen, con una filigrana de oro y piedras preciosas.[4] En los capiteles de las columnas se pueden apreciar distintas escenas religiosas, como Adn y Eva, Can y Abel o la embriaguez de No.[6]
El hieratismo
Se explica por el ambiente en el que se desenvolva este pintor. Se trata de la corte borgoona en la que el Canciller Rolin fue uno de los personajes ms relevantes. Esta corte era muy protocolaria, frecuentada por personas muy cultas y ceremoniosas, de ah el alto nivel cultural que exige interpretar sus pinturas.
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck, y la consigue por medio de efectos geomtricos (el enlosado del suelo, los arcos laterales de la estancia)[4] y atmosfricos.
Referencias
[1] "Van Eyck", Los grandes genios del arte, n. 27, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-96507-03-3, pg. 112 [2] Walther, I.F. (dir.), Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5 [3] "Van Eyck", op.cit., pg. 112; Walther, I.F., op.cit., pg. 123 [4] L. Cirlot (dir.), Museo del Louvre II, Col. Museos del Mundo, Tomo 4, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3807-9, pp. 154-155 [5] "Van Eyck", op.cit., pg. 112 [6] Artehistoria (http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ genios/ cuadros/ 1501. htm)
7. Tzvetan Todorov, Elogio del Individuo. Ensayo sobre la pintura flamenca del Renacimiento. Galaxia Gutemberg / Crculo de Lectores. Barcelona, 2006.
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Enlaces externos
Commons Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre La Virgen del Canciller Rolin. La Vierge au Chancelier Rolin (http:/ / laboiteaimages. hautetfort. com/ archive/ 2005/ 01/ 01/ la_vierge_au_chancelier_rolin. html) (en francs) Artculo sobre La Vierge du chancelier Rolin (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT<>cnt_id=10134198673225618& CURRENT_LLV_NOTICE<>cnt_id=10134198673225618& FOLDER<>folder_id=9852723696500812& fromDept=false& baseIndex=14) en la pgina web del Museo del Louvre
Fuentes y contribuyentes del artculo
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Siebrand, Zserghei Imagen:Study for the Oath of the Horatii the elder Horatius.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Study_for_the_Oath_of_the_Horatii_the_elder_Horatius.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Siebrand, Zserghei Imagen:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Horatius_toetet_seine_Schwester_Camilla-1781.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Constantin Greubel, G.dallorto, Jastrow Imagen:Schhoraces6.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Schhoraces6.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Peinture originale : Jacques-Louis David (1785) Imagen:Johann Heinrich Fssli 018.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Johann_Heinrich_Fssli_018.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Emijrp, Goldfritha, Kurpfalzbilder.de, Mattes Imagen:Leonardo da Vinci 050.jpg Fuente: 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020.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Leonardo_da_Vinci_020.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Czarnoglowa, EDUCA33E, Emijrp, Mats Halldin, Mattes, Miniwark, Papa November, Schaengel89, Wst, 1 ediciones annimas Archivo:Leonardo Freud.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Leonardo_Freud.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Leonardo da Vinci (1452 - 1519) and I Archivo:Thodore Gricault - Le Radeau de la Mduse.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Thodore_Gricault_-_Le_Radeau_de_la_Mduse.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Conscious, Howcheng, Lithoderm, Marianika, Miniwark, Paris 16, 1 ediciones annimas Imagen:Peter Paul Ruben's copy of the lost Battle of Anghiari.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Peter_Paul_Ruben's_copy_of_the_lost_Battle_of_Anghiari.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Czarnoglowa, Kilom691, OldakQuill, Shakko, Wolfmann, 2 ediciones annimas Imagen:Leonardo da Vinci Anghiarischlacht.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Leonardo_da_Vinci_Anghiarischlacht.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Czarnoglowa, Schaengel89, Smartneddy, Voyager, Warburg Imagen:Study of a Figure for the Battle of Anghiari.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Study_of_a_Figure_for_the_Battle_of_Anghiari.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Bender235, Czarnoglowa, OldakQuill, 1 ediciones annimas Archivo:Ingres valpincon.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Ingres_valpincon.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Flominator, 1 ediciones annimas Imagen:Raffael 009.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Raffael_009.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Emijrp, Wst Image:Raffael 030.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Raffael_030.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Cicero, EDUCA33E, Emijrp, Gryffindor, Wst Image:Raffael 031.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Raffael_031.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Emijrp, Jastrow, Mac9, Neddyseagoon, Tony Wills, Wst, 1 ediciones annimas Imagen:Michelangelo Caravaggio 031.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Michelangelo_Caravaggio_031.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, G.dallorto, Mattes, Miniwark, Polarlys, Wst, 1 ediciones annimas Imagen:The_Fortune_Teller1.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:The_Fortune_Teller1.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Original uploader was PiCo at en.wikipedia Imagen:Jan Vermeer van Delft 016.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jan_Vermeer_van_Delft_016.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Bohme, Civvi, DL5MDA, Goldfritha, JMK, Jastrow, Le vrai JFP, Mattes, PKM
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Shannon, Makthorpe, Miniwark, 1 ediciones annimas Imagen:Jean Auguste Dominique Ingres 014.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jean_Auguste_Dominique_Ingres_014.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Emijrp, Yaroslav Blanter, Zserghei Imagen:Ingres, Madame Riviere.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Ingres,_Madame_Riviere.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Anne97432, Churchh, Diwas, Gdr, Infrogmation, Kilom691, Mattes, Thuresson, Wst, Zserghei Imagen:Eugne Delacroix - Le Massacre de Scio.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: AndreasPraefcke, Awadewit, Bibi Saint-Pol, Jappalang, Marianika, Miniwark, Olivier2, Paris 16, Ranveig, Red devil 666 Imagen:Louis-Francois Bertin.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Louis-Francois_Bertin.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Jodelet, Kelson, Mattes, Mu, Paris 16, 1 ediciones annimas Imagen:Eugne Delacroix - La Mort de Sardanapale.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Delacroix_-_La_Mort_de_Sardanapale.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Bibi Saint-Pol, Juanpdp, Marianika, Mathiasrex, Mattes, Miniwark, Olivier2, Paris 16 Imagen:Eugne Ferdinand Victor Delacroix 058.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Ferdinand_Victor_Delacroix_058.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Bibi Saint-Pol, EDUCA33E, Goldfritha, Miniwark, Olivier2, Serenade Imagen:Eugne Ferdinand Victor Delacroix 057.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Ferdinand_Victor_Delacroix_057.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Bibi Saint-Pol, EDUCA33E, Miniwark, Olivier2 Imagen: Eugne Ferdinand Victor Delacroix 014.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Ferdinand_Victor_Delacroix_014.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: EDUCA33E, Goldfritha, Kilom691, Mattes, Miniwark, Numidix, Olivier2 Imagen:Eugne Ferdinand Victor Delacroix 015.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugne_Ferdinand_Victor_Delacroix_015.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: EDUCA33E, Masen, Miniwark, TwoWings, Wst, 1 ediciones annimas Imagen:Willem Claesz. Heda 002.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Willem_Claesz._Heda_002.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Anna reg, Emijrp, Jastrow, Kilom691, Mattes, Mogelzahn, Vincent Steenberg, Warburg Imagen:Jean-Baptiste Simon Chardin 006.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jean-Baptiste_Simon_Chardin_006.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Dantor, EDUCA33E, Goldfritha, Thorvaldsson, Thuresson, Wikid77, Wst Imagen:Chargingchasseur.JPG Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Chargingchasseur.JPG Licencia: Public Domain Contribuyentes: Thodore Gricault Imagen:The Embarktion for Cythera.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:The_Embarktion_for_Cythera.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Fanghong, Paris 16, Thorvaldsson, 3 ediciones annimas Imagen:Antoine Watteau 034.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Antoine_Watteau_034.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Diligent, EDUCA33E, Mattes, Tetraktys, Thorvaldsson, 2 ediciones annimas Imagen:Jos de Ribera 017.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jos_de_Ribera_017.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Eloquence, Emijrp, Kairios, Malafaya, Mattes, Miniwark, Wolfmann, Wst, 3 ediciones annimas Archivo:Louvre at night centered.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Louvre_at_night_centered.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Free On-Line Photos (FOLP) Imagen:Antonio Canova-Cupid's Kiss-3-Hermitage.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Antonio_Canova-Cupid's_Kiss-3-Hermitage.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: User:Yair-haklai Archivo:Jean-Baptiste-Camille Corot 006.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jean-Baptiste-Camille_Corot_006.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: EDUCA33E, Emijrp, Oxxo, Ronaldino, Sparkit, Trixt, 1 ediciones annimas Archivo:Pyxid Al Mughira OA 4068.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pyxid_Al_Mughira_OA_4068.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: User:Jastrow Archivo:Medina-al-Zahra.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Medina-al-Zahra.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: User:Annesov Imagen:AnneCleves.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:AnneCleves.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: AndreasPraefcke, Dbenbenn, Didactohedron, Jdforrester, Muriel Gottrop, PKM, The art master, Thuresson, Tsui, Wst, 4 ediciones annimas Imagen:Ferdinand Guillemardet.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Ferdinand_Guillemardet.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Francisco de Goya y Lucientes Imagen:Isabella d'este.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Isabella_d'este.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Czarnoglowa, Emmeu, G.dallorto, Jastrow, Papa November, Warburg Image:Louis XIV of France.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Louis_XIV_of_France.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Bjankuloski06en, Cecil, Hailey C. Shannon, Itsmine, Mattes, Paris 16, Thorvaldsson, Tony Wills, Washiucho, 1 ediciones annimas Imagen:Hans Holbein d. J. 037.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Hans_Holbein_d._J._037.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Dcoetzee, Emijrp, Lotse, Qp10qp, Wst, 1 ediciones annimas Imagen:Sigismondo Pandolfo Malatesta - Piero della Francesca.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Sigismondo_Pandolfo_Malatesta_-_Piero_della_Francesca.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: G.dallorto, Sparkit, Twice25, Warburg, Wst, 1 ediciones annimas Archivo:Pisanello 016.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pisanello_016.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: G.dallorto, Sir Gawain, Thuresson, 1 ediciones annimas
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Imagen:Jean-Honor Fragonard 021.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jean-Honor_Fragonard_021.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Mattes, Thorvaldsson Imagen:Fragonard - Franois-Henri d'Harcourt.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Fragonard_-_Franois-Henri_d'Harcourt.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Jean Honor Fragonard (1732-1806) Imagen:Fragonard, Inspiration.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Fragonard,_Inspiration.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: EDUCA33E, Emijrp, Gdr, Rtc, Thorvaldsson, Warburg, Wst Imagen:Col renaixement ambit 45 2 big.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Col_renaixement_ambit_45_2_big.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Jean Honor Fragonard Imagen:Alof Louvre.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Alof_Louvre.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Michelangelo Merisi da Caravaggio Imagen:Raphael - Saint George Fighting the Dragon.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Raphael_-_Saint_George_Fighting_the_Dragon.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Raphael Archivo:Leonardo da Vinci 025.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Leonardo_da_Vinci_025.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: ABrocke, AndreasPraefcke, Czarnoglowa, EDUCA33E, Miniwark, Schaengel89, Shakko, Sidhekin, 1 ediciones annimas Imagen:Sanmichele satana raffaello.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Sanmichele_satana_raffaello.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: AnonMoos, G.dallorto, Paulo Cesar-1, Shakko, Thomas Gun, Urli mancati Archivo:St Sebastian 3 Mantegna.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:St_Sebastian_3_Mantegna.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Attilios, Cicero, G.dallorto, KaTeznik, Xenophon Archivo:Andrea Mantegna 088.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Andrea_Mantegna_088.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Miniwark, Wst, Xenophon Archivo:Andrea Mantegna 089.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Andrea_Mantegna_089.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Dmitry Rozhkov, Gryffindor, Werckmeister, Wst, Xenophon Archivo:Andrea Mantegna 096.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Andrea_Mantegna_096.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: G.dallorto, Gryffindor, Mattes, Warburg, Werckmeister Archivo:Andrea Mantegna 098.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Andrea_Mantegna_098.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Mattes, Wst Imagen:Francisco de Zurbarn 035.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Francisco_de_Zurbarn_035.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Alexei Kouprianov, EDUCA33E, Evrik, G.dallorto, Mattes, Miniwark, R. Engelhardt, Shakko, Wst, Xenophon, Zinnmann, 1 ediciones annimas Archivo:Venus Arles.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Venus_Arles.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: User:Sting, User:Sting Archivo:Arles Roman theater pillar ruins.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Arles_Roman_theater_pillar_ruins.jpg Licencia: GNU Free Documentation License Contribuyentes: User:ChristianBier, User:Lukius Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n4.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Venus_de_Milo_Louvre_Ma399_n4.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: User:Jastrow Archivo:Furtwngler-Restortation-Venus-de-Milo.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Furtwngler-Restortation-Venus-de-Milo.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: unknown Imagen:Sandro Botticelli 027.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Sandro_Botticelli_027.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, Bibi Saint-Pol, EDUCA33E, G.dallorto, Miniwark, Neddyseagoon, Shakko, Zirland Imagen:Correggio 061.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Correggio_061.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Ham, Natl1, Neddyseagoon, Xenophon, 1 ediciones annimas Imagen:Victory_of_Samothrace.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Victory_of_Samothrace.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: User:Alejandro.rogers Image:Eyck madonna rolin.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eyck_madonna_rolin.jpg Licencia: desconocido Contribuyentes: Kilom691, Man vyi, Mattes, Menze, Salignac, Shakko, Wst Image:Virgin with Chancellor Rolin-Detail.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Virgin_with_Chancellor_Rolin-Detail.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Emijrp, Locutus Borg, Mattes
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Historia del edificio

Restos de la fortaleza original sobre la que se construy el palacio.

El Louvre y su Pirmide vistos desde el Arco del carrusel.

Museo del Louvre

Museo del Louvre

Museo del Louvre

Madonna con ngeles, Cimabue, h. 1270

Retrato de Juan II el Bueno, annimo, h. 1350

Victoria alada de Samotracia.

Venus de Milo, de la Antigua Grecia.

Museo del Louvre Renacimiento: Siglo XVI

Las bodas de Can, por el Verons

La Gioconda, por Leonardo da Vinci

La Virgen, el Nio Jess y santa Ana, por Leonardo da Vinci

Exvoto de 1662, Philippe de Champaigne (1662)

Bodegn con gato y raya, Chardin, 1728

Retrato de la condesa del Carpio, Francisco de Goya (1794-1795) Siglo XIX

Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, Gros, 1804

La balsa de la Medusa, Gricault, 1819

La libertad guiando al pueblo, Delacroix, 1830

El Louvre en la literatura y el cine

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Museo del Louvre.Commons

ngel (Rafael, Pars)

ngel (Rafael, Pars)

ngel (Rafael, Pars)

iba a ahogarse, 26.7 x 51.8 cm. Detroit, Institute of Art.

ngel (Rafael, Pars)

Anunciacin (Leonardo, Louvre)

Anunciacin (Leonardo, Louvre)

Autorretrato con pintura y pinceles

Autorretrato con pintura y pinceles

Autorretrato de Durero (Louvre)

Autorretrato de Durero (Louvre)

Anlisis del cuadro

- Pgina web oficial

Baptisterio de San Luis

Baptisterio de San Luis

Vdeo en youtube de la pieza

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

El contraataque de Micheletto da Cotignola, detalle

La Batalla de san Romano

(Museo del Louvre, en francs).

Batalla de San Romano

Bonaparte cruzando los Alpes

Bonaparte cruzando los Alpes

Bonaparte cruzando los Alpes

Contraste con la representacin de David

Bonaparte cruzando los Alpes

La luz mbar cae sobre Napolen, permitiendo la introduccin del contraste.

Detalle del rostro de Napolen y su caballo perteneciente a la versin de David.

Bonaparte cruzando los Alpes

Rembrandt lo pint en su etapa de

Caballero, la Muerte y el Diablo

Durero: Estudio de un caballo (1495)

Caballero, la Muerte y el Diablo

en la pgina web del Museo del Louvre

Carlos I de Inglaterra (Van Dyck)

Anlisis del cuadro

Carlos I de Inglaterra (Van Dyck)