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Iconografía
e
Iconología
Mª Jesús Suesta Estellés
ICONOGRAFÍA E ICONOLOGÍA
Iconografía
1. Etimología: Imagen, figura, representación
Escribir, componer, designar, registrar
2. Definición
Disciplina…
Disciplina que se encarga de la descripción “pura y dura” de las imágenes.
Ejemplos:
A. Mujer de perfil portante de una antorcha en la mano. Y un sombrero con una luna creciente.
Vestida a la usanza grecorromana. Aparece sobre una medalla, moneda, o sello, soporte oval
que parece de metal.
B. Serpiente que se muerde la cola con palabras en griego tanto en su interior como
bordeándola. Rodeada por palabras y signos.
C. Escena desarrollada al aire libre, campestre con nueve personajes, uno de ellos lleva alas y a
nivel compositivo se distinguen tres grupos fundamentales, de izquierda a derecha: una sola,
un grupo de tres figuras que conforman una unidad, una imagen femenina sobre la que está
el personaje alado y un nuevo grupo de tres personajes, una de ellas tirando flores.
El primer personaje nos llama la atención las dos alas que porta en su cabeza. La figura azul
llama la atención que sopla. La figura alada lleva el arco con flecha y los ojos tapados (el
amor es ciego).
Hay que fijarse en los atributos, nos dan la pista para pasar al siguiente estadio y poder decir lo que
representa, interpretación de la imagen.
Los atributos son todo, sobre todo en los dioses, pues si se lo quitas a un Dios ya no va a tener ese
poder. El atributo define a la imagen y justifica su poder (no podemos a la Virgen María quitarle el
velo azul y ponérselo rojo).
Sabremos identificar cualquier personaje o Dios.
Reinterpretaciones diversas a la luz de cada cultura.
Es importante los soportes en los que aparece la imagen: madera, piedra…
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Iconografía e Iconología - Curso 2010 – 2011
Iconología
1. Etimología: imagen, figura, representación
Palabra, revelación, discusión, razonamiento, juicio
2. Definición
Disciplina…
Disciplina que interpreta la imagen dentro de su contexto cultural, creada en una época concreta a
la luz de una civilización o cultura con una religión y filosofía de vida, donde esa imagen se apoya en
fuentes literarias muy concretas.
A. Los atributos clave son la luna creciente y la antorcha para saber que es Artemisa. Tres diosas
de la Antigüedad Clásica: Artemisa, Hécate y Perséfone portan la antorcha, veneradas en el
Panteón romano como diosas de la magia. El atributo que nos hace descartar a dos de ellas
es la media luna. A Artemisa se le consideró como diosa de la magia y antes como diosa de la
Luna, también asociada a Selene, también la luna.
Para saber todo esto tenemos que irnos a la Mitología. Artemisa era hija de Zeus y Leto,
quien tiene un gemelo: Apolo, son pues los dioses de el sol y de la luna. El parto tuvo lugar en
la Isla de su hermana Ortigia. Toda la tierra se negó a que Leto diera a luz en la tierra, su
hermana le permite tener a los hijos en su isla. Esa isla fue premiada por los dioses por el
valor de darle espacio al parto, por ello se quedó quieta y pasó a llamarse Delos, la brillante,
donde está el templo de Apolo y el Artemisión.
La Artemisa griega tenemos que trasladarla a la Cultura Micénica y a la Diana con mitad de
cuerpo de toro.
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Iconografía e Iconología - Curso 2010 – 2011
1. Contexto histórico: Obra cumbre del primer Renacimiento italiano (del Quattrocento).
2. Circulo social de la obra: Familia Médici.
*Lorenzo el Magnífico (encarga)
*Lorenzo de Pierfrancesco de Médici (destinatario)
3. Circulo intelectual (filosófico, artístico, literario): Neoplatonismo
*Marsilio Ficino y otros
*Sandro Botticelli
4. Aportación de la Primavera a la Historia del Arte.
Los Médici fueron grandes promotores del Neoplatonismo de la época. Integra el termino Platón,
recupera a Platón. La filosofía platónica hereda mucho de Pitágoras.
Su primera recuperación es en el Siglo I d.C., en época Helenística, lo recuperan y lo reinterpretan a
la luz de los nuevos tiempos.
Un segundo momento es en el Siglo III d.C., con el filósofo Plotino, agarra la filosofía de Platón y la
reinterpreta sobre todo a la luz de la nueva religión cristiana y el arte que se desarrolla a partir de ese
platonismo. Asienta las bases para ese pensamiento cristiano.
El Quattrocento Florentino es el siguiente momento en el que resurge ese pensamiento de Platón,
en la corte Médici, de la mano de un filósofo como Marsilio Ficino, centro de esa recuperación. En
ese momento estaba traduciendo el Corpus Platónico, pero abandona esta empresa por un tiempo
para dedicarse a la traducción del Corpus Hermético. Junto a Marsilio Ficino, encontramos a Sandro
Botticelli, artista neoplatónico.
Platón habla de que el arte debe ser bello, y lo bello es bueno, para ello tiene que tener luz, por ello
en el Renacimiento no hay sombras ni claroscuros.
Desde el círculo Médici, se recupera a Platón, tercer nacimiento para darle a la representación
pagana un significado nuevo que se acerque al de la Edad Media.
El 25 de Diciembre, nacimiento de Mitra, del Dios Sol, por ello se fijo ahí la fecha del Nacimiento de
Cristo. Dios es el sol. La imagen pagana se representa en un gran formato, no en los formatos más
pequeños donde había sobrevivido en la Edad Media.
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Iconografía: Descriptiva. Descripción de una obra de manera tan clara que nos permita
clasificarla.
Iconología: Interpretativa.
ORIGENES DE LA ICONOGRAFIA
La iconografía como disciplina académica surge en el Renacimiento en el Siglo XVI, año 1517. Es
importante el autor Mazzochi con su obra “Imágenes Ilustres” surge como una ciencia auxiliar de la
arqueología con la redescubrición de la Antigüedad Clásica. Hay un interés por la recuperación y
estudio de esta Antigüedad. Queremos acercarnos a Grecia y Roma haciéndolo desde la arqueología.
Se trabaja sobre todo con la Iconografía en un primer momento, con el retrato romano. Vamos a
intentar estudiarlo desde una clasificación previa. A partir de aquí se suceden muchas obras sobre
Iconografía como ciencia auxiliar.
A partir de Mazzochi surgen autores y obras que tratan de todo ello. A mediados del Siglo XVIII, el
Conde de Calayus consigue una sistematización de todo lo que estamos hablando. Otro punto de
inflexión es con el Neoclasicismo, se sigue recuperando esa Antigüedad Clásica, aunque este fue una
reacción contra el Rococó. El siguiente punto de inflexión es el Siglo XIX, momento en que aparece
también como ciencia auxiliar de la Historia.
(1) Persistencia del esquema iconográfico: Él dirá obviamente que la iconografía es posible
porque desde la Antigüedad hasta nuestros días la imagen por ejemplo de Artemisa poco
cambia, los esquemas iconográficos se mantienen. De una imagen o de un mito como el de
Paris. Todo ello porque la creatividad en las artes fue nula. Plantea en su obra que para los
griegos el arte era un técnica, el artista lo único que necesitaba era la materia prima que nos
da la naturaleza, necesita la norma que nos da la tradición y tener habilidad. Si se tiene
habilidad, la materia prima y se conoce la norma, se puede hacer una escultura, pintar, etc.
No hay lugar a la creatividad, los esquemas iconográficos se perpetúan dentro de una misma
etapa. La consideración de un “artista” en la Antigüedad era muy baja, esto genera una
división entre lo que es la técnica y las artes liberales.
Técnica Vs Artes liberales (necesitan del intelecto, requiere de conocimiento y sabiduría, son
la aritmética, geometría, lógica, retórica, gramática, música, y la astronomía; la poesía es la
suprema porque es la de los Dioses). Ello continuará siendo así en época Romana, hasta el
Renacimiento donde empiezan a cuajarse cambios que anuncia lo que tiene que venir a
mediados del Siglo XVIII.
(2) Migraciones tipológicas: Sí que podemos encontrar variaciones tipológicas, como por
ejemplo Artemisa no pierde los atributos que la identifican, pero en época de Praxíteles (a
partir del Siglo IV a.C.) el peplo es por las rodillas (no se podían imaginas a Artemisa cazando
por los bosques con una túnica hasta los pies por la incomodidad), pero ello no afecta a la
identificación de la imagen.
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El mismo pintor realiza otras obras (Las Sirenas). Tiene tres mujeres
sirena frente a la sirena como pájaro. Estas triunfan más porque son más
seductoras, de la mano del simbolismo, como “femme fatal”, como
estereotipo, surge a finales del Siglo XIX de mano del Simbolismo
Francés. Están en medio de un discurso de una sociedad donde la gente
está en el público, es un peligro porque seduce, invita, provoca…
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¿Podemos hablar del origen de la iconología antes del Siglo XIX y de Aby Wargurb?
Cesare Ripa, vive entre el 1560 y el 1625, nace en Peruggia. Llama a su obra: “Iconología o Emblemas
Morales” de 1593 en su primera edición. Lo que hace en esta obra no es realmente iconología, sigue
siendo más bien un catálogo en términos icnográficos, da algunas razones del porque, universales, no
adaptado a su contexto cultural, por eso estos esquemas se perpetuán pero sufriendo mutaciones.
Rápidamente tiene un gran éxito. En 1613 nace la edición de Siena y será la primera que se traduzca
al castellano, siendo los traductores Juan y Yago Borja. Se inspira mucho en una obra previa, surgida
no hacía mucho tiempo antes de Andrea Alciato, nacido en el 1492 y fallece en el 1551. Su obra
maestra la publica en el 1550: “emblematum liber” o libro de emblemas. Nace en Alzate y estudia en
Milán, Pavía, se doctora en Bolonia. Es un catálogo increíble sobre emblemas y con el se inicia la
disciplina emblemática. Cuando se trata de Cesare Ripa, este conoce la obra de Andrea. ¿Cómo
funcionaban esos emblemas? Todos funcionan igual.
Mercurio sin embargo siempre fue con su caducio, la vara a la que se enroscan las dos serpientes y
acaba en dos alas. La virtud se asocia a Mercurio.
El emblema tiene mucho más que ver con Hermes, el mensajero de los dioses, tiene más que ver con
la curación y Asclepio. Esto ha sufrido una migración tipológica, se ha utilizado el caducio que es el
símbolo de Mercurio, pero, ¿En qué momento se empieza a utilizar el caducio? Lo que quieren
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La influencia de la obra de Cesare ripa en el teatro fue brutal. Así se representará la abundancia. Las
obras de Calderón de la Barca, sus obras en escena están influenciadas en Cesare Ripa, los personajes
iban ataviados según los personajes de estos emblemas. Nos solo influyó en las artes plásticas, sino
también en las escénicas.
Aparece con bienes agrícolas porque la tierra es la abundancia, los bienes en mayúscula.
El 25 de Diciembre era el
nacimiento del sol invicto,
Mitra, entre los persas. La
iglesia relaciona a Cristo
con el Sol directamente.
Catedral de Amiens
Emblema de la Primavera
Lleva una corona de flores, es un joven imberbe, la juventud, lleva un carnero, el signo de Aries, 21
de Marzo, Equinoccio de la Primavera. Sigue
los mismos planteamientos. Es joven porque
es la juventud: la primavera. Las ramas secas
son sustituidas por la corona de flores.
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Adolph Goldsmith y Max Friedländer también son casos como el de Aby Warburg.
Hay una fecha y un momento esenciales para la Historia
del Arte al año 1912: una conferencia en un congreso de
Historiadores del Arte en Roma, lo que presentaba
Warburg era un estudio sobre las pinturas murales que
decoraban el Salón de los Meses del Palacio Schifanoia
de Ferrara. La novedad es que se le ocurre por vez
primera presentar el arte con la astrología, un trabajo
en el que la astrología y el arte quedaban unidos. Ese
trabajo supone el inicio de la iconología como nuevo enfoque historiográfico para la Historia del
Arte.
A partir de este momento nace la iconología como enfoque para la Historia del Arte. Era un
atrevimiento, pues en 1912 ningún Historiador del Arte le interesaba en absoluto el tema del
contenido, solo interesaba la forma y los estilos, poco más, además, teniendo como telón de fondo
la de Bendetto Croce, con su obra “Estetica”, todo se reduce a la forma:
“L’ atto estético è forma e niente altro che forma”.
Benedetto Croce dirá que toda la experiencia estética se percibe únicamente a través de la forma. En
medio de un marco donde se está bebiendo de la estética de Bendetto Croce, es un atrevimiento con
todas las de la ley.
Warburg decide presentar algo que tiene más que ver con el contenido.
“El universo formal romano del Alto Renacimiento italiano se presenta ante los historiadores del arte
como el término de un proceso de liberación del genio artístico de la servidumbre ilustradora del arte
medieval; por ello requiere una justificación el que en ese momento, en Roma, en este preciso lugar,
me haya propuesto hablar de la astrología – ese peligro enemigo de la libertad creadora artística – y
de su significado en el desarrollo”
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Centra el tema en el Renacimiento italiano porque la astrología esencial para entender la pintura
italiana del Renacimiento. Por ello lo presenta en Roma. En su formación van a influir profesores que
están muy dentro de la piscología, estudia en la Universidad y desde entonces ya le llega una
asociación muy clara: para entender una obra de arte hay que estudiarla también desde la
perspectiva psicológica. Va más allá, teniendo en cuenta lo que ha estudiado en la Universidad,
estudió Historia del Arte y Psicología. Tuvo como profesores dos filósofos que hablaban de esa
relación arte-filosofía: Karl Lamprecht y Usener, filósofos que plantean en las clases de esa
Universidad de finales del XIX, acercarse al fenómeno artístico desde el punto de vista de la
psicología. Usener nace en el mismo año que Freud, época de Freud y del Psicoanálisis, Europa se
asoma a la psicología en esta época, la aplican a distintas disciplinas humanísticas como el Arte.
Tanto en Usener como en Lamprecht queda patente la comprensión íntegra del fenómeno artístico
exige la psicología. Tanto unos como otros es esta la tesis que defienden. Freud influye incluso en el
simbolismo.
También aprenderá que hay una relación entre Historia del Arte y
evolucionismo, ahí le influye una obra y un autor que es Tito Vignoli, “Mito y
Ciencia”. Y uno de los maestro de Tito es Darwin. Plantea esa relación entre la
relación que hay entre Historia del Arte y evolucionismo, dice que el arte se
origina en la prehistoria por el hombre primitivo y en un momento muy
concreto. El arte se origina en la prehistoria por el hombre primitivo, cuando
el hombre primitivo siente la necesidad de materializar las imágenes
mentales que se ha formado. De ahí surgen los mitos y se intentan dar
explicaciones a los fenómenos naturales como los rayos, la salida del sol, etc.
El arte materializa las imágenes mentales que nos hacemos para entender
ciertas cosas. A medida que evolucionamos somos capaces de dar respuesta a
cosas que antes no entendíamos.
Para entender el Surrealismo, hay que entender el contexto, surge a raíz de la I Guerra Mundial, a
raíz de André Bretón, que trabajó en los hospitales para atender a enfermos heridos por la guerra. Si
el Surrealismo nace a raíz de la I Guerra Mundial, su fundador trabajó en los hospitales, hay que
imaginarse la relación, el Surrealismo deriva de esas imágenes mentales de heridos de guerra. El
Surrealismo hubiera sido imposible en el neolítico. Psicología e Historia del Arte, Historia del Arte y
evolucionismo.
Necesidad de dar forma a esas imágenes mentales que evolucionan a la par que evoluciona el
hombre.
Arte, Psicología e Historia de la Cultura. La Historia de la Cultura integra Arte, filosofía, música,
religión, etc., el arte es como una manifestación de la Historia de la Cultura, la comprensión del arte
debe de ser estudiada desde la perspectiva de la Psicología Evolutiva. Las imágenes mentales
cambian en función de su contexto.
En el Renacimiento italiano hay que estudiar astrología porque es fruto de su tiempo, tiempo que
permite dar libertad al genio artístico.
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1912: A manos de Aby nace la Iconología como nuevo enfoque historiográfico para el estudio de la
Historia del Arte. Esto ocurre en un congreso de Historia del Arte celebrado en Roma.
Años en la Universidad:
Historia del Arte y Psicología (Hermnann Usener y Karl Lamprecht).
Historia del Arte y Evolucionismo (Tito Vignoli).
Historia de la Cultura y Evolucionismo (Theodor Vischer).
Es importante entender que tanto el arte (representaciones figurativas) como la poética (los textos)
nos encaminan entender esa Historia de la Cultura, tanto el arte como la poética nos hablan de la
vida, de la cultura, de la civilización que hay detrás de esas creaciones. Para ello veremos ejemplos
de todo esto que se está planteando.
Relación creación figurativa – Vida de la Civilización: En el caso de Egipto, III Milenio a.C.
Cuando vemos las pirámides, sabemos que son tumbas, es la materialización de una idea, la pirámide
es la montaña de la creación para los egipcios, relacionado con la Cosmogonía Memphita. Existen
tres mitos de la creación del mundo.
Cosmogonías:
1. La Creación según Heliópolis, según los sacerdotes de la
ciudad del Sol. Establecen que el Dios creador es el Sol: Atum.
2. Mito Memphita: para los sacerdotes de Memphis, el Dios
creador era Ptah-ta-henen, la colina primigenia, la montaña de la
creación.
3. Mito Hermópolis: En el mito Hermopolitano, ambas
quedarán unidas. En un inicio lo primero que existía en el mundo
era Nun, un océano, del cual salió la montaña de la creación y
sobre ella se asentaba el sol. Por ello, las pirámides tienen esa
forma.
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La capital del Imperio Antiguo era Memphis, el mito memphita fue el que tuvo más fuerza. Así que
los egipcios imaginan a Ptah-ta-henen como una pirámide. Están enterrados en el útero de ptah-ta-
henen, que nos impulsa a ese renacimiento y la vida eterna.
“Se origino del corazón y de la lengua de Ptah a imagen de Atum. Grande y excelso es Ptah que
concedió su poder a todos los dioses y a sus Kas, por medio de su corazón y de su lengua…
Ocurrió que el corazón y la lengua triunfaron sobre todos los otros miembros, considerando que el
(Ptah) está (como corazón) en todos los cuerpos, (como lengua) en todas las bocas, de todos los
dioses, personas, animales, criaturas reptantes y en todo los demás que vive, mientras piensa (como
corazón) y ordena (como lengua) todo lo que desea”
Fragmento de la Cosmogonía Memphita
Hay que relacionar esta poética o textos con el arte, tal y como dice Warburg.
Las pirámides no hay que confundirlas con las Mayas, pues estas son de función templaria, son
templos sobre un alto basamento. Normalmente sobre nueve escalonamientos, porque nueve son
los niveles del inframundo. Representan también montañas. Los basamentos de estos templos mayas
tienen más reacción con los zigurat.
Las pirámides dejan de construirse después del Imperio Antiguo, en el Medio, siguen siendo
enterrados en el útero de Ptah-ta-Henen, aprovechan la misma montaña, como es el caso de la
Tumba de Hatshepsut en Deir el-Bahari o el Valle de los Reyes, la idea es la misma, solo cambia la
forma de materializarla.
Laminilla de Hiponio
“Esto es obra de Mnemósine. Cuando esté en trance de morirse hacia la bien construida morada de
Hades, hay a la diestra una fuente y cerca de ella, erguido, un alto ciprés.
Allí, al bajar, las ánimas de los muertos se refrescan.
A esta fuente no de allegues de cerca ni un poco!
Pero más adelante hallarás, de la laguna de Mnemósine agua que fluye fresca. Y a su orilla hay unos
guardianes.
Ellos te preguntarán, con sagaz discernimiento, porque investigas las tinieblas del Hades sombrío.
Di: “Hijo de Tierra soy y de cielo estrellado; de sed estoy seco y me muero. Dadme, pues, enseguida, a
beber agua fresca de la laguna de Mnemósine.
Y de cierto que consultarán con la reina subterránea, y te darán a beber de la laguna de Mnemósine.
Así que, una vez que hayas bebido, tú también te irás por la sagrada vía.
Por la que los demás iniciados y bacos avanzan, gloriosos”
Se nota que son instrucciones. El difunto se las lleva para saber que nada más llegue al Hades
encontrará una laguna, lo primero que siente el difunto, parece ser que es sed. Mnemósine es la
Diosa del Recuerdo, la memoria, lo que salvara es beber de su laguna, estas primeras son las aguas
del leteo o el olvido.
El mito órfico narra que el Dios Baco, hijo de Zeus, Dios del Olimpo y Perséfone. Zeus se encariña
muy pronto con su hijo Baco, y entra en celos Hera, quien muere de celos, tales eran sus celos que
decide hablar con los titanes, y éstos, encendidos en furia, raptan a Baco y se lo comen. Pero Zeus, al
enterarse, los fulmina con un rayo. Los órficos creen que cada humano está hecho con ceniza de
titán, en cada uno de nosotros hay un poco de Baco y un poco de titán, un poco de luz y un poco de
oscuridad, un poco de monstruo y un poco de Dios. Para los órficos, cuando moríamos físicamente,
llegábamos al Hades y alguien nos juzgaba, una Diosa subterránea: la madre de Baco. Nuestra
naturaleza es dual. Cuando nos ve Perséfone, lo que va a mirar es si finalmente nos queda algo de
titán o somos completamente Baco, solo ella sabrá verlo como madre de Baco, sabe lo que es ser
Baco, lo que es ser dios, entrañar toda la divinidad y no tener nada de monstruo. Nosotros tenemos
que penar el crimen de los titanes. Ella tiene que ver en el difunto solo Dios, no quedar nada de titán
ni monstruosidad.
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Lo que espera el difunto es ser visto como todo luz, divinidad, por eso llevan la laminilla de oro,
fusión entre arte, mito, creación artística y literaria, esto es una creación artística y literaria. El
objetivo, es ser Baco, ser oro, ser Dios.
Baco: dios común denominador de los misterios de Baco, la Eleusis y ………………………
Dios del néctar sagrado
El arte es siempre la materialización de una idea y expresa cuestiones de la cultura que hay detrás:
- Arte – literatura.
- Arte – poética.
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Warburg aplica todas sus teorías al Renacimiento y en concreto las obras de Botticelli.
El Nacimiento de Venus: es su punto de partida, hay textos que avalan su creación:
Literatura y arte nos remiten a esa fusión en el Renacimiento, muy de gusto del mito y de la
astrología.
Vamos a estudiar las pinturas del Salón de los Meses del Palacio Schifanoia de Ferrara. Es aquí donde
Warburg se detiene para plantear una unión entre astrología y arte que supone ese inicio de la
iconología como nuevo enfoque histórico para la Historia del Arte.
Este salón estaba decorado en sus cuatro paredes con los doce meses del año. Se pinta en el
Renacimiento y se encarga a varios pintores.
Representarán las paredes los doce meses del año, pero se recubrirán con yeso y en el año 1840 se
intentara recuperar todo el programa pictórico con la mala suerte que solo se pudieron recuperar
dos de las paredes, el Sur y el Oeste. Por documentos si sabemos cómo se organizaban.
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Lo que no se ha conservado:
En el oeste: Octubre, Noviembre y Diciembre – Otoño.
En el sur: Enero y Febrero – Invierno.
Esto tiene que ver con los movimientos del sol, el Este siempre es un espacio de vida, el Oeste de
oscuridad y muerte. Igualmente, de manera anual, nace por el norte y muere por el sur. Por lo que
esa distribución no es casual.
Marzo Junio
Cada una de estas representaciones es la Triunfo de Mercurio
alegoría de Marzo. Aparece la alegoría de Cáncer
Minerva, triunfo de Minerva en su carro
triunfal. Julio
En el central, Aries. Triunfo de Júpiter
Leo
Abril
Triunfo de Venus Agosto
Tauro Triunfo de Ceres, la agricultura, en agosto hay
mucha cosecha que se recoge.
Mayo Virgo
Triunfo de Apolo
Géminis Septiembre
Triunfo de Vulcano
Libra
En el registro central suele haber tres figuras, son también astrológicas, los Decanos, un total de
treinta y seis. En esos decanos Warburg encuentra el argumento para avalar la siguiente tesis:
El Renacimiento no solo recuperó a la Antigüedad Clásica, sino también a Oriente.
Lo dice porque esos decanos tienen atributos de Próximo Oriente o la India entre otros.
Lo que son los atributos y vestimentas de las divinidades están tomados de la Edad Media. La Edad
Media no es esa época oscura en que se olvida la Antigüedad Clásica, permanecen los dioses
olímpicos y los mitos, la indumentaria está inspirada en la representación de los dioses olímpicos en
la Edad Media. Lo encontramos en los Tarochi. Hay una cosa que si es totalmente renacentista: cada
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mes tiene su asociación astrológica. En la Edad Media se asociaba con los planetas, por tanto, todo
acababa en el número siete.
“Canta a Palas Atenea, gloriosa deidad de ojos de lechuza, a la muy segaz y augusta virgen, a la de
corazón implacable, a la protectora de las ciudadelas, a la valiente Tritogenia. A ella le engendró por
sí solo el pridente Zeus en su augusta cabeza, cubierta ya con belicosas armas de radiante oro…”
LO VA A COLGAR EN EL AULA VIRTUAL (Himno Homérico XXVIII)
Esto se ve desde la cerámica antigua, donde se ve que de su cabeza sale Atenea. Pero esto no es
exacto, tenemos que irnos al mito, hay una figura femenina que ayuda a que Atenea surja, es hija de
Zeus y de la Oceánide Metis, antes de que Zeus y Hera fueran marido y mujer. Fruto de estas
relaciones, Metis se queda embarazada de Atenea, pero tiene miedo de que Metis acabe ocupando
su trono, por ello se come a Metis y la pare Zeus. El Dios de la derecha es Vulcano, quien hace la
cesárea, abriendo la cabeza con su hacha. Gracias a Hefestos o Vulcano, puede nacer Atenea.
Lo que nos dice Warburg es que literatura y arte nos
llevan a la cultura. Del Himno Homérico me muevo a
la mitología. Atenea surge ya armada con el escudo
que la identifica como Atenea Minerva. Siempre esas
armas serán un escudo, una lanza y una égida.
Luego podemos verla con lanza y espada.
Es Diosa de la Sabiduría porque nace de la cabeza de
Zeus y es hija de Metis, que representa la prudencia
y sabiduría y éstas van íntimamente unidas.
Cuando nace de la cabeza, Zeus le hace un regalo:
una égida, que inicialmente era la piel de la cabra
amaltea, llena de serpientes a la que añadirá la
cabeza de medusa o Gorgona.
Gracias a Atenea, Perseo consigue decapitar a la Medusa. De las tres gorgonas, medusa era la única
inmortal. Al punto de que el Dios Poseidón o Neptuno se enamora de ella, y ambos mantendrán
relaciones en el templo de ella, pero Atenea ve esto y se enfada tanto que convierte a Medusa en el
monstruo que todos conocemos. El principal castigo no fue su
monstruosidad, sino que si miraba a alguien lo petrificaba. Pero luego
Atenea se arrepiente y decide quitarle ese castigo. Le dice A Perseo
que si quiere matarla utilice su escudo como un espejo y cuando lo
haga la decapite, la única forma de matarla era cortarle la cabeza.
Cuando le corta la cabeza, además de brotarle sangre, brota Pegaso,
el caballo alado de los dioses. El mito cuenta que dentro del monstruo
anida la belleza, más allá de lo que vemos.
Atenea se pone por todo ello el trofeo de Medusa.
Deidad de ojos de lechuza: esto viene de muy antiguo, incluso de Oriente. Atenea, como Diosa de la
Sabiduría o de la Guerra no surge en Grecia; Atenea surge en la época Prehelénica. En ese momento
es una diosa protectora del hogar. Y como es protectora del hogar, protege a sus moradores, de día
y de noche, por ello dice que tiene ojos de lechuza. Todo lo prehelénico tiene un origen oriental.
En los tiempos prehelénicos es la protectora del hogar, pero pasa el tiempo y llegamos a la época
Micénica (II Milenio a.C. donde con encontramos con que de proteger el hogar pasa a proteger
especialmente al palacio y al rey. Es aquí cuando Atenea pasa a estar en el interior de la ciudad. De
hecho la ciudad de Atenas debe su nombre a esta diosa, es la protectora de todas las polis griegas.
Para los griegos, la polis o ciudad es el símbolo de la civilización, del orden, de la
racionalidad, nadie mejor que la sabiduría para protegerla. Vivir en la polis es vivir
dentro del orden, la ley, la razón, todo lo que representa
Atenea. La diosa que es todo lo contrario es Artemisa o Diana,
más allá de la Polis está el bosque, la sin razón, la otredad, lo
otro, en sentido negativo. Para ser un ciudadano de pleno
derecho, la mujer debía estar casada, el hombre tenía que
casarse o entrar en el mundo militar. Hasta ese momento
estaban fuera de ese mundo racional, ordenado y civilizado.
Hasta entonces se es tan indeterminado como el bosque y los
espacios fuera de la ciudad. Los esclavos también entran dentro
de ese grupo de indefinición.
Estas dos diosas comparten a pesar de todo una cosa: la virginidad. Ello las convierte en un híbrido.
Niegan su feminidad y fecundidad, por ello asume también un rol masculino en este sentido. Diana,
al ser Diosa de la Caza, también adquiere un rol masculino. Tan cerca y tan lejos las dos…
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TRIUNFO DE MINERVA
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La diosa entra en un carro triunfal que es el eje de la composición. Gracias al Himno Homérico
podemos situar la alegoría. Voy a cantar a la augusta, a la corona de oro, a la hermosa Afrodita, que
tutela las murallas de toda la marinera Chipre, donde el húmedo ímpetu del soplador céfiro.
Con esto se nos está indicando que Afrodita se origina con la fusión de dos divinidades, una de ella es
prehelénica, la diosa Dione, y la otra es un divinidad oriental, con un origen en Chipre, la llamada
Astarté. Que influye en la Isthar de Mesopotamia.
La prerrogativa de la diosa Astarté en Chipre y de Isthar de Mesopotamia, era el ser veneradas como
la diosa del amor sexual y carnal. La diosa del amor espiritual y antagonista del amor de lo que
representará Afrodita será Psique, que es el amor espiritual, el amor que ser conoce a través del
espíritu. Mucho más profundo.
“Encaminándose a Chipre la diosa penetró a su fragrante templo de Paros, donde tiene un recinto y
un altar perfumado”
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Estas innovaciones son importantísimas porque de ellas beberán la gran mayoría de las
representaciones de la Historia del Arte.
A partir de estos modelos iconográficos en el Helenismo se crearán dos estilos, la Afrodita Púdica y la
Afrodita Anadiomede. La Venus púdica está desnuda pero aparece incómoda de que la observen.
La Afrodita Anadiomene, la diosa se escurre el cabello. Esta tipología de Venus
la crea el pintor Apeles Hasta ahora la diosa se había representado sola.
Cuando en el mundo griego se representó a Afrodita acompañada se elegirían
los dioses Eros y el dios menor Pan. Otras figuras mitológicas que la
acompañan son las Tres gracias y las Horas. Esto será lo más común. Aparecerá
con animales en el Siglo VIII a.C., originalmente acompañada con un toro,
símbolo de virilidad. A partir del Siglo VII a.C. se la comienza a ver con otros
animales, como el macho cabrío, relacionado con el dios Pan, a partir de esto
los animales más comunes serán animales acuáticos. Los más frecuentes serán
el delfín, el cisne y el pato.
Las flores que acompañan a la diosa serán las rosas, las violetas, la flor del
mirto y la del arrayán.
Incorporamos la figuración de Afrodita con Eros y Pan en el Siglo IV. La diosa aparecerá totalmente
desnuda. Derivará pues en un nuevo estilo la Afrodita Pandemo.
Platón habla de esta Afrodita en el Banquete.
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El amor de Afrodita Pandemo es el amor con el que aman los hombres ordinarios……, quienes no
aman menos a las mujeres que a los jóvenes, y más a sus cuerpos que a sus almas…., El otro, en
cambio, procede de urania, y es el amor de los efebos,…… que se dirige a la fuerza y a la inteligencia.
Dos Venus, la Venus urania, y la Venus Pandemo, esta última es la que ama carnalmente, amor más
superficial, y la urania es una que ama más selectivamente ya que profundiza en las cuestiones del
alma.
Para el sol el oro, para el lunes la plata, para el viernes el bronce, Saturno el plomo, Mercurio el
mercurio, para Marte el hierro.
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Afrodita Urania
Tipo iconográfico trabajado por Fidias, nombre Urania del Mito, afrodita
surge del mar y los testículos de Urano, mezclado con la espuma del mar,
esa es la materia de la que surge Afrodita. Esta pisando una tortuga
aludiendo a su origen marino.
Se juega con dejar ver su interior. Es muy sensual, es en el Siglo IV a.C.
cuando se la desnuda. Las representaciones de Afrodita desnuda o
semidesnuda, se quiere asomar a ese interior de Afrodita. Es importante la
labor del taller de Praxíteles. En ese taller se trabajaran los dos tipos: la
Afrodita semidesnuda y la Afrodita desnuda. La primera es la Afrodita de
Arlés. La segunda es la Afrodita Nidia o de Cnido.
Representaciones de Afrodita en la época Helénica: Siguen a pies puntillas las del Siglo IV a.C.
Venus de Milo
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Con animales, la primera vez es el toro, en el Siglo VIII a.C., el toro en el mundo antiguo era símbolo
de virilidad, por la fecundidad masculina.
A partir del siglo VII a.C. se le empieza a ver con otros animales como el macho cabrío, que tiene
mucho que ver con el dios Pan, aparte de estos los más comunes serán animales acuáticos. Los más
frecuentes serán el delfín, el cisne y el pato.
Las dos frutas con las que va a aparecer son la granada y la manzana, las flores de Afrodita: la rosa, la
más importante pero no la única, puede aparecer con violetas, la flor del mirto y del arrayán.
De aquí deriva la Afrodita Pándemo, pero hay que incorporarla en el siglo IV a.C.
Que dice Platón de esta afrodita :
“El amor de Afrodita Pandemo es el amor con el que aman los hombres ordinarios…, quienes no aman
menos a las mujeres que a los jóvenes, y más a sus cuerpos que a sus almas… El otro, en cambio,
procede de Urania, y… es el amor de los Efebos, que se dirige a la fuerza y a la inteligencia”
- Afrodita – Venus Urania: Es más selectiva, profundiza en las cuestiones del alma.
- Afrodita – Venus Pandemo: Ama carnalmente, un amor superficial.
A partir desde el Siglo IV a.C., hay como dos Venus, las que acabamos de mencionar.
Psique es el amor espiritual.
La Afrodita-Venus itálica.
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La Edad Media
Desde finales del Helenismo se garantiza que Venus no va a perderse en la Edad Media, además de
ser una diosa pasara a ser un planeta. Cuando los dioses griegos empiezan a significar dos cosas:
dioses y constelaciones, astros, planetas: a finales del Helenismo. Lo primero que les interesó a los
griegos helenísticos fueron los planetas. En el Helenismo, Venus, además de diosa, es planeta,
además de planeta le corresponderá un mes y una estación, por ello, el mes de Abril nos muestra el
Triunfo de Venus en el salón de los meses, además de dos signos zodiacales: Tauro y Libra, es bajo es
signo de Libra que los romanos celebraran la fiesta de Venus Genitirix.
Le corresponde el Viernes y un metal, el cobre, y así se hará en el mundo helénico para cada uno de
los planetas.
En el helenismo esta:
El sol – Domingo.
La luna – Lunes.
Venus – Viernes.
Marte – Martes – Hierro.
Júpiter – Jueves – Estaño.
Saturno – Sábado – Plomo.
Mercurio – Miércoles – Mercurio.
Esto, en el cambio de siglo para la filosofía gnóstica fue un vademécum. Dibujan al ser humano con
siete esferas, vamos creciendo del plomo hasta el oro, evolución hacia un estado cada vez más
espiritual.
En La Edad media se recogen dos imágenes de Venus: la que llega a través de los manuscritos de
astronomía en la que llega como planeta y recoge el legado de la Antigüedad Clásica, la Venus
desnuda como la hemos visto. A finales de la época Helenística trascienden como planetas,
constelaciones, etc., y todo ese conocimiento se adapta y hereda en la Edad Media.
Arato tiene una obra muy importante como mitógrafo, relata y habla de esas deidades olímpicas que
pasan a ser planetas. Deja escrito un manuscrito donde describe las divinidades olímpicas como
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astros o planetas, con sus atributos y los ilustra. Esta obra será copiada muchas veces y es muy
importante la versión de tiempos Carolingios.
Polaridad de la imagen: como una imagen puede tener más de un significado, divinidades olímpicas y
figuras astronómicas, astros. Esa bipolaridad, el Remamiento se la debe a la época Helenística.
Venus divinidad olímpica
Venus planeta
Estos simbolistas son rechazados y crean sus propios salones donde se escucha la música de Wagner.
Aunque surge en la Edad Media, la inmortaliza la Edad Contemporánea con la segunda generación
del Prerrafaelismo, el Simbolismo y el Art Nouveau. Destacan las obras del prerrafaelista E. Burne-
Jones.
Esa nueva mujer tiene que ver con la Revolución Industrial, sale al exterior, trabaja, asume roles mas
masculinos que femeninos, esa mujer fascina porque es nueva y distinta, se plantea otra forma de
vida y nuevos retos, el hombre le fascina y le teme a la vez. Se sienten perdidos, es como la Venus de
las montañas. Todo ello desencadenó un pensamiento misógino en el Siglo XIX.
El Renacimiento
La va a recuperar como Diosa Olímpica en su aspecto más desnudo, en el Renacimiento, una
sociedad menos teocéntrica, surgirán múltiples variantes: la del espejo, de Urbino. La recupera
desnuda, y dentro del Renacimiento se recupera a Venus con otra figura: Adonis, estas historias de
amor le encantan al Renacimiento, las historias permitidas y las que no.
“Paniasis afirma que (Adonis) era hijo de Tías (o Ciniras), rey de los asirios, el cual tenía una hija
llamada Esmirna (o Mirra). Ella, debido al a ira de Afrodita, a la que no veneraba, se enamoró de su
padre y, con la complicidad de su nodriza, se introdujo en su lecho durante doce noches sin que él lo
supiera. Cuando el padre se enteró empezó a perseguirla con su espada desenvainada. Ella, viéndose
perdida, suplico a los dioses que la hiciesen invisible, y los dioses compadecidos la transformaron en el
árbol de la mirra. Diez meses después se abrió la corteza y nació Adonis. Siendo aún un niño, Afrodita
se fijó en su belleza y lo ocultó en una araca a escondidas de los dioses, confiándoselo a Perséfone;
pero esta, cuando lo contemplo, se negó a devolvérselo. Llevado el caso ante Zeus, este dividió el año
en tres partes…………”
El animal que tira del carro del triunfo de Afrodita son cisnes, animales acuáticos. No aparece sola en
su carro, hay un personaje de rodillas, un Dios, vestido con casco y armaduras: Marte, rinde pleitesía,
se arrodilla ante el amor. El Renacimiento introduce otro animal: los conejos, que se reproducen muy
rápidamente, utilizado como símbolo de fertilidad. A diferencia del cisne, esto es muy propio del
Renacimiento. La guerra rendida ante el amor también es algo muy renacentista. Vemos que
hombres y mujeres están todos reunidos, no separados, por el amor carnal, son parejas de amantes.
Esas parejas con esas ropas recuerdan el amor cortés de la Edad Media. Vemos cosas que vienen de
antes como los cisnes, el amor cortés; cosas del Renacimiento como los conejos. Otro elemento son
las tres gracias, Venus aparece acompañada con frecuencia de las Tres Gracias.
La figura de Apolo lleva en las manos un arco y una esfera que alude a la esfera solar. Muy
importante es lo que tira del carro: caballos, cuatro caballos, una cuadriga.
El grupo de mujeres al fondo también es importante, sobre todo la que lleva el instrumento musical
pues Apolo se relaciona con las musas. De los dos grupos de la izquierda y la derecha llama la
atención el de niños. Se relaciona con multitudes de niños, esos son los elementos más
representativos, que vamos a intentar desvelar.
El mito que nos narra el nacimiento de Apolo lo vincula
a Artemisa o Diana. Sus padres son Zeus y Leto o
Latona, una de tantas amantes de Zeus, cuya esposa se
enfada más que otras veces. Leto queda embarazada
de gemelos. Ningún lugar sobre la tierra será la
superficie sobre la que pueda dar a luz Leto, pero sí que
habrá un lugar: Ortigia, donde podrá dar a luz. Ortigia,
que era su hermana, le dice que puede parirlos allí.
Ortigia por ello fue premiada, convirtiéndose en una
isla fija, Delos (la resplandeciente). Eso explica que
desde el siglo VII a.C. se venerará una de las triadas de
Dioses más importantes del Mediterráneo: la Deidad
de Leto: constituida por Leto, Artemisa y Apolo.
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Iconografía e Iconología - Curso 2010 – 2011
Son gemelos como el sol y la luna, la noche y el día. Las primeras imágenes de Apolo al relacionarlo
con el sol hacen referencia a su nacimiento como hermano de Artemisa. La lira y el arco son algunos
de los atributos de Apolo. Apolo es el Apolo flechador.
“Cerca de la fuente (Castalia) de hermosa corriente el soberano hijo de Zeus mató con su poderoso
arco a la serpiente gruesa y grande, un monstruo salvaje que causaba muchos daños a los hombres
sobre la tierra, muchos a ellos mismos y muchos a sus ovejas……….”
Beith Alpha
Es un Apolo imberbe, joven, irradiado
con los cuatro caballos y todo lo que
es el tema de los Zodiacos.
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“Oh Apolo, dame un valioso caudal para mi labor, de modo que puedas concederle tu laurel amado…
Entra en mi interior e inspírame el aliento del que estabas poseído cuando sacaste los miembros de
Marsias fuera de su piel”
Dante, Paraíso, I-13-27
La imagen de Apolo vuelve a recuperarse por los Simbolistas aunque con mucho
menos movimiento. Aparece con el arco y la lira, atributos constantes, es
imberbe, casi femenino. Esa feminidad tiene mucho que ver con la imagen de su
tiempo, tiene que ver con la androginia de los países nórdicos.
Apolo y Dafne, William Waterhouse
El gemelo como tal es una constante en los mitos de Apolo, pues es gemelo de Artemisa. En el mito
de Níobe el elemento de gemelo: pare siete hijos y siete hijas, no nos tiene que sorprender una
representación como esta.
Apolo, en tiempos muy remotos, cuando era una divinidad de Asia Menor era el Dios de la Medicina,
pero ello es a través de un relato como este se ve su relación con la medicina.
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“Marsias, habiendo encontrado la flauta, que Atenea había desechado por deformarle el rostro,
desafió a Apolo a un certamen musical. Acordaron que el vencedor hiciera del vencido lo que quisiera
y cuando se celebró la prueba, Apolo compitió con la cítara vuelta hacia abajo y ordenó a Marsias
hacer lo mismo. Como este no pudiera, se declaró vencedor Apolo, que colgó a Marsias de un pino
que sobresalía de los demás y lo hizo morir desollado”
Volvemos a la clasificación que hacían los griegos de las Artes Liberales: astronomía, geometría,
aritmética, lógica, retórica, música, gramática y la poesía por encima de ellas.
“…fue arrebatada hacia su patria; allí enclavada en la cumbre de un monte, se transforma en agua, e
incluso hoy la roca hace manar lágrimas”
Ovidio, Metamorfosis
Niobe y Apolo: Niobe pare siete hijos y siete hijas, guarda relación con esa dualidad y multiplicidad
de ellos. Dualidad gemelo es una constante en el mito de Apolo.
El Triunfo de Apolo, él entra en un carro, llevado por una cuadriga de caballos, en sus manos lleva el
arco y la esfera solar. Vemos a la figura de Apolo, el Apolo arquero y el Apolo Helios. En tanto que
Apolo Helio se explica que entre con una cuadriga de caballos.
Pájaros cantores, una constante en el mito de Apolo, y grupo de mujeres con trajes renacentistas
hace referencia a las musas.
La multitud de niños, lo que sí sabemos es que guarda relación en la constante de los gemelos en el
mito de Apolo y el mito de Niobe, multitud de niños. El mito de Niobe adquirió mucha importancia
en el Renacimiento.
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MARZO MINERVA
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ABRIL – VENUS
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MAYO - APOLO
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JUNIO – MERCURIO
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JULIO – JUPITER
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AGOSTO - CERES
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SEPTIEMBRE – VULCANO
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ASTRONOMIA
Temas constantes en la Historia del Arte
Hoy vamos a hablar del Zodiaco.
Las representaciones más antiguas del
zodiaco se remontan a Mesopotamia.
También nos lega los textos más antiguos
relativos al zodiaco, al cielo, constelaciones.
En los libros babilónicos se cuentan hasta 230
estrellas que aparecen enumeradas en los
textos y que cuentan con representaciones.
Lo que nos preguntamos es como eran, como los representaban.
Las estrellas las representan con figura humana o animal, asociadas a
divinidades. Warburg, a la luz de todas estas representaciones hablará de
la ambigüedad o bipolaridad de la imagen. Una imagen puede ser bipolar
o ambigua. Una misma figura es una estrella y un Dios. Ya en Mesopotamia
aparecen representaciones de esas estrellas, asociadas a divinidades y se
les da un forma humana y animal.
Lo que hace Babilonia es lo que trasciende hasta nuestros días, el nombre
zodiaco se lo dan los griegos.
Ya en época babilónica 230 estrellas asociadas a divinidades, ¿Cuáles
fueron las primeras en identificarse y en representarse a nivel
iconográfico? Las estrellas más visibles durante todo el año son las que
forman parte de la elíptica, la trayectoria que hace el sol a lo largo de todo
un año. Esas estrellas son doce, las de los doce signos del zodiaco.
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Siglo IV a.C. De Egipto al Mundo Griego (al hilo de la Conquista de Alejandro Magno)
GRECIA
Primeros mapas celestiales / cartografías celestiales (serán las septentrionales en su mayor parte)
Egipto en la Antigüedad fue conocido como el país de la magia, Heka, la magia egipcia, les obsesiona
tanto a los griegos conocer tanto la magia egipcia, como lo ha codificado, y la astronomía guarda
mucha relación con lo mágico. Tanto les obsesiona que cuando llegan, se desviven por descifrar los
textos egipcios, que hablaban demótico, que no tiene vocales. Los griegos lo alfabetizaron
poniéndoles vocales dando lugar al copto, sus primeros textos fueron textos mágicos.
El mapa más antiguo conservado es el Atlas Farnesio, coincidente con el geógrafo griego Hiparco. Es
tan preciso que astrónomos actuales norteamericanos, han hecho un estudio de ello asegurando que
se corresponde totalmente a como estaba el cielo en aquella época, en torno al 125 a.C.
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REPASO GENERAL
Diferencia Iconografía-Iconología
Orígenes de la Iconografía
* Siglo XVI: “Imágenes ilustres”, Mazzochi (1517) - RETRATÍSTICA
* Mediados del siglo XVIII: Conde de Caylus (1752-1767) – SISTEMATIZACIÓN
* Siglo XIX: Emmanuel Loewy – PERSISTENCIA DEL ESQUEMA
Cesare Ripa ¿Origen de la Iconología? Y Andrea Alciato (Los emblemas) ¿Correcto el término
de Iconología? Sigue siendo iconografía, sólo hace una descripción de la imagen y explica
porque. No hace una interpretación de la imagen a la luz de su cultura.
Warburg, 1912, Conferencia de Roma en torno a las pinturas del Palacio Schinafoia: Iniciador
de la Iconología, disciplina historiográfica para apoyar los estudios de la Historia del Arte.
Formación universitaria de Warburg. Importancia de la Evolución de las imágenes y los
símbolos. El arte evoluciona, una imagen cambia a lo largo del tiempo aunque remite a lo
mismo. La vida de los símbolos y las imágenes es analizar cómo evoluciona a través del
tiempo.
El interés de Aby Warburg:
La relación entre las artes visuales y la poesía.
La función de la creación figurativa en la vida de la civilización.
Salón de los Meses
Antigüedad clásica y Edad Media en la representación renacentista de los dioses
olímpicos.
Oriente (Próximo y extremo) en el Renacimiento italiano (ej. Los Decanos).
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ABY WARBURG
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1. LOCALIZACIÓN DE LA OBRA
Estudio analítico-sintético
- Identificación de la obra
- Identificación del autor
- Localización geográfica
- Localización temporal
Estandarte de Ur
No tiene autor
Época: hacia el 2600 a.C.
Procede de la Ciudad de Ur en la desembocadura del
rio Éufrates, en la actual Irak.
Concretamente del Cementerio Real de Ur. En 1922
se descubre este cementerio real, empezándose a
excavar en 1926. Se descubren 1850 tumbas con
personajes reales. Entre estos ajuares aparece este
estandarte.
La verdad desnuda
Gustave Klimt
1899
Había realizado una primera versión en papel en el 1898, para la revista Ver
Sacrum, órgano oficial de la Secesión.
El origen está en Viena.
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Inicialmente es una pintura mural. El análisis químico muestra una paleta muy
Goyesca y muy neoclásica. Cuando algo así es tan común hay algo significativo
como el uso del blanco de plomo, la mayor constante en Goya a nivel
cromático. El abuso del blanco de plomo fue lo que le produjo la sordera. Es un
fresco con muchos retoques a seco, con ligamentos de carácter orgánico.
Lienzo trabajado al óleo. En Klimt, hay que destacar que se vuelve muy
bizantino, un preciosismo que mira hacia Oriente, insertando láminas de oro.
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3. APROXIMACIÓN AL SIGNIFICADO
3.1 Estudio iconográfico
- Cualidades expresivas y significativas
- Iconografía
- Relación del tipo iconográfico y la tradición cultural convencionalizada (El tipo iconográfico
responde a una tradición convencionalizada?)
3.2 Síntesis o interpretación iconológica
- La relación de la obra con su contexto: la tradición cultural convencionalizada y el ámbito
convencional e imaginario
La nuda veritas responde a un tipo iconográfico muy antiguo, desde los emblemas de Ripa.
La verdad no tiene nada que ocultar. Responde a una tradición iconográfica totalmente
convencionalizada. Mujer desnuda, en sus pies se enrosca una serpiente. Nos llama la
atención el espejo, lo muestra para que nos reflejemos en él. La mujer nos acerca a la
femme fatal de los simbolistas con los cabellos rojizos, ojos verdes el cuello alargado.
Esta imagen en su tiempo: resulta inquietante para la sociedad vienesa de final de siglo, se
está exhibiendo demasiado, Freud está teorizando de psicología,
sexualidad… Son eróticas a morir, con ese vello púbico, eso es
ofensivo para muchos así se expresa en las criticas. El arte europeo
finisecular tiene que entenderse en clave erótica, sobre todo en el
Norte de Europa, donde tenían un catolicismo férreo, lo que hace que
emerja con una fuerza grandiosa el Simbolismo. Klimt está
provocando a la sociedad, que hay en ella que no tengamos el resto, desnuda
eres tan inquietante como ella.
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“Si no puedes gustar a todos con tus hechos y tu arte, gusta entonces a unos pocos. No vale
la pena gustar a muchos”
“Aunque el hombre puede vivir en medio de la nada no puede soportar verse a sí mismo”
Hermann Broch
Gombrich analiza también las obras desde la Iconografía y la Iconología. Refuerza esa unidad que
tiene que haber entre las artes plásticas y los textos.
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