TEORÍA E HISTORIA DEL ARTE I

primeras vanguardias
Profesora: Maia Creus

TEMA IX
CAMINOS A LO ABSOLUTO
LA OBRA DE ARTE COMO UTOPIA

KANDINSKY – PAUL KLEE

Y LA BAUHAUS
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914
INTRODUCCIÓN
– Alrededor de 1910-1912 varios artistas comenzaron a
experimentar con las posibilidades de un arte no
representativo.
– Una acuarela de Kandinsky fechada en 1910 ha sido
considerada como el ejemplo más temprano del arte
abstracto moderno.
– Aunque no se puede comprobar el año del nacimiento del
arte abstracto, es justo destacar que tan sólo tres autores,
• Kandinsky, Mondrian y Malevich quisieron acercarse
conscientemente a las formas abstractas como un meta
superior para su arte.
– Kandinsky fue quien primero teorizó entorno a un arte no
figurativo (es decir, que no obtuviera sus formas de la
imitación de la naturaleza) en su obra: “De lo espiritual en
el arte”, publicada en 1912.
Kandinsky, Primera acuarela abstracta, 1910
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914
INTRODUCCIÓN
– Para Kandinsky, como para Mondrian y Malevich, la
abstracción en el lenguaje del arte era una un futuro a
alcanzar.
– La conquista de este futuro seria la demostración de que
una nueva era espiritual había sido alcanzada por el
hombre.
– El arte abstracto no apareció a causa de las nuevas
técnicas y teorías científicas, pero indiscutiblemente,
• ellas prepararon a la generación de 1910 a imaginarse
mundos en los que las formas y proporciones no
correspondían ya a las de siempre.
– Entre la comunidad científica y en les medios intelectuales
de principios del S. XX se impuso la idea de una
Naturaleza Inmensa con la cual la existencia del ser
humano está profundamente relacionado
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

– La cuestión que plantea la ciencia moderna es una nueva

relación entre macrocosmos-microcosmos, es decir,
nuestra relación con el universo a través de la inmensidad
– Para Kandinsky, como para Mondrian o Malevich, la
abstracción era una un futuro a alcanzar
– El futuro del arte abstracto sugiere una nueva relación del
hombre con el universo inmenso e infinito
– La conquista de este futuro seria la demostración de que
una nueva era espiritual havia sido alcanzada por el
hombre.
– El arte abstracto no apareció a causa de las nuevas
técnicas y teorías científicas, pero indiscutiblemente, ellas
prepararon a la generación de 1910 a imaginarse mundos
en los que las formas y proporciones no correspondían ya
a las de siempre.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

– Alrededor del año 1905, Einstein aspiraba a romper la

barrera entre la luz y la materia y lo consiguió en cinco
ocasiones, 1905, 1906, 1907, 1915 y 1925.
– ¿Qué buscaba Einstein en esta zona fronteriza de la
realidad?
– La respuesta es simple: buscaba la gran unidad de fondo
entre las diversas fuerzas de la naturaleza.
– Einstein enseñó a descubrir la profunda racionalidad de la
naturaleza.
– La racionalidad del universo se convierte en una nueva
forma de espiritualidad, una pasión casi mística.
– En el Universo todo esta profundamente relacionado. La
vida del ser humano esta precedida por millones de años de
evolución y expansión de la materia a gran velocidad
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

– Cada célula viva tiene una dimensión cósmica

– La visión cósmica transforma en positiva la noción de infinito
– Lo infinito no ya no es la nada, sino la última e invisible
realidad del la materia
– La física moderna nos a enseñado que hay más realidades
de las que podemos ver y conocer
– En 1915 Einstein formula la teoría de la relatividad general,
según la cual, la gravitación no es una fuerza, sino una
curvatura del espacio-tiempo.
– Con esta propuesta audazmente abstracta, consigue
demostrar, contra la teoría de Newton, que la luz y la
materia se hallan sometidas por igual a la ley de gravitación.
– Con lo cual Einstein demostró la simetría entre luz y materia
(en su intuición general de la unidad profunda de la
naturaleza).
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914
– De los escritos de Einstein se desprende una manera de
concebir el mundo que hoy, impregna el trabajo y los
sueños de los que se dedican a pensar la física.
– Hay dos grandes conceptos relacionados con la realidad:
lo bello y lo inteligible. Y la clave entre ambos está en el
concepto común de simetría.
– La simetría como criterio estético y fuente de conocimiento
es uno de los elementos que comparten los iniciadores del
arte abstracto.
– La pugna de Einstein por romper las barreras y buscar la
profunda unidad del Universo modificaron nuestra
concepción del mundo.
– Esta pasión fronteriza por iluminar la materia y materializar
la luz impresionó y guió a muchos de los artistas,
pensadores y poetas de las primeras décadas del siglo XX.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Luz y materia en el arte

– La luz había sido uno de los temas principales de la
pintura des del Impresionismo, que intentó reproducir
sus efectos sobre la materia, utilizando pequeñas
pinceladas de color.
– Este “puntillismo” hace que el objeto representado en
realidad, se dematerialice en un espectro coloreado.
– La pintura alrededor de los años 1910, transmite
sobretodo un efecto visual y no táctil, y ello se
comprende si se considera el mundo abierto a nuestro
ojos por el microscopio y el telescopio.
– Mientras la teoría de la relatividad de Einstein sostenía
que la masa de un cuerpo dependía de su movimiento
en relación con el observador, muchos artistas, incluso
sin conocimientos científicos, opinaban que el reino de la
materia iba a su fin.
Monet Matisse Balla

Impresionismo i Fauvismo liberaron el color y la forma de la copia real y

con ello, se inicia el proceso moderno de desmaterialización de la obra de
arte
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Luz y materia en el arte

– Kandinsky afirmaba: “Empieza la gran época de lo
espiritual, la revelación del espíritu”.
– El desarrollo científico y técnico fue considerado en el
mundo artístico en el sentido de esta “espiritualización”.
– Ciencias y espiritualización se unieron también a las
Ciencias Ocultas, con muchos seguidores en las círculos
artísticos.
– La teoría más influyente fue la teosofía, de la que
Kandinsky, Mondrian y Malevich se declararon
partidarios.
– Los futuristas unían claramente la época futura del
espíritu con la tecnología moderna, de la que admiraban
menos las máquinas que la energía que se movilizaba.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

• Luz y materia en el arte

– La palabra “energía”, en el lenguaje de los artistas de
entonces, tiene casi el mismo significado que “espíritu”.
– Por lo general, se percibía lo espiritual en el arte allí
donde se prescindía de la imitación.
– Y la superación de la imitación fue iniciada por el
cubismo y el futurismo.
• El collage y la fragmentación cubista
– Un estímulo principal para las futuras evoluciones en el
arte abstracto fue la pintura cubista de Picasso.
– La fragmentación extrema de la forma del objeto y del
espació llevada a cabo por el cubismo, marcó una
ruptura fundamental con los modos de expresión
pictórica existentes.
Picasso. Cubismo Severini. Futurismo
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Luz y materia en el arte

– Como si le crecieran ojos por todas partes, se le pide al
espectador que acepte al mismo tiempo lo cercano y lo
lejano, lo pasado y lo futuro, lo interno y lo externo.
– Los futuristas llamaron a esta forma de experiencia
“Simultaneidad”.
– En ambos casos (Cubismo y Futurismo) el objeto se
descompone en fragmentos para recomponerlo de
nuevo en módulos nuevos y dinámicos.
– Así, la forma se descomponía convirtiéndose en una
parte del espacio.
– Esta forma de representar el movimiento “universal”,
llevó al Futurismo a pensar el espacio del cuadro como
un “campo de fuerzas”, donde las cosas existen solo por
un instante, para disolverse en la energia cósmica.
Umberto Boccioni,
El arte futurista descompone la forma para integrarla al espacio
Según las nuevas visiones del universo, las cosas existen sólo por un instante para
disolverse en la energía cósmica: DINAMISMO UNIVERSAL
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

El color liberado
– Junto a la forma, la luz había sido uno de los temas
principales de la pintura.
– Las teorías científicas del S. XIX y XX sobre el color,
resultaron la fuente de inspiración proporcionando un
marco gracias al cual los artistas pudieron investigar al
color, liberado de la exigencias del naturalismo.
– Si el Impresionismo habían aplicado las teorías del
color a fines naturalistas, varios artistas del S. XX
utilizaron la misma teoría para abordar la abstracción.
– Surge así la “teoria orfista de la pintura” de Robert
Delaunay (1885-1941) y su esposa Sonia Delaunay
(1885-1979).
– Para Delaunay la luz “es la única realidad”.
– Los contrastes de colores representan, en su
simultaneidad, la fuerza dinámica del universo.
Robert Delaunay,
Ventanas, 1912
Robert Delaunay,
Mujer del paraguas,
1912
Robert Delaunay,
Círculos, 1912
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Analogías musicales
– Otro camino para espiritualizar el arte, se fundamentaba en la
búsqueda de analogías entre música y pintura
– Muchos abstractos pioneros, fueron atraídos hacia la música.
Kandinsky, Delaunay, Paul Klee, establecieron los vínculos entre
música y pintura.
– Las posibilidades teóricas de una correlación entre color y sonido
se remonta a la antigüedad, y desde entonces, ha sido un tema de
complejos debates y experimentos.
– En el s. XX el color se convirtió en un problema principal en el
avance hacía la abstracción.
– Se inició la búsqueda, entre otras cosas, de las leyes basadas en
la transparencia del color, lo que puede compararse con los tonos
musicales.
– Una de las principales inquietudes fue descubrir qué podía dar la
música al arte.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Analogías musicales
– Esta idea la desarrolló a fondo, el critico de Munich
Wilhelm Worringer en su libro “Abstracción y empatia”
(1908).
– Worringer afirmó que la música era un modelo para el
“arte autónomo” que se desarrolla al margen de la
imitación de la naturaleza.
– Tales puntos de vista fueron desarrollados por
Kandinsky y Paul Klee entre 1912-1930.
– Klee se inspiró en la polifonía del S. XVIII (Mozart) y su
organización arquitectónica de múltiples temas y
melodías independientes.
– La sensación de construir una composición, de añadir o
quitar colores o tonos hasta que la pintura era
armónica, sustentó toda la carrera de Klee.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Vasili Kandinsky (1866-1944)

– Kandinsky se inspiró en el texto “La teoría del color”
(1810) del pensador y escritor alemán Goethe, quien
defendía los “efectos” emocionales y espirituales del
color.
– Kandinsky se inspiró en el enfoque intuitivo de Goethe
para escribir acerca del color en el libro “De lo
espiritual en el arte” (1912).
– Para Kandinsky el color, igual que las notas musicales,
“es un medio para ejercer una influencia directa en el
alma” y “tiene un efecto físico y psíquico en el
espectador”.
– El arte de Kandinsky entre 1911 y 1920 estuvo
centrado en esta investigación, entorno al color
liberado de su relación con el mundo natural.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Analogías musicales
– Kandinsky tomó su inspiración del cromatismo
romántico de Wagner.
– La música de Wagner le provocó la experiencia
sinestésica de ver colores y líneas simultáneamente
con la música.
– Kandinsky comprendió que la pintura podía desarrollar
exactamente los poderes de la música.
– En 1911, Kandinsky experimentó otro gran punto
musical en su carrera como artista, al oír la música
atonal de Schönberg.
– La vida independiente de las voces individuales en las
composiciones de Schönberg, es lo que trataba de
encontrar Kandinsky para sus pinturas.
– El descubrimiento de la música atonal, llevó a
Kandinsky a buscar la vida independiente de cada color
dentro de una composición.
Kandinsky decidió convertirse en
pintor en 1896, cuando tenía treinta
años y lo hizo por la convicción
moral de que se podía alterar y
reformar el mundo a través del
arte.

Como todos los primeros pintores

abstractos, se rebeló contra el
materialismo de buena parte de la
sociedad y del pensamiento de su
época.

A pesar de que no era un místico,

creyó en el misticismo y su divisa
artística era: “hablar de lo oculto
por medio de lo oculto”, de ahí que
se convirtiera en un simbolista por
exceléncia.
Kandinsky,
Cuadro con el arco negro,
1912

Kandinsky consideraba que

el negro era un color
negativo, sin energía,
cuando se combinaba con
colores brillantes.

“El negro posee un sonido

interior de nada, despojado
de posibilidades”

El blanco, en cambio, lo
considerba lleno de
silencio. El blanco afecta a
nuestra psique como un
gran silencio, lo que para
nosotros es absoluto”.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

• Analogías musicales
– Kandinsky comparaba cada color con el sonido de un
instrumento (amarillo para la trompeta, bermellón para
la tuba, etc.).
– De esta forma, los diferentes tonos de colores, como
los de la música, pueden despertar vibraciones y
emociones mucho más sutiles que lo que se puede
describir con palabras.
– Las analogías musicales señalaron el camino a
Kandinsky para abandonar la representación y
evolucionar hacía una abstracción total.
– La teoría musical y emotiva sobre el color, llevó a
Kandinsky a elaborar y publicar la primera teoría
justificando la abstracción.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

Analogías musicales
– En los textos de 1912: “De lo espiritual en el arte” y
“Sobre la cuestión de la forma”, Kandinsky estableció
una oposición entre elementos interiores y exteriores
en la obra de arte, argumentando que “la forma
exterior” es lo menos importante.
– Lo importante en el arte, es el contenido que surge de
la “necesidad interior” y es la verdadera justificación
de la forma.
– Pero para crear composiciones abstractas, el artista
ha de desarrollar no sólo sus ojos sino también su
alma.
– Así, la forma abstracta es igualmente capaz de
comunicar.
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

• Analogías musicales
– Solo entonces, el artista estará en condiciones de dar
a los colores la fuerza de la expresión.
– Kandinsky da a los colores una profundidad espiritual,
con lo cual y de esta forma, el espacio pictórico se
transforma radicalmente.
– Entre 1911-1914, Kandinsky agrupó sus obras en
Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.
– Pero fueron las Composiciones donde más investigó
la liberación de la forma respecto de su modelo
natural.
– Kandinsky no pretendía relacionar su pintura con un
tema particular, sino con un mundo trascendente, una
esfera de orden espiritual superior.
Kandinsky, Composición V, 1911. El cuadro tiene una iconografía encubierta
relacionada con el juicio final: ángeles haciendo sonar la trompeta, la ciudadela,
los muertos resucitando y la barca de remos
 CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

• En Composición V, Kandinsky ha logrado alcanzar el

espacio cósmico, infinito, que estaba buscando.
• La orquestación percusiva, musical, de los colores y de
las líneas crean un sentimiento de expectación.
• Aunque el diluvio se cierne sobre nosotros, más allá de
él, yace la promesa de un mundo nuevo.
• La actitud de Kandinsky ante el color estaba guiada por
una creencia romántica y espiritual más que psicológica.
• A partir de 1912 Kandinsky camina hacia la conquista del
que será su propio territorio pictórico.
• Sus cuadros prescinden de la representación. Apenas
unos rasgos aluden de vez en cuando a figuras y
objetos.
 Kandinsky, En el gris, 1919
Aunque los trazos
negros y las
formas
filamentosas
recuerdan todavía
el lenguaje de los
cuadros del
período del Der
Blaue Reiter,
Munich,

El caos cromático
empieza a
organizarse: dos
manchas rojas y
otra negra en el
centro de la tela
anuncian la
preferencia por las
tensiones
diagonales.
Kandinsky,
Óvalo rojo, 1920

El trapecio amarillo es de
origen suprematista. El
vocabulario formal es el
mismo que en la época de
Munich; lo que ha
cambiado es la
organización de esas
formas sobre la tela.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• En 1914, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial,

volvió a Moscú, donde recibe la influencia de Malévich.
• En 1921, acepta una cátedra en la recién fundada
Escuela Bauhaus en la ciudad alemana de Weimar,
después trasladada a la ciudad de Dessau.
• Sin abandonar “la necesidad interior” ni “la intuición”,
Kandinsky declaraba que la “Gran Síntesis”, que siempre
había anhelado, finalmente había sido alcanzada.
• En 1922 afirmaba: “La era de la gran espiritualidad está
comenzando”.
• A través de sus investigaciones, tenia la esperanza de
demostrar la aplicación de las leyes universales en el
arte.
• Y que el arte abstracto era tan capaz de conmover e
interesar al espectador como el arte representativo.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• Un buen ejemplo de esta nueva conquista estética es

Composición VIII de 1923, considerada por Kandinsky
uno de sus más grandes logros.
• En Rusia, Kandinsky había aprendido como lograr que
una superficie blanca y plana fuera considerada –o al
menos simbolizara – el espacio infinito.
• Su estancia en Rusia había alterado su arte, llevándolo
al empleo de la geometría y las formas geométricas que
antes condenaba.
Kandinsky, Composición VIII, 1923.
El círculo aparece en esta época como símbolo de perfección y por sus
connotaciones cósmicas. El repertorio formal queda sintetizado al máximo.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• La claridad de la geometría habla por si misma, al igual

que el empleo dinámico de los contrastes y del
contrapunto pictórico.
• El círculo aparece en este momento como uno de los
motivos centrales. Kandinsky le daba un significado
cósmico.
• El círculo, pictóricamente era “una variable precisa, pero
inagotable” y “la síntesis de las mayores oposiciones”.
• La influencia rusa en el interior de la Bauhaus fue
importante y Kandinsky fue uno de los impulsores de lo
que se conocía como “la casa internacional del arte” y
también com “La Gran Utopia”.
• Las nuevas teorías de Kandinsky quedan recogidas en el
libro: “Punto y línea sobre el plano”, publicado en
1926.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• Este nuevo libro definía sus opiniones acerca de la

composición.
• Kandinsky escribió sobre la línea en términos de
“temperatura”.
• La línea vertical es “cálida”; la horizontal es “fría”;
mientras que la diagonal tiende hacia una u otra según
su posición.
• Lo mismo afirmaba de los ángulos y de los formatos. Un
formato horizontal corresponde a “frio”, uno vertical a
“cálido”.
• Donde el ojo es guiado hacia arriba por los elementos de
la composición, el efecto es “libre” y “ligero”.
• Donde el ojo es guiado hacia abajo el efecto es “pesado”
y “denso”.
• El movimiento de un elemento hacia la izquierda es
“aventurero” y “liberado”, mientras que uno hacia la
izquierda es “familiar” y “tranquilizador”.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• Al combinar la teoría del color con la forma, Kandinsky

aspiraba a demostrar que formas particulares
corresponden a colores particulares.
• El círculo, el triangulo y el cuadrado se apareaban con
los tres colores primarios, azul, amarillo y rojo.
• El propósito último de Kandinsky fue crear armonías y
disonancias visuales mediante el color y las forma.
• Kandinsky había percibido desde el principio el potencial
del arte puramente abstracto a través de la
“musicalización” de la pintura, aunque recalcaba que no
deseaba pintar cuadros musicales.
Kandinsky,
Trama negra, 1922

El trapecio dividido en
pequeñas celdillas –que
posteriormente se
llenaran de color– es el
foco al que tienden las
demás formas, ya
disciplinadas por la
geometría y dispuestas
en planos sobrepuestos.
Kandinsky,
Sin título, 1922

Diálogo de formas en
perfecta sintonía
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• Kandinsky pronto se dio cuenta que los logros de la

pintura podrían superar los de la música.
• Seguía creyendo que los colores, y ahora las formas y
líneas, podían evocar sonidos.
• Sin embargo veía el círculo como una forma muda.
• Uno de los cambios más profundos de su arte posterior a
1914, reside en que ya no atribuye al color un papel
preponderante dentro de la pintura.
• Reconoce y exalta la valoración del silencio en la pintura.
• Kandinsky declaraba que el espectador debía apreciar su
gradual capacidad de oír un sonido en medio del silencio.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• “Sucede que, a veces, el silencio habla más fuerte que el

ruido, que la mudez adquiere una abrupta elocuencia”.

• “Mi secreto es pura y simplemente que, a través de los

años, he adquirido la feliz habilidad de deshacerme del
“ruido de fondo”.
Kandinsky,
Sobre el blanco, 1923

En la década de 1920
reconoció la
importancia del silencio
en el arte
Kandinsky,
Composición, 1923
Kandinsky,
Tensión calma, 1924

Un complejo juego compositivo se

resuelve con la superposición de dos
círculos, uno más pequeño y otro
mayor, dispuestos sobre el eje
diagonal.

La fuerte tensión direccional,

reforzada expresivamente con una
flecha, se compensa con el equilibrio
de la secuencia cromática azul
celeste- rojo, que también puede
leerse en términos de temperatura.
Los dos círculos serían, entonces, un
vértice frío y otro cálido.

La claridad compositiva de estas

obras responde a la evolución propia
de Kandinsky, pero también a la
docencia que ejercía en estos
momentos.
Kandinsky, Amarillo, rojo, azul, 1925
Kandinsky, En el azul, 1925
Kandinsky,
Estrechamente rodeado, 1926

La relación inevitable entre color y

forma nos lleva a observar los
efectos que tiene la forma sobre el
color.

La forma misma, aun cuando es

completamente abstracta y se
parece a una forma geométrica,
posee su sonido interno, es un
“ente espiritual” con propiedades
idénticas a la forma.
Kandinsky,
Duro y blando, 1927

El rigor constructivo
recuerda las obras
constructivistas.

Las tramas lineales y

reticuladas dan lugar a
una teoría de círculos y
triángulos que provocan
interacciones de color.

La cualidad “blanda” o
admosférica del fondo
contrasta con la dureza
geométrica de la
estructura.
Kandinsky,
Emociones, 1928
Kandinsky,
Aisladamente, 1930

En el arte, la teoría nunca va por

delante y arrastra tras de si a la
práctica, sino que sucede lo
contrario.

En el arte todo es cuestión de

intuición.

Aunque la construcción general

puede lograse por la vía de la teoría
pura, el elemento que constituye la
verdadera esencia de la creación
nunca se crea ni se encuentra a
través de la teoría; es la intuición
quien da vida a la creación.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• En 1933, durante la clausura definitiva de la Bauhaus y el

agravamiento de la situación del arte alemán bajo el
nazismo, Kandinsky se trasladó por última vez a Paris.
• En París se vio a si mismo como artista internacional y
sin patria.
• En 1937 declaraba: “Al lado del mundo “real”, el arte
propone un nuevo mundo que, en su apariencia, nada
tiene que ver con la realidad. Sin embargo, internamente,
esta sujeto a las leyes generales del mundo cósmico”.
• Así, al lado del mundo de la naturaleza, se ubica el
nuevo mundo del arte.
• La síntesis que siempre había sido su meta, ahora la
alcanza de otro modo: línea y color encuentran una
equivalencia exacta en su pintura.
Kandinsky,
Violeta dominante, 1934

Todo el que no capta el

sonido interno de la forma
(especialmente de la
abstracta) considerará
siempre arbitrario tal tipo de
composición.

El movimiento aparentemente
arbitrario de las formas sobre
la superficie del cuadro,
puede parecer un juego
gratuito.

Pero también aquí rige el

criterio y el principio que en
todos los terrenos es lo único
artístico y lo único esencial;
el principio de la necesidad
interior.
 UNA PINTURA SIN OBJETO

• El cierre de la Bauhaus por Hitler en 1933 y el

establecimiento del estilo realista en la Unión Soviética
en 1934, demostraron que el nazismo y el comunismo no
estaban preparados para tolerar el arte “avanzado”.
• Ambos regimenes impusieron el realismo académico y
propagandista.
• El arte que no se ajustaba a estas normas fue declarado
y destruido, como “Arte degenerado”.
• En París, Kandinsky centrará su investigación en la
mirada biológica y microscópica de la naturaleza.
• Esta mirada científica del mundo provocará un cambio en
su estilo.
• Sus cuadros sorprenden por la aparición de formas
biológicas, orgánicas y microscópicas.
Kandinsky, Relaciones, 1934
Las pequeñas figuras orgánicas, dinámicas y vivamente coloreadas, evocan
la imagen de células vivas. Kandinsky mira la naturaleza casi científicamente.
Kandinsky,
Nudo rojo, 1936

Al artista no le bastan
hoy las formas
puramente abstractas,
que resultan demasiado
imprecisas.

Limitarse a un material
excesivamente
impreciso, significa
renunciar a otras
posibilidades, excluir lo
puramente humano y
empobrecer sus medios
expresivos.
Kandinsky,
Dos etc…, 1937

Por otro lado, no existe

en el arte la forma
totalmente material.

No es posible reproducir
exactamente una forma
material: quiera que no, el
artista depende de sus
ojos, de su mano, que en
este caso, son más
artísticas que su alma
porque trabajan con la
intuición.
Kandinsky,
Circuito, 1939

El espectador esta demasiado

acostumbrado a buscar la
coherencia externa de las
diversas partes del cuadro.

El período materialista ha
producido en la vida y, por lo
tanto también en el arte, un
espectador incapaz de
enfrentase simplemente al
cuadro, en el que busca todo:
(imitación de la naturaleza,
temperamento del artista,
ambiente, anatomía,
perspectiva, etc.), todo menos la
vida interior del cuadro y su
efecto sobre la sensibilidad.
Kandinsky,
Balanceo, 1942

Todavía estamos
estrechamente ligados a la
naturaleza externa y tomamos
de ella nuestras formas. Toda
la cuestión está en cómo
debemos hacerlo.

Es decir, hasta donde puede ir

nuestra libertad en la
transformación de estas
formas y con que colores
pueden combinarse.

La libertad puede ir hasta

donde alcance la imaginación
del artista. Desde este punto de
vista se comprende cuán
necesario es el cultivo y el
cuidado de esta intuición.
Kandinsky, Curva dominante, 1936
La escalera simbólica integra las formas regulares y orgánicas.
Superado el rigor compositivo de la época de la Bauhaus, infringe sus normas con
la conciencia de dominar ya el nuevo lenguaje de la abstracción.
Kandinsky, Composición X, 1939
Para Kandinsky, la abstracción suponía, ante todo, la definición de un universo
artístico autónomo, independiente de la naturaleza, pero tan real y concreto como ella.
Kandinsky, Unanimidad, 1939
Uno de los rasgos característicos de Kandinsky es la búsqueda de una armonía y
equilibrio compositivo sin caer en la simetría ni la repetición.
Kandinsky, Azul celeste, 1940

Kandinsky es no sólo una de

las figuras fundadoras del arte
moderno del S. XX, sino
también uno de sus mayores
enigmas.

En la ultima fase de su vida, su

arte se vuelve remoto. Nuestra
mirada se ve atraída por esos
cuadros, pero al mismo tiempo
están lejos, fuera de nuestro
alcance.
Paul Klee
(Berna 1879 – Locarno 1940)
 PAUL KLEE

• Analogías musicales
– Aunque Klee comenzó con dudas acerca del paralelismo
entre música y pintura, en 1917 reconoció que “la pintura
polifónica es superior a la música en que aquí, el
elemento tiempo se convierte en elemento espacial.
– La idea de simultaneidad se destaca mas
suntuosamente
– Del lenguaje musical Klee tomó la organización
arquitectónica de múltiples temas y melodías
independientes (Mozart).
– La búsqueda central en el arte de Klee fue organizar
formas y colores independientes, en una totalidad
armónica.
– Para Klee, el avance a ideas y técnicas nuevas resultó
de la visita a Túnez.
Paul Klee,
Salida de la luna, 1915
 PAUL KLEE

• 1914, El viaje a Túnez

– En Túnez, Klee “tomó posesión del color” y finalmente
fue capaz de liberarlo de las connotaciones
naturalistas.
– Klee consiguió convertir las impresiones de la
naturaleza en equivalentes de colores análogos.
– A partir de este momento, además de la línea, el color
se volvió vitalmente significativo en la obra de Klee.
– Si bien el arte se iba a apartar de la mimesis y de la
representación tradicional, Klee sentía la necesidad de
preservar su estructura.
– De ahí su interés por la música de Bach o Mozart, un
lenguaje formalmente muy estructurado que emite
sensación de orden y equilibrio.
Paul Klee, Vista de Kairuan, 1914
En sus acuarelas de Túnez, Klee empleó colores transparentes que se
superponen unos sobre otros. Paisajes y arquitecturas surgían gracias a
una red de figuras geométricas. La armonía del color y el orden formal
crean la unidad entre cielo y tierra creando un nuevo espacio pictórico
 PAUL KLEE

• 1914, El viaje a Túnez

– Klee buscaba para sus composiciones abstractas, la
fusión de sentimiento, vitalidad y orden formal.
Estructura y armonía.
– Así como en la música, los sonidos se desarrollan
como entidades verdaderas (sujetos) que se
entrelazan, van y vienen, también en la pintura, los
colores han de desarrollarse con esta libertad.
Paul Klee, Casas rojas y amarillas en Túnez, 1914
Después de someter la realidad objetiva a un orden armónico de forma y
color, Klee estuvo en condiciones de abordar el arte abstracto.
Paul Klee,
Composición cósmica, 1919

Klee reclamaba la autonomía de

las formas y colores.

Pero esto no impide que estas

formas y colores sean objeto de
un infinito número de
interpretaciones, de acuerdo
con la capacidad de asociación
que toda mente humana posee.
Paul Klee, Con el águila, 1918
Uno de los objetivos de Klee era conseguir la unidad arquitectónica del
espacio pictórico a través de sutiles gradaciones de color y con un
vocabulario formal reconocible.
 ARTE ABSTRACTO CON RECUERDOS
– El estilo de Klee recuerda el crecimiento de formas
orgánicas.
– En sus escritos, Klee se refiere a la naturaleza
asociativa de la percepción: “es interesante señalar lo
real que permanece el objeto a pesar de todas las
abstracciones”.
– “Es posible que un cuadro se aparte mucho de la
Naturaleza y no obstante encuentre su camino de
regreso a la realidad”.
– “La facultad de la memoria, la experiencia a distancia
produce asociaciones pictóricas”.
– A la pregunta por el concepto de abstracción, Klee
respondía: “Ser pintor abstracto se basa en la puesta en
libertad de relaciones pictóricamente puras”.
– Klee entendía la abstracción como una exigencia que se
plantea el artista al realizar el cuadro.
 ARTE ABSTRACTO Y SU PEDAGOGÍA

• 1919 La Bauhaus de Weimar, Alemania

– El arquitecto Walter Gropius funda la Escuela de Artes
Aplicadas y Arquitectura.
– Proporcionó un excelente terreno de formación para las
artes aplicadas.
– Bajo la guía de artistas como Vasili Kandinsky, Paul
Klee, Josef Albers, Moholy-Nagy, etc, la Bauhaus se
convirtió en un vital centro internacional para la
investigación de los principios de la composición basada
en un tratamiento abstracto de la forma.
– Paul Klee llega a la escuela en 1920 y Kandinsky en
1922. Ambos compartían una actitud intuitiva, subjetiva y
expresionista del arte.
– En la época de la Bauhaus, Klee desarrolla un estilo
abstracto muy personal.
 ARTE ABSTRACTO CON RECUERDOS
• 1919 La Bauhaus de Weimar, Alemania
– Durante su época en la Bauhaus, Klee publicó el libro
“Experimentos exactos en el campo del arte”, 1927,
extremadamente importante como estudio metódico de
composición abstracta.
– Klee estudia la línea en términos teóricos. Analiza sus
atributos, su carácter temporal: “cuanto más larga es
una línea mas elemento de tiempo contiene”.
– Las pinturas de Klee a partir de 1929, aspiraron a ser
análogas a la música polifónica por medio de crear una
“armonía de varias voces de color que podía penetra en
la esfera cósmica”.
– Klee investiga la dimensión formal de los colores. Y sus
composiciones se guían por conceptos como dinámica o
equilibrio de masas, dirección o movimiento.
Paul Klee,
Jardín de rosas, 1920

Klee ha inventado una nueva

manera de composición
basada en la unión de unos
signos figurativos que obligan
al espectador a desarrollar
una mirada de movimiento
continuado, viva, que orienta
la sensibilidad y la mente.
Paul Klee,
Villa R, 1919

En el estilo de Klee, las

formas y colores llegan a la
plena autonomía sin perder
el contacto con la realidad.
Paul Klee,
Lugar afectado, 1922

Los signos figurativos de Klee

son constelaciones de signos
que configuran una dinámica
precisa, un ritmo y una
arquitectura armónicos y
concretos.

Las formas de Klee surgen del

alejamiento de la naturaleza y
su vuelta de nuevo a ella desde
un nuevo orden.
Paul Klee,
Teatro de guiñol, 1931

Los signos plásticos de Klee

realzan su capacidad imaginativa
y demuestran que en su pintura,
todo se relaciona a vivencias
pasadas, presentes o venideras
creando una realidad sensible,
una biografía plástica de sus
estados psíquicos, mentales y
emocionales.
Paul Klee,
Borrado de la lista, 1933
Paul Klee,
Marcado, 1935

Los tonos, en las obras de

Klee, se suceden en
cadencias guiadas por su
“necesidad interna”.
Paul Klee,
Leyenda del Nilo, 1937

La imaginación de Klee se
alimenta del intercambio
entre formas percibidas y
formas imaginadas,
creando un vocabulario
conceptual que evoca los
antiguos ideogramas.

Esta obra, realizada en el

exilio, se puede leer como
un clara afirmación a la
vida.
Paul Klee, Ínsula dulcarama, (isla agridulce) 1938 (176 x 88 cm),

Obra autobiográfica que sugiere disonancia. Puntos y líneas negros de claros

contornos destruyen la apariencia de idilio de las gradaciones azules del
fondo. El rostro blanco del centro, con las oscuras cuencas de los ojos, es
una alusión a la muerte.
Paul Klee,
Revolución en el viaducto, 1937

Esta obra es considerada un

cuadro histórico.
Es la aportación de Klee a la
lucha contra el arte fascista.
El cuadro se refiere a la
situación política de Alemania.
Paul Klee, Alegría desbordante, 1939.
Una obra irónica que evoca la soledad del exiliado Klee, sin abandonar su
característico estilo de signos y construcciones.
Paul Klee,
Arrebatado de miedo, 1939
Paul Klee,
Músico, 1937

Amargura, temor y tristeza

caracterizan muchos trabajos
de los años 1938-1940.
Paul Klee,
Timbalero, 1940
Paul Klee,
Ángel de la muerte, 1940