Historia de otros ritmos latinos

SALSA

La 'salsa' es el resultado de una serie de condicionantes sociales y de la

evolución de la música cubana principalmente y de otras zonas del Caribe en
New York. Este fenómeno tiene su auge a finales de la década de los sesenta,
desarrollando las inquietudes de la gente latina que vivía en 'El Barrio', lugar
donde se agrupaban la mayoría de los emigrantes de las zonas del Caribe.
La salsa toma por tanto elementos latinos y afrocubanos, y desarrolla con la
inclusión de ciertos instrumentos, una fuerza mayor que el son cubano,
aumentando así la riqueza de los ritmos binarios de Cuba que convierte a este
ritmo en tremendamente bailable.
En los temas de 'salsa', los intérpretes, y en ocasiones los instrumentos,
muestran su rabia acerca de los problemas de amor, de delincuencia, de drogas
que tienen lugar en 'El Barrio' de New York.

Una buena muestra del sonido de la salsa y de los temas que trata la
encontramos en la canción 'Pedro Navaja', de Rubén Blades asi como en los
primeros trabajos de Willie Colón con títulos tremendamente agresivos como 'El
malo', 'Asalto navideño', 'La conspiración', 'Tiempo pa'matar' o 'Lo mato'.

En la actualidad la 'salsa' esta prácticamente desvirtuada de su original

concepción y lo que ahora entendemos por 'salsa' se ha convertido en 'pop
latino' y otras derivaciones musicales; ya que la 'salsa' tuvo su tiempo, su lugar y
sus condicionantes sociales y se denominó así por criterios puramente
comerciales, de hecho tanto a Celia Cruz como a Tito Puente nunca les gustó
esa denominación.

Ahora todas las multinacionales de la industria del disco se empeñan en

hacernos creer que todo lo interpretado con percusión latina tiene que ser
'salsa'.

MAMBO.

Baile originario de Cuba que se convirtió en uno de los ritmos latinoamericanos

más populares de mediados de la década de 1950.
El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, mezcla de música
latinoamericana y jazz, y se caracteriza por presentar un tiempo de silencio en
cada compás, que se corresponde con una pausa en el movimiento de los

1
bailarines con el fin de acentuar la síncopa (desplazamiento del acento rítmico
del tiempo fuerte al tiempo débil del compás).
Se baila en pareja, trasladando una pierna extendida hacia adelante o hacia el
costado mientras la otra se mantiene en flexión siguiendo el ritmo básico.
Con el paso del tiempo desarrolló tres ritmos diferentes: el mambo sencillo, el
doble y el triple. Éste último dio paso al cha-cha-chá, muy en uso todavía en
los concursos de baile de salón de América Latina.
La escena del “Dance in the Gym” (Baile en el gimnasio), deWest Side
Story (1961, Robert Wise y Jerome Robbins), con coreografía de éste último,
presenta una forma de mambo muy teatralizada.

MILONGA.

Canción bailable de movimiento lento y compás binario que surgió hacia 1870
con los bailes populares de Montevideo (Uruguay), extendiéndose rápidamente
a su vecina Buenos Aires (Argentina). Suele constar de un corto preludio de
guitarra, después del cual se cantan toda una serie de estrofas de 4, 6, 8 o 10
versos y se utiliza en los típicos debates o controversias que en esos países
suelen establecerse entre dos cantantes populares.
Al adoptar la décima se asemejó al estilo argentino-uruguayo, que ya la tenía
como metro poético; sin embargo, el ritmo es diferente en este último, que
además es siempre en tono menor. Como baile pertenece al tipo llamado de
salón, es decir, que las parejas lo ejecutan enlazadas; también abundan en
dicho género las secciones intermedias semirrecitadas con acompañamiento.
La milonga es muy similar al tango, con el cual se fusionó o confundió a
principios del siglo XX.
También se denomina milonga a una copla española de origen andaluz
derivada de este baile.

CUMBIA.

Baile de origen africano, cuya raíz es el cumbé, danza típica de Guinea

Ecuatorial, muy popular en Panamá, Venezuela, Perú y sobre todo en
Colombia, donde se la considera danza nacional junto al bambues, el pasillo, la
guatina, el galerón, la chispa, el porro, el torbellino y otras.
Se acompaña con instrumentos típicos como el rabel (violín rústico), la
tambona y otros autóctonos; su ritmo se basa en la ejecución del tambor
costeño.
Originariamente su coreografía se organiza en base a una serie de parejas
sueltas que portaban velas o antorchas encendidas como ofrenda a sus
compañeros.

2
BACHATA.

Género musical de poca trascendencia pero de muy fuerte arraigo en la clase

baja y zonas rurales.
Fue tradicionalmente despreciado por los músicos profesionales como carente
de calidad y valor artístico. Tonadas simples y repetitivas, así como letras
sencillas y temática machista y de despecho son sus características
principales.

Pero sin dejar de reconocer su arraigo y tomándola como punto de partida,

músicos de la talla de Víctor Víctor, Juan Luis Guerra y Luis Díaz la rescatan,
embelleciendo sus letras y adornando su música con una mejor
instrumentación y arreglos más actualizados.
Así, ha surgido recientemente una presencia de varios artistas (Juan Luis
Guerra, Víctor Víctor, Anthony Ríos, Manuel Jiménez, etc.), conocidos en otros
géneros y que incursionan en la bachata, los cuales podríamos denominar de
bachateros de moda, en contraste con los verdaderos bachateros, o músicos
populares en este género, como Anthony Santos y Teodoro Reyes.

LAMBADA.

Del portugués oscuro lambada: que significa el movimiento producido por un

latigazo. La lambada nació como género tras el éxito del grupo musical Kaoma
titulado "Lambada" en 1989. Desde Brasil, la fogosidad de la lambada
rápidamente contagió a los fríos europeos.

La Lambada es un baile con un sencillo ritmo de uno-dos-tres. Los pasos y

movimientos son una fusión de salsa, merengue, tango y zouk.

Este baile vino a Europa desde Brasil, y fue popularizada por el grupo Kaoma,
con su gran éxito Lambada, el 1989. La música es hoy en día muy variada,
procedente principalmente de Brasil, el Caribe francés, Francia y España.

El mundo de la Lambada es un mundo brasileño y portugués oscuro, y

representa las olas como un movimiento causado por un azote. Este continuo
movimiento de ola se representa con los cuerpos de los bailarines, y es una de
las cosas que distingue la Lambada del resto de bailes.

La música proviene de Porto Seguro, Bahia y Brasil, donde se originó la

Lambada.

3
SON.

El son se puede considerar como el abuelo de la mayoría de los ritmos latinos

que tenemos ahora.

El son, como genero propio se sigue bailando a un ritmo más acelerado y

aderezado con nuevos arreglos musicales de artistas latinos y extranjeros. En
México, varias danzas folklóricas son también conocidas como sones.

Los primeros sones cubanos vienen de los negros de Cabo Verde. Sin embargo
el verdadero auge del son nace a finales del siglo XIX en la Habana y las
antillas. Ganó su aspecto de nobleza a la mitad de los años 1920's. En ese
entonces aparecieron bailarines profesionales de son, que se dedicaban a bailar
en los salones y dar espectáculos en los cabarets.

El ritmo se ha acelerado un poco y varios artistas de pop y rock se han

interesado en hacer nuevas adaptaciones del ritmo. . El paso básico consiste en
un chassé, con una suspensión o dos pasos. Puede haber giros y movimientos
de manos y cadera.

CONGA.

Género bailable y cantable. Baile popular cubano de origen africano que tiene un
ritmo sincopado y se acompaña con tambores. Sirve de música para las
comparsas carnavalescas. Se originó en las festividades que efectuaban los
negros esclavos.

En su instrumental participan tambores de diversos tipos, abarrilados y de un

solo parche (conga, tumbadora, quinto); bombo, cencerros, sartenes y otros
objetos de metal.

Pasó, en los inicios de la República, a ser elemento de propaganda política,

utilizada por los candidatos en el período pre-electoral para mover las masas
populares tras sus ritmos y cantos, en los que se propugnaba su triunfo. "El baile
se reduce a marchar al compás del ritmo característico, en que alternativamente,
en todos los compases pares, se destaca una síncopa que los bailadores
subrayan levantando ligeramente una pierna y marcando el golpe con un brusco
movimiento del cuerpo". (Emilio Grenet: Música Popular Cubana, 1939) Luego
se bailó de un modo más libre.

La conga más grande de la que se tiene registro fue la Miami Super Conga que
tuvo lugar en la Calle 8 el 13 de marzo de 1988. La línea estaba formada por
119.986 personas.

4
Pop
Para otros usos de este término, véase Pop (desambiguación).

Michael Jackson, el "Rey del pop".

La música pop es un género musical que, al margen de la instrumentación y

tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal "verso -
estribillo - verso", ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y
normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros
géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y
percusiones lineales y repetidas. La música pop moderna tienes unos
componentes comunes de ritmos fuertes y vivaces y melodías simples, a
menudo pegadizas. La mayor parte de los temas pop suelen ser canciones. La
palabra "pop" proviene de la abreviación en inglés de la palabra popular.1

Los grupos famosos y estrellas del pop han congregado a multitudes en sus
conciertos. Millones de personas de todo el mundo se reunieron delante de sus
televisores para presenciar el Live Aid, concierto celebrado en Londres en el año
1985 para ayudar a paliar el hambre en África. En el pop español destacan
grupos y cantantes de los años sesenta y setenta como los Bravos y Joan

5
Manuel Serrat, y a finales del siglo XX, El último de la fila, Nacha
Pop, Mecano y Miguel Bosé.

Históricamente, la expresión "música pop" no era entendida como un género

musical con características musicales concretas. Lo catalogado como música
"Pop", apócope de “música popular”, era entendida como lo contrario a la música
de culto, a la música clásica. Bajo esta definición entraban géneros como,
el funk, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese gran grupo de
música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido
ganándose su acepción como género musical independiente, librándose,
además, del sentido peyorativo y negativo al que se le vinculaba.[cita requerida]

La proliferación del pop y sus múltiples subgéneros hace imposible que sus
clasificaciones representen divisiones puras.

Contenido
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• 1 Terminología
• 2 Características
• 3 Subgéneros del pop
o 3.1 Mainstream (Pop comercial)
o 3.2 Pop independiente inglés
o 3.3 Pop independiente español
o 3.4 Pop latino
o 3.5 Pop tradicional
• 4 Referencias

• 5 Enlaces externos
[editar]Terminología

El Diccionario de la Lengua Española define «pop» como «un cierto tipo de

música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música
folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un
acortamiento de popular (popular).1

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido
de una pieza musical «que tenga atractivo popular».2 A partir de la década de

6
1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto,
destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa
suave al rocanrol.3 4A raíz del auge de los artistas británicos de la conocida
como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez
más en oposición al concepto demúsica rock, para describir una forma musical
más comercial, efímera y accesible.5 Aunque la música pop es contemplada a
menudo como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no
consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha
contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre
ellas la música clásica, el jazz o el rock, mientras que la música pop como
género es generalmente contemplado con una existencia y desarrollo separado.6

[editar]Características

Los musicólogos suelen identificar una serie de características como típicas del
género de música pop: un enfoque en canciones individuales
o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o álbumes; el objetivo de
atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología;
una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas;
cierto énfasis en la grabación, producción ytecnología, antes que la actuación en
vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los
desarrollos progresivos.3 4 5 7

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo entre dos y

medio y tres minutos y medio de duración, en general, marcada por un elemento
rítmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido y
una estructura tradicional y simple.8 Las variantes más comunes son el verso-
coro y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las
melodías pegadizas y un coro que
contrastamelódica, rítmica y armónicamente con el verso.9 El ritmo y las
melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico
limitado.10 Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en
temas simples - a menudo el amor y las relaciones románticas - aunque hay
también notables excepciones.3

Según el crítico de rock y sociólogo británico Simon Frith, la música pop se

produce «como una cuestión de empresa, no de arte ... está diseñado para
atraer a todo el mundo» y «no proviene de ningún lugar en particular o marca

7
ningún gusto particular». No está «conducida por ninguna ambición significativa,
excepto el lucro y la recompensa comercial ... y, en términos musicales, es
esencialmente conservadora.» Es «proveída siempre desde lo alto (por las
compañías discográficas, programadores de radio y promotores de conciertos)
en lugar de estar hecha desde abajo ... El pop no es una música "hecha por uno
mismo", sino que es profesionalmente producida y envasada».11

[editar]Subgéneros del pop

[editar]Mainstream (Pop comercial)

Este es el tipo de pop comercial, este tipo es el que más compite y obtiene
mejores ganancias, dentro del encontramos artistas y grupos como Spice
Girls, Madonna, Britney Spears, Gwen Stefani, Backstreet Boys, Robbie
Williams, Céline Dion, Justin Timberlake, Christina Aguilera, Elton John, Michael
Jackson, Kylie Minogue, Prince, o Bee Gees.

[editar]Pop independiente inglés

A principios de 1980 hubo una revolución llamada Pop Independiente
Anglosajón, en Estados Unidos y Reino Unido donde surgieron bandas
independientes como: U2, The Smiths, The Police,. En los años 90s y los 2000
aparecieron bandas como: Blur, Suede, Pulp, Placebo, Oasis, Coldplay, Keane.

[editar]Pop independiente español

A ésta pertenecen todas las agrupaciones cuyas compañías discográficas no
cuentan con grandes presupuestos y que por tanto no compiten con el
"mainstream". Su carácter underground les confiere cierto carácter de culto, que
se incrementa en ocasiones con una lírica creativa algo difícil de asimilar en una
primera escucha. La creación musical está fortalecida frente a la promoción o la
rentabilidad del producto. Frecuentemente engloba a formaciones musicales
incluso sin distribución y/o edición de la obra pero con gran ámbito de notoriedad
en sus localidades de origen. Las primeras formaciones en darse a conocer por
este tipo de sonidos fueron bandas tales como: Los Piratas, Los
Planetas, Maga e incluso Niños Mutantes, la primera de ellas hoy inexistente.

[editar]Pop latino
Artículo principal: Pop latino

8
En este tipo de pop encontramos artistas cuyas raíces son latinas en incluso se
pueden destacar algunos artistas con raíces italianas y portuguesas. Algunos
artistas de este subgénero se han ganado su lugar en el Mainstream,
encontramos artistas como: Juanes, Shakira, Paulina Rubio, Julieta
Venegas, Wisin & Yandel, Ricky Martin, Thalía, entre otros.

[editar]Pop tradicional
Es aquel que se ha generado con la estructura musical tradicional:
voz, bajo, batería y guitarra, entre otros instrumentos que den una gran sencillez
y que al público le agrade para lograr un gran éxito.

[editar]Referencias

1. ↑ a b Pop en el Diccionario de la Lengua Española.

2. ↑ J. Simpson and E. Weiner, Oxford English Dictionary (Oxford:
Oxford University Press, 1989), cf pop.
3. ↑ a b c S. Frith, "Pop Music" en S. Frith, W. Stray and J. Street, The
Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge University Press,
2001), pp. 93–108.
4. ↑ a b «Early Pop/Rock». Allmusic. Consultado el 07-08-2009.
5. ↑ a b T. Warner, Pop music: technology and creativity: Trevor Horn
and the digital revolution (Aldershot: Ashgate, 2003), p. 3.
6. ↑ R. Serge Denisoff, and William L. Schurk. Tarnished gold: the
record industry revisited (Transaction Publishers, 3rd edn., 1986), pp. 2–
3.
7. ↑ R. Shuker, Understanding popular music (London: Routledge,
2nd edn., 2001), pp. 8–10.
8. ↑ W. Everett, Expression in Pop-rock Music: A Collection of Critical
and Analytical Essays (London: Taylor & Francis, 2000), p. 272.
9. ↑ J. Shepherd, Continuum Encyclopedia of Popular Music of the
World: Performance and production (Continuum, 2003), p. 508.
10. ↑ V. Kramarz, The Pop Formulas: Hamonic Tools of the Hit
Makers (Mel Bay Publications, 2007), p. 61.
11. ↑ Frith (2001), pp. 95–6.

9
Marcha
Para otros usos de este término, véase Marcha (desambiguación).
La marcha es una obra musical que entra dentro de las composiciones definidas
por el movimiento o por el ritmo. Puede ser considerada dentro de las danzas
andadas. Una marcha regula el paso de un cierto número de personas.

Se estructura en compás binario o cuaternario, aunque el más común es el

binario. Su ritmo lleva a la división de los tiempos en dos valores desiguales,
siendo el primero más largo que el segundo, para lo que se suele hacer uso
del puntillo. De esta manera se consigue una acentuación que ayuda a llevar el
paso.

Contenido
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• 1 Tipos de marcha
o 1.1 Marcha militar
• 2 Véase también

• 3 Enlaces externos
[editar]Tipos de marcha

Una marcha puede presentar características muy diferentes, según sea la

finalidad para la que está compuesta:

 Marcha fúnebre, con andar lento

 Marcha procesional
 Marcha nupcial, con aire solemne
 Marcha redoblada o pasodoble
 Marcha circense, de paso apresurado

[editar]Marcha militar
Artículo principal: Marcha (militar)

10
En las marchas militares más antiguas se hacía uso del tambor para su
acompañamiento; a veces también se incluía el pífano y la trompeta. En los
tiempos modernos una marcha va acompañada de una banda musical en la que
intervienen varios tipos de instrumentos de viento y percusión.

La marcha militar se estructura principalmente con pasos. Los pasos pueden ser
largos, cortos, rápidos, lentos, etc. La ejecución de los pasos que implican la
marcha puede hacerse acompañada con música de marcha o simplemente con
órdenes de palabra que ejecuta algún mando. De acuerdo con esta variedad las
marchas pueden ser de:

 Paso corto, a razón de 120 pasos por minuto con una longitud de 33 cm
en la zancada.
 Paso atrás, que es un movimiento retrógrado. Su velocidad es de paso
ordinario y la zancada de 33cm.
 Paso largo, con velocidad de 120 pasos al minuto y zancada de 75 cm.
 Paso ligero, con 180 pasos al minuto y zancada de 83 cm.
 Paso ordinario, con velocidad de 120 pasos al minuto y zancada de 65
cm.
 Paso doble, con una característica especial que hace que la tropa pueda
llevar el paso ordinario.
 Paso lento, con velocidad de 76 pasos al minuto y zancada de 55 cm.

A veces los pasos se marcan siguiendo el compás de la marcha pero sin

avanzar ni retroceder. Es lo que se llama marcar el paso.

Jazz
Para otros términos similares, véase Jazz (desambiguación).

Jazz

11
Orígenes musicales: Blues, Música
africana,música clásica

Orígenes culturales: Mediados del Siglo

XIX enEstados Unidos

Instrumentoscomunes: Trombón - Trompeta - Bat

ería- Guitarra - Contrabajo
-Piano - Clarinete - Saxof
ón -Vibráfono - Fagot - Ór
gano
Hammond - Bajo - Flauta
-Corneta - Tuba - Voz

Popularidad: Muy alta en Estados

Unidos a comienzos
del Siglo XX y con un
auge en círculos
intelectuales
desde 1950 en adelante en
todo el mundo.

Subgéneros

Big Band - Swing - Bop - Cool - West coast jazz -

Free Jazz - Jazz Modal - Modern Creative - Trad
Jazz - Bebop - Hard Bop - Jazz Vocal - Avant-
Garde- Smooth Jazz - Acid jazz - Post-
bop - Standards -Ragtime - Dixieland - New Orleans
Hot

Fusiones

12
 Jazz Rock - Bossa Nova - Jazz Rap - Crossover
Jazz- Fusión - Soul Jazz - Fusión mundial - Latin
Jazz -Afro-Cuban Jazz - Ska-Jazz

Enlaces

Categoría:Jazz - Otros artículos

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados

Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:

 En primer lugar, tanto por su constante asimilación de otras tendencias

musicales estilística o culturalmente ajenas a él, como por su capacidad de
mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales, como el rock
and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
 En segundo lugar, por la sucesión de forma ininterrumpida de un
numeroso conjunto de subestilos que, vistos en perspectiva, manifiestan
entre algunos de ellos enormes diferencias musicales (véase el catálogo de
estos subgéneros en el cuadro de la derecha).

La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el
6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el
tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus
integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.1 En estos primeros años, la
forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter
Kingsley, colaborador del New York Sun, "el término es de origen africano,
común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior".2 No obstante,
puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del
mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto
sexual en el argot norteamericano.

El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música

en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva

13
York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente
había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915.

Contenido
[ocultar]

• 1 Concepto
• 2 Historia del jazz
o 2.1 Orígenes
 2.1.1 Los primeros músicos de jazz
o 2.2 Desarrollo del jazz
o 2.3 La escena musical estadounidense a comienzos del siglo XX
o 2.4 El jazz de Nueva Orleans
o 2.5 Otros estilos regionales
• 3 Movimiento por los derechos civiles y el jazz
• 4 Artistas destacados
• 5 Véase también
• 6 Fuentes y referencias
• 7 Notas

• 8 Enlaces externos
[editar]Concepto

El jazz se caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones a partir de la

lectura fiel de una partitura (a pesar de que muchos músicos de jazz dominen el
lenguaje musical): la base de la interpretación y el estilo jazzístico es
la improvisación. En cualquier caso, exceptuando al free jazz o algunas jam
session (donde suele suceder que no se trabaje sobre ningún tema ya
conocido), improvisar significa que elintérprete recrea libremente el tema en
cada ejecución sobre una determinada estructura armónica, ya sea en público o
en un estudio de grabación: la melodía funciona como tema principal e idea para
desarrollaruna posible interpretación. En este sentido, la música de jazz se
centra más en el intérprete que en el compositor.

La improvisación diferencia de forma primordial al jazz de otros estilos musicales

de la tradición musical occidental, como la música clásica europea. En este

14
sentido, el jazz recupera en la música occidental la improvisación como esencia
musical, como existe en la mayor parte de las tradiciones musicales de origen no
europeo, especialmente de los ritmos africanos, con predominio del uso
de síncopas y de determinadas formaciones orquestales.

En cuanto a su repercusión pública, la subordinación de la melodía (el factor

más valorado, por ejemplo, en la música pop) a la libertad creativa del artista, ha
alejado históricamente al jazz de una presencia comercial masiva.

El patrón subyacente sobre el que se delinean melodías sincopadas y figuras

rítmicas (frecuentemente, un ritmo aditivo)3 es metronómico y la organización
armónica tonal emplea frecuentemente la escala delblues con fines melódicos.
Son recursos habituales las blue notes, síncopas, ritmos
múltiples, vibratos y glissandos. El formato de los temas de jazz es, en la
mayoría de las interpretaciones, el del blues y el de la canción popular.

El jazz es habitualmente interpretado por formaciones en las que se destaca un

instrumento solista (concertino) acompañado de una sección rítmica
(ripieno formado por una batería, un contrabajo o bajo eléctricoy algún
instrumento armónico como el piano, el banjo o la guitarra). Las formaciones
pueden ser muy variables, desde solistas sin acompañamiento, tríos, cuartetos o
quintetos, hasta las grandes Big Bands en las que la improvisación juega un
papel secundario.

La libertad interpretativa, que es definitoria del jazz, ha llevado al uso de un

término histórico, swing, como sinónimo de una determinada calidad rítmica que
es percibida de una forma completamente subjetiva. Los instrumentos de la
sección rítmica adaptan las figuras de sus improvisaciones o acompañamientos
de acuerdo al tempo elegido para la interpretación. Al ser variable y subjetivo, no
existe consenso sobre la notación correcta del swing y se suele aceptar escrito
en corcheas.

[editar]Historia del jazz

[editar]Orígenes

15
The Old Plantation, pintura de finales del siglo XVIII. En ella se muestra a
esclavos afroamericanos bailando al son de un banjo y percusión.
El género se desarrolló en embrión a partir de las tradiciones de África
occidental, Europa y Norteamérica que hallaron su crisol entre la comunidad
afroamericana asentada en el sur de Estados Unidos.4
Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la
zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro
jazzístico durante la primera época del jazz),5 a donde llegaban grandes
remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de
África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o
"Costa de los esclavos".

Livery Stable Blues

Grabación original de
la Original Dixieland Jass
Band del 26 de febrero de
1917. Duración: 3:10.
Considerada la primera
grabación publicada de jazz.

Autor: Original Dixieland

Jass Band

¿Problemas al escuchar este archivo?

VeaAyuda:Multimedia.

En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba

específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron
que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los

16
pies para disfrutar de sus fiestas y su música característica. Sin embargo, la
prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo Square) de Nueva
Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para
reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales
como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, lasquijadas, el
piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas.

Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona

estadounidense, la africana y la europea.

La comunidad afroamericana del sur de los Estados Unidos desarrolló su

expresión musical a través de la improvisación creativa sobre el material que le
proporcionaban las músicas religiosas (especialmente, los bailes y rituales
vinculados al vudú) y seglares propias traídas de África, la tradición instrumental
de las orquestas estadounidenses (sobre todo, las bandas militares) y las formas
y armonías de la música europea.

Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de

ritmos e instrumentos asociadas a la vida de los esclavos, por lo tanto
interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. La
improvisación es ya, en estos primeros momentos, un componente esencial de
estas músicas, que las contrapone a la música compuesta de los blancos.

Los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas con el cristianismo

protestante que les impusieron sus amos, lo que constituyó el caldo de cultivo
apropiado para el desarrollo de los espirituales. Es importante observar el hecho
de que, a pesar de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la
tradición musical europea que los esclavos conocieron en Estados Unidos
ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la escala diatónica era
común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural en
que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su
música, la consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su
legado musical en el momento de fusionarse con los elementos compatibles de
la música europea y estadounidense, con lo que se consiguió un híbrido con
notable influencia africana.

La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el sur, permitió la llegada

de gran cantidad de instrumentos musicales a las manos de los esclavos recién
liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.

17
Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se
formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que,
a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música
popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en
los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, los 'reeds' o
'instrumentos de lengüeta' como el clarinete, y la batería.

Los músicos negros solían utilizar la melodía, la estructura y el ritmo de las

marchas como punto de salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación
Nacional para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a Harlem") se
dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el ritmo y la melodía, emergía
desde los confines de la tradición musical europea, aun a pesar de que los
intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto afroamericano por
diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que
surgirían después muchos de los más grandes intérpretes del jazz."[cita requerida]

Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans, muchos músicos negros

consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas para
tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en
la articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a
través de las comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes
ciudades del norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el aullido, la
estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy) y el espíritu del ragtime,
dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del ritmo. Así las cosas,
las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron
básicamente el producto de músicos autodidactas.

El endurecimiento de las leyes ‘Jim Crow’ en Luisiana a finales del XIX (que
promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero
separados") hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de
diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos
artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en
gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar
sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en la
ya cercana época de las grandes bandas.

18
Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de músicos negros que
actúan de forma autónoma y conjuntada como tales, se van estandarizando
algunos estilos o géneros:

 Los field shouters o lamentos de los esclavos expresando la crueldad de

sus largas horas de trabajo, a los que luego fueron incorporados algunos
instrumentos occidentales y principalmente, el ritmo sincopado africano.
 El blues: asociado a la descripción de un estado emocional desconsolado
o marcado por la depresión, aunque no sea intrínsecamente pesimista:
expresa problemas relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas
familiares, la opresión, pero los reconduce con su expresión hacia la
experimentación de una catarsis que deriva bien en la resignación, bien en el
optimismo. El entorno original del blues es el gueto negro urbano y la granja
rural.6

El blues cuenta con una historia en gran medida independiente del jazz, a pesar
de que su papel crucial en la creación y desarrollo del jazz resulta innegable. El
formato musical, la escala y los rasgos interpretativos del blues forman parte del
jazz y son decisivos para la comprensión de dicho género.7

 Las worksongs o canciones de trabajo en las plantaciones de algodón;

 También la música de baile de las plantaciones contribuyó con seguridad
a la formación del jazz y sus intérpretes son probablemente un precedente de
sus primeros combos. Esta música servía para acompañar el baile y la
aportaba un grupo de tres músicos: violín, banjo y percusión ligera (que a
finales del siglo XIX contarían también con contrabajo o violonchelo y
trompeta o corneta);
 La comedia, el vodevil y los minstrels;
 Los espirituales;
 Las marchas ejecutadas por brass bands, bandas callejeras que actuaban
en desfiles, cortejos, etc.;
 El ragtime, "la primera música negra que consiguió amplia popularidad y
distribución comercial",8 y de enorme influencia en toda la música
estadounidense y en la música clásica de la época en general.

19
La mayoría de las consideraciones musicales relativas al jazz anterior a 1917
son materia de especulación, pues apenas existen grabaciones de lo que hoy se
suele conocer como jazz.9
Se considera a Buddy Bolden, cornetista y director musical, como el primer
músico de Nueva Orleans que tocó jazz.

[editar]Los primeros músicos de jazz

Louis Armstrong, uno de los pioneros del jazz.

Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por
poseer una sección rítmica cuya función no era melódica y que evolucionaría
hasta componerse de piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia
del piano para el nuevo estilo fue fundamental:

Mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad autosuficiente

que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y
rítmicos de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en
dos de estas tres funciones: el patrón armónico y el ritmo propulsivo.10
Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros
combos jazzísticos. El instrumento melódico fundamental era la trompeta o
corneta, que servía para delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.

En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King
Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney
Bechet y Buddy Bolden.

El ritmo de los grupos de Nueva Orleans (...) se caracterizaba por operar en tres
niveles: el pulso de negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u
ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la primera línea

20
consistía en ornamentación, obbligato e invención contramelódica. (...) El
conjunto musical incluía elementos formales.
Rítmicamente, los dos rasgos característicos del jazz de Nueva Orleans eran el
break, originador de homofonía, y el stomp, con rasgos polifónicos.11

Por lo demás, el jazz de los primeros tiempos tenía una clara funcionalidad
social, tocándose en funerales, bodas, bailes, etc. Esta asociación con
elementos populares conllevó que el jazz fuese vinculado a la vida licenciosa,
ganándose las constantes críticas de la prensa a partir de los primeros años
veinte por considerarse un síntoma de un generalizado declive moral.

[editar]Desarrollo del jazz

Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver,
con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth
Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de
inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones
hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong -
segunda trompeta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta
de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe
Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo. Otro gran
iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso
del clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también
en 1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild
Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y en especial, el magistral "House Rent
Blues".

Miles Davis en Niza (Francia), en 1989.

21
Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la década del 40, fueron
las grandes bandas quienes dominaron la escena musical. Hacia 1929, había en
Estados Unidos unos 60.000 grupos de jazz y casi 200.000 músicos
profesionales.12

El swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una
música perfecta para el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada.
Las composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran libertad a la
improvisación aunque esta no fuera la regla. En principio las grandes bandas
eran raciales pero finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros.
Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher
Henderson, Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman, entre otros.

El bebop (1940-1950), la revolución musical base de todo el jazz moderno,

coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta
noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la
Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más perverso de esa
huelga fue retrasar oficialmente el nacimiento de aquella nueva música que se
estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya
histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en Nueva
York. Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk fueron los grandes
gestores de este género musical.

El cool o West Coast jazz, y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este

período en una pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa
Oeste de Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck, Paul
Desmond y otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una impronta
estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este
surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y
losJazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en
considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz,
sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados
que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o free jazz. Ornette
Coleman fue acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles
Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las
críticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas. John Coltrane,
quien formó parte de algunas formaciones lideradas por Davis, es otro de los
músicos insoslayables de este lenguaje musical.

22
A fines de los años 1960 y comienzos de los años 1970, el jazz se mezcló con el
rock para dar lugar a agrupaciones como Soft Machine, Mahavishnu
Orchestra, Weather Report, Return to Forever, bandas integradas por muchos
de los músicos que habían participado del disco Bitches Brew de Miles Davis (o
que habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de un estilo
llamado fusión o Jazz Rock. Ellos son: Robert Wyatt, John Mc Laughlin, Chick
Corea, Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Ron Carter, Joe
Zawinul, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Lenny White. Si bien la moda del jazz-
rock pasó, estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras
interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-, aparecieron otros
nombres: Jaco Pastorius -muerto trágicamente en 1987, víctima de un custodio
de un bar-, Michael Brecker y su hermano Randy Brecker, Pat Metheny, Bill
Frisell, Mike Stern, David Fiuczynski, Esbjörn Svensson Trio, etc. The "new
wave":

[editar]La escena musical estadounidense a comienzos del siglo XX

Al inicio del siglo XX la sociedad estadounidense había comenzado a despojarse
de la opresiva y rígida formalidad que había caracterizado a la era victoriana.

Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y 'trovadores' (los "minstrel
shows") o las melodías de Stephen Foster, la influencia de las tradiciones
musicales afroamericanas aparecía como parte integrante de la música popular
estadounidense y lo hizo así durante generaciones.

Los clubes, las salas de baile y los cafés (‘tea rooms’) comenzaron a aparecer
en todas las ciudades. Curiosamente los bailes llamados negros, que se
inspiraban en movimientos africanos –como el ‘shimmy’, el ‘turkey trot’, el
‘chicken scratch’, el ‘monkey glide’, y el ‘bunny hug’- fueron adoptados por un
público blanco. El ‘cake walk’, desarrollado por esclavos como parodia de los
bailes formales de sus amos, se convirtió en el último grito. El público blanco
aprendía estos bailes viéndolos primero en programas de vodevil y observando
luego a bailarines profesionales en los clubes.

En aquellos tiempos la música de baile popular no era el jazz aunque se

encontraban ya formas precursoras, por ejemplo en la experimentación e
innovación musical del blues o el ragtime, que pronto florecerían como jazz.
Compositores neoyorquinos (los conocidos como el grupo de la ‘Tin Pan Alley’,
entre ellos Irving Berlin), incorporaron la influencia del ragtime a sus

23
composiciones aunque apenas utilizaban los mecanismos específicos que eran
naturales a los artistas del jazz –los ritmos, las blue notes. Pocas cosas
consiguieron más para hacer popular este tipo de música que el éxito de Berlín
de 1911 llamado "Alexander's Ragtime Band", que se convirtió en una auténtica
locura tanto en los Estados Unidos como en Europa (especialmente en Viena).
Aunque la canción no estaba escrita como un ragtime, la letra describe a un
grupo de jazz que convertía canciones populares a ritmos de jazz –como en la
línea donde dice: "si quieres oír el ‘Swanee River’ tocado en ragtime…".

[editar]El jazz de Nueva Orleans

Una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron al desarrollo inicial del
jazz. Probablemente el primer movimiento musical al que comúnmente se
denominó jazz (frecuentemente escrito 'jass' entonces) fue el desarrollado en el
área de Nueva Orleans, en Luisiana.

La ciudad de Nueva Orleans y las áreas circundantes siempre han sido un

centro musical regional. Gente de diferentes naciones de África, Europa y
Latinoamérica contribuyeron al rico patrimonio musical de Nueva Orleans. En la
era colonial de Francia y España, los esclavos tenían más libertad de expresión
cultural que los de las colonias inglesas que luego se convertirían en los Estados
Unidos. En las colonias protestantes, la música africana era vista como "pagana"
y era comúnmente suprimida, mientras que en Louisiana era aceptada. Las
celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square"
en Nueva Orleans hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos
interesados, y algunas de sus melodías y ritmos fueron usados en las
composiciones del compositor Louis Moreau Gottschalk. Además de la población
esclava, Nueva Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color
libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban
instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones
de folk.

De acuerdo con muchos músicos de Nueva Orleans que recordaban la época,

las figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante
trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado
como el primero en tomar el blues -hasta el momento una música folclórica
cantada y acompañada por instrumentos de cuerda o armónica- y arreglarlo para
instrumentos de metal. La banda de Bolden tocó blues y otras canciones,

24
"variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación
en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.

Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban Nueva Orleans remarcaban
la habilidad de las bandas locales para tocar "ragtime" con una vitalidad que no
se escuchaba en otros lados.

Las características que apartaron el temprano estilo de Nueva Orleans de la

música ragtime que se tocaba en otros lados fue la mayor libertar en la
improvisación rítmica. Los músicos de ragtime le daban un ritmo sincopado y
ejecutaban una nota dos veces (a la mitad del valor de tiempo), mientras que el
estilo de Nueva Orleans usaba una improvisación rítmica más intrincada a
menudo colocando notas lejos del golpe tácito (comparen, por ejemplo, el piano
de Jelly Roll Morton con los de Scott Joplin). Los músicos del estilo de Nueva
Orleans también adoptaron mucho vocabulario del blues, incluyendo notas
dobladas, notas de blues y "gruñidos" instrumentales no usados en los
instrumentos europeos.

Las figuras clave en el desarrollo temprano del nuevo estilo fueron Freddie
Keppard, que dominó el estilo de Bolden; Joe Oliver, que tenía un estilo más
profundamente basado en el blues que el de Bolden's; y Kid Ory, un trombonista
que ayudó a cristalizar el estilo con sus banda contratando a muchos de los
mejores músicos de la ciudad. El nuevo estilo también fue dirigido a los jóvenes
blancos, especialmente a los hijos de inmigrantes de la clase trabajadora,
quienes adoptaron el estilo con entusiasmo. Papa Jack Laine lideró una banda
multi-étnica por la que pasaron casi dos generaciones de músicos blancos de
jazz de Nueva Orleans (y también una cantidad de gente de color).

[editar]Otros estilos regionales

Mientras tanto, otros estilos regionales se estuvieron desarrollando, los cuales
influenciarían el desarrollo del jazz.

El ministro afroamericano Reverendo Daniel J. Jenkins de Charleston (Carolina

del Sur), fue una figura insólita de gran importancia en el temprano desarrollo del
jazz. En 1891, Jenkins estableció el Orfanato Jenkins para niños y cuatro años
después instituyó un riguroso programa musical en el cual los jóvenes del
orfanato eran educados en música religiosa y secular contemporánea,
incluyendo overturas y marchas. Huérfanos precoces y fugitivos, algunos de los
cuales tocaban ragtime en bares y burdeles, fueron enviados al orfanato para su

25
"salvación" y rehabilitación, y también para que hicieran su contribución a la
música. Siguiendo la moda de los Fisk Jubilee Singers y de la Universidad de
Fisk, las bandas del orfanato Jenkins viajaron mucho, ganando dinero para
mantener el orfanato. Era un costoso emprendimiento. Jenkins recibía
anualmente en el orfanato aproximadamente 125 - 150 "ovejas negras", y
muchos de ellos recibieron entrenamiento musical formal. Menos de 30 años
después, cinco bandas actuaban nacionalmente, y una de ellas viajaba a
Inglaterra -en contra de la tradición Fisk. Sería difícil exagerar la influencia de las
bandas del Orfanato Jenkins en el temprano jazz, dado que sus miembros
llegaron a tocar con leyendas del jazz como Duke Ellington, Lionel
Hampton y Count Basie. Entre ellos estuvieron los virtuosos trompetistas Cladys
"Cat" Anderson, Gus Aitken y Jabbo Smith.

En el norte de Estados Unidos, se desarrolló un estilo "caliente" de tocar

ragtime. Centrándonos en la ciudad de Nueva York, se puede encontrar este
estilo en las comunidades afroamericanas desde Baltimorehasta Maryland.
Algunos comentaristas posteriores han categorizado esta forma musical como
una temprana forma de jazz, mientras que otros discrepan. Fue caracterizado
por su ritmo jovial, pero carecía de la influencia "blues" de los estilos sureños.
Las versiones solistas de piano del estilo norteño fueron tipificadas por pianistas
como el célebre compositor Eubie Blake (un hijo de esclavos cuya carrera
musical se extendió durante ocho décadas). James P. Johnson tomó el estilo
norteño y en 1919 desarrolló un estilo propio para tocar que fue conocido como
"stride", también conocido como "barrelhouse piano". En este estilo, la mano
derecha toca la melodía, mientras que la izquierda camina o "da saltos" de un
compás más rápido a uno más lento, manteniendo el ritmo. Johnson influyó a
pianistas posteriores como Fats Waller,Willie "The Lion" Smith, Art Tatum y Billy
Kyle.

El principal líder orquestal de este estilo fue James Reese Europe, y sus
grabaciones de 1913 y 1914 preservan un raro vislumbre de la cumbre de este
estilo. Fue durante estos tiempos cuando la música de Europe influyó en un
entonces joven George Gershwin, quien compondría la clásica "Rapsodia en
azul" ("Rhapsody in Blue") inspirada en el jazz. En la época en que Europe
grabó nuevamente, en 1919, Gershwin incorporó a su vez la influencia que
había tenido en él el estilo de Nueva Orleans a su música. Las grabaciones de
Tim Brymn dieron a las generaciones siguientes una mirada diferente del

26
"caliente" estilo norteño sin ser demasiado evidente la influencia de Nueva
Orleans.

A comienzos de 1910 en Chicago, un tipo popular de bandas de baile consistió

en un saxofón tocando una melodía vigorosamente: Bud Freeman era su
nombre. La ciudad pronto cayó en una fuerte influencia de los músicos de Nueva
Orleans, y el estilo más antiguo se fusionó con el de Nueva Orleans para formar
lo que sería llamado "Chicago Jazz".

A las orillas del Mississippi desde Memphis, Tennessee, hasta Saint

Louis, Missouri, se desarrolló otro estilo de bandas que incorporaron el Blues. El
compositor y líder más famoso de este estilo fue el "Padre del Blues", W. C.
Handy. Mientras que en algunos aspectos era similar al estilo de Nueva Orleans
(la influencia de Bolden se difundió a lo largo del río), carecía de la libre
improvisación de los estilos más sureños. Handy, por muchos años acusó al jazz
de ser innecesariamente caótico, y en su estilo la improvisación estaba limitada
a cortos rellenos entre frases considerándolo inapropiado para la melodía
principal.

[editar]Movimiento por los derechos civiles y el jazz

El Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos fue una lucha no
violenta para extender el acceso pleno a los derechos civiles y la igualdad ante
la ley a los grupos que no los tienen, sobre todo a los afroamericanos. Esa lucha
tenía como objetivo terminar la discriminación contra los afroamericanos y con
la segregación racial, especialmente en los estados del Sur. Se considera que
este período en 1955 con la Asociación para el Mejoramiento de Montgomery y
finaliza con el asesinato de Martin Luther King Jr., aunque el movimiento por los
derechos civiles sigue actuando. El trompetista Louis Armstrong contribuyó
económicamente con este movimiento. Ray Charles (el cantante y pianista)
también aportó a la causa. Archie Shepp (escritor, músico y activista político)
comienza a usar su música para apoyar la lucha de los negros americanos.
Compuso dos temas claramente relacionados con esta lucha: “Rufus" es la
transposición musical del linchamiento de un negro y “The Funeral” está
dedicada al secretario de la NAACP,Medgar Evers, quien había sido asesinado
por aquellos años. Su disco más famoso fue Fire Music,13 en el que sus
composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento,
entre ellas,Malcolm X (activista de una organización llamada La nación del

27
Islam). El baterista Max Roach, muy sensibilizado con la lucha de los negros
introduce en su arte una intención totalmente política. En 1960, ese discurso se
radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y
alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la
segregación racial y graba el disco We Insist! Freedom Now Suite,14 una
declaración contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum,
donde se ve a un camarero blanco en la barra de un café con gesto amenazante
hacía sus tres clientes negros. Sonny Rollins y Coleman
Hawkins graban Freedom Suite, que fue la primera composición de jazz
explícitamente dedicada a la protesta. Sobre este disco, Rollins dijo “América
está empapada en cultura negra”. Sostenía que los afroamericanos
representaban la esencia de la cultura americana pero eran oprimidos por un
grupo (europeos blancos). Freedom Suite era un grito de protesta contra la
forma en la que se los trataba a los afroamericanos desde los días de la
esclavitud hasta los días de la grabación del disco. Rollins fue un hombre
brillante que logró canalizar sus sentimientos de opresión a través del ejercicio
del arte. Sidney Bechet (clarinetista nacido en Nueva Orleans a fines del siglo
XIX) dijo: “Después de la emancipación…todos los que han sido esclavos
necesitan ahora la música más que nunca; es como si trataran de encontrar en
esta música lo que se suponía que encontrarían con esta libertad: tocar la
música y escucharla esperando que exprese lo que necesitan aprender una vez
que hayan aprendido que no es sólo a los blancos a los que le tiene que llegar la
música, sino directo a la vida, y a lo que un hombre hace con su vida cuando
finalmente es suya.”15

[editar]Artistas destacados

Categoría principal: Músicos de jazz

Que incluye los músicos de jazz agrupados según instrumento:

 Bajistas | Bateristas | Cantantes | Compositores | Clarinetistas | Flautistas

| Guitarristas | Pianistas | Saxofonistas | Trombonistas | Trompetistas | Vibraf
onistas | Violinistas

[editar]Véase también

Categoría principal: Festivales de Jazz

28
[editar]Fuentes y referencias

 La primera versión de este artículo fue traída

de http://www.apoloybaco.com con permiso de los autores.
 Tirro, Frank, Historia del jazz clásico, MaNonTroppo-Ediciones
Robinbook, Barcelona, 2001.
 El subtítulo "Movimiento por los derechos civiles y el Jazz" fue
extraído de http://www.jazzeando.com.ar/Jazz-en-
espanol/Noticias/Movimiento-por-los-derechos-civiles-y-el-Jazz con el
permiso de los autores.

[editar]Notas

1.↑ Cf. Frank Tirro, Historia del jazz clásico, pág. 109.
2.↑ Citado por Frank Tirro, ibidem.
3.↑ El ritmo aditivo transforma los tiempos rápidos en unidades de
mayor duración.
4.↑ Frank Tirro, Historia del jazz clásico, pág. 25.
5.↑ Cf. Ibidem, pág. 27.
6.↑ Cf. Frank Tirro, Historia del jazz clásico, capítulo 3.
7.↑ Frank Tirro, ibidem, pág. 105.
8.↑ Cf. Ibidem, pág. 41.
9.↑ Frank Tirro, Historia del jazz clásico, pág. 132.
10. ↑ Frank Tirro, Historia del jazz clásico, pág. 137.
11. ↑ "El stomp, o proceso consistente en situar una figura
rítmica en una línea melódica, repitiéndola una y otra vez en ostinato
o riff, conduce a la acentuación polifónica que subraya el ritmo
subyacente en la improvisación", Frank Tirro, Historia del jazz
clásico, pág. 145.
12. ↑ Cálculos del historiador Eric Hobsbawn, ápud Martin
Smith, John Coltrane. Jazz, racismo y resistencia, Retratos del Viejo
Topo, Barcelona, 2004, pág. 19.
13. ↑ Impulse, 1965
14. ↑ Candid Records, 1960
15. ↑ Sidney Bechet en su autobiografía "Trátalo gentilmente"

29
Funk
Para el bioquímico polaco descubridor de las vitaminas, véase Casimir Funk.

Funk

Orígenes musicales: Soul, R&B, Jazz, Rock and

Roll, Rock Psicodélico

Orígenes culturales: Finales de los 60 en Estados

Unidos

Instrumentoscomunes: Bajo, Batería, Guitarra,vientos y

algunos tecladoscomo
el Clavinet Hohner
ySintetizador.

Popularidad: En todo el mundo desde los 70.

Derivados: -

Subgéneros

Go-go - Latin funk - P-Funk - Disco - Electro - Acid Jazz

Fusiones

Afrobeat - Funkcore - Funk metal - G-Funk - Funktra-

30
 Timba´- Funk rock.

Enlaces

Funk es un género musical, muy popular durante los 70, que apareció en los
primeros años 60 en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas
deEstados Unidos. Nacido como una evolución de algunos elementos del Soul y
el Jazz anteriores aderezados por influencias latinas como la rumba, el funk se
consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí
en adelante.

 Un instrumento fundamental para este estilo de música es el Bajo,

requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas
sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una
técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap, técnica popularizada
por el bajista de Sly & The Family Stone, Larry Graham, que consiste en
alternar golpes del pulgar sobre las cuerdas con estiramientos de éstas.
 La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado
que se basa en la utilización de acordes simples alternadas con rasgueos
secos, generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando profusamente
efectos como el flanger, el Wah Wah y filtros con control de envolvente para
acentuar el componente rítmico. Generalmente suelen utilizarse
subdivisiones rítmicas en semicorcheas.
 La batería tiene una métrica y síncopas característicos, y es una de las
partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde
sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop, breakbeat y
más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más
repetitivas y marcadas.

[editar]Historia

Musicalmente hablando, los claros antecedentes al ritmo con groove que

caracteriza al funk, está en las innovaciones, ya en los 50, de varios bateristas

31
de rhythm and blues de la ciudad de Nueva Orleáns, inspirados evidentemente
por la extraña mezcla de ritmos que se podían escuchar en la ciudad en
los desfiles de primera y segunda línea en eventos callejeros tales como el Mardi
Gras. Esto les hizo llegar a gente como Joseph 'Smokey' Johnson (que tocó en
varios temas del experimentador pianista Professor Longhair tales
como Tipitina y Who's beeen fooling you), Charles Hungry Williams de Huey
Smith and The Clowns y Earl Palmer(de la banda de Dave Bartholomew y Little
Richard) un sentido de sincopación y de la necesidad de intrincar redobles y
doble bombos en sus interpretaciones,trasladando, por decirlo así, el sonido de
los polirítmicos desfiles al kit de batería. Por ejemplo en temas estándar
del Rock and Roll tales como "I'm Walkin" (1959) de Fats Domino, Earl Palmer
introduce con un juego de bombo y caja poco usual para la época . Otros temas
de la época con una percusión proto-funky son "Groovy Little Suzy" de Little
Richard y "Suzie Q" de Dale Hawkins (ambos de 1957). Se atribuye a Earl
Palmer el aplicar la palabra funky para indicar cuando iba a tocar algo con
ritmo en síncopa.1

Un gran avance fue el tamborileo y golpeteo de bombo radical de Smokey

Johnson en "Big Chief" de Professor Longhair de 1964.

Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk (proto-funk) están en
tempranos éxitos de Nueva Orleans como "Trick Bag" escrito por Dave
Bartholomew para Earl King en 1961 y el que compuso este último el citado "Big
Chief", además de "I've Got Money" (1962) y "Out of Sight" de 1964 por James
Brown (desde Georgia). Brown, ya a ese momento una estrella del soul,
comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferencie de sus
competidores (los artistas de Motown por ejemplo) y ya comenzaba a dar un
cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodía y exaltando
más el aspecto rítmico en sus temas. En una entrevista hecha por el baterista e
investigador musical Jim Payne, Clayton Fillyau, baterista que había tocado
con Etta James y en el "I've Got Money" del mismo James Brown, reconoció
abiertamente la influencia del estilo de Nueva Orleans :

"Escuché a un grupo R&B salido de Nueva Orleans llamado Huey Smith & The
Clowns. Ahora se que Nueva Orleans también es donde el funk se plantó. Yo no
pude entender como hacerlo bien hasta que el baterista de Huey Smith, Charles
'Hungry' Williams me mostró como tocarlo (the origins of the 'James Brown Beat',
in The Great Drummers Of R&B, Funk & Soul)". 2

32
"Papa's Got A Brand New Bag" lanzado en junio de 1965 (#1 R&B en EEUU), en
donde el bajo y el bombo de la batería marcan un contagioso ritmo
mientras Jimmy Nolan (ex guitarra de la banda de Johnny Otis) hace un puente
con rasgueo en las cuerdas más agudas de su guitarra, inventando el chicken
scratch un sello característico del funk, y especialmente "Cold Sweat" de mayo
de 1967 fueron la confirmación de esa fórmula, aplicando a éste último ejemplo,
modismos especiales como una especial acentuación al primer compás de las 4
medidas (on The One) el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en
el hip hop) y la reducción de una entera pieza musical a un simple cambio de
acorde." Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz del "So
What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, fue reconocida como
un quiebre radical de las convenciones de la música pop al momento de su
salida; muchas veces citada como la primera canción netamente funk de la
historia.3 4 Jerry Wexler de Atlantic Records comenta que "'Cold Sweat' afectó
profundamente a los músicos que conozco. Nos alucinó a todos. Ninguno
manejó las formas ya probadas desde entonces."5 Cliff White va más allá
describiéndolo como un "divorcio de las otras formas de la música popular ."6 El
trombonista de la banda de James Brown, Fred Wesley, dijo "antes de unirme a
la banda de Brown quedé muy impresionado con 'Cold Sweat'. . . Tenía un solo
cambio, las palabras no parecían tan lógicas, y el puente era considerado
musicalmente incorrecto. Era un mutante".7 Esta revolucionaria composición
alcanzó el puesto #1 en R&B y #7 en los 'Hot 100' del Billboard, confirmándose
como un éxito comercial.. y un modelo a copiar. Uno de los temas del LP "Cold
Sweat" (1967, King Records), llamado Funky Broadway es la primera referencia
al término en un tema Rhythm and Blues/soul y se hicieron exitosas versiones
de éste por Dyke & The Blazers y Wilson Pickett.

Rápidamente, surgieron verdaderos esfuerzos de jóvenes músicos negros por

desarrollar ritmos cimbreantes y fuertes como en Houston lo hicieron el
legendario saxofonista tejano, King Curtis, con "Memphis Soul Stew" (1967,
Atlantic) presenta un tema con una tremenda sección de batería funky brindada
por el legendario Bernard 'Pretty' Purdie. En Houston Archie Bell & The Drells,
con su "Tighten Up" que llegó a alcanzar el puesto #1 en ambas listas la pop y
R&B del Billboard en el verano de 1968, abrieron el camino a una variación más
veloz del funk, hecha para bailar locamente.

33
En Los Angeles, California, la banda formada en 1960 llamada Charles Wright &
The Watts 103 Rhythm Band comenzó a crear originales canciones a medio
camino entre el Soul duro de Otis Redding y el entonces 'nuevo estilo' de James
Brown, que fue reflejado en canciones como el famoso "Express Yourself". [2]

Volviendo a la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans; la
banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y luego la banda de
estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno
de las bandas pioneras y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco
homónimo de 1969, incluye sus éxitos Sophisticated Sissy, Look A Py
Py y Cissy Strut, en donde sus músicos ( Art en teclados, George Porter Jr. en
bajo, Joseph Zigaboo Modeliste en batería y Leo Nocentelli en guitarra) crean
fuego en base a instrumentales llenas de sentimiento y poder de ritmo. Ese
mismo año, otro artista de Nueva Orleans llamado Eddie Bo aparece en la
escena funky con su "Hook & Sling part 1 & 2".

Tres años antes, en San Francisco, los hermanos Stewart, el discjockey

Sylvester (Sly) y Freddie, unieron sus bandas respectivas Sly & The
Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family
Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: Fue un primer claro
ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de
una época en donde aún Norteamérica se luchaba la lucha por los derechos
civiles de los afroamericanos; además de presentar una interesante fusión del
sonido de Rock Psicodélico del área de San Francisco y el Soul. El
sencillo Everyday People de 1968, fue un éxito e hizo elevar al estrellato al
grupo con su irresistible imagen multiracial, con un mensaje de integración,
amor, comprensión, todas de acuerdo a la era hippie que había salido a
conquistar el mundo directamente del distrito Haight-Ashburry de la ciudad
nativa del grupo. Ese éxito los hizo merecedores de actuar en el célebre Festival
de Woodstock celebrado en Nueva York en agosto de 1969 junto a la mayoría
de los íconos del rock de la generación de las flores. Pero fue a partir de los 70s
que esta banda comenzó a regalar aires frescos al mundo musical completo,
primero con el single Thank You (del LPEverybody Is A Star) en donde el
bajista Larry Graham se asegura su situal en la historia del bajo eléctrico al
patentar aquí el estilo "Slap", ampliamente imitado por todo tipo de bajistas hasta
el día de hoy. El segundo avance lo dieron en el single Family Affair del
LP There's A Riot Goin On del 71' en donde la sección de batería no la hace los

34
tambores de Greg Enrico, sino más bien..¡una máquina de percusión (caja de
ritmo) Maestro Rhythm King!. Con esto Sly y familia se adelantaron a la técnica
empleada en parte de la música disco, el Hip Hop y el House. [3]

Pero volviendo algunos años antes, en Detroit, el sello que tenía los artistas de
Soul más exitosos de Estados Unidos, aparte de James Brown y Aretha
Franklin, el Motown de Berry Gordy, también vio en el funk una veta que explotar
para no quedarse en el pasado. Fue un joven compositor y arreglista
llamado Norman Whitfield junto a Barret Strong quienes movidos más por un
motivo de seguir asegurándose de tener grandes dividendos que por una
motivación puramente artística, tal como declara el columnista musical David
Ritz en el documental de la BBC "Soul Deep: Aint It Funky". Esto los hizo llevar a
los The Temptationsa Estudio A a grabar en 1968 "Cloud Nine", un tema que
empieza con un hipnótico riff con algo de pedal wah-wah y seguido de una
apretada línea de bajo y contrapuntos. Los Temptations dieron a conocer (de la
mano de Whitfield y Strong) un sonido Soul Psicodélico muy ad hoc al
experimental período de los últimos 60's, con temas como "Psychedelic Shack" y
"Papa was a Rolling Stone" de 1971, que tomó la efectiva técnica de Jimi
Hendrix de hacer el 'chicken scratch' de Jimmy Nolen en su guitarra cerrando y
abriendo su pedal Wah-wah para la introducción del "Voodoo Child" del disco
Electric Ladyland. Ese sonido waka-chuku -waka-chu característico , fue aquí
ejecutado por el guitarrista Melvin wah-wah Watson, quien también lo capitalizó
en el tema principal de la película Shaft, cantada por Isaac Hayes.

Los años 70's: Soul Train, Blaxploitation y P-Funk

A parte de la memorable participacion de James Brown y sus JB’s más sus

ahijados funkys como Hank Ballard, Lyn Collins y Marva Whitney en el programa
televisivo de Mike Douglas en 1969; uno de los principales vehículos de difusion
televisiva del estilo directo y divertido que resultaba ser el funk, fué el American
Bandstand negro, conocido como The Soul Train, el que comenzó a salir al aire
semanalmente al aire un 2 de Octubre de 1971 por CBS. El programa conducido
por su también productor ejecutivo Don Cornelius, tuvo un enorme éxito en
sintonía y fué de un gran impacto cultural, donde en los hogares , incluso los
blancos podian contemplar a esa sudorosa juventud afroamericana bailando
funky music de extrañas y excitantes maneras (electric boogaloo, lockin, robot),
ver su estilo de vestir (muchas veces una mezcla entre el estilo creado por el
diseñador inglés Tommy Nutter con cuellos anchos y pantalones acampanados y

35
el estilo hippie), peinados afro, estrambóticos saludos, etc. El formato del
programa permitia tambien disfrutar de actuaciones en directo de artistas de soul
y sólidas agrupaciones funk como James Brown & The JB´s, The Meters, Kool &
the Gang, The Sylvers,Jackson Five, etc. El programa solia concluir con una
frase que no podia estar mas “hip” para la época : We wish you love, peace...
and SOUL! (Les deseamos amor, paz y alma).

El fenómeno de la exposición de la cultura negra norteamericana, catalizada en

primera instancia por el Movimiento por los Derechos Civiles de los 60’s y
los Panteras Negras, fue reflejado también en el cine. De pronto el cine
estadounidense dió un salto de su mítica recreación del Sueño Americano (el
cual parecía saltarse a quien tenía color moreno en su piel) para pasar a una
ruda y cruda representación de la vida peligrosa y licenciosa (visión, claro,
muchas veces exagerada) que se veía en los hasta entonces ignorados ghettos
de negros y latinos. Tanto el Funk como el Soul sirvieron de fondo ideal para
atractivas historias en que aparecian vendedores de drogas, adictos, prostitutas,
cafichos (pimps o Mack Daddys), informantes, policias, etc. En el que se
considera el primer ejemplo del género Blaxploitation, “Sweet Sweetback’s
Baadass song” (1971, de Melvin Van Peebles) la música fue donada por unos
entonces desconocidos Earth, Wind & Fire. Entre otros ejemplos de la presencia
del funk en este tipo de cine estaban: el antes mencionado “Theme of Shaft”
de Isaac Hayes para la película “Shaft” (1971, de Gordon Parks), “Superfly”
de Curtis Mayfield (“Superfly” 1972, Gordon Parks), la musica de Gene Page
para “Blacula” (1972), las composiciones de James Brown para los filmes
“Slaughter´s Big Rip Off” y “Black Caesar” o el genial Dennis Coffey (blanco)
para “Scorpio” y “Blackbelt Jones”, entre muchos otros, popularizaron ágiles
bandas sonoras con guitarras con wah-wah, clavinets, buenas lineas de bajo,
bronces y bongoes. En esos años, el impacto del funk llegó hasta el espacio
exterior. Desde 1968 y hasta primeros 80s, una agrupación de músicos llevó
más allá el desarrollo del "funk rock" de bandas como Sly, Mother´s
Finest y Blood Stone, de la mano de un peluquero de Detroit llamado George
Clinton, con sus bandas principales Parliament yFunkadelic. Juntos, produjeron
un nuevo tipo de sonido de funk tan influido por el Rock Sicodélico como por
estilos como el doo wop y los sonidos electrónicos. Los dos grupos han tenido
miembros en común y ha menudo se le menciona colectivamente como
"Parliament-Funkadelic", lo que da origen al término "P-Funk", con el que se

36
tiende a referir a la música realizada por las bandas de George Clinton, y que
definió un nuevo subgénero. La expresión "P-funk" también llegó a significar algo
más allá en su quintaesencia, de calidad superior, o sui generis, como se
deduce de las letras del tema "P-Funk (Wants to Get Funked Up)" un exitoso
sencillo del álbum de Parliament "Mothership Connection"(1976): I want the
bomb. I want the P-Funk. I want my funk uncut.(quiero la bomba. quiero mi P-
Funk. Quiero mi funk sin cortes).

A parte de miembros originales como el bajista Billy Nelson y el guitarra Eddie

Hazel, este colectivo ha incluido a partir de 1973 a los principales músicos que
dejaron a The JB´s (de James Brown), a saber el trombonista Fred Wesley (el
único que siguió trabajando paralelamente con Brown hasta 1976), el
saxofonista Maceo Parker, y especialmente el bajista William Bootsy Collins.
Este último, junto al tecladistaBernie Worrell, son sus músicos más innovadores,
iconos del género: el primero, por su estilo extravagante en vestir (enormes
botas de plataforma y lentes en forma de estrellas) y en tocar su bajo aplicando
todo tipo de efectos como el seguidor de envolvente Mutron III; y Worrell innovó
en su forma de interpretar con sus sintetizadores inusuales lineas de bajo que
vibraban a intancias y brindar espaciales pitillos que ondulaban a través de una
canción. Y es que esa extravagancia sonora, correspondía con la extravagancia
en sus puesta en escena, disfrazados de todo tipo de personajes (por ejemplo,
los cantantes Garry Shider y Mudbone Cooper con pañales de bebé y turbante
de Jeque Arabe respectivamente, como los trajes de extraterrestre con capa
incluida del resto de la tribu) y especialmente el mismo Clinton con sus alter
egos Starchild, Dr.Funkenstein y Mr Wiggles; comandando a la loca tripulación
P-Funk que baja desde el espacio en la Mothership (Nave Nodriza) trayendo
Funk y alegria al planeta, para retirarse en ella al final de cada concierto: los
shows de P-Funk eran junto a los shows de Pink Floyd, Alice Cooper, David
Bowie y KISS , una de las más impactantes imágenes del Rock en directo de
todos los tiempos. George Clinton jugó el rol de mente maestra para bandas
como Bootsy's Rubber Band, Parlet, the Horny Horns,The Sweat Band, The
Brides of Funkenstein, e inclusive la banda del hombre del Talkbox, Roger
Troutman llamado Zapp, todos parte del conglomerado P-Funk. Discos de
Parliament (Mothership Connection y Funkentelechy) y de Funkadelic (Lets Take
It To The Stage o One Nation Under A Groove), fueron de gran influencia en los

37
jóvenes músicos negros de la segunda mitad de los setentas como The Gap
Band de los hermanos Wilson, Cameo, Prince, Rick James, etc.

Sin duda los años 70s fueron la era de la más alta difusión y visibilidad para la
música funk: En los charts de popularidad, en la banda sonora de películas y
series televisivas como S.W.A.T, ” Las calles de San Francisco, "Starsky y
Hutch" y "Baretta" como también el que producían compañías que hacían
música para programas televisivos como la británica KPM (en el que trabajaban
compositores como Alan Hawkshaw y Brian Bennet), y en la influencia en
otros músicos reconocidos como Creedence Clearwater Revival (Down On The
Corner), Led Zeppelin (Moby Dick), Frank Zappa (tema My Guitar Wants To Kill
Your Mama, Dirty Love y I'm The Slime, por ejemplo), The Rolling Stones (“Hot
Stuff” y “Honky Tonk Woman”), David Bowie (“Fame”), Steve Miller Band (“Fly
Like An Eagle”), Sweet (“Funk It Up”) y el “Another Ones Bites The Dust”
de Queen, el Keep forgettin de Michael McDonald entre muchos otros. Incluso,
el famoso “Play That Funky Music” era interpretado por un grupo blanco de rock
llamado Wild Cherry. De los muchos singles que llegaron al top 10 de las listas
de popularidad en Estados Unidos como "Son Of Shaft" (1971) (The Bar-Kays),
"Jungle Boogie"(1973) y "Hollywood Swinging"(1974) (Kool & The Gang), "Fire" y
"Love Rollercoaster" (Ohio Players), "That Lady" (The Isley
Brothers),"Superstition" (Stevie Wonder), "Troglodyte" y "It´s Just Begun" (The
Jimmy Castor Bunch), "Machine Gun" y "Brick House" (The Commodores), "Lady
Marmalade" (Labelle), "Tear The Roof Off The Sucker"(Parliament), "Oops
Upside ya hands" (The Gap Band), "Back To Love" (LTD), entre otros; sólo "Get
Up (i feel like being a sex machine)" de James Brown, "Thank U fallet me by
myself again" de Sly & The Family Stone alcanzaron el mismísimo n#1 en 1970
y 1971 respectivamente.

Si bien dentro del Jazz, el término funky se usó desde los 50’s, es con grupos
como los oriundos de New Jersey The Jazziacs, quienes se popularizaron pronto
como Kool & The Gang, y grandes Jazzmasterscomo los mismísimos Herbie
Hancock con su disco de 1969 “Fat Albert Rotunda” (sello Blue Note) y "Head
Hunters" (1973) con los álbumes que le siguieron, y Miles Davis (“On The
Corner” 1972”) estuvieron entre los músicos de Jazz que se rindieron en los 70s
al profundo groove funky, junto a otros como Lou Donaldson, Grant
Green, Bobby Humphries, Idris Muhammad, George Duke , Roy Ayers, Eumir

38
Deodato y la agrupación Return To Forever(con Chic Corea, Wayne
Shorter y Stanley Clarke). Todos ellos fueron la base del Jazz Funk.

Fuera de los States, la música Funk fué exportada a Africa en los primeros 70s,
y mezclados con cantos y ritmos típicos africanos para formar Afrobeat. Fela
Kuti era un músico de Nigeria quien es acreditado por crear la música y el
término "Afrobeat", que ha tenido otros notables exponentes como el
camerunés Manu Dibango (su Soul Makossa de 1972, ha tenido varias
versiones e incluso inspiró una vocalización del tema "Don`t stop till get enough"
de Michael Jackson que tambièn ocupa la artista de las Bahamas Rihanna), y
los nigerianos The Daktaris.

En América Latina, la influencias de los incendiarios ritmos del funk ha sido más
difusa. Por ejemplo, varios grupos que participaron de la escena hippie
de México como Love Army con su dime porquédemostraron una intención de
imitar a las bandas negras de primeros 70s, y otras como Division del
Norte y Rabbits & Carriots fueron 100% funk.Perú tenía a La Kábala como sus
embajadores del estilo en los primeros setentas Brasil, fué lejos el pais donde el
funk caló más hondo y tuvo mayor impacto, creándose incluso una escena local
(a veces conocido como Movimiento Black) que tuvo exponentes comoNelson
Triunfo, Uniao Black,Vox Populi y especialmente Banda Black Rio.
En Argentina y Chile la influencia del Funk fue casi mimetizada y superficial,
como si hicieran funk sin saberlo. Como ejemplo estan los temas "Si me vez
volar" de Los Tios Queridos por el lado de Argentina y El Rey de Los Angeles
Negros de Chile (sampleado por los mismos Beastie Boys en el disco Hello
Nasty).Si en Chile hubieron 2 bandas dedicadas a un repertorio de soul y funk
que fueron Los Minimas (cuyos músicos contribuyeron con Los Angeles
Negros) y Combo Xingú. Argentina tuvo a Galleta y Raíces como bandas que
adaptaron buene parte de su repertorio al estilo.Otros temas del cancionero pop
hispano como "Es muy fácil" de Los Mitos de España, dejan entrever una clara
inflexion funky.

Aunque inspirado directamente de los modos edulcorados de las producciones

del soul de Filadelfia, hechas por Leon Huff y Ken Gamble, muchas
composiciones de música disco estaban bien orientados en guiños claramente
funk. Exitos disco, por ejemplo "I'm Your Boogie Man" de KC & The Sunshine
Band, "I'm Every Woman" de Chaka Khan, “Sing Sing” de Gaz y “Le Freak"
por Chic, incluyen riffs claramente inspirados en el funk.

39
Los 80s y el Funk Desmontado y electrónico

En los 80s una amplia reacción en contra de la sobrexplotada indulgencia de los

medios sobre la musica disco (como gran ejemplo, el memorable como
denigrante mitin “Disco Sucks Night Demolition” organizado por Steve Dahl,
celebrado en el Comiskey Park de Chicago el 12 de Julio de 1979), muchos de
los elementos innovadores que dejaron como legado los últimos discos del
colectivo P-Funk, se hicieron una formula para camuflar el funk en una nueva
era de producciones repletas de percusión electrónica y sintetizadores.
Secciones de saxofones y trumpetas fueron reemplazadas por acordes de
Teclados sintetizadores; y si había alguna grabación que mantenía el uso de
alguno de estos instrumentos de viento su uso se limitó a unos pocos solos de
trompeta o saxofón (por ejemplo: “Funkin For Jamaica” de Tom
Browne y “Forget me notes” de Patrice Rushen). Así mismo, los clásicos
teclados de Funk, como el órgano Hammond B3, el Fender Rhodes piano o
el Clavinet Hohner comenzaron a ser reemplazados por nuevos sintetizadores
como el Sequential Prophet-5 y el digital Yamaha DX7. Los tradicionales “Funky
Drummers” (legendarios han sido gente como Clyde Stubblefield o Zigaboo) se
reemplazaron por pad de percusion controlados por unidades Simmons o por
cajas de ritmos programables como la Roland TR-808, y en lugar de la pulsion
sobre las cuatro cuerdas de un bajo eléctrico que ha hecho gente como Bootsy o
Larry Graham se reemplazaron por lineas de bajo via sintetizador. Asi también,
hasta las letras de las canciones de funk comenzaron a cambiar desde un
sugestivo doble sentido hacia un contenido sexualmente más explícito, lo que lo
hizo ser más polémico. Rick James fué el primer artista de funk en la década de
1980 en asumir el mandato de la escena funk que le había pertenecido casi sin
contrapeso a P-Funk desde 1976. Su album de 1981 Street Songs que contenía
los sencillos "Give It To Me Baby" y "Super Freak" resultó en llevar a James al
estrellato, y pavimentó el camino para una futura dirección de explicites en el
funk. El genio de Mineapolis, Prince, usó una instrumentación desmontada
similar al de Gap Band, Rick James, y llegó a tener mucho impacto sobre el
sonido del funk, tanto como casi ningún artista desde James
Brown. Princecombinó erotismo, tecnología, más incrementación en la
complejidad musical, y una escandalosa imagen y espectáculo para crear un
mundo musical tan ambicioso e imaginativo como lo es P-Funk. The Time,
originalmente concebido como un acto telonero para la banda de Prince y

40
basado en su "Minneapolis sound", una híbrida mezcla de funk, R&B, rock, pop
& New Wave, que vino a definir un estilo propio de funk simplificado en una
musicalidad ajustada y temas sexuales. Bandas e interpretes inspirados a partes
iguales por el legado del P-Funk de Clinton y la tecnología y sexualidad de
Prince como Cameo, Zapp, The Gap Band, The Bar-Kays, The Dazz Band
y Shalamar, todos tuvieron sus grandes aciertos durante los 80s, pero para la
segunda mitad de los 80s, ellos y el funk perdieron su impacto comercial.

Otros exponentes destacados son Peech Boys,Nu Shooz y Midnight Starr.

Afrika Bambaataa, fué influenciado por el estilo robótico de los

alemanes Kraftwerk, para crear lo que el mismo llamó electro funk, un
minimalista estilo de funk manejado estrictamente por máquinas (como la
Roland TR-808) y vocoder incluido, que tuvo su fundación con el Planet Rock" in
1982. El single "Renegades of Funk" le siguió en 1983, y un sinfín de seguidores
notables como Man Parrish (“Hip Hop Bebop”),Hashim (“Al
Naafysh”), Newcleus (“Jam On It”), los bostonianos Jonzun Crew (“Pac Jam”),
los californianos Egyptian Lover y Uncle Jam Army, el británico Paul
Hardcastle (”Rain Forest” y “19”) , y toda la escena Miami
Bass con Maggotron, Pretty Tony y los 2 Live Crew como destacados..

Desarrollos Recientes

Mientras el funk, se convirtió en un santo grial esotérico, continuando la

expansión de su influencia mediante la radiodifusión de estilos que le rendian
plestesía como el Hip Hop, el New Jack Swing (Bobby Brown, Bell Biv Devoe)
y R&B Contemporáneo (Mary J.Blidge), y bandas de Rock comenzaron a añadir
elementos de funk a su sonido, creando nuevas combinaciones de "funk rock"
y funk metal. Los nativos de Hollywood Red Hot Chili Peppers (cuyo álbum de
1991 “Blood Sugar Sex Magic” llegó a vender 7 millones de copias ‘sólo en
EEUU), Living Colour, Jane's Addiction, Primus, Fishbone, Faith No More,
Mr.Bungle, Infectious Grooves, 311, Incubus y Rage Against the Machine y
esparcieron las propuestas recogidas desde los pioneros del funk a nuevas
audiencias desde fines de los 80s pasando a los 90s. Todas esas bandas
lograron inspirar el movimiento subterráneo funkcore de mediados de los 90s y a
artistas comunmente inspirados en el funk como Outkast, Malina Moye, Van
Hunt,la banda Cake y Gnarls Barkley. En 1993, la banda Spin Doctors obtuvo
enorme éxito con su disco Pocket Full Of Kryptonite que contenía hits como Two

41
Princes, que era una interesante combinación de rock alternativo, country y funk.
En los 90s, artistas como Me'shell Ndegeocello y el predominantemente
británico, movimiento Acid Jazz que incluía artistas y bandas tales como The
Brand New Heavies, Incognito, Galliano, Omar y Jamiroquai llevaron una
fuertísima influencia de elementos de funk. No obstante,ninguno de ellos llegó
acercarse al extraordinario suceso comercial que tuvo el funk entre los primeros
70s y primeros 80s, con la gran excepción de Jamiroquai cuyo tercer
album Travelling without Moving de 1996 vendió sobre 11.5 millones de
unidades vendidas alrededor del globo. Mientras en Australia y Nueva Zelanda,
bandas que tocaban en un circuito de pubs, tales
como Supergroove, Skunkhour y The Truth, preservaron una instrumental
forma de funk rock.

Desde singles como "Ego Trip" de Ultramagnetic MCs y "I know you got Soul"
de Eric B & Rakim de 1986 y 1987 respectivamente, los artistas de Hip
hop empezaron regularmente a samplear piezas sonoras de funk clásico
setentero. James Brown es acreditado como el artista más sampleado en la
historia del hip hop, mientras P-Funk es el segundo más sampleado, estos si
mas frecuentemente por representantes del movimiento del West Coast
llamado G Funk.

Mucha de las actuales formas de musica de baile para clubes, algo del house de
fines de los 90s como los franceses Daft Punk (Around The World,Da Funk), el
holandés Armand Van Helden (The Phunk Phenomenum) y los
ingleses Bassement Jaxx se han esmerado en usar riffs y sonidos del funk de
primeros 80s para su fórmula de dance sideral.Estilos como el Big Beat (como
ejemplo Fatboy Slim) y el Drum and Bass en particular, son basados en sonidos
sampleados (muchas veces, acelerados) de breaks de baterías de antiguos
singles de funk, entre los mas usados están porciones de “Funky Drummer” de
James Brown y Amen Brother de The Winstons ( ambas de 1969).

El Funk ha sido también un elemento contundente para ciertos artistas

identificados con la escena Jam band de fines de los 1990s y 2000s. De hecho,
los precursores de la tendencia en los 60s, los Grateful Dead, son considerados
uno de los primeros grupos sicodélicos en incorporar ritmos algo funky como el
ritmo central de su Viola Lee Blues de su primer LP de 1967. El año 1978,
publicaron su album Shakedown Street, cuyo tema homónimo tiene un groove
funk-disco muy particular. Phish comenzaron haciendo tocatas más funkeras en

42
sus presentaciones desde 1996, y su disco de 1988, The Story of the Ghost fue
muy influenciado por el funk. Medeski Martin & Wood, Robert Randolph & The
Family Band, Galactic, Jam Underground, Diazpora, Soulive, y Karl Denson's
Tiny Universe todos hicieron composiciones marcadas por esa misma
dirección. Lettuce, una banda de graduados de la Berklee College Of Music, fue
formada a fines de los 90s como una banda de instrumentales puramente funk
identificada con la escena de las Jam bands. Muchos miembros de la banda
incluyendo tecladista Neal Evans vino de otros proyectos como Soulive o la Sam
Kininger Band. En Abril del 2008, realizron un nuevo álbum titulado Rage!.

A comienzos de la década del 2000, algunas bandas punk funk como Out
Hud se destacaron en la escena del indie rock . La banda Indie Rilo Kiley, en
consonancia con su tendencia a explorar una variedad de estilos, incorporaron
funk en su canción "The Moneymaker" del album "Under the Blacklight". Prince,
con sus álbumes más recientes ha brindado un celebrado renacimiento del
clàsico sonido funk, con vientos y todo, con canciones como "The Everlasting
Now", "Musicology", "Ol' Skool Company", y "Black Sweat". Funk ha sido
incorporado dentro del Urban Pop & R&B por muchas cantantes femeninas tales
como la popular Beyoncé Knowles con su bombazo de 2003 "Crazy In
Love", Jennifer Lopez en 2005 con su "Get Right" el que contenía samples
del Soul Power ‘74 de Maceo Parker (también sampleada para el hit dance,How
Gee de Black Machine en los 90s), y también Amerie con su "1 Thing".

Finalmente, en Cuba surgió la timba, a finales de los 80 y principios de los 90,

también llamada Salsa Cubana o por los críticos prestigiosos denominada como
Hipersalsa por su alta complejidad, en el que el virtuosismo del bajo funk con
frecuentes slaps es la columna vertebral de dicha corriente musical..

Género musical
Para otros usos de este término, véase género.
Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que
comparten distintos criterios de afinidad.1 Estos criterios pueden ser
específicamente musicales, como el ritmo, la instrumentación, las
características armónicas o melódicas o su estructura, y también basarse en

43
características no musicales, como la región geográfica de origen, el período
histórico, el contexto sociocultural u otros aspectos más amplios de una
determinada cultura.

Los géneros a su vez se dividen en subgéneros. En algunos géneros

determinados como el flamenco el término subgénero se sustituye por otro que
determina cada una de las variedades denominándose de una forma propia, en
este caso palos.2 Una composición musical puede ser clasificada dentro de
varios de un género, y es expresada a través del estilo concreto del artista. En
los casos en que esta multiplicidad de géneros resulta evidente dentro del estilo
del artista, o es un objetivo buscado por el compositor, suele hablarse de música
de fusión, que si se llegan a generalizar lo suficiente pueden llegar a
formar géneros de fusión prácticamente independientes.

Contenido
[ocultar]

• 1 Estilo musical y género musical

• 2 Géneros musicales
• 3 Criterios de clasificación
o 3.1 Problemática de la clasificación
 3.1.1 Subjetividad
 3.1.2 Cambio del contexto cultural
 3.1.3 Relatividad
 3.1.4 Resistencia
o 3.2 Ventajas de la clasificación
• 4 Géneros principales
o 4.1 Música clásica
o 4.2 Música popular
o 4.3 Música tradicional
• 5 Limitaciones formales
• 6 Referencias
• 7 Véase también

44
 • 8 Enlaces externos
[editar]Estilo musical y género musical

Existe cierta confusión entre los términos estilo musical y género musical.
Un estilo musical es el carácter propio que da a sus obras un artista o un músico
(ejemplo: el estilo de Rossini).3

Cuando un estilo se diferencia lo suficiente y se generaliza en distintas obras y

múltiples artistas que toman rasgos comunes entre sí se forma una categoría
que se denomina género musical4 (ejemplo: el rock es un género musical de
ritmo muy marcado).5

En otro sentido el término estilo también se puede utilizar para definir al conjunto
de características específicas en el caso de que se refiera en concreto a
aquéllas que individualizan la tendencia de una época(ejemplo: estilo
neoclásico).3

[editar]Géneros musicales

Categoría principal: Géneros musicales

Actualmente existen multitud de géneros musicales en constante evolución.
Desde géneros musicales demarcados conceptualmente que abarcan campo
definido y específico, y que presentan una asentada concepción
(tango, blues,salsa...); hasta amplias y difusas categorías musicales que
abarcan un marco absolutamente heterogéneo musicalmente, de nueva creación
por parte de las discográficas para acercar la música al profano y facilitar su
clasificación (música rock, música universal o world music, música
electrónica...).

[editar]Criterios de clasificación

La clasificación en géneros musicales suele realizarse según los siguientes

criterios:

 Características melódicas, armónicas y rítmicas.

 Instrumentación típica.
 Lugar geográfico donde se desarrolla principalmente.
 Origen histórico y sociocultural.

45
  Estructura de las obras (canciones, movimientos, etc.).
 Normas y técnicas de composición e interpretación.
 Medios y métodos de difusión.

[editar]Problemática de la clasificación
[editar]Subjetividad
Uno de los inconvenientes al agrupar música por géneros reside en que se trata
de un proceso subjetivo que resulta muy influido por el conocimiento personal y
la forma de cada uno de sentir y escuchar la música. Esto es especialmente
cierto en las "grandes categorías" que clasifican a la música en culta o
música popular, debido al alto grado de abstracción que la complejidad del
conjunto requiere para encontrar características comunes, y -en el otro extremo-
en el caso de subgéneros por especificación detallada que contrasta también
con la complejidad de orígenes e influencias de una obra determinada. Un
ejemplo de esto último es la música de Led Zeppelin, que puede ser
llamada heavy metal, hard rock, rock clásico, en función de lo que cada uno
interprete.

[editar]Cambio del contexto cultural

Este problema afecta especialmente al concepto de popularidad en la
clasificación por géneros. Por ejemplo, la música barroca o renacentista, que la
mayoría de las personas agruparía actualmente bajo el supra género de "música
académica" - ya que su difusión e interpretación está limitada a sectores
especializados - fue en realidad la "música popular" de aquella época.

[editar]Relatividad
Algunos géneros musicales son muy vagos, y pueden resultar relativizados o
ignorados por los críticos; el post rock, por ejemplo, es un término creado
por Simon Reynolds, resultando en una clasificación controvertida. Otro ejemplo
es la música de videojuegos, definida por su canal de difusión, que podría o no
según el criterio que se utilice, definir un género musical propio.

[editar]Resistencia
La categorización de la música, especialmente en géneros muy específicos o
subgéneros, puede resultar difícil para los nuevos estilos emergentes o para
piezas musicales que incorporan características de múltiples géneros. Los

46
intentos por circunscribir músicos individuales a un género determinado pueden
inducir a error, ya que es habitual que produzcan música en una variedad de
géneros en el transcurso de su carrera, o incluso, en una misma pieza musical.
Algunas personas sienten que la categorización de la música en géneros se
basa más en motivos comerciales y de mercado que en criterios musicales. Por
ejemplo John Zorn, un músico cuya obra ha cubierto una amplia gama de
géneros, escribió que estos son herramientas usadas para "hacer más cómoda
y comercializable la compleja visión personal de un artista".6

[editar]Ventajas de la clasificación
Categorizar la música se hace necesario para facilita el seguimiento de la
historia y los distintos géneros de la música, además de conceptualizar,
distinguir y definir más claramente cada uno de ellos. Además, el uso de
etiquetas puede actualmente dirigir el desarrollo de la nueva música al extremo
de ayudar a cultivar el interés y la participación de la audiencia en los estadios
iniciales de una tendencia.

[editar]Géneros principales

[editar]Música clásica
La música clásica, docta, académica, culta o selecta es uno de los tres grandes
géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música
popular y la música tradicional o folclórica,7 8 que veremos a continuación. Se
trata de un término muchas veces impreciso pero profundamente arraigado
e institucionalizado en la sociedad, además del modo habitual de referirse a
otros vocablos similares,9 que aparece por primera vez en el Oxford English
Dictionary de 1836.10 Implica todo tipo de consideraciones teóricas, estéticas y
estructurales, y habitualmente conlleva una larga tradición escrita, por lo que
susintérpretes suelen tener años de formación en un conservatorio.

En Europa, la música docta tiene un importante desarrollo entre los

años 1450 y 1950 aproximadamente. Tradicionalmente, y por razones
pedagógicas y formales (ante el cáracter extraordinariamente variable de la
música clásica a lo largo de su historia), este período se ha dividido en cuatro
etapas principales que permiten conocer mejor el contexto donde está inmersa
cada obra: el Renacimiento, el Barroco, elClasicismo y el Romanticismo musical.

47
A continuación, se presenta una pequeña selección de algunos de
los compositores más importantes:

No obstante, ha de notarse que la música clásica también existe en la segunda

mitad del siglo XX (véase Música clásica del siglo XX), en
nuestro tiempo (véase Música clásica contemporánea) y en muchas
otrasculturas (véase, a modo de ejemplo, Música clásica india).

[editar]Música popular
La música popular se opone a la música académica y es un conjunto de estilos
musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican

48
con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen
requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se
comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.11 12

Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con
la llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora
tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir
instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando
así a la clase media.

Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en

el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner, que
permiten al público en general grabar su propia música oescuchar la música
compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De
hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores
prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones
que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como
la radio y, posteriormente, la televisión.

Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música popular alcance
realmente la divulgación que tiene hoy en día gracias al desarrollo del rock and
roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolasen
los bares, pubs, cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo que pasar mucho
tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos géneros y subgéneros
como la música pop, el heavy metal o el punk, hasta tal punto que actualmente
los estilos musicales son tantos y tan variados, y las fronteras tan difusas, que
es difícil saber cuando se está hablando de uno y cuando de otro.

[editar]Música tradicional
La música tradicional o música folclórica es el último de los tres grandes géneros
musicales y se opone tanto a la música docta como a la música popular.
Tradicionalmente se transmite oralmente de generación en generación al
margen de la enseñanza musical académica como una parte más de los valores
y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que
normalmente la hace difícil de comprender a escala internacional. No obstante,
existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango, la samba y, en
general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con

49
el tiempo. En los últimos tiempos se han agrupado en el género musical artifical
conocido como músicas del mundo (en inglés world music).

[editar]Limitaciones formales

El mayor problema que conlleva dividir la música en categorías es que

cada artista tiene su propia historia, su propio estilo y su propio modo de hacer
las cosas, con lo que nunca es fácil poner etiquetas y muchas veces un mismo
compositor puede ser catalogado a la vez en dos o más de ellas. Así por
ejemplo, muchos artistas populares tienen una amplia formación musical,
demuestran gran virtuosismo en sus interpretaciones y se preocupan poco por
las ventas, relegándolas a un segundo plano. Del mismo modo, la música
folclórica está cada vez más extendida y más cerca de ser como la música
popular, si bien todavía existen diferencias importantes.

Música disco
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Música disco

Orígenes musicales: R&B, Funk, Soul

Orígenes culturales: Primera mitad de los 70 enEstados Unidos

Instrumentoscomunes: Sección de cuerda, Sección de

50
 viento, teclados, guitarra,bajo, batería, voz.

Popularidad: Muy alta en Estados Unidos y Europa

continental, durante la segunda mitad de
los 70

Subgéneros

Sonido philadelphia, Sonido New York, Sonido Los Angeles, Sonido

Munich

Fusiones

Hip hop, Dance, House, Groove, Acid Jazz, Midwest rap

Enlaces

Categoría:Música

La música disco es un género de música de baile derivada del R&B (rhythm &
blues) que mezcló elementos de géneros anteriores, como el funk y el soul, con
toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile
(discotecas) a finales de los setenta.

Bola de espejos representativa de la época disco.

Contenido

51
 [ocultar]

• 1 Características generales
o 1.1 Estructura musical
 1.1.1 Ritmo
 1.1.2 Armonías y arreglos
o 1.2 Ámbito temporal
• 2 Historia
o 2.1 Orígenes
 2.1.1 Soul de finales de los 60
 2.1.2 Studio 54 y otras salas
 2.1.3 Primeros éxitos en las listas
o 2.2 1976-1979: La edad de oro
o 2.3 El declive del género
 2.3.1 Los anti-disco
 2.3.2 Del sonido Disco al sonido House
o 2.4 El resurgimiento del disco en los 90
o 2.5 El género en la actualidad
• 3 Subgéneros
o 3.1 Variantes regionales
o 3.2 Los DJs
o 3.3 Música disco fuera de EEUU
 3.3.1 Alemania
 3.3.2 España
 3.3.3 Francia
 3.3.4 Italia
 3.3.5 Otros países europeos
 3.3.6 Latinoamérica
• 4 Información adicional
o 4.1 Otros artistas disco
• 5 Notas
• 6 Bibliografía de referencia

• 7 Enlaces externos

52
[editar]Características generales

[editar]Estructura musical
[editar]Ritmo
La música pop dominó la escena musical hasta el comienzo de los años 80. Las
canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo Compás
de 4/4, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hi
hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado,
con voces fuertemente reverberadas.

Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y
136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de
origen latino como merengue, rumba o samba.

[editar]Armonías y arreglos
El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba
en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases
lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y
la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que
en el rock, la guitarra solista es inusual.

El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos
orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico,
fundamentado en una progresión de acordes bien definida
(menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.
Utilizaban los sonidos grotescos de armonía pura. En esta música a veces solían
añadir contrabajos, platillos y saxos, pero sólo si se iba a actuar en salas que no
eran discotecas.

[editar]Ámbito temporal
La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la década comprendida
entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.

Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los
intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna
Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and
The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas
que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima

53
de su popularidad, como por ejemploLeo Sayer (You Make me feel like
dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last
Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).

Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!,
contribuyeron al despegue de la música disco entre el público. Aunque la
popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una
importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica de los
años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.

[editar]Historia

[editar]Orígenes
[editar]Soul de finales de los 60
La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 60, y en ese
proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género,
que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la
música disco. Barry White es uno de estos nexos y el primero que resaltó el
papel del ritmo frente a las melodías y arreglos orquestales. Sin embargo, quizás
sea el tema de Jerry Butler,Only the Strong Survive (1969), el primer ejemplo de
combinación de los elementos que definirían la música disco. Este tema aunaba
los sonidos del soul de Filadelfia y New York, junto con las evoluciones
delSonido Motown.

El soul de Filadelfia, precisamente, se caracterizaba por su mezcla de percusión

hipnótica con arreglos de cuerdas, y su huella se ve claramente en temas
como "Soul Makossa" (1972), de Manu Dibango, uno de los primeros grandes
éxitos disco. Sin embargo, el término disco no fue utilizado hasta que el
crítico Vince Aletti lo incluyó en la revista Rolling Stone, en su
artículo "Discotheque Rock '72: Paaaaarty!".

[editar]Studio 54 y otras salas

Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco
sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde
los pinchadiscos, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello
dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la
duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12

54
pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según
el término definitorio del momento: Boogie.

Algunas otras salas de baile también obtuvieron prestigio: The

Limelight, Magique, L'amour, Sanctuary, Paradise Garage, etc.

[editar]Primeros éxitos en las listas

El tema "Rock The Boat" de The Hues Corporation (1974) fue nº 1 en
los charts de singles y vendió un millón de copias, convirtiéndose así en el
pionero de los grandes éxitos de la música disco.

También alcanzaron este privilegiado status otros temas como "Love's Theme",
de Barry White & Love Unlimited Orchestra, a comienzos de 1974. Ese mismo
año, Gloria Gaynor publicó el primer álbum de vinilo con formato disco mix, que
alcanzó el nº 1 de las listas, gracias a que incluía una versión de un tema de The
Jackson 5, "Never Can Say Goodbye", que se convirtió en paradigma
del género.

Sin embargo, fueron los Bee Gees quienes pusieron cara a la música disco. El
grupo había sido popular en la década anterior por sus baladas, e incluso habían
competido con los Beatles en los charts, aunque habían desaparecido durante
algún tiempo. La habilidad de Barry Gibb para cantar en falsete y la inmersión
del grupo en el disco, le proporcionaron su primer nº 1 después de muchos años
con Jive Talkin (1975) y, sobre todo, con You should be dancing. Ambos temas
se incluyeron, posteriormente, en la banda sonora del film Saturday night fever.

En 1975, éxitos como "The Hustle", de Van McCoy o "Love to Love You, Baby",
de Donna Summer, acabaron por consolidar la primacía de la música disco.
Hubo otros muchos temas de gran éxito, a nivel mundial, entre 1974 y 1975: The
Jackson 5 con "Dancing Machine" (1974); Barry White y su "You're the First, the
Last, My Everything" (1974); "Lady Marmalade" (1974) del trio Labelle; The Four
Seasons y su "December, 1963 (Oh, What a Night)" (1975); o Silver Convention,
con "Fly Robin Fly" (1975).

[editar]1976-1979: La edad de oro

A partir de 1976, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el
género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición
de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas
como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like

55
Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1978; Copacabana (Barry
Manilow, 1978); I'm every woman(Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings,
1976); Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think I'm Sexy? (Rod Stewart,
1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos
deMichael Jackson, Don't Stop 'til You Get Enough y Off the Wall (1979). La
publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del Sábado noche (1977),
uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó
a los Bee Gees, nuevamente, al n.º1 de las listas de éxitos de todo el mundo,
con ocho sencillos diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night
Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.

En la misma época en que el género se consolidaba, algunas agrupaciones

ajenas al mismo se adentraron en la música disco, asimilando tanto elementos
del sonido New York, como los del de Filadelfia, añadiendo también toques
latinos, por ejemplo, la orquesta Salsoul Orchestra, dirigida por Vincent Montana
Jr así mismo el género en Europa desarrolla algunos éxitos en el modo italo-
disco con el Grupo La Bionda. Incluso algunos grupos de rock de primera línea
publicaron temas con claras influencias disco: Miss you de Rolling Stones, I was
made for lovin'you de Kiss, etc. También grandes factorías de Hollywood,
como Disney, se vieron influenciadas por el género. Los estudios Disney,
publicaron, en 1979, un LP denominado Mickey Mouse Disco con algunas pistas
que llegaron a ser muy conocidas, como Macho Duck(Pato Macho, en español)
y Disco Mickey Mouse (con versiones en inglés y español). El disco se publicó
en ambos idiomas que alcanzó un éxito aceptable y constituyó un
acercamiento infantil a la música disco, del mismo modo Se publicó Sesame
Street Fever Con los personajes de Plaza Sésamo los cuales también
interpretaron música disco de tipo Familiar, se publicó también en 1979 también
resultando un éxito en la música disco, donde también colaboro Robin Gibb de
los Bee Gees.

Las series y programas de TV de la época, en general adoptan pistas de

presentación y de acompañamiento de escenas de acción basados en la música
disco. Por ejemplo, es el caso de CI5 The Professionals (1977), CHiPS (1977),
SWAT (1975), Wonder Woman (1977), etc

[editar]El declive del género

[editar]Los anti-disco

56
La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a
inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y
homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El
adocenamiento de estos productos y la aparición de alternativas de baile
evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento anti-disco cada vez
más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música
disco, sobre todo a partir de 1980. La emergencia de escenas alternativas, tanto
en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también
contribuyeron al declive del género.

El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción anti-disco en Chicago, impulsada

por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael
Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition
Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte
enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó
seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts. No obstante, aún
continua habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con
un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The
Gang(Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer
Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller,Billie Jean,Dont Stop Till
You Get Enough , 1982); The Mary Jane Girls (In My House,
1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky
Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984) Modern Talking (Brother Louie, 1984)
y Gloria Estefan (Conga, 1985).

[editar]Del sonido Disco al sonido House

La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce
básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria
Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a perder
dinero en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y
viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por
sofisticados Secuenciadores y Cajas de ritmos.

Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y

el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan
las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros

57
ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice
Rushen

El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker,
marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente
influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans-Europe Express. El nombre
del estilo fue Electro funk.

Serían, finalmente, productores como el propio Giorgio Moroder en Europa,

y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos
poderosos, impulsarían el House, vinculado a clubs como el Paradise
Garage (New York) o el Warehouse, en Chicago.

[editar]El resurgimiento del disco en los 90

La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los
noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve
resurgir del género en la década de los 90. El estilo se popularizó inicialmente
como Aciz-Jazz, en clara referencia comercial a Acid_house, que fue el
marchamo comercial para producciones de baile electronicas llenas de smileys
entre 1988 y 1989. Publicaron canciones neo-disco ó "Acid Jazz", artistas
como U2 (Lemon,1993), Brand New Heavies (Spend Some Time,
1994), Jamiroquai (Cosmic Girl, 1996; Little L, 2001), Spice
Girls (WannaBe , Who Do You Think You Are, 1997) , Kylie Minogue (Spinning
Around, 2001) o Sophie Ellis Bextor (Murder on The Dance Floor, 2002).

En esta década, una serie de Videojuegos incluyeron algunos temas disco,

como es el caso, entre otros, de Dance Dance Revolution 4th Mix (Shake Your
Booty de KC and The Sunshine Band); Bust A Groove(The Natural Playboy) o
'Bust A Groove 2 (Lets the Music Take Control). Para la saga Bust a Groove, los
temas fueron especialmente compuestos para representar a un personaje
denominado Hiro, que es unfanático bailarín de este tipo de música.

Asimismo algunas series de Televisión han invitado a Personalidades propias de

esta época como Barry White , Leo Sayer entre otros así como la influencia a
crear personajes disco, como ejemplos de esto tenemos a Disco Stu de los
simpson

[editar]El género en la actualidad

58
Aunque las influencias de la música disco permanecen aún en temas actuales
(por ejemplo, Free my love de Suzanne Palmer, Big Girls(You Are
Beautiful) de Mika , Shut Up And Let Me Go de The Ting Tings,Itsi Bitsy
Bikini de Gummy Bear ) o algo de lo que hacen Scissors Sisters (2007)otro
ejemplo podría ser "Hung Up" (Madonna) de su álbum "Confessions on a dance
floor" (2005).

Se puede decir que en cierto modo el Género Indie tiene algunas influencias de
este genero ya que algunas canciones de este mismo llegan a tener el mismo
tiempo de Beats Repetitivos característicos de la música disco

Así Mismo El J-Pop en Japón ha tenido breves éxitos con influencias disco
Como Puffy AmiYumi con Cosmic Nefaretabi

No obstante, sigue habiendo un mercado de aficionados, que permite que sigan

editándose CD clásicos, remixes de algunas canciones conocidas, y que se
celebren grandes conciertos, de convocatoria "familiar", como el realizado por
la PBS en 2004, que unió a estrellas y artistas de aquel tiempo (como A Taste Of
Honey , Leo Sayer , Tavares , Frankie Valli , Yvonne Elliman , HeatWave , The
Hues Corporation o Martha Wash, entre otros), que "revivieron" muchas de las
canciones que hicieron época.

[editar]Subgéneros

[editar]Variantes regionales
En la época de mayor esplendor (mediados de los 70), aparecieron un gran
número de variantes regionales del género, en algunos casos consecuencia de
las características especiales de algunos artistas, en otros como consecuencia
de conceptos de producción y/o arreglos musicales. Entre estos subgéneros
locales, cabe destacar:

 El Sonido Filadelfia, una creación de los productores y compositores

Humble y Huff, y que generó una larga lista de números uno, con grupos
como MFSB, The O'Jays o The Three Degrees, y solistas comoPatti
Labelle o Billy Paul.
 El Sonido Nueva York, con temas de los artistas residentes de Studio
54 así como algunos de origen latino, como Van McCoy, Grace Jones, The
Salsoul Orchestra , Amanda Lear o LaBelle, con su espectacular éxito Lady
Marmalade.

59
  El Sonido Los Angeles, que incluía grupos como Tavares, Love Unlimited
Orchestra o Phyllis Hyman.
 El Sonido de Miami surgido de los Estudios Criteria
 El Sonido Munich, con artistas como Donna Summer, Silver
Convention, Boney M, Ginno Soccio o Giorgio Moroder.

[editar]Los DJs
El propio concepto del género, y su estrecha vinculación con las pistas de baile,
otorgaron un papel relevante a los DJs en la popularización de la música disco.
Con el tiempo, los más relevantes, fueron incorporando elementos de creación a
su trabajo con los vinilos, llegando a generar fórmulas rítmicas propias que
fueron asumidas por los productores. Una de estas líneas de desarrollo de
la música disco, enlaza directamente con el hip-hop (Afrika Bambaata).

Entre los DJs más importantes, cabe recordar a Walter Gibbons, David
Mancuso, John Benítez y Richie Kaczar (ambos de Studio 54), Francis
Grasso, Ian Levine, Mike Pace, Preston Powell, etc.

[editar]Música disco fuera de EEUU

No se puede entender la evolución de la másica disco sin la participación
fundamental de Europa. Gran parte de los éxitos de la segunda mitad de la
década se fraguaron, o se produjeron directamente, en el viejo continente. Si
bien los artistas al otro lado del charco bebían de las influencias directas del soul
y la música negra, en Europa las influencias son mucho mas variadas, jazz, pop,
estilos locales, se nota una clara predilección y evolución en la música disco
europea hacia los sonidos sintetizados, fundamentales para entender la música
de baile de los años 80 (euro/italo disco, House, Industrial, Electro...).
Porductores como el aleman Girogio Moroder estarán a la cabeza de esta
evolución dentro del denominado sonido Munich, con producciones para Donna
Summer o propias como "From Here To Eternity".

La mayoría de las producciones europeas tiene vocación internacional, alejadas

de nacionalismos y señas de identidad patrias. Los artistas graban en inglés y
mezclan distintos estilos, bajo el ritmo típico a una velocidad media de 120 bpm.
Esta ventajosa indefinición nacional hace que pronto la mayoría sean absorbidos
por el mercado norteamericano, lo que haría que finalmente terminaran
grabando y produciendo allí.Alec R. Costandinos, Jacques Morali, o Giorgio

60
Moroder, serían artífices de éxitos disco a ambos lados del Atlántico. Entre sus
éxitos están Village People (Morali), Donna Summer (Moroder), D.C. La
Rue(Costandinos).

El estilo disco fue adoptado rápidamente, al igual que sucedió en EEUU por
artistas europeos consagrados como ABBA, claramente instalados en el género
desde su éxito "Dancing Queen", dominando las listas durante finales de los 70 y
comienzo de los 80. La Electric Light Orchestra, con temas claramente disco
como Last Train To London o sus incursiones en la banda sonora de la
película Xanadu. Incluso cantantes tradicionales francesas como Sheila, que
bajo el seudónimo Sheila B. Devotion, o Dalida obtendrían gran popularidad en
el disco sound.

Al igual que en EEUU, en Europa se aprovechó el tirón de la música disco, para

desempolvar éxitos de décadas pasadas y obtener de nuevo un gran éxito. En
este capitulo caben destacar desde Francia Santa Esmeralda con versiones de
"The House Of The Rising Sun" , o "Don't Let Me Be Misunderstood", ambos
éxitos de The Animals, Belle Epoque con el "Black Is Black" de Los Bravos, o
desde Alemania Boney Mcon Sunny de Bobby Hebb, y Eruption con el "One
Way Ticket" de Neil Sedaka.

De la década dorada se pueden destacar como exponentes europeos muy

influyentes,Cerrone (Francia), Boney M (Alemania), La Bionda (Italia),
o Barrabas (España).

[editar]Alemania
Alemania de la mano de productores de la talla de Giorgio Moroder, Frank
Farian o Rolf Soja, desde Munich o Hamburgo, es con Francia, uno de los
países que mas éxitos ha proporcionado a la música Disco mundial. Estilos
como el Sonido Munich son sellos identitarios de un estilo que se nutre del pop
europeo, la música de raíces negras americana, el jazz, y la electrónica de
vanguardia surgida en el Krautrock.

La cantante Donna Summer que desembarcó en Europa como integrante del

musical Hair a principios de los 70, recala en Alemania y de la mano de Girogio
Moroder iniciando una carrera de éxitos fundamentales para el éxito masivo de
la música disco. La erótica "Love To Love You Baby" (1975), o la electrónica "I
Feel Love" (1977) son éxitos populares del género en todo el mundo.

61
Boney M, grupo integrado por cantantes y bailarines de las Indias
Occidentales y Jamaica , lanzados de la mano del productor Frank Farian, se les
puede considerer exponentes de una música disco popular, pensada para el
consumo masivo, con estribillos pop fáciles para el gran público ("Brown Girl in
The Ring", "Rivers of Babylon", "Gotta Go Home", "El Lute" o "Daddy Cool") que
podrámos denominar Bubble Gum-Disco.

Se denomina Sonido Munich al estilo disco grabado fundamentalmente en

los Musicland Studios o en los Union Studio de Munich. Por los Musicland, de
los cuales es Fundador Giorgio Moroder, pasarían un gran número e artistas
internacionales, pero serán recordados siempre por las producciones disco, que
incluían grandes partes de música electrónica, y con una vocación popular. Son
exponentes Donna Summer,Roberta Flack, Boney M, Silver Convention,el
propio Giorgio Moroder, y proyectos de este como la Munich Machine.

Este paso del Krautrock electrónico a la música disco tuvo también su paso
inverso. Los alemanes Kraftwerk que se comenzaron a alejar del sonido frío
del Krautrock desde el éxito Autobahn, asimilan de manera natural su sonido
electrónico minimalista a la música disco, especialmente desde el inesperado
éxito en las discotecas de Trans Europe Express. El álbum The Man
Machine (1978) y Computer World (1981) inciden en este sonido electrónico
disco que seria precursor e inspirador de corrientes de los años 80 como
el Electro Funk, del Tecno pop orientado a la pista de baile, o el House

[editar]España
Por su parte, en España, en la segunda mitad de la década, y comienzo de los
ochenta, hubo algunas incursiones en la música disco, destacando, sin duda
alguna, el grupo Barrabás, una de las bandas de mas éxito internacional (mas
famosos en EEUU que en España), que produjeron temas de corte disco pero
fusionando multitud de estilos como el jazz, rock o sonidos afro-latinos. Entre
sus éxitos disco en los años 70 destacan "Hi-Jack", "Desperately", o "Check-
Mate", siendo unos de los precursores en la publicación, en 1975, de uno de los
primeros maxi-single (formato de vinilo de 12 pulgadas pensado para
discotecas) de la historia. El tema elegido fue "Mellow Blow", en el
sello Atlantic en EEUU.

Además de Barrabás hay que mencionar al dúo Baccara. Si bien sus éxitos se
tienen que considerar como producciones de música disco Alemanas, su forma

62
tan española de pronunciar el inglés, y sus orígenes, les hacen un hueco en esta
sección. Mayte Mateos y María Mendiola fueron lanzadas desde Hamburgo, por
el productor Rolf Soja, que las bautizó Baccara (previamente se habían llamado
Venus) y fue el artífice de dos piezas fundamentales de la música disco de los
70, "Yes Sir I Can Boogie" y "Sorry I'm a Lady". Como tantos otros artistas de la
música disco su popularidad terminó pronto, siendo solo remarcable aparte de
estos éxitos mencionados, su éxito menor "The Devil Sent You To Laredo", y su
participación en el festival de Eurovision, representando a Luxemburgo. En ese
festival fueron las introductoras del sonido disco, ya que Eurovision hasta
entonces era pasto, salvo honrosas excepciones, de producciones de bubble-
gum facilón, o baladas románticas.

El sonido disco se instala en España fundamentalmente de la mano del

denominado fenómeno "Fans" (lanzamientos comerciales de artistas
adolescentes para adolescentes, sobre todo femeninas) entre 1979 y 1980. El
resultado es un sonido pop con bases claramente "Disco", como se puede
escuchar en los lanzamientos de artistas como Pedro Marin y su éxito "Aire"
(1979), Iván, con sus éxitos "Sin Amor"(1979), (versión del tema Dschinghis
khan que el grupo homónimo alemán interpretaría en Eurovision en 1978), y
"Fotonovela" (1983), número 1 en países como Francia o Alemania; o Miguel
Bosé, con sus éxitos internacionales, Super-Superman, y Anna.

Otros representantes disco-ibéricos de la época son "Apache", o "Goma de

Mascar".

En el ámbito de la música infantil, al igual que sus compañeros adolescentes del

fenómeno "Fans", se introduce el sonido disc. El grupo Parchís lo introducen
algunas canciones, como Mortadelo y Filemón o En la Armada, entre otras.
Además el dúo infantil Enrique y Ana también tuvo su incursión disco-kitsch en
"Super Disco Chino"

Aprovechando el tirón, rodeado de cierto escándalo (para aquellos años) de

artistas transexuales, o presuntamente transexuales, como Amanda Lear,
Bibiana Fernandez, más conocida como Bibi Andersen, publica en 1980 un tema
de clara inspiración en el Munich Disco Sound, llamado "Call Me Lady
Champagne", de gran éxito en España, y algunos países europeos
como Alemania. El tema fue el comienzo de una efímera carrera musical.

63
Ya en los años 80 algunos se apuntan al estilo italo disco, haciendo
producciones electrónicas de similar factura y pretensiones internacionalistas.
Dentro de este estilo podemos enmarcar al ya mencionado Iván,David
Lyme, Charlie Danone, Atlanta, los seudónimos del productor RT1 tales
como DJ Ventura - Mr Backer y Vicio Latino, Steve Clark (nada que ver con el
miembro homónimo de la banda de rock Def Leppard),Xalan o Lenroy. El éxito
internacional del "The Night" de Azul y Negro es también incluido habitualmente
entre los éxitos europeos del italo disco, a pesar de que su línea iba más por la
senda del tecno pop.Alaska y Los Pegamoides consiguen un gran éxito
en España, a principios de los 80, con el tema "Bailando" (1981), de clara
inspiración en el sonido de los franceses Gibson Brothers, y que posteriormente
aprovechando el boom del Acid House volverían a grabar editando varias
mezclas distintas, dentro de los estilos puramente electrónicos de finales de esa
década.

Curiosamente, el grupo español que mejor sintetizó el sonido disco,

la Fundación Tony Manero, aparece con el revival de los años 90. Si bien su
estilo, excesivamente purista en cuanto a la grabación del sonido, los aleja de
sus coetáneos extranjeros como Jamiroquai que lo adaptaron a la época post-
House. Su éxito fue prácticamente local y se debe sobre todo a la inclusión del
tema "Super Sexy Girl" como banda sonora del anuncio, para las televisiónes
en España, del modelo de coche "Space Star" de la marca japonesa Mitsubishi.

[editar]Francia
Francia es el otro gran productor de éxitos disco Mundiales, si bien quizá no sea
del todo conocido. De Francia salieron un gran número de producciones de corte
internacional, en inglés, como los ya mencionados Cerrone, Santa
Esmeralda o Belle Epoque.

Patrick Hernandez sería número 1 en medio mundo con "Born To Be Alive",

añadiendo la curiosidad de que Madonna llegó a estar en el cuerpo de baile que
lo acompañaron en algunas actuaciones de su gira de 1980. Patrick Juvet, con
éxitos como "Lady Night" , "I Love America", o "Got A Feeling". Space con el
éxito "Magic Fly" (representantes del Space Disco, otra variante electrónica de la
música disco, próxima el Munich Sound, pero con sabor más puramente
electrónico, próximo a artistas como Jean Michel Jarre). Voyage y su éxito
"Souvenirs" (considerado uno de los mejores temas de la música disco de todos

64
loa tiempos), Gibson Brothers, Otawan y una larga lista de artistas sitúan
a Francia como una de las grandes potencias de la música Disco.

La cantante Sheila, tras ser una cantante de éxito en los años 60 se convertiría a
la música disco con la denominación Sheila B. Devotion, alcanzando fama
internacional con éxitos como Spacer. También es de destacar el hit disco de la
cantante Dalida,otra cantante de pop francés clásico, J’attendrai, que ocupó los
nº 1 de los charts, o "listas de éxitos", en multitud de países,
como Canadá o Japón.

Francia aportó además de artistas gran cantidad de productores de música disco

internacional, tanto propios, como afincados, entre los que hay que
destacar Jacques Morali o Alec R. Costandinos.

La aportacion francesa al euro disco/italo disco, viene de la mano

de Desireless y su éxito "Voyage Voyage", Bandolero y su éxito "Paris Latino", o
la Princesa Estefanía de Mónaco alias Stephanie con su éxito "Irresistible".

[editar]Italia
En Italia al igual que en Francia o en Alemania, se desarrolló música disco con
pretensiones internacionales. Sin embargo, el género terminó desarrollando una
variante especial denominada italo disco la cual evolucionó en parte gracias a la
música electrónica que también le dio un toque único al género. El Italo-disco
terminó siendo un estilo propio, cantado fundamentalmente en inglés, con la
música producida completamente por instrumentos electrónicos y
secuenciadores, que se identificaba con Italia, sin tener casi ninguna conexión
con la música popular italiana anterior. En la década de los 70 son ejemplo de
este estilo el grupo Easy Going, con éxitos como "Fear", Tulio De Piscopo con
"Stop Bajon", La Bionda, con éxitos como "One For you, One For Me" o el disco-
electro-pop "Wanna Be Your Lover" que muestra claramente la transición al
italo-disco. Difference con "High Fly" también tuvieron una cierta repercusión
internacional.

"Step By Step" de Koxo es otro claro exponente italiano, de la transición del

disco setentero más ortodoxo al italo disco ochentero electrónico puro.

En los años 80 hubo un sinfín de artistas italo disco, caben

destacar Kano, Kasso, Silver Pozzoli, Spagna, P Lion, Miko

65
Mission, Baltimora, Righiera, Camaro's Gang, Den Harrow, Gary
Low, Gazebo, The Twins

Artistas consagrados como Raffaella Carrà incursionaron también en la música

disco con temas de corte desenfadado también cantados en castellano: Hay que
venir al sur, 0303456, En el amor todo es empezar, etc. Otro cantante italiano
que al pasarse a la música disco consiguió un único e inesperado éxito
internacional fue Pino d'Angio, que con "Ma Quale Idea", conquistó los primeros
puestos de innumerables "charts" internacionales.

[editar]Otros países europeos

Al músico griego Alexandre Garbis Sarkis Kouyoumdjian, mejor conocido
como Alec R. Costandinos, como D.C. La Rue y con muchos otros seudónimos,
se le puede considerar, junto al tándem Giorgio Moroder -Pete Bellotte, al
productor francés Jacques Morali o al alemán Frank Farian, uno de los reyes de
la música disco europea de la década de 1970. Afincado en Francia, compuso y
produjo para un sinfín de artistas y projectos propios, entre los que se
encuentran Love and Kisses, Don Ray, Tony Rallo, Cerrone, Paris
Connection, Sphinx, Sumeria y Alan Hawkshaw.

En Bélgica, el grupo Two Man Sound desarrolló su trabajo en diversos idiomas,

de los cuales destacó su éxito Disco Samba, que los dio a conocer con su
mezcla de ritmos brasileños y ambientes disco electrónicos influidos en parte por
el estilo italo-disco. Su tema ¡Qué tal, América!, es considerado uno de los
precursores del sonido house de la década posterior. Asimismo,
desde Bélgica el grupo Telexalcanzaría popularidad en las pistas de baile
internacionales con su tema electro-disco Moskow Disco (1978), de claras
influencias en el Munich sound más electrónico y sobre todo en el tema We Are
The Robots, de los alemanes Kraftwerk. Este tema es considerado como gran
influencia para el sonido house, también.

Desde Holanda, el músico Harry Thumann conseguiría un gran éxito

internacional con Underwater, y desde Austria el grupo rock Ganymed obtendría
repercusión con temas como It Takes Me Higher, dentro del estilo Space Disco.

[editar]Latinoamérica
En cuanto a Latinoamérica, a finales de los 70, el DJ José Luis Cortés "El
Maromero", impulsa el género en México, dándole un toque muy especial.

66
Igualmente M.T.M realiza una versión en español de la canciónDouble Dutch
Bus Denominada El Peribus. Por su parte, el grupo Super Banda Macho de
Virgilio Canales hizo versiones disco, integradas en popurrís, de canciones
mexicanas tradicionales como corridos o algunas canciones veracruzanas, entre
otros materiales mexicanos musicales. También el grupo Mi Banda El Mexicano,
incorpora dentro de la instrumentación de sus tecnocumbias, componentes
derivados de ésta música, Inclusive algunas televisoras Locales de países
como Guatemala,México,Argentina entre otros en esta década usaron temas
disco para sus programas,.

En Argentina, el arreglista Bebu Silvetti también incursionó en el género,

obteniendo algunos éxitos y colaborando con bandas como Salsoul Orchestra.

[editar]Información adicional

Charlestón
Para otros usos de este término, véase Charleston.

Josephine Baker bailando el charlestónen el Folies Bergère, París, en 1926.

El charlestón es una variedad del foxtrot que hizo furor en Estados
Unidos durante la década de los 20.

[editar]Música

67
Ritmo frenético y alegre que se caracteriza por la supremacía de la sección de
viento sobre los demás instrumentos de la orquesta, especialmente el trombón y
el clarinete.

Algunas canciones que pueden bailarse como Charlestón:

 "The roaring twenties" de Jive Bunny & The Master Mixers

 "Put 'em down blues", "Orly's creole trombone" y "Skip the gutter" de Louis
Armstrong
 "All the cats join in" de Benny Goodman & His Orchestra
 "Down home rag" de Tommy Dorsey

[editar]Baile

El baile es rapidísimo y requiere gran velocidad de pies y mucho entusiasmo. Se

baila en cuatro tiempos, tanto en pareja como individualmente

Bolero
Este artículo trata sobre el género musical. Para otros usos de este término,
véase Bolero (desambiguación).

Bolero

Orígenes musicales: contradanza, danzón,habanera

Orígenes culturales:

Instrumentoscomunes: Guitarra, requinto, bongoes,clave, maracas

Popularidad: De mediana a alta en los países de habla

hispana

Subgéneros

68
 bolero son, bolero ranchero, bolero moruno,bachata

Fusiones

bolero-zambra, bolero-tango, bolero-milonga, bolero-mambo

El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios

países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela,
siendo popular en todos países hispanoamericanos.

Contenido
[ocultar]

• 1 Raíces
• 2 Orígenes e historia
• 3 Subgéneros del bolero
• 4 Desarrollo y orquestación del bolero
• 5 Decadencia y resurrección del bolero
• 6 Baile
• 7 Exponentes del género
• 8 Referencias
• 9 Enlaces externos

• 10 Véase
[editar]Raíces

Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de
la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos
elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en
el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera.
Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.

En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier

Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas),
componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales
como temáticas .

69
[editar]Orígenes e historia

Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero , alguna de las cuales
señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la
indudable creadora de este genero musical, que más tarde se extendió por
Latinoamérica.

José Pepe Sánchez .

El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840. Se acepta que
el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez
en Santiago de Cuba en1886[cita requerida]; aunque algunos difieren de la fecha, lo
importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el
acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la
percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de
serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de
México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la
mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XlX
como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra1

[editar]Subgéneros del bolero

La impronta musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son,
el danzón, la guaracha, el mambo y el cha-cha-chá, entre otros. Los países de la
cuenca del gran Caribe hispano asumieron pronto como propio el producto que
Cuba les daba entre la década de los veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión
y el engrandecimiento del bolero con otros géneros musicales, dándose como
resultados los subgéneros: bolero rítmico, bolero cha-cha-chá, bolero mambo,
el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero son

70
(creación de Miguel Matamoros), el bolero moruno (bolero con mezclas gitanas e
hispánicas) e inclusive la bachata, una especie de bolero originado en los
suburbios marginados de República Dominicana.

[editar]Desarrollo y orquestación del bolero

Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas
tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas
sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante
casi treinta años (1935–1965) dominó, como género, el espectro musical
latinoamericano.

Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey
del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó a dicho género musical sureño sin
un destacado intérprete. Por ello decayó el afán por el tango tras la muerte de su
mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono
sur del continente americano.

También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la

época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las
grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego lo de 45
rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se
convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos
artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e
intérpretes.

Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el
relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y
posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y
desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez,
la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del
bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en
sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está
asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta
y cincuenta. Así mismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una
enorme difusión y vigencia.

[editar]Decadencia y resurrección del bolero

71
La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo «romántico»,
que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música
bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and
roll, la salsa brava y el merengue.

No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su

exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían
interpretándolo hasta el final de sus días.

Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo
influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando
Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes
como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son
boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.

La llamada «resurrección» realizada por Luis Miguel, Guadalupe

Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Carlos Cuevas, Edith
Márquez o Mijares y el surgimiento de Rodrigo de la Cadena el mejor bolerista
de hoy en día en México; si bien tiene méritos propios, fue también la
consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era
indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero.

Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca

aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas
consolidados en el gusto popular.

[editar]Baile

El ritmo del bolero es de un compás de cuatro tiempos. En el primer tiempo la

pareja, uno frente a otro y con los cuerpos pegados, solo mueve la pelvis, en el
segundo da un paso rápido, en el tercero también, y en el cuarto da un paso
lento; todo esto mientras se gira lentamente hacia la izquierda. Esta forma de
bailar tan simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y
entre todas las clases sociales.

[editar]Exponentes del género

A continuación se listan por país de origen los nombres de los más reconocidos
compositores e interpretes de boleros:

72
 En Argentina: Leo Marini (Alberto Batet Vitali), Carlos Argentino (Israel
Vitenszteim Vurm), Hugo Romani (Francisco Antonio Bianchi), Roberto
Yanes, Gregorio Barrios, Chito Galindo, Fernando Torres, Danni
Martin, Chico Novarro, Los 5 Latinos, Estela Raval, Violeta Rivas, Ramón
"Palito" Ortega, el Trío Los Patricios, María Martha Serra Lima, Mara Lua y
los Nocturnos, Maria Graña y Daniel Riolobos.Si reconocemos que la balada
le dio un auge al bolero, tenemos que reconocer a Roberto Sanchez alias
Sandro, como uno de sus maximos exponentes en América.
 En Bolivia: Raúl Shaw Moreno.
 En Brasil: Agostinho, Miltinho (Milton Santos de Almeida), Altemar Dutra,
Los Indios Tabajaras, Simone (Simone Bitencourt De Oliveira), Bob Fleming
(solista de saxo), Orquesta Serenata Tropical y Orquesta Románticos de
Cuba.
 En Chile: Raúl Videla, Antonio Prieto, Palmenia Pizarro, Sonia y Miriam,
Rosamel Araya, Trío Inspiración, El Indio Araucano (Oswaldo Gómez), Mona
Bell, Los Hermanos Arriagada, Los Huasos Quincheros,Los 4 de
Chile, Estercita Soré y Lucho Gatica.
 En Colombia: Amparito Muñiz, Carlos Julio Ramírez, Alberto Osorio, Bob
Toledo (Alberto Basmagi), Víctor Hugo Ayala, Nelson Pinedo, Lucho
Ramírez, Lucho García, Trío Martino, Trío Carabell, Trío Los Isleños, Oscar
Agudelo, Alci Acosta, Tito Cortés, Juan Carlos Coronel, Carlos Arturo, Charlie
Zaa y Andrés Cepeda.
 En Costa Rica: Ray Tico, Memo Neyra, Rafa Pérez, Orquesta Maryval,
Trío los Josefinos y Gilberto Hernández.
 En Cuba: Los Hermanos Rigual, Antonio Machín, René Cabel, Beny
Moré (Bartolomé Maximiliano Moré), Barbarito Díez, Ibrahim Ferrer, Vicentico
Valdés, Fernando Albuerne (Luis Fernando Albuerne Garcell), Roberto
Ledesma (Roberto José Ledesma Gayton), Rolando Laserie, Orlando
Contreras, Fernando Álvarez, María Teresa Vera, Bertha Dupuy, Rita
Montaner, La Lupe (Guadalupe Yoly Raymond), Celia Cruz,Blanca Rosa
Gil, Olga Guillot, Omara Portuondo, Xiomara Alfaro, Elena Burke, Pablo
Milanés, Bienvenido Granda, Lucrecia, Ramón Armengod y César Portillo de
la Luz.
 En Ecuador: Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas, Lucho Bowen, Julio César
Villafuente, Trio los tres brillantes, Hugo Hidrovo, Héctor Napolitano, Victor

73
Galarza, Enrique Gallegos Arends, Patricia González, Segundo Rosero,
Mireya Levi, Dúo Almar, Pepe Jaramillo, Gabriel Vargas, Carlota Jaramillo,
Marcelo Sánchez, Niko Pavón, Victor Armijos, Rafel Jervis, Guillermo
Rodríguez, Rosalino Quintero, Wilson Carpio, Alberto Santana y Los
Embajadores de Ecuador.
 En España: Los Tres de la Noche, Bambino, Moncho, Bonet de San
Pedro, Juanito Segarra, Jorge Sepúlveda, Gregorio Barrios, Dyango, Gloria
Lasso, Mayte Martín, Pasión Vega, Martirio, Ana Reverte, yTamara.
 En Estados Unidos: Nat King Cole (Nathaniel Adams Cole), Eydie
Gormé y Linda Ronstadt.
 En México: Pedro Infante, Javier Solís, Agustín Lara, María
Grever, Consuelo Velázquez, Ignacio Fernández Esperón, Pepe Guizar, Los
Panchos, Alfonzo Ortíz Tirado, Juan Arvizu, Luis Arcaraz, Pedro
Vargas,Jorge Negrete, Ana María González, Toña la Negra, Graciela
Olmos, Genaro Salinas, Nicolás Urcelay, José Mojica, María Luisa Landín,
Roberto Cantoral, Los Hermanos Martínez Gil, Los Tecolines, Los
Soberanos, Los Tres Diamantes, Los Santos, Los Tres Caballeros, Los
Dandys, Los Tres Reyes, Rodrigo de la Cadena, Los Ases de Juan
Neri, José José,Marco Antonio Muñiz, Sonia López, Armando
Manzanero, Eugenia León, Fernando Fernández, Luis Miguel. En
agrupaciones de estilo tropical encontramos a la Sonora Santanera como
la Sonora Siguaray por mencionar algunos.
 En Nicaragua: Rafael Gastón Pérez, Octavio Latino, Camilo
Zapata, Edmundo Guerrero, Adán Torres, Víctor M. Leiva, Tino Lopez
Guerra.
 En Panamá: Carlos Eleta Almarán, José Luis Rodríguez Vélez, Chino
Hassan (Arturo Hassan Lasso), Ricardo Fábrega.
 En Paraguay: Los Tres Sudamericanos.
 En Perú: Lucho Barrios, Pedro Otiniano, Iván Cruz, Johnny Farfán,
Guiller, Gaby Zevallos, Los Hermanos Castro, Los Morunos, Carmencita
Lara, Cholo Berrocal y Christopher Sánchez, Anamelba, Gaby Zevallos,
Vicky Jiménez, Linda Lorens.
 En Puerto Rico: Daniel Santos, Tito Rodríguez (Pablo Tito Rodríguez
Lozada), Vitín Avilés, José Luis Moneró, Bobby Capó, Julio "Julito"
Rodríguez, Roberto Cole, Hernando Avilés, Myrtha Silva, Carmen Delia

74
 Dipiní, Johnny Albino, Trío San Juan, Trío Vegabajeño, Chucho
Avellanet, Odilio González, José Feliciano, Cheo Feliciano, Santos
Colón, Andy Montañez, Trío los Yeica, Danny Rivera y Eddie Ricardo.Seria
injusto no reconocer la aportación de Cheito González al bolero en Puerto
Rico. Hay que re-escribir la historia del bolero en Puerto Rico, pues dejan
fuera al Trio San Juan. Chago, Ola y Albino formaron un Trio que dejo sus
huellas en nosotros los Puertorriqueños.
 En República Dominicana: Juan Luis Guerra, Luis Alberti, Lope
Balaguer, Bienvenido Brens, Elenita Santos, Teté Marcial, Nicolás
Casimiro, Juan Lockward, Luis Kalaff, Julito Deschamp, Camboy
Estévez,Aníbal De Peña, Rafael Colón, Rafael Solano, Alberto Beltrán y
Maridalia Hernández.
 En Venezuela: Lorenzo González, Lorenzo Herrera, Graciela Naranjo,
Estelita Del Llano, Marco Tulio Maristani, Rafa Galindo, Luisín
Landáez, Alfredo Sadel, Carlos Marroquí, Pedro La Corte, Felipe Pirela,José
Luis Rodríguez "El Puma", Mirtha Pérez, Toña Granados, Floria Márquez,
Wladimir Lozano, Oscar D'León (Oscar Emilio León Simoza), Los Naipes, Ely
Méndez, La Rondalla Venezolana y Los Hermanos Rodríguez.

[editar]Referencias

Bomba (música)
Para las "bombas" picarescas-humorísticas en forma de copla,
véase Relaciones, aros, bombas (folclore).
Para Bomba ecuatoriana, véase Bomba del Chota.

Bomba

Orígenes musicales: Ritmos afro-

puertorriqueños

Orígenes culturales: Puerto Rico

75
 Instrumentoscomunes: barriles de bomba:
buleador y subidor,
cua, maracas, voz

Popularidad: Puerto Rico

Enlaces

Categoría:Música de Puerto Rico

La bomba es un género artístico de música y baile afro-puertorriqueño. Se cree

que fue llevada por los esclavos que llegaron de las Antillas
francesas procedentes de la costa oeste de África.

La bomba tiene más de veinte ritmos, de los cuales los más populares son el
sicá, el yubá y el holandés. Otros ritmos son guembe, cuembe, gracima y danue.
Tradicionalmente van acompañados de un baile donde el percusionista intenta
seguir los pasos improvisados del bailarín.

Contenido
[ocultar]

• 1 Instrumentos
• 2 Ritmos variantes
• 3 Algunos exponentes
• 4 Bomba ecuatoriana
• 5 Véase también

• 6 Enlaces externos
[editar]Instrumentos

La bomba es tocada con instrumentos como los tambores buleador y subidor

(primo): el buleador marca el ritmo y el subidor dialoga con los danzantes
(haciendo el piquete). Estos dos instrumentos son los principales, pero también

76
se usan unos palitos llamados cuá que se parecen a las claves y se usan para
tocar los tambores; se utiliza una sola maraca y generalmente es tocada por una
mujer.

[editar]Ritmos variantes

binarios

 bambulaé
 bele
 calindá
 cocobalé
 cuembe o güembe
 cunyá
 danuá o danué
 gracima
 holandé o holandés
 hoyoemula
 paulé
 seis corrido or seis corridor
 sicá

ternarios

 corve
 holandé seis por ocho
 leró
 mariandá
 rule
 yubá

[editar]Algunos exponentes

Los principales exponentes que se conocen de este tipo de música son Son del
Batey, Los hermanos Ayala, Majestad Negra y la familia Cepeda. La bomba se
baila en el Batey o Soberao que eran áreas amplias tipo plazoletas o al frente
de las casas para bailar.

77
[editar]Bomba ecuatoriana

En el norte del país, en el Valle del Chota, existe otro ritmo afroamericano
llamado Bomba del Chota. Es rápido y se caracteriza por las mujeres negras que
lo bailan con una botella en la cabeza.keysha

[editar]Véase también

 Bomba del Chota

 Plena

[editar]Enlaces externos

Bullerengue
El Bullerengue, es una música y danza de la costa atlántica de Colombia y la
Provincia de Darién en Panamá, ejecutada por los actuales descendientes de
los cimarrones que habitaron esa región.

Contenido
[ocultar]

• 1 Introducción
• 2 Etimología
• 3 Historia
• 4 Observaciones Finales
• 5 Bibliografía
• 6 Ritmo
• 7 Además

• 8 Instrumentos
[editar]Introducción

Durante mucho tiempo a los descendientes de africanos en nuestro país se les

mostraba como frutos de una ruptura entre África y América, negando su

78
memoria socio-cultural. Por el contrario desde hace algún tiempo nuevas formas
de entender su situación, han dejado ver que su adaptación al nuevo medio,
antes que crear rupturas entre los continentes, lo que muestran son nuevas
formas particulares de procesos creativos de adaptación, que dejan ver la
capacidad creadora de los afrodescendientes en condiciones adversas, y por
otro lado, muestran claramente huellas muy fuerte de africanía dentro de la
cotidianidad de sus actuales pueblos.

En esa transformación, la improvisación debió hacer parte de la génesis y

etnogénesis de tales sistemas. Jaime Arocha (1991, 1993) alude a la noción de
bricolaje que emplea Francois Jacob (1991) para representar procesos de
creación donde la razón y el sentimiento son guías de la improvisación cultural.
Arocha, también llama la atención al explicar que el concepto del bricolaje de los
negros: consiste en la búsqueda de alternativas manipulando lo que ya se tiene,
usando la intuición como brújula y el cacharreo como estrategia” (Arocha 1993).

Se ha llamado huellas de africanía al bagaje cultural sumergido en el

inconsciente iconográfico de los africanos esclavizados, que se hace perceptible
en la organización social, la música, la poesía, la ética social, la religión o el
teatro del carnaval de sus descendientes, elementos que se han transformado a
lo largo de los siglos en raíces para nuevos sistemas culturales de la población
afrocolombiana (Friedemann 1988).

La música como parte de la cultura, es cambiante, como cambiante es el

hombre y son estos procesos de cambio los que me interesa describir y
entender, para poder explicar cuales sus componentes y sus protagonistas.

El Bullerengue es un conjunto de ritmos y bailes festivos, propio de las

comunidades afrodescendientes ubicadas relativamente cerca del litoral de una
parte de la costa Atlántica colombiana, estas comunidades tienen una historia
asociada a la resistencia cimarrona. El Bullerengue hace parte de los llamados
Bailes Cantaos, donde también se encuentran ritmos como la tambora, la
guacherna, el chandé, la tuna tambora (interpretada en la zona minera de
Cáceres - Antioquia), el congo, el son de negros, el pajarito entre otros.

[editar]Etimología

79
La palabra bullerengue significa pollerón o falda de maternidad, de donde se
crearon las supervivencias actuales

[editar]Historia

En el ambiente cultural negro se define una danza de mujeres solas, de

indudable ancestro africano, al parecer desprendida de las costumbres rituales
del palenque de San Basilio, formando parte de los actos de iniciación de las
jóvenes a la pubertad, tomando como referencia a cartagena como punto de
origen.

A pesar de que los ritmos “tradicionales” de la costa se aprenden, estos no se

enseñaban, solo hasta hace algunos años con la creación de festivales y
escuelas de música tradicional en algunos pueblos como Ovejas - Sucre, se
están implementando algunas metodologías occidentales, tomadas de la
educación formal escolarizada. Según las viejas cantadoras y tamboreros, ellos
aprendieron con un familiar muy cercano o un amigo, que a su vez aprendió de
otro familiar u otro amigo, por eso podemos ver que estos músicos son fruto de
una larga herencia musical, donde esta se socializa constantemente.

Cantadoras, bailadoras y tamboreros nunca dejan de aprender y solo cuando

son veteranos son realmente reconocidos dentro de la comunidad como buenos
bullerengueros. Durante sus visitas a otros pueblos y hoy en día en la
participación a festivales, estos personajes aprenden cantos, versos, pasos,
golpes de tambor, conocen a cantadoras, bailadoras y tamboreros de los cuales
aprenden viendo; en ningún momento un tamborero “veterano” va a pedir a otro
tamborero que le enseñe un toque, ellos los aprenden y para esto utilizan el
termino coger, los tamboreros, las cantadoras y bailadoras se cogen los golpes,
los cantos y los pasos de otras personas.

El Bullerengue se convirtió para estas nuevas comunidades en la música festiva

por excelencia, con esta amenizaban sus reuniones y las celebraciones del
calendario santoral popular, realizaban fiestas de Bullerengue durante las
celebraciones de San Juan, San Pedro y San Pablo (24 y 29 de Junio) y luego
desde la celebración de Santa Catalina (25 de noviembre), Inmaculada
concepción de María (8 de diciembre), al 25 de diciembre, muchas veces las
fiestas seguían hasta el 6 de enero.

80
El conjunto rítmico del Bullerengue esta compuesto por:

1. El Bullerengue Sentao.
2. La Chalupa.
3. El Fandango.

[editar]Observaciones Finales

Es interesante ver como este movimiento de personas creo un vinculo

consanguíneo muy estrecho entre poblado alejados, siguiendo esta idea se
podría pensar en seguir metódicamente el desplazamiento de estas familias de
la bahía de Cartagena al golfo de Uraba y como ese vinculo que se percibe en la
música puedo tener muy seguramente repercusiones en otras aspectos sociales
de estos nuevos pueblos de negros.

[editar]Bibliografía

Arocha Rodríguez, Jaime. 1993. Los negros expertos en el Bricolaje. En:

Colombia / pacifico. FEN. Bogotá. Arocha Rodríguez, Jaime. 2000. Elogio a la
Afrigenia. En: Revista Nómadas. No. 13. Univeridad Central. Pp. 177 – 198.
Bogotá. Bateson, Gregory. 1972. Step to an ecology of mind. Ballantine Books.
New York. Friedemann, Nina de S. 1988. Cabildos de negros: refugios de
africanía en Colombia. En: Revista Montalbán. Universidad Católica Andrés
Bello. Pp. 1 – 16. Caracas. Friedemann, Nina de S. 1993. La saga del Negro.
Presencia africana en Colombia. Pontificia Universidad Javeriana. Colección
Primera Puerta. Bogotá. Friedemann, Nina de S. 1994. Vida y muerte en el
Caribe Colombiano: Cielo, Tierra, Cantos y Tambores. En: América Negra. No.
8. Pontificia Universidad Javeriana. Pp. 83 – 94. Bogotá. Friedemann, Nina de S.
1998. San Basilio en el Universo Kilombo-África y Palenque-América. En:
Geografía Humana de Colombia: Los afrocolombianos. Tomo VI. Adriana Maya,
Ed. Instituto Colombiano de Cultura Hispánica. Pp. 79 – 101. Bogotá. Jacob,
Francois. 1981. El Juego de lo Posible. Grijalbo. Madrid. Maya Restrepo, Luz
Adriana. 1998. Brujería y reconstrucción étnica de los esclavos del nuevo reino
de Granada, Siglo XVII, En: Geografía Humana de Colombia: Los
afrocolombianos. Tomo VI. Adriana Maya, Ed. Instituto Colombiano de Cultura

81
Hispánica. Pp. 191 – 217. Bogotá. Ramírez Naranjo, Rigoberto. 1999. Visión
Crítica del festival del Bullerengue: municipio de Puerto Escondido. Universidad
Santo Tomas de Aquino. (Manuscrito). Montería. Ripol, María Teresa de
Lemaitre. 1998. El Central Colombia. Inicios de industrialización en el Caribe
colombiano. En: Boletín Cultural y Bibliográfico. Vol. XXXIV. No. 45. Biblioteca
Luis Ángel Arango. Pp. 59 – 92. Bogotá. Turbay, Sandra. 1995. De la cumbia a
la corraleja: el culto a los santos en el Bajo Sinú. En: Revista Colombiana de
Antropología. Vol. XXXII. Instituto Colombiano de Antropología. Pp. 5 – 40.
Bogotá. Valencia Hernández, Guillermo. 1995. Apuntes sobre el Bullerengue en
la región del Dique, Colombia. En: América Negra. No. 9. Pontificia Universidad
Javeriana. Pp. 233 – 238. Bogotá. Velásquez Fuentes, Carmen. 1985. Los bailes
cantados de fandango o Bullerengue en la Isla de Barú (departamento de
Bolívar). Monografía de grado Departamento de Antropología Universidad
Nacional de Colombia. (Sin Publicar). Bogotá

[editar]Ritmo

El ritmo es bien marcado, autónomo, netamente africano, ejecutado por

tambores, sin ninguna derivación hacia la melodía. Las jóvenes salen al patio en
fila, palmoteando con las manos en alto, a paso corto, similar al de la cumbia y
en posición erguida. Se suceden varias figuras, usando las faldas, que
simbolizan la ofrenda de la fertilidad.

La música incluye un tambor hembra o tambor alegre acompañado de un tambor

macho o llamador que lleva el ritmo, también un totuma con un plato de loza
quebrado en su interior. y las palmas del coro que acompañan la música.

[editar]Además

A nivel vocal el bullerengue es liderado por un maestro de ceremonia y su canto

se basa en la narración de una historia mediante pregunta y respuesta en
décimas y líneas fragmentadas.

[editar]Instrumentos

 Tambor llamador (macho).

 Tambor alegre (hembra).
 Tambora, Guache.

82
Cakewalk (baile)
El Cakewalk era un baile que se desarrolló en las plantaciones del sur
de Estados Unidos, concretamente en Florida, que se puso de moda alrededor
de 1880, y que musicalmente surge de las jigas para violín ybanjo de la música
tradicional. Desde Florida, se extendió a Georgia, Louisiana y Virginia y todo el
sur, y más tarde a Nueva York y todo el mundo. Llegó a Europa antes de 1908 y
fue muy popular, especialmente en el norte de Gran Bretaña, dada su similitud
con algunas danzas autóctonas.

Existe una relación musical muy evidente entre el cakewalk y el Ragtime, con
idénticos antecedentes; de hecho, muchos de los primeros rags eran, en
realidad, cakewalks. De hecho, autores como Clayton y Gammond, suponen que
el cakewalk existía posiblemente en 1840, pues está constatado en esa fecha el
uso de la expresión Take the cake para referirse a un baile de las
plantaciones.1 Según estos autores, elragtime tomaría sus características
del cakewalk, y no a la inversa. En cualquier caso, ya en 1877 existía un tema
de Dave Braham, muy popular, llamado Walking for that cake.

Según descripciones de la época,2 el baile consistía en una serie de saltos y

giros frenéticos que se alternaban con lentos desfiles, en los que los bailarines,
siempre por parejas, caminaban solemnemente. El primer ejemplo
de cakewalk grabado, corresponde al tema At the cakewalk last night (1910) de
George Formby.

[editar]Referencia

Chachachá
Para la serie argentina, véase Cha cha cha (serie).
El chachachá es un género musical originario de Cuba creado a partir
del Danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953.

Contenido
[ocultar]

83
 • 1 La influencia del danzón
• 2 La charanga
• 3 Discografía recomendada

• 4 Enlaces externos
[editar]La influencia del danzón

Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín
le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia.
Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e
inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín
sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco
fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron
tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él
llamó cha-cha-cha.

[editar]La charanga

La instrumentación del chachachá originalmente fue tomada del danzón, que en

Cuba se toca con una agrupación musical llamada charanga francesa. Ésta
consistía en la percusión, el piano, el Bajo, la flauta y una sección de cuerdas,
todos estos con una similitud al funk. El auge del chachachá promovió este tipo
de agrupación, que ya estaba perdiendo adeptos. Los grupos más importantes
que lo interpretaron fueron la Orquesta Aragón, la Orquesta América, Los
Cariñosos y la Orquesta de Enrique Jorrín.

En estos momentos la formación tradicional de la charanga es la que predomina

entre las orquestas populares cubanas. En Nueva York, Gilberto Valdez forma la
primera Charanga de los EE.UU. que serviría de influencia fundamental para las
posteriores formaciones; pero en la década de 1970 comenzó a decaer.

[editar]Discografía recomendada

Claqué

84
Zapatos de claqué.
El claqué, también llamado tap, es un estilo de baile estadounidense en el que
se mueven los pies rítmicamente mientras se realiza un zapateado sonoro.

El tap se origina a partir de la fusión de las danzas de zuecos de Irlanda, el norte

de Inglaterra y Escocia combinado con los bailes practicados por los
afroamericanos, como la juba, entre el siglo XVII y el XVIII. En 1739, se prohibe
a los esclavos negros que utilizen instrumentos de percusión, esto los motivó a
realizar la percusión con los pies y las manos. Bailado en un principio por los
esclavos, se pulió en los Estados Unidos después de su guerra de secesión. Los
bailarines, inmigrantes de diversos grupos, se reunirían para competir y para
demostrar sus mejores cualidades y movimientos. De esta manera, mientras las
danzas se mezclaban, un nuevo estilo de baile nacía: el tap americano. Los
bailarines relajaron las posturas rígidas irlandesas, usaron brazos y hombros
para marcar y se añadieron nuevos pasos. La improvisación era lo primordial de
este baile. Luego de su auge en los años 30-40, el tap se alejó de los escenarios
norteamericanos hasta resurgir en los años 70. Ya en los 80 hubo una serie de
shows en Broadway (Sophisticated, Ladies, Black and Blue) y de películas
(White Nights, The Cotton Club) que le dieron un nuevo ímpetu.

El zapateo siempre se ubicó dentro del “show business” mas que en el circuito
de la “danza seria”. Sin embargo, hoy en día existen grandes compañías que
hacen temporadas en teatros antes impensables para el tap y sus shows son
meramente dedicados a esta danza.

El 25 de mayo se festeja el día internacional del tap.

Conga (baile)

85
Para otros usos de este término, véase Conga.
La conga es un baile de estilo latino típico de Cuba. Su nombre
deriva etimológicamente del instrumento musical conocido como conga o
tumbadora.

La conga tiene su origen en las fiestas que celebran los esclavos africanos,
durante el período colonial, en la festividad del Corpus, principalmente, el Día de
Reyes.

La conga evolucionó y, durante la década de 1930, se convirtió en un baile de

salón.

[editar]Enlaces externos

Conga (baile)
Para otros usos de este término, véase Conga.
La conga es un baile de estilo latino típico de Cuba. Su nombre
deriva etimológicamente del instrumento musical conocido como conga o
tumbadora.

La conga tiene su origen en las fiestas que celebran los esclavos africanos,
durante el período colonial, en la festividad del Corpus, principalmente, el Día de
Reyes.

La conga evolucionó y, durante la década de 1930, se convirtió en un baile de

salón.

[editar]Enlaces externos

Cross-body lead
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Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en
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referencias|Cross-body lead}} ~~~~

El cross-body lead es el elemento básico en el «estilo Nueva York» y en el

« estilo Los Ángeles», estilos de baile de la salsa latinoamericana. Él sirve allí al

86
cambio de lado y apertura del compañero. Movimientos semejantes se
encuentran en el chachachá y en la rumba, donde ellos fueron llamados fan. La
denominación inglesa se orienta a la técnica de baile del hombre: los pies cruzan
– giro del cuerpo – llevan a la mujer.

En el estilo cubano «rueda de casino», el movimiento correspondiente es

llamado «dile que no». Común es, por lo tanto que la mujer se aleje, con la
rotación, de su compañero de baile y le de una juguetona calabaza. El hombre
termina el movimiento, sin embargo, cuando tira de la mujer hacia sí mismo.

Aunque el cross-body lead y el «dile que no» se corresponden estilísticamente,

se distinguen en los detalles del baile. El cross-body lead es bailado
exactamente sobre una línea y la mujer, en contraste al «dile que no», no se
aparta del compañero.

El cross-body lead, o bien el «dile que no», se baila principalmente en Cuba,

Puerto Rico y los Estados Unidos de América, por lo cual, ha llegado a Europa
desde allí.

En la tierra firme latinoamericana, este movimiento es ampliamente

desconocido.

Cumbia

Cumbia

Orígenes musicales: Ritmos indígenas

precolombinos de la Costa
Caribe colombiana, ritmos
africanos traídos con los
esclavos.

Orígenes culturales: Ritmo colombiano de

87
 raíces africanas e
indígenas de la época de la
Conquista y la Colonia en
la Costa Caribe
colombiana y Panamá.

Instrumentoscomunes: flauta de millo, gaita

macho,gaita
hembra, maracas,tambor
alegre, tambor
llamador, tambora.

Popularidad: Alta en los 50 y en la

actualidad

Subgéneros

Cumbiamba, Cumbión, Cumbia Vallenata, Cumbia

Lambada, Cumbia-Son Cumbia argentina, Cumbia
mexicana, Cumbia peruana, Cumbia chilena,Cumbia
Venezolana, Cumbia salvadoreña yCumbia Uruguaya

La cumbia es un ritmo y un baile folclórico autóctono de Colombia, con variantes

de carácter igualmente folclórico en Panamá.1 2

La cumbia surge del sincretismo musical y cultural de aborígenes, negros y, en

menor escala, de los europeos en la región del delta del río Magdalena en Costa
Caribe Colombiana, con epicentro en la región de la población de El
Banco, Magdalena, hasta Barranquilla. 3 4 5

Es un ritmo popular en distintos países americanos, donde ha seguido distintas

adaptaciones como cumbia venezolana, cumbia uruguaya, cumbia
salvadoreña,cumbia chilena, cumbia ecuatoriana, cumbia mexicana, cumbia

88
peruana, cumbia argentina siendo las últimas tres de las más representativas,
entre algunas otras.

Contenido
[ocultar]

• 1 Origen
• 2 Formación instrumental
o 2.1 Gaitas
o 2.2 Flauta e' millo o pito atravesao
o 2.3 Tambores
o 2.4 Maracón
o 2.5 Guache o Guasá
• 3 Tipos de cumbia
o 3.1 Cumbia clásica
o 3.2 Cumbia moderna
o 3.3 Cumbia Vallenata
o 3.4 Cumbia con aires de metal ó Cumbia tropical
o 3.5 Cumbiamba
• 4 Difusión, introducción al extranjero y adaptaciones regionales
o 4.1 Argentina
o 4.2 Chile
o 4.3 México
o 4.4 Perú
o 4.5 Venezuela
• 5 Cantantes de Cumbia reconocidos
• 6 Referencias
• 7 Bibliografía

• 8 Véase también
[editar]Origen

89
Monumento a la cumbia en El Banco,Magdalena.
Es originaria de la parte alta del valle del río Magdalena, de la zona geográfica
denominada Depresión Momposina, y aún más precisamente de la zona
correspondiente al país indígena Pocabuy (incluidas las culturas de las sabanas
y el Sinú, al norte de la pincoya) que estuvo conformado por las actuales
poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el
Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar y Mompós, Chilloa, Chimí y
Guatacá enBolívar, como dan referencia de ello los testimonios de historiadores
chilenos como Americo en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de
la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de
Pocabuy y Aires Guamalenses.3 Los Pocabuy son mencionados en diversas
grabaciones, aunque la mencion mas famosa corresponde al tema "cumbia de la
paz" grabada por Chico Cervantes en el estribillo; "ritual sublime de los Pocabuy,
en la rueda de la cumbia, se despedian, de los bravos guerreros que ahi morian
en la paz de la cumbia...".

Según el compositor Garras de Amor, uno de los más ilustres cultores de la

cumbia: "La cumbia nació en el país de Pocabuy conformado por El Banco,
Chiriguaná,Mompox, Tamalameque, Chilota, Guamal, Chimí y Flaites. Pocabuy
era un país indígena que se extendía a todo lo largo del río Tucurinca” (actual
Magdalena). DonTomás Carrasquilla afirma: "los tamboriles y caramillos siguen
y siguen; siguen la gaita colombiana, siguen el bombo.... Viene después el
'perillero', luego la 'gaitera' y otras danzas menos complicadas; en fin, esos
padres de la cumbia".3

Los africanos que llegaron como esclavos a estas regiones, al contar la historia
de sus grupos étnicos y aquellos hechos famosos dignos de guardarse en la
memoria, se servían de ciertos cantos que distinguían con el nombre de

90
“areítos”, que quiere decir bailar cantando: poniendo en alto los candiles,
llevaban el coreo, que era como la lección histórica que, después de ser oída y
repetida muchas veces, quedaba en la memoria de todos los oyentes. El centro
del círculo lo ocupaban quienes daban la lección con el pie del canto y aquellos
más duchos y peritos en el manejo de las guacharacas,
millos, tambores y maracas, para entonar con la delicadeza la música de
aquellos cantares que fueron pasando, con el tiempo, de ser elegiacos a
entusiasmar, galantear, querellar y divertir.3

En Panamá surge en la región conocida en la época colonial como Veragua

(hoy, las provincias de Veraguas, Chiriquí, Herrera y Los Santos), de la mezcla
de la música indígena y española, sobre todo de Andalucía, con los ritmos
africanos traídos por los negros que llegaron a Panamá a principios del siglo XVI
(Narciso Garay, Tradiciones y cantares de Panamá). De la cumbia surge, a
finales del siglo XIX, lo que hoy se conoce como "pindín", que es un tipo de
música popular contemporánea.

Cumbiamba en el Carnaval de Barranquilla.

La cumbia es madre de muchos ritmos como el porro, la gaita, la chalupa, el
bullerengue, el chandé, el paseo, el son, las puyas entre otros. La cumbia y el
fandango, uno de sus derivados, son los únicos bailes populares que aún
conservan aquel alumbrado, que en los bailes primitivos a cielo abierto no era
otra cosa que las luces que servían de esplendor a las velaciones. En la región
vallenata, la cumbia se interpreta con acordeón, caja y guacharaca o raspa; en
Córdoba se ejecuta con banda de hojita o banda pelayera. De la cumbia existen
varias modalidades regionales como la cumbia sampuesana, la soledeña, la
cienaguera, la momposina, la de San Jacinto, la de Cartagena, de Cereté, de
Magangué, entre otras.4

91
La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales
distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso
mestizaje entre estas culturas durante la conquista y colonia de las tierras
americanas. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:

 Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes,

seductores, característicos de los bailes de origen africano.
 Las vestiduras tienen claros rasgos españoles, muy parecidas a las del
actual flamenco: Largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, etc. Y los
mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres. Las
vestimentas de los hombres, por otro lado, son muy parecidas a las usadas
en los encierros en el marco de las fiestas de San Fermín en Pamplona:
camisa y pantalón blancos, un pañolón rojo anudado al cuello y sombrero.
 En la instrumentación están los tambores de claro origen africano, las
maracas, el guache y los pitos (millo y gaitas) de origen indígena, mientras
que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque
adaptadas luego.

[editar]Formación instrumental

Niños interpretando cumbia con instrumentos tradicionales.

La forma más auténtica de la cumbia es exclusivamente instrumental, sigue un
compás 2/46 y es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de
tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo o las gaitas,
macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una
adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o
cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas. El conjunto de cumbia

92
es una ulterior evolución del originario conjunto de la tambora, estando el
conjunto de tambora conformado por el tambor alegre y el llamador y, en
algunos casos, por la tambora. Es un baile meramente cantado, como el chandé,
con sus palmas y coros, junto al cual luego se sumaron los pitos de las gaitas o
los millos.3 7 4 8

[editar]Gaitas
Instrumento aerófono de ancestro indígena: flauta derecha fabricada a partir del
corazón del cardón, con una formación de cera en uno de sus extremos en
donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la
base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con
orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja del cuerpo.

Se le llama de esta forma por la similitud de su sonido con el de las gaitas de

pico de los españoles.

La gaita hembra, de 5 orificios, proporciona la melodía. Su acompañante, a

contra punto, la gaita macho, de 2 orificios, cumple una función marcante e
imprime una profunda virilidad en el tañido de su lamento.

Un gaitero toca la gaita macho con una mano; con la otra, a la vez con gran
destreza, la maraca, y sus labios sólo sueltan la gaita para cantar.

Es un instrumento muy importante en la región caribe porque le da ritmo a la

cumbia, así como a los otros ritmos que se pueden interpretar con ellas: El
porro, la gaita instrumental y el merengue.7

[editar]Flauta e' millo o pito atravesao

Instrumento aerófono, al parecer de origen africano que reemplaza a las gaitas.
Recibe otras denominaciones como flauta traversa de millo, carrizo, lata o
bambú. Es un instrumento abierto en sus dos extremos, de unos 25 a 30 cm de
largo y de 1,5 a 2 cm de diámetro, normalmente. Tiene cuatro orificios situados a
unos 1 ó 1,5 cm entre sí y a unos 10 cm de la lengüeta, obtenida de la corteza
de la caña y que forma la embocadura por la cual entra y sale el aire mediante
emisión e inmisión del ejecutante, dotada de un hilo pisado a la lengüeta y
sostenido por los dientes para modular el sonido y producir el efecto vibrado de
los sonidos agudos, lográndose los más graves y nasales o bajos con el cierre
de la abertura situada al extremo más próximo a la embocadura.7

[editar]Tambores

93
Casa de el maestro José Benito Barros Palomino, el más grande compositor
de Colombia, nacido en El Banco, Magdalena.
Instrumentos membranófonos de percusión, de origen africano, que constan de
una caja de resonancia, generalmente cilíndrica, aunque a veces algo cónica, y
una o dos membranas o parches de cuero animal, que cubren la abertura de la
caja.

Para producir el sonido el tambor es golpeado generalmente con la mano o

algún objeto, comúnmente baquetas y también se suele percutir la caja. En los
tambores se distinguen:

 El llamador, el tambor más pequeño de todos, también llamado macho,

que marca la cadencia rítmica o compás, por lo cual es al único que no se
permiten los llamados "revuelos" o "lujos" en su interpretación.
 El alegre o hembra, tambor que marca la melodía; "juguetea" con las
notas de las melodías dictadas por los instrumentos líderes en este sentido y
que se adorna con complejas y alegres improvisaciones sobre todo al final de
la frase melódica, durante su ejecución.
 La tambora, tambor mayor en su tamaño y único con dos cueros, uno en
cada boca de la caja de resonancia, en el cual recae toda la responsabilidad
de la pronunciación del acento sonoro característico de los aires tradicionales
en el acompañamiento de cada pieza musical. Proporciona adornos y el
bajo.7

[editar]Maracón

94
Niños interpretando instrumentos de la cumbia.
Voz de etimología guaraní (mbaraka [mbaɾa'ka]) 9 que nombra al instrumento
idiófono de origen indígena, formado por una parte esférica de calabaza seca,
en nuestro medio generalmente de totumo, con semillas o piedrecillas en su
interior y un mango de palo que atraviesa o se adhiere al totumo y le sirve, a la
vez, de sostén. Acompañan a la gaite macho y proporcionan el "brillo" en la
canción.7

[editar]Guache o Guasá
Instrumento rítmico idiófono al igual que las maracas, y con estas se encarga del
acompañamiento versátil y vivaz de las improvisaciones musicales comandadas
por la coquetería del tambor alegre. Es de cuerpo alargado, generalmente
metálico, con estrías o perforaciones y pequeños percutores dentro, como
semillas o piedrecillas y fragmentos de vidrio.7

[editar]Tipos de cumbia

Mujeres bailando cumbia.

[editar]Cumbia clásica

95
La cumbia clásica consta de instrumentos como la kuisi sigí (gaita macho),
la kuisi bunzí (gaita hembra) y una maraca (taní) acompañadas algunas veces
de lassuaras (idénticas a las gaitas anteriores). Se trata de un aire zambo que
está formado por una melodía indígena y un ritmo de tambores negros, ésta
nunca se canta, sólo danza y totalmente instrumental.

[editar]Cumbia moderna
En la cumbia moderna se encuentran instrumentos como la caña de millo, la
guacha, las maracas, el tambor llamador, el tambor alegre y tambora o bombo,
el sintetizador, el piano, guacharaca y algunos instrumentos típicos del caribe.

Existen variantes de la cumbia cantada como el bullerengue, mapalé, los porros,

la saloma y más

[editar]Cumbia Vallenata
Una variante particular, ésta incluye además de lo determinado para la cumbia
clásica y moderna, como instrumento protagonista al acordeón, ya sea para
acompañamiento ó solo y puede o no llevar cantos. Ésta ha sido una evolución y
fusión propia de la música vallenata y la cumbia, teniendo a diversos exponentes
que han sido difusores o intérpretes ocasionales del estilo, así pues
en Colombia surgen agrupaciones y cantantes desde los años 60's como Los
Corraleros de Majagual, Gaiteros de San Jacinto, Andrés Landeros, Policarpo
Calle, Alfredo Gutiérrez ó Lisandro Meza entre muchos otros, también en el
extranjero se imponen Cuarteto Imperial en la Argentina, Super Grupo
Colombia de México, Cuarteto Continental de Perú y Vallenatos del
Guayas en Ecuador con éste estilo de Cumbia Vallenata.

[editar]Cumbia con aires de metal ó Cumbia tropical

Cuando el colombiano Luis Carlos Meyer emigró a México, hacia mediados de
los 40's y hasta finales de la década de los 50's predominaban ritmos cubanos
como el Mambo, Rumba, Guaguancó entre otros que obtenían sendo éxito y
difusión gracias al cine mexicano de la época, por lo que también dicha "música
tropical" (nombre con el que era llamada en México a todos esos ritmos
cubanos) acaparaban la discografía nacional, así años después también
acapararían a centroamérica y sudamérica, por lo que la cumbia tuvo dificultad
para colocarse como nuevo género musical y tomar lugar propio. Así pues, Luis
Carlos Meyer como intérprete de Cumbia y Porro junto al mexicano Tony

96
Camargo que era intérprete de música cubana comenzaron a grabar diversos
temas de ritmos varios,10 entre ellos varias cumbias y porros, para colocarse,
tuvieron que ingresar aires de metal diversos, entre ellos las trompetas
principalmente derivados de la música cubana predominante en ése país, por lo
que entre estos dos músicos, realizaron una de las primeras fusiones de cumbia,
para dar inicio de lo que se conocería más tarde como cumbia mexicana, así
pues, la cumbia con aires de metal, trompetas y trombones se comenzó a gestar
en el país norteamericano hacia mediados de los años 50's, ésta fusión era
diferente a lo que se producía con la cumbia clásica de Colombia en esos
mismos años, sin embargo, a ésta música grabada por ambos intérpretes, fue
también encasillada junto a la música cubana y también se le incluyó y llamó
"música tropical". La consolidación como ritmo lo realizó la mexicana Carmen
Rivero quien profundiza e impone más preponderantemente a través de la gran
disquera CBS Columbia a comienzos de los 60's,11 titulando a uno de sus más
exitosos LP "A bailar la Cumbia", con lo que por primera vez se le llama a éste
ritmo por su nombre, "Cumbia". Rivero no solo retoma los aires de metal, si no
que también integra otro elemento de la música cubana, las tarolas ó también
llamadas timbales o timbaletas,12 grabando diversos covers colombianos
exitosos que con ésta fusión mexicana que prácticamente difieren por completo
de como originalmente se grabaron en Colombia,13 temas como "Pollera Colorá",
"Navidad Negra" entre otros son ejemplos de ello,14 Carmen Rivero culmina ésta
fusión entre música cubana y colombiana con algunos rasgos mexicanos para
separarla de la "música tropical" dándole su propio espacio en la música y
televisión de ese país.15 De ésta fusión muy pocos rasgos instrumentales
sobreviven de la cumbia clásica y moderna, la combinación de trompetas,
timbales, pausas y cambios que no tiene la original, vienen a cambiar el estilo de
baile de la misma, a ésta se le llamó "Cumbia mexicana" por los mismos
músicos colombianos que desconocían a lo creado en México.16 Después de ese
éxito sólo surgieron algunas cuantas orquestas con éste estilo como "Chelo y su
conjunto", La Sonora Santanera graba algunas cumbias y posteriormente decae
un poco éste estilo que se retoma nuevamente alrededor de 1974. Ésta fusión
mexicana, es retomada inmediatamente y se gestó casi de manera paralela en
Colombia en los 60's con agrupaciones como La Sonora Dinamita sin embargo,
ésta orquesta de Antonio Fuentes interpretó en su primer álbum una sola cumbia
hacia 1960, el resto fueron ritmos variados como el Bambuco, Torbellino y Son
Haitiano, ésta agrupación colombiana fue la más popular en México por asimilar

97
el estilo de cumbia tropical o de aires de metal hecha en ése país.
Posteriormente en el sur y centro del continente surgen con el tiempo diversas
agrupaciones musicales con éste estilo de cumbia tropical, en Venezuela se
vuelven populares agrupaciones como Los Melódicos, Billo's Caracas
Boys y Pastor López. En Colombia, La Sonora Malecón, La Sonora
Dinamita, Armando Hernández,MaxiCombo, Los Andinos, Adolfo
Echevarria,Rodolfo Aicardi, Conjunto Clase, Moab, Super Combo Veracruz, Los
Graduados, Los Líderes entre muchos otros, en Chile La Sonora de Tommy
Rey y La Sonora Palacios, en Ecuador Super Conjunto Fénix yOrquesta Los
Dinámicos, en El Salvador Orquesta hermanos Flores, Orquesta San
Vicente, Grupo Bravo, Orquesta Guanaco Sólido, , en Perú Armonía 10, Grupo
5, Combo Palacio/Virtuosos de la Salsa, Ray Cuestas y sus Palacios, Combo
Los Nativos entre otros. En México otra de las agrupaciones populares que
surgen alrededor de 1974 son Los Gatos Negros de Tiberio y Conjunto África,
posteriormente Nativo Show y Carro Show.

[editar]Cumbiamba
Muchos de estos autores en sus escritos hacen diferencia entre cumbia y
cumbiamba o también dicen que los negros que llegaron de África para ser
esclavizados trajeron consigo sus danzas y tonadas especiales y, a medida que
pasaba el tiempo, aprendieron castellano y empezaron a cantar en este idioma.
Actualmente cerca de los ríos colombianos donde se instalaron los africanos en
su momento resuenan el currulao y el mapalé y se baila cumbia o cumbiamba.

"Según testimonios escritos son dos las diferencias principales que existen entre
la cumbia y la cumbiamba: la cumbia se toca con banda, y las bailarinas llevan
velas o teas en las manos. La cumbiamba se baila con acordeón y flauta de millo
y sin velas", de "Cumbia eres muy bonita".

Al parecer, la diferencia más notoria son los implementos utilizados en el ritmo

de baile y de la instrumentación manejada.
Existe también una función para cada uno de los integrantes de la banda:

 El músico mayor es el gaitero quien toca la gaita hembra.

 El segundo músico es el tamborero quien toca el tambor alegre.
 El tercer músico es el de la tambora o bombo el cual se toca con
baquetas.

98
  El cuarto músico es el llamador.
 El quinto músico es el maraquero quien acompaña con otra flauta o gaita
macho.
 El último es el guachero opcional.

[editar]Difusión, introducción al extranjero y adaptaciones regionales

Niños bailando cumbia en San Pelayo, Córdoba.

La primera cumbia grabada para comercializar, en 1950, era ejecutada con caña
de millo y tamboras.

Las cumbias han tenido gran impacto nacional e internacional, ya que han sido
cantadas y orquestadas, contrario a la verdadera y auténtica ejecución como
corresponde a los grupos de milleros y de tambores o la llamada "cumbia
clásica".

En 1953, se lanza "Flamenco" una cumbia compuesta por el soledeño Efraín

Mejía. A principios de 1955, aparece el conjunto típico Cumbia de Juan Corralito,
el cual graba en un disco por lado y lado una cumbia y la “puya arranca pellejo”.
En este mismo tiempo, surgió la cumbia de Antonio Lucía Pacheco, quien grabó
la pieza musical “Once de Noviembre". A principios de los años de 1950, el
maestro Lucho Bermúdez había lanzado "Danza Negra", una cumbia cantada
por Matilde Díaz, que también se llamó la "cumbia colombiana" por que lleva
dicho nombre en sus estrofas varias y en la parte final.

En los años sesenta, agrupaciones tales como los Corraleros de Majagual, Los
Hispanos, Los Graduados, llevan los ritmos colombianos a Argentina, El
Salvador,México, Perú, Venezuela, entre otros, creando por músicos locales,
diversas variantes de la cumbia que se fusionan a ritmos e idiosincrasia de cada

99
nación, para agregarle a la cumbia el gentilicio que delimitaría los estilos hechos
en los diversos países, así nacen los subgéneros Cumbia argentina Cumbia
mexicana, Cumbia peruana, Cumbia salvadoreña,, etc.

[editar]Argentina
Artículo principal:Cumbia argentina

La cumbia y el porro fueron ritmos introducidos por Lucho Bermúdez, quien

en 1946 graba para la RCA Víctor de la Argentina 60 composiciones suyas con
músicos prestados por Eduardo Armani y Eugenio Nobile. A comienzos de
los años sesenta, la agrupación de Bovea y sus vallenatos, que emigró de
Colombia, termina de popularizar la cumbia en Argentina, la mismo fue realizado
por un mítico grupo colombiano que se nacionalizó argentino, el Cuarteto
Imperial. Uno de los pioneros locales en difundir el ritmo fue Chico Novarro quien
combina la cumbia con algunos matices de música andaluz. Los Wawancó es
una de las agrupaciones argentinas más famosas que han generado sendos
éxitos a nivel latinoamérica, formado en 1955 por jóvenes universitarios de
distintos países de América, entre ellos su líder Mario Castellón, deCosta Rica,
continúa activo en Argentina, habiendo grabado 87 discos con composiciones de
gran popularidad como "La burrita", "Santa Marta", "La cosecha de mujeres", "Se
va el caimán", etc, su éxito consistió principalmente en la combinación de
composiciones de Loubet y Castellón así como de la inconfundible voz
de Hernán Rojas. La evolución de la cumbia argentina al igual que otras, ha
seguido su propio camino, sin embargo se ha dejado influenciar no sólo de la
cumbia hecha en Colombia, si no de la hecha en Perú y México de las cuales se
deriva una de las más recientes variaciones de la cumbia argentina de mayor
extensión, la cumbia villera. Gran parte del repertorio de cumbia argentina se ha
regrabado en varios países latinoamericanos.

[editar]Chile
Artículo principal:Cumbia chilena

En Chile, la cumbia fue igualmente introducida por las grabaciones hechas en

Colombia, así pues la cumbia chilena nació cuando Luisín Landáez, un
cantante venezolano, logró éxito con temas como "Macondo" o "La Piragua" y la

100
colombiana llamada Amparito Jiménez que grabó en Chile "La pollera colorá" y
otros.

Posteriormente, fue La Sonora Palacios el combo que logró que la cumbia

entrara definitivamente en el gusto popular. Temas como: "El caminante", "Los
Domingos" y "El galeón español", se hicieron muy populares. En los años 60`s,
estos temas tuvieron tal aceptación que luego muchos grupos chilenos que
hasta ese entonces tocaban ritmos centroamericanos en hoteles y boites
derivaron a la cumbia. Desde ésa época, este estilo musical, evolucionó de
manera bastante particular al punto que ya se puede hablar de un sonido de
cumbia típicamente adaptado en Chile. Pocos temas musicales han sido de
trascendencia en el resto del continente, sin embargo, el "Candombe para José"
del dominio público chileno, se ha hecho famoso en el continente al ser un tema
adaptado a cumbia llamado "El negro José".

[editar]México
Artículo principal:Cumbia mexicana

Quizás la primera cumbia grabada fuera de Colombia, en México, en 1950, fue

la Cumbia cienaguera, en la voz del cantante Luis Carlos Meyer Castandet,
nacido en Barranquilla y fallecido en los Estados Unidos en 1997 siendo sus
restos repatriados. Meyer había emigrado a México a comienzos de los años
cuarenta, después de haber grabado en Colombia con varias agrupaciones
locales. En ciudad de México hace contacto con uno de los más importantes
directores de orquesta de allí, Rafael de Paz (fallecido en 1995). Con él graba
en 1944 el tema "Micaela", y luego otros éxitos como "Mi gallo tuerto",
"Caprichito", "Nochebuena". Gracias a su éxito, la cumbia y el porro colombianos
comienzan a popularizarse en México combinándose con los sonidos locales a
lado de Tony Camargo para crear los inicios de la futura cumbia mexicana,
posteriormente su material llega al sur del continente (Argentina, Chile y Perú).
En el país se mezclan los instrumentos de aires de metal de los ritmos cubanos
con la cumbia para dar paso a ése nuevo estilo, que consolida la mexicana
Carmen Rivero introduciendo timbaletas, güiro y un set de trompetas altas,
mismo estilo que aún es ampliamente grabado en diversos países
latinoamericanos, por lo que éste estilo crea un punto de inflexión entre lo hecho
antes en Colombia y lo que se hizo poco tiempo después en México con su

101
Cumbia Tropical para darle un camino propio a éste nuevo estilo hasta la
actualidad.

En ésa misma década Mike Laure mezcla de manera drástica la base y ritmo de
cumbia con elementos de percusiones de rock y guitarra eléctrica hacia 1962,
creando los inicios de la cumbia-rock, que posteriormente en las décadas
de 1970 y 80, el músico mexicano Rigo Tovar retoma ésta cumbia con música
rock combinando los elementos usandos de guitarras eléctricas, batería
eléctrica, incluyendo ademássintetizadores y efectos de sampleo añadiendo
líricas locales o haciendo referencias a provincias mexicanas como su tema más
famoso Matamoros querido una ciudad fronteriza norteña cuya cercanía
conEstados Unidos le permitían adquirir equipos de audio e instrumentos de
última generación. Esta fusión ahora es llamada formalmente "cumbia-rock"
aunque se volvió en parte precedente de la Tecnocumbia. Si bien desde la
década de los 60's se grababa cumbia al estilo mexicano, es hacia finales de
ésa década y principios de los 70's en que aparecen más grupos musicales que
crean estilos propios de tocar cumbia a la mexicana, Tropical Panamá, Tropical
Caribe, Renacimiento 74, Luceritos de Michoacán, Leandros del Valle, Plebeyos,
Sepultureros entre otros muchos grupos regionales, entran en la escena musical
del interior del páis con tendencias diferentes a las del centro y sur. Aunque
la cumbia mexicana ha seguido su propio camino con muchísimas agrupaciones
locales que abarcan gran parte de su discografía, en las décadas posteriores no
dejó de incluirse material proveniente de conjuntos y cantantes colombianos
desde alrededor de 1970, así La Sonora Dinamita se vuelve prácticamente en la
embajadora de la música colombiana en México, Andres Landero, Lisandro
Meza, Alfredo Gutiérrez, Armando Hernández, Policarpo Calle, Corralleros de
Majagual, Rodolfo Aicardi, Joe Rodríguez, y años después llegan algunos
materiales de Perú, Argentina y el Ecuador, entre muchos cantantes y grupos
sudamericanos llenan la discografía mexicana, llegando a su zenith en los 80's y
hasta principios de los 90's, posteriormente ésta introducción de grupos
extranjeros se debilita debido a la quiebra de la principal empresa impulsora de
música tropical en ese país, Discos Peerless y al apoderamiento de la escena
musical de los grupos música "Grupera", invasión de la música Salsa y del
nacimiento de la Cumbia sonidera y Cumbia Andina Mexicana. Gran parte del
repertorio de cumbia mexicana se ha regrabado en varios países
latinoamericanos.

102
[editar]Perú
Artículo principal:Cumbia peruana

Si bien al igual que otros países del continente, el Perú también fue invadida por
los sonidos musicales de uno de sus vecinos, Colombia, así llegan introducidos
desde el norte del país y hacia la capital las primeras grabaciones hechas en
Colombia, por lo que en Perú comienzan a formarse agrupaciones que estaban
dedicadas a interpretar generalmente música o repertorio de la música cubana,
por lo que a mediados de los años 60's comienzan aparecer en la discografía
nacional para diversos sellos musicales como El Virrey, MAG, e Iempsa,
Orquestas como la de Lucho Macedo y Pedro Miguel y sus Maracaibos, por lo
que comienzan a grabar algunas cumbias al éstilo proveniente de Colombia. Sin
embargo, hacia finales de la década de los 60's surge en el mercado peruano un
músico criollo que crea un punto de inflexión entre lo hecho por Colombia e
incluso agrupaciones peruanas, el mezclar la cumbia con ritmos como
la Guaracha y rasgos del Rock psicodélico que predominaba en 1966, lleva al
protagonismo a la guitarra eléctrica prescindiendo de los elementos originales de
la cumbia clásica y cumbión para hacerla instrumental con la misma guitarra,
esto fue hecho por Enrique Delgado y su grupo Los Destellos. El estilo creado
por el músico fue trascendental para la cumbia peruana ya que posteriormente
con el tiempo surgieron grupos musicales en la amazonía peruana que la mezcla
con ritmos provenientes del Brasil, además fue bañada con diversas influencias
y cantos de la música andina de la serranía creando posteriormente la "Chicha"
en los 80's que se diferenciaba de la más "tropical" hecha en la costa peruana.
El estilo de cumbia con guitarra eléctrica si bien no era nueva (casi
paralelamente fue utilizada en la cumbia colombiana, argentina y mexicana), si
fue la que prevalece hasta la actualidad como sello de las grabaciones
peruanas, que se mezclan con las tendencias de cumbia provenientes de otros
países. Así pues, asimilando los estilos provenientes de otros países, fusionados
al estilo que ya se había creado en el país, surgen agrupaciones de renombre
internacional que logran proyectarse más allá de las fronteras del Perú, así como
temas y composiciones que fueron éxito en el continente, grupos como
"Manzanita y su Combo", "Juaneco y su Combo", "Los Mirlos" conquistaron
grandes mercados durante décadas pasadas y realizaron giras al extranjero. Si
bien, el extenso repertorio peruano y sus grupos es inmenso en composiciones
de música cumbia, muchos temas fueron exitosos en Perú solamente y en sus

103
versiones originales, muchos de esos temas sólo lograron consagrarse
internacionalmente al regrabarse con orquestas extranjeras que hicieron
adaptaciones musicales de éstas cumbias peruanas a cumbias tropicales (con
trompetas) y fueron impulsadas además por las empresas musicales
colombianas y venezolanas más importantes como Discos Fuentes de
Colombia, Discos Velvet y Discos Palacio de Venezuela. Las orquestas
venezolanas y colombianas fueron las mas beneficiadas al recibir licencias para
realizar covers de "cumbias peruanas". El efecto fue que, los más exitosos
temas de cumbia a nivel internacional durante los años 80's fueron
composiciones peruanas, pero sólo las versiones hechas por orquestas
extranjeras invaden el continente, llegándose a editar dichas versiones
extranjeras en la norteamericana Discos Peerless, temas como "Colegiala"
de Rodolfo Aicardi, "ojitos mentirosos" de MOAB, "sueño contigo" de Los
Graduados, "pedacito de mi vida" de Los Líderes, entre muchos otros, se
convirtieron en íconos bailables en norteamerica, centroamérica, Colombia y
Venezuela pero en sólo en sus versiones cover extranjeras, las originales
peruanas de "Combo Palacio" (Virtuosos de la Salsa), "Orquesta de Pitín
Sánchez", ó "Grupo Fantasma", Orquesta de Ray Cuestas fueron, muchas de
ellas, prácticamente desconocidas en parte, ante la falta de impulso de las
empresas disqueras peruanas y el hecho de que la cumbia peruana pura de
guitarra eléctrica no era tan popular en el extranjero como en Perú, incluso
temas "chicheros" de grupos como "Pintura Roja", ó Los Shapis de estilo muy
propio de la cumbia peruana, fueron modificados a cumbias tropicales y también
fueron más exitosos en el extranjero que sus versiones originales, haciendo que
erróneamente se les consideren colombianas o venezolanas, un ejemplo es el
tema chichero "El aguajal" que fue más famosa en el continente con Rodolfo
Aicardi que con Los Shapis. Gran parte del repertorio de cumbia peruana se ha
regrabado en varios países latinoamericanos.

[editar]Venezuela
Venezuela posee una gran trayectoria en la creación de de Cumbia hecha desde
los años 50's de gran éxito e impacto en el continente, debido a que Colombia es
su país vecino por lo que rápidamente asimila la música colombiana en su
territorio. Dos de las más antiguas orquestas tropicales venezolanas que
comienzan a interpretar y grabar cumbia en el país fueron la Orquesta Los
Melódicos y los Billo's Caracas Boysque con sendos éxitos de varios cover

104
colombianos y ya diversos éxitos propios logran colocarse en el gusto del
público. Hacia la década de los 60's aparecen en el escenario venezolano e
internacional otras orquestas que se impondrían con diversos hits en el
continente, una de ellas es Super Combo Los Tropicales. La mayor parte de
éstas agrupaciones fueron parte de los lanzamientos hechos por las más
representativas disqueras venezolanas como "Discomoda", "Discos Velvet de
Venezuela", "Discos Palacio de la música" entre algunas otras extranjeras con
sede en Venezuela como EMI Odeón y RCA Víctor. Sin embargo, no serían las
únicas orquestas tropicales de cumbia que aparecerían en la época.

Dos músicos muy particulares de la Cumbia Venezolana fueron los que le dieron
más reconocimiento al país en el extranjero en ésa misma década y hasta la
actualidad, uno de ellos el ídolo de la música llaneray folklore de Venezuela, el
caraqueño Hugo Blanco que se caracterizó por utilizar en la mayoría de sus
composiciones casi de manera invariable, al arpa como protagonista de varios
ritmos, entre ellos, la cumbia en la cual también se destacó, así diversos temas
exitosos a los largo de varias décadas han sido "Cumbia con arpa", "El cigarrón",
"La trasandina" ó "Moliendo Café" cuyas combinaciones entre guajiras, cumbia y
música llanera venezolana le dieron un estilo muy particular y reconocido al que
se le considera como cumbia venezolana. El otro músico que le dió proyección a
Venezuela en la cumbia, Mario Carniello, un migrante italiano establecido en
Venezuela, que con el tiempo forjó interés en la música en general y
particularmente en la tropical, así pues se especializa en la intepretación
del órgano, por lo que utiliza éste instrumento popular de la época y lo convierte
en protagonista de la música tropical y la cumbia en el continente hacia 1965,
cuando el sello musical "Palacio de la Música" lo lleva al estrellato al lanzar su
primer LP "El fabulosos, Mario y sus Diamantes", su éxito "El cable" es uno de
los más reconocidos y rítmicos de la música tropical, combinación de guaracha y
cumbia, por lo que comienza a volverse popular el estilo de escuchar y utilizar
órgano en la cumbia en diversos países del orbe, surgiendo grupos musicales
que asimilan el estilo venezolano, Juaneco y su Combo en Perú y Los
Sonors en México. Durante la década de los 70's llegan a colocarse
agrupaciónes y cantantes que convertirían a Venezuela como uno de los
principales países que impulsan la cumbia utilizando el estilo de trompetas y
timbales proveniente de México, uno de ellos es el artista Emir Boscán, cuya
orquesta interpretó las primeras cumbias románticas a ritmo de trompetas, dos

105
de sus éxitos "Carmenza" (te quiero Carmenza bonita) y "Yolanda" ocuparon por
años y hasta la fecha los lugares como temas clásicos de la cumbia
internacional y fueron regrabados en varios países de sudamérica y
norteamérica, así también llegarían otros temas como "Chica de la Boutique" y
"Herencia Gitana" con la orquesta de Boscán. Los músicos y cantantes que
darían la consolidación definitiva a la cumbia venezolana en latinoamérica y
principalmente en Colombia serían Nelson Henriquez yPastor López, éste último
comenzaría su carrera en la orquesta del primero. La época mas exitosa para
ambos sería la década de los 70's y años 80's donde sus grabaciones aparecen
en las mas importantes disqueras extranjeras, si bien varios éxitos fueron
venezolanos, los mas populares fueron de autoría peruana. Gran parte del
repertorio venezolano ha también ha sido regrabado en el continente.

Algunos grupos que difunden cumbia son:

 Los Gaiteros de San Jacinto

 Arturo Jaimes. Cumbia mexico-colombiana.
 Medardo Guzmán, los cañamilleros de Mahates.
 La cumbia soledeña de Efraín Mejía.
 La cumbia moderna de Soledad de Pedro Beltrán y la cumbia ritmo
baranoero.
 La cumbia del argentino Alexis Urunde
 La Perla Colombiana. Cumbia romántica mexico-colombiana.
 Vilma Díaz y La Sonora

Juan Jiménez "Guayaspa" fue el compositor de la Cumbia Cienaguera, a fines

de 1951, la cual ha dado la vuelta al mundo.
Por esta razón cada vez que en el exterior se habla de música colombiana es
lógico hablar de cumbia, debido a la difusión que logró con la presentación al
planeta entero de esta cumbia cienaguera.

Danza jazz

106
La danza jazz o danza moderna comenzó como uno de los movimientos de
baile popular de los inicios del siglo XX.

La danza jazz es un arte popular, una mezcla de danzas etnológicas y sociales.

Es folclore urbano. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el
funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se
baila en los musicales de Nueva York, y actualmente en otras ciudades.
Requiere una buena formación, ya que es un baile con cierta dificultad y en el
que además se necesita un nivel alto de flexibilidad. Es importante tener un
elevado nivel de concentración para ser capaz de coordinar todas las partes del
cuerpo. Tener un buen conocimiento acerca del ritmo musical hace más fácil el
estudio de este baile ya que de esta forma la medida de los tiempos del baile no
resulta tan complicada.

Los contenidos de la Danza Jazz potencian la capacidad para la manifestación

de nuestros sentimientos y la formación de hábitos de constancia y
autoexigencia. La danza jazz es una de las actividades más demandadas por los
jóvenes, pero esto no quiere decir que personas adultas no puedan practicarla.
Utiliza el cuerpo para descubrirnos, desarrollar la imaginación y la creatividad,
así como para liberarnos de los bloqueos mentales. Emplea múltiples técnicas
como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal.
Desarrolla una buena forma física y permite pasar un buen rato mientras
aprendes.

Contenido
[ocultar]

• 1 Origen
• 2 Características
• 3 Técnica

• 4 Fuentes y referencias
[editar]Origen

Tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX, cuando ciertas formas
diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos. Al ir

107
avanzando fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más
modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como charlestón, big apple y
el jittergug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de
1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió
un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la
danza moderna y el claqué. Este estilo acentúa la línea corporal, la movilidad del
torso, un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo.

La Danza Jazz hoy en día es una de las danzas más concurridas por los niños
jóvenes y adultos por su gran variedad de estilos modernos así como de las
grandes combinaciones de movimientos, los cuales hacen que las creaciones de
cada coreógrafo sean diferentes hermosas y con un estilo propio.

Hoy en día existen tantas combinaciones de esta danza que es muy divertido
crear coreografías cada día dinámicas y con estilos propios de los alumnos o
bailarines, haciendo así creaciones para la humanidad y demostrando así la
belleza del cuerpo humano y las diferentes formas que puede tomar este, así
como todo aquello que no nos imaginamos que podemos lograr.

¿Su Origen? pues es gracias al hombre que le puso movimiento al cuerpo

mientras la música sonaba y sonaba así que es difícil hablar de un verdadero
origen. el origen lo hacemos todos hoy ayer y siempre... sigamos danzando y
dando origen a más danzas y bailarines creativos con ganas de seguir dejando
legados a los futuros hombres y mujeres que desean danzar su cuerpo

[editar]Características

 En este estilo la movilidad del torso es muy importante

 Es característica la posición de los pies en paralelo a diferencia de
los pies en primera posición (girados) de ballet.
 Es una danza muy terrenal, es decir, que se trabaja más con el suelo.
 La flexibilidad tiene una mención especial en esta danza. No es el
elemento más importante pero si que es significativo.
 Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la
improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos. La
síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su
emoción.

108
  La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin
importar si ésta es jazz, blues o rap.
 La expresión corporal así como de los movimientos es la base de este
baile.
 Permite a la persona que la practique eliminar los bloqueos mentales.

[editar]Técnica

La danza jazz no tiene una técnica concreta, sin embargo, son necesarios los
conocimientos de ballet así como de danza moderna. Se ha auxiliado en la
danza clásica para enriquecer sus movimientos, posiciones... Por lo que es
necesario saber ballet para poder estudiar este baile.

La expresión corporal juega un papel muy importante. En este tipo de baile la

expresión de los sentimientos es fundamental. Permite al bailarín su
descubrimiento personal. Al ser generalmente una actividad en grupo, ayuda a
fomentar las relaciones sociales entre los participantes, de tal modo que permite
pasar un rato agradable mientras se aprende una disciplina.

Como se menciona anteriormente la danza jazz va de la mano con el ballet ya

que sin la técnica de esta no se llega a una buena estilización de los
movimientos que son requeridos dentro de ella. Así que es de suma importancia
tener conocimiento de varias técnicas antiguas pero elementales como la "LA
TECNICA DE LUIGI" por mencionar alguna, y muchas más que son importantes
en la vida y aprendizaje de un bailarín.

Gomba
La gomba es un baile paraguayo de carácter nacional.

Toma su nombre del instrumento con que se acompaña, una especie

de tronco hueco en forma de barrica cubierto con una membrana recia y muy
tirante que se percute con ambos puños o utilizando unos platillos. Se remonta
este baile a las primitivas épocas de los guaraníes, primeros pobladores
del Paraguay.

109
Guaracha

Guaracha

Orígenes musicales: Son cubano, rumba

Orígenes culturales: Proviene de Cuba en

el siglo XVIII

Instrumentoscomunes: Instrumentos de
percusión,de viento,y de
cuerda

Popularidad: Desde mediados del siglo

XX enCuba y México

La guaracha es un género musical y un baile originarios de Cuba.

Se trata de un tipo de canción graciosa que apareció a fines del siglo XVIII, muy
popular y que describía tipos y costumbres.

Contenido
[ocultar]

• 1 El vestuario de la guaracha
• 2 La guaracha estilos y canciones
• 3 Bibliografía

• 4 Enlaces externos
[editar]El vestuario de la guaracha

Y se vestía igualmente con pañuelo anudado en la cabeza, y sobre él un

sombrero alón, pantalón ceñido a la cintura y patas acampanadas, camisa por
fuera, anudada al frente, una argolla en una oreja, y también pantuflas de piel de

110
venado que sonaban jactanciosamente al caminar. Este personaje respondía
también al nombre y actitudes de negro curro.

[editar]La guaracha estilos y canciones

La guaracha, como estilo de canción, de ritmo rápido y texto jocoso siempre

describió algún hecho político o social, alguna situación sobre un personaje
popular o alguna actitud que se describía en forma picaresca caracterizando el
choteo criollo: una versión asimilable en sus prácticas y usos con la
actual cumbia urbana o reguetón, salvando distancias físicas y temporales. En
esto intervinieron cantadores populares que compusieron muchas guarachas
que aparecen criticadas por los escritores costumbristas, las que no aparecen
publicadas en colecciones por considerarse de aquel lenguaje "rufianesco", pero
que sí se trasladaron por tradición oral. Al respecto dice el Regañón de La
Habana el 20 de enero de 1801:

Pero sobre todo lo que me ha incomodado más... ha sido la libertad con que se
entonan por esas calles y en muchas casas una porción de cantares donde se
ultraja la inocencia, se ofende la moral... por muchos individuos no sólo de la
más baja extracción sino también por algunos en quienes se debía suponer una
buena crianza... ¿Cómo es posible que haya quién guste oír cantar la Morena,
que es la canción menos mala quizás de cuantas corren por ahí en boca del
vulgo?... ¿Que diré de la Guabina que en la boca de los que la cantan sabe a
cuantas cosas puercas, indecentes y majaderas se pueda pensar?...
Pero a pesar de las críticas ya en l867 se publicaba un librito con las guarachas
más conocidas, publicada su segunda edición "corregida y aumentada con
veinte guarachas de las más recientes". Se trata de Guarachas cubanas, curiosa
recopilación desde las más antiguas hasta las más modernas, recopilación sin
autor publicada por la Librería La Principal, Plaza del Vapor, La Habana l882.
Aunque en el libro aparecen 95 guarachas, no se consignan La morena ni La
Guabina y otras criticadas por el Regañón, que publicó su periódico desde 1800
hasta 1806. Además, el lenguaje que aparece en ellas es muy correcto aunque
emplean algunas veces frases populares, o imitación al habla del negro, aunque
no el lenguaje bozal introducido por Bartolomé Crespo Borbón, Creto Gangá.

Parece ser que la época de mayor auge de la guaracha es la que señala Rine
Leal, a partir de los bufos, pasada la primera mitad del siglo XIX. El uso de la
parodia de obras clásicas, el arraigo de los personajes y temas del teatro

111
cubano, hizo que la guaracha tomara parte integral de las obras, y en ellas se
reflejaran usos y costumbres de la vida cubana "centrado en mulatas de fuego y
azúcar, desafiantes negros, dichosos guajiros, chinos de Cantón, rumbas del
manglar, ñáñigos en su fambá, frutas y comidas criollas, vividores y beatas,
ninfas trigueñas y niñas encantadoras, todo visto y comentado con excelente
humor, picardía y sabrosura.
Leal, Rine, La Selva Oscura, p. 20.
"La Compañía de bufos, nos consta, tiene un extenso repertorio de
sandunguerísimas guarachas... Además el autor de esas guarachas forma parte
de la compañía, y claro es que con un poco de trabajo puede dar novedades a
menudo."

"No se trata, —dice Rine Leal— de música importada en la obra debido a su

gracejo popular, sino compuesta especialmente y creada por el autor de la pieza
o por miembros de la compañía que trabajaban en un verdadero equipo" Desde
luego, el autor vertía sus criterios, su mundo subjetivo, decía "como él pensaba
que pensaba el negro", sin importarle a veces la realidad pensante, los
sentimientos ni la vida real de aquel personaje que él caricaturizaba.

Aquí vemos como desde principios del siglo XIX se conocían ya guarachas
calificadas entonces por Esteban Pichardo como "canto y baile de la gentualla",
las cuales se incorporan al teatro bufo por una parte, y por otra se incorpora el
término al léxico popular cubano. Otro término que se incorpora y que usaremos
hasta nuestros días es la palabra sandunga, como sinónimo de gracia criolla,
que encontraremos copiosamente utilizada a través de dos siglos hasta la
actualidad en que la encontramos en Juan Formell en su guaracha "Por encima
del nivel".

Algunas contradanzas, muchas de ellas con temas tomados de antiguas

guarachas muy popularizadas tienen señalados, como aire y tempo "con
sandunga" en lugar de allegretto con grazia, término italiano que se usa en las
obras musicales. En la contradanza El Sungambelo, el tema de la primera parte
está basada en una antigua guaracha del mismo nombre que decía:

Las críticas a las viejas presumidas, a los viejos verdes, a las comidas, a todo lo
que en la vida cotidiana puede servir para burla, escarnio, choteo, edulcorado
con frases como mulatica de azúcar, con fuego en la mirada, aparecen en otros
textos del libro Guarachas Cubanas antes mencionado. Tanto Rine Leal como

112
Mary Cruz comentan el paisaje humano descrito en aquellas guarachas en las
que la realidad era presentada por los puntos de vista de sus autores. Y en lo
que coinciden José Crespo Borbón y Victor Patricio de Landaluce es en "el
descubrimiento de una porción fundamental de la existencia cubana, la
representada por la población negra —libre y esclava— y porque ambos se
dejan seducir por sus más superficiales aspectos, por sus apariencias
pintorescas sin ahondar jamás su verdadera esencia humana" (Mary Cruz, Creto
Gangá).

Y no deja de tener interés, por lo menos informativo, de cómo era la vida

popular, la de los negros y blancos pobres, la de los emigrantes, de los cuales
en ningún momento hubo interés en publicar sus poesías, mucho menos su
música la que hoy se puede reconstruir sólo por la interpretación que se haga de
aquellas descripciones. Muchas frases populares, que se repitieron por tradición
oral hasta perder su significado o adquirir otros, como !Oyelo bien, Rubén! o !
Suelta el peso, que es del rancho! están ampliamente descritas en los textos de
sus guarachas respectivas. Otras costumbres, sobre comidas, bautizos,
guateques, los bailes de moda, el vestuario —el sungambelo y el malakof—, las
referencias al carácter, la timidez del campesino, la desfachatez del alardoso, la
coquetería de la mulata, no hubieran sido conocidas sin la presencia de aquellas
crónicas del acontecer social del siglo XIX.

En cuanto a su estructura dice Argeliers León (Del Canto y el Tiempo. l974): "La
guaracha surgió como canción con cuartetas diferentes, que en muchos casos
se improvisaban haciendo referencia a cosas o sucesos en forma indirecta o de
sátira e intercalaban siempre un estribillo. La guaracha no va a ser más que la
alternancia de solo-coro que hemos visto ya como un elemento formal
generalizado en nuestra música".

Alejo Carpentier también señala la transformación del teatro en el siglo XIX:

Lo importante, —dice— en esta evolución del teatro bufo cubano es la cabida

cada vez mayor que da a los géneros musicales de la isla. María Rosa habla "en
negro" pero también canta "en negro" ... Se rascan güiros, siempre aparece un
personaje tocando el tiple. La seguidilla, el villancico, el aria tonadillesca, han
cedido su puesto a la guajira, la guaracha, a la décima campesina, a la canción
cubana, cuando no a ciertas composiciones más libres, que pretenden expresar
el carácter de los negros cheches, horros, o de nación, así como los negritos

113
catedráticos erigidos en tipos tradicionales... Un excelente autor de guarachas,
Enrique Guerrero, director de compañías de bufos... en l879 publicó La Belén,
para dos voces, coro y orquesta, que es, por su estructura una tonadilla
escénica criolla.
Alejo Carpentier, La Música en Cuba, l946.
,

La guaracha siguió el camino y función que tenía en el teatro. Toda obra del
teatro vernáculo terminaba con un "fin de fiesta" cantado por un duo o una artista
o bien por toda la compañía. De este modo, al iniciarse la producción de discos
de ortofónica, se grabaron muchas pequeñas obras, similares a los sainetes,
que duraban sólo los tres minutos de la placa. En estos discos se iniciaba,
desarrollaba y concluía la pieza con una guaracha, que más tarde llamaron
"rumba final". La difusión del disco, la popularidad de aquellos estribillos, y sobre
todo, la actualidad del asunto que se abordaba, hicieron que se incluyeran
muchos de ellos en el lenguaje coloquial del pueblo, que se divulgaran por toda
Iberoamérica donde se distribuían comercialmente aquellos discos. Esta
transmisión oral, esta apropiación de frases lexicalizadas, la repetición de la
música con múltiples variantes, permitió que estas guarachas y rumbas se
cantaran en muchos países latinoamericanos y regresaran a España por varias
vías, la del disco, la de emigrantes a su vuelta, la de artistas del teatro, etc. Claro
que el proceso de transculturación produjo nuevas versiones, en el lenguaje
musical y danzario del país que acogía aquellos cantares.

"Se conservan grabaciones de los artistas del teatro vernáculo de guarachas y

rumbas que no se diferencian entre sí en el acompañamiento de las guitarras —
cuando se trataba de un pequeño grupo, dúo o trío— o por la orquesta del teatro
o un piano. Las etiquetas de los discos decían: "diálogo y rumba" (Linares l998 p
l30).

El cantaor Pepe de la Matrona estuvo en Cuba cerca de catorce años, asistió a

las funciones del Teatro Alhambra y se aprendió muchas de aquellas rumbas
expresándolas en España en su lenguaje musical, el cante flamenco. Son
muchos los discos cubanos que aparecen repetidos en sus variantes por este
cantor y muchos otros cantaores que las han incluido en sus repertorios. Pepe
de la Matrona llevó a la expresión del cante flamenco guarachas como Cabo de
la Guardia, El pescao, A la voz de fuego, Acelera Ñico, acelera, No te mueras

114
sin ir a España y muchas otras, de las cuales sólo las personas muy mayores se
acuerdan, pues no existen partituras al no haber sido valoradas en su momento,
quizás por ser de muy corta duración, como estribillos que podían haber sido
improvisados y trasmitidos por tradición oral, o porque permaneciera aquel
prejuicio de "música de la gentualla".

El regreso de estas guarachas a España fue un hecho similar al ocurrido en el

siglo XIX con las danzas cubanas, las habaneras y los puntos de La Habana,
que fueron asimiladas por las familias de emigrantes vinculados a Cuba y
tomaron un carácter y expresión distinta a la original cubana, pero de todos
modos influyeron en lo que hoy se califica como "cantes de ida y vuelta" por los
musicólogos españoles y se mantienen en la tradición de muchas comarcas.

De aquella etapa de los inicios de este siglo, una de las que alcanzó mayor
popularidad fue la guaracha de Manuel Corona (l880-l950), El Servicio
Obligatorio, que grabó María Teresa Vera con Rafael Zequeira. Se trata de una
guaracha que se burla de los solteros o amancebados que se casaban
precipitadamente para evadir la ley que se firmó al iniciarse la Primera Guerra
Mundial en l9l4. Para cualquier ocasión en que se trataba de rehuir una
responsabilidad se le cantaba: Se te acaba la fama de tenorio / óyelo bien,
Rubén, óyelo bien.

Al introducirse el son en La Habana, los septetos y conjuntos incrementaron sus

repertorios incluyendo guarachas tradicionales con la adición de un montuno, a
lo que llamaron guaracha-son y de esta manera se fue transformando aquel
ritmo muy segmentado, pero fundamentalmente cantable, en forma de son de
tempo más acelerado. El tema de la mujer del pueblo, negra o mulata, que había
aparecido en el siglo XIX se mantenía con el mismo espíritu al celebrar su gracia
y belleza, su imprescindible presencia

Al convertirse en son, la guaracha dejó para muy pocos conjuntos su uso como
canción. Hubo autores que componían casi exclusivamente este género, como
Ñico Saquito (Antonio Fernández, Santiago de Cuba, l902-8l), siendo su obra
más famosa Cuidadito Compay Gallo (l930), que popularizó el Trío Matamoros.
Otros fueron Bienvenido Julián Gutiérrez (1900-66) (Azúcar pa un
amargao, Sensemayá, El diablo tun tun); Sergio Siaba (El cuarto de Tula),
Marcelino Guerra (Pare, cochero).

115
La guaracha se ha diluído en muchos géneros actuales. El son, el chachachá y
toda una serie de variantes siguen haciendo uso del humor criollo después de
doscientos años. Se ejecuta por orquestas charangas en forma de chachachá: la
Orquesta Aragón con Pare cochero; la orquesta de Neno González, con El
diablo tun tun; y por último una de las más significativas, ejecutada por un
conjunto con elementos sonoros electroacústicos, y de la mayor actualidad, la
orquesta de Juan Formell, interpreta una titulada Por encima del nivel que utiliza
el calificativo más usado en el siglo XIX y que aún conserva vigencia para aquel
sentido de gracia criolla que se le atribuyó a la mulata: sandunguera.

La única diferencia es que la expresión parte ahora de una identificación de

clase. Es la misma mujer integrada en nuestra sociedad la que baila
desprejuiciadamente, que se le celebra su gracia, y se lo dicen un creador y un
intérprete que saben que ella es así y no como ellos piensan que debe ser. Es el
reflejo de nuestra sociedad actual, en la que todos bailan al mismo ritmo y con la
misma expresión. Por su gracia la mulata sigue siendo objeto de celebraciones,
por hombres que, como el cantante que ejecuta esta guaracha, es un miembro
de nuestro pueblo con una imagen artística similar a la del negro curro, pero
actual: argollita de oro en la oreja izquierda, sombrero alón y formas y
expresiones jacarandosas como buen cubano.

En la cancionística actual han aparecido otras guarachas, que, como las

primeras, chotean un acontecimiento o una medida necesaria —La vaquita
Pijirigua, de Pedro Luis Ferrer, y no es la única—, en la que se burla de
acontecimientos sociales que resultan rechazables, y es una manera de
contrarrestarlos, de minimizarlos. Así se han enfrentado contradicciones se ha
dado respuesta a campañas, se han criticado actitudes pusilánimes, y de esta
forma la guaracha ha continuado su función de noticia y crónica. Se han utilizado
recursos literarios en un proceso intelectivo poco usual cuando se recurre a lo
cotidiano. Por último queremos valorar la actualidad que alcanza esta guaracha
de Pedro Luis Ferrer, en la que señala las expresiones coloquiales propias del
habla del cubano, de forma jocosa a veces hilarante, lo que contribuye a meditar
sobre la necesidad de aplicar normas educacionales —como se está procurando
ahora—, para que no se nos vaya de la mano la belleza y elegancia de nuestro
idioma mientras sonreímos ante la gracia de nuestro humor criollo.

Otro recurso empleado por este autor es el de la décima de versos truncos como
la empleara Miguel de Cervantes en el Quijote.

116
La guaracha ha llegado a ser un signo de identidad cubana que permanecerá
mucho más de los dos siglos que llevamos disfrutándola, sobre todo si se
alcanza la calidad y permanencia de sus valores intrínsecos, sus rasgos
inmutables, su expresión en un lenguaje correcto, ni chabacano ni pornográfico
como algunas, que obviamente no mencionamos, que se prohibieron por la
antigua Comisión de la Decencia, en este siglo y que fueron cantadas sotto voce
por muchas personas, siendo aún más criticables que las antiguas Morena y
Guabina.

Hustle (baile)
El Hustle (baile), cuyo significado es movida, es el nombre genérico con el que
se ha denominado a muchas de las formas de música social llamada
popularmente disco o de nightclub y que fueron extremadamente populares allá
por los comienzos de los años 70 del siglo XX.

Este tipo de expresión musical se generó a partir de bailes latinos mucho más
antiguos como por ejemplo el mambo. El hustle toma carta de naturaleza con la
llegada a Florida de inmigrantes cubanos que ensayan nuevas formas de
expresión, mezclando el ritmo típico de las discotecas junto a los que ellos traían
de su tierra natal como el son cubano y la salsa añadiéndole, además, los
movimientos ondulantes propios de la comunidad latina. Esta mezcla explosiva y
novedosa hace que en los estados del este de los EE. UU. como Nueva York, se
adapten rápidamente al nuevo ritmo. Es a partir de ese momento cuando la
nueva forma de interpretar la llamada música disco comienza a popularizarse
entre la población más joven ávida de diversión. Si se fue lo bastante afortunado
como para haber vivido en la ciudad de Nueva York o en Los Ángelesdurante los
primeros años del despegue del hustle, puede que se haya tenido la
oportunidad de aprenderlo directamente con un profesor profesional, en caso
contrario, la única alternativa que quedaba era la de frecuentar
alguna discoteca en cualquiera de esas dos ciudades y aprenderlo en vivo. Para
el resto de los mortales, sin embargo, el el disco de vinilo fue la única alternativa.

Las grabaciones de este ritmo abundaron durante esa década lo que hizo
posible que el hustle se introdujera rápidamente gracias, mayormente, a su
distribución por tiendas de discos, almacenes y supermercados. En una de las
primeras grabaciones, la “New York Hustle Incorporated” incluía todo lo que uno

117
necesitaba para aprender a moverse a ritmo de hustle, es decir: música
genérica disco, instrucciones de baile y un montón de fotografías con una pareja
en atuendo de la época que mostraba la manera de realizar los pasos.

En el año 1977 y gracias a la película "Fiebre del sábado noche" se

bailó hustle con música disco lo que contribuyó a lanzar este tipo de baile a un
nivel totalmente popular.

El hustle es un baile que se puede ejecutar suavemente o con gran derroche de

saltos y movimientos de aceleración. Un ejemplo típico de hustle suave lo
podemos encontrar en la mayoría de los temas del grupoBack Street Boys. El
movimiento básico para bailarlo es de lo más simple; 1, 2 “&” 3 (SQQS) El patrón
de dicho movimiento se repite cada tres golpes así que, en acento musical de
4/4, cambia continuamente con respecto al patrón mientras que el mismo paso
puede bajar o subir un golpe.

La música típica de hustle lleva acentuado cada golpe lo que hace que
la música disco sea la más idónea para bailarlo. En la música disco no hay
sensación de oscilación, así que si los pies se sienten un poco incómodos en el
tiempo de espera “&”, es porque no hay necesidad de caminarlo. Los tiempos
2&3 en hustle son un típico movimiento de caderas que debe dar la sensación
de ser muy suave, por lo que no se debe acentuar de forma exagerada el golpe
que inicia el punto de partida del movimiento.

El hustle es un tipo de baile social que no se enseña a bailar en la mayoría de

las escuelas en Europa. La razón principal es el desconocimiento de los
profesores y la relativa condición física que se requiere para poder ejecutarlo.
Las figuras y movimientos que se realizan mientras se baila no son de gran
dificultad pero si que requieren de una cierta movilidad y coordinación.

Cha-cha-cha (music)
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(Redirected from Chachacha)
Music of Cuba: Topics

Bolero Chachachá

118
 Charanga Classical music

Contradanza Conga

Danzón Filín

Guajira Guaracha

Habanera Jazz

Hip hop Mambo

Musical theatre Nueva trova

Rumba Son

Timba Trova

History

Awards Beny Moré Award

National anthem "La Bayamesa"

Caribbean music

Bahamas - Bermuda - Cayman

Islands - Cuba- Dominican
Republic - Haiti - Jamaica -Lesser
Antilles - Puerto Rico - Trinidad and
Tobago - Turks and Caicos Islands

Cha-Cha rhythm[1].

119
The Cha-cha-chá is a style of Cuba music. It is popular dance music which
developed from the danzón in the early 1950s.

Contents
[hide]

• 1 Origin
• 2 Characteristics
• 3 Later developments
• 4 See also
• 5 Discography

• 6 References
[edit]Origin

As a dance music genre, cha-cha-chá is unusual in that its creation can be

attributed to a single composer named Enrique Jorrín (Orovio 1981:130).

About how the cha-cha-chá came about, Jorrín himself said:

"I composed some danzones in which the musicians of the orchestra were
singing short refrains. The audiences liked it, so I kept it up. In
the danzón'Constancia,' I inserted some well-known montunos and when the
audience joined in singing the refrains; it led me to compose more danzones in
this style. I asked all the members of the orchestra to sing in unison. This
accomplished three things: the lyrics were heard more clearly and had greater
impact and also the [poor] vocal quality of the [instrumental] musicians (who were
not actually singers) was masked. In 1948, I changed the style of 'Nunca,' a
Mexican song by Guty de Cárdenas. I left the first part in the original style and I
gave a different feeling to the melody in the second part. I liked it so well that I
decided to separate the last part, that is to say, the third trio or montuno, from
the danzón. Then I came up with pieces like'La Engañadora' (1951), which had
an introduction, a part A (repeated), a part B, a return to part A and finally, a coda
in the form of a rumba. From nearly the beginning of my career as a composer of
dance songs, I watched how the dancers danced the danzón-mambo. I noted
that most of them had difficulty with syncopated rhythms, owing to the fact that
their steps fell on the upbeat (contratiempo), or in other words, the second and
fourth eighth notes of the (2/4) measure. The dancers dancing on the upbeat and

120
the syncopated melodies made it very difficult to coordinate the steps with the
music. I began to compose melodies to which one could dance without
instrumental accompaniment, trying to use as little syncopation as possible. I
moved the accent from the fourth eighth note- where it was normally found in
the mambo- to the first beat of the cha-cha-chá. And so the cha-cha-chá was
born- from melodies that were practically danceable by themselves and a
balance between melodies on the downbeat and the upbeat." (Orovio 1981:130-
2)

From its inception, cha-cha-chá music had a symbiotic relationship with the steps
that the dancing public created to the new sound.

"What Jorrín composed, by his own admission, were nothing but creatively
modified danzones. The well-known name came into being with the help of the
dancers [of the Silver Star Club in Havana], when, in inventing the dance that
was coupled to the rhythm, it was discovered that their feet were making a
peculiar sound as they grazed the floor on three successive beats: cha-cha-chá,
and from this sound was born, by onomatopeia, the name that caused people all
around the world to want to move their feet..." (Sanchez-Coll 2006)

[edit]Characteristics

Odilio Urfé (1994:72) describes the cha-cha-chá as follows: "...monodic choral

vocal style with accents from the chotis madrileño[see Spanish wikipedia article
"Chotis"] and rhythmic elements from the mambo-style danzón; but with a novel
structural conception: introduction-verse-bridge-coda in double time." However,
he notes that, "Incomprehensibly, Jorrín and his imitators did not maintain this
structural formula in later compositions, so strictly speaking, we can say that 'La
Engañadora' was the onlycha-cha-chá based on this novel idea."

Olavo Alén (1994:87-8) emphasizes the inheritance that the cha-cha-

chá received from the danzón:

Typical piano accompaniment to a cha-cha-chá (Orovio 1981:132)

121
"Actually, the cha-cha-cháappears to be a variant of thedanzón. The former
maintains a structure very similar to that of the danzón, since, in spite of
dispensing with the rondoform [of the danzón], it does so only by an internal
transformation of the melodic and rhythmic elements used in the composition of
each of its sections. Also, in the cha-cha-chá, the interpretative function of the
flute is retained. That is to say, its role as a soloist and the characteristics of its
manner of improvisation in the danzón reappear in the cha-cha-chá with hardly
any alteration. Another important debt that thecha-cha-chá owes to the danzón is
the allocation of timbres in its instrumentation. The melodies of the violins
alternate with those of the flute and those of the voices in the way that had
become standardized in the danzón and the danzonete. The principal element
that differentiates the cha-cha-chá from the danzón is the rhythmic cell that gives
its name to the genre. Cha-cha-chá is an onomatopoeic representation of two
rapid beats followed by a longer (two eighth notes followed by a quarter note). It
is also significant that the cha-cha-chá abandons the elements from the son that
had been incorporated into the danzonete and returns to the strict utilization of
elements of musical style that arose and were developed in the context of
the danzón family of musical genres."

[edit]Later developments

"During the 1950s, cha-cha-chá maintained its popularity thanks to the efforts of
many Cuban composers who were familiar with the technique of
composing danzones and who unleashed their creativity on the cha-cha-
chá. Such was the case with Rosendo Ruiz, [Jr.] (above all for "Los Marcianos"
and "Rico Vacilón"), Félix Reina ("Dime Chinita," "Como Bailan Cha-cha-chá los
Mexicanos"), Richard Egűes ("El Bodeguero" and "La Cantina") and Rafael Lay
("Cero Codazos, Cero Cabezazos")."(Alén 1994:88)

Santos (1982) considers the Orquesta Aragón (Rafael Lay and Richard Egűes)
and the orchestra of José Fajardo to have been particularly influential in the
development of the cha-cha-chá.

The coincidental emergence of television and 33⅓ RPM LP discs were

significant factors in the sudden international popularity of the music and dance
of the cha-cha-chá. (Santos 1982)

The cha-cha-chá was first presented to the public through the medium of
the charanga, a typical Cuban dance band format made up of a flute, strings,

122
piano, bass and percussion. The popularity of the cha-cha-chá also revived the
popularity of this kind of orchestra (Alén 1994:87).

[edit]See also

 Cha-cha-cha (dance)
 Cha-cha-chá (Cuban dance)
 Enrique Jorrín
 Cha-Cha Music

[edit]Discography

 Orquesta Enrique Jorrín; "Todo Chachacha"; Egrem CD-0044

 Johnny Pacheco; "Early Rhythms"; Musical Productions MP-3162 CD
 Various orchestras; "El chachachá me encanta"; Egrem CD-0503

Bossa nova
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(Redirected from Bossa)
For other uses, see Bossa nova (disambiguation).

Bossa nova

Stylistic Cool jazz, Samba

origins

Cultural 1957 (Rio de Janeiro's southside) -

origins 1963

Typical Acoustic guitar, piano,electronic

instruments organ, acoustic bassand drums

Mainstream Widely known in Brazil, also

123
 popularity significant in the United
States,Western Europe, Japan and
thePhilippines.

Subgenres

Tropicalismo (Tropicalism)

Other topics

Bossa Nova (dance)

Bossa nova rhythm[1].

Bossa nova ( pronunciation (help·info)) is a style of Brazilian music popularized
byAntônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes and João Gilberto. Bossa Nova
acquired a large following, initially by young musicians and college students.
[2]
Although the bossa nova movement only lasted six years (1958–1963), it
contributed a number of songs to the standard jazz repertoire.

Contents
[hide]

• 1 Origins and history

• 2 Instruments
• 3 Structure
• 4 Origin of the term "bossa nova"
• 5 Later developments
• 6 Notable bossa nova artists
• 7 References
• 8 Further reading

• 9 External links
[edit]Origins and history

124
The musical style evolved from samba but is more complex harmonically and
less percussive. Additionally, Bossa Nova emerged primarily from the upscale
beachside neighborhoods of Rio de Janeiro vs. Samba's origins in favelas of Rio.
Certain similar elements were already evident, even influencing Western
classical music like Gershwin's Cuban Overture which has the characteristic
'Latin' clave rhythm. The influence on bossa nova of jazz styles such as cool
jazz is often debated by historians and fans, but a similar "cool sensibility" is
apparent. Bossa nova was developed in Brazil in 1956 by João Gilberto. The first
bossa nova song was titled "Bim-Bom". Bossa nova was made popular
by Dorival Caymmi 's Saudade da Bahia and Elizete Cardoso's recording
of Chega de Saudade on the Canção do Amor Demais LP, composed by
Vinícius de Moraes (lyrics) and Antonio Carlos Jobim (music). The song was
soon after released by Gilberto.

The initial releases by Gilberto and the 1959 film Black Orpheus brought
significant popularity in Brazil and elsewhere in Latin America, which spread to
North America via visiting American jazz musicians. The resulting recordings
by Charlie Byrd and Stan Getz cemented its popularity and led to a worldwide
boom with 1963's Getz/Gilberto, numerous recordings by famous jazz performers
such as Ella Fitzgerald (Ella Abraça Jobim) and Frank Sinatra (Francis Albert
Sinatra & Antônio Carlos Jobim), and the entrenchment of the bossa nova style
as a lasting influence in world music for several decades and even up to the
present.

The first bossa nova single to achieve international popularity was perhaps the
most successful of all time, the Getz/Gilberto recording "The Girl From Ipanema"
edited to include only the singing of Astrud Gilberto (Gilberto's then wife). The
resulting fad was not unlike the disco craze of the 1970s. The genre would
withstand substantial "watering down" by popular artists throughout the next four
decades.

An early influence on bossa nova was the song "Dans mon île" by French
singer Henri Salvador, featured in a 1957 Italian movie distributed in Brazil
(Europa di notte by Alessandro Blasetti) and covered later by Brazilian
artists Eumir Deodato (Los Danseros en Bolero - 1964) and Caetano
Veloso (Outras Palavras - 1981). In 2005, Henri Salvador was awarded the
Brazilian Order of Cultural Merit, which he received from singer and Minister of
Culture, Gilberto Gil, in the presence of President Lula for his influence on

125
Brazilian culture. Another influence on bossa nova was the record Bogdan Voice
and Guitar where Bogdan Plech is accompanied by guitar. In this record
Bogdan's warm vocals and the excellent but unobtrusive accompaniment of
guitar inspired the way musicians played Brazilian music.

[edit]Instruments

Bossa nova is most commonly performed on the nylon-string classical guitar,

played with the fingers rather than with a pick. Its purest form could be
considered unaccompanied guitar with vocals, as exemplified by João Gilberto.
Even in larger jazz-like arrangements for groups, there is almost always a guitar
that plays the underlying rhythm. Gilberto basically took one of the several
rhythmic layers from a samba ensemble (specifically, the tamborim) and applied
it to the picking hand.

Though not as prominent as the guitar, the piano is another important instrument
of bossa nova; Jobim wrote for the piano and performed on it for most of his own
recordings. The piano has also served as a stylistic bridge between bossa nova
and jazz, enabling a great deal of cross-pollination between the two.

Drums and other percussion are generally not considered essential bossa nova
instruments. Nonetheless, there is a distinctive bossa nova drumming style like
that of Helcio Milito and Milton Banana, characterized by continuous eighths on
the high-hat(mimicking the samba Pandeiro) and tapping of the rim or "rim clicks"
in a clave pattern. The bass drum usually plays on "1-&3-&1".

Lush orchestral accompaniment is often associated with bossa nova's North

American image as "elevator" or "lounge" music. It is present in many of Jobim's
own recordings, and in those of Astrud Gilberto. Dusty Springfield would both
feature and epitomize this element on her Philips recording of "The Look of Love"
(a song written by Bacharach and David, and one of the most respected
American pop interpretations of the bossa nova). (This version is not the Phil
Ramone version Springfield first recorded.) The unique aural texture of bossa
strings, when used, is an important secondary characteristic of the genre. Bossa
nova is at heart a folk genre, and not all bossa nova records have strings, but the
authentic ones that do have them feature them in a most distinctive manner.

[edit]Structure

126
Bossa nova is at its core a rhythm based on samba. Samba combines the
rhythmic patterns and feel originating in former African slave communities.
Samba's emphasis on the second beat carries through to bossa nova (to the
degree that it is often notated in 2/4 time). However, unlike samba, bossa nova
doesn't have dance steps to accompany it.[3] When played on the guitar, in a
simple one-bar pattern the thumb plays the bass notes on 1 and 3, while the
fingers pluck the chords in unison on the two eighth notes of beat one, followed
by the second sixteenth note of beat two. Two-measure patterns usually contain
a syncopation into the second measure. Overall, the rhythm has a swaying feel
rather than the swinging feel of jazz. As bossa nova composerCarlos
Lyra describes it in his song "Influência do Jazz", the samba rhythm moves "side
to side" while jazz moves "front to back". Bossa nova was also influenced by the
blues, but because the most famous bossa novas lack the 12-bar structure
characteristic of classic blues,as well as the statement, repetition and rhyming
resolution of lyrics typical of the genre, bossa nova’s affinity with blues often
passes unnoticed.[4]

In terms of harmonic structure, bossa nova has a great deal in common with jazz,
in its sophisticated use of seventh andextended chords. The first bossa nova
song, "Chega de Saudade", borrowed some structural elements from choro;
however, later compositions rarely followed this form. Jobim often used
challenging, almost dissonant melody lines, the best-known being in the tunes
"Desafinado" ("Off-Key"). Often the melody goes to the altered note in the chord.
For example, if the chord is DM7#11, the note sung in the melody line there
would be G#, or the sharp 11.

Aside from the guitar style, João Gilberto's other innovation was the projection of
the singing voice. Prior to Bossa Nova, Brazilian singers used brassy, almost
operatic styles. Now, the characteristic nasal vocal production of bossa nova is a
peculiar trait of the cabaclo folk tradition of north-eastern Brazil.[5] Gilberto
managed to dramatically reduce that to a subtle near-whisper.

In the early bossa nova recordings, in terms of lyrical themes and length of songs
(typically two to four minutes), bossa nova was very much a popular-music style.
However, its song structure often differs from European and North American
popular music's standard format of two verses followed by a bridge and a closing
verse; bossa nova songs frequently have no more than two lyrical verses, and
many lack a bridge. Some of João Gilberto's earliest recordings were less than

127
two minutes long, and some had a single lyrical verse that was simply repeated.
The lyrical themes found in bossa nova are women, love, longing, and the best of
youth. There are two types of Bossa Nova, the Bossa Nova beginning the late
1950s and the Bossa Nova after coup in 1964. The musical lyrics of the late 1950
depicted the easy life of the middle to upper-class Brazilians, though majority of
the population was the working class. However, after 1964, Bossa Nova's lyrics
became politically more charged. It spoke negatively about the newly formed
government and emphasized the peoples' struggles.[6]

[edit]Origin of the term "bossa nova"

In Brazil, to do something with "bossa" is to do it with particular charm and

natural flair, as in an innate ability. In 1932, Noel Rosa used the word in a
samba...which went O samba, a prontidão e outras bossas / São nossas coisas,
são coisas nossas(The samba, the readiness and other bossas / Are our things,
are things from us.) As yet, the exact origin of the term "bossa nova" remains
uncertain. What is certain is that the term "bossa" was used to refer to any new
"trend" or "fashionable wave" within the artistic beach-culture of late 1950s Rio
de Janeiro. The term finally became known and widely used to refer to a new
music style, a fusion of samba and jazz, when the now famous creators of "bossa
nova" referred to their new style of work as "a bossa nova," as in "the new
thing." [7]

Brazilian author Ruy Castro, in his book Bossa Nova, says that "bossa" was
already in use in the fifties by musicians as a word to characterize someone's
knack for playing or singing idiosyncratically. He cites a claim that the term
"bossa nova" might have first been used in publicity for a concert given by
the Grupo Universitário Hebraico do Brasil (University Hebrew Group of Brazil) in
1958 for a group consisting of Sylvinha Telles, Carlinhos Lyra, Nara Leão,
Luizinho Eça, Roberto Menescal, et al.

They were likely using the term "bossa nova" then as a generic reference to what
they were doing in music at the time, which had no particular name yet. However,
the term took hold as the definition of their own specific artistic creation, which
became known as "bossa nova," and is often simply known as "bossa" today.

[edit]Later developments

128
From the mid-nineties, various other European artists reached out to bossa nova
for inspiration mixing electronic music into it and bringing new creations
sometimes referred to as BossaElectrica, TecnoBossa, etc. which still permeates
the air of lounge bars of Europe and Asia today.

From this newer crop of artists came new singers like Bebel Gilberto, daughter of
bossa nova co-creator João Gilberto and singer Miúcha, and new European
bands like Nouvelle Vague and Koop to name a few, who used both conventional
bossa nova style and modern views to further interpret this fabulously soothing
style of music that originated in Rio de Janeiro-Brazil back in the 1950s.
Broadway composer Stephen Sondheim used a bossa nova rhythm to connote a
"nightclub" feeling in his song "The Ladies Who Lunch"" from Company (1970).

[edit]Notable bossa nova artists

Stan Getz

João Gilberto

 João Gilberto
 Sylvia Telles
 Bogdan Plech
 Quarteto em Cy

129
  Gal Costa
 Astrud Gilberto
 João Gilberto
 Antonio Carlos Jobim
 Nara Leão
 Carlos Lyra
 Newton Mendonça
 Roberto Menescal
 Maysa Matarazzo
 Gilberto Gil (early years)
 Paula Morelenbaum
 Hermeto Pascoal
 Vinicius de Moraes
 Elis Regina
 Elza Soares
 Toquinho
 Marcos Valle
 Rosa Passos

[edit]References

1. ^ Blatter, Alfred (2007). Revisiting music theory: a guide to the

practice, p.28. ISBN 0-415-97440-2.
2. ^ A estética da bossa nova
3. ^ http://www.guardian.co.uk/culture/2008/jun/27/filmandmusic1.film
andmusic2
4. ^ http://muse.jhu.edu/journals/luso-
brazilian_review/v044/44.2mccann.pdf
5. ^ (http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music
/03663),
6. ^ http://www.essortment.com/all/whatisbossano_rjbe.htm
7. ^ A história da bossa nova

[edit]Further reading

130
  Castro, Ruy (trans. by Lysa Salsbury). "Bossa Nova: The Story of the
Brazilian Music That Seduced the World." 2000. 1st English language edition.
A Capella Books, an imprint of Chicago Review Press, Inc. ISBN 1-55652-
409-9 First published in Brasil by Companhia das Letras. 1990.
 McGowan, Chris and Pessanha, Ricardo. "The Brazilian Sound: Samba,
Bossa Nova and the Popular Music of Brazil." 1998. 2nd edition. Temple
University Press. ISBN 1-56639-545-3
 Mei, Giancarlo. Canto Latino: Origine, Evoluzione e Protagonisti della
Musica Popolare del Brasile. 2004. Stampa Alternativa-Nuovi Equilibri.
Preface by Sergio Bardotti and postface by Milton Nascimento.

Boogie
From Wikipedia, the free encyclopedia
This article is about the musical technique or rhythm. For other uses, see Boogie
(disambiguation).

Blues shuffle or boogie played on guitar in E major[1] ( Play (help·info)).

Boogie is a repetitive, swung note or shuffle rhythm,[2] "groove" or pattern used
in blues which was originally played on the piano in boogie-woogie music. The
characteristic rhythm and feel of the boogie was then adapted to guitar, double
bass, and other instruments. The earliest recorded boogie-woogie song was in
1916. By the 1930s, Swing bands such as Glenn Miller, Tommy Dorsey,
and Louis Jordan all had boogie hits. By the 1950s, boogie became incorporated
into the emerging rockabilly and rock and roll styles. In the late 1980s and the
early 1990s country bands released country boogies. Today, the term "boogie"
usually refers to dancing to pop, disco, or rock music, or it means "hurry" (as in
"let's boogie on out of here").

Contents
[hide]

131
 • 1 History
• 2 Usage
o 2.1 Songs
• 3 See also

• 4 References
[edit]History

The boogie was originally played on the piano in boogie-woogie music and
adapted to guitar. Boogie-woogie is a "style of blues piano playing characterized
by an up-tempo rhythm, a repeated melodic pattern in the bass, and a series of
improvised variations in the treble."[3] Boogie woogie developed from a piano
style that developed in the rough barrelhouse bars in the Southern states, where
a piano player performed for the hard-drinking patrons. Wayne Schmidt remarks
that with boogie-woogie songs, the "bass line isn't just a time keeper or 'fill' for
the right hand"; instead, the bassline has equal importance to the right hand's
melodic line. He argues that many boogie-woogie basslines uses a "rising/falling
sequence of notes" called a walking bass line.[4]

The origin of the term boogie-woogie is unknown, according to Webster's Third

New International Dictionary. The Oxford English Dictionary states that the word
is a redoubling of boogie, which was used for rent parties as early as 1913. The
term may be derived from Black West African English, from the Sierra Leone
term "bogi", which means "to dance"; as well, it may be akin to the phrase "hausa
buga", which means "to beat drums."[3] In the late 1920s and early 1930s, the
term "could mean anything from a racy style of dance to a raucous party or to a
sexually transmitted disease."[5] In Peter Silvester’s book on boogie woogie,Left
Hand Like God — the Story of Boogie Woogie he states that, in 1929, “boogie-
woogie is used to mean either dancing or music in the city of Detroit.”[6]

Schmidt claims that the "earliest record of boogie woogie was Texan pianist
George W. Thomas' release of New Orleans Hop Scop Blues as sheet music in
1916." [4] Boogie hit the charts with Pine Top Smith's Pine Top's Boogie in 1929,
which garnered the number 20 spot. In the late 1930s, boogie became part of the
then popular Swing style, as big bands such as "Glenn Miller, Tommy Dorsey,
and Louis Jordan...all had boogie hits." Swing big band audiences expected to

132
hear boogie tunes, because the beat could be used for the then-popular dances
such as the jitterbug and the Lindy Hop. As well, country artists began playing
boogie woogie in the late 1930s, when Johnny Barfield recorded "Boogie
Woogie". The Delmore Brothers "Freight Train Boogie" shows how country music
and blues were being blended to form the genre which would become known
as rockabilly. The Sun Records-era rockabilly sound used "wild country boogie
piano" as part of its sound.[7]

However, by the early 1950s, boogie became less popular, and by the mid-
1950s, its related form, rock & roll, became the most popular style.[4] By the mid-
1970s, the meaning of the term returned to its roots, in a certain sense, as during
the disco era, "to boogie" meant "to dance in a disco style". In the 1980s, country
bands such as The Charlie Daniels Band used boogie woogie in songs such as
the 1988 "Boogie Woogie Fiddle Country Blues". In 1991 Brooks &
Dunn released "Boot Scootin' Boogie". [1]

[edit]Usage

The boogie groove is often used in rock and roll and country music. A
simple rhythm guitar or accompaniment boogie pattern, sometimes
called country boogie, is as follows [2]:

The "B" and "C" notes are played by stretching the fourth finger from the "A" two
and three frets up to "B" and "C" respectively on the same string. This pattern is
an elaboration or decoration of the chord or level and is the same on all
the primary triads (I, IV, V), although the dominant, or any chord, may include
the seventh on the third beat[2] (see also, degree (music)).

"Rhythm Boogie"

A basic boogie
rhythm riff (0:19;
Ogg Vorbis, 154 KB)

133
 Problems listening to this file?
See media help.

A simple lead guitar boogie pattern is as follows [8]:

"Lead Boogie"

A basic boogie lead

riff (0:15; Ogg
Vorbis, 134 KB)

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See media help.

Boogie patterns are played with a swing or shuffle rhythm and generally follow
the "one finger per fret" rule, where, as in the case directly above, if the third
finger always covers the notes on the third fret, the second finger going only on
the second fret, etc.[8]

The swung notes or shuffle note are a rhythmic device in which the duration of
the initial note in a pair is augmented and that of the second isdiminished. Also
known as "notes inégales", swung notes are widely used in jazz music and other
jazz-influenced music such as blues and Western swing. A swing or shuffle
rhythm is the rhythm produced by playing repeated pairs of notes in this way.

[edit]Songs
Swing-era boogie hits include the 1940 Glenn Miller song "Boog It by" (#7)
and The Andrews Sisters' number two hit from that same year, "Beat Me Daddy,
Eight to the Bar". In the mid-1940s, bandleader Tommy Dorsey had a number
five hit with "Boogie Woogie", jump blues maestro Louis Jordan had a number six
hit with "Caldonia Boogie", and Count Basie scored a number 10 hit with "Mad
Boogie".

134
In 1948, Freddie Martin had a number six hit with "Sabre Dance Boogie" and
three years later, Ernie Ford hit number four with his "Shot Gun Boogie". After
several decades out of the hits catalogue, singer-actress Bette Midler hit number
eight in 1973 with her cover of the song Boogie Woogie Bugle Boy; the original
track, whose details Midler reproduced closely, was a 1941 national hit for
the Andrews Sisters. Other well-known songs using a boogie rhythm or bass
pattern include Chuck Berry's "Johnny B. Goode", Marvin Gaye's "Can I Get a
Witness" and The Shadows's "Shadoogie"; and Jerry Lee Lewis playing "Great
Balls of Fire".

Blues
From Wikipedia, the free encyclopedia
This article is about the music genre. For other uses, see Blues
(disambiguation).

Blues

Stylistic African American folk music

origins Work songs
Spirituals

Cultural Late 19th century, southern United States

origins

Typical Guitar · Piano · Harmonica ·Double

instruments Bass · Drums ·Saxophone · Vocals ·Trumpet · Trombone

Mainstream widespread since the early 20th century

popularity

Derivative Bluegrass · Jazz · R&B ·Rock and roll · Rock music

forms

Subgenres

135
 Boogie-woogie · Classic female blues ·Country blues · Delta
blues · Electric blues ·Fife and drum blues · Jump blues · Piano blues
(complete list)

Fusion genres

Blues rock · Jazz blues · Punk blues ·Soul blues

Regional scenes

African blues · Atlanta blues · British blues ·Canadian blues · Chicago

blues · Detroit blues ·East Coast blues · Kansas City blues ·Louisiana
blues · Memphis blues ·New Orleans blues · Piedmont blues ·St. Louis
blues · Swamp blues · Texas blues ·West Coast blues

Other topics

Blues genres · Blues musicians · Blues scale ·Jug band · Origins

Blues is the name given to both a musical form and a music genre created
primarily within the African-American communities in the Deep South of the
United States at the end of the 19th century from spirituals, work songs, field
hollers, shouts andchants, and rhymed simple narrative ballads.[1] The blues form
ubiquitous in jazz,rhythm and blues, and rock and roll is characterized by specific
chord progressions—the twelve-bar blues chord progressions being the most
common—and the blue notes, notes that for expressive purposes are sung or
played flattened or gradually bent (minor 3rd to major 3rd) in relation to
the pitch of the major scale.

The blues genre is based on the blues form but possesses other characteristics
such as specific lyrics, bass lines and instruments. Blues can be subdivided into
several subgenres ranging from country to urban blues that were more or less
popular during different periods of the 20th century. Best known are
the Delta,Piedmont, Jump and Chicago blues styles. World War II marked the

136
transition from acoustic to electric blues and the progressive opening of blues
music to a wider audience. In the 1960s and 1970s, a hybrid form called blues
rock evolved.

The term "the blues" refers to the "blue devils", meaning melancholy and
sadness; an early use of the term in this sense is found in George Colman's one-
act farceBlue Devils (1798).[2] Though the use of the phrase in African American
music may be older, it has been attested to since 1912, when Hart Wand's
"Dallas Blues" became the first copyrighted blues composition.[3][4] In lyrics the
phrase is often used to describe a depressed mood.[5]

Contents
[hide]

• 1 Form
• 2 Lyrics
• 3 History
o 3.1 Origins
o 3.2 Pre-war blues
o 3.3 1950s
o 3.4 1960s and 1970s
o 3.5 1980s to the 2000s
• 4 Musical impact
• 5 In popular culture
• 6 See also
• 7 Notes
• 8 References
• 9 Further reading

• 10 External links
[edit]Form

During the first decades of the 20th century, blues music was not clearly defined
in terms of a chord progression.[6] By the early 1900s, due to the commercial
success in the African-American community of singers such as first blues
star Bessie Smith,twelve-bar blues became the standard.[7] Other chord

137
progressions, such as 8-bar forms, are still considered blues; examples include
"How Long Blues", "Trouble in Mind", and Big Bill Broonzy's "Key to the
Highway". There are also 16-bar blues, as inRay Charles's instrumental "Sweet
16 Bars" and in Herbie Hancock's "Watermelon Man". Idiosyncratic numbers of
bars are also encountered occasionally, as with the 9-bar progression in "Sitting
on Top of the World" by Howlin Wolf.

The basic twelve-bar

lyric framework of a Chords played over a twelve-
Chords for a blues in C:
bar scheme:
blues composition is
reflected by a standard
I I or IV I I7 C C or F C C7
harmonic progression of
twelve bars in a 4/4
time signature. The IV IV I I7 F F C C7
blues chordsassociated
to a twelve-bar V V or IV I I or V G G or F C C or G
blues are typically a set
of three different chords
played over a twelve-
bar scheme. They are labeled by Roman numbers referring to thedegrees of the
progression. For instance, for a blues in the key of C, C is the tonic chord (I) and
F is the subdominant (IV). The last chord is the dominant (V) turnaround, marking
the transition to the beginning of the next progression. The lyrics generally end
on the last beat of the tenth bar or the first beat of the eleventh bar, and the final
two bars are given to the instrumentalist as a break; the harmony of this two-bar
break, the turnaround, can be extremely complex, sometimes consisting of single
notes that defy analysis in terms of chords.

Much of the time, some or all of these chords are played in the harmonic
seventh (7th) form. The use of the harmonic seventh interval is characteristic of
blues and is popularly called the "blues seven".[8] Blues seven chords add to the
harmonic chord a note with a frequency in a 7:4 ratio to the fundamental note. At
a 7:4 ratio, it is not close to any interval on the conventional Western diatonic
scale.[9] For convenience or by necessity it is often approximated by a minor
seventh interval or a dominant seventh chord.

138
A minor pentatonic scale; play (help·info)
In melody, blues is distinguished by the use of
the flattenedthird, fifth and seventh of the associated major scale.[10] These
specialized notes are called the blue or bent notes. These scale tones may
replace the natural scale tones, or they may be added to the scale, as in the case
of the minor blues scale, in which the flattened third replaces the natural third, the
flattened seventh replaces the natural seventh and the flattened fifth is added
between the natural fourth and natural fifth. While the twelve-bar harmonic
progression had been intermittently used for centuries, the revolutionary aspect
of blues was the frequent use of the flattened third, flattened seventh, and even
flattened fifth in the melody, together with crushing—playing directly adjacent
notes at the same time (i.e., diminished second)—and sliding, similar to
using grace notes.[11] The blue notes allow for key moments of expression during
the cadences, melodies, and embellishments of the blues.

Blues shuffles or walking bass reinforce the trance-like rhythm and call-and-
response, and they form a repetitive effect called agroove. Characteristic of the
blues since its Afro-American origins, the shuffles played a central role in swing
music.[12] The simplest shuffles, which were the clearest signature of the R&B
wave that started in the mid 1940s,[13] were a three-note riff on the bass strings of
the guitar. When this riff was played over the bass and the drums, the groove
"feel" was created. Shuffle rhythm is often vocalized as "dow, da dow, da dow,
da" or "dump, da dump, da dump, da":[14] it consists of uneven, or "swung," eighth
notes. On a guitar this may be played as a simple steady bass or it may add to
that stepwise quarter note motion from the fifth to the sixth of the chord and back.
An example is provided by the following guitar tablature for the first four bars of a
blues progression in E:[15][16]

Blues shuffle or boogie in E major ( Play (help·info)).

E7 A7 E7
E7

139
E
|----------------|----------------|----------------|-------
---------|
B
|----------------|----------------|----------------|-------
---------|
G
|----------------|----------------|----------------|-------
---------|
D |----------------|2—2-4—2-5—2-4—
2-|----------------|----------------|
A |2—2-4-2-5-2-4—2-|0—0-0—0-0—0-0—2-|2—2-4—2-5—2-4—2-|2—2-4
—2-5—2-4—2-|
E |0—0-0—0-0—0-0—2-|----------------|0—0-0—0-0—0-0—2-|0—0-0
—0-0—0-0—2-|

[edit]Lyrics

Robert Johnson, an influentialDelta blues musician

The lyrics of early traditional blues verses probably often consisted of a single
line repeated four times; it was only in the first decades of the 20th century that
the most common current structure became standard: the so-called AAB pattern,
consisting of a line sung over the four first bars, its repetition over the next four,
and then a longer concluding line over the last bars.[17] Two of the first published
blues songs, "Dallas Blues" (1912) and "St. Louis Blues" (1914), were 12-bar
blues featuring the AAB structure. W. C. Handy wrote that he adopted this
convention to avoid the monotony of lines repeated three times.[18] The lines are
often sung following a pattern closer to a rhythmic talk than to a melody. Early

140
blues frequently took the form of a loose narrative. The singer voiced his or her
"personal woes in a world of harsh reality: a lost love, the cruelty of police
officers, oppression at the hands of white folk, [and] hard times."[19]

The lyrics often relate troubles experienced within African American society. For
instanceBlind Lemon Jefferson's "Rising High Water Blues" (1927) tells about
the Great Mississippi Flood of 1927:

"Backwater rising, Southern peoples can't make no time

I said, backwater rising, Southern peoples can't make no time
And I can't get no hearing from that Memphis girl of mine."
However, although the blues gained an association with misery and
oppression, the lyrics could also be humorous and raunchy as well:
[20]

"Rebecca, Rebecca, get your big legs off of me,

Rebecca, Rebecca, get your big legs off of me,
It may be sending you baby, but it's worrying the hell out of me."
From Big Joe Turner's "Rebecca", a compilation of traditional blues lyrics
Hokum blues celebrated both comedic lyrical
content and a boisterous, farcical performance
style.[21] Tampa Red's classic "Tight Like That"
(1928) is a sly wordplay with the double meaning
of being "tight" with someone coupled with a
more salacious physical familiarity. Lyrical
content of music became slightly simpler in post
war-blues which focused almost exclusively on
relationship woes or sexual worries. Many lyrical
themes that frequently appeared in pre-war blues
such as economic depression, farming, devils,
gambling, magic, floods and dry periods were
less common in post-war blues.[22]

Author Ed Morales has claimed that Yoruba

mythology played a part in early blues,
citing Robert Johnson's "Cross Road Blues" as a
"thinly veiled reference to Eleggua, the orisha in

141
charge of the crossroads".[23] However, the
Christian influence was far more obvious.[24] Many
seminal blues artists such as Charley
Patton or Skip James had several religious songs
or spirituals in their repertoires.[25] Reverend Gary
Davis[26] and Blind Willie Johnson[27] are examples
of artists often categorized as blues musicians for
their music, although their lyrics clearly belong to
the spirituals.

[edit]History

"The Memphis
Blues"

The Memphis Blues,

composed by W. C.
Handy in 1912.
Recorded
by Victor Military
Band. First known
commercial recording
of Handy's first
commercially
successful blues
composition.

Crazy Blues

The first commercial

recording of vocal
blues by an African-
American
singer: Mamie
Smith's performance
of Perry Bradford's
"Crazy Blues" in
1920.

Keep your lamp

trimmed and burning

142
Traditional spiritual
performed by Texas
gospel singer Blind
Willie Johnson (vocal
and guitar) and Willie
B. Harris (vocal) in
1927. This example
shows the close
relationship between
gospel and blues
music.

Dupree Blues

Piedmont blues,
performed in 1930
by Blind Willie
Walker

Cross Road Blues

Cross Road Blues,

performed in 1937
byRobert Johnson,
a Delta blues guitarist

Moanin' At Midnight

Chicago blues of the

early post-war era,
Recorded by Howlin'
Wolf in 1951.

Mr. P.C.

Hard Bop recorded

by John Coltrane in
1960. This is an
example of jazz with
blues structure.

143
 Steppin' Out
noicon
Steppin' Out, Chicago
blues composed
byJames Bracken and
performed in the rock
blues style by John
Mayall & the
Bluesbreakers on the
album Bluesbreakers
with Eric Clapton,
1966.

Problems listening to these

files? See media help.
[edit]Origins
Main article: Origins of the blues

John Lomax,
pioneering musicologist andfolklorist
The first publication of blues sheet music
was Hart Wand's "Dallas Blues" in 1912; W. C.
Handy's "Memphis Blues" followed in the same
year. The first recording by an African American
singer was Mamie Smith's 1920 rendition of Perry

144
Bradford's "Crazy Blues". But the origins of the
blues date back to some decades earlier,
probably around 1890.[28] They are very poorly
documented, due in part to racial discrimination
within American society, including academic
circles,[29] and to the low literacy rate of the rural
African American community at the time.
[30]
Chroniclers began to report about blues music
in Southern Texas and Deep South at the dawn
of the 20th century. In particular, Charles
Peabody mentioned the appearance of blues
music atClarksdale, Mississippi and Gate
Thomas reported very similar songs in southern
Texas around 1901–1902. These observations
coincide more or less with the remembrance
of Jelly Roll Morton, who declared having heard
blues for the first time in New Orleans in
1902; Ma Rainey, who remembered her first
blues experience the same year in Missouri;
andW.C. Handy, who first heard the blues
in Tutwiler, Mississippi in 1903. The first
extensive research in the field was performed
by Howard W. Odum, who published a large
anthology of folk songs in the counties
ofLafayette, Mississippi and Newton,
Georgia between 1905 and 1908.[31]The first non-
commercial recordings of blues music, termed
"proto-blues" by Paul Oliver, were made by
Odum at the very beginning of the 20th century
for research purposes. They are now utterly lost.
[32]
Other recordings that are still available were
made in 1924 by Lawrence Gellert. Later, several
recordings were made by Robert W. Gordon,
who became head of the Archive of American
Folk Songs of the Library of Congress. Gordon's
successor at the Library was John Lomax. In the

145
1930s, together with his son Alan, Lomax made a
large number of non-commercial blues
recordings that testify to the huge variety of
proto-blues styles, such as field hollers and ring
shouts.[33] A record of blues music as it existed
before the 1920s is also given by the recordings
of artists such as Lead Belly[34] or Henry
Thomas[35] who both performed archaic blues
music. All these sources show the existence of
many different structures distinct from
the twelve-, eight-, or sixteen-bar.[36][37]

The social and economic reasons for the

appearance of the blues are not fully known.
[38]
The first appearance of the blues is often
dated after the Emancipation Act of 1863,
[29]
between 1870 and 1900, a period that
coincides with Emancipation and, later, the
development of juke joints as places where
Blacks went to listen to music, dance, or gamble
after a hard day's work.[39] This period
corresponds to the transition from slavery to
sharecropping, small-scale agricultural
production, and the expansion of railroads in the
southern United States. Several scholars
characterize the early 1900s development of
blues music as a move from group performances
to a more individualized style. They argue that
the development of the blues is associated with
the newly acquired freedom of the enslaved
people. According to Lawrence Levine, "there
was a direct relationship between the national
ideological emphasis upon the individual, the
popularity of Booker T. Washington's teachings,
and the rise of the blues." Levine states that
"psychologically, socially, and economically,

146
African-Americans were being acculturated in a
way that would have been impossible during
slavery, and it is hardly surprising that their
secular music reflected this as much as their
religious music did."[40]

There are few characteristics common to all

blues music, because the genre took its shape
from the idiosyncrasies of individual
performances.[41] However, there are some
characteristics that were present long before the
creation of the modern blues. Call-and-response
shouts were an early form of blues-like music;
they were a "functional expression ... style
without accompaniment or harmony and
unbounded by the formality of any particular
musical structure."[42] A form of this pre-blues was
heard in slavering shouts and field hollers,
expanded into "simple solo songs laden with
emotional content".[43]

Blues has evolved from the unaccompanied

vocal music and oral traditions of slaves imported
from West Africa (principally present-
day Mali, Senegal, the Gambia and Ghana)[44]
[45]
and rural blacks into a wide variety of styles
and subgenres, with regional variations across
the United States. Though blues, as it is now
known, can be seen as a musical style based on
both European harmonic structure and the
African call-and-response tradition, transformed
into an interplay of voice and guitar,[46][47]the blues
form itself bears no resemblance to the melodic
styles of the West African griots, and the
influences are faint and tenuous.[48][49] In
particular, no specific African musical form can
be identified as the single direct ancestor of the

147
blues.[50]However many blues elements, such as
the call-and-response format and the use of blue
notes, can be traced back to the music of Africa.
That blue notes pre-date their use in blues and
have an African origin is attested by English
composer Samuel Coleridge-Taylor's "A Negro
Love Song", from his The African Suite for
Piano composed in 1898, which contains blue
third andseventh notes.[51] The Diddley bow (a
homemade one-stringed instrument found in
parts of the American South in the early twentieth
century) and the banjo are African-derived
instruments that may have helped in the transfer
of African performance techniques into the early
blues instrumental vocabulary.[52] The banjo
seems to be directly imported from western
African music. It is similar to the musical
instrument that griots played
(called halam or akonting by African peoples
such as the Wolof, Fulaand Madinka).
[53]
However, in the 1920s, when country blues
began to be recorded, the use of the banjo in
blues music was quite marginal and limited to
individuals such as Papa Charlie Jackson and
later Gus Cannon.[54]

Blues music also adopted elements from the

"Ethiopian airs", minstrel shows and Negro
spirituals, including instrumental and harmonic
accompaniment.[55] The style also was closely
related to ragtime, which developed at about the
same time, though the blues better preserved
"the original melodic patterns of African music".[56]

The musical forms and styles that are now

considered the "blues" as well as modern
"country music" arose in the same regions during

148
the nineteenth century in the southern United
States. Recorded blues and country can be found
from as far back as the 1920s, when the popular
record industry developed and created marketing
categories called "race music" and "hillbilly
music" to sell music by blacks for blacks and by
whites for whites, respectively. At the time, there
was no clear musical division between "blues"
and "country," except for the ethnicity of the
performer, and even that was sometimes
documented incorrectly by record companies.[57]
[58]
Though musicologists can now attempt to
define “the blues” narrowly in terms of certain
chord structures and lyric strategies thought to
have originated in West Africa, audiences
originally heard the music in a far more general
way: it was simply the music of the rural south,
notably the Mississippi Delta. Black and white
musicians shared the same repertoire and
thought of themselves as “songsters” rather than
“blues musicians.” The notion of blues as a
separate genre arose during the black migration
from the countryside to urban areas in the 1920s
and the simultaneous development of the
recording industry. “Blues” became a code word
for a record designed to sell to black listeners.[59]

The origins of the blues are closely related to the

religious music of the Afro-American community,
the spirituals. The origins of spirituals go back
much further than the blues, usually dating back
to the middle of the 18th century, when the
slaves were Christianized and began to sing and
play Christian hymns, in particular those of Isaac
Watts, which were very popular.[60] Before the
blues gained its formal definition in terms of

149
chord progressions, it was defined as the secular
counterpart of the spirituals. It was the low-down
music played by the rural Blacks. Depending on
the religious community a musician belonged to,
it was more or less considered as a sin to play
this low-down music: blues was the devil's music.
Musicians were therefore segregated into two
categories: gospel and blues singers, guitar
preachers and songsters. However, at the time
rural Black music began to get recorded in the
1920s, both categories of musicians used very
similar techniques: call-and-response patterns,
blue notes, and slide guitars. Gospel music was
nevertheless using musical forms that were
compatible with Christian hymns and therefore
less marked by the blues form than its secular
counterpart.[61]

[edit]Pre-war blues
The American sheet music publishing industry
produced a great deal of ragtime music. By 1912,
the sheet music industry had published three
popular blues-like compositions, precipitating
the Tin Pan Alley adoption of blues elements:
"Baby Seals' Blues" by "Baby" F. Seals (arranged
by Artie Matthews), "Dallas Blues" by Hart
Wand and "The Memphis Blues" by W. C. Handy.
[62]

150
Sheet music from "St. Louis Blues" (1914)
Handy was a formally trained musician,
composer and arranger who helped to popularize
the blues by transcribing and orchestrating blues
in an almost symphonic style, with bands and
singers. He became a popular and prolific
composer, and billed himself as the "Father of the
Blues"; however, his compositions can be
described as a fusion of blues with ragtime and
jazz, a merger facilitated using the
Cuban habanera rhythm that had long been a
part of ragtime;[23][63] Handy's signature work was
the "St. Louis Blues".

In the 1920s, the blues became a major element

of African American and American popular music,
reaching white audiences via Handy's
arrangements and the classic female blues
performers. The blues evolved from informal
performances in bars to entertainment in
theaters. Blues performances were organized by
the Theater Owners Bookers
Association in nightclubs such as the Cotton
Club and juke joints such as the bars along Beale

151
Street in Memphis. Several record companies,
such as the American Record Corporation, Okeh
Records, and Paramount Records, began to
record African American music.

As the recording industry grew, country blues

performers like Bo Carter, Jimmie Rodgers
(country singer), Blind Lemon Jefferson, Lonnie
Johnson, Tampa Red and Blind Blakebecame
more popular in the African American community.
Kentucky-born Sylvester Weaver was in 1923 the
first to record the slide guitar style, in which a
guitar is fretted with a knife blade or the sawed-
off neck of a bottle.[64] The slide guitar became an
important part of the Delta blues.[65] The first
blues recordings from the 1920s are categorized
as a traditional, rural country blues and a more
polished 'city' or urban blues.

Country blues performers often improvised, either

without accompaniment or with only a banjo or
guitar. Regional styles of country blues varied
widely in the early 20th century. The (Mississippi)
Delta blues was a rootsy sparse style with
passionate vocals accompanied by slide guitar.
The little-recorded Robert Johnson[66] combined
elements of urban and rural blues. In addition to
Robert Johnson, influential performers of this
style included his predecessors Charley
Patton and Son House. Singers such as Blind
Willie McTell and Blind Boy Fuller performed in
the southeastern "delicate and lyrical" Piedmont
blues tradition, which used an elaborate ragtime-
based fingerpicking guitar technique. Georgia
also had an early slide tradition,[67] with Curley
Weaver, Tampa Red, "Barbecue Bob"

152
Hicks and James "Kokomo" Arnold as
representatives of this style.[68]

The lively Memphis blues style, which developed

in the 1920s and 1930s near Memphis,
Tennessee, was influenced by jug bands such as
the Memphis Jug Band or the Gus Cannon's Jug
Stompers. Performers such as Frank
Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe
McCoy, Casey Bill Weldon and Memphis
Minnie used a variety of unusual instruments
such aswashboard, fiddle, kazoo or mandolin.
Memphis Minnie was famous for
her virtuoso guitar style. Pianist Memphis
Slim began his career in Memphis, but his distinct
style was smoother and had some swing
elements. Many blues musicians based in
Memphis moved to Chicago in the late 1930s or
early 1940s and became part of the urban blues
movement, which blended country music and
electric blues.[69][70][71]

Bessie Smith, an early blues singer, was known

for her powerful voice.
City or urban blues styles were more codified and
elaborate as a performer was no longer within

153
their local, immediate community and had to
adapt to a larger, more varied audience's
aesthetic.[72] Classic female
urban and vaudeville blues singers were popular
in the 1920s, among them Mamie
Smith, Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith,
and Victoria Spivey. Mamie Smith, more a
vaudeville performer than a blues artist, was the
first African-American to record a blues in 1920;
her second record, "Crazy Blues", sold 75,000
copies in its first month.[73]Ma Rainey, the "Mother
of Blues", and Bessie Smith each "[sang] around
center tones, perhaps in order to project her
voice more easily to the back of a room." Smith
would "...sing a song in an unusual key, and her
artistry in bending and stretching notes with her
beautiful, powerful contralto to accommodate her
own interpretation was unsurpassed."[74] Urban
male performers included popular black
musicians of the era, such Tampa Red, Big Bill
Broonzyand Leroy Carr. Before WWII, Tampa
Red was sometimes referred to as "the Guitar
Wizard". Carr accompanied himself on the piano
with Scrapper Blackwell on guitar, a format that
continued well into the 50s with people such
as Charles Brown, and even Nat "King" Cole.[65]

A typical boogie-woogie bassline

Boogie-woogie was another important style of
1930s and early 1940s urban blues.[75] While the
style is often associated with solo piano, boogie-
woogie was also used to accompany singers
and, as a solo part, in bands and small combos.

154
Boogie-Woogie style was characterized by a
regular bass figure, an ostinato or riff and shifts of
level in the left hand, elaborating each chord and
trills and decorations in the right hand. Boogie-
woogie was pioneered by the Chicago-
basedJimmy Yancey and the Boogie-Woogie Trio
(Albert Ammons, Pete Johnson and Meade Lux
Lewis).[76] Chicago boogie-woogie performers
included Clarence "Pine Top" Smith and Earl
Hines, who "linked the propulsive left-hand
rhythms of the ragtime pianists with melodic
figures similar to those of Armstrong's trumpet in
the right hand."[72] The smooth Louisiana style
ofProfessor Longhair and, more recently, Dr.
John blends classic rhythm and blues with blues
styles.

Another development in this period was big

band blues.[77] The "territory bands" operating out
of Kansas City, the Benny Motenorchestra, Jay
McShann, and the Count Basie Orchestra were
also concentrating on the blues, with 12-bar
blues instrumentals such as Basie's "One
O'Clock Jump" and "Jumpin' at the Woodside"
and boisterous "blues shouting" by Jimmy
Rushing on songs such as "Going to Chicago"
and "Sent for You Yesterday". A well-known big
band blues tune is Glenn Miller's "In the Mood".
In the 1940s, the jump blues style developed.
Jump blues grew up from the boogie woogie
wave and was strongly influenced by big
band music. It uses saxophone or other brass
instruments and the guitar in the rhythm section
to create a jazzy, up-tempo sound with
declamatory vocals. Jump blues tunes by Louis
Jordan and Big Joe Turner, based in Kansas

155
City, Missouri, influenced the development of
later styles such as rock and roll and rhythm and
blues.[78] Dallas-born T-Bone Walker, which is
often associated to the California blues style,
[79]
performed a successful transition from the
early urban blues à laLonnie Johnson and Leroy
Carr to the jump blues style and dominated
the blues-jazz scene at Los Angeles during the
1940s.[80]

[edit]1950s
The transition from country to urban blues, that
began in the 1920s, had always been driven by
the successive waves of economic crisis and
booms and the associated move of the rural
Blacks to urban areas, the Great Migration.
The long boom in the aftermath of World War II
induced a massive migration of the African
American population, the Second Great
Migration, which was accompanied by a
significant increase of the real income of the
urban Blacks. The new migrants constituted a
new market for the music industry. The
name race record disappeared and was
succeeded by Rhythm and Blues. This rapidly
evolving market was mirrored by
the Billboard Rhythm and Blues Chart. This
marketing strategy reinforced trends within urban
blues music such as the progressive
electrification of the instruments, their
amplification and the generalization of the blues
beat, the blues shuffle, that became ubiquitous in
R&B. This commercial stream had important
consequences for blues music which, together
with Jazz and Gospel music, became a
component of the R&B wave.[81]

156
Muddy Waters, described as "the guiding light of
the modern blues school"[82]
After World War II and in the 1950s, new styles
of electric blues music became popular in cities
such as Chicago,[83] Memphis,[84] Detroit[85]
[86]
and St. Louis.[87] Electric blues usedelectric
guitars, double bass (slowly replaced by bass
guitar), drums, and harmonica played through a
microphone and a PA system or a guitar
amplifier. Chicago became a center for electric
blues from 1948 on, when Muddy
Waters recorded his first success: "I Can't Be
Satisfied".[88] Chicago blues is influenced to a
large extent by the Mississippi blues style,
because many performers had migrated from
the Mississippi region. Howlin' Wolf,[89] Muddy
Waters,[90] Willie Dixon,[91] and Jimmy
Reed[92] were all born in Mississippi and moved to
Chicago during the Great Migration. Their style is
characterized by the use of electric guitar,
sometimes slide guitar, harmonica, and a rhythm
section of bass and drums. J. T. Brown who
played in Elmore James's bands,[93] or J. B.
Lenoir's[94] also used saxophones, but these were

157
used more as "backing" or rhythmic support than
as solo instruments.

Little Walter and Sonny Boy Williamson (Rice

Miller) are well known harmonica (called "harp"
by blues musicians) players of the early Chicago
blues scene. Other harp players such asBig
Walter Horton were also influential. Muddy
Waters and Elmore James were known for their
innovative use of slide electric guitar. Howlin'
Wolf and Muddy Waters were known for their
deep, "gravelly" voices.

Bassist and composer Willie Dixon played a

major role on the Chicago blues scene. He
composed and wrote many standard blues songs
of the period, such as "Hoochie Coochie Man", "I
Just Want to Make Love to You" (both penned for
Muddy Waters) and, "Wang Dang Doodle" and
"Back Door Man" for Howlin' Wolf. Most artists of
the Chicago blues style recorded for the Chicago-
based Chess Records and Checker
Records labels. Smaller blues labels of this era
included Vee-Jay Records andJ.O.B. Records.
During the early 1950s, the dominating Chicago
labels were challenged by Sam Phillips' Sun
Records company in Memphis, which
recorded B. B. King and Howlin' Wolf before he
moved to Chicago in 1960.[95] After Phillips
discovered Elvis Presley in 1954, the Sun label
turned to the rapidly expanding white audience
and started recording mostly rock 'n' roll.[96]

In the 1950s, blues had a huge influence on

mainstream American popular music. While
popular musicians like Bo Diddley[85]and Chuck
Berry,[97] both recording for Chess, were
influenced by the Chicago blues, their

158
enthusiastic playing styles departed from the
melancholy aspects of blues. Chicago blues also
influenced Louisiana's zydeco music,[98] with Clift
on Chenier[99] using blues accents. Zydeco
musicians used electric solo guitar
and cajun arrangements of blues standards.

Otis Rush, a pioneer of the 'West Side Sound'

In the late 1950s, a new blues style emerged on
Chicago's West Side pioneered byMagic
Sam, Buddy Guy and Otis Rush on Cobra
Records.[100] The 'West Side Sound' had strong
rhythmic support from a rhythm guitar, bass
guitar and drums and as pefected by
Guy, Freddie King, Magic Slim and Luther
Allison was dominated by amplified electric lead
guitar.[101][102]

John Lee Hooker created his own blues style and

renewed it several times during his long career.

159
Other blues artists, such as John Lee Hooker had
influences not directly related to the Chicago
style. John Lee Hooker's blues is more
"personal", based on Hooker's deep rough voice
accompanied by a single electric guitar. Though
not directly influenced by boogie woogie, his
"groovy" style is sometimes called "guitar
boogie". His first hit, "Boogie Chillen", reached #1
on the R&B charts in 1949.[103]

By the late 1950s, the swamp blues genre

developed near Baton Rouge, with performers
such as Lightnin' Slim,[104] Slim Harpo,[105] Sam
Myers and Jerry McCain around the producer J.
D. "Jay" Miller and the Excello label. Strongly
influenced by Jimmy Reed, Swamp blues has a
slower pace and a simpler use of the harmonica
than the Chicago blues style performers such as
Little Walter or Muddy Waters. Songs from this
genre include "Scratch my Back", "She's Tough"
and "I'm a King Bee".

[edit]1960s and 1970s

By the beginning of the 1960s, genres influenced
by African American music such asrock and
roll and soul were part of mainstream popular
music. White performers had brought African-
American music to new audiences, both within
the US and abroad. However, the blues wave
that brought artists such as Muddy Waters to the
foreground had stopped. Bluesmen such as Big
Bill Broonzy and Willie Dixon started looking for
new markets in Europe. Dick Waterman and the
blues festivals he organized in Europe played a
major role in propagating blues music abroad. In
the UK, bands emulated US blues legends, and

160
UK blues-rock-based bands had an influential
role throughout the 1960s.[106]

Blues legend B.B. King with his guitar, "Lucille".

Blues performers such as John Lee
Hooker and Muddy Waters continued to perform
to enthusiastic audiences, inspiring new artists
steeped in traditional blues, such as New York–
born Taj Mahal. John Lee Hooker blended his
blues style with rock elements and playing with
younger white musicians, creating a musical style
that can be heard on the 1971 album Endless
Boogie. B. B. King's virtuoso guitar technique
earned him the eponymous title "king of the
blues". In contrast to the Chicago style, King's
band used strong brass support from a
saxophone, trumpet, and trombone, instead of
using slide guitar or harp. Tennessee-born Bobby
"Blue" Bland, like B. B. King, also straddled the
blues and R&B genres. During this period,
Freddie King and Albert King often played with
rock and soul musicians (Eric Clapton, Booker T
& the MGs)and had a major influence on those
styles of music.

161
The music of the Civil Rights[107] and Free
Speech movements in the US prompted
aresurgence of interest in American roots music
and early African American music. As well as
Jimmi Bass Music festivals such as the Newport
Folk Festival[108] brought traditional blues to a new
audience, which helped to revive interest in
prewar acoustic blues and performers such
as Son House, Mississippi John Hurt, Skip
James, andReverend Gary Davis.[107] Many
compilations of classic prewar blues were
republished by the Yazoo Records. J. B.
Lenoir from the Chicago blues movement in the
1950s recorded several LPs using acoustic
guitar, sometimes accompanied by Willie
Dixonon the acoustic bass or drums. His songs,
originally distributed in Europe only,
[109]
commented on political issues such
asracism or Vietnam War issues, which was
unusual for this period. His Alabama
Blues recording had a song that stated:

I never will go back to Alabama, that is not the

place for me (2x)
You know they killed my sister and my brother,
and the whole world let them peoples go down
there free

White audiences' interest in the blues during the

1960s increased due to the Chicago-based Paul
Butterfield Blues Band and theBritish
blues movement. The style of British blues
developed in the UK, when bands such as The
Animals, Fleetwood Mac, John Mayall & the
Bluesbreakers, The Rolling Stones, The
Yardbirds, and Cream and Irish musician Rory
Gallagher performed classic blues songs from

162
the Delta or Chicago blues traditions.[110] Many
of Led Zeppelin's earlier hits were renditions of
traditional blues songs.

The British and blues musicians of the early

1960s inspired a number of American blues
rock fusion performers, includingCanned Heat,
the early Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny
Winter, The J. Geils Band, Ry Cooder, and
The Allman Brothers Band. One blues
rock performer, Jimi Hendrix, was a rarity in his
field at the time: a black man who
played psychedelic rock. Hendrix was a skilled
guitarist, and a pioneer in the innovative use
of distortion and feedback in his music.
[111]
Through these artists and others, blues music
influenced the development of rock music.[112]

In the early 1970s, The Texas rock-blues

style emerged, which used guitars in both solo
and rhythm roles. In contrast with the West Side
blues, the Texas style is strongly influenced by
the British rock-blues movement. Major artists of
the Texas style areJohnny Winter, Stevie Ray
Vaughan, The Fabulous Thunderbirds, and ZZ
Top. These artists all began their musical journey
in the 1970s, but they did not achieve major
international success until the next decade.[113]

[edit]1980s to the 2000s

Since the 1980s, there has been a resurgence of
interest in the blues among a certain part of the
African-American population, particularly
around Jackson, Mississippi and other deep
South regions. Often termed "soul blues" or
"Southern soul", the music at the heart of this
movement was given new life by the unexpected

163
success of two particular recordings on the
Jackson-basedMalaco label:[114] Z. Z. Hill's Down
Home Blues (1982) and Little Milton's The Blues
is Alright (1984). Contemporary African-American
performers who work this vein of the blues
include Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles
Jones, Bettye LaVette,Marvin Sease and Peggy
Scott-Adams.

Texas blues guitarist Stevie Ray Vaughan

During the 1980s, blues also continued in both
traditional and new forms. In 1986, the
albumStrong Persuader revealed Robert Cray as
a major blues artist.[115] The first Stevie Ray
Vaughan recording, Texas Flood, was released
in 1983, and the Texas-based guitarist exploded
onto the international stage. 1989 saw a revival
of John Lee Hooker's popularity with the
album The Healer. Eric Clapton, known for his
performances with the Blues
Breakers andCream, made a comeback in the
1990s with his album Unplugged, in which he
played some standard blues numbers on
acoustic guitar. However, beginning in the

164
1990s, digital multitrack recording and other
technological advances and new marketing
strategies that include video clip production have
increased costs, and challenge the spontaneity
and improvisation that are an important
component of blues music.[116]

In the 1980s and 1990s, blues publications such

as Living Blues and Blues Revue began to be
distributed, major cities began forming blues
societies, outdoor blues festivals became more
common, and[117] more nightclubs and venues for
blues emerged.[118]

In the 1990s, blues performers explored a range

of musical genres, as can be seen, for example,
from the broad array of nominees of the
yearly Blues Music Awards, previously named W.
C. Handy Awards[119] or of the Grammy Awards
for Best Contemporary andTraditional Blues
Album. Contemporary blues music is nurtured by
several blues labels such as: Alligator
Records, Ruf Records, Chess
Records (MCA), Delmark
Records, NorthernBlues Music, and Vanguard
Records(Artemis Records). Some labels are
famous for their rediscovering and remastering of
blues rarities such as Arhoolie
Records,Smithsonian Folkways Recordings (heir
of Folkways Records) and Yazoo
Records (Shanachie Records).[120]

Young blues artists today are exploring all

aspects of the blues, from classic delta to more
rock-oriented blues, artists born after 1970 such
as John Mayer, Kenny Wayne Shepherd, Sean
Costello, Shannon Curfman, Anthony
Gomes, Shemekia Copeland,Jonny Lang, Corey

165
Harris, Susan Tedeschi, JW-Jones, Joe
Bonamassa, Michelle Malone, North Mississippi
Allstars, Everlast,The Black Keys, Bob Log III,
Jose P and Hillstomp developing their own styles.
[121]
Memphis, Texas-based William Daniel
McFalls, also known as "Blues Boy Willie" is a
performer of traditional blues.

[edit]Musical impact

Blues musical styles, forms (12-bar blues),

melodies, and the blues scale have influenced
many other genres of music, such as rock and
roll, jazz, and popular music.[122] Prominent jazz,
folk or rock performers, such as Louis
Armstrong, Duke Ellington,Miles Davis, and Bob
Dylan have performed significant blues
recordings. The blues scale is often used
in popular songs likeHarold Arlen's "Blues in the
Night", blues ballads like "Since I Fell for You"
and "Please Send Me Someone to Love", and
even in orchestral works such as George
Gershwin's "Rhapsody in Blue" and "Concerto in
F". Gershwin's second "Prelude" for solo piano is
an interesting example of a classical blues,
maintaining the form with academic strictness.
The blues scale is ubiquitous in modern popular
music and informs many modal frames,
especially the ladder of thirds used in rock music
(e.g., in "A Hard Day's Night"). Blues forms are
used in the theme to the televised Batman, teen
idol Fabian's hit, "Turn Me Loose", country
musicstar Jimmie Rodgers' music, and
guitarist/vocalist Tracy Chapman's hit "Give Me
One Reason".

166
R&B music can be traced back to spirituals and
blues. Musically, spirituals were a descendant
of New England choral traditions, and in
particular of Isaac Watts's hymns, mixed with
African rhythms and call-and-response forms.
Spirituals or religious chants in the African-
American community are much better
documented than the "low-down" blues. Spiritual
singing developed because African-American
communities could gather for mass or worship
gatherings, which were called camp meetings.

Early country bluesmen such as Skip

James, Charley Patton, Georgia Tom
Dorsey played country and urban blues and had
influences from spiritual singing. Dorsey helped
to popularize Gospel music.[123] Gospel music
developed in the 1930s, with theGolden Gate
Quartet. In the 1950s, soul music by Sam
Cooke, Ray Charles and James Brown used
gospel and blues music elements. In the 1960s
and 1970s, gospel and blues were these merged
in soul blues music. Funk music of the 1970s was
influenced by soul; funk can be seen as an
antecedent of hip-hop and contemporary R&B.

167
Duke Ellington straddled the big
band andbebop genres. Ellington extensively
used the blues form.[124]
Before World War II, the boundaries between
blues and jazz were less clear. Usually jazz had
harmonic structures stemming from brass bands,
whereas blues had blues forms such as the 12-
bar blues. However, the jump blues of the 1940s
mixed both styles. After WWII, blues had a
substantial influence on jazz. Bebop classics,
such as Charlie Parker's "Now's the Time", used
the blues form with the pentatonic scale and blue
notes. Bebop marked a major shift in the role of
jazz, from a popular style of music for dancing, to
a "high-art," less-accessible, cerebral "musician's
music". The audience for both blues and jazz
split, and the border between blues and jazz
became more defined. Artists straddling the
boundary between jazz and blues are
categorized into the jazz blues sub-genre.[124][125]

The blues' twelve-bar structure and the blues

scale was a major influence on rock and
roll music. Rock and roll has been called "blues

168
with a backbeat"; Carl
Perkins calledrockabilly "blues with
a country beat". Rockabillies were also said to be
twelve-bar blues played with a bluegrass beat.
"Hound Dog", with its unmodified twelve-bar
structure (in both harmony and lyrics) and a
melody centered on flatted third of the tonic (and
flatted seventh of the subdominant), is a blues
song transformed into a rock and roll song. Jerry
Lee Lewis's style of rock and roll was heavily
influenced by the blues and its derivative boogie
woogie. His style of music was not exactly
rockabilly but it has been often called real rock
and roll (this is a label he shares with several
African American rock and roll performers).[126][127]

Early country music was infused with the blues.

[128]
Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Bob
Wills, Bill Monroe and Hank Williamshave all
described themselves as blues singers and their
music has a blues feel that is different to the
country pop of Eddy Arnold. A lot of the 1970s-
era "outlaw" country music by Willie
Nelson and Waylon Jennings also borrowed from
the blues. WhenJerry Lee Lewis returned to
country after the decline of 1950s style rock and
roll, he sang his country with a blues feel and
often included blues standards on his albums.
Many early rock and roll songs are based on
blues: "That's All Right Mama", "Johnny B.
Goode", "Blue Suede Shoes", "Whole Lotta
Shakin' Goin On", "Shake, Rattle, and Roll", and
"Long Tall Sally". The early African American
rock musicians retained the sexual themes and
innuendos of blues music: "Got a gal named Sue,
knows just what to do" ("Tutti Frutti", Little

169
Richard) or "See the girl with the red dress on,
She can do the Birdland all night long" ("What'd I
Say", Ray Charles). The twelve-bar blues
structure can be found even in novelty pop
songs, such as Bob Dylan's "Obviously Five
Believers" and Esther and Abi Ofarim's
"Cinderella Rockefella".

[edit]In popular culture

The music of Taj Mahal for the 1972

movie Soundermarked a revival of interest in
acoustic blues.
Like jazz, rock and roll, heavy metal music, hip
hop music, reggae, country music, and pop
music, blues has been accused of being the
"devil's music" and of inciting violence and other
poor behavior.[129] In the early 20th century, the
blues was considered disreputable, especially as
white audiences began listening to the blues
during the 1920s.[63] In the early twentieth
century, W.C. Handy was the first to popularize
blues-influenced music among non-black
Americans.

During the blues revival of the 1960s and '70s,

acoustic blues artist Taj Mahal and legendary

170
Texas bluesman Lightnin' Hopkins wrote and
performed music that figured prominently in the
popularly and critically acclaimed
film Sounder (1972). The film earned Mahal
a Grammynomination for Best Original Score
Written for a Motion Picture and
a BAFTA nomination.[130]Almost 30 years later,
Mahal wrote blues for, and performed a banjo
composition, claw-hammer style, in the 2001
movie release "Songcatcher", which focused on
the story of the preservation of the roots music of
Appalachia.

Perhaps the most visible example of the blues

style of music in the late 20th century came in
1980, when Dan Aykroyd and John
Landis released the film The Blues Brothers. The
film drew many of the biggest living influenciers
of the Rhythm and blues genre together, such
as Ray Charles, James Brown, Cab
Calloway, Aretha Franklin, and John Lee Hooker.
The band formed also began a successful tour
under the Blues Brothers marquee. 1998 brought
a sequel, Blues Brothers 2000 that, while not
holding as great a critical and financial success,
featured a much larger number of blues artists,
such as B.B. King, Bo Diddley, Erykah Badu, Eric
Clapton, Steve Winwood, Charlie
Musselwhite, Blues Traveller, Jimmy
Vaughn, Jeff Baxter.

In 2003, Martin Scorsese made significant efforts

to promote the blues to a larger audience. He
asked several famous directors such as Clint
Eastwood and Wim Wenders to participate in a
series of documentary films for PBS called The
Blues.[131] He also participated in the rendition of

171
 compilations of major blues artists in a series of
high-quality CDs. Blues guitarist and vocalist Keb'
Mo' performed his blues rendition of "America,
the Beautiful" in 2006 to close out the final
season of the television series The West Wing.

Ska
From Wikipedia, the free encyclopedia
This article is about the music genre. For other uses, see SKA (disambiguation).

Ska

Stylistic Jamaican mento and calypso;American jazz and rhythm

origins and blues

Cultural Late 1950s Jamaica

origins

Typical guitar, bass

instruments guitar, trumpet,trombone, saxophone, piano,drums, organ

Mainstream Highest in early 1960s; wide popularity in Jamaica &

popularity notable popularity in United Kingdom; notable revivals in
1970s/1980s UK and late-1990s North America

Derivative rocksteady, reggae

forms

Fusion genres

2 Tone, ska punk, ska jazz

Regional scenes

172
 Japan, Australia

Other topics

third wave ska, list of ska musicians, rude boy,mod, skinhead, Suedehead

Ska (pronounced /ˈskɑː/, Jamaican [skja]) is a music genre that originated

inJamaica in the late 1950s, and was the precursor to rocksteady and reggae.
[1]
Ska combined elements
of Caribbean mento and calypso with American jazz and rhythm and blues. It is
characterized by a walking bass line accented with rhythms on theupbeat. In the
early 1960s, ska was the dominant music genre of Jamaica and was popular
with British mods. Later it became popular with many skinheads.[2][3][4][5].

Music historians typically divide the history of ska into three periods: the original
Jamaican scene of the 1960s (First Wave), the English 2 Tone ska revival of the
late 1970s (Second Wave) and the third wave ska movement, which started in
the 1980s (Third Wave) and rose to popularity in the US in the 1990s.[6]

Contents
[hide]

• 1 Etymology
• 2 History
o 2.1 2 Tone
o 2.2 Third wave
• 3 Footnotes
• 4 Further reading
• 5 See also

• 6 External links
[edit]Etymology

There are different theories about the origins of the word ska. Ernest
Ranglinclaimed that the term was coined by musicians to refer to the "skat! skat!
skat!" scratching guitar strum.[7] Another explanation is that at a recording session
in 1959 produced by Coxsone Dodd, double bassist Cluett Johnson instructed

173
guitarist Ranglin to "play like ska, ska, ska", although Ranglin has denied this,
stating "Clue couldn't tell me what to play!"[8] A further theory is that it derives
from Johnson's wordskavoovie, with which he was known to greet his friends.
[9]
Jackie Mittoo insisted that the musicians themselves called the rhythm Staya
Staya, and that it was Byron Lee who introduced the term 'ska'.[10]

[edit]History

After World War II, Jamaicans purchased radios in increasing numbers and were
able to hear rhythm and blues music fromSouthern United States cities such
as New Orleans by artists such as Fats Domino[11] and Louis Jordan.[12] The
stationing of American military forces during and after the war meant that
Jamaicans could listen to military broadcasts of American music, and there was a
constant influx of records from the US. To meet the demand for that music,
entrepreneurs such as Prince Buster, Clement "Coxsone" Dodd, and Duke
Reid formed sound systems. As jump blues and more traditional R&B began to
ebb in popularity in the early 1960s, Jamaican artists began recording their own
version of the genres.[13] The style was of bars made up of four triplets, similar to
that of "My Baby Just Cares for Me" by Nina Simone, but was characterized by a
guitar chop on theoff beat - known as an upstroke or skank - with horns taking
the lead and often following the off beat skank and piano emphasizing the bass
line and, again, playing the skank.[1] Drums kept 4/4 time and the bass drum was
accented on the 3rd beat of each 4-triplet phrase. The snare would play side
stick and accent the third beat of each 4-triplet phrase.[1] The upstroke sound can
also be found in other Caribbean forms of music, such as mento and calypso.[14]

Music of Jamaica

Kumina - Niyabinghi - Mento - Ska -

Rocksteady - Reggae - Sound systems - Lovers
rock - Dub - Dancehall - Dub
poetry - Toasting -Raggamuffin - Roots
reggae - Reggae fusion

Anglophone Caribbean music

Anguilla - Antigua and Barbuda - Bahamas -
Barbados - Bermuda - Caymans - Grenada -

174
 Jamaica - Montserrat - St. Kitts and Nevis - St.
Vincent and the Grenadines - Trinidad and
Tobago - Turks and Caicos - Virgin Islands
Other Caribbean music
Aruba and the Dutch Antilles - Cuba -
Dominica - Dominican Republic - Haiti -
Hawaii - Martinique and Guadeloupe - Puerto
Rico - St. Lucia - United States - United
Kingdom

One theory about the origin of ska is that Prince Buster created it during the
inaugural recording session for his new record label Wild Bells.[14] The session
was financed by Duke Reid, who was supposed to get half of the songs to
release. However, he only received one, which was by trombonist Rico
Rodriguez.[citation needed] Among the pieces recorded were "They Got to Go", "Oh
Carolina" and "Shake a Leg".[citation needed] According to reggae historian Steve
Barrow, during the sessions, Prince Buster told guitarist Jah Jerry to "change
gear, man, change gear."[citation needed] The guitar began emphasizing the second
and fourth beats in the bar, giving rise to the new sound. The drums were taken
from traditional Jamaican drumming and marching styles. To create the ska beat,
Prince Buster essentially flipped the R&B shuffle beat, stressing the offbeats with
the help of the guitar.

The first ska recordings were created at facilities such as Studio One and WIRL
Records in Kingston, Jamaica with producers such as Dodd, Reid, Prince Buster,
and Edward Seaga.[14] The ska sound coincided with the celebratory feelings
surrounding Jamaica's independence from the UK in 1962; an event
commemorated by songs such as Derrick Morgan's "Forward March" and The
Skatalites' "Freedom Sound." Because the newly-independent Jamaica didn't
ratify the Berne Convention for the Protection of Literary and Artistic Works until
1994 copyright was not an issue, which created a large number of cover songs
and reinterpretations. Jamaican musicians such as The Skatalites often recorded
instrumental ska versions of popular American and British music, such
as Beatles songs, Motown and Atlantic soul hits, movie theme songs, or surf
rockinstrumentals. Bob Marley's band The Wailers covered the Beatles' "And I
Love Her", and radically reinterpreted Bob Dylan's "Like a Rolling Stone".

175
Byron Lee & the Dragonaires performed ska with Prince Buster, Eric "Monty"
Morris, and Jimmy Cliff at the 1964 New York World's Fair. As music changed in
the United States, so did ska. In 1965 and 1966, when American soul music
became slower and smoother, ska changed its sound accordingly and evolved
into rocksteady.[14][15] However, rocksteady's heyday was brief, peaking in 1967.
By 1968, ska evolved again into reggae.

[edit]2 Tone
Main article: 2 Tone
The 2 Tone genre, which began in the late 1970s in the areas in and around the
city of Coventry in England, was a fusion of Jamaican ska rhythms and melodies
with punk rock's more aggressive guitar chords and lyrics.[15] Compared to 1960s
ska, 2 Tone music had faster tempos, fuller instrumentation and a harder edge.
The genre was named after 2 Tone Records, a record label founded by Jerry
Dammers of The Specials.

Although 2 Tone bands were respectful to the original Jamaican ska artists, The
Specials failed to credit musicians such asPrince Buster as the composer of
music on their 1979 debut vinyl release. In many cases, the reworking of classic
ska songs turned the originals into hits again in the United Kingdom.

The 2 Tone movement promoted racial unity at a time when racial tensions were
high in the UK. There were many Specials songs that raised awareness of the
issues of racism, fighting and friendship issues. Riots in British cities were a
feature during the summer that The Specials song "Ghost Town" was a hit,
although this work was in a slower, Reggae beat. Most of the 2 Tone bands had
multiracial lineups, such as The Beat (known as English Beat in North
America and the British Beat inAustralia), The Specials, and The Selecter.
[1]
Although only on the 2 Tone label for one single, Madness were one of the
most effective bands at bringing the 2 Tone genre into the mainstream.

[edit]Third wave
See also: Ska punk
In the early 1980s, bands influenced by the 2 Tone ska revival started forming in
the United States and other countries.[15] This revival included post-punk ska
bands such as Fishbone and The Uptones on the West Coast, and The
Toasters and Mighty Mighty Bosstones on the East Coast.[6] Many third wave ska

176
bands played ska punk, which is characterized by brass instruments, a heavily-
accented offbeat, and usually a much faster, punk rock-inspired tempo (though
the R&B influences are played down).[15] Some third wave bands played ska-
core, which blends ska with hardcore punk. However, several third wave ska
bands played in a more traditional 1960s-influenced style.

On the East Coast, the first well-known ska revival band was The Toasters, who
played in a 2 Tone-influenced style and helped pave the way for the third wave
ska movement. In 1981, The Toasters' frontman Robert "Bucket"
Hingley created Moon Ska Records, which became the biggest American ska
record label.

The Uptones jump-started the Bay Area California ska scene in 1981 when the
band, consisting of Berkeley High School students, went on to play sold-out
shows throughout the San Francisco Bay Area for seven years.[16] Their 1984
self-titled record was released on Howie Klein's 415 label. The Uptones' punk-
influenced ska has been cited as inspiring California bandsOperation Ivy, Rancid,
and Sublime.[17][18][19][20] In 2002 The Uptones reformed and continue to record and
play live shows on the west coast.

Orange County, California had one of the biggest and most influential third wave
ska scenes, which originated in the early 1990s. For about a decade, Orange
County was the starting point for many successful third wave ska bands. Some of
these ska bands had a great deal of commercial success, albeit short-lived. The
Hippos and Save Ferris enjoyed commercial success with the albums Heads Are
Gonna Roll and It Means Everything, respectively. Both acts were featured in
several major motion picture soundtracks during the 1990s. The Aquabats have
remained one of the few original Orange County ska bands who still play today.
[21][22]
However, the band generally doesn't play in a ska style in their most recent
release, Charge!!. The same applies toGoldfinger, who, despite once being an
active forerunner in the scene, dropped the ska sound in 2001.

In the early 1990s, the Ska Parade radio show helped popularize the term third
wave ska and promoted many Southern California ska-influenced bands, such
as Sublime, No Doubt, Reel Big Fish, and Let's Go Bowling.[23] In 1993, the ska-
core band The Mighty Mighty Bosstones signed with Mercury Records and
appeared in the film Clueless, with their first mainstream hit "Where'd You Go?"
Around this time, many ska-influenced songs became hits on mainstream radio,

177
including "Spiderwebs" byNo Doubt, "Sell Out" by Reel Big Fish (which reached
#10 in the Billboard Modern Rock charts in 1997) and "The Impression That I
Get" by The Mighty Mighty Bosstones.

In 1994, Matt Collyer of The Planet Smashers' founded the third wave ska
label Stomp Records. In 1996, Mike Park of Skankin' Pickle founded Asian Man
Records, which was the biggest west coast United States third wave ska label.
[citation needed]
Also in 1996, the band Less Than Jake started the record label Fueled
by Ramen, which featured many lesser known third wave ska bands, and later
became the home of successful pop-punk bands like Fall Out Boy. In 1997, Brett
Gurewitz (of Bad Religion andEpitaph Records fame) and Tim
Armstrong founded Hellcat Records, which mostly featured punk bands, but also
featured several ska and ska punk acts.

By the late 1990s, mainstream interest in third wave ska bands waned as other
music genres gained momentum.[24] Moon Ska Records folded in 2000, but Moon
Ska Europe, a licensed affiliate based in Europe, continued operating in the
2000s, and was later relaunched as Moon Ska World. In 2003, Hingley launched
a new ska record label, Megalith Records.

Reggae
From Wikipedia, the free encyclopedia

Reggae

Stylistic R&B • Jazz • Blues • Mento •Calypso • Ska • Rocksteady •Soul

origins

Cultural Late 1960s Jamaica, especiallyKingston

origins

Typical Bass - Drums - Guitar - Organ -Brass instrument - Melodica

instruments

178
 Mainstream Early 1970s onward, varied
popularity

Derivative Dancehall - Dub - Hip hop

forms

Subgenres

Roots reggae • Lovers rock •Reggae en Español

(complete list)

Fusion genres

Reggaeton • Reggae fusion • Seggae • 2 Tone •Samba reggae

Regional scenes

Africa - Australia - Japan - New Zealand -

Nigeria - Panama - Philippines - Poland

Other topics

Music of Jamaica - List of reggae musicians

Reggae is a music genre first developed in Jamaica in the late 1960s. While
sometimes used in a broader sense to refer to most types of Jamaican music,
the term reggae more properly denotes a particular music style that originated
following on the development of ska and rocksteady.

Reggae is based on a rhythmic style characterized by accents on the off-beat,

known as the skank. Reggae is normally slower than ska but faster than
rocksteady. Reggae usually accents the second and fourth beat in each bar, with
the rhythm guitar also either emphasising the third beat or holding the chord on
the second beat until the fourth is played. It is mainly this "third beat", its speed
and the use of complex bass lines that differentiated reggae from rocksteady,
although later styles incorporated these innovations separately.

179
 Contents
[hide]

• 1 Etymology
• 2 Precursors
• 3 History
• 4 Musical characteristics
o 4.1 Drums and other percussion
o 4.2 Bass
o 4.3 Guitars
o 4.4 Keyboards
o 4.5 Horns
o 4.6 Vocals
 4.6.1 Lyrical themes
 4.6.1.1 Criticism of dancehall and ragga lyrics
• 5 Subgenres
o 5.1 Early reggae
o 5.2 Roots reggae
o 5.3 Dub
o 5.4 Rockers
o 5.5 Lovers rock
o 5.6 Newer styles and spin-offs
 5.6.1 Hip hop and rap
 5.6.2 Dancehall
 5.6.3 Raggamuffin
 5.6.4 Reggaeton
 5.6.5 Reggae fusion
• 6 Reggae outside the Caribbean
o 6.1 Americas
o 6.2 Europe
o 6.3 Africa
o 6.4 Asia
o 6.5 Australasia

180
 • 7 Footnotes
• 8 Bibliography
• 9 See also

• 10 External links
[edit]Etymology

The 1967 edition of the Dictionary of Jamaican English lists reggae as "a recently
estab. sp. for rege", as in rege-rege, a word that can mean either "rags, ragged
clothing" or "a quarrel, a row".[1] Reggae as a musical term first appeared in print
with the 1968 rocksteady hit "Do the Reggay" by The Maytals, but it was already
being used in Kingston, Jamaica as the name of a slower dance and style of
rocksteady.[2] Reggae artist Derrick Morgan stated:

We didn't like the name rock steady, so I tried a different version of "Fat Man". It
changed the beat again, it used the organ to creep. Bunny Lee, the producer,
liked that. He created the sound with the organ and the rhythm guitar. It sounded
like 'reggae, reggae' and that name just took off. Bunny Lee started using the
world [sic] and soon all the musicians were saying 'reggae, reggae, reggae'.[2]

Reggae historian Steve Barrow credits Clancy Eccles with altering the Jamaican
patois word streggae (loose woman) intoreggae.[2] However, Toots Hibbert said:

There's a word we used to use in Jamaica called 'streggae'. If a girl is walking

and the guys look at her and say 'Man, she's streggae' it means she don't dress
well, she look raggedy. The girls would say that about the men too. This one
morning me and my two friends were playing and I said, 'OK man, let's do the
reggay.' It was just something that came out of my mouth. So we just start
singing 'Do the reggay, do the reggay' and created a beat. People tell me later
that we had given the sound its name. Before that people had called it blue-beat
and all kind of other things. Now it's in the Guinness World of Records.[3]

Bob Marley is said to have claimed that the word reggae came from a Spanish
term for "the king's music".[4] The liner notes ofTo the King, a compilation of
Christian gospel reggae, suggest that the word reggae was derived from the
Latin regi meaning "to the king".

[edit]Precursors

181
 Music of Jamaica

Kumina - Niyabinghi - Mento - Ska -

Rocksteady - Reggae - Sound systems - Lovers
rock - Dub - Dancehall - Dub
poetry - Toasting -Raggamuffin - Roots
reggae - Reggae fusion

Anglophone Caribbean music

Anguilla - Antigua and Barbuda - Bahamas -
Barbados - Bermuda - Caymans - Grenada -
Jamaica - Montserrat - St. Kitts and Nevis - St.
Vincent and the Grenadines - Trinidad and
Tobago - Turks and Caicos - Virgin Islands
Other Caribbean music
Aruba and the Dutch Antilles - Cuba -
Dominica - Dominican Republic - Haiti -
Hawaii - Martinique and Guadeloupe - Puerto
Rico - St. Lucia - United States - United
Kingdom

Although strongly influenced by traditional African, American jazz and old-

timerhythm and blues, reggae owes its direct origins to the progressive
development ofska and rocksteady in 1960s Jamaica. One of the main
individuals who progressed this genre was Count Ossie.[5][6]

Ska arose in the studios of Jamaica around 1959; it developed from the
earlier mentogenre.[2] Ska is characterized by a walking bass line, accentuated
guitar or piano rhythms on the offbeat, and sometimes jazz-like horn riffs. In
addition to being massively popular with the Jamaican rude boy subculture, it had
gained a large following among Mods in Britain by 1964.

Rude boys began deliberately playing their ska records at half speed, preferring
to dance slower as part of their tough image.[2] By the mid-1960s, many
musicians had begun playing the tempo of ska slower, while emphasizing the
walking bass and offbeats. The slower sound was named rocksteady, after a
single by Alton Ellis. This phase of Jamaican music lasted only until 1968, when
musicians began to speed up the tempo of the music again, and added yet more
effects.[7] This led to the creation of reggae.

182
[edit]History

Bob Marley in 1980.

Reggae developed from rocksteady music in the 1960s. The shift from
rocksteady to reggae was illustrated by the organ shuffle, which was pioneered
by Bunny Lee and was featured in the transitional singles "Say What You're
Saying" (1967) by Clancy Eccles, and "People Funny Boy" (1968) by Lee
"Scratch" Perry. The Pioneers' 1967 track "Long Shot Bus' Me Bet" has been
identified as the earliest recorded example of the new rhythm sound that became
known as reggae.[8]

Early 1968 was when the first genuine reggae records were released: "Nanny
Goat" by Larry Marshall and "No More Heartaches" by The Beltones. American
artistJohnny Nash's 1968 hit "Hold Me Tight" has been credited with first putting
reggae in the American listener charts.[9]. Around that time, reggae influences
were starting to surface in rock music. An example of a rock song featuring
reggae rhythm is 1968's "Ob-La-Di , Ob-La-Da." by The Beatles.[10]

The Wailers, a band started by Bob Marley, Peter Tosh and Bunny Wailer in
1963, are perhaps the most recognised band that made the transition through all
three stages of early Jamaican popular music: ska, rocksteady and reggae.
Other significant reggae pioneers include Prince Buster,Desmond
Dekker and Jackie Mittoo.

Notable Jamaican producers who were influential in the development of ska into
rocksteady and reggae include: Coxsone Dodd,Lee "Scratch" Perry, Leslie
Kong, Duke Reid, Joe Gibbs and King Tubby. Chris Blackwell, who
founded Island Records in Jamaica in 1960, relocated to England in 1962, where
he continued to promote Jamaican music. He formed a partnership withTrojan

183
Records, founded by Lee Gopthal in 1968. Trojan released recordings by reggae
artists in the UK until 1974, when Saga bought the label.

The 1972 film The Harder They Come, starring Jimmy Cliff, generated
considerable interest and popularity for reggae in the United States, and Eric
Clapton's 1974 cover of the Bob Marley song "I Shot the Sheriff" helped bring
reggae into the mainstream.[2] By the mid 1970s, reggae was getting radio play in
the UK on John Peel's radio show, and Peel continued to play reggae on his
show throughout his career. What is called the "Golden Age of Reggae"
corresponds roughly to the heyday ofroots reggae.

In the second half of the 1970s, the UK punk rock scene was starting to form,
and reggae was a notable influence. Some punk DJs played reggae songs
during their sets and some punk bands incorporated reggae influences into their
music. At the same time, reggae began to enjoy a revival in the UK that
continued into the 1980s, exemplified by groups like Steel Pulse, Aswad,UB40,
and Musical Youth. Other reggae artists who enjoyed international appeal in the
early 1980s include Third World, Black Uhuru and Sugar Minott. The Grammy
Awards introduced the Best Reggae Album category in 1985.

[edit]Musical characteristics

Reggae is either played in 4/4 time or swing time, because the symmetrical
rhythmic pattern does not lend itself to other time signatures such as 3/4 time.
Harmonically, the music is often very simple, and sometimes a whole song will
have no more than one or two chords. These simple repetitive chord structures
add to reggae's sometimes hypnotic effects.

[edit]Drums and other percussion

A standard drum kit with is generally used in reggae, but the snare drum is often
tuned very high to give it a timbale-type sound. Some reggae drummers use an
additional timbale or high-tuned snare to get this sound. Cross stick technique on
the snare drum is commonly used, and tom-tom drums are often incorporated
into the drumbeat itself.

Reggae drumbeats fall into three main categories: One

drop, Rockers and Steppers. With the One drop, the emphasis is entirely on the
third beat of the bar (usually on the snare, or as a rim shot combined with bass
drum). Beat one is completely empty, which is unusual in popular music. There is

184
some controversy about whether reggae should be counted so that this beat falls
on three, or whether it should be counted half as fast, so it falls on two and four.
Leroy "Horsemouth" Wallace calls the beat the "two-four combination".[citation
needed]
Many credit Carlton Barrett of The Wailers as the creator of this style,
although it may actually have been invented by Winston Grennan. Hugh Malcolm
and Joe Isaacs were also active Kingston studio drummers at the time. An
example played by Barrett can be heard in the Bob Marley and the Wailers song
"One Drop". Barrett often used an unusual triplet cross-rhythm on the hi-hat,
which can be heard on many recordings by Bob Marley and the Wailers, such as
"Running Away" on the Kaya album.

Sly Dunbar
An emphasis on beat three is in all reggae drumbeats, but with the Rockers beat,
the emphasis is also on beat one (usually on bass drum). This beat was
pioneered by Sly and Robbie, who later helped create the "Rub-a-Dub" sound
that greatly influenced dancehall. The prototypical example of the style is found
in Sly Dunbar's drumming on "Right Time" by the Mighty Diamonds.
The Rockers beat is not always straightforward, and various syncopations are
often included. An example of this is theBlack Uhuru song "Sponji Reggae."

In Steppers, the bass drum plays four solid beats to the bar, giving the beat an
insistent drive. An example is "Exodus" by Bob Marley and the Wailers. Another
common name for the Steppers beat is the "four on the floor." Burning Spear's
1975 song "Red, Gold, and Green" (with Leroy Wallace on drums) is one of the
earliest examples. The Steppers beat was adopted (at a much higher tempo) by
some 2 Tone ska revival bands of the late 1970s and early 1980s.

An unusual characteristic of reggae drumming is that the drum fills often do not
end with a climactic cymbal. A wide range of other percussion instrumentation is
used in reggae. Bongos are often used to play free, improvised patterns, with

185
heavy use of African-style cross-rhythms. Cowbells, claves and shakers tend to
have more defined roles and a set pattern.

[edit]Bass

Robbie Shakespeare
The bass guitar often plays a very dominant role in reggae, and the drum and
bass is often called the riddim (rhythm). Several reggae singers have released
different songs recorded over the same riddim. The central role of the bass can
be particularly heard in dub music — which gives an even bigger role to the drum
and bass line, reducing the vocals and other instruments to peripheral roles. The
bass sound in reggae is thick and heavy, and equalized so the upper frequencies
are removed and the lower frequencies emphasized. The bass line is often a
simple two-bar riff that is centered around its thickest and heaviest note.

[edit]Guitars
The guitar in reggae usually plays the chords on beats two and four, a musical
figure known as skank or the 'bang'. It has a very dampened, short and scratchy
chop sound, almost like a percussion instrument. Sometimes a double chop is
used when the guitar still plays the off beats, but also plays the following 8th
beats on the up-stroke. An example is the intro to "Stir It Up" by The Wailers.
Artist and producerDerrick Harriott says, “What happened was the musical thing

186
was real widespread, but only among a certain sort of people. It was always a
down-town thing, but more than just hearing the music. The equipment was so
powerful and the vibe so strong that we feel it.” [11]

[edit]Keyboards
From the late 1960s through to the early 1980s, a piano was generally used in
reggae to double the rhythm guitar's skank, playing the chords in a staccato style
to add body, and playing occasional extra beats, runs and riffs. The piano part
was widely taken over by synthesizers during the 1980s, although synthesizers
have been used in a peripheral role since the 1970s to play incidental melodies
and countermelodies. Larger bands may include either an additional keyboardist,
to cover or replace horn andmelody lines, or the main keyboardist filling these
roles on two or more keyboards.

The reggae-organ shuffle is unique to reggae. Typically, a Hammond organ-style

sound is used to play chords with a choppy feel. This is known as the bubble.
There are specific drawbar settings used on a Hammond console to get the
correct sound. This may be the most difficult reggae keyboard rhythm. The 8th
beats are played with a space-left-right-left-space-left-right-left pattern, where the
spaces represent downbeats not played—that is the left-right-left falls on the ee-
and-a.

[edit]Horns
Horn sections are frequently used in reggae, often playing introductions and
counter-melodies. Instruments included in a typical reggae horn section include
saxophone, trumpet or trombone. In more recent times, real horns are
sometimes replaced in reggae by synthesizers or recorded samples. The horn
section is often arranged around the first horn, playing a simple melody or
counter melody. The first horn is usually accompanied by the second horn
playing the same melodic phrase in unision, one octave higher. The third horn
usually plays the melody an octave and a fifth higher than the first horn. The
horns are generally played fairly softly, usually resulting in a soothing sound.
However, sometimes punchier, louder phrases are played for a more up-tempo
and aggressive sound.

[edit]Vocals

187
UB40's former frontman Ali Campbellperforming in 2009.
The vocals in reggae are less of a defining characteristic of the genre than the
instrumentation and rhythm, as almost any song can be performed in a reggae
style. However, it is very common for reggae to be sung in Jamaican
Patois,Jamaican English, and Iyaric dialects. Vocal harmony parts are often
used, either throughout the melody (as with bands such as the Mighty
Diamonds), or as a counterpoint to the main vocal line (as with the backing
group I-Threes). The Britishreggae band Steel Pulse used particularly complex
backing vocals. An unusual aspect of reggae singing is that many singers
use tremolo (volume oscillation) rather than vibrato (pitch oscillation). Notable
exponents of this technique include Dennis Brown and Horace Andy.
The toasting vocal style is unique to reggae, originating when DJs improvised
along to dub tracks, and it is generally considered to be a precursor to rap. It
differs from rap mainly in that it is generally melodic, while rap is generally more
a spoken form without melodic content.

[edit]Lyrical themes
Reggae is noted for its tradition of social criticism in its lyrics, although many
reggae songs discuss lighter, more personal subjects, such as love and
socializing. Many early reggae bands covered Motown or Atlantic soul

188
and funk songs. Some reggae lyrics attempt to raise the political consciousness
of the audience, such as by criticizing materialism, or by informing the listener
about controversial subjects such as Apartheid. Many reggae songs promote the
use of cannabis (also known asherb, ganja, or sensimilia), considered a
sacrament in the Rastafari movement. There are many artists who utilize
religious themes in their music — whether it be discussing a specific religious
topic, or simply giving praise to God (Jah). Other common socio-political topics in
reggae songs include black nationalism, anti-racism, anti-colonialism, anti-
capitalism and criticism of political systems and "Babylon".

[edit]Criticism of dancehall and ragga lyrics

See also: Stop Murder Music
Some dancehall and ragga artists have been criticised for homophobia[12][13],
including threats of violence.[14] Buju Banton's song "Boom Bye-Bye" states that
gays "haffi dead". Other notable dancehall artists who have been accused of
homophobia include Elephant Man, Bounty Killer and Beenie Man. The
controversy surrounding anti-gay lyrics has led to the cancellation of UK tours by
Beenie Man and Sizzla. Toronto, Canada has also seen the cancellation of
concerts due to artists such as Elephant Man and Sizzla refusing to conform to
similar censorship pressures.[15][16]

After lobbying from the Stop Murder Music coalition, the dancehall music industry
agreed in 2005 to stop releasing songs that promote hatred and violence against
gay people.[17][18] In June 2007, Beenie Man, Sizzla and Capleton signed up to the
Reggae Compassionate Act, in a deal brokered with top dancehall promoters
and Stop Murder Music activists. They renounced homophobia and agreed to
"not make statements or perform songs that incite hatred or violence against
anyone from any community". Five artists targeted by the anti-homophobia
campaign did not sign up to the act, including Elephant Man, TOK, Bounty
Killa, Vybz Kartel and Buju Banton.[19]

[edit]Subgenres

189
Peter Tosh performing with his band in 1978.
Main article: Reggae genres
[edit]Early reggae
Early reggae, sometimes dubbed "skinhead reggae" due to its popularity among
the working class subculture in the UK, started in the late 1960s, as the influence
of funk music from American labels such as Stax began to permeate the playing
of studio musicians. The characteristic defining early reggae from rock steady is
the "bubbling" organ, a percussive style of playing that brought to closer light the
eighth-note subdivision within the groove. The guitar "skanks" on the second and
fourth note of the bar were more frequently doubled up in recording studios using
electronic tape echo effects, thus complementing the double-time feel of the
organ bubble. Overall more emphasis was on the groove of the music; the
growing trend of recording a "version" on the B-side of a single produced
countless instrumentals led by a horn or organ.

Major skinhead reggae artists include John Holt, Toots & the Maytals, The
Pioneers and Symarip. Cover versions of Motown,Stax and Atlantic
Records soul songs were common in skinhead reggae, reflecting the popularity
of soul music with skinheads and Mods.

[edit]Roots reggae
Main article: Roots reggae
Roots reggae is a spiritual type of music whose lyrics are predominantly in praise
of Jah (God). Recurrent lyrical themes includepoverty and resistance to
government and racial oppression. Many of Bob Marley's and Peter Tosh's songs
can be called roots reggae. The creative pinnacle of roots reggae was in the late
1970s[citation needed] with singers such as Burning Spear, Gregory Isaacs, Freddie
McGregor, Johnny Clarke, Horace Andy, Ijahman Levi, Barrington Levy, Big

190
Youth, and Linval Thompson, and bands like Culture, Israel Vibration, the
Meditations, and Misty in Roots, teaming up with various studio producers
including Lee 'Scratch' Perry and Coxsone Dodd. Musically, on the song "Roots,
Rock, Reggae" Marley devised a new style of "off beat" music where a bar of six
beats is played, with the guitar skanking on the fourth and sixth beat. Although
entirely separate from the beats of ska, rock steady, reggae, skank, flyers,
rockers and all later styles, this unique beat seems to have been so closely
associated with Marley that few others adopted it.

[edit]Dub
Main article: Dub music
Dub is a genre of reggae that was pioneered in the early days by studio
producers Lee 'Scratch' Perry and King Tubby. It involves extensive remixing of
recorded material, and particular emphasis is placed on the drum and bass line.
The techniques used resulted in an even more visceral feel described by King
Tubby as sounding "jus’ like a volcano in yuh head." Augustus Pabloand Mikey
Dread were two of the early notable proponents of this music style, which
continues today.

[edit]Rockers
The rockers style was created in the mid-1970s by Sly & Robbie. Rockers is
described as a flowing, mechanical, and aggressive style of playing reggae.
[20]
One article calls the rockers era the "Golden Age of Reggae".[21]

[edit]Lovers rock
Main article: Lovers rock
The lovers rock subgenre originated in South London in the mid-1970s. The
lyrics are usually about love. It is similar to rhythm and blues. Notable lovers rock
artists include: Gregory Isaacs, Freddy McGregor, Dennis Brown, Maxi
Priest and Beres Hammond.

[edit]Newer styles and spin-offs

[edit]Hip hop and rap
Further information: Deejaying, Hip hop music and Rapping
Toasting is a style of chanting or talking over the record that was first used by
1960s Jamaican deejays such as U-Roy andDennis Alcapone. This style greatly

191
influenced Jamaican DJ Kool Herc, who used the style in New York City in the
late 1970s to pioneer the hip hop and rap genres. Mixing techniques employed
in dub music have also influenced hip hop.

[edit]Dancehall
Main article: Dancehall
The dancehall genre was developed around 1980, with exponents such
as Yellowman, Super Cat and Shabba Ranks. The style was characterized by
a deejay singing and rapping or toasting over raw and fast rhythms. Ragga (also
known as raggamuffin) and reggae fusion, are subgenres of dancehall where the
instrumentation primarily consists of electronic music and sampling.
Notable ragga originators include Shinehead and Buju Banton. In February 2009,
Dancehall with lyrical content "deemed explicitly sexual and violent" was banned
from the airwaves by the Broadcasting Commission of Jamaica.[22][23]

[edit]Raggamuffin
Main article: Ragga
Raggamuffin, usually abbreviated as ragga, is a sub-genre of reggae that is
closely related to dancehall and dub. The term raggamuffin is an intentional
misspelling of ragamuffin, and the term raggamuffin music describes the music of
Jamaica's "ghetto youths". The instrumentation primarily consists of electronic
music. Sampling often serves a prominent role as well. As ragga matured, an
increasing number of dancehall artists began to appropriate stylistic elements
of hip hop music, while ragga music, in turn, influenced more and more hip hop
artists. Ragga is now mainly used as a synonym for dancehall reggae or for
describing dancehall with a deejay chatting rather than deejaying or singing on
top of the riddim.

[edit]Reggaeton
Main article: Reggaeton
Reggaeton is a form of urban music that first became popular with Latin
American youths in the early 1990s. Reggaeton's predecessor originated
in Panama as reggae en español. After the music's gradual exposure in Puerto
Rico, it eventually evolved into reggaeton.[24]. It blends West-Indian reggae
and dancehall with Latin American genres such
as bomba, plena, salsa,merengue, Latin pop, cumbia and bachata, as well as hip

192
hop, contemporary R&B and electronica. Modern reggaeton beats follow the
structure of the Dem Bow Riddim, a beat created by Jamaican producers Steely
& Clevie in the late 80s and early 90s.

[edit]Reggae fusion
Main article: Reggae fusion
Reggae fusion is a mixture of reggae or dancehall with elements of other genres,
such as hip-hop, R&B, jazz, rock, drum and bass, punk or polka.[25] Although
artists have been mixing reggae with other genres from as early as the early
1970s, it was not until the late 1990s when the term was coined.

[edit]Reggae outside the Caribbean

Reggae has spread to many countries across the world, often incorporating local
instruments and fusing with other genres.

[edit]Americas
Reggae en Español started in Panama in the mid 1970s and later expanded to
the rest of Latin America. It does not have any specific characteristics other than
being sung in Spanish, usually by artists of Latin American origin. By the end of
the 1980s, the local music scene in Hawaii was dominated by Jawaiian music, a
local form of Reggae. Samba reggae originated in Brazil as a blend
of Samba with Jamaican reggae.

[edit]Europe
Caribbean music in the United Kingdom, including reggae, has been popular
since the late 1960s, and has evolved into several subgenres and fusions. Since
the early 1990s, several Italian reggae bands have emerged, including Sud
Sound System, Pitura Freska, Almamegretta and B.R. Stylers. In
Sweden, Uppsala Reggae Festival attracts attendees from across Northern
Europe, and features Swedish reggae bands such as Rootvälta and Svenska
Akademien. The first homegrown Polish reggae bands started in the 1980s.
German reggae artist Gentleman rose to popularity with his album Confidence in
2004. Summerjam, Europe's biggest reggae festival, takes place
in Cologne, Germany.

[edit]Africa

193
Nigerian reggae developed in the 1970s. In South Africa, Lucky Dube recorded
25 albums, fusing reggae with Mbaqanga. Reggae in Cape Town is notable in
South Africa. In Ethiopia, Dub Collosus emerged in 2008 and has received wide
acclaim.[26][27] In Mali, Askia Modibo fuses reggae with Malian music, and is
described by Last FM as "the most significant African reggae musician to emerge
internationally within the past five years."[28] In Malawi, Black
Missionaries produced five albums. In Ivory Coast, Tiken Jah Fakoly fuses
reggae with traditional music. Alpha Blondy from Ivory Coast sings reggae with
Muslim lyrics.

[edit]Asia
In the Philippines, several bands and sound systems play reggae and dancehall
music in a style faithful to its expression in Jamaica. Their music is called Pinoy
reggae. Japanese reggae emerged in the early 1980s. Reggae is becoming
more prevalent in Thailand as well. Aside from the reggae music and Rastafarian
influences seen ever more on Thailand's islands and beaches, a true reggae
sub-culture is taking root in Thailand's cities and towns. Many Thai artists, such
as Job 2 Do, keep the tradition of reggae music and ideals alive in Thailand.

[edit]Australasia
Reggae in Australia originated in the 1980s. New Zealand reggae has seen
many bands emerging since 2000, often involving fusion with electronica.

[edit]Footnotes

12. ^ 1967 Dictionary of Jamaican English

13. ^ a b c d e f History of Jamaican Music 1953–1973
14. ^ Sturges, Fiona (2004) "Frederick "Toots" Hibbert: The reggae
king of Kingston", The Independent, 4 June 2004, retrieved 11 December
2009; cf. many similar statements by Hibbert in recent years. In earlier
interviews, Hibbert used to claim the derivation was from English 'regular',
in reference to the beat.
15. ^ Catch a Fire: The Life of Bob Marley, Timothy White, p. 16
16. ^ Cut 'N' Mix: Culture, Identity, and Caribbean Music By Dick
Hebdige
17. ^ Reggae routes: the story of Jamaican music By Kevin O'Brien
Chang, Wayne Chen

194
18. ^ Barrow, Steve & Dalton, Peter (1997) Reggae: The Rough Guide,
Rough Guides, ISBN 1-85828-247-0, p. 83
19. ^ "Shocks Of Mighty: An Upsetting Biography"
20. ^ "A brief summary of Jamaican music" - excerpted from A History
of Popular Music by Piero Scaruffi (2002)
21. ^ Reggae [Relation to Rock & Roll] Richie Unterberger All Music
Guide
22. ^ Bradley, Lloyd. This Is Reggae Music:The Story Of Jamaica's
Music. New York:Grove Press, 2001
23. ^ LOGOonline.com: NewNowNext Blog: Reggae Stars Sign On To
Cut Out Homophobic Lyrics
24. ^ Reggae Stars Renounce Homophobia, Condemn Anti-gay
Violence
25. ^ "The Most Homophobic Place on Earth?". Time. 2006-04-12.
26. ^ "Toronto - Reggae's Elephant Man nixed from Toronto concert"
27. ^ "Sizzla Refuses To ‘Bow’ – Toronto Show Cancelled"
28. ^ Flick, Larry, "Gay vs. reggae: the reggae music industry makes
changes in response to gay activists' protesting violently homophobic
lyrics. The artists have no comment", The Advocate, April 12, 2005
29. ^ "Sizzl - Reggae Industry to Ban Homophobia"
30. ^ "Reggae stars renounce homophobia - Beenie Man, Sizzla and
Capleton sign deal"
31. ^ Dick Hebdige, Cut 'n' Mix: Culture, Identity and Caribbean
Music p.67
32. ^ Reggae-Shack, Rockers - The Golden Age Of Reggae
33. ^ Wright, André (2009) "Slack song ban - Kartel's 'Rampin' Shop'
among explicit lyrics outlawed", Jamaica Gleaner, February 7, 2009,
retrieved 2010-01-31
34. ^ Richards, Peter (2009) "JAMAICA: Women Cheer Ban on
Sexually Degrading Song Lyrics", Inter Press Service, February 11, 2009,
retrieved 2010-01-31
35. ^ AskMen.com - "5 Things You Didn't Know About Reggaeton"
36. ^ Big D (2008-05-08). "Reggae Fusion". Reggae-Reviews.
Retrieved 2008-06-07.

195
 37. ^ Pitchfork media review of Ethiopia's Dub Collosus
38. ^ The Guardian's review of Dub Collosus
39. ^ Askia Modibo at Last FM

[edit]Bibliography

Rock music
From Wikipedia, the free encyclopedia

Rock music

Stylistic Rock and roll, electric blues,folk

origins music, country

Cultural 1950s and 1960s, United

origins Kingdom, United States

Typical Vocals, electric guitar, bass

instruments guitar, drums, synthesizer,keyboards

Mainstream Worldwide, since 1950s

popularity

Derivative New Age Music - Synthpop

forms

Subgenres

Alternative rock - Art rock - Beat music -

Britpop - Desert rock - Detroit rock - Emo -
Experimental rock - Garage rock - Glam rock -Group
Sounds - Grunge - Hard rock - Heartland
rock - Heavy metal - Instrumental rock - Indie
rock - Jangle pop - Krautrock - Madchester -Post-

196
 Britpop - Power pop - Progressive rock -
Protopunk - Psychedelia - Punk rock - Rock
noir- Soft rock - Southern rock - Surf - Symphonic
rock
(complete list)

Fusion genres

Aboriginal rock - Afro-rock - Anatolian rock -

Bhangra rock - Blues-rock - Country rock -Flamenco-
rock - Folk rock - Glam Punk - Indo-rock - Industrial
rock - Punk rock - Jazz fusion -Punta rock - Raga
rock - Raï rock - Rap rock -
Rockabilly - Rockoson - Samba-rock - Space
rock - Stoner rock - Sufi rock

Regional scenes

Argentina - Armenia - Australia - Belarus -Belgium -

Bosnia and Herzegovina - Brazil -
Canada - Chile - China - Cuba - Croatia -Denmark -
Dominican Republic - Estonia -
Finland - France - Greece - Germany - Hungary- Icel
and - India - Indonesia - Ireland - Israel -Italy - Japan
- Spanish-speaking
world - Latvia- Lithuania - Malaysia - Mexico - Nepa
l - New Zealand - Norway - Pakistan - Peru -
Philippines - Poland - Portugal - Russia - Serbia- Slov
enia - Spain - Sweden - Switzerland -Tatar - Thailand
- Turkey - Ukraine - United Kingdom - United
States - Uruguay - SFR Yugoslavia - Zambia

Other topics

Backbeat - Rock opera - Rock band -

197
 Performers - Hall of Fame - Social impact - List of
rock music terms

Rock music is a genre of popular music that entered the mainstream in the
1950s. It has its roots in 1940s and 1950s rock and roll, rhythm and
blues, country musicand also drew on folk music, jazz and classical music. The
sound of rock often revolves around the electric guitar, a back beat laid down by
a rhythm section of electric bass guitar, drums, and keyboard instruments such
as Hammond organ,piano, or, since the 1970s, synthesizers. Along with the
guitar or keyboards,saxophone and blues-style harmonica are sometimes used
as soloing instruments. In its "purest form", it "has three chords, a strong,
insistent back beat, and a catchy melody."[1]

In the late 1960s and early 1970s, rock music developed different subgenres.
When it was blended with folk music it created folk rock, with blues to
create blues-rockand with jazz, to create jazz-rock fusion. In the 1970s, rock
incorporated influences from soul, funk, and Latin music. Also in the 1970s, rock
developed a number of subgenres, such as soft rock, glam rock, heavy
metal, hard rock, progressive rock, and punk rock. Rock subgenres that emerged
in the 1980s included new wave,hardcore punk and alternative rock. In the
1990s, rock subgenres included grunge,Britpop, indie rock, and nu metal.

A group of musicians specializing in rock music is called a rock band or rock

group. Many rock groups consist of an electric guitarist, lead singer, bass
guitarist, and a drummer, forming a quartet. Some groups omit one or more of
these roles or utilize a lead singer who plays an instrument while singing,
sometimes forming a trioor duo; others include additional musicians such as one
or two rhythm guitarists or a keyboardist. Rock bands from some genres,
particularly those related to rock's foundations in rock and roll, include a
saxophone. More rarely, groups also utilize bowed stringed instruments such
as violins or cellos, and brass instruments such as trumpets or trombones.

More recently the term rock has been used as a blanket term including forms
such as pop music, reggae music, soul music, and sometimes even hip hop, with
which it has often been contrasted through much of its history.[2]

Contents
[hide]

198
• 1 History
o 1.1 Background (1950s-early 1960s)
 1.1.1 Rock and roll
 1.1.2 The "in-between years"
 1.1.3 Surf music
o 1.2 Golden Age (1963-1974)
 1.2.1 The British Invasion
 1.2.2 Garage rock
 1.2.3 Pop rock
 1.2.4 Blues-rock
 1.2.5 Folk rock
 1.2.6 Psychedelic rock
 1.2.7 Roots rock
 1.2.8 Progressive rock
 1.2.9 Glam rock
 1.2.10 Soft rock, hard rock and early heavy metal
 1.2.11 Christian rock
o 1.3 Punk and its aftermath (mid-1970s to the 1980s)
 1.3.1 Punk rock
 1.3.2 New wave
 1.3.3 Post-punk
 1.3.4 New waves and genres in heavy metal
 1.3.5 Heartland rock
 1.3.6 The emergence of alternative rock
o 1.4 Alternative goes mainstream (the 1990s)
 1.4.1 Grunge
 1.4.2 Britpop
 1.4.3 Post-grunge
 1.4.4 Pop punk
 1.4.5 Indie rock
 1.4.6 Alternative metal, rap rock and nu metal
 1.4.7 Post-Britpop

199
 o 1.5 The new millennium (the 2000s)
 1.5.1 Emo
 1.5.2 Garage rock/Post-punk revival
 1.5.3 Metalcore and contemporary heavy metal
 1.5.4 Digital electronic rock
• 2 Social impact
• 3 See also
• 4 Notes

• 5 External links
[edit]History

[edit]Background (1950s-early 1960s)

[edit]Rock and roll
Main article: Rock and roll

Elvis Presley
The foundations of rock music are in rock and roll, which originated in the United
States during the late 1940s and early 1950s, and quickly spread to much of the
rest of the world. Its immediate origins lay in a mixing together of various black
musical genres of the time, including rhythm and blues and gospel music; in
addition to country and western.[3] In 1951, Cleveland, Ohio disc jockey Alan
Freed began playing rhythm and blues music for a multi-racial audience, and is
credited with first using the phrase "rock and roll" to describe the music.[4]

200
There is much debate as to what should be considered the first rock and roll
record. One leading contender is "Rocket 88" by Jackie Brenston and his Delta
Cats (in fact, Ike Turner and his band The Kings of Rhythm), recorded by Sam
Phillips for Sun Records in 1951.[5] Four years later, Bill Haley's "Rock Around the
Clock" (1955) became the first rock and roll song to top Billboard magazine's
main sales and airplay charts, and opened the door worldwide for this new wave
of popular culture.[6]

Rolling Stone magazine argued in 2004 that "That's All Right (Mama)"
(1954), Elvis Presley's first single for Sun Records in Memphis, was the first rock
and roll record[7], but, at the same time, Big Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll",
later covered by Haley, was already at the top of the Billboard R&B charts. Other
artists with early rock and roll hits included Chuck Berry, Bo Diddley,Fats
Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis, and Gene Vincent.[5] Soon rock and roll
was the major force in American record sales and crooners, such as Eddie
Fisher, Perry Como, and Patti Page, who had dominated the previous decade of
popular music, found their access to the pop charts significantly curtailed.[8]

Rock and roll has been seen as leading to a number of distinct sub-genres,
including rockabilly, combining rock and roll with "hillbilly" country music, which
was usually played and recorded in the mid-1950s by white singers such as Carl
Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly and with the greatest commercial success,
Elvis Presley.[9] In contrast doo wop placed an emphasis on multi-part vocal
harmonies and meaningless backing lyrics (from which the genre later gained its
name), which were usually supported with light instrumentation and had its
origins in 1930s and 40s African American vocal groups.[10] Acts like The
Crows,The Penguins, The El Dorados and The Turbans all scored major hits,
and groups like The Platters, with songs including "The Great Pretender" (1955),
and The Coasters with humorous songs like "Yakety Yak" (1958), ranked among
the most successful rock and roll acts of the period.[11] The era also saw the
growth in popularity of the electric guitar, and the development of a specifically
rock and roll style of playing through such exponents as Chuck Berry, Link Wray,
and Scotty Moore.[12]

"Walked that
Lonesome Valley"

201
 Performed by the
famous Million
Dollar Quartet during
the Sun Session Date
recorded - December
4, 1956

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In the United Kingdom, the trad jazz and folk movements brought visitingblues
music artists to Britain.[13] Lonnie Donegan's 1955 hit "Rock Island Line" was a
major influence and helped to develop the trend of skiffle music groups
throughout the country, many of which, including John Lennon's The Quarrymen,
moved on to play rock and roll.[14]

Commentators have traditionally perceived a decline of rock and roll in the late
1950s and early 1960s. By 1959, the death of Buddy Holly, The Big
Bopper and Richie Valens in a plane crash, the departure of Elvis for the army,
the retirement of Little Richard to become a preacher, prosecutions of Jerry Lee
Lewis and Chuck Berry and the breaking of the payola scandal (which implicated
major figures, including Alan Freed, in bribery and corruption in promoting
individual acts or songs), gave a sense that the initial rock and roll era had come
to an end.[5]

[edit]The "in-between years"

Chubby Checker in 2005

202
The period of the later 1950s and early 1960s, between the end of the initial
period of innovation and what became known in the USA as the "British
Invasion", has traditionally been seen as an era of hiatus for rock and roll. More
recently a number of authors have emphasised important innovations and trends
in this period without which future developments would not have been possible.[15]
[16]
While early rock and roll, particularly through the advent of rockabilly, saw the
greatest commercial success for male and white performers, in this era the genre
was dominated by black and female artists. Rock and roll had not disappeared at
the end of the 1950s and some of its energy can be seen in the Twist dance
craze of the early 60s, mainly benefiting the career of Chubby Checker.[16] Having
died down in the late 1950s, doo wop enjoyed a revival in the same period, with
hits for acts like The Marcels, The Capris, Maurice Williams and Shep and the
Limelights.[11] The rise of girl groups like The Chantels, The Shirelles and The
Crystals placed an emphasis on harmonies and polished production that was in
contrast to earlier rock and roll.[17] Some of the most significant girl group hits
were products of the Brill Building Sound, named after the block in New York
where many songwriters were based, which included the #1 hit for the Shirelles
"Will You Love Me Tomorrow" in 1960, penned by the partnership of Gerry
Goffin and Carole King.[18]

Cliff Richard had the first British rock and roll hit with "Move It", effectively
ushering in the sound of British rock.[19] At the start of the 1960s, his backing
group The Shadows was the most successful of a number of groups recording
instrumentals.[20] While rock 'n' roll was fading into lightweight pop and ballads,
British rock groups at clubs and local dances, heavily influenced by blues-rock
pioneers like Alexis Korner, were starting to play with an intensity and drive
seldom found in white American acts.[21]

Also significant was the advent of soul music as a major commercial force.
Developing out of rhythm and blues with a re-injection of gospel music and pop,
led by pioneers like Ray Charles and Sam Cooke from the mid-1950s, by the
early 60s figures likeMarvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis
Mayfield and Stevie Wonder were dominating the R&B charts and breaking
through into the main pop charts, helping to accelerate their desegregation,
while Motown and Stax/Volt Records were becoming major forces in the record
industry.[22] All of these elements, including the close harmonies of doo wop and
girl groups, the carefully crafted song-writing of the Brill Building Sound and the

203
polished production values of soul, have been seen as influencing
the Merseybeat sound, particularly the early work of The Beatles, and through
them the form of later rock music.[23] Some historians of music have also pointed
to important and innovative technical developments that built on rock and roll in
this period, including the electronic treatment of sound by such innovators as Joe
Meek, and the elaborate production methods of the Wall of Sound pursued
by Phil Spector.[16]

[edit]Surf music
Main article: Surf music
"Wipe Out"

Wipe Out (song)

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The instrumental rock and roll pioneered by performers such as Duane Eddy,
Link Wray, and The Ventures was developed by Dick Dale who added distinctive
"wet" reverb, rapid alternate picking, as well as Middle Eastern and Mexican
influences, producing the regional hit "Let's Go Trippin'" in 1961 and launching
the surf music craze. Like Dale and hisDel-Tones, most early surf bands were
formed in Southern California, including the Bel-Airs, the Challengers, and Eddie
& the Showmen.[24] The Chantays scored a top ten national hit with "Pipeline" in
1963 and probably the single most famous surf tune hit was 1963's "Wipe Out",
by the Surfaris, which hit #2 and #10 on the Billboard charts in 1965.[25]

204
The growing popularity of the genre led groups from other areas to try their hand.
These included The Astronauts, from Boulder, Colorado, The Trashmen,
from Minneapolis, Minnesota, who had a #4 hit with "Surfin Bird" in 1964 and The
Rivieras from South Bend, Indiana, who reached #5 in 1964 with "California
Sun".[26] The Atlantics, from Sydney, Australia, made a significant contribution to
the genre, with their hit "Bombora" (1963).[26]European instrumental bands
around this time generally focused more on the more rock and roll style played
by The Shadows, but The Dakotas, who were the British backing band for
Merseybeat singer Billy J. Kramer, gained some attention as surf musicians with
"Cruel Sea" (1963), which was later covered by American instrumental surf
bands, including The Ventures.[27]

Surf music achieved its greatest commercial success as vocal music, particularly
the work of the Beach Boys, formed in 1961 in Southern California. Their early
albums included both instrumental surf rock (among them covers of music by
Dick Dale) and vocal songs, drawing on rock and roll and doo wop and the close
harmonies of vocal pop acts like the Four Freshmen.[26] Their first chart hit,
"Surfin'" in 1962 reached the Billboard top 100 and helped make the surf music
craze a national phenomenon.[28]From 1963 the group began to leave surfing
behind as subject matter as Brian Wilson became their major composer and
producer, moving on to the more general themes of male adolescence including
cars and girl in songs like "Fun, Fun, Fun" (1964) and "California Girls" (1965).
[28]
Other vocal surf acts followed, including one-hit wonders like Ronny & the
Daytonas with "G. T. O." (1964) and Rip Chords with "Hey Little Cobra", which
both reached the top ten, but the only other act to achieve sustained success
with the formula were Jan & Dean, who had a #1 hit with "Surf City" (co-written
with Brian Wilson) in 1963.[26]The surf music craze and the careers of almost all
surf acts, was effectively ended by the arrival of the British Invasion from 1964.
[26]
Only the Beach Boys were able to sustain a creative career into the mid-
1960s, producing a string of hit singles and albums, including the highly
regarded Pet Sounds in 1966, which made them, arguably, the only American
rock or pop act that could rival The Beatles.[28]

[edit]Golden Age (1963-1974)

[edit]The British Invasion
Main article: British Invasion

205
 The Beatles.
By the end of 1962, the British rock scene had started with beat groups like The
Beatles drawing on a wide range of American influences including soul music,
rhythm and blues and surf music.[29] Initially, they reinterpreted standard
American tunes, playing for dancers doing the twist, for example. These groups
eventually infused their original rock compositions with increasingly complex
musical ideas and a distinctive sound. In mid-1962 The Rolling Stones started as
one of a number of groups increasingly showing blues influence, along with
bands like The Animals and The Yardbirds.[30] During 1963, The Beatles and
other beat groups, such as The Searchers and The Hollies, achieved great
popularity and commercial success in Britain.

British rock broke through to mainstream popularity in the United States in

January 1964 with the success of the Beatles. "I Want to Hold Your Hand" was
the band's first #1 hit on the Billboard Hot 100 chart, starting the British Invasion
of the American music charts.[31]The song entered the chart on January 18, 1964
at #45 before it became the #1 single for 7 weeks and went on to last a total of
15 weeks in the chart.[32] Their first appearance on the Ed Sullivan
Show February 9 is considered a milestone in American pop culture. The
broadcast drew an estimated 73 million viewers, at the time a record for an
American television program. The Beatles went on to become the biggest selling
rock band of all time and they were followed by numerous British bands.[33]

"The Last Time"

The Rolling Stones

206
 Problems listening to this file?
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During the next two years, Chad & Jeremy, Peter and Gordon, The
Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne
Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, The Rolling Stones,The
Troggs, and Donovan would have one or more #1 singles.[31] Other acts that were
part of the invasion included The Kinks and The Dave Clark Five.[34] British
Invasion acts also dominated the music charts at home in the United Kingdom.[30]

The British Invasion helped internationalize the production of rock and roll,
opening the door for subsequent British (and Irish) performers to achieve
international success.[35] In America it arguably spelled the end of
instrumental surf music, vocal girl groups and (for a time) the teen idols, that had
dominated the American charts in the late 1950s and 60s.[36] It dented the careers
of established R&B acts like Fats Domino and Chubby Checker and even
temporarily derailed the chart success of surviving rock and roll acts, including
Elvis.[37] The British Invasion also played a major part in the rise of a distinct
genre of rock music, and cemented the primacy of the rock group, based on
guitars and drums and producing their own material as singer-songwriters.[38]

[edit]Garage rock
Main article: Garage rock
Garage rock was a form of amateurish rock music, particularly prevalent in North
America in the mid-1960s and so called because of the perception that it was
rehearsed in a suburban family garage.[39][40] Garage rock songs revolved around
the traumas of high school life, with songs about "lying girls" being particularly
common.[41] The lyrics and delivery were notably more aggressive than was
common at the time, often with growled or shouted vocals that dissolved into
incoherent screaming.[39]They ranged from crude one-chord music (like the
Seeds) to near-studio musician quality (including the Knickerbockers, the
Remains, and the Fifth Estate). There were also regional variations in many parts
of the country with flourishing scenes particularly in California and Texas.[41] The
Pacific Northwest states of Washington and Oregon had perhaps the most
defined regional sound.[42]

207
 The Fifth Estate in 2008.
The style had been evolving from regional scenes as early as 1958. "Tall Cool
One" (1959) by The Wailers and "Louie Louie" by The Kingsmen (1963) are
mainstream examples of the genre in its formative stages.[43] By 1963, garage
band singles were creeping into the national charts in greater numbers,
including Paul Revere and the Raiders (Boise),[44] the Trashmen (Minneapolis)
[45]
and the Rivieras (South Bend, Indiana).[46] Other influential garage bands,
such as the Sonics (Tacoma, Washington), never reached the Billboard Hot 100.
[47]
In this early period many bands were heavily influenced by surf rock and there
was a cross-pollination between garage rock and frat rock, sometimes viewed as
merely a sub-genre of garage rock.[48]

The British Invasion of 1964-66 greatly influenced garage bands, providing them
with a national audience, leading many (often surf or hot rod groups) to adopt a
British Invasion lilt, and encouraging many more groups to form.[41] Thousands of
garage bands were extant in the USA and Canada during the era and hundreds
produced regional hits.[41] Examples include: "I Just Don't Care" by New York
City's The D-Men (1965), "The Witch" by Tacoma's The Sonics (1965), "Where
You Gonna Go" by Detroit's Unrelated Segments (1967), "Girl I Got News for
You" by Miami's Birdwatchers (1966) and "1-2-5" by Montreal's The Haunted.
Despite scores of bands being signed to major or large regional labels, most
were commercial failures. It is generally agreed that garage rock peaked both
commercially and artistically around 1966.[41] By 1968 the style largely
disappeared from the national charts and at the local level as amateur musicians
faced college, work or the draft.[41] New styles had evolved to replace garage rock
(including blues-rock, progressive rock and country rock).[41] In Detroit garage
rock stayed alive until the early 70s, with bands like the MC5 and The Stooges,

208
who employed a much more aggressive style. These bands began to be
labelled punk rock and are now often seen as proto-punk or proto-hard rock.[49]

[edit]Pop rock
Main articles: Pop music, Pop rock, and Power pop

The Everly Brothers in 2006.

The term pop has been used since the early twentieth century to refer to popular
music in general, but from the mid-1950s it began to be used for a distinct genre,
aimed at a youth market, often characterized as a softer alternative to rock and
roll.[50][51] In the aftermath of the British Invasion, from about 1967, it was
increasingly used in opposition to the term rock music, to describe a form that
was more commercial, ephemeral and accessible.[52]In contrast rock music was
seen as focusing on extended works, particularly albums, was often associated
with particular sub-cultures (like the counter-culture), placed an emphasis on
artistic values and "authenticity", stressed live performance and instrumental or
vocal virtuosity and was often seen as encapsulating progressive developments
rather than simply reflecting existing trends.[50][51][52][53]

Nevertheless much pop and rock music has been very similar in sound,
instrumentation and even lyrical content. The terms "pop-rock" and "power pop"
have been used to describe more commercially successful music that uses
elements from, or the form of, rock music.[54] Pop-rock has been defined as an
"upbeat variety of rock music represented by artists such as Elton John, Paul
McCartney, The Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago, and Peter
Frampton."[55] In contrast, music reviewer George Starostin defines it as a
subgenre of pop music that uses catchy pop songs that are mostly guitar-based.
Starostin argues that most of what is traditionally called "power pop" (a term
coined by Pete Townshend of The Who in 1966, but not much used until it was
applied to bands like Badfinger in the 1970s),[56] falls into the pop rock subgenre

209
and that the lyrical content of pop rock is "normally secondary to the
music."[57] Throughout its history there have been rock acts that have used
elements of pop, and pop artists who have used rock music as a basis for their
work, or striven for rock "authenticity".

[edit]Blues-rock
Main article: Blues-rock
Although the first impact of the British Invasion on American popular music was
through beat and R&B based acts, the impetus was soon taken up by a second
wave of bands that drew their inspiration more directly from American blues,
including the Rolling Stones and the Yardbirds.[58] British blues musicians of the
late 1950s and early 60s had been inspired by the acoustic playing of figures
such as Lead Belly, who was a major influence on the Skiffle craze, and Robert
Johnson.[59] Increasingly they adopted a loud amplified sound, often centred
around the electric guitar, based on the Chicago blues, particularly after the tour
of Britain by Muddy Waters in 1958, which prompted Cyril Davies and
guitarist Alexis Korner to form the band Blues Incorporated.[60] The band involved
and inspired many of the figures of the subsequent British blues boom, including
members of the Rolling Stones and Cream, combining blues standards and
forms with rock instrumentation and emphasis.[60]

Eric Clapton performing in Barcelona, 1974.

The other key focus for British blues was around John Mayall who formed
theBluesbreakers, whose members included Eric Clapton (after his departure
from The Yardbirds) and later Peter Green. Particularly significant was the
release of Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) album (1966), considered
one of the seminal British blues recordings and the sound of which was much
emulated in both Britain and the United States.[61] Eric Clapton went on to form
supergroups Cream, Blind Faith andDerek and the Dominos, followed by an

210
extensive solo career that has been seminal in bringing blues-rock into
the mainstream.[60] Green, along with the Bluesbreaker's rhythm section Mick
Fleetwood and John McVie, formed Peter Green's Fleetwood Mac, who enjoyed
some of the greatest commercial success in the genre.[60] In the late '60s Jeff
Beck, also an alumnus of the Yardbirds, moved blues-rock in the direction of
heavy rock with his band, The Jeff Beck Group.[60] The last Yardbirds
guitarist Jimmy Page went on to form The New Yardbirds which rapidly
became Led Zeppelin, whose early work was largely based on adaptations of
blues standards.[60] Many of the song on their first three albums and occasionally
later in their careers, were expansions on traditional blues songs.[60]

In American blues-rock had been pioneered in the early 1960s by guitarist Lonnie
Mack,[62] but the genre began to take off in the mid-60s as acts followed
developed a sound similar to British blues musicians. Key acts included Paul
Butterfield (whose band acted like Mayall's Bluesbreakers in Britain as a starting
point for many successful musicians), Canned Heat, the early Jefferson
Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band and Jimi Hendrix with
his power trios, The Jimi Hendrix Experience andBand of Gypsys, whose guitar
virtuosity and showmanship would be among the most emulated of the decade.
[60]
Blues-rock bands like Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd and
eventually ZZ Top from the southern states, incorporated country elements into
their style to produce distinctive Southern rock.[63]

Early blues-rock bands often emulated jazz, playing long, involved improvisations
which would later be a major element ofprogressive rock. From about 1967
bands like Cream and The Jimi Hendrix Experience had begun to move away
from purely blues-based music into psychedelia.[64] By the 1970s blues-rock had
become heavier and more riff-based, exemplified by the work of Led Zeppelin
and Deep Purple, and the lines between blues-rock and hard rock "were barely
visible",[64] as bands began recording rock-style albums.[64] The genre was
continued in the 1970s by figures such as George Thorogood and Pat Travers,
[60]
but, particularly on the British scene (except perhaps for the advent of groups
such as Status Quo and Foghat who moved towards a form of high energy and
repetitive boogie rock), bands became focused on heavy metal innovation, and
blues-rock began to slip out of the mainstream.[65]

[edit]Folk rock

211
Main articles: Bob Dylan and Folk rock

Joan Baez & Bob Dylan.

By the 1960s, the scene that had developed out of the American folk music
revival had grown to a major movement, utilising traditional music and new
compositions in a traditional style, usually on acoustic instruments.[66] In America
the genre was pioneered by figures such as Woody Guthrie and Pete
Seeger and often identified withprogressive or labor politics.[66] In the early sixties
figures such as Joan Baez andBob Dylan had came to the fore in this movement
as singer-songwriters.[67] Dylan had begun to reach a mainstream audience with
hits including "Blowin' in the Wind" (1963) and "Masters of War" (1963), which
brought "protest songs" to a wider public,[68] but, although beginning to influence
each other, rock and folk music had remained largely separate genres, often with
mutually exclusive audiences.[69]

Early attempts to combine elements of folk and rock included the Animals "House
of the Rising Sun" (1964), which was the first commercially successful folk song
to be recorded with rock and roll instrumentation[70] and the Beatles "I'm a Loser"
(1965), arguably the first Beatles song to be influenced directly by Dylan.[71]The
folk rock movement is usually thought to have taken off with The Byrds' recording
of Dylan's "Mr. Tambourine Man" which topped the charts in 1965.[69] With
members who had been part of the cafe-based folk scene in Los Angeles, the
Byrds adopted rock instrumentation, including drums and 12-
string Rickenbacker guitars, which became an major element in the sound of the
genre.[69] Later that year Dylan adopted electric instruments, much to
the outrage of many folk purists, with his "Like a Rolling Stone" becoming a US
hit single.[69] Folk rock particularly took off in California, where it led acts like The
Mamas & the Papasand Crosby, Stills and Nash to move to electric
instrumentation, and in New York, where it spawned performers including The

212
Lovin' Spoonful and Simon and Garfunkel, with the latter's acoustic "The Sounds
of Silence" being remixed with rock instruments to be the first of many hits.[69]

"All along the

Watchtower"

All along the

watchtower

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These acts directly influenced British performers like Donovan andFairport

Convention.[69] In 1969 Fairport Convention abandoned their mixture of American
covers and Dylan-influenced songs to play traditional English folk music on
electric instruments.[72] This electric folk was taken up by bands
including Pentangle, Steeleye Span and The Albion Band, which turn prompted
Irish groups like Horslips and Scottish acts like theJSD Band, Spencer's Feat and
later Five Hand Reel, to use their traditional music to create a brand of Celtic
rock in the early 1970s.[73]

Folk rock reached its peak of commercial popularity in the period 1967-8, before
many acts moved off in a variety of directions, including Dylan and the Byrds,
who began to develop country rock.[74] However, the hybridization of folk and rock
has been seen as having a major influence on the development of rock music,
bringing in elements of psychedelia, and helping to develop the ideas of the
singer-songwriter, the protest song and concepts of "authenticity".[69][75]

[edit]Psychedelic rock
Main article: Psychedelic rock

213
Jimi Hendrix performing on Dutch TV in 1967.
Psychedelic music's LSD-inspired vibe began in the folk scene, with the New
York-basedHoly Modal Rounders using the term in their 1964 recording of
"Hesitation Blues".[76] The first group to advertise themselves as psychedelic rock
were the 13th Floor Elevators from Texas, at the end of 1965; producing an
album that made their direction clear, with The Psychedelic Sounds of the 13th
Floor Elevators the following year.[76] The Beatles introduced many of the major
elements of the psychedelic sound to audiences in this period, with "I Feel Fine"
using guitar feedback; in late 1965 the Rubber Soul album included the use of
a sitar on "Norwegian Wood" and they employed backmasking on their 1966
single B-side "Rain" and other tracks that appeared on their Revolver album later
that year.[77]

Psychedelic rock particularly took off in California's emerging music scene as

groups followed the Byrds from folk to folk rock from 1965.[77] The psychedelic life
style had already developed in San Francisco and particularly prominent
products of the scene were The Grateful Dead, Country Joe and the Fish, The
Great Society and Jefferson Airplane.[77] The Byrds rapidly progressed from
purely folk rock in 1966 with their single "Eight Miles High", widely taken to be a
reference to drug use. In Britain arguably the most influential band in the genre
were The Yardbirds,[77] who, with Jeff Beck as their guitarist, increasingly moved

214
into psychedelic territory, adding up-tempo improvised "rave ups", Gregorian
chant and world music influences to songs including "Still I'm Sad" (1965) and
"Over Under Sideways Down" (1966).[78] From 1966 the UK underground scene
based in North London, supported new acts including Pink Floyd, Traffic and Soft
Machine.[79] The same year saw Donovan's folk-influenced hit album Sunshine
Superman, considered one of the first psychedelic pop records, as well as the
débuts of blues rock bands Cream and The Jimi Hendrix Experience, whose
extended guitar-heavy jams became a key feature of psychedelia.[77]

Psychedelic rock reached its apogee in the last years of the decade. 1967 saw
the Beatles release their definitive psychedelic statement in Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band, including the controversial track "Lucy in the Sky with
Diamonds" and the Rolling Stones responded later that year with Their Satanic
Majesties Request.[77] Pink Floyd produced what is usually seen as their best
psychedelic work The Piper at the Gates of Dawn.[77] In America the Summer of
Love was prefaced by the Human Be-In event and reached its peak at
the Monterey Pop Festival, the latter helping to make major American stars of
Jimi Hendrix and The Who, whose single "I Can See for Miles" delved into
psychedelic territory.[80] Key recordings included Jefferson Airplane'sSurrealistic
Pillow and The Doors' Strange Days.[81] These trends climaxed in the
1969 Woodstock festival, which saw performances by most of the major
psychedelic acts, but by the end of the decade psychedelic rock was in
retreat. Brian Jonesof the Rolling Stones and Syd Barrett of Pink Floyd were
early casualties, the Jimi Hendrix Experience and Cream broke up before the
end of the decade and many surviving acts, moved away from psychedelia into
more back-to-basics "roots rock", the wider experimentation of progressive rock,
or riff laden heavy rock.[77]

[edit]Roots rock
Main articles: Roots rock, Country rock, and Southern rock
Roots rock is the term now used to describe a move away from the excesses of
the psychedelic scene, to a more basic form of rock and roll that incorporated its
original influences, particularly country and folk music, leading to the creation of
country rock and Southern rock.[82] In 1966 Bob Dylan spearheaded the
movement when he went to Nashville to record the album Blonde on Blonde.
[83]
This, and subsequent more clearly country-influenced albums, have been

215
seen as creating the genre of country folk, a route pursued by a number of,
largely acoustic, folk musicians.[83] Other acts that followed the back-to-basics
trend were the Canadian group The Band and the Californian-based Creedence
Clearwater Revival, both of which mixed basic rock and roll with folk, country and
blues, to be among the most successful and influential bands of the late 1960s.
[84]
The same movement saw the beginning of the recording careers of Californian
solo artists like Ry Cooder, Bonnie Raitt and Lowell George,[85] and influenced
the work of established performers such as the Rolling Stones' Beggar's
Banquet (1968) and the Beatles' Let It Be(1970).[77]

The Eagles during their 2008-9 Long Road out of Eden Tour.
In 1968 Gram Parsons recorded Safe at Home with the International Submarine
Band, arguably the first true country-rock album.[86] Later that year he joined the
Byrds forSweetheart of the Rodeo (1968), generally considered one of the most
influential recordings in the genre.[86] The Byrds continued in the same vein, but
Parsons left to be joined by another ex-Byrds member Chris Hillman in
forming The Flying Burrito Brotherswho helped establish the respectability and
parameters of the genre, before Parsons departed to pursue a solo career.
[86]
Country rock was particularly popular in the Californian music scene, where it
was adopted by bands including Hearts and Flowers,Poco and New Riders of the
Purple Sage,[86] the Beau Brummels[86] and the Nitty Gritty Dirt Band.[87] A number
of performers also enjoyed a renaissance by adopting country sounds, including:
the Everly Brothers; one-time teen idol Rick Nelson who became the frontman for
the Stone Canyon Band; former Monkee Mike Nesmith who formed the First
National Band; and Neil Young.[86] The Dillards were, unusually, a country act,
who moved towards rock music.[86] The greatest commercial success for country
rock came in the 1970s, with artist including the Doobie Brothers, Emmylou
Harris, Linda Ronstadt and the Eagles (made up of members of the Burritos,

216
Poco and Stone Canyon Band), who emerged as one of the most successful
rock acts of all time, producing albums that included Hotel California (1976).[88]

The founders of Southern rock are usually thought to be the Allman Brothers
Band, who developed a distinctive sound, largely derived from blues rock, but
incorporating elements of boogie, soul, and country in the early 1970s.[89] The
most successful act to follow them were Lynyrd Skynyrd, who helped establish
the "Good ol' boy" image of the sub-genre and the general shape of 1970s guitar
rock.[89] Their successors included the fusion/progressive instrumentalists Dixie
Dregs, the more country-influencedOutlaws, jazz-leaning Wet Willie and
(incorporating elements of R&B and gospel) the Ozark Mountain Daredevils.
[89]
After the loss of original members of the Allmans and Lynyrd Skynyrd, the
genre began to fade in popularity in the late 1970s, but was sustained the 1980s
with acts like .38 Special, Molly Hatchet and The Marshall Tucker Band.[89]

[edit]Progressive rock
Main article: Progressive rock

Prog-rock band Yes performing in concert inIndianapolis, 1977.

Progressive rock, sometimes used interchangeably with art rock, was an attempt
to move beyond established musical formulas by experimenting with different
instruments, song types, and forms.[90] From the mid-1960s The Left Banke, The
Beatles, The Rolling Stones and The Beach Boys, had pioneered the inclusion
ofharpsichords, wind and string sections on their recordings to produce a form
ofBaroque rock and can be heard in singles like Procol Harum's "A Whiter Shade
of Pale" (1967), with its Bach inspired introduction.[91] The Moody Blues used a
full orchestra on their album Days of Future Passed (1967) and subsequently
created orchestral sounds with synthesisers.[90] Classical orchestration,

217
keyboards and synthesisers were a frequent edition to the established rock
format of guitars, bass and drums in subsequent progressive rock.[92]

Instrumentals were common, while songs with lyrics were sometimes conceptual,
abstract, or based in fantasy and science fiction.[93] The Pretty Things' SF
Sorrow (1968) and The Who's Tommy(1969) introduced the format of rock
operas and opened the door to "concept albums, usually telling an epic story or
tackling a grand overarching theme."[94] King Crimson's 1969 début album, In the
Court of the Crimson King, which mixed powerful guitar riffs and mellotron,
with jazz and symphonic music, is often taken as the key recording in
progressive rock, helping the widespread adoption of the genre in the early
1970s among existing blues-rock and psychedelic bands, as well as newly
formed acts.[90]

"Owner of a lonely
heart"

Yes (Band)- 90125

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The vibrant Canterbury scene saw a number of acts following Soft Machine from
psychedelia, through jazz influences, toward more expansive hard rock,
including Caravan, Hatfield and the North, Gong, andNational Health.[95] Greater
commercial success was enjoyed by Pink Floyd, who also moved away from
psychedelia after the departure of Syd Barrett in 1968, with Dark Side of the
Moon (1973), seen as a masterpiece of the genre, becoming one of the best-
selling albums of all time.[96] There was an emphasis on instrumental virtuosity,
with Yes showcasing the skills of both guitarist Steve Howe and keyboard
player Rick Wakeman, while Emerson, Lake & Palmer were a supergroup who
produced some of the genre's most technically demanding work.[90] Jethro
Tull andGenesis both pursued very different, but distinctly English, brands of
music.[97] Most British bands depended on a relatively small cult following, but a
handful, including Pink Floyd, Genesis and Jethro Tull, managed to produce top
ten singles at home and break the American market.[98]

218
The American brand of prog rock varied from the eclectic and innovative Frank
Zappa, Captain Beefheart and Blood, Sweat and Tears,[99] to more pop rock
orientated bands like Boston, Foreigner, Kansas, Journey and Styx.[90] These,
beside British bandsSupertramp and ELO, all demonstrated a prog rock influence
and while ranking among the most commercially successful acts of the 1970s,
issuing in the era of pomp or arena rock, which would last until the costs of
complex shows (often with theatrical staging and special effects), would be
replaced by more economical rock festivals as major live venues in the 1990s.[100]

The instrumental strand of the genre resulted in albums like Mike

Oldfield's Tubular Bells (1973), the first record, and worldwide hit, for the Virgin
Records label, which became a mainstay of the genre.[90] Instrumental rock was
particularly significant in continental Europe, allowing bands
like Kraftwerk, Tangerine Dream, Can and Faust to circumvent the language
barrier.[101] Their synthesiser-heavy "Kraut rock", along with the work of Brian
Eno (for a time the keyboard player with Roxy Music), would be a major influence
on subsequent synth rock,[90] With the advent of punk rock and technological
changes in the late 1970s, progressive rock was increasingly dismissed as
pretentious and overblown.[102][103] Many bands broke up, but some, including
Genesis, ELP, Yes, and Pink Floyd, regularly scored top ten albums with
successful accompanying worldwide tours.[49] Some bands which emerged in the
aftermath of punk, such as Siouxsie and the Banshees, Ultravox and Simple
Minds, showed the influence of prog, as well as their more usually recognized
punk influences.[104]

[edit]Glam rock
Main article: Glam rock

David Bowie as The Thin White Duke at the O'Keefe center, Toronto 1976

219
Glam rock emerged out of the English psychedelic and art rock scenes of the late
1960s and can be seen as both an extension of, and reaction against, those
trends.[105] Musically it was very diverse, varying between the simple rock and roll
revivalism of figures like Alvin Stardust to the complex art rock of Roxy Music,
and can be seen as much as a fashion as a musical sub-genre.[105]Visually it was
a mesh of various styles, ranging from 1930s Hollywood glamor, through 1950s
pin-up sex appeal, pre-war Cabaret theatrics, Victorian literary
and symbolist styles, science fiction, to ancient and
occult mysticism andmythology; manifesting itself in outrageous clothes, makeup,
hairstyles, and platform-soled boots.[106] Glam is most noted for its sexual and
gender ambiguity and representations of androgyny, beside extensive use of
theatrics.[107] It was prefigured by the showmanship and gender identity
manipulation of American acts such as The Cockettes and Alice Cooper.[108]

The origins of glam rock are associated with Marc Bolan, who had renamed his
folk duo to T. Rex and taken up electric instruments by the end of the 1960s.
Often cited as the moment of inception is his appearance on the UK TV
programme Top of the Pops in December 1970 wearing glitter, to perform what
would be his first #1 single "Ride a White Swan".[109] From 1971, already a minor
star, David Bowie developed his Ziggy Stardust persona, incorporating elements
of professional make up, mime and performance into his act.[110] These
performers were soon followed in the style by acts including Roxy
Music, Sweet, Slade,Mott the Hoople, Mud and Alvin Stardust.[110] While highly
successful in the single charts in the UK, very few of these musicians were able
to make a serious impact in the United States; Bowie was the major exception
becoming an international superstar and prompting the adoption of glam styles
among acts like Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls and Jobriath, often known
as "glitter rock" and with a darker lyrical content than their British counterparts.
[111]
In the UK the term glitter rock was most often used to refer to the extreme
version of glam pursued by Gary Glitter and his support musicians the Glitter
Band, who between them achieved eighteen top ten singles in the UK between
1972 and 1976.[112] A second wave of glam rock acts, including Suzi Quatro, Roy
Wood's Wizzard and Sparks, dominated the British single charts from about 1974
to 1976.[110] Existing acts, some not usually not considered central to the genre,
also adopted glam styles, including Rod Stewart, Elton John, Queen and, for a
time, even the Rolling Stones.[110] It was also a direct influence on acts that rose

220
to prominence later, including Kiss and Adam Ant, and less directly on the
formation of gothic rock and glam metal as well as on punk rock, which helped
end the fashion for glam from about 1976.[111] Glam has since enjoyed sporadic
modest revivals through bands such as Chainsaw Kittens, The Darkness[113] and
in R n' B crossover act Prince.[114]

[edit]Soft rock, hard rock and early heavy metal

Main articles: Soft rock, Hard rock, and Heavy metal music

Led Zeppelin live at Chicago Stadium, January 1975.

From the late 1960s it became common to divide mainstream rock music into soft
and hard rock. Soft rock was often derived from folk rock, using acoustic
instruments and putting more emphasis on melody and harmonies.[115] Major
artists included Carole King, Cat Stevens and James Taylor.[115] It reached its
commercial peak in the mid- to late- 70s with acts like Billy Joel, America and the
reformed Fleetwood Mac, whose Rumours (1977) was the best selling album of
the decade.[116] In contrast, hard rock was more often derived from blues-rock and
was played louder and with more intensity.[117] It often emphasised the electric
guitar, both as a rhythm instrument using simple repetitive riffs and as a
solo lead instrument, and was more likely to be used with distortion and other
effects.[117] Key acts included British Invasion bands like The Who and The Kinks,
as well as psychedelic era performers like Cream, Jimi Hendrix and The Jeff
Beck Group.[117] Hard rock bands that enjoyed international success in the later
1970s included Queen, Thin Lizzy, Aerosmith and AC/DC.[117]

From the late 1960s the term heavy metal began to be used to describe some
hard rock played with even more volume and intensity, first as an adjective and
by the early 1970s as a noun.[118] The term was first used in music
in Steppenwolf's "Born to be Wild" (1967) and began to be associated with

221
pioneer bands like Boston's Blue Cheer and Michigan's Grand Funk Railroad.
[119]
By 1970 three key British bands had developed the characteristic sounds and
styles which would help shape the sub-genre. Led Zeppelin added elements
of fantasy to their riff laden blues-rock, Deep Purple brought in symphonic and
medieval interests from their progressive rock phrase and Black
Sabbath introduced facets of the gothic and modal harmony, helping to produce
a "darker" sound.[120] These elements were taken up by a "second generation" of
heavy metal bands into the late 1970s, including: Judas
Priest, UFO, Motörhead and Rainbow from Britain; Kiss, Ted Nugent, and Blue
Öyster Cult from the US;Rush from Canada and Scorpions from Germany, all
marking the expansion in popularity of the sub-genre.[120] Despite a lack of airplay
and very little presence on the singles charts, late-1970s heavy metal built a
considerable following, particularly among adolescent working-class males in
North America and Europe.[121]

[edit]Christian rock
Main article: Christian rock

Stryper.
Rock has been criticized by some Christian religious leaders, who have
condemned it as immoral, anti-Christian and even demonic.[122] However,
Christian rock began to develop in the late 1960s, particularly out of the Jesus
movement beginning in Southern California, and emerged as a sub-genre in the
1970s with artists like Larry Norman, usually seen as the first major "star" of
Christian rock.[123] The genre has been particularly popular in theUnited States.
[124]
Many Christian rock performers have ties to the contemporary Christian
music scene, while other bands and artists are closely linked to independent
music. Since the 1980s a number of Christian rock performers have gained
mainstream success, including figures such as the American gospel-to-pop
crossover artist Amy Grant and the British singer Cliff Richard.[125] From the

222
1990s there were increasing numbers of acts who attempted to avoid the
Christian band label, preferring to be seen as groups who were also Christians,
including P.O.D and Collective Soul.[126]

[edit]Punk and its aftermath (mid-1970s to the 1980s)

[edit]Punk rock
Main article: Punk rock

The Clash performing in 1980.

Punk rock was developed between 1974 and 1976 in the United States and the
United Kingdom. Rooted in garage rock and other forms of what is now known
as protopunkmusic, punk rock bands eschewed the perceived excesses of
mainstream 1970s rock.[127] They created fast, hard-edged music, typically with
short songs, stripped-down instrumentation, and often political, anti-
establishment lyrics. Punk embraces a DIY (do it yourself) ethic, with many
bands self-producing their recordings and distributing them through informal
channels.[128]

By late 1976, acts such as the Ramones and Patti Smith, in New York City, and
the Sex Pistols and The Clash, in London, were recognized as the vanguard of a
new musical movement.[127] The following year saw punk rock spreading around
the world. Punk quickly, though briefly, became a major cultural phenomenon in
the United Kingdom. For the most part, punk took root in local scenes that tended
to reject association with the mainstream. An associated punk
subculture emerged, expressing youthful rebellion and characterized by
distinctiveclothing styles and a variety of anti-authoritarian ideologies.[129]

By the beginning of the 1980s, faster, more aggressive styles such

as hardcore and Oi! had become the predominant mode of punk rock.[130] Since
punk rock's initial popularity in the 1970s and the renewed interest created by the
punk revival of the 1990s, punk rock continues to have a strong underground
following.[131] This has resulted in several evolved strains of hardcore punk, such

223
as D-beat (a distortion-heavy subgenre influenced by the UK
band Discharge), anarcho-punk (such as Crass), grindcore(such as Napalm
Death), and crust punk.[132] Musicians identifying with or inspired by punk also
pursued a broad range of other variations, giving rise to new wave, post-
punk and the alternative rock movement.[127]

[edit]New wave
Main article: New Wave music

Deborah Harry from the bandBlondie, performing at Maple Leaf Gardens,

Toronto, in 1977.
Although punk rock was a significant social and musical phenomenon, it
achieved less in the way of record sales (being distributed by small specialty
labels such as Stiff Records),[133] or American radio airplay (as the radio scene
continued to be dominated by mainstream formats such as disco and album-
oriented rock).[134] Punk rock had attracted devotees from the art and collegiate
world and soon bands sporting a more literate, arty approach, such as Talking
Heads, and Devo began to infiltrate the punk scene; in some quarters the
description new wave began to be used to differentiate these less overtly punk
bands.[135] Record executives, who had been mostly mystified by the punk
movement, recognized the potential of the more accessible new wave acts and
began aggressively signing and marketing any band that could claim a remote
connection to punk or new wave.[136] Many of these bands, such as The
Cars, The Runaways andThe Go-Go's can be seen as pop bands marketed as
new wave;[137] other existing acts, including The Police, The Pretendersand Elvis
Costello, used the new wave movement as the springboard for relatively long
and critically successful careers,[138]while "skinny tie" bands exemplified by The
Knack,[139] or the photogenic Blondie, began as punk acts and moved into more
commercial territory.[140]

224
Between 1982 and 1985, influenced by Kraftwerk, David Bowie, and Gary
Numan, British new wave went in the direction of suchNew
Romantics as Spandau Ballet, Ultravox, Duran Duran, A Flock of
Seagulls, Culture Club, Talk Talk and the Eurythmics, sometimes using the
synthesizer to replace all other instruments.[141] This period coincided with the rise
of MTV and led to a great deal of exposure for this brand of synthpop, creating
what has been characterised as a second British Invasion.[142] Some more
traditional rock bands adapted to the video age and profited from MTV's airplay,
most obviously Dire Straits', whose "Money for nothing" gently poked fun at the
station, despite the fact that it had helped make them international stars,[143] but in
general guitar-oriented rock was commercially eclipsed.[144]

[edit]Post-punk
Main article: Post-punk

U2 in their early years: (left to right) Clayton, Mullen, Bono, Edge.

If hardcore most directly pursued the stripped down aesthetic of punk, and new
wave came to represent its commercial wing, post-punk emerged in the later
1970s and early 80s as its more artistic and challenging side. Major influences
beside punk bands were the Velvet Underground, the Who, Frank Zappa and
Captain Beefheart, and the New York based no wave scene which placed an
emphasis on performance, including bands such as James Chance and the
Contortions, DNA and Sonic Youth.[140] Early contributors to the genre included
the US bands Pere Ubu, Devo, The Residents and Talking Heads.[140] The first
wave of British post-punk included Gang of Four, Siouxsie and the
Banshees and Joy Division, who placed less emphasis on art than their US
counterparts and more on the dark emotional qualities of their music.[140] Bands
like Siouxsie and the Banshees, Bauhaus,The Cure, and The Sisters of Mercy,

225
moved increasingly in this direction to found Gothic rock, which had become the
basis of a major sub-culture by the early 1980s.[145] Similar emotional territory was
pursued by Australian acts like The Birthday Party and Nick Cave.[140] Members
of Bauhaus and Joy Division explored new stylistic territory as Love and
Rockets and New Orderrespectively.[140]

The second generation of British post-punk bands that broke through in the early
1980s, including The Fall, The Pop Group, The Mekons, Echo and the
Bunnymen and Teardrop Explodes, tended to move away from dark sonic
landscapes.[140] Arguably the most successful band to emerge from post-punk
was Ireland's U2, who incorporated elements of religious imagery together with
political commentary into their often anthemic music, and by the late 1980s had
become one of the biggest bands in the world.[146] Although many post-punk
bands continued to record and perform, it declined as a movement in the mid-
1980s as acts disbanded or moved off to explore other musical other areas, but it
has continued to influence the development of rock music and has been seen as
a major element in the creation of the alternative rock movement.[147]

[edit]New waves and genres in heavy metal

Main articles: NWBHM, Glam Metal, and Extreme metal

Iron Maiden, one of the central bands in the New Wave of British Heavy Metal.
Although many established bands continued to perform and record, heavy metal
suffered a hiatus in the face of the punk movement in the mid-1970s. Part of the
reaction saw the popularity of bands like Motörhead, who had adopted a punk
sensibility, and Judas Priest, who created a stripped down sound, largely
removing the remaining elements of blues music, from their 1978 album Stained
Class.[148] This change of direction was compared to punk and in the late 1970s
became known as the New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM).[149] These
bands were soon followed by acts including Iron Maiden, Vardis, Diamond

226
Head, Saxon, Def Leppard and Venom, many of which began to enjoy
considerable success in the USA.[150] In the same period Eddie Van
Halenestablished himself as one of the leading metal guitar virtuosos of the era
after his band'sself-titled 1978 album.[151] Randy Rhoads and Yngwie
Malmsteen also became established virtuosos, associated with what would be
known as the neoclassical metalstyle.[152]

Inspired by NWOBHM and Van Halen's success, a metal scene began to

develop in Southern California from the late 1970s, based on the clubs of
L.A.'s Sunset Strip and including such bands as Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe,
and W.A.S.P., who, along with similarly styled acts such as New York's Twisted
Sister, incorporated the theatrics (and sometimes makeup) of glam rockacts like
Alice Cooper and Kiss.[151] The lyrics of these glam metal bands characteristically
emphasized hedonism and wild behavior and musically were distinguished by
rapid-fire shred guitar solos, anthemic choruses, and a relatively melodic, pop-
oriented approach.[151] By the mid-1980s bands were beginning to emerge from
the L.A. scene that pursued a less glam image and a rawer sound,
particularly Guns N' Roses, breaking through with the chart-topping Appetite for
Destruction (1987), andJane's Addiction, who emerged with their major label
debut, Nothing's Shocking the following year.[153]

"Angel of Death"

Slayer's "Angel of
Death", from Reign
in Blood (1986),
which features the
fast, technically
complex
musicianship typical
of thrash metal

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In the late 1980s metal fragmented into a number of subgenres, includingthrash

metal, which developed in the US under the influence of hardcore punk,
particularly the style known as speed metal, with low-register guitar riffs typically
overlaid by shredding leads.[154] Lyrics often expressednihilistic views or deal

227
with social issues using visceral, gory language. It was popularised by the "Big
Four of Thrash": Metallica, Anthrax,Megadeth, and Slayer.[150] Death
metal developed out of thrash, particularly influenced by the bands Venom and
Slayer. Florida's Deathand the Bay Area's Possessed emphasized lyrical
elements of blasphemy, diabolism and millenarianism, with vocals usually
delivered as guttural "death growls," high-pitched screaming, complemented by
downtuned, highly distorted guitars and extremely fast double bass percussion.
[155]
Black metal, again influenced by Venom and pioneered by
Denmark's Mercyful Fate, Switzerland's Hellhammer and Celtic Frost, and
Sweden's Bathory, had many similarities in sound to death metal, but was often
intentionally lo-fi in production and placed greater emphasis
on satanic and pagan themes.[156][157] Bathory were particularly important in
inspiring the further sub-genres of Viking metal and folk metal.[158] Power
metal emerged in Europe in the late 1980s as a reaction to the harshness of
death and black metal and was established by Germany's Helloween, who
combined a melodic approach with thrash's speed and energy.[159] Bands like
Sweden's HammerFall, England's DragonForce, and Florida's Iced Earth have a
sound indebted to NWOBHM,[160] while acts such as Florida's Kamelot,
Finland's Nightwish, Italy's Rhapsody of Fire, and Russia's Catharsis feature a
keyboard-based "symphonic" sound, sometimes employing orchestras and opera
singers. In contrast to other sub-genres Doom metal, influenced by Gothic rock,
slowed down the music, with bands like England's Pagan Altar and Witchfinder
General and the United States' Pentagram, Saint Vitus and Trouble, emphasizing
melody, down-tuned guitars, a 'thicker' or 'heavier' sound and a sepulchral mood.
[161][162]

[edit]Heartland rock
Main article: Heartland rock

228
Bruce Springsteenperforming in East Berlinin 1988.
American working-class oriented heartland rock, characterized by a
straightforward musical style, and a concern with the lives of ordinary, blue
collar American people, developed in the second half of the 1970s. The term
heartland rock was first used to describe Midwestern arena rock groups
like Kansas,REO Speedwagon and Styx, but which came to be associated with a
more socially concerned form of roots rock more directly influenced by folk,
country and rock and roll.[163] It has been seen as an American Midwest and Rust
Belt counterpart to West Coast country rock and the Southern rock of the
American South.[164] Led by figures who had initially been identified with punk and
new wave, it was most strongly influenced by acts such as Bob Dylan, The
Byrds, Creedence Clearwater Revival and Van Morrison, and the basic rock of
60s garage and the Rolling Stones.[165]

Exemplified by the commercial success of singer songwriters Bruce

Springsteen, Bob Seger, andTom Petty, along with less widely known acts such
as Southside Johnny and the Asbury Jukes andJoe Grushecky and the
Houserockers, it was partly a reaction to post-industrial urban decline in the East
and Mid-West, often dwelling on issues of social disintegration and isolation,
beside a form of good-time rock and roll revivalism.[165] The genre reached its
commercial, artistic and influential peak in the mid-1980s, with
Springsteen's Born in the USA (1984), topping the charts worldwide and
spawning a series of top ten singles, together with the arrival of artists
including John Mellencamp, Steve Earle and more gentle singer/songwriters
as Bruce Hornsby.[165] It can also be heard as an influence on artists as diverse
as Billy Joel[166] and Tracy Chapman.[167]

229
Heartland rock faded away as a recognized genre by the early 1990s, as rock
music in general, and blue collar and white working class themes in particular,
lost influence with younger audiences, and as heartland's artists turned to more
personal works.[165] Many heartland rock artists continue to record today with
critical and commercial success, most notably Bruce Springsteen, Tom Petty and
John Mellencamp, although their works have become more personal and
experimental and no longer fit easily into a single genre. Newer artists whose
music would clearly have been labelled heartland rock had it been released in
the 1970s or 1980s, such as Missouri's Bottle Rockets and Illinois' Uncle Tupelo,
often find themselves these days labeled alt-country.[168]

[edit]The emergence of alternative rock

Main article: Alternative rock

R.E.M. was a successful alternative rock band in the 1980s.

The term alternative rock was coined in the early 1980s to describe rock artists
who didn't fit into the mainstream genres of the time. Bands dubbed "alternative"
had no unified style, but were all seen as distinct from mainstream music.
Alternative bands were linked by their collective debt to punk rock, through
hardcore, new wave or the post-punk movements.[169] Important bands of the
1980s alternative movement in the US includedR.E.M., Hüsker Dü, Jane's
Addiction, Sonic Youth and the Pixies, and in the UK The Cure, New
Order the Jesus and Mary Chain and The Smiths.[169] Artists were largely
confined to independent record labels, building an extensive underground music
scene based on college radio, fanzines, touring, and word-of-mouth.[170] Few of
these bands, with the notable exceptions of R.E.M. and The Smiths, achieved
mainstream success, but despite a lack of spectacular album sales, they exerted
a considerable influence on the generation of musicians who came of age in the
80s and ended up breaking through to mainstream success in the 1990s.
Notable styles of alternative rock in the U.S. during the 1980s included jangle

230
pop, associated with the early recordings of R.E.M., which incorporated the
ringing guitars of mid-1960s pop and rock, and college rock, used to describe
alternative bands that began in the college circuit and college radio, including
acts such as 10,000 Maniacs and The Feelies.[169] In the UK Gothic rock was
dominant in the early 1980s, but by the end of the decade indie pop, and
particularly the Madchester scene, produced such bands as Happy Mondays,
the Inspiral Carpets, and Stone Roses.[169][171] The next decade would see the
success of grunge in the United States and Britpop in the United Kingdom,
bringing alternative rock into the mainstream.

[edit]Alternative goes mainstream (the 1990s)

[edit]Grunge
Main article: Grunge

The grunge group Nirvana, performing live on MTV in 1992.

By the early 1990s, rock was dominated by commercialized and highly produced
pop, rock, and "hair metal" artists, while MTV had arrived and promoted a focus
on image and style. Disaffected by this trend, in the mid-1980s, bands
in Washington state (particularly in the Seattle area) formed a new style of rock
which sharply contrasted with the mainstream music of the time.[172] The
developing genre came to be known as "grunge", a term descriptive of the dirty
sound of the music and the unkempt appearance of most musicians, who actively
rebelled against the over-groomed images of popular artists.[172]Grunge fused
elements of hardcore punk and heavy metal into a single sound, and made
heavy use of guitar distortion, fuzz and feedback.[172] The lyrics were typically
apathetic and angst-filled, and often concerned themes such as social alienation
and entrapment, although it was also known for its dark humor and parodies of
commercial rock.[172]

231
Bands such as Green River, Soundgarden, the Melvins and Skin Yard pioneered
the genre, with Mudhoney becoming the most successful by the end of the
decade. However, grunge remained largely a local phenomenon until 1991,
when Nirvana‘s Nevermind became a huge success thanks to the lead single
"Smells Like Teen Spirit".[173] Nevermind was more melodic than its
predecessors, but the band refused to employ traditional corporate promotion
and marketing mechanisms. During 1991 and 1992, other grunge albums such
as Pearl Jam's Ten, Soundgarden's Badmotorfinger and Alice in Chains' Dirt,
along with the Temple of the Dog album featuring members of Pearl Jam and
Soundgarden, became among the 100 top selling albums.[174] The popular
breakthrough of these grunge bands promptedRolling Stone to nickname Seattle
"the new Liverpool."[175] Major record labels signed most of the remaining grunge
bands in Seattle, while a second influx of acts moved to the city in the hope of
success.[176] However, with the death of Kurt Cobain and the subsequent break-
up of Nirvana in 1994, touring problems for Pearl Jam and the departure of Alice
in Chains' lead singerLayne Staley in 1996, the genre began to decline, partly to
be overshadowed by Britpop and more commercial sounding post-grunge.[177]

[edit]Britpop
Main article: Britpop

Oasis performing in 2005.

Britpop emerged from the British alternative rock scene of the early 1990s and
was characterised by bands particularly influenced by British guitar music of the
1960s and 1970s.[169] The Smiths were a major influence, as were bands of
the Madchester scene, which had dissolved in the early 1990s.[35] The movement
has been seen partly as a reaction against various U.S. based, musical and
cultural trends in the late 1980s and early 1990s, particularly
the grunge phenomenon and as a reassertion of a British rock identity.[169] Britpop
was varied in style, but often used catchy tunes and hooks, beside lyrics with

232
particularly British concerns and the adoption of the iconography of the 1960s
British Invasion, including the symbols of British identity previously utilised by the
mods.[178] It was launched around 1992 with releases by groups such
as Suede and Blur, who were soon joined by others
including Oasis, Pulp, Supergrass and Elastica, who produced a series of top ten
albums and singles.[169] For a while the contest between Blur and Oasis was built
by the popular press into "The Battle of Britpop", initially won by Blur, but with
Oasis achieving greater long-term and international success, directly influencing
a third generation of Britpop bands, including The Boo Radleys, Ocean Colour
Scene and Cast.[179] Britpop groups brought British alternative rock into the
mainstream and formed the backbone of a larger British cultural movement
known as Cool Britannia.[180] Although its more popular bands, particularly Blur
and Oasis, were able to spread their commercial success overseas, especially to
the United States, the movement had largely fallen apart by the end of the
decade.[169]

[edit]Post-grunge
Main article: Post-grunge

Foo Fighters performing an acoustic show.

The term post-grunge was coined for the generation of bands that followed the
emergence into the mainstream, and subsequent hiatus, of the Seattle grunge
bands. Post-grunge bands emulated their attitudes and music, but with a more
radio-friendly commercially oriented sound.[181] Often they worked through the
major labels and came to incorporate diverse influences from jangle pop, punk-
pop, alternative metal or hard rock.[181] The term post-grunge was meant to be
pejorative, suggesting that they were simply musically derivative, or a cynical
response to an "authentic" rock movement.[182] From 1994, former Nirvana
drummer Dave Grohl's new band, the Foo Fighters, helped popularize the genre
and define its parameters.[183]

233
Some post-grunge bands, like Candlebox, were from Seattle, but the sub-genre
was marked by a broadening of the geographical base of grunge, with bands like
Los Angeles' Audioslave, and Georgia's Collective Soul and beyond the US to
Australia's Silverchair and Britain's Bush, who all cemented post-grunge as one
of the most commercially viable sub-genres of the late 1990s.[169][181] Although
male bands predominated, female solo artist Alanis Morissette's 1995
album Jagged Little Pill, labelled as post-grunge, also became a multi-platinum
hit.[184] Bands like Creed andNickelback took post-grunge into the 21st century
with considerable commercial success, abandoning most of the angst and anger
of the original movement for more conventional anthems, narratives and romantic
songs, and were followed in this vein by new acts
including Shinedown, Seether and 3 Doors Down.[182]

[edit]Pop punk
Main article: Pop punk

Green Day performing in 2009.

The origins of 1990s punk pop can be seen in the more song-orientated bands of
the 1970s punk movement like The Buzzcocks and The Clash, commercially
successful new wave acts such as The Jam and The Undertones, and the more
hardcore-influenced elements of alternative rock in the 1980s.[185] Pop-punk tends
to use power-pop melodies and chord changes with speedy punk tempos and
loud guitars.[186] Punk music provided the inspiration for a number of California-
based bands on independent labels in the early 1990s,
including Rancid, Pennywise, Weezer and Green Day.[185] In 1994 Green Day
moved to a major label and produced the album Dookie, which found a new,
largely teenage, audience and proved a surprise diamond-selling success,
leading to a series of hit singles, including two number ones in the US.[169] They
were soon followed by the eponymous début from Weezer, which spawned three
top ten singles in the US.[187] This success opened the door for the multi-platinum

234
sales of metallic punk band The Offspring with Smash (1994).[169] This first wave
of pop punk reached its commercial peak with Green Day's Nimrod (1997) and
The Offspring's Americana (1998).[188]

A second wave of punk pop was spearheaded by Blink-182, with their

breakthrough album Enema of the State (1999), followed by bands such as Good
Charlotte, Bowling for Soup and Sum 41, who made use of humour in their
videos and had a more radio-friendly tone to their music, while retaining the
speed, some of the attitude and even the look of 1970s punk.[185] More recent
pop-punk bands, including Simple Plan, All-American Rejects and Fall Out Boy,
have a sound that has been described as closer to 1980s hardcore, while still
achieving considerable commercial success.[185]

[edit]Indie rock
Main article: Indie rock

Lo-fi indie rock band Pavement.

In the 1980s the terms indie rock and alternative rock were used
interchangeably.[189] By the mid-1990s, as elements of the movement began to
attract mainstream interest, particularly grunge and then Britpop, post-grunge
and pop-punk, the term alternative began to lose its meaning.[189] Those bands
following the less commercial contours of the scene were increasingly referred to
by the label indie.[189] They characteristically attempted to retain control of their
careers by releasing albums on their own or small independent labels, while
relying on touring, word-of-mouth, and airplay on independent or college radio
stations for promotion.[189] Linked by an ethos more than a musical approach, the
indie rock movement encompassed a wide range of styles, from hard-edged,
grunge influenced bands like The Cranberries and Superchunk, through do-it-
yourself experimental bands like Pavement, to punk-folk singers such as Ani
DiFranco.[169] It has been noted that indie rock has a relatively high proportion of
female artists compared with preceding rock genres, a tendency exemplified by

235
the development of feminist-informed Riot Grrrl music.[190] Many countries have
developed an extensive local indie scene, flourishing with bands with enough
popularity to survive inside the respective country, but virtually unknown outside
them.[191]

By the end of the 1990s many recognisable sub-genres, most with their origins in
the late 80s alternative movement, were included under the umbrella of indie. Lo-
fi eschewed polished recording techniques for a D.I.Y. ethos and was
spearheaded byBeck, Sebadoh and Pavement.[169] The work of Talk
Talk, Laughing Stock and Slint helped inspire both post rock, an experimental
style influenced by jazz and electronic music, pioneered by Bark Psychosis and
taken up by acts such asTortoise, Stereolab, and Laika,[192][192][193] as well as
leading to more dense and complex, guitar-based math rock, developed by acts
like Polvo and Chavez.[194] Space rock looked back to progressive roots, with
drone heavy and minimalist acts likeSpaceman 3, the two bands created out of
its split, Spectrum and Spiritualized, and more recent groups including Flying
Saucer Attack, Godspeed You Black Emperor! and Quickspace.[195] In
contrast, Sadcore emphasised pain and suffering through melodic use of
acoustic and electronic instrumentation in the music of bands like American
Music Club and Red House Painters,[196] while the revival of Baroque pop reacted
against lo-fi and experimental music by placing an emphasis on melody and
classical instrumentation, with artists like Arcade Fire, Belle and
Sebastian and Rufus Wainright.[197]

[edit]Alternative metal, rap rock and nu metal

Main articles: Alternative metal, Rap rock, Rap metal, and Nu metal

Linkin Park performing in 2009.

Alternative metal emerged from the hardcore scene of alternative rock in the US
in the later 1980s, but gained a wider audience after grunge broke into the
mainstream in the early 1990s.[198] Early alternative metal bands mixed a wide

236
variety of genres with hardcore and heavy metal sensibilities, with acts like
Jane's Addiction and Primus utilizing prog-rock, Soundgarden andCorrosion of
Conformity using garage punk, The Jesus Lizard and Helmetmixing noise-
rock, Ministry and Nine Inch Nails influenced by industrial music, Monster
Magnet moving into psychedelia, Pantera, Sepultura andWhite
Zombie creating groove metal, while Biohazard and Faith No Moreturned to hip
hop and rap.[198]

Hip hop had gained attention from rock acts in the early 1980s, including The
Clash with "The Magnificent Seven" (1981) and Blondie with "Rapture" (1981).[199]
[200]
Early crossover acts included Run DMC and the Beastie Boys.[201]
[202]
Detroit rapperEsham became known for his "acid rap" style, which fused
rapping with a sound that was often based in rock and heavy metal.[203]
[204]
Rappers who sampled rock songs included Ice-T, The Fat Boys, LL Cool
J, Public Enemy and Whodini.[205] The mixing of thrash metal and rap was
pioneered by Anthrax on their 1987 comedy-influnced single "I'm the Man".[206]

In 1990, Faith No More broke into the mainstream with their single "Epic', often
seen as the first truly successful combination of heavy metal with rap.[207] This
paved the way for the success of existing bands like 24-7 Spyz and Living
Colour, and new acts including Rage Against the Machine and Red Hot Chili
Peppers, who all fused rock and hip hop among other influences.[182][205]Among
the first wave of performers to gain mainstream success as rap rock were 311,
[208]
Bloodhound Gang,[209] and Kid Rock.[210] A more hardcore sound was pursued
by bands including Limp Bizkit, Korn and Slipknot.[206] Later in the decade this
style, which contained a mix of grunge, punk, metal, rap and turntable scratching,
spawned a wave of successful bands likeLinkin Park, P.O.D. and Staind, who
were often classified as rap metal or nu metal, the former which are the best-
selling band of the genre.[211]

"Will you"

P.O.D Album Payable

on Death

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237
In 2001 nu metal reached its peak with albums like Staind's Break the Cycle,
P.O.D's Satellite, Slipknot's Iowa and Linkin Park's Hybrid Theory. New bands
also emerged like Disturbed, post-grunge/hard rock bandGodsmack and Papa
Roach, whose major label début Infest became a platinum hit.[212] However, by
2002 there were signs that nu metal's mainstream popularity was weakening.
[182]
Korn's long awaited fifth album Untouchables, and Papa Roach's second
album Lovehatetragedy, did not sell as well as their previous releases, while nu
metal bands were played more infrequently on rock radio stations
and MTV began focusing on pop punk and Emo.[213] Since then, many bands
have changed to a more conventional hard rock or heavy metal music sound.[213]

[edit]Post-Britpop
Main article: Post-Britpop

Coldplay in 2008.
From about 1997, as dissatisfaction grew with the concept of Cool Britannia, and
Britpop as a movement began to dissolve, emerging bands began to avoid the
Britpop label while still producing music derived from it.[214][215] Many of these
bands tended to mix elements of British traditional rock (or British trad rock),
[216]
particularly the Beatles, Rolling Stones and Small Faces,[217] with American
influences, including post-grunge.[218][219] Drawn from across the United Kingdom
(with several important bands emerging from the north of England, Scotland,
Wales and Northern Ireland), the themes of their music tended to be less
parochially centred on British, English and London life and more introspective
than had been the case with Britpop at its height.[220][221][222] This, beside a greater
willingness to engage with the American press and fans, may have helped a
number of them in achieving international success.[223]

Post-Britpop bands have been seen as presenting the image of the rock star as
an ordinary person and their increasingly melodic music was criticised for being
bland or derivative.[224] Post-Britpop bands like The Verve with Urban
Hymns (1997), Radioheadfrom OK Computer (1997), Travis from The Man

238
Who (1999), Stereophonics from Performance and
Cocktails (1999), Feeder fromEcho Park (2001) and particularly Coldplay from
their debut album Parachutes (2000), achieved much wider international success
than most of the Britpop groups that had preceded them, and were some of the
most commercially successful acts of the late 1990s and early 2000s, arguably
providing a launchpad for the subsequent garage rock or post-punk revival,
which has also been seen as a reaction to their introspective brand of rock.[219][225]
[226][227]

[edit]The new millennium (the 2000s)

[edit]Emo
Main article: Emo

Fugazi performing in 2002.

Emo emerged from the hardcore scene in 1980s Washington, D.C. initially as
"emocore", used as a term to describe bands who favored expressive vocals
over the more common abrasive, barking style.[228] The style was pioneered by
bands Rites of Spring andEmbrace, the last formed by Ian MacKaye,
whose Dischord Records became a major centre for the emerging D.C. emo
scene, releasing work by Rites of Spring, Dag Nasty,Nation of
Ulysses and Fugazi.[228] Fugazi emerged as the definitive early emo band, gaining
a fanbase among alternative rock followers, not least for their overtly anti-
commercial stance.[228] The early emo scene operated as an underground, with
short-lived bands releasing small-run vinyl records on tiny independent labels.
[228]
The mid-90s sound of emo was defined by bands like Jawbreaker and Sunny
Day Real Estate who incorporated elements of grunge and more melodic rock.
[229]
Only after the breakthrough of grunge and pop punk into the mainstream did
emo come to wider attention with the success of Weezer's Pinkerton (1996)
album, which utilised pop punk.[228] Late 1990s bands drew on the work of Fugazi,

239
SDRE, Jawbreaker and Weezer, includingThe Promise Ring, Get Up
Kids, Braid, Texas Is the Reason, Joan of Arc, Jets to Brazil and most
successfully Jimmy Eat World, and by the end of the millennium it was one of the
more popular indie styles in the US.[228]

Emo broke into mainstream culture in the early 2000s with the platinum-selling
success of Jimmy Eat World's Bleed American(2001) and Dashboard
Confessional's The Places You Have Come to Fear the Most (2003).[230] The new
emo had a far greater appeal amongst adolescents than its earlier incarnations.
[230]
At the same time, use of the term emo expanded beyond the musical genre,
becoming associated with fashion, a hairstyle and any music that expressed
emotion.[231] In recent years the term emo has been applied by critics and
journalists to a variety of artists, including multi-platinum acts such as Fall Out
Boy[232] and My Chemical Romance[233] and disparate groups such
as Paramore[232] and Panic at the Disco,[234] even when they protest the label.

[edit]Garage rock/Post-punk revival

Main articles: Garage rock revival and Post-punk revival

The Strokes performing in 2006.

In the early 2000s, a new group of bands that played a stripped down and back-
to-basics version of guitar rock, emerged into the mainstream. They were
variously characterised as part of a garage rock, post-punk or new-wave revival.
[235][236][237][238]
Because the bands came from across the globe, cited diverse
influences (from traditional blues, through new wave to grunge), and adopted
differing styles of dress, their unity as a genre has been disputed.[239]There had
been attempts to revive garage rock and elements of punk in the 1980s and
1990s and by 2000 scenes had grown up in several countries.[240] The Detroit
rock scene included The Von Bondies,Electric Six, The Dirtbombs and The
Detroit Cobras[78] and that of New York Radio 4, Yeah Yeah Yeahs and The
Rapture.[241]Elsewhere, other lesser-known acts such as Billy Childish and The
Buff Medways from Britain,[242] The (International) Noise Conspiracy from

240
Sweden,[243] The 5.6.7.8's from Japan,[244] and the Oblivians from Memphis
enjoyed underground, regional or national success.[245]

The commercial breakthrough from these scenes was led by four bands: The
Strokes, who emerged from the New York club scene with their début album Is
This It (2001), The White Stripes, from Detroit, with their third album White Blood
Cells (2001),The Hives from Sweden after their compilation album Your New
Favourite Band (2001), and The Vines from Australia with Highly Evolved (2002).
[246]
They were christened by the media as the "The" bands, and dubbed "The
saviours of rock 'n' roll", leading to accusations of hype.[247] A second wave of
bands that managed to gain international recognition as a result of the movement
included Black Rebel Motorcycle Club, The Killers, Interpol and Kings of
Leon from the US,[248] The Libertines, Arctic Monkeys,Bloc Party, Editors, Franz
Ferdinand and Placebo from the UK,[249] Jet from Australia[250] and The
Datsuns and The D4 from New Zealand.[251]

[edit]Metalcore and contemporary heavy metal

Main articles: Metalcore and New Wave of American Heavy Metal

Children of Bodom, performing at the 2007 Masters of Rock festival.

Metalcore, originally an American hybrid of thrash metal and hardcore punk,
emerged as a commercial force in the mid-2000s.[252] It was rooted in
the crossover thrashstyle developed two decades earlier by bands such
as Suicidal Tendencies, Dirty Rotten Imbeciles, and Stormtroopers of Death and
remained an underground phenomenon through the 1990s.[253] By 2004, melodic
metalcore, influenced bymelodic death metal, was sufficiently popular
for Killswitch Engage's The End of Heartache and Shadows Fall's The War
Within to debut at #21 and #20, respectively, on the Billboard album chart.[254]
[255]
Bullet for My Valentine, from Wales, broke into the top 5 in both the U.S. and
British charts with Scream Aim Fire (2008).[256] In recent years, metalcore bands

241
have received prominent slots at Ozzfest and theDownload Festival.[257] Lamb of
God, with a related blend of metal styles, hit the #2 spot on the Billboard charts in
2009 with Wrath.[258] The success of these bands and others such as Trivium,
who have released both metalcore and straight-ahead thrash albums,
and Mastodon, who played in a progressive/sludge style, inspired claims of a
metal revival in the United States, dubbed by some critics the "New Wave of
American Heavy Metal".[259][260][261]

The term "retro-metal" has been applied to such bands as England's The
Darkness[262] and Australia's Wolfmother.[263] The Darkness's Permission to
Land (2003), described as an "eerily realistic simulation of '80s metal and '70s
glam",[262] topped the UK charts, going quintuple platinum. One Way Ticket to
Hell... and Back (2005) reached number 11.[264] Wolfmother's self-titled 2005
debut album combined elements of the sounds of Deep Purple and Led Zeppelin.
[263]

In continental Europe, especially Germany and Scandinavia, metal continues to

be broadly popular. Well-established British acts such as Judas Priest and Iron
Maiden continue to have chart success on the continent, beside a range of local
groups. In Germany, Western Europe's largest music market, several continental
metal bands placed multiple albums in the top 20 of the charts between 2003 and
2008, including Finnish band Children of Bodom, Norwegian act Dimmu Borgir,
and Germany's Blind Guardian and Sweden's HammerFall.[265] The Swedish
act In Flames took both Come Clarity (2006) and A Sense of Purpose(2008) to
the top of the Swedish charts and number 6 in Germany.[265][266]

[edit]Digital electronic rock

Main article: Electronic rock

Gaspard Augé and Xavier de Rosnay of Justice.

In the 2000s, as computer technology became more accessible and music
softwareadvanced, it became possible to create high quality music using little

242
more than a singlelaptop computer.[267] This resulted in a massive increase in the
amount of home-produced electronic music available to the general public via the
expanding internet,[268]and new forms of performance such
as laptronica[267] and live coding.[269] These techniques also began to be used by
existing bands, as with industrial rock act Nine Inch Nails' album Year
Zero (2007),[270] and by developing genres that mixed rock with digital techniques
and sounds, including indie electronic, electroclash, dance-punk and new rave.

Indie electronic, which had begun in the early 90s with bands
like Stereolab and Disco Inferno, took off in the new millennium as the new digital
technology developed, with acts including Broadcast from the UK,Justice from
France, Lali Puna from Germany and The Postal Service, and Ratatat from the
US, mixing a variety of indie sounds with electronic music, largely produced on
small independent labels.[271][272] The Electroclash sub-genre began in New York
at the end of the 1990s, combining synth pop, techno, punk and performance art.
It was pioneered by I-F with their track "Space Invaders Are Smoking Grass"
(1998),[273] and pursued by artists including Felix da Housecat,
[274]
Peaches, Chicks on Speed,[275] and Ladytron.[276] It gained international
attention at the beginning of the new millennium and spread to scenes in London
and Berlin, but rapidly faded as a recognisable genre.[277] Dance-punk, mixing
post-punk sounds with disco and funk, had developed in the 1980s, but it was
revived among some bands of the garage rock/post-punk revival in the early
years of the new millennium, particularly among New York acts such as Liars,
The Rapture and Radio 4, joined by dance-oriented acts who adopted rock
sounds such as Out Hud.[278] In Britain the combination of indie with dance-punk
was dubbed new rave in publicity for The Klaxons and the term was picked up
and applied by the NME to a number of bands,[279] including Trash Fashion,
[280]
New Young Pony Club,[281] Hadouken!, Late of the Pier, Test Icicles,
[282]
and Shitdisco[279] forming a scene with a similar visual aesthetic to earlier rave
music.[279][283]

[edit]Social impact

Main article: Social effects of rock music

243
The 1969 Woodstock Festival was seen as a celebration of the counter-cultural
lifestyle.
The worldwide popularity of rock music meant that it became a major influence
on culture, fashion and social attitudes. Different sub-genres of rock were
adopted by, and became central to, the identity of a large number of sub-
cultures. In the 1950s and 1960s, respectively, British youths adopted the Teddy
Boy and Rockerssubcultures, which revolved around US rock and
roll[284] The counter-culture of the 1960s was closely associated with psychedelic
rock.[284] The mid-1970s punk subculture began in the US, but it was given a
distinctive look by British designerVivian Westwood, a look which spread
worldwide.[285] Out of the punk scene, theGoth and Emo subcultures grew, both of
which presented distinctive visual styles.[286]

When an international rock culture developed, it was able to supplant cinema as

the major sources of fashion influence.[287] Paradoxically, followers of rock music
have often mistrusted the world of fashion, which has been seen as elevating
image above substance.[287] Rock fashions have been seen as combining
elements of different cultures and periods, as well as expressing divergent views
on sexuality and gender, and rock music in general has been noted and criticised
for facilitating greater sexual freedom.[287][288] Rock has also been associated with
various forms of drug use, including the stimulants taken by some mods in the
early to mid-1960s, through the LSD linked with psychedelic rock in the late
1960s and early 1970s; and, in a number of eras, cannabis, cocaine and heroin,
all of have all been eulogised in song.[289][290]

Rock has been credited with changing attitudes to race by opening up African-
American culture to white audiences; but at the same time, rock has been
accused of appropriating and exploiting that culture.[291][292] While rock music has
absorbed many influences and introduced Western audiences to different

244
musical traditions,[293] the global spread of rock music has been interpreted as a
form of cultural imperialism.[294] Rock music inherited the folk tradition of protest
song, making political statements on subjects such as war, religion, poverty, civil
rights, justice and the environment.[295] Political activism reached a mainstream
peak with the "Do They Know It's Christmas?" single (1984) and Live Aid concert
for Ethiopia in 1985, which, while successfully raising awareness of world poverty
and funds for aid, have also been criticised (along with similar events), for
providing a stage for self-aggrandisement and increased profits for the rock stars
involved.[296]

Since its early development rock music has been associated with rebellion
against social and political norms, most obviously in early rock and roll's rejection
of an adult-dominated culture, the counter-culture's rejection of consumerism and
conformity and punk's rejection of all forms of social convention,[297] however, it
can also be seen a providing a means of commercial exploitation of such ideas
and of diverting youth away from political action.[298]

[edit]See also

Rock music portal

 Origins of rock and roll

 Pop music
 Popular music pedagogy

[edit]Notes

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Samba
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(Redirected from Samba music)
For the Argentinian national dance, see Zamba (artform).
This article is about the Brazilian musical genre. For other uses, see Samba
(disambiguation).
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250
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Samba

Stylistic origins Batuque

Polka
Maxixe
Lundu
Xote
Various urban styles of
Brazilian music

Mainstream Brazil and widespread

popularity elsewhere

Fusion genres

Samba-amaxixade
Samba-rock

Other topics

Brazilian Carnival.com, samba school

Samba parade at Rio de Janeiro, 2008.

Samba (Portuguese pronunciation: [ˈsɐ̃bɐ] [ listen (help·info)]) is
a Brazilian dance andmusical genre originating in African roots. It is recognized
around the world as a symbol of Brazil and the Brazilian Carnival. Considered

251
one of the most popular Brazilian cultural expressions, the samba has become
an icon of Brazilian national identity.[1][2][3] The Bahian samba de roda (dance
circle), which became a UNESCOHeritage of Humanity in 2005, is the main root
of the samba carioca, the samba that is played and danced in Rio de Janeiro.

Samba rhythm[4].
The modern samba that emerged from the beginning of the century rate is
basically 2/4 tempo and varied, with conscious use of the possibilities of chorus
sung to the sound of palms and batucada rhythm, and which would add one or
more parts, or offices of declamatory verses. Traditionally, the samba is played
by strings (cavaquinho and various types of guitar) and various percussion
instruments such astamborim. By influence of American orchestras in vogue
since the Second World War and the cultural impact of US music post-war,
began to be used also as instruments trombones and trumpets, and the
influence choro, flute and clarinet.

In addition to rhythm and bar set musically, historically brings in itself a whole
culture of food (dishes for specific occasions), dances varied (miudinho, coco,
samba de roda, pernada), parties, clothes (shoe nozzle fine, linen shirt, etc), and
the NAIF painting of established names such as Nelson Sargento, Guilherme de
Brito and Heitor dos Prazeres, and anonymous artists community (painters,
sculptors, designers and stylists) that makes the clothes, costumes, carnival
floats and cars opens the wings of schools of samba.

The Samba National Day is celebrated on December 2. The date was

established at the initiative of a Alderman of Salvador, Luis Monteiro da Costa, in
honor of Ary Barroso, which was composed "Na Baixa do Sapateiro" - although
he had never been in Bahia. Thus, on December 2 marked the first visit of the
Ary Barroso to Salvador. Initially, this day was celebrated only in Salvador, but
eventually turned into a national day.

Contents
[hide]

• 1 History

252
 o 1.1 Background
 1.1.1 Origins of the word samba
 1.1.2 Favela and Tias Baianas
 1.1.3 Scenes in Bahia and São Paulo
o 1.2 The first decades of the twentieth century
 1.2.1 "Pelo Telefone"
 1.2.2 Turma do Estácio
o 1.3 Popularization in the 1930's and 1940's
o 1.4 A new beat in the 1950's: the Bossa Nova
o 1.5 Rediscovered of the samba's roots in the 1960s and 1970s
 1.5.1 Rapprochement with the hill
 1.5.2 A fusion: the samba-funk
 1.5.3 Partido-Alto for the masses
o 1.6 1980s until 1990s
o 1.7 Samba in the 21st century
• 2 Instruments of samba
o 2.1 Basics
o 2.2 Others
• 3 See also
• 4 Notes
• 5 References

• 6 External links
[edit]History

[edit]Background
[edit]Origins of the word samba

253
 The Batuque practiced in Brazil of the 19th century, in apainting by Butter.
Although samba exists throughout the big, multiraced country—especially in the
states of Bahia, Maranhão, Minas Gerais, and São Paulo—in the form of various
popular rhythms and dances that originated from the regional batuque, a type of
music and associated dance form from Cape Verde, the samba is a particular
musical expression of urban Rio de Janeiro, where it was born and developed
between the end of the 19th century and the first years of the 20th. It was in Rio
that the dance practiced by former slaves who migrated from Candy land in the
northeast came into contact and incorporated other genres played in the city
(such as the polka, the maxixe, the lundu, and the xote, among others), acquiring
a completely unique character and creating the samba carioca urbana (samba
school) and carnavalesco(Carnaval school director).[3] In reality, the samba
schools are large organizations of up to 5000 people which compete annually in
theCarnival with thematic floats, elaborate costumes and original music.

During the first decade of the 20th century, some songs under the name of
samba were recorded, but these recordings did not achieve great popularity.
However, in 1917 "Pelo Telefone" ("By Phone") was recorded, which is
considered the first true samba. The song was claimed to be authored by
Ernesto dos Santos, best known as Donga, with co-composition attributed to
Mauro de Almeida, a well-known Carnaval columnist. Actually, "Pelo Telefone"
was created by a collective of musicians who participated in celebrations at the
house of Tia Ciata (Aunt Ciata); it was eventually registered by Donga and the
Almeida National Library.[3]

254
"Pelo Telefone" was the first composition to achieve great success with the style
of samba and to contribute to the dissemination and popularization of the genre.
From that moment, samba started to spread across the country, initially
associated with Carnivaland then developing its own place in the music market.
There were many composers such as Heitor dos Prazeres, João da
Bahiana, Pixinguinha and Sinhô, but the sambas of these composers were
"amaxixados" (a mix of maxixe), known as sambas-maxixes.[3]

The contours of the modern samba came only at the end of the 1920s, from the
innovations of a group of composers of carnival blocks in the neighborhoods of
Estácio de Sá and Osvaldo Cruz, and the hills of Mangueira, Salgueiro and São
Carlos. Since then, there have been many great names in samba, such
as Ismael Silva, Cartola, Ary Barroso, Noel Rosa, Ataulfo Alves,Wilson
Batista, Geraldo Pereira, Zé Kéti, Candeia, Ciro Monteiro, Nelson
Cavaquinho, Elton Medeiros, Paulinho da Viola,Martinho da Vila, and many
others.[3]

As the samba consolidated as an urban and modern expression, it began to be

played on radio stations, spreading across the hills and neighborhoods to the
affluent southern areas of Rio de Janeiro. Initially viewed with prejudice and
discriminated against because of its black roots, the samba, because of its
hypnotic rhythms and melodic intonations, as well as its playful lyrics, eventually
conquered the white middle class as well. Derived from samba, other musical
genres earned themselves names such as samba-canção, partido alto, samba-
enredo, samba de gafieira, samba de breque, bossa nova, samba-rock, pagode,
and many others. In 2007, the IPHAN turned the into a Samba a Cultural
Heritage of Brazil.[3]

The samba is frequently associated abroad with the football and Carnival. This
history began with the international success of "Aquarela do Brasil," by Ary
Barroso, followed with Carmen Miranda (supported by Getúlio
Vargas government and the US Good Neighbor policy), which led to the
samba United States, went further by bossa nova, which finally entered the
country in the world of music. The success of the samba in Europe and Japan
only confirms its ability to win fans, regardless of language. Currently, there are
hundreds of samba schools held on European soil (scattered by countries
like Germany, Belgium, Netherlands,France, Sweden, Switzerland). Already in
Japan, the records invest heavily in the launch of former Sambistas set of discs,

255
which eventually create a market comprised solely of catalogs of Japanese
record labels.[3]

There are several versions about the birth of the word "samba". One of them
claims to be from the words "Zambra" or "Zamba", come from Arabic, having
been born more precisely when invasion of the Moors to Iberian Peninsula in VIII
century. Another says it is originating from one of many African languages,
possibly the Kimbundu,
where "sam" means "give" and "ba" means"receive" or "thing falls".

In Brazil, folklorists suggest that the word "samba" is a corruption of

the Kikongo word "Semba", translated as "umbigada" in Portuguese, meaning "a
blow struck with the belly button".[5]

One of the oldest records of the word samba appeared

in magazine's Pernambuco O Carapuceiro, dated February of 1838, when Father
Miguel Lopes Gama of Sacramento wrote against what he called the "samba
d'almocreve" - not referring to future musical genre, but a kind of merriment
(dance drama) popular for blacks of that time. According to Hiram Araújo da
Costa over the centuries, the festival of dances of slaves in Bahia were
called "samba".

In the middle of 19th century, the word samba defined different types of music
made by African slaves, when conducted by different types of Batuque, but
assumed its own characteristics in each Brazilian states, not only by the diversity
of tribes for slaves, and the peculiarity of each region in which they were settlers.
Some of these popular dances were known: bate-baú, samba-corrido, samba-de-
roda, samba-de-Chave and samba-de-barravento in Bahia; coco in Ceará;
tambor-de-crioula (or ponga) in Maranhão; trocada, coco-de-parelha, samba de
coco and soco-travado in Pernambuco; bambelô in Rio Grande do Norte;
partido-alto, miudinho, jongo and caxambu in Rio de Janeiro; samba-lenço,
samba-rural, tiririca, miudinho and jongo in São Paulo.[1]

[edit]Favela and Tias Baianas

From the second half of 19th century, as people black and mestiza in Rio de
Janeiro - from various parts of the Brazil, mainly inBahia, as well as ex-
soldiers of War of Canudos the end of that century - grew, these people the
vicinity of Morro da Conceição, Pedra do Sal, Praça Mauá, Praça Onze, Cidade
Nova, Saúde and Zona Portuária. These stands form poor communities that

256
these people called themselves the favelas (later the term became synonymous
with irregular buildings of poor).

These communities would be the scene of a significant part of Brazilian black

culture, particularly with respect to Candomblé andsamba amaxixado that time.
Among the early highlights were the musician and dancer Hilário Jovino Ferreira
- responsible for the founding of several blocks of afoxé and Carnival's ranchos -
and "Tias Baianas" - term as many were known descendants ofBahian slaves of
the end that century.

Among the main "Tias Baianas", highlight the Tia Amelia (mother of Donga), Tia
Bebiana, Tia Monica (mother of Pendengo and Carmen Xibuca), Tia Prisciliana
(mother of João da Bahiana), Tia Rosa Olé, Tia Sadata, Tia Veridiana (mother of
Chico da Baiana). Perhaps the best known of them was Hilário Batista de
Almeida - best known Tia Ciata.[1]

Thus, as the samba and musical genre born in the houses of "Tias
Baianas" (Bahian aunts) in beginning of 20th century, as a descendant of the
style lundu of the candomblé de terreiro parties between umbigada (Samba)
and capoeira's pernadas, marked in pandeiro, prato-e-faca (plate-and-knife) and
in and the palm of the hand. There are some controversies about the
word samba-raiado, one of the first appointments to the samba. It is known that
the samba-raiado is marked by the sound and accent sertanejos / rural brought
by "Tias Baianas" to Rio de Janeiro. According to João da Baiana, the samba-
raiado was the same aschula raiada or samba de partido-alto. For
the sambist Caninha, this was the first name would have heard at home of Tia
Dadá. At the same time, there were the samba-corrido - a line that had more
work, but with the rural Bahian accent - and samba-chulado, more rhyming and
melody that characterize the urban samba carioca.[1]

[edit]Scenes in Bahia and São Paulo

257
Pandeiro and cavaco, the nucleus of common samba instrumentation
The urban carioca samba is the anchor 20th century as the "Brazilian samba" par
excellence. However, before this type of samba was to consolidate as
the "national samba" in Brazil, there were traditional forms of sambas
in Bahia and São Paulo.

The rural Bahia samba acquired additional names as choreographic variations -

for example, the "samba-de-chave", where the soloist dancer faking looking
wheel in the middle of a key, and when found, was replaced. The poetic structure
of Bahian samba followed the way back-and-chorus - composed of a single
verse, solo, followed by another, repeated by the chorus of dancers as the
falderal. No chorus, the samba is called samba-corrido, variant uncommon.
The chants were taken by one singer, one of the musicians or soloist dancer.
Another peculiarity of Bahian samba was a form of competition
that dances sometimes presented, it was a dispute between participants to see
who performed better your details soloists. Besides the umbigada, common to all
the bahianian samba, the Bahia presented three basic steps: corta-a-
joca, separa-o-visgoand apanha-o-bag. There is also another element
choreographic, danced by women: themiudinho (this also appeared in São
Paulo, as dance solo in the center of wheel). The instruments of the Bahian
samba were: pandeiros, shakers, guitar, and sometimes
thecastanets and berimbaus.[1]

In São Paulo state, samba became the domain black to caboclo. And in rural
area, can provide without the traditional umbigada. There are also other
choreographic variations, the dancers may be available in rows opposite - men

258
on one side, women in another. The instruments of the samba paulista
were: violas, adufes e pandeiros. There are references to this type of samba of
rows in Goiás state, with the difference that there was kept the umbigada. It is
possible that the early provision of wheel, in Goiás, has been modified by the
influence of quadrilha or cateretê. According to historian Luís da Câmara
Cascudo, it is possible to observe the influence of city in the samba, by the fact
that it is also danced by pair connections.[1]

[edit]The first decades of the twentieth century

[edit]"Pelo Telefone"
Grandmother of the composer Bucy Moreira, Tia Ciata was responsible for the
sedimentation of samba carioca. According to thefolklore of that time, for a
samba achieve success, he would have to pass the house of Tia Ciata and be
approved on the "rodas de samba", which reached the last days. Many
compositions were created and sung in improvisation, where the samba "Pelo
Telefone" (from Donga and Mauro de Almeida), samba for which there were also
many other versions, but to come to the history of Brazilian music as the first
samba to be recorded in 1917.[1]

Meanwhile other recordings have been recorded as samba before "Pelo

Telefone", this composition was done by double Donga / Mauro de Almeida who
is regarded as founder of the genus in March. Still, the song is written and
discussed its proximity to themaxixe made it finally designated as samba-maxixe.
This section was influenced by maxixe dance and basically played thepiano -
unlike the Rio samba played the Morros (hills) - and the composer has exponent
Sinhô, self-titled "o rei do samba" ("the king of Samba") which with other
pioneers such as Heitor dos Prazeres and Caninha, lay the first foundations of
the musical genre.[2]

[edit]Turma do Estácio

259
 Cartola, one of greatest cariocasambists ever.
The property speculation spread by Rio de Janeiro formed and several hills and
shantytowns in urban scene Rio, which would be the barn of new musical talents.
Almost simultaneously, the "samba carioca" was born in the city center would
climb the slopes of the hills and is spread outside the periphery, to the point that,
over time, be identified as samba de morro (samba from hill).

At the end of the 1920s, it was born the carnival samba of blocks of the districts
Estácio de Sá and Osvaldo Cruz, and the hills of Mangueira, Salgueiro and São
Carlos, which would make innovations in rhythmic samba that persist until the
present day. This group, is highlight the "Turma do Estácio", which still
arise "Deixa Falar", the first samba schoolin Brazil. Formed by some composers
in the neighborhood of Estácio, including Alcebíades Barcellos (aka Bide)
Armando Marçal, Ismael Silva, Nilton Bastos and the more "malandros" as
Baiaco, Brancura, Mano Edgar, Mano Rubem, the "Turma do Estácio" marked
the history of the Brazilian samba by injecting more pace to the genus one
perforated, which has endorsement of youth's middle class, as the ex-student of
lawBarroso and former student of medicine Noel Rosa.[2]

Initially a "rancho carnavalesco", then a Carnival's Block and finally, a samba

school, the"Deixa Falar" was the first to Rio Carnival parade in the sound of an
orchestra made up of percussion surdos, tambourines and cuícas, who
joined pandeiro and shakers. This group was instrumental called "bateria" and

260
lends itself to the monitoring of a type of samba that was quite different from
those of Donga, Sinhô and Pixinguinha. The samba of Estácio de Sá signed up
quickly as the samba carioca par excellence.

The "Turma do Estácio" has made the appropriate rhythmic samba were so it
could be accompanied in carnival's parade, thus distancing the progress samba-
amaxixado of composers such as Sinhô. Moreover, its wheels of samba were
attended by composers from other Rio hills, as Cartola, Carlos Cachaça and
then Nelson Cavaquinho e Geraldo Pereira, Paulo da Portela, Alcides Malandro
Histórico, Manacéia, Chico Santana, and others. Accompanied by a pandeiro, a
tambourine, a cuíca and a surdo, they created and spread the samba-de-morro.

[edit]Popularization in the 1930's and 1940's

Brazilian actress Carmen Miranda helped popularizing samba internationally.

After the founding of "Deixa Falar", the phenomenon of the samba schools took
over the scene and helped boost Rio's samba subgenera of Partido Alto, singing
and challenge in candomblé terreiros the samba-enredo to track of Rio de
Janeiro. carnival parades.

From the 1930s, the popularization of radio in Brazil helped to spread the samba
across the country, mainly the sub-genres samba-canção and samba-exaltação.
Thesamba-canção was released in 1928 with the recording "Ai, yo-yo"by Aracy
Cortes. Also known as samba half of the year, the samba-canção has become
established in the next decade. It was a slow and rhythmic samba music and had

261
an emphasis on melody and generally easy acceptance. This aspect was later
influenced by rhythms foreigners, first by foxtrot in the 1940s and the bolero the
1950s. Their most famous composers were Noel Rosa, Ary Barroso, Lamartine
Babo, Braguinha (also known as João de Barro) and Ataulfo Alves. Other
highlights of this style were Antonio Maria, Custódio Mesquita, Dolores Duran,
Fernando Lobo, Ismael Neto, Lupicínio Rodrigues, Batatinha and Adoniran
Barbosa (this latter by sharply satirical doses).[1][2]

The ideology of Getúlio Vargas's Estado Novo contaminated the scene of the
samba, beside the samba-exaltação. With "Aquarela do Brasil", composed
by Ary Barrosoand recorded by Francisco Alves in 1939, the samba-
exaltação had become the first success abroad. This kind of samba was
characterized by extensive compositions of melody and patriotic verses. Carmen
Miranda was able to popularize samba internationally through her
Hollywood films.

With the support of the Brazilian president Getúlio Vargas, the samba won status
the "official music" of Brazil. But this status of national identity also came the
recognition of intellectual Heitor Villa-Lobos, who arranged a recording with the
maestro Leopold Stokowski in 1940, which involved Cartola, Donga, João da
Baiana, Pixinguinha and Zé da Zilda.[1]

Also in the 1940s, there arose a new crop of artists: Francisco Alves, Mário Reis,
Orlando Silva, Silvio Caldas, Aracy de Almeida, Dalva de Oliveira, and Elizeth
Cardoso, among others. Others such as Assis Valente, Ataulfo Alves, Dorival
Caymmi,Herivelto Martins, Pedro Caetano, and Synval Silva led the samba to
the music industry.[2]

[edit]A new beat in the 1950's: the Bossa Nova

262
 João Gilberto, the "father" ofbossa nova.
A movement was born in the south area of Rio de Janeiro and strongly
influenced by jazz, marking the history of samba and Brazilian popular music in
the 1950s. The bossa novaemerged at the end of that decade, with an original
rhythmic accent—which divided the phrasing of the samba and added influences
of impressionist music and jazz—and a different style of singing, intimate and
gentle. After precursors as Johnny Alf, João Donato and musicians as Luis
Bonfá and Garoto, this sub-genre was inaugurated by João Gilberto, Tom
Jobim and Vinicius de Moraes, and would have a generation of disciples,
followers andCarlos Lyra, Roberto Menescal, Durval Ferreira and groups
as Tamba Trio, Bossa 3, Zimbo Trio and The Cariocas.[1]

The sambalanço also began at the end of the 1950s. It was a branch of the
popular bossa nova (most appreciated by the middle class) which also mingled
samba rhythms and American jazz. Sambalanço was often found at suburban
dances of 1960s, 1970s and 1980s. This style was developed by artists such
as Bebeto, Bedeu, Scotland 7, Djalma Ferreira, the Daydreams, Dhema, Ed
Lincoln, Elza Soares, and Miltinho, among others. In the 21st century, groups
such as Funk Como Le Gusta and Clube do Balanço continue to keep this sub-
genre alive.

[edit]Rediscovered of the samba's roots in the 1960s and 1970s

In the 1960s, Brazil became politically divided with the arrival of a military
dictatorship, and the leftist musicians of bossa novastarted to gather attention to

263
the music made in the favelas. Many popular artists were discovered at this time.
Names likeCartola, Nelson Cavaquinho & Guilherme de Brito, Velha Guarda da
Portela, Zé Keti, and Clementina de Jesus recorded their first albums.[1]

In the 1970s, samba returned strongly to the air waves with composers and
singers like Paulinho da Viola, Martinho da Vila,Clara Nunes, and Beth
Carvalho dominating the hit parade. Great samba lyricists like Paulo César
Pinheiro (especially in the praised partnership with João Nogueira) and Aldir
Blanc started to appear around that time.

[edit]Rapprochement with the hill

Vinicius de Moraes...

... and Baden Powelltranscend the bossa novabeat by syncretizing Afro-Brazilian

forms such asCandomblé, Umbanda andCapoeira.
With bossa nova, samba is further away from its popular roots. The influence
of jazz is deepened and techniques have been incorporated classical music.
From a festival in Carnegie Hall of New York, in 1962, the bossa nova reached
worldwide success. But over the 1960s and 1970s, many artists who emerged—
like Chico Buarque, Billy Blanco, Martinho da Vilaand Paulinho da Viola—
advocated the return of the samba beat its traditional, with the return of veterans

264
as Candeia, Cartola, Nelson Cavaquinho e Zé Kéti. In the early the 1960s was
the"Movement for Revitalization of Traditional Samba", promoted by Center for
Popular Culture, in partnership with the Brazilian National Union of Students. It
was the time of the appearance of the bar Zicartola of the samba shows at the
Teatro de Arena and the Teatro Santa Rosa and musical as "Rosa de Ouro".
Produced by Herminio Bello de Carvalho, the "Rosa de Ouro" revealed Araci
Cortes and Clementina de Jesus. During the sixties, some samba groups
appeared and formed by previous experiences with the world of samba and
songs recorded by great names of Brazilian music. Among them were The Cinco
Crioulos, The Voz do Morro, Mensageiros do Samba and The Cinco Só.[1]

By that time, emerged a dissent within the bossa nova with afro-sambas,
by Baden Powell andVinicius de Moraes. Moreover, the movement approached
traditional sambistas revised the samba of the hill, especially Cartola, Elton
Medeiros, Nelson Cavaquinho, Zé Kéti and further Candeia, Monarco, Monsueto
and Paulinho da Viola.[1] Following the steps of Paulo da Portela, that
intermediate the relationship of the hill with the city where the samba was
pursued, Paulinho da Viola—also the Portela samba school—would be a sort of
ambassador of traditional gender before a more public art, including
the tropicalists. Also within the bossa nova appears Jorge Ben; his contribution to
merge with American rhythm and blues, which would further the emergence of a
subgenus called swing (or samba-rock).[2]

Outside the main scene of the so-called Brazilian Popular Music festivals, the
sambists found the Bienal do Samba, in the late sixties, the space for the big
names of the genus and followers. Even in the final decade, came the so-
called samba-empolgação 'samba-excitement' of carnival blocksBafo da
Onça, Cacique de Ramos, and Boêmios de Irajá.[1]

[edit]A fusion: the samba-funk

Also in the 1960s, came the samba funk. The samba-funk emerged at the end of
the 1960s with pianist Dom Salvador and its group, which merge the samba with
American funk newly arrived in the Brazilian lands. With the final journey of Dom
Salvador forUnited States, the band closed the business, but at the beginning of
1970s some ex-members as hit Luiz Carlos, José Carlos Barroso and Oberdan
joined Christopher Magalhaes Bastos, Jamil Joanes, Cláudio Lúcio da Silva
Stevenson and to form Banda Black Rio. The new group has deepened the work

265
of Don Salvador in the binary mixture of the bar with the Brazilian samba funk of
the American Quaternary, based on the dynamics of implementation, driven by
drums and bass. Even after the Banda Black Rio in 1980s, British djs began to
disclose the group's work was rediscovered and pace throughout the Europe,
mainly in UK andGermany.[1]

[edit]Partido-Alto for the masses

At the turn of the 1960s to the 1970s, the young Martinho da Vila would give a
new face to the traditional sambas-enredo established by authors such as Silas
de Oliveira and Mano Decio da Viola, compressing them and expanding its
potential in the music market. Furthermore, Martin popularize the style of
the Partido alto (with songs like "Casa de Bamba" and "Pequeno Burguês"),
launched on its first album in 1969.

Although the term arose in the beginning of century in Tia Ciata house (initially to
describe instrumental music), the term partido alto came to be used to signify a
type of samba which is characterized by a highly percussive beat of pandeiro,
using the palm of the hand in the center of the instrument in place. The harmony
of Partido alto is always higher in pitch, usually played by a set of percussion
(usually surdo, pandeiro, and tambourine) and accompanied by
a cavaquinho and/or a guitar. But from this high-assimilated by the record
industry was made of written soil, and no more spontaneous and improvised,
according to traditional canons.

Also in that decade, some popular singers and composers appeared in the
samba, as Alcione, Beth Carvalho, Clara Nunes. As highlighted in city of São
Paulo, Geraldo Filme was one of the leading names in samba paulistano, next to
Germano Mathias, Osvaldinho of Cuíca, Tobias da Vai-Vai, Aldo Bueno,
and Adoniran Barbosa; this latter has duly recognized nationally before being
recalled and rewritten more often in the seventies.

[edit]1980s until 1990s

266
Zeca Pagodinho, one of popular contemporany sambists.
In the early 1980s, after having been eclipsed by the popularity
of disco and Brazilian rock, Samba reappeared in the media with a musical
movement created in the suburbs of Rio de Janeiro. It was the pagode, a
renewed samba, with new instruments—like the banjo and thetan-tan—and a
new language that reflected the way that many people actually spoke with the
inclusion of heavy gíria (slang). The most popular artists were Zeca
Pagodinho, Almir Guineto,Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão, and Jovelina
Pérola Negra.[6]

In 1995, the world saw come out from Savador one of the moust
popular Pagode group, theGera Samba, later renamed É o Tchan. This group
created the most sexual dannce of the Pagode from 1990s, a music with a
strange like. Some groups like Patrulha do Samba andHarmonia do Samba, also
mixtured a bit of Axé. Samba, as a result, morphed during this period, embracing
types of music that were growing popular in the Caribbean such as rap,reggae,
and rock. Examples of Samba fusions with popular Caribbean music is samba-
rap,samba-rock and samba-reggae, all of which were efforts to not only entertain,
but to unify all Blacks throughout the Americas culturally and politically, through
song. In other words, samba-rap and the like, often carried lyrics that encouraged
Black pride, and spoke out against social injustices.[7] Samba, however, is not
accepted by all as the national music of Brazil, or as a valuable art form. What
appears to be new is the local response flow, in that instead of simply
assimilating outside influences into a local genre or movement, the presence of

267
foreign genres is acknowledged as part of the local scene: samba-rock, samba-
rap. But this acknowledgment does not imply mere imitation of the foreign
models or, for that matter, passive consumption by national audiences. Light-
skinned, "upper-class," Brazilians often associated Samba with dark-skinned
blacks because of its arrival from West Africa. As a result, there are some light-
skinned Brazilians who claim that samba is the music of low-class, dark-skinned
Brazilians and, therefore, is a "thing of bums and bandits." [8]

Samba continued to act as a unifying agent during the 1990s, when Rio stood as
a national Brazilian symbol. Even though it was not the capital city, Rio acted as
a Brazilian unifier, and the fact that samba originated in Rio helped the unification
process. In 1994, the World Cup had its own samba composed for the occasion,
"Copa 94." The 1994 FIFA World Cup, in which samba played a major cultural
role, holds the record for highest attendance in World Cup history. Samba is
thought to be able to unify because individuals participate in it regardless of
social or ethnic group. Today, samba is viewed as perhaps the only uniting factor
in a country fragmented by political division [9].

The Afro-Brazilians played a significant role in the development of the samba

over time. This change in the samba was an integral part of Brazilian nationalism,
which was called "Brazilianism".

"What appears to be new is the local response to that flow, in that instead of
simply assimilating outside influences into a local genre or movement, the
presence of foreign genres is acknowledged as part of the local scene: samba-
rock, samba-reggae, samba-rap. But this acknowledgment does not imply mere
imitation of the foreign models or, for that matter, passive consumption by
national audiences." — Gerard Béhague Selected Reports in Ethnomusicology )
Pg. 84

[edit]Samba in the 21st century

From year 2000, there were some artists who were looking to reconnect most
popular traditions of samba. Were the cases of Marquinhos of Oswaldo Cruz,
Teresa Cristina among others, that contributed to the revitalization of the region
of Lapa, in the Rio de Janeiro. In São Paulo, samba resumed the tradition with
concerts in Sesc Pompéia Club and also by the work of several groups, including
the group Quinteto em Branco e Preto who developed the event "Pagode da
Vela" ("Pagoda of Sail"). This all helped to attract many artists from Rio de

268
Janeiro, who shows, established residence in neighborhoods of the capital
paulistana.

In 2004, the minister of culture Gilberto Gil submitted to the Unesco the
application of damping off of samba as Cultural Heritage of Humanity in category
"Intangible Goods" by Institute of National Historical and Artistic Heritage. In the
following year, the samba-de-roda of Baiano Recôncavo was proclaimed part of
the Heritage of Humanity by Unesco, in the category of "Oral and intangible
expressions."

In 2007, IPHAN gave the official record, the Book of Registration of Forms of
Expression, the matrices of the samba of Rio de Janeiro: samba de
terreiro, partido-alto e samba-enredo.Samba ( pronunciation (help·info)) is a
Brazilian dance and musical genre originating in African and European roots. The
word is derived from the Portuguese verb sambar, meaning "to dance to rhythm."
It is a worldwide recognized symbol of Brazil and the Carnival and is the national
dance of Brazil. Considered one of the most popular Brazilian cultural
expressions, the samba has become an icon of Brazilian national identity.[1][2][3]
The Bahian samba de roda (dance circle), which became a UNESCO Heritage of
Humanity in 2005, was a basis of the samba carioca, the samba that is played
and danced in Rio de Janeiro.

Although samba exists throughout the country—especially in the states of Bahia,

Maranhão, Minas Gerais, and Sao Paulo—in the form of various popular rhythms
and dances that originated from the regional batuque, a type of music and
associated dance form from Cape Verde, the samba is a particular musical
expression of urban Rio de Janeiro, where it was born and developed between
the end of the 19th century and the first decades of the 20th century. It was in
Rio that the dance practiced by former slaves who migrated from Bahia in the
northeast came into contact and incorporated other genres played in the city
(such as the polka, the maxixe, the lundu, and the xote, among others), acquiring
a completely unique character and creating the samba carioca urbana (samba
school) and carnavalesco (Carnaval school director).[3] In reality, the samba
schools are large organizations of up to 5000 people which compete annually in
the Carnival with thematic floats, elaborate costumes and original music.

During the 1910s, some songs under the name of samba were recorded, but
these recordings did not achieve great popularity; however, in 1917, was

269
recorded in disc "Pelo Telefone" ("By Phone"), which is considered the first
samba. The song has the authority claimed by Ernesto dos Santos, best known
as Donga, with co-authors attributed to Mauro de Almeida, a known carnaval
columnist. Actually, "Pelo Telefone" was creating a collective of musicians who
participated in the celebrations of the house Tia Ciata (Ciata aunt), but eventually
registed by Donga and the Almeida National Library.[3]

"Pelo Telefone" was the first composition to achieve success with the brand of
samba and contribute to the dissemination and popularization of the genre. From
that moment, samba started to spread across the country, initially associated
with Carnival and then buying a place in the music market. There were many
composers as Heitor dos Prazeres, João da Bahia, Pixinguinha and Sinhô, but
the sambas of these composers were "amaxixados" (a mix of maxixe), known as
sambas-maxixes.[3]

The contours of the modern samba came only at the end of the 1920s, from the
innovations of a group of composers of carnival blocks of neighborhoods of
Estácio de Sá and Osvaldo Cruz, and the hills of Mangueira, Salgueiro and São
Carlos. Since then, there were great names in samba, and some as Ismael Silva,
Cartola, Ary Barroso, Noel Rosa, Ataulfo Alves, Wilson Batista, Geraldo Pereira,
Zé Kéti, Candeia, Ciro Monteiro, Nelson Cavaquinho, Elton Medeiros, Paulinho
da Viola, Martinho da Vila, and many others.[3]

As the samba is consolidated as an urban and modern expression, he began to

be played in radio stations, spreading the hills and neighborhoods to south area
of Rio de Janeiro. Initially viewed with prejudice and criminalized by their black
backgrounds, the samba to conquer the public middle class as well. Derived from
samba, other musical earned themselves names such as samba-canção, partido
alto, samba-enredo, samba de gafieira, samba de breque, bossa nova, samba-
rock, pagode, and many others. In 2007, the IPHAN became the Samba a
Cultural Heritage of Brazil.[3]

The samba is the most popular musical genre in Brazil, well known associated
abroad with the football and Carnival. This history began with the international
success of "Aquarela do Brasil," by Ary Barroso, followed with Carmen Miranda
(supported by Getúlio Vargas government and the US Good Neighbor policy),
which led to the samba United States, went further by bossa nova, which finally
entered the country in the world of music. The success of the samba in Europe

270
and Japan only confirms its ability to win fans, regardless of language. Currently,
there are hundreds of samba schools held on European soil (scattered by
countries like Germany, Belgium, Netherlands, France, Sweden, Switzerland).
Already in Japan, the records invest heavily in the launch of former Sambistas
set of discs, which eventually create a market comprised solely of catalogs of
Japanese record labels.[3]

The modern samba that emerged from the beginning of the century rate is
basically 2/4 tempo and varied, with conscious use of the possibilities of chorus
sung to the sound of palms and batucada rhythm, and which would add one or
more parts, or offices of declamatory verses. Traditionally, the samba is played
by strings (cavaquinho and various types of guitar) and various percussion
instruments such as tambourine. By influence of American orchestras in vogue
since the Second World War and the cultural impact of US music post-war,
began to be used also as instruments trombones and trumpets, and the influence
choro, flute and clarinet.

In addition to rhythm and bar set musically, historically brings in itself a whole
culture of food (dishes for specific occasions), dances varied ((miudinho, coco,
samba de roda, pernada), parties, clothes (shoe nozzle fine, linen shirt, etc), and
the NAIF painting of established names such as Nelson Sargento, Guilherme de
Brito and Heitor dos Prazeres, and anonymous artists community (painters,
sculptors, designers and stylists) that makes the clothes, costumes, carnival
floats and cars opens the wings of schools of samba.

The Samba National Day is celebrated on December 2. The date was

established at the initiative of a Alderman of Salvador, Luis Monteiro da Costa, in
honor of Ary Barroso, which was composed "Na Baixa do Sapateiro" - although
he had never been in Bahia. Thus, on December 2 marked the first visit of the
Ary Barroso Salvador. Initially, this day was celebrated only Samba in Salvador,
but eventually turned into a national day.

[edit]Instruments of samba

[edit]Basics

40. chocalho
41. reco-reco
42. Cavaquinho

271
 43. Guitar
44. Pandeiro
45. Surdo
46. Tamborin
47. Tantã
48. Repinique/Repique
49. Snare Drum/Caixa/Tarol
50. Ago-go
51. Ganza/Chocalho

[edit]Others

Swung note
From Wikipedia, the free encyclopedia
(Redirected from Shuffle (music))
"Swing time" redirects here. For the film, see Swing Time (1936 film).

It has been suggested that Rosanna shuffle be merged into this article or section.
(Discuss)

Blues shuffle or boogie played on guitar in E major[1] ( Play (help·info)).

In music, a swung note or shuffle note is a performance practice, mainly in jazz-
influenced music, in which some notes with equal written time values are performed with
unequal durations, usually as alternating long and short. It follows similar principles to
notes inégales of the Baroque and Classical music eras. A swing or shuffle rhythm is the
rhythm produced by playing repeated pairs of notes in this way.[2] Lilting can refer to
swinging, but might also indicate syncopation or other subtle ways of interpreting and
shaping musical time. A blues shuffle or shuffle pattern is a boogie groove.

Shuffle notation in straight eighths (in drum set notation[3]) play (help·info)

Shuffle triplet-like performance play (help·info).

In shuffle rhythm, the first note in the pair is exactly twice the duration of the second
note. In swing the division is inexact, and varies depending on factors such as how fast or
slow the music is, on the genre of music, or the individual tastes of the performer, from
almost equal (typically at fast tempos) to almost shuffle (typically at slow tempos).

272
Shuffle pattern with staggered thirds played on piano[4] ( Play (help·info)).
In most styles of music that use swing rhythm, the music is written with straight eighth
notes, with an implicit understanding that eighth notes should be played with swing feel.
In jazz, the verb "to swing" is also used as a term of praise for playing that has a strong
rhythmic "groove" or drive. See also swing (genre) for the 1930s-1940s jazz style, and
swing (dance) for styles of dance from that same era.
Contents [hide]
1 Types
2 Rhythm
2.1 Styles
2.2 Transcription
3 See also
4 Further reading
5 References
[edit]Types

Basic shuffle rhythm play (help·info)

Triplets are used in many styles of music including blues, rock and country[5]. The basic
shuffle rhythm is created by "leaving out (resting) the middle note of each three-note
triplet group."[5] This "triplet" idea allows composers and improvising soloists to include
triplets in the melody without clashing with any rhythm patterns.
In most jazz music, especially of the big band era, and later, there is a convention that
pairs of written eighth notes are not played equally--as the notation would otherwise be
understood--but with the first longer than the second. The first note of each of these pairs
is often understood to be twice as long as the second, implying a quarter note-eighth note
triplet feel, but in practice the difference is rarely that pronounced[6]. Swing eighth notes
are generally played legato (slurred). Accenting the "and" between each beat slightly is
also a common swing characteristic.

Hard swing (3:1): dotted eighth-sixteenth.

Various Rhythmic Swing Approximations:
1:1 = eighth note + eighth note, "straight eighths." (accent the "and") play rhythm from
introduction with no shuffle, as straight eighths (help·info)
3:2 = long eighth + short eighth, "swing" or "shuffle" play example with light swing
(help·info)
2:1 = triplet quarter note + triplet eighth, triple meter; "medium swing" or "medium
shuffle" play example (help·info)
3:1 = dotted eighth note + sixteenth note; "hard swing", or "hard shuffle" play example
with hard swing (help·info)
In true swing feel, the ratio lies somewhere between 1:1 and 2:1, and can vary
considerably.

273
Swing feel is an assumed convention of notation in many styles of jazz, but usually does
not apply to jazz before the early 1930s[citation needed], or latin jazz. In big band, blues,
bebop, and contemporary jazz, swing feel is assumed, unless "shuffle" is explicitly
specified in the score. Notes that are not swung are called straight notes.
The subtler end of the range involves treating written pairs of eighth notes as slightly
asymmetrical pairs of similar values. On the other end of the spectrum, the "dotted eighth
- one sixteenth" rhythm, consists of a long note three times as long as the short. Prevalent
"dotted rhythms" such as these in the rhythm section of dance bands in the mid 20th
century are more accurately described as a "shuffle"[citation needed]; they are also an
important feature of baroque dance and many other styles. Rhythms identified as swung
notes most commonly fall somewhere between straight eighths and a quarter-eighth
triplet pattern.
Swing ratios tend to get wider at slower tempos and narrower at faster tempos. Miles
Davis varied his swing ratios, frequently delaying the first note of each pair of eighth
notes by some milliseconds and then synchronized the second eighth note with the
drummer's swing eighths being played on the cymbal. Advanced performers often lay
back or play behind the beat when performing jazz melodies by delaying the rhythms by
milliseconds.
Quarter notes can sound swung when they are played slightly behind the beat, detached,
and accented on the two and four, or late on one and three, but closer to the beat on two
and four. Phrases swing when they begin between the beats, similar to how straight
eighths can swing when they are behind the beat which creates an asymmetrical cross
rhythm.
[edit]Rhythm

In jazz, this interpretive device is assumed in most written music other than dixieland,
latin jazz, jazz-funk (soul-jazz) and jazz-fusion, but may also be indicated. For example,
"Satin Doll", a swing era jazz standard is normally interpreted with a pronounced swing
rhythm. It was published written in 4/4 time, but at least some versions also note medium
swing.
In dance music, swing rhythm generally refers to the meter of the music, rather than to
this convention of notation, so any music played with the near-triplet timing (see above)
and swing accent will be referred to as swing rhythm however they are written.
[edit]Styles
Main article: Swing (genre)
Swing is commonly used in blues, country, jazz, 1930s-1940s swing jazz, and often in
many other styles. Except for very fast jazz, slow ballads, latin jazz, and jazz-rock fusion,
much written music in jazz is assumed to be performed with a swing rhythm. In some
cases, publishers specify that the music is to be performed "with a swing". In jazz and big
band music, a shuffle is almost always accompanied by a distinctive "cooking" rhythm
played on the ride cymbal or hi hat.
Styles that always use traditional (triplet) rhythms, resembling "hard swing," include
foxtrot, quickstep and some other ballroom dances, Stride piano, and 1920s-era Novelty
piano (the successor to Ragtime style).
[edit]Transcription

274
In the swing era, swing meant accented triplets (shuffle rhythm), suitable for dancing.
With the development of bebop and later jazz styles independent of dancing, the term
was used for far more general timings.
Some publishers of jazz music, especially those whose intended audience is people
unfamiliar with jazz styles, transcribe the swing either:
As compound time, such as 6/8, 9/8, or 12/8. When played with the swing accent, these
time signatures may be grouped together and called swing time, or swing time can also
mean a simple time played with the swing convention.
As triplets within a duple meter.
However, this notation is not really accurate either.
In general, where music with a swing meter is required, musicians in the jazz tradition
will prefer to read music written in common time and played with a swing, while
musicians in the classical tradition will prefer to read music written in compound time
and played as written. However, most jazz musicians will dispute whether music played
this way truly has a swing feel.
[edit]See also

Clave (rhythm) for the rhythms of latin jazz and latin dance
Notes inégales, a 17th-century French usage of similar meters and notation
Rhythm
Schaffel music swing and shuffle beats in electronic music
Swing (genre) for music of the swing era.
Jig for the swung triplets of celtic music - triplets with a swing feel to them - not to be
confused with the swung duplets of "triplet swing".
Half time shuffle
[edit]Further reading

Floyd, Samuel A., Jr. (Fall 1991). "Ring Shout! Literary Studies, Historical Studies, and
Black Music Inquiry", Black Music Research Journal 11:2, p.265-28. Featuring a socio-
musicological description of swing in African American music.
Rubin, Dave (1996). Art of the Shuffle for guitar, an exploration of shuffle, boogie, and
swing rhythms. ISBN 0-7935-4206-5.

Swing music
From Wikipedia, the free encyclopedia
For other uses, see swing (disambiguation).

Swing

Stylistic Jazz
origins Ragtime

275
 Classical

Cultural 1930s United States

origins

Typical clarinet, saxophone, trumpet,trombone, piano, double

instruments bass,drums, keyboards, electric guitars, acoustic
guitars

Mainstream 1930s to 1950s; 1990s

popularity

Subgenres

Swing revival
(complete list)

Regional scenes

Western swing

Swing music, also known as swing jazz or simply swing, is a form

of jazz music that developed in the early 1930s and became a distinctive style by
1935 in theUnited States. Swing uses a strong rhythm section of double
bass and drums as the anchor for a lead section of brass instruments such as
trumpets and trombones,woodwinds including saxophones and clarinets, and
sometimes stringed instruments such as violin and guitar; medium to
fast tempos; and a "lilting" swing time rhythm. Swing bands usually
featured soloists who would improvise on the melody over the arrangement. The
danceable swing style of bandleaders such asBenny Goodman and Count
Basie was the dominant form of American popular music from 1935 to 1945.

The verb "to swing" is also used as a term of praise for playing that has a strong
rhythmic "groove" or drive. For example, in the sometimes heard exclamation
"This song really swings!"

Contents

276
 [hide]

• 1 History
o 1.1 1920s: Origins
o 1.2 1930: Birth of swing
o 1.3 Peak and decline
o 1.4 Cross-genre swing
o 1.5 Late 1990s: Swing revival
• 2 Notable musicians
• 3 See also
• 4 Notes
• 5 References
• 6 Further reading

• 7 External links
[edit]History

[edit]1920s: Origins
During the 1920s and early 1930s, filip dance form of jazz was popular. This style
used sweet and romantic melody accompanied by lush, romantic string
orchestra arrangements. Orchestras tended to stick to the melody as it was
written, and vocals would be sung sweetly (often in a tenor voice).

The styles of jazz that were popular from the late teens through the late 1920s
were usually played with rhythms with a two beat feel, and often attempted to
reproduce the style of contrapuntal improvisation developed by the first
generation of jazz musicians in New Orleans. In the late 1920s, however, larger
ensembles using written arrangements became the norm, and a subtle stylistic
shift took place in the rhythm, which developed a four beat feel with a smoothly
syncopated style of playing the melody, while the rhythm section supported it
with a steady four to the bar.

Like jazz, swing was created by the Blacks, it was a "negro phenomenon", and
its impact on the overall American culture was such that it marked and named
and entire era of the USA, the swing era - as the 1920s had been termed "The

277
Jazz Age". [1]Such an influence from the Black community was unprecedented in
any western country.[1] Swing music abandoned the string orchestra and used
simpler, "edgier" arrangements that emphasized horns and wind instruments and
improvised melodies.

Louis Armstrong, who would later publicly ridicule the more intellectual bebob,
[1]
shared a different version of the history of swing during a nationwide broadcast
of the Bing Crosby (radio) Show [2] Crosby said, "We have as our guest the
master of swing and I'm going to get him to tell you what swing music is." He
asked Louis to explain it. Louis said, "Ah, swing, well, we used to call itragtime,
then blues–then jazz. Now, it's swing. White folks yo'all sho is a mess. Swing!"[3]

[edit]1930: Birth of swing

Compared to the styles of the 1920s, the overall effect was a more sophisticated
sound, but with an exciting feel of its own.[citation needed] Most jazz bands adopted this
style by the early 1930s, but "sweet" bands remained the most popular for white
dancers until Benny Goodman's appearance at the Palomar Ballroom in August
1935. Swing's birth has been traced by some jazz historians to Chick Webb's
stand in Harlem in 1931, but noted the music failed to take off because the onset
of the Depression in earnest that year killed the nightclub business, particularly in
poor black areas like Harlem. Fletcher Henderson, another bandleader from this
period who needed work, lent his arrangement talent to Goodman. Goodman had
auditioned and won a spot on a radio show, "Let's Dance," but only had a few
songs; he needed more. Henderson's arrangements are what gave him his
bigger repertoire and distinctive sound. The show was on after midnight in the
East and few people heard it, but unknown to them, it was on earlier on the West
Coast and developed the audience that later led to his Palomar Ballroom
triumph. The audience of young white dancers favored Goodman's "hot" rhythms
and daring swing arrangements. "Hot Swing" and Boogie Woogie remained the
dominant form of American popular music for the next ten years.

278
Benny Goodman, one of the first swing bandleaders to achieve widespread
fame.
With the wider acceptance of swing music around 1935, larger mainstream
bands began to embrace this style of music.[citation needed] Up until the swing era,
Jazz had been taken in high regard by the most serious musicians around the
world, including classical composers like Stravinsky; swing on the contrary, with
its "dance craze", ended being regarded as a degeneration towards light
entertainment, more of an industry to sell records to the masses than a form of
art. Many musicians after failing at serious music switched to swing.[1] Swing was
essentially done by the Blacks to entertain the whites.[citation needed]

In his autobiography W.C. Handy wrote, "This brings to mind the fact that
prominent white orchestra leaders, concert singers and others are making
commercial use of Negro music in its various phases. That's why they introduced
"swing" which is not a musical form."[4]

Large orchestras had to reorganize themselves in order to achieve the new

sound. These bands dropped their string instruments, which were now felt to
hamper the improvised style necessary for swing music. This necessitated a
slightly more detailed and organized type of composition and notation than was
then the norm. Band leaders put more energy into developing arrangements,
perhaps reducing the chaos that might result from as many as 12 or 16
musicians spontaneously improvising. But the best swing bands at the height of
the era explored the full gamut of possibilities from spontaneous ensemble
playing to highly orchestrated music in the vein of European art music.

A typical song played in swing style would feature a strong, anchoring rhythm
section in support of more loosely tied wind,brass, and later, in the
1940s, string and/or vocals sections. The level of improvisation that the audience

279
might expect at any one time varied depending on the arrangement, the band,
the song, and the band-leader.

The most common style consisted of having a soloist take center stage, and
improvise a solo within the framework of her or his bandmates playing support.
As a song progressed, multiple soloists would be expected to take over and
individually improvise their own part; however, it was not unusual to have two or
three band members improvising at any one time.

[edit]Peak and decline

Swing jazz began to be embraced by the public around 1935. Prior to that, it had
had limited acceptance, mostly among Blackaudiences.[citation needed] Radio
remotes increased interest in the music, and it grew in popularity throughout the
States. As with many new popular musical styles, it met with some resistance
from the public[citation needed] because of its improvisation, fast erratic tempos, lack of
strings, occasionally risqué lyrics[citation needed] and other cultural associations, such
as the sometimes frenetic swing dancing that accompanied performances.
Audiences who had become used to the romantic arrangements (and what was
perceived as classier and more refined music),[citation needed] were taken aback by
the often erratic and edginess of swing music.

Harsher conflicts than those in the US,[which?] arose when Swing spread to Nazi
Germany and the Soviet Union; in Germany it was forbidden by the Nazi regime
on the basis of its connection to African and Jewish musicians (see Swing Kids).
And, while jazz music was initially embraced during the early years of the Soviet
Union, it was soon forbidden as a result of being deemed politically
unacceptable.

In the US, by the late 1930s and early 1940s, swing had become the most
popular musical style and remained so for several years, until it was supplanted
in the late 1940s by the pop standards sung by the crooners who grew out of
the Big Band tradition that swing began.[citation needed] Bandleaders such as the
Dorsey Brothers often helped launch the careers of vocalists who went on to
popularity as solo artists, such as Frank Sinatra.

Swing music began to decline in popularity during World War II because of

several factors. Most importantly it became difficult to staff a "big band" because
many musicians were overseas fighting in the war. Also, the cost of touring with a
large ensemble became prohibitive because of wartime economics. These two

280
factors made smaller 3 to 5 piece combos more profitable and manageable. A
third reason[citation needed] is the recording bans of 1942 and 1948 because of
musicians' union strikes. In 1948, there were no records legally made at all,
although independent labels continued to bootleg records in small numbers.
When the ban was over in January 1949, swing had evolved into new styles such
as jump blues and bebop.

[edit]Cross-genre swing
Many of the crooners who came to the fore after the swing era had their origins in
swing bands. Frank Sinatra used the swing-band approach to great effect in
almost all of his recordings and kept this style of music popular well into the rock
'n' roll era.

In country music, artists such as Jimmie Rodgers, Moon Mullican and Bob
Wills introduced many elements of swing along withblues to create a genre
called western swing. Like Sinatra did, Mullican went solo from the Cliff
Bruner band and had a successful solo career that included many songs that
maintained a swing structure. Artists like Willie Nelson have kept the swing
elements of country music present into the rock 'n' roll era. Nat King
Cole followed Sinatra into the pop music world bringing with him a similar
combination of swing bands and ballads. Like Mullican, he was important in
bringing piano to the fore of popular music.

Gypsy swing is an outgrowth of Venuti and Lang's jazz violin swing, the style
emerging in its own right in Europe with Django Reinhardt and Stéphane
Grappelli. The repertoire overlaps that of 1930s swing, including French popular
music, gypsy songs, and compositions by Reinhardt, but gypsy swing bands are
formulated differently. There is no brass or percussion; guitars and bass form the
backbone, with violin, accordion, clarinet or guitar taking the lead. Gypsy swing
groups generally have no more than five players. Although they originated in
different continents, similarities have often been noted between gypsy
swing andwestern swing, leading to various fusions.

Rock 'n' roll era hitmakers like Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Gene
Vincent and Elvis Presley also found time to include many swing-era standards
into their repertoire. Presley's hit "Are You Lonesome Tonight" is an old swing
standard and Lewis' "To Make Love Sweeter For You" is a new song but in the
old style. Domino made the swing standard "My Blue Heaven" a rock 'n' roll hit.

281
Among the critically acclaimed band leaders of the 1930s and 1940s whose
performances included elements of both "Sweet Band" music and traditional
swing music was Shep Fields.

[edit]Late 1990s: Swing revival

Main article: Swing revival
Although ensembles like the Count Basie Orchestra and the Stan Kenton
Orchestra survived into the 1950s by incorporating new musical styles into their
repertoire, they were no longer the hallmark of American popular music. In the
late 1990s (1998 until about 2000) there was a short-lived "Swing revival"
movement, led by bands such as Big Bad Voodoo Daddy, Cherry Poppin'
Daddies, Royal Crown Revue, Squirrel Nut Zippers, Lavay Smith & Her Red Hot
Skillet Lickers, the Lucky Strikes, and Brian Setzer. Many of the new bands of
this period played a style of music — often times referred to as neo-swing — that
combined swing jazz with contemporary styles of music such as Rockabilly, Ska,
and Rock music. The style also accelerated the revival ofswing dancing, both in a
traditional style, and in hybrid approaches which blended 1930s dancing with
2000-era dance styles. A similarly hybrid approach to musical genre can be seen
with superswing music, a style that can be seen to have its origin in The Fabrics'
2002 classic 12" single on Switch Music, Cassawanka.

In 2001 Robbie Williams released his fifth studio album consisting mainly of
popular swing covers titled "Swing When You're Winning" which proved to be
popular in many countries selling over 7 million copies worldwide.

In recent years Swing music has become fairly popular in Germany.

Singers Roger Cicero and Thomas Anders have attained large followings both in
their native country and world wide. Cicero’s style is predominantly that of 1940s
and 1950s swing music, combined with German lyrics; he became Germany's
participant for the Eurovision Song Contest in 2007.

"Jumpin' At The
Woodside"

Jumpin' at the
Woodside" by Count
Basie & His
Orchestra, a popular
swing song by a jazz

282
 legend

Problems listening to this file?

See media help.
[edit]Notable musicians

Band leaders: Artie Shaw, Benny Goodman, Cab Calloway, Count Basie, Chick
Webb, The Dorsey Brothers, Duke Ellington, Glenn Gray,Erskine
Hawkins, Fletcher Henderson, Tiny Hill, Earl Hines, Gene Krupa,Glenn
Miller, Gloria Parker, Harry James, Louis Prima, Ella Fitzgerald,Louis Jordan, Hal
Kemp, Kay Kyser, Buddy Rich, Fred Rich, Jack Teagarden, Les Brown, Charlie
Barnet, Fats Waller, Art Tatum.

Clarinet:

Benny Goodman, Artie Shaw, Peanuts Hucko

Saxophone:

Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Lester Young, Charlie Parker, Sam

Butera, Charlie Barnet, Jimmy Dorsey, Glen Gray.

Trumpet:

Louis Armstrong, Harry James, Cootie Williams, Roy Eldridge, Harry

Edison, Louis Prima, Hot Lips Page

Trombone:

Tommy Dorsey, Jack Teagarden, Glenn Miller, Fred Rich

Bass:

Jimmy Blanton, Milt Hinton, John Kirby, Walter Page, Slam Stewart

Vibraphone:

Lionel Hampton, Red Norvo

Marimba:

Gloria Parker

Piano:

283
Duke Ellington, Count Basie, Earl Hines, Art Tatum, Teddy Wilson, Jelly Roll
Morton, Fats Waller, Jess Stacy, Nat Jaffe

Drums:

Sonny Greer, Gene Krupa, Buddy Rich, Chick Webb

Guitar:

Charlie Christian, Freddie Green, Oscar Aleman, Django Reinhardt

Violin:

Joe Venuti, Eddie South, Ray Nance, Stephane Grapelli, Svend Asmussen

Accordion:

Art Van Damme, John Serry Sr.

Tango

Para otros usos de este término, véase Tango (desambiguación).

Tango1
Patrimonio Cultural Inmaterial — Unesco
País Argentina, Uruguay
Tipo Cultural inmaterial
Región2 Patrimonio de la Humanidad en América Latina y el Caribe
Año de inscripción 2009 (XXXIII sesión)
1Nombre descrito en la Lista del Patrimonio Inmaterial.
2Clasificación según Unesco
Tango

Orígenes musicales: Habanera, candombe, milonga y vals. También tiene una fuerte
influencia de géneros musicales europeos.
Orígenes culturales: Zona del Río de la Plata
Instrumentos comunes: Bandoneón, violín, piano, contrabajo y guitarra
Popularidad: Alta en Europa y América
Subgéneros
Pasional
Fusiones
Tango-canción, tango-milonga
El tango es un género musical y una danza. 1 De naturaleza netamente urbana y renombre
internacional, musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de cuatro
cuartos (a pesar de que se le llama «el dos por cuatro»). Clásicamente se interpreta

284
mediante orquesta típica o sexteto y reconoce el bandoneón como su instrumento
esencial.
La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y
compleja. Las letras están compuestas con base a un argot local llamado lunfardo y
suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor»,2 que sienten los
hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el
blues, sin que por ello opte para el tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y
políticas.
Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un
pensamiento triste que se baila».3 En 2009 fue presentado por los presidentes de
Argentina y Uruguay para ser incluido, y finalmente aprobado en la Lista del Patrimonio
Cultural Inmaterial (PCI) de la humanidad por la UNESCO.4
Contenido [ocultar]
1 Etimología
2 Historia
2.1 Orígenes en los siglos XVIII, XIX y XX
2.2 Edad de Oro
2.3 Años sesenta y setenta
2.4 Años ochenta en adelante
3 Temas
3.1 El arrabal
3.2 El desengaño
3.3 Deseo sexual y tristeza
3.4 El hacer diario
3.5 El tiempo
4 Melodía
4.1 Instrumentación
4.2 Letra
4.2.1 Historia
4.2.2 Lenguaje
4.2.3 Tabla
5 Baile
5.1 Historia
5.2 Pasos
5.3 Los roles de género
6 Ejemplos
7 Compositores
7.1 Pasados
7.2 Actuales
8 Cinematografía
9 Estilos nacionales
9.1 El tango en Argentina y en Uruguay
9.2 El tango de Finlandia e Italia
10 Véase también
10.1 Algunos tangos
11 Referencias

285
12 Bibliografía
13 Enlaces externos
[editar]Etimología

El término parece provenir del idioma ibibio, de Níger y Congo, tamgú: tambor y bailar
(al son del tambor). Se desconoce a ciencia cierta si la palabra española tambor proviene
de este ibibio tamgú o del árabe hispánico tabal. En el siglo XIX, en la isla El Hierro (de
las islas Canarias) y en otros lugares de América, la palabra «tango» significaba ‘reunión
de negros para bailar al son del tambor’.
El historiador Ricardo Rodríguez Molas5 investigó los lenguajes de los esclavos traídos a
la Argentina. La mayoría provenía de etnias de Congo, el golfo de Guinea y el sur de
Sudán. Para ellos, tangó significaba ‘espacio cerrado’, ‘círculo’ y cualquier espacio
privado al que para entrar hay que pedir permiso. Los traficantes de esclavos españoles
llamaban «tangó» a los lugares donde encerraban a los esclavos, tanto en África como en
América. El sitio donde los vendían también recibía ese nombre. Antes de 1900 a este
género se lo llamaba «tango canyengue». La palabra es de origen africano. Los negros
porteños la pronunciaban caniengue y desde 1900 los blancos lo escribieron y
pronunciaron canyengue (con la ye porteña)
El «caminar canyengue» es una manera de caminar del compadrito, de cadenciosos
movimientos de cadera. También se lo llama «caminar arrabalero» (siendo «arrabal», los
suburbios o barrios bajos de las antiguas ciudades de Buenos Aires y Montevideo). Como
lo representa TITA MERELLO en la película Arrabalera (1945).
El Diccionario de la Lengua Española de la RAE, en su edición de 1899, definía al tango
como una ‘fiesta y danza de negros o de gente del pueblo, en América’ y también, como
segunda acepción, ‘la música de esa danza’. Es interesante notar que el diccionario le da
al término un falso origen latino: dice que proviene del latín, que es tangir [más bien sería
tángere, de donde proviene 'tañir'] y de ahí ego tango: 'yo taño'. La edición de 1914 traía
la etimología tangir y tángere: ‘tañir o tocar (un instrumento)’. Las siguientes ediciones
eliminaron el error.
La edición de 1925 definía al tango como antes, aunque ya sin la etimología latina
errónea, y agregaba: 'Danza de alta sociedad importada de América al principio de este
siglo'. Esto evidencia que el tango había pasado de ser de clase baja a la clase alta.
También se agregaron más acepciones: 'música de esta danza' y 'tambor de Honduras'. El
creole que se habla en los «morenales» de la costa caribeña de Honduras (de población
mayoritariamente negra) se conservan muchas palabras originales africanas. La edición
de 2001, la vigésima segunda, definió el tango como un ‘baile rioplatense, difundido
internacionalmente, de pareja enlazada, forma musical binaria y compás de dos por
cuatro’. El término gotán significa 'tango' en vesre.
[editar]Historia

[editar]Orígenes en los siglos XVIII, XIX y XX

Véase también: Anexo:Antiguos títulos procaces en el tango

Buenos Aires cerca del 1900. Jóvenes trabajadores bailan tango entre hombres y
escuchan a un bandoneonista en la vereda.

286
Si bien el tango reconoce lejanos antecedentes africanos, latinoamericanos y europeos,
sus orígenes culturales se han fusionado de tal modo que resulta casi imposible
reconocerlos.
En esencia el tango es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y
raíz suburbana («arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje
biológico y cultural de la población argentina pre-inmigracción (indígenas, negro,
mulatos y criollos) y la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó
completamente las sociedades rioplatenses, a partir de las últimas décadas del siglo XIX.

A diferencia de otras zonas del mundo, los inmigrantes que llegaron al Río de la Plata a
partir de la segunda mitad del siglo XIX, superaban en cantidad a las poblaciones nativas
y fueron parte de un intensivo proceso de mestizaje multicultural y multiétnico, en gran
medida inducido por el Estado a través de una formidable promoción de la escuela
pública laica.
El tango es hijo directo de ese intenso mestizaje.
Se sabe que el argot del tango, el lunfardo, está plagado de expresiones italianas y
africanas; que su ritmo y clima nostálgico tiene un cercano parentesco con la habanera
cubana; y que «tango, milonga, malambo y candombe», son parte de una misma familia
musical de raíces africanas y también de las costumbres provenientes de los gauchos que
migraron a la ciudad.
Sin embargo el tango no se confunde ni deriva de ningún estilo musical en particular.
Ernesto Sabato dice que por sobre todas las cosas el tango es un híbrido, una expresión
original y nueva que deriva de una movilización humana gigantesca y excepcional.
El tango apareció en el Río de la Plata y sus zonas de influencia, en la segunda mitad del
siglo XIX en el marco socio-cultural de las grandes oleadas migratorias de los más
variados orígenes internos y externos, que recibió entonces esa región. Rosario ,
Montevideo y Buenos Aires son los tres lugares que se han disputado el nacimiento del
tango .
Otros puertos fluviales como en Campana y Zárate también registran antiguos
antecedentes tangueros. Se trató de una música eminentemente popular, rechazada y
prohibida por las clases altas y la Iglesia Católica, por lo que se desarrolló en los barrios
pobres de los suburbios (los arrabales), los puertos, los prostíbulos, los bodegones y las
cárceles, donde confluían los inmigrantes y la población local, descendientes en su
mayoría de indígenas y esclavos africanos.
Allí se fueron fusionando libremente las formas musicales más diversas (candombe,
payada, milonga, habanera, tango andaluz, polca, vals, etc.), provenientes de los orígenes
más diversos (africanos, gauchos, hispanos coloniales, indígenas, italianos, judíos,
alemanes, andaluces, cubanos, etc.), hasta formar el tango. Se estima que la transición
duró alrededor de cuarenta años para afianzarse como un género plenamente constituido
en la última década del siglo XIX.6
En 1857, el músico español Santiago Ramos compuso uno de los primeros temas de aire
tanguero que se conozca, Tomá mate, che, un tango con letra rioplatense pero con
arreglos musicales de estilo andaluz. El tema formaba parte de la obra El gaucho de
Buenos Aires, estrenada en el Teatro de la Victoria.7 En 1874 se ha documentado el
primer tango que alcanzó difusión popular masiva. Se trata de El Queco, también de

287
estilo musical andaluz, con una letra sobre las «chinas» (las mujeres argentinas de origen
indígena o africano) que trabajaban de prostitutas en los burdeles.8
En 1876 se hizo muy popular un tango-candombe llamado El Merengué o El pai, que se
convirtió en éxito en los carnavales afroargentinos que se celebraron en febrero de ese
año.9 Se interpretaba con violín, flauta y guitarra, además de los tambores de Candombe
afroargentino (Llamador y Repicador).
El bandoneón, que le dio forma definitiva al tango, recién llegaría al Río de la Plata allá
por el 1900, en las valijas de inmigrantes alemanes. No existen partituras de esta etapa
originaria, porque los músicos de tango de entonces no sabían escribir la música y
probablemente interpretaban sobre la base de melodías existentes, tanto de habaneras
como de polkas. La primera de la que existe registro (pero sin autor) es La Canguela
(1889) y se encuentra en el Museo de la Partitura de la Ciudad de Rosario. Por otro lado,
del primer tango porteño, que se tiene registro (CON AUTOR registrado) es "El
Entrerriano", estrenado en 1896 e impreso en 1898; del afroargentino Rosendo
Mendizábal
Los títulos procaces pueden ser consultados en un anexo especial. Varios años después, a
partir de los años treinta, los gobiernos militares y autoritarios, prohibieron las letras y
títulos, por lo que la mayoría de ellos desaparecieron, mientras que otros fueron
reescritos, como el famoso Concha sucia,10 que fue reescrito por Francisco Canaro como
Cara sucia.

El cantautor Carlos Gardel, símbolo mundial del tango.

Poco antes de que comenzara la Primera Guerra Mundial en 1914 el Emperador de
Alemania, Guillermo II prohibió que los oficiales prusianos bailaran el tango si vestían
uniforme. El órgano oficial del Vaticano, L'Osservatore Romano, apoyó abiertamente la
decisión en los siguientes términos:
El Kaiser ha hecho lo que ha podido para impedir que los gentilhombres se identifiquen
con la baja sensualidad de los negros y de los mestizos (...) ¡Y algunos van por ahí
diciendo que el tango es como cualquier otro baile cuando no se lo baila licenciosamente!
La danza tango es, cuanto menos, una de aquellas de las cuales no se puede de ninguna
manera conservar ni siquiera con alguna probabilidad la decencia. Porque, si en todos los
otros bailes está en peligro próximo la moral de los bailarines, en el tango la decencia se
encuentra en pleno naufragio, y por este motivo el emperador Guillermo lo ha prohibido
a los oficiales cuando estos vistan uniforme.11
Por ejemplo, los argentinos Ángel Villoldo, Roberto Firpo, Juan de Dios Filiberto y el
uruguayo Francisco Canaro fueron famosos y populares autores e intérpretes de tango.
En aquellos años, en los que los hijos de familias ricas llevan a París el tango que habían
aprendido en su frecuentación de los lupanares, comienza una nueva era para el género,
con el aporte de músicos mejor preparados y la incorporación de letras evocativas del
paisaje del suburbio, de la infancia y de amores contrariados.
La canción de tango comenzó a interpretarse desde 1850, pero no era tal porque el estilo
vocal estaba ligado a la habanera y tangos españoles, sin una personalidad tanguera
definida. Los cantantes de entonces no eran profesionales ni tampoco se conocía la voz
del tango. El tango se cantaba como tango milongueado y los versos eran picarescos, lo

288
que escandalizaba a la alta sociedad porteña. Los cantantes de que se habían destacado en
la primera década de 1900 fueron Alfredo Gobbi, Lola Membrives, Linda Thelma y
Ángel Villoldo, entre otros. Los primeros éxitos de aquel tango fueron Hotel Victoria, El
porteñito y el gran suceso La morocha de 1908. En Buenos Aires había gran cantidad de
cantores que interpretaban estilos nacionales, zambas y chacareras.
Carlos Gardel, quien se inició como payador alrededor de 1910, es el más recordado
cantante de tango de los años veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los
compuso él mismo y encargó sus letras a su inseparable compañero, el poeta Alfredo Le
Pera. Gardel, que comenzó su carrera en comités políticos de los suburbios fabriles de
Buenos Aires, cantó en París y en Nueva York, filmó varias películas en EE. UU. Se
convirtió en un mito para los rioplatenses cuando murió en un accidente de aviación en
Medellín (Colombia). Algunos de los tangos famosos de esta primera época son La
cumparsita, El choclo, Caminito, El día que me quieras, Por una cabeza, etc.
[editar]Edad de Oro

El bandoneonista Aníbal Pichuco Troilo (1914-1975).

Músicos como Juan Carlos Cobián, Pascual Contursi, Juan D´Arienzo, Julio De Caro,
Osvaldo Fresedo, cantantes como Sofía Bozán, Ignacio Corsini, Enrique Maciel, Agustín
Magaldi, Rosa Quiroga, integraron lo que se conoció como la «nueva guardia» del tango
en aquella época. Entre ellos, muchos fueron los descendientes de inmigrantes italianos,
como Osvaldo Pugliese (apodado «el Santo del Tango»).
La del cuarenta fue una década dorada para el género, que se interpretaba ya en locales
nocturnos de lujo, cuyos ambientes alimentaron a su vez a los letristas, que en sus versos
contraponían el lujurioso cabaret y los desbordes de la vida nocturna a la infancia en el
arrabal, paisaje éste que adquirió entonces ribetes míticos de paraíso perdido.
Grandes orquestas, como las de Juan D’Arienzo, Carlos Di Sarli, Osvaldo Pugliese,
Aníbal Troilo (1914-1975), Horacio Salgán (1916-), Ángel d' Agostino o Miguel Caló
actuaban a la vez en los cabarés del centro y en salones barriales, y, con ellos, creció
enormemente la industria discográfica en la Argentina. Letristas de gran vuelo —Enrique
Cadícamo, Cátulo Castillo, Enrique Santos Discépolo, Homero Manzi— dieron al tango
composiciones inolvidables, signadas por la amarga crítica de costumbres (Discépolo), el
matiz elegíaco y las metáforas inspiradas en grandes poetas (Manzi, Castillo), la
recurrente pintura de ambientes sofisticados con resonancias del poeta modernista Rubén
Darío (Cadícamo). Otros notables cantantes de la época fueron el Polaco Goyeneche,
Edmundo Rivero, Ángel Vargas, Francisco Fiorentino, Héctor Mauré y Alberto Podestá.
Por su parte, Homero Expósito y José María Contursi también escribieron las letras de
algunos tangos.12
[editar]Años sesenta y setenta

El dúo Astor Piazzolla-Horacio Ferrer, decisivos en la renovación del tango en los años
sesenta.
Desde fines de los años cincuenta comenzarían a surgir corrientes tangueras renovadoras.
Los primeros fueron músicos como Mariano Mores y Aníbal Troilo que empezaron a

289
experimentar con nuevas sonoridades y temáticas. Pero el renovador indiscutido fue el
marplatense Astor Piazzolla.
Astor Piazzolla alternaba entre las tardes de música clásica en el Teatro Colón y su
pasión por Ígor Stravinski y Béla Bartók, con las noches de tango, y su desempeño como
bandoneonista y arreglador musical de la orquesta de Aníbal Troilo (1914-1975).
Fusionando creativamente las influencias más diversas, Piazzolla introdujo en el tango
armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas que produjeron una
transformación radical del género.
La música de Piazzolla produjo una apasionada controversia entre tradicionalistas y
renovadores, sobre si «eso» era o no tango. El punto culminante de esa controversia fue
el Festival de la Canción de Buenos Aires realizada en el Luna Park en 1969, en el que
Astor Piazzolla y el uruguayo Horacio Ferrer presentaron un valsecito tanguero, Balada
para un loco, interpretado por Amelita Baltar en la sección correspondiente al tango. La
canción produjo un escándalo descomunal que llevó a los organizadores a cambiar las
reglas para evitar que Balada para un loco ganara el festival. Pese a ello, el nuevo tango-
canción, ganó la adhesión popular, especialmente entre los jóvenes y se volvió un éxito
de ventas como hacía años que el tango no tenía.
El dúo Piazzola y Ferrer realizaron otras obras de amplia difusión popular como el tango
Chiquilín de Bachín (1968) o la «ópera-tango» María de Buenos Aires (1967), que
incluye la bella Fuga y misterio. Piazzolla aportaría composiciones fundamentales como
sus Cuatro estaciones porteñas (Verano porteño, Otoño porteño, Invierno porteño y
Primavera porteña), la serie del ángel (entre ellas Milonga del ángel y La Muerte del
ángel), Libertango, Decarísimo y por sobre todas Adiós Nonino, a la muerte de su padre.

Piazzolla también aportó decisivamente a la renovación instrumental del tango con su

octeto, que incluía instrumentos hasta entonces absolutamente ajenos al tango, como los
eléctricos (guitarra, bajo, teclados, sintetizador), la batería y el saxo. También con él
ingresaron al tango instrumentistas de excepción como el violinista Antonio Agri y el
guitarrista Cacho Tirao, y un cantante como José Ángel Trelles quienes sumarían sus
talentos a experimentados del género como Enrique Kicho Díaz, Osvaldo Manzi o Jaime
Gosis entre otros. Piazzolla también realizó una audaz fusión tango-jazz con el
saxofonista estadounidense Gerry Mulligan en 1974 (registrado en el álbum Reunión
cumbre) e influyó considerablemente en el subgénero conocido como rock nacional
argentino, desarrollado a partir de la segunda mitad de los años sesenta.13
En esas dos décadas de renovación surgieron también otros autores e intérpretes de gran
importancia como Eladia Blázquez (Con el corazón al sur, Si Buenos Aires no fuera así,
Sueño de barrilete, etc.), Chico Novarro (Cordón, El balance, Cantata a Buenos Aires),
Cacho Castaña (Café La Humedad), el Sexteto Tango, el octeto coral Buenos Aires 8,
con un álbum excepcional en 1970, Buenos Aires Hora 0, las nuevas sonoridades
introducidas por Osvaldo Berlingieri (1928) desde el piano14 y su asociación con Ernesto
Baffa (Baffa-Berlingeri), la voz juvenil y romántica de Susana Rinaldi, la madurez
compositiva de Leopoldo Federico (El último café, Qué falta que me hacés), el
revolucionario álbum Concepto (1972) de Atilio Stampone, Rodolfo Mederos —a quien
se consideraba como «la cabeza visible de una nueva música porteña en los años
setenta»,15 etc. También debe mencionarse aquí al último Goyeneche de la «garganta de

290
arena» —según el cantautor Cacho Castaña— que desarrolló el arte de «decir» el tango,
cuando paradójicamente alcanzó el pico más alto de la devoción popular.16
En estas dos décadas el tango sufrió también la confrontación generacional y
contracultural que llevaron adelante los movimientos juveniles en todo el mundo, con
expresiones como el Verano del amor de 1967 y el movimiento hippie en EE. UU., el
Mayo francés de 1968, que tuvieron en la música rock y en la revolución sexual, dos de
sus códigos de referencia común. En la Argentina, esto se manifestó como una
confrontación de contenido generacional entre tango y rock: el tango era la música de
«los viejos»; el rock era la música de los jóvenes.17
[editar]Años ochenta en adelante
En 1983 se estrenó en París el espectáculo Tango Argentino, creado y dirigido por
Claudio Segovia y Héctor Orezzoli, coreografiado por Juan Carlos Copes, con la
participación de bailarines como el propio Copes, Maria Nieves,18 Pablo Veron, Miguel
Zotto y Milena Plebs,19 y Virulazo y Elvira.20 . La obra fue presentada en 1985 en
Broadway (Nueva York), obteniendo un resonante éxito que marcó el renacimiento
mundial del tango.21
Desde hace pocos años (comenzando precisamente a partir de determinados períodos de
la obra de Piazzolla) se observa que el fenómeno de aculturación mundial que deriva en
fusiones musicales entre lenguajes, si bien de origen geográfico cierto, considerados
como universalmente difundidos (jazz, rock, música electrónica) y músicas étnicas o
locales, también ha llegado al tango. Se trata de fusiones del tango con el jazz, el rock y
la electrónica, siendo esta última la más difundida, con ejemplos tales como Bajofondo
Tango Club, Idealtango, Narcotango, Gotan Project y Tanghetto. Entre aquellos que
fusionan con el jazz, se puede encontrar al pianista Adrián Iaies, el contrabajista Pablo
Aslan o al saxofonista Miguel de Caro, entre otros.
Además, existen diversas orquestas en su mayoría conformadas por jóvenes músicos que
pretenden rescatar y reinterpretar con nuevos códigos el tango, entre ellas se destaca 34
Puñaladas, Altertango, Alfredo Piro, y Astillero. A partir de los años noventa, varios
músicos provenientes del rock nacional, como Daniel Melingo y Rodolfo Gorosito (Trío
Gorosito-Cataldi-De la Vega) se volcaron al tango.
Como así también muchos jóvenes músicos formados dentro del tango comienzan a
aportar nuevo repertorio y nuevos caminos a esta música. Entre ellos destacan, Pablo
Mainetti, Marcelo Mercadante, Ramiro Gallo, Sonia Possetti y Diego Schissi.
En 1992 se organizó en Buenos Aires la Cumbre Mundial del Tango, con el fin de reunir
a los mejores artistas de tango de cada parte del mundo.22 En 1994 la cumbre se celebró
en Granada (España), en 1996 en Montevideo, en 1998 en Lisboa, en 2000 en Rosario
(Santa Fe), en 2005 en Sevilla, en 2007 en Valparaíso y en 2009 en Bariloche. En 2011 la
cumbre se realizará en Seinäjoki (Finlandia).22
[editar]Temas

[editar]El arrabal
Arrabal amargo...
Con ella a mi lado
no vi tus tristezas,
tu barro y miserias,...
Arrabal amargo23

291
M.: Carlos Gardel. L.: Alfredo Le Pera
El tango es un arte de raíz suburbana, «arrabalero», derivado de su naturaleza popular.
Surge y se desarrolla en los barrios de trabajadores que rodean a las ciudades
rioplatenses: el «arrabal». Para el tango el arrabal es la musa inspiradora, el lugar de
pertenencia que no se debe abandonar, ni traicionar, ni olvidar. Por sobre todas las cosas,
el tanguero es un hombre (y una mujer) «de barrio». En el lenguaje del tango, el arrabal y
el centro componen dos polos opuestos: el arrabal, muchas veces unido indisolublemente
a los amigos y a «la vieja», expresa lo verdadero y lo auténtico, en tanto que el centro
suele expresar lo pasajero, «las luces» que encandilan, el fracaso.
El sentimiento de pertenencia al arrabal ha llevado al tango a construir culturas de barrio,
a darles personalidad. Sobre todo en Buenos Aires y Montevideo, el tango está
indisolublemente ligado a la identidad de los barrios. La ciudad del tango es una ciudad
vivida desde el arrabal.
[editar]El desengaño
Llora, llora corazón,
llora si tienes por qué,
que no es delito en el hombre,
llorar por una mujer,
Angustia; letra y música: Horacio Pettorossi
El desengaño amoroso como tema central del tango es un lugar común, aunque sólo
parcialmente cierto. Probablemente lo que llama la atención en la forma en la que el
tango aborda el desengaño amoroso, sea el contraste del hombre «duro» y orientado al
machismo, emocionalmente restringido, que se abre en las letras del tango, mostrando su
interioridad y la profundidad de su sufrimiento. En el tango los hombres lloran y hablan
de sus emociones, en un mundo en el que los hombres no deben llorar ni exponer sus
sentimientos.
[editar]Deseo sexual y tristeza
Ya los años se van pasando,
y en mi pecho no entra un querer,
en mi vida tuve muchas, muchas minas
pero nunca una mujer...
Patotero sentimental24
M.: Manuel Jovés. L.: Manuel Romero
El deseo sexual, sublimado en sensualidad, y la tristeza o melancolía, derivada de un
estado permanente de insatisfacción, son los componentes centrales del tango. En sus
orígenes esos sentimientos afloraron de la dura situación de millones de trabajadores
inmigrantes mayoritariamente varones, solitarios en una tierra extraña, acudiendo
masivamente a los prostíbulos, donde el sexo pago acentuaba «la nostalgia de la
comunión y del amor, la añoranza de la mujer» y la evidencia de la soledad.25 El tango
emergió así de un «resentimiento erótico»26 masivo y popular, que condujo a una dura
reflexión introspectiva, también masiva y popular, sobre el amor, el sexo, la frustración y
finalmente el sentido de la vida y la muerte para el hombre común.
En el curso del siglo XX y con la importancia que adquirió la sexualidad y la
introspección, así como una visión existencial y menos optimista de la vida, el tango
desarrolló sus componentes básicos como una expresión artística notablemente
relacionada con la problemática del hombre contemporáneo. Ernesto Sabato reflexiona

292
que la reunión en el tango de componentes marcadamente existenciales con el temple
metafísico, es lo que hace de esta danza o estas canciones una expresión artística singular
en todo el mundo.
[editar]El hacer diario
Lastima, bandoneón, mi corazón
tu ronca maldición maleva
tu lágrima de ron me lleva
hacia el hondo bajofondo
donde el barro se subleva.
La última curda27
Música: Aníbal Troilo. Letra: Cátulo Castillo
Existe también poesía y prosa tanguera o lunfarda, creada sin ser pensada para formar
parte de una canción. Entre ellos puede citarse a Julián Centeya, Celedonio Flores,
Carriego Evaristo, Atilio Jorge Castelpoggi, Carlos de la Púa, Martina Iñiguez, Orlando
Mario Punzi, Juan Carlos Lamadrid, Luis Luchi, Héctor Gagliardi, entre muchos. El
propio Jorge Luis Borges tiene textos que pueden ser considerados tangueros como el
poema Jacinto Chiclana y el cuento Hombre de la esquina rosada. También debe incluirse
como poeta tanguero a Juan Gelman, quien ha dicho que para él «el tango es una manera
de conversar».28
[editar]El tiempo
La reflexión sobre el tiempo es una característica muy especial de las letras de tango,
quizás tanto o más que el desengaño amoroso, mismo. Prácticamente todos los tangos
contienen una mirada desagarrada sobre el efecto destructivo del tiempo sobre las
relaciones, las cosas y la vida misma. Por sobre todas las cosas el poeta tanguero
manifiesta su impotencia ante esa «fiera venganza la del tiempo»29 y expresa «el dolor
de ya no ser».30
[editar]Melodía

El tango tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de cuatro cuartos (a pesar de
que se le llama «El dos por cuatro»).[cita requerida]
Jorge Luis Borges destacaba que la música de tango está tan conectada con el mundo
rioplatense que cuando un compositor, de cualquier otra parte del mundo, pretende
componer un tango «descubre, no sin estupor, que ha urdido algo que nuestros oídos no
reconocen, que nuestra memoria no hospeda y que nuestro cuerpo rechaza».31 Esa
característica fuertemente local del tango, imbricada con el ritmo y la musicalidad del
lenguaje rioplatense, ha sido reiteradamente señalada.
Una de las primeras características de la música tanguera fue la exclusión de los
instrumentos de viento-metal y percusión, quitándole estridencias con el fin de construir
una sonoridad intimista y cálida, capaz de transmitir la sensualidad que lo definió desde
un principio.
[editar]Instrumentación
Clásicamente, el tango se interpreta mediante orquesta típica o sexteto y reconoce el
bandoneón como su instrumento esencial.
Se ha dicho que «bandoneón y tango son la misma cosa». De origen alemán
(concretamente se utilizaba para sustituir al órgano en las iglesias luteranas de oficios
cantados por la feligresía en las iglesias más humildes, incapaces de costearse un órgano

293
de dimensiones adecuadas a su rijosidad de tísicos) fue adoptado por los tangueros al
iniciarse el siglo XX para reemplazar la presencia inicial de la flauta y completar el
sonido inconfundible del tango. Cátulo Castillo le atribuye «...al bandoneón la definitiva
sonoridad de lamento que tiene el tango, su inclinación al quejido, al rezongo».32
El bandoneón le impuso al tango su definitiva forma compleja, integrando la melodía en
una base simultáneamente rítmica y armónica.33
Esta complejidad melódica-rítmica-armónica, fue fortalecida más adelante con la
incorporación del piano, en sustitución de la guitarra, y el desarrollo de una técnica de
ejecución especialmente tanguera, fundada en la percusión rítmica. De este modo la base
instrumental del tango queda definida como trío de bandoneón, piano, violín y contrabajo
(puede haber guitarra).
Sobre sus instrumentos se conforma la orquesta típica de tango, inventada originalmente
por Julio de Caro en los años veinte y consolidada principalmente en forma de sexteto
con la siguiente integración: piano, dos bandoneones, dos violines y contrabajo. La
orquesta de tango, propiamente dicha, sigue el mismo esquema, ampliando el grupo de
bandoneones, y agregando violas y violonchelos al grupo de las cuerdas.
[editar]Letra
[editar]Historia
El tango nació como música instrumental exclusivamente para ser bailado por lo que tan
poco propensa a acompañar con sonidos vocales ninguna expresión de sentimientos,
pensamientos y tal, de su psique musical (ej: canciones paleolíticas a-capella de Lascaux,
Sainte-Chapelle, etc.. EMI). Con el tiempo incorporó el canto, casi siempre solista,
eventualmente a dúo, sin coro, pero manteniendo de manera bastante marcada la
separación entre tangos instrumentales y tangos cantados.
En las primeras décadas del siglo XX no había radio y el cine era mudo, así que el teatro
era muy popular. Pascual Contursi, Celedonio Flores, Enrique Santos Discépolo, Homero
Manzi por citar algunos, fueron gente de teatro y escribían versos para las obras, algunos
en lunfardo. Es lógico decir que la canción de tango fue alumbrada por el teatro y se suele
comparar el tango con una pieza de teatro dramática: el cantor de tango está relatando
precisamente un drama. Esto gracias también al propio Carlos Gardel, quien elegía
interpretar y poner melodía a los versos que retratasen mejor los sentimientos del hombre
de la ciudad, sus personajes, su lenguaje, sus lugares e idiosincrasia y, en especial, el
espíritu de la gente.
El escritor Jorge Luis Borges solía decir que no le gustaba escuchar a Gardel porque
hacía llorar a los porteños con sus tangos. Carlos Gardel era un hombre muy carismático
y alegre pero con tendencia a la depresión. Reservado y humilde, prefería perder antes
que discrepar. Dependiente de sus afectos, pero con una incontenible necesidad de llevar
el tango a todo el mundo. Podemos encontrar en la canción de tango muchos rasgos de su
personalidad. José Razzano decía que a veces lo encontraba melancólico y pensativo,
como guardando una intensa pena.
La poesía tanguera tiene la inhabitual característica de ser considerablemente compleja,
con el uso de metáforas y reflexiones filosóficas y al mismo tiempo muy popular, sobre
todo en los estratos más humildes de la población. Imágenes como «el misterio de adiós
que siembra el tren» que utiliza Homero Manzi en Barrio de tango (1942), o «las nieves
del tiempo platearon mi sien» de Carlos Gardel en Volver (1935), o «tu mezcla milagrosa
de sabihondos y suicidas» creada por Enrique Santos Discépolo en Cafetín de Buenos

294
Aires (1948), o «tinta roja en el gris del ayer» que Cátulo Castillo puso en Tinta roja
(1941), reúnen una alta complejidad poética y al mismo tiempo una alta popularidad, que
ha persistido con los años.
[editar]Lenguaje
Recordaba aquellas horas de garufa
cuando minga de laburo se pasaba,
meta punga, al codillo escolaseaba
y en los burros se ligaba un metejón.
El ciruja34
L.: Alfredo Marino. M.: Ernesto de la Cruz
Las letras están compuestas en base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar
las tristezas, especialmente «en las cosas del amor».
Si bien el tango puede cantarse con una mayor o menor presencia del lunfardo en sus
letras, es la pose y la sonoridad del lunfardo rioplatense la que lo caracteriza. El lunfardo
no es solo un argot integrado por cientos de palabras propias, sino que también es y
quizás más esencialmente, una pose lingüística, una forma de hablar algo exagerada (en
la que se incluye comerse las eses), por la que suelen ser reconocidos en todo el mundo
los argentinos de la región del Río de la Plata y los uruguayos. El tango es «reo»35
porque el lunfardo «es reo», es decir se trata de un estilo musical construido sobre el
habla popular; el lunfardo es el habla del suburbio, la voz del arrabal.
Como en ningún otro lugar el lunfardo expresa la fusión migratoria que originó las
sociedades rioplatenses, expresada por el tango. El Lunfardo es originado en el siglo XIX
principalmente por los inmigrantes italianos del área del barrio Palermo en Buenos Aires,
pero contiene otras influencias. Palabras sicilianas, africanas, italianas, aimaras,
mapuches, judías, gitano-españolas, gallegas, quechuas, árabes, guaraníes, polacas,
portuguesas, inglesas, se mezclan en el uso cotidiano sin conciencia de su origen.
El lunfardo fue en sus orígenes y sigue siendo hoy un lenguaje oculto-metafórico
construido a partir de una notable dinámica entre la sociedad carcelaria, los jóvenes y el
mundo del trabajo. De algún modo, al decir de José Gobello, el lunfardo es «una
travesura léxica, algo así como un guiño travieso que el habla le hace al idioma».36
El lunfardo fue perseguido en Argentina (al igual que el carnaval) y cuestionado por
algunos académicos de la Real Academia Española. Durante la dictadura instalada en
1943 se sancionó una circular censurando los tangos que contuvieran letras en lunfardo.
Por esa razón muchos fueron reescritos. Durante la dictadura de Onganía (1966-1970) el
lunfardo desapareció virtualmente del tango y la música popular. En 1969 Alejandro
Dolina incluyó el término «bulín» en su tema Fantasmas de Belgrano y Horacio Ferrer
iniciaba su famosa Balada para un loco con una exclamación esencialmente lunfarda:
«Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao...». Desde entonces, y a pesar de algunos
intentos durante la dictadura establecida en 1976 por «adecentar» la cultura popular, el
lunfardo registró un notable resurgimiento.37
En la primera década del siglo XXI el lunfardo goza de una gran vitalidad, habiendo sido
adoptado y reformulado por las nuevas generaciones. En gran parte por esa razón, el
tango se ha insertado en los ritmos modernos (rock, hip hop, ska, etc.) a través de las
letras y el habla lunfarda.37 Algunos lingüistas como el italiano Matteo Bartoli afirmaron
que el término «lunfardo» viene del término dialectal italiano lumbardo (o sea lombardo,
habitante de Lombardía, una región del norte de Italia). Con el tiempo el lunfardo asimiló

295
el cocoliche (que se fue oyendo en Buenos Aires cada vez menos en la segunda mitad del
siglo XX, probablemente debido a la desaparición de los inmigrantes del sur de Italia que
lo hablaban). Muchas de las palabras del cocoliche hoy en día se encuentran formando
parte del lunfardo.
En [4] encontramos un diccionario de términos lunfardos. Algunos ejemplos, tomados,
especialmente, del italiano y del lombardo, aparecen a continuación:
«Fiaca» (fiacca: 'flaqueza’ en italiano): desgano, pereza;
«Mufa» ('moho' en algún dialecto): fastidio y también mala suerte;
«Gamba» ('pierna' en italiano): alguien que ayuda o tiene buenas intenciones, también
‘cien pesos’ porque «ayudan»;
«Gambetear»: esquivar (principalmente en el fútbol);
«Minga»: 'nada' en dialecto lombardo;
«Yeta» (del italiano gettare: lanzar) mala suerte;
«Yira» o «yiro» (de 'girar, dar vueltas' en italiano): prostituta callejera;
«Atenti» ('atentos' en italiano): atención;
«Salute» ('salud' en italiano);
«Cuore» ('corazón' en italiano), si alguien dice «te quiero de cuore» quiere decir ‘te
quiero con el corazón’.
Además, términos como afano, boludo, bardo, bondi, cana, chabón, che, chorro, escabiar,
junar, mina, morfi, pibe, rajar, rea y yuta constituyen el corazón del habla rioplatense
actual, aunque en el Uruguay se utilicen generalmente términos propios, diferentes a los
"porteños" (punga, nabo, lio, bote, tombo, botija, bo, rastrillo, chupar) siguiendo con el
orden anterior.
[editar]Tabla
En la siguiente tabla encontramos el origen de algunos términos definidos empleados en
el tango:
Expresión Significado Origen Verso Tango Autor
Tamangos
Mango
Morfar Zapatos
Dinero
Comer Africano
Italiano
Francés Cuando rajés los tamangos,
buscando ese mango
que te haga morfar Yira, yira38 Enrique S. Discépolo
Milonga 1. Danza y música cadenciosa cercana al tango
2. Lugar para bailar tango Africano Con la milonga la voy
de igual a igual
porque también soy milonga... La milonga y yo39 Leopoldo Díaz Vélez y Tito
Ribero
Candombe Estilo musical afro-rioplatense con uso intenso de la percusión cercano al
tango Africano ¡Candombe! ¡Candombe negro!
¡Nostalgia de Buenos Aires
por las calles de San Telmo

296
viene moviendo la calle! Candombe, candombe negro40 Enrique Francini y
Homero Expósito
Quilombo Prostíbulo Africano ¿Qué destino tendrás,
viejo Juan Tango iluso?
Hijo de nadie y todos
en un quilombo oscuro. Viejo Juan Tango41 Juan Navarro
Laburar

Mina Trabajar

Mujer «fácil» o joven seductora Italiano

Lombardo Es lo mismo el que labura

noche y día como un buey
que el que vive de las minas
el que mata, el que cura
o está fuera de la ley. Cambalache42Enrique Santos Discépolo
Piantao Loco Italiano Ya sé que estoy piantao, piantao... Balada para un
loco43 Astor Piazzolla y Horacio Ferrer
Chorro
Gil Ladrón
Tonto Carcelario
Italiano Chorra: vos, tu vieja y tu papá.
Lo que más bronca me da
es haber sido tan gil. Chorra44 Enrique Santos Discépolo
Junar Mirar Caló Como con bronca y junando... El ciruja45 Alfredo
Marino y Ernesto de la Cruz
Chabón

Chamuyar

Firulete 'Chambón' o 'torpe'

errante, perdedor

hablar por lo bajo, seduciendo

exceso, dibujo

Caló
Gallego-francés Vos dejá nomás
que algún chabón
chamuye al cuete
y sacudile tu firulete El firulete46 Mariano Mores y Rodolfo Taboada
Pibe Niño Incierto47 «Mamita, mamita», se acercó gritando,
la madre extrañada dejó el piletón

297
y el pibe le dijo riendo y llorando:
«El club me ha mandado hoy la citación». El sueño del pibe48 Reinaldo Yiso y Juan
Puey
Pilcha Ropa Quechua Metele a la vida, sacale partido,
cambiando de nido, de pilcha y gavión,... ¿Por qué me das dique?49 Alberto
Alonso y Rodolfo Sciammarella
Papirusa Mujer hermosa Polaco En tu esquina, un día, Milonguita,
aquella papirusa criolla
que Linnig mentó "Corrientes y Esmeralda"50 Celedonio Flores
Pucho Cigarrillo Mapudungun
Quechua Tango querido
que ya pa’ siempre pasó,
como pucho consumió
las delicias de mi vida
que hoy cenizas sólo son. "Sobre un pucho"51 Sebastián Piana y José González
Castillo
[editar]Baile

[editar]Historia

La sensualidad del tango.

En todo el mundo, «bailar un tango» es sinónimo de seducción. El tango es un arte

complejo construido desde la danza.
El tango como baile nació en el arrabal, donde hombres y mujeres bailaban fuertemente
abrazados. Prohibido por incitación a la lujuria, la gente se vio obligada a bailarlo en
lugares ocultos hasta principios del siglo XX.52 En las dos primeras décadas del siglo
pasado, el tango triunfó en clubes nocturnos de París (Francia), donde apareció, por
primera vez, en 1910, y en otros países latinoamericanos (especialmente Colombia,
México y Centroamérica) y luego en Nueva York, a donde lo introdujeron bailarines de
las clases altas que por esnobismo solían frecuentar los sitios en donde se practicaba en
Buenos Aires. El tango comenzó a bailarse entonces en locales nocturnos de sus ciudades
de nacimiento y rápidamente pasó a salones populares. Hasta mediados del siglo XX, se
bailaba indistintamente en cabarés de lujo y en las llamadas «milongas», pistas
habilitadas en clubes barriales y suburbanos de Buenos Aires, Rosario (Argentina) y
Montevideo (Uruguay).
En Medellín (Colombia), la ciudad en donde murió el máximo representante del género
en 1935, Carlos Gardel, el tango se convirtió en eje cultural del barrio Guayaquil. Los
buenos bailarines eran ampliamente conocidos y celebrados en las milongas que
frecuentaban y sus nombres solían trascender incluso en otras, más alejadas, y en todo el
llamado «ambiente de tango». La fama internacional de esta danza y la posibilidad de ser
presentada en shows mundiales dieron lugar a que se desarrollaran coreografías más
audaces, con exigencias mayores y figuras gimnásticas y de la danza clásica que los
bailarines de las milongas solían desdeñar. El tango dejó casi de bailarse a partir de los

298
años sesenta en Buenos Aires. Pervivieron algunas milongas. Sin embargo, en los años
ochenta recibió un nuevo impulso gracias al éxito del espectáculo Tango argentino de
Claudio Segovia y Héctor Orezzoli, primero en París y luego en Broadway, generando
una tangomanía en todo el globo. Florecieron academias de por doquier y gente de todo
el mundo comenzó a peregrinar en busca de lugares para bailarlo, especialmente Buenos
Aires, promovida turísticamente como la Capital del Tango.
Se distingue actualmente entre el «tango de escenario» y el «tango de salón», o de pista.
En Buenos Aires se realiza anualmente un torneo internacional de tango, que se divide
entre esas dos categorías y al que asisten participantes diversos países y continentes. Una
de las parejas de tango más elogiadas, que practicaba el tango de salón aunque
profesionalmente, fue la que integraron Juan Carlos Copes y María Nieves, que actuó en
muchos escenarios internacionales. Otros célebres bailarines de tango que trascendieron
las pistas de las milongas fueron Benito Bianquet, llamado El Cachafaz, y Jorge
Orcaizaguirre, conocido como Virulazo.
En 1990 los bailarines Miguel Ángel Zotto y Milena Plebs fundan la Compañía Tango x
2, generando novedosos espectáculos y que una gran corriente de gente joven se incline
por el baile del tango, cosa inédita en ese momento. Crean un estilo que recupera el tango
tradicional de la milonga, lo renueva y lo coloca como elemento central en sus
creaciones, haciendo una búsqueda arqueológica de los diversos estilos del tango. A
finales de 1998, Milena Plebs53 se desvincula de dicha compañía para iniciar un camino
de investigación personal de diversas facetas del baile del tango. Hacia finales de los años
noventa y entrado el nuevo siglo bailarines como Norberto "Pulpo" Esbrez, Gustavo
Naveira, Fabian Salas y Chicho Frumbolli se afianzan y reivindican el baile de la
improvisación, olvidado un poco durante los años ochenta y los parte de los noventa.
Surge toda una ola de investigadores del tango.
El baile tanguero está construido sobre tres componentes básicos: el abrazo, un estilo
lento de caminar y la improvisación (Borges decía que el tango es un modo de caminar54
). Pero por sobre todas las cosas el tango debe ser bailado como un lenguaje corporal a
través del cual se transmiten emociones personales a la pareja. No hay ninguna otra danza
que conecte más íntimamente a dos personas, tanto emocional como físicamente.55
Se dice que el tango se baila «escuchando el cuerpo del otro». En el tango la pareja debe
realizar figuras, pausas y movimientos improvisados, llamados «cortes, quebradas y
firuletes», diferentes para cada uno de ellos, sin soltarse. Es el abrazo lo que hace
complicado combinar en una sola coreografía las improvisaciones de ambos.
Uno de los estilos del tango, el tango argentino, realiza el milagro de insertar la figura en
el enlace... Este es el secreto de su éxito; ésta es la principal innovación que ofrece al
mundo.56
La escritora argentina Alicia Dujovne Ortiz la ha descrito así: «Un monstruo de dos
cabezas, una bestia de cuatro patas, lánguida o vivaz, que vive lo que dura una canción y
muere asesinada por el último compás». Algunos clásicos «pasos» tangueros son:
La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y
compleja. La complejidad de los pasos no hace a la expresión o a lo que se quiere
trasmitir durante el baile. Se trata de expresar un sentimiento pleno de sensualidad y no
de sexualidad, donde lo primordial no son sólo los pasos o las figuras que hacen los
bailarines con los pies. De nada vale una técnica perfecta, o una sincronización perfecta,
cuando la expresión facial de los bailarines no trasmiten sentimientos. Todo en la danza

299
del tango está unido, las miradas, los brazos, las manos, cada movimiento del cuerpo
acompañando la cadencia del tango y acompañando lo que ellos están viviendo: un
romance de tres minutos, entre dos personas que a lo mejor recién se conocen y que
probablemente no tengan una relación amorosa en la vida real.
El tango trasciende y llega al corazón de los que contemplan a los bailarines, gracias a los
sentimientos que ellos ponen en el baile y obviamente a la calidad de sus coreografías.
Cada estrofa musical, cada pasaje, cada tango tiene distintos momentos, no se puede
bailar un tango completo siguiendo un patrón de conducta idéntico para toda la melodía.
Hay cadencias tristes, alegres, sensuales o eufóricas, finales silenciosos o grandiosos,
música in-crescendo o música in-diminuendo, solo expresa sentimientos y estos son los
que los bailarines transportan a sus pies y a su cuerpo todo.
[editar]Pasos

El paso básico tanguero.

Cadena invertida.
Cambios de dirección.
Caminata sincopada.
Contratiempos básicos con ochos.
Cunita y sacada.
Gancho y caminata sincopada.
Ganchos con respuesta.
Giro con barrida y boleo.
Giro con quebrada o gancho.
Giro con sacada y parada.
Giro con sacada, aguja y ocho cortado.
Giro con traspié y boleo.
Giro de izquierda con barrida y boleo.
Giro de izquierda y derecha.
Giro en ochos.
Giro simple.
Giro y salida a la izquierda.
«La cajita».
«La cunita».
«La mordida».
Media cadena con boleo.
Molinete quebrado.
Ochos adornados.
Ochos cortados.
Paso básico sincopado.
Pasos básicos con sacada y boleo.
Puente y calesita.
Sacada con giro.
Sacada con traspié.
Sacada cruzada, giro y ocho cortado.
Sacada del cruce con variantes.

300
Sacada y puente en un giro.
Sacadas con boleos.
Salida con adornos.
Salida con barrida.
Salida con traspié.
Toque y enrosque.
Traspié cruzado con giros.
Vaivén.
[editar]Los roles de género
En la pareja varón-mujer tradicional los roles de género están sexualmente definidos.57
Esto quiere decir que en la pareja de tango es el hombre quien crea y dirige el baile y la
mujer es quien lo sigue aportando belleza y sensualidad.
A fines del año 2000 surgió en Alemania una nueva movida, autodenominada Tango
Queer, que propone bailar el tango sin que los roles estén fijos al sexo de quienes lo
danzan. Por lo tanto son frecuentes parejas de baile del mismo sexo y se intercambian los
roles de conductor/a y conducido/a. Desde Alemania el movimiento se fue extendiendo a
distintas partes del mundo. Se celebran festivales de Tango Queer en Argentina,
Dinamarca, Suecia, y Estados Unidos.58
Artículo principal: Tango Queer
[editar]Ejemplos

El amor: El día que me quieras y Amores de estudiante (Le Pera), Los mareados y De
todo te olvidas (cabeza de novia) de Cadícamo.
El arrabal: Mi Buenos Aires querido (Le Pera), Cafetín de Buenos Aires (Discépolo),
Barrio de tango (Castillo), A media luz (Carlos César Lenzi), Yo soy la morocha
(Villoldo), Balada para un loco (Ferrer), Sur (Homero Manzi).
El desengaño (amoroso): Mano a mano (Celedonio Flores), Uno (Discépolo), Nostalgia]]
(Cadícamo), Esta noche me emborracho (Discépolo), Amargura (Alfredo Le Pera).
La muerte: Sus ojos se cerraron (Le Pera), Adiós muchachos (César Veldani), Adiós
Nonino (Astor Piazzolla).
La problemática social: Cambalache (Discépolo), Que vachaché (Discépolo), ¿Dónde hay
un mango, viejo Gómez? (Ivo Pelay), Chiquilín de Bachín (Ferrer).
El tango: Malena (Manzi), Che, bandoneón (Manzi), El firulete (Rodolfo Taboada), La
canción de Buenos Aires (Romero), Así se baila el tango (Marvil), Pa’ que bailen los
muchachos (Cadícamo), Siga el baile (Carlos Warren), Che, papusa, oí (Cadícamo), La
última curda] (Castillo).
El (paso del) tiempo: Volver (Le Pera), Caminito (Coria Peñaloza), El corazón al sur
(Eladia Blázquez), Tinta roja (Cátulo Castillo).
[editar]Compositores

[editar]Pasados

Astor Piazzolla en 1971.

301
La cantautora Eladia Blázquez (1931-2005).
Alfredo Le Pera.
Ángel Villoldo.
Aníbal Troilo (1914-1975).
Astor Piazzolla (1921-1992).
Atilio Stampone.
Carlos Di Sarli.
Carlos Gardel.
Celedonio Esteban Flores.
Donato Racciatti.
Edgardo Donato.
Eduardo Arolas.
Eladia Blázquez.
Enrique Cadícamo.
Enrique Pedro Delfino.
Enrique Santos Discépolo (1901-1951).
Felix Romero.
Francisco Canaro.
Francisco De Caro.
Gerardo Matos Rodríguez.
Gustavo Nocetti.
Horacio Ferrer.
Horacio Salgán (1916).
Homero Expósito.
José Razzano.
Juan Carlos Cobián.
Juan D’Arienzo (1900-1976).
Juan de Dios Filiberto.
Julián Centeya.
Julio Arregui.
Julio De Caro.
Julio Sosa.
Lucio Demare.
Mariano Mores.
Miguel Villasboas.
Olga Del Grossi.
Osvaldo Fresedo.
Osvaldo Pugliese.
Pascual y José María Contursi.
Pedro Maffia.
Roberto Firpo.
Romeo Gavioli.
Sebastián Piana.
Virgilio Expósito.
Washington Luna.
[editar]Actuales

302
Adriana Varela
Alberto Podestá.
Astillero.
Atilio Stampone.
Bajofondo.
Cacho Castaña.
Carlos Libedinsky.
Cristobal Repetto.
Daniel Melingo.
Guillermo Fernández.
Horacio Salgán.
José Angel Trelles.
Julián Peralta.
Julio Pane.
La Guardia Hereje.
Laura Canoura.
Leopoldo Federico.
Malena Muyala.
María Graña.
Mariano Mores.
Nelly Omar.
Néstor Marconi.
Nuevo Quinteto Real.
Orquesta El Arranque
Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto.
Orquesta de Tango de Buenos Aires.
Orqu. Típica Serpentina, ex Walter Méndez.
Osvaldo Piro.
Pablo Mainetti.
Raúl Garello.
Rodolfo Mederos.
Rubén Juárez.59
Sexteto Mayor.
Susana Rinaldi.
Victorio Menghi.
[editar]Cinematografía

Consejo de tango (1932), dirigida por Luis José Moglia Barth; con María Esther Gamas y
Carlos Viván.
¡Tango! (27 de abril de 1933), dirigida por Luis José Moglia Barth. Fue el arranque del
cine sonoro comercial argentino y del nacimiento de Argentina Sono Film.
El filme de Pino Solanas El exilio de Gardel (Tangos) (1984).
Tango (1998) dirigida por Carlos Saura; nominada al Óscar a la mejor película extranjera
y premio a la fotografía en el Festival de Cannes, entre otros galardones.

303
Milena baila el tango... con Ezequiel Farfaro (2005). Film documental interpretado por
Milena Plebs & Ezequiel Farfaro, dirigido por Rodrigo Peiretti, que muestra el proceso
creativo de la pareja de tango.
[editar]Estilos nacionales

[editar]El tango en Argentina y en Uruguay

En Buenos Aires, ciertos barrios tienen una especial impronta tanguera, como El Abasto,
San Telmo o La Boca y en Montevideo, Barrio Sur, Ciudad Vieja de Montevideo, La
Mondiola, La Unión y otros barrios. También son importantes las academias de tango,
donde se aprende y baila tango. Otras ciudades de Argentina y Uruguay tienen
importantes centros o actividades tangueras. En Santa Fe se organiza la Semana del
Tango, un evento organizado y producido por el grupo Tangofex4, patrocinado por la
municipalidad de Santa Fe y del Sindicato de Luz y Fuerza, en el que confluyen, entre
músicos, bailarines, cantores, artistas plásticos, diseñadores y fotógrafos, más de 100
artistas de todo el país, con muchos espectáculos libres y gratuitos. La ciudad de San
Carlos de Bariloche organiza anualmente desde el año 2002, en la primera quincena de
marzo, la Cumbre Mundial de Tango, donde competencia internacional acude a competir.
[editar]El tango de Finlandia e Italia
El tango de Finlandia es propio de dicho país.
El tango liscio11 es propio de Italia.

Vals
(Redirigido desde Waltz)
Para otros usos de este término, véase Vals (desambiguación).
El vals (galicismo de valse) es un elegante baile musical a ritmo lento, originario
del Tirol (Austria) por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante
los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos
autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres
tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo
XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en
la ópera y en el ballet.

En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha

convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más
significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer
tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son
débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se
relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma
musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras

304
mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4,
en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco,
aportó una cantidad de excelentes valses para piano y, entre ellos, el vals más
breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como
grandes compositores de valses, especialmente Johann Strauss (hijo). En
Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano,
el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que
difieren de país a país.

Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos,
han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan
importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas
tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el
Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de
Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del
Emperador

Contenido
[ocultar]

• 1 Diferentes formas de los valses

o 1.1 El vals vienés
o 1.2 El vals francés o valse musette
o 1.3 El vals tango
o 1.4 El vals venezolano
o 1.5 El vals peruano
o 1.6 El vals mexicano
o 1.7 Otras formas de valses
• 2 Bibliografía

• 3 Enlaces externos
[editar]Diferentes formas de los valses

[editar]El vals vienés

305
Con este nombre se conoce la danza de pasos rápidos, en un tempo que
comprende entre 110 y 180 intervalos por minuto. Existen también versiones
lentas (tempo de 60 a 80) denominados vals inglés o boston.

En los concursos de baile, el vals vienés se atiene, en la actualidad, a dos

formas:

 el estilo internacional: las parejas de baile permanecen siempre

enlazadas, lo que limita el número de figuras. Este estilo de danza es mucho
más elegante que:

 el estilo americano: baile mucho más libre, en este estilo la pareja puede
separarse y efectuar figuras variadas.

En el estilo Ballroom internacional, en cambio, las 2 versiones de vals son más

reguladas, en lo que se refiere a las velocidades. El vals vienés tiene 58 - 60
compases por minuto (174 - 180 intervalos por minuto), y el vals inglés 28 - 30
compases por minuto (84 - 90 intervalos por minuto).

[editar]El vals francés o valse musette

Danza popular típica de París, que surgió en los vals musette.

[editar]El vals tango

Danza argentina que se baila en tres tiempos; a esta música se le llama también
tango vals o vals criollo argentino.

[editar]El vals venezolano

Artículo principal: Vals venezolano
De acuerdo con Luis Felipe Ramón y Rivera, existen dos corrientes en el vals
venezolano: el de salón y el popular. En el vals de salón, el instrumento favorito
para su ejecución es el piano. Se enfatiza en los nombres de Manuel Azpúrua,
Manuel Guadalajara, Rafael Isaza, Rogelio Caraballo y Ramón Delgado Palacios
en el inicio de este género en Venezuela, y se dedicaron a la composición de
valses de dos partes. A partir de esto, el compositor Antonio Lauro tomó una
importante literatura del vals para la guitarra.

El vals de tradición oral, o vals popular, utiliza para su ejecución los instrumentos
típicos de cada región venezolana, siendo cultivado mayormente en los Andes y
el la región centro-occidental de Venezuela. En la región andina, el violín y la

306
bandola son instrumentos solistas, acompañados de la guitarra, triple y cuatro.
En Lara se ejecuta con violín, mandolina, cuatro y guitarra.

La estructura musical característica de los valses populares consta de tres

partes. Aún cuando muchos músicos firman sus composiciones con sus
nombres, la mayoría han dejado sus creaciones en el anonimato.

En la tradición popular se pueden encontrar el vals en muchos bailes y

manifestaciones folklóricas, como el joropo y el tamunangue, entre otros.

[editar]El vals peruano

Artículo principal: Vals peruano
Danza influenciada por los ritmos negros del Perú que se desarrolló a lo largo
del siglo XX en la costa peruana, y en particular en la ciudad de Lima. Sus
compositores e intérpretes más famosos fueron Felipe Pinglo Alva, Lucho de la
Cuba, Arturo Cavero, Los Morochucos, Los embajadores Criollos, Los Troveros
Criollos o Chabuca Granda, entre otros. Su auge fue en los años 40 y 50,
representando entonces la mayor parte de la producción musical peruana.

Sus pasos son más cortos y más cadenciados que en el vals tradicional. Suele
también ser más rápido.

Los valses criollos se inspiran de temas amorosos (Alma, Corazón y Vida,

Idolatría), de la idiosincrasia limeña (La Flor de la Canela, Si Lima pudiera
hablar, Romance en la Parada), de temas patrióticos (Y se llama Perú) y hasta
deportivos (Perú Campeón).

Es hoy en día la expresión más variada del criollismo peruano.

Como género ha sido últimamente renovado por obras de fusión musical chill
out, o por influencia del jazz.

[editar]El vals mexicano

Cuenta con dos grandes compositores del periodo del porfirismo en México:

 Juventino Rosas: Sobre las olas (Over the waves; Uber den Wellen)
 Enrique Mora: Vals Alejandra
 Ricardo Castro: Capricho
 Felipe Villanueva: Olimpica
 Macedonio Alcalá: Dios nunca muere

307
[editar]Otras formas de valses
La música y la danza tradicionales comprenden, asimismo, otros valses más
complejos que el vals de 3 tiempos, llamados valses asimétricos, en general de
5, 8 u 11 tiempos.

Los tiempos suplementarios, en el paso de vals, se bailan apoyándose,

alternativamente, en cada una de las piernas permitiendo, así, una ligera
elevación que acentúa los giros.

[editar]Bibliografía

 Bottomer, Paul, Waltz, Susaeta Ediciones, 1999.

[editar]Enlaces externos

Ska

SKA

Orígenes musicales: Mento, Calipso, Rhythm & blues, jazz

Orígenes culturales: Finales de los años 50,Jamaica

Instrumentoscomunes: instrumentos de viento-metal,instrumentos

de
percusión,contrabajo, guitarra, Bajo,órgano
Hammond, Teclado

Popularidad: Alta en Jamaica y en Gran

Bretaña desde los 60, alta en todo el mundo

308
 a partir de los años 80.

Subgéneros

rocksteady, reggae, dub, dancehall

Fusiones

ska-punk, jungle, ragga, ska jazz

Enlaces

Categoría:Ska

El ska es un género musical originado a finales de los 50 y popularizado durante

la primera mitad de los 60 que deriva principalmente de la fusión de la música
negra americana de la época con ritmos populares propiamente jamaicanos,
siendo el precursor directo del rocksteady y más tarde del reggae.1 Al ser un
género particularmente apto para fusiones ha sido incorporado, a través de
distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales. Desde un principio,
las versiones ska de populares composiciones para cine y televisión ("The
James Bond Theme", "Exodus", "A Shot in the Dark", "The Untouchables", etc.)
perfiló su particular identidad, entre callejera, nostálgica y "misteriosa",
característica que conservaría a través de las épocas. Estuvo fuertemente
asociado a los Rude Boy y a la independencia de Jamaica del Reino Unido,
aunque se hizo popular en todo el mundo desde muy poco tiempo después de
su nacimiento.

Contenido
[ocultar]

• 1 Historia
o 1.1 Orígenes
o 1.2 Segunda ola (Two Tone)

309
 o 1.3 Tercera ola
• 2 Véase también
• 3 Referencias

o 3.1 Bibliografía
[editar]Historia

[editar]Orígenes
El ska nace en Kingston, la capital de Jamaica, a principios de los 60, en un
momento en que la población empieza a afluir del medio rural al urbano. En las
ciudades los habitantes se congregaban en plazas donde las sound
systems pinchaban las últimas novedades estadounidenses de jazz, soul y,
sobre todo, rhythm & blues. En un principio se trataba de furgonetas con un
ruidoso y primitivo equipo de sonido. Las dos principales fueron Trojan de Duke
Reid y Sir Coxsone Downbeat, de Clement «Coxsone» Dodd, a los que más
tarde se les uniría Cecil Bustamante, conocido como Prince Buster. Las sound
systems no tenían otro remedio que pinchar música de Estados Unidos, puesto
que la industria musical jamaiquina era inexistente. Salvando algunas cintas
de mento de Stanley Motta, hasta 1954 no aparece el primer sello
musical, Federal, que, además, está orientado hacia la música estadounidense.
Sus propietarios se desplazaban a Miami o Nueva Orleans en busca de material
nuevo con el que satisfacer la gran demanda musical que había en la isla. Para
gozar de exclusividad sobre las grabaciones y mantener la exclusividad sobre la
clientela, se recurría a trucos como quitar la etiqueta de los discos para que no
fueran identificables, o enviar matones (Dance Crashers) a los sound system de
la competencia para boicotearlos.

310
Tapiz con algunos de los símbolos típicos del 2 Tone (2ª Ola) y Tercera Ola del
Ska (cuadros blancos y negros,...).
El catalizador que inició la carrera musical jamaicana, fue el futuro primer
ministro Edward Seaga que en 1958 funda West Indian Records Limited,
produciendo música de artistas locales, reinterpretando ritmos estadounidenses.
Ese mismo año, Chris Blackwell produce una grabación del aún
desconocidoLaurel Aitken. Un año después, Duke Reid y Clement Coxsone,
viendo la posibilidad de tener grabaciones exclusivas para sus sound systems,
fundan sus propios sellos, Treasure Isle y Studio One, respectivamente.2

A finales de la década los músicos de Kingston comienzan a experimentar con la

fusión de jazz y rhythm & blues estadounidenses con ritmos autóctonos del
Caribe, como el mento y el calypso,2 adaptándolo al gusto de la isla según las
tendencias que se imponían en las Sound Systems.3

En los estudios Federal se registra el tema Easy Snappin, de Theophilus

Beckford, producido por Clement Dodd, con Cluet Johnson al contrabajo y
elsaxofonista Roland Alphonso, posterior miembro fundador de Skatalites, banda
de estudio del sello Studio One. Este tema se podría calificar como la primera
grabación de música jamaiquina moderna.

Parte de la formación actual de Skatalites. De izquierda a derecha Lester "Ska"

Sterling (saxo alto), Karl "Cannonball" Bryan (saxo tenor), Kevin Batchelor
(trompeta) & Vin "Don Drummond Jr." Gordon (trombón). En segundo plano Val
Douglas (bajo).
En 1960 Prince Buster terminó de definirlo durante las primeras grabaciones
para su sello Wild Bells.2 La sesión estaba financiada por Duke Reid, que debía
quedarse con la mitad de los temas a distribuir. Finalmente solo recibió uno, del
trombonista Rico Rodriguez. Entre los temas grabados estaban They Got To

311
Go, Oh Carolina y Shake a Leg. Según el historiador del reggae Steve Barrow,
durante aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que
"cambiara la marcha" ("change the gear, man, change the gear"). El guitarrista
empezó a enfatizar el segundo y cuarto pulso, dando origen al nuevo sonido. La
percusión se obtuvo de los estilos tradicionales jamaicanos y de marchas. Lo
que hizo Prince Buster fue invertir los shuffles de rhythm & blues, acentuando
los offbeats con la ayuda de la guitarra y un ritmo de batería 4/4, acentuando el
segundo y cuarto pulsos.1

Los orígenes del nombre ska son difusos, y las hipótesis que se barajan son
inciertas. Los integrantes de la banda Skatalites afirman que ese nombre se
tomó del saludo del bajista Cluet Johnson, quien usaba como expresión al ver a
sus amigos "Love Skavoovie", a imitación de los hipsters estadounidenses. El
guitarrista Ernest Ranglin defendía que era la forma que usaban, tanto él como
otros músicos, para describir el sonido que hacía la guitarra, con un "ska! ska!
ska!". Es probable que fuera una mezcla de ambas, ya que el mismo Cluet
Johnson usaba ska como una forma onomatopéyica de explicar el sonido de
esta música.

En el Ska ya está plenamente asentado como la música por excelencia de

Jamaica, y suenan temas ad hoc con motivo de la independencia de la isla del
Reino Unido, como Sound of Freedom de Skatalites o Forward March de Derrick
Morgan. En 1964, aprovechando la Feria Mundial de Nueva York se presenta
este estilo en sociedad ante el mundo, siendo los elegidos para elloByron Lee &
The Dragonaires, con la ayuda de Prince Buster y Peter Tosh. En ese mismo
año, alcanzaba el número 1 en las listas británicas y el 2 norteamericanas de
popularidad una versión del éxito de 1957 de Barbie Gaye, My Boy Lollipop,
interpretada por Millie Small, con Ernest Ranglin encargado de los arreglos de
guitarra, y Rod Stewart, conocido entonces como Rod the Mod, tocando
la armónica.

Durante el resto de la década de 1960, se implanta en Europa rápidamente,

gracias a la popularidad de la que gozó en el Reino Unido, país al que se
trasladaron un gran número de estrellas jamaicanas como Laurel Aitken, Derrick
Morgan o Alton Ellis para proseguir allí sus carreras, pues este estilo contaba
con una gran aceptación entre la numerosa colonia antillana que había
inmigrado a la metrópolis, donde abundaban los Rude Boys, y entre la juventud
británica, principalmente entre los mods. Después, en la segunda mitad de la

312
década, a medida que el soul americano se hace más pausado y suave, el ska
evoluciona paralelamente en rocksteady.2 4

Sin embargo, los tímidos intentos de copiar esa música por parte de músicos
europeos, dieron unos resultados de no mucha calidad, como las
aproximaciones de Georgie Fame. Los intentos en castellano, fueron por lo
general mediocres aproximaciones al ritmo original, como atestigua el tema de
1966 Operación Sol de Los 4 de la Torre, o La canción del trabajodel mismo año
de Raphael, que no respetaban demasiado el estilo original, y llegaban cuando
el ska ya había dejado paso al rocksteady, un ritmo de baile más relajado y que
permitía unas armonías vocales más elaboradas. En la década de 1970 en
Latinoamérica, Toño Quirazco, Las Cuatro Monedas y otros versionaron temas
clásicos del ska en castellano.

[editar]Segunda ola (Two Tone)

Madness fue una de las bandas punteras de la segunda ola.

Artículo principal: 2 Tone
En los 70 el ska, gracias a los inmigrantes jamaicanos rudeboys, viaja
aInglaterra donde se mezcla con el punk resultando un sonido más rápido y
contundente pero manteniendo el estilo alegre y bailable. La ideología de estos
nuevos rudies es menos violenta y se enfrentará a la BLABLABLA ola
deracismo propulsada por la creciente corriente de extrema derecha del país.
Losrudies establecerán así una actitud inconformista y anti-sistema que era
propia del punk.

Entre finales de los 70 y principios de los 80, en plena era New Wave inglesa, el
sello Two Tone —entre otros— dio a conocer a algunos de los grupos más
famosos internacionalmente. Tales fueron Madness, Specials —cuyo teclista
Jerry Dammers fundaría el sello Two Tone—, The Selecter o Bad Manners.

313
Otros exponentes de la época, con diferentes estilos, fueron The
Bodysnatchers, Rhoda Dakar, The Beat (llamada The English Beaten Estados
Unidos) y Fàshiön Music (que luego cambiaría de cantante y guitarrista y
cambiaría al género New Romantic, transformándose en Fashion).

[editar]Tercera ola

El grupo inglés de ska, Bad Manners (2ª ola).

Mientras que por una parte hay bandas que continúan el estilo 2 Tone, comoThe
Busters, Scofflaws, The Toasters o Pama International otras recuperan el ska
clásico, llamado a veces revival, que se distancia completamente de laSegunda
Ola y se acerca más a los sonidos originales, como The Slackersjunto a Chris
Murray, Westbound Train, Hepcat, Inspecter 7 e Israelites. Ahora también es
importante resaltar que en esta ola genera la incursión "masiva" del género
musical a Latinoamérica, incursión que daría como resultado la mezcla de los
acordes e instrumentalización de cada país; dicho de otra forma, cada país
pasaría a desarrollar su propia forma de ska usando sus instrumentos locales y
tradición propios. en Latinoamerica la fuerza de esta denominada 'Tercera
Ola'es muy mezclada con ritmos autoctonos y mezclados con el rock y el punk
haciendo se convinacion un producto auditivamente más comercial. Entre estas
propuestas se encuentran: Panteón Rococó, Inspector, La Urband yLos
Autenticos Decadentes entre otras bandas alrededor de todo el continente.

[editar]Véase también

52. Grupos de Ska

53. Rude Boy
54. Skinhead
55. Mod (movimiento juvenil)

314
 56. Two Tone

[editar]Referencias

Reggae
Regie
Orígenes musicales: Rhythm & Blues, Rock n' roll, Rocksteady, Ska, Mento.
Orígenes culturales: Mediados de los 60 en Jamaica
Instrumentos comunes: Guitarra, Bajo, Batería, Instrumentos étnicos, órgano
hammond, teclados, bronces.
Popularidad: Alta en Jamaica, En Inglaterra el early reggae y el skinhead reggae a
finales de los 60's y en ambientes rastafaris en los 70. A nivel mundial desde el salto a la
fama de Bob Marley and The Wailers en los 70.
Subgéneros
Lovers rock, Skinhead reggae, Roots Reggae, Dub, Dancehall, Reggae en español,
Reggaeton
Fusiones
Raggamuffin, Drum and bass, 2 Tone
Enlaces
Categoría:Reggae

Bob Marley
El reggae es un género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces se
usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska,
rocksteady y dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó
después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros:
el Skinhead Reggae, el roots reggae y el dancehall.
El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de
raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Este topónimo se usó para
designar a los pobres de Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales
de los barrios pobres. Actualmente se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos
subestilos del reggae. Otras fuentes señalan que el término reggae proviene de una
canción de The Maytals, llamada "Do the reggay", en la que la palabra "reggay"
significaría "regular", es decir, gente común y corriente. Actualmente está muy difundido
por todo el mundo e inclusive habitantes de varias islas vecinas como la isla de San
Andrés y la de Providencia, en Colombia, lo interpretan como un género isleño.
El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música
de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en

315
el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos
precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos
elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por
prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del
orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el
reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina
y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Algunos de los intérpretes y artistas más conocidos del género son Bob Marley, Peter
Tosh, Inner Circle, Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube,
Eddy Grant, Lee «Scratch» Perry, King Tubby, John Holt, Gregory Isaacs.

La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o

religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con
otros estilos como la canción de autor o el punk.
La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante
Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The
Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros
estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como
el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos
antillanos.
La tradición cultivada en Jamaica por descendientes de esclavos.
La música de charangas y bandas de viento, impulsada por los colonizadores británicos.
La música popular estadounidense (soul, rock n' roll, rhythm & blues) y afro-antillana
(soca, calypso, mento), que se escuchaba en la radio y se vendía en discos.
Los cánticos de iglesia, relacionados con el gospel de EE.UU.
Contenido [ocultar]
1 Estilos
1.1 Roots (Raíces)
1.2 Rockers
1.3 Reggae en español
1.4 Reggaeton
2 Véase también
2.1 Variantes
3 Enlaces externos
[editar]Estilos

Otros estilos, mas antiguos pero muy populares de Jamaica son, el Dancehall y el Ragga
(también conocido como raggamuffin) consistente en un reggae con bases electrónicas,
probablemente influenciadas por el Hip-Hop, Drum & Bass – y otros estilos.
Gracias a la labor de DJ Kool Herc, surgió en las calles de Nueva York una nueva cultura
llamada Hip-Hop que incluye, entre sus expresiones sonoras, la música Rap que en su
origen consistía en un DJ (Disc Jockey) que se encargaba de poner bases musicales en
vinilo sobre las cuales un "MC" (Maestro de Ceremonias) recitaba rimas al ritmo de la
música. Los términos Jaying, Toasting o Chating son usados en Jamaica. Generalmente el

316
término rapper se usa en todo el mundo aunque se relaciona directamente con el Hip-Hop
y con el Rap y no con el reggae.
[editar]Roots (Raíces)
Se llama roots reggae ("reggae raíz") a una variedad de reggae sobre la cual se
desarrollaron las distintas variaciones de estilos. Los temas recurrentes en las letras son la
pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y la mención a la ganja o marihuana. En
algunos casos, sus letras mencionan la alabanza a Dios o Jah a menudo se exclama
Rastafari queriendo decir "Príncipe Tafarí" (ras es príncipe en amaharico), que alude al
nombre de nacimiento, Tafari Makonnen, de Haile Selassie I Rey de Etiopía (1892-
1975), reconocido como Dios en su carácter de Rey por los rastafaris. Hay quien
considera que el roots reggae tuvo su cumbre a finales de los años 1970, con cantantes
como Johnny Clarke, Horace Andy y Lincoln Thompson trabajando con productores de
estudios como Lee "Scratch" Perry, King Tubby y Coxsone Dodd. La investigación
experimental de tales productores dentro de parámetros tecnológicos a menudo limitados
dio paso al dub, y es vista por algunos historiadores de música como uno de las primeras
contribuciones al desarrollo del techno en Costa Rica (aunque en sonido analógico).
El roots reggae es una parte importante de la cultura jamaicana. Aunque otras formas de
reggae, como el dancehall lo han sustituido en términos de popularidad en Jamaica, el
Roots Reggae ha encontrado un pequeño, pero creciente lugar a nivel mundial.
También se dice en la misma Jamaica, que antes cuando se escuchaba el blues alla
llegaba en ondas a menudo entre cortada, y ellos tratando de imitar el sonido poco a poco
fueron creando el reggae, esto en cuanto a la base de la rítmica y los patrones que se usan
son muy parecidos a los del blues y el jazz.
[editar]Rockers
El rockers reggae es un subgénero de música del reggae que se hizo popular a mediados y
finales de los 1970, existiendo simultáneamente con el roots reggae y compartiendo
características con el dub. El nombre proviene del sound system y sello discográfico
llamado Rockers, propiedad de Augustus Pablo. También a veces se conoce como el
Lovers rock, refiriéndose a la frecuencia de temas románticos en el trabajo de algunos
artistas, como Gregory Isaacs, Horace Andy, Black Uhuru, Junior Murvin, y Dennis
Brown, Steel Pulse, Aswad y Matumbi.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o
religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con
otros estilos como la canción de autor
La única manera de escuchar música era a través de los Sound systems. Originalmente
solían ser fiestas al aire libre en el centro de Kingston. La gente se reunía a escuchar la
música y disfrutar del ambiente mientras el DJ animaba al público. En la década de los
años 50 los jóvenes jamaicanos estaban muy interesados por la música que llegaba de
Estados Unidos, y que por las circunstancias sólo era posible escucharla gracias a las
estaciones de música del Sur de Florida y los potentes vatios de los denominados Sound
Systems. Los Sound Systems sustituyeron a las orquestas de los locales de música de los
años 50. Resultaba mucho más económico alquilar un equipo para reproducir música
norteamericana. El coste de disponer de un toca discos o radio propios se superaba
poniendo sus altavoces en la calle para que todo el mundo escuchase música. Duke "The
Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron personajes
fundamentales en el desarrollo del Sound System jamaicano de 1950. Se encargaban de

317
grabar sesiones para asegurarse un suministros de melodías exclusivas. También cabe
destacar la importancia de la comunidad china asentada en Jamaica, a la que pertenecían
excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más
importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto Vincent
"Randy" Chin. Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como
Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un
nuevo estilo. Enfatizó el contratiempo, es decir no en el “beat” o golpe rítmico, sino
después de éste. Es así como nace el Ska. Se dice que el nombre viene cuando el futuro
guitarrista de los Skatalites, Jah Jerry Haines, iba creando una canción como Prince
Buster le había pedido y él dice que si pudiera generar el sonido con algunas letras, le
sonaría a ska.
Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas
competitivas entre ellos. La guerra entre Sound Systems escala al punto del envío de
saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores
eran conocidos como Dance Hall Crashers. A pesar de la baja calidad de las grabaciones
de Ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad
altísimo. El Ska es reconocido como baile y música nacional de Jamaica. Como los bailes
de los Sound Systems eran una de las pocas cosas que la gente del ghetto podía
denominar como algo propio, se convirtieron en uno de los ejes principales de la vida del
centro de la ciudad, incluso en barómetro para medir los gustos de la gente. De repente
los productores comenzaron a realizar grabaciones para la venta; probaban los nuevos
estilos en sus Sound Systems y casi todo el desarrollo de la música jamaicana (Ska, Rock
Steady, Reggae, Dancehall, Ragga...) ha sido como consecuencia de la competición entre
los Sound Systems por encontrar algo nuevo para atraer a las multitudes. La competición
que existía por aquellos tiempos por demostrar quién tenía el mejor equipo y la música
más cañera, era feroz, y los Sound Clashes (concurso por los cuales 2 Sound Systems
alternaban canciones y eran puntuados según la reacción de la gente que asistía al evento)
en algunas ocasiones derramaban violencia. Los Sound Clashes son todavía parte de la
cultura del Reggae Algunos dubplates (discos de vinilo) tienen cortes ensalzando el
nombre del Deejay y su Sound System. Son canciones realizadas exclusivamente por
algún artista para un Sound System en concreto, dándole un gran valor añadido.
Actualmente los Sounds Systems internacionales a destacar son: David Rodigan,
Kilimanjaro, Stonelove, Matterhorn, Base Odyssey...
En cuanto al panorama nacional español nombramos alguno de los Sounds Systems
existentes: King burnig sound system (Bilbao/ IT), Ambassah (Bilbao), Massive (Bilbao),
Neblina (Barcelona), One Blood (Barcelona), Pastizal (Madrid), Rootsseeker (Madrid),
Stereotone (Valencia), Black Milho (Coruña)y La Risspect Krew (Tarragona)...
[editar]Reggae en español
El origen de las primeras canciones de música reggae con letras en español se atribuye a
Panamá, donde el ritmo ha sufrido varias modificaciones y fusiones creando una base
rítmica similar a la del reggaetón Vease: Reggae en español.
Actualmente el Roots Reggae es un movimiento que está creciendo fuertemente en
Latinoamerica, especialmente en Argentina, donde en la última década han surgido
grandes grupos como Nompalidace, Resistencia Suburbana, Los Cafres, Riddim y
decenas de bandas mas. Varios artistas jamaicanos consagrados en los 70' y 80', que aun

318
siguen tocando, han visitado el subcontinente en los últimos años, con conciertos
multitudinarios en los lugares donde se presentaron.
[editar]Reggaeton
El Reggaeton es una forma de música urbana que se hizo popular en América Latina en
los jóvenes de la década de 1990. su antecesor Reggaeton se originó en Panamá como el
reggae en español en 1970. Después de la exposición gradual de la música en Puerto
Rico, con el tiempo se convirtió en el reggaeton. Se mezcla principalmente con reggae y
dancehall, con influencias de géneros latinos tales como la salsa, merengue , pop latino ,
cumbia y bachata. Así como el hip hop , R&B contemporáneo y música electrónica, la
estructura del reggaeton se basa con golpes del Dembow Riddim, un ritmo creado por los
productores de Jamaica Steely & Clevie a finales de los 80 y 90.
[editar]Véase también

Bob Marley
Haile Selassie
Movimiento Rastafari
Raggamuffin
Reggae en español
Reggaeton
Rastaman
Kebra Nagast
[editar]Variantes
Ragga o raggamuffin
[editar]Enlaces externos

319