La musica en la Edad Media

La musica en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el ao 840). En

el Romantico (ao 840 hasta el ao 1250 en el siglo XII).
En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).
En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la
historia de la musica se encuentra intimamente ligada a la forma en que se
desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la musica el vehiculo por
medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la
existencia de textos y melodias profanas que trataron de penetrar en los oficios
religiosos.
Los personajes de la musica profana dedicados a la disposicion de esta musica
fueron:

Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y castillos.

Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que inventaban

rimas y ritmos.

Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus heroes
valiendose del laud.

Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban musica y

formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectaculos musicales.
En el ao 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser aceptados
en un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano.
En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenian
origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.
Desde su nacimiento la musica cristiana fue una oracion que se tenia que cantar con
devocion tal como lo decia San Pablo Cantando a Dios con vuestro corazon, asi
pues el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya que el que canta reza dos
veces.
La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:

El Silabico: cada nota representada por una silaba.

El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 4 sonidos diferentes.

Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya.

El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto gregoriano
sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes
han tenido que entender muy bien el sentido del texto.
Esta musica se canta a capella sin acompaamiento instrumental, se canta al
unisono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia.
A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.
Notacion Gregorianas:
Notas simples

Virga

Punctum Quadratum

Punctum Inclinatum

Neumas Simples

Pes (podatus)

Torculus

Climacus

Clivis

Porrectus

Scandicus

Salicus
Neumas compuestos
Se forman por la unin de neumas simples por una sola slaba
Flexus: cuando se complementan con notas descendentes

Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes

Praepunctis o subpunctis segn contengan notas antes o despus:

Praepunctis

Subpunctis

ALTURA DE LOS SONIDOS

La altura de los sonidos viene indicada por la colocacin de las notas al tetragrama
con la posibilidad de utilizar lneas adicionales inferiores y superiores.

Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2. 3. o 4. lnea.

Clave de DO (C)

Clave de FA (F)

La extensin posible de los sonidos es:

SIGNOS DE PAUSA.
Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:

a) Lnea divisoria mnima, que separa los incisos o partes menores en que se divide
el texto; no implica respiracin.
b) Lnea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son ms que
incisos de ms amplitud. Casi siempre implica respiracin.
c) Lnea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una
durada de nota simple y obliga a respirar.
d) Lnea divisoria doble, que indica ms sentido conclusivo o tambin final de la
composicin, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco ms
prolongado.

OTROS SIGNOS
E1 guin es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la
inicial.

El si bemol

El canto gregoriano es msica modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos

muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegra,
tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocacin de los semitonos
dentro de las escalas.

Guido D'Arezzo dijo: El primero es grave, el segundo es triste, el tercero mstico,

el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el sptimo anglico, y el
octavo perfecto.

Adn de Fulda los comenta: El primer modo se presta a todo sentimiento, el

segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene
efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad,
el sptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabidura.

Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: El I es alegre y muy hbil para
suavizar pasiones de animo...; grave y llorn es el II, muy apropiado para provocar
lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la
alegra y incita a gozar de las cosas...; el V causa alegra y placer a los que estn
tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se renen en el alegre VIII...
LOS MODOS GREGORIANOS
La nica escala diatnica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:

No todas las melodas cogen toda la extensin: algunas se mantienen en la octava

inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a
La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a ms o menos distancia de la nota
final, con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos.
Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en da no exista. Eran ms
bien dos tetracordos separados:
Do, re, mi, fa
sol, la, si, do.
El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento completo o
ncleo generador de toda la meloda.
Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tnica, llamada tambin
final, ms tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se
llaman modos autnticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman
modos plagales (o graves).

El nombre de los modos

son:

Existe una tnica en la cual, si bien no siempre comienza la meloda, normalmente

acaba y descansa. Las tnicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A ms a ms en cada
modo hay una nota Dominante, llamada as porque la meloda se mueve sobre ella
con relativa frecuencia, les dominante son:

MODO

II III

IV V VI VII VIII

DOMINANTE RE FA SI-DO LA DO LA RE DO

La meloda es silbica si a cada slaba del texto le corresponde un sonido y es

melismtica cuando a una slaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen ms de 50 sonidos por slaba. El texto es en latn,
lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los
salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiracin
propia, generalmente, annima.
El canto gregoriano est escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 lneas, las notas
se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si
aparecen agrupados.
EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO
El canto gregoriano naci para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la
Liturgia es su escenario natural.
La Misa.
1.La Misa: En la celebracin de la Eucarista hay dos grupos principales de piezas:
a) El ordinario: Est formado para textos que se repiten en todas las Misas.
- Kyrie Eleison
- Gloria in excelsis Deo
- Credo
- Santo y Benedictus
- Agnus Dei
b) El Propio: Est formado por piezas que se cantan segn el tiempo litrgico o
segn la fiesta que se celebra.
- Introito: canto de entrada para iniciar la celebracin
- Gradual o Aleluya o Tracto: despus de las lecturas
- Ofertorio para acompaar la procesin de las ofrendas
o

Comunin
La Polifonia.

Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran

trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto
gregoriano:

Los primeros indicios de polifonia.

Los tropos y las secuencias.

La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de varias
voces, segn reglas y esquemas armonicos. La musica polifonica tuvo origen en el
canto gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se tomaba como base
superponiendole otro nuevo.

El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene por base la
superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas.

El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios en lugar de

movimientos directos.

El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor libertan en su

creacion, sin sujetarse a la melodia base.

El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras solamente

comenzando y concluyendo en el unison.

El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponian en

intervalos de tercera y sexta.
Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro
voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia medieval hasta
culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del frances Mot (texto).
La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y
diversos desarrollos.
Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al menos
dos letras.
Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los razgos
melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera aparicion de
un arte polifonico profano lleno de vida.
La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces en
frances.
La musica en el Renacimiento

El termino Renacimiento no es muy adecuado para la musica ya que no hay ninguna

rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas bien un termino
cronologico que nos sirve para hablar de la musica de los siglos XV y XVI.

El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la

primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los pintores descubren la
perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen
calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y musicos.
Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua despues de
un largo periodo de barbarie tambien llamado edad media.
El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar
las fuentes de la cultura clasica.
Los centros de produccion artistica ya no son los monasterios si no los circulos
artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en
los grandes centros de las artes.
La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se habia conseguido
imprimir musica de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el ao 1501 cuando se va a publicar por primera vez una coleccin
de 94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la
musica.
En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de musica.
Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, despues de
l, el siguiente gran genio de la musica es Josquin des Prs. Su importancia musical
a travez de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.

La musica que se publica es la de Josquin y la de sus contemporaneos, tambien sus

canciones. No son canciones como las de hoy dia, si no canciones polifonicas y
algunas tan complejas como las misas.
Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta musica y como a la mayoria de
los aficionados les gustaria tocar esta musica, ellos solos, se publican arreglos para
laud, o para una sola voz acompaada de laud.

Laud
Gracias a la musica impresa el siglo XVI es la epoca de la historia en la que ha
habido mas numero de buenos musicos aficionados. En las clases acomodadas,
que desgraciadamente son las unicas que pueden comprar estos bonitos y caros
libros, la musica forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe
cantar o tocar uno o dos instrumentos y tambien desifrar la musica. Cuando sus
amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar.
Los pobres compositores no se hacen ricos y la musica no es un objeto que se
venda como si fuera un cuadro. El salario anual del musico mas grande ni siquiera
iguala el precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de esto algunos musicos se hacen famosos gracias a la edicion de su
musica, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral
d'Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas
son faciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas escenas
animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo La Guerre.
Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artistico.
El Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es musica de camara, tan solo para
unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa.
No es musica coral.
El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio
Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia. Va a
ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de
vanguardia de su tiempo.
Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son
cantatas y escenas de opera.
Con el siglo XVI la musica polifonica llega a su cima, con una inaudita complejidad y
perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las
palabras. Los poetas de la musica tienen la impresin de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni
Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la
culminacion del arte del Renacimiento
Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un musico aleman, quien fue como todos
los musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeas cortes alemanas.
Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del
organo.
Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los
logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonia: la
fuga llega a su punto culminante.
La musica en el Romanticismo

La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los
ultimos aos del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el clasisismo.
Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta
si no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo
y a la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico junto a una nostalgia por lo
familiar; una aficion a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado.
El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse
a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija
de las ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del pasado y, asi, conseguir
un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.
A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada
vez mas, de la literatura en la musica: en Alemania los poemas de Wolfgang Von
Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms,
etc, para producir una de las manifestaciones musicales-poeticas mas importantes
de todos los tiempos, el Lied Aleman. Asimismo escritores franceses y britanicos
fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.
El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la
acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a
venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma naicional.
Tambien aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del
colorido sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los
medios que transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos modernos.
El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas, sonoras
y de virtuosismo extraordinario.
El Lied
Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del
siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas largos que
alternaban la narracion y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia
de la balada tuvo por efecto la expansin del concepto de Lied, tanto en su forma
como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de
simple acompaamiento a una posicion de acompaante de la voz. Hacia comienzos
del siglo XIX el lied, se habia convertido en un vehiculo apropiado para el maximo
despliegue de facultades de cualquier compositor.
El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es unico en la historia de la musica.
Antes de cumplir los 20 aos ya habia escrito 8 operas y 4 misas. Su produccion es
enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonias, 22 sonatas para piano,
unas 35 obras de camara, 6 misas, 17 obras del genero operistico y mas de 600
Lieder.
Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor aleman, de gran importancia en la
musica. Su carcter arisco e independiente le hacia vivir replegado en si mismo su
pesimismo se refleja en el testamento de Heiligenstadt, Beethoven escribio
musica instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se
encuentran la Sinfonia nro 3 llamada Heroica, la nro 6 llamada Pastoral, La misa
Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la
musica deja de ser una diversion aristocratica y se dirige al conjunto de la
humanidad.
Robert Schumann (1810-1856), este compositor aleman fue uno de los maximos
exponentes del movimiento musical romantico del siglo XIX.
Una lesion en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se
dedico entonces a la composicion y a escribir sobre musica.

La musica para piano de Schumann, aunque dista de ser facil de ejecutar, jamas
trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su musica encarna mas
plenamente que la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones
y tenciones del espiritu romantico. Sus obras para pianoson colecciones de piezas
cortas en las que una pequea idea deriva en la creacion de toda la obra a travez de
una sencilla organizacin; ejemplo de estos son: Mariposas, Escenas de Nios y
Album para la juventud.
Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno
de los mas grandes compositores de musica para piano. Comenzo a estudiar piano
a los 4 aos. Tambien fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas
cortas tales como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atencion,
asegurandose de que cada nota tuviera una funcion y significado especificos.
Musica de Camaraca
Felix Mendelssohn (1809-1847), este musico demostro ser un genio precoz, a los 16
aos Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el
octeto para doble cuarteto de cuerda, al ao siguiente, Sueo de una Noche de
Verano. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 aos
despues.
Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo
como director musical.
Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio
en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera
musical.
Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la sinfonia y las
sonatas. Franck fue el fundador de la musica de camara francesa moderna y su
principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violin en La mayor.
El poema Sinfonico
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor
del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una
velada completa. Recorrio Europa en gira de conciertos y consiguio una fama sin
precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar
teologia.
El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero
Liszt no las denomino sinfonias, quizas por que son breves y no estan divididas en
movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: Orfeo, y Hamlet.
Su obra maestra, la sinfonia de Fausto, consta de 3 movimientos, con un final para
tenor solista y coro masculino.
La Sinfonia
Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen aleman, cuyas obras combinan
lo mejor de los estilos clasico y romantico. Brahms era especialista en el piano. Su
principal interes como compositor comenzo por concentrarse en el piano.
El enfocaba la composicion de una sinfonia con gran cuidado y reflexion. Sus
sinfonias son clasicas en varios aspectos, estan expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonias son romanticas en su lenguaje armonico y en su sonoridad orquestal,
plena y multicolor.
Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida hizo
varias giras por Europa y Gran Bretaa, como director de orquesta. Fue maestro de

toda una generacion de musicos y se convirtio en el primer director de orquesta

virtuoso.
Berlioz enriquecio la musica romantica con nuevos recursos de armonia, timbre,
expresion y forma.
La opera en el siglo XIX
Francia
La Grand Opera
A partir de 1820, nacio un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los publicos
relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y
entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados
asi:

Argunmento historico no aulico: con fuertes vetas romantico-populares.

Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.

Grandiosidad orquestal y coral.

Duracion de la opera de 5 actos.

Costumbre de acabar el penultimo acto con un falso final feliz.

Concluir el ultimo con el final tragico.

La Opera Comique
Este tipo de opera, siguio su curso en Francia durante el periodo romantico, la
diferencia entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda utilizaba el
dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigia menor
numero de cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical mas
sencillo.
La Opera Lirica
La opera lirica, era el tipo romantico de la opera comica. Su atractivo principal se
ejerce a travez de la melodia, su tema es el drama o las fantasias romanticas.
George Bizet (1838-1875), fue un compositor frances muy conocido por sus operas.
Una de las mas famosas es Carmen. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre
todo el periodo romantico, el del exotismo.
Italia
A pesar de la enorme repercusion de Beethoven en la musica instrumental, durante
los primeros aos del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La
distincion entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta
muy entrado el nuevo siglo.
Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini (17921868).
Su fama crecio por toda europa. En su musica se fusionan la expresion lirica y la
necesidad dramatica, con melodias cristalinas, una instrumentacion orquestal llena
de colorido y un ritmo contagioso.
Rossini utilizo el bel canto para crear melodias alegres de gran brillantes y
emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: El Barbero de Sevilla, La
Cenerentola, etc.
Uno de los compositores italianos mas prolificos del segundo cuarto del siglo
fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas comicas resisten mejor
que las serias, las pruebas del tiempo. El carcter rudo, primitivo e impulsivo de su
musica, se adapta muy bien a la reprensentacion de situaciones crusdas y

melodramaticas, pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la
monotonia de su armonia, su ritmo y su orquestacion.
Dentro del mismo genero, surgio en Italia otro gigante que llevo a la opera a una
nueva cuspide: Giuseppe Verdi(1813-1901). Su trayectoria constituye practicamente
la historia de la musica italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta
el don de Verdi para producir melodias conmovedoras y crear situaciones tragicas y
heroicas. En su segundo periodo produjo 2 operas de importancia: Macbeth y
Luisa Miller.
En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con
Aida, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa Otello abre su cuarta
y ultima fase.
Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las
mas representadas en todo el mundo.
Alemania
Una de las caracteristicas del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre
la musica y la literatura, y puesto que Alemania era el pais en que el romanticismo
florecio con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones mas
importantes de todo el movimiento se exhiben en la opera alemana.
El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas
importante en la historia de la musica del siglo XIX fue Richard Wagner (1813-1883).
La importancia de este compositor es triple: llevo a su maximo la opera romantica
alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armonico de sus
ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias romanticas.
En Tristan und Isolde, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico,
melodicamente mas cromatico, y logra una tension armonica nunca antes alcanzada
en la musica.
La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su
musica se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un
estado total de extasis.
Postromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las ultimas
etapas del romanticismo, y de la transformacion del lenguaje romantico en el nuevo
lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin
embargo dos fuerzas desafiaban la posicion musical en Alemania. Una era el
nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composicion en
Francia. Los ultimos 30 aos del siglo XIX fueron relativamente pacificos en Europa,
el comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego social y un
aumento de la tension internacional (La Primera Guerra Mundial).
En el reino de la musica hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos
aos, concluyo el periodo clasico-romantico.
Uno de los rasgos caracteristicos de este periodo en Alemania fue una resurreccion
del interes por la opera sobre el cuento de hadas.
Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta aleman, y uno de los
orquestadores y polifonistas modernos mas excepcionales. Su obra puede dividirse
en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncello y piano.
En el segundo periodo perfecciono el poema sinfonico y creo su famosa obra Don
Juan, al tercer periodo pertenecen sus operas Salome y Electra.
La Musica en el Siglo XX
Para comprender la musica en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del
siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente

supone una autentica liberacion, se va a luchar por una musica mas individual y
personal, saliendose para ello de las normas establecidas, la musica impresionista
pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican
nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta musica el sonido va a constituir el
alma de la musica.
Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la
orquestacion y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la musica
en el mundo occidental.
A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artistico europeo,
lo mismo en arte que en musica va a cambiar enormemente. Cada musico tiende a
crear su arte independiente, ademas los diversos estilos se iran sucediendo a gran
velocidad.
Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco
en su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la musica,
se subio al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su musica a la de la
finales de barroco.
Si hay algo que caracteriza al sigloi XX es la ruptura con la tonalidad Atonalismo.
Esta regla consiste en crear una musica completamente distinta, obviando las reglas
que rigieron durante siglos de seirse a una tonalidad. Primero se rompe con la
armonia, luego con la melodia, el ritmo y con todo lo establecido.
Bela Bartok (1881-1945), musico hungaro, es uno de los musicos que mas va a
influir en la musica del siglo XX. Bartok consigue unir la musica moderna con la
tradicional, creando un lenguaje nuevo.
Mientras tanto en Italia aparecen una serie de musicos que incorporan a su musica,
nuevos objetos sonoros: la incorporacion de ruidos. Esta corriente se llamo
Futurismo y afecto tanto a la musica como a la literatura y al arte. El futurismo pone
como punto de partida el ruido, no el sonido.
En Francia mientras tanto, surgio paralelamente el Bruitismo (del frances Bruit,
ruido), que parte de ese mismo punto.
La musica despues de la Primera Guerra Mundial
Despues de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo
artistico en las siguientes dos decadas. Sus caracteristicas son la claridad, la
objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardio
o postromanticismo.
Algunos de los mas importantes musicos de esta epoca fueron: el musico ruso
Stravinski y el musico aleman Schoenberg.
Entre los musicos ingleses con mas talento que surgio en la decada de los 30's se
encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo
claro, con una tecnica muy segura y expresiva.
En Estados Unidos, los aos que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos
de la aparicion de la primera generacion de compositores nacidos en su pais, entre
ellos se destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze,
que se intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones.
En America Latina, la musica estuvo influenciada por la tradicion cultural europea.
Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una musica latinoamericana
por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como
nacionalistas y poco a poco introdujeron en su musica las influencias de la musica
europea.
Entre sus maximos representantes estan Villalobos, Chavez, y Ginastera.
La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial

Una de las caracteristicas de esta guerra fue la creacion de 2 bloques

internacionales y antagonicos, el comunismo sovietico frente al capitalismo de
EE.UU.
Este turbulento contexto historico, tendra gran repercucion en la actividad artistica
de la post-guerra; la mas inmediata la emigracion de muchos e importantes musicos
desde Europa a EE.UU. lo que convertira a este pais en el centro de la musica y del
arte occidental.
La musica experimenta un desarrollo muy rapido y si en la decada de los 50's
predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminacion, en los 60, surgen
el minimalistmo, la musica textural, la etnica, la ambiental, etc...
Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la
segunda guerra mundial, sera la inexistencia de una estetica central, ademas el
desarrollo de estas culturas no comunes propisiara a un desarrollo individualista y a
la desconeccion total.
El espiritu composional de la post-guerra, supondra un gran aislamiento entre el
compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones
melodicas, de duracion y soloridades.
La indeterminacion es uno de los desarrollos musicales mas significativos que
aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utiliacion intencionanda de
la casualidad en la composicion y/o interpretacion. Muchos de los musicos de esta
corriente tenian la conviccion de que la musica carecia de proposito, de esta forma
podian crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o
utilizando las cartas de navegacion de cualquier barco.
Desarrollo en la Tecnologia
Musica Electronica
La primera manifestacion de la musica asistida por medios electronicos es la musica
concreta. Esta musica parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el
futurismo.
En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de musica electronica.
Esta musica esta exclusivamente creada con sonidos producidos electronicamente
y parte de lo que se llama tono sinusoidal, un sonido puro, sin armonicos, que es
fisicamente desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados.
Entre las primeras obras puramente electronicas encontramos Study I y II del
compositor aleman Stockhaussen.
Sin embargo la musica electronica creo descontento en los compositores desde el
principio ya que aunque permitia un contro exacto y una presicion absoluta sobre la
obra, este resultaba pobre y parecia carecer de vida. Por ello, muchos compositores
unieron la musica concreta y la electronica, para crearun genero que goza desde
gran popularidad desde entonces y hasta hoy en dia, la musica electroacustica.
El vertiginoso desarrollo de la tecnologia a partir de la 2da guerra mundial traera
como fruto la incorporacion de sintetizadores y a la musica creada por computador
o musica cibernetica.
En nuestros dias, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo
cultural y por la irrupcion de las culturas y musicas populares en la vida diaria de
todos.
El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la musica
culta parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del publico, mas
interesados por las musicas mas populares y cercanas, tales como el rock el pop,
etc...

A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la musica

viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX.
Para que la musica cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo..