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fotografíasyfotógrafos Manuel S. Miranda Parreño

Manuel S. Miranda Parreño

Dedicado a los alumnos del curso de fotografía de la Escuela de Bellas Artes

Algunas Fuentes:

www. liveauctioneers.com www. photogaleria.com www. zenaholloway.com/ www.artnet.com/artwork www. scribd.com/ la-fotografia www.flickr.com/photos/ www. ahboon.net www.taringa.net/ www.s-y-s.cn www.cpluv.com www/tag/portrait www. yoveoveo.blogspot.com/ www.nationalgalleries.org www.pixelicia.com www.shroomery.org www.wikipedia.org www.photobunt.orgw www.formarse.com.ar/foto www.google.com.pe images.quebarato.com.br www. ziza.es/category/magic/ www.nibarcom www.search.revolutionaryplayers.org.uk wordpress.com www.pulitzer.org www.elmundo.es www. foto3.es/web/historia/historia.htm www. criticarte.com www. ar.descubrimos.com www. utata.org www. vam.ac.uk/

www. audifoto.com.ar www. videposters.es www. canaltecnia.com www. fotonostra.com

Nota: En el presente volumen no aparecen todos los fotógrafos importantes en esta disciplina artística, ni tampoco todas las pagina web visitadas. Serán incluidos en un próximo trabajo.

Compaginación y diseño: Manuel S. Miranda Parreño

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Compaginación y diseño: Manuel s. Miranda Parreño

Trujillo Perú 2009

Historia de la fotografía

El término cámara deriva de camera, que en latín significa 'habitación' o 'cámara'. La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un minúsculo orificio en una de las paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orifício proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. Aunque la imagen así formada resultaba invertida y borrosa, los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara. Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida.

300 a.c.

Aristóteles utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de sol.

Siglo XVII

Leonardo Da Vinci se da cuenta que las imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más reducido e invertido, conservando su propia forma y colores.

Siglo XVIII La sensibilidad a la luz de ciertos compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata, era ya conocida antes de que los científicos británicos Thomas Wedgwood y Humphry Davy comenzaran sus experimentos a finales del siglo XVIII para obtener imágenes fotográficas. Consiguieron producir imágenes de cuadros, siluetas de hojas y perfiles humanos utilizando papel recubierto de cloruro de plata. Estas fotos no eran permanentes, ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía, con lo cual nunca pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes.

pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes. Cámara oscura de finales del siglo XVIII.
pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes. Cámara oscura de finales del siglo XVIII.

Cámara oscura de finales del siglo XVIII. Diseñada para reproducciones de paisajes, arquitectura, etc

Título: Punto de vista desde las ventanas del Gras "Punto de vista", así es como llama Niépce a las imágenes obtenidas del natural para distinguir las "heliografías".Esta es la primera fotografía que se le conoce. Año 1826

Siglo XIX

Este es el siglo del nacimiento de la fotografía, exactamente en el año 1816, que es cuando el físico francés Nicéphore Niépce consigue una imagen mediante la utilización de la cámara oscura y un procedimiento fotoquímico. Niépce bautiza a su invento con el nombre de heliograbados, pero no es hasta el año 1831 cuando el pintor francés Louis Jacques Mandé Daguerre realizó fotografías en planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Después de exponer la plancha durante varios minutos. Daguerre empleó vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. Estas fotos no eran permanentes porque las planchas se ennegrecían gradualmente y la imagen acababa desapareciendo. En las primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre, la plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Este proceso de fijado, descubierto por el inventor británico William Henry Fox Talbot, hacía que las partículas no expuestas de yoduro de plata resultaran insensibles a la luz, con lo que se evitaba el ennegrecimiento total de la plancha. Con el método de Daguerre se obtenía una imagen única en la plancha de plata por cada exposición.

Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. Talbot descubrió que el papel recubierto con yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, disolución que podía ser utilizada también para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo. Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en 1839. Ese mismo año John Eilliam Herschel da el nombre de " fotografías " a las imágenes fijas.

En un plazo de tres años el tiempo de exposición en ambos procedimientos quedó reducido a pocos segundos.

años el tiempo de exposición en ambos procedimientos quedó reducido a pocos segundos. fotografía de Martín

fotografía de Martín Chambi

En el procedimiento del calotipo la estructura granular de los negativos aparecía en la copia final. En 1847, el físico francés Claude Félix Abel Niépce de Saint-Victor concibió un método que utilizaba un negativo de plancha o placa de cristal. Ésta, recubierta con bromuro de potasio en suspensión de albúmina, se sumergía en una solución de nitrato de plata antes de su exposición. Los negativos de estas características daban una excelente definición de imagen, aunque requerían largas exposiciones.

En 1851 el escultor y fotógrafo aficionado británico Frederick Scott Archer introdujo planchas de cristal húmedas al utilizar colodión en lugar de albúmina como material de recubrimiento para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Como estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos, los fotógrafos necesitaban un cuarto oscuro cercano para preparar las planchas antes de la exposición, y revelarlas inmediatamente después de ella. Los fotógrafos que trabajaban con el estadounidense Mathew Brady realizaron miles de fotos de los campos de batalla durante la guerra de la Independencia estadounidense y para ello utilizaron negativos de colodión húmedos y carromatos a modo de cámara oscura.

Puesto que el procedimiento del colodión húmedo estaba casi limitado a la fotografía profesional, varios investigadores trataron de perfeccionar un tipo de negativo que pudiera exponerse seco y que no necesitara ser revelado inmediatamente después de su exposición. El avance se debió al químico británico Joseph Wilson Swan, quien observó que el calor incrementaba la sensibilidad de la emulsión de bromuro de plata. Este proceso, que fue patentado en 1871, también secaba las planchas, lo que las hacía más manejables. En 1878 el fotógrafo británico Charles E. Bennett inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. Al año siguiente, Swan patentó el papel seco de bromuro.

Mientras estos experimentos se iban sucediendo para aumentar la eficacia de la fotografía en blanco y negro, se realizaron esfuerzos preliminares para conseguir imágenes de objetos en color natural, para lo que se utilizaban planchas recubiertas de emulsiones. En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo con éxito la primera fotografía en color mediante el procedimiento aditivo de color. Alrededor de 1884 el inventor estadounidense George Eastman patentó una película que consistía en una larga tira de papel recubierta con una emulsión sensible. En 1889 realizó la primera película flexible

y transparente en forma de tiras de nitrato de celulosa. El invento de la película en rollo marcó el final de

la era fotográfica primitiva y el principio de un periodo durante el cual miles de fotógrafos aficionados se interesarían por el nuevo sistema.

aficionados se interesarían por el nuevo sistema. En esta fotografía podemos observar a George Eastman (

En esta fotografía podemos observar a George Eastman ( izq.), junto con Thomas Edison ( der.). Entre los dos aparte de tener una gran amistad, consiguieron un gran desarrollo en el mundo del cine, gracias a los diferentes estudios que realizaron juntos.

Siglo XX

A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron

camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière.

En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.

En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.

o dedicación profesional para un gran número de personas. Esta es la denominada cámara Mamut, la

Esta es la denominada cámara Mamut, la cámara fotográfica más grande del mundo. Se construyo en los Estados Unidos en el año 1900, y su peso era aproximadamente de unos 450 kilos. El tamaño de las placas de cristal eran de 130 X 240 cm.

La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.

y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al

A modo de recuerdo, un momento en el camino

Thomas Wedgwood nació en mayo de 1771 en Etruria, hijo de un alfarero llamado Josiah Wedgwood, fue uno de los primeros experimentadores junto a Humphry Davy en fotografía.

Staffordshire, ahora parte de la ciudad de Stoke-on-Trent en Inglaterra; en una familia con una dedicación ancestral a la alfarería, creció y estudió en Etruria y le fue inculcado desde su juventud el amor al arte. También permaneció parte de su corta vida asociado a pintores, escultores y poetas, que le tomaron como mecenas cuando recibió la herencia de su padre en 1795.

Desde su juventud, Wedgwood se interesó por desarrollar métodos pedagógicos, y dedicó parte de su vida al estudio de los niños para concluir que la mayoría de la información que asimilan los cerebros jóvenes proviene de los ojos, y, por tanto, está relacionada con la luz y las imágenes. Su intento de crear imágenes permanentes a partir de la utilización de la luz podría haber sido un intento de ayuda a la mejora de la enseñanza, a pesar de que le llevó a inventar la fotografía en sí.

a pesar de que le llevó a inventar la fotografía en sí. Humphry Davy nació en
a pesar de que le llevó a inventar la fotografía en sí. Humphry Davy nació en

Humphry Davy nació en Penzance, Cornualles en 1778. Era hijo de un escultor de madera y se había procurado una educación autodidacta. Cuando tenía diecinueve años, leyó el "Tratado elemental" de Lavoisier y eso le condujo a amar la química durante toda su vida.

En 1800, Benjamin Thompson, conde de Rumford, funda la Institución Real en la cual trabajaría Davy como conferenciante desde los veintitrés años y dónde alcanzó todo su reconocimiento. Era tal la expectación que despertaban sus conferencias, que provocaban problemas de tráfico en la calle. Lo atractivo de sus actuaciones públicas se refleja en el comentario de una dama de alta cuna: "Esos ojos están hechos para algo más que para escudriñar crisoles".

Sus aislamientos del Potasio, el Sodio, el Bario, el Estroncio, el Calcio y el Magnesio hicieron que la sociedad londinense entrara en un frenesí de adoración al héroe. El entusiasmo por sus conferencias era tal, que las entradas eran vendidas por más de 20 libras, más de 1400 euros hoy día. Acabó sus días rico y famoso, presidiendo la Royal Society, y considerado como un tesoro nacional. Sólo una cosa estropeaba su felicidad:

los celos contra Michael Faraday, que fue su mayor descubrimiento, según sus propias palabras, y su sucesor en la Institución Real. Murió en Ginebra en 1829.

The Alchymist in Search of the Philosopher's Stone

y su sucesor en la Institución Real. Murió en Ginebra en 1829. The Alchymist in Search

Nicéphore Niepce científico, inventor y fotógrafo francés, nació en el año 1765 y murió en 1833, fue el inventor junto a su hermano de un motor para barco y junto a Daguerre de la fotografía. Interesado en la litografía empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación. Descubre la primera Heliografía Un par de años después, ya en el 1818, obtiene imágenes en positivo sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 2 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Más tarde y causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo. Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce, titulada Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo, se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.

maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos. William Henry Fox Talbot Nació en Febrero de
maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos. William Henry Fox Talbot Nació en Febrero de

William Henry Fox Talbot

Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico. Estudió matemáticas en Cambridge, pero tuvo diversas inquietudes en otros campos, como por ejemplo la botánica.

A causa de sus problemas como dibujante, se interesó por otra clase de métodos mecánicos para capturar y retener las imágenes. A través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz, empezó sus grandes investigaciones durante su estancia de vacaciones a la orilla del lago Como.

Los conceptos de cámara oscura y cámara de luz ya habían sido desarrollados con anterioridad, pero fueron la gran base para Talbot en sus primeras investigaciones.

En 1835, Talbot consiguió plasmar en papel una galería del sur de la Abadía de Lacock. Talbot siguió sus investigaciones con papeles de plata y procesos de revelado hasta que en 1841 patentó en Inglaterra el "calotipo" y empezó la verdadera historia de la fotografía en su versión negativo-positivo.

En 1849 presentó una nueva patente en el campo fotográfico que consistía, en utilizar la porcelana como soporte fotográfico. Talbot fue reconocido con muchos galardones, de los cuales podemos destacar los siguientes:

Talbot 1839, botanical specimen - La gran medalla de honor en la Expo de París

Talbot 1839, botanical specimen

Talbot 1839, botanical specimen - La gran medalla de honor en la Expo de París en

- La gran medalla de honor en la Expo de París en el año 1855.

- Recibió en 1864 un Título honorario por la Universidad de Edimburgo.

- Miembro honorífico de la Sociedad Fotográfica de Londres.

Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron fotografías impresas. En 1854, Scott Archer's desarrolla el proceso conocido como "colodión" que Talbot interpreta como una derivación de su calo tipo y cubierto por su misma patente. William Fox Talbot, dedicó el resto de su vida a la impresión mecánica de fotografías. Muere en Septiembre de 1877.

Daguerre, Louis Jacques Mande (1789-1851)

Inventor de origen vasco, nació en Cormeilles (París) el 18 de noviembre de 1787. Este pintor y decorador teatral, comenzó a investigar con el fin de mejorar el mundo

de la imagen.

Comenzó a trabajar como arquitecto de aprendiz y a la edad de dieciséis años ya estaba como diseñador auxiliar en un teatro de París. La sociedad era corta, Niépce murió en 1833 y Daguerre continuó investigando. Más tarde hizo un descubrimiento importante por accidente. En 1835 puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había

convertido en una imagen latente. Aunque Daguerre ya sabía producir una imagen, no fue hasta 1837 que pudo fijarlas. Este nuevo proceso lo denominó "Daguerreotype".

El 7 de enero de 1839 se informó del descubrimiento, pero los detalles no fueron

divulgados hasta el 19 de agosto cuando el proceso fue anunciado en público, el gobierno francés compro los derechos del proceso, cediéndolos libremente al resto del mundo. Daguerre murió en 1851. Ese mismo año se inventó una nueva técnica, el proceso

mojado del colodión, por Frederick Scott Archer.

el proceso mojado del colodión, por Frederick Scott Archer. Julia Margaret Cameron Considerada una gran excéntrica

Julia Margaret Cameron

Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan

el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una

familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.

A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde

implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron.

Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra. Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran

toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra. Tuvo seis hijos y otros adoptados,

Kiss of piece

Kiss of piece caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la
Kiss of piece caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la

caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana. Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia de su marido.

Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.

Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se

dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,

muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas. Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones. Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso al colodión. Margaret Cameron, falleció en 1879.

obligándoles en

Roger Fenton

Roger Fenton nació en 1819 en Lancashire, Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del siglo XIX. Se desplazó a París para estudiar derecho, pero compaginó estos estudios con su verdadera pasión, la fotografía. Gustave le Grav le enseñó unas fotografías de arquitectura tomadas por él sobre papel encerado que llamaron enormemente su atención. Fenton empleó este mismo método para realizar sus primeras fotografías, que vieron la luz en Febrero de 1852. Por contraposición al daguerrotipo, este proceso de calo tipo era más suave y con mayor capacidad gráfica. Trató a la fotografía como un arte, además de documento y ello le llevó a abandonar su profesión de abogado y dedicarse plenamente a la fotografía. Su carrera fotográfica fue corta, apenas duró unos diez años, pero muy intensa Primer reportero de guerra En 1852 se desplazó a Rusia con un amigo, realizando numerosas fotografías de Moscú, San Petersburgo y Kiev, que son de las mejores de su obra. Al regresar de Londres fueron expuestas y ganó un gran reconocimiento, no sólo popular, sino también de la propia familia real. En 1855 viaja hasta Crimea a cubrir la batalla del mismo nombre, dejando un valioso y enorme testimonio de esta contienda. Se considera como el primer reportero de guerra. A su vuelta tuvo contactos con la familia real británica, llegando a asesorar al príncipe Alberto en el montaje de un laboratorio de fotografía en el propio castillo de Windsor. En 1860 realizó bodegones y en 1862, decepcionado por el tema de la conservación y la comercialización fotográfica, lo llevó a la pérdida de valiosos documentos, vendió todo su equipo y se retiró completamente de la fotografía. Falleció en 1869 a la edad de cincuenta años.

vendió todo su equipo y se retiró completamente de la fotografía. Falleció en 1869 a la

Roger Fenton, primer reportero de guerra

Roger Fenton, primer reportero de guerra Nadar, Gaspar Félix Tournachon Su nombre real era Gaspard Félix

Nadar, Gaspar Félix Tournachon

primer reportero de guerra Nadar, Gaspar Félix Tournachon Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar

Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de

su tiempo en política, literatura, ciencias la libertad de expresión.

y fue un conductor de

Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

En 1851 Nadar reprodujo en litografía un fresco gigantesco de casi 250 personajes que mostrasen toda la gloria literaria y artística de París. En 1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales

Se lanzó a la fotografía aérea. En 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir, "El Gigante", de la ciudad de Petit-Bicetre. Diez años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomadas sobre una sola placa al colodión de gran formato. En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar". En 1860 Fotografió catacumbas con luz artificial así como las cloacas de Paris, En 1895 cedió su estudio a su hijo. En 1900 publicó su libro "Cuando yo era fotógrafo" una obra muy interesante y rica en enseñanza, dotada con muchas anotaciones sobre la fotografía, más tarde es homenajeada en la Exposición Universal de París. Nadar fallece en 1910, dejando una enorme producción fotográfica: más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la hija de Paúl Nadar.

una enorme producción fotográfica: más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la

George Eatsman: fotos para todos George Eatsman nació en 1854 Waterville (Nueva York), inventor con el famoso lema "Usted apriete el botón que nosotros hacemos el resto", sacó la primera cámara al mercado apta para todos los públicos. Hizo de la fotografía el gran negocio de su vida. A la edad de seis años Eastman se trasladó a Rochester donde vivió 40 años. Con 14 años consigue su primer empleo como mensajero en una compañía de seguros, su madre y sus hermanas dependían de el. Por las noches estudiaba contabilidad, cumplidos ya los 20 años le ofrecen un empleo en Rochester Savings Bank. Su salario de 800 dólares le permitió ahorrar para iniciar su aventura en el mundo fotográfico. En 1892 fundó la Eastman Kodak Company, una de las primeras empresas en fabricar material fotográfico en serie. George Eastman dedicó gran parte de su vida a la fotografía, lo cual le llevo a crear la gran multinacional firma Kodak. Entregó una considerable cantidad de dólares para diversos proyectos, de entre ellos destacamos: fundación de la escuela Eatsman de música y educación medicinal. Fallece en 1932.

(Tompkins Sq. Park, 1967, George Eastman House Collection).

(Tompkins Sq. Park, 1967, George Eastman House Collection). Photograph Taken With Kodak Camera - Circa 1909
(Tompkins Sq. Park, 1967, George Eastman House Collection). Photograph Taken With Kodak Camera - Circa 1909
(Tompkins Sq. Park, 1967, George Eastman House Collection). Photograph Taken With Kodak Camera - Circa 1909

Photograph Taken With Kodak Camera - Circa 1909

Frederick Scott Archer Nace en 1813 Gran Bretaña. Dedicado en principio al

grabado y la escultura pronto se le despierta el interés por el mundo y proceso fotográfico del Calotipo. Empieza a trabajar con ello en 1847 para realizar fotografías a sus diseños de grabado. Más tarde Archer's, da a conocer su invento que revolucionaría el mundo de la fotografía, el Colodión Húmedo que era mucho más rápido que el Daguerrotipo,

y con una gran ventaja respecto a la exposición, esta era

mucho más corta. Desde su muerte en 1857 se le han reconocido otros inventos fotográficos que quedaron sin patentar, o que lo fueron por otros en muchas ocasiones, lo que explica en gran parte una posible falta de recursos económicos que Archer tenía al final de su vida, para poder llevar a cabo

sus investigaciones y descubrimientos.

A Archer se le recuerda solamente, como un "caballero

muy discreto, de salud pobre, con una esposa enferma y de mirada de ángel".

Torre de Caesar de la corte interna 1850, Frederick Scott Archer

pobre, con una esposa enferma y de mirada de ángel". Torre de Caesar de la corte

Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.

Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.

En la década de 1960 se introdujo la película Itek RS, que permitía utilizar productos químicos más baratos, como el zinc, el sulfuro de cadmio y el óxido de titanio, en lugar de los caros compuestos de plata. La nueva técnica llamada fotopolimerización hizo posible la producción de copias por contacto sobre papel normal no sensibilizado.

Aplicaciones de la fotografía

En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores, al margen de otras consideraciones científicas o técnicas. Por un lado se encuentran el campo del reportaje periodístico gráfico, cuya finalidad es captar el mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por otro tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e interpretativos.

El reportaje comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo general no se suele manipular. Lo normal es que el reportero gráfico emplee las técnicas y los procesos de revelado necesarios para captar una imagen bajo las condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva, siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo que va a captar. Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración también la finalidad y el uso del reportaje fotográfico, las fotos más reales, y quizás las más imparciales, pueden ser utilizadas como propaganda o con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría de los casos, no dependen del propio fotógrafo.

Por el contrario, la fotografía artística es totalmente subjetiva, ya sea manipulada o no. En el primer caso, la luz, el enfoque y el ángulo de la cámara pueden manejarse para alterar la apariencia de la imagen; los procesos de revelado y positivado se modifican en ocasiones para lograr los resultados deseados; y la fotografía es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir una forma de composición artística, o para la experimentación estética.

Reportaje fotográfico

Toda la fotografía es, en cierto sentido, un reportaje, puesto que capta la imagen que perciben el objetivo de la cámara y el ojo humano. Los primeros investigadores se limitaron a registrar lo que veían, pero en la década de 1960 se dividieron entre aquellos fotógrafos que seguían utilizando su cámara para captar imágenes sin ninguna intención y los que decidieron que la fotografía era una nueva forma de arte visual. La fotografía combina el uso de la imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce con el nombre de fotografía social.

Estas fotografías fueron publicadas por la revista Life, en el año 1969 en la que
Estas fotografías fueron publicadas por la revista Life, en el año 1969 en la que

Estas fotografías fueron publicadas por la revista Life, en el año 1969 en la que podemos observar al astronauta Amstrong pisando la luna, se utilizaron carretes Kodak y una cámara Hasselblad.

Fotografía documental

El fotógrafo británico Roger Fenton consiguió algunas de las primeras fotografías que mostraron con crudeza la guerra de Crimea al público británico. Mathew Brady, Alexander Gardner y Timothy O'Sullivan documentaron la triste realidad de la guerra de Secesión. Después de la contienda, Gardner y O'Sullivan fotografiaron el Oeste de Estados Unidos junto con Carleton E. Watkins, Eadweard Muybridge, William Henry Jackson y Edward Sheriff Curtis. Las claras y detalladas fotos de estos artistas mostraron una imagen imborrable de la naturaleza salvaje.

México se convirtió en el punto de mira de fotógrafos franceses y estadounidenses, debido a las relaciones políticas y de proximidad con sus respectivos países, y al redescubrimiento de las civilizaciones azteca y maya. El francés Désiré Charnay realizó interesantes fotografías de las ruinas mayas en 1857, además de dejar un detallado relato de sus descubrimientos arqueológicos y experiencias.

El trabajo de los fotógrafos británicos del siglo XIX encierra vistas de otros lugares y de tierras exóticas. Cubrieron distancias increíbles cargados con el pesado equipo del momento para captar escenas y personas. En 1860, Francis Bedford fotografió el Oriente Próximo. Su compatriota Samuel Bourne tomó unas 900 fotos del Himalaya en tres viajes realizados entre 1863 y 1866, y en 1860 Francis Frith trabajó en Egipto. Las fotos de este último sobre lugares y monumentos, muchos de los cuales están hoy destruidos o dispersos, constituyen un testimonio útil todavía para los arqueólogos.

Las fotos estereoscópicas que obtuvieron estos fotógrafos viajeros, con cámaras de doble objetivo, supusieron una forma popular de entretenimiento casero en el siglo XIX, cuando colocadas sobre un soporte especial podían verse en tres dimensiones.

Con la creación de la plancha negativa seca por Charles Bennett en 1878, el trabajo de los fotógrafos viajeros fue mucho menos arduo. En lugar de tener que revelar la plancha en el momento, aún húmeda, el fotógrafo podía guardarla y revelarla más tarde en cualquier otro lugar.

En años recientes se ha reanudado el interés por estas fotografías y han sido el tema de varias exposiciones y libros.

Documentación social

En lugar de captar la vida en otras partes del mundo, algunos fotógrafos del siglo XIX se limitaron a documentar las condiciones de su propio entorno. De esta manera, el fotógrafo británico John Thomson plasmó la vida cotidiana de la clase trabajadora londinense alrededor de 1870 en un volumen de fotos titulado Vida en las calles de Londres (1877). El reportero estadounidense de origen danés Jacob August Riis realizó de 1887 a 1892 una serie de fotografías de los barrios bajos de Nueva York recogidas en dos volúmenes fotográficos: Cómo vive la otra mitad (1890) e Hijos de la pobreza (1892). Entre 1905 y 1910 Lewis Wickes Hine, sociólogo estadounidense responsable de las leyes laborales para niños, captó también en sus fotos a los oprimidos de Estados Unidos: trabajadores de las industrias siderometalúrgicas, mineros, inmigrantes europeos y, en especial, trabajadores infantiles. En Brasil, Marc Ferrez plasmó en sus fotografías la vida rural y las pequeñas

comunidades indias. En Perú, el fotógrafo Martín Chambi recoge en su obra un retrato de la sociedad de su país y en especial de los pueblos indígenas.

Las fotos del francés Eugène Atget se sitúan a medio camino entre el documento social y la fotografía artística, ya que su excelente composición y expresión de la visión personal van más allá del mero testimonio. Atget, quizás uno de los más prolíficos documentalistas de esta época, obtuvo entre 1898 y 1927 una enorme cantidad de escenas poéticas de la vida cotidiana de su querido París y sus alrededores. El cuidado y la publicación de su obra se deben a los esfuerzos de otra hábil documentalista de la vida urbana, Berenice Abbott.

Durante la Gran Depresión, la Farm Security Administration contrató a un grupo de fotógrafos para documentar aquellas zonas del país más duramente castigadas por la catástrofe. Los fotógrafos Walker Evans, Russell Lee, Dorothea Lange, Ben Shahn y Arthur Rothstein, entre otros, proporcionaron testimonios gráficos sobre las condiciones de las zonas rurales afectadas por la pobreza en Estados Unidos. El resultado fue una serie de fotografías de trabajadores emigrantes, aparceros, y de sus casas, colegios, iglesias y pertenencias. Fue tan convincente como evidencia que como arte. La contribución de Evans, junto con el texto del escritor James Agee, fueron publicados separadamente bajo el título Elogiemos ahora a hombres famosos (1941), considerado como un clásico en su campo.

Periodismo gráfico

El periodismo gráfico difiere de cualquier otra tarea fotográfica documental en que su propósito es contar una historia concreta en términos visuales. Los periodistas gráficos trabajan para periódicos, revistas, agencias de noticias y otras publicaciones que cubren sucesos en zonas que abarcan desde los deportes, las artes y la política. Uno de los primeros fue el periodista o reportero gráfico francés Henri Cartier-Bresson, quien desde 1930 se dedicó a documentar lo que él llamaba el "instante decisivo". Sostenía que la dinámica de cualquier situación dada alcanza en algún momento su punto álgido, instante que se corresponde con la imagen más significativa. Cartier-Bresson, maestro en esta técnica, poseía la sensibilidad para apretar el disparador en el momento oportuno. Los avances tecnológicos de la década de los treinta, en concreto las mejoras en las cámaras pequeñas como la Leica, así como en la sensibilidad de la película, facilitaron aquella técnica instantánea. Muchas de las imágenes de Cartier- Bresson tienen tanta fuerza en su concepción como en lo que transmiten y son consideradas a la vez trabajo artístico, documental y periodismo gráfico.

Brassaï, otro periodista gráfico francés nacido en Hungría, se dedicó con ahínco a captar los efímeros momentos expresivos, que en su caso mostraban el lado más provocativo de la noche parisina. Sus fotos se recopilaron y publicaron en París de noche (1933).

El corresponsal de guerra estadounidense Robert Capa comenzó su carrera con fotografías de la Guerra Civil española; al igual que Cartier-Bresson, plasmó tanto escenas bélicas como la situación de la población civil. Su fotografía de un miliciano herido dio la vuelta al mundo como testimonio del horror de la guerra. Capa también cubrió el desembarco de las tropas estadounidenses en Europa el día D durante la II Guerra Mundial y la guerra de Indochina, donde halló la muerte en 1954. Otra fotógrafa, la italiana Tina Modotti, también estuvo en España durante la Guerra Civil como miembro del Socorro Rojo. Asimismo, el español Agustín Centelles realizó una importante labor documental durante la guerra, tomando fotografías tanto del frente como de la retaguardia, entre ellas las de los bombardeos de la población civil. En México, Agustín Víctor Casasola recogió en su obra conmovedoras imágenes de la Revolución Mexicana y de Pancho Villa. Más recientemente, el fotógrafo británico Donald Mc Cullin ha realizado unos trabajos en los que recoge imágenes de los efectos devastadores de la guerra, que se recopilaron en dos volúmenes bajo los títulos La destrucción de los negocios (1971) y ¿Hay alguien que se dé cuenta? (1973).

La destrucción de los negocios (1971) y ¿Hay alguien que se dé cuenta? (1973). fotografías de

fotografías de Martín Chambi

La destrucción de los negocios (1971) y ¿Hay alguien que se dé cuenta? (1973). fotografías de
Esta es la fotografía más famosa de Robert Capa , en la cual podemos observar

Esta es la fotografía más famosa de Robert Capa, en la cual podemos observar como el soldado Federico Borrell es abatido el día 5 de septiembre de 1936 durante la guerra civil española, esta foto rompió todos los esquemas en fotografía de guerra, ya que nunca se había visto nada parecido. Esta fotografía expresa la frontera entre la vida y la muerte.

A finales de la década de 1930 aparecieron en Estados Unidos las revistas Life y Look y en Gran Bretaña Picture Post. Estas publicaciones contenían trabajos fotográficos y textos relacionados con ellos. Este modo de presentación, sin duda muy popular, se asoció sobre todo a los grandes fotógrafos de Life Margaret Bourke-White y W. Eugene Smith. Estas revistas continuaron proporcionando una gran cobertura gráfica de la II Guerra Mundial y de la de Corea con fotos tomadas por Bourke-White, Capa, Smith, David Douglas Duncan y varios otros reporteros gráficos estadounidenses. Más tarde se utilizó la fotografía para reflejar cambios sociales. Smith documentó, como ya lo había hecho Riis con anterioridad, los devastadores efectos del envenenamiento por mercurio en Minamata, aldea pesquera japonesa contaminada por una fuga de este mineral en una industria local. También han realizado extraordinarios trabajos los fotógrafos Ernest Cole, quien con Casa de esclavitud (1967) exploró las miserias del sistema del apartheid de Suráfrica, y el checo Josef Koudelka, conocido por sus espléndidas fotografías narrativas sobre los gitanos del este de Europa.

Fotografía comercial y publicitaria

La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de esta clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con frecuencia un gran contenido erótico.

Fotografía artística

Los trabajos pioneros de Daguerre y de Talbot condujeron a dos tipos distintos de fotografía. El daguerrotipo positivo, apreciado por su claridad y detalle, fue utilizado en especial para retratos de familia

como sustituto del mucho más caro retrato pintado. Más tarde, el daguerrotipo fue suplantado en popularidad por la carte de visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otro lado, el procedimiento del calotipo de Talbot era menos preciso en los detalles, aunque tenía la ventaja de que producía un negativo del que se podían obtener el número de copias deseadas. A pesar de que el calotipo se asoció inicialmente a la fotografía paisajista, desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue utilizada por el pintor escocés David Octavius Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.

La fotografía como forma de arte alternativa

Desde la década de 1860 hasta la de 1890, la fotografía fue concebida como una alternativa al dibujo y a la pintura. Las primeras normas de crítica aplicadas a ella fueron, por tanto, aquellas que se empleaban para juzgar el arte, y se aceptó la idea de que la cámara podía ser utilizada por artistas, ya que ésta podía captar los detalles con mayor rapidez y fidelidad que el ojo y la mano. En otras palabras, la fotografía se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill y Adamson. De hecho, alrededor de 1870 se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio, para después retocar y matizar las fotos con el fin de que pareciesen pinturas.

Durante la segunda mitad del siglo XIX el fotógrafo sueco Oscar Gustave Rejlander y el británico Henry Peach Robinson descubrieron el método de crear una copia a partir de varios negativos diferentes. Robinson, que comenzó su carrera como artista, basó sus imágenes descriptivas en apuntes iniciales a lápiz. Su influencia como fotógrafo artístico fue muy grande. Por ejemplo, algunos de los trabajos de su compatriota Julia Margaret Cameron estaban compuestos y representaban escenas semejantes a obras pictóricas de la época.

La fotografía en sí misma

Los estudios retratistas de Cameron plasmaban a sus amigos, miembros de los círculos científicos y literarios británicos. Consistían en primeros planos con iluminación intensa, para revelar toda la fuerza del carácter de los personajes. Otro ejemplo de ese tipo de fotografía es el trabajo del caricaturista francés Gaspard Félix Tournachon, que se convirtió en fotógrafo bajo el nombre profesional de Nadar. Sus cartes de visite (fotos montadas del tamaño de tarjetas de visita) son una serie de retratos simples y mordaces de la intelectualidad parisina. Muestran el poder de observación de Nadar cuando disparaba su cámara con luz difusa contra fondos lisos para realzar los detalles.

El trabajo del fotógrafo británico Eadweard Muybridge es un ejemplo de la influencia del arte en la fotografía. Sus series de personas y animales en movimiento revelaron a artistas y científicos detalles fisiológicos jamás observados. El pintor estadounidense Thomas Eakins también experimentó con este tipo de fotografía, aunque la utilizó principalmente para la pintura de figuras.

El fotógrafo aficionado británico Peter Henry Emerson cuestionó el uso de la fotografía como sustituto de las artes visuales, incitando a otros colegas hacia la naturaleza como fuente de inspiración y limitando las manipulaciones de los propios procesos fotográficos. Su libro Fotografía naturalista para estudiantes de arte (1899) se basaba en su creencia de que la fotografía es un arte en sí mismo e independiente de la pintura. Modificó después esta declaración y defendió que la mera reproducción de la naturaleza no es un arte. Otros escritos de Emerson, que diferenciaban la fotografía artística de la que se hace sin propósitos estéticos, terminaron de definir después el aspecto artístico de la fotografía.

Photo-Secession

Emerson, como jurado de un concurso fotográfico para aficionados en 1887, concedió un premio a Alfred Stieglitz, fotógrafo estadounidense que estudiaba entonces en el extranjero y cuyo trabajo adoptaba los puntos de vista de Emerson. En 1890, Stieglitz regresó a Estados Unidos y realizó una serie de sencillas fotografías sobre Nueva York en diferentes épocas del año y condiciones atmosféricas.

En 1902 fundó el movimiento Photo-Secession, que adoptaría la fotografía como una forma de arte independiente. Algunos de los miembros de este grupo fueron Gertrude Käsebier, Edward Steichen y Clarence H. White, entre otros. Camera Work fue la revista oficial del grupo. En sus últimos números publicó algunos trabajos que representaban la ruptura con los temas tradicionales y el reconocimiento del valor estético de los objetos cotidianos. Después de que los miembros se disgregaran, Stieglitz continuó apadrinando nuevos talentos mediante exposiciones en la Galería 291 de su propiedad, en el 291 de la Quinta Avenida de Nueva York. Entre los fotógrafos estadounidenses que exhibieron sus trabajos en ella se encuentran Paul Strand, Edward Weston, Ansel Easton Adams e Imogen Cunningham.

Fotografía manipulada

La fotografía, no obstante, no se ha liberado por completo de la influencia de la pintura. Durante los años veinte, en Europa, las ideas inconformistas del movimiento Dadá encontraron su expresión en las obras del húngaro László Moholy-Nagy y del estadounidense Man Ray, que empleaban la técnica de la manipulación. Para lograr sus fotogramas o rayografías, trabajaban de forma totalmente espontánea, tomaban imágenes abstractas disponiendo los objetos sobre superficies sensibles a la luz. También experimentaron con fotografías solarizadas, método que consiste en reexponer una foto a la luz durante el proceso de revelado, que da como resultado un cambio total o parcial de los tonos blancos y negros, exagera las siluetas o contornos. En España destaca el ejemplo del vasco Nicolás de Lekuona. En su obra se refleja la influencia de las vanguardias artísticas del momento, a través de numerosos fotomontajes y encuadres basculados o en picado. Así como la fotografía había liberado a la pintura de su papel tradicional, los nuevos principios adoptados de la pintura surrealista, el Dadá y el collage permitieron a la fotografía artística utilizar técnicas manipuladas.

Fotografía directa

Al mismo tiempo, no obstante, existía un grupo de fotógrafos estadounidenses que, siguiendo las teorías de Stieglitz, continuaron con la fotografía directa, es decir, no manipulada. En los años treinta varios fotógrafos californianos crearon un grupo informal al que llamaron f/64 (f/64 es la abertura del diafragma que proporciona una gran profundidad de campo). Los miembros de f/64, Weston, Adams y Cunningham, entre otros, compartían la opinión de que los fotógrafos debían explotar las propias e inherentes características de la cámara para conseguir una imagen que captara los detalles lejanos con una nitidez igual a la de los objetos cercanos. Estos artistas tomaron imágenes directas de formas naturales, personas y paisajes.

Últimas tendencias

Desde 1950, han ido apareciendo diversas tendencias a medida que la distinción entre la fotografía documental y la artística se hacía menos clara. Algunos fotógrafos se inclinaron hacia la fotografía introspectiva mientras que otros lo hicieron hacia el paisajismo o el documento social.

Existe una tercera tendencia, que se ha desarrollado a partir de los primeros años de la década de 1960, hacia una fotografía manipulada cada vez más impersonal y abstracta. Para ello se han resucitado muchos de los sistemas de impresión empleados en los primeros años de la fotografía. Por oposición, los pintores neorrealistas han incluido fotos reales en muchos de sus cuadros.

El trabajo de los fotógrafos en color está empezando a vencer los prejuicios críticos anteriores contra el empleo del color en la fotografía artística.

Reconocimiento de la fotografía como una forma del arte

En la actualidad, la fotografía se ha afirmado como medio artístico. Se venden fotografías originales a los coleccionistas a través de galerías, y obras (así como elementos de equipos fotográficos) de interés histórico aparecen con regularidad en las subastas. Cada año se publica un gran número de ensayos críticos de fotografía y de historia de su evolución, así como obras que reproducen los trabajos de los artistas más destacados. Revistas dedicadas a esta manifestación artística (diferentes de las que contienen instrucciones de manejo para profesionales y aficionados) contienen estudios sobre la estética de la fotografía. Los más importantes museos de todo el mundo poseen magníficas colecciones fotográficas, aunque hay otros más especializados, como el International Museum of Photography de Rochester (Nueva York), el International Center of Photography de Nueva York, el Museum of Photographic Arts de San Diego (California), el Centro Pompidou de París, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y diversos museos de Suiza y Alemania.

http://www.foto3.es/web/historia/historia.htm

Edward Sheriff Curtis (1858 - 1952) fue

un fotógrafo estadounidense. Durante su juventud se dedicó a realizar retratos y paisajes y llegó a ser propietario de un estudio fotográfico en Seattle.

En 1899 participa como fotógrafo en una expedición a Alaska y en 1900 viaja a Montana para fotografiar la danza del sol en la Reserva de Piegan. Luego de haber vendido una colección premiada a la familia del financista J. P. Morgan, éste corre con el financiamiento de su gran proyecto: Documentar pictóricamente la vida de El indio norteamericano, colección de la que produjo 20 volúmenes y que fue vendida por suscripción. El primer volumen se publica en 1907 y el último en 1930. Curtis trabajó más de 30 años en su intento de por lo menos documentar la vida, costumbres, mitos, hábitos, religión, lengua y más, de decenas de tribus americanas. Su respeto por las mismas, fue una de las razones por la que lentamente fue ganando la confianza de los "indios". Paulatinamente fue siendo aceptado como uno más. Esto llega al extremo de haberle permitido participar en rituales secretos.Rituales como uno en que luego de 17 días de ayuno, se danza al son de los tambores, con el cuerpo pintado, tapado solo con un taparrabos y sosteniendo una serpiente cascabel viva mordida con su boca !. Se dice que los indios americanos consideraron a Curtis como uno de los pocos, quizá el único blanco a quien permitieron, los chamanes, conocer "El Gran Misterio" el Manitu.

uno de los pocos, quizá el único blanco a quien permitieron, los chamanes, conocer "El Gran
uno de los pocos, quizá el único blanco a quien permitieron, los chamanes, conocer "El Gran
uno de los pocos, quizá el único blanco a quien permitieron, los chamanes, conocer "El Gran
Makah maiden Tobadzishini-Navaho

Makah maiden

Makah maiden Tobadzishini-Navaho

Tobadzishini-Navaho

Makah maiden Tobadzishini-Navaho
Family group - Noatak 1930
Family group - Noatak 1930

Family group - Noatak

1930

Man Ray

Nace en Filadelfia el 27 de agosto de 1890. Sus biógrafos le presentan como un pintor frustrado y un fotógrafo accidental. A medio camino entre pintura y fotografía, fue un artista polifacético muy productivo que trabajó hasta su muerte en las diversas técnicas. Precursor del dadaísmo y el surrealismo que experimentó con la fotografía y llegó a dominar una técnica de laboratorio que se

llama solarización (a saber: efecto se obtiene sobre el negativo reexpuesto a la luz blanca durante el revelado y que también es conocida esta técnica, en la actualidad, como Efecto Sabattier). Esta foto que muestro arriba es una solarización así como esta de la derecha también lo es. Su descubrimiento, al menos con posibilidades creativas, se atribuye al Man Ray. En su etapa experimental este fotógrafo trabajó con diferentes técnicas vanguardista. Una de sus mayores obsesiones era cómo acabar con el obstáculo que representan los mismos objetos y obras de arte que pueblan el mundo. La solución que Man Ray encontró fue reducir toda forma de arte a un monocromo bidimensional. Experimentando con los negativos, la luz y los objetos acabarían convirtiéndose en un aventurero de la fotografía, un artista de la experimentación y del ensayo- error. Así aparte de la solarización destacó en otras técnicas:

- RAYOGRAMAS: Consiste en poner objetos tridimensionales en el papel fotográfico, y luego se

exponen reiteradamente a una luz móvil. Se obtienen grabados con relieve. Esta técnica es más bien

conocida como fotograma en la actualidad y reservamos el nombre Rayograma para una técnica similar donde se proyectan manchas a un material fotográfico.

- GRANULACIÓN: Destacar la composición granular del material fotográfico (sales de plata),

exagerándola. Lo que da la sensación de textura a la imagen.

- DISTORSIÓN: Modificación de la realidad gracias al quiebre del paralelismo entre el plano focal

y el plano del material fotográfico. En 1914 adopta el seudónimo que le acompaña durante toda su vida artística y por el que hoy le conocemos y se casa con Adon Lecroix, su primera mujer. Este artista ha sido considerado como una figura clave para las vanguardias y en particular para el mundo fotográfico, no sólo por sus aportaciones y por la innovadora configuración que alcanzó la estética de su trabajo, sino, además, por haber ubicado el género fotográfico a la misma altura de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.

de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.
de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.
de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.
de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.
de cualquier otra manifestación artística relacionándolo con los movimientos dadaistas y surrealistas de los años 20.

R o bert Capa

(Ernö Friedmann), nació en la ciudad de Budapest, en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas. En Hungría, en esos tiempos, era costumbre pertenecer a un círculo, ya fuera artístico o político, y Endré, que no fue una excepción, entró a dichos círculos, donde era tradición poner sobrenombres. Así fue como recibió el apodo de Bandi.Condenado en su adolescencia a vivir

el apodo de Bandi.Condenado en su adolescencia a vivir perdieran el local a raíz de la
el apodo de Bandi.Condenado en su adolescencia a vivir perdieran el local a raíz de la

perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, y se puede decir que, si no hubiera sido por ella no habría llegado a ser un gran fotógrafo. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.

Gerda Taro, una muestra que reivindica el destacado papel que esta fotógrafa ha tenido en la historia de la fotografía de guerra así como la influencia que ejerció sobre el trabajo de su compañero, Robert Capa.

historia de la fotografía de guerra así como la influencia que ejerció sobre el trabajo de
Madrid, noviembre 1936

Madrid, noviembre 1936

Madrid, noviembre 1936

Gerda Taro o Gerta Pohorylle nació en Stuttgart, Alemania el 1ero de Agosto de 1910 y muere en Madrid, España el 26 de julio de 1937. Gerda era hija de judíos polacos y de orígenes burgueses. Desde joven, fue revolucionaria y formaba parte de movimientos socialistas y obreros. Con la llegada de los Nazis al poder, Gerda decide escapar a Paris, Francia. Aquí conoce a Andre Friedman, un judío húngaro, y quien le enseño sobre fotografiar y fue su pareja hasta el final.

Gerda Taro

sobre fotografiar y fue su pareja hasta el final. Gerda Taro Al tener poco trabajo, Andre

Al tener poco trabajo, Andre y Gerda inventan un personaje, un famoso fotógrafo proveniente de Estados Unidos llamado Robert Capa. Como es tan famoso, vende sus fotos a través de sus representantes: Friedman y Pohorylle, al triple del precio que un fotógrafo francés. En 1936 ambos marchan a España a cubrir La Guerra Civil Española, realizaban reportajes gráficos que se publicaban en revistas como Vu y Regards.

a cubrir La Guerra Civil Española, realizaban reportajes gráficos que se publicaban en revistas como Vu

Este reportaje es el último que envió la fotógrafa Gerda Taro a la revista ilustrada "Regards". Las fotografías corresponden a la toma de la villa de Brunete por las tropas republicanas españolas en Julio de 1937, en el transcurso de la Guerra Civil española. Este fue su último reportaje, porque Gerda Taro murió como consecuencia del aplastamiento que la mitad inferior de su cuerpo sufrió en la batalla de Brunete en julio de 1937, cuando se hallaba en el estribo del coche del general Walter, que fue arrastrado por un tanque republicano. Gerda falleció al día siguiente en el hospital de El Escorial. Estaba a punto de cumplir veintisiete años. El periódico francés "Ce Soir", para el que trabajaba, daba así la noticia:

"Ce Soir, 28 juillet 1937. Notre reporter photographe Mlle. Taro a été tuée près de Brunete où elle avait assisté à la bataille. Un tank républicain tampona la voiture sur le marchepied de laquelle elle était montée pour quitter le village tombé aux mains des insurgés."

Una reseña norteamericana de 1938, reflejaba la muerte de Gerda

Taro, a quien consideraba la primera reportera gráfica muerta en

una acción de guerra

primera reportera gráfica muerta en una acción de guerra A bordo del Jaime I, Almería 1937
primera reportera gráfica muerta en una acción de guerra A bordo del Jaime I, Almería 1937
primera reportera gráfica muerta en una acción de guerra A bordo del Jaime I, Almería 1937

A bordo del Jaime I, Almería 1937

en una acción de guerra A bordo del Jaime I, Almería 1937 Un muchacho con el

Un muchacho con el uniforme de la Federación Anarquista Ibérica, una de las fotografías clásicas de Gerda Taro en sus reportajes de la Guerra Civil Española.

Anarquista Ibérica, una de las fotografías clásicas de Gerda Taro en sus reportajes de la Guerra

Martín Chambi

Nace en una aldea del Departamento de Puno, Perú, en 1891. Siendo muy joven se convierte en ayudante del fotógrafo de la empresa minera Santo Domingo

en la que trabaja su padre. De esta manera tiene su primer contacto con la fotografía.

A partir de 1908 y durante nueve años es

aprendiz en el estudio de Max T. Vargas en Arequipa.

En 1917 se independiza, estableciendo su primer estudio en Sicuani. En 1920 se traslada definitivamente a Cuzco donde desarrolla todo su trabajo posterior.

A lo largo de su vida, Chambi realiza al menos

diez exposiciones de cierta magnitud y varias otras menores. Colabora habitualmente en publicaciones periódicas. Por su casa pasan todos los intelectuales, pintores, poetas y periodistas que se asoman por Cuzco. Su actividad como fotógrafo va decreciendo en

la década de los cincuenta. Muere en Cuzco en

1973

por Cuzco. Su actividad como fotógrafo va decreciendo en la década de los cincuenta. Muere en
por Cuzco. Su actividad como fotógrafo va decreciendo en la década de los cincuenta. Muere en

Cargador

por Cuzco. Su actividad como fotógrafo va decreciendo en la década de los cincuenta. Muere en
“La Boda”

“La Boda”

“La Boda”
“La Boda”
CUSCO PERU

CUSCO PERU

CUSCO PERU

Dorothea Lange (25 de mayo de

1895, Hoboken, EE. UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE. UU.) Fue una influyente fotoperiodista documental mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. "People living in miserable poverty. Elm Grove, O k
las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. "People living in miserable poverty. Elm Grove, O k

"People living in miserable poverty. Elm Grove, Oklahoma County, Oklahoma." August 1936.

O k l a h o m a C o u n t y , O

"Damaged Child," Shacktown: Elm Grove, Oklahoma.

"Damaged Child," Shacktown: Elm Grove, Oklahoma . Mississippi Delta Girl (cropped image).
"Damaged Child," Shacktown: Elm Grove, Oklahoma . Mississippi Delta Girl (cropped image).
"Damaged Child," Shacktown: Elm Grove, Oklahoma . Mississippi Delta Girl (cropped image).

Mississippi Delta Girl (cropped image).

Mississippi Delta Children

Mississippi Delta Children
Mississippi Delta Children
Mississippi Delta Children
Next time try the train. California, 1932.

Next time try the train. California, 1932.

Next time try the train. California, 1932.
Next time try the train. California, 1932.
Next time try the train. California, 1932.

Berenice Abbott Nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio. Como otros grandes fotógrafos, no pensó nunca dedicarse a la fotografía. Su motivo de estudios fueron inicialmente la escultura y el dibujo, para lo que se desplazó a Berlín y Paris en 1920. Trabajó como asistente de laboratorio del fotógrafo surrealista Man Ray, que ejerció gran influencia sobre ella. En su primera etapa se dedicó al retrato de personalidades célebres, llegando a realizar exposiciones individuales en galerías de renombre en Paris, cuestión importante teniendo en cuenta su condición de mujer. De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, que le transmitió sus formas de hacer en fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte de Atget en 1927. Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York", que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración. Entre los años cuarenta y sesenta se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos. Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajos denominados "Ciencia" y "Escenas Americanas". En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1.991.

a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9
a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9
a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9
Bereneci Abbott, fotógrafa documentalista Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos
Bereneci Abbott, fotógrafa documentalista Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos
Bereneci Abbott, fotógrafa documentalista Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos

Bereneci Abbott, fotógrafa documentalista

Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos denominado "Ciencia" y "Escenas Americanas". El último trabajo de fotografía que realizó Abbott, fue sobre una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se establecería) hasta Florida.

fue sobre una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se establecería) hasta Florida. Imagen

Imagen de Manhattan 1936.

André Kertész (Budapest, Hungría, 2 de julio de 1894 - Nueva York, Estados Unidos, 28 de septiembre de 1985) fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.

A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial. En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes del movimiento dadaísta. Además, allí su trabajo fue exitoso crítica y comercialmente. Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil y tuvo que reconstruir su reputación a través de comisiones. También tuvo altercados con varios editores, ya que no creía que ellos reconocieran su trabajo. Durante los años 1940 y los años 1950, Kertész dejó de trabajar para revistas y ganó éxito internacional. A pesar de los numerosos premios que obtuvo durante los años, Kertész consideraba que el público y la crítica no valoraban sus obras, un sentimiento que perduró hasta su muerte. Su carrera se divide generalmente en cuatro periodos llamados el periodo húngaro, el periodo francés, el periodo estadounidense y el periodo internacional.

periodo húngaro, el periodo francés, el periodo estadounidense y el periodo internacional. Sixth Avenue. Kertesz, 1959.

Sixth Avenue. Kertesz, 1959.

Circus, Budapest, 1920 Andre Kertesz (Wandering Violinist, Abony, Hungary 1921 )
Circus, Budapest, 1920 Andre Kertesz (Wandering Violinist, Abony, Hungary 1921 )
Circus, Budapest, 1920 Andre Kertesz (Wandering Violinist, Abony, Hungary 1921 )

Circus, Budapest, 1920

Andre Kertesz (Wandering Violinist, Abony, Hungary 1921)

Circus, Budapest, 1920 Andre Kertesz (Wandering Violinist, Abony, Hungary 1921 )
Melancholic Tulip Andre Kertesz (Meudon, Paris 1928) Andre Kertesz (Feeding the Ducks in the Late

Melancholic Tulip

Melancholic Tulip Andre Kertesz (Meudon, Paris 1928) Andre Kertesz (Feeding the Ducks in the Late Afternoon

Andre Kertesz (Meudon, Paris 1928)

Andre Kertesz (Feeding the Ducks in the Late Afternoon Tisza Szalka 1924)

Tulip Andre Kertesz (Meudon, Paris 1928) Andre Kertesz (Feeding the Ducks in the Late Afternoon Tisza

Brassaï es el pseudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fotógrafo húngaro conocido por su trabajo desarrollado en París, ciudad donde desarrolló su carrera.

Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Academia de Bellas Artes de Berlín-Charlottenburg.

En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.

Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert. Brassai, fotógrafo de
Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert. Brassai, fotógrafo de

Brassai, fotógrafo de noche

Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert. Brassai, fotógrafo de
La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza;
La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza;
La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza;
La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza;

La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día,

son dominadas por la razón

(Brassaï)

por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por
Brassai and Barbara Probst The Parade of Art Students and Models 1930 Couple at the

Brassai and Barbara Probst

The Parade of Art Students and Models 1930

Brassai and Barbara Probst The Parade of Art Students and Models 1930 Couple at the Four
Brassai and Barbara Probst The Parade of Art Students and Models 1930 Couple at the Four

Couple at the Four Seasons Dance Ball 1932

Brassai and Barbara Probst The Parade of Art Students and Models 1930 Couple at the Four
Brassai and Barbara Probst The Parade of Art Students and Models 1930 Couple at the Four

Arthur Fellig

Arthur Fellig Weegee es el seudónimo de Arthur Fellig (12 de junio de 1899 – 26

Weegee es el seudónimo de Arthur Fellig (12 de junio de 1899 – 26 de diciembre de 1968), un fotógrafo y reportero gráfico estadounidense conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro.

Weegee nació en la localidad de Zolochiv, hoy perteneciente a Ucrania. Al nacer le pusieron el nombre de Usher Fellig. Sin embargo, se le cambió el nombre a Arthur cuando emigró a Nueva York con su familia en 1909.

Fellig debe su alias Weegee a una interpretación fonética de la palabra ouija, debido a sus frecuentes llegadas a escena sólo minutos después de que se le hubiese avisado a las autoridades acerca de un crimen, un incendio u otra emergencia. Existen diferentes teorías sobre quién le asignó dicho seudónimo al fotógrafo. Hay quien cree que fue el propio Weegee quien se autonombró así, mientras que otras teorías creen que el seudónimo se lo dieron las chicas de la agencia Acme Newspictures o un agente de policía.

Weegee está considerado un fotógrafo de noticias indiscreto especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Las fotografías de Weegee mostrando escenas de crímenes, víctimas de accidentes de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas siguen resultando estremecedoras. Sin embargo, como yuxtaposición, Weegee también fotografió a las damas de la alta sociedad neoyorquina vestidas con sus armiños y diademas. En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.

La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo.

fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo. Norma Devine is Sammy's Mae West,

Norma Devine is Sammy's Mae West, December 4, 1944

Murder in Hell's Kitchen Weegee often changed captions when an image was used in a

Murder in Hell's Kitchen

Weegee often changed captions when an image was used in a new publication, in a technique that can only be termed "recaptioning."

captions when an image was used in a new publication, in a technique that can only
New Year's Eve at Sammy's-on -the-Bowery, 1943. Sonata in G-Strings , c. 1950

New Year's Eve at Sammy's-on -the-Bowery, 1943.

New Year's Eve at Sammy's-on -the-Bowery, 1943. Sonata in G-Strings , c. 1950

Sonata in G-Strings, c. 1950

New Year's Eve at Sammy's-on -the-Bowery, 1943. Sonata in G-Strings , c. 1950
Transvestite in a police van, 1941. The gay deceiver 1939 Sammy's was the scene of
Transvestite in a police van, 1941. The gay deceiver 1939 Sammy's was the scene of

Transvestite in a police van, 1941.

The gay deceiver 1939

Transvestite in a police van, 1941. The gay deceiver 1939 Sammy's was the scene of many

Sammy's was the scene of many of Weegee's most lighthearted and humanistic photographs, a great contrast to what was taking place on the street or curb or just outside the front door. The "poor man's Stork Club" became a refuge for Weegee, a safe haven allowing him to escape the blood and guts that his more salable photographs contained.

Henri Cartier-Bresson nació el 22 de Agosto de 1908 en Chanteloup, Seine-et-Marne, en el seno de una familia que pertenecía a la burguesía Francesa. Ya desde niño comienza a demostrar un gran interés y apreciación por el arte y la estética. Su familia lo apoya en todo momento cuando decide dedicarse a la pintura. Cartier-Bresson atribuye su encuentro con la pintura a su tío, o “padre mítico”. Aún recuerda su inicio en el mundo del arte cuando lo llevaron al estudio de su tío contando tan sólo con cinco años, donde comenzó a “impregnarse” de los lienzos. Más tarde cursa sus estudios secundarios en el Lycée Condorcet en París, donde no llega a graduarse. Paralelamente a su educación en el Liceo, estudia pintura de manera independiente con dos maestros diferentes.

Cartier Bresson, para muchos el padre del fotorreportaje.

Cartier Bresson, para muchos el padre del fotorreportaje. “Fotografiar requiere de sensibilidad del

“Fotografiar

requiere

de

sensibilidad

del

entorno, disciplina

intelectual,

 

curiosidad

por

la

vida

y

rigor

plástico”

del entorno, disciplina intelectual,   curiosidad por la vida y rigor plástico”
del entorno, disciplina intelectual,   curiosidad por la vida y rigor plástico”
Au Bord de la Marne. Es una foto fresca, reflejo de lo cotidiano y que
Au Bord de la Marne. Es una foto fresca, reflejo de lo cotidiano y que

Au Bord de la Marne.

Es una foto fresca, reflejo de lo cotidiano y que transmite mucha vida.

Au Bord de la Marne. Es una foto fresca, reflejo de lo cotidiano y que transmite
Joe Rosenthal (Washington, 9 de octubre de 1911 - 20 de agosto de 2006) fotógrafo

Joe Rosenthal (Washington, 9 de octubre de 1911 - 20 de agosto de 2006) fotógrafo norteamericano. Rosenthal inició sus trabajos en un periódico de San Francisco en 1930 y en 1932 comenzó en el San Francisco News como reportero y fotógrafo. Posteriormente trabajaría para diversos medios de comunicación y agencias de noticias. Sus más celebradas aportaciones serían con Associated Press durante la Segunda Guerra Mundial y en el San Francisco Chronicle, donde permaneció por 35 años.

Se hizo famoso por haber captado la imagen de un grupo de seis marines norteamericanos clavando la bandera de Estados Unidos en la cima del monte Suribachi, en la isla japonesa de Iwo Jima, durante la Segunda Guerra Mundial con una cámara Speed Graphic.

la Segunda Guerra Mundial con una cámara Speed Graphic . Joe Rosenthal ganó el premio Pulitzer

Joe Rosenthal ganó el premio Pulitzer con esta fotografía. En 1954, la imagen sirvió como modelo para el monumento de bronce dedicado a la Infantería de Marina, en el Condado de Arlington, Virginia, en las cercanías de Washington. La imagen ha sido utilizada innumerables veces en publicaciones, estampillas y afiches, por ser considerada la fotografía más famosa de aquella guerra.

La fotografía fue tomada el 23 de febrero de 1945, sólo cuatro días después, de que los infantes de la marina estadounidense desembarcaran en la pequeña isla del Pacífico.

En 1999, la foto ocupó el lugar 68 entre las mejores 100 fotografías periodísticas del siglo XX, según encuesta realizada por la Universidad de Nueva York.

Existieron rumores acerca de que la foto había sido posada o falseada, situación que Rosenthal desmintió siempre.

Con la foto, Rosenthal no ganó mucho dinero, sólo un bono de 4.200 dólares otorgado por la agencia de noticias Associated Press, para la cual trabajaba durante el conflicto, y un premio de 1.000 entregado por una publicación. Rosenthal dijo que se conformaba con haber salido vivo de la guerra.

y un premio de 1.000 entregado por una publicación. Rosenthal dijo que se conformaba con haber
y un premio de 1.000 entregado por una publicación. Rosenthal dijo que se conformaba con haber
y un premio de 1.000 entregado por una publicación. Rosenthal dijo que se conformaba con haber
Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los
Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan. En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.

descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema. Cactus, por Ansel Adams Trabajadores frente al Monte

Cactus, por Ansel Adams

que ofrecía el sistema. Cactus, por Ansel Adams Trabajadores frente al Monte Williamson “La fotografía es

Trabajadores frente al Monte Williamson

“La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético”.

fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético”. Montañas Tetons y el

Montañas Tetons y el río Snake (Serpiente)

Igleasia de Adams, Taos, Pueblo (1942) Still Life, San Francisco Hojas en primer plano -

Igleasia de Adams, Taos, Pueblo (1942)

Still Life,

San Francisco

de Adams, Taos, Pueblo (1942) Still Life, San Francisco Hojas en primer plano - En el

Hojas en primer plano -En el Parque Nacional Glacier (1942)

de Adams, Taos, Pueblo (1942) Still Life, San Francisco Hojas en primer plano - En el
de Adams, Taos, Pueblo (1942) Still Life, San Francisco Hojas en primer plano - En el

Bill Brandt

fotógrafo de desnudos Nació en 1904 en Hamburgo. Se interesa por la fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar valores como

la poesía, la justicia y el amor.

En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de Man Ray, para trasladarse dos

años después a Londres. Allí empieza su carrera como fotógrafo independiente. Durante este tiempo Brandt hace fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que

se apresura una crisis económica.

En 1944 adquiere una cámara de placa con un gran angular.

Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz que estimula la total y absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin ligarse a ninguna doctrina. Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro llegando a solidificar los negros proporcionando relieve a altas luces.

A la edad de 40 años, Brandt pasa desde un tipo de fotografía arquitectónica y social, al

retrato. En este momento es cuando tras su experimentación se inicia en la fotografía de desnudos y perspectivas deformadas Curiosas perspectivas las que utiliza este fotógrafo de influencias surrealistas, Bill Brandt que además de inmortalizar con su cámara escenas costumbristas o situaciones sociales, se caracterizó por su forma de fotografiar desnudos femeninos, para lo que se dedicó al estudio de sus formas jugando con las profundidades de campo, la perspectiva y el uso de grandes angulares a corta distancia. Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.

campo, la perspectiva y el uso de grandes angulares a corta distancia. Bill Brandt falleció el
campo, la perspectiva y el uso de grandes angulares a corta distancia. Bill Brandt falleció el
Brandt decía que “ el fotógrafo se distinguía del resto por su capacidad de mirar
Brandt decía que “ el fotógrafo se distinguía del resto por su capacidad de mirar

Brandt decía que “el fotógrafo se distinguía del resto por su capacidad de mirar con intensidad para poder descubrir en lo aparentemente normal un inusitado detalle que trascendiera de lo común y, de este modo, dárselo a conocer al resto” y finalmente su obra logra plasmar con una técnica exquisita la amplitud de esta belleza.

dárselo a conocer al resto ” y finalmente su obra logra plasmar con una técnica exquisita
Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el
Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el

Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez (Bill Brandt).

Desnudos, Campden Hill, London, 1949

facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez (Bill Brandt). Desnudos, Campden
Campden Hill, London, 1949
Campden Hill, London, 1949
Campden Hill, London, 1949

Campden Hill, London, 1949

Helmut Newton

Helmut Newton (1920-2004) fue uno de los fotógrafos más importantes que nos ha dejado el Siglo XX. Su trabajo tiene ese toque especial que lo hace fácilmente reconocible, impregnando en cada una de sus fotografías un sello original y distinto que permite diferenciarlo del de cualquier otro artista. Sus fotos están llenas de glamour, seducción, elegancia, fetichismo, decadencia, ironía y sobre todo, provocación.

“Obsesionado” por el desnudo femenino, y por los zapatos de tacón alto, marcó una época en la fotografía de moda, retratos y desnudos.

Nacido en el fragoroso y decadente Berlín de los años veinte, Newton pertenecía a una acomodada familia judía. Integrado desde muy joven en el ambiente artístico que precedió a la llegada del nazismo, Newton se movió con soltura en el mundo del lujo y también en los sórdidos barrios de prostitutas de Berlín. En su memoria quedó grabada la imponente figura de Rote Erna, famosa dominatrix de aquellos días, armada con un látigo y calzada con estrechas y altas botas de cuero. Desde entonces el mundo sadomasoquista, trufado de lujo, presidió su obra, que pronto levantaría polémica. Mujeres poderosas, hieráticas y frías, vestidas y desvestidas con elegancia, ambientes lujosos y decadentes, y situaciones peligrosas rozando a veces lo prohibido, que siguen estando muy vigentes hoy día.

El éxito le llegó en París, después de un fallido paso por Londres. Es en la capital francesa donde su obra alcanza toda su expresividad. Requerido incesantemente por las principales revistas de moda, el estilo Newton se convierte en un signo diferencial en los años 60, 70 y 80. Su nombre pasa de las revistas a los libros, y de los libros a los museos.

Raquel – Niza, 1993

en los años 60, 70 y 80. Su nombre pasa de las revistas a los libros,
en los años 60, 70 y 80. Su nombre pasa de las revistas a los libros,
Saddle En Estados Unidos, con una moral tan puritana, y por qué no decirlo, hipócrita,

Saddle

En Estados Unidos, con una moral tan puritana, y por qué no decirlo, hipócrita, Helmut Newton siempre fue un artista polémico e incomprendido, pero su singular visión no puede ser refutada. Es un gran mentor para los jóvenes fotógrafos europeos que están abiertos a su provocativo estilo. Sus retratos, al igual que el de otros osados compañeros de profesión, que han traspasado la frontera de lo políticamente correcto, no han sido vistos por mucha gente en los Estados Unidos. La relación con su esposa, la fotógrafa Alice Springs, fue una de las más complejas y fascinantes colaboraciones que se han observado en el mundo de la fotografía.

“Para mí es una alegría y satisfacción llegar a impresionar, excitar o interesar a la gente con las fotos que produzco. Mi trabajo como fotógrafo de retratos es para seducir, divertir y entretener”.

– Helmut Newton -

Kylie Bax y desconocida – 1996

Kylie Bax y desconocida – 1996 Sus imágenes de refinado sadomasoquismo, no sólo despertaron pasiones carnales,

Sus imágenes de refinado sadomasoquismo, no sólo despertaron pasiones carnales, sino también políticas e ideológicas. Desde las filas feministas se le calificó de “pornógrafo, sexista y fascista”. Newton, el gran voyeur de la cámara, el que fuera uno de los chicos malos de la fotografía, frente a aquellos que le tachaban de misógino, diría:

“Amo a las mujeres. Son totalmente superiores a los hombres. Siempre me ha fascinado la mujer como baluarte. El hombre casi siempre es un accesorio que la mayoría de las veces asume una posición servil. La mujer siempre es dominante en mis fotos”.

Dos pares de piernas con medias negras

veces asume una posición servil. La mujer siempre es dominante en mis fotos”. Dos pares de
They are coming -Paris Charlotte Rampling – Hotel Nord Pinus, Arles, 1973 La poetisa Tessa

They are coming -Paris

They are coming -Paris Charlotte Rampling – Hotel Nord Pinus, Arles, 1973 La poetisa Tessa –

Charlotte Rampling – Hotel Nord Pinus, Arles, 1973

La poetisa Tessa – París, 1975

– Hotel Nord Pinus, Arles, 1973 La poetisa Tessa – París, 1975 Grace Jones y Dolph
– Hotel Nord Pinus, Arles, 1973 La poetisa Tessa – París, 1975 Grace Jones y Dolph

Grace Jones y Dolph Lundgren – Los Angeles, 1985

Catherine Deneauve – París, 1976 Autorretrato con su esposa y mo delos – Estudio de

Catherine Deneauve – París, 1976

Autorretrato con su esposa y mo delos – Estudio de Vogue en París, 1981

Catherine Deneauve – París, 1976 Autorretrato con su esposa y mo delos – Estudio de Vogue

Veroushka – Niza, 1975

Veroushka – Niza, 1975 Gunilla Bergstrom – París, 1977 Jassara – Rue Aubriot, París

Gunilla Bergstrom – París, 1977

Veroushka – Niza, 1975 Gunilla Bergstrom – París, 1977 Jassara – Rue Aubriot, París

Jassara – Rue Aubriot, París

Veroushka – Niza, 1975 Gunilla Bergstrom – París, 1977 Jassara – Rue Aubriot, París

Leonard Simon Nimoy es un actor,

director, poeta, y fotógrafo estadounidense, conocido por su representación de Sr. Spock de Star Trek (serie conocida en Hispanoamérica como Viaje a las Estrellas).

Nacido un 26 de marzo de 1931 en Boston, Massachusetts (Estados Unidos), hijo de inmigrantes rusos, ha sido quizás el único de los actores del "Star Trek" original junto con William Shatner, que ha sido capaz de mantener una vida artística coherente y fructífera al margen de la enorme sombra de la serie -y para muchos, el más dotado de facultades-. Nimoy comenzó su carrera como niño actor en Boston. Estudió en la escuela teatral de Boston College. En 1951, ganó un papel pequeño en la película Queen for a Day. Esto condujo a otros papeles en el teatro y las películas.

Las tres gracias

pequeño en la película Queen for a Day . Esto condujo a otros papeles en el
pequeño en la película Queen for a Day . Esto condujo a otros papeles en el
pequeño en la película Queen for a Day . Esto condujo a otros papeles en el
pequeño en la película Queen for a Day . Esto condujo a otros papeles en el

Don McCullin

Don McCullin Nació en 1935 en St. Pancras, Londres Reino Unido, 1935, en el seno de

Nació en 1935 en St. Pancras, Londres Reino Unido, 1935,

en el seno de una familia pobre. Sus primeros trabajos reflejan temas como las bandas callejeras, los mendigos o las minorías étnicas. Es uno de los más grandes fotógrafos de guerra, a lo largo de los años 1960 y 1970 que cubre los acontecimientos de importancia mundial para el Sunday Times Magazine como la guerra de Vietnam. Su primer cuento publicado en 1958, la calle en cuestión su propia banda en el norte de Londres, posteriormente, imágenes en Gran Bretaña se han centrado en los desempleados y los indigentes. En el extranjero, ha cubierto los desastres ecológicos y las regiones asoladas por la guerra del mundo, la documentación de eventos normalmente oculto de la vista. Su trabajo resultó tan doloroso y memorable que en 1982 fue prohibido a cubrir la guerra de Malvinas por el gobierno británico de la época. McCullin dice de las publicaciones para las que tuvo su guerra fotografías le han pagado, pero su sentido del deber es a la gente que vio el sufrimiento, y lo hizo en su mano para mostrar su humanidad, aún en las circunstancias degradantes. Muchos periodistas y fotógrafos se vuelven adictos a la mayor conciencia de ser vivo que se sienten de trabajar en las guerras, pero la mayoría de crear una capa protectora de cinismo. Don McCullin tomó retratos de los africanos que viven con el VIH / SIDA. Ganador de premios como el Cornell Capa y la medalla del centenario de la Royal Photographic Society, Don McCullin ha abandonado las guerras y en la actualidad realiza un trabajo sobre los restos del imperio romano en el Mediterráneo o paisajes, lo que él llama "fotografías de paz".

o paisajes, lo que él llama "fotografías de paz". "Don McCullin. Una trayectoria heroica" Fotografía

"Don McCullin. Una trayectoria heroica"

de paz". "Don McCullin. Una trayectoria heroica" Fotografía de Vietnam "WOUNDED MARINE VIETNAM 1968"

Fotografía de Vietnam

"WOUNDED MARINE VIETNAM 1968"

Fotografía de Vietnam "WOUNDED MARINE VIETNAM 1968" Woman with cholera. West Dinajpur. Bangladesh 1971.

Woman with cholera. West Dinajpur. Bangladesh 1971.

Rostros con miradas perdidas. Gestos de tristeza y dolor. Personas que han perdido todo, hasta
Rostros con miradas perdidas. Gestos de tristeza y dolor. Personas que han perdido todo, hasta

Rostros con miradas perdidas. Gestos de tristeza y dolor. Personas que han perdido todo, hasta la esperanza. Así, esos retratos en blanco y negro son un fiel testimonio de lo que los conflictos dejan en la gente. Dolor. Así, con su cámara fotográfica como única arma, el fotógrafo británico.

fotográfica como única arma, el fotógrafo británico. Uno de los grandes cronistas de conflictos, el fotógrafo

Uno de los grandes cronistas de conflictos, el fotógrafo Don McCullin, acaba de regresar de la frontera del Chad con la región sudanesa de Darfur, donde fotografió lo que Penny Lawrence, director de Oxfam Internacional, ha calificado como "la mayor concentración de sufrimiento humano en el mundo".

Relaxing in Windsor Baths, Bradford, early 1970s. The photograph became part of a series of

Relaxing in Windsor Baths, Bradford, early 1970s. The photograph became part of a series of works collected in McCullin's 1979 book, Homecoming

A Mad Day Out in London with the Beatles (John Lennon with Parrot and Paul Mc Cartney)

1979 book, Homecoming A Mad Day Out in London with the Beatles (John Lennon with Parrot

Larry Fink nació en Nueva York en 1941, hijo de

profesionales judíos de clase media, activistas políticos progresistas que apoyaron —sobre todo Sylvia, su madre— las inquietudes artísticas que tuvo desde chico.

A pesar de ello el joven Larry abandonó la universidad donde

estaba estudiando arte y, en 1958, fiel al espíritu de la época,

se unió a un grupo de poetas, ladronzuelos y drogadictos que

vivían en un sótano en Greenwich Village. De ese entonces son

sus primeros trabajos conocidos que juguetean con un

pictorialismo bohemio y romántico, y que le dieron la fama de

"el Jack Kerouac de la fotografía".

Es considerado uno de los grandes fotógrafos sociales del siglo

XX desde que una famosa retrospectiva de su obra en el

Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) de 1979 lo colocara en el panteón de las estrellas. Pero un "fotógrafo social" no en el sentido de retratista indolente de los ricos y famosos, sino en el de un profesional que rompe con los "discursos" ideológicos tradicionales manteniendo un fuerte compromiso de izquierda.

Cabe entonces la pregunta: ¿Cómo es que no saca fotos a los homeless o los indocumentados en vez de dedicarse a recorrer

la noche más exclusiva? "Yo era uno de esos socialistas que

tenían la ilusión de que otro mundo se avecinaba, entonces sentía como mi deber hacer una crónica de aquel que iba a desaparecer", explica respecto a Black Tie, una de sus series más conocidas sobre los hombres de smoking en los bailes de beneficencia de los museos neoyorquinos.

Desde 1965, Fink enseña fotografía en la Universidad de Yale, Cooper Union, y recientemente en el Bard College de Nueva York.

Larry Fink, considerado uno de los grandes fotógrafos sociales del siglo XX

"Saxophonist Albert Ayler plays free jazz with his brother Donald"

los grandes fotógrafos sociales del siglo XX "Saxophonist Albert Ayler plays free jazz with his brother
"Square=image" (1956) Pero un "fotógrafo social" no en el sentido de retratista indolente de los

"Square=image" (1956) Pero un "fotógrafo social" no en el sentido de retratista indolente de los ricos y famosos, sino en el de un profesional que rompe con los "discursos" ideológicos tradicionales manteniendo un fuerte compromiso de izquierda.

"Pat Sabatine's Twelfth Birthday Party" (1981) Cabe entonces la pregunta: ¿Cómo es que no saca fotos a los homeless o los indocumentados en vez de dedicarse a recorrer la noche más exclusiva? "Yo era uno de esos socialistas que tenían la ilusión de que otro mundo se avecinaba, entonces sentía como mi deber hacer una crónica de aquel que iba a desaparecer", explica respecto a Black Tie, una de sus series más conocidas sobre los hombres de smoking en los bailes de beneficencia de los museos neoyorquinos.

sobre los hombres de smoking en los bailes de beneficencia de los museos neoyorquinos. "Club Cornich"

"Club Cornich" (1977)

sobre los hombres de smoking en los bailes de beneficencia de los museos neoyorquinos. "Club Cornich"

Robert Mapplethorpe

Este célebre fotógrafo nace el 4 de noviembre de 1946 –fallece el 9 de marzo de 1989, fue un norteamericano destacado en el campo de la fotografía en blanco y negro de gran formato, principalmente en flores y desnudos.

Estudió

Brooklyn en Nueva York. A mediados de la década de los 70`, comenzó a tomar diferentes fotografías a sus familiares

y amigos,

compositores, gente relacionada con el cine pornográfico.

Ya para la década de los 80` su fotografía evoluciona hacia

la belleza formal. tomando como eje central de las mismas

los desnudos tanto de hombres y mujeres, como de las

naturalezas muertas y los retratos de celebridades. Estos temas generaron gran polémica por su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados por los diferentes movimientos gay en su lucha contra la discriminación y el reconocimiento. Falleció en 1989 a causa del SIDA, y sus cenizas se encuentran en el

cementerio de Queens, cuya lápida dice “Maxey“, sin decir

su nombre.

cursos

superiores

ellos

en

el

Pratt

Institute

de

entre

numerosos

artistas,

actores,

“ Maxey “, sin decir su nombre. cursos superiores ellos en el Pratt Institute de entre
“ Maxey “, sin decir su nombre. cursos superiores ellos en el Pratt Institute de entre
Sus fotos generaron gran polémica por su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados
Sus fotos generaron gran polémica por su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados
Sus fotos generaron gran polémica por su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados

Sus fotos generaron gran polémica por su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados por los diferentes movimientos gay en su lucha contra la

su alto grado de exhibición, y posteriormente fueron empleados por los diferentes movimientos gay en su

Andrés Serrano

(Nueva York, 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.

Serrano, de raíces hondureñas y afro-cubanas fue educado como católico. Estudió desde 1967 a 1969 en el Brooklyn Museum and Art School, y vive y trabaja en Nueva York.

Su trabajo ha sido expuesto en lugares tan variados y prestigiosos como la Catedral de Saint John de Nueva York, el Barbican Arts Centre de Londres y en la Colección Lambert Avignon.

Arts Centre de Londres y en la Colección Lambert Avignon. La obra de Serrano como fotógrafo

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ" (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística.

mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística. Una historia de sexo (Antonio

Una historia de sexo (Antonio y Ulrike), 1995.

mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística. Una historia de sexo (Antonio
"A History of Sex (The kiss)", Andrés Serrano, 1996. Andres Serrano. La morgye (infección de
"A History of Sex (The kiss)", Andrés Serrano, 1996. Andres Serrano. La morgye (infección de
"A History of Sex (The kiss)", Andrés Serrano, 1996. Andres Serrano. La morgye (infección de

"A History of Sex (The kiss)", Andrés Serrano, 1996.

"A History of Sex (The kiss)", Andrés Serrano, 1996. Andres Serrano. La morgye (infección de neumonía)

Andres Serrano. La morgye (infección de neumonía) , 1992

The Morgue Part II (Death By Natural Causes), 1992

The Morgue, Hacked to Death II, 1992

(infección de neumonía) , 1992 The Morgue Part II (Death By Natural Causes) , 1992 The
(infección de neumonía) , 1992 The Morgue Part II (Death By Natural Causes) , 1992 The
Andrés Serrano " The Triumph of the flesh " Heaven and Hell La interpretación de

Andrés Serrano "The Triumph of the flesh"

Andrés Serrano " The Triumph of the flesh " Heaven and Hell La interpretación de los

Heaven and Hell

La interpretación de los sueños (El otro Cristo) 2001

Serrano " The Triumph of the flesh " Heaven and Hell La interpretación de los sueños
CABEZA DE VACA, 1984
CABEZA DE VACA, 1984

CABEZA DE VACA, 1984

CABEZA DE VACA, 1984
Annie Leibowitz es una fotógrafa estadounidense, que adquirió fama por sus elegantes retratos de celebridades

Annie Leibowitz es una fotógrafa estadounidense, que adquirió fama por sus elegantes retratos de celebridades utilizando una técnica que brinda impactantes resultados. Nació en Westport, Connecticut, (2 de Octubre de 1949) , bajo el seno de Samuel Leibowitz y Marilyn Heit Leibowitz. En 1969 vivió en un kibutz en Israel y participó en una excavación arqueológica en el sitio del templo del Rey Salomón. Recibió una licenciatura en bellas artes del San Francisco Art Institute en 1971. Posteriormente siguió sus estudios con el fotógrafo Ralph Gibson. Conocida por sus retratos de famosos, que abarcan desde figuras políticas a músicos y atletas. Su trabajo ha incluido revistas, moda y fotografía publicitaria. Muchos de sus retratos de famosos de la música rock se han convertido en imágenes de firma. Un ejemplo notable es su retrato de John Lennon desnudo sobre una cama, en un abrazo con su esposa, Yoko Ono, totalmente vestida, el último retrato de John Lennon que ella tomó solo un par de horas antes de su trágica muerte en diciembre de 1980. Su carrera comenzó en 1970, cuando dio sus fotografías a la revista Rolling Stone. Desde 1970 fue fotógrafa independiente y en 1973 se convirtió en la fotógrafa jefa de esta revista y en 1975 fue fotógrafa de gira de conciertos para la banda The Rolling Stones. Más adelante trabajó para Life, Vogue, Esquire, Time Newsweek. Ha sido fotógrafa colaboradora de la revista Vanity Fair desde 1983, y a principio de los años 1990 fundó el Estudio Annie Leibovitz en la ciudad de Nueva York.

Vanity Fair desde 1983, y a principio de los años 1990 fundó el Estudio Annie Leibovitz
Background Music: The Sounds of Philip Glass

Background Music: The Sounds of Philip Glass

Background Music: The Sounds of Philip Glass
Music Reveiw: Iggy Pop - Preliminaires Background Music: Restless Farewell by Bob Dylan Leonardo DiCaprio
Music Reveiw: Iggy Pop - Preliminaires Background Music: Restless Farewell by Bob Dylan Leonardo DiCaprio

Music Reveiw: Iggy Pop - Preliminaires

Background Music: Restless Farewell by Bob Dylan

Leonardo DiCaprio

Music Reveiw: Iggy Pop - Preliminaires Background Music: Restless Farewell by Bob Dylan Leonardo DiCaprio

Michel Comte nace en Zurich, Suiza en el año 1954. Se forma profesionalmente como restaurador de arte y se acerca a la fotografía, como muchos otros de manera autodidacta. Sus primeros trabajos los realiza en el campo de la publicidad y en 1978 realiza sus primeros trabajos para la gráfica en las campañas de Chloé (encargada por Karl Lagerfeld).

Ya en 1979 se traslada a París.

Trabajó para el Vogue americano que lo llevó a Nueva York en 1981 y luego se radica en Los Ángeles. "Siempre tengo que vivir en el borde", afirma Comte sobre su persona. "Probablemente lo he heredado de mi abuelo" (Un pionero de la aviación, Alfred Comte). Y realmente éste fotógrafo tiene algo de caballero errante, nómada, aventurero en el cual se conjuga la sensibilidad, con una aguda visión de la condición humana que lo lleva a mostrar en su obra contrastes y contradicciones.

En un lapso menor a 10 años, Michel Comte se transfomó a uno de los más buscados fotógrafos de moda y sociedad. Trabaja para Vanity Fair y Vogue, fotografía a numerosas personalidades del mundo del arte, el cine y el entretenimiento, como: Julian Schnabel, Jeremy Plancha, Nicolas Cage , Kurosawa, Carla Bruni, Demi Moore, Mike Tyson y una larga lista más. Además de los retratos y la fotografía de moda, Comte también ha desplazado su trabajo cada vez más hacia el reportaje. Por lo tanto, quién crea que sólo es un fotógrafo comercial, deberá ver su obra basada en las tareas de la Cruz Roja Internacional, que lo han llevado a viajar a zonas de guerra como Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan.

a zonas de guerra como Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin
a zonas de guerra como Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin

Helena Christensen III, safe sex campagin

Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin Helena Christensen #2, Italian Vogue
Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin Helena Christensen #2, Italian Vogue

Helena Christensen #2, Italian Vogue 1993

Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin Helena Christensen #2, Italian Vogue
Irak, Afganistán, Bosnia y Sudan. Helena Christensen III, safe sex campagin Helena Christensen #2, Italian Vogue
Modelo Carla Bruni
Modelo Carla Bruni

Modelo Carla Bruni

Modelo Carla Bruni
Sophia Loren Lucy Liu Lucy Liu Charlotte Yves Saint Laurent W Magazine, 1992 Pamela Anderson

Sophia Loren

Sophia Loren Lucy Liu Lucy Liu Charlotte Yves Saint Laurent W Magazine, 1992 Pamela Anderson

Lucy Liu

Lucy Liu

Sophia Loren Lucy Liu Lucy Liu Charlotte Yves Saint Laurent W Magazine, 1992 Pamela Anderson

Charlotte

Yves Saint Laurent W Magazine, 1992

Pamela Anderson

Sophia Loren Lucy Liu Lucy Liu Charlotte Yves Saint Laurent W Magazine, 1992 Pamela Anderson

Alberto García-Alix

Nacido en León, 1956, es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999, García-Alix expuso por primera vez en la Galería Buades en 1981.

Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno, los yonquis y los tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña. Amante de las motocicletas y de los retratos sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionles. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido sus musas de inspiración.

artistas nacionales e internacionles. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido sus
artistas nacionales e internacionles. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido sus
Tarde de San Isidro

Tarde de San Isidro

Tarde de San Isidro
Tarde de San Isidro
Tarde de San Isidro
Tarde de San Isidro
Francis

Francis

Francis

Harold Feinstein comenzó su carrera en la fotografía en 1946 a la edad de quince. En el momento en que

fue diecinueve, Edward Stieichen había comprado su trabajo para la colección permanente del Museo de Arte Moderno

y exhiben con frecuencia durante su mandato. En sus primeros carrera, Feinstein fue más conocido por su documental

en blanco y negro al estilo de trabajo y, en particular, su amplia cartera de Coney Island, que se ha demostrado a menudo

a lo largo de su vida en galerías, museos y revistas. renombrado crítico e historiador de la fotografía AD Colman ha dicho de este trabajo : "Aquí es Nueva York pequeña cámara en la fotografía es mejor - humanista, intimista, comprometido, casi intrusiva". Él fue a llamar a Feinstein "un verdadero fotógrafo del fotógrafo."

Él fue a llamar a Feinstein "un verdadero fotógrafo del fotógrafo." Asiatic Lily, Lilium cultivator,

Asiatic Lily, Lilium cultivator,

Él fue a llamar a Feinstein "un verdadero fotógrafo del fotógrafo." Asiatic Lily, Lilium cultivator,
Él fue a llamar a Feinstein "un verdadero fotógrafo del fotógrafo." Asiatic Lily, Lilium cultivator,
Él fue a llamar a Feinstein "un verdadero fotógrafo del fotógrafo." Asiatic Lily, Lilium cultivator,
Magnolia, Magnolia cultivar
Magnolia, Magnolia cultivar
Magnolia, Magnolia cultivar
Magnolia, Magnolia cultivar

Magnolia, Magnolia cultivar

Fotógrafo estadounidense nacido en Middletown (Condado de Orange (Nueva York)

el 1 de enero de 1967. Obtuvo una titulación en Ciencias por el Emerson College en

1988.

Características de su arte Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones entre los conceptos de lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido o lo individual y lo colectivo. Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago (5.000 asistentes),Sao Paulo, Newcastle o Viena.

Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York) En junio del 2003 llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona. En mayo de 2007, en la Ciudad de México rompió su propio record logrando juntar en la Plaza de la Constitución (Zócalo) de esta ciudad a cerca de 20.000 participantes que se desnudaron sin prejuicios. Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración En muchos de los lugares donde Tunick ha realizado su proyecto artístico ha surgido un debate sobre si estas instalaciones son realmente un arte o no. Diversos grupos califican estos actos como meras manifestaciones sociales, en apoyo a la libertad de expresiónEn Chile, por ejemplo, el debate en torno al trabajo del fotógrafo duró casi 4 meses.

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Aguas termales 2001 Mexico

Spencer Tunick

ejemplo, el debate en torno al trabajo del fotógrafo duró casi 4 meses. 1 2 3
Mexico City 1 (Zócalo, MUCA/UNAM Campus) 2007 http://www.spencertunick.com/

Mexico City 1 (Zócalo, MUCA/UNAM Campus) 2007

Mexico City 1 (Zócalo, MUCA/UNAM Campus) 2007 http://www.spencertunick.com/

http://www.spencertunick.com/

New York 2 (HIV Positive) 2004 NewcastleGateshead 5 (BALTIC Centre for Contemporary Art) 2005

New York 2 (HIV Positive) 2004

New York 2 (HIV Positive) 2004 NewcastleGateshead 5 (BALTIC Centre for Contemporary Art) 2005

NewcastleGateshead 5 (BALTIC Centre for Contemporary Art) 2005

Netherlands 13 (Dream Amsterdam Foundation) 2007 Desnudos - Venezuela San Sebastian 1 (Fundación COFF) 2006

Netherlands 13 (Dream Amsterdam Foundation) 2007

Desnudos - Venezuela

Netherlands 13 (Dream Amsterdam Foundation) 2007 Desnudos - Venezuela San Sebastian 1 (Fundación COFF) 2006

San Sebastian 1 (Fundación COFF) 2006

Netherlands 13 (Dream Amsterdam Foundation) 2007 Desnudos - Venezuela San Sebastian 1 (Fundación COFF) 2006
Olivero Toscani es un fotógrafo provocador y transgresor bastante conocido por sus campañas publicitarias. Una

Olivero Toscani es un fotógrafo provocador y transgresor bastante conocido por sus campañas publicitarias. Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Y muchos recordaréis aquella fotografía que patrocinaba la firma Benneton de un caballo marrón montando a una yegüa blanca. Suscitó una enorme polémica. Concretamente esta es la imagen.

una enorme polémica. Concretamente esta es la imagen. Estos son algunos de su trabajos Contra el

Estos son algunos de su trabajos Contra el RACISMO:

imagen. Estos son algunos de su trabajos Contra el RACISMO: En 1990, Toscani fundó la revista

En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema “una revista sobre el resto del mundo”, Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa.

Desde siempre ha buscado con su arte, luchar contra alguna causa y siempre ha estado rodeado de un halo de rebeldía y transgresión. Si ya lo hiciera en su día contra el racismo, a favor del respeto por la homosexualidad y concienciando a la gente sobre el sida, vuelve ahora a ser noticia por su nueva campaña publicitaria. Esta vez es el turno de la anorexia, y la fotografía ha sido publicada a doble página en el periódico italiano La República.

http://aikun.wordpress.com/2007/09/27/fotografos-iiitoscani-contra-la-anorexia/

La fotografía ha generado una enorme polémica pues muestra a una chica desnuda extremadamente delgada

La fotografía ha generado una enorme polémica pues muestra a una chica desnuda extremadamente delgada como modelo. Con ello se quiere denunciar cómo los medios de comunicación, la publicidad, la moda etc… incitan a las chicas a perder peso sin darse cuenta de que detrás de esos cuerpos hay una vida que cuidar. Es necesario concienciar a los jóvenes de que la salud va por delante de cualquier moda pasajera. Toscani, según declaraciones a la agencia Ansa, se interesa por la anorexia desde hace años, y considera necesario que la marca de ropa sea también consciente de este problema. La marca de ropa a la que se alude es N-oli-ta que es la que ha patrocinado el anuncio.

A finales de 2006, el Gobierno italiano, la Federación de la Moda Italiana y la Asociación Alta Moda adoptaron un “Manifiesto anti-anorexia”, con el que intentaban devolver la imagen de una modelo sana, generosa y de belleza mediterránea. El texto prohíbe desfilar a las chicas menores de 16 años, y obliga a los maniquíes a presentar un certificado médico que afirme que no sufren ningún trastorno alimenticio.

Sin duda Toscani no dejará de sorprendernos. En mi humilde opinión, es uno de los Grandes, pues ha comprendido el valor que tiene una imagen, uno de sus trabajos, para generar opinión. Ha sabido servirse de los medios de comunicación para luchar contra causas que no dejan de estar nunca de actualidad. Y además, ¿por qué no decirlo? Admiro su obra y su trabajo a un nivel meramente artístico.

qué no decirlo? Admiro su obra y su trabajo a un nivel meramente artístico. HomosexualidadHomosexualidad yy

HomosexualidadHomosexualidad yy sida:sida:

qué no decirlo? Admiro su obra y su trabajo a un nivel meramente artístico. HomosexualidadHomosexualidad yy
Kissing-nun, 1992 “Esta foto realizada para una campaña publicitaria de Benetton fue prohibida en Italia
Kissing-nun, 1992 “Esta foto realizada para una campaña publicitaria de Benetton fue prohibida en Italia

Kissing-nun, 1992 “Esta foto realizada para una campaña publicitaria de Benetton fue prohibida en Italia y Francia gracias a las presiones del Vaticano. A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña”

A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y
A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y

Homosexualidad y sida:

A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y
A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y
A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y

Contra el Racismo

A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y
A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y
A pesar de ello, ganó el premio a la Mejor Publicidad en Gran Bretaña” Homosexualidad y

Renée C. Bayer, ganadora del Premio Pulitzer 2007 en la categoría Mejor Reportaje Fotográfico. La Fotógrafa Renée C. Bayer, fue la ganadora del Premio Pulitzer en la categoría Mejor Reportaje Fotográfico, con una serie de imágenes que narra la historia de Una madre soltera, Cyndei French, y su hijo Derek, de 11 años, que padece un tipo de cáncer conocido como neuroblastoma. Las fotos fueron publicadas en el diario Sacramento Bee en el verano de 2006.Después de que Derek falleciera.

Las fotos fueron publicadas en el diario Sacramento Bee en el verano de 2006.Después de que
Las fotos fueron publicadas en el diario Sacramento Bee en el verano de 2006.Después de que
Zena Holloway Nacida en 1973, hoy es una talentosa fotógrafa británica que comenzó con la

Zena Holloway

Nacida en 1973, hoy es una talentosa fotógrafa británica que comenzó con la fotografía acuática a los 18 años, cuando por circunstancias de la vida se maravilló con las cámaras fotográficas mientras era profesora de buceo en el Caribe. De esta manera, y tras años de intenso trabajo, Zena ha logrado perfeccionar su propuesta artística con mucha aceptación por parte del público, siendo actualmente considerada como una de las artistas más creativas y audaces del viejo continente a la hora de retratar bajo el agua. Ha trabajado en los equipos de Nacional Geographic, la BBC y Discovery Channel y logró un importante número de premios tanto en foto como en cine. El encontrarse dentro de una piscina o en el mar buceando, son una de las experiencias que mas gozo, esa tranquilidad y soledad en la que te encuentras con tus pensamientos, es como hablar con uno mismo, es lo más

parecido a volar en tu imaginación. Impresionante el trabajo de esta fotógrafa londinense. Todo su trabajo gira en torno al agua y todo lo que hay bajo su superficie. Digo subacuática y no submarina, porque en su obra se pueden ver escenarios domésticos bajo el agua. No dejéis de ver su galería porque sus fotos son sencillamente geniales. No sé muy bien en qué condiciones

se trabaja sumergido, pero no debe de ser nada sencillo.

trascendencia que tiene, no sólo como fuente de vida sino como elemento significativo en la psicología de las personas, de ahí que me parezca admirable el trabajo de Zena Holloway.

Pocas personas son capaces de darle al agua la

las personas, de ahí que me parezca admirable el trabajo de Zena Holloway. Pocas personas son

Oleg Duryagin

Oleg Duryagin, artista digital ruso residente en Moscú, ha ganado varios concursos internacionales aparte de exhibir sus obras en Bélgica, Francia, Estados Unidos, Dubai, España y por supuesto Rusia.

Su trabajo resulta inquietante. Al ver sus obras uno puede llegar a tener impresiones encontradas, mezcla de admiración, miedo, extrañeza o inclusive cierto atisbo de rechazo. En ciertos aspectos podría considerarse como la máxima expresión de la provocación, sin estridencias o vulgaridades, Duryagin consigue impactar pero también dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones.

dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones. BIOGRAPHY I was born in Moscow on 19th
dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones. BIOGRAPHY I was born in Moscow on 19th
dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones. BIOGRAPHY I was born in Moscow on 19th
dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones. BIOGRAPHY I was born in Moscow on 19th
dejar una huella sujeta a multitud de interpretaciones. BIOGRAPHY I was born in Moscow on 19th

BIOGRAPHY

I was born in Moscow on 19th of August 1983. My mother was a painter, and I was spending a lot of time among the artists,

though I was not particulary interested in their activities.

I felt an urge for arts and creation some time ago, when I was working as a web designer, which pushed me to study seriousl

the design. That's how I "bumped into" photography, and I had an idea to combine it with design. Creation brings me an enormous pleasure, I became conscious of the fact that photography is something I always wanted to do. I am stubborn, ambitious and optimistic by nature, I like being different, and my work, I hope, reflects these features of my character.

Exposiciones en París, Moscú, Sant Petersburgo, Belgica. Los Angeles, Hungría y Holanda, diversas publicaciones y algunos premios lo avalan. Técnica que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo muy particular y fácilmente reconocible.

que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
que usa para dar forma a sus obras, una técnica que le ha dado un estilo
La primera fotografia de la historia fue tomada por Joseph-Nicéphore (1765- 1833). Esto sucedió en
La primera fotografia de la historia fue tomada por Joseph-Nicéphore (1765- 1833). Esto sucedió en

La primera fotografia de la historia fue tomada por Joseph-Nicéphore (1765- 1833). Esto sucedió en el 1826/27 cuando logró fijar una imagen permanente del patio de su casa. Para realizar esta fotografía utilizó una plancha de peltre recubierto de Betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles o solubles, dependiendo de la luz recibida.

Nacido el 7 de marzo de 1765 en Chalon-sur-Saône,

Joseph Nicéphore Niépce es un completo desconocido para el gran público. Una circunstancia chocante dado que este inventor francés ha pasado a los anales de la historia como el autor de la primera fotografía permanente de la que

o Comenzó a experimentar en este campo en 1793, cuando apenas contaba con 28 años, pero a pesar de que en ocasiones lograba capturar imágenes, éstas

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se oscurecían rápidamente. No fue hasta 1825

cuando consiguió hacer la que es considerada como

la primera fotografía de la historia. La realizó sobre

un grabado del siglo XVII en el que aparece un hombre tirando de un caballo.

XVII en el que aparece un hombre tirando de un caballo. Abraham Lincoln (1809 –1865) Existe

Abraham Lincoln (1809 –1865)

Existe cierta controversia en cuanto a que la fotografía sea la última imagen de Abraham Lincoln tomada antes de ser asesinado. Fue hecha por Henry J. Warren durante una sesión de fotos el 6 de marzo en el balcón de la Casa Blanca. El 14 de abril de 1865 Lincoln asistió a una obra de teatro en el Teatro Ford. John Wilkes Booth, un conocido actor y espía de la Confederación de Maryland, espero a que la obra llegara a su momento más divertido, con la esperanza de que el alboroto ocultara el ruido de los disparos.

Cuando llego el momento le disparo a quemarropa.

Migrant Mother (Dorothea Lange, 1936)

Migrant Mother (Dorothea Lange, 1936)

“I Have a Dream”, Martin Luther King - Bob Adelman 1963

“I Have a Dream” , Martin Luther King - Bob Adelman 1963 Fotógrafo: Don McCullin
“I Have a Dream” , Martin Luther King - Bob Adelman 1963 Fotógrafo: Don McCullin

Fotógrafo: Don McCullin

“I Have a Dream” , Martin Luther King - Bob Adelman 1963 Fotógrafo: Don McCullin
Durante el Alzamiento de Puerto Cabello Estado Carabobo en Venezuela –1962- episodio conocido como el

Durante el Alzamiento de Puerto Cabello Estado Carabobo en Venezuela –1962- episodio conocido como el porteñazo el gobierno reprimió violentamente a los insurrectos

La imagen del capellán Luis María Padilla sosteniendo en sus brazos a un soldado herido recorrió el mundo y lo hace acreedor del único premio Pulitzer y World Press Photo obtenido en el país en mención fotoperiodismo.

Donde el capellán Luís María Padilla intenta salvar al subteniente Luís Antonio Rivera Sanoja del Batallón Carabobo. Mientras lo alzaba en brazos éste sólo alcanzó a decir "ayúdeme padrecito" antes de ser nuevamente herido por las balas.

Único Premio Putlizer de Venezuela

George Strock

Dead on the Beach 1943

antes de ser nuevamente herido por las balas. Único Premio Putlizer de Venezuela George Strock Dead
antes de ser nuevamente herido por las balas. Único Premio Putlizer de Venezuela George Strock Dead
antes de ser nuevamente herido por las balas. Único Premio Putlizer de Venezuela George Strock Dead
Peter Leibing es un fotógrafo alemán conocido por sus fotografías tomadas en 1961 del soldado
Peter Leibing es un fotógrafo alemán conocido por sus fotografías tomadas en 1961 del soldado

Peter Leibing es un fotógrafo alemán conocido por sus fotografías tomadas en 1961 del soldado Conrad Schumann saltando sobre una barricada de alambre de espino durante la construcción del muro de Berlín para huir de la República Democrática Alemana. El día 15 de agosto de 1961 Leibing, trabajando para la agencia de Hamburgo Contiepress, había sido informado por la policía que un guardia de la Alemania comunista podía saltar el muro de Berlín, en ese momento en su tercer día de construcción. En esa fase de construcción el muro consistía únicamente de una valla de alambre de espino. Mientras la gente de la parte occidental gritaba Komm rüber! ("ven aquí"), Leibing tomó una foto de Schumann saltando la valla y culminando su huída. La foto fue un símbolo de la Guerra Fría y mereció el premio a la mejor fotografía de 1961 del Overseas Press Club.

Esta foto ganó el Premio Pulitzer en 1996. Fue tomada por Charles Porter el 19 de abril de 1995

Esta foto ganó el Premio Pulitzer en 1996. Fue tomada por Charles Porter el 19 de

Tragedia en Oklahoma

Esta es la foto más famosa y conocida del Che Guevara, que fue tomada por

Esta es la foto más famosa y conocida del Che Guevara, que fue tomada por Alberto Díaz, Korda, durante un acto fúnebre el 5 de marzo de 1960. Y es considerada actualmente, como la fotografía más reproducida de la historia, ya que se le ha tomado para plasmarla en todo tipo de productos como playeras y gorras, así como incluirla en posters y composiciones con muchas otras fotografías

tipo de productos como playeras y gorras, así como incluirla en posters y composiciones con muchas
Autor desconocido Muestra dantesca de la segregación racial norteamericana de la década de los 30.
Autor desconocido Muestra dantesca de la segregación racial norteamericana de la década de los 30.

Autor desconocido Muestra dantesca de la segregación racial norteamericana de la década de los 30. Los ahorcados fueron acusados de violación, aunque tal vez ni si quiera eran culpables, pués jamás llegaron a ser juzgados. La multitud, presa del miedo, la ignorancia y el racismo, decidió tomarse la justicia por su mano. A destacar, tristemente, los rostros de la muchedumbre, su expresión de orgullo y alegría ante semejante atrocidad.

expresión de orgullo y alegría ante semejante atrocidad. A l b e r t E i

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fotografía es la última foto conocida de Einstein, tomada en marzo de 1955.

No existen muchos detalles sobre la misma, pero es probablemente que se trate

de una foto tomada en su casa cerca de Princeton, Nueva Jersey. Un mes más

tarde el 17 de abril de 1955, Einstein sufrió una hemorragia interna causada por

la ruptura de un aneurisma de la aorta, que había sido previamente

diagnosticados y tratado. Einstein trato desde el hospital de preparar un

discurso para un programa de televisión conmemorando el séptimo aniversario

de la aparición del Estado de Israel. Lamentablemente no pudo vivir lo

suficiente para completarlo. Al día siguiente, Einstein murió a la edad de 76.

Al día siguiente, Einstein murió a la edad de 76. La fotografía de Albert Einstein sacando

La fotografía de Albert Einstein sacando la lengua fue tomada el 14 de Marzo de 1951 en su 72 cumpleaños por el fotógrafo Arthur Sasse, a la salida de la fiesta después de que éste le solicitara una pose.

Almuerzo en lo alto de un rascacielos. La foto fue tomada en 1932 durante la construcción del GE Building en el Rockefeller Center, de Nueva York la tomó Charles C. Ebbets

del GE Building en el Rockefeller Center, de Nueva York la tomó Charles C. Ebbets Marilyn
del GE Building en el Rockefeller Center, de Nueva York la tomó Charles C. Ebbets Marilyn

Marilyn Monroe. Foto: George Barris.

del GE Building en el Rockefeller Center, de Nueva York la tomó Charles C. Ebbets Marilyn
del GE Building en el Rockefeller Center, de Nueva York la tomó Charles C. Ebbets Marilyn
El niño del puño en alto". Manifestación contra la carestía de la vida. Junio 1976.

El niño del puño en alto". Manifestación contra la carestía de la vida. Junio 1976. Madrid. El padre de Daniel, Santiago Rivas, recuerda el momento: "Aquélla era una manifestación contra la carestía de la vida, pero terminamos gritando consignas como '¡Libertad, Amnistía!' y al final nos dispersaron los grises porque gritábamos lo que no nos habían autorizado".

porque gritábamos lo que no nos habían autorizado". pies de la pequeña Amilia Sonja Taylor, bebé

pies de la pequeña Amilia Sonja Taylor, bebé prematuro, después de su nacimiento en el Children's Hospital Bautista de Miami, Florida / Reuters foto

Los dos besos m á s famosos 1950. El fotógrafo Robert Doisneau se encontraba en

Los dos besos más famosos

1950. El fotógrafo Robert Doisneau se encontraba en una terraza de un bar con su cámara Rolleifleux. Observaba atentamente a la gente que pasaba por la calle y entre la multitud pudo distinguir a una pareja de enamorados que, despreocupados de cuanto le rodeaban, avanzaban besándose apasionadamente. Rápidamente, el fotógrafo tomó su cámara de fotos y disparó esta instantánea conocida como El Beso del Hotel de Ville que se hizo famosa hasta convertirse en la foto más vendida de la Historia con 410.000 copias.

El beso del Hotel de Ville

la Historia con 410.000 copias. El beso del Hotel de Ville Beso de despedida a la

Beso de despedida a la Guerra fue tomada por Victor Jorgensen en Times Square el 14 de Agosto de 1945, en la que se puede ver a un soldado de la marina norteamericana besando apasionadamente a una enfermera. Al contrario de lo que lo que comúnmente se piensa, estos 2 personajes no eran pareja, sino que eran unos perfectos extraños que se habían encontrado allí. La fotografía, todo un icono, es considerada una analogía de la excitación y pasión que significa regresar a casa tras pasar una larga temporada fuera, como también la alegría experimentada al acabar una guerra.

El beso de Time Square

“Como comienza la vida” (How Life Begins) es una foto famosísima tomada en el año 1965 con un endoscopio. Pertenece a Lennart Nilsson y fue publicada por la revista LIFE. Durante años esta imagen fue considerada un símbolo de la humanidad.

esta imagen fue considerada un símbolo de la humanidad. Thich Quang Duc, nacido en 1897, fue
esta imagen fue considerada un símbolo de la humanidad. Thich Quang Duc, nacido en 1897, fue

Thich Quang Duc, nacido en 1897, fue un monje budista vietnamita (también llamados bonzos) que se inmoló hasta morir en una calle muy transitada de Saigon el 11 de junio de 1963. Su acto de inmolación, que fue repetido por otros monjes, fue el más recordado, ya que fue atestiguado por David Halberstam. Mientras su cuerpo ardía, el monje se mantuvo completamente inmóvil. No gritó, ni siquiera hizo un ruido. Thich Quang Duc estaba protestando contra la manera en la que la administración oprimía la religión Budista en su país. Después de su muerte, su cuerpo fue cremado conforme a la tradición budista. Durante la cremación su corazón se mantuvo intacto, por lo que fue considerado como santo y su corazón fue trasladado al cuidado del Banco de Reserva de Vietnam como reliquia. Este es el origen de la expresión “quemarse a lo bonzo”, que al revés de lo que la gente piensa no se refiere a la forma de quitarse la vida, sino al hecho de matarse como forma de protesta política.

Escalofriante instantánea ganadora del Premio Pulitzer de 1994(Tomada por Kevin Carter). Nadie conoce que pasó con aquel niño. Ni si quiera el fotógrafo, que abandonó a la criatura justo después de tomar la fotografía. Meses más tarde una depresión lo llevó al suicidio.

Meses más tarde una depresión lo llevó al suicidio. Huynh Cong Ut - Napalm Strike (1972)

Huynh Cong Ut - Napalm Strike (1972) Kim Phuc, la niña que aparece en la fotografía con el cuerpo desnudo y quemado a causa de un bombardeo de Napalm, fue rescatada por el mismo fotógrafo que la inmortalizó. Se recuperó de sus heridas, estudió medicina y actualmente es miembro de la UNESCO y fundadora de una organización humanitaria.

de sus heridas, estudió medicina y actualmente es miembro de la UNESCO y fundadora de una
de sus heridas, estudió medicina y actualmente es miembro de la UNESCO y fundadora de una
John and Jackie Knill El 13 de enero de 2005 fueron encontrados los cuerpos sin

John and Jackie Knill El 13 de enero de 2005 fueron encontrados los cuerpos sin vida de los canadienses John y Jackie Knill en una playa de Tailandia. Ellos fueron dos de las muchas víctimas del tsunami del 26 de diciembre 2004. Semanas más tarde, un hombre de Seattle (USA) haciendo las tareas de socorro encontró una cámara dañada, pero que mantenía la tarjeta de memoria en su interior. Después de descargar las imágenes descubrió las fotografías de los Knill disfrutando de sus vacaciones, y también una serie de imágenes de una enorme ola acercándose a la orilla. Con cada imagen se va mostrando la ola cada vez más cerca de la playa. La última imagen tomada antes de la ola golpeándoles (mostrada arriba) fue realizada poco después de las 8.30 horas del 26 de diciembre.

Ana Frank (1929 – 1945) Se cree que ésta es la última fotografía conocida de Ana Frank con su hermana Margot realizada en el primera mitad de 1942. Más tarde, en julio de ese mismo año su hermana Margot sería una de las primeras en recibir aviso de que iba a ser enviada a la Alemania nazi para ingresar en un campo de trabajo. Fue entonces cuando la familia de Ana trato de esconderse. Descubierta y detenidos en la mañana del 4 de agosto de 1944, se consideró que eran delincuentes y fueron enviados a trabajos forzados en Barracones. En marzo de 1945, una epidemia de tifus se propago por el campamento acabando con la vida de 17.000 presos. Primero murió Margot y que pocos días después Ana Frank. Curiosidad: En abril de 1945 pocas semanas después de la muerte de Ana Frank, el campo fue liberado por tropas británicas.

En abril de 1945 pocas semanas después de la muerte de Ana Frank, el campo fue
11 de setiembre del 2001 The Falling Man es el título de una fotografía tomada
11 de setiembre del 2001 The Falling Man es el título de una fotografía tomada

11 de setiembre del 2001

The Falling Man es el título de una fotografía tomada por Richard Drew durante los atentados del 11 de septiembre de 2001 contra las torres gemelas del World Trade Center, a las 9:41:15 de la mañana. En la imagen se puede ver a un hombre caer desde una de las torres, que seguramente eligió saltar al vacío en lugar de morir por el calor y el humo.

saltar al vacío en lugar de morir por el calor y el humo. El reportero gráfico

El reportero gráfico Bill Biggart (1947-2001) se encontraba cubriendo los acontecimientos del 11 de septiembre y murio trágicamente con la caída de la segunda torre del World Trade Center. Cuatro días más tarde fue recuperado el cuerpo de Biggart de entre los escombros junto con alguno de sus efectos personales, incluyendo sus cámaras, que fueron entregadas a su esposa. La viuda de Biggart poco después le dio la cámara a un buen amigo y compañero fotógrafo de su marido. Convencida de que las imágenes no habían sobrevivido a la catástrofe, su amigo consiguió rescatar la tarjeta flash de una de ellas en perfecto estado. La tarjeta contenía 150 imágenes entre las que se encuentra la última foto (arriba) tomada a las 10:28:24. A las 10:30 cayó la segunda torre.

Curiosidad: Cuando la mujer de Biggart recibió la llamada de teléfono de su marido poco después de la caída de la primera torre, sus palabras fueron “no te preocupes, estaré en 20 minutos en el estudio, estoy bien. Me encuentro junto a los bomberos”. Fue la última vez que habló con ella. 20 minutos más tarde, la segunda torre se derrumbó acabando con su vida.

2001. Nueva York, 9/11.

2001. Nueva York, 9/11.

2001. Nueva York, 9/11.
El hombre del tanque de El hombre del tanque de Tiananmen Tiananmen También conocido como
El hombre del tanque de El hombre del tanque de Tiananmen Tiananmen También conocido como

El hombre del tanque de

El hombre del tanque de

Tiananmen

Tiananmen

También conocido como el

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Rebelde Desconocido, este

Rebelde Desconocido, este

fue el apodo que se atribuyó a

fue el apodo que se atribuyó a

un hombre anónimo que se

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famoso

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Plaza de Tian'anmen de 1989

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hombre se interpuso repetidamente en su camino, demostrando una tenacidad y resistencia enormes. En Occidente, las imágenes del rebelde fueron presentadas

hombre se interpuso repetidamente en su camino, demostrando una tenacidad y resistencia enormes. En Occidente, las imágenes del rebelde fueron presentadas

como un símbolo del movimiento democrático chino. Un joven arriesgando la vida para oponerse a un escuadrón militar. Dentro de China, la imagen fue usada

como un símbolo del movimiento democrático chino. Un joven arriesgando la vida para oponerse a un escuadrón militar. Dentro de China, la imagen fue usada

por el gobierno como símbolo del cuidado de los soldados del Ejército Popular de Liberación para proteger al pueblo chino: a pesar de las órdenes de avanzar,

por el gobierno como símbolo del cuidado de los soldados del Ejército Popular de Liberación para proteger al pueblo chino: a pesar de las órdenes de avanzar,

conductor del tanque rechazó hacerlo si eso implicaba dañar a un sólo ciudadano.

conductor del tanque rechazó hacerlo si eso implicaba dañar a un sólo ciudadano.

hacerlo si eso implicaba dañar a un sólo ciudadano. Esta foto fue tomada por el estadounidense

Esta foto fue tomada por el estadounidense Charlie Cole el 4 de Junio de 1989 en Beijing (China). Allí un hombre permanece

Esta foto fue tomada por el estadounidense Charlie Cole el 4 de Junio de 1989 en Beijing (China). Allí un hombre permanece

de pie frente a una línea de varios tanques durante la revuelta de la Plaza de Tiananmen de 1989 en la República Popular

de pie frente a una línea de varios tanques durante la revuelta de la Plaza de Tiananmen de 1989 en la República Popular

China.

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"El coronel asesinó al preso; yo

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asesiné

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coronel

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cámara".Eddie

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Adams,

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fotógrafo de guerra, fue el autor

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de esta instantánea que muestra

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el asesinato, el 1 de febrero de

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1968,

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parte

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jefe

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policía de Saigon, a sangre fría,

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de un guerrillero del Vietcong,

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que tenía las manos atadas a la

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espalda,

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instante en que le dispara a

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quemarropa. Adams, que había

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sido corresponsal en 13guerras,

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obtuvo por esta fotografía un

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premio Pulitzer, pero le afectó

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tanto

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emocionalmente

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reconvirtió

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mundo rosa.

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fotógrafo

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mundo rosa. mundo rosa. fotógrafo fotógrafo se se del del Omayra Sánchez fue una niña víctima
mundo rosa. mundo rosa. fotógrafo fotógrafo se se del del Omayra Sánchez fue una niña víctima
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mundo rosa. mundo rosa. fotógrafo fotógrafo se se del del Omayra Sánchez fue una niña víctima
mundo rosa. mundo rosa. fotógrafo fotógrafo se se del del Omayra Sánchez fue una niña víctima

Omayra Sánchez fue una niña víctima del volcán Nevado del Ruiz durante la erupción que arraso al pueblo de Armero,

Omayra Sánchez fue una niña víctima del volcán Nevado del Ruiz durante la erupción que arraso al pueblo de Armero,

Colombia en 1985. Omayra estuvo 3 días atrapada en el fango, agua y restos de su propia casa. Tenía 13 años y durante el

Colombia en 1985. Omayra estuvo 3 días atrapada en el fango, agua y restos de su propia casa. Tenía 13 años y durante el

tiempo que se mantuvo atorada siempre estuvo encima de los cuerpos de sus familiares. Cuando los socorristas intentaron

tiempo que se mantuvo atorada siempre estuvo encima de los cuerpos de sus familiares. Cuando los socorristas intentaron

ayudarla, comprobaron que era imposible, ya que para sacarla necesitaban amputarle las piernas, sin embargo carecían de

ayudarla, comprobaron que era imposible, ya que para sacarla necesitaban amputarle las piernas, sin embargo carecían de

cirugía y podría fallecer. La otra opción era traer una moto-bomba que succionará el cada vez mayor fango en que estaba

cirugía y podría fallecer. La otra opción era traer una moto-bomba que succionará el cada vez mayor fango en que estaba

sumergida. La única moto-bomba disponible estaba lejos del sitio, por lo que solo podían dejarla morir. Omayra se mostró

sumergida. La única moto-bomba disponible estaba lejos del sitio, por lo que solo podían dejarla morir. Omayra se mostró

fuerte hasta el último momento de su vida, según los socorristas y periodistas que la rodearon. Durante los tres días, estuvo

fuerte hasta el último momento de su vida, según los socorristas y periodistas que la rodearon. Durante los tres días, estuvo

pensando solamente en volver al colegio y en sus exámenes. El fotógrafo Frank Fournier, hizo una foto de Omayra que dio la

pensando solamente en volver al colegio y en sus exámenes. El fotógrafo Frank Fournier, hizo una foto de Omayra que dio la

vuelta al mundo y originaron una controversia acerca de la indiferencia del Gobierno Colombiano respecto las víctimas. La

vuelta al mundo y originaron una controversia acerca de la indiferencia del Gobierno Colombiano respecto las víctimas. La

fotografía se publicó meses después de que la chica falleciera. Muchos ven en esta imagen de 1985 el comienzo de lo que hoy

fotografía se publicó meses después de que la chica falleciera. Muchos ven en esta imagen de 1985 el comienzo de lo que hoy

llamamos Globalización, pues su agonía fue seguida en directo por las cámaras de televisión y retransmitida a todo el

llamamos Globalización, pues su agonía fue seguida en directo por las cámaras de televisión y retransmitida a todo el

Mundo.

Mundo.

Una de las fotografías más famosas de Leibovitz es esta imagen del 8 de diciembre

Una de las fotografías más famosas de Leibovitz es esta imagen del 8 de diciembre de 1980 tomada tan solo 5 horas antes del asesinato de John Lennon.

Anna-Lou Leibovitz (n. Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.En 1983 ganó un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum, al año siguiente fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año. En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express y en abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la nombró «Leyenda viviente».

1962. Alguien de los súbditos iraníes da la bienvenida a su líder. 1965. Una patrulla

1962. Alguien de los súbditos iraníes da la bienvenida a su líder.

de los súbditos iraníes da la bienvenida a su líder. 1965. Una patrulla de Alemania Oriental

1965. Una patrulla de Alemania Oriental vigila durante la construcción del muro.

1968. Praga. 1974. En el ring Muhammad Ali y George Foreman.

1968. Praga.

1974. En el ring Muhammad Ali y George Foreman.

1968. Praga. 1974. En el ring Muhammad Ali y George Foreman.
1966. Vanessa Redgrave durante el rodaje de Un hombre para la eternidad. 1967. Vietnam del

1966. Vanessa Redgrave durante el rodaje de Un hombre para la eternidad.

1967. Vietnam del Sur.

1966. Vanessa Redgrave durante el rodaje de Un hombre para la eternidad. 1967. Vietnam del Sur.

Fitografías que han escrito la Historia

Fitografías que han escrito la Historia 1960. John Kennedy ha ganado las elecciones a la presidencia
Fitografías que han escrito la Historia 1960. John Kennedy ha ganado las elecciones a la presidencia

1960. John Kennedy ha ganado las elecciones a la presidencia de los EE.UU.

10 MEJORES DEL 2003 World Press Photo

10 MEJORES DEL 2003 World Press Photo 1 El World Press Photo es el certamen más

1

El World Press Photo es el certamen más prestigioso de fotografía de prensa. Jean-Marc Bouju ganó este año con esta fotografía tomada en Irak

2

En la categoría de "Noticias del momento", el premio fue para Noel Quidu quien fotografió esta imagen en Liberia.

para Noel Quidu quien fotografió esta imagen en Liberia. 3 En total se registraron 63.093 fotos.
para Noel Quidu quien fotografió esta imagen en Liberia. 3 En total se registraron 63.093 fotos.

3

En total se registraron 63.093

fotos. Ésta, de Philip Blenkinsop tomada en Laos, conquistó el primer premio en la categoría "Gente en las noticias".

4 Primer premio para Lu Guang en la sección "Temas contemporáneos". Guang retrató a un

4

Primer premio para Lu Guang en la sección "Temas contemporáneos". Guang retrató a un enfermo de VIH/SIDA en una pueblito de China.

5

Como era de esperar, muchas de las imágenes ganadoras provienen de Irak. Esta foto pertenece a Carolyn Cole de "Los Ángeles Times".

pertenece a Carolyn Cole de "Los Ángeles Times". 6 La competencia incluye fotos de la "Vida
pertenece a Carolyn Cole de "Los Ángeles Times". 6 La competencia incluye fotos de la "Vida

6

La competencia incluye fotos

de la "Vida cotidiana". El segundo premio fue para el danés Erik Refner.

7 Mientras que el primero para el belga Bruno Stevens por su fotografía de un

7

Mientras que el primero para el belga

Bruno Stevens por su fotografía de un café en la calle Rashid, en Bagdad.

8

Adam Nadel se llevó el primer premio en "Deportes". Este equipo fue fotografiado jugando al fútbol en Sierra Leona.

equipo fue fotografiado jugando al fútbol en Sierra Leona. 9 Dentro de la misma categoría, el
equipo fue fotografiado jugando al fútbol en Sierra Leona. 9 Dentro de la misma categoría, el

9

Dentro de la misma categoría, el australiano Craig Golding se llevó el tercer galardón.

el australiano Craig Golding se llevó el tercer galardón. 10 Esta fotografía de una oficina en

10

Esta fotografía de una oficina en la India significó el

primer premio en "Historias personales" a Jan Banning.

1990. Hungría. Un monumento a Stalin que va a ser reciclado. 1995. El edificio del

1990. Hungría. Un monumento a Stalin que va a ser reciclado.

1990. Hungría. Un monumento a Stalin que va a ser reciclado. 1995. El edificio del parlamento

1995. El edificio del parlamento alemán después de su remodelación y antes de la presentación.

1978. Irlanda del Norte. Una calle en Belfast. 1986. Salvador. Recién nacidos.

1978. Irlanda del Norte. Una calle en Belfast.

1978. Irlanda del Norte. Una calle en Belfast. 1986. Salvador. Recién nacidos.

1986. Salvador. Recién nacidos.

Fotógrafo Max Aguilera Saiud, sobre estas fotos: Operación de espina bífida, el procedimiento correctivo en

Fotógrafo Max Aguilera Saiud, sobre estas fotos: Operación de espina bífida, el procedimiento correctivo en veintiún semanas en útero. El doctor levanta su mano, Samuel reacciona al toque y exprime el dedo del doctor. Como si probando la fuerza, el doctor sacude el puño diminuto.

Samuel reacciona al toque y exprime el dedo del doctor. Como si probando la fuerza, el
1973: La imagen es la del entonces presidente de Chile Salvador Allende momentos antes de

1973: La imagen es la del entonces presidente de Chile Salvador Allende momentos antes de su muerte, durante el golpe militar del 11 de septiembre que puso en el poder al general Augusto Pinochet. La foto fue conseguida por Marvine Howe para The New York Times pero no se sabe quien fue su autor.

The New York Times pero no se sabe quien fue su autor. 1976: Françoise Demulder de

1976: Françoise Demulder de la agencia Gamma se convirtió en la primera mujer en ganar el premio del World Press Photo con su foto de palestinos refugiados en Beirut, Líbano.

1960: Yasushi Nagao tomó esta fotografía momentos antes de que un estudiante asesinara -durante un

1960: Yasushi Nagao tomó esta fotografía momentos antes de que un estudiante asesinara -durante un discurso- a Inejiro Asanuma, presidente del Partido Socialista japonés. El premio hizo posible que Nagao viajase por todo el mundo, algo que muchos no podían hacer en esa época en Japón.

algo que muchos no podían hacer en esa época en Japón. 1964: Don McCullin tomó esta

1964: Don McCullin tomó esta foto cuando se encontraba en Chipre trabajando para el periódico británico The Observer. La imagen es la de una mujer turca que acaba de descubrir el cuerpo de su marido.

Un soldado de carne y hueso La foto ganadora de David Turnley La fundación World

Un soldado de carne y hueso

La foto ganadora de David Turnley

La fundación World Press Photo celebra el 50 aniversario de su competencia anual de fotografía y por este motivo la BBC le presenta algunas de las imágenes premiadas En esta muestra, uno de los ganadores, David Turnley, describe como logró capturar con su lente la imagen de un joven sargento del ejército estadounidense al momento en que se entera que su amigo se encontraba muerto, en una bolsa a su lado. Esta fotografía, ampliamente publicada, se convirtió en un icono de la Guerra del Golfo en 1991, en un momento en que la publicación de imágenes estaba restringida por el Pentágono, como ha sucedido con la actual guerra en Irak.

El World Press Photo, el certamen más prestigioso de fotografía de prensa, celebra este año su cincuenta aniversario. Ésta es una galería de algunas de las fotos ganadoras durante su medio siglo de existencia. Advertencia:

algunas imágenes pueden herir la sensibilidad de los lectores. Foto de Mogens von Heaven ganadora del primer concurso en 1955.

1986: Alon Reininger de Contact Press luchó durante su carrera para que el tema del

1986: Alon Reininger de Contact Press luchó durante su carrera para que el tema del SIDA se refleje en las noticias. Ésta foto muestra a una de las victimas del SIDA, Ken Meek, con su piel marcada por las lesiones del sarcoma de Kaposi, una enfermedad derivada del Síndrome de Inmunodeficiencia

una enfermedad derivada del Síndrome de Inmunodeficiencia 1992: En Somalia, una madre se prepara para enterrar

1992: En Somalia, una madre se prepara para enterrar el cuerpo de su hijo, muerto a raíz de la hambruna. Éste fue el primero de dos premios que el fotógrafo James Nachtwey ganó en dos años.

Paul Vreeker de Reuters ganó el segundo premio en la categoría "Gente en las Noticias" por esta poderosa imagen de un inmigrante iraní manifestando contra los propuestas de leyes sobre asilo en Holanda.

contra los propuestas de leyes sobre asilo en Holanda. Esta foto tomada en la región de
contra los propuestas de leyes sobre asilo en Holanda. Esta foto tomada en la región de

Esta foto tomada en la región de Darfur en Sudán fue la ganadora en la categoría "Retratos". Su autor es Adam Nadel, quien es representado por Polaris Images.

es Adam Nadel, quien es representado por Polaris Images. El segundo lugar en la categoría "Vida

El segundo lugar en la categoría "Vida Cotidiana" fue para esta imagen de una integrante de la Antigua Hermandad Bautista Alemana tomada en Ohio, EE.UU., por Krisanne Johnson mientras trabajaba para US News y World Report

De las miles de fotografías tomadas durante las elecciones estadounidenses, ésta fue la que llamo

De las miles de fotografías tomadas durante las elecciones estadounidenses, ésta fue la que llamo la atención de lo jueces. Primer premio en la categoría "Gente en las Noticias" para Christopher Morris, de VII, para la revista Time.

David Robert Swanson del diario Philadelphia Inquirer captó a un soldado estadounidense durante una emboscada en Irak el 6 de abril de 2004.

durante una emboscada en Irak el 6 de abril de 2004. Otro de los premiados fue

Otro de los premiados fue el fotógrafo Shaul Schwarz de la agencia Corbis por la imagen de un niño que participó en los saqueos de febrero en Puerto Príncipe, Haití.

de la agencia Corbis por la imagen de un niño que participó en los saqueos de
Paolo Pellegrin de la agencia Magnum cubrió el funeral del líder palestino Yasser Arafat para
Paolo Pellegrin de la agencia Magnum cubrió el funeral del líder palestino Yasser Arafat para la revista Vanity
Fair.
líder palestino Yasser Arafat para la revista Vanity Fair. Daniel Aguilar (México) Mención de Honor. Categoría

Daniel Aguilar (México)

Mención de Honor. Categoría de 'Actualidad'

Agencia Reutes

Un acusado de asesinato, detenido en un vehículo por uno de los partidarios del ex presidente haitiano Jean Bertrand Aristide

Jahi Chikwendiu, del Washington Post, se llevó el premio a la mejor foto categoría "Naturaleza" por esta imagen de un tormenta de arena en Chad.

por esta imagen de un tormenta de arena en Chad. El segundo premio en la categoría
por esta imagen de un tormenta de arena en Chad. El segundo premio en la categoría

El segundo premio en la categoría "Noticias" fue ganado por Yuri Kozyrev de la revista Time por esta foto de la tragedia ocurrida en la escuela rusa de Beslan, Osetia del Norte, en septiembre.

El primer premio en la categoría "Acción deportiva" fue para el británico Bob Martin por esta fotografía para Sports Illustrated de una eliminatoria en la natación de los Juegos Paralímpicos.

Bob Martin por esta fotografía para Sports Illustrated de una eliminatoria en la natación de los
Breaker Boys Fotógrafo Lewis W. Hine 1910 Nace la fotografía social. El trabajo infantil denunciado

Breaker Boys Fotógrafo Lewis W. Hine 1910 Nace la fotografía social. El trabajo infantil denunciado por el Comité Nacional de Trabajo Infantil: Niños en las minas.

por el Comité Nacional de Trabajo Infantil: Niños en las minas. Foto Erik Refner ganadora de

Foto Erik Refner ganadora de World Press Photo/2001

Foto Steve McCurry/National Geographic. 17 años más tarde, el famoso fotógrafo de National Geographic regresa
Foto Steve McCurry/National Geographic. 17 años más tarde, el famoso fotógrafo de National Geographic regresa

Foto Steve McCurry/National Geographic. 17 años más tarde, el famoso fotógrafo de National Geographic regresa a Afganistán en busca de la joven refugiada que la hizo mundialmente conocido. La joven refugiada de ojos verdes se llama Sharbat Gula. Tiene ahora 34 años y tres hijos, está casada y vive en Afganistán bajo un burka raído.

verdes se llama Sharbat Gula. Tiene ahora 34 años y tres hijos, está casada y vive
Foto James Nachtwey ganadora de World Press Photo/1994 Uganda Mike Wells 1980 Una espeluznante imagen

Foto James Nachtwey ganadora de World Press Photo/1994

Uganda

Mike Wells

1980 Una espeluznante imagen del hambre

World Press Photo/1994 Uganda Mike Wells 1980 Una espeluznante imagen del hambre Foto ganadora de World

Foto ganadora de World Press Photo/1980

Tomoko Uemura in Her Bath “ Niña japonesa envenenada por el mercurio vertido al agua

Tomoko Uemura in Her Bath “ Niña japonesa envenenada por el mercurio vertido al agua por la empresa Chisso” W. Eugene Smith

1972

Earthrise (William Anders durante una misión a la Luna del Apollo 8 en 1968

por la empresa Chisso” W. Eugene Smith 1972 Earthrise (William Anders durante una misión a la

Dèsirée Martín

El premio a lo mejor fotografía de prensa se concedió por primera vez en el año 1942, y el premio a la mejor composición musical en el año 1943. Entre los años 1970 y 1979 se crearon los premios de ensayo, crítica y ficción literaria. Sólo los reportajes y fotografías de diarios (o noticieros diarios) con sede central en los Estados Unidos pueden ser propuestos como candidatos a los premios en la categoría de periodismo. El premio va acompañado de un cheque de 10.000 dólares (USD), excepto el Premio al Servicio Público - el más importante - al que se le otorga la medalla de oro. También otorgan como curiosidad un bote de mantequilla en honor a H.A.M que el premiado tira al público.

en honor a H.A.M que el premiado tira al público. Con esta foto, Dèsirée Martín ganó
en honor a H.A.M que el premiado tira al público. Con esta foto, Dèsirée Martín ganó

Con esta foto, Dèsirée Martín ganó el premio Ortega y Gasset en la categoría de fotoreportaje. Dèsirée cuenta que en el cayuco iban alrededor de 70 personas y los miembros de la guardia costera lanzaron tres botellas de agua que tenían para su propio consumo. La llegada de millares de inmigrantes africanos a las costas de Tenerife hizo que Dèsirée Martín, una bióloga que vive en las islas Canarias, dejara los laboratorios e hiciera guardia en los puertos para ser testigo de esta ola de personas que llegan a Europa con la intención de tener una mejor calidad de vida. Dèsirée Martín ganó el premio Ortega y Gasset en la categoría de fotoperiodismo con una de estas imágenes.

Desirée Martín permaneció subida durante cuatro horas en el rompeolas del puerto de los Cristianos esperando el desembarco del cayuco. Era un caluroso 21 de marzo de 2006 cuando esta fotógrafa de 32 años, que apenas llevaba seis meses especializada en inmigración, durmió otra noche más en el puerto, dentro de su coche, para no perderse la llegada de las embarcaciones con el pasaje más desgraciado que pisa las costas de Canarias.

Arribó tras dos días de calma. A bordo del cayuco viajaban 72 subsaharianos y dos magrebíes, a quienes en los interrogatorios posteriores la policía requisó los móviles y el dinero por creer que eran los patronos. Ese día el puerto de los Cristianos registraba un tráfico intenso, por lo que el cayuco tuvo que esperar varias horas antes de tocar puerto. Desde la dársena, recuerda Desirée Martín, se veía a los inmigrantes gesticular desesperadamente en demanda de agua. La Guardia Civil les lanzó tres botellas desde el aire, las que ellos llevaban para consumo propio.

en demanda de agua. La Guardia Civil les lanzó tres botellas desde el aire, las que

Compaginación y diseño: Manuel S. Miranda Parreño