Nº1 Noviembre

- La Firma: Miiniaturas Beneito

- Motoko por Lord Triste
- Mi Tesoro por Conan
- Kong vs Kong por Claudio Bochini, Marc Mu-
niers y Marco Navas
-Nadie Sabe como...pero suele sucede por Ramón
Arredondo
-De Tiendas por.... Barcelona con Conan
-El Gabinete del Dr J: Bat Child
-El Doctor Jekyll como Mr Hyde (Aurora Models)
por Luis H Agüe
Hola a todos¡¡¡
Imagine, nace como lugar de encuentro entre aficonados a este hobby, firmas de miniaturas y tiendas.Y sobre
todo, con la ilusión y el trabajo de muchas personas que desinteresadamente trabajamos para llevar a cabo este
proyecto.
Imagine,representa el anhelo por pintar figuras sin más pretensión que la de pasar un tiempo agradable, dis-
frutando de este hobby, sin la necesidad de estar sujeto a las estrictas reglas que se han impuesto en los últimos
años, en lo referente al acabado de las piezas.
En Imagine creemos en la idea de que:
-No hay figura fea.
-Lo importante es difrutar del hobby.
-No nos gusta el elitismo, que en los últimos años se ha apoderado de este hobby.
¡¡¡¡¡ desterremos la segregación¡¡¡¡

Al ser una revista completamente altruista, muchos de los colaboradores no han tenido tiempo para la entrega
de sus articulos, pedimos disculpas por ello y prometemos introducirlos para el siguiente número que será den-
tro de 6 meses. Pedimos a todos aquellos que lean esta revista virtual, que nos disculpen por los errores que
puedan apreciar. Nos somos editores, ni profesionales de la prensa, lo único que pretendemos es entretener y
generar afición.
Es un honor para nosotros inaugurar esta sección con Miniaturas Beneito. Sin duda la firma española más
importante del panorama modelístico español. Con una trayectoria impecable en pintura y en escultura ha
sabido sobrevivir al paso del tiempo. Dándonos a todos un ejemplo de buen hacer. Prueba de ello es su última
incorporación, una de las mejores piezas de los últimos 5 años.

¿Cómo, cuando, donde y porque comienza la aventura de Miniaturas Beneito?

Margarita Moreno:Miniaturas Beneito comienza en una terraza cerrada de mi casa con Julio Contreras
haciendo maquetas y escribiendo libros, uno salio al mercado y el otro se quedó en la imprenta

Miniaturas Beneito desde sus comienzos ha sido un trabajo cuidadoso, meticuloso y en equipo. ¿que ha apor-
tado cada miembro de ese equipo?
Margarita Moreno: Unos aportaban ideas, otros como llevarlas a cabo.Se ayudaban y enseñaban unos a otros.

Fernando fue un visionario de su época, ¿que le llevo a cambiar la concepción de la figura estática de aquel
momento para llegar a crear lo que años después sería un nuevo concepto de miniatura ( más dinamismo, más
dramatismo…)?
Margarita Moreno: El darle fuerza y vida a las figuras que dijeran algo más, no siempre firmes,como era cos-
tumbre en la época.

El diorama y las viñetas han cobrado fuerza en Miniaturas Beneito casi desde sus comienzos, hasta el punto
de escribir un libro en 1981 junto a Julio Contreras ¿porque siempre le habéis dado tanta importancia al dio-
rama?
Margarita Moreno: Porque el diorama es el conjunto de una situación en un momento dado, es mas real ,
bonito y atractivo tanto para la gente que lo hace como para el espectador,
Muchos modelistas piensan que el uso del
acrílico se debe a las distintas publicaciones
pero en aquellos años en los que se pintaba
con esmaltes y oleos, Fernando fue el precur-
sor del acrílico ¿Por qué experimenta este
cambio en el material y por supuesto, en las
técnicas de pintura?
Margarita Moreno: Fernando va a Barcelona
y en una tienda lo ve, pregunta, y ya empieza
a darle vueltas a la cabeza.Se trae un montón
de botes de los antiguos de boca ancha ,y a
practicar.Y junto con Juanma, deciden divul-
gar está nueva técnica haciendo cursillos de
pintura hace ya 27 años.

Una Firma de miniaturas, se va haciendo a fuego lento con el tiempo, su seriedad, su

calidad y sus distintos trabajos a lo largo de su existencia, le dan la solemnidad que se
merece ¿Cuáles han sido los trabajos que miniaturas Beneito pasea con más orgullo?
Margarita Moreno: Los dioramas de la Guardia Civil,Napoleon, Waterloo y los tra-
bajos para el Rey

Fernando Beneito recibió numerosos home-

najes y premios a lo largo de su carrera
¿cual de ellos le hizo una ilusión especial?
Margarita Moreno: Fernando era tímido
aunque no os lo creáis por eso hay pocas
fotos de él, se escondía. Le hizo mucha ilu-
sión la medalla de plata en Flokestone
cuando las medallas eran hoja de papel pla-
teada y el premio al artesano del año .

A lo largo de estos 30 años Miniaturas Beneito ha tenido que adaptarse a las innovaciones tecnológicas tanto
en la fundición como en los nuevos sistemas de marketing y publicidad ¿Cómo ha sido este proceso?
Margarita Moreno: Pues Fernando, nunca se ha parado a hacer pruebas hasta en sus últimos días. Nadie le
enseño nada. y quería siempre perfeccionar mas el modelaje y la fundición. En cuanto a marketing su 3x2 en
figuras,la publicidad en revistas y la publicidad directa a sus clientes, fueron sus mayores herramientas, para
dar a conocer nuestros productos.
Hace unos años había también ferias y concursos,¿ Que ha cambiado desde entonces en estos eventos?
Margarita Moreno: Había menos gente pero más compañerismo. Para ir a las ferias se compartian coches,
viajando juntos mejor rollito.

Miniaturas Beneito desde su fundación ha sido dirigida con discreción por Margarita Moreno, ha sido una de
las primeras mujeres en Europa en dirigir una firma de miniaturas ¿Qué diferencias te encuentras en el mer-
cado de hoy con el de hace 30 años?
Margarita Moreno: El mercado de hoy está basado en la novedad y está enseguida se apaga.Muchos fabri-
cantes sacan gran número de figuras, inundando el mercado, pero no por eso se vende mas,La gente no puede
asimilar tantas novedades, ni economicamente ni por tiempo, es un error pensar así
¿como se vive en un mundo de hombres?
Margarita Moreno: En el mundo de hombres, hay gente muy maja y los que no lo son peor para ellos. El tiempo
los pone en su sitio. yo encantada como uno mas en las ferias, hubo un tiempo en que me llamaban carlitos,
la verdad es que me miman.

Miniaturas Beneito lleva haciendo cursillos de pintura los fines de semana desde hace 30 años habéis ense-
ñado a pintar a mucha gente a lo largo de tantos años ¿que os ha llevado a organizar estos cursos y que ambiente
se respira en los mismos?
Margarita Moreno:Hacer cursillos fue una manera de divulgar el hooby, para que la gente pintara mejor, se
sintieran contentos con su trabajo, y así darle continuidad a eso de pinta figurillas .El ambiente es una reu-
nión de amígueles, lo vas comprobando sábado a sábado. Se enseña a pintar y ellos te pueden enseñar como
hacen un diorama u otras cosas, charlar, estar a gusto y al final de clase ...una cañita ¡¡me encanta!!
Como se encaja que muchas de esas personas a las que habéis enseñado a pintar, renieguen de su progenitor
y se autodenominen autodidactas?
Margarita Moreno: Al principio no te lo puedes creer, pero luego me dije mejor, no eran trigo limpio
José Hidalgo es la mano que ha sustituido el trabajo de Fernando tras su muerte. Estar a la altura de uno de los
miniaturistas más reconocidos y reconocibles de Europa cuyas figuras tienen un marcado acento personal es
una empresa muy difícil ¿como se afronta este reto?
Margarita Moreno: Es difícil pero nunca hemos querido ser los best, sino hacer cosas agradables bonitas y que
le gusten a la gente
Personalmente creo que los modelistas somos un colectivo con poca memoria histórica, después de tantos años
en el mercado, con tanto trabajo a las espaldas y con tantos incondicionales que os siguen ¿Os habéis sentido
olvidados por las publicaciones, foros de Internet, etc.? ¿será quizás que solo nos interesa la “NOVEDAD”,
en el sentido más estricto (Nueva figura, nueva marca, nuevo... )
Margarita Moreno: Olvidados siempre, puede ser por el carácter de Fernando que la decía a la gente las
cosas que no le parecían bien a la cara y eso no gusta. De todas manera siempre interesa mucho mas la nove-
dad.
¿En que estáis trabajando actualmente?
Margarita Moreno:En encargos de fundición y unos sudistas

¿Cómo veis la miniatura en un futuro?

Margarita Moreno:Cada vez mejor modeladas y fundidas, pero para unos pocos, sino divulgamos a los que
vienen atrás este hobby

Texto: Isabel Celada

A la memoria de Fernando, un gruñón cascarabias que tenía un corazón que no le
entraba en el pecho. Y que nos enseñó todo lo que sabemos hoy.
 Por Oscar Tahoces
Motoko
Bueno gente para increíbles aventuras y sinceros en palabras.

Abordamos aquí , la pintura a base de aerógrafo de una dama, una ninfa que se mueve entre cables de sinies-
tras esperanzas y futuros mal paridos. Me refiero a Motoko de la serie manga “ Ghost in the Shell” , serie de
la que bebió descaradamente la trilogía “Matriz”.

Decir que no es labor de buen plato, para alguien que nunca halla plantado cara a los tonos de la piel de una
fémina y menos a aerógrafo. Pues estos, deben ser más tersos y suaves que los de las figuras de fornidos gue-
rreros. Hay que tener bastante tacto a la hora de la mezcla y no pasarnos en las sombras, ya que una sombra
muy marcada hará parecer a nuestra dama ,en una camionera anclada en bares de perdedores.

-Despiece: Tratamos aquí una figura en resina, por lo que el cuidado a la hora de separar las piezas de los
odiosos y malparidos bebederos deberá ser cuidadoso.
- Imprimación: Con aerógrafo, pulverizo la figura y el suelo .Usér el megro, pues a la hora de hacer subidas
y pintar contornos me resulta mas sencillo
-Color Carne ,1ª y 2ª Subida : Bien este es uno de los pasos mas delicados de la pintura a aerógrafo, en
cuanto a los tonos de la piel se refiere; Hablo de la mezcla ,la cual deberemos ir probando sobre un trozo de
plástico hasta dar con la tonalidad deseada. La mezcla que use para sacar el tono carne esta compuesta ínte-
gramente con Tamiya Coor Acrylic y es la siguiente : Base XF15 mas o menos medio tapón de Tamilla + XF
2 como una gota equiparable a la uña del dedo Pulgar + XF 4 .Aquí mas o Menos como la del meñique + XF
68 igual ,con la del Meñique vamos sobrados. Bien obtenemos así con estas proporciones el color carne para
nuestra dama elegante, fina, sencilla al andar y complicada de amores es MOTOKO. Vale, aerógrafiamos todas
las zonas carnosas de dicha dama sin preocuparnos de pintar otras zonas no deseadas, para eso ya habrá otro
paso. Una vez seca ,aplicamos la 1ªSubida de luz, la cual obtenemos con XF 2, solo verter una gota del tamaño
de la uña del socorrido meñique y añadiremos a esta y a todas las subidas una gota de alcohol de curar a la
mezcla , pues es el mejor disolvente para este tipo de pinturas Tamiya.¡¡¡NO USEIS AGUA!!! Vale, Aplica-
remos con el aerógrafo, el rociado debe ser a poca presión para no correr el riesgo de plasmar en la figura un
trazo duro y falto de glamour y delicadeza. La subida de luz se da en aquellas zonas mas sobresalientes de la
zona en cuestión, cuidando siempre como ya sabréis de dejar algo de la subida anterior, Es exactamente lo
mismo que si pintáramos una figura a pincel. Para la 2ª Subida repetimos exactamente el paso anterior.
-3ª ,4ª Subida y 1ª Sombra: Bien, para la 3ª Subida en lugar de usar XF 2 usaremos XF 4, recordar, que
debéis pasar tímidas rociadas de aerógrafo. No insistáis mucho en la misma zona. Bueno llega ahora la 1ª
Sombra la cual efectuamos con XF 68 y muy rebajada esta en alcohol .Este color es puro, quiero decir que
no se debe mezclar con el tono base de la carne. Lo aerógrafiamos como imagináis en las zonas mas ocul-
tas y profundas de la figura. Pasamos ahora a la 4ª Subida la que efectuamos añadiendo una gota de XF 4 y
otra de XF2, y como las anteriores subidas la iremos aerografiando en los puntos mas salientes de las zonas
carnosas, siempre hay que dejar que se vea un poco de la anterior subida.
-2ª Sombra:( Foto 6) Bien Simplemente es aplicar
una 2ª Sombra la cual conseguimos con XF 68 mas
una gota muy pequeña de XF 4 y consiste en aplicarla
dejando ver un poco de la anterior sombra
-5ª y Ultima Subida : Foto 7Bueno gentes maravillo-
sas en mundos tan difíciles como placenteros en
misterios. Para la 5ª y Ultima Luz de la carne , aplica-
remos otra vez XF 2 a la mezcla . Se tratara de dar un
punto en la parte mas alta de las zonas carnosas.U vez
echo esto, daremos por zanjado el tema de la carne para
preciosas damas envueltas en tersas trasparencias y sen-
suales en andares.
-Enmascarillamiento Foto 8 Para conseguir pintar
otras las zonas sin miedo a pintar lo anteriormente
tratado, deberemos enmascarillarlo o si queréis mejor
proteger las zonas carnosas. Eso lo conseguimos con
Maskol, para quien no lo sepa el Maskol es una espe-
cie de liquido muy fácil de manejar y algo denso que
seca en pocos minutos y se puede retirar mas tarde
como si de una pielecilla se tratara.
 -Pintura Traje y 1ª Subida: Foto 9 Bueno
la realidad nos dice que el traje de Motoko es
en negro, pero si queremos sacarle luces y
posteriormente aplicarle sombras , debere-
mos pintarlo en otro color, ya que de no ser
así, surgiría la pregunta ¿Como sombrear
una zona que ya es negra? Es triste pero la
realidad de la vida a veces nos plantea estas
difíciles soluciones. Alguien se liaría a tiros
para resolver tan increíble cuestión, pero
uno, que es docto en paciencias y autismos,
simplemente lo resuelve pintando el traje en
gris muy oscuro. Para ello empleo el color
XF 69 mas una Gota (recordar Uña Meñi-
que) de XF 1.Bien comienzo a aerografíar el
traje, y una vez seco empleo lo que será la 1ª
Subida al traje la cual consigo con una gota
de XF 63 añadida a la mezcla

-.Pintura Body: Foto 10 Para el Body de esta increíble patriota de la cibernética corporal universal trasmeta-
lera y difuminada belleza del anime, empleo una mezcla de XF 11 + XF 1 a partes iguales y lo doy con sumo
cuidado en el Body a aerógrafo, digo con sumo cuidado por que no enmascarillo la parte del traje por lo que
ando con cuidado en un mundo de perversas intenciones. No pasaría nada si me saliera un poco, de hecho me
salí, simplemente a pincel se logra maquear la salida de tono,otra cosa seria si tocase la carne, pero para eso ya
esta bien protegida como anteriormente hemos hecho.
- Pintura Body 1ª Subida : Foto 11 La 1ª
Subida, la conseguimos añadiendo XF 16 a la
base y pasando el aerógrafo por las partes mas
elevadas de las arrugas.
-2ª Subida Traje y Sombreado Body: Foto 12 Bien, añado a
la mezcla del color del traje una gota de XF 63 y aerografio
lo que será la 2ª Subida del traje. Una vez hecho este paso,
procedo a sombrear el Body. Aquí no me complico la vida,
voy recto, sin contemplaciones y a saco: negro esto es: XF
1,eso si , muy rebajado en alcohol como si en lugar de negro
fluido, fuera agua teñida en opacos los colores.
-Pintura Accesorios, Traje a Pincel
Parte 1 :Foto 13 Bueno, aquí ya aparca-
mos el aerógrafo y nos agarramos a
nuestro amigo inseparable, que es el pin-
cel .Tan esbeltos en poses y tan amables
en resultados. Pinto las partes de cinta de
cables que van alrededor de las piernas de
Motoko con acrílico Vallejo 177 (acero
engrasado).Luego a negro vallejo pinto
las rodilleras y el cable que sube por los
brazos, así como una especie de sostén
que veréis en el siguiente paso por la
espalda.
-Pintura Accesorios del Traje a
Pincel Parte 2: Foto 14 Bien, aquí
en este paso, ya prácticamente
vemos como empieza a desfilar y
tomar forma ante nosotros el mundo
de la magia ciber punk que es la saga
“Ghost in the shell”. Pintamos en las
partes metálicas como son casco
,cables del brazo ,perfiles, Body, etc.
En Vallejo 177. Para las partes dora-
das, uso pintura Citadel SHINING
GOLD, y para las partes de cables en
rojo, también Citadel BLOOD RED
ya que nunca me han convencido los
rojos de la gama Vallejo.
-Pintura Pelo ,1ª Subida y Sombreado a Pincel: Foto 15 Utilizo Vallejo 962. Una vez seco le doy la 1ª Subida
añadiéndole un poco de Blanco a la mezcla y luego sombreo con tinta Black Ink de Citadel. Bien, una vez ter-
minado esto, procedo con unas pinzas a quitar el enmascarillamiento de las zonas carnosas. Para poder
contemplar ya, lo que se nos definirá como Motoko
-Ojos :Foto 16 Bueno aquí me guié de un excelente articulo sacado de la brutal Revista modelística de cien-
cia ficción AMAZING. Seguí los pasos descritos por el autor cambiando solo el tono de los ojos. Use blanco
Vallejo para luego darle unos perfiles por encima y por debajo del ojo en negro Vallejo. Seguidamente mar-
que la niña con el mismo negro.

-Ultima Subida Pelo y Acabado Ojos a Pincel: Foto 17 Bien , concluyo el pelo con una 2ªSubida de luz la
cual consigo , añadiendo a la base del pelo una gotita de amarillo y otra de blanco ambos de Vallejo. Los ojos,
los despacho pintando la niña con un sombra tostada de Vallejo. Una vez seco, le añado un poco de amarillo
Vallejo. Seco este paso, procedo a marcar la pupila con negro y le presento un par de reflejos en cada ojo, para
dar ese efecto tan característico que solo tienen los ojos del anime Japo, los cuales consigo con blanco .Perfi-
lados ambos reflejos en negro. Para los labios empleo un poco de Citadle Blood Red y lo mezclo con carne
mate de Vallejo. Aprovecho y pinto en azul turquesa Vallejo las joyas que lleva en el traje , con una subida de
luz .Asunto Zanjado¡¡¡.
-Alicatado: Foto 18 Bueno, prácticamente
tenemos a Motoko dispuesta en perfecta
pose y elegante en percha. Tan solo restan
retoques como el de las uñas las cuales van
en Citadle Blood Red. ¿recordáis en la Foto
14 que teníamos pintadas las muñequeras,
tobilleras y Candado de Motoko en Citadle
SHINING GOLD? Bien pues ahora, lo que
hice fue dar un lavado de tinta BROWN Ink
de Citadel para luego repasar otra vez con
SHINING GOLD muy diluido las partes
mas salientes de estos accesorios. Bien
Motoko ya esta prácticamente lista. Falta
barnizar, que para este, quien redacta, es
uno de los pasos mas importantes de las
figuras, puesto que es el 20% restante para
que una figura este lista completamente.
Utilicé Marabu satinado para las partes del
traje y pelo. Así como mate para la piel y
brillante para ojos, uñas y boca. Abro aquí
un inciso para decir, que lo mas propio
seria, barnizar la piel de las chicas en sati-
nado ,pero al ir también el traje en este
mismo brillo no quedaría bien, por lo que
me he visto obligado al mate para las zonas
mencionadas.
-Peana Para la Base utilicé Boltgun Metal de Citadle .Luego con colores Vallejo determiné el tono de los
cables. Para los cobres, utilice Citadle BRAZEN BRASS. Una vez pintado todo. Aplique un lavado a base de
tintas negras y marrones de Citadel. Es una pena no poner una foto con la peana terminada y envejecida, la
verdad es que me he olvidado de sacarle una foto antes de colocarla ya con Motoko. La foto que aquí veis,
es la es la peana pintada sin envejecer.peana pintada sin envejecer..
Arropada en virtuales comunicaciones. Arropada entre sabanas de placas embarradas en conductos. Arro-
pada en mundos de tensas experiencias y lluvias despeinadas .Motoko Simplemente Camina.
Mil Gracias, Gentes Maravillosas.

Mil Gracias, Gente Maravillosas

 Modelismo fantásticoy kits de garage
parael coleccionista exijente

«Estamos en Transilvania, y Transilvania no es Inglaterra. Nuestras costum-

bres no son sus costumbres, y para usted habrá muchas cosas extrañas.»
(Bram Stoker, Drácula)

http://www.transilvaniamodels.com/
 diorama de gollun, titulo smigollun,

Por Luis Corujpo

Sin lugar a dudas, si hay una película que nos ha tenido maravillados durante varios años, no ha sido otra
más que la impresionante adaptación de Peter Jackson, de la trilogía del Señor de los Anillos. Si tuviera que
decantarme por algún personaje elegiría varios, pero el que más me impresiono, sin ningún tipo de dudas fue
Gollum, un ser tierno y a la vez malvado que nos hizo disfrutar muchísimo, el cual me hizo decidirme a hacer
este, para mi estupendo diorama.
El primer paso fue conseguir la figura, no podía ser cualquiera, sino la que considero, mejor figura de Gollum
que he visto hasta el momento la del escultor Gabriel Márquez, no le falta detalle y se asemeja perfectamente
al original, es estupenda. Una vez tuve en mis manos la figura es cuando surgió la idea de hacer el diorama,
entonces mi pregunta fue ¿que puedo hacer? las ideas fueron surgiendo poco a poco, fui recopilando piezas
de otras maquetas como parte de la base y el tronco donde se sostendrá posteriormente Gollum, su elabora-
ción fue la siguiente.
Terreno:
Primeramente hice un montón de moldes de rocas, se pueden hacer de yeso, resina , marmolina etc. Yo los
hice de resina. Seguidamente busque entre las numerosas bases que tengo en casa, hasta encontrar una que
me serviría a la perfección para hacer parte de la base principal, mas tarde fui superponiendo las rocas que
había hecho, las puse de mil maneras, hasta conseguir una base compacta y con mucho relieve. Busque una
tabla cuadrada y fina y pegue todo a la madera, el próximo paso fue levantar la pared de rocas donde tam-
bién se apoyaría la figura, una vez listo comencé a enmasillar toda la base para seguidamente empezar a pintar.
De color base le di una capa a todo de negro mate, le hice una primera subida con marrón chocolate, las
siguientes subidas las hice sobre este marrón aclarándolo con blanco, el siguiente paso fue un lavado a todo
con rojo borgoña, y por ultimo pincel seco con marrón tierra. El siguiente paso han sido las rocas, la primera
capa con gris azulado y después dar diferentes subidas con gris medio, y un lavado con marrón castaño +
verde piedra y para terminar pincel seco muy suave para realzar los detalles con piel carne pálida + verde pie-
dra. Para todo el resto de rocas del diorama hice el mismo procedimiento. El siguiente paso es pintar el tronco,
base con marrón chocolate, un par de subidas con marrón cuero y para terminar un lavado general con tinta
de color sepia, una vez pintado lo pegue al diorama y comencé a añadir la vegetación, primeramente por toda
la base, después por las rocas y por ultimo al tronco, y para darle el toque de gracia le añadí hojas verdes de
claveles, las deje secar un poco, las barnice y las pegue al diorama con lo que el escenario me quedaba casi
terminado, solo me faltaba añadir el agua y colocarle el anillo en la base.
El agua la hice con resina transparente y queda impresionante ya que el musgo en polvo que no agarro ala
base, subió a la superficie del agua
Dando un resultado súper real. Y con esto damos por terminado el escenario y damos paso a detallar el pin-
tado de la figura ¡ah! solo aclarar que tanto el escenario como la figura han sido pintados a pincel y con pintura
acrílica.
Figura:
En esta figura en concreto el primer paso fue pegar todas sus piezas, introduciendo claro esta un alambre en
cada una de las partes que pegué, el paso siguiente fue enmasillar todas las juntas y uniones de la figura,
cabeza, brazos, piernas y procedí a pintarla dándole una capa base, de piel carne morena, oscurecida con
marrón castaño + rojo, después sobre el color base fui dándole varias subidas de tonalidad.
Añadiéndole blanco en cada una de ellas. en el siguiente paso le hice un pincel seco con piel carne pálida,
muy ,muy suave y acabar dándole un lavado o varios en blanco hasta conseguir el tono de piel deseado.

Ropa:
Para pintar la ropa le di una capa base en marrón choco-
late y seguidamente sin dar tiempo a secarse una subida
con marrón cuero, para que se mezcle ambos colores. y
para terminar un lavado con tinta de color sepia muy
diluida la tinta es de la casa Pelikan. Y ahora nos vamos
a la parte mas increíble de la figura, la cabeza es compli-
cado porque quise darle la mayor expresión posible y
esto solo se consigue con la mirada, no ha de parecer un
muñeco sino un ser real, el ojo lleva numerosos colores,
el lagrimal y todo el contorno inferior del ojo los pinte
con siena tostado, después pinte el ojo de blanco y segui-
damente todo el iris, cuando obtuve la mirada que quería,
me puse con la boca y el cabello, barnice ojos, boca y
seguidamente mediante alambres fije la figura al tronco
y las rocas, ya para acabar manche piernas, manos y
codos con tinta como si hubiese estado arrastrándose por
el barro, le coloque el pez y ya lo tenemos.
* Escultor: Gabriel Márquez
* Escala:1/16
* Kit Descatalogado
 Amor Imposible por Claudio Bocchini desde Italia

La historia:
Es el 1930, un grupo de exploradores y cineastas, con la idea de grabar un documental, viaja a la desconocida
isla de la Calavera, frente a Sumatra, creyendo que allí vivía un gigantesco y peligroso gorila prehistórico lla-
mado Kong. Una vez allí se dan cuenta que no se trataba de una leyenda sino que el monstruo existía de verdad
y que, junto a otras criaturas de la era prehistórica, había sobrevivido protegido por la espesa vegetación de
la jungla.
En la expedición participa también la bellísima Ann Darron por la cual Kong, de manera inesperada, expresa
sentimientos humanos enamorándose de ella y raptándola.
Una vez liberada la mujer, el grupo decide capturar a Kong y llevarlo a Nueva York para enseñarlo al mundo.
Después de muchas peripecias la historia se concluye con la muerte del último de los gigantes, asesinado
encima de uno de los rascacielos de la ciudad.

La maqueta:
Los rasgos de Kong en esta maqueta no reproduce el mons-
truo que protagoniza las películas puesto que a este ejemplar
particularmente bello, se ha querido dar casi una apariencia
humana: la posición relajada de su cuerpo, la dulzura con la
que tiene en la mano a su amada, la pena y la melancolía que
expresa su rostro, le confiere ternura y, al mismo tiempo,
expresa la consciencia de su amor imposible hacia aquella
mujer.
Enteramente realizado en resina, escala 1/32, está compuesto
por siete piezas.
El montaje ha sido extremadamente fácil.
Antes del montaje todas las piezas han sido pulidas de even-
tuales impurezas y han sido corregidas las imperfecciones.
Para esta operación se ha utilizado una pequeña lija de grano
fino pasada delicada y perpendicularmente. Después se han
pulido las piezas con papel de lija muy fino.
El la fase siguiente se ha lavado las piezas con agua y jabón
neutro utilizando un cepillo suave. Sucesivamente se han
secado con una tela.
acrílico blanco.
Antes de proceder al montaje se ha hecho una prueba para verificar que todas las piezas encajaran perfecta-
mente.Después de todas estas operaciones se ha podido montar la maqueta.En esta fase se han utilizado espinas
metálicas y pegamento metálico especifico para este material. Una vez acabado el proceso de unión de las pie-
zas, utilizando el mismo pegamento, han sido retocadas pequeñas porciones, se han rellenado posibles huecos
y eliminado las imperfecciones.Sucesivamente ha sido eliminado el pegamento sobrante, se han perfeccionado
los detalles y se ha lavado y secado. Después se ha pintado la maqueta con acrílico blanco.
La pintura:
Se han utilizado exclusivamente pinturas acrílicas con técnicas de lavado y pincel seco para las esfumatu-
ras.
Para pintar a Kong se ha utilizado una mezcla compuesta por el color negro, tierra de sombra quemada y
blanco. Para las sombras se ha utilizado el negro y para darle luz el blanco.

Para la piel de Ann Darron se ha utilizado una mezcla

de varios colores: carne, marrón, naranja. Para las som-
bras se ha utilizado el marrón y el blanco.
Para el vestido el color violeta con sombras de blanco y
plata.
Para el camisón: beige y marrón con sombras de tierra
de siena quemada, beige y blanco.
 La ropa de John Driscoll ha sido pintada con verde, beige y kaki.

La tierra, después de haber sido pintada, ha sido cubierta con hierba sintética: musgos y tierra de diferen-
tes colores.
 Amor Imposible por Marc Muniers desde Francia

Esta pieza para mí ha sido un amor a primer vista, y no sólo por el tema que representa, también por la atmós-
fera que la rodea y como no, por la expresión de King Kong. Había algo que me decía que me lo pasaría muy
bien pintando este kit y desde luego no me ha decepcionado.
El fabricante de esta pieza es Fontegris miniaturas. El kit ha sido modelado por Marco Navas y puesto a la
venta en una edición especial coleccionista limitada y numerada. La escala es 1/32(54mm), aunque la altura
total es poco más de 20cm, reproducida totalmente en resina.

Un poco de Historia…
El personaje de King Kong puede estar inspirado por la novela de Sir Arthur Conan Doyle, "El mundo perdido”
escrita en 1912.Novela que cuenta la historia de George Edward Challenger, un profesor de zoología que viaja
a una isla de América del Sur habitada por animales prehistóricos. La aventura comienza al unirse un periodista
a la expedición…
La película King Kong, dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack se estrena en 1933 con un gran
éxito de taquilla. Dando lugar desde el mismo día de su estreno a la leyenda de uno de los personajes fantás-
ticos más populares del siglo XX. A la que sucederían multitud de remakes

La preparción…
La figura se presenta en un kit de 7 piezas, 2 de John
Driscoll y el resto de Kong. El primer paso que sigo
es limpiar de imperfecciones el kit, siguiendo las nor-
mas esenciales aunque sin mucho éxito, ya que se me
ha roto una parte del rifle y he perdido la pieza. Así
que he tenido que hacer algunas reparaciones con
Milliput. También se ha roto en el limado, el pie de
Ann y una parte un tronco aunque he podido pegar-
los.
Una vez lijado, lo he imprimado, para posteriormente
pasar al montaje de todas las piezas para saber si todo
encaja o es necesario algún tipo de corrección.
Siguiendo los consejos de CPN, al tener poca expe-
riencia con las figuras, he optado por montar
completamente a Kong. Para luego imprimarlo con
pintura de spray de Citadel.
Y voilá ¡¡¡ el montaje está hecho. He empleado poco
más de 10 horas. También he hecho un trabajo de
investigación para acercarme más al personaje. Me
basé en la película de Peter Jackson.. Gente muy ama-
ble ha contribuido a mí investigación en especial a la
Señora B, que aunque no la conozco en persona me
ha ayudado mucho.
El personaje de John…
Con John encontré algunas dificultades no en la pintura sino en la inspiración. Realmente no podía visualizar
la figura .El escuchar los consejos de otras personas me ayudo a encontrar el equilibrio adecuado en mí visua-
lización. A partir de ahí, la pintura empezó a fluir sola. No sin antes repetir algunas partes como su chaqueta,
camiseta y cara. Lo he repetido tantas veces que se me ha olvidado tomar nota de los colores que he empleado.
Para la cara de John, he utilizado una base carne oscura G44 (60 %) y de carne de base P815 (40 %). Las pri-
meras luces han sido hechas de carne medio P860. El color de sus ojos ha sido hecho con marrón mate P984,
marrón beige P875 y negro P950. Para el fusil, utilicé una base negra P950, las primeras luces con gris som-
brío P984, luego utilicé el marrón claro P825 (70 %) y negro P950 (30 %). Las luces siguientes han sido hechas
con gris pálido P990 y gris cielo P989. Las hebillas del fusil con marfil hueso P918. Con la mochila, utilice
una base de marrón beige P875. Las primeras luces han sido realizadas a partir del color de base más marrón
claro P929. Las luces siguientes también han sido realizadas con marrón claro P929. Aunque no estoy del todo
satisfecho con el trabajo, el resultado final no es demasiado malo.

El personaje de Ann…
Con Ann me pasó lo contrario que con John. Nada más ponerme a pintar, la inspiración se apoderó de mí,
visualizando los colores de inmediato, aunque se me olvidó tomar nota de ellos. He tratado de caracterizar la
figura con una mirada sorprendida y con cierta serenidad en el cuerpo, sin abandonar el temor que siente un
ser humano al estar en la mano de un ser de proporciones tan desmesuradas. No se si lo he
conseguido…pero desde luego he aprendido mucho respecto a como pintar volúmenes. Gracias Jackie.
El personaje de Kong…
El trabajo en ésta parte del kit fue colosal. Una vez me puse
a pintar de negro el pelo del Kong aparecieron pequeñas pin-
tas blancas de la base de imprimación. Así que me puse a
pintar punto por punto hasta que quedaron todos tapados ¡¡¡
Aún me pregunto si están todos tapados¡¡¡¡ El aerógrafo
habría sido perfecto para pintar la base del pelo, aunque
“Minos me recomendó el uso del rodillo”.
Al gorila le apliqué una base de negro P950. Para la cara,
base + azul Prusia P965. Las luces han sido realizadas con
azul grisáceo oscuro P867, gris azulado claro P905, aca-
bando por un pequeño toque de tierra P873 (40 %) utilizando
estos mismos colores para el torso. Para los ojos de Kong,
pinté los ojos con negro P859 y rojo diluido. La base ha sido
realizada de marfil hueso P918. Para la pupila, tomé como
base marrón rojizo P982, las diferentes luces a partir de
marrón Royal Navy P985 y a partir de marrón anaranjada
P981. Una vez pintado le di un toque con barniz brillante
para darle más vida.
Para el diente, use una base marfil hueso P918, y las luces
con marrón amarillento P912 sucesivamente.
Las primeras observaciones sobre el gorila me permitieron ver que me había equivocado completamente
sobre la textura de las manos y de las patas así como en las uñas. Efectivamente, las manos y las patas de
un gorila no son grises sino que tiran más bien hacia un morado muy oscuro. Pues hubo que repetir todo
esto.
Empezamos otra vez con las base negro P859, rojo más gris oscuro P994 y marrón mate P984 para las luces
.Luego base más gris oscuro P836. Las uñas han sido realizadas sobre una base de negro P950, marfil hueso
P918 y azul grisáceo P867. Otra cuestión importante que me preocupaba era la postura por la luz. Anga-
liel me había hablado de esto antes de comenzar, que sería un asunto delicado. Y tenía mucha razón . Escogí
una posición cenital. Para eso, situé la figurilla bajo una lámpara y luego hice una foto. Esta operación me
permitió ver los lugares por donde se iluminaba la figura. Pero una cuestión me asaltaba de nuevo ¿luz gri-
sácea o luz azulada? Seguí el consejo de Yandegio, que optaba por una tendencia azulada. Después de
algunos ensayos sobre la paleta, lograba poner en práctica los diferentes niveles de luminosidad.
Bien, una vez hecho esto, hice las primeras luces del gorila .Base más azul de Prusia P965, La luces siguien-
tes han sido hechas con azul horizonte P943 y azul cielo P961. Las luces extremas han sido realizadas al
blanco puro, me lo ha aconsejado J P Prajoux. Pasé más de tres horas haciéndolo, pero sin duda el resul-
tado es muy, muy bueno. Gracias a ti JPP
 Encontrar el punto de luz adecuado ha sido tarea
difícil, ni mucha, ni poca, en su justa medida.
También me planteé otra cuestión en relación a
la espalda de Kong. Como regla general, los
gorilas tienen la espalda más o menos plateada.
Pero ¿Cómo hacer una espalda plateada? ¡He
aquí, la cuestión! La respuesta es que no es nece-
sario hacerle una espalda plateada. Porque como
está sentado, toda la parte trasera está en som-
bra. Pues jugué con colores grisáceos para hacer
su espalda. " ¡!! Al final, encuentro que es una
bella bestia!!!. Evidentemente, siempre pode-
mos hacerlo mejor pero estoy satisfecho con el
resultado.

El Escenario
Además del amor a primera vista que sentí por la
pieza, encontraba el decorado muy simpático a la
vez que completo. Kong desde lo alto de su pro-
montorio rocoso, con un pequeño dinosaurio a sus
pies que era devorado por las ratas. Un completo
modelado en cuanto a rocas, troncos y piedras con-
forman el kit.
Para el dinosaurio, efectué búsquedas en internet
para tratar de encontrar un animal que se asemejase
al que tenía que pintar. Usé como ejemplo un COE-
LOPHYSIS (era un pequeño dinosaurio cazador
muy común del triásico superior, por sus colores y
sus dibujos).Fuente www.dinonews.net.
Allí también, aprendí mucho sobre esta pequeña
figurilla jugando con los volúmenes para remarcar
el relieve. Agradezco a Sergio FRANZOIA sus
explicaciones y la técnica aportada
Apliqué una base de marrón arena P876 con luces marrón corcho P847 y marfil hueso P918. Las luces del
dinosaurio a partir de marrón arena P876 más marrón rojizo P982. Las sombras a partir de la base más negro
máss rojo P982
Para vestir más el suelo, aporté algunos elementos suplementarios al decorado para tratar de hacerlo más vivo,
como plantas (encontradas en una playa de Córcega) y helechos que adquirí de la marca SCALE LINK.
Para los helechos, no utilice los tallos originales sino que los hice a partir de un hilo eléctrico. Recubrí con
POLYFILLA de manera irregular para que tuviese el efecto irregular de los helechos. Luego, pinté el conjunto
sobre una base de tierra oscura P874 y de marrón anaranjado P981. La fijación del helecho no fue tan simple,
pues había que modificar un poco el suelo, así que añadí al decorado un pedazo de roca. Esta ha sido reali-
zada a partir de roca líquida Príncipe August. Luego ajusté las hojas del helecho, siguiendo un consejo de DD,
para darles un aspecto más redondeado.
Los árboles se pintan a partir de una base gris oscuro P994, más gris verdoso P866, marrón beige P875 y del
verde zozobra G28.
La roca ha sido hecha con una base de gris basalto P869, más gris pálido P990, arena iraquí P819, marrón
beige P875, del gris verdoso P866 y del verde zozobra G28.
El suelo se pinta a partir de una base de tierra P873 más arena iraquí P819.

Esta obra me ha llevado más de 500 horas. Es una pieza que comencé en diciembre de 2006 y que acabé a
finales de septiembre de 2007 A pesar de algunas dificultades encontradas, he disfrutado y aprendido enor-
memente con ella. Agradezco a todas las personas que me ayudaron con este proyecto.
 Amor Imposible por Marco Navas desde España
“ Y dijo el profeta: La bestia contempló el rostro de la bella y su mano no mató. Y desde aquel día, fue como
si hubiera muerto”.
(proverbio árabe)

Con estas palabras se presentaba en los cines de Estados Unidos, allá por 1933, King Kong. Como tantas otras
obras imprescindibles en los más de cien años de historia del séptimo arte, King Kong vió la luz merced a un
cúmulo de circunstancias.

King Kong,la octava maravilla

En 1925 ( cuatro años antes de que llegase el
sonido al cine), Harry Hoyt dirigió una adapta-
ción cinematográfica de la obra de Sir Arthur
Conan Doyle, “ El mundo perdido”.Fue la pri-
mera aparición de los dinosaurios en el cine; y el
hombre que lo hizo posible fue Willis O’brien,
probablemente el técnico de Fx más influyente
de la historia del cine. En 1914 O’brien ya había
realizado un corto producido por Edison titulado
“Dinosaur and the missing link”, Pero fue para
el mundo perdido donde desarrolló toda su capa-
cidad creativa dando lugar al sistema STOP
MOTION. Es decir, la filmación fotograma a
fotograma. Para ello anima cuarenta y nueve
figuras de dinosaurios creados junto al escultor
Marcel Delgado, que harán del mundo perdido
de Hoyt un clásico del cine fantástico y una
pieza clave en el desarrollo del subgénero lla-
mado “Monster movies”.
Entre finales de los años veinte y principio de los
treinta, Ernest B. Shoedshack y Merian C. Coo-
per, eran dos realizadores con fama de lunáticos
a sueldo de la RKO.

Hacía 1928/29, Willis O’brien realiza junto a su amigo Byron Crabbe una serie de cuadros entre los que se
haya uno que muestra a un mono gigante atacando aun grupo de exploradores en una selva. Este cuadro fue
visto por Cooper, quien automáticamente pensó que podía ser una buena idea para hacer una película. El paso
siguiente fue convencer a David O. Selznick o lo que es lo mismo el patriarca de la RKO, para contratar a
Edgar Wallace, un reputado y productivo novelista inglés, cuyas novelas de intriga y misterio se habían ganado
miles de seguidores en todo el mundo. El talento y oficio de Wallace sumado a las ambiciosas ensoñaciones de
Cooper dieron lugar en 1931 a la historia de King Kong. La obra original más creativa e imaginativa de su
tiempo. El rodaje duró todo un año, concretamente el 1932. Todos los seres fantásticos del film fueron obra y
milagro de O’brien, quien dio un paso más en su técnica Stop Motion sobre transparencias, y volvió a des-
lumbrar al mundo con su arte. Para el Kong se construyeron varias maquetas con esqueleto de acero,
rodamientos en las articulaciones y el cuerpo de caucho forrado con pieles de conejo. Para los primeros planos
se realizaron bustos, manos y pies a escala 1:1, o sea, a tamaño real. La “voz” de Kong la pusieron los rugi-
dos de tigres y leones grabados en un zoológico.
. La RKO impuso que el film se rodara íntegramente en estudio y destinó un presupuesto de 650.000 $, no
mucho para un proyecto tan ambicioso, lo que llevó a Cooper y Shoedshack a utilizar el ingenio y todos los
recursos a su alcance en lo que a decorados se refiere. Así, para la reconstrucción de la jungla de Skull Island
( Lugar donde habita el enorme mono), se utilizaron los decorados de “ El Malvado Zaroff”, una joyita de la
serie B que firmaron un par de años antes ambos realizadores. Las enormes murallas que protegen el poblado
y contienen, o lo intentan, a Kong , se extrajeron de “Rey de Reyes” y las chozas fueron legado de “ Ave del
Paraíso”. Vamos, que exceptuando las escenas de Nueva York y el barco, el resto fue el coger de aquí y poner
de allá en una “Potpurrí” espléndido que forma un coherente conjunto muy bien hilvanado. Los actores
Robert Amstrong y Fay Wray “la rubia” ya habían trabajado a las ordenes del tándem Shoedshack- Cooper
en el malvado Zaroff y mantenían contrato con RKO. Ellos junto a Bruce Cabbot fueron los elegidos para los
papeles protagonistas. La película resultó tan atrevida y adelantada a su tiempo que la productora optó por cor-
tar algunas escenas, como los planos donde Kong pisa un niño, desnuda a Fay Wray o unas arañas gigantes
devoran a parte de la expedición e el fondo de un abismo. Aunque la RKO estrenó la película con más miedo
que vergüenza King Kong cosecho un éxito tal que encargaron a sus realizadores un secuela, “El Hijo de
Kong”, siguiendo la moda de la Universal de continuar las Sagas de Frankenstein y Drácula con sus primo-
génitos /as. El film tuvo un presupuesto de tan sólo 250.000$ y contó con el mismo equipo técnico y decorados
que su antecesora, aunque sólo el actor Robert Amstrong se mantuvo del reparto anterior. La película se rodó
con tanta celeridad y Kong estuvo tanto tiempo en cartel, que el hijo de Kong se estrenó con su “padre” aun
en los cines.

Del Monstruo al Monstruito

En 1976 Dino de Laurentis intentó repetir el
éxito de la RKO con una nueva versión de
King Kong, aunque los deficientes efectos
visuales y el escaso ritmo de la cinta, hacen
que lo único destacable de este remake sea la
presencia de Jessica Lange en el papel que
interpretara Fay Wray.
Quizás quien mayor partido haya sacado al
género surgido del trío “ El Mundo Perdido”
(1925), “ King Kong”(1933) y “ El Monstruo
de Tiempos Remotos” (1953), haya sido la
productora nipona TOHO. En 1954, Inoshiro
Honda realiza “Japón bajo el terror del mons-
truo”.Primera película de la saga Godzilla
( Gojira, para los japoneses), el monstruo que
sin duda mas films ha dado al Monster
Movies ( Kaiju-Eiga, en Japón). A su estela
vinieron infinidad de seres made in Japan,
como Gamera, Mothra, Gavos, etc.
Incluso el enorme dinosaurio post-nuclear japonés llegó a medir sus fuerzas con el gigantesco mono en “ King
Kong contra Godzilla” (Kingu Konga Tai Gojira, en su versión original), una producción de 1964 que contó
con dos versiones; una para el público americano donde Kong salía victorioso y otra para el país del sol
naciente en la que era Godzilla quien imponía su fuerza.
Han tenido que pasar setenta y dos años para que Peter Jackson embriagado por el éxito del Señor de los Ani-
llos, se aventurara en un nuevo remake. Si bien el film resulta impecable en lo que a fotografía, FX y dirección
artística se refiere, le falta ritmo y coherencia y le sobran explicaciones y unos ochenta minutos. Aun así merece
la pena acercarse de nuevo a nuestro animal cinematográfico favorito ( exceptuando claro está, a Marlon
Brando).

El Kit
Supone el proyecto más ambicioso hasta la fecha de Fontegris Miniaturas, y una apetecible pieza al ser esta
una edición especial coleccionista. La presente edición está numerada, firmada y limitada a tan sólo cincuenta
kits; Y además de la tarjeta-certificado, incluye la figura inédita y exclusiva de John Driscoll, el explorador.
El Kit a escala 1:32 está reproducido en resina y se compone de siete piezas, lo que nos ofrece un montaje
sencillo y rápido y nos permite comenzar a pintar en muy poco tiempo.
Siguiendo con la tradición creativa y original que Fontegris mantiene desde 1998, la presente miniatura no es
un reflejo del Kong de 1933,1976 ó 2005 sino la particular visión que Fontegris tiene de King-Kong, si bien
es cierto que se le reconoce más similitudes con la nueva versión que con el resto.
La pose sentada del gorila de seis metros, nos ofrece un aspecto manso de la bestia. Así como la expresión de
pena y melancolía de su rostro nos brinda el lado más humano del monstruo y nos transmite el sentimiento de
tristeza de quien ama sabiendo que nunca podrá ser correspondido.
El detallado modelado del pelo nos facilita la labor de pintura permitiéndonos utilizar técnicas rápidas y sen-
cillas como la aguada y el pincel seco.
La figura de Ann Darrow (la rubia) está inspirada en la actriz Naomi Watts, aunque el hombro descubierto y
la abertura lateral del camisón que deja entrever el muslo, está mas cercanos a la gélida sensualidad y conte-
nido erotismo de Fay Wray.
La figura de Driscoll, armado con una Thompson de tambor, escondido entre la foresta a la espalda de Kong
acechando cual leona de caza en el Serengueti, nos muestra en lado más animal del ser humano.
El pequeño velociraptor que yace muerto y
condenado a ser devorado por las ratas, no solo
aporta mayor detalle al conjunto llevándolo a la
frontera entre viñeta y diorama, sino que nos
permite dotar de color a la escena contrarres-
tando la monocromía del gorila y ofreciendo
infinitas posibilidades de pintura. El terreno se
ha pintado tal como viene en el kit añadiendo
césped, musgo sintético, líquenes y plantas
secas que convenientemente tratadas crean un
clima selvático, arropando y potenciando el
motivo central de la escena y nos ayudan a
esconder en un segundo plano al “héroe”.
La presentación y composición circular de la
viñeta invitan al espectador a disfrutar de mul-
titud de planos distintos, como queda patente
en el reportaje fotográfico, con tan solo girar
entorno a la obra. Algo que sin duda nos tras-
lada al corazón de la inquietante y remota Isla
Calavera, en un mundo perdido y olvidado por
el tiempo donde todo es posible, menos el amor
correspondido.
 Tabla de colores Base Sombras Luces
King Kong Negro 950+ sombra Base +Negro 950 Base + blanco 951
tostada 941+ blanco
951

Ann Darrow Carne Carne mate 955 + Base + marrón mate Base + blanco 951
marrón naranja 981 984

Pelo Carne oscura 927+ Base+ marrón na- Base + carne dorada
amarillo 953 ranja 981+ marrón 845 + blanco 951
mate 984
Camisón Rojo carmín 908+ Base + violeta 960 Base + plata 997 +
púrpura 959+ blanco blanco 951
951
Bata Beige 917 + marrón Base + sombra tos- Base + beige 917+
cubierta 986 tada 941 blanco 951

John Driscoll Camiseta Marrón cubierta 986 Base+ sombra tos- Base + blanco 951
+ blanco 951 tada 941 + negro 950

Pantalón Tierra mate 983 + Base + marrón cho- Base + carne oscura
marrón chocolate colate 872 + negro 927
872 950
Camisa Caqui 988 + marrón Base + marrón cho- Base + marrón cu-
cubierta 986 colate 872 + negro bierta 986+ blanco
950 951
Nota Editorial:
.Este artículo ha sido escrito en Junio del 2006 (para diversas publicaciónes). Actualmente la Edición Espe-
cial Coleccionista está agotada en origen, aunque no la edición de la colección regular de fantasía “ La Es-
pada y el Viento”
 Boonapartes, David Grieves,Elisena,Pagan Art, Dioramas
Studio,Jmd, Pili Pili, Posre Militaire,Puchala,Fontegris, Forja,
Pegaso, Soldiers,M Models, Michael Robers,New Marengo,,Du-
rendal,Emi, Harton Miniatures,Der Bunker rock, ,United Empire,
Time Machine, Romeo, Senandooh Miniature,
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Friulmodel,Miniature Park,Airborne ,Fort Duquesne,Fonderie
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 Por Ramón “Gran Calamar” Arredondo.

¿Cómo pintar? ¿Cómo terminar una pieza?…. No creo que exista una respuesta definitiva a estas preguntas
y nos iremos dando cuenta de que según avancen los años saldrán nuevas teorías remasterizadas promovidas
por los más hábiles artistas del genero. Nada está inventado, a esa máxima tenemos que llegar si analizamos
concienzudamente el devenir de los tiempos y si tenemos la suerte de poder acceder a antiguos documentos y
archivos, de por ejemplo los setenta del siglo pasado. Los británicos, verdaderos maestros en aquellos tiempos,
usaban los esmaltes y los óleos, así como otros medios como los esmaltes para bombillas y cosas parecidas,
vamos lo que podían encontrar en aquellos tiempos. La dictadura impuesta desde el mundo mediterráneo con
los medios acrílicos no hizo otra cosa, a mi parecer, que empobrecer la riqueza de oportunidades que nos mos-
traba el mercado. Un buen pintor podría hacer una verdadera obra de arte con esmaltes titan-lux, dejándonos
a todos con la boca abierta.
Ahora los óleos están de nuevo, tras siglos de ostracismo, de moda, tan solo por que en el mundillo medite-
rráneo los han vuelto a redescubrir y algunas mentes poco informadas han visto eso como un gran
descubrimiento actual sin saber que los óleos los usaban personas pioneras en este mundillo hace ya cuarenta
años y con muy buenos resultados.
No por esto quiero que se me mal interprete, los acrílicos son otro medio, en algunos casos insustituibles, pero
en ninguno excluyente.
Yo no se pintar y me quedan muchos lustros para llegar a algo aceptable, me vence la impaciencia y la falta de
pericia, pero no hay mal que cien años dure y estoy seguro de que en unos siglos más de practica llegaré a algo
digno. Pero, también, se que no me gusta oír a los dogmáticos que pregonan uno u otro medio como el defini-
tivo sin pararse a pensar que lo que dirán dentro de unos meses será lo contrario a lo que están diciendo en ese
momento, pues solo hablan dependiendo de las modas imperantes. Tenemos que lanzarnos más, soltar nuestros
propios presentimientos, tener menos miedo a lo que hacemos y sobre todo disfrutar en cada momento de la
pieza que tenemos en nuestras manos. Se que somos una sociedad que hace cola en los lugares de moda, aun
sabiendo que nos aburriremos como ostras, la cuestión es estar, salir en la foto, seguir la tendencia, pero eso solo
le da gusto al primero, al creador. Al resto solo nos queda saber que carecemos de personalidad, de agallas, de
fuerzas para disfrutar del momento. No nos gusta experimentar, sentir lo ignoto. Nos gusta lo seguro y aun-
que el resultado sea mucho peor que el original poder decir que has seguido el sistema de fulanito o de
menganito, sin pensar que eso lo único que hace es empobrecer la afición. En la convención de Torrent del año
2007 pude ver una serie de bustos increíblemente pintados, soberbiamente modelados. Resaltaban de todas las
demás obras que estaban a su alrededor por su originalidad, por su manufactura. Recuerdo, especialmente, a
un Carlos III y a un Goya. No seguían milimétricamente a las tendencias del momento, se notaba que su autor
había disfrutado con cada pincelada, con cada luz, con cada sombra y me hizo pensar que no todo en este
mundo es seguir el rumbo del que porta la bandera de la modernidad. Hay que disfrutar, hay que luchar, hay
que cacarear. Un simple y marginal hobby como este nos puede servir para ser más personas, para ser más
humanos, para ser más críticos con nosotros mismos y dejar de lado ese sentimiento tan común de seguir a la
mayoría. En definitiva de ser tan fascistas o tan comunistas como nuestros antepasados. Tenemos ante nos-
otros la oportunidad, con una cosa tan nimia, de mostrarnos como somos, de como sentimos nuestro más
interno yo. Esto no es una broma de un pasao de rosca, por desgracia no puedo hacer surf, pero lo que sí se es
que todos necesitamos un poco de indulgencia con nosotros mismos y con lo que hacen los demás. Esto, al fin
y al cabo, es una manera de disfrute y no una competencia a muerte. p p
Si seguimos así terminaremos siendo endogamicos y muriendo en soledad en la frescura de un valle olvidado
y ya todo dará lo mismo.
Y una vez pasada la tontería que produce una buena comida, regada por un buen vino, pasaremos a explicar lo
que he hecho con estas piezas.
La limpieza de las piezas se realiza con limatones, papel de lija y lana de acero, retirando las líneas de junta,
yo no soy muy bueno en ello, aunque después de algunos consejos he intentado prestar mucha más atención.
Es bueno presentar tus trabajos y no ser soberbio ante las opiniones de los demás. Algunos darán consejos real-
mente estúpidos pero otros darán en el clavo y son esas opiniones las que tendremos que tomar como oro en
paño. Depende de nosotros seleccionar lo bueno de lo malo. Una buena opción es saber que siempre te quedará
algo por aprender y que por muy bien que te creas que lo haces siempre existirá algún ser que te superará. Las
pinturas de los colores básicos son aleatorias y depende del gusto particular de cada cual. En este caso he usado
acrílicos para poder después dar los lavados necesarios con los óleos. Si no se tiene prisa se pueden usar esmal-
tes o los mismos óleos para estos primeros colores.

Los colores básicos los suelo dar a aerógrafo tras dar con el mismo una imprimación de color claro u oscuro,
dependiendo de la pieza. En este caso apliqué uno claro, más para ver como quedaba que por convicción. Ya
que estoy con esa herramienta intento dar resalte a las luces con ella, dando más aplicaciones a las zonas que
me interesan. Los tubos de óleo son los que usaré más adelante para dar veladuras y tintadas sucesivas a las pie-
zas. Los diluyentes que utilizo son: Secativo de cobalto y esencia de trementina (o white spirit si se tercia).
Cuando la pieza ya está pintada no suelo esperar mucho y con el mismo aerógrafo roció la mini con barniz
mate o semi mate. Eso evita que se mueva la pintura y la fija estupendamente.
 Las demás fotos muestran los pasos de las veladuras y tintadas que irán dando luces
y sombras a las piezas. Lo bueno del óleo es que permite tomarte un tiempo para
pensar donde te interesa aplicar la pintura. Con esto no quiero decir que un experto
en acrílicos no haga algo así o mucho mejor, tan solo quiero decir que para mí es un
medio más acorde con mi forma de ser, tan solo eso.
Con sombras y tierras, mezcladas con algo de gris de payne y negro iremos dando
las sombras extremas allí donde veamos que sea necesario. Suavizando los inter-
valos con pinceles limpios humedecidos en secativo y diluyente.
Para mí es un sistema más intuitivo y rápido, que minimiza la lentitud del secado
del medio al ver resultados mucho más rápido que con otros sistemas. Se puede
acelerar el secado aplicando un secador de pelo a la pieza, pero todo depende de lo
que queramos hacer al final. Algunos aficionados me han comentado su disgusto
por la lentitud de secado de los óleos y esmaltes. El tiempo que utilizan para pintar
las piezas en algunos casos superaba las dos semanas, tiempo más que suficiente
como para que el secativo deje la pieza completamente seca entre sesión y sesión,
al final lo único que podían argumentar era el fuerte olor de las pinturas. En eso no
me puedo meter y llevan toda la razón.

El truco definitivo, en todos los medios que se utilicen, es saber usar los diluyentes adecuadamente y dar a
la pintura la densidad que se necesite. Aplicarla directamente del bote lo único que nos llevara es a empas-
tar la pieza y a perder detalles de la misma.
Capa tras capa iremos dando volumen con las sombras. Estas nos marcarán donde tendremos que dar las
luces finales que se pueden dar con acrílicos o con óleos. En este caso fueron dados con Vallejo, aclarando
progresivamente el color base y aguándolo lo suficiente como para poder dar sucesivas capas muy finas y
transparentes.
El proceso es rápido, lo conseguido necesitó tan solo un par de días de trabajo y no intensivos, repletos de
interrupciones.
Es una manera más de pintar y por supuesto no la definitiva pues la siguiente vez será distinta.
Hoplta Girl 1
Hoplta Girl 2
Hoplta Girl 3
Hoplta Girl 4
Los metales en base son Vallejo, de la serie Game Color, mezclados con colores rojizos y verdes de Model
Color. Una vez aplicados los básicos usé los óleos para intensificar las sombras y después, una vez secos estos
aplique luces con los metales sin mezclar pero muy diluidos en agua con limpia cristales. Tengo que probar el
alcohol de limpieza, isopropilico, dicen que es mano de santo con los acrílicos

- Ref V43.10 Amazon Hoplites

- El Viejo Dragon
-1:43 Scale (40mm)
-Metal y Resina
-Modelada y Pintada por J.Ramón Arredondo

Y esto es todo. No pretendo aleccionar a nadie, pues se que no alcanzo el nivel suficiente, pero si quiero dejar
claro que cada uno ha de estar lo suficientemente concentrado como para perder el miedo a experimentar, a
avanzar sin seguir al pie de la letra otros métodos y a enriquecer con sus experiencias esta afición. Necesita-
mos aprender, necesitamos evolucionar, pero sin perder nuestros propios gustos o anhelos. Aprovechemos los
conocimientos de los grandes maestros sin caer en la equivocación de convertir sus aportaciones en tenden-
cias dictatoriales, ellos no se lo merecen. No convirtamos este hobby en una dictadura más, a la altura de la
del arte actual, de la opinión social o de lo políticamente correcto. Disfrutemos de la libertad, al menos en algo
tan pequeño e intranscendente como es esto.

Un abrazote a todos.

Ramón “Gran Calamar” Arredondo.

 Andrea, Beneito, Fontegris, EVD, Art Girona, Elite, Latorre Models,
Nimix,Enigma, Pegaso, Soldier,Le Cimier, Pili Pili,Michael Roberts,Elisena,Aitna,
Viriatus,Sparta,Metal Modeles, Poste,Romeo,Time Machine,Aitna. Alpine,Verlin-
den, Tamiya,Hasegawa,Italery, Fujimi. Amplio surtido de pintuas acrílicas
esmaltes, pinceles y peanas.
Y MUCHO MAS¡¡¡
De Tiendas por...
¿Cuántas veces has estado de viaje en una ciudad y has buscado una tienda donde comprar alguna figiura
o maqueta? Esta sección fija en nuestra revista, pretende acercar el universo de las tiendas a todos los afi-
cionados. Si vas a estar en Madrid o Barcelona no olvides visitar las tiendas que recomiendan nuestros

En Barcelona con...
colaboradores. Sin duda un punto de encuentro entre modelistas. No os arrepentiréis.

Luis Corujo

SAMARKANDA MINIATURAS
Amigos mÍos, para los aficionados al hobby, en Barcelona hay un lugar al que no podemos pasar de largo,
se trata de Samarkanda miniaturas, una tienda donde podemos encontrar todo tipo de figuras, escenografía,
libros,revistas, pinturas, pinceles, peanas etc., etc. y lo más importante un trato cordial y amigable de su
dueña Montse y su marido el conocidísimo Antonio Treviño.
Samarkanda es un lugar de encuentro donde poder charlar, reír y pasar un buen rato sin necesidad de ir a
comprar.
Aunque siempre sales con algo jajjajajajajajajajajajaja para mi son unos grandísimos amigos y una gente
estupenda.

Samarcada está ubicada en:

C/Hostafrancs Nº6 Local
Linea 1 de Metro. Parada Hostafrancs, Salida Mer-
cado
Horario:Lunes a Viernes de 17:00h-20:00h
Sabados de 10:00h-14:00h
y de 17:00h-20:00h
 S
A
M
A
R
K
A
N
D
A
Montse en el rincon de la pintura.

Montse y Antonio a las puertas de Samarkanda.

Gran surtido
de Figuras

Antonio Treviño y Luis Corujo

en Samarkanda
KELESUMO
Hola amigos otra tienda que hay que visitar en Barcelona es Kelesumo,en ella encontraras miniaturas, esce-
nografía juegos de mesa , juegos de rol y algo importante mesas, para que puedas ir a jugar y pintar, su
propietario David un chaval muy majete os ayudara y aconsejará en todo lo relacionado con nuestro hobby. Es
muy fácil llegar, está situado aproximadamente en el centro de Barcelona. Puedes ir en cercanías RENFE
parada Arco del Triunfo, o bien metro linea 1,p arada Arco del Triunfo.

David a las puertas de Kelesumo

Vista de Interior de Kelesumo. Gran surtido en
Juegos de Roll, y Figuras de 28

Kelesumo está ubicada en:

C/ Ali Bei Nº12 local 1
Linea 1 de Metro. Parada Arco del Triunfo.
RENFE parada Arco del Triunfo
Horario:Lunes a Viernes de 10:00h-14:00h y
16:30h-20:30h
Sabados de 10:30h-14:00h
y de 16:30h-20:30h
“-Solo si entregas tu vida a unos ideales, si consigues ser algo más que un solo hombre, te
transformas en algo superior.
-¿En qué?
-En una leyenda señor Wayne” (Batman Begins)

Es un honor para mí darles la bienve-

nida a este gabinete, que a modo de
convoy, arrancará con el único obje-
tivo de llevarles en un viaje por el
mágico mundo de la pintura de minia-
turas e intentando en todo momento,
que se sientan a gusto y disfruten de
un hobby con tantas posibilidades
como satisfacciones puede darnos.

Tras pasar un casting más intenso que

los de O.T., hemos seleccionado para
abrir esta sección una sencilla pero a la
vez potencial figura de la marca Fon-
tegris, que materializa la
“customización” del dibujante Enrique
Vegas sobre Batman, diseñada con
motivo del Salón Internacional del
Comic de Avilés.

Cartel de las jornadas del Comic de Avilés.

Busquen su asiento, acomódense y recréense con las cuatro paradas que tenemos dispuestas
para ustedes:
La Adquisición, la Preparación, la Pintura y la Exposición/Colección.

La Adquisición.

Nuestro primer alto se caracteriza por ser tanto el más importante como el más olvidado de
todos, en muy pocas ocasiones se habla de ¿cómo llega la figura hasta nosotros?

En pedagogía y psicología existe un proceso denominado “Efecto Pigmalión” : por el cual las
expectativas creadas a priori sobre una acción influyen en los resultados finales. Los mode-
listas nos creamos expectativas sobre nuestras figuras que condicionarán la forma de
enfrentarnos a ellas, incluso antes de comprarlas.

A este respecto, cuando acudimos a la tienda a comprar la última novedad que acaba de salir
o removemos cielo y tierra buscando una antigua referencia, el nivel de expectativas creadas
suelen ser positivo augurando un proceso de pintura muy satisfactorio y divertido. Por el con-
trario, si hay una falta de afinidad con la figura, una obligación al montaje, etc. el trabajo se
tornará arduo y poco agradable.
Para la mayoría de nosotros, la pintura de miniaturas es un hobby y por definición debe dis-
traer, ocupar momentos de ocio y relajarnos. Si acaba convirtiéndose en algo aburrido o
estresante, será la hora de colgar los pinceles.

Mi Batman también tiene su

pequeña historia de expectativas, os
la contaré: Cuando Fontegris la
lanzó me acordé de una persona
muy especial y se la regalé. Como
gran aficionada a los Cabezones de
Enrique Vegas, le entusiasmó,
pidiéndome que se la pintara. Con
este historial, comprenderéis que
debo esforzarme al máximo en la
pintura de esta obra que más que
material posee un valor sentimental.
La Preparación

La locomotora pone rumbo a la estación, para mí la más aburrida de todas. Preparar nuestras
figuras para pintarlas debe constituir una parada obligada que evitará muchos problemas y
facilitará al máximo la pintura. La mejor forma de hacerlo, la siguiente:

1. Tres son las herramientas fundamentales: Un cutter bien afilado, papel de lija de grano fino
y pegamento (cianoacrilatos o bicomponentes) sin despreciar las masillas epoxídicas, el putty
y alguna que otra lima y punzón

2. Sentados ante la figura despiezada, observamos una serie de imperfecciones que no debe-
rían estar ahí, son las llamadas “rebabas” y “bebederos”. Estos entes misteriosos son producto
de las uniones del molde a la hora de fundir las piezas. Para aniquilarlos no hace falta llamar
a los cazafantasmas, con nuestro cutter cortaremos el sobrantes del producto dejando la pieza
lo más limpia posible.

3. Llegamos a la paradoja del lijado y digo paradoja porque realmente no lijamos sino que la
pulimos. Con un trozo de papel de lija (de grano muy fino) humedecido en agua limpiaremos
los restos sobrantes que aun puedan quedar de las rebabas. Consiguiendo un acabado muy fino,
similar al que tendría la figura mostrada en la caja. No vendría mal una vez lijada, darle una
ducha con agua y jabón para quitar los restos del lijado.

4. Limpia y aseada, llega el momento de pegar las piezas. El peque viene despiezado en dos:
cabeza y cuerpo. Al poseer un cabezón tan grande, utilizaremos un pegamento tipo bicompo-
nente de más fuerza de unión que los cianoacrilatos, añadiendo un perno para conseguir un
agarre extra. Esta técnica, consiste en efectuar un pequeño agujero de unos milímetros en las
dos piezas y unirlas con un alambre, similar al encofrar el hormigón. El andamio es lo que
tiene, que te educa y te entretiene.

Unión de la cabeza y el
tronco mediante un perno
Es normal que las uniones entre piezas no casen del todo, viéndonos obligados a utilizar masi-
llas para tapar las juntas. Técnicas como estas serán desarrolladas en números venideros.

5. Uno de los grandes problemas de las figuras en general y más en particular de las de resina,
es la presencia de pequeños agujerillos provocados por las burbujas de aire que aparecen
durante el fundido. Aplicando con pincel una capa de Putty diluido con acetona industrial (no
vale la de droguería), obtendremos un acabado muy suave sin ningún poro.

6 Si todo ha ido bien, nuestra obra está preparada para ser imprimada. Imprimar una figura
consiste en dar una mano de pintura base (blanca principalmente o gris) para conseguir un
mejor agarre de la pintura posterior. Es posible imprimar a pincel, con sprays diseñados al res-
pecto o con aerógrafo. En nuestro caso, provistos de aerógrafo, hemos aplicado una base blanca
a toda la obra y otra Azul Intenso a la capa y capucha ahorrándonos así darlo después, que le
vamos ha hacer, soy un vago pintando.

Seguimos viaje, la preparación esta finiquitada

pasemos a la pintura.

Figura imprimada y lista para pintar.

La Pintura.

Nuestra tercera parada es la encargada de limpiar, fijar y dar esplendor a una obra. Partiendo de
nuestra humanidad imperfecta, debemos tener en cuenta que en muchas ocasiones, no vamos
a conseguir figuras “best of show”, no pasa nada, lo importante es disfrutar con el proceso y no
tanto del resultado.
Dos preguntas: ¿con qué pintaremos? y ¿cómo lo haremos? La respuesta: con colores acríli-
cos y mediante la técnica de la Luz Cenital

Los colores acrílicos son de todos los tipos de pinturas, aquellos que más posibilidades pueden
ofrecer a la hora de aplicarlos. Se pueden mezclar fácilmente y añadiendo diferentes cantida-
des de agua, conseguiremos distintos matices. Asimismo no son tóxicos y constituyen la base
de diversidad de cocktails, es broma jejeje.
Al utilizar colores acrílicos un buen pincel es fundamental. Uno del número 0 redondo, uno
del 2/0 redondo y alguno plano son suficientes. Os recomendaría invertir un poco de dinero en
los mismos, duran más y facilitan el trabajo. Fernando Alonso no tiene posibilidades de alcan-
zar un mejor coche, nosotros si podemos tener mejores pinceles, aprovechemos la ventaja.
La técnica de luz cenital también conocida como “Escuela Española”, forja sus raíces en nues-
tro país y fue exportada por pintores españoles a los concursos de ámbito mundial.
La luz cenital parte de la singularidad de distribuir la luz y la sombra por la figura de un modo
concreto. Las partes mas iluminadas (luz) estarán en las zonas más altas de los volúmenes y las
menos (sombra) lo estarán debajo de los mismos.
Si dudamos dónde van las sombras y dónde las luces, un buen servicio puede dárnoslo nues-
tro flexo. Colocando la figura bajo la luz podemos observar las partes que quedan iluminadas
y las que no. Incluso moviendo la lámpara, comprobaremos los diferentes visos que la misma
obra cobra al ser alumbrada desde diferentes lugares.

Diferentes contrastes de una misma figura con ángulos de iluminación distintos.

Partiendo de un color base, buscaremos imitar esa diferencia cromática provocada por
la luz mediante lo que denominaremos subidas y bajadas:

Subir el color (luz), consistirá en ir aclarando la mezcla base y aplicarla en aquellas

zonas de nuestra figura donde la luz incide con mayor fuerza.

Bajar el color (sombra), será todo lo contrario, partiendo del color base oscureceremos la
mezcla y la aplicaremos en aquellas zonas que permanezcan en sombra.
Diferentes gamas conseguidas subiendo y bajando el color Azul Intenso ,base de nuestra figura.

El proceso de pintura finalizará con una Veladura que no es más que la aplicación de un color
intermedio muy diluido en las zonas donde se juntan las subidas y las bajadas con el fin de sua-
vizar el contraste entre ambas.

Distribución de las luces y las sombras en el pecho de Batmana.

 Cara con el color base y una vez terminada

Peana pintada mediante la técnica del pincel seco que desarrollaremos en siguientes números.
No estaría de mas, hacerse con una tabla de colores (existen infinidad de ellas en Internet o en
las bibliotecas) y estudiar las mejores combinaciones, intentando crear obras con una com-
plementación correcta entre colores. Un truco que os voy a dar y que me enseño mi novia, una
gran aficionada a los “minis” y la figuras de 35mm, es pintar toda la miniatura con colores
planos (sin luces ni sombras) y ver si la composición escogida es la más apropiada.

En nuestro caso, tenemos la suerte de contar con una amplia bibliografía y comprobar la infi-
nidad de versiones que existen de Batman: traje gris y capa azul (la clásica), traje gris y capa
negra o traje y capa negra (más cinematográfico) sin
perder de vista que cualquier combinación que haga-
mos y que nos gusta estará bien.

Imagen de DC

La Exposición/colección

¿Y una vez pintada qué? En nuestro

hobby hay un punto bastante importante
de exposición y colección, las obras que
vamos pintando empiezan a llenar
estanterías y vitrinas que poco a poco
irán cogiendo diferentes matices
reflejo de nuestros gustos.

vitrina
 Por Ramón “Luis H. Agüe

La creación de uno de los grandes mitos de la literatura de terror, el doctor Jekyll –y su alter ego, Mr. Hyde-,
se la debemos al escritor inglés Robert Louis Stevenson, quien en 1886 publicó El Extraño caso del Dr. Jekyll
y Mr. Hyde. En dicha novela, un idealista científico crea una pócima que le permite separar las dos mitades que,
teóricamente, componen su yo y el de todos los seres humanos, una “buena” y otra “mala”.

Convertida de inmediato en un éxito, rápidamente se implantó en la cultura

popular adaptándose repetidamente al teatro y, ya en el siglo XX, a muy di-
versos medios, pero especialmente al cine. Actores de la talla de John
Barrymore, Fredric March, Spencer Tracy o Christopher Lee serían algu-
nos de los nombres que darían rostro al malogrado doctor en varias de las
muchísimas
A primeros de los 60, la marca norteamericana Aurora Models había innovado y sorprendido al mercado mode-
lista aportando a éste una serie de figuras en plástico que representaban a los más conocidos monstruos del
cine de terror. Frankesntein y Drácula abrieron la brecha en 1961 pero, en los años inmediatamente posterio-
res, se sumaron a este curioso panteón en miniatura el Hombre Lobo, La Momia, y otros personajes que
podríamos llamar “secundarios” como La Criatura de la Laguna Negra, El Fantasma de la Ópera, El Jorobado
de Notre Dame o el protagonista de nuestro artículo: el Doctor Jekyll.

Aparecido exactamente en el año 1964, la figura siguió el estándar que la casa estadounidense había propuesto
para su colección de criaturas cinematográficas. Se presentaba a una escala teórica de 1/8, aunque para algu-
nos modelistas la escala de los monstruos de Aurora está más próxima a la 1/11. En cualquier caso, la altura
exacta de la figura era de 20 cm. El envoltorio en el que se presentaba era la típica caja rectangular que Aurora
había hecho también célebre, con una elaborada ilustración del personaje en la portada. Y cómo no: la figura
venía acompañada con una base y una serie de elementos que la adornaban y que fue, desde luego, la marca de
la casa de la legendaria empresa.

En concreto, la figura del doctor se había inspirado en la interpretación

de Fredric March, aunque de una manera un tanto libre, ya que la ves-
timenta del kit no se corresponde con ningún momento de la cinta que
protagonizara este actor. El personaje aparecía representado al
momento de haber ingerido la pócima y acabado –o acabando- de
transformarse. Con su mano derecha sujetaba la vacía redoma cercana
a su boca, y con la izquierda se agarraba el cuello con conmocionado
gesto. Vestía una bata de laboratorio, y bajo ella, camisa y pantalones,
complementados con una correa y zapatos que en realidad parecían
más próximos a la época en la que se fabricó el kit que a la que en teo-
ría representaba el personaje, casi un siglo antes.

Mención aparte merecen todos los complementos de la figura, que si

bien en esta referencia concreta no fueron los más llamativos o visto-
sos de Aurora, sí que lograban darle vida y ambientarla de una manera
sencilla. Se asumía, por lo explicado, que Jekyll estaba en su laborato-
rio; sobre una base de madera disponíamos de una estrecha mesa y un
taburete para situar a nuestro gusto, así como de toda una serie de ins-
trumentos de laboratorio (tubos de ensayo, un mechero bunsen,
vasos… varias de estas piezas en plástico transparen) para colocar
sobre la mesa (o sobre el suelo: muchos modelistas optaron por colo-
car el taburete y otros elementos tumbados, representando quizás el
caos y el desorden creados durante el traumático momento de la trans-
formación). Una pieza del kit representaba ni más ni menos que líquido
derramado, y que se podía situar junto a un vaso tumbado para forta-
lecer esta sensación de desastre. Elementos como este (al igual que
otros como fuego o rayos) eran muy típicos de las maquetas de Aurora,
y sin lugar a dudas uno de los rasgos más simpáticos y entrañables de
éstos vistos con la perspectiva de los años.
Para complementar el decorado venía, por supuesto, una pequeña y sencilla placa con el nombre del perso-
naje y, claro está, dos de los animalitos que nunca podían faltar en las bases de la marca americana que
tratamos; en este caso una araña y una graciosa rata, mudos testigos de los temerarios experimentos de Henry
Jekyll. La maqueta contó también con una edición totalmente en plástico fosforecente, una moda muy en
boga en los 60 que Aurora aprovechó con casi todos sus personajes de terror.

El personaje acabó siendo descatalogado, Aurora Models cerró en 1977 y con el tiempo sus figuras se con-
virtieron en piezas de coleccionismo altamente cotizadas en las tiendas del hobby. Muchos de sus más
famosos monstruos volvieron a ver la luz en reediciones posteriores a cargo de casas como
Monogram/Revell o Polar Lights, pero el Doctor Jekyll se resistió a volver a manos de los aficionados. Final-
mente, en el año 2007, vio la luz la casa americana Moebius Models, dispuesta a rescatar una vez más el
imperecedero legado de Aurora, y consiguió por fin los derechos de tan buscado personaje. Puesto que los
moldes originales no existían, la recién creada empresa tuvo que usar una figura para crear el master en el
cual basar su producción. Este proceso ocasionó que la primera tirada de Jekylls apareciera sin dientes -tan
sólo con la boca abierta con gesto abobado-, pero Moebius corrigió el error en posteriores ediciones, e
incluso ofreció la pieza de la cara suelta para quienes ya hubieran comprado el kit sin corregir, aunque hay
que decir que esta modificación dio como resultado un Jekyll que parecía más “mellado” que con dientes
deformes y torcidos como el original del film. En nuestro propio kit resolvimos fácilmente este problema cre-
ando nosotros mismos la dentadura. No pasaron muchos meses antes de que Moebius aprovechara su licencia
para ofrecer también la vistosa versión del personaje en plástico fosforescente, e incluso en el ínterin sacó
a la venta una variante “híbrida” entre el kit original y el que brillaba en la oscuridad: con motivo del cer-
tamen de modelismo norteamericano Chiller Theater 2007, apareció una edición especial limitada
exactamente a 480 copias del Jekyll estándar con varios componentes (cabeza, manos, animales y comple-
mentos sobre la mesa) también en plástico fosforescente.
La herencia de Aurora es inmensa en su país
de origen, y han sido también muchas las
empresas que durante los últimos años han
ofrecido complementos y variantes para la
figura original de los 60 -y ahora también para
su nueva reedición-: cabezas alternativas,
dientes, placas… aunque sin lugar a dudas
una de las aportaciones más interesantes ha
sido la de Cult of Personality, que ha dado
vida a tres kits diferentes para convertir a
Jekyll en otros tantos personajes fantásticos:
el Hombre Invisible, la versión del Mr. Hyde
de John Barrymore y el mismísimo Vincent
Price en su papel para el largometraje de “El
escalofrío”.
A riesgo de pecar de poco original y repetitivo, siempre hago la misma recomendación a aquellos que nunca
han abordado un kit de Aurora: probad. Es evidente que la calidad de esculpido y detallado no van a estar a la
altura del de las piezas de hoy en día, pero construir una de estas “viejas” figuras es una experiencia única y
entrañable y todo un inolvidable viaje al pasado del modelismo. Yo hace años que soy un incondicional…

LUIS H. AGÜE

Enlaces de interés:
-www.moebiusmodels.com: actual productor de la reedición de la figura del Dr. Jekyll, así como de otras
muchas también originales de Aurora.
-www.transilvaniamodels.com: importadores en España de Moebius Models. En la sección artículos de su
web podéis encontrar también un sentido homenaje que resume la historia de Aurora Models.
Es una revista hecha con el único fin de entrener
y si de paso podemos enseñar algo... mejor que
mejor¡¡¡¡¡
Imagine está hecha con el cariño y la ilusión de:

-Oscar Tahoces -Luis Agüe

-Pedro Manso -Hobbies Manso
-Jose Corujo -Jorge Juan de la Oca
-Miniaturas Beneito -Transilvania Models
-Claudio Bocchini -Jose Vidarte
-El Viejo Dragon -Germán Menedez
-Marc Muniers -David Casado
-El Greco,Bellas Artes -Margarita Moreno
-Samrkanda Miniaturas -Itos Mateos
-Antonio Gonzalez -Antonio Ramil
-Ramón Arredondo - De Tara