2 diálogo

mayo-junio 2009

4-13 portada
En este número, Diálogo discute la influencia de la glo-
balización en el arte. Nuestra reportera Ana Teresa Toro
explora, junto a sus entrevistados, las nuevas geografías
que la red cibernética ha trazado a las artes plásticas
y su impacto en la difusión y el contenido de las obras
artísticas contemporáneas. También, Portada incluye
dos reportajes sobre las iniciativas que emergen desde
foto por Ricardo Alcaraz
algunos museos locales para lograr mayor acercamiento
y receptividad del público.

19-21 desafío 30-31 vida sana

Presentamos un recorrido por las principales El año pasado, alumnos videntes y no videntes
actividades de la feria de arte contemporáneo más participaron del curso de escultura del programa
grande del Caribe, CIRCA 09 y Circa Labs@Plaza, Sin Fronteras del Museo de Arte de Puerto Rico,
a través de tres crónicas interesantes a cargo del impartido por un profesor con impedimento
columnista J.E. Fernández y los periodistas Diana visual que ha logrado desarrollar métodos para
Soto de Jesús y Manuel Clavell Carrasquillo. hacer arte desde otro “punto de vista”.

27 contrapunto 32-33 entre estudiantes

Las noticias reiteradas de casos de violencia contra Un grupo de 25 graduandos de Bellas Artes y
mujeres llevan a la profesora Margarita Mergal Educación en Arte del Recinto de Río Piedras de
a reflexionar sobre dos temas: los currículos de la Universidad de Puerto Rico participará en la
estudios del género y la autonomía universitaria.  exhibición Expo Graduandos 09 a partir del 5 de
mayo en la galería Francisco Oller.

28 locutorio 34-35 internacional

Durante la década de los noventa, una serie de
El profesor y crítico de arte Manuel Álvarez Lezama
acontecimientos transformó la doctrina del
analiza el estado actual de las artes visuales en
derecho internacional, dando paso a un panorama
Puerto Rico.
que apunta a que la época de la impunidad por
crímenes cometidos por altos funcionarios de
gobierno durante el ejercicio del poder ha pasado
a la historia.

Universidad de Puerto Rico • Año 22 - núm. 218 • mayo-junio 2009 Directora: Aiola Virella García
Editora: Odalys Rivera Montalvo
Editor Desafío: Manuel Clavell
Subeditora: Edmaris Otero Jover
Redacción: Ana Teresa Toro, Hermes
Ayala, Yennifer Álvarez Jaimes, Pablo
Arroyo y Elba Betancourt
Jardín Botánico Sur #1187 calle Flamboyán, San Juan Puerto Rico 00926-1117 Corrección: Manuela García
E-mail: periodicodialogo.upr@gmail.com • Teléfono: (787) 763-1399 • Fax: (787) 250-8729 Fotografía: Ricardo Alcaraz Díaz
Arte: Claudia Flórez Galindo
Editor Diálogo Digital:
Eduardo Andrade Gress
Subeditora Diálogo Digital:
Norenid Feliciano
Administración, ventas y
suscripciones: Noemí Núñez Díaz
Gerente Proyectos Especiales:
Perla Sofía Curbelo
Seaceptancolaboraciones.Diálogosecomprometeaexaminarlas,perono
necesariamenteapublicarlas,nicontestarcorrespondenciarelacionada.Las
colaboracionesdebenenviarlasadobleespacioynodebenexcederdelas
trescuartillas(papel81/2x11).Diálogosereservaelderechodeeditarlos
textosporrazonesdeespacioyhacercorreccionesdeestilopertinentes.
LaUniversidaddePuertoRicoesunpatronoconigualdaddeoportunidades
enelempleo.Nosediscriminaencontradeningúnmiembrodelpersonal
universitariooencontradeaspiranteaempleo,porrazónderaza,color,
género,nacimiento,edad,impedimentofísicoomental,origenocondición
social, ni por ideas políticas o religiosas.

Juntillas
Maga
A l igual que a Mercedes López
Baralt, quien fue la respondiente
del discurso de incorporación de
Magali García Ramis a la Academia
Puertorriqueña de la Lengua, eso de la
maga como flor nacional no me entu-
siasma mucho. Seguimos siendo gente
de amapola, con la que envolvíamos
nuestras casas y liábamos cigarrillos de
embuste. Eso sí, las dos agasajamos la
memoria de la Maga de Julio Cortázar,
el personaje inolvidable de Rayuela,
texto que interceptó tantas angustias
y deseos rayados por el exilio y por las
convocatorias, a veces cónsonas, otras
disonantes, del arte y la política. Nos
hermana también, como a tantos otros
de la ínsula, de las tierras allende del
charco y del mundo sin límites de sus
lectores, una pasión por la Maga García
Ramis con todo y sus nombres de cola:
Fredeswinda y Antonia.
Allí estuvimos, en ese Ballajá tan
vasto y tan solo, donde me parece
que todavía resuenan las órdenes
marciales o los pasos sigilosos de las
“norsas” militares cuando se llamó
Hospital Rodríguez, para ver a Magali
transformada en académica. No hubo
metamorfosis kafkiana que le tornara
adusto el gesto o pomposa el habla.
La Maga fue la de siempre: popular
sin ser populachera, generosa sin
condescender y crítica sin caer en el
esnobismo o el nihilismo. Con caden-
cia justa y nostalgia calibrada, elaboró
simultáneamente un diario memorioso
y un alfabeto significante para cumplir
con el ritual que exige la Lengua ins-
titucional pero también para satisfacer
la otra lengua, la del habla compartida,
la del buen y cascabelero decir.
En su discurso de corte cinema-
tográfico, se sucedieron los close-ups
de piel y de alma de su familia: las
famosas tías profesionales avant la
lettre en el Puerto Rico de los treinta;
la madre políticamente incorrecta; los
hermanos, el de arriba y el de abajo, y
su padre militar y guardabosque, que
arrastraba las r y a quien le dedicó su
alocución. Se paseó la cámara de las
palabras por las escenografías de su
amado Santurce, sede de su novela de
crecimiento Felices días tío Sergio; por
Río Piedras, donde aún inculca a sus
alumnos y compañeros los secretos
de la narración periodística a la vez
que se faja en poco glamorosos pero
necesarios comités universitarios; por
Nueva York, donde revalidó en vivo
y directo su admiración por el inglés
diálogo 3
mayo-junio 2009
urbano y cool de novelas que saben a the
wee small hours of the morning y a diners
pintados por Edward Hooper.
Son lugares de la memoria que
pueden desatar lágrimas furtivas o
estrujamientos de corazón. Pero en
aquella noche de su incorporación, los
flashbacks de Magali no fueron melco-
chas de nostalgia sino revisitaciones,
serenas unas, jocosas las más, sobre una
vida que se acompasa con muchas de
las nuestras, la de los hijos del ELA y de
la modernización de Puerto Rico. Las playas, ¿públicas o privadas?
Fue un discurso inminentemente
político, no en el sentido de embudo de Las costas de Puerto Rico albergan uno de los recursos más valiosos y
nuestros sesgos y utopías sino en el de la maravillosos con que cuenta el País: las playas. Pero, al parecer, en muchos
articulación de una identidad individual, casos, el uso y disfrute de estos paraísos se ha convertido en un privilegio de
familiar y social en medio de profundas pocos más que un derecho de todos, aun cuando la ley exige el libre acceso.
transformaciones en el país natal y en Diálogo Digital presenta un video-reportaje investigativo.
el mundo. ¿Cómo coloreó Magali el
mapamundi que convocaron nuestros
maestros en disciplinados salones de
clase? ¿A qué viajes de 20,000 leguas
submarinas, a corazones en la oscu-
ridad, a islas desiertas o Kilimanjaros
nevados le llevaron sus lecturas febriles
y fantasías de medianoche? ¿Qué
historias ejemplares, vidas de santos
y personajes ilustres compró todos los
miércoles en la farmacia cercana para
armar sus altares y panteones de hé-
roes? ¿A quién le creyó, a sus parientes
republicanos para quienes la historia
conéctate
www.
comenzó en 1898, a los que celebraron
el nacimiento de Puerto Rico en 1952 o
dialogodigital.
al tío perseguido por el doble carimbo
de nacionalista y homosexual? De todo
eso nos enteramos con las letras como
señales y con los recuerdos propios
detonados al menor giro del calendario
com
de Maga.
En algún momento supo que sólo
podría vivir aquí; que sólo podría
Comunicación profunda,
escribir, hablar y querer en español; que
sus relatos saciaban un afán genealógico
variada e inclusiva
sobre el quehacer
irreprimible. Conocer siempre del que
vino antes, de los que desembarcaron
un día, de los que nunca salieron, de las puertorriqueño
que se armaron de valor y fueron a es-
y el acontecer
mundial.
tudiar al Norte, de las que se guardaron
en alcanfor en los baúles inamovibles
de una casa, siempre alquilada, nunca
adquirida.
Fue una noche espléndida que agra-
dezco hondamente por el desinterés, Infórmate, opina y
que es siempre la cifra más íntima del
arte, que nos hizo, en lengua española participa al alcance
de ultramar, Maga. de un clic en
dialogodigital.com
Silvia Álvarez Curbelo
Presidenta Junta Editorial Diálogo
 4 diálogo
PORTADA
Ana Teresa Toro mayo-junio 2009

En-redados:
el arte después de la Web
Una de las obras
queNaydaCollazo
Lorens expusoen
CIRCA.

Hoy día, a cualquier hora un

puertorriqueño puede ver lo
que se está haciendo en Tokio,
alguien en Berlín puede ver una
obra reciente hecha en Brasil
y alguien desde Australia que
foto por Ricardo Alcaraz

quiera curiosear por Irlanda

o Estados Unidos no tendrá
problemas para ello. El acceso
a ese conocimiento amplía
sin duda el horizonte creativo
y referencial pero: ¿hasta qué
punto?

U tilicemos la metáfora más tropical. Resulta
evidente que es imposible conocer los estragos
de un huracán, el saldo del paso de una
tormenta o de unas copiosas lluvias hasta que la
vorágine climática ha cesado. Del mismo modo, es una
tarea atrevida y arrojada comprender las repercusiones
de la globalización en el arte o en cualquier manifestación
cultural, económica y política; así como el resultado de la
revolución mediática que representa la incursión del
Internet, puesto que aún todo esto nos está sucediendo.
dialogodigital.com
Sin embargo, sí es posible explorar las primeras
reflexiones que se desprenden de este fenómeno
que vive esta generación. Diálogo indagó sobre
cómo la tan mentada globalización, que facilita la
red cibernética, ha tenido impacto en el contenido,
la difusión y la rentabilidad de las obras artísticas
contemporáneas.
“Esto ha abierto el mundo, ha generado
intercambios, ha permitido que artistas puedan
viajar, ha ayudado a la expansión de las ferias porque
ahora se puede viajar de manera barata. Todo esto
después de Internet”, opinó el curador independiente
español Paco Barragán quien visitó la Isla con motivo
de la cuarta edición de CIRCA, la principal feria de
arte contemporáneo del Caribe y Centroamérica que
se realizó en San Juan a mediados de abril.
Desde su posición, este profesional también
apuntó que uno de los aspectos más saludables en
cuanto a lo que ha generado la red es la posibilidad
–como es su caso– de afianzar la figura del
curador independiente que viaja con sus proyectos,
refrescando así las perspectivas desde las que se
estructuran los proyectos artísticos. Igualmente,
Barragán celebra el hecho de que se cuenta con un
apabullante acceso a la información a través de la
Web y con las herramientas tecnológicas cada vez
más avanzadas y accesibles que posibilitan estos
cruces de contenidos.
“Recibimos, manipulamos y circulamos las
imágenes y los contenidos de un modo distinto.
“La repercusión que han
tenido los nuevos medios es avasallante y yo
honestamente creo que esa repercusión vamos a
tardar mucho tiempo en calibrarla porque ahora
mismo estamos tan en ella”, advirtió el doctor
Dorian Lugo de la Escuela de Comunicación del
recinto riopedrense de la UPR, quien imparte el
curso de Teorías de Significación y Cultura, entre
otros, e incluso ha incursionado en la escena
artística con la publicación Saqueos.
Según Lugo, lo que sí puede observarse
con claridad es la gran aportación en términos
de gestión cultural que ha representado esta
revolución mediática, la más grande desde la
imprenta. “Gracias a los nuevos medios muchos
artistas no tienen que pasar por tantos filtros o
mediadores para dar a conocer su obra como
antes”, señaló el profesor quien, por otro lado,
considera que aunque no está muy claro qué
tipo de relación tenga esto con los contenidos
que trabajan los artistas, sí es posible intuir
que el hecho de que se puedan saltar escalones
como los galeristas u otras industrias culturales
puede repercutir en una menor edición de los
contenidos.
Ahora bien,hasta dónde esta democratización
de la información genera una banalización
de los contenidos, entre otras cosas, ya es un
debate distinto. “No hay que ofrecerle una
mirada nostálgica a los tiempos de antaño,
de los grandes cedazos. Yo le doy una absoluta

Cambia la sociedad y cambia el modo en que esa

La Internet ha abierto
una puerta a nuestros artistas
paradifundirampliamentesutrabajo.
sociedad influye en el arte y en cómo el arte reflexiona
sobre su propia historia”, apuntó el curador.
Es alucinante, a juicio de la mayoría de los
artistas entrevistados, la dimensión de la puerta
que ha abierto el Internet tanto para la difusión de
sus obras como para los contenidos que trabajan.
bienvenida a los tiempos contemporáneos
pero a la vez hay que permanecer alerta. Esta
democratización no supone tampoco mayor
rigor en la calidad de los contenidos, pero
tampoco supone empobrecimiento, no es ni una
ni la otra”, elaboró.
 mayo-junio 2009
PORTADA diálogo 5

Los contenidos
Esta discusión no es una verdadera
novedad. Quizás el medio sea novedoso
pero la experiencia es conocida, sobre
todo en el mundo del arte. Desde el
Renacimiento, el viaje, el intercambio
cultural, las interacciones sociales, políticas,
económicas, geográficas y personales
siempre han tenido repercusiones en las
obras, su difusión y sus contenidos. Un
artista de los Países Bajos viajaba a Italia y
esa influencia entraba en su obra. Van Gogh
no habría sido quien es si no hubiese tenido
acceso a los grabados japoneses. El arte del
siglo XX no sería el mismo sin el acceso al arte
africano y oriental. Lo que resulta notable es
la incursión de nuevas herramientas que en
muy poco tiempo pierden vigencia.“Ya no se
recurre a la tecnología por la curiosidad de
desentrañarla y experimentar con ella, ese
aspecto más formal”, anotó Paco Barragán
quien confesó estar más interesado en obras
que utilizan la tecnología para llegar a otra
parte. Por ejemplo, un artista que proyecta
una pintura. Es un vídeo pero es pintura,
hay una “sobre posición” de medios que
le resulta más estimulante como curador
versus la pintura en sí.
“No creo que un artista hoy, a principios
del siglo 21 pueda estar pintando como
Velásquez hacía en su día porque cada buen
artista refleja también la sociedad en la que
vive, las preocupaciones, los medios, etc…
Cuando a un artista le llegan las imágenes,
la información, la publicidad, el vídeo,
todo eso influye y eso de alguna manera lo
tienes que reflejar en tu práctica”, expresó
el curador, quien colabora con CIRCA desde
sus comienzos.
El origen de esto tiene mucho que ver
además con lo que apunta el joven curador
local Ralph Vázquez, quien recuerda
que muchos de los artistas emergentes
trabajan influenciados por la publicidad.
“Nos apropiamos de técnicas de revistas de
moda, de tipo National Geographic. Somos
Según el
pintorpuer-
torriqueño
RafaelTrelles
(alcentro)el
artistaseha
convertido
en un
recreador
dedistintos
productos
culturales.
La influencia de
la publicidad es
palpableenmuchas
obras de arte
contemporáneo
comoestapiezaque
Edgrado Larregui
expuso en CIRCA.
personas que nos hemos criado con una
gama de literatura alternativa y cuando
hacemos arte ahora asumimos esa estética
y nos damos cuenta de cómo la publicidad
ha sido nuestro patio trasero. Muchas de
nuestras estrategias de representación
las hemos tomado de la publicidad y no
tanto de nuestra propia historia del arte”,
explicó.
De otra parte, el artista y crítico Pedro
Vélez –cuya entrevista telefónica fue
posible precisamente gracias a la red–
consideró que el contenido de las obras
no cambia por razón de la tecnología,
sino que más bien lo que ha cambiado
es la forma de distribución de la obra y el
acceso del público a ésta. “Un artista que
trabaja una obra en la Web no es mejor,
peor o diferente a un pintor. Ambos,
en este momento histórico, aplican
estrategias estéticas socio-políticas, de
carácter trans-regional y acorde con la
globalización”, dijo esta polémica voz
de la escena del arte local conocida por
muchos por el blog Box Score, desde el
cual además de trabajar crítica de arte y
documentar actividades relacionadas,
lanzó los señalamientos más frontales y
desenfadados ante las polémicas artísticas
nacionales.
Desde el punto de vista del artista
puertorriqueño Rafael Trelles, esta
presencia de la red y los cambios que
fotosporRicardoAlcaraz
ha supuesto la globalización
también pueden apreciarse en
lo que considera un cambio de
materiales primarios. Según
su experiencia, los productos
culturales como la publicidad
han pasado a ocupar ese
lugar que antes tenía quizás
el pigmento o el barro en su
sencillez. “El artista se ha
convertido en un reconstructor y
un recreador de estos productos
culturales, muchos artistas están
apropiándose de imágenes, de
fotografías, de información
de diferentes épocas y su
trabajo es reconstruirlos y
reinterpretarlos en una nueva
obra”, señaló Trelles. El creador
de la instalación Visitas al
Velorio –una reinterpretación
del cuadro de Francisco Oller–
considera que la posición de los
artistas en torno a estos nuevos
estilos de hacer se divide entre la
resistencia a la globalización para
preservar una identidad cultural
y a su vez, la apertura hacia la
influencia que llega a través de
los medios de comunicación. Una obra de Clemente Labin
Esto, según elabora, nos lleva a
repensar las colonizaciones culturales y cómo han mundo, de los países en desarrollo están
cambiado de dirección. tomando toda esa información cultural y
mandándola para allá. Hay una reinvasión”,
Nuevas geografías destacó Trelles, en cuyo gesto se advierte la
“¿Dónde comienza y dónde termina una fascinación por la novedad y la memoria de
lo vivido.
geografía?”, se preguntó el profesor Dorian
Lugo. El artista se refiere además al paralelismo
Para un boricua es mucho más probable que tiene este tipo de cruces con los flujos
sentirse más cerca de un nuyorquino que migratorios de la actualidad; situación global
de un jamaiquino, o incluso encuentre más que ha producido mucha irritación desde
empatía con un europeo que con un haitiano. los puntos de vista de los estados receptores
Así, maleables, como hechas de plasticina, pero que, a nivel cultural, ha resultado en un
parecieran ser las nuevas fronteras y las encuentro afortunado. Igualmente, Pedro
nuevas geografías que propone la red.Incluso, Vélez apunta que a quienes verdaderamente
con nuevas formas de transculturación y ha ayudado el acceso fácil y barato a la
migraciones de contenidos. nueva tecnología han sido a los artistas
dialogodigital.com

“Hasta ahora la dirección de la de regiones marginadas por los grandes

colonización cultural era de las grandes
potencias hasta sectores del tercer mundo
y nos sentimos siempre ocupados por
esa cultura poderosa. Sin embargo, ahora
con la globalización los artistas
del tercer
centros culturales, a los colectivos de artistas
activistas, en especial a los de Latinoamérica
y Asia.
Continúa en la página 10
 6 diálogo
PORTADA
Viene de la página 9
Enlawebexistensitioscomo
elportalelmuseovirtual.com
dondesedifundenlasobrasde
distintos artistas.
sean menos relevantes, a la vez que recuerda
que “el aislamiento intelectual, emocional y
geográfico del país hace que todo esto llegue
más tarde. Somos una isla dentro de otra
isla”.
Entre tanto, Celina Nogueras, directora
artística de Circa, elaboró respecto al valor
de las repercusiones de la globalización
en la superación del costumbrismo y del
folclorismo en el arte puertorriqueño.
Nogueras comentó que en un momento
Los entrevistados dado las inquietudes en Puerto Rico
coinciden en que el caso de Puerto estuvieron cifradas en el tema patrio, lo que
Rico, como todo país, acarrea unas implicó una exaltación y recreación en el arte
particularidades y variables que hay
de lo denominado nacional y que a menudo
que tener presentes al hablar de nuevas se tradujo en folclorismo. Evidentemente,
geografías. Según Vélez: “Puerto Rico es una una nación asechada, debe afianzar su
zona marginada por nuestro estatus político, identidad.
anticuadas instituciones culturales y la Pero, mientras esto sucedía a principios
prensa cultural amateur del mainstream”,
del siglo XX, el mundo comenzó a cambiar
aunque no restó mérito a ejemplos como sus temáticas. El Impresionismo relegó
el hecho de que los artistas que trabajan en a un segundo plano la representación de
la Isla puedan subscribirse fácilmente a la la realidad. “Aquí todo eso llegó mucho
escuela del Relational Aesthetics de Nicolas más tarde y el cartel, que dicen que es
el movimiento más
importante de Puerto
fotoporRicardoAlcaraz
Rico, realmente era un
movimiento educativo
que utilizó la gráfica y
a verdaderos maestros
del arte, pero tú no
puedes exportar el cartel
como el movimiento
más importante de
Puerto Rico porque
realmente no lo es”,
ejemplificó Nogueras,
sobre los procesos
locales tardíos y las que
considera incongruentes
evaluaciones posteriores.
Entonces, el arte
contemporáneo en la Isla
se topa con un doble reto:
primero insertarse en
Exposición de obras de el imaginario colectivo
Luis Hernández Cruz local que muchas veces,
en CIRCA Bourriaud o que el trabajo que la artista si se piensa de modo masivo, considera
Carmen Olmo produce hoy en día desde su arte “legítimo” a obras en las que se habla
computadora en Santurce es paralelo al del
únicamente del piragüero y la caña de
yugoslavo Vuk Cosic, uno de los pioneros del
dialogodigital.com
azúcar, es decir afianzarse como propuesta
net art en la década de los noventa. en la masa pues en los círculos culturales ya
Por su parte, la directora de Artes lo ha hecho; y en segundo plano insertarse
Plásticas del Instituto de Cultura Puertor- en los discursos globales cada vez más
riqueña (ICP) y curadora Marilú Purcell
cruzados, cada vez más ambiguos. La red
celebra que no haya tantas barreras para la propone nuevas fronteras. El artista tendrá
comunicación y que los tabúes poco a poco que cruzarlas, con papeles o sin ellos.
mayo-junio 2009
Narciso en la red
Los contenidos artísticos que se publican en la
Web como la documentación visual de activida-
des, textos, piezas híbridas fundamentadas en la
más absoluta libertad de expresión cargan consigo
el estigma y la lectura que mucha de la informa-
ción de las redes sociales arrastra: son el reflejo
de una sociedad más narcisista que se mira a sí
misma constantemente en el espejo virtual. Ahora
bien, ¿cuánto de cierto hay en este planteamiento?
¿Tiene esto alguna repercusión en la obra de los
artistas contemporáneos?
“Eso es simple y sencillamente una interpreta-
ción”, opinó el curador Ralph Vázquez. “Nos ponen
una etiqueta de narcisistas o de personas ensimis-
madas para liberarse de la responsabilidad de te-
ner que conocernos realmente”, añadió.
Y es que una cosa son los fenómenos narcisis-
tas que puedan identificarse en la red, donde per-
sonas documentan el más ínfimo detalle del más
banal instante de su vida y otra muy distinta es
que esto represente una especie de quiebre social
mayor o que implique la construcción de una so-
ciedad más conectada y a su vez ensimismada a
través de la red. Pues como plantea el profesor de
Comunicación, Dorian Lugo, el arte contemporáneo
no es más narcisista que los múltiples autorretra-
tos de Rembrandt en el siglo XVII o los de Alberto
Durero en el XVI.
A juicio de Lugo esto es una tendencia que pa-
reciera ser un reclamo generacional inevitable y
que históricamente se repite una y otra vez. “No
es que la generación contemporánea sea más nar-
cisista que la anterior, yo honestamente creo que
ahora hay mayores posibilidades mediáticas para
exhibir el narcisismo de antes”, apuntó Lugo sin ol-
vidar por otro lado, que la Web provee un espa-
cio no sólo para el culto al yo sino para el culto
al no yo, al anonimato o al seudonimato que per-
mite una enorme libertad de expresión, nunca an-
tes experimentada.
Además, hay que tener en cuenta que después
de mayo del 68, conocido por las masivas confron-
tacioes de la policía y los universitarios en Francia
y causante de una gran decepción de la posibili-
dad de reivindicaciones sociales, el auge del indivi-
dualismo en más de un aspecto se hizo presente.
“Ya no se detectan por ejemplo en Puerto Rico ne-
cesariamente movimientos artísticos. Vivimos en la
individualidad”, aportó la directora artística de CIR-
CA, Celina Nogueras, quien rechaza la idea de que
el Internet nos ha hecho no sólo sociedades más
narcisistas sino que además, ensimismadas. Nogue-
ras considera que estas conexiones virtuales suelen
ser, sobre todo en el caso de las relaciones pro-
fesionales entre artistas y miembros de la industria
cultural, un preludio de un encuentro personal.
De otro lado, Marilú Purcel, directora de Artes
Plásticas del ICP, observó que “esas redes sociales
cibernéticas han creado una colectividad que no
había antes”.
Desde el punto de vista de artistas jóvenes como
Norma Vila, Josué Pellot y Karlo Ibarra el conside-
rarse o no narcisista no necesariamente representa
un conflicto al momento de plantearse su obra. “Ha-
blo de mí porque es lo que conozco mejor”, asevera
Pellot, cuya obra utiliza su experiencia como puerto-
rriqueño criado en Chicago y en ocasiones a sus fa-
miliares como personajes para hablar de una expe-
riencia común a cualquier ciudadano transculturado.
Mientras que Vila opina que ambas vertientes son
absolutamente válidas y de gran peso artístico. Es
decir, que el tema social, político y colectivo no se
opone al tema psicológico, íntimo y personal. Inclu-
so, las barreras entre ambos están muy difusas.
En cuanto a qué resulta más interesante global-
mente, el curador independiente Paco Barragán, le
apuesta sin reparos a los artistas que hablan des-
de lo local, desde ese yo con identidad y no aquel
yo genérico que, por querer ser tan global acaba
por no decir nada. Un yo colectivo parece imponer-
se. Una ambigua cohesión de ideas, tan maleables
como los tiempos modernos. [ATT]

mayo-junio 2009
fotoporRicardoAlcaraz
- ¿Sabes, cuál es el problema? Que yo ya fui hippie,
ya fui posmoderna, ya fui zen, ya fui militante, ya fui
frívola, ya fui linda, ya fui sexy, ya fui esposa, ya fui
amante, ya fui fóbica…
-¡Pero si es genial tener una vida intensa! ¡No
entiendo cuál es el problema!
- … Que ya fui. establecer una medida pues el resultado de esta vorágine se
Maitena, caricaturista argentina
V
ivimos los tiempos donde a
prácticamente todo lo pensable se le
puede adherir el prefijo post.
Postmodernismo, post feminismo, post
estructuralismo, post realismo, post cubismo; en fin,
las posibilidades son ilimitadas. Incluso hemos
llegado al punto en que esas categorías son
insuficientes. Esta generación ha venido a ser la
heredera de todos los post. Los post, post. Esto sin
duda, en el marco de las artes plásticas propone
reflexiones muy particulares en términos de la
búsqueda de tendencias en las obras artísticas.
“En las exposiciones que hacemos aquí en la
escuela vemos siempre cosas muy distintas entre
sí, no esas diferencias tan marcadas que se daban
cuando yo me crié que había esa pugna en los 50
y 60 entre el arte abstracto y el arte de contenido”,
expresó la rectora de la Escuela de Artes Plásticas,
Marimar Benítez, quien de otra parte observa no
una tendencia sino una proliferación de obras con
contenido abiertamente político y de preocupaciones
sociales como, por ejemplo, la violencia doméstica.
“Yo diría que durante los 90 los artistas estaban
más preocupados por hacer carrera. Pero ahora veo
un regreso a esa idea del artista como productor
social, como generador de actividades que están
a favor de la comunidad”, añadió Benítez, cuya
opinión nos hace pensar en casos como el proyecto
PORTADA
Ana Teresa Toro
Hijos del post
Coco d`Oro en el Barrio La Perla, liderado por el artista
Edgardo Larregui o el espacio cultura ÁREA, en Caguas
iniciado por el artista Quintín Rivera Toro.
Sintonías
Si se fuese a trazar alguna línea que relacionara las
obras de los artistas contemporáneos probablemente sería
tan enrevesada como una tela de araña. Así pues, es más
efectivo hablar de puntos de encuentro y desencuentros.
Según el crítico de arte y artista, Pedro Vélez, no se puede
está cuajando ahora. Sin embargo, sí contempla un regreso
a la figura humana, a la abstracción bien expresiva hecha
con aerosol y a la pintura abstracta. Igualmente destacó lo
que considera es una mirada retro a la identidad cultural,
marginal y la radical. También apuntó que en Puerto
Rico cualquier tema político siempre será relevante para
cualquier generación o artista.
Por otra parte, la directora de Artes Plásticas del
Instituto de Cultura Puertorriqueña y curadora, Marilú
Purcell, ha observado que un puñado de artistas entre sus
35 y 45 años ha comenzado a manifestar en su obra una
verdadera preocupación de volver a la maestría técnica
y a la valorización del efecto deslumbrador de un objeto
artístico de creación compleja.
“No podemos olvidar que somos una sociedad global,
virtual y que tenemos unas sofisticaciones visuales que
no teníamos hace 20 años pero tenemos que volver al
producto, a que el objeto sea una cosa con contenido y
forma”, dijo.
Esa vuelta a la valorización del objeto no
necesariamente se encuentra con generaciones más
jóvenes. El curador Ralph Vázquez describe lo que percibe
entre sus pares con una metáfora. “Qué es lo que hacen
los artistas, pues hay una maquinaria operando y ellos
tienen una piedra en la mano. Miran la máquina, miran
la piedra, le tiran con todo y siguen caminando. Esa es la
moda”, advirtió quien considera que su generación está
en el proceso de desbancar la maquinaria ideológica que
ha sustentado el pensamiento artístico en la Isla durante
décadas. “Queremos rescatar una serie de elementos que
heredamos de la generación del 50 que se perdieron con
diálogo 7
“The Last Supper”, una
de las obras de Caros
Betancourtexpuestasen
CIRCA.
las generaciones subsiguientes y que se rescatan con la
generación del 90”, especificó.
De otro lado, el doctor Dorian Lugo, considera que en
los últimos 15 años se ha retornado al arte conceptual,
o como le han llamado el neo o post arte conceptual. En
estas propuestas el profesor se ha fijado en que se recurre
a respuestas de bajo presupuesto como mecanismo
de resistencia hacia una sociedad hipertecnologizada,
muchas de las cuales no le resultan tan ingeniosas como
por ejemplo las ofertas de la Web.
“Estas otras propuestas no llevan el ribete de que es
arte y se realizan con una frescura, un afán de compartir,
un juego y muchas veces uno puede echar eso de menos
en el ambiente del arte contemporáneo”, señaló Lugo
consciente de lo controversial de su postura.
“El arte está constantemente reformulándose,
reinventándose. No es un reproche hacia la comunidad
artística, yo mismo tuve que ver con ella en un momento,
pero siento que el golpe, la embestida de los nuevos medios
es tan grande, estamos todos repensándonos”, aclaró.
No se puede dejar de lado tampoco el contexto histórico.
Fechas cercanas como el 11 de septiembre, la Guerra de
Irak y todo lo que esto ha acarreado mundialmente, traen
algunos regresos al conservadurismo. Tal y como ha
sucedido en el pasado tras momentos similares. Opina el
curador Paco Barragán que ese regreso a la pintura, al arte
más clásico y tradicional que algunos puedan percibir en
los distintos mercados del arte, tiene su origen en estos
contextos.
“Eso no aporta nada al discurso contemporáneo.
Creo que esta crisis actual tiene que traer un arte nuevo
en el sentido de que no sea un arte tan especulativo, tan
fetichista con lo tecnológico”, aseveró el español quien por
otro lado se atreve a ofrecer sus vaticinios con relación al
futuro.
“Pienso que será un arte más introspectivo, menos
espectacular. También un poco más relacionado con el
tiempo de una nueva conciencia del aquí y el ahora. Si el
dialogodigital.com
postmodernismo era el todo vale, el copy paste, el collage.
Entonces ahora habrá un quiebro, un retorno a lo que yo
llamo neo modernismo, que recuperará ciertas virtudes
de ciertos movimientos, habrá relecturas, un neo barroco,
neo anarquismo, neo gótico”, finalizó apostándole además
a una entrada triunfal a la época de la narrativa, del story
telling.
 8 diálogo
Aunque las ferias
constituyen un
importanteespacio
para promover
el arte, su fin es
esencialmente
comercial.
El mercado del arte:
un pulpo de tentáculos complejos
H ablemos claro. El arte es un
mercado como cualquier otro
donde el dinero impera y son
pertinentes los conceptos de empresa e
industria.
Entender cómo opera este mercado,
cómo se mueve el arte a través de mecanismos
como las galerías, los museos, las ferias, las
bienales, los coleccionistas y otros elementos
de las industrias culturales requiere que se
tengan presentes multiplicidad de variables.
¿Cuáles son los criterios para que una obra
adquiera determinado valor en el mercado?
La respuesta a esa pregunta es tan subjetiva
y variada como el arte en sí mismo. Factores
como por ejemplo, la opinión de un crítico, la
trayectoria del artista, el lugar de origen del
artista, la moda, el tema, la presencia de una
pieza en una bienal, los premios, la exposición
mediática, las tendencias en las “sedes” del
arte en el mundo, la muerte del artista, las
conversaciones que su obra entable con una
tradición plástica, el criterio de compra del
coleccionista y la adquisición de la pieza por
un museo, son algunos de los elementos que
alteran y hacen fluctuar el valor de una pieza
y por consiguiente su rentabilidad. Contrario
a otros mercados, donde elementos como
el costo de producción y el juego de oferta y
demanda suelen ser más determinantes en el
dialogodigital.com
valor del producto.
Y es que en cuestiones de arte, el mercado
pareciera que se comporta como un pulpo
cuyos tentáculos deben estar en sintonía
para que una carrera prospere. De acuerdo a
nuestros entrevistados tres tentáculos de este
pulpo parecieran no moverse de una manera
PORTADA
Ana Teresa Toro
muy sincronizada. Entre estos emerge la
figura del coleccionista, un personaje medio
mecenas para algunos y medio oportunista
para otros. Uno de los entrevistados cuestionó,
por ejemplo, los criterios de selección de estas
personas al momento de adquirir una pieza.
“La mayor parte de los coleccionistas
son de otros países y vienen aquí, hacen
sus fortunas y son extremadamente
malagradecidos con nosotros, nos dicen no,
preferimos coleccionar arte extranjero. Es
increíble lo colonizado que está el sector del
coleccionista y yo como curador me he dado
a la tarea de tratar de atraer a gente nueva
al espacio del coleccionismo”, dijo Ralph
Vázquez, quien ofreció su perspectiva sobre la
situación local y aclaró que evidentemente no
todos funcionan de ese modo.
Por su parte, el curador español Paco
Barragán, postuló que lo que los coleccionistas
compran, pasa más rápidamente a recibir un
aval institucional y académico. Es decir, que el
mercado está sentando las pautas con relación
a la valoración de una obra y un artista.
Otro de los tentáculos que tampoco
parece funcionar en completa sintonía a
juicio de uno de los entrevistados, es el de los
galeristas. “Tienen que salir de su posición
de comodidad, de vender para decorar.
Deben ayudar a mover las carreras de los
artistas, sobre todo en el extranjero. Sino,
no son más que vendedores glorificados”,
indicó la directora artística de CIRCA, Celina
Nogueras
Finalmente, están las plataformas
que representan las ferias cuyo fin es
esencialmente comercial y las bienales, en las
que, aunque el propósito no es precisamente
la venta, la llegada de una obra a un evento
de esta naturaleza dispara sus precios y sitúa
al artista en una posición de privilegio en el
mercado.
A juicio del artista Pedro Vélez, recién
seleccionado como integrante de la
Asociación Internacional de Críticos de Arte
(AICA) en Estados Unidos, “la feria es un
evento estrictamente comercial”.
Sin embargo, para Barragán, quien
próximamente publicará un libro sobre este
tema, “no es correcto decir que las ferias son
puro mercado porque hay propuestas muy
interesantes allí y las bienales también son
mercado aunque a mucha gente no le guste”.
No obstante, Vélez opinó que al final lo
que se ve y el contexto dependen del curador
de la Bienal o el director de la Feria. “Esta
cosa de una feria curada es bastante nueva
y se hace para complacer o contrarrestar la
idea de la feria como un bacanal comercial”,
subrayó. “Tenemos el caso de una Trienal
que parece una feria comercial. La Trienal
Poligráfica ha sido curada para exponer
obra de artistas en la colección privada
de los Berezdivin y así subir su valor en el
mercado”, aseguró.
Vélez, además, señaló que la falta de una
discusión cabal de este tipo de asuntos en
la esfera pública, igualmente, por conflictos
de intereses entre los medios comerciales
de mayor alcance, el gobierno y el sector
privado, provoca que este tipo de esfuerzos
no logre consolidar la industria artística e
institucionalizarla de un modo eficiente y
transparente.
mayo-junio 2009
fotoporRicardoAlcaraz
Falta de infraestructura
y de fiscalización
A estos factores se suma el rol de las
instituciones culturales gubernamentales
que deben velar por el mejor interés de
los artistas y la más eficiente difusión de
sus aportaciones culturales. Todo esto
interfiere directamente con cómo opera
el mercado.
En el caso de Puerto Rico se cuenta
con organismos como el Instituto de
Cultura Puertorriqueña, el Museo de
Arte de Puerto Rico, el Museo de Arte
Contemporáneo y la Escuela de Artes
Plásticas, entre otros. Sin embargo, su
existencia no garantiza que la máquina
de la industria artística del país funcione
a cabalidad. Al menos en eso coincide la
mayoría de los entrevistados, al establecer
que el mismo problema de pobre o
ninguna fiscalización que afecta a otras
dependencias del gobierno salpica por
igual a las instituciones culturales.
Del mismo modo, la solidez de la
infraestructura privada y pública para
sostener la industria del arte en el país no
puede operar sin otras estructuras.
“Aquí en Puerto Rico estamos pro-
duciendo muchos artistas y muy poca
infraestructura para los artistas, con eso
nos referimos a críticos, galeristas, histo-
riadores de arte, curadores, periodistas
de cultura. Todo eso lo necesitan los ar-
tistas para sobrevivir y estar en el mer-
cado porque el mercado no son sólo los
coleccionistas”, puntualizó la Directora
Artística de la Feria de arte CIRCA.
 PORTADA
mayo-junio 2009
Ana Teresa Toro
Cuatro obras con historia
El arte desde su origen ha tenido un vínculo muy fuerte con lo político, lo social y,
naturalmente, con lo cultural. Para ejemplificar esas relaciones hemos seleccionado cuatro obras
importantes en la historia del arte que establecieron estrechos lazos con su contexto histórico.
El pan nuestro de cada día
La obra “El pan nuestro de cada día” de
Ramón Frade pintada en el año 1905 es sin duda,
una de las piezas emblemáticas de la historia
del arte puertorriqueño. Sobre todo por su valor
como documento histórico que ilustra una
realidad social, política, cultural y económica
del País muy relevante para entender las décadas
posteriores y la forja de los iconos de lo nacional y
del folclorismo. Con un estilo realista, el cayeyano
Ramón Frade (1875-1954) logró capturar la vida
del típico isleño de inicios del siglo XX. Esta pieza
es considerada su obra maestra.
La obra muestra a un jíbaro, un hombre
descalzo y pobre pero orgulloso y dignificado,
con un semblante serio; un hombre limpio.
Evidentemente, una reivindicación de una
sociedad marginal y de un estado decadente
en sus recursos pero rico en dignidad y virtud.
Esta pieza es una de las obras que mayores
relecturas ha suscitado. En esta edición vemos
la obra del artista Camilo Torres, quien con su
estilo particular incrusta en la iconografía de
esta pieza toda una serie de nuevos contenidos y
resignificaciones.Como él,muchos han regresado
a conversar con esta pieza con multiplicidad de
obras en diferentes medios.
Con experiencias de vida en España,
República Dominicana y estudios en Italia este
artista se destacó por pintar estampas de las
principales ciudades coloniales. Además trabajó
como arquitecto. Su obra puede apreciarse en el
Museo Ramón Frade de la Universidad de Puerto
Rico en Cayey.
diálogo 9
Guernica
Una de las obras de arte más importantes
del siglo XX lo es sin duda, el Guernica de
Pablo Picasso. No sólo por su valor como
obra plástica sino por el contexto político
y social en el que fue creada.
Esta obra de 137.4”por 305.5”, fue
pintada en los meses de mayo y junio
de 1937. Fue bautizaba así en alusión al
bombardeo de la ciudad de Guernica,
ocurrido el 26 de abril de dicho año,
durante la Guerra Civil Española. Fue la
primera ocasión en dicha guerra donde se
registraron bajas civiles, o sin eufemismos,
asesinatos de inocentes no implicados en el
conflicto. La inmensa pieza, fue un encargo
del Gobierno de la República Española con
el propósito de que fuera expuesta durante
la Exposición Internacional de 1937 en
París, a modo de comentario político a
favor de la causa republicana.
Ya en 1940, al establecerse el régimen
dictatorial del general Franco en España,
Picasso permitió que el cuadro fuese
custodiado por el Museo de Arte Moderno
de Nueva York (MOMA). No obstante, dejó
expresada su voluntad de que cuando su
patria volviese a la democracia, el cuadro
debía volver a España. Esto sucedió en
el año 1981. Primero fue expuesta en el
Casón del Buen Retiro y finalmente llegó
en el año 1992 al sitio que hoy la alberga en
exposición permanente: el Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Si bien sus múltiples lecturas siguen
generando discusión y debates, su valor
artístico es indiscutible. De hecho, una
gran aportación de esta pieza es la
inmensa cantidad de bocetos que el artista
dejó y que muestran cómo fue poco a poco
creándose la obra. De hecho, es una de las
piezas con más documentación sobre su
proceso creativo. Incluso, algunos de estos
bocetos, estudios y fotografías se exhiben
en la sala del museo donde está la obra. Una
herramienta de gran valor para cualquier
estudioso del arte o artista en ciernes.
El Guernica no sólo es una obra viajera
que ha vivido, al igual que muchos
españoles, el exilio y el regreso, sino que
es considerada un icono del arte del siglo
XX, por su valor como documento visual
dialogodigital.com
de los horrores de la guerra, sobre todo en
comunidades de inocentes y como ejemplo
de la obra del maestro del cubismo Pablo
Picasso.
Continúa en la página 10
 10 diálogo
PORTADA
Viene de la página 9
African American Flag
Una de las obras estadounidenses más llamativas por
su valor político y reivindicativo de derechos civiles, es
indudablemente la pieza “African American Flag” del artista
afroamericano David Hammons (1943) conocido por sus
obras –muchas de ellas instalaciones– trabajadas en el Nueva
York de los años 70 y 80.
La pieza, que actualmente pertenece a la colección
permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York
(MOMA), propone un discurso visual y de objeto artístico
que nos remonta a los años 60 y 70, en medio de todos los
movimientos de derechos civiles y del denominado Black
Power Movement.
Buscar una pieza en el avasallante cuerpo de obras de
artistas estadounidenses que realmente represente el valor
político y social de una tradición plástica con mucha “garra”,
puede ser una tarea inacabable. Sin embargo, consideramos
que esta pieza arroja un poco de luz con relación al tipo de
presencias importantes que han tenido obras de arte y
acciones de arte en la historia contemporánea de la primera
potencia mundial.
Este artista realizaba acciones de arte que difuminaban las
líneas divisoras entre lo público y lo privado con propuestas
como por ejemplo un performance denominado Bliz-aard Ball
Sale (1983) en el que el artista se colocaba a sí mismo entre los
vendedores callejeros de Manhattan y vendía bolas de nieve,
con precios conforme a su tamaño. De este modo, Hammons
pretendía realizar una parodia no sólo del intercambio
capitalista sino de la naturaleza del intercambio de obras de
arte por dinero a través de mediadores como las galerías.
Su obra, al igual que la de muchos artistas de su momento,
se distinguió por mantener una postura antisistémica, con
obras que renegaban de la construcción del mercado del arte
como el performance o la instalación. Sin embargo, décadas
después como apunta el curador independiente español Paco
dialogodigital.com
Barragán, este tipo de propuestas termina siendo avalada
por las instituciones y hoy día un museo que carezca de una
instalación o en el que no se haya presentado un performance
es una auténtica rareza.
mayo-junio 2009
Pinturas de Castas
Hoy día la fotografía tradicional de la familia con todos sus integrantes es prácticamente
algo estándar en las paredes de los hogares alrededor del mundo. En el caso de Puerto Rico, o
de cualquier país hijo de una herencia de mestizaje, es muy normal que en el mismo retrato
familiar aparezca un padre blanco, una madre con la tez oscura pero no del todo negra y
un montón de hijos, blancos, negros, con el pelo rojo, negro o rubio, etc. Sin embargo, esta
experiencia que nos resulta común hoy día, en la época colonial en América representaba una
auténtica rareza que había que codificar y explicar. Sobre todo a los peninsulares, que nunca
habían pisado América y su imaginario de ese nuevo mundo se constituía básicamente de
mitos y de las imágenes creadas por artistas.
De esa necesidad ilustrativa surgió un interesante y estudiado fenómeno plástico en la
Nueva España (México) del siglo XVIII, aunque más tarde hubo ejemplares similares en el
Perú. Se trata de las pinturas de castas, un síntoma más de la Ilustración, en las que se intentaba
representar las múltiples castas que surgían como producto del mestizaje. Llama la atención,
además de lo cargadas ideológicamente que estaban estas piezas (por ejemplo la mujer negra
lucía agresiva y violenta y la blanca elegante y sumisa) los nombres que les otorgaban a los hijos
producto de estas mezclas raciales.
Algunos ejemplos son: de español e india = mestiza; de español y mestiza = castiza; de
español y castiza = español; de español y negra = mulata; de español y mulata = morisca; de
español y morisca = albina; de español y albina = torna atrás. Las categorías se extienden a
sobre 40 mezclas codificadas, algunas incluso con nombres de animales como la categoría lobo.
Los nombres de las castas variaban de región a región y cambiaban a través del tiempo o de
acuerdo al gusto del artista y sus clientes.
Estas obras, algunas de ellas expuestas en el Museo de América en Madrid, entre otros
espacios –muchos de ellos iglesias del periodo colonial– son un claro ejemplo del valor
documental de la pintura y del valor con relación a la reproducción de imaginarios que tenía
la producción plástica de la época colonial. Además de la necesidad de ilustrar y codificar un
universo humano nuevo, verdaderamente nuevo.

mayo-junio 2009
fotos por Ricardo Alcaraz
C onscientes de que los
museos deben ser
espacios que ofrezcan
diversas experiencias culturales
al público, los promotores y
encargados de estas dependencias
en el sistema de la Universidad de
Puerto Rico (UPR) han desarrollado
una serie de iniciativas para romper
con el paradigma de que estos
lugares son exclusivos para los
conocedores de arte.
El Museo de la UPR en Cayey (fotos a la izquierda) y el de Casa Roig en Humacao también brindan distintos talleres artísiticos dirigidos a los niños y a los jóvenes.
PORTADA
“Todavía en Puerto Rico se ve
el museo desde la dimensión del
siglo XIX, como un lugar en donde
se recogen objetos, se cuidan y se
exhiben; como un lugar de paso
en donde el ser humano hace
una iniciación una vez en su vida
y no regresa después”, declaró
el profesor Humberto Figueroa,
director del Museo de Arte Dr.
Pío López Martínez de la UPR en
Cayey.
Yennifer
Álvarez Jaimes
El Museo de Historia,
AntropologíayArtedela
UPRofrecetalleresdearte
alpúblicolibresdecosto.
De acuerdo con Figueroa, el
museo debe verse como un lugar
en donde se genera actividad
que se va renovando y que es
parte del día a día. Diálogo
exploró cómo los museos de
la UPR enfrentan el desafío de
acercarse al público valiéndose
de esta otra percepción.
Sacar el arte de
las cuatro paredes
El Museo de Arte Dr. Pío
López Martínez organiza todos
los veranos talleres para jóvenes
de las comunidades aledañas
para que tengan contacto con
el arte, conozcan el museo, sus
funciones y se “apropien del es-
pacio”. Además, este programa
brinda una oportunidad para
que artistas que están inicián-
dose en este ámbito muestren su
talento y sus obras impartiendo
talleres a los más jóvenes.
Según el educador del museo,
Jonathan Berríos, en cada taller
se elabora una obra de arte
Vital
acercar a la
comunidad
a los museos
público para donarla a la UPR en
Cayey. Entre las más conocidas está
la Escalera Letrada, una estructura
de al menos 30 peldaños ubicada
cerca de la Rectoría que se cubrió
toda con mosaicos.
“En esa ocasión se decoró
mediante la pintura las huellas de
las escaleras y el piso de la placita
de descanso frente al Museo. Los
diseños trabajados a través de
moldes y patrones elaborados
por los estudiantes se sirven de la
tradición de la decoración de pisos
de las culturas persa, islámica y de
la clásica grecorromana. A esto se
suma la huella caribeña mediante
la incorporación de flora y fauna
autóctona que a su vez, sirve como
firma de los participantes”, indicó.
Destacó además que la serie
de murales elaborados por los
participantes de este tipo de
taller y capitaneados por la
artista Sofía Maldonado es otro
de los proyectos de arte público
que han quedado como legado al
recinto cayeyano.
diálogo 11
Espacio de todos
“Hasta hace poco la gente de
Humacao no se atrevía a entrar tan
siquiera a la casa y entendían que
era territorio de una clase intelectual
que se reunía en ciertas actividades
y no como un espacio del cual
pueden participar”, observó Teresa
Brigantti, directora del museo Casa
Roig de la UPR en Humacao. Pero
de acuerdo con la funcionaria en
los pasados dos años los esfuerzos
han sido dirigidos a integrar a la
comunidad universitaria y a la
población en general al museo.
Ubicado en la calle Antonio
López, en el casco urbano de
Humacao, el Museo Casa Roig está
más cerca de la comunidad pero
alejado del recinto humacaeño.
Brigantti indicó que la misión
de la entidad es “dejar muy claro
a la gente que esa estructura es
mucho más que el antiguo hogar
de una familia acaudalada con
el mismo nombre sino una de
las obras más importantes del
arquitecto checoslovaco, Antolín
Nechodoma”.
Continúa en la página 12
dialogodigital.com
Teresa Brigantti, directora de Casa Roig.
 12 diálogo
PORTADA mayo-junio 2009

El Museo de Arte
fotosPrensaRUM

deMayagüezestará
listo a finales del
2009.

Primeros pasos
para la acreditación
Ninguno de los museos
del Sistema UPR ha logrado
obtener la acreditación
del Asociación Americana
de Museos, aún cuando el
primero de ellos, el Museo de
Historia, Arte y Antropología
del Recinto de Río Piedras,
abrió sus puertas en 1951. En
la actualidad, sólo el Museo
de Arte de Ponce tiene esta
acreditación en la Isla.
Todos los directores de
Viene de la página 11 Posibilidades para todas “Hay un profesor de etnobotánica del siglo pasado y posteriormente museos en la UPR, coincidieron
en que hay varios factores
las ramas de estudio [ciencia que estudia la interacción pasó a ser el Antiguo Instituto de que retrasan el que se
Todos los semestres y durante Para Flavia Marichal, directora entre los seres humanos y su Agricultura Tropical. El proyecto pueda obtener este tipo de
ocho semanas, el objeto de estudio del Museo de Historia, Antropología entorno vegetal] de la Facultad de de remodelación tiene un costo de acreditación. Resaltaron entre
es la propia Casa Roig, y al menos 30 ellos, la falta de una cultura
y Arte del Recinto de Río Piedras no Ciencias Naturales que siempre trae sobre $4.7 millones provenientes filantrópica en Puerto Rico que
estudiantes de las escuelas públicas es sorpresa que muchos estudiantes [a los estudiantes de] su curso a ver del Programa de Mejoras les dé estabilidad económica,
toman talleres dirigidos en ese del Primer Centro Docente del País El Velorio y estudian los objetos de Permanentes de la UPR y según la el problema de planta
museo. Brigantti explicó que en la física y las plazas vacantes
no hayan visitado el museo durante etnobotánica que hay en esta obra directora del MuSA, Laura Bravo sin nombrar en el equipo
actualidad, gracias a una propuesta su vida universitaria. de Francisco Oller y a eso es que ha enfrentado retrasos debido a la administrativo.
federal, se intenta rehabilitar un “Tenemos muchos alumnos deberíamos movernos más, porque complejidad de la reconstrucción. Sobre la importancia de la
edificio aledaño a la Casa Roig acreditación, Flavia Marichal,
que estudian y trabajan”, reconoció muchos de los estudiantes no van a El MuSA tendrá dos salas sin directora del Museo de
para lograr “que la estructura se Marichal, a la vez que destacó venir [al museo] solos”, sostuvo. ninguna separación y estarán Historia, Arte y Antropología,
convierta en la pieza principal” y la responsabilidad que tiene el De otra parte, Marichal destacó iluminadas por un techo de opinó que es fundamental para
donde se puedan hacer exposiciones crear la confianza a la hora de
claustro a la hora de integrar en el esfuerzo que realizan por integrar cristal, con todas las precauciones que posibles mecenas donen
que dialoguen con la casa misma sus programas de clase actividades a la comunidad externa a través y todos los mecanismos para dinero u obras de arte.
sin que haya intervención de las que vinculen al museo como de los talleres de arte que ofrecen lograr preservar de la luz las Por su parte, el jefe del
oficinas administrativas.La mayoría Museo Dr. Pío López Martínez
herramienta educativa. todos los domingos, libres de costo, obras. También, la estructura en la UPR en Cayey, Humberto
de los talleres que se imparten en De acuerdo a la curadora, a niños, jóvenes y adultos. albergará el Senado Académico Figueroa aclaró que la reciente
el museo están enfocados en la hay múltiples maneras de hacer del RUM y tendrá en la planta visita del presidente de la
Asociación Americana de
exploración y el estudio del diseño atractiva una visita al museo y de Primer museo de inferior varias salas pequeñas en Museos, Ford Bell se trata de
arquitectónico. hacerla pertinente al estudiante. arte en Mayagüez las que se exhibirán en principio una etapa inicial en la que se
Por retrasos en su rehabilitación, la colección de acuarelas del establecen relaciones cordiales
para iniciar los pasos para
fotosporRicardoAlcaraz

se espera que el Museo de Arte y
Senado Académico (MuSA) del
Recinto Universitario de Mayagüez
(RUM) esté culminado para finales
del 2009.El edificio,cuyo proyecto de
remodelación comenzó en el 2005,
a cargo del arquitecto Jaime Cobas,
mantendrá su estructura antigua,
pero se convertirá en sede de un
Flavia Marichal,
directoradelMuseo museo moderno. El edificio fue sede
de Historia, de la Clínica Saint Marie a principios
AntropologíayArte.
Un grupo de esco-
lares contempla el
cuadrodeElVelorio
queesutilizadopor
dialogodigital.com
científico aguadillano Agustín
Stahl, quien documentó en más
de 700 acuarelas toda la flora
puertorriqueña que existía en el
siglo XIX, de las cuales el MuSA
posee más de 500. Además, el
museo albergará la obra del artista
mayagüezano Marcos Irizarry,
cuya colección consta de más de
cien obras en distintos medios
-pinturas, grabados, serigrafías y
dibujos- que en valor sobrepasan
el millón de dólares.
De otra parte, Bravo destacó
que aunque el museo no ha
entrado en operaciones, el
trabajo de vinculación con la
comunidad universitaria no ha
cesado. “Nuestro afán es que la
gente sepa que MuSA será más
que un edificio y aunque no está
inaugurado, tenemos el registro
de la colección más grande de las
obras de Marcos Irizarry y está
lista para exponerse”. También
la acreditación. Sin embargo,
el proceso de acreditación es
lento y según Figueroa, la UPR
debe tener muy presente cual
es la realidad puertorriqueña
en cuanto al manejo de
los museos en ánimo de
mejorar muchos aspectos
fundamentales.
Figueroa opinó que
“Estados Unidos está muy
claro de que el museo es una
institución que es parte de los
instrumentos de la dimensión
social, económica y cultural”.
En Puerto Rico, en cambio, no
se ve el museo como parte
importante en el desarrollo
económico y turístico y la
acreditación toma en cuenta
estos aspectos, así como las
investigaciones, la conservación
y registro de las piezas de
arte. Al momento, todos los
museos se encuentran en
una especie de inventario
para presentar un plan de
acreditación a la asociación.
El funcionario comentó que
de acuerdo a la idiosincrasia
puertorriqueña sería mucho
más efectivo obtener la
acreditación del Consejo

la profesora de teoría y crítica de Internacional de Museos (ICOM).

un profesor de la arte, sostuvo que la organización No obstante, Marichal
UPRparaenseñarle opinó que si se consigue la
a sus alumnos a de congresos para divulgar la obra acreditación de la Asociación
identificarlosobjetos del artista ha sido fundamental Americana de Museos se
de etnobotánica en el proceso de divulgación de probará que los museos de
presentes en esta la UPR están a la par con los
pinturadeFrancisco
la existencia del MuSA entre los estándares requeridos más
Oller. miembros de la comunidad. exigentes. [YAJ]

mayo-junio 2009
fotos suministradas
ElMuseocoordina
alrededorde250
talleres (teóricos
yprácticos)sobre
arteexperimentaly
tradicional.
U na investigación reciente acerca de la situación de
los museos en Puerto Rico reveló que las visitas de
estos espacios culturales en la Isla han ido aumen-
tando durante los últimos años.
El estudio “Los Museos en Puerto Rico”, realizado por
Tendenciaspr.com en conjunto con el Mapa Cultural del
Puerto Rico Contemporáneo, estima entre 600 y 700 mil el
número de visitas anuales a museos en la Isla. De estas visi-
tas, afirma el informe, la mayoría son estudiantes y público
puertorriqueño; el resto, son turistas.
Ante este escenario, se hace imperativo establecer progra-
mas educativos que enlacen a la comunidad con el museo y
que a su vez promuevan un mejor entendimiento de la cul-
tura. En la búsqueda de este tipo esfuerzos en Puerto Rico,
Diálogo exploró la oferta de educación pública del Museo de
Arte de Puerto Rico (MAPR). A continuación una exposición
de lo que se realiza en este espacio de arte y cultura.
“Aprender gozando”
Salas interactivas, recorridos especializados, programas
innovadores para maestros y un ejército de voluntarios, ha-
cen del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR) una de las
instituciones más vanguardistas en términos de visión y
misión pedagógica en la Isla.
Su enfoque, más bien constructivista, hace de la experien-
cia de visitar el lugar algo agradable y ameno, fomentando así
un ambiente para el aprendizaje.
“Aprender gozando”, es el lema que Doreen Colón, directora
y fundadora del Departamento de Educación del MAPR, se em-
peña en utilizar. Colón, quien labora en el MAPR desde antes de
que fuera abierto en el año 2000, no pierde tiempo en declarar
que su pasión es la vida del museo, es poder enseñar cultura a
partir de trabajos artísticos.
El MAPR ofrece
narraciones
dominicales
paraniñosysus
familias.
PORTADA
Norenid Feliciano
Rompiendo
estereotipos
en el MAPR
En este espacio el enfoque sobre la cultura puertorrique-
ña es el privilegiado, afirma la curadora, quien es la única
puertorriqueña que forma parte de la Comisión que organi-
zará y creará lo que será el National Museum of the American
Latino en Washington D.C, en Estados Unidos.
Sobre la forma en que se aborda a los visitantes, la direc-
tora apunta que “la idea es que el visitante (sea niño, adul-
to, adulto experto en arte, niño con impedimento, personas
de escasos recursos) venga aquí a gozar. La idea es aprender
gozando”.
La educadora, quien posee una maestría en Historia del
Arte y Museología de la Universidad Católica de Louvain en
Bélgica, explica que ya no se estila en el siglo 21, a recibir
grupos de visitantes y empezar a una hora y hablar y termi-
nar y dar las gracias. “Hoy día la idea es que el educador es
un facilitador de una experiencia, que va a llevar al visitante
a disfrutar la oferta artística desde su perspectiva individual,
con el bagaje que traigan económico, social, cultural, acadé-
mico, religioso, político.”
Cuando Colón se refiere a gozar indica que hay evidencia
que sostiene que se produce un mejor proceso de aprendiza-
je cuando la experiencia es placentera. Es por esta razón que
uno de los enfoques principales para el desarrollo de las ac-
tividades es el juego.
“Se ha descubierto el placer que le provoca al interlocu-
tor el proceso de juego. Hay un impacto psicológico, impac-
to mental, donde el juego provoca una predisposición a re-
accionar positivamente a lo que se le está presentando. Es
más bien que el juego puede ser un vehículo para provo-
car en el visitante alguna receptividad o alguna apertura”,
destaca Colón. Asimismo añade que algo fundamental es
que en los recorridos el visitante interactúe y participe en el
proceso de descifrar o de leer lo que es la obra de arte.
Para su proyecto educativo,
que como mínimo ha impacta-
do a más de 150 mil estudian-
tes, Colón declara que es funda-
mental la armonía de su equipo
de trabajo. Este está compuesto
de maestros retirados volunta-
rios, bibliotecarias retiradas, es-
tudiantes de arte, y expertos en
museología, arte y educación.
“El equipo de trabajo lo com-
ponen personas jóvenes pro-
fesionales que están enamora-
dísimos del servicio público,
aunque el MAPR es una institu-
ción privada sin fines de lucro”,
insiste.
diálogo 13
Programas públicos
El MAPR también cuenta con algunos programas dirigi-
dos a la familia, los niños y la población con impedimentos.
Muchas de estas iniciativas, de hecho, son gratuitas. Se desta-
can entre ellas: el Programa Escolar y Familiar, el Programa de
la Comunidad, los talleres de arte y el Centro de Investigación.
El programa de Familia y Niños tiene varios componen-
tes, uno de ellos es la Galería ActivArte, subvencionada por la
Fundación Ángel Ramos. Además, cuentan con una división
denominada “Sin Fronteras”, diseñada para personas con im-
pedimentos. Josarie Molina, encargada de coordinar ambas
iniciativas, estableció que al inicio de la conceptualización del
currículo de educación, “se intentó hacer una programación
inclusiva”. Este esfuerzo le permite invitar a estudiantes sordos
para que tengan una experiencia en el Museo de recorrido y ta-
ller. “A través del diseño de la programación para todas las ex-
hibiciones se ofrece un recorrido, textos agrandados para per-
sonas con limitaciones visuales, recorrido con intérpretes de
lenguaje de señas, y de los fondos permitirlo, se ofrecen becas
para recibir grupos de estudiantes, o recibir adultos”, comentó.
Asimismo destacó que también integraron cursos de escultu-
ra. “Primero comenzamos con un grupo que parte eran ciegos
y otros eran videntes y juntos trabajaron escultura. Lo mismo
se realizó con un grupo de sordos”, anotó.
Salón de clases y
centro investigativo
La oferta del Museo, según las entrevistadas, siempre bus-
ca impactar a los niños, pues la mayor parte de los visitantes
son estudiantes entre cuarto y sexto grado. De hecho, ésta es
la tendencia en cuanto al tipo de visitas en otros museos de
Puerto Rico y el mundo. Por tal razón, el MAPR ha convoca-
do a los maestros del País a apropiarse de las instalaciones del
Museo para hacerlo su salón de clases. Sin importar la mate-
ria que enseñe el maestro, a través del departamento de edu-
cación del Museo, el educador puede utilizar guías curricula-
res diseñadas previamente por la institución, o puede diseñar
una guía curricular y ponerla a la disposición de sus colegas.
“Nosotros hemos estado becando a maestros por nueve
años, para que ellas y ellos vean al Museo como una extensión
del salón de clases. Cualquier estrategia pedagógica que ellos
entiendan pueden utilizarla”, resaltó Colón.
“Algo que estamos poco a poco rompiendo es el estereo-
tipo de los museos… que son lugares en silencio, que son lu-
dialogodigital.com
gares aburridos, que tienes que tener un Phd para poder cru-
zar la puerta. Todo ese tipo de cosa la estamos rompiendo en
la medida que estamos haciendo actividades que básicamen-
te están fundamentadas en una metodología constructivista”,
concluyó Molina.
Ver información relacionada en las páginas 30 y 31.
Revelado diálogo 14
mayo-junio 2009
Celso González y Roberto Biaggi:
Entre gigantes y dragones
Por Pablo Arroyo León
Especial para Diálogo
Celso González y Roberto Biaggi ya
perdieron la cuenta de cuántos pedacitos de
loza han utilizado desde que comenzó el viaje
de su colectivo CERO Design.
Cuando se conocieron una noche en
Rumba en el Viejo San Juan, y años más
tarde, cuando fueron compañeros de
clase en California, no imaginaban que
algún día estarían comiendo con palitos
chinos, recorriendo calles en motocicleta y
resucitando dragones en las paredes de la
ciudad taiwanesa de Taipéi, una de las más
importantes de China.
“Encontramos la convocatoria a través
del Internet, y desarrollamos la propuesta.
Primero, nos seleccionaron como finalistas
para presentar el proyecto junto a otros dos
artistas (Corea y Estados Unidos) y con la
presentación nos seleccionaron para realizar
la obra”, cuenta González desde la capital
provisional china.
Ambos desarrollaron la pieza Echoes of
ages, mosaico que por estos días plasman a
toda máquina en la estación de Sanchong
del sistema de transporte colectivo de la
ciudad asiática. Biaggi detalla que la obra se
desarrolla “con rapidez y precisión”.
“Es el mayor trabajo que hemos hecho. El
concepto es la yuxtaposición de lo moderno
dialogodigital.com
-colores abstractos- con lo antiguo o
tradicional -simbolismos realistas. Estos dos
mundos, el de lo ultra nuevo y lo viejísimo, se
entrelazan intensamente en Taiwán, y por eso
los estamos simbolizando en la obra”, añade
desde la que será su casa por los próximos
dos meses.
Por su parte, González explica que la
parte más difícil del proyecto no ha sido
necesariamente su ensamblaje, sino la
diferencia cultural con los taiwaneses.
“Lo difícil es la comunicación con el
cliente y con los suplidores para obtener
materiales”, explica. De no ser por la ayuda
del profesor Tajao Lee, quien les sirve de
traductor, sería casi imposible conversar los
detalles de la obra con las autoridades del
sistema de transporte.
Lo cierto es que, para estos dos boricuas,
incrustar su arte en las paredes de la ciudad
es un asunto más que conocido. Desde que
iniciaron su plan común, han trabajado
proyectos de arte público en varios municipios
de Puerto Rico, como Carolina y Caguas.
No hay más que dar un paseo por la
avenida Campo Rico de la Tierra de Gigantes
fotossuministradas
González y Biaggi
desarrollaron la pieza
Echoes of ages,
mosaico que por estos
días plasman a toda
máquina en la estación
deSanchongdelsistema
detransportecolectivo
de la ciudad taiwanesa
de Taipéi, en China. En
PuertoRico,hantrabajado
proyectosdeartepúblico
en Caguas y Carolina
(abajo).
o pasar por la Baldorioty y observar
al fenecido alcalde de ese pueblo, José
Aponte de la Torre, saludar sonriente a los
transeúntes desde el complejo municipal
que bordea esa avenida. Todas son obras de
los denominados “mosaiqueros” (el término
surgió de una entrevista que les realizaran
en 2004, pero ellos prefieren no abusar de
ese nombre, ya que no se limitan sólo a la
técnica milenaria del mosaico).
Aún así, no pueden escapar al hecho de
que la reunión de pequeños fragmentos de
lozas en colores es lo que imprime el sello de
CERO en todas sus obras.
Para González, el mosaico “es una técnica
milenaria que ha sido probada a través
del tiempo y se conocen sus atributos de
durabilidad y consistencia de sus colores. En
el arte público, esas son grandes cualidades
que se buscan para que sea un legado para
próximas generaciones”; las mismas que se
convierten a diario en el público que valida
sus creaciones.
Biaggi, por su parte, detalla cómo el
ciudadano de a pie se convierte en su mejor
crítico. “No conozco muchos eruditos o
académicos y menos lo que piensan del arte en
general, pero al público sí lo veo reaccionando,
opinando, viviéndose la interacción que les
provee el arte público”, cuenta.
Para ambos, embarcarse en la aventura
asiática que implica Echoes of ages es
una manera de reafirmar el nivel del arte
puertorriqueño. “En Taiwán hay 23 millones
de habitantes, pero en China hay 1.3 billones.
Así que, indirectamente, hemos conquistado
una sexta parte del mundo, y nos enorgullece
mucho ser representantes de Puerto Rico en
estos momentos”, explica Biaggi.
Recientemente, la Isla se convirtió en
plataforma artística con la presentación de la
Feria Internacional CIRCA 09 y la Segunda
Trienal Poligráfica del Instituto de Cultura. Los
mosaiqueros boricuas, aunque aplauden estas
iniciativas, consideran vital apoyar la educación
para afianzar mejor la industria en Puerto Rico.
Biaggi, quien espera publicar su primer
libro de poesía este año, considera que “el país
necesita fondos para darle faena a los artistas;
para mejores escuelas, maestros, programas,
residencias de artistas. Más allá de eso, [es
necesario] educar a la gente mejor, [y crear]
más conciencia sobre la importancia del arte
como salvador de la cultura”.
Su cómplice en esta gesta añade que la
crisis económica global no debe ser excusa
para mermar la producción cultural. Todo lo
contrario, “siempre hay espacios para hacer las
cosas” y, si no se encuentra ese nicho en Puerto
Rico, hay que salir a buscarlo.
Eso es precisamente lo que estos dos
mosaiqueros, creadores, artistas han hecho al
cruzar el Pacífico junto con un crew de otros
ocho puertorriqueños.
En dos meses, su cometido estará listo,
tomarán sus bártulos y regresarán a los 100
x 35, donde esperan continuar desplegando
su galería de mosaicos con tributos a Roberto
Clemente y Julia de Burgos en Carolina, y varias
exhibiciones en galerías –por aquello de colarse
en todos los espacios.
Porque, después de todo, han aprendido que
de eso se trata, de pulular, de zambullirse entre
las calles con colores milenarios.
“Ya tenemos un estilo propio en nuestro
mosaiqueo: muy caribeño, tropical, alegre.
Creemos que retomar un arte tan antiguo y
hacerlo nuestro es gigante”, concluye Biaggi.
fotos por Ricardo Alcaraz
Mayo - junio 2009
 laberinto
dialogodigital.com

editorial

Velocidades indice

del arte
Música Anyone
18 Luis Oldium

directorio
Espectacular mapamundi
22 Boris Mapamundi Aiola Virella - Directora
 
A nte tanto afán de ruptura, revolución y reto, cualquiera Odalys Rivera - Editora Diálogo 
Fuera de la sombra
23
queda lelo ante el bombardeo de las propuestas del arte Manuel Clavell - Editor Desafío
Claudia Flórez - Artista Gráfico
contemporáneo. La resistencia a la apertura de los sentidos más
allá de las fronteras clásicas y modernas se apodera de muchos
Mariana García Benítez Ricardo Alcaraz - Fotógrafo
espectadores que les dan la espalda a las manifestaciones artísticas   Manuela García - correctora          
Rigor Mortis
25
del presente que no se entienden inmediatamente o que a primera dialogodesafio@gmail.com
vista constituyen un revolú tramado por artistas fuera de sí o en
proceso de hospitalización en alguna institución psiquiátrica. El
Farasch López Reyloz
cliché impera.
Aun así, grandes ferias de arte contemporáneo internacionales
como ARCO en Madrid y CIRCA en San Juan
atraen personas de todo tipo y se han conver-

Foto suministrada
tido en espacios de intercambio cultural para
millones. De alguna manera insospechada, las
masas se sienten convocadas por la abstracción,
la utilización de medios no convencionales para
crear piezas de arte, los mensajes fuertes o vulga-
res y, sobre todo, la multiplicidad de productos
artísticos que se exhiben para la venta a pesar de
que no se trata de mercancías “útiles”.
¿Cuál será el discreto encanto del arte
contemporáneo? ¿Su irreverencia superlativa en
todos los términos imaginables? ¿Su maridaje
con otras formas artísticas y la borradura de las
vallas que las separaban radicalmente hasta hace
medio siglo? ¿El relajamiento del protocolo, de
la pompa y circunstancia, de los estándares de
pureza y purismos, del lenguaje afectado con el
que se identificaba la estética cuasisagrada de
un Oller, un Miguelángel?
No tengo una respuesta para ello, pero del
arte contemporáneo valoro el reconocimiento
de la descomposición, la experimentación con
las coordenadas conocidas y la expresión de lo
imperfecto. Esta edición temática de Desafío es Este estudio sin título del
prueba de que esas preguntas también asechan a artista argentino Gabriel
los columnistas quienes, como este editorialista Delponte de una pintura
de 1763 de Joshua
y el artista argentino Gabriel Delponte, también Reynolds guía la discusión
luchan por desatar sus prejuicios de la estaca que de esta edición dedicada
es el pie forzado que se les asigna para que se al cuestionamiento del
arte contemporáneo.
complete este proyecto periodístico unitario.
Delponte trajo al Centro de Convenciones
de Puerto Rico, para CIRCA 09, un estudio de la pieza “John aluminio, sobre madera, tiene resina, sellador a base de tiza, Además, subrayó que “los valores y la realidad
Manners, Marquess of Granby”, un retrato que le hiciera el pintor óleo, acrílico, etc. En la cabeza mezclo esos materiales y los que se reflejan en la obra original tienen que
inglés Joshua Reynolds alrededor del 1763. La interpretación de manipulo para que surja esa estética. De hecho, es una pieza ver con las clases altas, con artistas que tenían
Delponte deconstruye de muchas maneras la pintura clásica que táctil”, explicó el también creador del mural “Perla americana” mucho tiempo para pintar, pero hoy los artistas
presenta al personaje victorioso junto con su caballo y su esclavo en un furgón exhibido en los CIRCALabs que tuvieron lugar se enfocan en la demanda y en la necesidad de
en la batalla de Vellinghausen. en el centro comercial Plaza Las Américas. expresarse en otras velocidades”, concluyó.
Al respecto, el artista comentó en un aparte con Desafío que Al cuestionarle qué es lo que atrae a tanta gente al arte Voilá. El artista ha dado en la estaca. Quizás
siempre se ha “interesado por la pintura clásica pero, a su vez, tengo contemporáneo que ha convertido en su forma de vida, Del- lo que tanto seduce del arte contemporáneo es su
base en el diseño y la construcción, la arquitectura; en lo angular. ponte sostuvo que “no se trata de la irreverencia. Lo que vende manipulación de esas tantas “otras” velocidades
Al hacer este estudio se me destaca esta tendencia”. Añadió que es la ironía, la comicidad. No creo que existan artistas más o en las que soñamos movernos ahora.
empezó “a trabajar con la imagen clásica, la desarmé utilizando menos capaces en la época clásica y ahora. Lo que ocurre es
otros materiales. Es una pieza multimedia que tiene un marco de que hoy tenemos acceso a otros materiales y a otras vivencias”. Manuel Clavell Carrasquillo

16 Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009


Sonia Marcus Gaia
E
l juego maneja el arte de la vida: darle al
sinsentido una forma organizada y libre
para jugar a estar vivos, a mordernos las
colas cuando la muerte acecha. El juego es siempre un
duelo mortal que camina como una tarántula frágil
y tierna sobre la mano de un guitarrista. Porque esa
es la única manera de hacer magia, de saltar sobre la
rayuela y aventurarnos sobre el abismo.
Walter Benjamin dijo una vez que la primera
sensatez que tiene la niñez sobre el mundo no es que
“los adultos son más fuertes, sino su incapacidad
de hacer magia”. Y si la experimentación poética
contribuye a este estado lúdico del ser humano, a
acercarnos a esa infancia perdida y volver a creer que
los conejos que salen de la chistera tienen reloj y van
de prisa, entonces para algo ha servido el simple sport
de los vocablos como recitaba Vicente Huidobro en
su libro Altazor; para que no volvamos a perder en el
camino la efervescencia del juego y, con ello, poder
recuperar nuestra vapuleada capacidad de asombro.
El arte de la vanguardia poética ya ha experimen-
tado estos juegos. Enfrascándose en un pulseo verbal
inundado de rupturas se trata de formas violentas de
palabras que rompen con el arquetipo y someten la
creación a la contaminación y al mestizaje. Ese riesgo
vital de las mismas expone un enfrentamiento al acto
del lenguaje, que no es otra cosa que enfrentar la vida humana
basándose en su condición lingüística.
Como nos recuerdan los versos de “Traduzir-se”, un
poema de Ferreira Gullar que dice: “Uma parte de mim/ é
sóm vertigem:/ outra parte/ linguagem./ Traduzir uma parte/
na outra parte/ -que é uma questão/ de vida ou morte- ¿será
arte?”, cuando lenguaje y humanidad someten sus fuerzas para
entender el proceso de la vida, uno de ellos tendrá que dar su
brazo a torcer, porque la palabra no puede ser dominada por
completo ni la vida tampoco, de allí el vértigo.
La sensación de superficialidad que crean las vanguardias
literarias sodomiza las pasiones envueltas y crea el elemento
dialogante para el transar de los jugadores: un objeto-arte
materializado o apalabrado que logra construir objetos
lingüísticos aptos para el juego. El mismo Ferreira
Gullar incursionó en el objeto-arte, buscando formas
nuevas de expresión de la palabra cuando construyó
“El poema enterrado”. Es un espacio en un sótano que
tiene una escalera que se baja, y al final de la misma hay
una puerta y un cubo rojo, el cual tendrá a su vez un
cubo verde más pequeño, al estilo de las cajas chinas
y, por último, un cubo blanco en donde estará escrita
la palabra “Rejuvenezca”.
En este mismo sentido lúdico se manifiesta el arte
como juego basándose en fuertes nociones filosóficas
que indicaban que, por medio de la imaginación, que
da pie al libre ejercicio de la estética y lo artístico, se lo-
graban sintetizar y armonizar la razón y la sensibilidad
por medio del juego. Para ello, las palabras deben tener
el motor suficiente aceitado para que se generen solas,
al estilo del creacionismo de Vicente Huidobro.
Los cubos anatrópicos son
creaciones del poeta chileno
Samuel Sarmiento Escárate, quien
exalta el juego para fomentar la
proliferación poética.
quebrantahuesos
dialogodigital.com
El simple sport
de las
palabras
marcado una frase lingüística que al leerse en conjunto con una línea
paralela, horizontal o en el lado próximo o vecino, con otras frases en
los otros cuadrados o con cualquiera de las vías a donde nos conduzca
la mirada, podrá formar un verso libre que genere y dé vueltas a la
imaginación ante posibilidades ilimitadas de interpretación.
Al azar, usted puede dar vueltas sin sentido al rubik sin ninguna in-
Fotos suministradas
tención de controlarlo, sino más bien que se ejerza la plena libertad para
girarlo cuantas veces se quiera como una cábala. Inmediatamente pueden
resurgir de la nada versos como “El viento no ha sabido el día” o, si se
vuelve levemente a girar, “El viento que desploma su destino” y, volvién-
dole a girar, “El
viento ha alimen-
tado su destino”,
entre otras mu-
chas y múltiples
En Chile, desde hace unos años atrás, un formas y maneras
poeta seguidor de los planteamientos del anterior, a leerse que no
Samuel Sarmiento Escárate, ha logrado unir serán las mismas
estos conceptos bajo la clave del juego con un para ninguno de
objeto poético fuertemente vinculado con las los lectores que
vanguardias, una verdadera rareza cuando ya se participan en el
había pensado en la total aniquilación de éstas entretenimiento
para la sensibilidad del arte del siglo XXI: en este de crear versos.
entorno aparece el cubo anatrópico. El autor
El cubo anatrópico es un rubiks cube utilizado del cubo anatró-
como objeto poético. En el mismo, en vez de pico admite que
colores que deben armarse por cada lado, no hay aplicó “las diver-
pausas en el acto lúdico, ni artístico; cada uno sas lecturas de las
de los cuadrados (9 de ellos por cada lado) tiene vanguardias que
había hecho e hice
una aplicación
de todas éstas a
la manera de un
collage poético. De
esta manera, es
posible ubicar en
el cubo poético el simbolismo (cada cuadrado es como un pequeño
caligrama), el surrealismo (a través del juego del cadáver exquisito),
el creacionismo (la construcción y desconstrucción del discurso
poético, Altazor), el dadaísmo (el juego de las palabras) y finalmente el
movimiento francés Oulipo (Ouvroir de Littérature Potentielle)”.
Aunque suene pretencioso, las dimensiones del juego le permiten a
este singular objeto darse la libertad de crear, de creerse y de girar como
le dé la gana, y esa libertad, es una forma más de hacer magia. No en
balde en español se le llamaba “el cubo mágico”. Así, este poeta chileno,
en plena conciencia de la poesía como forma de vida y de sustento,
ha creado un manifiesto en su obra artística aplicándole un collage de
conceptos vanguardistas que responden al verdadero sentido de la vida:
jugarla como en un atentado contra la muerte y el tiempo. ¿Quieres
jugar?
____
La autora es experta en literatura del Cono Sur. Puedes conseguir los cubos
a través de: http://cuboanatropico.blogspot.com.
Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009 17
 musica anyone?
dialogodigital.com
Homenaje
al oído
Foto Ricardo Alcaraz
El columnista co-
menta la relación
entre la ceguera
y la sordera que
propone José
Jorge Román en
esta obra de arte
público titulada
“2112” sita en el
expreso Baldorioty
de Castro.
E
l número 2112, también nombre de una obra de arte
público en la avenida que nos lleva al aeropuerto
internacional Luis Munoz Marín, puede ser de alguna
manera sumado para crear un 2 por 4. No es que el Lamento
borincano esté escrito en esa notación musical pero, si se divide
la pieza por la mitad, sí lo estaría. En realidad, el “2112” es un 21
visto en un espejo, una referencia a las múltiples direcciones de la
avenida; 21 ámbitos con los que se pretendía impactar el paisaje
puertorriqueño bajo el gusto citadino del director del extinto
Proyecto de Arte Público, Miguel Rodríguez Casellas.
Esa pieza de arte público del artista José Jorge Román tiene la
letra del Lamento borincano “esculpida” en el sistema de escritura
braille en distintas direcciones para que la vean los que se dirigen
a la internacionalización y para los que se dirigen al regionalismo
mediados por el aeropuerto.
El reconocimiento que hace este artista formal y conceptual
a una obra musical de corte popular como el Lamento borincano
le da una explicación muy lógica a una obra que a primera vista
puede parecer completamente abstracta. La música no presente
le da entonces un color distinto a la mirada del espectador.
Sabemos que la exposición de la cultura puertorriqueña ha
estado a cargo mayormente de músicos pero esta pieza visual,
dedicada en parte a la ceguera colectiva, quizás sea un homenaje
al oído.
A pesar de las transformaciones que pueden sufrir distintas
obras en manos de otros artistas, este fenómeno no es tan común
dentro de la música contemporánea local. Las relaciones entre las
artes, por lo general, están atadas a lo obvio: la bailarina que se
mueve al son del tambor, el grafitero con su Ipod, el tallador de
tiples, el repujado del güiro y demás. Normalmente, lo popular
se queda dentro de su espacio y no es muy movible. Sin embargo,
la movilidad multidireccional de este espejo “bisorioco” caribeño
ya formaba parte de las cualidades del autor del Lamento, Rafael
Hernández, compositor de guarachas, boleros y rumbas que
también trabajaba las técnicas “shoenbergrianas” del serialismo.
O sea, esto está en el otro lado de la avenida: la diferencia entre El
18 Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009
Luis Odlum
cumbanchero y una pieza serial está tan distante como estaría
una madre e hijo con la Baldorioty de por medio.
El Lamento borincano ha sido una de las piezas
más intervenidas a lo largo de nuestra historia. La han
reapropiado desde tríos y grupos típicos hasta en arreglos
sinfónicos cantados por Plácido Domingo. Estas múltiples
interpretaciones hacen de esta obra uno de los primeros
crossovers musicales. El manejo de la modalidad mayor y
menor del compositor le da una dimensión heroica a la vida
del agricultor de la época.
En este homenaje-crítica a las distintas cegueras se trata
el tema de la ceguera institucional a nuestros espacios y a la
cultura. También se hace referencia a la amnesia colectiva
que sufrimos ante lo inmediato. La obra queda como otro
elemento del tapón, intervenido por vándalos y por la
naturaleza; una segunda vuelta a la genialidad de un artista
queda como espectáculo para el carolinense de tapón. El
espectáculo mudomusical compite o se complementa con
la voz de Ronny the Hyper por la radio.
Quizás el sueño de escapada de esta pieza, de la expor-
tación del isleño, toma mayor sentido ante la respuesta
general a este tipo de obra. Recuerdo siempre al flamante
amarillista, Normando Valentín, entrevistando al alcalde de
Arecibo, quien aseguraba que los fondos de arte estarían mejor
en manos de los alcaldes y no en manos de estos artistas; que
no entendía por qué el gobierno central invertía en semejante
proyecto. El reportero, quien se burlaba de la obra de “los
mosquitos” en el expreso del norte celebraba en parte la postura
de pequeñez intelectual del político. La exploración de otros
espacios se convierte en inevitable ante la unidireccionalidad
de la apreciación de arte boricua. El músico que explora las
otras dinámicas se ve marginado por el gusto popular que va
muy de la mano de los medios y los líderes. Esta celebración
de la resonancia más allá de nuestras fronteras, a pesar de ser
símbolo de celebración del artista, muchas veces se convierte
en obligación para el músico subversivo.
Quizás por esto “2112” sólo toca las partes asociadas al modo
menor de la canción: el semblante del artista creativo en Puerto
Rico, por lo general, es de aquel que sale loco de contento pero
se encuentra con el tapón bayamonés, que ni siquiera tiene
el aeropuerto como mecanismo de huída de emergencia. La
congestión que da paso a la sordera del aire acondicionado
parece entonces acompañar la ya limitada palestra de sentidos
del famoso pueblo.
En el futuro, tal vez algún artista emergente recoja esta idea
para hacer una especie de colmo de los colmos en el puente
Teodoro Moscoso: un homenaje completamente intangible a
la obra de Daddy Yankee. O tal vez alguien se atreva a invadir
algún espacio del aeropuerto Luis Muñoz Marín para retomar
las célebres frases del Gallo Salsero en hologramas desfigurados
de una época de franca decadencia. No sé si los federales
dejen llegar a Tito a sus puertas, pero nada me agradaría más
que quitaran todas esas banderas del puente y lo llenaran de
guindalejos sonoros, de algo que por lo menos me haga pensar
que pagué el peaje por ver algo más que agua llena de mierda
y ridiculeces de autonomistas arrepentidos.
_____
El autor es experto en música. Comentarios a luisodlum@
hotmail.com.

J.E. Fernández
Fotos Ricardo ALcaraz
“La decadencia del
imperio”, de Ramón
Miranda Beltrán.
El arte no es un espejo con el que se refleja el mundo, sino un
martillo con el que golpearlo.
-Brecht
“
Cheo, tenemos una situación…” . Esas fueron las
primeras palabras que escuché del Sr. Clavell al recibir
la llamada en la que hablamos sobre el tema de esta
columna pero, a menos que uno esté en el negocio de manejo
de emergencias, ésas son las últimas palabras que uno quisiera
escuchar de algún superior. Las instrucciones fueron suficien-
temente simples: el artículo va a ser sobre las artes plásticas.
Asentí y, con ello, “consumatum est”.
Las artes plásticas en Puerto Rico para mí han sido un
mundo alienígena. Una escena que se ha movido sigilosamente
bajo mi radar personal. Que se está haciendo buen arte en
Puerto Rico es algo que he creído casi como una cuestión
de fe: aunque no lo vea, sé que debe haber gente talentosa
batiendo el cobre en algún rincón oscuro. El truco iba a ser
cómo pasar por ese rincón. Para eso iba a tener que llamar a
Un espía en la
casa del arte
alguien que supiera. En ese momento, el nombre de Ramón
Miranda Beltrán apareció en mi cabeza con la sutileza de un
letrero de neón en Las Vegas. En alguna ocasión previa me
había comentado que estaba trabajando una pieza en cemento.
Supuse que para pasar el trabajo de virar concreto debía de
ser algo grande. Sabía que tenía que ver con impresiones
fotográficas, pero nada más sobre el proceso. Para eso habría
que llamarlo…
Mientras hablaba con él, me regalaba nombres y números
de contacto. Se ofreció a ser mi guía en lo que para mí era una
escena relativamente desconocida y a mostrarme parte de su
pieza, que al momento se encontraba en plena gestación.
Dos días después estaba en su marquesina, rodeado de
sacos de cemento abiertos y parado al lado suyo mirando lo
que eventualmente se convertiría en La decadencia del imperio,
impresión en cemento de la imagen de El baquiné de Francisco
Oller y La decadencia de Roma de Tomas Couture. Mientras
trataba de descifrar la imagen fantasmal plasmada en la pared
de cemento, Ramón me probaba que es cierto aquello de que
tan importante es lo que haces como la manera
en que lo describes explicándome que Couture
había sido maestro de Oller y que ambas
pinturas retrataban en cierta manera cómo
las culturas se corroían por el vicio, cosa que
el efecto final de la pieza reflejaría de manera
precisa una vez se viera terminada.
La curiosidad por descorrer el velo de lo
que se estaba preparando terminó llevándonos
a Ramón y a mí a Río Piedras, al taller de
Storehouse Group, donde conocí a Rogelio
Báez Vega, quien amablemente me permitió
ojear lo que preparaban los artistas afiliados
Triumph Spitfire intervenido
por Omar Velásquez en los
Circa Labs.
Diálogo / Desafío/ mayo - junio 19
fetiches
dialogodigital.com
a Storehouse mientras me explicaba de qué se
trataba el concepto de Storehouse, el cual, si lo
entendí bien, es básicamente un “Think Tank”
o incubadora para artistas contemporáneos del
patio. Luego que Rogelio donó su tiempo, me
presentaron a Omar Velásquez, el responsable
del arte en la carátula del disco debut de la
banda Ron Calavera De la leche al ron, y quien
trabajaba algo para la exposición de Circa Labs
en el estacionamiento de Plaza Las Américas.
Acompañando a Omar por una de las
varias oscuras calles de Río Piedras, quien a su vez
resolvía el trajín del día con trago en mano, me
enseñaba lo que una vez fue un auto convertible
rojo. Un Triumph Spitfire, posiblemente del ’74,
ahora en estado de deterioro. Un auto como ése
en las manos de un becerro nostálgico como yo
probablemente sea sometido a restauración. Pero,
en el caso de Omar, que me pareció ser, como
todo buen artista, alguien que no le rinde culto a
nada, sería el objeto de una intervención artística
en el estacionamiento de Plaza Las Américas. Mientras Omar
me explicaba cómo mutilaría el carro en nombre del arte, yo
visualizaba el proceso y diagramaba a media luz cómo algo
que una vez fue símbolo de afluencia y prestigio como un
Triumph se convertiría en prisionero de una instalación de
arte sobre la pobreza en el siglo 21.
Dos semanas después, me encontraba parado frente a
las puertas de Circa 09 ajustándome el gabán de terciopelo
mientras Manuel Clavell me recibía con un boleto en una
mano y una cerveza en la otra. Por unos intensos 45 minutos
me dediqué a escudriñar qué exactamente era lo que había
detrás de los portones del arte contemporáneo. Una orgía de
colores, materiales, denuncias y celebraciones, todo al ritmo de
185 golpes por segundo. Entre apretones de manos, abrazos y
miradas, las marejadas de gente socializando me distraían de
ver la pieza de Ramón Miranda terminada. Recuerdo haber
preguntado como en tres ocasiones distintas, mientras que
pocos sabían en qué lugar andaba.
Finalmente, en una esquina de aquel pabellón, tuve mi pri-
mer minuto de silencio interno. Vi La decadencia del imperio
terminada. La estatua del césar juzgando con ojos fantasmales
las orgías y los velorios, y todo aquello que no escapara su vista.
Por un momento pensaba que si yo fuese algún millonario
excéntrico no titubearía en adquirir la pieza para mi colección.
Pero, aparentemente, alguien con los medios adecuados tuvo
la misma idea que yo esa noche.
Al rato, “Monchi” se paró a mi lado y me comentó que ya
la pieza estaba vendida. Una transacción de capa y daga cuyos
detalles nunca fueron mencionados a este servidor. Sólo se
me mencionó que este misterioso mecenas era alguien con
bolsillos profundos y buen gusto.
De esa manera me despedí de Circa. No como si fuera parte
de esa escena, sino como alguien que merodeaba por ella. No
como un amante de las artes, sino como un espía en la casa
de ellas.
______
El autor es abogado.

dialogodigital.com
Manuel Clavell Carrasquillo
Una tarde en Circa Labs
Gente del público pintó in situ con
pinturas de la línea Ralph Lauren de Glidden.
Velcro fue uno de los diversos artistas
que compartieron tarima en la actividad.
El público disfrutó de varios
espectáculos de break dancing.
20 Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009
L uego de atravesar el atrio central
del centro comercial Plaza Las
Américas para llegar a la entrada
principal, donde hacen fila los taxis y
antes estaba el Citibank, salí a explorar el
área del estacionamiento dedicada a Circa
Labs@Plaza, una iniciativa de arte público
organizada como evento paralelo a la feria
de arte contemporáneo CIRCA 09, que
tuvo lugar al mismo tiempo en el Centro de
Convenciones de Puerto Rico los días 16 al
20 de abril de 2009.
Lo primero que me llamó la atención fue
el ambiente de festival de pueblo, la vibra de
feria municipal, debido al espacio cuadrado
parecido a una plaza pública formada por
cinco furgones o contenedores de carga, una tarima para
espectáculos y varias carpas en las que se ofrecían mercancías
o servicios relacionados con el arte.
Niños, jóvenes y adultos, entre los que sobresalían los
amantes a la estética urbana relacionada con los tatuajes, la
música rock y el skateboarding, se dejaban llevar por el ritmo
de la música de dj Candela (más tarde Piedra D’luna) e inte-
ractuaban entre sí y con las curiosas “piezas” en “exhibición”.
El calor del verano adelantado después de Semana Santa
hacía estragos, pero los mayores mataban la sed con la cerveza
auspiciadora, Coors Light.
Al entrar en el primer furgón, destinado al artista argentino
Gabriel Delponte, me di cuenta de que los contenedores tenían
aire acondicionado y que era posible escapar por un rato del
sofocón. Allí, Delponte me explicó cómo conceptualizó y llevó
a cabo la instalación Perla americana, un trabajo pintado al
estilo muralista en las paredes del contenedor con “pintura
de casa” de la línea Ralph Lauren donada por la compañía
Glidden. El público observaba un interesante estudio de
La última cena realizado por él en uno de los costados del
rectángulo basado en la famosa pintura clásica y, en el fondo,
una pintura inspirada en las calles de la barriada La Perla, del
Viejo San Juan.
El segundo furgón, destinado a Eskuateo Production,
contrastaba radicalmente con la limpieza y orden del de
Delponte: me topé con un furgón en el que había habido una
fiesta la noche antes, lleno de piezas con grafiti y recargado
de símbolos urbanos. No pude evitar contagiarme con el
espíritu relajado de sus artistas, quienes explicaban sus diversas
propuestas o intervenciones de una forma casual pero efectiva
y con sentido.
Más adelante, a las afueras del furgón destinado a Ruthless
and Toothless, taller de tatuajes del grupo de artistas tatuado-
res del programa televisivo Miami Ink, la gente desafiaba el sol
inclemente para grabar sus pieles con los diseños del famoso
crue de rockeros conocidos por el reality show. Superada la fila,
pude entrar en el vagón destinado al Museo de Arte Contem-
poráneo. El contenedor tenía el aspecto de un cuarto oscuro,
todas las paredes pintadas de negro, y albergaba una obra del
artista gaditano Ramón González Palazón titulada Tiempos
de luz, juegos de percepción. Según su descripción, se trata de
encruc
Fotos Ricardo Alcaraz
Las chicas de Om Studio ofrecieron
servicios de recorte de pelo por un
módico precio.
un “paisaje lumínico y sonoro”, formado por luces de
neón y tres pantallas de computadora que, al tocarlos,
proveen varias combinaciones de imágenes, cada cual
con un sonido distinto en el cual los espectadores juegan
a discreción, sobre todo los chicos.
La tarima de música separaba los furgones de las
carpas sin aire acondicionado. Allí, dos artistas pintaban
sendos muñequitos japoneses Munny entre los que
el público escogería el que mejor le pareciese. Del
otro lado, era posible entrar al salón de estilismo Om
Studio, donde dos estilistas recortaban al público por la
módica suma de $10.00 haciéndoles diseños juveniles
y asimétricos. De esta forma, al igual que los tatuajes,
los recortes pasaron a ser piezas de arte contemporáneo
ambulantes.
Otro espacio concurrido fue el de Tricky Tracke,
donde los artistas Wed y Zed, montaron una plancha
para intervenir o “pimpear” en vivo camisetas con sus
propios diseños. Según me explicaron, predominan las
imágenes y mensajes “basadas en el estilo naive, para
relajarse”. Me llamó la atención una de un dirigible
cuyo globo era una ballena con una curita o band-aid
que cargaba en su canasta una tropa de personajes
curiosos. Además, un busto o la efigie de un personaje
con diversas poses y complementos que adornaba
camisetas, botones, gorras, bumper stickers y corbatas;
todos a la venta allí.
El “feeling” de fiesta de pueblo se complementaba
con la actitud “hippie” de disfrutar el arte con calma
en un espacio público. El consumo artístico se daba de
una forma lejana a la queja tradicional de que aquí no
se produce arte o que los artistas están marginados, o
que el único arte que vale la pena es el que hace mímesis
de ciertas costumbres nacionales.
_____
El autor es periodista y abogado.
ijadas
Las tacas de CIRCA 09
Fotos Ricardo Alcaraz
N adie hubiera dicho que había cri-
sis económica. Aquella noche las
tacas de más de cuatro pulgadas,
y no la severidad austera del consumidor
castigado, eran las que hacían acto de
presencia.
Stilettos, pumps, gladiators y hasta las
más recientes sandalias hechas de un ma-
terial sospechosamente similar a la metálica
tela del traje del astronauta Joseph Acabá:
todas pisaron “la más importante feria de
arte del Caribe”, CIRCA. Por supuesto, las
obras de arte también estaban allí para
quien pudiera quitar sus ojos de aquel
fashion show espontáneo en el que se había
convertido el Centro de Convenciones en
la noche de apertura de la feria, evento
VIP, of course.
Pero vayamos a lo que nos importa: las tacas no
iban solas. Llevaban consigo todo tipo de personas;
la relacionista pública, el jevo arrastrado, la amiga
eternamente soltera por más sexy que se vista, el
artista con su objeto extraño del día (estola, pluma,
barba talibana, you name it) y el galerista de los
espejuelos cool, ícono perfecto de su simbiosis
artístico-intelectual-comerciante.
Recordemos: las ferias de arte son para ir a
ver (arte presuponemos) pero son también para
dejarse ver.
Y no, este recordatorio no es puro cinismo, o
algún intento de sensibilidades obrero-amargadas
por quitarle el fun a quien quiera (y pueda) tirarse la
tela y distraerse en un evento fashionable y hip como
CIRCA. El mismo Paco Bagarrán, curador de la exhibición
especial “Painting as a state of mind”, ha afirmado a medios del
país que aún cuando las ventas han estado
lentas (resultado de la todopoderosa crisis
económica) los galeristas deben volver el
próximo año “No siempre en las ferias se
vende”, declaró.
No, a veces uno sólo va a dejarse ver, y al
parecer el capital ha ido perdiendo su appeal
hasta en el mercado del arte.
De hecho, CIRCA este año le ha dado un
giro a todo ese esquema passé de las ferias
de arte como un evento para vender arte y
se ha esmerado en proyectarse como una
actividad para traer el arte internacional
a los puertorriqueños a lo gesta caritativa
de alguna institución cultural sin fines de
lucro. “Mucha gente no cuenta con el capital
para viajar fuera de la isla” asevera Celina
Nogueras, directora artística de CIRCA,
“pero al venir a la feria entran en contacto
con personas y formas de sentir y vivir de
otras sociedades y países”. Que se prepare
el Museo de Ponce, ya no estaremos viajando hasta la ciudad
señorial para ver dos o tres obritas de Frida.
Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009 21
La columnista enmarca su pasada de
balance sobre la feria de arte contemporáneo
en una crónica fashionista.
Obra de Nayda Collazo Llorens.
dialogodigital.com
Diana Soto De Jesús
Mas no es de extrañar que se den ese make-
over, CIRCA este año contó con menos galerías,
pero no han sido la única feria de arte a la que
esto le ha pasado. ARCO en Madrid también
sufrió bajas en el número de exhibidores princi-
palmente porque varias galerías internacionales
no podían costear el viaje.
Entonces no es de extrañar que más allá de
Galería 356 se cuele una gacela gigante como
parte de la exhibición del Parque de Vida
Silvestre que planifica hacer el municipio de San
Juan, quien diera $15,000 a CIRCA.
Tampoco es de extrañar que se le hubiera
pedido una contribucioncita a la Compañía
de Turismo, no más que $10,000, en lo que
el director y presidente de la feria, Roberto J.
Nieves catalogó como un ejemplo del “saldo positivo
de las alianzas público privadas”. Después de todo,
como resultado de CIRCA la Compañía de Turismo ha
recibido ingresos de $72,000 por concepto del impuesto
por habitación. Y bueno, si saben jugar sus cartas bien
quizás Turismo se quede con el copyright de “Ay que
rico art in Puerto Rico” (tal vez mutándolo a un más
genérico “Ay que rico is Puerto Rico¨) y le dé muerte de
una vez y por todas al “Puerto Rico lo hace mejor”, en
el reinado fortuñista no es politically correct andar con
tales rosellismos.
Dentro de ese contexto, las tacas no lucen tan mal. Su
pretensión fashion es la consumación del arte de dejarse
ver, a lo “Bombón del Condado” y “Última Coca Cola de
Culebrita” de las pinturas de Edgardo Larregui.
Piénselo bien, si la feria se vuelve un gran party de
Axe con sus djs, sus cervezas auspiciadoras con contrato
de exclusividad y su gadget del momento (hay quienes traen
body painting, hay quienes traen arte), las tacas no
están más que perfectas. O mejor aún, si la feria se
vuelve una jugada de relaciones públicas para el
País, así a lo Pabellón de las Américas en la feria de
Sevilla, unos buenos pumps tampoco estarían fuera
de lugar. ¿Que en el pabellón se gastaron millones y
después terminó convirtiéndose en un edificio del
correo español? Oops, bueno pero CIRCA ha tenido
resultados concretos, según sus organizadores “el
evento ha promediado un impacto económico de
sobre $4 millones anuales”, nada mal. Y de todas
formas, quién los culpa por apelar al turismo y a la
cerveza -en tiempos de crisis hay que inventárselas.
Ni a brincos el conejo gigante de Luis Vidal que
sorprendió con sus travesuras sexuales a quienes
visitaron la feria se escapa de esa.
En este nuevo esquema que le rehúye a la
mención de ventas y capitales y favorece un sentido
de democracia y labor social, los organizadores de
CIRCA no se han cansado de repetir que se trata
de una feria “democrática”, una feria para todos, y
ciertamente se vio de todo… excepto unas flats.
_____
La autora es periodista de dialogodigital.com
 espectacular mapamundi
dialogodigital.com
Un artista plástico del teatro
T ras mis experiencias con el mimo impuro en Canadá,
decidí dirigirme a latitudes algo más templadas. Mi
periplo teatral me ha llevado a Barcelona. Aparte de
brindar todo lo que un turista pueda desear, Barcelona es una
ciudad que le roba a uno el corazón, ofreciendo una vida
cultural y callejera muy rica. Primavera en Barcelona es todo
un lujo, y más aún alrededor de estas fechas.
Además de la actividad habitual que uno encuentra todo
el año, a finales de abril, el día 23 se celebra la Diada de Sant
Jordi, una fiesta popular que llena las calles de libros y rosas.
Coincide con el día mundial del libro, de manera que la
tradición consiste en regalar un libro y una rosa a la persona
que amas. Las calles se llenan de puestos de vendedores de
rosas, a la vez que las librerías instalan mesas al aire libre
para vender libros a precios rebajados. Acontecimientos de
este tipo son siempre un buen complemento a mis pesquisas
teatreras por el mundo.
En esta ocasión me llamó la atención el montaje de
Product, obra de Mark Ravenhill traducida al catalán por
Cristina Genebat, dirigida por Julio Manrique y con el actor
David Selvas en el rol protagonista. La obra presenta a un
productor de cine explicando el argumento de su próxima
película a la posible futura protagonista. El argumento de la
supuesta película gira en torno a la historia de amor entre un
extremista islámico y la protagonista femenina en el contexto
antiterrorista posterior al ataque a las Torres Gemelas de
Nueva York.
La interpretación del actor David Selvas es sobresaliente,
así como el concepto escénico y la dirección de actores. El
montaje invita al espectador a adentrarse por completo en el
mundo de la oficina del productor, un mundo inventado que
los actores habitan con naturalidad. El concepto escénico es
simple: el escenario es muy pequeño, tan cercano al público
que desde las primeras filas se alcanza a tocar algunos ele-
mentos de la escenografía, el público rodea la escena por tres
lados, y los elementos escenográficos son básicamente realistas
aunque la puesta tenga algún toque de efectos especiales (luz,
humo y proyecciones de video) durante momentos clave
de la narración del productor. El director y el escenógrafo
Lluc Castells crean un mundo con vida propia, claramente
habitado, casi reconocible, pero a la vez nos sorprenden
con golpes de efecto visuales que apoyan el argumento. El
trabajo del escenógrafo como artista visual es esencial para
proporcionar imágenes que puedan expresar y condensar el
contenido de cada fragmento.
Es casi imposible generalizar en cuanto a teatro, pero
en la mayoría de las ocasiones se trata de una forma de arte
que precisa la colaboración de varios artistas, la mayoría
de ellos invisibles al espectador. En el caso de la producción
barcelonesa de Product el espacio escénico es esencial para el
éxito del montaje, ya que invita a entrar en un mundo que
de otra forma podría dejarnos indiferentes. El escenógrafo y
el iluminador aportan elementos plásticos y visuales funda-
mentales equiparables a los de cualquier otro artista plástico
o visual, pero con la dificultad añadida de que sus creaciones
son habitadas por actores.
El escenógrafo es el artista plástico del teatro, diseñador
del espacio y creador de un mundo tridimensional capaz de
transmitir las ideas que habitan la obra. La particularidad del
artista plástico del teatro es que sus propuestas deben recoger
y apoyar los conceptos básicos sobre el montaje propuestos
Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009 22
Fotos Ricardo Alcaraz
El maestro Checo Cuevas demuestra
diversas maneras de presentar proyectos
artísticos como escenografías teatrales.
por el director. A diferencia de un artista
plástico tradicional, el escenógrafo se
enfrenta, además, a creaciones dinámicas
que deben poder adaptarse a los cambios
necesarios para avanzar la acción de la
obra y que deben ser “practicables” para el
uso por parte de los actores. El iluminador
se podría considerar el artista visual del
grupo, creando ambientes concretos y
acentuando cada momento con juegos de
luces y sombras. El iluminador apoya la
acción dramática con el ambiente lumínico
y modela en parte la escenografía con sus
cambios de foco, intensidad y color. Varios
artistas también suelen ser necesarios
(vestuario, sonido, diseño gráfico, etc.), y
a menudo los unos acaban entrando en el
terreno de los otros. Es el director quien
toma las últimas decisiones y se encarga
de dar coherencia al montaje.
Curiosamente, es el trabajo de los
actores el que suele ser recordado por el
público del teatro. A pesar de que un buen
montaje suele tener un buen y variado
equipo de artistas tras de sí, pocas veces se
les presta la misma atención que a los ac-
tores. Lo curioso del caso es que a menudo
recordamos al escenógrafo, al iluminador
o al director, sólo en los momentos en los
que detectamos algo de su responsabilidad
que no funciona. Cierto, esta invisibilidad
a ojos del público puede resultar un golpe
bajo al ego del artista, y, sin embargo, está
hasta cierto punto justificada. La creación de un montaje teatral
es un proceso de colaboración con el objetivo de presentar al
público una pieza acabada. Todos trabajan para crear una única
pieza final contribuyendo con sus propuestas específicas. En
realidad, cuando el espectador se encuentra considerando el
trabajo de cada artista por separado, eso suele ser un signo de
que algo va mal. Si al salir del teatro el espectador no es capaz de
recordar elementos particulares de la aportación que cada artista
hizo al montaje pero se lleva una impresión general perdurable,
mejor que mejor.
En el caso de la producción de Product, salí del teatro con la
sensación de haber vivido junto a los personajes un momento
intenso de sus vidas. Sólo tras un tiempo, y sólo porque estoy
acostumbrado a analizar y diseccionar teatro, fui capaz de
tomar conciencia de la aportación que cada artista había hecho
al montaje. Sin duda alguna, signo de que se trata de una buena
producción. Mucho me temo que seguiré prefiriendo que la obra
de los artistas plásticos y visuales que pueblan el teatro siga hasta
cierto punto haciéndoles invisibles.
La Barcelona teatral parece llena de sorpresas. Estoy convencido
de que esta ciudad y su teatro me ofrecerán la oportunidad de
habitar un sinfín de mundos inventados. Por ahora no sé lo que
mis futuros viajes me depararán, pero me marcho con la clara
intención de regresar a investigar aspectos teatrales más marginales
de la ciudad. Todo se andará. Hasta entonces, un saludo.
_____
El autor es experto en teatro. Comentarios a mapamundi@
lacalba.com.
 fuera de la sombra

dialogodigital.com
Un nuevo folclor
Mariana García Benítez

grabado en plexiglás
E n su ensayo Elsa María Meléndez la emprende contra
su abuela, la profesora de la UPR y crítica de arte
Lilliana Ramos Collado opina lo siguiente: “No
son las instalaciones y las piezas “grandes” las que nos dan
la clave de lo que persigue Elsa María Meléndez en su nueva
perra y por el otro tiene a una mujer perreando pero con pies
humanos. Al observarla se detonan todos nuestros prejuicios
o resignaciones sobre los cambios que sin prisa pero sin pausa
han consolidado la sensualidad del perreo. La pieza mide 9’
x 5’ 1/2” y está realizada con retazos de tela, impresión sobre
caminar sin que nadie los manejara. Con la ayuda técnica de
Teo Freytes surgió entonces la animación, la pieza: A veces
entra en el bosque.
MGB: ¿Qué garantía de durabilidad tienen tus piezas?
EMM: 100 por ciento. Tomo ese particular con mucho
exposición titulada Los cuentos que no me hizo mi abuela: tela y cosido. cuidado. Utilizo madera del país, papel libre de ácido, (si tengo
instalaciones, construcciones y grabados. Es en un brevísimo En una entrevista en exclusiva con el periódico Diálogo, que usar) pega, también es libre de ácido. Los remiendos,
vídeo de animación, A veces entra en el bosque realizado con Elsa María Meléndez comenta sobre su trabajo: el relleno y el aparente descuido que se puede ver en las
la colaboración de Teo Freytes, donde esta artista jocosa y MGB: Háblanos un poco del proceso de mezclar en tus piezas nuevas piezas de tela son parte de la estética que me interesa
profunda nos lanza hacia una nueva plantilla ideológica que el intaglio, el papel y el plexiglás. desarrollar. En ocasiones integro materiales sintéticos que
reformula el repertorio de máscaras de la mujer. Con esta EMM: El grabado tiene la cualidad de que se puede son inofensivos como pelo sintético, cabezas de payasos de
muestra de obras, Elsa María nos propone un nuevo folclor.” reproducir una imagen muchas veces, en diferentes variantes, plástico, plumas, lentejuelas, etc.
Ramos Collado se concentra en este párrafo en el video de color, tamaño... la versatilidad del medio permite, a la MGB: ¿Qué artistas te han influenciado?
de animación. Aun así da las claves para entender el trabajo misma vez, que pueda llevar una misma imagen desde el EMM: Realmente ha sido mi búsqueda individual, mi
de esta artista ya que Elsa María Meléndez propone precisa- estado bidimensional (el inicial), hasta el tridimensional.  Téc- proceso, lo que me ha llevado a trabajar y ha experimentar con
mente un nuevo folclor. Por un lado imprime sus grabados en nicamente mi obra se inclina hacia esa búsqueda. Me interesa el grabado. Es mi sed de sátira más bien la que me ha llevado a
plexiglás o rellena muñecos hechos de telas a las que se les ha mucho como soporte el papel, por su fragilidad. Que el es- hacer esta especie de teatros interactivos.  Me interesa mucho
impreso alguna imagen. A esto se suma el tratamiento jocoso pectador pueda  jugar, mover todas las expresiones puebleri-
y crítico que Meléndez le da a “tipos sociales” de la cultura e interactuar con un material nas, me fascina el ingenio que se
puertorriqueña como mujeres reguetoneras súper sexuadas, frágil como el papel, demuestra encierra en eventos cotidianos
señores borrachones de chinchorritos, ese hombre anónimo lo contrario, la fortaleza del que pasan desapercibidos. Como
que es un payaso, por mencionar algunos. Ejemplos de ello material. he dicho en otras ocasiones, en
son piezas como El cafetín de la isla, Demasiado civilizados, I MGB: ¿Y el plexiglás? mis piezas yo sirvo los personajes
wanna be hardcorosa. EMM: El plexiglás llega y el espectador hace sus propias
En este sentido, Meléndez crea un nuevo folclor al unir y a la escena cuando veo que historias. Por eso mi interés
transformar en sus piezas dos viejos folclores, el grabado y los mis esculturitas de papel (que en crear situaciones ridículas,
tipos sociales de nuestra cultura. En El cafetín de la isla, por hasta ese momento colgaban íntimas y eróticas. Son todas
ejemplo, la sensualidad femenina a lo “hardcore” es el centro en cajas de madera) hacían facetas del ser.
de atención de un “sample” cultural que no le despega el ojo unas sombras muy interesantes _____
(están todos metidos en una pequeña caja, ¡Que calorofobia!). en el fondo del teatrito de La autora es periodista de cul-
Estos personajes, a su vez, son colocados a diferentes profun- madera... me interesó entonces tura.
didades dentro una caja. De este modo, el grabado funciona que esas sombras se volvieran
fuera de su bidimensionalidad tradicional. más protagónicas a la vez que
Algunas de las “cajas” de Meléndez en las que se reúnen me daban otro estado de la
sus personajes a modo de escenario teatral parecen haber misma imagen. Un poco des-
sido sacadas de tiendas de antigüedades. Pueden medir por pués surgió mi interés de hacer La artista Elsa María
ejemplo 11” x 20” x 10” y son un encuentro entre el diseño de una videoanimación de mis Meléndez explora el tema del
muebles “antiguos” personajes. Ahora pudieron reguetón en medios como el
Fotos Suministradas grabado en plexiglás y la tela.
y la creación de una
artista del siglo XX.
Piezas como Los gajos
del oficio recuerdan
la instalación La
barbería de Pepón
Osorio actualmente
en el Museo de Arte
de Puerto Rico. La
instalación logra
hacer una fuerte
critica a la educación
al varón boricua de
los setenta-ochenta.
En el caso de piezas
como Wonder perra
una cortina que por
un lado tiene a la
mujer con patas de

Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009 23

 rigor mortis
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Farasch López Reyloz

24 Diálogo / Desafío/ abril - mayo 2009


Farasch López Reyloz
A pesar de que la mayor parte de la gente reacciona
ante la muerte como si se tratara de una cosa espuria,
lo cierto es que ésta, tal vez más que la vida, está
rodeada por el arte.
De la muerte, lo que más suele relacionarse con lo grotesco
es su aspecto físico, el horror de la carne amenazada por la
putrefacción, asediada por la carroña y la sobras, al punto
que, de forma general, al cadáver se le llama “restos”, como
lo que realmente parece ser, un excedente de algo que fue. En
algunas ocasiones sólo algunas personas logran percibir que,
incluso, el acto mismo de morir puede ser un performance
tanto de la belleza como del espanto.
La antigua Grecia acuñó un hermoso concepto, sobre todo
aplicable a los héroes: era la idea del “panta kala” o la muerte
bella. Este elemento era tomado en cuenta incluso en la muerte
provocada. Existía y existe una innegable estética del suicida,
porque de una manera o de otra la gente termina tratando
de que su muerte revele algo sobre su vida. En este sentido, el
acto mismo de morir es el mejor epitafio.
Las sociedades “sofisticadas” del pasado (egipcios,
griegos, romanos), en su fascinante paganismo, lograron
evadir la tentación de abominar el cuerpo, cosa ante la cual
la era y sociedad cristina no pudo contenerse. Entonces la
muerte se volvió objeto de discursos y prácticas de algún
modo esquizofrénicas. Mientras el cristiano teme a la muerte
y sus castigos, celebra infinidad de rituales que extienden
el duelo, dando como resultado un regodeo morboso en la
pérdida y en la exposición del cuerpo en las vísperas de éste
corromperse. Sin embargo, entre otras cosas, rehúyen de vivir
en las proximidades de los cementerios, que en otros tiempos
llegaron a convertirse en verdaderos museos.
Foto por John Spooner, CC.
La niña
que toca el
menorah
es parte de
un conjunto
escultórico
judío del
cementerio
de La
Recoleta
en Buenos
Aires.
La belleza
de la muerte
Algunas de las grandes obras de la humanidad, como es
el caso de las pirámides egipcias, han resultado ser nada más
y nada menos que excelsas tumbas que terminaron por ser la
radiografía tanto del poder y riqueza que ostentaron algunas
culturas como su convencimiento de la muerte como obra de
arte. Posteriormente, la cristiandad que renegaría del cuerpo,
su exposición, sus secreciones y placeres agregaría en sus mitos
que este cuerpo mortal y corrupto es la obra de arte de un
dios alfarero que nos creó casi al torno y con un suspiro o un
escupitajo nos dio alma.
Desde antes y hasta ahora, cuando alguien se vuelve cadáver
pasa de ser la obra de algún dios para caer en las manos de
otro artista que por unos momentos limitados le devolverá la
“dignidad” a la obra divina. Entonces más de un artista entra
en el juego de embellecer la muerte cristianamente horripilante.
El embalsamador pone al servicio de la muerte su arte de
preservarle con el mayor parecido a la vida, un artista creará
el ataúd como vestimenta final mientras otro artista creará un
monumento mortuorio que, junto a las obras de otros artistas,
hará de una colección de cadáveres un espectacular museo.
El cementerio de La Recoleta en Buenos Aires es un excelente
ejemplo de lo que es un paseo inolvidable y sublime por los
pasillos de un museo mortuorio. En Europa, muchas de las
piezas de arte más exquisitas resisten el olvido en medio de
camposantos que son visitados a diario por turistas que recorren
los angostos caminos tomándose fotos abrazando esculturas de
mármol de todos los colores.
Hace pocos años, la cadena televisiva HBO produjo toda
una serie de cinco temporadas cuyo eje principal era la muerte.
Six Feet Under fue un éxito mediático pero aún más lo fue entre
aquellos que encontramos en ella toda la belleza que la buena
literatura puede sacar de la muerte.
La serie presentaba a una familia
cuya residencia a su vez cobijaba su
negocio de funeraria. El sótano era
una especie de laboratorio anatómi-
co en el que se llevaba a cabo todo
el proceso de embalsamamiento en
manos de Rico, un sujeto híbrido
entre lo médico-forense y el escultor
que se encargaba de pegar cuerpos
que habían sido desmembrados,
hacer cirugías estéticas postmortem
y devolver cadáveres que parecieran
más vivos tras su muerte que cuan-
do gozaban de la vida.
Cada capítulo comenzaba con
una muerte ejemplar que iba desde
25 Diálogo / Desafío/ mayo - junio 2009
rigor mortis
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Foto por Wili Hybrid, CC.
Este Cristo
resuci-
tado, en
el mismo
campo-
santo,
presenta
elementos
estilísticos
ortodoxos.
accidentes aparatosos hasta la hermosamente relajada muer-
te de un individuo que condujo hasta la casa funeraria para
morir pocos minutos después dentro de su auto estacionado
como si él mismo hubiese sido su muerto, cortejo y coche
fúnebre simultáneamente. Lo cierto es que las verdaderas
protagonistas de la serie eran la muerte y la casa que la
albergaba y que funcionaban como monumentos estéticos
de uno de los misterios que más ha desvelado artistas de
todo género.
Aquella serie puso de manifiesto que la gente, a pesar
de su horror por el cuerpo en su ruta a la desintegración,
podía fascinarse con las ideas del “panta kala” posmoderno.
Asimismo, un episodio revestido de todo el folklor del que
somos capaces en este país revolucionó la forma en que se
miraba a los muertos.
La historia del llamado “muerto parao”, que era la repre-
sentación del concepto “morir de pie” en contraste con la
amenaza típica del bajo mundo de “te vamos a tumbar”, llevó
a muchos a reflexionar que ya no era importante solamente
cómo se muere sino cómo el cuerpo mismo se convertía en
la última representación artística de cada quien. Apareció
gente que dijo dejaría instrucciones claras para ser velado en
su sillón favorito, en su motora y hasta en el inodoro.
Más allá de la crisis sanitaria de lo que está o no permiti-
do hacer con los cuerpos, éstas y otras ideas subrayan nuevas
y viejas incertidumbres sobre la estética de la muerte y la
feliz o tormentosa relación del individuo con su ineludible
destino.
___
La autora es experta en literatura comparada.
 26 diálogo abril - mayo 2009
dialogodigital.com
mayo - junio 2009
De autonomías
y géneros
Por Margarita Mergal
Especial para Diálogo enamorado, con quien, quizá con deseo y pasión,
 
Primera plana, Primera Hora: mayúsculas, la
pregunta “¡Hasta Cuándo!” (sic), borde rojo vivo, foto
enorme a color. Otra víctima de un asesinato doméstico.
Damaris Soto Rodríguez fue torturada y degollada,
aparentemente, por su ex marido, contra quien había
una orden de protección. Ella sólo tenía 27 años, pero ya
tenía tres hijos del supuesto asesino. La noticia también
la cubrieron los otros diarios, y a los que aún leemos
el periódico en papel, nos regalaron con el desayuno
una foto, a todo color, de su zapato ensangrentado. ¡Qué
muchos ejemplares venden las mujeres víctimas de
violencia! Hay espectáculo.
No han pasado los primeros cuatro meses del año
y van seis mujeres asesinadas por sus parejas o ex
parejas, además de las hospitalizadas y las silenciadas
por el miedo, por las ideologías religiosas patriarcales,
víctimas cotidianas. Hay que añadir a éstas las otras
formas en que se expresa la cultura patriarcal.
La legisladora Carmen Yulín Cruz escribió
recientemente en un diario del país sobre cómo afecta a
las mujeres la crisis económica, la“medicina amarga”de
Luis Fortuño y la amenaza de no confirmar a Johanne
Vélez como Procuradora de las Mujeres. Razón tiene.
Todavía muchas reciben salarios más bajos que los
hombres por tareas equivalentes; su acceso al mercado
de trabajo está viciado por la división por género; no hay
centros de cuido suficientes para sus hijos; los servicios
de salud ni son suficientes ni se ofrecen con perspectiva
de género; mejor educadas académicamente, tienen
menos participación en la fuerza de trabajo y menos
representatividad en los puestos gerenciales y políticos;
siguen sometidas a la doble jornada porque no se
socializa el trabajo doméstico al interior de la familia, y
dejo un largo etcétera.
Toda la violencia, ubicua y atroz en nuestro país, ni
es sólo contra las mujeres, ni sólo de orden doméstico.
Pero ésta sí. Damaris, como tantas otras, sintió la
necesidad de protegerse de su marido; sintió miedo.
Miedo a quien, conforme al orden religioso y civil en
Puerto Rico, se supone que la proteja.
Me pregunto yo, ¿ése, el marido de Damaris, a
cuántos hombres habrá matado, a un compañero
de trabajo (si es que tiene empleo), a un hermano,
a un vecino, a un amigo? Pues supongo que no. ¿Por
qué entonces esa furibunda rabia asesina contra esa
contrapunto
mujer de quien alguna vez posiblemente estuvo
engendró tres hijos?
Y, para que no se me acuse de satanizar
a los hombres, añado que las mujeres,
socializadas al fin dentro de la cultura
patriarcal, también somos en alguna
medida responsables de asumir y
reproducir este sistema.
Ante estas noticias, tan
terriblemente reiteradas en nuestro país,
pienso en dos temas que
debatimos hoy con cierta
intensidad: los currículos
de estudios del género
y la autonomía
universitaria.
Na d a
nuevo. Las
discusiones
y las luchas en
su defensa como espacios
forjadores de libertades necesarias parecen tener que
repetirse una y otra vez, porque siempre vuelven a aparecer
los detractores y enemigos de los derechos y autonomías.
Problemas inherentes a una institución que, de una parte,
educa y crea nuevos conocimientos, y de otra, debe servir al
estado y la sociedad. Basta decir que siempre los universitarios
y ciudadanos debemos estar en guardia para salvaguardar esta
autonomía y la existencia de nuestras universidades para que no se
conviertan en fotutos de los poderes hegemónicos.
¿Cómo quedan imbricados autonomía y currículos de género
en el debate hoy día? Alfred North Whitehead creía en un vínculo
entre el conocimiento y el goce por la vida, en la importancia de la
imaginación que generara una atmósfera excitante y permitiese
la transformación del conocimiento. Para nuestros legisladores
y fundamentalistas, ésta es una postura peligrosa. El credo de
Whitehead presupone que los hechos no representan verdades
inamovibles, habla del goce por la vida y el conocimiento,
precisamente lo que necesitamos para transformar la cultura que
hace posible los casos de las Damaris de ese mundo.
Me sospecho que tanto para Kimmy Raschke -presidenta de la
Comisión de Educación y Asuntos de la Familia del Senado; defensora
de los 10 minutos curriculares“de reflexión”en un sistema de educación
pública que debería, conforme a la ley, ser laico; que habla de una Ley
para el Rescate de una Generación, asunto que suena mucho a los
ayatolás de Amadineyad- como para los redactores antifeministas de El
Visitante estas palabras del gran matemático y filósofo son anatema.
diálogo 27
Los casos de las Damaris exigen mejorar los servicios
que se ofrecen a las mujeres en los departamentos y
oficinas gubernamentales,hospitales y centros de salud
o de acogida, en las comunidades y universidades.
Pero, en las universidades, nuestra función esencial
no puede ser dar servicios. A los intelectuales, como
bien señalaba Michel Foucault, la labor que nos
corresponde en la lucha contra las formas del poder
es la transformadora práctica del teorizar.
Como insiste Fernando Savater, meditemos
sobre la calidad de la cultura, en este caso de
los elementos patriarcales tan presentes en la
nuestra; entreguemos a nuestros estudiantes la
perplejidad, el cuestionamiento ante su mundo
y ante sí mismos. Con el tiempo, quizá logremos
recrear la cultura,la democracia,ésa que Rubén Ríos
Ávila llama democracia cultural cuando
señala, en el ensayo “La Universidad
y el futuro del porvenir”, que: “La
Universidad, si aspira a seguir
teniendo validez política en el mundo de
hoy, tiene que apostar por ser una fuerza decisiva en la
defensa de la cultura de la democracia.”
Necesitamos una reflexión mucho más compleja que la
de los 10 minutos de Kimmy Raschke. Savater ha dicho en
el libro El valor de educar que: “la cultura no es algo para
consumir, sino para asumir. Y no se puede asumir la cultura,
ni entender su evolución y su sentido, ni precavernos de
quienes quieren convertirla en pura mercancía, si se desliga
totalmente del trabajo creador que la produce y la disciplina
que resulta indispensable para acometerlo.”
Para esta labor creativa, esta teorización, la Universidad
tiene que exigir y defender su autonomía. No es a los
legisladores a quienes les corresponde esta labor. Sugerir,
apoyar, convocar, pues sí. Pero es a los universitarios a
quienes nos compete decidir sobre nuestros currículos,
energizar nuestros sueños, constituir una nueva cultura
democrática.
_____
La autora es profesora en la UPR, Río Piedras.
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 28 diálogo
El estado de las artes
visuales en Puerto Rico
Por Manuel
Álvarez Lezama
Especial para Diálogo
La realidad de las artes visuales en
Puerto Rico ha cambiado drásticamente
durante los últimos 20 años. Este
cambio ha sido muy positivo; cada vez
más nos acercamos a la excelencia, a la
contemporaneidad y al cosmopolitismo.
Desde la Generación del 80 (Arnaldo
Roche Rabell, Rafi Trelles, Haydée Landin,
Melquíades Rosario Sastre) hasta la del 90
(Allora & Calzadilla, Chemi Rosado Seijo,
Naida Collazo, Jesús “Bubu” Negrón),
nuestros artistas iniciaron –con gran
determinación y efectividad– un proceso
de internacionalización del cual se han
beneficiado los artistas más jóvenes,
como Melvin Martínez, Michael Linares,
Quintín Rivera, Ángel Otero Vega, y aun
artistas-estudiantes.
Se abrió un número impresionante de
galerías serias. Tanto el Museo de Arte de
Puerto Rico (MAPR, inaugurado durante
la administración de Pedro Rosselló),
el Museo de Arte Contemporáneo de
Puerto Rico (MAC, cofundado y dirigido
durante muchos años por María Emilia
Somoza) y la Galería Nacional del
Instituto de Cultura Puertorriqueña
(ICP) comenzaron inteligentes y
necesarios diálogos y rivalidades con el
Museo de Arte de Ponce (fundado por
Luis A. Ferré) y el Museo de Historia,
Antropología y Arte de la Universidad de
Puerto Rico (concebido por Luis Muñoz
Marín, Jaime Benítez y Ricardo Alegría),
que produjeron una serie de excelentes
exposiciones.
Desde la alcaldía y luego la
gobernación, Sila M. Calderón estableció
un controvertible proyecto de arte
público que enseñó a ver y entender
distintas propuestas estéticas. La Escuela
de Artes Plásticas (EAP) se convirtió en
un powerhouse, graduando a los mejores
artistas de Puerto Rico. Eventualmente se
fundó el Grupo de Amigos de la EAP para
otorgar becas para que los estudiantes
viajaran a ARCO en Madrid y visitaran el
Guggenheim en Bilbao.
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locutorio
Comenzó la revolución del arte de
instalaciones y performances. El arte del video
se democratizó, surgiendo una interesantísima
competencia entre miradas existenciales,
surrealistas, lúdicas y políticas. La Bienal del
Grabado de San Juan se convirtió en la Trienal
Poligráfica de San Juan, y la producción de
buenos catálogos y libros de arte aumentó
considerablemente.
Nació y se estableció CIRCA, nuestra
primera feria de arte internacional. Muchos de
nuestros mejores grafiteros han dado el paso
de “traducir” sus discursos urbanos (donde se
apropian de espacios públicos) a otros soportes
(enteramente comerciales, como el lienzo)
y exponen y venden sus obras en las mejores
galerías de Puerto Rico.
¿Dónde nos encontramos actualmente? A
pesar de todos los problemas de una colonia
al desnudo y desacreditada, bien. Aunque la
crisis económica y el desasosiego general de
nuestro país ha afectado a los artistas, a las
galerías, a los coleccionistas y compradores
de arte en general, a los museos y a todas las
actividades relacionadas con el mundo de las
artes visuales (desde CIRCA hasta la Trienal
Poligráfica de San Juan), nuestros artistas
siguen produciendo obras de excelencia
y continúan tratando de promover
su producción tanto a nivel nacional
como en los foros internacionales más
prestigiosos.
En el País, en este momento,
trabajan, dialogan y continúan
desarrollando sus discursos estéticos
y éticos, artistas que pertenecen a
cinco generaciones muy distintas: los
miembros de la Generación del 50 que
todavía están activos, como Domingo
García y Pancho Rodón; los miembros
Durantelospasadosaños,
dioiniciolarevolucióndel
arte de instalaciones y
performances; espacios
comolaGaleríaNacionaldel
ICPprodujeronunaseriede
importantesexposiciones;
la administración de Sila
M.Calderónestablecióun
controvertibleproyectode
artepúblico,ylosgrafiteros
comenzaronaexponersus
obras en las galerías.
de la Generación del 60-70, como Myrna Báez,
Luis Hernández Cruz, Zilia Sánchez, Carmelo
Sobrino y Carmelo Fontanés; los miembros
de la Generación del 80, como Mari Mater
O’Neill, Rosa Irigoyen, Jorge Zeno, entre otros;
los miembros de la Generación del 90, y los
Novísimos, grupo que incluye a Ada Bobonis,
Aaron Salabarrías, Rabindranat Díaz, Linda
Sánchez Pintor, Carlos Rivera Villafañe, Marta
Mabel Pérez, Annex Burgos, Tristán Reyes,
Aby Ruiz, Garvin Sierra, Omar Velásquez,
Radamés Figueroa, Edgardo Larregui, Jason
Mena, Ramón Miranda, SKE, Sofía Maldonado,
Carlos Gil Rivera, entre otros.
Ha habido una serie de exposiciones
retrospectivas o de midcareer im-
portantes (desde la del maestro
Domingo García en el MAPR hasta
la de Charles Juhazs Alvarado en
el MAC). Aunque las ventas han
caído drásticamente y los costos de
montar una exposición son cada
vez más altos, las galerías de arte
continúan presentando magníficas
exposiciones individuales o colec-
tivas, entre las que se distinguen
exposiciones trascendentales como
“En sus marcas…”, en la Uni-
versidad del Sagrado Corazón
(USC), y muchas en espacios
como Galería 356, Galería Viota,
Galería Petrus, Galería la Pinta-
dera, Galería Biaggi-Faure, Ga-
lería Botello, Galería Obra, La 15
y Espacio 1414.
Aunque con muy poca ayuda
del gobierno y de las empresas
privadas,nuestros artistas siguen
levantando los fondos necesarios
para ir a importantes bienales y ferias
internacionales (gasto que debería cubrir el
Instituto de Cultura Puertorriqueña). Con
su Certamen de Arte Joven, Oriental Group
ha satisfecho la necesidad de tener una
competencia nacional que determine quién
es quién entre nuestros artistas jóvenes,
tarea que anteriormente realizaron el Chase
Manhattan Bank, el MAP y el MAC.
mayo - junio 2009
En el campo del arte de video han surgido
numerosos foros/competencias serias donde
nuestros artistas pueden presentar sus obras y
crecer. La Internet ha ayudado enormemente a
la comunicación no sólo entre artistas sino entre
coleccionistas y galerías donde se presenta la
obra de artistas locales e internacionales (tal es
el caso de Enoc Pérez).
A pesar de todo, aún el País confronta
problemas graves en el campo de las artes
visuales.
En Puerto Rico, no existe la crítica de arte.
Ninguno de los periódicos o revistas dedican
espacio a la crítica de arte y sólo publican
reportajes muy superficiales que nada ayudan ni
fotosdearchivo
al artista, ni al amante de las artes visuales y
la cultura en general o coleccionistas.
Por otra parte, continúa habiendo un
tribalismo cultural desmesurado. Cada
“cacique” quiere su “comparsa”.
El departamento de Bellas Artes de
la UPR, aunque ha mejorado algo y ha
comenzado a graduar algunos excelentes
artistas visuales (sobre todo en el campo del
grabado, el dibujo y la fotografía) no es ni la
sombra de lo que una vez fue. Tal parece que
el parámetro existente es lo que no se acepta
en las artes visuales: la mediocridad.
Del mismo modo, el MAPR –con muy raros
“momentos de luz”– ha sido un fracaso total.
Lo que debería ser uno de los mayores legados
–si no, el mayor– de la administración Rosselló
se convirtió, por la ignorancia rampante de su
Junta de Directores y administración, en un
gran chiste y vergüenza para la clase artística e
intelectual de la Isla.
Por otro lado, ni el gobierno central ni las
estructuras municipales acaban de entender
las necesidades de los artistas visuales. A los
artistas hay que ayudarlos a volar, a rebasar el
insularismo, y eso cuesta dinero.
Finalmente, la educación en el campo de
las artes visuales tiene que comenzar –tanto
en el sistema público como el privado– desde
kindergarten.
_____
El autor es profesor en la UPR, Río Piedras, y
crítico de arte.
mayo - junio 2009
ElbustodeNefertitiseencuentraenelMuseoEgipciodeBerlín;losfrisosdelParteón,enelMuseoBritánico
de Londres.
Pugna internacional por el arte
Por Dalila Rodríguez
Saavedra
Especial para Diálogo
¿A quién pertenece el arte? ¿Al país
que lo conserva, que lo exhibe celosa
y orgullosamente, que dentro de su
metacultura lo reclama, ya sea como parte
de una colección famosa institucional,
para un acceso más amplio al público? ¿O
es merecidamente del país de origen? ¿Es
el arte algo que nos pertenece a todos? ¿O
las exposiciones de arte existen gracias a la
defensa de quienes alegan poseer interés
genuino en él?
Recientemente,un artículo publicado por
el periódico español El País, “Devuélveme el
arte de mi país”, a cargo de Catalina Serra,
pluralizó las pasiones encontradas en torno
a un “espinoso tema lleno de matices”: el
expolio de obras artísticas.
En esta ocasión, las obras artísticas en el
centro del avivamiento de esta controversia
internacional -que lleva casi 40 años
discutiéndose entre instancias públicas y
privadas sin resultados estándares- son unos
delicados bronces de Benin (datados entre
los siglos 13 y 16) que fueron incautados en
1897 por los británicos en una expedición
sancionable que arrasó con el palacio real
del entonces reino africano.
Otras dos cabezas de bronce -que
representaban animales del zodiaco-
procedentes del Palacio de Verano de Pekín,
saqueado en 1860 por el ejército franco-
británico durante la Guerra del Opio, se
suman a los registros de demandas de
devolución de piezas relevantes para la
historia de los países. Éstas salieron a
subasta el pasado 25 de febrero en la casa
Christie’s de París sin que las indignadas
autoridades chinas pudiesen impedirlo.
Las demandas de repatriación de obras
que en potencia “constituyen” la identidad
de un país incrementan. Algunas son
escuchadas; otras ya cumplen décadas y
no se han resuelto. En muchos casos, estas
piezas son consideradas relevantes para la
historia nacional porque son fruto del botín
debate
EstasdoscabezasdebronceprocedendelsaqueoalPalaciodeVeranodePekín
realizadoporelejércitofranco-británicodurantelaGuerradelOpioen1860.
de guerra, el saqueo colonial o las compras
dudosas.
Algunos casos históricos incluyen
al penacho de Moctezuma, que está en
el Museo Etnológico de Viena y que los
mexicanos reclaman; el busto de Nefertiti,
conservado en el Museo Egipcio de Berlín,
escamoteado por arqueólogos alemanes
en las excavaciones de Tell el Amarna, y
los emblemáticos frisos del Partenón, que
se encuentran en el Museo Británico de
Londres y son requeridos por los griegos
desde hace décadas.
Isabel Cervera, profesora en la
Universidad Autónoma de Madrid, coincide
con otros expertos en que el interés
artístico de los bronces chinos es relativo.
“La reclamación es política”, afirmó en
artículo de El País. “Son el símbolo de una
humillación y se trata de lavar la afrenta que
les infringieron las potencias extranjeras.
Su interés radica en su procedencia. Y esto
ha sido así también para el coleccionista. En
este caso, el valor de la pieza es su historia”.
A fin de cuentas, ¿será el arte una cuestión
política que pertenece a quien lo reclama? El
asunto se complica cuando algunos países
no poseen la infraestructura necesaria
para mantener las piezas. En ocasiones, la
capacidad efectiva de preservar el arte se
opone al derecho de un pueblo a conocer y
custodiar su historia.
Por tal razón, la Unesco creó en 1978
el Comité Intergubernamental para la
Promoción del Retorno de Bienes Culturales
a los Países de Origen, que se basa en el
derecho moral y ético de los pueblos a retener
su patrimonio. Este comité cuenta con 22
estados miembros de la organización que se
reúnen cada dos años para tratar aquellos
casos en los que un estado ha perdido bienes
culturales de importancia fundamental y
pide su restitución o su retorno en casos no
previstos en los convenios internacionales.
¿A dónde deben ir a parar?
Durante largo tiempo, se ha
fundamentado que la misión de una obra
de arte-arqueológica-histórica es dejar un
legado a las generaciones futuras, que la
existencia es una normativa tradicional que
exalta virtudes y glorias de la humanidad. de un país. ¿Quién asegura que si los
A partir de este planteamiento, se puede
argumentar que los inconvenientes son
más bien de orden ideológico que técnico,
y que regular el enfoque trasciende lo
estrictamente nacional.
Según la proclama de la Convención
de París de 1970, “el intercambio de bienes
culturales entre las naciones con fines
científicos, culturales y educativos aumenta
los conocimientos sobre la civilización
humana y enriquece la vida cultural de
todos los pueblos…”.
La discusión pervive -¿será inalienable
para el arte en sí mismo?- en cómo se define
arte dentro del marco histórico-artístico.
Cabe recordar que algunos de los países
no existían como estados soberanos, como
lo son hoy día. “No es lo mismo conseguir
una devolución de una obra robada o
exportada ilegalmente en los últimos años
que conseguir el retorno de obras que
salieron, muchas veces legalmente según
las reglas de la época, hace más de un siglo,
de una zona que entonces ni siquiera era
un país reconocido”, repasó Serra.
Las opiniones están divididas: algunos
promulgan que el país de origen posee
el derecho a tenerlas, puesto que son
sus bienes culturales, y otros sugieren
que el Museo Británico o los franceses,
neoyorquinos y alemanes son los custodios
apropiados porque permiten accesibilidad
a un mayor número de personas. Este
es otro factor que agrava la polémica: el
turismo y los ingresos que generan los
museos.
De acuerdo con el artículo de El País,
existe una contraposición de intereses
en aquellos países con un importante
patrimonio histórico artístico como España,
Portugal, Italia y Grecia, y aquellos otros de
gran potencial económico y tradición en el
comercio del arte y antigüedades, como
Gran Bretaña, Alemania y Estados Unidos,
“pero que poseen un patrimonio cultural
más limitado”.
diálogo 29
LosbroncesdeBenin,datadosentrelossiglos13y16,
fueron incautados en 1879 por los británicos.
Sería propio analizar detenidamente el
turismo con relación a los bienes culturales
bronces de Benin se devuelven a su origen el
turismo y el desarrollo del país africano se
verá beneficiado? ¿Cómo quedaría entonces
el Museo de Arte Británico si sus salas y
colecciones son repatriadas? ¿Qué harían los
latinoamericanos con todas las piezas en oro
que adornan a las majestuosas catedrales
españolas si les fueran devueltas?
La neuralgia está en que las legislaciones
nacionales varían mucho de un país a otro y
las convenciones internacionales al respecto
son relativamente recientes. Por ejemplo, el
postulado de La Haya que protege los Bienes
Culturales en caso de Conflicto Armado es
de 1954 (por lo visto no muy útil en los
recientes conflictos de Bosnia, Afganistán o
Irak), y el de la Unesco sobre medidas para
prohibir e impedir el tráfico de propiedades
ilícitas es de 1970.
Consecuentemente, sí han habido
restituciones triunfantes como el obelisco
de Aksum, devuelto a Etiopía en 2005 luego
de ser arrebatado por las tropas fascistas
italianas en 1937, así como la devolución
que realizó en 2007 la Universidad de Yale
a Perú de unas piezas arqueológicas de
Machu Picchu, sustraídas en 1911 por el
personaje que inspiró a Indiana Jones,
Hiram Bingham.
Todavía no se sabe si el coleccionista
hongkonés Cai Mingchao, que pagó 15.7
millones de euros por la adquisición de los
bronces del zodiaco chino y que afirmó que
se negaba a pagarlos por “patriotismo”, se
verá obligado a devolverlos, luego de que los
medios se hicieran eco de las palabras de
Bernard Gómez, presidente de la Asociación
para la Protección de Arte Chino en Europa.
Gómez aseguró que se estaba negociando la
posibilidad de que empresarios franceses
dialogodigital.com
compraran los bronces y como gesto se
los regalaran a China. Después de todo,
las relaciones entre Francia y la potencia
asiática no “deben” verse afectadas.
_______
La autora es periodista independiente.
 30 diálogo
Manos que ven y crean
L uis Passalacqua Sotomayor se dedicaba a crear
ilustraciones médicas. Un día, en 1995, mientras
remodelaba una casa, aspiró una espora que le causó
meningitis. Como resultado de esta enfermedad, perdió la
vista y se le afectó la audición y el tacto.
Tuvo que volver a aprender todo, desde dónde está su
boca para poder comer hasta cómo caminar sin poder ver.
También regresó a la universidad, pero esta vez a la Escuela
de Artes Plásticas.
El proceso de aprendizaje y de aceptación de su nueva
realidad no fue fácil; no obstante, ha logrado desarrollar
métodos para hacer arte desde otro “punto de vista”.
Precisamente, estos conceptos son los que comparte con
otras personas con impedimentos visuales en las clases de
escultura que imparte.
Passalacqua Sotomayor recuerda que cuando estudió
arte aprendió a crear desde una perspectiva visual y
pensando en que las piezas serían apreciadas por personas
videntes.
“En ese momento, no me daba cuenta de la diferencia
porque todavía quería ser vidente. Así que trabajaba desde
el punto de vista del vidente creando obras para videntes. No
había tenido la experiencia de relacionarme con el arte desde
otro ‘punto de vista’ o perspectiva. Era frustrante. Bueno, para
todos los estudiantes era difícil, pero sicológicamente yo me
hacía más daño, porque pensaba que era difícil porque no
veía. Luego, cuando desarrollé otros métodos, me di cuenta
de que hay otra realidad”, indicó el artista, quien ha expuesto
sus esculturas en galerías y festivales internacionales.
Passalacqua
Sotomayor,
profesor con
impedimento
visual, ha
logrado
desarrollar
métodospara
hacer arte
desde otro
dialogodigital.com
“punto de
vista”, los que
compartecon
otraspersonas
novidentesen
las clases de
esculturaque
imparte.
Ahora crea desde su realidad como persona con
impedimento visual para otros no videntes. Los métodos que
ha descubierto a través del desarrollo de su obra se basan en
utilizar el tacto, la audición y el olfato. Este proceso implica la
destrucción de la imagen visual del recuerdo y dar primacía
al tacto para crear nuevas imágenes.
Sus obras escultóricas comienzan con las imágenes
que desarrolla en su mente y, luego, sin hacer bocetos, las
plasma en el medio que utilice para esculpir, que puede ser
piedra, plastilina, metal o barro. Sus piezas se caracterizan
por el movimiento y están hechas para ser apreciadas a
través del tacto.
Cómo hacer arte
Un individuo con impedimento visual no crea una
imagen en su mente en un instante, sino que, a través de la
estimulación de sus sentidos, añade recuerdos y la compone
poco a poco. “Es un trabajo fuerte y agotador porque tienes
que acordarte de todo y de dónde está todo”, reconoció
Passalacqua Sotomayor.
“Es ajeno [para las personas con impedimentos visuales]
trabajar lo visual porque no es parte de su realidad”, añadió
el profesor vidente Garwin Zamora Sánchez.
De acuerdo con Passalacqua Sotomayor, las personas
con impedimentos visuales tienen que entender el porqué
de lo que desean hacer. Por ejemplo, si desean esculpir una
cara sonriente tienen que saber cómo
anatómicamente se dibuja una sonrisa
en el rostro de alguien.
mayo - junio 2009
Por Elba Betancourt Díaz
Especial para Diálogo
Para lograr esto, les enseña, utilizando una carabela,
cómo es una cabeza; cuáles son los músculos que se emplean
para sonreír y cómo se mueven, y todas las expresiones
faciales que surgen de una sonrisa. Una vez logran entender
el funcionamiento anatómico del rostro, pueden plasmarlo,
pues su realidad no se basa en lo que ven, sino en lo que
entienden.
El tacto o “punto de vista”táctil es esencial en este proceso
creativo, ya que se puede dibujar o esculpir tocando primero
el objeto que se pretende recrear. Zamora Sánchez explicó
que este “tocar” incluye las sensaciones que se producen al
vivir una experiencia, como puede ser entrar en contacto
con el agua, porque se incorporan todos los sentidos.
Por otra parte, Passalacqua Sotomayor manifestó que
uno de los conceptos más difíciles de comprender para
las personas con impedimentos visuales es la arquitectura
porque los edificios son muy grandes y no los pueden tocar
completamente.
“Deberían existir maquetas de los edificios históricos
como El Morro, el Parque de Bombas o las Casas del Viejo
San Juan para que puedan palparlas y apreciarlas; para que
así conozcan la arquitectura del País”, sugirió el artista.
Para enseñarles cómo hacer figuras tales como, por
ejemplo, una casa, utiliza barro para ir explicando los
detalles que componen el concepto de lo que es una casa
hasta llegar a la totalidad.
fotos suministradas
Uno de los
participantes
del curso del
programa Sin
Fronteras del
MuseodeArte
de Puerto Rico
fue Mardales
Fernández, de
78 años.
mayo - junio 2009
De izquierda a
derecha, Garwin
ZamoraSánchez,Hugo
MardalesFernández
y Luis Passalacqua
Sotomayor.
Zamora Sánchez señaló que
conceptos como tamaño, distancia o
altura se pueden transmitir utilizando
sonidos para que el no vidente pueda
calcular en su mente cuán grande es
un espacio, cuán lejos está un objeto o
cuánto mide.
Sobre el uso de colores, ambos
profesores enfatizaron que las personas
con impedimentos visuales no tienen
que usarlos desde la perspectiva de
los videntes, en cuyo caso tendrían
que fijarse que los colores combinen o
reproduzcan la realidad visual; el artista
puede pintar o hacer arte según lo que
siente, y no a partir de lo que se ve.
Al elegir los colores conviene dejar a
un lado su concepto visual y usar otros
sentidos o imágenes. El olfato es un
gran aliado al momento de seleccionar
colores. Passalacqua Sotomayor
mencionó que cada color tiene un olor
particular que varía según del pigmento
del que esté hecho. También se pueden
seleccionar los colores por su espesor.
El profesor considera que lo más
difícil de enseñar a las personas con
impedimentos visuales que desean ser
artistas es fomentar la confianza en
ellos mismos y que crean que pueden
hacer arte.
ZamoraSánchez,
profesor
vidente,enseñó
y colaboró en
el proceso de
creación de los
alumnosdesdela
perspectivadelos
no videntes.
De la teoría a la acción
El año pasado, 12 alumnos videntes
y no videntes entre las edades de 11 y
77 años aprendieron estos conceptos
a través del curso de escultura del
programa Sin Fronteras del Museo de
Arte de Puerto Rico, impartido por
ambos profesores.
Don Hugo Mardales Fernández
ha perdido paulatinamente su visión
debido a la enfermedad conocida como
degeneración macular; sin embargo,
no ha perdido su deseo de disfrutar la
vida y aprender. Hace 78 años, nació
en Perú; tiene el cabello blanco, usa
espejuelos y es un gran conversador.
Este puertorriqueño por adopción
decidió ser parte de los talleres de
escultura porque ama el arte.
“No había hecho arte, aunque me
encanta. Estos talleres fueron una
experiencia única en mi vida para poder
crear. Fue una sorpresa poder crear con
mis manos. Es interesante este proceso
de sacar algo de la nada. Cuando tenía el
pedazo de barro en las manos decía:‘qué
hago yo con esto’”, confesó arrancando
la risa de sus dos profesores.
Las clases, talleres y visitas al Museo
han logrado que ahora se exprese como
todo un artista. Para él lo más difícil fue
fotos por Ricardo Alcaraz
dominar la técnica para crear formas
y líneas con el barro. Estos talleres le
llenaron de satisfacción y le sirvieron
para divertirse, liberar estrés y aprender.
“Es importante que esto se sepa para
que la comunidad entienda que la gente
con nuestra condición puede hacer arte”,
aseguró.
Los maestros respetaron la capacidad
de creación de cada participante y su
proceso individual de aprendizaje.“Cada
uno tenía su realidad. Así que les decía:
‘dime qué quieres hacer y yo te digo
cómo hacerlo’. No había pena ni excusas;
se les exigía como a cualquier estudiante
de arte. Les ayudábamos a encontrar su
propio proceso”, sostuvo Passalacqua
Sotomayor.
A los participantes videntes se les
enseñó a esculpir desde la perspectiva de
las personas con impedimentos visuales.
Para esto se les requirió que trabajaran la
pieza al revés, se les apagaron las luces y
aprendieron a apreciar las piezas de arte
con el tacto.
Asimismo, Zamora Sánchez enseñó
y colaboró en el proceso de creación de
los alumnos desde la perspectiva de los
no videntes, por lo que utilizó su tacto y
empleó frases como : “Yo siento…”, “Yo
percibo…”, y no “Yo veo…”.
diálogo 31
Más sentidos para apreciar
Quienes podemos ver, solemos pensar que la
única forma de acercarse al arte es a través de los
ojos. Pero no hay una sola forma de “ver” las obras
y percibirlas por lo que la definición de “ver” debe
ampliarse.
Según el profesor Garwin Zamora Sánchez, se
ha comprobado científicamente que la parte del
cerebro donde se registra la visión se activa al
tocar un objeto, por lo que puede decirse que, de
cierta forma, se “ve” con las manos.
Lo que no se debe hacer es insistir en “ver” como
los videntes lo hacen y hacer comparaciones;
por el contrario, se debe construir una literacia
visual desde la perspectiva de las personas con
impedimentos visuales.
Es lo mismo que ocurre con las diversas
apreciaciones y sensaciones que una obra de arte
puede provocar en varias personas, sean éstas
videntes o no. Cada una de ellas vive su experiencia
y ninguna es más válida o correcta que la otra.
Existen varias alternativas para que las personas
con impedimentos visuales tengan la oportunidad
de apreciar las obras de arte. Si un artista otorga
el permiso para que su obra sea tocada, los no
videntes pueden palparla utilizando guantes. Con
sus manos, pueden hacerse una imagen en su
mente de la obra a través de las formas, texturas,
temperaturas y movimientos que palpen.
Otra opción es hacerles una descripción
narrativa de la pieza. Esta narración debe ir desde
lo general hasta lo particular y ser muy específica.
Los colores pueden ser comparados con conceptos
como lo frío y lo caliente para que puedan recrear
esas sensaciones en su cerebro. También, en estas
narraciones, se pueden incorporar sonidos para
describir algunas acciones, como por ejemplo,
bajar escaleras.
Mientras más específica sea la descripción, más
rápido se forma la imagen en la mente.Passalacqua
Sotomayor argumentó que esa imagen que se
compone de la obra puede hasta superar la real
porque la imaginación no tiene límites.
dialogodigital.com
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diálogo
36 /mayo-junio 2009

entre estudiantes diálogo/agosto-septiembre 2008

Un intento por democratizar la arquitectura

fotos por Ricardo Alcaraz

Por Laura W.
Robles Vega
Taller de Estudiantes
fuera de la universidad. “Estoy tan
“Traer la calle a la universidad y sacar convencido de la importancia de que
la universidad a la calle”, así resumió el estudiante salga a la calle para que
Edwin Quiles el objetivo del Taller de conozca lo que es Puerto Rico, que
Diseño Comunitario de la Escuela conozca lo que es la arquitectura de los
de Arquitectura de la Universidad de que no tienen arquitecto. Eso justifica
Puerto Rico en Río Piedras (UPR). todo este esfuerzo”.
El arquitecto, que emprendió esta Ese esfuerzo del que habla el
iniciativa en el año 1998, añadió que “la profesor incluye también intercambios
academia tiene que dar un servicio a la con México. “En el verano del
comunidad”. Es por eso que este curso 1999 nosotros comenzamos unos
universitario se encarga de renovar las intercambios con la Universidad
condiciones de vida y la infraestructura Nacional Autónoma de México”,
El profesor Elio Martíinez discute uno de los proyectos junto a un grupo de estudiantes del Taller de Diseño Comunitario.
explicó Martínez.
de sectores de escasos recursos.
Los estudiantes que forman parte de este esfuerzo reaccionando a una problemática, por ejemplo problemas de Los estudiantes mexicanos y
desarrollan los proyectos que les asignan.“El taller los expone expropiaciones”, relató Elio Martínez Joffre, profesor de la Escuela los puertorriqueños se unen anualmente en cada país
a las vías reales, a hablar con clientes reales. Los obliga a tener de Arquitectura de la UPR, y quien dirige este proyecto académico para ayudar a desarrollar proyectos en comunidades
que negociar con esos clientes su propuesta. Hay un diálogo actualmente. que necesiten la asistencia de este grupo de profesores y
que es muy enriquecedor”, explicó Quiles. Sin embargo, los estudiantes no solamente esperan a que las alumnos de arquitectura.
Esos clientes a los que se refiere el arquitecto son comunidades le presenten sus necesidades. “Estamos viendo una También los miembros del taller se involucran en
usualmente líderes comunitarios que acuden a ellos para cosa que ha sido muy interesante, y es que hay estudiantes que actividades que complementan su labor. De vez en cuando
presentar propuestas.“Cuando empezamos a trabajar el taller están trayendo proyectos. Eso dice mucho porque es gente que ya hacemos lo que se llama un chalet que es un fin de semana
nos dimos cuenta que aquí venían proyectos que estaban está pensando en cómo ser más proactivos”, resaltó Martínez. intensivo, de sábado a domingo. Cogemos un problema de
“Aquí se presentó un proyecto de una muchacha que se interesó diseño, invitamos a toda la escuela, a profesores, gente de
porque había una familia a la que se la disciplina, ingenieros, gente de las comunidades, para
le quemó una casa en el municipio de discutir un tema”, mencionó Quiles.
Florida, y ella la está rediseñando con otra
El estudiante estudiante y la ayuda del taller”, añadió el La experiencia de los estudiantes
Alberto Al explicarle a Diálogo lo que significa esta iniciativa
Fernández le
profesor.
hace entrega a Los dos arquitectos mencionaron en su carrera universitaria, la estudiante de arquitectura
Edwin Quiles, que la relación con las comunidades ha Sharleen M. Betancourt Rosa declaró que “el Taller
fundador del sido enriquecedora. “Creemos en que el Comunitario es lo más cercano que tiene la Escuela de
Taller (a la Arquitectura a lo que es la práctica profesional, desde cómo
izquierda,junto
estudiante enseña y aprende. La gente
alactualdirector de comunidad enseña y aprende. Es se dan los proyectos, su desarrollo y el esfuerzo detrás de
Elio Martínez) un proceso educativo en el que ambos cada uno para lograr el éxito.” Asimismo, anotó que la
un obsequio enseñan y aprenden. Ésta es una iniciativa integración es un aspecto fundamental. “Algo esencial
diseñado por en estos proyectos es el trabajo en equipo, aprendemos a
los alumnos que pretende proveer un servicio, pero
del curso, en también capacitar a los estudiantes por ajustarnos a diferentes situaciones y tratar con diferentes
reconocimiento supuesto y a la gente de comunidad para personas”, indicó la estudiante.
por su gesta. que puedan después por su cuenta seguir Por otro lado, el alumno Carlos A. González Barbosa
sus proyectos”, expresó Quiles. manifestó que involucrarse en este curso le ayudó a
Precisamente, esa es la aportación del “aprender lo que tienen que decir las comunidades”.
curso: ir más allá del diseño de un plano.
Los estudiantes y profesores se encargan
Décimo aniversario
de ayudar a las comunidades a investigar,
En la Escuela diseñar instalaciones y establecer un plan El Taller de Diseño Comunitario presentó una
deArquitectura de desarrollo. exposición el pasado 21 de abril, en la Escuela de
sepresentóuna Arquitectura de la UPR, para mostrar algunos de
exposicióndonde
“Estamos convencidos de la
dialogodigital.com

necesidad de que la arquitectura vaya a sus proyectos y celebrar su décimo aniversario.

se reseñaron
“Sacando cuenta, creo que hemos hecho
algunos de unos lugares donde no va, a la gente que más de 100 proyectos en los 10 años”, estimó
los proyectos no puede pagar los servicios, es como
trabajados el profesor Martínez. Añadió que hace dos años
durante estos
democratizar la arquitectura, hacerla recibieron el Premio Solidaridad de parte de la
10 años en el accesible a más gente”, afirmó Quiles. Fundación Miranda.
TallerdeDiseño Además, recalcó la necesidad de que los Según Martínez, gracias al taller, “la arquitectura
Comunitario. se convierte en un medio, no en un fin”.
estudiantes conozcan el mundo que está
diálogo/mayo-junio 2009

Cool-tura
entre estudiantes diálogo/agosto-septiembre 2008 diálogo/agosto - septiembre 2008
37

El arte de empezar desde

cero
Por Lillian E.
Agosto Maldonado Estudiantesdel
Taller de Estudiantes curso“Prácticas
operacionales

foto por Ricardo Alcaraz

Organización, dedicación y
esfuerzo son tres palabras que
describen el arduo trabajo de un grupo
de estudiantes del curso “Práctica en
Principios Operacionales de Museos
y Galerías” que participarán en la
exhibición Expo Graduandos ’09 a
partir del 5 de mayo en la galería
Francisco Oller del Recinto de Río
Piedras de la Universidad de Puerto
Rico.
Una intensa búsqueda de auspicios,
la cuidadosa selección de obras y hasta
un proceso de investigación sobre piezas
artísticas son sólo algunas de las tareas
que hizo este grupo de 25 graduandos
del Departamento de Bellas Artes y
Educación en Arte de las facultades de
Humanidades y Educación.   “un trabajo de gestión cultural y promoción de las
Alejandro Funadora, Joshua
Cabezas, Yarivelisse Cortés, Damaris
Cruz, Jenny Falcón, Ángel J. Ortiz,
Rocío Talavera, Mayra Ramírez, Nicole
Kortright, Ida Rodríguez, Yria Santos,
Edilinana Solís, Luis Torres, Tamara
Zaragoza y Daniela Swamp, que
configuraron el grupo de los artistas y
Sabrina Ramos, Gabriela Muñiz, Omar
Guzmán, Alex Rivera, Irne Charrón,
Selimar Santiago, Valerie Martínez,
Sharmyn Cruz, Félix Rodríguez y
Ernesto Hernández, que integraron
el de los coordinadores, se unieron
en la aventura de esta exposición
conceptualizada y desarrollada por
estudiantes.Los jóvenes contaron con el
asesoramiento de los profesores Flavia
Marichal Lugo, Lisa Ortega Morrow,
Lionel Ortiz, María Elba Torres y
Chakira Rodríguez.
“Parte de la clase es  conseguir
fondos para la exhibición,  coordinar
la actividad, registrar las obras de
arte y diseñar la sala y los impresos,
que incluyen los opúsculos, paneles
introductorios y las invitaciones”,
señaló Sabrina Ramos, una de las
coordinadoras. La búsqueda de
auspicios fue sin duda el mayor reto
fotos suministradas
Santo custodio de la ostia,
de Ángel J. Ortiz Rivera
T1,
de Rocío Talavera
Pies Vacilantes,
de Mayra A. Ramírez Nelly
de museos
y galerías”,
trabajan con la
maqueta de la
GaleríaFrancisco
Oller donde
presentaránsu
exposición.
Así también, los preparativos incluyeron
la elaboración de un programa educativo que
implica la celebración del foro “El circuito del arte
en Puerto Rico”. La propuesta también contiene
conversatorios con los estudiantes graduandos que
a su vez son los artistas de la exposición. Ernesto
J. Hernández Galarza, estudiante de maestría que
coordinó la recaudación de fondos externos y las
actividades educativas, describió la iniciativa como
artes, realizado por estudiantes”. Según Hernández
Galarza, el proyecto siempre fue visto por los
miembros de la clase como un “evento cultural en
el que demostrarán que están dispuestos a trabajar
a favor de la cultura”.
Los estudiantes destacaron que en proyectos
de esta naturaleza la clave está en la integración
de los distintos equipos de trabajo. “Al ser un
grupo heterogéneo y compuesto de personas tan
inteligentes y creativas existieron diferencias de
criterios y visiones,pero lo importante es respetarse,
escuchar al otro y trabajar juntos por alcanzar una
meta y esa es la fórmula perfecta para lograr un
proyecto como éste”, añadió el entrevistado.
Ambos coordinadores coincidieron en que la
difícil labor que han realizado tendrá sus frutos
e incluso lo consideran relevante en su desarrollo
profesional y personal. “Esto me ha servido de
laboratorio para seguir desarrollándome en el área
de la museología, la administración de entidades
culturales y las destrezas de liderazgo”, destacó
Hernández Galarza. También los estudiantes
notaron lo difícil que es realizar un trabajo como el
de coordinar una exposición. “A veces vamos a los
museos y a las galerías, y no nos damos cuenta del
trabajo que pasó el personal de esa entidad para
brindar al público el privilegio de informarnos
de diferentes materias y de observar objetos”,
señaló Ramos al afirmar que su entendimiento
y apreciación al trabajo museológico se había
recoge Expo Graduandos ‘09, se destacan la memoria
y las críticas a los estándares de belleza establecidos
por la sociedad. También la temática del cuerpo
y la construcción de género están presentes en la
exhibición. Entre las 15 obras se mostrarán grabados,
pinturas, libros artísticos, arte digital y fotografías.
Daniela Swamp, futura comunicadora audiovisual
y artista, explicó que su obra “Tito y Melly en la sala”,
aborda el tema de los roles definidos de hombre y mujer
en la sociedad. Factores como la decoración kitsch
(arte que es considerado como una copia inferior de
la pieza original) del lugar en donde vive y fotos de los
años 30, 40 y 50 influyen en las técnicas utilizadas para
su elaboración. Como plantea Swamp, el libro artístico
que presenta “se transforma en una sala sobrecargada
y llena de imágenes de sujetos que sólo existen en sus
paredes, el tiempo se ve reflejado en estas imágenes”.
Entre la diversidad de materiales que utiliza resaltan el
uso de telas, hilos, fotocopias, marcadores y papeles y,
además, añade elementos sonoros sorpresa.
“Fue bien cool tener una oportunidad para que
la gente te conozca y conozca lo que haces”, expresó
la joven artista sobre su experiencia en el proyecto.
De igual forma, resaltó que el entusiasmo de los
coordinadores fue uno de los mejores elementos del
proyecto ya que su intención era genuina e inyectaba
mucho entusiasmo.
Por otro lado, la estudiante de fotografía, Damaris
Cruz Ramos presentará “El exaltado deleite de
Mnemosyne”, una selección de seis fotos digitales
que forman parte de una serie de 60 imágenes.
“Desarrollé la figura del fisgón, como consecuencia de
la curiosidad que todos llevamos dentro y se lo atribuyo
a la madre de todas las musas, Mnemosyne, quien
alimentándose de los recuerdos hace que nos llegue
el proceso creativo”, mencionó. La satisfacción de ser
parte de este evento es evidente para Cruz Ramos, al
punto de que continuará desarrollando este tema una
vez se gradúe. Según Cruz Ramos, esta experiencia es
“sumamente importante, ya que además de exponer

para estos estudiantes pues, según profundizado con esta experiencia. nuestro trabajo artístico, logramos abrir un espacio
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Ramos, la crisis económica hace en donde representemos el talento que da la Upi”. Así
que los fondos disponibles para este Explosión de creatividad también, la estudiante aseguró que este tipo de eventos
tipo de actividades se limiten y sea La originalidad, rareza y excentricidad de otorga conocimientos y desarrolla nuevas destrezas
más difícil conseguirlos. “Ha sido un cada obra hacen de Expo Graduandos ‘09 una artísticas en los participantes.“Estoy muy orgullosa de
proceso arduo, pero extremadamente completa explosión de creatividad. Su temática todo lo que logré al realizar mi investigación creativa y
El exaltado deleite de Mnemosyne,
productivo”, añadió. de Damaris Cruz Ramos interesante y pertinente llama la atención de todos dar a conocer la misma me sirve de entusiasmo para
y da intensidad al evento. Entre los temas que proseguir en futuros retos”, puntualizó.
 34 diálogo
Internacional
Por Waldemar Arroyo
Especial para Diálogo
L os principales funcionarios de
múltiples gobiernos se han escudado
bajo el principio de soberanía para
cometer todo tipo de atrocidades y no asumir
responsabilidad por actos criminales, como
aquellos ligados a la guerra y la violencia
política, que tuvieron como consecuencia la
muerte de 87 millones de personas durante el
siglo 20. Dichos gobernantes son candidatos a
ser acusados por delitos internacionales,los que
Rey Mohammed VI
filosóficamente son considerados “crímenes
de lesa humanidad” -pues ofenden y agravian
a toda la humanidad y violan múltiples
convenciones o tratados internacionales-, y
ante los cuales la comunidad internacional
tiene un deber ético de reaccionar.
Históricamente, a los jefes de estado no se
les ha exigido consistentemente que rindan
cuentas por actos criminales. Sin embargo,
durante la década de los noventa, una serie
de acontecimientos transformó la doctrina
del derecho internacional, dando un impulso
al concepto de que los ocupantes de altos
cargos no necesariamente deben quedar
impunes y que la “inmunidad por actos de
estado” no necesariamente debe cobijar a los
crímenes internacionales, particularmente
si estos han sido planificados y cometidos
sistemáticamente.
El establecimiento de los tribunales
criminales de la Organización de Naciones
Unidas (ONU) para Yugoslavia (1993), Ruanda
(1994), Sierra Leona (2002) y Camboya (2003)
-así como la iniciativa del juez español Baltasar
Garzón de acusar en 1998 al general chileno
dialogodigital.com
Augusto Pinochet por terrorismo, torturas
y genocidio- transformó la doctrina y la
costumbre del derecho criminal internacional
al plantear la posibilidad de acusar a jefes
de estado, jefes de gobierno, ministros, altos
oficiales militares y altos jefes de grupos
rebeldes.
Justicia internacional:
Garzón se amparó en una regla de derecho
internacional que,aunque existente,era utilizada
con infrecuencia: el principio de jurisdicción
universal. Éste permite a tribunales de
cualquier estado acusar a individuos que hayan
cometido delitos internacionales ius cogens -“de
lesa humanidad”- como terrorismo de estado,
genocidio (exterminio contra un grupo),
torturas, crímenes de guerra (violaciones a
las leyes del conflicto y a las Convenciones
de Ginebra), reclutamiento militar de niños,
violaciones masivas de derechos humanos,
esclavitud y crímenes contra la paz (agresión
injustificada contra un estado).
George W. Bush Efraín Ríos Montt
Previo al caso de Pinochet y al
establecimiento de los tribunales de la
ONU, sólo se había acusado a los criminales
de guerra alemanes y japoneses, quienes
habían perpetrado crímenes durante la
Segunda Guerra Mundial, ante los tribunales
de Nüremberg y Tokio. Posteriormente, se
realizaron juicios en varios países contra otros
criminales nazis. Ello fue posible gracias a
la derrota militar de Alemania y Japón en
1945 y a un consenso universal de rechazo al
legado del nazismo alemán y del militarismo
japonés.
Las iniciativas de Garzón y de la ONU dieron
paso a que jueces de Bélgica, España, Francia,
Suiza y Suecia presentaran acusaciones
contra dirigentes de Argentina, Chile, China,
República Democrática del Congo, Francia,
Israel y Ruanda. También dieron un impulso
adicional al proyecto, propuesto por Alemania,
de establecer un tribunal permanente que
procese individuos acusados de delitos
internacionales, el cual finalmente entró en
operación en 2006 y se conoce como la Corte
Criminal Internacional (CCI).
La CCI ya ha emitido acusaciones contra ex
funcionarios políticos y militares o dirigentes
rebeldes de Uganda, República Centro
Africana y República Democrática del Congo.
Asimismo, los tribunales de la ONU continúan
procesando casos relativos a la antigua
Yugoslavia, Ruanda, Sierra Leona y Camboya.
Condenados por tribunales
Jorge Videla (Argentina): En 1985,
un tribunal argentino lo condenó a
cadena perpetua por crímenes contra
la humanidad. Videla fue indultado en
1990 y reingresado a prisión en 1998
por secuestro de menores y terrorismo
de estado.
Jean Kambanda (Ruanda): En
1998, se declaró culpable de genocidio
ante el Tribunal Penal de la ONU.
Alberto Fujimori (Perú): Fue
encontrado culpable de violaciones
de derechos humanos tales como
Fidel Castro
Confrontan
acusaciones
Khieu Sampan (Camboya): En 2007,
fue arrestado para enfrentar juicio ante
el Tribunal de la ONU por el delito de
genocidio cometido durante el régimen
de terror de los Jemeres Rojos (1975-
1979).
Charles Taylor (Liberia): En 2006,
el Tribunal de la ONU lo acusó por
crímenes de guerra.
Omar al-Bashir (Sudán): La
Corte Criminal Internacional lo acusó
formalmente en 2009 por crímenes
contra la humanidad, incluyendo
ataques contra la población civil
cometidos durante la campaña militar
contra la provincia rebelde de Darfur.
Fallecieron durante o
antes del proceso
Augusto Pinochet (Chile): El juez
español Baltasar Garzón lo acusó
en 1998 por terrorismo, torturas y
genocidio.
Slobodan Milosevic (Yugoslavia):
En 2001, confrontó acusaciones por
crímenes contra la humanidad, múltiples
violaciones a las Convenciones de
Ginebra y genocidio durante las guerras
contra Croacia, Bosnia-Herzegovina y
Kosovo.
Ariel Sharon (Israel): Fue acusado
por jueces belgas por las masacres de
Shaba y Shatila en el Líbano contra
civiles palestinos.
mayo - junio 2009
ejecuciones extrajudiciales y secuestros
motivados políticamente y cometidos
durante la guerra contra los rebeldes
de Sendero Luminoso entre 1990 y
2000.
Megistu Haile Mariam (Etiopía):
En el 2006, el Tribunal Supremo Federal
de Etiopía lo condenó in absentia a
cadena perpetua por genocidio, crímenes
contra la humanidad y encarcelamiento
ilegal por actos de persecución política
graves cometidos durante el régimen
del “terror rojo” (1979-1991).
Hu Jintao
Podrían enfrentar
acusaciones
Vladimir Putin (Rusia): por genocidio
y graves crímenes de guerra contra civiles
chechenos durante la guerra contra la
República de Chechenia y por la agresión
contra la República de Georgia en
contravención de la Carta de la ONU.
George W. Bush (Estados Unidos):
por las torturas en Guantánamo e Irak, así
como violaciones a la III Convención de
Ginebra por no reconocer el estatuto de
“prisionero de guerra” de los detenidos en
la llamada “guerra contra el terrorismo” y
violaciones a la IV Convención de Ginebra
por ataques indiscriminados contra civiles
iraquíes.
Hu Jintao (China): por genocidio y
persecución religiosa en el Tíbet.
Rey Mohammed VI (Marruecos): por
crímenes contra la humanidad y torturas
durante la guerra contra el Sáhara
Occidental.
Mullah Omar (Afganistán): por
gravísimas violaciones de derechos
humanos y persecución sistemática contra
las mujeres afganas.
Than Shwe (Myanmar): por una
amplia lista de crímenes, entre los que
figuran el reclutamiento militar de niños, la
negación a ofrecer asistencia humanitaria
a más de 100,000 refugiados del huracán
de 2008 y la persecución sistemática
contra la oposición, los estudiantes y los
monjes budistas.
Además, podrían ser acusados Jean
Claude Duvalier (Haití), Efraín Ríos Montt
(Guatemala), Luis Echevarría (México) y
Fidel Castro Ruz (Cuba).
 mayo - junio 2009
Internacional
¿fin de la impunidad?
Las implicaciones de estos precedentes son significativas
para el derecho internacional criminal y para la política en
general. El panorama que va dibujándose es que la época de
la impunidad por crímenes cometidos durante el ejercicio
del poder ha pasado a la historia. Esto no significa que todos
los altos funcionarios que cometan delitos internacionales
confrontarán la justicia, pero ya es plausible.
Por ejemplo, la posibilidad de un proceso judicial contra
George W. Bush y Dick Cheney, ex presidente y ex vice
presidente de Estados Unidos, respectivamente, no es una idea
descabellada. Si bien es casi imposible que sean acusados por
tribunales estadounidenses, la probabilidad de que tengan
que confrontar acusaciones en tribunales de otros países no
puede descartarse. En efecto, la Audiencia Nacional de España
Vladimir Putin Than Shwe
ha aceptado revisar una demanda contra Bush que, de
prosperar, pudiera convertirse en el primero de múltiples
casos contra el ex presidente de Estados Unidos.
Entre las acusaciones más graves que podrían enfrentar
Bush y Cheney se encuentran las relacionadas con las
torturas en Guantánamo e Irak, el ordenamiento y la
autorización de interrogatorios fuera de los límites
internacionales que prohíben “trato cruel e inhumano”,
violaciones a la Convención contra la Tortura, así como
violaciones a la III Convención de Ginebra por no reconocer
el estatuto de “prisionero de guerra” de los detenidos en la
llamada “guerra contra el terrorismo” y violaciones a la IV
Convención de Ginebra por ataques indiscriminados contra
civiles iraquíes.
Luis Echevarría Mullah Omar
diálogo 35
Los procesos acusatorios ya iniciados están teniendo
consecuencias para muchos de estos criminales: viajar a un
país extranjero comienza a ser un riesgo pues, al entrar en
territorio de otro estado, podrían ser objeto de arresto o de una
solicitud de extradición a un tercer estado en el cual tuvieran
que enfrentar la justicia.
El aspecto más importante de esta evolución reciente en el
derecho criminal internacional es que los ciudadanos comunes
de todos los países puedan tener una mayor certeza de que
aquellos que detentan el poder no quedarán impunes por
sus actos, de que la comunidad internacional pedirá cuentas
a aquellos que han tenido en sus manos el ejercicio del poder
y el destino de tantos ciudadanos y de que el poder no brinda
derecho a cometer crímenes.
No puede continuar tolerándose que la guerra se utilice
como justificación para el exterminio o genocidio, ni que el 95
por ciento de las víctimas de las guerras sean civiles inocentes,
dato que evidencia que en la mayoría de los conflictos hay una
estrategia deliberada de agresión contra los civiles.
Incluso un dirigente político que enfrente una guerra o
una insurgencia tiene que comprender la importancia de
actuar bajo los límites que impone el derecho internacional
y humanitario por medio de las leyes de la guerra, la
prohibición del genocidio y la prohibición de todos aquellos
actos que generen sufrimiento innecesario y que lastimen la
integridad y la dignidad de todos los seres humanos, quienes
son agraviados cuando siquiera un ciudadano de cualquier
país es víctima de una grave injusticia.
_____
El autor es profesor de Ciencias Políticas en la UPR,
Mayagüez.
dialogodigital.com
 A D R E N A L I N A
36 diálogo
CÓMO VENDER DEPORTE EN TIEMPOS
UN EMPRESARIO Y UN LÍDER DEPORTIVO EXPLICAN
SUS ESTRATEGIAS PARA MANTENERSE A FLOTE
Por Hermes Ayala
De Diálogo
Faltan tres días para que el campeón mundial
de las 122 libras Juan Manuel “Juanma” López
exponga su título ante el filipino Gerry Peñalosa, y
es imposible conseguir por teléfono a su manejador,
Peter Rivera.
“Es que una pelea de Juanma
vale más que una temporada
entera de los Vaqueros de
Bayamón en baloncesto y
como cinco veces más que una
temporada de las Vaqueras del
voleibol”, señaló Rivera luego
de que contestara la llamada
de Diálogo, en el decimoctavo
intento.
Es que Rivera es una
persona muy ocupada en estos
días. Si pensamos en cómo está
la economía, es un tipo muy
bravo: en tiempos en que los
estadounidenses han puesto de
moda la palabra trillions, luego
del incentivo económico que el
presidente Barack Obama les
dio a los bancos, y en los que
el gobierno puertorriqueño
de Luis Fortuño se prepara
para enfrentar un posible paro
general, fruto del anuncio del
despido de decenas de miles
de empleados públicos, Peter
Rivera compró dos clubes
deportivos y lleva a López rumbo a la danza
Peter Rivera (en la foto
inferior, a la extrema millonaria de Fistiana.
izquierda) adquirió las Rivera adquirió la franquicia de los Vaqueros
franquiciasdelosVaqueros
de Bayamón del Baloncesto Superior Nacional
del Baloncesto Superior
NacionalylasVaquerasdel (BSN) -los mismos que sobre los hombros de
VoleibolSuperiorFemenino. Jerome Mincy y Rubén Rodríguez enorgullecieron
a los chicharroneros- en noviembre pasado en una
transacción de casi medio millón de dólares con
el ex apoderado y veterano hombre de baloncesto
dialogodigital.com
Francisco “Pancho” Padilla. Casi a la par, Rivera
le compró los derechos sobre las Vaqueras de
Bayamón del Voleibol Superior Femenino (VSF)
al lanzador cubano de Grandes Ligas Liván
Hernández, quien durante los pasados tres años
fungió como apoderado.
Pero, ¿cómo cuando casi todas las familias
andan cortando los gastos en ocio, como ir a
juegos de baloncesto o de voleibol o a peleas de
boxeo, a Rivera se le ocurre adquirir dos equipos
deportivos para acompañar su ya atareado
quehacer boxístico?
“Hay que ponerse creativo”
“Es que yo soy de los que pienso que, en
tiempos de crisis, la gente acude al deporte como
un aliciente, para despejarse la mente de tantos
problemas. Analizando bien las cosas, me he dado
cuenta de que ésta es una cultura deportiva, y que
no sólo se identifica con un deporte en particular
como sucede en otros países. Puedo dar fe de que,
si uno presenta un buen espectáculo deportivo, la
gente va a ir”, ripostó.
Cualquiera que sea fiel seguidor de los Puerto
Rico Islanders puede también dar fe de que
Rivera es una cara conocida en las gradas del
estadio Juan Ramón Loubriel. Es un estudioso
del fenómeno deportivo y del éxito que puede
producir. Rivera explicó cómo hace para ver el
vaso medio lleno en momentos en que muchos
empresarios del universo deportivo ven el vaso
medio vacío.
“En situaciones de crisis, hay que ponernos
creativos. Tengo varias ofertas con los fanáticos
que las he hecho junto a los auspiciadores. No ha
sido fácil. Por ejemplo, uno de mis auspiciadores
es el Tren Urbano, y tengo una oferta en la que, si
coges el tren y llegas a la cancha con la tarjeta del
tren, entras gratis a ver a los Vaqueros en entrada
general”, ejemplificó.
Rivera ha creado más ofertas con el fin
de atar a los auspiciadores con sus fanáticos.
Tiene de auspiciador a una famosa cadena de
megatiendas por departamentos, de
esas que requieren una tarjeta para
comprar; sus suscriptores no hacen más
que enseñar la tarjeta de la tienda en la
entrada y entran gratis al Coliseo Rubén
Rodríguez. Lo mismo sucede con los
que muestren la tarjeta del plan médico
que auspicia a los Vaqueros.
“La idea con esto no es sólo enfatizar
en la promoción y en los beneficios que
nuestros fanáticos reciben si respaldan
nuestros auspiciadores, sino también
regenerar la base de los fanáticos.
Quizás alguien que compre en esta
megatienda no le interese el baloncesto,
pero cuando ve que puede entrar gratis
con la tarjeta, pues le dé por ir. Es
cuestión de desarrollar bien a nuestros
fanáticos, para contar con una buena
base”, apostilló Rivera, quien comenzó
en el mundo empresarial deportivo hace
A D R E N A
mayo-junio 2009
casi dos décadas en Bayamón con una tienda de
ropa y efectos deportivos.
Aunque dijo que en el VSF el campo de
auspiciadores es aún mayor “por tratarse
de deporte femenino”, Rivera atribuyó el
éxito que tuvo su franquicia este año al
nivel competitivo que alcanzó. Las Vaqueras
contaron este año con la Jugadora Más Valiosa
y líder en anotaciones del torneo nacional,
la estadounidense Jordan Narson, lo que
les aseguró entrar a la postemporada; sin
embargo, quedaron eliminadas luego de que,
tras tres victorias en la postemporada, Narson
cayera lesionada y Bayamón perdiera tres
partidos en línea.
“Yo diría que en voleibol femenino veo
mucho futuro a nivel económico y deportivo
pues creo que es un mercado con muchas
más opciones. Claro, hay que enfocarnos en
lo atlético, y por eso le estamos dando duro al
desarrollo de las categorías menores. Pero aquí
los auspiciadores son más amigables que en
el baloncesto, pues ven esto con mejores ojos,
como una actividad más familiar y de mayor
atractivo para la juventud”, señaló.
La gallinita de los guantes…
huevos de oro
En boxeo, la cosa es distinta. Rivera,
responsable de que grandes ídolos de esta
generación hayan firmado como profesionales
(entre ellos, Juanma López, el campeón
mundial de las 108 libras Iván Calderón y el
controvertible campeón mundial de las 147
libras Miguel Cotto), reconoció que el boxeo es
un deporte cuya economía depende del poder
de convocatoria que tenga el púgil en cuestión
y de la habilidad del promotor de convertir al
boxeador en superestrella.
“No hay duda de que en el boxeo la cosa se
basa alrededor de una figura en específico”,
indicó. “El beneficio que veo en el boxeo que
no hay ahora mismo en otros deportes es que
en Puerto Rico ya se ha desarrollado la cultura
boxística; la gente ya está acostumbrada a pagar
cierta cantidad por adquirir un evento de Pague-
por-ver o no le molesta pagar las taquillas de una
pelea de boxeo, no importa el costo. Mientras en
el voleibol todas las taquillas son de un mismo
precio y en el baloncesto van de $8 hasta $15,
hay gente que paga hasta $500 por sentarse
ringside en una cartelera. Es como que un gusto
adquirido ya”, dijo.
Aún así, Rivera confesó que, por su naturaleza
violenta, se le hace más difícil vender el boxeo
ante los auspiciadores, si se compara con el
baloncesto o el voleibol.
“Es más difícil, porque hay que ir donde los
auspiciadores que trabajan con cosas de adultos,
como licores y cervezas. Y entonces ahí entras
en una competencia completamente distinta,
porque compites con los conciertos, con los
parties de los jóvenes, con muchas otras cosas
que no tienen que ver con el deporte”, acotó.
I N A A D R E N A L I N A
mayo-junio 2009
DE CRISIS
Lo que sí es cierto es que en sus boxeadores
Rivera tiene las verdaderas gallinitas de
oro. Dato curioso: al cierre de esta edición,
Juanma López aún no ha pasado del primer
asalto en una defensa titular y los expertos no
vacilan en llamarlo el próximo Tito Trinidad
debido al carisma que emana, virtud de la que
carece Cotto, quien hace dos años se separó de
Rivera y del Puerto Rico Best Boxing.
“Son cosas con las que bregamos”, dijo
Rivera. “La cosa está mala, pero hay que
inventárselas. Hay gente que gana $100 y
gasta $150, y habemos otros que ganamos
$100 y gastamos $75. Es cuestión de saber
hacer las cosas, porque la economía siempre
va a estar ahí, sea buena o mala”.
Mayagüez 2010 y el
turismo deportivo
Uno que se está dando cuenta de cómo
bregar con la economía es David Bernier,
presidente del Comité Olímpico de Puerto
Rico. No es secreto que la organización de
los Juegos Centroamericanos y del Caribe
de Mayagüez 2010 ha sido una faena cuesta
arriba. “La crisis económica ha afectado al
mundo entero, y el deporte no ha sido la
excepción. Hemos tenido que volvernos bien
creativos y todo esto nos ha obligado incluso a
cambiar nuestro lenguaje”, explicó Bernier.
El líder olímpico se refiere al lenguaje
del turismo deportivo que de repente ha
empezado a hablar y que considera es el
futuro de la economía deportiva. “Si te pones
a ver, es grande la aportación que el deporte
hace al turismo en Puerto Rico. En el pasado
año, hemos tenido eventos de envergadura
como el Puerto Rico Open de golf, el Clásico
Mundial de Béisbol, juegos internacionales
En el boxeo, Rivera ha sido
responsabledequelosídolosde
estageneraciónhayanfirmado
comoprofesionales,entreellos,
el campeón de las 122 libras
Juanma López.
de los Islanders, eventos
de surfing. Es importante
que los auspiciadores del
deporte se den cuenta de
que el turismo deportivo
tiene un gran futuro”.
A 13 meses de la
fecha pautada para darle
inicio a la justa deportiva
regional más antigua
del planeta, el ejecutivo
acepta que faltan muchas
cosas por hacer, pero
sigue con la frente en
alto, confiando en que el
gobierno boricua le haga
caso a las necesidades de
los Juegos en un momento en el que decenas
de miles de trabajadores están a punto de
perder el empleo.
“Es que tienen que darse cuenta de que la
inyección económica que estos juegos van a
darles al área oeste y a todo el país es real y
genuina. Hay varios proyectos dirigidos a esto
que espero que se pongan en marcha en las
próximas semanas, como el porcentaje que
nos van a dar de la amnistía de los boletos
de tránsito, y el dinero que debe venir de la
A D R E N A
diálogo 37
lotería, de los marbetes y de las tablillas”,
puntualizó. “Unos juegos de esta magnitud
no se pueden dar sin el respaldo económico
masivo del gobierno”.
Por si acaso, esta pandemia económica
en el deporte es global. Poderosas entidades
como la Federación Internacional de Fútbol
Asociación (FIFA) han sido azotadas también
por la crisis.
Por ejemplo, clubs de gran tradición como
los ingleses Liverpool y West Ham se las han
visto mal. El West Ham perdió su principal
auspiciador de ropa deportiva a principios
de año, mientras que el Liverpool aún no
completa los fondos necesarios para poder
terminar su estadio nuevo de fútbol.
En el ámbito olímpico, los organizadores
de los Juegos Olímpicos de Londres 2012
redujeron el presupuesto de $14 mil millones
que se gastaron en Beijing a poco más de
$11 mil millones. Incluso, redujeron la
construcción de la Villa Olímpica de 4,200
alojamientos a 3,000.
En otras palabras, todo en estos momentos
cuesta, ya sea un puente aéreo en uniforme
de los Vaqueros de Bayamón o un gol con la
franela del Chelsea. Sí, amigos lectores, jugar,
correr y brincar también tienen un precio.
dialogodigital.com
 38 diálogo
La foto de Adriana
Ricardo:
V i la foto de Diálogo. Jamás pensé que fuera
tan bella. Quedamos impresionados, no
sólo por el colorido,  sino por el tamaño y el
despliegue. Pero, lo mejor, por el texto. Cuando
me lo leíste me pareció hermoso, pero cuando
lo vi junto a la foto, sentí casi un abrazo cálido
de la vida para mí y una enseñanza porque
recoge lo que Adriana significa para mí. Es mi
“forma de ver la vida”… sus ojos, su actitud, su
dureza y su terquedad. Toda ella es mi pequeña
versión maestra de una guerrera amorosa que
batalla y ama.
 No sabes lo honrada que me siento de que
hayas dedicado ese espacio a Adriana.
 Y no es porque sea Adriana-hija.
Es que, no sé si te lo habré comunicado
alguna vez, pero cuando salí del hospital siempre
decía que había descubierto algo. Las mamás y
los papás que han escuchado hablar, han visto o
conocen algo sobre el cáncer pediátrico, antes de
que sus hijos hayan sido diagnosticados, cuando
llegan a Oncología con sus hijos, aceptan mejor el
tratamiento, entienden y están abiertos a lo que
los doctores les explican y les sugieren. Son más
dóciles, más abiertos, más cooperadores.
Sin imaginación no hay cambio educativo
¿ Cuál es el cambio necesario en la educación?
¿Cambiar el horario y la organización
escolar? ¿Cambiar el contenido curricular?
El problema educativo de Puerto Rico no
se resuelve añadiendo minutos al reloj escolar
o echando a la fila del desempleo a miles
de maestros. Necesitamos un cambio más
profundo, fundamental, hay que replantear
las relaciones existentes entre el educando y el
educador, entre los administradores y su trato
dialogodigital.com
a los entes pensantes y únicos que habitan en
los planteles escolares. Un trato que muchas
veces denigra, falto de fe en la capacidad de
nuestros estudiantes y maestros, que anula la
imaginación.
La escuela debe ser un lugar donde se
desarrolle la ética, donde se busque el bien
cartas
Los padres que no tienen
ni idea de que hay cáncer
pediátrico -y los que no conocen
ningún sobreviviente de cáncer-
les dicen cáncer y lo relacionan
con muerte y caen en negación,
en dudas, en reproches: culpan,
discuten con los médicos, no
facilitan los procesos y, lo más
doloroso para ellos y para
todos, no perdonan. Donde
hay posibilidades, ven errores.
Donde hay “voluntad divina”,
ven negligencia médica.
Y yo me dije muchas veces
que los “ruidos” que hacía con
el relevo, la trulla, la marcha
de los nenes de Head Start en
Caguas tenían el propósito de
que los padres con niños sanos
conozcan sobre el cáncer y
se eduquen más sobre él, de
modo que si algún día reciben un diagnóstico,
puedan procesarlo rápido y pasar a la próxima
etapa: “vamos a atacarlo”, Que no se queden sin
armas, sin fuerza de lucha porque saben que
hay probabilidades...hay una segunda pequeña
oportunidad  (aunque hoy día, yo sepa que
Adriana puede recaer cualquier día de su vida,
cada día que la tengo conmigo y la veo vivir es
un día de milagro y de agradecimiento a Dios y
a los doctores, y a los medicamentos y a todo el
ecosistema que contribuyó a su remisión).
Y siento que ese spot  en Dialogo cumple y
facilita mi propósito, porque llega a estudiantes
universitarias que ni siquiera han pensado en
embarazarse, a chicos jóvenes que no quieren
siquiera casarse. Pero, si con el pasar de los años,
les pasa como a mí, que tengo que llegar un sábado
11 de septiembre a la 1 de la mañana, a un piso
de oncología, con mi hija de 9 meses en brazos,
recordarán aquella niña de cabeza de lado,su sonrisa
y sus ojos...y yo sólo espero, Ricardo, que Adriana
les sirva de esperanza para iniciar su lucha.
Y no puedo decirte más nada porque estoy
llorando y las lágrimas y el dolor de mi pecho no
me permiten continuar hundiendo el dedo en mi
herida.
Eunice Castro
para nuestros alumnos, nuestro pueblo, nuestro
mundo. La escuela debe encaminarse a liberar
la imaginación de los alumnos para ir más allá
de la vida privada, más allá del aula, más allá de
nuestro pueblo, de nuestras costas. Debemos
fomentar, la imaginación social, la capacidad
de inventar visiones de cómo deberían ser y
podrían ser nuestras sociedades, las calles en
que vivimos y nuestras escuelas. Cuando seamos
capaces de imaginar que nuestros alumnos
son entes que desean aprender a aprender y
que la mayoría de nuestros maestros desea los
caminos del bien para sus estudiantes (que no
necesariamente tiene que ser el obtener la mejor
puntuación en las pruebas estandarizadas),
estaremos tomando los pasos necesarios para
lograr un cambio verdadero.
Doctor, es su paciente el que le habla
L levar servicios de salud al seno del hogar es
más que una estrategia salubrista. Trasladar
conocimientos y procedimientos y compartir
experiencias sin más aperos tecnológicos que
nuestras pupilas, las manos y la solidaridad a las
paredes lareñas y al entorno familiar es lidiar de tú a
tú con el individuo, donde él lucha con su desventura  de la historia al hacer esa expresión
y  sus dolencias. Es comprender su realidad. Es
educarlo y prevenirlo. Es ponernos en su lugar. Es
tomarnos una taza de café y compartir sus esperanzas
y temores. Es contarles nuestras utopías más allá
de tasas y medianas, de prevalencias e incidencias.
Decirle que en nuestra conciencia prevalece el amor
y aumenta la incidencia por su total recuperación.
En el hogar tenemos al individuo desnudo, vestido
de sus mejores galas de sinceridad y confianza
dispuesto a compartir su desgracia y a aprender las
trampas de virus y bacterias y cómo prevenir las
consecuencias de las imprudencias humanas. El se
siente a gusto luchando en su propio campo de batalla
donde conoce palmo a palmo cada metro de espacio;
desde su lecho, cuna de sus mejores sueños y de sus
pesadillas, donde engendró vida y ahora convalece.
Es ahí donde se juntan individuo y ciencia, lejos de
batas y monitores en un escenario, cual gladiadores;
es en esa lucha cuerpo a cuerpo donde se tendrán
las mejores oportunidades de vencer enfermedades,
miedos e ignorancias.
Si creemos que hemos aumentado de peso, no es
que tenemos más kilos de peso (necesariamente), es
que cargamos más impotencia por las calamidades
del prójimo, alejado de conocimiento y solidaridad.
Debemos pedirle al camino que se devuelva. Que
andemos sus huellas de sabiduría de regreso al
individuo para compartir su tragedia, que al fin
y al cabo es la nuestra, para emprender un nuevo
derrotero, fundido en un solo ser; solidario, sano y
saludable.
Uno de los grandes exponentes del realismo
mágico (para nosotros el padre), Gabriel García
Márquez, escribió: “Debemos arrojar a los océanos
del tiempo una botella de náufragos siderales para
que el universo sepa de nosotros lo que no han de
contar las cucarachas que nos sobrevivirán; que aquí
existió un mundo donde prevaleció el sufrimiento y
la injusticia pero donde conocimos el amor y donde
fuimos capaces de imaginar la felicidad”.  países decidan otorgarle la paz. El mejor
Dr. Carlos Pérez Fernández
Estudiante Programa de Maestría en Salud Pública
UPR
El cambio no debe llegar, ni llegará, siempre que sea
implantado desde afuera, descontextualizado de las
necesidades y saberes del alumno. El cambio deberá
ocurrir de adentro hacia afuera, desde la participación
de los alumnos, cuando comiencen a preguntarse, por
qué, para qué, quién o qué, donde no demos demasiadas
respuestas y sí preguntas y problemas por resolver.
No permitamos más que los talentos y energías
de nuestros jóvenes sean consumidos, silenciados y
desperdiciados. Saquemos a los estudiantes de lo que
es habitual y corriente, démosles a los alumnos y a
sus maestros el reto de reconstruir su propio contexto
iniciando una búsqueda colectiva del bien que estimule
la conciencia cívica, la ética y el pensamiento crítico.
Dra. Mariela Cordero González
UPR en Utuado
mayo - junio 2009
La porfía palestina
E l artículo La tierra en el centro de la
porfía palestina (edición febrero-
marzo de 2009) dice que “el territorio
palestino ha ido cediendo espacio al
expansionismo israelí”. Me parece que
el autor perdió aquí su perspectiva
sin considerar los hechos según
acontecieron cuando la Organización
de las Naciones Unidas (ONU) en 1947
a través de La Declaración Balfour
otorga a Israel 10,478 millas cuadradas
de las cuales 4,500 eran desierto. Hay
que recordar que en 1921 les dieron
35,125 millas cuadradas a los árabes
que formaron lo que hoy se conoce
como Jordania, de lo que en los tiempos
bíblicos era parte de Israel.
En mayo de 1948 se inauguró el
estado oficialmente creado por la ONU
y en los meses siguientes todos los
estados árabes trataron de invadirlo. Así
las cosas vuelven a intentar exterminar
a Israel en 1967 y pierden a Jerusalén
y otros territorios. Asimismo, en 1971
vuelven a tratar de invadir  y pierden
más territorios. ¿Qué hizo la ONU? Nada.
Israel ha intentado conceder territorio
que ganó en esas guerras a cambio
de paz y de que esos  estados dejen de
desear exterminarlos. Estos no han
aceptado  esa simple solicitud. Egipto
reconoció a Israel y estos le devolvieron
el Sinaí a cambio de paz y hasta el día de
hoy las cosas van bien después de tantos
años de esa gestión.
No existe la alegada conducta
expansionista sino la única intención
de los árabes de invadir el estado más
pequeño de esa región, el de Israel.
Así que no ha sido algo unilateral de
Israel el tener esos terrenos y está en la
disposición de devolverlos a cambio de
que se le reconozca el derecho a existir.
Es cierto que Israel rechazará de retornar
a las fronteras anteriores hasta que esos
ejemplo está en Gaza, donde después
de entregarle esa franja los de Hamas
la utilizaban para tirarles diariamente
entre 10 a 45 cohetes diarios.
Es necesario además traer a la
atención del autor que cuando la ONU
otorgó a Israel el derecho de oficializar su
estado en esa región, estos le indicaronn
a los árabes que Jerusalén sería una
zona internacional abierta para toda la
región. Pero la historia nos dice que al
otro día de fundarse Israel, los árabes
sacaron a todos los judíos de Jerusalén
matando a la mayoría, destruyendo
todas las sinagogas judías. ¿Qué hizo
la ONU?, nuevamente nada a pesar de
que habían declarado “Internacional”
el poblado de Jerusalén. Ahora bien
cuando Israel fue atacado en la guerra
de los seis días, los judíos recapturaron
a Jerusalén y abrieron las fronteras a
musulmanes, catóiicos, y cristianos
para que adorasen según su credo.
José Ayala
 Aiola Virella
Directora marzo-abril 2009 diálogo 39
recorrido

Una
jornada
intensa
L a llegada del mes de mayo es para la mayoría de nuestros
lectores el cierre de un ciclo, pues marca el final del
semestre, que para muchos es el final de su bachillerato,
maestría o doctorado. En Diálogo, cerramos un año
académico intenso durante el cual concretamos o echamos
a andar múltiples proyectos.
El primero de ellos fue Diálogo Digital, que en sus
primeros seis meses de operación, ha recibido unas 50,000
visitas de diversas partes del planeta. El espacio virtual nos
ha insertado en las dinámicas de la inmediatez, lo que nos
permite reseñar con rapidez los eventos noticiosos de la
Universidad, del país y del mundo. Al mismo tiempo, se
ha constituido en plataforma para dar exposición a puntos
de vista diversos de estudiantes y profesores universitarios
sobre temáticas que inciden en la cotidianidad de todos y
todas. Ya más de una decena de estudiantes en periodismo
tuvieron sus experiencias prácticas en redacción para la web,
el espacio hacia donde apuntan las empresas periodísticas
y los reporteros que buscan alternativas de autogestión.
La hibridación de textos escritos, gráficos y audiovisuales;
la interconectividad y la transmisión en tiempo real son
herramientas que ya hemos comenzado a utilizar en
Diálogo Digital para ampliar los alcances del proyecto de
comunicación Diálogo.
Al mismo tiempo, Diálogo impreso no ha detenido la
marcha con la publicación de números que profundizan
sobre temas de interés general a través del análisis
desde la academia. Este año académico que culmina,
publicamos varios números especiales sobre temas como el
cuadragésimo aniversario de mayo de 1968, las elecciones
generales en la Isla, la crisis económica en el mundo y en
Puerto Rico, el estado energético del País y las alternativas de
energía renovable, la celebración del Año Internacional de la
Astronomía y, finalmente, el mundo de las artes plásticas.
Por otro lado, pusimos en marcha alianzas estratégicas
con el fin de fomentar redes de colaboración entre distintos
esfuerzos de comunicación con Prensa Comunitaria,
Cianciapr.com,Tendenciaspr.com, Revista Alrededores, Revista
Trecho, Universia, Editorial UPR, Radio Universidad y
WKAQ. También trasladamos la redacción de Diálogo
Digital a los recintos del sistema UPR. Este ejercicio de
movilidad de Diálogo Digital continuará el próximo
año académico, así como la producción de los programas
especiales Diálogo Analiza en colaboración con el Recinto
de Arecibo de la UPR.
Todos estos esfuerzos se concretaron gracias al
esfuerzo y dedicación de un equipo de profesionales de
primer orden.
Durante el próximo ciclo, nuestras metas de crecimiento
deben ser superiores. Las posibilidades son diversas, y
con el compromiso de mantener un espacio periodístico
de altura y un foro alternativo para el debate crítico de
temas que afectan a la sociedad contemporánea, nos
preparamos para presentar nuestro menú periodístico
para el 2009-2010. Mientras tanto, no se despeguen de
www.dialogodigital.com.
El arte de la naturaleza

Foto por Ricardo Alcaraz

La Cordillera Central, vista desde
el sur al caer la tarde, siempre es
un paisaje impresionante, más
aun cuando se combina con una
nubosidad de variadas tonalidades
y formas. Y nos hace pensar que
la Madre Tierra también crea sus
propias obras de arte…