Art Notes Nº 15

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ARTE Y CULTURA
Edita ANOTARTE SL
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[AN]EDITORIAL
18 de mayo, Da Internacional de los Museos. Art Notes se suma a esta celebracin, como antes hizo
con otras y dedica un suplemento en este nmero: un estudio y/o reflexin desde diferentes escritos y
autores al valor, criterio y surgimiento de centros de arte a lo largo de la geografa global. Sin embargo,
por proximidad, nuestra mente e idea se expande por el territorio espaol ante la eclosin, a veces, desmesurada, y a la proliferacin de nuevos centros de arte desde la dcada de los 80.
Cuntos otros centros veremos crecer ante nuestros ojos, con justificacin o sin ella? Nos tememos que
alguno(s) ms. Hasta donde la razn, la lgica y la necesidad? Hasta donde no pasaran de ser un arma
poltica "de turno" para quedar, mas tarde, como se ha visto, desprovistos de actuacin, propsito y presupuesto?
Creemos que el arte es parte de la cultura de los pueblos y, por tanto, una necesidad anmica superior,
pero debemos entender que cuando no se acta con el rigor y coherencia debidas, nos podemos encontrar ante resultados inesperados y complejos desatendidos; una autntica lstima que lo que nace como
arma se quede, en el tiempo, en pura fantasa y descolocacin cultural.
Lo hemos constatado en otras ocasiones; a raz de propuestas culturales, evidentes, y que no vamos a
nombrar para no ser reiterativos (o que se nos tache de "inquina personal") no estamos contra el surgimiento de centros culturales - ya sea de produccin, colaboracin, estudio, demostracin, investigacin, o simplemente exposicin - porque ello denota un valor aadido en la cultura de nuestro pueblo,
pero s somos crticos ante el despropsito y los contenedores que se quedan, en el devenir de los das,
sin propuestas, sin economa de sustento o sin criterio de contenido. Lo ms fcil es hacer la casa, recuperar la misma o darle alas a una arquitectura, cuando lo realmente difcil es asumir, argumentar y dar
coherencia al contenido y la intencin.
Pedimos, pues, a los gestores polticos q tengan en cuenta a los agentes de la cultura, que olviden la
eleccin poltica como principal elemento de gestin y permitan que la proliferacin, an excesiva de contenedores culturales (llmese como sea) sirvan para aquello para lo que realmente fueron pensados;
ejemplos hay y buenos. Fijemos la vista ah y sigamos la senda; en el fondo, es sencillo. Somos conscientes de que la cultura es uno de los mejores tiles porque est servida por gentes generosas y capaces, generadores que ponen su oferta a su servicio sin recibir, muchas veces, la compensacin que debieran: lo saben y no les importa, simplemente, estn.
May 18, the International Day of Museums. Art Notes joins this celebration, as it did with other ones,
and dedicates a supplement in this issue: a study and/or reflection on the value, criterion and emergence of art centres all from different works and authors throughout the global geography. However, our
mind and our ideas spread all around Spain view of the, sometimes, boundless blooming and the proliferation of new art centres since the eighties.
How many other centres are we going to see before our eyes with or without justification? I am afraid
that some more ones. How long the reason, the logic and the necessity for? How long wouldn't they
change from being a inevitably political weapon to be lacking action, purpose and budget, as seen before?
We think art is part of people's culture and, therefore it is a superior mental need, but we should understand that when nobody acts strictly and coherently, we can find out neglected unexpected and complex
results; it is a real pity that what emerges as a weapon then simply remains as a pure fantasy and cultural misplace with the time.
As we have stated in many other occasions, as a result of the evident cultural proposals that we are not
going to mention to avoid reiteration (or to avoid being branded as "personal dislike"), we are not against
the emergence of cultural centres - either production, collaboration, study, display or simply exhibition
ones - because this implies an added value in the culture of our people, but we are critical in view of the
inappropriate remarks and the containers that remain as containers, without proposals, subsistence economy or without a content criterion. The easiest thing is to construct the building, restoring the same or
encouraging certain architectural trend, but the most difficult thing would be to assume, to argue and to
be coherent with the content and the intention.
So we ask the political representatives to take into account the cultural agents, to forget the political
elections as their main element of management and to allow that the proliferation of the cultural containers (or whatever you want to call them) to be used for the functions they have been created for; there
are many and good examples. Let's pay attention to this and let's follow the path; deep down it is very
easy. We are aware that culture is one of the best tools because it is full of able and generous people,
who serve culture without getting, many times, the compensation they should: they know it but they
don't mind it; they simply are there.
SUMARIO
ENTREVISTA_ROSINA GMEZ-BAEZA [6-9]
PROYECTO_RUBN RAMOS BALSA [12-13]
MIRADAS [14-15] [26-27] [38-39] [54-55]
EXPOSICIONES NACIONALES [16-56]
INTERNACIONAL [59-64]
NEW YORK [66-70]
ESPECIAL_MUSEOS+CENTROS DE ARTE [71-83]
CULTURA [84-87]
CONVOCATORIAS [90-94]
AGENDA [95-97]
Imagen de la portada: Zeng Yicheng. Serie Dancer. Espace Cultural Ample
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_entrevista
Rosina Gmez-Baeza
ENTREVISTA CON ROSINA GMEZ-BAEZA
Directora de LABoral Centro de Arte y Creacin
Industrial
Entrevista realizada por Chus Martnez
El pasado 30 de marzo se inaugur en Gijn un
nuevo centro de arte contemporneo ubicado en la
antigua Universidad Laboral, edificio con enormes
connotaciones territoriales en Asturias, lugar
donde nacieron profesionales de la minera, sector
hegemnico durante dcadas en el Principado.
Ahora, esta impresionante construccin historicista alberga, entre otros organismos pblicos, un
Centro de Artes Escnicas, el proyecto LABoral
Centro de Arte y Creacin Industrial. Su directora
es la crtica y especialista en arte contemporneo
Rosina Gmez-Baeza, mujer con amplia experiencia en este mundo y que viene abalada por ser,
durante dos dcadas, directora de ARCO y presidenta del Instituto de Arte Contemporneo. Su
intencin con LABoral es convertirlo en un espacio
interdisciplinar y de referencia internacional,
siguiendo una lnea de investigacin y formacin
centrada en el arte y la tecnologa.
Aprovechando la presentacin de este espacio en
el CGAC (Santiago de Compostela) le preguntamos
por el origen de la idea y las propuestas que ofrece este nuevo proyecto que viene a engrosar el itinerario de centros de arte creado en el norte
peninsular.
Cmo nace LABoral?

Hace seis aos realic una propuesta al Consejo de las
Artes y las Ciencias del Principado de Asturias. Estaba
constituido por el presidente del gobierno autnomo y
por especialistas de la talla de Manuel Castells y
Margaritas Salas, entre otros. Esta propuesta nace para
el espacio de la Universidad Laboral, un lugar que me es
familiar ya que mi infancia la pas all. Surge la posibilidad de hacer algo creativo cuando se transfiere la propiedad al gobierno autnomo, entonces se empiezan a
definir ms los usos y se hace un estudio de viabilidad
que yo asesor.
LABoral combina la actividad expositiva con la formacin artstica...
En Espaa se aprecia un vaco en temas referentes a
arte y tecnologa; este binomio en el mbito de la creacin industrial constituye un rea de gran inters, incluso de inters estratgico para Espaa. Al mismo tiempo,
era patente la existencia de una tercera propuesta que
fuese nexo de unin entre las dos grandes reas: la formacin y la investigacin. sta, no entendida como el
desarrollo de productos sino como la interrelacin entre
el investigador joven y las empresas, actividad que realizamos conjuntamente con el centro de investigacin de
Asturias, CTIC. Este centro ser de investigacin pura,
con talleres y con formacin inicial aunque tambin para
investigadores con algn tipo de experiencia. Es aqu
donde pretendemos producir y ser centro de recursos y
ah es donde veo tambin la fusin de las dos grandes
reas, es decir, donde realmente se pueden llegar a producir obras que reciban la aportacin del creador y la
colaboracin del tcnico, del cientfico. En definitiva, el
Rosina Gmez-Baeza. Foto: Crdenas
centro contar con varias direcciones: expositiva, de

investigacin y de formacin. stas son las tres principales actividades y, junto a ellas, lo que denominamos
oficina de proyectos, presentacin de obras emergentes,
concursos, festivales, etc.
LABoral ser un complemento del arte asturiano;
un incentivo para la creacin contempornea
como ocurri en Catalua, Valencia o ms evidentemente en Galicia.
La pretensin del centro es suplir alguna de las carencias culturales existentes en Asturias y, evidentemente,
en el estado espaol. Pretendemos diferenciar un proyecto de un centro que tiene que, lgicamente, buscar
una identidad perfectamente definida. Lo que no queremos es ser el ltimo centro de arte que aparezca en el
panorama artstico peninsular, ser el vagn de cola de
los centros de arte, ms bien al contrario, proponer una
programacin que, adems de estar perfectamente definida, complemente alguna de las carencias tanto de
Asturias como del Estado. Centros como LABoral existen
pocos en Espaa, con recursos que den acceso a las
nuevas tecnologas, a los artistas de hoy, a los creadores de hoy, no solamente a artistas plsticos o artistas
visuales, sino al diseador o al arquitecto, incluso al
cineasta.
Que aportar LABoral a la actividad artstica de
Asturias?
El centro tiene un doble propsito: en primer lugar, proyectar la imagen de Asturias en el mbito de la creacin
en cuanto a las artes visuales y la tecnologa; en segundo trmino, incorporar a la escena artstica asturiana
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[AN] ENTREVISTA CON rosina gmez-baeza
aquellas aportaciones creativas de diferentes mbitos

como el diseo o la arquitectura, ajenas a nuestro territorio. Queremos establecer ese doble circuito de entrada y de salida, y bajo esta idea presentamos la exposicin Feedback, aceptando y defendiendo que es interesante para la sociedad, para el artista. El dilogo en
comn con aquello que ocurre en otras partes es muy
necesario en los tiempos que corren.
Comentabas antes que la actividad del centro gira
sobre varios ejes: exposicin, formacin, investigacin, entre otros. Cmo se articula este entramado da a da? Cmo se exteriorizar?
Nuestra idea inicial es establecer circuitos expositivos
que se inicien al mismo tiempo, ocupando todos los
espacios posibles. As, habr cuatro exposiciones de
artes visuales y otras tantas de creacin industrial. Al
mismo tiempo, en las salas plataforma se realizarn las
presentaciones de proyectos emergentes, que llevarn
un circuito distinto. Los laboratorios de investigacin
irn por su lado, con su investigacin, y los talleres buscaran primero al artista.
Desde LABoral propondremos actividades de formacin
pero tambin de uso: es decir, el artista podr producir
siguiendo libremente su propio criterio. Lo que s ocurrir en ocasiones, es que las exposiciones que produzcamos lo sern en parte, ocasionalmente en su totalidad,
pero siempre en los talleres de los que disponemos.
Hblanos de ese espacio dedicado a la creacin
ms joven.
En las salas plataforma y una pequea sala de proyectos, trabajaremos con una idea bsica: invitaremos a
artistas, comisarios y crticos a presentar proyectos
especficos para esos espacios; desde la publicacin de
un libro, a la investigacin histrica o cualquier otro
tema. Estos lugares girarn en torno a estas propuestas,
es decir, tendrn vida propia. En definitiva, ser un lugar
para la experimentacin, para el ensayo.
las que trabajan o aquellos centros que hayan trabajado

con ellos. Un ejemplo prctico: La exposicin inaugural
Extensiones - Anclajes, producida por LABoral ya provoc esta dinmica con otros centros asturianos.
Las propuestas con las que inaugur LABoral
cuentan con una programacin que incide en el
estudio del arte en movimiento, el arte digital. La
lnea de trabajo est determinada por las nuevas
tecnologas?
Todas las producciones artsticas que utilizan las herramientas tecnolgicas, desde una grabadora a una cmara fotogrfica, combinan arte y tecnologa. El artista utiliza en determinados momentos conceptos, incluso frmulas, matemticas, cientficas o qumicas para desarrollar su trabajo. Aqu el artista que utilice como
soporte, como medio para la creacin de su obra las
herramientas, independientemente actuales o no, para
la produccin de su obra configura el espacio que a
nosotros nos interesa; es decir, estudiar la realidad no
slo actual sino pasada y la relacin del artista con la
tecnologa. Ese trasvase que se produce muchas veces
de modo espontneo sobre todo en el caso de los artistas ms actuales.
LABoral convoca diferentes concursos. Qu nos
puedes contar de esta iniciativa?
S, por ejemplo, a Ciberespacios se han presentado ms
de ciento treinta proyectos de los que hemos escogido
diez. Bajo mi punto de vista, la exposicin reviste casi
un carcter de experimentacin, cmo hacer fsicamente visible y no en pantalla obras creadas para el ciberespacio, para el espacio virtual. El siguiente paso ser dar
cuerpo fsico a esas obras virtuales. Para una de ellas
vamos a crear un espacio para 10.000 ovejas, el espectador las ver en la pantalla de manera aleatoria, pero
de repente se interpreta con el artista, y le damos presencia fsica; les suger hacerlo fsico.
Qu tipo de redes se pretenden reforzar o construir en relacin con las estructuras artsticas ya
existentes?
Creo que nuestra actividad va a girar en torno a los
artistas asturianos en gran medida; por lo tanto contamos que se produzcan esas sinergias. Tambin incorporaremos a nuestro espacio muchas de las actividades
que se desarrollan en diferentes lugares de nuestro
entorno; tenemos en la ciudad de la cultura un teatro,
una escuela de arte dramtico y, adems, podremos
producir festivales o performances, tanto en el Teatro
como en el centro. Naturalmente, se requerir de nosotros en eventos como el LEV Festival alguna iniciativa
y, de modo inverso nosotros, al estar trabajando con
determinados artistas, incorporaremos a las galeras con
Tu carrera estuvo ligada a ARCO y al Instituto de

Arte Contemporneo. Cmo afrontas, con esta
experiencia, este nuevo reto?
Con mucha modestia. Grandes dosis de modestia la
hacen a una escuchar mucho. Mi intencin es que
LABoral sea un centro receptivo y, al mismo tiempo, con
identidad propia, pero sin olvidar el espritu de servicio
para con la sociedad. Es una obligacin moral ya que
tiene aportaciones pblicas y porque es obligacin de los
poderes pblicos dar acceso a la cultura en general y,
desde luego, la cultura contempornea no podra ser
menos. Pienso, como directora y espectadora de arte,
que LABoral tiene que ser tambin un servicio, y ese
servicio quiero prestarlo a mi tierra y poner a sus pies
mi experiencia y lo que yo pueda aportar de saber y de
intuir.
Feedback. LABoral. Foto: Crdenas
Gameworld. LABoral. Foto: Crdenas
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Feedback. LABoral. Foto: Crdenas
Last March 30, a new contemporary art centre was

opened in Gijn and was situated at the old
Universidad Laboral, a building with great territorial connotations in Asturias, the place where the
professionals of mining were born, a hegemonic
sector in Asturias for decades. Now this impressive historicist building accomodates, among other
public institutions, a Centre of Scenic Arts, the
project LABoral Centre of Art and Industrial
Creation. The director is the critic and contemporary art specialist Rosina Gmez-Beza, a woman
with a lot of experience in the art world and
endorsed for being the director of ARCO for two
years, and the president of the Institute of
Contemporary Art. She is trying to turn the
LABoral into an interdisciplinary space of international reference, following a line of investigation
and training focused on art and technology.
Taking advantage of the presentation of this space
at the CGAC (Santiago de Compostela), we have
asked her for the origin of the idea and the proposals for this new project that increases the itinerary of art centres created in the north of Spain.
even of strategic interest for Spain. At the same time, it

was clear the existence of a third proposal acting as the
connection between the two great areas: training and
investigation. This last one, not understood as the development of products but as the interrelation between the
young investigator and the firms, an activity we carried
out together with the centre of investigation in Asturias,
the CTIC. This will be a centre of pure investigation, with
workshops and initial training, although aimed at investigators with some experience. Here is where we try to
produce and to be a resources centre at the same time,
and there is where I can also see the fusion between the
two great areas, that is, where there can be produced
pieces receiving the contribution of the creator, and the
collaboration of the specialist, of the scientific. In short,
the centre will go on several directions: expositive,
investigation and training. These are the three main
activities and, together with them, the so-called projects
office, presentation of emergent pieces, contests, festivals, etc.
Where does the idea of the LABoral come from?

I made the Consejo de las Artes y las Ciencias of the
Principality of Asturias a proposal six years ago. It was
composed by the president of the autonomous government and some specialists such as Manuel Castells and
Margarita Salas, among others. This proposal was originated for the space of the Universidad Laboral, a familiar place for me since I spent my childhood there. The
possibility to do something creative appears when the
ownership is transferred to the autonomous government, so the uses start to be defined and a study on the
viability is made with my advice.
LABoral will be a complement to art in Asturias; an

incentive for contemporary creation like in
Catalonia, Valencia or more evidently in Galicia.
The centre aspiration is to make up for some of the cultural lacks in Asturias and, of course, in Spain. We try to
make different a project that has to look for a defined
identity. We do not want to be the last art centre in the
artistic panorama in Spain, or the tail end of the art centres, but on the contrary, we want to suggest a well defined programme planning that completes some of the
cultural lacks both in Asturias and in Spain. There are
few centres like LABoral in Spain, with access to the new
technologies, to present-day artists, to present-day creators, not only to plastic or visual artists, but also to the
designer or the architect, or even the film maker.
LABoral combines the expositive activity with the

artistic training
In Spain there is a great vacuum in the subjects related
to art and technology; this binomial in the field of the
industrial creation makes up an area of great interest,
What will the LABoral bring to the artistic activity

in Asturias?
The centre has got a double purpose: first of all, projecting the image of Asturias in the field of creation as
regards visual arts and technology; and secondly, invol-
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ving those creative contributions of different fields such

as design or architecture, outside our territory, in the
artistic field in Asturias. We wish to create this double in
and out circuit, and with this idea we show the exhibition Feedback, accepting and defending that it is interesting for society, for the artist. The dialogue in common with the happening events elsewhere is necessary
these days.
You have mentioned before that the activity of the
centre revolved around several ideas: exhibition,
training, investigation, among others. How is this
network articulated day by day? How will it be
shown?
Our initial idea is to make up expositive circuits starting
at the same time, occupying all the possible spaces. In
that way, there will be four visual arts exhibitions, and
the same number of industrial creation. At the same
time, in the platform rooms there will be the presentation of emergent projects with a different circuit. The
investigation laboratories will run off in different directions, with their investigations, and the workshops will
firstly look for the artist.
We will suggest training activities but also application
activities: that is, the artist will be able to produce under
his own criterion. In some occasions our exhibitions will
be in part, or sometimes totally in our workshops.
Tell us something about this space devoted to
young creation.
In the platform rooms and in a small room for projects
we will work on a basic idea: we will invite artists, curators and critics to present their specific projects for
these spaces; for example from the publication of a book
to the historical investigation or any other subject.
These places will turn around these proposals, that is,
they will develop their own activity. In short, it will be a
place for experimentation, for trial.
What kind of networks are reinforced or constructed
in connection with the existing artistic structures?
I think our activity is going to turn around Asturian
artists mainly; so we rely on these synergies. We will
also include many of the activities of the environment
surrounding us; we have a theatre, a school of theatre
in the city of culture, and we will organize festivals or
performances both in the theatre and in the centre.
Naturally we will be required to have some initiatives in
some events such as the LEV Festival, and on the other
way round we, working with certain artists, will collabo-
LABoral. R. Toln
rate with the galleries they are working with or those

centres they have worked for. Let's take a practical
example: the opening exhihition Extensiones - Anclajes,
produced by LABoral has already provoked this dynamic
with other Asturian centres.
The proposals for the opening of LABoral have a
programme planning that emphasizes the study of
moving art, digital art. Is the line of work determined by new technologies?
All the artistic productions using technologic tools, from
a recorder to a camera, combine art and technology. The
artists use concepts and even mathematical, scientific or
chemical formulas in certain moments in order to develop their work. Here the artist who uses these tools,
either modern or not, to produce his/her work configures the space we are interested in; that is, the thing is,
studying not only present reality but also the past and
the relation between the artist and technology. This
diversion is often spontaneous, above all in the case of
most artists nowadays.
LABoral announces different competitions. What
can you tell us about this initiative?
Yes, for example, more than one hundred and thirty projects have entered Ciberespacios and we have selected
ten. From my point of view, the exhibition is almost an
experimentation, how to make physically visible, not in
a screen, some pieces created for the cyberspace, for
the virtual space. The following step will be to give these
virtual pieces a physical shape. We will create a space
for 10.000 sheep in one of them, the spectator will see
them in a screen at random, but suddenly it is interpreted with the artist, and we give it a physical presence; I
suggested them to make it physical.
Your career was joined to ARCO and the Institute
of Contemporary Art. How do you deal this new
challenge with the experience you have?
With modesty. Great doses of modesty make you pay
much attention. I want the LABoral to be a receptive
centre and, at the same time, with its own identity,
without forgetting the service spirit with society. It is a
moral obligation since it has public contributions and
because public institutions must give access to culture in
general, and of course, contemporary culture deserves
it. I think, as a director and spectator of art, that LABoral
has to be a service and I want to serve the place where
I come from and give them my experience and the
things I can contribute.
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[AN] RECOMIENDA...
SIN FIN. ISLAREN ISLA. JOS RAMN AMONDARAIN

Koldo Mitxelena Kulturunea - Erakustaretoa. San Sebatin-Donostia
Inaugurada el pasado
mes de abril en el Koldo
Mitxelena
Kulturunea
(San Sebastin-Donostia)
esta exposicin de Jos
Ramn Amondarain permanecer abierta hasta el
16 de junio. Sin fin.
Islaren Isla est compuesta por diferentes
series realizadas entre
2006 y 2007 extradas de
imgenes de la historia de
arte ms reciente.
Las obras de esta muestra
remiten a otros referentes, reflexionando sobre
cuestiones como la autora y la propia funcin el
objeto artstico. As aparecen revisadas obras de
Tracey
Moffat,
Araki,
Catherine Opie, Gehrar
Richter, Juan Usl, Jeff
Wall, Vanessa Beecroft
Douglas Gordon, Andrs
Serranoo Cindy Shermann.
De este modo, ofrece todo
un catlogo de simulaciones, revisiones o citas.
Para el artista esta exposicin parte de una especie
de ideologa de la pintura
entendida desde lo cognitivo, algo que sera lo con-
trario a la tradicin romntica, de manera que hara

un hincapi especial en el
papel del espectador, tanto
en las premisas de la obra
como en los objetivos finales
del
trabajo.
Amondarain(San
Sebastin-Donostia, 1964)
licenciado en la Facultad de
BB AA de Bilbao. En un primer momento comparti
algunos de los intereses de
una generacin de pintores
entre los que se encuentran Luis Candaudap, Txus
Melndez o Jos M
Cormn. Los primeros trabajos de este artista partan de la monocroma. El
profesor y crtico de arte
Francisco Javier Sanmartn
entiende este comienzo
como una pintura inteligente, culta y estratgicamente situada en las posiciones de la deconstruccin, pero que no conclua
con su densidad conceptual y su capacidad de revisin, sino que desplegaba
con su conocimiento del
oficio y su capacidad de
seduccin visual.
Jos Ramn Amondarain. Sin ttulo (2006). Cortesa del artista
Jos Ramn Amondarain. Sin ttulo (2006). Cortesa del artista
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Proyecto especfico para ART NOTES de Rubn Ramos Balsa. Entropa y gnomtica. Estudio sobre el des
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obre el desequilibrio armnico_ Lmite de la Universidad de Santiago de Compostela. 28 de abril de 2007
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_miradas
ORIENTE - OCCIDENTE
Has visto algo interesante? Es la pregunta que circula entre

los visitantes de toda feria de arte. Slo dos respuestas posibles: "Nada especial, este ao el nivel de las propuestas es
muy bajo" o "Bueno, no est mal..." (y enunciar seguidamente el nombre de un artista asitico semidesconocido).
El arte asitico, y especialmente el chino, est de moda.
En pocos aos el mercado del arte se ha visto invadido de
obras contemporneas chinas, siguiendo el mismo proceso
de globalizacin que ha afectado a otros niveles de la economa. Pese a que se trate de un fenmeno reciente, las
dimensiones del fenmeno estn modificando la estructura
del sector a escala mundial. Las instituciones implicadas se
apresuran a buscar un lugar preferente en esta fase expansiva, que no deja de ser la evolucin de un proceso de contacto y conocimiento Oriente-Occidente intensificando en los
ltimos siglos. El acercamiento entre ambas civilizaciones es
un proceso complejo que avanza con lentitud pese a la
importancia de los flujos de informacin actuales. En este
sentido podemos notar el gran nmero de iniciativas que
aparecen cotidianamente, y desde ambas direcciones, con
la finalidad de afianzar una tendencia ahora ya reconocida
por todos. El intercambio entre culturas se lleva a cabo en
varios frentes, cada pas defiende sus intereses y no es raro
que se creen conflictos. El arte se revela la mejor tarjeta de
presentacin, una manera sutil y colorista de lubricar relaciones diplomticas difciles. El intercambio se inicia con las
grandes glorias nacionales (China enva sus guerreros de
Xi'an y Espaa los Grandes maestros del Museo del Prado,
Italia sus obras renacentistas, Francia su ballet de la Opera
de Pars...) para continuar con propuestas ms experimentales.
China debe cuidar su imagen exterior y el arte contemporneo ha entrado a formar parte del proceso de apertura del
pas. Hasta tiempos muy recientes, finales de los '90, el arte
contemporneo chino viva en la semiclandestinidad, los
artistas exiliados adquiran fama en el exterior, pero eran
perseguidos en su pas. En la ltima dcada desaparece progresivamente esta hostilidad, los artistas empiezan a exponer, aparecen las primeras galeras de arte. Los ejemplos de
Moganshan Lu en Shangai y Factory798 de Beijing son paradigmticos de esta mutacin ideolgica. Estos barrios, en
los que se concentran las galeras y talleres de artistas de
ambas ciudades, cuentan con una presencia extranjera cada
da ms importante. La cotizacin de los artistas chinos est
reorientando los intereses mercantiles del arte, las galeras
europeas que deciden abrir una sede en el extranjero ya no
lo hacen en las grandes capitales europeas o norteamericanas, sino en China. Moganshan Lu y Factory798 se han convirtiendo en destinos de prestigio. Ambos distritos ocupan
zonas industriales todava activas, alcantarillas humeantes,
chimeneas, obreros, restaurantes, libreras y espacios de
exposicin se imbrican en una experiencia sensorial privilegiada. La oferta es variada e irregular. Las galeras ms
modestas exponen a artistas locales siguiendo la tradicin
oriental, segn la cual no existe distincin entre arte y artesana: pinturas, libros, muebles, dvd's, estampas, moda,
joyas se muestran conjuntamente. En las galeras con una
visin ms globalizada, las exposiciones de artistas contemporneos chinos se compaginan con las de extranjeros.
Algunas de las ms importantes participan en ferias internacionales, aunque suelen ser las gestionadas desde el exterior. Las propuestas de estas galeras son recriminadas en
numerosas ocasiones por su analoga con las formas contemporneas del arte occidental, hecho que corre el riesgo
de desvirtuar las motivaciones artsticas del pas. Bajo una

apariencia esttica similar se esconden intereses muy diversos, surgidos de un contexto histrico-artstico propio, todava mal conocido a da de hoy. En el arte chino actual confluyen dos principios opuestos, uno de ellos acepta las
influencias extranjeras, siempre y cuando la esencia del arte
siga siendo autctona; el otro, instaurado por el
Comunismo, rechaza por completo la tradicin, pues en ella
radica el atraso de la nacin. Otro elemento que se aade al
bagaje esttico proviene de los modelos de propaganda
soviticos adaptados a la realidad china, que necesitaban
del rol activo de los artistas para producir cantidades
ingentes de obras con una iconografa realista, clara e inteligible para el consumo de las masas. Las obras en las que
la esttica comunista se revisita por medio del Pop son
numerosas. En stas, las marcas e insignias escritas con
caractres latinos denuncian la vorgine consumista china,
al igual que los artistas americanos hicieron en los '60. Los
artistas chinos reflejan igualmente su desconcierto ante un
espacio urbano que se expande de manera salvaje,
borrando los pocos signos de humanidad que permanecan en las ciudades. Los artistas expresan su malestar ante
esta nueva era del desarrollo, que se presenta igualmente
alienante e irrespetueosa con la identidad individual de sus
habitantes. La necesidad de plasmar el universo personal
de los artistas queda patente, sobre todo en performances
y obras que usan las imgenes como soporte. El artista
recrea un mundo enigmtico donde ser protagonista de
sus angustias y fantasas, donde aferrarse a una existencia propia por encima de la uniformidad imperiosa.
Sonia Miralles Bou
Xu Bing. Ghosts Pounding the Wall (1990-91). Cortesa Xu Bing Studio
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Miao Xiaochun. Another Tim. Galerie Urs Meile
Have you seen anything interesting? It is the question that

usually goes round the visitors in every art fair. There are
only two possible answers: "Nothing special, the level of
the proposals is very poor this year", or " Well, it is not bad
at all" (and saying the name of an unknown Asiatic artist
immediately afterwards).
Asiatic art, specially the Chinese, is now on fashion.
Art market has been invaded with Chinese contemporary
works, following the same process of globalization that has
affected other levels of the economy. Although it is a recent
phenomenon, the dimensions of the phenomenon are
modifying the structure of the sector worldwide. The involved institutions hurry to look for a preferential place within
this expansive phase, which is the evolution of a process of
contact and knowledge Eastern-Western intensified in the
last centuries. The approach of both civilizations is a complex process that moves forward slowly despite the importance of the information flows nowadays. In this sense we
can notice the great number of initiatives appearing everyday, and from both directions, with the purpose of strengthen a trend already known by everybody. The culture
exchange is carried out in several ways, each country looks
after its own interests and the appearance of conflicts is not
strange. Art has turned out to be the best business card, a
subtle and colourist way of lubricating the difficult diplomatic relations. The exchange starts with the great national
deeds (China sends its Xian warriors and Spain sends the
Great Masters of the Museo del Prado, Italy its Renaissance
pieces, France the ballet of the Paris Opera) to carry on
with more experimental proposals.
China must look after the foreign image, and contemporary
art has come to be part of the opening process of the
country. Chinese contemporary art developed in secrecy
until recent times, the end of the nineties, but they were
pursued in the country. In the last decade this hostility
disappears, the artists start to exhibit, and the first art
galleries appear. The examples of the Moganshan Lu in
Shanghai and Factory798 in Beijing are paradigmatic of this
ideological mutation. These neighbourhoods, where the
galleries and the studios of artists from both cities are
gathered together, have more and more important foreign
presence day by day. The price of the Chinese artists is
changing the commercial interests of art; these galleries
that decide to open a headquarters abroad don't do it in the
main European capital cities, but in China. Moganshan Lu
and Factory798 have become prestige destinations. Both

districts occupy already active industrial areas, smoking
drains, chimneys, workers, restaurants, bookshops and
exhibition spaces are interwoven in a privileged sensorial
experience. The offer is varied and irregular. The most
modest galleries show local artists following the Oriental
tradition, according to which there is no difference between art and craft: paintings, books, furniture, DVDs, engravings, fashion, jewellery are shown altogether. In other
galleries with a more world-wide vision, the exhibitions of
the Chinese contemporary artists are combined with the
foreign ones. Some of the most important exhibitions take
part in international fairs, although they are usually arranged from abroad. The proposals of these galleries are often
recriminated because of their analogy with contemporary
shapes of western art, and this fact takes the risk of distorting the artistic motivations of the country. Under a similar
aesthetic appearance there are hidden varied interests
emerging from a historical-artistic context already not very
well known nowadays. In current Chinese art two opposite
principles come together, one of them accepts the foreign
influences, whenever the art essence is indigenous; the
other one, established by the Communism, rejects the tradition at all, since the nation backwardness lies in it. Other
element added to the aesthetic background comes from
the models of Soviet propaganda adapted to Chinese reality, which needed the active role of the artists to produce
huge amounts of pieces with a realist, clear and intelligent
iconography for the consumption of the masses. The pieces
in which the communist aesthetic is revisited by means of
the Pop are numerous. In them, the marks and badges
written with Latin letters denounce the Chinese consumer
maelstrom, like the American artists in the sixties.
Chinese artists reflect their confusion in view of an urban
space expanding wildly, eliminating the few remaining
signs of humanity from the cities. The artists express
their discomfort in view of this new period of development, which is alienating and disrespectful with the individual identity of the inhabitants. The need for capturing
the personal universe of the artists becomes patently
obvious, above all in the performances and pieces that
use the images as a medium. The artist recreates an enigmatic world to be the main character of his distresses and
fantasies, to cling to the own existence over the pressing
uniformity.
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_exposiciones nacionales
DAIDO MORIYAMA. RETROSPECTIVA DESDE 1965

CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporneo. Sevilla. Hasta el 17 de junio
Daido Moriyama (Osaka, 1938) se form como fotgrafo en

Tokio, con Takeji Iwamiya y Eikoh Hosoe, con quien trabaj
como asistente. Sus primeros trabajos reflejan ese ambiente japons de la postguerra, entre la crisis econmica y de
valores, que dio como fruto una sociedad radicalmente distinta a la anterior, donde el culto a la tradicin marcaba las
vidas. Esto tal vez quede reflejado en su trabajo en una
mirada nostlgica de la ciudad y un deseo de mirar fuera,
buscando tal vez algo ms puro. Es una mirada llena de
"peculiaridades que la hacen independiente, soberana de su
propio campo de expresin y con posibilidades inditas no
soadas ni explotadas por otras artes ms antiguas en el
tiempo". Como podemos ver en la exposicin del CAAC y
anuncian en la nota de prensa, los protagonistas de sus
fotografas son casi siempre seres annimos: transentes
sin nombre que esperan, marchan o se alejan. Gracias a su
forma de mirar y de reproducir lo captado, vemos y comprendemos que la soledad es ternura y que los retratos
colectivos pueden ser a la vez tristes y dulces.
El mismo autor afirma: "la fotografa es una accin de 'fijar'
el tiempo y no de 'expresar' el mundo. La cmara es una
herramienta inadecuada para extraer la visin del mundo o
la de la belleza. Si un fotgrafo intenta incorporarse felizmente al mundo usando la perspectiva tradicional con la cmara,
terminar cayendo en el agujero de la 'idea' que ha excavado por s mismo. La fotografa es un medio que solo existe
fijando momentneamente el 'descubrimiento' y la 'cognicin' que se encuentran en el imparable mundo exterior".
La exposicin se completa con un estupendo ciclo de
cine japons, desde el 11 de abril hasta el 6 de junio.
Daido Moriyama (Osaka, 1938) was trained as a photographer in Tokyo, together with Takeji Iwamiya and Eikoh
Hosoe, who he worked with as an assistant. His first
works reflect this Japanese environment of the post-war,
between the economical and the values crisis, whose
result was a society radically different from the previous
one, where the cult of tradition marked life. Maybe this is
reflected in his work in a nostalgic look at the city and a
desire to look out, maybe looking for something purer. It
is a look full of "special characteristics that make it independent, supreme within its own field of expression and
with new possibilities either dreamed or exploited by
other antique arts". As we can see in the exhibition at the
CAAC and it is announced in the press release, the protagonists of his photographs are usually anonymous people:
passers-by without a name who are waiting, moving or
going away. Owing to his way of looking and reproducing
the captured things, we can see and understand that
loneliness is tenderness and that collective portraits can
be sad and gentle at the same time.
The author himself says: "photography is the action of
fixing time and not of expressing the world. The camera is
an unsuitable tool to extract the vision of the world or of the
beauty. If a photographer tries to join the world happily
using the traditional perspective with the camera, then he
will fall down the hole of the "idea" he has dug on his own.
Photography is a medium that only exists fixing for a
moment the "discovery" and the "cognition" of the unstoppable outside world". The exhibition is completed with a
great season of Japanese cinema, from April 11 to June 6.
Juan-Ramn Barbancho
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Daido Moriyama. Cortesa del artista
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[AN] EXPOSICIONES NACIONALES
MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA. ARQUITECTURAS CIRCUNSTANCIALES

Galera Marisa Marimn. Ourense. Hasta finales de mayo
El artista vasco Manu Muniategiandikoetxea expone su

pintura tridimensional de formas cuadriculares en la
galera Marisa Marimn de Ourense. El estilo de este
clebre creador se inspira en las formas de la arquitectura constructivista y en la factura cromtica del nuevo
realismo germano. Sus pinturas mutantes pudieron
verse en la exposicin homnima del MARCO de Vigo y
en los 16 Proyectos de Arte Espaol de Arco 2006 entre
otros lugares. Su slida trayectoria le permite modificar
planos y vanos, colores y volmenes creando autnticas
intervenciones especficas irrepetibles en cada una de
sus innumerables exposiciones. Adems su dominio de
las formas tangenciales y diagonales le ubica en los
suburbios de lo cuadrangular dentro de una neo geometra concreta o realista.
Su pintura expandida es un ejemplo de creacin sobre
bases de retculas o squares. Hay dos grandes lneas
estticas contemporneas a las que se adscriben arquitectos de todo el mundo que tambin encuentran eco en
el trabajo de importantes pintores. La primera, engloba
la arquitectura y la pintura realizadas a base de formas
circulares y la segunda abarcara la arquitectura y la pintura realizadas a base de formas cuadradas. Ejemplo de
arquitectura circular o de bulbs es la obra de Frank O.
Gehry, el creador museo Gugenheim de Bilbao. Ejemplo
de arquitectura de paraleleppedos, cuadrados o squares
es el Centro George Pompidou de Renzo Piano y Richard
Rogers en Pars. Lo que destaca en cada una de estas
lneas de creacin no es la capacidad tecnolgica de
cada momento histrico, sino que los arquitectos y tambin los pintores deciden adscribirse a una u otra lnea
de trabajo basndose en criterios formales. As las soluciones plsticas a las que llegan obedecen a concepciones formales o tericas de cmo hacer edificios o cmo
hacer pinturas contemporneas. Tal es el mbito de
Manu Muniategui quien hace evolucionar de modo casi
antropomrfico su pintura inspirada en los creadores del
siglo XX que coquetearon con lo cuadrngular hacia un
concepto pictrico de bifrontalidad tridimensional.
The vasque artist Manu Muniategiandikoetxea is exhibiting his three-dimensional painting with quadrangular
shapes at the gallery Marisa Marimon in Ourense. The
style of this famous creator finds inspiration in the shapes of the constructivist architecture and in the chromatic execution of the new Germanic realism. His mutant
paintings could be seen in the homonym exhibition of
the MARCO in Vigo and in the sixteen Spanish Art
Projects at ARCO 2006 among other places. His solid
career allows him to modify plans and spaces, colours
and volumes creating authentic specific unrepeatable
interventions in each one of his numerous exhibitions.
Besides, his control of the tangential and diagonal shapes places him into the suburbs of the quadrangular
within a concrete or realist neo-geometry.
His expanded painting is an example of creation on bases
of screens or squares. There are two great contemporary
aesthetic lines to which the worldwide architects are assigned and these architects also find echo in the work of
many important painters. The first one includes the architecture and painting made with circular shapes, and the
second one would contain the architecture and painting
made with square shapes. A good example of the circular
or bulbs architecture is the work of Frank O. Gehry, the
creator of the Museum Guggenheim in Bilbao. An example
of the architecture of parallelepiped and squares is the
Centre George Pompidou by Renzo Piano and Richard
Rogers in Paris. The most important thing within each one
of these lines of creation is not the technologic capacity of
every historic moment, but the fact that the architects and
the painters decide to get attached to one or other line of
work basing on formal criteria. This way the plastic solutions they create are due to formal or theoretical conceptions of how to construct buildings or how to create contemporary paintings. Manu Muniategiandikoetxea has got
such a style that makes his painting inspired in the creators of the 20th century, who flirted with the quadrangular
towards a pictorial concept of three-dimensional bifrontality, develop in an almost an anthropomorphic way.
Romn Padn Otero
Vista exposicin. Cortesa de la Galera Marisa Marimn
Manu Muniategiandikoetxea. Cortesa de la galera
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MAR VICENTE. REFLEJO DE SUPERFICIES

Fundacin Laxeiro. Vigo. Hasta el 17 de julio
Superficie puede definirse como regin "delgada" del

espacio que separa dos fases de propiedades diferentes. Mar Vicente (Valadouro, Lugo, 1979) juega en ese
lmite, donde el color es capaz de traspasar la discontinuidad fsica y saltar de la superficie al espacio.
Conceptos como textura, unin, separacin, interseccin, interior, exterior, frontera, se dan cita en esta
declinacin de planos que se proyectan a travs de sus
reflejos. Un trabajo que linda con la topologa cuyo
concepto fundamental es la "relacin de proximidad",
al investigar variables plsticas de la fisicidad en su
vertiente ms ambivalente y subjetiva. reas de color,
colores luz, temperatura de color, el color se transmite
como si la tela fuera una piel a la que se le ponen los
pelos de punta en contacto con la luz, esa excitacin
muda de lo leve que da lugar a la atmsfera, el clima,
el entorno, la envolvente.
Incandescencias, resplandores, las tonalidades de los
espacios intermedios, la vibracin de la luz sobre la
materia, la simbiosis de la pared y el aire apuntan a la
percepcin de lo inmaterial, all donde los ojos se
posan. Verse reflejada en un plano de color forma
parte de un juego espacial, de una funcin topolgica.
Planos que se tocan, se completan y evocan ambientes
y estadios de abstraccin, paisajes superficialmente
profundos. Como si buscara delimitar el infinito, meterlo en un cajn para poder contemplarlo con calma, en
un ejercicio de pulcritud que trata con valores relativamente absolutos en la historia del arte.
El trabajo de Mar Vicente parte de la superficie como
paradigma de la pintura que se carga en su devenir,
hasta la asimilacin de la arquitectura como experiencia cargada de sensaciones. Un reajuste de los recursos expresivos que sin abandonar la tela, el bastidor, la
huella del pincel que extiende la pintura, incorpora
nuevos materiales y nuevos medios. Coloca frente a
frente la pintura y la fotografa y haciendo un tratamiento prcticamente idntico de ambas consigue el
paisaje que se reflejan mutuamente.
La liberacin se produce entre los elementos de composicin, entre las partes y el todo. Los bastidores se
desprenden de la pared, se posicionan perpendicularmente, el cuadro por fin obstaculiza el espacio, se
interpone, ya no se mira mejor al tropezar con una
escultura, sino que l mismo organiza las circulaciones,
dirige los recorridos solicitando distintos puntos de
vista, cambios de la visin frontal a la lateral, desplazamientos del campo visual, descubriendo otro grado
de heteronoma de la obra. Interrelacionar las piezas
entre s y pensar el espacio arquitectnico como una
obra ms con capas de color en lugares donde perderse, permite al pensamiento cobrar alas con facilidad.
Mar Vicente utiliza la palabra efectiva para referirse a
su obra. Y lo cierto es que rene pintura, escultura y
arquitectura mediante el trabajo con el color, el volumen y el espacio, siendo la luz la protagonista.
Aparte de las referencias minimalistas, la influencia de
la luz en Dan Flavin y las composiciones modulares de
Sol LeWitt, nos acercamos a Walter Benjamn cuando se refiere a la propiedad singular de la obra de ser
absolutamente irreferible, porque no se remite ms
que a s misma. Que construye una mirada cada vez
que es mirada. En la idea de un arte puro, no emancipado de su estatus marginal y privilegiado, pode-
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mos ver la tradicin moderna del arte sublime "hasta

el punto de representar el desarrollo extremo de un
proceso de formalizacin y de reduccin o esencializacin"1.
Entre la caja negra y el cubo blanco, Mar propone cajas
y cubos de distintos colores con las que juega y compone una nueva territorialidad, desde reflexiones fsicas. La obra de Mar por un lado retoma la construccin
de la mirada contemplativa y por otro lado deja que el
color invada, su mbito de influencia se ampla y llega
a hablar de otra forma de habitabilidad del espacio.
Vanesa Daz
J.L. Moraza. Alusiones e ilusiones. La parte del minimalismo.
Mar Vicente. Cortesa del artista
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Mar Vicente. Cortesa de la Fundacin Laxeiro
Surface can be defined as the "thin" region of the space

that separates two different phases of properties. Mar
Vicente (Valadouro, Lugo, 1979) plays with this limit,
where colour is able to go through the physical discontinuity and jumps from the surface to the space. Some
concepts such as texture, union, separation, intersection,
inside, outside, frontier gather in this declination of plans
that are projected through their reflections. A work that
is bordering topology whose main concept is the "closeness relation", when investigating the plastic variables of
the physical character in its more ambivalent and subjective side. Colour areas, light-colours, colour temperature,
colour is shown as if the fabric was like a skin with the
hair stand on end in contact with light, this mute excitation of the slight that gives rise to the atmosphere, the
climate, the environment, the surrounding.
Incandescency, brightness, the tones of the intermediate
spaces, the vibration of light on the matter, the symbiosis of the wall and the air point out the perception of the
immaterial, where the eyes come to rest. Plans that complete, touch each other and evoke abstraction atmospheres and phases, superficially deep landscapes. Just as if
she tried to delimit the infinite, to put it into a drawer to
be able to contemplate it calmly, like a delicate exercise
dealing with relatively absolute values in art history.
Mar Vicente's work starts from the surface as the paradigm of painting that gets filled in its process of development, until the assimilation of architecture as a experience full of sensations. The readjustment of the expressive
resources painting spreads out without leaving the fabric,
the stretcher, the trace of the brush, incorporates new
materials and new media. She puts painting and photography face to face and making an identical treatment of
both it gets the landscape where they reflect mutually.
The liberation happens among the elements of the com-
position, among the parts and the whole. The stretchers

get detached from the wall, and they take their place perpendicularly, the painting holds up the space at last, stands
in the way, he cannot be better seen when you run into a
sculpture, but it organizes the circulation, and leads the
routes asking fro different points of view, changes of vision
from frontal to lateral, displacements of the visual field, discovering other heteronomous grades of the work.
Interrelating pieces among them and considering the architectural space as other piece with far more colour layers in
some places where you can get lost let the thought to stand
up easily. Mar Vicente uses the word "effective" to refer to
her work. And the truth is that she gathers painting, sculpture and architecture by means of her work with colour,
volume and space, and light as the protagonist.
Apart from the minimalist references, Dan Flavin's influence of light and Sol LeWitt's modular compositions, we bring
closer to Walter Benjamn when he refers to the singular
characteristic of the artwork of being absolutely unmentioned, because it always refers to itself. It creates a glance
whenever it is glanced. In the idea of the pure art, not
emancipated of its marginal and privileged status, we can
see the modern tradition of the sublime art "until it represents the extreme development of a formalization and
reduction or essencialization process"1. Between the black
box and the white cube, Mar suggests boxes and cubes
with different colours with which she plays and composes a
new territoriality, like parcels that open with the spectator's glance, from physical reflections. On the one hand Mar's
work takes up again the construction of the contemplative glance, and on the other hand it lets the colour pour
into, her sphere of influence widens and she talks about
other way of spatial habitability.
1 J.L. Moraza. Alusiones e ilusiones. La parte del minimalismo.
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LUIS FEGA. LUGARES DE LA PINTURA

Crculo de BB AA. Madrid. Hasta el 20 de mayo
Esta exposicin se centra en los ltimos diez

aos de la produccin
de este pintor asturiano
Luis Fega (Vegadeo,
1952), una obra vinculada al informalismo y
al expresionismo abstracto.
La muestra rene no
slo su pintura, sino
tambin otras piezas
que caminan por los
lmites entre la pintura y
la escultura.
La obra de Fega camina
desde un primer inters
por la materia, con una
pincelada generosa y
rotunda,
creciendo
mediante la austeridad
formal y cromtica,
siendo los paisajes y
mitologas principales
temas. Su obra evoluciona hacia una depuracin formal en la que
predomina una paleta
ocre.
"En lo referente a mi
obra puedo decir que no
intento contar historias,
ni pretendo reflejar la
realidad (...). Me gustara poder ver el mundo
con una nueva mirada,
como si lo estuviese
viendo por primera vez.
Presentar nuevas relaciones de las cosas y
recuperar la capacidad
de asombro, pues a fin
de cuentas, todo es misterioso. Pero eso no es
fcil. Me gusta que mi
propia obra me sorprenda. Llegar a lo inesperado. Para ello la mente no
debe actuar como un
impedimento"
Fernando Castro Florez,
comisario de la muestra,
entiende que Luis Fega
"rehye,
en
todo
momento, lo decorativo,
dando ms bien espacio
a lo deshilachado o
informe, incluso al gesto
que tiene algo de garabato. Lo que, en realidad, est buscando, en
todo momento, es la
espontaneidad".
Con motivo de esta
exposicin se ha editado
un catlogo que incluye
textos
de
Fernando
Castro Florez, Pedro
Alberto Cruz Snchez y
una entrevista realizada
por Mar Menndez a Luis
Fega.
This exhibition is focused on the last ten years
of the production of the
Asturian painter Luis
Fega (Vegadeo, 1952), a
work linked to informalism
and
abstract
expressionism.
The
exhibition gathers not
only his painting, but
also other pieces that
move between the limits
of painting and sculpture.
Fega's work moves from
a first interest in matter,
with a generous and

clear brushstroke, growing up by means of the
formal and chromatic
austerity, being the
landscapes and mythologies his main subjects.
His
work
evolves
towards a formal depuration in which the ochre
palette predominates.
"Regarding my work I
can say that I do not try
to tell stories, or reflecting reality () I would
like to be able to see the
world with a new view,
as if I was looking at it
for
the
first
time.
Showing new relations
among things and recovering the capacity of
astonishment,
since
everything is mysterious. But this is not
easy. I like my own work

to
surprise
me.
Achieving the unexpected. For achieving this,
the mind should not act
as an impediment".
Fernando Castro Florez,
the curator of the exhibition, understands that
Luis Fega "always avoids
the decorative, giving
more room to the frayed
or shapeless, even to
the gesture that has
something of doodle.
What he is really looking
for is spontaneity".
On the occasion of this
exhibition a catalogue
with texts by Fernando
Castro Florez and Pedro
Alberto Cruz Snchez
together with an interview to Luis Fega by Mar
Menndez are included.
Luis Fega. Rogan II (2004). Cortesa del artista
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NOELIA GARCA BANDERA

Galera Alfredo Vias. Mlaga. Hasta el 4 de junio
En la pasada edicin de ARCO, esta galera present

Atando cabos de Noelia Garca Bandera (Mlaga,
1974) adquirida por la coleccin del CAC de Mlaga.
Esta serie marcaba pautas que se insisten en esta
nueva serie, evidencindose el inters manifiesto de
la artista por la reflexin sobre el rol social de la
mujer.
Para Noelia Garca Bandera Algo prestado "trata el
tema de las eternas ataduras sociales de la mujer a
travs de un elemento como es un vestido de novia.
El deseo de "disfrazarse" durante un da, puede llegar
a plasmar las aspiraciones, pretensiones o miedos de
toda una vida, donde una vez ubicado el vestido en el
cuerpo, alcanza a ser una va abierta al desencanto y
el desasosiego". Esta serie analiza los roles de la
"novia", sus atrezos cargados de smbolos vinculados
con la pureza, lo efmero, la belleza, etc.
Noelia Garca Bandera es doctora en Historia del Arte
por la Universidad de Mlaga. Ha expuesto individualmente Mujeres, insectos y otros fragmentos en la
Casa Fuerte Bezmiliana del Rincn de la Victoria
(Mlaga).
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas
como Identidades Mltiples (Coleccin IAM, Sevilla),
el III Certamen Provincial de Artes Plsticas (Mlaga)
o el XIV Saln de Fotografa Caja Espaa (Len).
In the last edition of ARCO, this gallery showed Atando

Cabos by Noelia Garca Bandera (Mlaga, 1974) acquired by the collection of the CAC Mlaga. This series set
some standards she emphasizes in this new series,
making evident the artist's clear interest in the reflection about woman's social role.
According to Noelia Garca Bandera, Algo prestado
"deals with the topic of the women's everlasting social
restrictions by means of such an element as a wedding dress. The lust for "disguising" during the day,
can get to show the aspirations, pretensions or fears
of a lifetime, where once the dress is put on the body,
it becomes a sign of disillusion and uneasiness". This
series analyses the "bride's" roles, her atrezzos full of
symbols related to pureness, the ephemeral, beauty,
etc.
Noelia Garca Bandera is a doctor of Art History at the
University of Mlaga. She has exhibited individually
Mujeres, insectos y otros fragmentos at the Casa
Fuerte Bezmiliana in Rincn de la Victoria (Mlaga).
She has also taken part in numerous collective exhibitions such as Identidades Mltiples (Collection IAM,
Seville), the III Certamen Provincial de Artes Plsticas
(Mlaga) or the XIV Saln de Fotografa Caja Espaa
(Len).
Noelia Garca Bandera. Algo prestado (2007) Cortesa de la artista
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FRAN HERBELLO / REN PEA

C5 Coleccin. Santiago de Compostela. Hasta mediados de junio
El trabajo de Fran Herbello

y Ren Pea se presenta
conjuntamente en esta
galera compostelana que
ocupa una interesante
edificacin modernista de
recorrido ascensional.
Con esta exposicin C5
Coleccin inaugura una
serie de binomios expositivos, uniendo a un artista
nacional con otro cubano,
en este caso la vinculacin
entre ambos la marca su
referencia al Body Art. El
cuerpo se convierte en
cartografa de lo experiencial, en el lugar del acontecer.
En las fotografas de Fran
Herbello (siempre en blanco y negro) el cuerpo se
manipula e imposibilita,
reflexionando sobre conceptos como la identidad,
la memoria y el tiempo.
Su produccin, vocacin
escultrica, est marcada
por la intervencin sobre
el cuerpo. "Vivo entre lo
rural y lo urbano y en esta
oscilacin veo como los
cuerpos objetualizados de
las vallas publicitarias,
inertes, que venden una
eternidad terrenal, heredan la concepcin religiosa
en la que el cuerpo es castigado para alcanzar una
eternidad que le es propia
al alma. Dicen que la
esperanza de eternidad es
uno de los medios para
tratar la desazn que produce ser conscientes de
que morimos, de enfrentarnos al miedo a la muerte, y aunque en lo urbano
parece no existir, lo cierto
es que se esconde censurado detrs del actual
culto al cuerpo. Yo tambin la temo, pero como
hacen mis abuelos, tomo
de la cultura popular su
estrategia de combatir la
ansiedad que produce lo
desconocido, perdindole
el respeto al hacerla cotidiana, conviviendo con
ella, y a veces, ridiculizndola."
Las primeras fotografas
de Ren Pea, hacia 1980,
ofreca fotografas de interiores
y
situaciones
domsticas de su Cuba
natal. Paulatimente centra
la atencin sobre su pro-
Ren Pea. Cortesa de la artista
pio cuerpo para analizar

cuestiones relativas a la
raza, al gnero o a la economa. "El hecho de lidiar
constantemente con mi
propia imagen (autorretrato) no significa que est
interesado en desarrollar
mi obra desde una perspectiva egocntrica o narcisista. En mi caso, un
ejercicio inicial de autorreconocimiento me ha preparado para, en determinado momento, poner a
un lado aquellos aspectos
de la personalidad que
nos caracterizan a todos
como seres individuales,
e incursionar en el espacio de la nulidad personal. Aunque todos tenemos rasgos que nos distinguen y diferencian, es
en esa zona donde permanecemos la mayor
parte del tiempo, y de
aqu he decidido extraer
material que les mostrar
en aquellos momentos en
que creemos tener opinin propia. Por eso
Anulaciones propone una
versin fragmentada de
mi cuerpo, de tal manera
que cualquiera puede
identificar pedazos humanos comunes a todo mortal. Acerca del medio que
utilizo para realizar mi trabajo, la fotografa, pudiera
decir que siempre supe
que era una va capaz de
soportar ideas, ms tarde
entend su funcin ideolgica, ahora s que es una
herramienta perfecta y
contundente."
The work of Fran Herbello

and Ren Pea is jointly
exhibited at this gallery,
which occupies an interesting modern building
with an upward way, placed in Santiago de
Compostela. With this
exhibition C5 Coleccin
inaugurates a series of
expositive binomials, joining together a national
artist with a Cuban one,
and in this case the connection between both of
them is marked by their
reference to Body Art.
The body becomes the
cartography of the experimental, the place of the
events.
In
Fran
Herbello's
(always black and white)
photographs, the body is
manipulated and disabled, meditating on some
concepts such as identity,
memory and time. His
production,
sculptural
vocation is marked by the
intervention on the body.
"I live between the rural
and the urban and in this
fluctuation I can see how
the objectualized bodies
of the hoardings, inert
bodies that sell a worldly
eternity, inherit the religious conception in which
the body is punished so
as to reach the eternity of
the soul. It is said that
the hope of eternity is
one of the means to treat
the uneasiness produced
by the fact of being
aware that we are going
to die, that we have to
face the fear of dying;

and although it doesn't
seem to exist in the
urban spaces, the truth is
that it is hidden behind
the present tribute to the
body. I am also afraid of
it, but as my grandparents do, I take the strategy of fighting the
anxiety produced by the
unknown from the popular culture, losing the respect for it when we consider it something quotidian, cohabiting with it,
and sometimes ridiculing
it."
Ren Pea's first photographs, from 1980, showed interiors and quotidian situations of his
native country, Cuba. He
gradually focuses his
attention on his own
body to analyse some
questions regarding race,
genre and economy. "The
fact of constantly fighting
with your own image
(self-portrait) does not
mean that I am interested in developing my
work from an egocentric
or narcissist point of
view. In my case, a starting exercise of self-examination has prepared
me to set aside those
aspects of the personality
that characterise us such
as some features that
distinguish and differentiate us in a certain
moment, and it is in this
area where we stay most
of the time, and I have
decided to take from here
the material I am going
to show you in those
moments when we think
that we have a self opinion. For that reason
Anulaciones suggests a
fragmented version of
my body, so anyone can
identify human pieces
that are common for
everybody. Regarding the
medium I use to produce
my work, photography, I
should say that I have
always known that it was
a way able to put up with
ideas, later I understood
its ideological function,
and now I know it is a
perfect and forceful tool."
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KATINKA LAMPKE. LA POSTURA

Galera My names Lolita Art. Madrid. Hasta el 19 de mayo
Los ltimos trabajos de

Katinka Lampe se muestran en esta galera.
Durante los ltimos aos
el trabajo de esta pintora
se ha centrado principalmente en la retratstica,
de rostros humanos que
participan de otra realidad, habitando un territorio entre la abstraccin
y la figuracin. En la pintura de Katinka Lampe
aparecen con frecuencia
nios, lo hace porque
entiende que la ausencia
de arrugas y marcas les
da un carcter atemporal, alejndolos de retratos de individuos cuyos
rostros por s mismo
cuentan una historia de s
mismos. Katinka Lampe
(Rterdam, 1963) realiz
sus
estudios
en
la
Academia de Arte y
Diseo de Hertogenbosch.
Sus obras estn presentes en importantes colecciones entre las que destacan la del Frissiras
Museum de Atenas, Art
Curial de Pars, CBK de
Rterdam o Akzo Nobel
de Arhnhem.
Kantinka Lampe's last

pieces are shown at
this gallery.
The work of this painter has mainly focused
on the portrait art of
human
faces
that
share another reality,
inhabiting a territory
between
abstraction
Katinka Lampe
Cortesa de la artista
and figuration.
In
Kantinka Lampe's painting there are often
children because the
absence of wrinkles
and marks give them a
timeless
character,
moving them away
from the portraits of
some
individuals
whose faces can tell
their own story.
Kantinka
Lampe
(Rotterdam,
1963)
studied at the Art and
Design Academy in
Hertogenbosch.
Her pieces are present
in
some
important
collections
among
which we could highlight
the
Frissiras
Museum in Athens, Art
Curial in Paris, CBK in
Rotterdam or Akzo
Nobel in Arhnhem.
NATUKA HONRUBIA. LINDO INDOORS

Galera Cnem. Castell. Desde el 19 de mayo hasta el 26 de junio
Descubr que poda romper la prohibicin de mirar

lo prohibido. Aprend a
escuchar mi voz interior,
a seguir mi intuicin y a
sentir curiosidad por
explorar, sin miedo, algunos aspectos de mi vida
para dar respuesta a preguntas reprimidas. Desde
entonces, mis esculturas
y dibujos se han convertido en el refugio que me
permite mostrar lo inmostrable, nombrar lo innombrable; expresar pensamientos e ideas que no
me atrevera a comunicar
de otro modo; contar, sin
desvelar del todo, secretos con los que hacer guios a aquellos con quienes los comparto.
Pensando en aquellos con
quienes comparto los
secretos y los monstruos
que encarnan inacepta-
24
bles deseos, quiero reflexionar en mi obra sobre

la tentacin de pecar, de
satisfacer el deseo y de
desafiar
las
normas
socialmente prescritas.
Mis esculturas y dibujos
ms recientes representan ofrendas carnales
rebosantes de sensualidad, feraces y copiosas;
desean ser tocadas,
acariciadas, estrujadas,
devoradas y digeridas.
Sus superficies limpias
y pulidas ocultan la
culpa, la anomala y la
contaminacin; y descubren mi deseo por
hacer bello aquello que
podra
ser
descrito
como feo o desagradable en la naturaleza.
Natuka Honrubia
I found out that I could

break down the prohibition of looking at the
prohibited. I learnt to
listen to my inner
voice, to follow my
intuition, and to be
curious
to
explore,
without being afraid,
some aspects of my life
to answer some repressed questions. Since
then, my sculptures
and drawings have turned into the refugee
that lets me show the
unseen, to mention the
unmentioned;
to
express thoughts and
ideas I would not dare
to communicate in any
other way; to tell,
without
revealing
wholly, some secrets
winking those I share
them with.
Thinking about those I
share my secrets with

and the monsters personifying unacceptable
desires, I would like to
meditate on the temptation to sin, to satisfy
the desire, and to challenge the socially prescribed rules.
My most recent sculptures and drawings
show abundant and
productive carnal tributes full of sensuality
that wish to be touched, caressed, squeezed,
devoured
and
digested. Their clean
and polished surfaces
hide the blame, the
anomaly and the contamination; and they find
out my desire to make
beautiful that thing that
could be described as
ugly or unpleasant in
nature.
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IGNACIO PARDO. SENESCENCIA

CGAC. Santiago de Compostela. Hasta el 1 de julio
Ignacio Pardo. Moscas (2007) Cortesa de la artista
Senescencia. Ignacio Pardo rene la produccin este

vdeo artista que trabaja desde la dcada de los
ochenta utilizando este medio. La muestra se completa con una nueva pieza producida especficamente para el CGAC (Centro Galego de Arte
Contempornea).
En ella se pretende acercar al pblico a la trayectoria de este pionero del vdeo arte en Galicia.
El erotismo y la aplicacin de nuevas tecnologas
caracterizan algunos de sus obras, como Ninfografa
(1992), y en sus ltimos trabajos utiliza las animaciones 3d como en Moscas (2007) y Paseantes
(2003).
Estas dos obras estn presentes en esta muestra,
comisariada por Cristina Prego, junto a Vientre
(2007), Agua (2007), Latido (2007), Fuego (2007) y
Bosque (2007).
Ignacio Pardo estuvo presente con el vdeo Parpadeo
en La imagen sublime (1987), exposicin colectiva en el MNCARS comisariada por Manuel Palacio.
As mismo, tambin particip en Seales de vdeo
(muestra comisariada por Eugeni Bonet en 1995
tambin para este mismo museo) y en Novos camios. Ameazas e promesas da arte electrnica
(Casa das Artes, Vigo, 1998). En 1986 gana el
Certamen Nacional de Vdeo de Vitoria y est presente en diferentes ferias como ARCO (1988 e 1989) y
otras citas internacionales la Documenta (Kassel) o
la Bienal de So Paulo.
Senescencia. Ignacio Pardo gathers the production of this video artist who has worked using this
medium since 1980. The exhibition is completed
with a new piece specifically produced for the
CGAC (Centro Galego de Arte Contempornea).
The exhibition tries to bring the trajectory of this
pioneer of the video art in Galicia closer to the
public.
The eroticism and the application of the new technologies characterize some of his pieces, such as
Ninfografa (1992), and in his last pieces he also
uses 3D animations, such as in Moscas (2007) and
Paseantes (2003). These two pieces are present in
this exhibition curated by Cristina Prego, together
with some other pieces such as Vientre (2007),
Agua (2007), Latido (2007), Fuego (2007) and
Bosque (2007).
Ignacio Pardo was also present with the video
Parpadeo in La imagen sublime (1987), a collective exhibition at the MNCARS, curated by Manuel
Palacio. He also took part in Seales de video (an
exhibition curated by Eugeni Bonet in the same
museum in 1995), and in Novos camios.
Ameazas e promesas da arte electrnica (Casa das
Artes, Vigo, 1998). In 1986 he won the Certamen
Nacional de Vdeo in Vitoria, and he was present
in different art fairs such as ARCO (1988 and
1989) and other international appointments such
as the Documenta (Kassel) or the Biennial of So
Paulo.
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_miradas
DETRS DEL SUEOD
Fotografas mexicanas emergentes
El acto de soar es uno de los numerosos niveles de

conciencia a los que tiene acceso el hombre, su manera
de manifestarse es variada pero en toda modalidad hay
una revelacin de lo oculto donde yace la realidad.
Varias artistas mexicanas nacidas en la dcada de los
setenta, develan en su obra fotogrfica una verdad
encubierta tras las convenciones de lo cotidiano. Tal es
el caso de la serie Drop Death Gorgeous donde la artista Daniela Edburg (Houston, Texas, 1975) crea escenarios ficticios en los cuales algunas de sus amigas son vctimas mortales de sus objetos de deseo: productos de
consumo tales como golosinas, artculos para adelgazar,
shampoo, tintes para el cabello electrodomsticos, que
acaban por devorarles la existencia en el interior de sus
hogares o en paseos recreativos. El tema de la muerte y
el consumismo en estas imgenes es abordado desde una
perspectiva sarcstica y dulce, como un drama light de
pelcula como una invencin onrica que crea un accidente en la vida ordinaria de estos personajes. Edburg fue
criada en la ciudad de San Miguel Allende, Guanajuato.
Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Mxico.
Cannon Bernldez (Ciudad de Mxico, 1974) representa
sus peores pesadillas y angustias en la serie titulada
Miedos. A travs del autorretrato, los acontecimientos
trgicos de los que se fantasea vctima-sueos-vigilia de
los cuales quisiera escapar pero que irremediablemente
habitan su mente-se convierten en un juego de realizaciones disfrazadas de deseos reprimidos. Segn
Bernldez, estas fantasas son producto del ambiente
hostil que inunda al mundo, cuyo referente visual directo es la nota roja. Las imgenes atemporales capturadas
por esta artista buscan cuestionar el carcter documental de la fotografa, a la cual ha dedicado gran parte de
su trabajo.
Mediante una estrategia esttica distinta, Adela Goldbard
(Ciudad de Mxico, 1979) busca ahondar en el vnculo
que existe entre realidad e ilusin. En su serie titulada
Ficciones interviene paisajes solitarios donde se percibe
la presencia humana a travs de objetos: borregos pastando en un campo con libros abiertos, lucirnagas-ceriDaniela Edburg. Death by Gummibears (2005). Cortesa de la artista
26
llos en el atardecer de un bosque o un globo infantil que

pareciera que pende de la mano de un nio en un camino campirano. En estas construcciones est suspendido
el fluir temporal y se vive un tiempo fantstico en el que
la ficcin incide en nuestra percepcin de lo verdadero.
Por medio de las fiestas e imgenes de la vida cotidiana
de sus antiguas amigas de la infancia la fotgrafa
Yvonne Venegas (Long Beach, CA, 1970) nos muestra en
la serie Las novias ms bonitas de Baja California un
retrato de la clase media que habita la ciudad fronteriza
de Tijuana. La fotografa documental en este caso es utilizada para hacer una crtica social de los roles que son
introyectados como ideales o sueos a las mujeres
desde la infancia, as como del mundo de las apariencias
sociales que sostienen estas aspiraciones. Una ptica
muy distinta a la que capta Ingrid Hernndez (Tijuana,
1974) en su serie Indoors/Outdoors, en la que utiliza
como campo de estudio las casas ubicadas en las zonas
pobres de Tijuana-construidas con colchones viejos,
llantas, cartn, entre otros materiales de desecho. Con
este trabajo no pretende hablar de la gente que ha sido
impulsada por la pobreza a migrar en la bsqueda de
mejores condiciones de vida, ni hacer una estetizacin
de la pobreza, sino hacer nfasis en lo ntimo, en los
espacios internos que son reflejados a travs de las
cosas que nos rodean y que acumulamos.
Esta misma intencin de relacionar los objetos con lo
personal la encontramos en la serie Mattresses de Tania
Candiani (Ciudad de Mxico, 1974), para la cual intervino varios colchones con palabras y detalles que nos
remiten al juego de la seduccin, la condicin femenina
y las apariencias, entre ellos ramilletes de novia en
miniatura, bordados que dicen Don't Stop o Yes, as
como alfileres que construyen las palabras In y Out.
Estos colchones, como todas las obras aqu mencionadas abordan con distintos recursos estticos un rea
nuclear de la existencia humana: el deseo y sus diferentes formas de manifestacin.
Claudia Arozqueta
Yvonne Venegas. Cortesa de la artista
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Daniela Edburg. Drop Death Gorgeous. Cortesa de la artista
The act of dreaming is one of the numerous levels of

conscience the man can have access to; its way of becoming evident is varied but there is a revelation of the
hidden in every type of dreaming where reality lies.
Several Mexican artists, who were born in the seventies,
reveal a truth hidden behind the conventions of the quotidian. It is the case of the series Drop Death Gorgeous
in which the artist Daniela Edburg (Houston, Texas,
1975) creates fictitious settings where some of her
friends are the casualties of their desire objects: consumer goods such as sweets, slimming products, shampoo, hair dyeing or electric appliances, which finally will
run through their existence inside their home or in their
recreational walks. The topics of death and consumerism
of these images is tackled from a sarcastic and sweet
point of view, like the light drama of a film, or like an
oneiric invention that creates an accident in the ordinary
life of these characters. Edburg grew up in the city of
San Miguel Allende, Guanajuato. Nowadays she lives
and works in Mexico DF.
Cannon Bernldez (Mexico DF, 1974) shows her worst
nightmares and anguishes in the series titled Miedos. By
means of the self-portrait the tragic events in which she
fantasizes with being the victim - wakefulness-dreams
from which she would like to run away but inevitably
they are in her mind - become a game of disguised
achievements of repressed desires. According to
Bernldez, these fantasies are the result of the worldwide hostile environment, whose direct visual referent is
the red note. The timeless images taken by this artist try
to question the documental character of photography to
which she has devoted most part of her work.
By means of a different aesthetic strategy, Adela
Goldbard (Mexico DF, 1979) tries to study thoroughly
the link between reality and illusion. In her series titled
Ficciones she manipulates desolate landscapes where
the human presence is noticed by means of objects:
lambs grazing in a field full of opened books, glowworms in a forest at dusk or an infantile balloon that
seems to be hanging from a child's hand in a rustic path.
The time flow is present in these creations and there is
a fantastic time in which fiction influences our perception of the truth.
Through the parties and images of her old childhood
friends' quotidian life, the photographer Yvonne Venegas
(Long Beach, CA, 1970) shows us in the series Las
novias ms bonitas de Baja California, a depiction of the
middle class living in the border city of Tijuana. The
documental photography is used, in this particular case,
to criticize the social roles women are taught as ideals or
dreams since they were children, as well as the world of
social appearances supporting these aspirations. A very
different viewpoint from that of Ingrid Hernndez
(Tijuana, 1974) in her seires Indoors/Outdoors, in which
the houses situated in some poor areas of Tijuana constructed with old mattresses, rims, cardboard,
among other waste materials - are used as a study field.
With this work she does not try to talk to the people who
have been forced to emigrate looking for better life conditions owing to poverty, or to make poverty be aesthetic, but to stress the intimate, the internal spaces shown
by means of the things surrounding us and the ones we
accumulate.
We can find this same intention to connect the objects
with the personal in the series Mattresses by Tania
Candiani (Mexico DF, 1974), in which she manipulated
several mattresses with words and details referring to
the seduction game, the feminine condition and appearances, among them some embroidered miniature bride's bouquets saying Don't Stop or Yes, as well as some
pins constructing the words In and Out. These mattresses, like all the pieces mentioned here, tackle a
nuclear area of human existences by means of different
aesthetic resources: desire and its different expressions.
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ALISON & PETER SMITHSON. DA CASA DO FUTURO CASA DE HOXE

Museo de BB AA. A Corua. Hasta el 24 de junio
La exposicin Alison &

Peter Smithson. Da Casa
do Futuro
casa de
hoxe se organiz por el
Design
Museum
de
Londres (2002) y est
comisariada por Max
Risselada profesor de la
Universidad Tcnica de
Delft en Holanda. Gran
parte de los materiales
expuestos pertenecen al
archivo personal de esta
pareja de arquitectos
britnicos junto a piezas
de colecciones privadas:
maquetas, fotografas,
croquis, planos, objetos,
mobiliario y vdeos que
ilustran parte de la produccin de los Smithson
durante cincuenta anos,
dende 1952 a 2002.
Junto a la documentacin de sus obras se han
reunido proyectos de
otros profesionales como
Charlotte Perriand, Le
Corbusier o Jean Prouve.
La muestra parte de
House of future un proyecto creado bajo la
propuesta del diario The
Daily Mail en 1956. Se
trataba de un modelo a
escala real de un hbitat
futurible, sobre cmo
seran las casas en los
aos 80 del pasado
siglo. Construida en
plstico con fibra de
vidrio esta arquitectura,
de permetro rectngular posea una apertura
interior a un patio, y con
un recorrido interior
similar a las cuevas
habitadas y permita
ensamblarse a otras
casas iguales, generando de este modo un gran
tapiz habitacional.
Por otra parte la arquitectura de los Smithson
esta vinculada al Nuevo
Brutalismo, siguiendo la
ltima arquitectura de
Le Corbusier en el
Capitolio de Chandigard
(India) donde la rgida
arquitectura
de
Le
Corbusier
evoluciona
hasta una arquitectura
casi emotiva, denomina-
da brutalismo (trmino
que proviene del francs
bton brut que significa
hormign visto) alejndose del hegmonico
estilo internacional. Para
los Smithson el brutalismo trata de enfrentarse
a una sociedad producida en serie. Rechazan la
pulcritud y frialdad del
denominado estilo internacional, y su objetivo
es ofrecer un potente
diseo industrial para
viviendas y escuelas
necesario en ese Reino
Unido de posguerra.
En 1950 realizan la
Escuela Secundaria de
Hunstanton bajo una
clara referencia estructural a la frmula de
Mies van der Rohe, compromindose con esta
mxima austera, con un
lenguaje honesto en el
empleo de materiales
industriales y un implacable compromiso con la
expresin estructural del
edificio.
Las propuestas arquitectnicas
de
Alison
Margaret Gill (19281993) y Peter Denham
Smithson (1923-2003)
marcan
de
alguna
manera la arquitectura
del denominado movimiento moderno despus de la 2 Guerra
Mundial.
The exhibition Alison &

Peter Smithson. Da
casa do Futuro casa
de hoxe was organizad
by the Design Museum
in London (2002) and
curated
by
Max
Risselada, a teacher at
the Technical University
in Delft, Holland. Great
part of the exhibited
materials belong to the
personal archive of this
couple of British architects together with
some pieces from private collections: scale
models, photographs,
sketches, plans, object,
furniture and videos
that illustrate part of
the Smithsons' production for fifty years,
from 1952 to 2002.
Together
with
the
documentation of their
pieces, there are some
other projects by other
professionals such as
Charlotte Perriand, Le
Cornusier
or
Jean
Prouve in the exhibition.
The exhibition starts
with House of future, a
project created under a
proposal of the newspaper The Daily Mail in
1956. It was a life-size
model of a futuristic
habitat, about houses
in the eighties in the
last century. This architecture, made of plastic
with fibre glass and a
Allison&Peter Smithson. Hessenhaus
28
rectangular perimeter,
has an inside opening
to a yard, and with an
indoors route similar to
the inhabited caves and
allowing the joint to
other equal houses,
creating a great housing tapestry.
On the other hand the
Smithson's architecture
is linked to the New
Brutalism,
following
the architecture of Le
Corbusier at the Capitol
in Chandigard (India)
where the rigid architecture of Le Corbusier
evolves to an almost
emotive architecture,
called
brutalism
(a
term coming from the
French bton brut that
means visible concrete), going away from
international hegemonic style. According to
the Smithsons, the
brutalism tries to confront a mass produced
society. They reject the
neatness and the coldness of the so-called
international style, and
their aim is to show a
powerful
industrial
design for houses and
schools so needed in
the post-war United
Kingdom. In 1950 they
build the Secondary
School in Hunstanton
under a clear structural
reference to the formula of Mies van der
Rohe, making a commitment with this austere maxim, with a
honest language in the
use of industrial materials and an implacable
commitment to the
structural expression of
the building.
Somehow the architectural
proposals
of
Alison Margaret Gill
(1928-1993) and Peter
Denham
Smithson
(1923-2003) mark the
architecture of the socalled modern movement after the World
War II.
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DARO VILLALBA. UNA VISIN ANTOLGICA. 1957 - 2007

MNCARS. Madrid. Hasta el 14 de mayo
Daro Villalba, uno de los

artistas ms influyentes y
de referencia obligada en
el desarrollo posterior del
Informalismo Abstracto,
es sobre todo conocido
por
sus
"esculturas
encapsuladas" fotografas
envueltas en pompas de
metacrilato transparente,
donde representa a personajes en diferentes posturas, siempre forzadas,
que resultan de una gran
belleza. Personajes solitarios y desvalidos, condicin sta que se ve subrayada al introducirlos dentro de las pompas, resaltando la fragilidad del ser
humano. Y es que la obra
de Daro Villalba habla
sobre todo del ser humano, de su fragilidad, de su
vulnerabilidad y su soledad, pero lejos de establecer una empata con el
personaje fotografiado, el
artista se aleja de l,
somete su cuerpo, lo maltrata y lo fuerza a encajar
en sus composiciones,
mostrando al pblico final
un simple Ecce Homo, es
decir, al ser humano, tal
cual.
Artista comprometido con
las vanguardias, su obra
es una reflexin y continua investigacin sobre el
soporte, y sobre el mismo
arte y la pintura, de ah
que decida utilizar como
soporte pictrico la fotografa. Partiendo de la
trama fotogrfica traslada
sta al lienzo, siendo pionero en la utilizacin de la
fotografa como pintura,
recurso que ser despus
utilizado por numerosos
artistas. A travs de sus
composiciones demuestra
como a travs de la fotografa se puede volver a
un reencuentro con el
espritu de la pintura. En
su obra no hay una frontera definida entre ambas
disciplinas, sino que las
dos se funden con unas
mismas intenciones plsticas. Este hecho es uno
de los rasgos ms meritorios de su trayectoria,
pues hasta entonces la
fotografa se haba usado
como medio de difusin y
banalizacin por parte de
Daro Villalba
Cortesa del artista
los artistas pop, o como

huella o documento de los
artistas conceptuales, y
de performances. Para
Daro Villalba la fotografa
se convierte en soporte
plstico con el que experimentar como si de una
pintura se tratase. El distanciamiento y frialdad de
la trama fotogrfica, y la
utilizacin siempre en su
obra del blanco y negro, le
permite distanciarse a su
vez del contenido, es
decir, de los personajes
fotografiados, para despus someterlos, como al
soporte mismo, a sus
investigaciones. Un brochazo de pintura, roja o
negra,
aparentemente
dada al azar, manchas de
barniz aleatorias, un rasguo en la tela, una composicin forzada, son las
estrategias que utiliza
para dotar a su obra de
una mayor expresividad,
a la vez que le permite
jugar con los soportes.
Daro Villalba es ante todo
un pintor, que utiliza la
fotografa, pero con la
intencin de reflexionar
sobre la pintura misma.
Algunas de sus obras pictricas, de clara influencia
informalista, se pueden
apreciar en esta misma
exposicin. Daro es uno
de esos artistas para los
que la pintura, lejos de
constituir un blsamo, es
fuente de perturbacin.
Rosa Naharro Diestro
Daro Villalba, one of the

most influential and
referential artists within
the later development of
the Abstract Informalism,
is mainly known for his
"capsuled sculptures", or
photographs wrapped in
transparent methacrylate
bubbles, in which he
represents some characters in different positions, always forced,
which are really beautiful. Destitute and lonely
characters, a condition
emphasized by the fact
of being introduced into
the bubbles, highlighting
the fragility of the
human being. The thing
is that Daro Villalba's
work mainly deals with
the human beings, their
fragility, their vulnerability and loneliness,
but far from empathizing with the photographed characters, the
artist drifts apart from
them, ill-treats them
and force them to cope
with his compositions,
showing the final public
a simple Ecce Homo,
that is, the human
being, just as it is.
Artist committed to the
avant-gardes, his work
is a reflection and a continuous investigation on
the medium and on art
and painting, that's why
he decided to use painting as the pictorial
medium of photography.
Starting from photo-
graphy he tries to move

it to the canvas, being
the pioneer in the use of
photography as a painting, a resource that will
be used by many artists.
By means of his compositions he shows how
there can be a reunion
with the spirit of painting through photography. In his work
there is not a defined
limit between both disciplines, but both of them
merge with the same
plastic objectives. This
fact is one of the most
meritorious characteristics of his trajectory,
since photography had
only been used as a
medium by pop artists,
or like a trace or a document by conceptual and
performance
artists.
According
to
Daro
Villalba,
photography
becomes
a
plastic
medium to experiment
on as if it was painting.
The isolation and coldness of photography,
and the use of black and
white in his pieces,
allows him to separate
from its content at the
same time, that is, from
the photographed characters, so as to subjugate them later, like the
medium itself and his
investigations. A paint
brushstroke,
red
or
black, apparently at random, fortuitous varnish
stains, a sketch in the
fabric, a forced composition, are the strategies
he uses to give the work
more
expressiveness
and at the same time
they allow him to play
with the media.
Daro Villalba is above
all a painter that uses
photography with the
intention of meditating
on painting. Some of his
pictorial pieces, with a
clear informalist influence, can be seen in this
exhibition. For Daro
Villalba painting, far
from being a balm, is a
source of disturbance.
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LO(S) CINTICO(S)
MNCARS. Madrid. Hasta el 20 de agosto
Falsos guios y viejas trampas

La Historia del Arte, en tanto escritura ficcionalizada que
ordena y clasifica el objeto arte, est siendo asediada
por (re)lecturas que buscan advertir otras cartografas
posibles, all donde la autoridad de la perspectiva historicista y sus rancias taxonomas, han hecho valer su
hegemona axiolgica en detrimento de otros modelos
lectivos igualmente legtimos.
En el marco de esta poltica revisionista con predominio
a la intervencin transversal y crtica de los relatos estticos, la exposicin colectiva Lo(s) Cintico(s), instalada
en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa con un
promedio de ochenta obras de cuarenta y cinco artistas
espaoles y extranjeros entre los que destacan: Naum
Gobo, Lszl Moholy-Nagy, Giacomo Balla, Alexander
Calder, Man Ray, Marcel Duchamp, Salvador Dal, Nicols
Shffer, Keiji Kawashima, Tsai Weng-Ying, Paul Burry,
Sand Dari, pretende re-escribir los paisajes del cinetismo desde una vocacin peligrosamente inclusiva (que
desde luego no abandona la exclusin) y una alta dosis de
subjetividad, que la convierten en una muestra -cuanto
menos- polmica.
Su ttulo supone un guio inteligente que advierte de la
voluntad de abandonar la rancia plataforma cronolgica
de seguimiento historicista para priorizar un enfoque
trans-histrico desde el que se propone una comprensin de lo cintico ms all de su suscripcin a un
momento concreto de la historia del arte y a la nocin
de grupo o movimiento. Sin embargo, el subjetivismo
desbordado del comisario al emprender esta nueva exgesis en torno al fenmeno del cinetismo, ha estimulado el espritu paradojal que abraza esta muestra, as
como la generacin de sucesivos equvocos que hayan
sitio en el trazado museogrfico de la misma. La mirada
transversal que se ha pretendido en un inicio y la extensin (quizs un tanto desmesurada), de lo cintico aplicado ahora a obras que en verdad cuesta aceptar estn
cifradas por estos signos, terminan por empaar un
ejercicio intelectual de revisin crtica al que se le hubiera agradecido un mayor grosor terico en el diseo y
articulacin de sus tesis operacionales y una distancia
menos apasionada y distrada a favor de un ensayo
curatorial ms sobrio, capaz de tejer una cartografa
robusta, ms coherente y oportuna. La anarqua de los
enunciados y cierto despropsito en la implementacin
concienzuda de los objetivos iniciales que animaron este
proyecto, se convierten en los tristes signos de una
muestra ambiciosa que, por otra parte, revela algunas
virtudes, sobre todo en lo concerniente a los prstamos
de obras provenientes de importantes museos europeos
y americanos, tales como el MOMA de Nueva York, el
Centre Georges Pompidou de Pars, el Whitney Museum
of de Art de Nueva York, la Tate Modern de Londres, la
Galera Nazionale D'Arte de Roma y la emblemtica
galera francesa Denise Ren.
La seleccin de obras entre pinturas, objetos, cronofotografas, calotipos, impresiones digitales, serigrafas,
pelculas, instalaciones y vdeos, respondi en grado
sumo al criterio del comisario de extender y ampliar lo
cintico para leerlo ms como nocin transitiva que afecta varios registros del discurso esttico; lo que no hizo
sino evidenciar una falta de proporcionalidad entre propuestas que s respondan a un principio cintico del
movimiento y otras que, sin duda alguna, se citaron sin

la agudeza de un criterio de inclusin que las justificase
en el recorrido propuesto. Entre todas, y visto de un
modo global, quedan irresueltos muchos de los roces y
proximidades fronterizas entre el op art y el arte cintico, aspecto este en el que la muestra desvara introduciendo una ambigedad que en modo alguno resulta
convincente y s, por el contrario, arriesgada. Piezas
maysculas en su propia autonoma fueron colocadas en
una zona conflictiva de riesgo a partir del diseo propuesto.
En el diseo museogrfico se localiza uno de los mayores problemas de esta exposicin. Las obras expuestas
dialogan desde la anarqua y el arribismo.
Enfrentamiento, contaminacin, suplantacin de espacios, restitucin del caos donde haca falta distensin
espacial y respeto al aura de cada pieza, resultan las
mculas ms visibles de esta exhibicin. Lo transversal
como virtud, corri el riesgo de terminar convirtindose
en un autntico desvaro que ha visto a bien ignorar
ciertas jerarquas y proponer un diseo en extremo
saturado y arbitrario, algo cercano al espritu de feria.
Obras espectaculares en su propia hechura y facturacin
como la de Jean Tinguely quedaron eclipsadas como
consecuencia de su mala ubicacin. En muchos casos, la
participacin del espectador que es tan demandada por
el cinetismo como uno de sus ndices diferenciales,
qued reducida tan solo a una contemplacin casi sacra
y unidireccional.
La voluntad de resquebrajamiento de la visin eurocentrista, con la participacin de firmas latinoamericanas y
de otras latitudes, devino un acierto, toda vez que vaca
un modelo vertical a favor de la horizontalidad inclusiva,
aunque habra que advertir que la mayora de los autores que se citan han disfrutado de un reconocimiento
internacional, tales como: Jess Rafael Soto, Carlos
Cruz-Diez, Julio Le Parc, Antonio Maluf o Gyula Kosice.
En cualquier caso habr que tomarse esta exposicin,
como un ensayo propositivo, un gesto divertido, en el
que la inteligencia termina por abdicar ante el efectismo
engaador.
Andrs Isaac Santana
Vista de la exposicin. Lo(s) Cintico(s). Cortesa MNCARS
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Vista de la exposicin. Lo(s) Cintico(s). Cortesa MNCARS
Art History, as fictitious writing that arranges and classifies the object art, is being chased by some re-readings
that try to notice other possible cartographies, where
the authority of the historicist perspective and its old
taxonomies have asserted their axiological hegemony to
the detriment of other equally legitimate school models.
In the frame of this revisionist politic giving preference
to the transversal intervention and the critic of the aesthetic stories, the collective exhibition Lo(s) Cintico(s),
installed at the Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofa with an average of eighty pieces by forty-five
Spanish and foreign artists such as: Naum Gobo, Lszl
Mol-Nagy, Giacomo Balla, Alexander Calder, Man Ray,
Marcel Duchamp, Salvador Dal, Nicols Shffer, Keiji
Kawashima, Tsai Weng-Ying, Paul Burry, Sand Dari,
tries to rewrite the landscapes of the kinetic art from a
dangerously inclusive vocation (which, of course, does
not leave the exclusion) and a great deal of subjectivity
which turn it into a polemic exhibition to say the least.
The title is a tacit support that warns about the willing
to leave the old chronologic platform of historicist support to give priority to a trans-historic approach from
which an understanding of the kinetic is suggested
beyond its subscription to a concrete moment of art history and the notion of group or movement. However, the
exceeded subjectivism of the curator when undertaking
this new exegesis around the phenomenon of the kinetism has stimulated the paradoxical spirit of this exhibition, as well as the generation of successive misunderstandings in the exhibition museographic route. The supposed transversal attention at the beginning and the
extension (maybe disproportionate) of the kinetic
applied to pieces that should not be coded by these
signs, tarnish an intellectual exercise of critical review
that should have had most theoretical thickness in the
design and articulation of their operational thesis and a
less passionate and distracted distance in favour of a
more sober curatorial essay able to devise a more coherent and opportune tough cartography. The anarchy of
the principles an a certain inappropriate remark in the
conscientious implementation of the initial objectives
encouraging this project, turn into the sad signs of an
ambitious exhibition that, on the other hand, reveals
some virtues, above all with regard to the loans of pieces coming from important European and American
museums such as the MOMA in New York, the Centre
Georges Pompidou in Paris, the Whiteny Mueum of Art in
New York, the Tate Modern in London, the Galerie

Nazionale D'Arte in Rome and the emblematic French
gallery Denise Ren.
The selection of pieces among paintings, objects, chronophotographs, calotypes, digital printing, silk-screen
printings, films, installations and videos following the
criteria of the curator of understanding and widen the
kinetic so as to read it as a transitive notion affecting
several registers of the aesthetic discourse; what showed a lack of proportionality among the proposals
coming up to the kinetic principle of movement and
other that, without any doubt, were mentioned without
the acuteness of a criterion of inclusion justifying them
in the suggested route. Among all of them, and globally
seen, many of the close contacts and the bordering closeness between pop art and kinetic art remain unsolved,
an aspect in which the exhibition is vague introducing an
ambiguity that is not convincing but risky. Wonderful
autonomous pieces placed in a risky conflictive area
taking into account the suggested design.
One of the most important problems of this exhibition
deals with the museum design. The exhibited pieces dialogue from anarchy and social climbing. Confrontation,
pollution, supplanting of spaces, restitution of the chaos
where it was necessary a spatial strain and respect to
the halo of each piece, are the most visible frauds of this
exhibition. The transversal as a virtue, took the risk of
becoming an authentic delirium trying to ignore certain
hierarchies and to suggest a saturated and arbitrary
design, something close to the spirit of the fair.
Spectacular pieces in shape and turnover such as the
one by Jean Tinguely were eclipsed as a consequence of
the bad situation. In many cases, the participation of the
spectator, so demanded by the kinetism as one of its differential indexes, was reduced to a sacral and unidirectional contemplation.
The crack will of the Euro-centrist vision, with the participation of some Latin American and foreign firms, was
a success, whenever it empties a vertical model in
favour of the inclusive horizontality, although it is important to highlight that most of the authors mentioned
have enjoyed an international recognition, such as:
Jess Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Julio Le Parc,
Antonio Maluf or Gyla Kosice.
Anyway, this exhibition should be seen as an experiment, a funny gesture, in which intelligence renounces
in view of the deceptive sensationalism.
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TEO SORIANO
Galera Trinta. Santiago de Compostela. Hasta el 10 de mayo
Pinturas sin escena

Siempre recuerdo uno de los catlogos del arquitecto
portugus Eduardo Souto de Moura, en un acercamiento casi biolgico a su produccin y en la relacin de ilustraciones que describan sus trabajos, demostrando la
obra de un autor directamente relacionado con los
encuentros, delatando su potica de componentes de
enormes dudas y tentativas. Esa misma dimensin de
obra realizada desde el contacto, el intento, desde una
cierta resistencia de opcin personal, me record a los
ltimos trabajos de Teo Soriano que presenta en la galera Trinta; quizs incluso una no-lgica de composicin
que busca los referentes en lo pictrico, como principal
canal de investigacin, pero que profundiza en una
nueva lectura de vinculaciones estticas, de una historia
cercana; modos de demostrar la no-muerte de la pintura. Pero ese, aunque pueda parecerlo, no es realmente
el debate.
Una de las principales tragedias del arte contemporneo
reside en la voluntad anestesiante que en muchas ocasiones produce; por eso mismo descubrimos en Teo
Soriano la vertiente de un compromiso que nunca se
ofrece ausente, y que se delata en cada pieza e instalacin; en ese tipo de exposiciones donde el visitante concilia incertidumbres. Asistimos a una escena sin engaos, una demostracin de las fragilidades y tensiones
del arte, una obra de verdades, demostrada en estructuras, vectores, planos y colores. Este autor, que viene
contrastando una de las ms coherentes trayectorias de
los ltimos aos, desmenuza los valores principales de
la pintura, de su pintura, en diversas escalas y direcciones de anlisis. Pronto el espectador se encuentra con
los principales pilares de sus dudas: suertes de pintura/escultura sobre el suelo o apoyada a la pared y la
contaminacin en un juego de escalas, primero con
pequeas entregas, despus con grandes planos de
color monocromos de grises y verdes fros, pantallas
deliberadamente distantes. Una relectura que no evita
capturas de Imi Knoebel o Helmut Dorner, como tampoco de una poesa de cadas, de pigmentos daados y
exaltados en parcelas exiguas, de fragmentos. Asistimos
a una de esas exposiciones conformadas desde la digestin de la historia inmediata, en una magnfica relectura
de referentes. Por eso mismo, la instalacin que se presenta en el fondo de la galera mira tanto a Jessica
Stockholder, al assemblage, como al teatro del absurdo,
mantenindose como un teln desmenuzado donde, sin
embargo, existe composicin, pintura. Posiblemente Teo
Soriano, como Blinky Palermo, llega a su obra cuando
repasa, mordisquea y contrasta sus lecturas, por eso
cada uno de sus trabajos, independientemente de la
escala, sirven de pretexto de su logro, de sus impecables intentos; ese es el debate.
Jos Manuel Lens
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I always remember one of the catalogues of the

Portuguese architect Eduardo Souto de Moura; it is
almost a biological approach to his production and also
refers to one of the illustrations describing his pieces,
showing the work of an artist directly related to the
meetings, betraying his poetic of components of huge
doubts and attempts. This same dimension of work produced from the contact, the attempt, from a certain
resistance of personal option, remind me of Teo
Soriano's last pieces showed at the gallery Trinta; perhaps even a non-logical composition that looks for the
referents of the pictorial, as the main investigation channel, but that goes deep into the new reading of aesthetic connections, of a close story; some ways of showing
the non-death of painting. But this is not the debate,
although it may look like it.
One of the main tragedies of contemporary art lies in the
anaesthetic wish it sometimes produces; for that reason
in Teo Soriano we discovered the side of a commitment
that is never absent and is shown in every piece of the
installation; in this kind of exhibitions in which the visitor harmonizes uncertainties. We can see a scene
without tricks, a proof of the fragilities and tensions of
art, a piece of truths, shown in structure, vectors, plans
and colours. This author, who has confirmed to have one
of the most coherent trajectories in the last few years,
examines the main values of painting minutely, of his
painting, in different analysis scales and directions. Soon
the spectator notices the main mainstays of his doubts:
sorts of painting/sculpture on the floor, or leaned against
a wall and the contamination in a game of scales, firstly
in small parts, and then with great monochrome colour
planes of cold greys and greens, deliberately distant
screens. A rereading that does not avoid the captures of
Imi Knoebel or Helmut Dorner, or a poem of falls, of
damaged pigments intensified in tiny parts of fragments.
We are witnessing one of those exhibitions made up
from the digestion of the immediate story, in a great
rereading of referents. For the same reason, the installation shown at the end of the gallery aims both at
Jessica Stockholder, at the assemblage, and at the theatre of the absurd, staying as a crumbled curtain in
which, however, there is a composition, a painting. Teo
Soriano, just like Blinky Palermo, possibly gets to his
work when he reviews, nibbles and confirms his readings, and for that reason each one of his pieces, irrespective of the scale, acts as a, excuse of his achievements, of his impeccable attempts; that is the debate.
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Teo Soriano. Cortesa del artista
Teo Soriano. Cortesa del artista
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LOMARTI. TEATRO SOCIAL

Galera Fernando Magdalena. Vigo. Desde el 18 de mayo hasta el 30 de junio
Lomarti,
Juan
Jos
Lpez Martnez (Lugo,
1957) se form artsticamente en la Escola de
Artes Aplicadas de Lugo.
Su obra, de fuerte carga
simblica y elaborada
bajo la sombra de la irona, se elabora con una
semntica propia marcada por un realismo
social y expresionista
que le ha servido para
expresarse en los ltimos aos.
Esta muestra en esta
galera viguesa, consta
de doce obras de medio
y pequeo formato, se
pueden ver, entre otras
piezas, cinco esculturas
tituladas Conquistador,
Fortalezas
infantiles,
H e r m a n d a d e s ,
Rampante numrico y
Lokis Home. En su obra
escultrica Lomarti trabaja la talla directa
sobre madera, mrmol o
granito. En la muestra
que nos ocupa la mayor
parte de las esculturas
estn
realizadas
en
madera y utilizando policroma.
Para Lomarti "son visiones individuales, srdidas y de enfrentamiento
directo con el espectador, con las que intento
mostrar la tensin que el
entorno social crea en el
propio individuo, de tal
manera que pueda ser
un poco el espejo de
nosotros
mismos.
Tambin el propio soporte tiene aqu mucho que
decir () me sito directamente con la madera
desnuda y sin apenas
pulir, con la justa y
esencial policroma, para
que sea tambin un
guio de denuncia que
parte de la naturaleza
como esencia en el
nuevo entorno de la
actual sociedad. () Son
escenas y actos de un
teatro social, de un teatro natural que representamos nosotros mismos en un mundo
34
inconsciente y de fagocitante consumismo que

nos est devorando
poco a poco".
Desde 1983 Lomarti ha
expuesto en diferentes
espacios
tanto
en
Espaa,
Francia,
Portugal y Argentina. En
1989 es seleccionado
para el premio Pablo
Gargallo en Zaragoza.
En 1993 recibe el premio de la Bienal de Laln
y sus obras se presentan
en ARCO. Desde 1996
manifiesta en su produccin un carcter multidisciplinar
realizando
diversas performances y
publicando con la editorial TrisTram un libro de
poemas ilustrados titulado Coroas de Mercurio.
Ha realizado obras para
espacio pblico como las
realizadas para el paseo
fluvial de O Barco de
Valdeorras (Ourense) y
la situada en el parque
de
esculturas
en
Kwangju (Corea do Sur).
Algunas de sus obras
forman parte de colecciones
institucionales
(Fundacin Celta de
Vigo, Caixanova, Centro
de Artesana e Deseo
de Lugo, entre otros).
Lomarti. Costesa del artista
Lomarti, Juan Jos

Lpez Martnez (Lugo,
1957), was artistically
trained at the Escola
de Artes Aplicadas in
Lugo. His work, with a
strong symbolic content and created under
the shadow of irony, is
elaborated with some
subjects marked by a
social and expressionist realism he has
used to express in the
last years.
This gallery in Vigo
shows twelve big and
small size pieces and
we can see, among
other
pieces,
five
sculptures
titled
C o n q u i s t a d o r ,
Fortalezas infantiles,
H e r m a n d a d e s ,
Rampante
numrico
and Lokis Home. In his
sculptural
work
Lomarti works directly
on the wood, marble or
granite carving. In this
case, most of his
sculptures are made of
wood using polychrome painting.
According to Lomarti
"they are individual,
sordid views with a
direct
confrontation
with the spectator with
which I try to the tension the social environment creates in the

individual so he can be
our won mirror. The
medium is also important here () I place
myself with the bare
piece of wood without
being polished, with
the essential polychrome painting so that it
can also be a denounce
wink starting in nature
as the essence in the
new environment of
present society. ()
They are scenes and
acts of a social theatre,
of a natural theatre we
perform in an unconscious world of absorbing consumerism that
is devouring us bit by
bit".
Since 1983 Lomarti has
exhibited in different
spaces
in
Spain,
France, Portugal and
Argentina. In 1989 he
was selected for the
prize Pablo Gargallo in
Zaragoza. In 1993 he
was awarded with the
prize of the Biennial of
Laln and his pieces
were shown at ARCO.
Since 1996 he has
shown a multidisciplinary character in his
pieces, making different performances and
publishing a book of
illustrated poems titled
Coroas de Mercurio
with
the
editiorial
group Tris Tram. He
has made some pieces
for public spaces such
as the ones for the fluvial esplanade in O
Barco de Valdeorras
(Ourense)
and
the
ones placed at the park
of
sculptures
in
Kwangju
(South
Korea). Some of his
pieces are part of some
institutional collections
(Celta
de
Vigo
F o u n d a t i o n ,
Caixanova, Centro de
Artesana e Deseo in
Lugo, among others).
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SIGNOS DE CIUDAD
CAAC. Sevilla. Hasta el 8 de julio
Nicols Dumit. Love is blind. Cortesa del artista
Jorge Santos. O navio. Cortesa del artista
Esta muestra de vdeo se centra en el inters por lo

urbano a travs de la obra de diversos autores de distintas nacionalidades que trabajan sobre este soporte. De
este modo, el comisario de esta seleccin Juan-Ramn
Barbancho ha elegido obra de Jennifer Allora y Guillermo
Calzadilla, Arte90, Alex Campoy, Eva Davidova, Nicols
Dumit, Dionisio Gonzlez, Marisa Gonzlez, Arthur
Kleinjan, Toms Muoz, Francis Naranjo, Sven Phlsson,
Juan Carlos Robles, Christoph Rtimann, Avelino Sala,
Samuel Snchez y Jorge Santos.
Cartografa para a remoo: a cidade ajuntada de
Dionisio Gonzlez registra los movimentos de personas
que viven fuera de los lmites de la ciudad, sobre las
periferias trabaja desde las favelas brasileas.
Second hand market o Videoclub son dos obras de Juan
Carlos Robles. En este ltimo trabaja sobre un barrio de
Sevilla, el de las 3.000 viviendas.
Otro barrio andaluz, el almeriense El Zapillo, es tambin
el punto de partida de Marisa Gonzlez, en reflexiona
sobre la construccin/destruccin de la identidad a travs
de determinados smbolos. En su obra muestra la voladura de las chimeneas de una fbrica y las declaraciones de
los vecinos sobre esta cuestin.
Toms Muoz en Andando por Roma recorre esta ciudad,
sus calles, monumentos, etc. para poco a poco, apropiarse de su urbanismo, de su historia, de su esencia
Love is blind es el otro de esos resultados de peregrinajes urbanos, en este caso de Nicols Dumit por las calles
de la ciudad de Nueva York.
Moments considered time de Arthur Kleinjan (proyeccin
de vdeo y diapositivas) est constituida por una serie
de fotografas encontradas de parejas en las barandillas
de los puentes de El Cairo.
En O navio de Jorge Santos la ciudad parece moverse
por las aguas, casi como si de un gran navo se tratara.
Esta muestra viajar a finales de ao al Centro de
Cultura del Antiguo Instituto de Gijn.
This video exhibition is focused on the interest in the

urban by means of the work of several artists from different countries who are working on this medium. This
way, the curator of this selection of artists, Juan-Ramn
Barbancho, has selected the work of Jennifer Allora y
Guillermo Calzadilla, Arte90, Alex Campoy, Eva
Davidova, Nicols Dumit, Dionisio Gonzlez, Marisa
Gonzlez, Arthur Kleinjan, Toms Muoz, Francis
Naranjo, Sven Phlsson, Juan Carlos Robles, Christoph
Rtimann, Avelino Sala, Samuel Snchez y Jorge
Santos.
Cartografa para a remoo: a cidade ajuntada by
Dionisio Gonzlez, registers the movements of some
people living outside the limits of the city; from the
Brazilian fabelas he works on the peripheries.
Second hand market or Videoclub are two pieces by
Juan Carlos Robles. In this last piece, he works on a
neighbourhood in Seville, the one of the 3000 viviendas.
Another Andalusian neighbourhood, El Zapillo in
Almera, is also the starting point of Marisa Gonzlez, in
which she meditates on the construction/destruction of
identity by means of certain symbols. In her work she
shows the explosion of the chimneys of a factory and the
statements the neighbours made on this subject.
Toms Muoz in Andando por Roma walks around this
city, its streets, monuments, etc. so as to appropriate
its urban development, its history, its essence bit by
bit. Love is blind is other of this urban pilgrimages, in
this case by Nicols Dumit walking around the streets
of New York.
Moments considered time by Arthur Kleinjan (projection
of a video and slides) is made up by a series of photographs of couples in the rails of the bridges in El Cairo.
In O navio by Jorge Santos, the city seems to move on
the water as if it was a ship.
This exhibition will travel to the Culture Centre of the Old
High School in Gijn.
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ILDEFONSO AGUILAR. ENTRE ISLAS

Galera Argenta. Valencia. Hasta el 5 de junio
Ildefonso Aguilar. Cortesa del artista
Ildefonso Aguilar. Cortesa del artista
El principal motor de la produccin de Ildefonso

Aguilar es la orografa natural de las Islas Canarias,
y en especial de Lanzarote, lugar en donde reside. Si
la naturaleza volcnica de Lanzarote ha sido su principal fuente de inspiracin, un viaje por la naturaleza infinita de Islandia ha aportado a sus obras una
extraa luz. Sus obras estn realizadas con arena y
pigmentos naturales aglutinados con copolmero
acrlico, sobre soporte de chapa de madera marina.
Desde 1970 inicio la recogida de arena (un material
que elega por su localizacin libre de salitre marino)
con tres tonalidades y grosores diversos. Tipologas
diferentes generadas a partir de la degradacin de
conchas (casi blancas), y de la meteorizacin de
rocas (grisceas y negras). El proceso comienza
extendiendo el lienzo en el suelo y vertiendo en l las
arenas, para as aplicar los pigmentos y el color que
se funde con la arena. En ese momento, Ildefonso
raspa la superficie, recuperando aquellas zonas de la
materia que haba debajo. Por ltimo, un cromatismo
fundido se sumerge en el ntido negro del fondo, slo
interrumpido por la luz. Ildefonso Aguilar, salmantino
de nacimiento y lanzaroteo de adopcin, estudi en
la Escuela Superior de BB AA de Santa Cruz de
Tenerife. Entre 1970 y 1976 realiza varios montajes
audiovisuales sobre Lanzarote, experimentando con
la fotografa, el sonido y el vdeo. En los aos 1978,
1979 y 1980 viaja por diferentes pases realizando
audiovisuales y grabaciones de msica. Desde 1968
hasta 1985 trabaja como director del Departamento
de Cultura del Cabildo Insular de Lanzarote. Ha participado como director artstico en el proyecto de
recuperacin paisajstica denominado Ruta de
Janubio para el que disea un proyecto de luz y sonido en el crter del Golfo. En 1999 completa y finaliza la segunda fase del Centro de Arte, Cultura y
Turismo Casa del Campesino.
The main impulse of Ildefonso Aguilar's production is

the orography typical of the Canary Islands, especially Lanzarote, where he lives. If the volcanic nature of Lanzarote has been his main inspiration, a trip
through the infinite nature of Iceland has provided his
work with a strange light. His pieces are made of sand
and natural pigments drawn together with acrylic
copolymer on a marine wooden panel support.
He started to pick up sand in 1970 (a material he
chose because of its finding without marine saltpetre)
with three different shades and different thickness.
Different typologies created from the deterioration of
shells (almost white ones), and the meteorization of
rocks (greyish and black). He starts the process by
spreading out a canvas on the floor and pouring out
the sand in it, and then applying the colour shades
which mix with the sand. In this moment, Ildefonso
scrapes off the surface, recovering those areas of the
matter that were underneath. Finally a melted chromatism is sunk beneath the surface of the clear black
of the background, only interrupted by the light.
Ildefonso Aguilar, who was born in Salamanca but he
is also from Lanzarote by adoption, studied at the
Escuela Superior de Bellas Artes in Santa Cruz de
Tenerife. Between 1970 and 1976 he made several
audiovisual setting ups experimenting with photography sound and video. In 1978, 1979 and 1980 he
travelled around different countries carrying out
audiovisuals and musical recordings. From 1968 to
1985 he worked as the Director of the Culture
Department of the Cabildo Insular in Lanzarote. He
has taken part as the artistic director in the project of
landscape restoration called Ruta de Janubio and he
designed a project of light and sound in the crater of
the gulf. In 1999 he completed and finished the
second phase of the Centro de Arte, Cultura y Turismo
called Casa del Campesino.
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AMAR, PENSAR Y RESISTIR. ENCUENTRO ENTRE DOS COLECCIONES

ARTIUM. Vitoria - Gasteiz. Hasta el 19 de agosto
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporneo, y

la Fundacin "La Caixa" presentan esta exposicin,
Amar, pensar y resistir. Encuentro entre dos colecciones, en la que se han reunido obras pertenecientes a
dichas colecciones de 18 artistas, nacionales e internacionales, que trabajan sobre todo tipo de soportes sobre
"la existencia, desde la rpida transformacin de los
modos de vida hasta la soledad, la incomunicacin y los
conflictos sociales y polticos". La muestra se desarrolla
en torno al concepto de "querer vivir", acuado por el
filsofo Santiago Lpez Petit, de cuyo ltimo libro Amar
y pensar. El odio de querer vivir toma prestado en parte
el nombre la exposicin, en el la vida se entiende como
"un desafo, un acto de resistencia al que se enfrentan
con la audacia de su "querer vivir", del que el hecho de
amar y de pensar son quizs sus dos manifestaciones
ms radicales".
Tacita Dean, Bill Viola, Doug Aitken, Txomin Badiola, El
Perro o Antoni Abad, son entre otros, los artistas seleccionados por los comisarios Nimfa Bisbe y Daniel
Castillejo.
La pelcula de Tacita Dean Gellert (1998) recibe al
espectador: una pelcula en 16 mm de ritmo pausado
que remite al deseo de evadirse y olvidarse del mundo
exterior. Le siguen: Hall of Whispers una instalacin de
Bill Viola (1995) sobre la comunicacin, la cruda realidad
de Simen Siz Ruiz en Matanza en Racak (2002); una
pieza de Guillermo Kuitca, la instalacin de Doug Aitken,
Interiors (2002), dos obras de El Perro, Memorial (2005)
y Skating Irak (2005), denuncias irnicas sobre la humillacin; Eija-Lhisa Ahtila con el vdeo Consolation service (1999) sobre la relaciones personales; Antoni Abad
con ltimos deseos (1995), la instalacin de vdeo de
Montserrat Soto Vdeo viento 1, 2, 3 (2003); la instalacin de Elena del Rivero 300 letters to the Mother
(1995), integrada por 300 cartas dirigidas a la figura de
la madre, bordadas y cosidas junto con dibujos y collages; Para la mente (1992) de Eva Lootz; SOS. E3
Servidumbre de la vida y el carcter de las sombras
(2001) de Txomin Badiola; la celebracin del ritual
colectivo en Volta (Bandeira) (2003) de Stephen Dean;
Andreas Slominski; Francisco Ruiz de Infante con Las
armas y los cuidados (1992); la instalacin de Mara
Ribot Despliegue (2001); Leopoldo Ferrn y Agustina
Otero con Volad, volad malditos, que si no os cogiere yo,
os cogiera el diablo (2000); y la Habitacin (1996) de
Eulalia Valdosera en torno a la incomunicacin y la
monotona.
En el catlogo de la exposicin Daniel Castillejo escribe
"el arte tiene an un compromiso que cumplir en el
orden de la responsabilidad emocional, intelectual y
poltica y, de hecho, mucho del arte realizado hoy en da
lo consuma, a pesar de que se haya instalado en la opinin general una supuesta renuncia a sus premisas de
idealismo, utopa y elevacin, por otras de colaboracionismo, pragmatismo y superficialidad".
ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporneo, and

the Fundacin La Caixa show this exhibition Amar, pensar y
resistir. Encuentro entre dos colecciones, in which the pieces belonging to the collection of 18 national and international artists who work with all sort of media on "existence,
from the fast transformation of the different lifestyles to
loneliness, isolation, and social and political conflicts" have
been gathered together. The exhibition is developed around
the concept of "wishing to live", coined by the philosopher
Santiago Lpez Petit, and the exhibition takes the title in
part from his last book Amar y pensar. El odio de querer
vivir, in which life is understood as a "challenge, a resistance action to which confront with the audacity of "wishing to
live", from which the fact of loving and thinking are maybe
the most radical manifestations".
Tacita Dean, Bill Viola, Doug Aitken, Txomin Badiola, El Perro
or Antoni Abad, are, among others, the artists selected by
the curator Nimfa Bisbe and Daniel Castillejo.
Tacita Dean's film Gellert (1998) welcomes the spectator: a
16 mm slow film that refers to the desire to evade from and
forget the outside world. Next: Hall of Whispers, an installation by Bill Viola (1995) on communication; Simen Siz
Ruiz's harsh reality in Matanza en Racak (2002); a piece by
Guillermo Kiutca; an installation by Doug Aitken Interiors
(2002); two pieces by El Perro, Memorial (2005) and
Skating Irak (2005), ironic denounces about humiliation;
Eija-Lhisa Ahtila with the video Consolation Service (1999),
on personal relationships; Antoni Abad with ltimos Deseos
(1995); the video installation Vdeo viento 1, 2, 3 (2003) by
Montserrat Soto; the installation 300 Letters to the Mother
(1995) by Elena del Rivero, composed by 300 letters for the
figure of the mother that are embroidered and sewed together with drawings and collages; Para la mente (1992) by
Eva Lootz; SOS. E3 Servidumbre de la vida y el carcter de
las sombras (2001) by Txomin Badiola; the celebration of
the collective ritual in Volta (Bandeira) (2003) by Stephen
Dean; Andreas Slominski; Francisco Ruiz Infante with Las
armas y los cuidados (1992); the installation Despliegue
(2001) by Mara Ribot; Leopoldo Ferrn and Agustina Otero
with Volad, volad malditos, que si no os cogiere yo, os
cogiera el diablo (2000); and Habitacin (1996) by Eulalia
Valdosera around isolation and monotony.
Daniel Castillejo writes in the catalogue of the exhibition:
"art still has a commitment to honour in the order of the
emotional, intellectual and political responsibility and, in
fact, most art produced nowadays complete it, despite the
fact that there is a general opinion about a supposed
renounce to its premises of idealism, utopia and elevation,
for others of collaboration, pragmatism and superficiality".
Doug Aitken. Interiors (2002). Costesa del artista
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_miradas
LA PRIMAVERA A OSCURAS
Hay algo en la naturaleza que dice ven, hazme una

foto. Esta sencilla afirmacin de Minor White desvela
el inters de la fotografa por un tema que ha visitado una y otra vez desde diferentes perspectivas y
contextos. La representacin de la naturaleza en el
arte, en cuanto percepcin e interpretacin del
entorno natural, ha ido modificndose a lo largo del
tiempo, consecuencia de las transformaciones en los
modos de mirar y en las actitudes del artista respecto a ella. El medio fotogrfico se revel as como el
ms receptivo a la hora de plasmar y entablar dilogos con la naturaleza. Testimonindola, reordenndola o reinventndola.
Desde los primordios de la fotografa, los artistas han
querido responder, no siempre con la suficiente claridad, al apelo del hbitat natural no-humano. En las
ltimas dcadas los caminos explorados han dirigido
sus atenciones hacia propuestas vinculadas, sobre
todo, a la presencia o huella del hombre, a la relacin
cultura-naturaleza, al desequilibrio ecolgico y al
imaginario de la pintura paisajstica. Esta ltima
aproximacin todava con ciertas reminiscencias del
Romanticismo y de la idea de sublime. La pujanza y
actualidad de estas nuevas experiencias fueron objeto de una revisin crtica en la edicin 2006 de
PHotoEspaa y colecciones especializadas, como la
del Ayuntamiento de Alcobendas, manifiestan el
aprecio por esta temtica concreta.
En este panorama de ebullicin creativa otra de las
vas de estudio que, en los ltimos aos, se est reivindicando, de la mano de jvenes artistas, es la
investigacin sobre los modos de percepcin de la
naturaleza por parte del espectador de la obra de
arte, sus implicaciones en la imaginacin y en la
memoria visual y sus efectos en el nimo y en la
mente, abriendo nuevas posibilidades a la experiencia de la contemplacin de la naturaleza a travs de
la fotografa y propiciando reflexiones en torno al
propio medio fotogrfico. Este acercamiento psquico
y reflexivo supone una alternativa ms en el mbito
del anlisis contemporneo de la naturaleza, concediendo a la participacin del espectador un papel tan
importante y activo como el del artista. El acto de
mirar se torna, de este modo, en un acto creativo y
de pensamiento, donde lo real, lo manipulado y lo
subjetivo ayudan a configurar la percepcin final de
la obra.
Deca Goethe que slo la naturaleza posee una riqueza inagotable y que apenas ella forma a los grandes
artistas. Partiendo de esta aseveracin son escasos
los fotgrafos actuales que asumieron este tema
como fuerza inspiradora de toda su obra. Dentro del
amplio y segmentado campo de la fotografa contempornea, uno de los nombres emergentes a tener en
consideracin es el de Joo Lus Bento (Lisboa,
1969).
Iniciado en la prctica fotogrfica en la dcada de los
noventa, entre el ao 1997 y el 2000 frecuent los
cursos de fotografa del Centro de Arte &
Comunicacin Visual - Ar.Co. A finales del 2000 realiz su primera exposicin individual en Portugal con
una serie de fotografas en las que siluetas de flores
- sugestivas manchas de color sobre fondo blanco hacan despertar la memoria de los especmenes
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botnicos de William Henry Fox Talbot y las formas

originales de Karl Blossfeldt, aunque exentas de una
intencin documental y poseedoras de un refinamiento sensorial y esttico, resultado de un proceso
de afiliacin a frmulas de estilizacin pictricas que
nunca llegan a sucumbir a la total abstraccin.
La evocacin del elemento natural, de su belleza y
expresividad intangible, continu en sus trabajos
posteriores, incorporando ahora en su metodologa
de trabajo la accin de viajar y la idea de viaje como
forma de arte. De hecho, puede decirse que tan significativa es su formacin artstica como la influencia
ejercida por los diversos paisajes que conoci en sus
viajes por el mundo. Desde las imgenes con juegos
de agua tomadas en Singapur a la serie dedicada a
un inslito rbol de la Isla de la Sal, en Cabo Verde,
pasando por los icebergs y paisajes de Amrica del
Sur, Joo Lus Bento traz as las bases de un aspecto clave en la comprensin de su obra: la bsqueda
y eleccin del elemento natural perfecto, aunque
para ello tenga que recorrer miles de kilmetros, vinculndose, en ese sentido, a otros artistas viajeros
como Axel Htte. Pero su conexin con el fotgrafo
alemn no finaliza ah. Su opcin por los grandes formatos y obsesin por el rigor tcnico son buena
muestra de ello. Las fotografas son realizadas con
una antigua Hasselblad y los negativos son digitalizados y objeto de una cuidada manipulacin digital,
especialmente en los fondos, dando lugar a una cierta prdida del referente y a una acentuacin de los
valores pictricos pretendidos. Todo con el objetivo
de provocar en el contemplador un eficaz sentimiento de extraeza al encontrarse ante imgenes estticamente seductoras, poco evidentes y sin presencia
humana, que eluden el reconocimiento inmediato.
Este propsito surge con mayor fuerza y pulsin vital
en su serie ms reciente, Landscapes. Fotografas de
paisajes abiertos donde lo que no se puede ver es
tan relevante como lo que se ve, donde la contemplacin no se sustenta en lo que se ve, sino en cmo
se ve.
La luz (y su ausencia), el color y la disolucin de los
lmites fsicos de la lnea del horizonte estructuran la
tensin interna de la obra. En efecto, una profunda,
inmensa y silenciosa oscuridad sumerge el cielo, la
tierra y los motivos vegetales en un negro predominante sobre el que se destacan los destellos verdes,
blancos y amarillos - a modo de pinceladas - de
arbustos y flores, en un contraste de luces y sombras
que dificulta la identificacin de lo escasamente visible. Por otro lado, el artista no ofrece indicios sobre
la procedencia de los efectos lumnicos, pues, al fin y
al cabo, la luz es conocimiento Como en la mejor
tradicin barroca, ms un misterio, ms una contradiccin, ms una crisis de percepcin, por cierto tan
al gusto del arte actual.
Fernando Montesinos
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Joo Lus Bento. Landscape (2006). Cortesa del artista
There is something in nature saying come, take me a photo.

This simple affirmation of Minor White reveals the interest of
photography in a subject it has visited once and again from
different perspectives and contexts. The representation of
nature in art, as the perception and interpretation of the
natural environment, has been modified with the course of
time, as a consequence of the transformations in the ways
of looking and the artist's attitudes towards it. The photographical medium has turned out to be the most receptive
when capturing and dialoguing with nature by showing it,
reorganizing it or reinventing it.
From the very beginning of photography, artists have
always wanted to respond to the appeal of the inhuman
natural habitat, although not always clearly enough. In the
last decades the explored paths have been attracted to
some proposals connected, above all, with the presence or
trace of the man, to the relation culture-nature, to the ecological unbalance and to the imagery of the landscape painting. This last approach still has some reminiscences from
the Romanticism and the idea of the sublime. The strength
and topicality of these new experiences were the targets of
a critical review in the 2006 edition of PhotoEspaa, and certain specialized collections, such as the one of the Council of
Alcobendas, show interest in this concrete subject.
In this panorama of creative activity, other of the study
channels that has been demanded in the last years by the
youngest artists, is the investigation on the ways of perception in nature by the spectator of the artwork, their implications in the imagination and the visual memory and the possible effects for the spirit and the mind, opening new possibilities for the experience of nature contemplation through
photography and favouring reflections around the photographical medium. This psychic and reflective approach means
another alternative in the field of the contemporary analysis
of nature, giving the spectator's participation a role as
important as the artist's. This way, the action of looking
turns into a creative and thoughtful action in which the real,

the manipulated and the subjective help configure the final
perception of the work.
Goethe said that only nature has inexhaustible resources,
and it hardly creates the great artists. Starting from this
assertion, there are few photographers who took on this
subject as the inspiring strength for all their work. Within
the wide and segmented field of contemporary photography,
one of the emergent artists to take into consideration is Joo
Lus Bento (Lisbon, 1969).
He started his photographic trajectory in the nineties, between 1997 and 2000 he attended the photographic courses
of the Centre of Art & Visual Communication - Ar. Co. At the
end of 2000 he exhibited individually for the first time in
Portugal with a series of photographs in which the flowers
silhouettes - evocative colour stains on a white background
- reminded us of the botanical specimens by William Henry
Fox Talbot and Karl Blossfeldt's original shapes which lacked
a documental intention but had a sensorial and aesthetic
refinement, the result of a process of affiliation to pictorial
sterilization formulas that never come to succumb to the
total abstraction.
The evocation of the natural element, of its beauty and
intangible expressiveness, was still present in his next pieces, incorporating the action of travelling and the idea of trip
as art in his work methodology. In fact, it can be said that
his artistic training is as important as the influence of the different landscapes he could see in his trips all around the
world, in his pieces. Starting from the images with water
plays taken in Singapur to the series of an unusual tree in
the island of La Sal in Cabo Verde, and the icebergs and
landscapes taken in South America, Joo Luis Bento laid the
foundations of a key aspect in the understanding of his
work: the search for and the election of the perfect natural
element, although he had to cover thousands of kilometres,
linking himself to another travelling artists such as Axel
Htte. But his connection with the German does not end
here. His option for the big formats and his obsession for the
technical rigour are a good proof of it. The photographs are
taken with a Hasselblad and the negatives are digitalized,
especially in the backgrounds, giving rise to a certain loss of
the referent and an accentuation of the supposed pictorial
values. All these things with the aim of provoking an effective feeling of oddness in the spectator when he notices the
aesthetically seductive, not clear and without any human
presence images, evading the immediate recognition. This
purpose emerges with more strength and vital impulse in
his most recent series Landscapes. Photographs of open
landscapes where the things that cannot be seen are as
important as the things that can be seen, where the contemplation does not live on what is seen, but on how it is
seen.
Light (and its absence), the colour and the dissolution of the
physical limits of the horizon line structure the internal tension of the piece. In fact, a deep, immense and silent darkness merges the sky, the land and the vegetal motifs into a
prevailing black on which the green, white and yellow glimmers of the bushes and flowers are emphasized, in a contrast of lights and shades which make difficult the identification of the scarcely visible things. On the other hand the
artist shows us some signs of the origin of those light
effects, as after all light is knowledge Like in the best baroque tradition, more a mystery, more a contradiction, more
a crisis of perception, so in the taste of present-day art.
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CARLOS MACI
Galera Casaborne. Antequera. Mlaga. Hasta el 3 de mayo
El artista gallego Carlos Maci expone su pintura expandida

de formas redondeadas (bulbs) en la galera Casaborne de
Mlaga. El estilo de este creador se inspira en los colores
rabiosos de los graffiti urbanos y en las formas violentas del
tardo expresionismo abstracto norteamericano. Sus murales y pinturas expandidas de gran formato pudieron verse
en la exposicin Urbanitas del MARCO de Vigo y en el stand
ABC de Arco entre otros lugares. Tras una estancia en
Estados Unidos, su nueva produccin tiene influencias musicales y sus trazos se colocan a medio camino entre la caligrafa y el boceto de coregrafo. Adems su inters por las
manchas de color le permite situarse en las postrimeras de
lo circular, adentrndose en lo puramente cromtico, pintando lo que podramos llamar trans urban punk.
Su universo est hecho de formas redondeadas y caticas,
de grandes trazos olgrafos ensortijados como un plato de
espagueti que l come o un diseo floral neopunk en el que
se fija. Como inventando una nueva nomenclatura musical
tienen sus cuadros formas robadas del recorrido ingrvido
que hacen las notas musicales al flotar en el aire. Los cuadros de este artista pintor se parecen a su pelo con rastas,
son iguales a la forma de hablar que tiene plagada de frases yuxtapuestas, silencios y anacolutos. Sus grafismos firmes pero dispersos son iguales a su forma de conducir. Sus
colores fluorescentes proceden de la percepcin de su
entorno pop y sus grandes obras monocromas recuerdan a
los fragmentos ampliados de un estudio anatmico de
Miguel ngel.
Cuando el aspecto fsico del creador es parte inherente a su
mundo pictrico, ocurre que todo es unvoco. Al final no
sabemos si Picasso llevaba camiseta de rallas o pintaba personajes rallados, al final no sabemos si Maci pinta caracolillos como su pelo ensortijado o si su pelo procede de una
visin de un cuadro de Cy Twombly que luego reprodujo
sobre su cabeza. Le ha interesado pintar muros en viejos
edificios que luego han de ser borrados o pintar las paredes
de fbricas que luego han de ser derruidas. Ese gesto de la
accin funciona como una metfora musical en la obra de
Maci, pues su pintura es tan fugaz como las notas del oboe
en un concierto de Mozart. Siguiendo las en ocasiones efmeras instalaciones y propuestas pictricas de este deslumbrante artista se descubre el universe du chaos Maci.
Romn Padn Otero
The Galician artist Carlos Maci is exhibiting his expanded painting with round shapes (bulbs) at the gallery
Casaborne in Mlaga. This creator's style finds inspiration in the fervent colours of urban graffiti and the violent shapes of North American abstract expressionism.
His big size expanded murals and paintings could be
visited at the exhibition Urbanitas of the MARCO in Vigo
and the stand ABC in ARCO among other places. After
staying in the USA for some time, his new production
has got musical influences and his strokes are half-way
between calligraphy and the design of a choreographer.
Besides, his interest in the colour stains allows him to be
set into the final stages of the circular, getting inside the
purely chromatic, painting what we could call transurban punk.
His universe is made up of round and chaotic shapes,
with huge holograph strokes in ringlets like in a plate of
spaghetti he is eating, or a neo-punk floral design he
pays attention to. His pictures have some shapes taken
from the weightless route of the musical notes when floating in the air, as if he was inventing a new musical
nomenclature. This artist's paintings look like his dreadlocks, they are similar to the way he speaks full of juxtaposed sentences, silences and anacoluthons. His solid
but disperse graphics are similar to his way of driving.
His fluorescent colours come from the perception of his
pop environment and his great monochrome pieces
remind us of the extended fragments of an anatomical
study of Miguel ngel.
When the physical appearance of the creator is an attached part in his pictorial world, everything is univocal.
Finally we do not know if Picasso wore a striped T-shirt
or if he painted striped characters; finally we do not
know if Maci paints kiss-curls like his hair in ringlets or
if his hair comes from a vision of a painting by Cy
Twombly he later reproduced on his head. He has been
interested in painting walls in old buildings that have to
be erased later or painting the walls of factories that will
later be demolished. This gesture of the action acts as a
musical metaphor in Maci's work, since his painting is
as shooting as the notes of the oboe in a Mozart's concert. Following the sometimes ephemeral installations
and pictorial proposals of this artist, we can find out universe du chaos Maci.
Carlos Maci. Cortesa del artista
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MAPAS, COSMOGONAS Y PUNTOS DE REFERENCIA

CGAC. Santiago de Compostela. Hasta el 3 de junio
Rossenfeld. Les Modernes, n 7 (2000-2001). Coleccin CGAC
Mnica Alonso. Cinco terapias combinables 5TC, 1998-2002.

Coleccin CGAC
Una de las funciones fundamentales de un museo o centro

de arte es la adquisicin de una serie de obras que conformen su coleccin. El Centro Galego de Arte Contempornea
cumple esta premisa y expone parte de sus fondos bajo el
ttulo Mapas, cosmogonas y puntos de referencia; muestra
estructurada en tres partes, que cuenta adems con el fundamental apoyo de una cuidada publicacin en la que se
describen de forma pormenorizada cada una de las piezas.
Destacan las fotografas de autores de la talla de Vito
Acconci, con la pieza The Following Piece (1969); Thomas
Ruff, con sus fotografas C-print (1983-85); Adrian Piper
con The Mythic Being: Lets Have a Talk (1975) o Hanne
Darboven con su Variation, tinta y collage sobre papel del
mismo ao. Las obras ms recientes vienen de la mano de
artistas como Jacobo Castellano, Serie Corrales (2004);
Virginia Villaplana, Escenario doble (2004); Paco Cao,
Dont Touch the White Woman (2005); Pedro Calapez,
Composio 1 (2004); Eve Sussman, 89 Seconds at
Alczar (2004); lvaro Negro, S/T (2006) o Teresa Moro
con sus acuarelas Montreal (2005), S/T (2003), S/T
(2004), Institucin de catlogo 2 (2005), entre otros.
Christina Ferreira, comisaria de la muestra apunta: "Cada
una de estas tres exposiciones propone un hilo temtico
que, por una parte, trata de encontrar un orden y una
orientacin en el cambiante mundo de la cultura (como
sealan las metforas del mapa y del punto de referencia),
y por otra, busca una explicacin lgica del origen y de la
evolucin del mundo en el que vivimos (de ah la utilizacin
de la metfora de la cosmogona)".
El ttulo de la exposicin responde perfectamente al afn
del CGAC de avance y defensa de su coleccin; mapa definido como lo que sobresale en un gnero, habilidad o produccin. Cosmogonas, historias creadas en el intento de
dar respuesta a la creacin del mundo, del Universo y lo
que hay dentro de ellos y punto de referencia definido
como dato, informe, documento, para iniciar o completar el
conocimiento exacto de algo. Un ttulo escogido con esmero para dar cabida a una muestra fruto del inters por
ahondar en las diferentes formas de expresin artstica que
se estn llevando a cabo en una sociedad globalizada,
como un modo ms de "educar" al espectador, al ciudadano, en este caso desde el punto de vista del arte contemporneo, labor que pertenece en primer trmino a los entes
pblicos.
One of the main functions of a museum or an art centre is the acquisition of a series of pieces making up
the collection. The Centro Galego de Arte
Contempornea complies with this premise and exhibits part if its pieces under the title Mapas, cosmogonas y puntos de referencia, an exhibition structured in
three parts, which also has the fundamental support of
a meticulous publication in which each one of the pieces is described in detail.
We could highlight the photographs of some authors
such as Vito Acconti, with the piece The Following Piece
(1969); Thomas Ruff, with his photographs C-print
(1983-85), Adrian Piper with The Mythic Being: Let's
have a talk (1975) or Hanne Darboven with Variation,
ink and collage, from the same year. The most recent
pieces are shown by some artists such as Jacobo
Castellano, series Corrales (2004); Virginia Villaplana,
Escenario Doble (2004); Paco Cao, Don't Touch the
White Woman (2005); Pedro Calapez, Composio 1
(2004); Eve Sussman, 89 Seconds at Alczar (2004),
lvaro Negro, S/T (2006) or Teresa Moro with her water
colours Montreal (2005), S/T (2003), S/T (2004),
Institucin de catlogo 2 (2005) among others.
Christina Ferreira, curator of the exhibition, says:
"Each one of these three exhbitions suggests a thematic line that, on the one hand, tries to find an order and
orientation in the changing field of culture (as the metaphors of the map and the referential point show); on the
other hand, it looks for a logic explanation on the origin
and the evolution of the world we live in (that is the reason of the use of the cosmogony metaphor)".
The title of the exhibition comes up to the CGAC desire to the development and defence of their collection;
a defined map such as what stands out in a genre, ability or production. Cosmogonies, created stories trying
to come up to the creation of the world, of the universe and the things within them; and referential point
defined as the piece of information, a report or document to start or complete the exact knowledge of
something. It is a title chosen carefully so as to welcome an exhibition that is the result of the interest in
going deep into the different ways of artistic expression
that are being carried out by a globalized society, as
another way of "educating" the spectator, the citizen,
in this case from the contemporary art point of view, a
task belonging to public bodies in the foreground.
Emma Gonzlez
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CARLOS PAZOS. NO ME DIGAS NADA

MACBA. Barcelona. Hasta el 6 de mayo
Carlos Pazos o la potica del silencio imperfecto

El Museo de Arte Contemporneo de Barcelona permite
recorrer la trayectoria de ms de tres dcadas de la obra
de Carlos Pazos (Barcelona, 1949). La dificultad para
articular una secuencia cronolgica, biogrfica o evolutiva de la obra del artista obliga a huir de planteamientos
expositivos lineales o formales. De este modo, la muestra intenta reconstruir ciertos ecosistemas del universo
de Pazos para, por primera vez, dar una visin global y
exhaustiva de ste, as como cuestionar el concepto
mismo de exposicin y acentuar el tono crtico ante
nociones como las de autora, originalidad, cultura, obra
de arte o coleccin.
Carlos Pazos escribi: "Yo quera ser nada. En realidad,
yo no quera ser. Pero ya estaba aqu (...). Puestos a ser,
ser nada. Puestos a estar, con las estrellas. Ser star".
Para finalizar: "En el fondo, quizs ni tan slo quera ser
artista".
La obra de Carlos Pazos se ha convertido en un verdadero reto para la crtica de arte ya que el artista siempre se ha movido al margen de categoras establecidas.
Si sus inicios marcan cierta empata generacional con
miembros del arte conceptual, su obra ha bebido ms de
las fuentes del pop art. Mart Peran, en el texto del catlogo de la exposicin, sita a Pazos dentro del marco de
la neovanguardia, entendida en la acepcin que acu
Peter Brger, como una serie de lneas de accin que
rehabilitaron las expectativas de la vanguardia histrica
en lo que respecta a restablecer la identidad entre arte
y vida, el cuestionamiento de la propia institucin del
arte y de sus convenciones.
Si bien la obra de Pazos surge de las fuentes del pop y
el arte povera, su comprensin de la potica del objeto
se encuentra ms cercana al objeto surrealista, aqul
derivado de Duchamp, del neodadasmo y que, posteriormente, prosigue con Warhol, Rauchsenberg y el nouveau ralisme.
Su base conceptual proviene del tedio, del cansancio
que produce la fractura que se ha generado entre lenguaje y objeto, del agotamiento que produce la imposibilidad de alcanzar aquello autntico, aunque sea a travs de la multiplicidad de la produccin. Pazos no opta
por el silencio literal, ni por el silencio mstico, aqul
silencio perfecto, sino por el silencio que chirra, el silencio imperfecto entendido como el deseo de nada ante la
constatacin de la imposibilidad de la imagen de constituirse en realidad.
Su obra se enmarca en varias poticas: la de la identidad (bajo la mscara narcisista), la potica del objeto (a
travs de sus souvenirs) y el gusto por lo abyecto (el
fetiche). Desde su obra Voy a hacer de mi una estrella
(1975) que muestra el deseo de Pazos por ser imagen
sin original, hasta su compulsiva acumulacin de objetos, el souvenir como objeto sin fondo, ambas opciones
nos conducen a la voluntad de diluirse en la nada.
Slvia Muoz DImbert
Parte de la coleccin de Mickey Mouse de Carlos Pazos iniciada en 1982
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The Museo de Arte Contemporneo in Barcelona shows the

trajectory of more than three decades of the work of
Carlos Pazos (Barcelona, 1949). The difficulty to articulate
a chronological, biographical or evolutionary sequence of
the artist's work forces to escape from the lineal or formal
expositive approaches. This way, the exhibition tries to
reconstruct certain ecosystems of Pazos's universe so as to
give, for the first time, a global and exhaustive point of
view of him, as well as questioning the concept of exhibition and accentuating the critics on some notions such as
authorship, originality, culture, work of art or collection.
Carlos Pazos wrote: "I wanted to be nothing. Really, I did
not want to be. But I was already here. () If we have to
be, it is better to be nothing. If we have to be, better with
the stars. Being a star". Finally: "Deep down, maybe I did
not even want to be an artist".
Carlos Pazos's work has become a real challenge for the
art critic as the artist has always moved regardless of the
established categories. If his beginning marks a certain
generational empathy with the members of conceptual art,
his work has taken more from the sources of pop art. Mart
Pern, in the text of the exhibition catalogue, sets Pazos
within the framework of the Neo-Avantgarde, with the
meaning Peter Brger coined, that is, like a series of
actions that restored the expectations of the historical
avant-garde as for re-establishing the identity between art
and life, the questioning of the institution itself and their
conventions.
If Pazos's work emerges from the pop sources and the arte
povera, his understanding of the poetic of the object is closer to the surrealist object, the one derived from
Duchamp, the Neo-Dadaism and continues with Warhol,
Rauschenberg and the nouveau ralisme.
His conceptual base comes from the boredom, the tiredness of the fracture between language and object, the
exhaustion caused by the impossibility of achieving the
authentic, even by means of the multiplicity of the production. Pazos does not opt for the literal silence, or the mystic
silence, but for the silence that creaks, the imperfect silence understood as the desire for nothing in view of the confirmation of the impossibility of the image to become real.
His work is part of several poetics: the identity one (under
the narcissistic mask), the object poetic (by means of the
souvenirs), the liking for the wretched (the fetish). From
his piece Voy a hacer de mi una estrella (1975) showing
Pazos's desire to be image without the original, to his compulsive accumulation of objects, the souvenir as an object
without any content, both options lead us to the willing of
dissolving in the void.
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JURGEN KLAUKE. AESTHETISCHE PARANOIA

Galera Helga de Alvear. Hasta el 12 de mayo
La galera Helga de Alvear

recoge en sus espacios
una nueva exposicin del
artista alemn Jrgen
Klauke, uno de los creadores europeos del mbito
de la performance y la
fotografa conceptual que
ms repercusin ha tenido
durante los ltimos treinta
aos.
Klauke comenz su desarrollo en el mundo del
happenings y la performance, en los aos setenta, cuando la noche y la
vida alocada copaban gran
parte del ambiente artstico
de
Europa.
Considerado uno de los
ms prolficos y exitosos
artistas alemanes del arte
conceptual contemporneo, los aos setenta fueron para l un mar de
improvisaciones y acciones con las que evidenciar
denuncias vitales que
estaban a flor de piel de
todo creador del momento.
Empleando su propia persona como protagonista
de las secuencias, toma el
papel de actor dinamizador y asume diferentes
identidades ficticias con
las que exponer los dramas de la condicin
humana.
En la exposicin en Helga
de Alvear el artista muestra una serie de fotografas en blanco y negro de
medio y gran formato,
con una composicin esttica elegante. Las piezas
pertenecientes a las series
Aesthetische Paranoia y
Wackelkontakt abordan
temas como la sexualidad,
la locura, la violencia y las
conexiones humanas, de
una manera muy metafrica y refinada.
Las salas inferiores de la
galera se dividen en dos
ambiente, en el primero
las grandes fotografas
dominan el espacios.
Wackelkontakt -falso contacto- es una composicin
de tres imgenes en las
que conexiones de enchufes muestran lo cerca y
lejos que pueden establecerse las relaciones personales, y en ocasiones lo
Jurgen Klauke. Aesthetische Paranoia (2003-2006) Cortesa del artista
frustrantes que pueden

llegar a ser cuando no hay
nadie al otro lado, o se
cortan repentinamente.
En Aesthetische Paranoia
l se convierte en el protagonista, una imagen totalmente ambigua y asexuada, su rostro se cubre con
una lnguida e infinita
melena negra que recorre
en lnea recta el espacio
de la composicin, una
habitacin neutra con un
futn blanco para el protagonista, todo es pulcro y
comedido hasta la ltima
foto en el que la figura
pierde la compostura, su
pelo se enmaraa, la
cama se deshace, todo se
vuelve caos.
En la segunda sala se presentan una serie de gouaches de vivos colores,
estridentes verdes y amarillos que se diluyen con
azul y rojo como colores
de contencin y marcadores de la lnea. Las formas
orgnicas y sexuales son
explcitas y las posturas
que se atisban en las desfiguradas siluetas son
constreidas, casi podras
ver cierto sufrimiento.
Como un apoyo muy interesante a la muestra, se
puede ver en sala el documental Freischwinger, un
film sobre la vida del
autor, en la que l mismo
desgrana su evolucin
artstica de manera minuciosa empleando su propia
obra para relatar cada uno
de los momentos de la
carrera de este transgresor artista.
The gallery Helga de

Alvear shows a new exhibition of the German
artist Jrgen Klauke, one
of the most important
European creators in the
field of the performance
and conceptual photography in the last thirty
years.
Klauke started his development within the happenings and the performance world in the
seventies, when the night
and the wild life surrounded most part of the
artistic atmosphere in
Europe. He was thought
to be one of the most
prolific and successful
German artists of contemporary conceptual
art; the seventies were
for him a world of improvisations and actions
with which he made evident some important
denounces that were all
on edge of every creator
in that moment.
Using himself as the
main protagonist of the
sequences, he plays the
role of the revitalizing
actor and assumes different and fictitious identities with which he can
exhibit the dramas of the
human condition.
In the exhibition at
Helga de Alvear, the
artist shows a series of
big and medium size
black and white photographs with an elegant
aesthetic composition.
The pieces belonging to
the series Aesthetische
Paranoia
and
Wackelkontakt
tackle
some subjects such as
sexuality, madness, violence and human connections in a metaphoric
and refined way.
The downstairs rooms of
the gallery are divided
into two parts, and in the
first one the photographs occupy all the
space. Wackelkontakt false contact - is a composition of three images
in which the plug connections show how far
and close can the personal relations be established, and in some occasions how frustrating
they can come to be
when there is nobody on
the other side, or when
they are suddenly broken. In Aesthetische
Paranoia, he becomes
the
protagonist,
an
ambiguous and sexless
figure, his face is covered with weak and infinite long hair that goes
straight ahead through
the space of the composition, a neutral room
with a white futon for the
protagonist; everything
is neat and moderate
until the last photograph
in which the figure loses
his composure, his hair
gets tangled, the bed
messes up, everything
turns into a chaos.
In the second room
there is a series of gouaches with bright colours,
loud greens and yellows
that mix with blue and
red as retaining colours
and line markers. The
sexual and organic shapes are very explicit and
the positions of the distorted silhouettes are
constricted, almost with
certain suffering.
As an interesting support
to the exhibition, the
spectator can see the
d o c u m e n t a r y
Freischwinger, a film
about the author's life, in
which he spells out his
artistic evolution minutely by using his own
work to relate each one
of the moments of this
transgressor artist.
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DANIEL BLAUFUKS. NO PRXIMO DOMINGO...

Galera La Caja Negra. Madrid. Desde el 7 de junio hasta el 28 de julio
No prximo domingo incluye la ltima serie de fotografas de Daniel Blaufuks junto a el vdeo titulado A Perfect
Day. Sus obras tienen una slida vinculacin con la potica, con una clara reflexin sobre el tiempo, y sobre el
uso de las especificidades que determinados soportes
como la fotografa o el vdeo implican.
Daniel Blaufuks (Lisboa, 1963) nieto de emigrantes judos (polacos y alemanes), formado entre Lisboa, Nueva
York y Londres, inici su trayectoria dentro del mbito
del fotoperiodismo. Entre las exposiciones realizadas por
Daniel Blaufuks se pueden destacar A Perfect Day en el
Museu Chiado de Lisboa (2005), Tomorrow is a Long
Place and Perfect Day en Elga Wimmer PCC de Nueva
York (2004) o The White Sands Projection Room en
Project Room, en ARCO'98.
Recientemente ha participado en algunas muestras
colectivas como Del Zero al 2005, en la Fundacin
Marcelino Botn en Santander (2005), 20+1, en el CGAC
en Santiago de Compostela (2004) o We Are The World
en el Chelsea Art Museum en Nueva York (2004). Los filmes de Blaufuks han sido presentados en los festivales
de Toronto, So Paulo, Montpellier y en el Lincoln Center
de Nueva York.
No prximo domingo includes the last series of photographs of Daniel Blaufuks together with the video
titled A Perfect Day. His pieces have a strong connection with the poetic, with a clear meditation on time,
and on the use of specificities concerning certain
media such as photography or video.
Daniel Blaufuks (Lisbon, 1963) the grandson of Jewish
(Polish and German) emigrants, was educated in
Lisbon, New York and London, and started his career
within the field of the photo-journalism. Among his
exhibitions we could highlight A Perfect Day at the
Museu do Chiado in Lisbon (2005), Tomorrow is a
Long Place and Perfect Day at Elga Wimmer PCC in
New York (2004) or The White Sands Projection Room
in Project Room at ARCO'98.
He has recently taken part in some collective exhibitions such as Del Zero al 2005, at the Fundacin
Marcelino Botn in Santander (2005), 20+1 at the
CGAC in Santiago de Compostela (2004) or We Are
The World at the Chelsea Art Museum in New York
(2004). Blaufuks's films have been shown in the festivals of Toronto, Sao Paulo, Montpellier and at the
Lincoln Center in New York.
Daniel Blaufuks. Cortesa del artista
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HIPERVNCULOS. COLECCIN UNIN FENOSA EN MUSEO PATIO HERRERIANO

MACUF. A Corua. Hasta el 15 de julio
Antoni Tpies. Encrostat i xifres. Coleccin Unin Fenosa
Chema Madoz. s/t. Coleccin Unin Fenosa
Organizada por el Museo de Arte Contemporneo UNIN

FENOSA (MACUF) y comisariada por Mercedes Rozas,
este museo muestra la exposicin Hipervnculos.
Coleccin Unin Fenosa en Museo Patio Herreriano.
El inters de este grupo energtico por el arte contemporneo es plausible en el desarrollo de sus actividades
en el MACUF, situado en A Corua. A finales de la dcada de los ochenta adquiere junto a otros grupos empresariales nacionales, y gracias al inters y aliento de
Julin Trincado, el compromiso de constituir la Coleccin
Arte Contemporneo. En 2000, la Coleccin fue cedida
en comodato al Ayuntamiento de Valladolid y depositada desde entonces en el Museo Patio Herreriano de la
misma ciudad.
Hipervnculos muestra por primera vez en este museo el
numeroso captulo de esta coleccin que alberga el
museo vallisoletano. El ttulo y la lnea argumental de la
muestra remite al lenguaje de Internet. Para Mercedes
Rozas "Hipervnculos quiere ser un guio a los cruces
frontales y tangenciales, generados en el debate plstico del siglo XX, que olvidaron y mantuvieron, a la vez,
esencias anteriores; porque en la creacin moderna,
como es sabido, existe mucho de destruccin y preservacin. Es la forma de avanzar: inevitable recoger el
testigo de la tradicin y obligado apropiarse del hoy para
mirar hacia delante".
La exposicin rene obras datadas desde 1927 hasta la
actualidad, entre los artistas que conforman la exposicin se encuentran: Alberto Snchez, ngel Ferrant,
Julio Gonzlez, Eugenio Granell, Manuel Millares, Antoni
Tpies, Prez Villalta, Eva Lootz, Miquel Barcel, Jos
Manuel Broto, Chema Madoz o Alberto Garca Alix.
Organized by the Museo de Arte Contemporneo Unin

Fenosa (MACUF) and curated by Mercedes Rozas, this
museum shows the exhibition Hipervnculos. Coleccin
Unin Fenosa en el Museo Patio Herreriano.
The interest of this group in contemporary art is praiseworthy in the development of their activities at the
MACUF, in A Corua. At the end of the eighties this
group, together with other national business groups and
thanks to the interest and courage of Julin Trincado,
undertake the commitment to create the Collection of
Contemporary Art. In 2000 the collection was transferred in comodato to the Council of Valladolid and placed
on the Museo Patio Herreriano in the same city.
Hipervnculos shows, for the first time in this museum,
the numerous collection this museum accommodates.
The title and the subject of this exhibition refers to the
language of the Internet. According to Mercedes Rozas,
"Hipervnculos tries to be a wink to the frontal and tangential crosses, generated in the plastic debate of the
20th century, which the previous essences forgot and
kept at the same time; because in modern creation, as
it is already known, there is a lot of destruction and preservation. It is the way of moving forward: it is inevitable to pick up the baton of tradition and obligatory to
appropriate the present time to look forward".
The exhibition gathers the pieces dated from 1927 to
present time, and among the artists taking part at the
exhibition we should mention: Alberto Snchez, ngel
Ferrant, Julio Gonzlez, Eugenio Granell, Manuel
Millares, Antoni Tpies, Prez Villalta, Eva Lootz, Miquel
Barcel, Jos Manuel Broto, Chema Madoz or Alberto
Garca Alix.
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ANTN PATIO. MEMORIA LQUIDA

Galera Antonio Machn. Madrid. Hasta el 31 de mayo
Antn Patio (Monforte de Lemos, 1957), artista integrante de Atlntica - grupo referencial de la pintura realizada en Espaa en la dcada 80 - expone en esta galera madrilea obras realizadas en los ltimos tres aos.
Entre ellas Dados azules (2005) donde tal y como se
recoge en la informacin facilitada por la galera "el azar
es convocado para expresar la inmediatez, el caos fenomnico, materia y color celebran un pacto para conseguir una inestable armona dinmica. Figura y fondo se
interpenetran en una estrategia de superposicin y elocuencia del vaco: como nervaduras abiertas donde unos
trazos enrgicos crean un dinmico equilibrio en el espacio", y el dptico Rostro-laberinto (2007) que sintetiza
gran parte de los registros estticos y poticos del universo creativo de Antn Patio, donde un perfil humano
aparece cubierto por un laberinto. l cree que "tanto la
poesa como la pintura tienen un territorio compartido,
ese universo que permite que la imagen aparezca, que
pueda surgir desde el exterior. Memoria y mirada van
conformando un poso comn y es lo que nutre tanto la
imagen potica como la pictrica".
Antn Patio (Monforte de Lemos, 1957), an artist

and member of Atlntica - a referencial group of the
painting made in Spain in the eighties - is exhibiting
his pieces produced in the last three years in this
gallery in Madrid. Among them Dados Azules (2005)
in which, according to the information provided by
the gallery, "the fate is called to express the immediacy, the phenomenic chaos, matter and colour
make an agreement to get an unstable dynamic harmony. Figure and background overlap in a strategy
of superposition and eloquence of the void: like open
ribs where some energetic strokes create a dynamic
balance in the space"; and the diptych RostroLaberinto (2007) that synthesizes a great part of the
aesthetic and poetic registers of Antn Patio's creative universe, where a human profile appears covered by a labyrinth. He thinks that "both poetry and
painting share something, this universe that lets
painting appear, that makes it emerge from outside.
Memory and glance make up a common trace and
this feeds both the poetic and the pictorial image."
CARLOS GARAICOA. LATIN KINGS MUSIC VOL I - V

Galera Elba Bentez. Madrid. Hasta finales de mayo
El artista cubano Carlos

Garaicoa (La Habana,
1967)
expone
por
segunda ocasin en este
espacio madrileo. Se
trata de una exposicin
que el propio artista
define como "divertida"
y "necesaria", en la que
se recogen planteamientos presentes a lo largo
de su obra. Una trayectoria marcada por el dilogo constante con el
espacio urbano, y para
el cual emplea diferentes soportes: instalaciones, fotografas, dibujos
y vdeos. Su ciudad
natal, La Habana, ha
sido su punto de referencia, pero tambin ha
dado cabida a otras ciudades como Madrid. As
en esta muestra el dptico Noticias recientes
(Espaa), aparecen imgenes de dos edificios en
blanco y negro impactadas con varias balas.
Los dibujos Frases para
polticos de habla hispana, pertenecientes a la
46
serie Estudio tipogrfico

para Palabras testifican
su inters por el dibujo
arquitectnico, el lenguaje, y por la esttica
de la vanguardia rusa de
comienzos de siglo.
La obra titulada Latin
Kings Music Vol. I-V es
una una seleccin de
msica siguiendo los clichs menos cultos de
varios pases latinoamericanos.
Carlos
Garaicoa
ha
expuesto anteriormente
en Espaa en el Palau de
la Virreina (Barcelona),
Casa
de
Amrica
(Madrid)
o
en
la
Fundacin
La
Caixa
entre otros lugares, adems de centros como el
ICA de Philadelphia y el
MOCA (Pacific Design
Center) de Los ngeles.
Carlos Garaicoa ha participado en la 51 Bienal
de Venecia (2005), la
XXVI Bienal de So
Paulo
(2004)
y
Documenta 11 en Kassel
(2002).
The Cuban artist Carlos

Garaicoa (La Habana,
1967) is exhibiting for
the second time in this
space in Madrid. It is an
exhibition the artist himself describes as "funny"
and necessary", and in it
the approaches present
in all his work are gathered. A trajectory marked
by the constant dialogue
with the urban space,
using different media:
installations,
photographs, drawings and
videos. His home city, La
Habana, has always been
his point of reference,
but he has also been
influenced by other cities
such as Madrid. In the
exhibition, in the diptych
Noticias
recientes
(Espaa), two black and
white images of two buildings crashed into by
several bullets can be
seen.
The drawings Frases
para polticos de habla
hispana, belonging to the
series Estudio tipogrfico
para Palabras attest his

interest in architectural
drawing, language, and
the aesthetic of the
Russian avant-garde at
the beginning of the century.
The piece titled Latin
Kings Music Vol. I-IV is a
selection of music following the less educated
clichs of several Latin
American countries.
Carlos Garaicoa had
exhibited in Spain before
at the Palau de la
Virreina
(Barcelona),
Casa
the
Amrica
(Madrid) or at the
Fundacin
La
Caixa
among other places, as
well as in some centres
such as the ICA in
Philadelphia and the
MOCA (Pacific Design
Center) in Los Angeles.
Carlos Garaicoa also took
part in the 51st Biennial
of Venice (2005), the
26th Biennial of Sao
Paulo (2004) and the
Documenta 11 in Kassel
(2002).
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MARTIN PARR. MEXICO

Galera Espacio Mnimo. Madrid. Hasta el 26 de mayo
La galera Espacio Mnimo presenta los ltimos trabajos del

ingls Martin Parr realizados en Mxico. Esta serie es una
indagacin de la imaginera visual mexicana actual, un lenguaje visual mestizo donde una cultura bajo una fuerte
impronta religiosa, catlica, aparece fundida con una cultura del consumo global. Este trabajo significa un viaje hacia
y a travs de los clichs de Mxico.
Curiosos objetos, un color vibrante e inusuales composiciones ya caracterizan sus primeros trabajos, hacia la dcada
de los setenta. En su obra se evidencian referentes de la
sociedad de consumo y la comunicacin, con un inters
sociolgico.
Martin Parr (Espom, Surrey, Reino Unido, 1952) expuso el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa en Madrid
(2003). Desde la dcada de los setenta ha mostrado individualmente su trabajo en numerosas galeras, como la
Rocket Gallery (Londres), Nicola von Senger (Zurich), Janet
Borden (New York), Richard Hller Gallery (Santa Mnica,
EE UU), Kamel Mennour (Pars), Stephen Daiter Gallery
(Chicago) o Studio Trisorio (Npoles); y en destacados
museos e instituciones pblicas como en las exposiciones
The Last Resort en la Serpentine Gallery (Londres, 1986),
el Museum Folkwang (Essen, 1986), Spending Time en el
Centro Nacional de Fotografa de Pars (1988), The Cost of
Living en la Royal Photographic Society en Bath, Reino
Unido (1991), Japonais Endormis en la Kunsthalle de
Rtterdam (2000), Though the Looking Glass, British
Photography 1945-1989 en el Barbicam Centre de Londres
(1989), The Art of Photography en la Royal Academy de
Londres (1989), British Photography from the Teatcher
Years en el MOMA de Nueva York (1991), Cruel and Tender
en la Tate Modern de Londres (2003) o Click Double Click
en el Haust der Kunst de Munich (Alemania 2006).
The gallery Espacio Mnimo shows the last pieces of the

English artist Martin Parr produced in Mexico. This series
is an investigation of the Mexican present visual imagery,
a mixed visual language in which a culture under a strong
religious influence, the catholic one, appears mixed with
a culture of global consumerism. This work means a trip
towards and through Mexican clichs.
Odd objects, a vibrating colour and some unusual compositions characterized his first pieces in the seventies.
There are references to the consumer society and the
communication with a sociological interest.
Martin Parr (Espom, Surrey, the United Kingdom, 1952)
has exhibited at the Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofa in Madrid (2003). Since the seventies he has exhibited his pieces individually in numerous galleries such as
the Rocket Gallery (London), Nicola von Senger (Zurich),
Janet Borden (New York), Richard Hller Gallery (Santa
Mnica, USA), Kamel Mennour (Paris), Stephen Daiter
Gallery (Chicago) o Studio Trisorio (Naples); and in some
important museums and public institutions and exhibitions such as The Last Resort at the Serpentine Gallery
(London, 1986), the Museum Folkwang (Essen, 1986),
Spending Time at the Centro Nacional de Fotografa in
Paris (1988), The Cost of Living at the Royal Photographic
Society in Bath, United Kingdom (1991), Japonais
Endormis at the Kunsthalle in Rtterdam (2000), Though
the Looking Glass, British Photography 1945-1989 at the
Barbicam Centre in London (1989), The Art of
Photography at the Royal Academy in London (1989),
British Photography from the Teatcher Years at the MOMA
in New York (1991), Cruel and Tender at the Tate Modern
in London (2003) or Click Double Click at the Haust der
Kunst in Munich (Germany, 2006).
Martin Parr. Mxico. Cortesa del artista
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SERGIO MONTORO. GROWWWING

Galera Adora Calvo. Salamanca. Hasta el 20 de mayo
La muestra Growwwing establece un dilogo entre el

espacio que acoge una serie de obras pictricas realizadas en madera y metacrilato y la recreacin virtual de
dicho espacio.
Una de las paredes del espacio se reserva para proponer
una experiencia psicolgica que pone de relieve el valor
de lo material e inmaterial proyectando una recreacin
virtual del propio espacio expositivo. El espacio virtual
se modifica gracias a la incorporacin de elementos
como el rbol que funciona como metfora del arraigo y
lo inabarcable o grafismos en paredes y suelo que aparecen reproducidos en los propios cuadros, pero que no
figuran en la sala. De este modo se establece un intercambio entre los elementos reales y virtuales.
La reflexin que se propone es crear juicios de valor en
los procesos de transformacin que intervienen cuando
se muestra la alteracin de la realidad del lenguaje plstico en lenguaje virtual, convirtiendo lo material en
inmaterial y la realidad en pseudorrealidad, superando
la barrera espacio-temporal y creando un paralelismo
con los enfoques contemporneos de la realidad virtual
no inmersita y el proceso de representacin.
La interaccin, la experimentacin y la necesidad de
abordar desde el mbito artstico y a travs de un espacio de intercambio y de dilogo obra- espectador ante la
ventana que se abre en la sala expositiva, muestra cmo
la modificacin del espacio real, funciona como metfora- espejo de las mltiples aplicaciones virtuales que
hoy se dan en las diversas reas domsticas y profesionales y que modifican nuestros hbitos sociales.
Sergio Montoro
The exhibition Growwwing stablishes a dialogue between the space that accommodates a series of pictorial pieces made of wood and methacrylate and
the visual recreation of such space.
One of the walls of the space is reserved to suggest
a psychological experience that stands out the value
of the material and immaterial projecting a virtual
recreation of the own expositive space. The virtual
space is modified thanks to the incorporation of
some elements such as the tree that acts as the
metaphor of the influence and the extensive, or
some graphics in the walls and the floor reproduced
in the pictures, but they are not in the room. This
way, there is an exchange between the real and virtual elements.
The suggested reflection consists of creating value
judgements in the transformation processes taking
part when there is an alteration in the reality of the
plastic language into the virtual language, turning
the material into immaterial and reality into pseudoreality, overcoming the space-temporary limit and
creating a parallelism with the contemporary views
of the non-immersed virtual reality and the process
of representation.
The interaction, the experimentation and the need to
tackle from the artistic field, by means of an exchange space and the dialogue spectator-piece in front of
the window opened at the expositive room, show
how the modification of the real space acts as a
metaphor - the mirror of the multiple virtual applications of the diverse home and professional areas
modifying our social habits nowadays.
Sergio Montoro. Growwwing. Cortesa del artista
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DRAWING & DREAMING

ADN Galera. Barcelona. Hasta finales de mayo
Abdelkader Benchamma. s/t (2006). Cortesa del artista
Virginie Barrie. s/t. Serie Angers. Cortesa de la artista
Petra Mrzyk & Jean-Franois Moriceau (2007)

Cortesa de los artistas
Para Drawing & Dreaming se ha seleccionado obra de

Abdelkader Benchamma, Petra Mrzyk & JeanFranois Moriceau, Judas Arrieta, Pierre La Police y
Virginie Barr.
Los dibujos de Abdelkader Benchamma pueden considerarse como una escritura donde la imagen imposible toma cuerpo construyendo un universo austero
y acromo, onrico y fantstico.
Petra Mrzyk & Jean-Franois Moriceau dibujan a cuatro manos creando una realidad que remite a lo cotidiano con una mirada irnica y cmplice.
Judas Arrieta parte de la cultura manga y la iconografa oriental actual. El cmic y el cine estn presentes en la serie Local Hero.
En la serie The Supremacist de Pierre La Police aparecen los medios de comunicacin y la publicidad, la
sociedad del consumo, etc.
La obra de Virginie Barr tiene como referentes la
infancia y la industria cinematogrfica.
Esta muestra colectiva rene obras que bajo una
clara influencia del cmic, del cartelismo y muralismo
urbano, y de la animacin.
For this exhibition Drawing&Dreaming the work of

Abdelkader Benchamma, Petra Mrzyk &Jean-Franois
Moriceau, Judas Arrieta, Pierre La Police and Virginie
Barr has been selected.
Abdelkader Benchamma's drawings can be considered
as the writing in which the impossible image takes shape
creating an austere and achromatic, oneiric and fantastic universe.
Petra Mrzyk & Jean-Franois Moriceau draw with four
hands creating a reality that refers to the quotidian with
an ironic and accomplice view.
Judas Arrieta starts from the manga culture and the present eastern iconography. Comic and cinema are present
in his series Local Hero.
In the series The Supremacist by Pierre La Police there
is a presence of the mass media, advertising, consumer
society, etc.
Birginie Barr's work has childhood and cinema industries as referents.
This collective exhibition gathers some pieces under the
influence of comic, posters, urban muralism and animation.
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CABARET. PARS - BERLN, AOS 30

Torren de Lozoya. Segovia. Hasta el 1 de julio
Patrocinada por Caja Segovia a travs de su Obra Social,

y comisariada por Marisa Oropesa y Pedro Prez Castro,
esta muestra rene 146 piezas procedentes del Museo
Art Nouveau y Art Dco de Salamanca, institucin que
organiza la muestra.
La mayor parte de estas obras corresponden a esculturas inspiradas en el mundo del espectculo, que fueron
realizadas por artistas como Otto Hoffman, Demetre
Chiparus, Affortunato Gory, Ferdinand Preiss, Josef
Lorenzl, Otto Poertzel, Samuel Lipszyc o Bruno Zach. Se
trata de obras que documentan ese afn de lujo propio
de una fascinacin por el progreso propia de esta primera modernidad. Ese deseo por las novedades afect al
mbito de la moda (Coco Chanel, Poiret, etc.), al mundo
del espectculo (music-hall, cabaret, charlestn, foxtrot,
tango, etc.) y el cine (star system).
La exposicin consta principalmente de esculturas criselefantinas, y de otras piezas realizadas en bronce, objetos de cristal, joyas y diversos soportes audiovisuales
que ayudan en el conocimiento del arte, los espectculos y el contexto social y poltico de estas dos ciudades
en esa dcada.
El Museo Art Nouveau y Art Dco de Salamanca ubicado
en el edificio modernista conocido como "Casa Lis" consigui tener en su coleccin estas 146 piezas tras la
donacin al ayuntamiento de la ciudad del coleccionista
Manuel Ramos Andrade quien reuni una importante
coleccin de la que destacan por su nmero y calidad la
de esculturas criselefantinas.
This exhibition, sponsored by Caja Segovia through its

Obra Social and curated by Marisa Oropesa and Pedro
Prez Castro, gathers 146 pieces from the Museo Art
Nouveau y Art Dco in Salamanca, the institution organizing the exhibition.
Most of the pieces are sculptures inspired in the show
business, and were created by some artists such as
Otto Hoffman, Demetre Chiparus, Affortunato Gory,
Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Otto Poertzel, Samuel
Lipszyc or Bruno Zach. These pieces document this
eager for luxury typical of a fascination for the progress of this first modernity. This lust for novelties
affected the fashion field (Coco Chanel, Poiret, etc.),
the show business (music hall, cabaret, Charleston,
foxtrot, tango, etc.) and cinema (star system).
The exhibition is mainly composed by chryselephantine
sculptures, and other pieces made of bronze, glass
objects, jewellery and several audiovisual supports
that collaborate in a better knowledge of art, shows
and the social and political context of these two cities
in this decade.
The Museo Art Nouveau y Art Dco in Salamanca, located in a modernist building known as "Casa Lis", got to
have these 146 pieces included in its collection after
the donation of the collector Manuel Ramos Andrade to
the council of the city; a collector who gathered an
important collection in which we could highlight the
number and the quality of the chryselephantine sculptures.
Lucien Alliot. Bailarina con platillos
Top Poertzel
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RICARDO CALERO. NATURAL - TIEMPO Y LUZ

Galera Raquel Ponce. Madrid. Hasta el 19 de mayo
Ricardo Calero es un autor que difcilmente se puede

adjudicar a una u otra tendencia. Es cierto que su labor
se puede acercar ms a la escultura, a los objetos tridimensionales y a la pieza construida, pero sus trabajos con
y en la Naturaleza tambin lo vinculan con una especie de
acciones o intervenciones, donde el transcurso del tiempo
y la interaccin de los elementos naturales con la propia
obra del autor forman un todo. En este proceso el azar
tiene un protagonismo importante, pero tal vez lo ms
significativo de este autor sea el proceso de creacin de
las obras, que lleva su tiempo, un tiempo primero puramente conceptual y de maduracin de la idea y un tiempo posterior de eleccin de los materiales y del lugar; ms
tarde es la observacin, ms que la construccin, en lo
que consiste su labor para, finalmente, "cosechar" las
obras y trasladarlas al espacio de la galera o del museo.
La memoria, el vaco, la ausencia, el silencio, la luz forman parte de sus trabajo tanto o ms que la mano del
artista, logrando as construir un lenguaje propio que le
identifica al tiempo que define su pensamiento y su
manera de entender la obra de arte.
Su exposicin actual en Raquel Ponce es una recopilacin
de obras desde 2003 a 2006, presentada casi como si de
un cuaderno de campo se tratara. Son obras donde queda
de manifiesto este proceso de trabajo y donde es fcil de
ver cmo la Naturaleza acciona en la obra a la vez que la
intencin del autor.
En la parte de debajo de la galera se muestra un seleccin
de piezas que proceden de intervenciones realizadas desde
1986, ao de Cosecha de Luna (Zaragoza), Mont Royal
(Canad, 1989), Velzquez (Madrid, 1984), Veruela
(1987), Movera (1998), Los Monegros (2000), Mar y desierto (Cabo de Gata, 2003), El Camino de Santiago (2004),
Fuendetodos (2005) y Le Temps (Alpes, 2006).
Juan-Ramn Barbancho
Ricardo Calero. Cortesa del artista
Ricardo Calero. Cortesa del artista
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Ricardo Calero is an author who can unlikely be framed

within one or other trend. It is true that his work tends
more towards sculpture, towards the three-dimensional
objects and the constructed piece, but his pieces with
and on Nature also link him to a kind of actions or interventions in which the passing of time and the interaction
between the natural elements and the author's pieces
make up a whole. In this process the fate has got a very
important role, but maybe the most significant feature
of this artist is the creative process of the pieces that
takes some time: first of all the conceptual time and the
maturing of the idea, then some time for the election of
materials and place; later the observation, rather than
construction, which is what his work lies in, and finally
"reaping" the pieces so as to move them to the space at
the gallery or the museum.
Memory, void, absence, silence, light are part of his
pieces just as much as or even more than the artist's
hand, getting a personal language that identifies him
and also defines his thought and his way of understanding the work of art.
His present exhibition at Raquel Ponce is a compilation
of pieces from 2003 to 2006, shown as if it was a field
diary. They are a group of pieces in which this work process is clearly shown and it is easy to see how Nature
interacts in the piece together with the author's aim.
A selection of pieces from some interventions carried
out since 1986 are shown downstairs in the gallery:
Cosecha de Luna (Zaragoza), Mont Royal (Canada,
1989), Velzquez (Madrid, 1984), Veruela (1987),
Movera (1998), Los Monegros (2000), Mar y
Desierto (Cabo de Gata, 2003), El Camino de
Santiago (2004), Fuendetodos (2005) and Le Temps
(Alps, 2006).
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PEPE GALN
CAIXANOVA. Vigo. Hasta el 6 de mayo
Viajar para quedarse

Entre los problemas para
entendernos y los problemas para explicarnos
estamos atrapados en las
incertezas. No es un asunto de tragedia shakesperiana: es la condicin
humana.
Entre algunos de esos
errores est el de no saber
reconocer a tiempo la simbologa del presente, el de
aplicar cdigos de valor a
sistemas que acaban de
ser superados por la contundencia de lo inmediato
o el de insistir en la inmovilidad de la parte superior
de la pirmide esttica.
Debe de ser por eso que
los artistas estn obligados a viajar con la guardia
de corps de las interpretaciones o entregados a los
embajadores de la hermenutica como en una red
de complicada burocracia
en la que el encargado de
la leche para el caf ceja
en su funcin justamente
a las 13.20, pero no tiene
la responsabilidad de alertar de que el cartn se ha
quedado estril.
La obra de Pepe Galn
maniobra con mucha soltura entre su capacidad de
golpear al espectador y su
agilidad para comunicarse
con l. Es una obra filosfica construida sobre un
principio plstico o, al
revs, es una obra plstica
construida sobre un principio filosfico. El principio
de la resistencia.
El principio es resistir y el
resto es explicarlo. Galn
va ms all del silencio
aprovechando que esta es
una sociedad que quiso
ser industrial y hay das
que no supera el oficio de
transportista. Una sociedad obligada a viajar para
quedarse atrapada en la
paradoja.
La exposicin de Galn
tiene dos sentidos. Son
sencillos y profundos. Por
un lado est la cuestin
metafrica: es una obra
que reutiliza materiales
tan poco dados a la especulacin artstica como los
parabrisas. Es un material
sofisticado y bastardo al
Pepe Galn. Cortesa del artista
mismo tiempo. Sofisticado

porque se resquebraja sin
romper. Bastardo porque
procede de un bien de
consumo muy mal visto
por los estetas. El otro
lado es el esttico. Lo que
hace Pepe Galn con esos
cristales afectados en su
transparencia es convertirlos en la espuma del
mar social. Como una alegora a un tiempo potente,
sutil y elegante. Hace el
trabajo de los artistas que
no han olvidado su verdadera condicin: reconvertirlo todo en interpretacin.
Esa misma lnea de interpretacin es la que el
artista utiliza para volver
sobre esas torres circulares y bablicas. Tienen sus
llamadas de socorro y sus
fechas porque lo que confunde de verdad a la gente
no son los idiomas, es la
mala memoria. Pero la
intencin de esas chimeneas memorsticas no es
ser revisadas como un
lbum de fotos donde los
suteres estn pasados de
moda. Es llamar la atencin sobre hasta qu
punto somos ligeros en
dar por finiquitados los
problemas. Olvidamos otra vez la mala memoriaque vivimos en un presente continuo y consideramos pasado cosas que
siguen aqu, como aquella
sombra que una poeta
atribuy al desamor mientras escriba poesa poltica.
Camilo Franco
We are trapped in the

uncertainty between the
problems to be understood and the problems to
explain successfully. It is
not a topic of the
Shakespeare's tragedy:
it is just human condition.
Among these mistakes
we can find the one of
not knowing how to
admit the symbols of the
present on time, or to
apply value codes to
systems that have just
been overcome by the
forcefulness of the immediate or to emphasize the
immobility of the top of
the aesthetic pyramid.
Maybe for that reason
the artists are forced to
travel with the Corps of
the interpretations or
devoted to the ambassadors of the hermeneutics
like in a network of complicated bureaucracy in
which the one in charge
of the milk for the coffee
leaves
his
function
exactly at 13.20, but he
has not enough responsibility to warn that the
carton is empty.
Pepe Galn's work moves
successfully between his
ability to hit the spectator and his agility to communicate with him. It is a
philosophic work created
on the basis of a plastic
principle or, on the contrary, it is a plastic work
created on the basis of a
philosophic principle. The
principle is resistance.
The principle is to resist
and the rest is to explain
it. Galn goes beyond the

silence making good use
of the fact that this is a
society that tried to be
industrial and sometimes
it does not go beyond the
function of haulier. A
society forced to travel to
be trapped in the paradox.
Galn's exhibition has
got two senses. They are
simple and deep. On the
one hand it is the metaphoric question: it is a
work that reuses materials so little given to
artistic speculation as the
windscreens. It is a
sophisticated and bastard material at the same
time. It is sophisticated
because it cracks without
breaking. And bastard
because it comes from a
consumer good badly
thought of by the aesthetes. The other side is the
aesthetic
one.
Pepe
Galn turns these glasses affected in their
transparency into the
foam of the social sea.
Like an allegory to a
powerful, subtle and elegant time. He makes the
work of the artists who
have not forgotten their
condition: reconverting
everything into interpretation.
The artist uses this same
line of interpretation to
create this circular and
Babel towers. They have
their own calls for help
and their dates because
people get confused with
their bad memory, not by
the different languages.
But the intention of these
memory chimneys is not
to be reviewed like an
album of photographs in
which the sweaters are
unfashionable. It is to
draw our attention to
whether we are too flippant when trying to solve
our problems. We forget
- again the bad memory
- that we live in a continuous present and we
consider
past
some
things that are still here,
like that shadow the poet
attributed to coldness
while he was writing a
political poem.
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_miradas
CRUZANDO LA LNEA... ENTRE LA RAZN Y EL DELIRIOD
En ese sitio, ms bien resquicio de libertad y de redencin

del gesto pictrico, que sobrevive a la asepsia y a los deseos
furibundos de muerte, se localiza la potica del artista cubano Carlos Quintana (La Habana, 1966). Su pintura disfruta
de una gran virtud: la de la fascinacin y el extraamiento.
La suya es una obra de fondo, donde la superficie no es ms
que la evidencia palmaria en la que quedan cifradas miles
de historias. Es el punto cero de una escritura en la que el
palimpsesto esconde infinitas huellas, al tiempo que deja al
descubierto la pulsin arrebatadora y deseante de un hacer
donde se cruzan, con gracia y con morbo, los rdenes de la
razn y del delirio.
En pocas ocasiones, los puentes de conexin entre la obra
y el creador llegan a ser tan elocuentes como en el caso de
Quintana. Por ello, y casi por fuerza, toda lectura lcida de
su obra no debe abandonar la observacin oportuna sobre
un estilo de vida que, al igual que su pintura, est sujeto al
rendimiento feroz de las paradojas: orden y caos, tranquilidad y epifana del gesto, delirio y meditacin, pensamiento
calculado y anarqua de la razn, candidez dibujada y perversidad subversiva. As, en medio de este concierto de
opuestos, se articula un discurso esttico rotundamente visceral. La vida est en la pintura de Carlos. En ella se advierten sus accidentes, sus arrebatos, sus instantes de xtasis
y de miedo, los minutos de sosiego y de turbacin impenitente. Estas lminas, de fuerte vocacin expresionista, proclaman la libertad y dejan abierto el camino para el advenimiento feliz de mltiples ontologas posibles. Sus piezas
vacan los modelos de la razn y proclaman la muerte de los
modelos ontolgicos monocordes y cerrados, higinicos y
reductivos.
Conforme la pintura de Carlos, burla un sistema pre-establecido de la composicin con arreglo a una leyes ortodoxas
muy especficas, sus personajes trascienden con goce los
lmites de lo permisible, se burlan a carcajadas de los estereotipos culturales que definen las buenas maneras del
deber ser de la ms rancia psicologa. Ellos habitan un espacio neobarroco de signo marginal y se visten, como el mejor
y ms atrevido de los travestis, con la piel del otro. Cada ser
de los fabulados por Carlos en sus extensas superficies pictricas, supone, de plano, un desafo a la racionalidad y sus
emblemas acabados de pureza, virtud y sentido comn.
Ambigedad y dualidad, constituyen entonces estados transitivos de los que participa el imaginario especulado por
Quintana. Es justo mediante una potica de lo ambiguo, en
tanto figura esttica, que el artista subvierte los rdenes de
la normalidad, los paradigmas reduccionistas de la belleza
clsica y los cnones de todo comportamiento socio-cultural
que se supone correcto y deseado. Rindiendo culto a la sutileza del gesto que halla su correlato en infinitas referencias
culturales dentro de su pintura, muchas de ellas provenientes del mundo oriental y del sincretismo religioso antillano,
y advirtiendo una aguda sensibilidad puesta en juego en el
trato con las realidades representadas, los sujetos de Carlos
Quintanas han aprendido habitar, con gracia y soltura, los
universos contrapuestos del instante lrico de la vida y los
buceos premeditados en los estanques oscuros de los
abyecto. Abyeccin y lirismo devienen sello de identidad de
un discurso que reinventa su misma puesta en escena,
armando los trozos, los residuos y los fragmentos de otras
cartografas, con el nimo manifiesto de procurar un paisaje expresionista capaz de hundir en el hueco triste de lo
mediocre cualquier visin profilctica y estril del arte y la
vida.
De este modo, el bestiario de Quintana, atravesado por el

dominio de una nueva entidad de lo humano que es trascendida en su animal humanidad, registra un catlogo
extenssimo de seres y situaciones absurdas que dinamitan
los mrgenes de la cordura a favor de la estridencia del carnaval. Por esta razn, y a propsito de la insubordinacin de
los signos en clave carnavalesca, en el paisaje pictrico
esbozado por el artista se trastocan los rdenes jerarquizados y los modelos conductuales que organizan el mbito de
lo cotidiano. En la pintura de Carlos, como en el carnaval, se
desmantelan los autoritarismos, se resquebrajan las perspectivas unidireccionales y los esquemas esencialistas.
Superando una acepcin claustrofbica de cordura y de sensatez, los personajes de Carlos Quintana, en su entorno
vago, atemporal, desprovisto de referencias claras (y por
tanto universal), disfrutan de un estado de sobredosis de
vida, de solvencia espiritual, de agotamiento, pero tambin
de resurreccin.
En este sentido, su pintura es descaradamente obscena. En
ella se ejercita una maniobra de transparencia absolutamente promiscua que termina por desdibujar la lnea y
socavar la frontera que, con demasiada precisin e impertinencia, separan las experiencias privadas de las que se
aceptan como pblicas. El cuerpo de la pintura y las anatomas exageradas y ficcionalizadas de estos seres desviados
de la regencia del esquema de normalidad al uso, no dejan
de ser nunca el escenario preferido donde el artista abre un
amplio margen en el que inscribe sus fabulaciones y fantasas acerca de la sexualidad, de la vida y, sobre todo, de
aquellas que afectan de un modo directo el territorio escurridizo y azaroso del arte.
Andrs Isaac Santana
Exposicin celebrada en la Galera Artificial
meses de febrero y marzo
(Madrid) durante los
Carlos Quintana. Cortesa del artista
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Vista de la exposicin de Carlos Quintana en Galera Artificial
Vista de la exposicin de Carlos Quintana en Galera Artificial
The poetic of the Cuban artist Carlos Quintana (La

Habana, 1966) can be found in this place, or rather a
glimmer of freedom and redemption of the pictorial gesture, which survives to the asepsis and the frenzied desires of death. His painting enjoys having a great virtue:
the one of fascination and oddness. His work is a work
with content, where the surface is the clear proof where
thousands of stories remain. It is the starting point of a
writing in which the palimpsest hides infinite traces, and
at the same time it exposes the dazzling and desirable
impulse of a way of acting where the orders of reason
and delirium cross gracefully and curiously.
In few occasions, the connection bridges between the
piece and the creator come to be as eloquent as in the
case of Quintana. For that reason, and almost forcefully,
every lucid reading of his work should not leave the
opportune observation on a life style that, the same as
painting, is subject to the fierce capacity of the paradoxes: order/chaos, calm and epiphany of the gesture,
delirium and meditation, calculated thought and anarchy
of the reason, drawn simplicity and subversive perversity. In that sense, in the middle of this concert of opposites, an aesthetic and emphatically visceral discourse is
articulated. Life is in Carlos's painting. In it, we can see
his accidents, his rages, his moments of ecstasy and
fear, the moments of peacefulness and impenitent disturbance. These engravings, of great expressionist
vocation, proclaim freedom and give way to the happy
arrival of multiple possible ontologies. His pieces
expound at length the models of the reason and proclaim the disappearance of the unvaried and closed,
hygienic and reductive ontological models.
As Carlos's painting defeats a pre-established system of the
composition in accordance with some very specific orthodox
laws, his characters go beyond the limits of the permissible
with enjoyment, make fun of the cultural stereotypes that
define the good manners of the "ought to be" of the most
ancient psychology. They inhabit a neo-baroque space of
marginal sign and get dressed like the best and the most
daring transvestite, with the skin of the other. Each one of
the beings made up by Carlos in his extensive pictorial surfaces, is a challenge to rationality and the finished emblems
of pureness, virtue and common sense.
Ambiguity and duality are, then, transitive states the
imagery speculated by Quintana shares. It is by means
of a poetic of the ambiguous, as aesthetic figure, that
the artist subverts the orders of normality, the reductio-
nist paradigms of the classical beauty and the canons of

all the socio-cultural behaviour that is thought to be concrete and desired.
Worshiping the delicacy of the gesture that finds out its
correlation in the infinite cultural references within his
painting, many of them coming from the Eastern world
and the West Indian religious syncretism, and noticing a
great sensibility dealing with the represented realities,
Carlos Quintana's subjects have learn to inhabit, gracefully and fluently, the opposing universes of the lyric
moment of life and the premeditated diving into the dark
lakes of the abject. Abjection and lyricism turn into the
hallmark of a discourse that reinvents its staging, putting the pieces, the wastes and the fragments of other
cartographies together, trying to create a expressionist
landscape able to sink any prophylactic and sterile vision
of art and life.
This way, Quintana's bestiary, crossed by the control of
a new entity of the human transcended in its animal
humanity, registers a very long catalogue of beings and
stupid situations that dynamite the limits of the good
sense in favour of the stridency of the carnival. For that
reason, and talking of the insubordination of the signs in
carnival code, in the pictorial landscape sketched by the
artist the hierarchical orders and the behavioural models
organizing the field of the quotidian are inverted. In
Carlos's painting, like in carnival, the authoritarianisms
are dismantled, and the unidirectional perspectives and
the essentialist moulds are cracked. Going beyond a
claustrophobic meaning of common sense, Carlos
Quintana's characters, in their vague, timeless environment without any clear (and universal) references,
enjoy a state of life overdose, of spiritual solid reputation, of tiredness but also of resurrection.
In this sense, his painting is shamelessly obscene. In it
we can see a promiscuous manoeuvre of transparency
that finally blurs the outlines and undermines the frontier that separates the private experiences from the
ones accepted as public. The painting shape and the
exaggerated and fictitious anatomy of these beings weaned away from the regency of the normal way of thinking, are the preferred scenery where the artist opens a
wide margin in which he registers his fables and fantasies about sexuality, life and above all those directly
affecting the elusive and hazardous territory of art.
Exhibition held at the gallery Artificial (Madrid) in February and March
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RACHEL WHITEREAD
CACMlaga. Mlaga. Desde el 25 de mayo hasta el 26 de agosto
La institucin malaguea presenta para la temporada

estival una retrospectiva de Rachel Whiteread (Londres,
1963) una de los referentes de la escultura inglesa,
galardonada con el Turner Price en 1993.
En 1990 con Ghost, consistente en el vaciado en yeso de
una habitacin, Rachel Whiteread comienza a realizar
diferentes vaciados de diversos objetos (colchones, lpidas, suelos, lavabos, puertas) tanto del espacio que
ocupan como del que les rodea, utilizando para ello
materiales acromos como el yeso, la resina o el hormign.
Ha participado en importantes certmenes nacionales e
internacionales como la XLVII Bienal de Venecia. Su obra
ha sido objeto de retrospectivas en el Palacio de
Velzquez de Madrid y exposicones como la realizada en
la Tate Modern de Londres.
Para el crtico Stuart Morgan ''El dilogo vivo que se origina entre una pieza y otra, as como el constante proceso de su vocabulario y de puesta en duda del significado de su escultura, son caractersticas de su obra,
mundana y reflexiva en igual medida".
Rachel Whiteread (Londres, 1963) estudia pintura en la
Universidad Politcnica de Brighton (1982-85) y escultura en la Slade School of Art de University College
London, entre 1985 y 1987. Un ao ms tarde celebra
su primera muestra individual, desde ese momento
comez una slida trayectoria expositiva en la
Chisenhale Gallery (Londres, 1990), en el Stedelijk van
Abbemuseum (Eindhoven, 1992), en la Sala Montcada
(Barcelona), en el Museum of Contemporay Art
(Chicago, 1993), en la Kunsthalle Basilea, 1994 o en la
Tate Gallery (Liverpool, 1996).
This institution from Mlaga is showing for the summer

season a retrospective exhibition of Rachel Whiteread,
one of the first referents of English culture, awarded
with the Turner Price in 1993.
In 1990 with Ghost, which consists of the hollowing out of
the plaster of a room, Rachel Whiteread starts to make
different hollowing outs of diverse objects (mattresses,
gravestones, floors, washbasins, doors) both in the
space they occupy or the space surrounding them, using
achromatic materials such as plaster, resin or concrete.
She has taken part in some important national and
international competitions such as the 47th Biennial of
Venice. Her work has been the object of some retrospectives at the Palacio Velzquez in Madrid and some exhibitions such as the one at the Tate Modern in London.
According to the critic Stuart Morgan "The dialogue
among her pieces, as well as the constant process of
her vocabulary and the doubts in the meaning of her
sculpture, are the main characteristics of her work,
worldly and reflective".
Rachel Whiteread (London, 1963) studied painting at
the Technical College University in Brighton (1982-85)
and sculpture at the Slade School of Art of the
University College in London between 1985 and 1987.
A year later she made her individual exhibition, and
from that moment she started a solid expositive trajectory at the Chisenhale Gallery (London, 1990), at
the Stedelijk van Abbemuseum (Eindhoven, 1992), at
the Sala Montcada (Barcelona), at the Museum of
Contemporary Art (Chicago, 1993), at the Kunsthalle
Basilea (1994) or at the Tate Gallery (Liverpool, 1996).
Rachel Whiteread. Flowers (2005) Cortesa Rachel Whiteread y Gagosian Gallery
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c coleccin
CARMEN CHACN
ANDREA COSTAS
ANA DE MATOS
FLIX FERNNDEZ
JOS MANUEL FORS
AIME GARCA
LUIS GMEZ
FRAN HERBELLO
NGELA LERGO
ENRIQUE LISTA
CARLOS MAO
IBRAHIM MIRANDA
SANTOS MONTES
ANTA MOURE
JESS PASTOR
REN PEA
MARTA PRIETO
SANDRA RAMOS
LZARO SAAVEDRA
GRACIELA SACCO
SALUSTIANO
MANUEL SENDN
C coleccin Travesa da Universidade

Santiago de Compostela
Tel fax:

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_internacional
THOMAS HIRSCHHORN. HORROR PLANO. SUBSTITUTION 2
Thomas Hirschhorn ha trabajado in situ para construir los dos

grandes conjuntos escultricos, o "collages en tres dimensiones", como los describe el artista, que llenan las dos salas de
la galera Stephen Friedman. Cada "collage" ocupa casi enteramente el espacio de las salas, lo que deja un estrechsimo
pasillo al visitante para caminar (de lado) y obliga a un recorrido circular alrededor de las obras. El visitante queda arrinconado ante el opresivo espectculo expuesto, queda aplastado entre obra y muro, reducido a una figura plana, sin
fondo. Nos convertimos en espectadores de cartn. Esto no
deja de tener su importancia ya que esta obra trata en palabras de Hirschhorn de un mundo, el nuestro, en el que lo real
est siendo substituido por la planitud de una imagen de cartn. Jugando con el espacio y el tamao de la galera,
Hirschhorn consigue que su obra no slo describa este
mundo, sino hacer que los espectadores lo vivan. Hirschhorn
es un artista que no se contenta con ofrecernos su visin del
mundo, sino que logra que su obra haga lo que dice.
En efecto, Hirschhorn cuenta que comenz a idear
Substitution 2, la presente exposicin, al enterarse del experimento que est llevando a cabo la armada norteamericana
conocido como "Flat Daddies" [Paps Planos]. La armada ha
proporcionado figuras de cartn que reproducen a militares
destinados en Irak a sus familiares en Estados Unidos. Las
familias pueden sentar a estas figuras a la mesa, ponerlas en
el saln de sus casas, y de esta manera, supuestamente,
aportar una sensacin de seguridad a los hijos de los militares ausentes y de este modo substituidos. Al ver estos "Flat
Daddies" cuenta Hirschhorn que pens: "Cmo se parecen
a mi trabajo! pero no es mi trabajo! Tengo que re-apropiarme de estas fotografas sobre cartn!". Y as encontramos a
estos "Flat Daddies" insertados entre los personajes que
habitan Substitution 2. Acompaando a los soldados toda
una serie de fotografas recortadas reproducen a personas
annimas que han sufrido un mismo proceso de aplanamiento, y numerosos maniques (otra figura de substitucin)
completan la obra. Todas estas figuras forman un coro
espectral y ridculo.
En Substitution 2 conviven dos realidades en estado de alucinacin: por un lado toda una imaginera escalofriante
sobre nuestro mundo occidental (un vendedor de cartn
tras un ordenador, una miss de la belleza, un autobs con
cabezas sonrientes), y por otro lado toda una serie de referencias a la mquina de guerra occidental (los "Flat
Daddies", maniques vestidos con los uniformes naranjas de
Guantnamo). Hirschhorn mezcla ambas realidades, complicando la relacin entre un dentro, un Occidente seguro y
anestesiado, y un fuera, la guerra y sus efectos, como algo
lejano. El all y el aqu aparecen en un mismo plano, coexisten en un continuum hueco que parece siempre a punto de
desmoronarse. Y si bien la guerra de Irak y el caos porterior
que vive el pas son el referente primero de esta obra,
Hirschhorn parece querer alejarse del anlisis de un caso
preciso para componer, en sus palabras, "una poesa cruel
ms all de los lmites de la informacin". Substitution 2
aparece de este modo repleta de titulares de prensa que
subtitulan las figuras y de los que Hirschhorn ha borrado
toda referencia concreta creando mensajes abstractos: "Big
answers", "Progress in all fields", "Bigger, Faster, Better".
Los materiales que usa habitualmente Hirschhorn (cartn,
papel, celo) y su forma de trabajar rpida y frgil ("me gusta
trabajar en la precipitacin") crean una esttica de la inestabilidad y el derrumbe. La inventiva en el asamblaje de objetos habitual en su trabajo abarrota Substitution 2 de detalles
y hallazgos iconogrficos: un libro de Gramsci pegado a la
mano de un maniqu queda inutilizado, corazones rojos repletos de fotografas dursimas de cuerpos destrozados, corbatas que anuncian a los cuatro jinetes: "Culture", "Economy",
"Social" y "Religion". Es un gran teatro en el que las escenas
estn al borde del colapso. Las dos instalaciones aparecen
como dos barcos de locos a punto de desvanecerse, como un
desfile espeluznante y grotesco en el que el visitante es transformado en un espectador puro: vaco, impotente y plano.
Manuel Ramos
Exposicin celebrada el pasado mes de marzo en la Stephen Friedman
Gallery (Londres).
Thomas Hirschhorn. Cortesa del artista
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[AN] INTERNACIONAL
Thomas Hirschhorn has worked in situ to create two great

sculptural ensembles, or "three dimensional collages", as
the artist describes them, which occupy the two rooms of
the gallery Stephen Friedman. Each collage occupies
almost all the space in the rooms, and there is just left a
very narrow aisle for the visitor to walk (sideways), and it
makes the visitor walk around the pieces. The visitor is cornered before the exhibited oppressive show, or squashed
between the piece and the wall, confined to be like a flat
figure, without any space. We become cardboard spectators. This is very important since this piece is, according to
Hirschhorn, about a world, ours, in which the real things
are being substituted by the flat surface of a cardboard
figure. Playing with the space and the size of the gallery,
Hirschhorn makes his work not only describe this world, but
make the spectators live it. Hirschhorn is an artist that is
not only happy with showing us his vision of the world, but
he also gets his work to do what he wants.
In fact, Hirschhorn tells that he started to create
Substitution 2, the present exhibition, when he found out
the experiment the North American Army is carrying out,
known as "Flat Daddies". The Army has given the families
life-size cardboard figures of the troops displayed in Irak.
The families can sit these figures at the table, or keep them
in the sitting-room, making the children of those absent
soldiers feel safe. Hirschhorn says that when he saw these
"Flat Daddies" he thought: "They really look like my pieces
but they are not my pieces. I must re-appropriate this photographs on cardboard". And so we can find these "Flat
Daddies" among the characters of Substitution 2. Together
with the soldiers we can also see a series of cut-out photographs reproducing anonymous people experiencing the
same process of flattening, and numerous mannequins
(another substitution figure) completing the piece. All these
figures make up a spectral and ridiculous choir.
In Substitution 2 two hallucinating realities coexist: on the

one hand, all the bloodcurdling imagery of our western
world (a cardboard seller behind a computer, a beauty
queen, a bus with smiling heads), and on the other hand
some references to the machine of the western war (the "Flat
Daddies", mannequins dressed with Guantanamo's orange
uniforms). Hirschhorn mixes both realities, complicating the
relation between an in, a safe and anaesthetized Western,
and an out, the war and its consequences, as something distant. There and here appear at the same level, they coexist
in an empty continuation always about to decay. And if the
war in Irak and the chaos the country is living are the first
referent of this piece, Hirschhorn seems to be wiling to go
away from the analysis of a precise case so as to create, in
his own words "a cruel poem beyond the limits of information". Substitution 2 appears full of press headlines subtitling
the figures and Hirschhorn has eliminated all the concrete
references creating abstract messages: "Big answers",
"Progress in all fields", "Bigger, Faster, Better".
The materials Hirschhorn often uses (cardboard, paper,
sticky tape) and his fragile and fast way of working ("I like
to work hastily") create the aesthetic of instability and
collapse. The inventiveness in the usual assembly of
objects in his work packs Substitution 2 with iconographic
details and discoveries: a book by Grmasci stuck to the
hand of one of the mannequins is made useless, red hearts
full of hard photographs of shattered bodies, some ties
announcing the four horsemen: "Culture", "Economy",
"Social" and "Religion". It is like a great theatre where the
scenes are on the verge of collapse. Both installations look
like two lunatic ships about to fade away, like a grotesque
and horrifying parade where the visitor is turned into a pure
spectator: empty, impotent and flat.
Exhibition held at the Stephen Friedman Gallery (London) last March.
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[AN] INTERNACIONAL
LA ERA DE LA DISCREPANCIA. ARTE Y CULTURA VISUAL EN MXICO 1968 - 1997

Museo Universitario de Ciencias y Arte. Ciudad Universitaria. Mxico DF. Hasta el 30 de septiembre
Esta exhibicin que se

presenta en el Museo
Universitario de Ciencias y
Arte de la Universidad
Nacional Autnoma de
Mxico
(UNAM)
est
enmarcada por dos acontecimientos polticos de
gran relevancia en la historia contempornea de
Mxico: por un lado, el
movimiento estudiantil de
1968, cuya culminacin
fue la represin y el trgico asesinato de civiles
diez das antes de la inauguracin de los XIX
Juegos Olmpicos; por
otro, la aguda problemtica poltica y social que se
viva en Mxico durante
los aos noventa, la cual
se hizo manifiesta con el
levantamiento armado en
Chiapas
del
Ejrcito
Zapatista de Liberacin
Nacional (EZLN) en 1994
y el posterior hundimiento
en una crisis nacional de
grandes
dimensiones
sociales.
Los curadores Olivier
Debroise, Pilar Garca de
Germenos, Cuauhtmoc
Medina y lvaro Vzquez
Mantecn muestran una
revisin histrica de las
diferentes manifestaciones y bsquedas artsticas
que se produjeron en
Mxico durante tres dcadas en las que el arte contemporneo era insignificante para los discursos
culturales dominantes. La
exposicin se centra en
artistas que estuvieron en
desacuerdo con los usos
tradicionales del arte y
fueron autocrticos con
sus propias prcticas. No
es una revisin de todas
las corrientes y tendencias, sino un anlisis de
los momentos claves y
significativos de experimentacin artstica y cultural, representativos de
diversas tendencias intelectuales y visuales, que
competan simultneamente como modelos
alternativos de prctica
cultural.
La exposicin est dividida en nueve planos curatoriales:

Saln
Independiente Mundo pnico, Sistemas, Mrgenes
conceptuales, Estrategias
urbanas, Insurgencias, La
identidad como utopa, La
expulsin del paraso e
Intemperie.
A lo largo de la muestra se
pueden observar obras de
artistas provenientes de
varias generaciones y de
horizontes
culturales
diversos, tales como
Alejandro
Jodorowsky,
Felipe Ehrenberg, Ulises
Carrin, Francisco Toledo,
Graciela Iturbide, Marta
Palau, Pedro Meyer, Adolfo
Patio, Maruch Sntiz
Gmez, Guillermo Gmez
Pea, Thomas Glassford,
Silvia Gruner, Francis
Als, Santiago Sierra,
Carlos Amorales, Grupo
Semefo, Daniela Rossell o
Miguel Caldern.
Esta es la primera genealoga del arte mexicano
actual, la cual sale a la luz
acompaada de un catlogo coeditado por la UNAM
y editorial Turner. Este
ambicioso y polmico proyecto responde, sin duda,
al creciente inters por la
produccin artstica mexicana a nivel mundial.
Posteriormente se mostrar en algunas ciudades de
otros pases.
Claudia Arozqueta
This exhibition shown at

the Museo Universitario
de Ciencias y Arte of the
Universidad
Nacional
Autnoma de Mxico
(UNAM) is marked by
two relevant political
events in Mexican contemporary history: on
the one hand, the students' movement in
1968, whose culmination
was the repression and
the tragic homicide of
civilians ten days before
the opening of the 19th
Olympic Games; on the
other hand, the important political and social
problems
in
Mexico
during
the
nineties,
which were revealed
with the armed uprising
of the Ejrcito Zapatista
de Liberacin Nacional
(EZLN) in Chiapas in
1994 and the subsequent collapse in a national crisis of great social
statures.
The curators Olivier
Debroise, Pilar Garca de
Germenos, Cuauhtmoc
Medina
and
lvaro
Vzquez Mantecn show
a historical review of the
different shows and
artistic searches that
took place in Mexico for
the three decades in
which contemporary art
was insignificant for the
dominant cultural discourses. The exhibition
is mainly focused on
those artists who disagreed with traditional
Felipe Ehrenberg y Francoise Reichenbach. La Poubelle (1971)

Cortesa MUCA Campus
uses of art and were

self-critical with their
own artistic practices. It
is not a review of all the
currents of opinion or all
the trends, but an analysis of the key and most
important moments of
cultural
and
artistic
experimentation
as
representatives of several intellectual and visual
trends, competing simultaneously as alternative
models of cultural practice. The exhibition is divided into nine curatorial
sections:
Saln
Independiente,
Mundo
Pnico,
Sistemas,
Mrgenes Conceptuales,
Estrategias
Urbanas,
Insurgencias, La identidad
como utopa, La explulsin del paraso or
Intemperie.
All along the exhibition we
can see the pieces of
several artists from different generations and different cultural horizons,
such
as
Alejandro
Jodorowsky,
Felipe
Ehrenberg, Ulises Carrin,
Francisco Toledo, Graciela
Iturbide, Marta Palau,
Pedro
Meyer,
Adolfo
Patio, Maruch Sntiz
Gmez, Guillermo Gmez
Pea, Thomas Glassford,
Silvia Gruner, Francis
Als, Santiago Sierra,
Carlos Amorales, Grupo
Semefo, Daniela Rossell
or Miguel Caldern.
This is the first genealogy of present Mexican
art, which comes to light
with a catalogue published jointly by the UNAM
and the editorial group
Turner. Without any
doubt this ambitious and
polemic project comes
up to the growing worldwide interest in the
Mexican artistic production. The exhibition will
be
on
view
until
September 30. It will be
later shown in some
important cities of other
countries.
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[AN] INTERNACIONAL
PEDRO PORTUGAL
Galeria Fernando Santos. Porto. Hasta el 29 de mayo
La obra se explica a s misma, pero cuanto ms se

explica, ms se oculta. Pedro Portugal recurre a la irona y a la paradoja, veladas por un aparente acto
explicativo y la evidencia de la aceptacin de un canon
en la pintura que, de hecho, no sigue.En la pintura Eu
sou uma pintura e fao pinturas. Vejam o en la pintura AUTOTO, est demostrado en imagen como es
necesario para el arte desembarazarse de las arquitecturas discursivas de Platn y Aristteles y de los sucesores/comentadores que secularizaron folclricamente
esas construcciones interpretativas escribe Pedro
Portugal a propsito de su exposicin Eu Explico, celebrada paralelamente en Lisboa (hasta el 26 de mayo)
y Oporto en la galera Fernando Santos.
La verdad es que, est en cuestin ms que un acto de
denuncia o de crtica de la crtica, ms que el recurso a
la irona que el propio autor recusa existir en su obra,
como adems tambin niega haber crtica en su trabajo. Pedro Portugal present, personalmente, una explicacin de las pinturas expuestas, pero al hacerlo
(ahora por segunda vez; ya lo haba hecho en la galera Antonio Henriques en Viseu) se enfrenta y provoca el pblico que no estaba entendiendo nada, a
pesar de que estaba todo explicado. No es verdad,
sin embargo, que todo estuviese explicado. Jorge
Ramos do , en el catlogo, explica que Portugal presenta un tipo de pintura que se destina en lo esencial
a producir hiptesis interpretativas haces ininterrumpidos de explicaciones e incita el espectador a abandonar la pasividad que tradicionalmente constituye su
posicin, llevndolo a querer inteligibilizar por s
mismo, las formas y las fuerzas de emergencia de
todo y cualquier ejercicio pictrico. Los trminos del
vocabulario de Portugal son, como parecer incluso
evidente, circunscritos, pero las series y combinatorias de las imgenes que nos propone son infinitas.
Aqu, llegamos a un otro punto. Como cuestionaba
hace diez aos Rui Afonso Santos, qu sentido tiene
hoy el pintor con el pincel y la paleta delante de una
pantalla sobre un caballete? Ninguno, excepto arqueolgico. Pedro Portugal est ms all del pintor, mantenindose pintor. Nos presenta en pintura una especie
de espejo de otra realidad donde ya no hay cabida para
la pintura. Rui dos Santos lo defina de este modo:
Operador esttico y de relaciones discursivas, pintor
sin serlo cnico y ldico. Portugal afirm que en su trabajo no hay intuicin, todo est planeado, de modo
simultneamente terico y artstico. Sobre el tema de
esta exposicin, Portugal cont que Cristo haca explicadismos, dibujos con flechas que apuntan para lugares,
como hacen los profesores en las clases, como yo hago
a mis alumnos, esquemas para ellos aprendan arte. Es
una faceta poco conocida de Cristo, que Pedro Portugal
insisti en referir: Cristo haca dibujos, aunque no haya
ninguna referencia en el Occidente: la hay en el Corn y
en el Oriente, en la Persia.
Nuno Cunha
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The piece is explained by itself, but the more it is explained

the more it hides behind. Pedro Portugal resorts to irony and
paradox, looked after by an apparent explicative action and
the evidence of the acceptation of a canon in painting that
he, in fact, does not follow.
"In the painting Eu sou uma pintura e fao pinturas. Vejam
or in the painting AUTOTO, it is shown in image how art
needs to get rid of the discursive architectures of Plato or
Aristotle and of the successors/commentators who secularize these interpretative constructions" - writes Pedro Portugal
with regard to his exhibition Eu explico, held in Lisbon (until
May 26) and Oporto in March at the galleries Fernando
Santos.
The truth is that it goes beyond an act of denounce or the
critic of the critic, beyond the resource to irony the author
himself rejects to include in his work, as he also rejects the
appearance of certain critic in his work.
Pedro Portugal personally explained the exhibited paintings,
but while doing it (now for the second time; he had already
done it at the Gallery Antonio Henriques in Viseu), he has a
confrontation with the public and stirs them up, "the public
was not understanding anything although everything was
explained" - he said.
It is not true that everything was explained. Jorge Ramos do
, in the catalogue, explains that Portugal "shows some sort
of painting that is essentially allocated to produce interpretative hypothesis - uninterrupted explicative fasces - and
encourages the spectators to leave their traditional passivity,
and makes them want to intelligibilize by themselves, the
emergence forces and forms of everything and any pictorial
exercise. The terms of Portugal's vocabulary are circumscribed, as it may seem evident, but the series and combination
of the images he suggests are infinite".
Here we have another point. As Rui Afonso Santos questioned ten years ago, "Does it have any sense a painter with
the brush and the palette in front of a screen on an easel?
None, but the archaeological one". Pedro Portugal goes
beyond the painter, remaining as a painter. He shows us a
sort of mirror from other reality where there is no room for
painting. Rui dos Santos defined him as follows: "An aesthetic and discursive relations operator, a cynical and playful
painter without really being it".
Portugal said that in his work "there is no intuition, everything is planned", in a "simultaneously theoretical and artistic" way. Regarding the subject of this exhibition, Portugal
said that, "Christ did explicadismos, that is, drawings with
arrows pointing at certain places, as teacher does in lessons,
as I do with my pupils, some outlines so that they can learn
art". This is a not very well known facet of Christ, but Pedro
Portugal insisted on this: "Christ made drawings, although
there isn't any reference in the West: there are references in
the Koran and in the East, in Persia".
Pedro Portugal
Cortesa del artista
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[AN] INTERNACIONAL
ANTONIO GONALVES
Cmara Municipal de Lisboa. Galeria Palacio Galveias. Lisboa. Hasta el 20 de mayo
El artista y gestor cultural portugus Antonio

Gonalves expone sus
obras en Lisboa. Su trabajo despierta en el visitante una enorme curiosidad, al ver sus cuadros
y fotografas se desconoce la causa por la que
los hombres vestidos de
negro estn presentes
en sus imgenes. Se
desconoce la causa por
la que los cuadros pintados por un artista que
resulta ser el propio
Gonalves estn en el
centro de un grupo de
hombres en la calle
junto a lujosos automviles. Se desconoce, en
fin, el origen, nudo y
desenlace de las silentes
piezas de conversacin
que representan estas
fotografas. Sus composiciones
provocan
inquietud. Sus retratos
de grupo generan dudas
urbanas sobre qu es lo
que vemos, en ellas
nada es lo que parece.
Lo mismo ocurre en las
obras creadas por dos
maestros del pasado
que sirven de espejo
donde reflejar los matices de las invenciones
de Antonio Gonalves.
El cuadro de Goya de La
familia del Infante Don
Luis, parece una escena
de conversacin dieciochesca sencilla y palaciega. Don Lus juega a
las cartas con su esposa
y una pequea corte los
rodea, sin embargo no
es una esttica escena
hogarea lo que observamos sino la huda al
destierro social del hermano de Carlos III por
haberse casado con una
plebeya. En las fotografas
de
Antonio
Gonalves sus personajes roban los cuadros o
los venden? Todo invita
al equvoco.
La mezcla de realidad y
fantasa aparece insuperablemente representada en algunos cuadros
Antonio Gonalves. Cortesa del artista
de Velzquez. El pintor
espaol, en su obra
Cristo en la casa de
Marta representa en primer plano a dos mujeres
en tareas domsticas,
una de ellas con mueca
de fastidio, en el fondo
del lienzo, dentro del
ngulo superior derecho
se reproduce como cuadro dentro del cuadro
una escena en la que
Cristo indigita a Mara en
presencia de una anciana. Hay una presencia
real de Cristo en la ficcin de un saln.
En las fotografas de
Antonio Gonalves hay
ficcin barroca y mezcla
de realidad con lo onrico situando el cuadro
dentro del cuadro. Los
personajes de negro son
invenciones
antropomorfas procedentes de
una escuela de gladiadores o de administradores de empresas que
no existen si no en su
irrealidad de Hombres
Dior. Estamos ante una
representacin contempornea del juego al
equvoco entre significantes y significados
que fascina al arte y la
cultura desde la antigedad.
Romn Padn Otero
The Portuguese artist

and cultural manager
Antonio Gonalves is
exhibiting his pieces in
Lisbon. His work arouses
the visitor's curiosity;
when seen his paintings
and photographs the
reason why the men in
black are present in his
images is unknown. It is
also unknown the reason why the paintings
painted by an artist,
who turns out to be
Gonalves himself, are
in the middle of a group
of men in the street
together with some
luxurious cars. Anyway,
it is unknown the origin,
the point of greatest
complexity
and
the
ending of the silent pieces of conversation that
these
photographs
represent. His compositions move spectators to
concern. His group portraits raise many doubts
about what we are
seeing, in them nothing
is what it looks like. The
same happens in the
pieces of two masters of
the past that act as a
mirror where the shades
of Gonalves's interventions are reflected.
Goya's painting La familia del Infante Don Luis
looks like a eighteencentury simple and pala-
ce piece of conversation.
Don Luis plays cards
with his wife and a court
surrounds them, however it is not a static
homely scene what we
are seeing but the escape towards the social
exile of Carlos III's brother because he had
married a plebeian. In A.
Gonlves's
photographs, do his characters steal or sell paintings? Everything entices you to the misunderstanding.
The mixture between
reality
and
fantasy
appears depicted in
some Velazquez's pictures. The Spanish painter,
in his piece Cristo en la
casa de Marta depicts
two women doing the
housework in the foreground, one of them
with a gesture of annoyance, to the bottom of
the canvas; in the top
right corner and acting
as a picture, there is a
reproduction of an scene
of Christ pointing at
Mara in the presence of
an old woman. There is
a real presence of Christ
in the fiction of a room.
In A. Gonalves's photographs there is baroque
fiction and a mixture of
reality and the oneiric
placing a picture within
a picture. The characters
in black are anthropomorphic
inventions
coming from a school of
gladiators or of managers that only exist in
their unreality of Dior
men. We are before a
contemporary representation of the misunderstanding between signifiers and significances
that fascinates art and
culture from time immemorial.
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[AN] INTERNACIONAL
3D - ESCULTURAS EN LA ASAMBLEA DE LA REPBLICA

Palacio de San Bento. Lisboa. Hasta el 19 de agosto
La Coleccin Berardo presenta en los espacios pblicos de la Asamblea de la

Repblica una exposicin
con cerca de 30 esculturas
de 28 artistas, portugueses
e internacionales, coincidiendo con el periodo de la
Presidencia Portuguesa en
la Unin Europea.
Las obras, seleccionadas por
Jean-Franois Chougnet,
director del Museo de Arte
Moderno y Contemporneo
Coleccin Berardo, e instaladas en los jardines, en el
claustro y en los pisos 0 y
1 del Palacio de San
Bento, son representativas de las transformaciones experimentadas
por la escultura a lo
largo de los siglos XX y
XXI y ofrecen una oportunidad de contemplar la
relacin establecida entre
el espacio de mbito pblico y la escultura de grandes dimensiones. De las
obras escogidas sobresalen
piezas de algunos de los
mayores creadores de
escultura contempornea
como Reclining Figure
(1969) de Henry Moore,
LArbre Biplan (1968) de
Jean Dubuffet y Sandstone
Line (1981) de Richard
Long, otorgando una especial visibilidad a la produccin portuguesa
con
nombres
consagrados
como
Rui
Sanches,
Fernanda Fragateiro y Rui
Chafes. Recientemente
Jos Berardo adquiri ocho
esculturas a la Cass
Sculpture Foundation, una
institucin con sede en
Goodwood que promueve
la
escultura
britnica
actual. El lote incluye, por
ejemplo, los trabajos Ace
of Diamonds III (2003) de
Lynn Chadwick; Register
(2003) de Peter Burke;
Looking Back (2005) de
Zadok Ben-David; Temple
(1998) de Allen Jones;
Walls of Sound (1998) de
William Furlong y Line of
Thought (2002) de Tony
Cragg. Varias de estas obras
completan la muestra.
64
Jean Dubuffet
L'Arbre biplan (1968)
Cortesa de la
Coleccin Berardo
La exposicin cuestiona
tambin el vnculo establecido entre el contexto
expositivo y el propio concepto de la exhibicin a
travs de la intervencin
del atelier R2 Design,
cuyos designers, Liz
Ramalho y Artur Rebelo,
fueron responsables por
el diseo grfico de la instalacin de las obras en el
espacio envolvente. Esta
aproximacin fue desarrollada a partir del simbolismo del edificio, mientras
que las opciones cromticas empleadas evocan la
bandera nacional y la tridimensionalidad mediante
tipografas estereoscpicas. El proyecto grfico va
ms all de la funcional y
necesaria identificacin de
las obras expuestas, desencadenando un efecto
ms informal con el happening provocado por las
gafas 3D distribuidas gratuitamente y el papel de
pared que rodea los
soportes expositivos. De
este modo, el visitante
es convidado a formar
parte de una autntica
experiencia
en
tres
dimensiones, donde el
espacio arquitectnico,
las esculturas y la informacin escrita se unen
para configurar un interesante momento 3D,
experiencial y visual.
Fernando Montesinos
The Coleccin Berardo

shows an exhibition with
about 30 sculptures of 28
Portuguese and international artists coinciding
with the period of the
Portuguese Presidency of
the European Union in the
public spaces of the
Asamblea de la Repblica.
The pieces, selected by
Jean-Franois Chougnet,
the director of the Museu
de Arte Moderna e
Contempornea
Colecao Berardo, and
installed in the gardens,
the cloister and the floors 0 and 1 of the Palcio
de So Bento, are representative of the transformations experienced by
sculpture during the
20th and 21st centuries,
and give the opportunity
to contemplate the relation between the public
space and big size sculptures. Among the selected pieces we could
highlight the ones by
some of the most important creators of contemporary sculpture such as
Reclining Figure (1969)
by Henry Moore, L'Arbre
Biplan (1968) by Jean
Dubuffet and Sandstone
Line (1981) by Richard
Long, conferring special
attention
to
the
Portuguese production
with some consecrated
names such as Rui
Sanches,
Fernanda
Fragateiro
and
Rui
Chafes.
Jos
Berardo
has
recently bought eight
sculptures from the Cass
Sculpture Foundation, an
institution
with
the
headquarters
in
Goodwood that promotes the present British
sculpture. The lot includes for example the
following pieces: Ace of
Diamonds III (2003) by
Lynn Chadwick; Register
(2003) by Peter Burke;
Looking Back (2005) by
Zadok
Ben-David;
Temple (1998) by Allen
Jones; Walls of Sound
(1998)
by
William
Furlong and Line of
Thought (2002) by Tony
Cragg. Several of these
pieces complete the
exhibition.
The exhibition also questions the link between
the expositive context
and the concept of the
exhibition
itself
by
means of the intervention of the atelier R2
Design, whose designers, Liz Ramallo and
Artur Rebelo, were the
responsible for the graphic design of the pieces
installed in the surrounding space. This approach was developed from
the symbolism of the
building, while the used
chromatic options evoke
the national flag and the
three-dimensionality by
means of stereoscopic
typographies. The graphic project goes beyond
the
functional
and
necessary identification
of the exhibited pieces,
leading to a more informal effect with the happening provoked by the
free-of-charge 3D glasses and the wallpaper
surrounding the expositive supports. This way
the visitor is invited to
take part in an authentic
three-dimensional experience, where the architectural
space,
the
sculpture and the written
information join together
to configure an interesting 3D experiential and
visual moment.
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_new york
GORDON MATTA - CLARK. YOU ARE THE MEASURE

Whitney Museum of American Art. New York. Hasta el 3 de junio
Esta exposicin, la primera y ms importante retrospectiva

sobre Gordon Matta-Clark en veinte aos, demuestra suficientemente la visionaria inteligencia y la creatividad conceptual de un artista que cada vez se convierte en una figura fundamental del arte americano. Matta-Clark, hijo del pintor surrealista Matta, estudi arquitectura en Cornell (196268), pero pronto desvi su trayectoria hacia el arte contemporneo. En 1969, particip en la exposicin seminal de
Cornell, Earth Art, en la cual participaron figuras importantes como Robert Smithson; la exposicin fomentaba la creacin de obras in situ, una prctica retomada por Matta-Cark
cuando se traslad a Nueva York tambin en 1969. A principios de la dcada de los setenta ya estaba interviniendo edificios abandonados, recortando partes de las salas en su
inters por crear nuevos entornos espaciales. Tambin dise, en 1971, el restaurante Food en Wooster Street en Soho,
regentado por artistas que cocinaban para el pblico, punto
de reunin aadido al ambiente artstico del bajo Manhattan.
En muchos sentidos, Matta-Clark estaba adelantado a su
poca.
La exposicin en el Whitney, que ocupa una de las plantas
del museo, demuestra lo intelectualmente variada y radical
que fue la obra de Matta-Clark. No slo hay fotografas de
sus proyectos, que claramente documentan sus esfuerzos
pioneros en el mbito del arte medioambiental, sino que
tambin hay vdeos y pelculas que muestran sus numerosas actividades; algunas de las imgenes, como Splitting 32
(1975) y Office Baroque (1977) son muestra de los cortes
en edificios que haca el artista. En cuanto a su obra ms tarda, el fragmento de un edificio con forma de lgrima, completa junto con el parquet y muro seco la reproduccin fotogrfica. Splitting: Four Corners (1974) est formada por
cuatro fragmentos de edificio del tejado de una casa de
Englewood, New Jersey, que Matta-Clark dividi por la
mitad; los fragmentos de la casa aaden una realidad fsica
e incluso cierta nostalgia a una intervencin que rpidamente se volvi icnica. La imagen de la estructura dividida, cortada por la mitad, es realmente evocadora: una delgada
franja de luz solar atraviesa la densa masa de sombra que
hay a ambos lados. Como siempre Matta-Clark capta brillantemente la presencia arquitectnica de la casa, usando su
inminente destruccin como una forma de acentuar la vulnerabilidad real de una estructura aparentemente vendida.
Matta-Clark fue un artista radical comprometido con cierta
espontaneidad en relacin con las estructuras arquitectnicas y el espacio. Su formacin le permiti enfrentarse con el
espacio de los edificios declarados en ruina, donde haca cortes que convertan los interiores en reliquias escultricas, de
las que la mayor parte de la gente solo pudo tener la experiencia a travs de l (fotos de los cortes que sirven como
sustitutos de dicha experiencia). Al mismo tiempo, tambin
estaba comprometido con los diferentes mtodos de las
bellas artes; uno de sus proyectos ms atractivos son dibujos que realiz cortando montones de papel que luego eran
montados sobre cartn y mostrados como bajos relieves colgando en paralelo con la pared. Muchas de las ideas de
Gordon Matta-Clark siguen siendo contemporneas a la
poca, aprovechando el ambiente empobrecido y desaliado, pero ambicioso del Nueva York de la poca. You Are the
Measure es un homenaje conmemorativo de uno de los
artistas ms emergentes de Amrica cuyas obras parecen
tan novedosas actualmente como cuando las cre.
Jonathan Goodman
66
This retrospective, the first major overview of

Gordon Matta-Clark in twenty years, amply demonstrates the prescient intelligence and conceptual creativity of an artist who increasingly looks like a major
figure in American art. Matta-Clark, the son of the
Surrealist painter Matta, studied architecture at
Cornell (1962-68), but soon changed paths for contemporary art. In 1969, he took part in the seminal
Cornell exhibition, Earth Art, in which figures such as
Robert Smithson participated; the show encouraged
production of works on site, a practice taken up by
Matta-Clark when he moved to New York, also in
1969. Early in the 1970s, he was already intervening
in abandoned buildings, cutting out sections of rooms
in the interest of creating new spatial environments.
He also created, in 1971, the restaurant Food on
Wooster Street in Soho; run by artists who cooked
for the public, the venue added to the artistic
ambience of the Lower Manhattan neighborhood. In
many ways, Matta-Clark was ahead of his time.
The exhibition at the Whitney, given a floor of the
museum, proved just how intellectually various and
radical Matta-Clark's work is. Not only were there
photographs of his projects, which clearly document
his pioneering efforts in the field of environmental
art, there were also videos and films that described
his numerous activities; some of the images, such as
Splitting 32 (1975) and Office Baroque (1977) report
the building cuts the artist made. In the case of the
latter work, a building fragment, in the shape of a
teardrop, complete with parquet floor and drywall,
completes the photographic print. Splitting: Four
Corners (1974) consists of four building fragments of
the roof of a Englewood, New Jersey, house MattaClark split down the middle; the pieces of the home
add a physical reality and even nostalgia for an intervention that quickly became iconic. The image of the
divided structure, cut down the middle, is wonderfully evocative: a thin band of sunlight knifes through
the heavy mass of shadow on either side of it. Here
as elsewhere Matta-Clark brilliantly captures the
architectural presence of the house, using its imminent destruction as a way of underlining the actual
vulnerability of so seemingly sold a structure.
Matta-Clark was a radical artist who committed himself to a kind of improvisation with architectural
structures and space. His training enabled him to
confront the spatial aspect of condemned buildings,
into which he made cuts that turned interiors into
sculptural relics, the experience of which could only
be had secondarily by most people (photos of the
cuts serve as substitutes for the experience). At the
same time, he was committed to fine art procedures;
one of his most attractive projects are drawings
made by cutting into stacks of gessoed paper, which
were then mounted on cardboard and shown as low
reliefs hanging parallel with the wall. Many of MattaClark's ideas remain marvelously contemporary in
outlook, taking advantage of the improvised and
scruffy but ambitious atmosphere in New York at the
time. You Are the Measure creates a fine memorial to
one of America's most advanced artists, whose works
seem as new as when he made them.
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[AN] NEW YORK
Gordon Matta-Clark. Circus (1978). Museum of Contemporary Art, Chicago; restricted gift of Mr. and Mrs. E. A. Bergman and Susan
and Lewis Manilow. Estate of Gordon Matta-Clark. Cortesa Museum of Contemporary Art (Chicago).
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[AN] NEW YORK
GLOBAL FEMINISM
Brooklyn Museum's Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art. New York. Hasta el 1 de julio
Tras pasar varias horas en Global Feminisms, la

extensa exposicin inaugural en el Brooklyn
Museum's Elizabeth A. Sackler Center for Feminist
Art, me detuve para descansar un rato en la zona de
"venta de libros y obsequios". All, encima de una
mesa, mucho menos atrevidos que los textos murales instalados por toda la exposicin, haba una hoja
de papel con un ttulo Trminos relacionados con la
exposicin. Esos trminos: esencialismo, multiculturalismo, neocolonialismo, post colonialismo y transnacional podan leerse como una lista de la colada
curatorial posmoderna. Y aparentemente los comisarios de la muestra, Linda Nochlin y Maura Reilly han
intentado con empeo mostrar una retrospectiva de
arte contemporneo no jerrquica realizada por
mujeres de todo el planeta - mujeres que confrontan
el feminismo en trminos individuales nicos para su
etnicidad, nacionalidad y estatus socioeconmico.
Global Feminisms tiene buenas intenciones, y se ha
realizado un meticuloso estudio en relacin con su
montaje. Quiero examinar toda la exposicin, y a las
ochenta y ocho mujeres, todas nacidas a partir de
1960 y que representan a 55 pases (desde Afganistn
a Zambia) que han aportado las obras de arte. Obras
de arte jvenes, de los ltimos diez aos del siglo veinte hasta ahora. Algunas de esas mujeres trabajan y
viven en mundos prefeministas o de principios del
feminismo, mientras que otras aparentemente habitaron mundos post-feministas. La naturaleza multidimensional del feminismo representado aqu conduce
de forma acertada a su forma pluralizada en el ttulo de
la exposicin. Los nombres ms familiares en el mbito artstico neoyorquino - Sam Taylor-Wood, Saskia
Sikander, Kara Walter - se entremezclan con los nombres de artistas menos familiares - Salla Thika,
Katarzyna Kozyra, Ingrid Mwangi - artistas clebres
dentro de sus propios pases y en el resto del mundo.
Mi decepcin con Global Feminisms comienza con el
engaoso subttulo, New Directions in Contemporary
Art. Sin embargo yo veo muchas orientaciones antiguas en vdeo, fotografa y performance, hay que reconocer que estn recontextualizadas pero no revivificadas. Me resulta alarmante ver las pocas obras que
ofrecen una visin de futuro nica y novedosa. Yuca,
de la serie My Grandmother de Miwa Yanagi destaca en
su evocacin del siglo XXI la satisfaccin de los deseos
femeninos. Una joven se imagina su propio futuro, no
como adorable anciana de pelo canoso, sino como una
poderosa amante de la libertad dionisaca con llamativo pelo rojo y un novio significativamente ms joven a
quin dar un puntapi. Desafortunadamente, dentro de
la amplia seleccin de artistas, la sumisin femenina
sigue siendo el motivo dominante, y las sugerentes
superficies a menudo carecen de las subcapas esenciales que transforman el contenido en arte.
Dinner Party (1974-79) de Judy Chicago, ahora
expuesta permanentemente y ubicada en el medio de
Global Feminisms, brilla como una autntica estrella
solitaria en cierto modo. La obra de Chicago es un
extraordinario regalo para el mundo, un regalo que
ilumina y se hace poderoso a travs de su inteligencia, originalidad y "destreza femenina".
Carla Gannis
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After spending several hours at Global Feminisms, the

sprawling inaugural exhibition at the Brooklyn Museums
Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art I paused for
a rest in the books & gifts for sale area. There lying
on a table, far less assuming than the wall texts installed
throughout the exhibition, was a single sheet of paper
entitled Terms Related to the Exhibition. These terms:
essentialism, multiculturalism, neocolonialism, post
colonialism, and transnational read like a postmodern
curatorial laundry list. And it is apparent that exhibition
co-curators Linda Nochlin and Maura Reilly have
earnestly attempted to produce a non-hierarchical survey of contemporary art made by women from around
the planet women who grapple with feminism on individual terms that are unique to their ethnicity, nationality, and socioeconomic status.
Global Feminisms has good intentions, and painstaking
research was involved in its assembly. I want to root for
it very much, for them, the eighty-eight women, all born
since 1960 and representing 55 countries (from
Afghanistan to Zambia) who have contributed works of
art. Young works of art, dating from the last ten years
of the 20th century to the present.
Some of these women work and live in pre- or dawning
feminist worlds, while others inhabit seemingly postfeminist ones. The multi-dimensional nature of feminism
represented here aptly leads to its pluralized form in the
exhibition title. Familiar names to the New York art
scene Sam Taylor-Wood, Shahzia Sikander, Kara
Walker intermingle with less familiar names Salla
Tykk, Katarzyna Kozyra, Ingrid Mwangi artists who
are celebrated within their own countries and on a larger world stage.
My disappointment with Global Feminisms begins with
its misleading subtitle, New Directions in Contemporary
Art. I see instead many old directions in video, photography, and performance art, admittedly re-contextualized but not revivified. It is troubling how few works
offer a fresh and unique future gaze. Yuka, from Miwa
Yanagis My Grandmother Series stands out in its conjuring of 21st century female wish fulfillment. A young
woman imagines her future self not as a doting whitehaired old lady, but as an empowered Dionysian freedom
lover with flaming red hair and a significantly younger
boyfriend to boot. Unfortunately, among the entire
selection of artists, female abjection remains the more
dominant motif, and too often provocative surfaces lack
the essential sub-layers that transform content into art.
Judy Chicagos Dinner Party, 1974-79, now on permanent display and situated in the middle of Global
Feminisms, shines as an authentic and somewhat lonely star. Chicagos work is an extraordinary gift to the
world, one that illuminates and empowers through its
intelligence, originality, and craftswomanship.
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[AN] NEW YORK
Miwa Yanagi. Yuca, Serie My Grandmother. Cortesa de la artista
Judy Chicago. Dinner Party (1974-79).Cortesa de la artista
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[AN] NEW YORK
CARROLL DURHAM
La primera vez que acud a esta exposicin tuve dos sensaciones al respecto, una de repugnancia y otra de humor
absurdo. Pareca que el artista no estaba solamente tomando una actitud cnica hacia su espectador, sino que estaba
profetizando el final de su figura tanto moral como figurativamente. En el pasado siempre fue posible tomar el demiurgo annimo de Carroll Dunham por lo que l era, una caricatura de todo lo que tiene base en el carcter humano, en
parte porque podamos verlo de frente, fijndonos en su
apariencia manifiesta (las acciones que llevaba a cabo) y
nuestra habilidad para ver fantasa o patetismo en ellas.
Pero ahora, de espaldas al espectador, sin nada para que
nos entretengamos, excepto su recto respingn, queda
poco para que nosotros sopesemos la eficacia de lo que
parece una perspectiva esttica definitiva.
En la primera sala podemos ver una serie de pinturas amarillas, negras y blancas todas bajo el ttulo Dead, Yellow
(2007). La primera es el macroverso de su temtica, con
todos los detalles intactos. Cada una de las sucesivas pinturas de la serie presenta una visin parcial del mismo tema,
hacindonos examinar la especfica combinacin de elementos formales como un modelo imprescindible aunque estticamente difuso del conjunto. Su figura aparece representada de espaldas y de frente a nosotros, como si yaciese en
una plancha mortuoria, su cara con forma de pene y testculos cubierta con un amplio sombrero de ala, su impecable
camisa blanca, su corbata puesta, y su negra chaqueta
inmaculada con todos los botones en su lugar. Est vestido
para salir. Pero la cualidad animada por la que se le conoce
no aparece por ningn sitio. Hay algo indescriptible sin vida
en estos retratos, y despus de ver las otras pinturas de la
exposicin, que tratan de evitar al espectador y muestran
angustia, nos encontramos con que se prefieren las emociones ms fuertes y menos aceptables a la ausencia de ellas.
Esto nos lleva a otra de las salas de la exposicin, que est
llena de una serie de retratos con su figura de espaldas, cada
uno de los cuales evita al espectador, y a veces sujetando un
arma. Est totalmente rodeado por lo que parece ser material
de embalaje, o restos de un petardo una vez que ha explotado. Tres de ellos, que son dpticos, se titulan Garbage, Ratio
(2006) con subttulos separados como Disconnect (un lienzo
representando su torso en el que apunta hacia un lado con el
revolver girado, y el otro representando la mano con la pistola), y Shoulder (se representa su hombro derecho hacia un
lado en un lienzo ms pequeo, disolvindolo en un caldo de
pigmento puro). Una pintura grande de una figura similar flotando o cayndose sobre espacios extensos como bosques,
mares y el cielo de noche se titula Giant y me recuerda el
Micromegas de Voltaire, en el que un hombre gigante, casi
como un universo en s mismo, reflexiona sobre la necesidad
de su propia existencia. En Square Mule vemos otra figura
cogiendo una pistola y apuntando a su propio culo, en lo que
se puede llamar escalofriante acto de desesperacin. De todos
los retratos, esta es la que mejor recordaremos ya que aunque todas las figuras tienen culos descaradamente abiertos,
algunos de ellos desfigurados para parecer cavidades vaginales, solo en este modelo hace referencia a l, ms como el
motor de la propia perdicin, como la mtica serpiente
Ourobouros, que por hambre o por ira, devor su propia cola.
No puede haber una metfora mejor para el final.
I had two thoughts when I first viewed this exhibition,

one of revulsion, and the other of absurd humor. It
seemed the artist was not merely taking a cynical position toward his viewer, but swas in fact prophesizing the
end of his Shape both morally and figuratively. In the
past it was always possible to take Carroll Dunhams
anonymous demiurge for what he was, a caricature of
everything that is base in human character, partially
because we could view him frontally, seizing on his overt
appearance, the actions that he made, and our ability to
see whimsy or pathos in them. But now, with his back
turned to the viewer, with nothing for us to be entertained by except his upturned rectum, there is little left
but for us to ponder the efficacy of what seems a rather
final aesthetic perspective. The first room presents us
with a series of yellow, black, and white paintings which
all run under the title Dead, Yellow (2007). The first is
the macroverse of his subject, with all of the details
intact. Each successive painting in the series presents a
partial view of the same subject, and making us look at
that specific combination of formal elements as an
important though aesthetically diffuse model for the
whole. His shape is portrayed on his back and facing us,
as if laying on a mortuary slab, his cock and balls face
covered by a wide brimmed hat, his white shirt clean, his
tie on, his black jacket immaculate, all the buttons in
place. He is dressed to go. But the animated quality
which he is known for is nowhere to be found. There is
something ineffably lifeless about these portraits, and
after viewing the other paintings in this exhibitions,
which practice an avoidance of the viewer, and are saturated with angst, we find that the stronger and less
palatable emotions are preferable to the absence of
them. This leads us into the other rooms of the exhibition, which are populated by a sequence of backwards
portraits of his Shape, each of them facing away from
the viewer, sometimes holding a gun. He is surrounded
on all sides by what appears to be packing material, or
the remains of a firecracker after its been exploded.
Three, which are all diptychs, have the title Garbage,
Ratio (2006) with separate subtitles, such as Disconnect
(he aims a gun off to the side, with one canvas depicting his torso and the other the hand with the gun in it),
and Shoulder (his right shoulder is depicted on a smaller canvas off to the side, dissolving into a soup of pure
pigment). One large painting of a similar figure either
floating or falling over vast spaces such as forests, seas,
and the night sky, is titled Giant and reminds me of
Micromegas by Voltaire, in which a giant man, almost a
universe unto himself, ponders the necessity of his own
existence. In Square Mule we see another Shape taking
his pistol and aiming it straight down his own asshole, in
what I can only call an act of chilling desperation. Of all
the Shape portraits here, this is the one which we
remember the most, because since all the figures have
blatantly gaping assholes, some of them disfigured to
look like vaginal cavities, only this version has him making an overt reference to it as more of an engine of ones
own undoing, like the mythical snake Ourobouros, who
either in hunger or anger, devours his own tail. I cant
think of a better metaphor for the end.
David Gibson
Exposicin celebrada en la galera Gladstone en New York entre el 24 de
marzo y el 21 de abril.
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Exhibition held at the gallery Gladstone in New York from March 24 to April 21.
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ESPECIAL
MUSEOS + CENTROS DE ARTE
Gunther von Hagens. Body Worlds.Cortesa del artista
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[AN] ESPECIAL_MUSEOS Y CENTROS DE ARTE
LOS (DES)CENTROS DE ARTE
Desde principios de la dcada de los ochenta, y como signo

inequvoco y eficaz del desarrollo que ha vivido nuestro pas
sobre todo en el mbito de la cultura, se han ido abriendo
espacios para la cultura en todas las comunidades y en la
mayora de la ciudades, entendiendo por "espacios para la
cultura" bibliotecas, teatros, salas de cine, casas de cultura y centros de arte. De entre estos tal vez lo ms sorprendente sea a enorme proliferacin de los ltimos; sorprendente por la enorme cantidad y por la dudosa efectividad y
oportunidad de muchos. Hoy parece que todas las ciudades, grandes o pequeas, necesitan tener su Centro, pero
sin una conciencia clara de qu es, para qu sirve y con qu
medios cuentan no ya para abrirlo sino para programar y
para mantenerlo. En muchos casos hay que aplicarles el
viejo refrn castellano de que "tienen salida de caballo
andaluz y parada de burro manchego".
A mi entender, antes de anunciar a bombo y platillo que
se va a hacer algo tendran que pararse y estudiar la
situacin en la que se encuentran, una situacin en la que
muchos artistas y gestores culturales se han acostumbrado por la fuerza a vivir al lmite -en el lmite-. Son lugares en los que el apoyo a la cultura es escaso, por no decir
nulo, donde no se convocan becas a la creacin y donde
la atencin a lo que ocurre en su espacio brilla por su
ausencia, pero donde se anuncian constantemente nuevos espacios en los que no saben muy bien qu van a
hacer, que nacen sin un presupuesto claro y, lo que es aun
peor, sin un proyecto de gestin concreto. Son espacios
"entregados al mejor postor" que quiera regalar el odo de
los polticos de turno que, encantados con la posibilidad
de su inauguracin (lo que significa fotos) se dejan engatusar por sirenas afnicas cuyo canto no interesa ni a los
sordos. Sera interesante hacer un estudio de los espacios
que
se
inauguran
en
perodo
pre-electoral.
En algunas ciudades, despus de anunciar su inauguracin con alguna exposicin ms que circunstancial, declaran que no tienen presupuesto para pagar a los artistas ni
a los comisari@s, que el catlogo saldr "ms adelante" y
que su difusin en los medios ser ms que dudosa.
Creo que el apoyo a la cultura se debe hacer desde las
instituciones -es parte de su compromiso con los ciudadanos-, pero que se debe hacer de una manera inteligente,
con una poltica cultural eficaz y comprometida y sabiendo a donde se quiere y se puede llegar. Si no se puede
realizar una buena gestin, por las razones que sea,
mejor es llevar a cabo buenos proyectos de apoyo a los
artistas de su entorno, becas de estudio en el extranjero,
etc., lo que redundara en una "buena salud" cultural y un
mejor conocimiento de las posibilidades de la ciudad de
que se trate. Esto sera mejor que abrir un espacio con la
oportunidad de unas elecciones, para dejarlo languidecer
y morir al cabo de dos aos. A mi juicio es una manera de
pervertir el sentido de la gestin cultural y un gastar el
dinero pblico tontamente, si no perversamente.
Pero afortunadamente no todo es as, hay muchos espacios en Espaa que funcionan extraordinariamente, tal
vez con poco presupuesto, pero con una gestin envidiable que, en estos casos, depende de la buena preparacin
y la ilusin de las personas que estn al frente y, por
supuesto, de la poca "intrusin poltica".
Juan-Ramn Barbancho
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Since the beginning of the eighties, as an unequivocal

and effective sign of the development of our country in
the cultural field, some new spaces devoted to culture
have been opened in all the autonomous regions and in
dmost cities, understanding by "spaces dedicated to
culture", the libraries, theatres, cinemas, municipal art
centres and art centres. Among them the most surprising thing is the proliferation of the last ones, owing to
the great increasing number of them and the uncertain
effectiveness and opportunity of many of them.
Nowadays it seems that all the cities, the small or the
big ones, need to have their own Centre, but without
knowing what it is, what it is for and the resources they
should have not only to open it but also to draw up a
programme for it or to support it. In many cases we
should apply an old Spanish proverb: "they look like an
Andalusian horse but they are really like a donkey from
La Mancha".
From my point of view, before announcing that they
are going to do something amid a lot of hype, they
should stop and study their situation, which is also
the situation in which many artists and cultural managers have got used to living in the extreme by force.
They are places where culture support is scarce or
almost null, where grants for creation are not convened, and where there is a distinct lack of attention to
what is happening at the space, but where other new
spaces founded without a clear budget and without a
concrete management project are constantly announced. They are spaces "knocked down to the highest
bidder" who wants to flatter the politicians, delighted
with the possibility of the opening and the photographs it implies, are coaxed by voiceless mermaids
whose singing is not interesting even for deaf people.
It would be very interesting to examine the spaces
opened during the pre-election period. In some cities,
after announcing their opening with any circumstantial exhibition, it is said that they do not have enough
budget to pay for the artists or the curators, that the
catalogue will be published "later" and its spreading
in the media will be doubtful.
I think culture support must be carried out from the
institutions - as it is part of their commitment with
the citizens - but it must be carried out intelligently,
with an efficient and committed cultural politic knowing the objectives. If they cannot carry out a good
management, by any reason, it is better to carry out
good supporting projects for the artists, grants abroad, etc. what it would mean good cultural health and
a better knowledge of the possibilities of the city. This
would be better than opening a space taking advantage of the elections, and then letting it languish and
die two years later. From my point of view it is a way
of distorting the sense of the cultural management
and wasting money stupidly and wickedly.
But, fortunately, not everything is like this; there are
a lot of spaces working properly in Spain, maybe with
a scarce budget, but with an enviable management
that, in these cases, depends on the good training
and illusion, and the lack of political intrusion, of the
people leading it.
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A MAYOR PRESUPUESTO MAYOR HEGEMONA

Los centros y salas de arte son en funcin de sus recursos econmicos
Uno de los proyectos ms apasionantes y mejor

dotados econmicamente de cuantos podamos analizar es el de la Sala de Exposiciones del Ministerio de
Fomento (hoy de la Vivienda) en Madrid, la Arquera
de los Nuevos Ministerios, durante el perodo de
1990 hasta el momento que el nuevo Ministerio se
hizo cargo de su responsabilidad y sustituy al que
durante todo ese tiempo fue el encargado de su programacin, el arquitecto Gerardo Mingo Pinacho. Una
sala que conoci un contenido equilibrado y atento a
las ms importantes y transcendentes firmas mundiales de la arquitectura. La mayora de aquellas
exposiciones celebradas disfrutaron de presupuestos
muy superiores a los presupuestos asignados a una
gran parte de los centros y museos artsticos espaoles de la poca para toda una temporada; y ms que
probable todava hoy. Tambin al de muchos centros
y salas del mundo.
Quien firma particip en el proyecto durante una
dcada, la de 1990 a 2000. Una dcada sin duda brillantsima. El magnfico trabajo desarrollado en esa
sala por Gerardo Mingo y su gran y coordinado equipo continuara sin cesar, y si cabe con mayor prestigio an, hasta su destitucin en 2004. Un perodo de
gran altura. Es cierto que durante esa etapa los gastos de exposiciones alcanzaron cifras desorbitadas, lo
que en algunos casos poda provocar cierto sonrojo,
pero tambin cierto que los resultados y sus efectos
mediticos resultaron desbordantes y espectaculares. Por la sala no slo se pasaron los ms ilustres
nombres de la arquitectura mundial, sino que tambin los proyectos expositivos construidos fueron de
una categora excelente reconocidos por todos. Tanto
es as, que su valoracin unnime como qued
refrendada ao tras ao y curso tras curso al recibir
los principales galardones de cuantos premios se
convocaban anualmente para valorar las mejores
exposiciones llevadas a cabo: diseo, narrativa,
espectacularidad, innovacin, ingenio. Ningn ao se
dej de recibir el primer premio durante el tiempo
que yo estuve. Luego ya no me lleg esa informacin.
La sala de exposiciones del MOPU lo ganaba todo, al
igual que un reconocimiento internacional sin precedentes. As puede decirse la categora de los proyectos de exposicin que all se desarrollaban. Una categora y prestigio logrado en gran parte porque cada
uno de los diseos expositivos los realizaba el mismo
arquitecto de la muestra u otro que conociera en profundidad la obra y al autor del que se celebrara la
exposicin, trabajo profesional llevado a cabo por el
equipo funcionarial responsable y la ejemplar coordinacin entre todos los involucrados. Segn esto
podemos hablar de una sala ejemplar. En gran medida debido a sus elevados presupuestos. El objetivo
se cumpla ao tras ao. Debemos decir por tanto
que un centro de arte o una sala de exposiciones
trasciende segn su dotacin presupuestaria, adems de su equipo obviamente? Creo que antes de
seguir he de decir que el perodo al que me estoy
refiriendo es el mejor momento posible de la arquitectura en Espaa y esta sala estaba dedicada exclusivamente a la arquitectura. Hablo de los comienzos
de los noventa: Olimpiada en Barcelona, Exposicin
Universal en Sevilla, Madrid ciudad europea de la cultura. Es el momento del despegue definitivo de la
arquitectura espaola. La sala contribuy de alguna
manera a ello.
Lamentable y dolorosamente cuando la sala pas a
depender del actual Ministerio de la Vivienda y de la
responsabilidad de la ministra Trujillo y de su ms
que demostrado incompetente equipo gestor, la sala
ha dejado de tener inters, de programar con criterio, de hacer exposiciones, de estar. Para los que
estuvimos cerca de la sala en aquellos momentos de
mxima efervescencia, ser testigos de lo que es la
sala en la actualidad nos rompe el alma y nos lleva a
dudar de la competencia, la categora cultural, gestora y social de estos nuevos encargados.
Como consecuencia de esta actitud abandonada las
exposiciones de arquitectura, una actividad fundamental para que sea conocida por todos los ciudadanos, son patrimonio exclusivo de las programaciones
de los colegios de arquitectura (evidentemente para
minoras) o de algn recndito lugar por el afn de
un comisario arquitecto romntico que se niega a
admitir que la arquitectura haya dejado de exhibirse
en una sala oficial con la necesaria dotacin presupuestaria patrimonio de todos.
La arquitectura es una actividad esencial para la vida
del ser humano, sus resultados para la salud de la
convivencia, sus planteamientos para la armona de
los paisajes. Demasiadas cosas en la vida dependen
de los resultados de la arquitectura. Por esa y otras
muchas razones se nos debe educar en la arquitectura. El gasto destinado para exposiciones sobre arquitectura desde la Administracin Pblica no es un
derroche, es una obligacin. Cierto que hay controlar
los gastos y evitar lo intil y desproporcionado, una
obligacin tambin ministerial, pero jams suspender
dicha actividad de educacin y formacin ciudadana.
Una verdad de perogrullo es que a mayor presupuesto mejores exposiciones, mayor impacto social,
mejores registros generales. En aquel perodo se
alcanzaron unos resultados impensables, adems de
un referente fundamental para los centros de arte,
museos y salas de exposiciones.
La dotacin de los elevados presupuestos permiti
disfrutar de magnficas exposiciones, montajes increbles, emocionarse con el trabajo de la arquitectura
tan desconocido para la mayora, congregar a decenas y decenas de personas de todas las procedencias, de que se hablase y reconociera este transcendental trabajo social. No puede ser de otra manera,
a mayor capital de inversin en el espectculo de una
exposicin mayor el impacto del pblico, mejores
logros en su educacin. Cualquier cantidad destinada
a cultura siempre ser muy complicado saber su
efecto en las personas. Sin embargo no debe cejarse
en el empeo. Todo gasto para la cultivacin de los
ciudadanos es un bien siempre demasiado corto. La
Administracin es quin debe, est obligada, a realizar esa inversin ineludible.
Jos Manuel lvarez Enjuto
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One of the most exciting projects and one of the

best economically fitted ones off all these we can
analyse is the Sala de Exposiciones del Ministry responsible for Public Works (nowadays the Ministry of
Housing), the "Arcade of the New Ministries ", in the
period from 1990 until the moment in which the new
Ministry took the charge of its responsibility and
substituted the one who was in charge of its programme planning, the architect Gerardo Mingo
Pinacho. A room that had a balance and attentive
content for the most important and significant architectural companies from all over the world. Most of
the exhibitions held at this space enjoyed some budgets that were much higher than the budgets assigned to most Spanish artistic museums and centres
for a whole season, and also higher then many centres and rooms from all over the world.
The undersigned took part in the project for a decade, from 1990 to 2000. It was a really outstanding
decade. An excellent work developed in this room by
Gerardo Mingo, and his coordinated team will go on
working incessantly and with more prestige until his
dismissal in 2004. It was a great period. It is true
that the exhibitions expenses were exorbitant in this
period, what caused certain blush, but it is also true
that the results and the media effects were spectacular and overwhelming. Not only the most famous
figures of the world architecture, but also the created expositive projects were top-class and recognized by everybody. So much so that the valuation
was unanimous as it was endorsed year after year
and season after season when they were awarded
with the main prizes announced annually to value
the best exhibitions, the design, the narrative, the
spectacular nature, the innovation, the talent. While
I was there we were always awarded with the first
prize. Later I did not have this information.
The exhibitions room of the MOPU won everything
and also an unprecedented international recognition.
So we can prove the quality of the expositive projects that were developed there. Category and prestige achieved in part because each one of the expositive designs were carried out by the same architect
of the exhibition or another one who had deep knowledge of the pieces and the author of the exhibition, a professional work carried out by the responsible team and the exemplary coordination among
the involved people. According to this information
we can say that it was an exemplary room. To a
great extent owing to the high budgets. The objectives were achieved year after year. So, could we say
that an art centre or an exhibitions room leaks out
according to the budgets as well as the working
team, of course?
I think that before going on I must say that the
period I am referring to is the best moment for
architecture in Spain and this room was only devoted to architecture. I am referring to the early nineties, Olympic Games in Barcelona, Universal Expo in
Seville and Madrid as the European capital of
Culture. It is the moment of the definitive boom of
Spanish architecture. Somehow the room helped to
achieve this.
Unfortunately and painfully when the room was
accountable to the present Ministry of Housing,
under the responsibility of the minister Trujillo and
her well-known incompetent managing team, the
room has lost interest in programming with good
judgement, in organizing exhibitions, in being there.
From the point of view of the people who worked
there in those moments of great commotion, witnessing how the room is used nowadays breaks our
hearts and makes us having doubts of the competence, the cultural, managing and social capacity of
the new people in charge.
As a direct consequence of this neglected attitude,
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the architectural exhibitions, the main activity so

that it is known by all the citizens, are now organized by the architecture schools or by a romantic
curator architect who refuses to admit that architecture is not exhibited any more in an official room
with the needed budget of our patrimony.
Architecture is an essential activity for the life of
human beings its results are essential for the welfare of the cohabitation, and its plans for the harmony
of the landscapes. There are too many things in life
depending on the results of architecture. The expenses of the civil service for the exhibitions on architecture is not a waste, it is rather an obligation. It is
true that it is important to reduce the expenses and
avoid the useless and disproportionate, which is
another ministerial obligation, but we should never
stop this activity of citizen education and training.
What is really true is that the higher is the budget,
the more exhibitions to organize, the most important social impact, and the better general registers.
In that period some unthinkable results were achieved, as well as a referent for art centres, museums
and exhibition rooms.
The endowment of the high budgets let us enjoy
great exhibitions, incredible settings, get excited
with the architectural work that was unknown for
most of us, bring together tens and dozens of people from all over the world, talk about and recognize this important social work. It cannot be any other
way, the more invested money in an exhibition, the
more social impact in the public, and better achievements in their education. It will always be very difficult to know the consequence of any amount of
money devoted to culture. However, we should keep
at it. All the money devoted to the citizens' education and training is always very little. The civil service must and has to make this investment unavoidably.
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CENTROS DE CREACIN - ESPACIOS DE PRODUCCIN
En los ltimos tiempos muchos son los museos y centros

de arte que poco a poco se han dado cuenta de que la
forma de generar un pblico fiel y cautivo- como se dira
en lenguaje puramente empresariales crear departamentos didcticos destinados a acercar los nuevos conceptos y desarrollos artsticos a la gente de la calle, y
romper con el halo academicista y, en ocasiones, distante que se genera en los desarrollos conceptuales y tecnolgicos cada vez ms en auge.
Por otra parte encontramos artistas, investigadores, programadores y desarrolladores que buscan espacios de
reunin y trabajo en los que poder intercambiar ideas,
confluir en campos de investigacin y aunar esfuerzos
para establecer una visibilidad a sus proyectos.
Esta doble demanda incita que surjan nuevas formas de
entender los procesos de creacin y las necesidades
sociales que implica la gestin cultural al servicio de la
ciudadana, provocando la aparicin de nuevos espacios
culturales como Arteleku, Hangar, Medialab Madrid...
centros de carcter marcadamente experimental que
realizan talleres, conferencias, cursos avanzados,
desarrollo de proyectos... y se caracterizan por tener
unas lneas de trabajo en torno a la creacin contempornea, volcndose en gran medida en la confluencia
entre arte y tecnologa.
Medialab Madrid, ubicado en el Cuartel de Conde
Duque, es uno de estos nuevos espacios de creacin
que buscan promover en sus salas una serie de actividades que pretenden convertirse en una experiencia
productiva para los diferentes tipos de pblico y usuarios. Como programa de trabajo se defienden los proyectos educativos integrados, basndose en un modelo de actividad que liga estrechamente procesos como
la investigacin, la produccin y la difusin para conseguir que todos los agentes implicados puedan sentirse
partcipes de cada paso que se da dentro de la propia
actividad.
Durante los ltimos aos se ha ido germinando esta
idea a travs del programa educativo, un programa
que ha evolucionado desde un apoyo a las exposiciones
hacia una formato en el que se plantean las muestras
como puntos de informacin y presentacin de materiales acerca de los temas que vertebrarn las diferentes actividades y proyectos.
Un ejemplo clave de esta evolucin es Interactivos? un
hbrido entre taller, seminario y exposicin que a travs
de una convocatoria de carcter internacional dirigida a
artistas, ingenieros, msicos, programadores... propone
presentar propuestas para su desarrollo colaborativo,
con la ayuda de tres profesores, en grupos interdisciplinares de trabajo. La idea es ofrecer un taller lo suficientemente largo como para poder desarrollar proyectos,
finalizarlos y mostrarlos en un proceso abierto al pblico de principio a fin.
Con este nuevo formato, Interactivos? busca trascender el modelo tradicional y jerarquizado de taller. Aqu
los profesores comparten sus conocimientos con los
participantes, pero todos son expertos que trabajan
en un proceso abierto al pblico general, el espacio de
trabajo es visitable y con la figura del mediador cultural podrn contextualizar los trabajos presentados,
fomentar el dilogo y crear un espacio de debate y
escucha poniendo al pblico visitante en contacto con
los participantes del taller.
Con actividades como esta y la puesta en marcha de

nuevos proyectos y grupos de investigacin, Medialab
Madrid busca tender una serie de puentes entre la institucin - mlm es un programa municipal- y nuevos colectivos o grupos de investigacin centrados en el conocimiento libre y el procomn, el open software y open
hardware, las televisiones comunitarias, los mapas
colectivos, el audiovisual en Internet... una serie de
campos que hasta el momento haban sido abordados
como lneas de actuacin paralelas a las corrientes culturales dominantes, y que emergen en gran parte por la
colaboracin comunitaria surgida de la Red.
Medialab Madrid, Hangar, Arteleku, MIDE, Gohan... son
nuevos espacios de creacin que ofrecen una nueva
forma de ver y entender el panorama artstico nacional. Ahora somos ms conscientes de los caminos
alternativos a seguir, y podremos ver lo estancados
que se quedan los circuitos musesticos tradicionales,
sino dirigen su mirada a los artistas y desarrolladores
que pueden abordar conceptos como la libertad, el
tiempo, el espacio, y defender con ms fuerza el procomn, la diversidad y la cultura libre armados con un
cable y un teclado.
Mnica Cachafeiro
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Lately there are a lot of museums and art centres that

have realized that the only way to have a loyal and captive public - as it would be said in business language - is
to create didactic departments devoted to bring the new
concepts and artistic developments to people, and to
break with the academicist aura, and sometimes distant
aura generated in the conceptual and technological
developments increasingly successful.
On the other hand we find artists, investigators, programmers and developers who are looking for meeting
and work spaces where they can exchange ideas, meet
in some investigation fields and join to establish the visibility of their projects.
This double demand urges new ways of understanding
the processes of creation and the social needs implying
the cultural management in the service of the citizens to
emerge, provoking the appearance of new cultural spaces such as Arteleku, Hangar, Medialab Madrid experimental centres that organize workshops, conferences,
advanced courses, development of projects and they
are characterized by having some lines of work around
contemporary creation, throwing into the confluence
between art and technology.
Medialab Madrid, situated in the Cuartel Conde Duque,
is one of these new spaces of creation that try to promote a series of activities in their rooms that try to
become a productive experience for the different types
of public and users. As a working programme the integrated educative projects are defended, being based on
a model of activity that links closely some processes
such as investigation, production and diffusion to get
those involved agents to take part in every step of the
activity.
This idea has been germinating by means of the educative programme for the last few years, a programme
planning that had evolved from a support for the institutions to a format in which new exhibitions are planned
as information points and material presentations about
the subjects that will be the essential structure of the
different activities and projects.
A key example of this development is Interactivos?, a
hybrid among workshop, seminar and exhibition that
suggests presenting proposals for the collaborative
development with the help of three teachers in interdisciplinary working groups by means of an international
official announcement aimed at artists, engineers, musicians, programmers The idea is to offer a long workshop so they can develop projects, finish them and show
them within an open process from the beginning to the
end.
With this new format, Interactivos? tries to go beyond
the traditional and hierarchical model of workshop. Here
the teachers share their knowledge with the participants, but all of them are experts working in a process
opened to general public, the working space can be visited and together with the figure of the mediator they will
be able to contextualize the presented works, to dialogue and to create a space for the debate contacting the
visitors with the participants.
With activities like this one and the starting of new projects and investigation groups, Medialab Madrid tries to
create some connections between the institution - mlm
is a municipal programme - and new collectives or investigation groups focused on the free and pro-common
knowledge, the open software and open hardware, the
community televisions, the collective maps, the audiovisual on the Internet a series of fields that had not been
tackled before as plans of action in parallel with the
dominant cultural trends, and emerge owing to the
collaboration of the community that appeared in the Net.
Medialab Madrid, Hangar, Arteleku, MIDE, Gohan are
new spaces for creation that show a new way of seen
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and understanding the national artistic panorama. Now

we are aware of the alternative ways to follow, and we
will be able to see how stagnant the traditional museum
circuits will be if they do not turn their attention towards
the artists and developers that can tackle some concepts
such as freedom, time, space, and defending the procommon, the diversity and free culture more strongly
and armed with a cable and a keyboard.
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MUSEO DE ARTE MODERNO Y CONTEMPORNEO - COLECCIN BERARDO
Un nuevo museo lisboeta abrir sus puertas al pblico

en el segundo semestre de 2007 bajo la direccin del
francs Jean-Franois Chougnet. Muchos han sido los
comentarios vertidos respecto a la constitucin de esta
- todava - futura institucin musestica, originada a partir de la mayor coleccin privada de arte del siglo XX
existente en el pas luso.
Polmica es la palabra que acompa, por diversos
motivos, este dilatado proceso que se remonta a 1996,
cuando fueron iniciadas las negociaciones sobre el destino de la Coleccin Berardo. Pero, quin es Jos
Berardo?, cul es la relevancia de su coleccin de arte
en el contexto museolgico portugus? y, por qu
gener tamaa controversia?
Jos Berardo (Madeira, 1944) es propietario del holding
Metalgest y sus inversiones abarcan las ms diversas
reas de negocio. Fue en los aos 90 cuando comenz a
adquirir obras de arte de forma continuada, contando
con la ayuda de Francisco Capelo, tambin coleccionista
y verdadero "pensador" del ncleo primigenio de la
coleccin. La preocupacin cronolgica y la vocacin
museolgica siempre estuvieron presentes, definiendo
una suerte de guin de lo que fue el arte desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros das. Tras la dimisin del primer consejero y organizador de la coleccin,
Jos Berardo mantuvo su postura de hacerse asesorar
por especialistas en arte contemporneo, quienes incorporaron a la fundamentacin y lgica ordenadora de la
misma el arte de la primera mitad del siglo XX, ampliando as su carcter pedaggico. De hecho, ese es precisamente el valor aadido y diferencial de la Coleccin
Berardo, ser la nica en Portugal que representa los
principales movimientos y tendencias que surgieron en
Europa y en los Estados Unidos a lo largo del siglo pasado, ocupando un vaco que, por cuestiones presupuestarias y de poltica de adquisiciones, no fue colmatado ni
por el Museo do Chiado-MNAC, ni por el Centro de Arte
Moderno de la Fundacin Gulbenkian, ni por el Museo de
la Fundacin Serralves, las tres entidades seeras de la
afirmacin de Portugal en el circuito internacional de los
museos de arte moderno y contemporneo.
La dimensin actual de la coleccin ronda las novecientas piezas y, durante aos, gran parte estuvo expuesta
en el Museo de Arte Moderno de Sintra y en el Centro
Cultural de Belm, en Lisboa. Desde 1996 el "megacoleccionista", como lo titul la revista americana Art
Forum, exiga al Estado portugus un espacio exclusivo
y adecuado al nivel de la coleccin y ciertas garantas de
programacin, conservacin y seguros. En octubre de
2005 lanz un ultimtum al actual Gobierno, alertando
sobre la eventual fuga de la coleccin a Francia en el
caso de no ser cumplidas las condiciones impuestas.
El primer paso hacia la resolucin de esta "batalha de
longos tempos", como fue definida por el propio empresario, tuvo lugar el 21 de diciembre de 2005, mediante
un pre-acuerdo que garantiz la permanencia de la
coleccin en Portugal. En la reunin quedaron definidos
los presupuestos bsicos necesarios para la instalacin
permanente de la coleccin: crear en el Centro Cultural
de Belm un Museo Nacional de Arte Moderno y
Contemporneo, adoptar un modelo de gestin similar al
de la Fundacin Serralves y constituir un Consejo de
Administracin abierto a entidades privadas, pero donde
el principal miembro sera el Estado.
El 3 de abril de 2006 se oficializ por escrito mediante

protocolo el primer esbozo del acuerdo verbal y el 9 de
agosto del mismo ao fue publicado el Decreto-Ley
164/2006, once pginas que regulan los estatutos de la
Fundacin de Arte Moderno y Contemporneo Coleccin Berardo y la creacin del museo homnimo.
Dos aspectos de la nueva ley hicieron palidecer el
supuesto altruismo del empresario. Por un lado, la coleccin fue cedida en rgimen de comodato por un periodo
de diez aos (de 2006 a 2016), durante los cuales el
Estado podra hacer valer su derecho de compra sobre
las obras, siempre y cuando Jos Berardo estuviese de
acuerdo con el precio que una entidad tercera fijase a
travs de tasacin. En relacin a esta cuestin, el 20 de
diciembre de 2006 el Ministerio de Cultura comunic el
resultado de la tasacin encargada a la casa de subastas
Christie's. Las 863 obras que conformaban en ese
momento la coleccin fueron valoradas en 316 millones
de euros y aunque, en un primer momento, el empresario no acept esa cifra, acab por reconocerla y autorizarla. Por otro lado, la gestin, el funcionamiento y las futuras adquisiciones del museo sern financiadas en gran
parte con dinero pblico, asunto que no tendra el menor
inters si no existiese la posibilidad de la coleccin nunca
tornarse efectivamente pblica. Ser ste el caso?
Fernando Montesinos
Fachada del Museo de Arte Moderno de Sintra. Cortesa del Museo
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A new museum will be opened in Lisbon in the second

half of 2007, under the director of the French JeanFranois Chougnet. There have been a lot of commentaries regarding the constitution of this future museum
institution, started from the biggest private art collection
of the 20th century in Portugal.
Polemic is the word which best describes this long process that dates back to 1996, when the negotiations on
the possible destiny of the Coleccin Berardo started.
But, who is Jos Berardo? Why is his art collection so
important in the Portuguese museum context? And why
did it cause such a controversy?
Jos Berardo (Madeira, 1944) is the owner of the holding
Metalgest and his investments include the most diverse
business areas. It was in the nineties when he began to
buy art pieces continually with the help of Francisco
Capelo, also a collector and the true "thinker" of the original essence of the collection. The chronological concern and the museological vocation were present, defining a good summary of the evolution of art from the
second half of the 20th century until nowadays. After
the resignation of the first consultant and organizer of
the collection, Jos Berardo kept the stance of wishing
to be advised by contemporary art specialists, who
incorporated the art of the first half of the 20th century
into the basis and the ordering logic of it, extending its
pedagogical character. In fact, this is the added and differential value of the Coleccin Berardo, that is, being
the unique collection in Portugal that represents the
main movements and trends emerging in Europe and
the United States throughout last century, occupying a
void that, owing to budgetary questions and questions
with the policy of acquisitions, was not covered either by
the Museu do Chiado-MNAC, or the Centro de Arte
Moderno de la Fundacin Gulbelkian, or the Museo de la
Fundacin Serralves, the three unequalled Portuguese
entities of the affirmation within the international circuit
of the modern and contemporary art museums.
Nowadays the collection size is about nine hundred pieces and, a great part of it was exhibited at the Museu de
Arte Moderna in Sintra and the Centro Cultural de Belm
in Lisbon for some years. Since 1996, the "mega-collector", as the American magazine Art Forum called him,
demanded the Portuguese government an exclusive and

suitable space at the level of the collection and certain
guarantees of programme planning, preservation and
insurances. In October 2005, he issued an ultimatum to
the present government alerting them in the possible
escape of the collection to France if they did not comply
with the demanded conditions.
The first step towards the resolution of this "long battle",
as it was defined by the collector himself, took place in
December 21, 2005 by means of a preliminary agreement that guaranteed the stay of the collection in
Portugal. During the meeting, the basic budgets needed
for the permanent installation of the collection were
defined: creating in the Centro Cultural de Belm a
National Museum of Modern and Contemporary Art,
taking a management model similar to the one of the
Fundacin Serralves and creating a board of directors
opened to private entities, but being the state the main
member.
On April 3, 2006, the first outline of the verbal agreement was made official in writing, and in August 9 of the
same year the government decree 164/2006 was published, eleven pages that govern the statutes of the
Foundation of Modern and Contemporary Art - Coleccin
Berardo and the creation of the homonym museum. Two
aspects of the new law made the supposed altruism of
the businessman turn pale. ON the one hand, the collection was transferred under comodato for a period of ten
years (from 2006 to 2016), and during this period the
government could buy the pieces whenever Jos
Berardo agreed with the price that a third entity fixed
through taxation. Regarding this question, on December
30 2006, the Department of Culture communicated the
result of the taxation to the auction house Christie's. The
863 pieces of the collection in that moment were valued
at 316 million euros and, although in a first moment the
collector did not accept this price, he finally approved
and authorized it. On the other hand, the management,
functioning and the future acquisitions of the museum
will be mainly financed with public money, a fact that
would not be interesting if there was not the possibility
for the collection to be public. Would it be the case?
Sol LeWitt.Vista de Eight Sided Pyramid (1992) en el Centro Cultural de Belm, Lisboa. Coleccin Berardo
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LA APUESTA DE SERRALVES
Vista Museu Serralves. Cortesa del Museu Serralves
Una decena de espacios culturales en Portugal, algunos

desaprovechados o inactivos, van a integrar un nuevo proyecto expositivo de la Fundao de Serralves que visa la
revelacin de talentos, divulgacin de la coleccin, calificacin de equipamientos existentes y creacin de pblicos. El
nuevo programa de Serralves, pensado e implementado
por Joo Fernandes, director del Museu Serralves, y
Ricardo Nicolau, adjunto del director, arranca este ao con
una exposicin en el Centro de Arte de Sines, comisariada
por Maria do Mar Fazenda, seguida del Forum Eugnio de
Almeida, comisariada por Bruno Marchand, y de las galeras del municipio de Torres Vedras, comisariada por Hugo
Dinis.
Muchos de estos espacios que podran tener una actividad
expositiva pululan por el pas, fruto de la maniobra electoralista o de la obra de fachada, sin ninguna planificacin,
sin cuadros competentes, y actualmente se encuentran
convertidos en ciberespacios, departamentos de ayuntamientos, museos etnogrficos o, simplemente, estn encerrados.El programa nace de la necesidad interna de
Serralves relacionada con el modelo de itinerancias seguido en los ltimos aos comenta Ricardo Nicolau . Haba
cuatro o cinco tipos de exposiciones que se adaptaban a los
espacios que nos invitaban a exponer partes de la nuestra
coleccin, pero pensamos que ya no se correspondan con
el contexto.
Los espacios dice se limitaban a abrir las puertas, a
dejar entrar al equipo de produccin, hacer su servicio y,
despus, cerraban de nuevo las puertas cuando nosotros
salamos y no contribuamos a que aquellas personas
aprendiesen, de hecho, lo que es pensar, producir y hacer
una exposicin de arte contempornea.
Junto al hecho de que haya espacios, algunos con todas
las caractersticas esenciales para hacer buenas exposiciones aadi , hay en este pas personas preparadas,
algunas con formacin universitaria especfica, para comisariar exposiciones de arte contempornea, pero pocos
haban tenido la oportunidad de poner en prctica aquello
que aprendieron. Ricardo Nicolau explica que Serralves
pretende proporcionar a estos espacios nuevos que van
surgiendo por todo el pas y a las personas que ah traba-
jan un contacto privilegiado con profesionales del medio, en

el sentido de contribuir para que se puedan desarrollar y
empiecen a producir, ellos mismos, de acuerdo con una
programacin propia.
La Fundao de Serralves tiene, sin embargo, pedidos
oriundos de todo el pas, y al final del presente ao editar
un catlogo con las obras de todas las exposiciones que
transcurrieron
en
estos
varios
espacios.
Este programa se inserta en los objetivos recientemente
decididos por el Conselho de Fundadores de la Fundao,
entre los que destacan la determinacin de valorar su
coleccin de arte contempornea colocndola entre los 10
ms relevantes de Europa, y convertir Serralves en uno de
los quince museos ms visitados de la comunidad europea.
En este sentido, la Fundao est, actualmente, negociando la cesin de una importante coleccin privada norteamericana, lo que le permitir alcanzar la dimensin de referencia que pretende, con el enriquecimiento de su coleccin
actual, de ms de tres mil obras de arte contempornea
valoradas en 54 millones de euros.
La coleccin del Museu Serralves abarca un periodo que va
de finales de la dcada de sesenta hasta a la actualidad y
est constituida por adquisiciones del museo, donaciones,
obras en depsito del Estado y de coleccionistas privados.
Tiene as representados los acontecimientos socio-culturales de la segunda mitad de la dcada de sesenta, desde la
consagracin del Pop Art al lanzamiento de las bases de la
desmaterializacin de la obra de arte, al mestizaje de gneros formales, a la utilizacin de la pelcula, la fotografa y el
texto como soportes de proyectos conceptuales y a la promocin de la indistincin entre arte y vida, acompaado por
la agitacin de nuevas ideas polticas y sociales. En Portugal
estos aos anuncian los experimentalismos de los aos 70,
y el inicio de un dilogo ms informado con las experiencias internacionales.
La ampliacin de su proyecto de internacionalizacin pasar por el desarrollo de programas con los actualmente
cerca de 80 asociados en todo el mundo, incluyendo 18
espaoles, y el incremento de nuevas sociedades.
Nuno Cunha
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INIVA ( INSTITUTE OF INTERNATIONAL VISUAL ARTS ) - LA INSTITUCIN MINORITARIA
INIVA representa un caso particular de institucin artstica

en el panorama britnico e internacional. Desde su nacimiento en 1994, en plena fiebre multiculturalista, se ha
caracterizado por tener un objetivo claro y definido: pensar los conflictos raciales a travs del arte. En su pgina
web nos informan que su "misin" es fomentar la "diversidad cultural". Podramos decir que su proyecto busca
constituir una plataforma para las minoras tnicas. La
precisin de sus propsitos hace de INIVA un caso singular, minoritario, dentro del conjunto de las instituciones
artsticas internacionales, especialmente europeas.
INIVA ha desarrollado su discurso a partir de una importante labor en varios frentes. Primero, la organizacin de
exposiciones para las que INIVA, hay que destacar, ha
comisionado obra nueva a toda una serie de artistas. De
este modo INIVA ha producido obra de artistas como Doris
Salcedo, Steve McQueen o Yinka Shonibare. De sus exposiciones podemos mencionar Mirage - Enigmas of Race,
Difference and Desire en torno a la figura de Frantz Fanon
y su influencia en varios artistas. Por otro lado, como toda
institucin que se precie de ser contempornea, INIVA ha
desarrollado un inters especial por las tecnologas digitales. Muestra de este empeo es la creacin de una galera
virtual (X-space) con obras comisionadas a artistas para
que trabajen por primera vez con medios digitales contando con el apoyo de tcnicos profesionales. De esta manera INIVA apoya el potencial creativo de la Red, de lo que
debieran aprender numerosas instituciones artsticas que
usan Internet como un mero archivo en el que acumular
sin tener que seleccionar ni limpiar el polvo. Por ltimo,
hay que sealar la labor que INIVA realiza en el campo
editorial con la publicacin de antologas sobre el arte contemporneo de la "periferia" del mundo-arte: Beyond the
Fantastic (sobre arte latinoamericano), Reading the
Contemporary (sobre arte africano). Los debates, las conferencias y proyectos educativos que desarrolla INIVA van
tambin en esta misma direccin de dar espacio y voz en
el centro-Londres a lo perifrico.
Sin duda la mera existencia de una institucin como INIVA
nos ayuda a cuestionar y complicar el trmino de periferia
y la validez del binomio centro-periferia para cartografiar
la escena artstica actual. Institucin con vocacin minoritaria financiada por instituciones mayoritarias (el todopoderoso Arts Council o el banco Barclays), se puede pensar
que INIVA tiene una relacin espinosa con su propio discurso acerca de las minoras culturales. Si "dar voz y visibilidad" a los que no tienen ni una ni otra es loable y siempre necesario, tambin es una empresa que acarrea toda
una serie de dificultades terico-prcticas, especialmente
para una institucin. INIVA ha sido criticada por mantener
un cierto "secretismo" en sus decisiones, por ser elitista en
su apuesta exclusiva por las minoras, cabe preguntarse
en efecto hasta qu punto esta institucin no reproduce
esquemas que intenta combatir. Preguntas difciles que no
hay que dejar de exponer a las instituciones artsticas que
deciden qu y cmo vemos y omos. Continuaremos
haciendo preguntas tras la inauguracin en otoo de la
nueve sede de INIVA en Shoreditch, barrio de artistas en
pleno proceso de gentrificacin. Esperemos que el rutilante edificio diseado por David Adjaye no cree un velo
espectacular sino que permita abrir ms y ms el discurso
de esta institucin.
Manuel Ramos Martnez
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INIVA represents a particular case of artistic institution

in the international and British panorama. Since its foundation in 1994, within a fully multicultural fever, it has
been characterized by having a clearly defined objective: thinking about racial conflicts through art. In their
web page they show us that their "mission" is to encourage "cultural diversity". We could say that their project
is trying to make up a springboard for the ethnic minorities. The precision of its purposes turns INVA into a
singular and minority case within the group of the international artistic institutions, specially the European
ones.
INIVA has developed its discourse from an important
work in several fronts. First of all, we should mention the
organization of exhibitions to which INIVA has commissioned some new pieces of a series of artists. In this
sense INIVA has produced the work of some artists such
as Doris Salcedo, Steve McQueen, Yinka Shonibare.
Among these exhibitions we could mention Mirage Enigmas of Race, Difference and Desire around the figure of Frantz Fanon and his influence on several artists.
On the other hand, and like all the institutions that pride
on being contemporary ones, INIVA has developed a
special interest in digital technologies. An example of
this is the creation of a virtual gallery (X-space) with
some pieces commissioned to artists so that they can
work with digital media for the first time with the support of professional technicians. This way INIVA supports the creative potential of the Web and many artistic institutions, which only use the Internet as a mere
archive where they can accumulate without having to
select or dust, should follow the example. Finally, we
should mention the work of INIVA in the editorial field
with the publication of some retrospectives on the contemporary art of the "periphery" of the art world:
Beyong the Fantastic (about Latin American art),
Reading the Contemporary (about African art). The
debates, conferences and educative projects INIVA
develops follow the same line of giving space and voice
in the centre - London to the peripheral.
Without any doubt, the existence of such an institution
as INIVA helps us question and complicate the term
periphery and the validity of the binomial centre-periphery so as to chart the present artistic scene. An institution with minority vocation and financed by majority
institutions (the almighty Arts Councial or the Barclays
Bank), INIVA can be thought to have a knotty relationship with its own discourse about cultural minorities. If
"giving voice and visibility" to those that do not have any
of them is praiseworthy and necessary, it is also something that leads to a series of theoretic-practical difficulties, especially for an institution. INIVA has been criticised because of the "secrecy" in their decisions, and
because of being elitist in their exclusive hope for minorities; in fact, one could wonder whether this institution
reproduces or not the ideas it tries to fight for. Some difficult questions we should show the artistic institutions
that decide what and how we see and hear. We will go
on making questions next autumn after the opening of
the new headquarters of INIVA in Shoreditch, a neighbourhood of artists in a fully process of gentrification.
We wish the shining building designed by David Adjaye
would not create a spectacular veil but it allows to open
more and more the discourse of this institution.
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MODERN. EL ESPACIO EXPERIMENTAL DE HEGEMAN
Modern. Berln
Los espacios de arte estn cambiando. Prueba de ello es

el proyecto que el alemn Dimitri Hegemann (52), fundador del club de msica tecno Tresor a principios de los
90, est llevando a cabo y que abrir sus puertas el prximo da 24 de mayo en la capital alemana.
En una antigua central elctrica, construida a principios
de los sesenta y declarada fuera de servicio tras la
cada del muro (1989), el visionario Hegemann dar
cuerpo a una idea fraguada en 2004 tras ver el proyecto del artista dans Olafur Eliasson Weather Project en
la Tate Gallery of Art de Londres. Le llam la atencin el
profundo y mgico efecto que los objetos pueden llegar
a provocar en un determinado espacio y ahora est creando en Berln un rea experimental, un lugar de instalaciones de luz y arte como " espacio municipal de calma
" al que razonablemente llama Quiet Room.
En una superficie de 22.000 m2 y cuatro pisos, el proyecto
Modem (el nombre nace de la interseccin entre el viejo
mundo analgico y la nueva era digital) albergar un bar,
una discoteca en el stano, y lo que ser su principal foco
de atencin, una gigantesca superficie expositiva dedicada
al arte. Algo parecido no existe todava en Berln. Y lo interesante de algo as es que cubre un hueco en la demanda
de espacios artsticos a la vez que establece un vnculo entre
las ya establecidas casas de arte y la escena de pequeas
galeras.
"Ya slo el espacio es la obra de arte"- dice Hegelmann. El
efecto espacial, el sorprendente tamao de la superficie, el
rastro de enormes turbinas, la presencia de pilares que
parecen abandonados pero an tiles, el desmoronamiento
de la ptina que resulta casi vivo El lugar recuerda a pelculas de ciencia-ficcin retrofuturistas. Y - dice Hegelmannas debe permanecer. Es interesante que queden visibles las
marcas del pasado. Slamente se limpiar el espacio y se
har transitable de un modo seguro para los visitantes.
Modem ser un punto de friccin entre la salvaje energa de
la noche y la tranquilidad del da; un lugar para el arte,
donde los artistas puedan, al margen de las pequeas galeras, hacer grandes producciones. Un espacio donde los visitantes podrn percibir los rastros de la energa de la noche
anterior y a la vez sumergirse en el contexto del arte dentro de un lugar que saca de contexto al propio arte, o ms
bien lo introduce en un nuevo marco de observacin.
Esta apertura crea un nuevo camino en Berln. La inmersin
del arte en espacios de ocio, y no al contrario. Sin duda una
cita a la que, tanto los amantes de la msica electrnica,
como los curiosos, no deberan faltar.
Rakel Ochoa
Art spaces are changing. A sign of it is the project the

German Dimitri Hegemann, the founder of the club of
techno music Tresor at the beginning of the nineties, is
carrying out and it will be opened next May 24 in the
German capital city.
In an old power station, built at the beginning of the sixties and declared "out of order" after the fall of the wall
(1989), the visionary Hegemann will give shape to an
idea hatched in 2004 after having seeing the project of
the Danish artist Olafur Eliasson Weather Project at the
Tate Gallery of Art in London. The deep and magic effect
of the objects in a certain space attracted his attention
and now he is creating an experimental area in Berlin, a
place for installations of light and art as the "municipal
space for calm" he reasonably calls Quiet Room.
In a surface of 22.000 square metres and four floors,
the project Modem (the name comes from the intersection between the old analogical world and the new digital period) will accommodate a bar, a disco in the basement, and its most important focal point, a gigantic
expositive surface for art. There has not been any similar space in Berlin so far. And the most interesting thing
is that it fills a hole in the demand of artistic spaces and
at the same time it creates a strong link between the
already created art houses and the scene of the small
galleries.
"Just the space is the work of art" - says Hegelmann.
The space effect, the surprising size of the surface, the
trace of huge turbines, the presence of pillars that seem
to be abandoned but still useful, the collapse of the patina that seems like being alive The place reminds us of
the retro-futuristic science-fiction films. And - says
Hegelmann - and it should remain like that. The fact that
the past marks remain visible is really interesting. Only
the space will be cleaned and will be made safely passable for the visitors.
Modem will be a friction point between the wild power of
the night and the calmness of the day; it is a place for
art, where the artists can, regardless of the small galleries, make great productions. A space where the visitors
will be able to notice the traces of the last night power
and at the same time to get immersed into the context
of art within a place that takes art out of context, or
rather introduces it into a new field of observation.
This opening creates a new path in Berlin. The immersion of art into the leisure places, and not the opposite.
It is, without any doubt, an appointment that both electronic music lovers and curious people should not miss.
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LOS NUEVOS DELINEAMIENTOS INSTITUCIONALES DE LA CIENCIA Y EL ARTE
Desde 1995 la exposicin Body Worlds recorre el mundo. Su

creador, el anatomista alemn Gunther von Hagens, patent a
fines de los setenta el proceso de preservacin de cadveres
conocido como plastinacin. Este mtodo le ha permitido concebir una novedosa y controvertida forma de exhibicin anatmica utilizando como objetos de estudio cuerpos, fragmentos y rganos humanos reales. En una dcada, el xito comercial ha hecho que, lo que inicialmente fuese considerado una
barbarie, haya desencadenado una serie de imitaciones.
Incluso, los muesos de ciencias naturales que hasta ahora
haban guardado distancia con respecto a este concepto ferial
de la anatoma, han comenzado a sucumbir a la tentacin de
comisariar exposiciones similares o de incluir especmenes
humanos plastinizados en sus colecciones permanentes.
Paralelamente, desde 1999 un grupo de jvenes artistas
entorno a la Academia Central de Bellas Artes de Pekn ha
realizado exposiciones en las que se incluyen fragmentos y
cuerpos humanos cadveres como soporte artstico. Su
exposicin debut Post-Sense Sensibility: Alien Bodies and
Delusion, a pesar de realizarse fuera de los espacios institucionales, alcanz inmediata resonancia por su inusitado
material expositivo. Xiao Yu, uno de los artistas participantes
sera invitado a la 49 Bienal de Venecia, 2001. En tal ocasin,
este artista mongol mostr su instalacin Ruan, 1999, en la
que aparecan unas criaturas engendradas a partir de la
combinacin de elementos corporales de ratones, conejos,
gatos y palomas y la cabeza de un feto humano.1 Estamos en
presencia de un nuevo dilogo entre arte y ciencia, basado
en la reconfiguracin de los lmites y funciones socialmente
conferidos a ambas instituciones. El arte ha sido histricamente entendido como el espacio de la emancipacin esttica en tanto que circunscrita a los trminos de la representacin. Por su parte, a la ciencia se le ha dispensado la libertad
del trato directo con el material humano. Esta libertad est
circunscrita al compromiso tico de no transgresin de las
coordenadas prcticas y simblicas del escenario cientfico.
Las acciones de Yu y de von Hagens apuntan precisamente
hacia la desarticulacin de ambos confines institucionales. Yu
y sus colegas ponen en precario la naturaleza alegrica y ficcional del gesto artstico. Inhiben la tradicional facilidad del
espectador de comulgar con imgenes de gran crudeza por
tratarse de meras ilusiones; espejismos previamente negociados y no autorizados a rebasar el contexto artstico y su condicin metafrica. Yu le ofrece al espectador un artefacto que
ya no es artificio. El espectador no tiene donde refugiarse frente al espanto desatado no por un personaje de ficcin sino por
el propio creador. El monstruo que tiene ante sus ojos no ha
sido elaborado con los tradicionales recursos imitativos del arte
sino con una piel similar a la suya. Yu ha roto el pacto entre el
artista y el receptor: aquel que se fundaba en la llamada "falacia expresiva". El arte es una falacia socialmente aceptada
como real. Pero al invertir los trminos, Yu le pide al receptor
que su nueva "realidad estetizada" sea aceptada como artificio. Es ahora el espectador el que debe, observando esa realidad fsica, clnica, mrbida inventarse su propia ficcin. Esto
no es parte del contrato social del arte. Yu ha cambiado las
reglas de juego. Tambin (o tan mal) lo ha hecho von Hagens
en la esfera cientfica. Este galeno, que hasta hace poco los
medios occidentales comparaban con Josep Mengele, ha
removido los pilares ticos en los que se fundamentan las prerrogativas con las que la ciencia mdica sostiene su libre trato
con el cuerpo humano vivo o cadver. El reto de von Hagens
no se limita a diseminar en la esfera pblica los atributos del
ghetto mdico, a partir de lo que denomina la "democratiza-
cin de la anatoma". Su principal profanacin es la de hacer

que los propios occisos se conviertan en actores. Bailarinas,
arqueros, jinetes, ajedrecistas no posan con un fin meramente didctico. Von Hagens ha creado una potica de la
(re)presentacin anatmica. Su teatro post mortem juega a
filosofar cuando algn espcimen es plastizado con su cerebro
o su corazn en la mano, ofrecindoselo al espectador. Sus
exposiciones incluyen referencias a la historia del arte. Tal es
el caso de una figura que sostiene su propia piel, en alusin al
clebre aguafuerte de 1556 del pintor andaluz Gaspar Becerra.
La ms reciente muestra al estilo Body Worlds y su ms importante competidora es Bodies... The Exhibition; organizada por
la poderosa compaa Premier Exhibitions Inc. con sede en
Atlanta. Paradjicamente, a expensas de dicha rivalidad, esta
muestra le ha otorgado a las ideas de von Hagens un slido
cuerpo institucional y ha ayudado a convertir sus "cadveres
exquisitos" en un producto de mercado de grandes perspectivas. La institucionalizacin y fetichizacin comercial de estas
esculturas humanas tambin ha afectado al arte. Lejos parece la conmocin de los aos noventa frente a los animales
disecados y diseccionados en las vitrinas de la serie Historia
Natural de Damien Hirst. Innecesaria parece hoy la endoscopia que en 1994 se hiciera Mona Hatoum para su video-instalacin Cuerpos extraos, con la que exteriorizaba los paisajes
arcanos del cuerpo interior. Arte y ciencia intercambian sus
respectivos capitales institucionales. El arte ha roto el espejo
de la representacin y la ciencia se ha hecho de un fragmento de ste. Queda ver si tales gestos debilitan o refuerzan la
autonoma y la autoridad de ambos.
Rubn de la Nuez
1 Esta instalacin no ocasion un gran impacto pues el espectador daba por sentado que se trataba de figuras de cera, considerando que no muy lejos se emplazaban las esculturas hipernaturalistas de Ron Mueck.
2 Bodies... The Exhibition fue recientemente exhibida, por primera vez en Europa, en el centro
de exposiciones Beurs van Berlage, en msterdam. Ha sido mostrada hasta ahora en Tampa,
Nueva York, Las Vegas, Miami, Pittsburgh, Seattle, y So Paulo; y prximamente abrir sus puertas en Washington DC y otras ciudades.
3 En el caso de Bodies... The Exhibition, como en la mayora de las exposiciones de su tipo, todos
los especmenes humanos, fragmentos y rganos han sido adquiridos en Dalian, China, la llamada Ciudad de la Plastinacin. De este modo, el usufructo de lo que parecen ser determinados
vacios legales en el gigante asitico, ha convertido a China en el sospechoso epicentro de este
nuevo encuentro entre arte y ciencia.
Gunther von Hagens. Body Worlds. Cortesa del artista
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Gunther von Hagens. Body Worlds. Cortesa del artista
The exhibition Body Worlds has travelled all around the world.
His creator, the German anatomist Gunther von Hagens,
patented the preservation process of corpses known as plastination at the end of the seventies. This method has allowed
him to conceive a new and controversial way of anatomic exhibition using corpses, real human fragments and organs as
study objects. A decade later, owing to the commercial success, those things initially considered as a barbarity, have triggered a series of imitations. Even the natural science museums, which had kept their distance regarding this concept of
anatomy so far, have started to succumb to the temptation to
curate similar exhibitions or to include plastinized human specimens in their permanent collections.
In parallel with this, since 1999 a group of young artists round
the Central Academy of Fine Arts in Peking have organized
some exhibitions in which human fragments and corpses are
included as the artistic media. Their first exhibition Post-Sense
Sensibility: Alien Bodies and Delusion, although it was carried
out outside the institutional spaces, had a far-reaching effect
because of the unusual expositive material. Xiao Yu, one of
the participant artists would be invited to the 49th Biennial of
Venice in 2001. In that occasion, this Mongolian artist showed
his installation Ruan (1999) in which some creatures bred
from the combination of some body elements of mouses, rabbits, cats and doves and the head of a human foetus.1
We have here a new dialogue between art and science,
based on the reconfiguration of the limits and functions
socially conferred on both institutions. Art has been historically understood as the space of aesthetic emancipation as
limited to the terms of representation. On the other hand,
science has been given the liberty of having direct relations
with the human material. This liberty is limited to the ethical commitment of not transgressing the practical and symbolic coordinates of the scientific field.
The actions of Yu and von Hagens point to the disarticulation of both institutional limits. Yu and his colleagues put the
allegoric nature of the artistic gesture in a difficult situation.
They inhibit the easiness of the spectator to sympathize with
cruel images because they are simple illusions, previously
agreed mirages not authorized to go beyond the artistic
context and their metaphorical condition. Yu shows the
spectator an artfact that is no longer a trick. The spectator
cannot find a refuge from the fright caused not by a fictitious
character but by the creator himself. The monster has not
been created with the traditional imitative resources of art
but with a skin very similar to theirs. Yu has broken the
agreement between the artist and the spectator: the one
based on the so-called expressive fallacy. Art is a fallacy
socially accepted as real. But when changing the terms, Yu
asks the spectator that his new aesthetic reality is accept-
Gunther von Hagens. Body Worlds.Cortesa del artista
ed as a trick. Now the spectator should invent his own fiction by watching this physical, clinic and morbid reality. This
is not part of the social contract of art. Yu has changes the
game rules.
Von Hagens has done the same in the scientific field. This
physician, who has been compared with Josep Mengele by
the western media until recently, has shaken the ethical
basis of the prerogatives the medical science supports the
relation with the human body, either alive or dead. Von
Hagenss challenge does not limit to spread the attributes of
the medical ghetto in the public sphere, starting from what
he calls democratization of the anatomy. His main desecration is to make the deceased become actors. Dancers,
archers, horsemen, chess players do not pose with a mere
didactic aim. Von Hagens has created a poetic of the
anatomical (re)presentation. His post mortem theatre plays
at philosophizing when some specimen is plasticized with
the brain or the heart in the hand, presenting it to the spectator. His exhibitions include some references to art history.
This is the case of a figure holding its own skin, referring to
the famous etching of 1556 of the Andalusian painter
Gaspar Becerra.
The most recent exhibition in the style of Body Worlds and
the most important rival is Bodies The Exhibition; organized by the powerful company Premier Exhibitions Inc. with
headquarters in Atlanta.2 Paradoxically, at the expense of
such rivalry, this exhibition has given the ideas of von Hagens
a solid institutional body and has helped to turn his exquisite corpses into a market product with good prospects.3 The
institutionalization and commercial fetishization of these
human sculptures has also affected art. It seems to be very
far away in time the commotion regarding the stuffed and
dissected animals in the glass cases of the series Historia
Natural by Damien Hirst in the nineties. And nowadays it
seems unnecessary Mona Hatoums endoscopy of her own
body for her video-installation Cuerpos Extraos, with which
she showed the recondite landscapes of the inside body. Art
and science exchange their institutional capitals. Art has broken the mirror of representation and science has acted as a
fragment of this one. We still have to see if such gestures
weaken or reinforce anatomy and the authority of both.
1 This installation was not a great impact because the spectator took it for granted that
they were wax figures, taking into account that Ron Muecks hyper-naturalist sculptures
were not very far away.
2 Bodies... The Exhibition was recently exhibited for the first time in Europe, in the exhibitions centre Beurs van Berlage in msterdam. It has been exhibited in Tampa, New York,
Las Vegas, Miami, Pittsburg, Seattle and Sao Paulo, and it will be shown in Washington DC
and other cities soon.
3 In the case of Bodies... The Exhibition, as in most exhibitions of this kind, all the human
specimens, fragments and organs have been acquired in Dalian, China, in the so-called
City of the Plastination. This way, the use of certain gaps in the Asiatic legislation, has
turned China into the suspicious epicentre of this new meeting between art and science.
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_CULTURA
THE BEST YEARS OF OUR LIVES. WILLIAM WYLER
1945. Boone City, pequea ciudad perdida en el medio

oeste americano, es el punto de llegada de tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial. Al Stephenson
(Frederich March) es un hombre maduro, ex empleado
bancario y de una acomodada posicin socioeconmica
que ha obtenido el rango de sargento de infantera en la
guerra. Al est casado con Milly (Myrna Loy) y es padre
dos hijos: Peggy y Rob (Teresa Wright y Michael Hall)
quienes durante su ausencia se han hecho quizs,
demasiado mayores. El segundo es Homer Parrish
(Harold Russell), joven marino, hijo mayor de una tpica
familia americana de pueblo que est prometido con
Wilma (Cathy O'Donnell), su novia de toda la vida.
Homer regresa a casa despus de haber perdido en la
guerra sus dos brazos, llevando en su lugar unos ganchos metlicos que lo atormentan hacindolo percibirse
como un ser casi monstruoso. El tercero es Fred Derry
(Dana Andrews), ex camarero en el bar de unos populares almacenes del pueblo, que regresa convertido en
piloto de bombarderos. Fred es un hombre de mediana
edad, casado con Marie (Virginia Mayo), una bellsima y
poco ortodoxa mujer a la que apenas conoce, y debe
afrontar una situacin socioeconmica muy poco solvente.
Al, Fred y Homer se conocen en ese angustiante y aorado regreso a casa, en un viaje que les unir para siempre. Viaje / metfora que les har padecer el srdido
recorrido de lo que les espera: el devenir de homenajes
y reproches, pequeos/grandes desencuentros laborales, familiares, y los ms dificultosos de todos: los fantasmas de la propia intimidad.
Las magnficas -en tanto que cotidianas y reconociblesescenas escogidas para enfrentar a los protagonistas
con todos y cada uno de sus temidos monstruos personales hacen del film un smbolo dentro de ste gnero.
No eleva el gnero porque su lenguaje sea para unos
pocos escogidos, sino por el contrario: es a travs de la
sencillez y cercana en el lenguaje elegido tanto visual
como textual, en la empata inmediata con el espectador, donde recala su grandeza (vase la escena del bar
donde Al pide a Fred que deje a Peggy y acto seguido
debe reponerse porque Homer va a demostrarle lo que
ha aprendido a tocar en el piano junto a su to; una
escena que sintetiza con gran precisin la esencia del
film)
Vale destacar dentro de la larga lista de producciones
en torno al drama de los veteranos de guerra algunas
cintas reconfortantes y lcidas como Taxi Driver (1976)
de Martn Scorsese con guin de Paul Schrader; Deer
Hunter (1978) de Michael Cimino con guin propio;
Alamo Bay(1985) dirigida por el francs Louis Malle, con
guin de Alice Arlene; Nacido el cuatro de julio (1989)
de Oliver Stone con guin propio; La escalera de jacob
(1990) de Adrian Lyne con guin de Bruce Joel Rubin; e
Iluminados por el fuego (2005) de Tristn Bauer - con
guin propio - fieles seguidoras de la lnea tica de
Wyler, y muy alejadas del tpico hollywoodiense del
hroe de guerra, cuestin que dignifica y devuelve credibilidad a un gnero muy malogrado por Rambos y afines.
En Los mejores aos de nuestras vidas asistimos atnitos a ver como William Wyler es envidiablemente capaz
de tomarse todo el tiempo del mundo para contar lo que
desea sin escatimar en detalles, y a travs de su enor-
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me cmara en estado de gracia, discrecin y sensibilidad

legtima, rueda con soberbia elegancia y la ms absoluta sencillez a un maravilloso reparto, que desborda en
calidad interpretativa.
Mediante un uso del tiempo poco frecuente para recorrer
y recoger elementos nfimos, enormes y nicos de la
vida cotidiana de estos tres hombres rotos por la guerra,
y a travs de un ejercicio del buen gusto y de la ms
maravillosa y coherente arbitrariedad personal para contar todo aquello que se le antoja indispensable, este
director de los Grandes Estudios, padre de mltiples xitos comerciales (Cumbres borrascosas, Vacaciones en
Roma, Ben-Hur, Funny girl, El Coleccionista) se mete
hasta lo ms profundo de las entraas de unos personajes fascinantes fundamentalmente por la cercana de su
dolor, y nos deja inmviles en la butaca hasta que por
fin conseguimos entender que ha llegado el momento
esperado, aquel que los har ser capaces al fin, de
comenzar los mejores aos de sus vidas.
Perla Carnota Gugliotti
The best years of our lives. William Wyler
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[AN] CULTURA
The best years of our lives. William Wyler
1945. Boone City, a small city lost in the American

Midwest, is the arrival point for three veterans of the II
World War. Al Stephenson (Frederich March) is a middleaged man, an ex-banker from a well-off socioeconomic
position who has got the status of infantry sergeant
during the war. Al is married to Milly (Myrna Loy) and is
the father of two children: Peggy and Rob (Teresa Wright
and Michael Hall) who have grown up too much in his
absence. The second one is Homer Parrish (Harold
Russell), a young naval officer, the oldest son of a typical country American family, engaged with Wilma (Cathy
O'Donell), his lifelong girlfriend. Homer comes back
home after losing both of his arms during the war, wearing two hooks instead that torment him and make him
feel a monstrous human being. The third one is Fred
Derry (Dana Andrews), the former waiter at a popular
drug store who comes back home as an Army bombardier. Fred is a middle-aged man and is married to Marie
(Virginia Mayo) a very beautiful and not very orthodox
woman who he hardly knows, and he must face a difficult economical situation.
Al, Fred and Homer met during this distressing and
yearning return trip, a trip that will join them forever.
Trip / metaphor that will make them put up with the sordid route of what is going to happen: the process of tributes and reproaches, familiar and working confrontations, and the most difficult ones: the ghosts of their
own intimacy.
The wonderful - as quotidian and recognizable - settings
selected to set the protagonists against all their fearsome personal monsters make the film be a symbol within
this genre. It does not raise the genre because its language is aimed just for a few, but on the contrary: it is
by means of the simplicity and closeness in the selected
language, both visual and textual, and in the empathy
with the spectator where its magnificence ends up (see
the scene at the bar where Al asks Fred to leave Peggy
and immediately afterwards he must get over because
Homer is going to show how he has learnt to play the

piano together with his uncle; a scene that summarizes
accurately the essence of the film).
Within the long list of productions around the drama of
war veterans it is important to highlight some comforting and splendid films such as Taxi Driver (1976) by
Martin Scorsese with the screenplay by Paul Shrader;
Deer Hunter (1978) directed and written by Michael
Cimino; Alamo Bay (1985) directed by the French Louis
Malle with screenplay by Alice Arlene; Born on the
Fourth of July (1989) directed and written by Oliver
Stone; Jacob's ladder (1990) by Adrian Lyne and screenplay by Bruce Joel Rubin; and Enlightened by Fire
(2005) directed and written by Tristan Bauer, faithful to
Wyler's ethic line, and very far from the Hollywood topic
of the war hero, a question that dignifies and gives back
credibility to a genre ill-fated by Rambo and some similar films.
In The best years of our lives we, astonished, can see
how William Wyler is able to take his time to tell what he
wants to without sparing any details, and by means of
his great camera in state of grace, discretion and legitimate sensibility, he shoots a star cast elegantly, with
absolute simplicity and a lot of interpretative quality.
Through an unusual use of time to go through and pick
up tiny, unique and huge elements of quotidian life of
these three men broken by the war; and by means of
the good taste and the most wonderful and coherent
personal arbitrariness to tell all these essential things,
this director of the Great Studios, and the father of a lot
of box-office successes (Wuthering Heights, Roman
Holidays, Ben-Hur, Funny Girl, The Collector) deeps into
the feelings of some fascinating characters mainly
because of the closeness of their pain, and we stay still
in our seat until we understand that this is the moment
when they will be able to begin the best years of their
lives.
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[AN] CULTURA
PROYECTO GUERNICA
Cuando surge la palabra

Guernica se antepone la
imagen al lugar. La visin
que Picasso realiz del
bombardeo de la Legin
Condor sobre poblacin
civil sufrido por esta localidad vasca en abril de 1937,
recoge la destruccin total
de la aberracin blica. La
iniciativa Guernica Project
(www.guernicaproject.org/
home.html)
surge
a
comienzos del pasado ao
bajo la conmemoracin del
70 aniversario de la Guerra
Civil Espaola. De este
modo, se quera insistir en
la necesidad de la concienciacin de la paz y de la
cooperacin internacional.
Para Octavio Vzquez,
compositor de la pieza para
el Guernica Project: Lejos
de limitarse a Espaa, el
proyecto tiene desde el
principio una visin global,
busca ser relevante para
todos lo conflictos, pasados
y presentes. Tambin es
parte de su misin promover el trabajo de muchas
otras organizaciones con
objetivos similares, y favorecer la colaboracin, la
coordinacin y el apoyo
mtuo.Actualmente,
Guernica Project Inc. es
una
organizacin
no
gubernamental localizada
en Nueva York, que en
diferentes lugares del
mundo, gestiona y promueve eventos destinados
a promover la paz a travs
de la msica y las artes. El
Guernica Project est presentando en una serie de
conciertos en todo el
mundo una nueva obra
que escrib especialmente
para esta ocasin (un tro
para violn, cello y piano).
Varios grupos de cmara
de primera fila, como el
Flatiron Trio de Nueva York
o el New Taipei Trio en
Taiwan, colaboran con el
proyecto para darle la
mayor difusin posible en
esta primera temporada,
compartiendo tambin as
el estreno de la obra y la
conmemoracin de los
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hechos
de
1936-37
comenta Octavio Vzquez,
germen de este proyecto.
El exitoso estreno de dicha
obra tuvo lugar en el
Carnegie Hall de Nueva
York el pasado 25 de octubre a cargo del Flariton Trio
(www.flatirontrio.com),
bajo el patrocinio del
European Dream Festival,
el Instituto Cervantes de
Nueva York, y el Consulado
General
de
Espaa.
Despus de este estreno
en Nueva York, el proyecto
se desplaz a Zagreb y en
los prximos meses tendr
lugar en Texas (Texas
Christian University en
Forth Worth), New York
(Hofstra
University,
National
Arts
Club,
Westchester
County),
Maryland (Johns Hopkins
University en Baltimore,
University of Maryland en
College Park), Manila
(Instituto Cervantes), y en
Santiago de Compostela
(Teatro Principal, Festival
Via Stellae).
When the word Guernica

appears the image is preferred to the place.
Picasso's view of the
bombing of the Legion
Condor on the civilians
suffered by this Basque
village in April 1937, captures the whole destruction of the war aberration.
The initiative Guernica
Project (www.guernicaproject.org/home.html)
appears at the beginning
of the last year with the
commemoration of the
70th
anniversary
of
Spanish Civil War. It was
necessary to insist on raising public awareness
regarding peace and
international cooperation.
According to Octavio
Vzquez, the composer of
the piece for the Guernica
Project: "Far from limiting
to Spain the project has
got a global vision from
the beginning, it tries to
be outstanding for all past
and present conflicts. It is
also aimed to promote
the work of many other
organizations with similar
objectives, and to contribute the collaboration,

the coordination and the
mutual support".
Nowadays,
Guernica
Project Inc. is a nongovernmental organization situated in New York,
which manages and promotes different events
aimed to promote peace
by means of music and
arts in different places all
around the world. "The
Guernica Project is showing a new piece I wrote
specially for this occasion
(a trio for violin, cello and
piano) in a series of concerts all over the world.
Several important chamber bands, such as the
Flatiron Trio from New
York or the New Taipei Trio
from Taiwan, collaborate
with the project so as to
be spread as much as
possible in this first season, sharing the premiere
of the piece and the commemoration of the 193637 events", says Octavio
Vazquez, the germ of this
project.
The successful premiere
of such as piece was
held at the Carnegie Hall
in New York last October
25, performed by the
Flariton Trio (www.flaritontrio.com), under the
sponsorship
of
the
European Dream Festival,
the Instituto Cervantes in
New York and the Spanish
General Consulate.
After this premiere in
New York, the project
moved to Zagreb and in
the next few months it
will travel to Texas (Texas
Christian University in
Forth Worth), New York
(Hofstra
University,
National
Arts
Club,
Westchester
County),
Maryland (Johns Hopkins
University in Baltimore,
University of Maryland in
College Park), Manila
(Instituto
Cervantes),
and in Santiago de
Compostela
(Teatro
Principal, Festival Via
Stellae).
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[AN] CULTURA
UN POCO DE POLMICA NO HACE DAO

( y menos si viene de la mano de un genio )
Aunque
actualmente
Truffaut sea acusado de
afectaciones y poses polticas, hay que sin duda,
alabar la claridad de su
subjetivismo; una claridad lograda gracias a la
pluma de un poeta cinfilo que supo distinguir con
la lucidez de unos pocos
quienes terminaran por
definirle a l mismo cuando alzaba la voz alto y
claro para hablar de ellos
como sus amigos, amantes o padres y quienes
haran posible que se distinguiera como el genio
que es cuando los tildaba
de ineptos, estpidos o
ignorantes.Y es que no
hay nada como hablar de
los dems para hablar de
uno mismo y Truffaut lo
tuvo claro desde sus principios en Cahiers d
Cinma.Y aunque su cine
naciera inevitablemente
militante para morir limitado,lo que si fue, el pionero de la Nouvelle
Vague, y es: UN GRAN
CRTICO que detestaba el
cine social y denostaba el
documental como mtodo
para "fotografiar" la realidad y que muy acertadamente deca que los crticos no tienen imaginacin
porque un crtico demasiado imaginativo ya no
podra ser objetivo y que
precisamente esa ausencia de imaginacin es lo
que les hace preferir las
obras muy desnudas,
muy sobrias; pero aunque
afortunadamente la palabra del genio perdure,su
voz muere con l para no
volver;y yo lo echo de
menos poniendo en claro
sus reflexiones sobre los
que dejan de lado
la
picarda y el disimulo de la
realidad para hacer un
cine social con la mirada
moderada del crtico que
Mar adentro deja Los
lunes al sol vacos de verdad o Te doy mid ojos
como si tal cosa; as con
la mirada crtica de Los
otros, que concluira
Truffaut, resulta la "desnuda sensacin de que

podran ser casi sus autores; que aunque intrusismo siempre ha habido,
hemos llegado a un punto
en el que ya hay que exigir que los que hayan fracasado en su soldadura
autgena se queden Mar
adentro y que algn genio
vuelva para traernos una
Nueva Ola.
Natalia Gonzlez
Although
nowadays
Truffaut is accused of
political
affectations
and attitude, without
any doubt, we should
praise for the clarity of
his subjectivism; a clarity achieved thanks to
the pen of a film fan
poet who got to distinguish between those
who were going to define himself when he
spoke loud and clear to
talk about them as his
Franoise Truffaut
friends,
lovers
or
parents, and those who
will make possible that
he was distinguished as
the genius who branded
them as incompetent,
stupid or ignorant people. There is nothing
like talking about the
others to talk about
oneself, and Truffaut
was sure of this from
his
beginnings
in
Cahiers d Cinma. And
although the origin of
his cinema was inevitably militant and the
end was limited, he was
really the pioneer of the
Nouvelle Vague and a
great critic who detested the social cinema
and insulted the documental as a method to
"photograph"
reality,
and rightly said that the
critics have no imagination because a imaginative critic could not be
objective, and this lack
of imagination is what
makes them prefer the
bare and sober pieces;
but although the genius's word lasts, his voice
dies with him and it
does not comes back
again; and I miss him
stating his meditations
on those who forget the
slyness and the tolerance of reality to make
a social cinema with the
moderate view of the
critic that Mar Adentro
leaves the untrue Los
lunes al sol or they Te
doy mis ojos; and with
the critical view of Los
otros, Truffaut would
end, there is the "bare"
sensation that they
could almost be their
authors; although there
have always been infiltrations, we have come
to a point in which it is
important to demand
that those ones, who
have failed in their welding, stay Mar Adentro
and any genius comes
back to bring us a
Nueva Ola.
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_notas de arte
d
Zang Huan (2005) Cortesa del artista
Paradiso Spezzato.
52Bienal de Venecia
Paradiso Spezzato es el proyecto expositivo de Alberto
Ruiz de Samaniego que representa a Espaa en la prxima Bienal de Venecia (10 de junio - 21 de noviembre)
organizado por la Direccin General de Relaciones
Culturales y Cientficas del Ministerio de Asuntos
Exteriores y de Cooperacin junto con la colaboracin de
la Sociedad Estatal para la Accin Cultural Exterior y la
Xunta de Galicia.
Jos Luis Guern (Barcelona, 1960), Rubn Ramos Balsa
(Santiago de Compostela, 1978), Manuel Vilario (A
Corua, 1952), Los Torreznos (el asturiano Jaime
Vallaure (1965) y el valenciano Rafael Lamata (1959))
de trayectorias, generaciones y mbitos diversos, son
los artistas que habitarn este quebrado edn.
Paradiso Spezzato se adecua a las lneas establecidas
por Robert Storr, crtico estadounidense y comisario de
esta edicin de la Bienal Pensa con i sensi-senti con la
mente. L'arte al presente. Paradiso Spezzatto parte de
dos ejes conceptuales. Por un lado, la idea de la positiva hibridacin de las prcticas artsticas contemporneas y por otro, la idiosincrasia simblica de la propia ciudad a travs de la revisin de los textos de Ezra Pound,
Friedrich Nietzsche y Marcel Proust.
Alberto Ruiz de Samaniego (Fene, A Corua, 1966) es
comisario y crtico de arte, docente de Esttica y Teora
de las Artes en la Universidad de Vigo. Fue redactor jefe
de la revista Creacin durante los aos 90, ha realizado
crticas de arte en destacadas publicaciones obteniendo
el Premio Espais a la crtica de arte que concede la
Fundacin Espais de Arte Contemporneo.
PHOTOTOESPAA
10 AOS
Desde 1998 se celebra en Madrid esta cita anual con la
fotografa entre el 30 de mayo y el 22 de julio.
En esta dcima edicin cuenta con una serie de espacios
institucionales como Casa Amrica en el que se presenta a la mexicana Lourdes Grobet que desde una mirada
social registra un deporte nacional: la lucha libre; en
Casa Zavala. Fundacin Antonio Saura Ricky Davila participa con la serie Ibrico; en el Centro Cultural Aguirre
se puede visitar Diario fotogrfico de Kalafatis que realiz durante cuatro aos en la isla griega Skopelos; en
el Centro Cultural Conde Duque se exhibe obra del francs Raymond Depardon que durante ms tres dcadas
ha fotografiado a la clase poltica, retratos de personalidades claves para la sociedad poltica contemporanea,
en este mismo espacio se puede ver la exposicin
Mrgenes (Ricardo Gonzlez, Sunil Gutta, Guillaume
Herbaut y Paul Seawright), y en el Centro Cultural de la
Villa/Fundacin SCH se muestra Neorrealismo. La nueva
imagen en Italia 1932-1960.
Este ao de nuevo algunas galeras y otros espacios se
unen al festival, en al seccin Festival Off.
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_convocatorias
PREMIOS
XIV PREMIO DE PINTURA CIUDAD DE LAS PALMAS DE GRAN CANARIA 2007
HASTA EL 11 DE MAYO
Podrn participar en el premio artistas de mbito
internacional. Se admitir a concurso una sola
obra por autor, original e indita, sin firmar. La
tcnica y temtica de la pintura sern libres. El
formato no ser superior a 116 x 89 cm. ni inferior
a 60 x 50 cm. en posicin horizontal o vertical. La
obra deber presentarse enmarcada con simple
listn. En el caso de las acuarelas pueden estar
resguardadas por cristal o cualquier otro material.
El artista adjuntar a su obra una ficha en sobre
cerrado, incluyendo toda la documentacin que se
detalla en las bases oficiales. El primer premio
estar dotado con 6000. Tambin habr dos
accsit dotados con 3000.
Concejala de Cultura, Turismo y Carnaval del
Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria
C/ Len y Castillo 322- planta 3, (35007- Las Palmas
de Gran Canaria)
Tel. 928 261 391
PREMIO EXTRAORDINARIO DE FOTOGRAFA
FUNDACIN AENA 2007
HASTA EL 18 DE MAYO
Podrn participar en el premio los artistas residentes
en Espaa o que hayan expuesto en este pas en el ao
2006. El tema ser libre. Los artistas debern presentar un mximo de tres fotografas no premiadas ni presentadas a otro certamen. La tcnica bsica ser la
fotografa (digital o analgica), pudindose completar
con las tcnicas complementarias que el autor considere. El soporte ser rgido, de unas dimensiones mnimas de 100 x 100 cm. y mximas de 300 x 300 cm.
Cada participante adjuntar en un sobre su nombre,
apellidos, direccin, telfono/s y DNI. Entregas del 9
al 18 de Mayo si se hacen en mano en Corzn, S.L. (c/
Alameda,11. 28014 Madrid Tel. 91 429 39 93); y si por
agencia en Corzn, S.L. (c/ Sevilla, 8. Pol. Ind. San
Roque 28500 Arganda del Rey (Madrid) Tel. 91 870 37
95). Las bases completas podrn consultarse en la
pgina www.aena.es. Los premios estarn dotados
con 12000 euros, 7000 euros y 4000 euros.
Fundacin Aena
Gral Pardias, 116 - 3 (28006 Madrid)
913 211 800 / 913 211 000 (Centralita)
PREMIO DE GRABADO EDUARDO NARANJO
(AYUNTAMIENTO DE PINTO 2007)
HASTA EL 23 DE MAYO
Podrn participar los artistas residentes en
Espaa. Slo se podr presentar una obra por
autor en cada modalidad y que no haya sido premiada en otros certmenes. Sern originales y
ejecutadas necesariamente con las tcnicas propias del arte grfico. La temtica ser libre y el
formato mximo del papel de 76x112 cm, y el
mnimo de la mancha de 35x35 cm. Se presentarn enmarcadas con marco metlico o de madera
no superior a 25 cm y protegida con metacrilato u
otro material irrompible (no cristal). Al dorso de
cada obra figurar claramente el nombre y apellidos del artista y la modalidad a la que se presenta. Adems cada obra se presentar firmada,
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numerada y fechada y acompaada de un sobre que

contenga: ttulo de la obra, tcnica, medidas, datos
del autor, currculum y una diapositiva de la obra o
fotografa en soporte informtico. El plazo de presentacin ser del 23 de abril al 23 de mayo de
2007. Las bases completas podrn consultarse en la
pgina www.ayto-pinto.es. El primer premio a obra
indita ser de 5000, el premio a la mejor estampa
ser de 2000 y habr otros dos premios de 500.
Centro Cultural Infanta Cristina
C/ Cadena s/n (28320 Pinto) Madrid
Tel. 912 483 814
cultura@ayto-pinto.es
VII PREMIO DE PINTURA (ARTES PLSTICAS
UNIVERSIDAD DE MURCIA)
HASTA EL 15 DE JUNIO
Podr participar cualquier persona. No se admitir
ms de una obra del mismo autor ni aquella que
hubiera obtenido galardn en otro certamen o concurso. Los temas y tcnicas sern libres y no podrn
exceder de 200 cm. por cualquiera de sus lados
mayores ni ser menor de 70 cm. por cualquiera de
sus lados menores. La obra se entregar debidamente etiquetada por su reverso, haciendo constar en
dicha etiqueta el ttulo de la misma y el lema VIII
Premio de Pintura rea de Artes Plsticas de la
Universidad de Murcia. El propio jurado llevar a
cabo la seleccin de aquella obra que por su calidad
se considere merecedora de figurar en la exposicin
del VIII Premio de Pintura del rea de Artes Plsticas
de la Universidad de Murcia, que se realizar en el
mes de octubre de 2007 en la Sala de Exposiciones
habilitada para tal efecto. Se establece un primer
premio dotado con 8000 y diploma para la obra que
as lo merezca a juicio del jurado calificador, y dos
accsit dotados con 2000 cada uno.
Servicio de Actividades Culturales
C.M. Azarbe, C/Rambla, 14, 30001 Murcia
Tel: 968 219 829
Fax: 968 210 969
carmenv@um.es
PREMIO LENTE NEGRA DE TRAILERS FICTICIOS
DE LA FUNDACIN LUS SEOANE
La Fundacin Lus Seoane presenta por primera
vez un festival abierto a todos los creadores mayores de 16 aos con el objetivo de promover filmes
de categora artstica o alternativa. En esta ocasin, se trata de elaborar un "triler ficticio", es
decir, el trailer de una pelcula ficticia pero existente a todas luces a ojos del espectador, para lo
que se tendr en cuenta la capacidad de sntesis,
el inters artstico y la credibilidad de las proyecciones. Habr dos premios, cada uno dotado con
1.500 euros, el Premio de el Jurado y el Premio del
Pblico, concedido este ltimo por los asistentes a
las Seoane Sessions, las actividades de verano en el
claustro de la Fundacin, en las que se proyectarn
los trilers y en las que los espectadores votarn sus
trabajos favoritos. Los trabajos debern enviarse a
la siguiente direccin:
Fundacin Lus Seoane
Ra San Francisco s/n
15001 A Corua
Tel. 981 216 015
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_convocatorias
II PREMIO INTERNACIONAL DE ARTE GRFICO

JESS NEZ
Podrn participar en el premio los artistas mayores
de edad. Los artistas debern presentar obras que no
hayan sido presentadas anteriormente a algn otro
certamen. Cada artista podr presentar un mximo
de una obra, en cualquiera de las disciplinas de las
tcnicas grficas: grabado calcogrfico, litografa,
serigrafa, xilografa y sus derivaciones. Las medidas
del papel no excedern de 76 x 112 cm y el tamao
de la mancha impresa ser, como mnimo, de 28 x 28
cm. Las obras se presentarn sin enmarcar y al dorso
deber figurar el nombre y apellidos del autor. Se
adjuntar la documentacin que detallan las bases
oficiales. Envo de obras del 5 al 30 de junio de 2007.
El primer premio estar dotado con 6500.
Fundacin CIEC
Ra do Castro 2 (15300 Betanzos) A Corua
http://www.dicoruna.es/cultura...
QUINTO PREMIO AUDITORIO DE GALICIA PARA

NOVOS ARTISTAS 2007
HASTA EL 28 DE SEPTIEMBRE
Podrn participar en el premio artistas menores de
cuarenta aos nacidos o residentes en Galicia. Cada
artista podr participar con una sola obra realizada en
cualquier tipo de tcnica o soporte. Las obras deben
ser inditas, sin presencia en otros concursos ni
exposiciones. Las medidas de las obras para pintura y
fotografa no podrn exceder de 200x200 cm. por
cualquiera de los lados. Las dimensiones de las esculturas no debern exceder de un cubo imaginario de
150cm. de lado y 100kg de peso. Y en el caso de las
instalaciones no podrn exceder de las que estaran
inscritas en un prisma de 250x250 cm. de base y 150
cm. de altura. En el caso de las obras de formato
audiovisual se debern incluir las indicaciones tcnicas sobre la forma correcta de exhibirse. Los artistas
participantes deben enviar la documentacin requerida antes del 28 de septiembre (fotocopia del DNI,
declaracin de residencia, direccin postal, nombre
artstico...). Los premios sern los siguientes: primer
premio dotado con 6500 euros, cuatro accsits dotados con 1500 euros cada uno, y un premio del pblico resultado de la votacin de las personas asistentes
a la exposicin dotado con 1200 euros.
Auditorio de Galicia
Tel. 981 574 153 / 981 552 290
exposicions@auditoriodegalicia.or
CONCURSOS
II CONCURSO DE PINTURA Y ESCULTURA FIGURATIVAS (FUNDACIN DE LAS ARTES Y LOS ARTISTAS)
HASTA EL 31 DE MAYO
La Fundacin de las Artes y los Artistas, que surge
con el firme propsito de defender el arte figurativo,
ofreciendo as una visin ms amplia de numerosos
autores del siglo XX y XXI que no han conseguido
hacerse un hueco en los museos ms consagrados
del mundo, ha presentado la convocatoria del II
Concurso de Pintura y Escultura Figurativas 2007, un
certamen con la dotacin econmica ms importante
del mundo, 200.000 euros en premios y adquisicin
de obras, contina con su objetivo de impulsar la creatividad y ayudar a nuevos autores, ya sean pintores
o escultores, a desarrollar su trabajoUna convocatoria en la que podrn participar todos los artistas sin
lmite de edad, nacionalidad o procedencia, siempre
y cuando presenten una nica obra por autor, original e indita, que no haya sido expuesta con anterioridad y sea de su exclusiva propiedad. La tcnica y la
temtica estarn sometidas a la libre eleccin del
autor, aunque deben mantenerse siempre dentro de
la esfera del Arte Figurativo. Los artistas podrn presentar sus trabajos hasta el da 31 de mayo de 2007,
y debern inscribirse previamente a travs de la web
del concurso, www.fundaciondelasartes.org. Una vez
recibidas las obras y cerrado el plazo de admisin,
stas sern sometidas a dos fases de seleccin por
parte de la organizacin para verificar que cumplen
los requisitos establecidos. Posteriormente, en el
mes de junio, el jurado emitir el fallo y en octubre
se celebrar, en Madrid, un acto de entrega de premios coincidiendo con la inauguracin de la exposicin y la presentacin del catlogo en el que se
recogern, tanto las obras premiadas, como las
seleccionadas.
www.fundaciondelasartes.org
CERTMENES
XXVIII CERTAMEN NACIONAL ARTE
CONTEMPORNEO CIUDAD DE UTRERA 2007
HASTA EL 5 DE MAYO
El certamen est limitado a los residentes en
Espaa. Cada concursante podr presentar un
mximo de tres obras, originales, firmadas y no
premiadas en ningn otro certamen. Sern admitidas las obras realizadas en cualquier soporte y
tcnica, excepto las videogrficas, CDRom, acciones y happening por motivos meramente organizativos. Las obras no podrn medir ms de 200 cm
por ninguno de sus lados. En el caso de esculturas,
su base no podr superar 100 cm por ninguno de
sus lados, ni superar los 200 cm de altura -incluyendo peana o base-, y no pesar ms de 50 Kg.
Las obras debern presentarse, sin embalar, en la
Casa de Cultura debiendo acompaar boletn de
inscripcin debidamente cumplimentado, en el
que se consignar la valoracin econmica de la
obra. El premio estar dotado con una bolsa de
compra por valor de 10.000.
Ayuntamiento de Utrera. Casa de Cultura
C/ Rodrigo Caro, 3 (41710 Utrera) Sevilla
Tel. 955 860 931
cultura@utrera.org
BIENAL INTERNACIONAL DE PINTURA DE ROYAL

PREMIER HOTELES. LORCA 2007
HASTA EL 12 DE MAYO
Podrn concurrir a este certamen todos los pintores
espaoles o extranjeros residentes en territorio
nacional, y, especialmente los de cualquiera de los
de los Estados miembros de la Unin Europea o de
Iberoamrica o residentes en los mismos. La tcnica, estilo y tema para concurrir a este Certamen
de pintura sern de libre eleccin. Se admitir una
sola obra por autor, que deber ser original. Las
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_convocatorias
obras presentadas no podr ser mayores de

200x200 cms., ni menores de 100 x 100 cms. La
entrega, recepcin y depsito de las obras se realizar en la sede del Hotel Hacienda Real Los
Olivos de Lorca (Murcia). Camino de Altobordo.
Purias 30800 LORCA Tfno.: 34 968 959 100 Fax:
34 968 959 104, por ser ste el lugar donde se realizar la seleccin y posterior exposicin de las
obras premiadas y seleccionadas. La cantidad
asignada para premios es de 34859 uros, repartidos de la siguiente manera: Primer Premio:
18030 Euros, Trofeo y Diploma ; Segundo Premio:
6010 Euros, Trofeo y Diploma; Seis Accsit de:
1803 Euros cada uno y Diploma.
Royal Premier Hoteles, SA
Avda. Carlota Alessandri,18 29620 Torremolinos
(Mlaga)
Tel.: 952.058.020
Fax: 952.378. 362
www.royalpremierhoteles.com
IV CERTAMEN DE PINTURA Y ARTE DIGITAL,
CARSA ARTE
Podrn participar en esta convocatoria todos los
artistas mayores de edad, espaoles o extranjeros, que tengan residencia en Espaa. Habr dos
categoras: Pintura (el formato no deber ser
mayor de 100 x 100 cm. ni inferior de 50 x 50 cm,
la tcnica y el estilo son libres. Todas las obras
debern estar enmarcadas o protegidas por un listn de madera, sin proteccin de cristal; no se permiten formatos dpticos, trpticos o polpticos. La
obra debe ser nica y unitaria) y Arte Digital (las
obras debern ser presentadas en formato flash,
en cualquiera de sus versiones, y debern tener
una duracin aproximada de 90 segundos; el peso
del archivo enviado no deber superar los 1,5 Mb
de memoria). La cantidad asignada para los premios es de 10.200: Pintura: 1 premio - 3600;
2 premio - 2400; 3 premio - 1.800; Accsit 1
600; Accsit 2 600 Arte Digital: 1 premio
900; 2 premio 300.
Carsa
Carretera Asa, 6. 48930 Getxo. Vizcaya
Tel. 94 480 51 83
certamen@carsa.es / www.carsa.es
BECAS
MONTEHERMOSO CREACIN 2007. CONVOCATORIA DE APOYO A LA CREACIN E INVESTIGACIN
EN ARTE Y PENSAMIENTO CONTEMPORNEO
HASTA EL 20 DE MAYO
El Centro Cultural Montehermoso Kulturunea
(Vitoria) presenta la sptima edicin de la convocatoria de apoyo a la creacin e investigacin en
arte y pensamiento contemporaneo. El objetivo
de
esta
iniciativa,
impulsada
desde
el
Departamento de Cultura del Ayuntamiento de
Vitoria-Gasteiz, es facilitar la produccin de los
proyectos seleccionados, as como su difusin y
exhibicin. Para ello se ofrecen ayudas destinadas a la creacin artstica, el comisariado y la
investigacin. dedicando, dentro del apartado de
investigacin, un mnimo de una de las ayudas
convocadas a proyectos relacionados con el des-
92
arrollo de una Historiografa del Arte feminista

en el Estado Espaol. Para las ayudas se destina
una cuanta total de 135.000.
Centro Cultural Montehermoso
C/ Fray Zacaras Martnez, 2 (01002 Vitoria - Gasteiz)
Tel. 945 161 830
comunicacion@montehermoso.net
www.montehermoso.net
CURSOS
SEMINARIO DE HISTORIA DE BARCELONA: LA
CONSTRUCCIN FORTOGRFICA DE BARCELONA
El curso pretende aproximarse al modo en que
Barcelona has sido construda por la fotografa
durante el pasado siglo. Las sesiones se centrarn
principalmente en aquellos trabajos fotogrficos que
han gozado de una difusin importante entre la ciudadana y que han desempeado un papel importante en la configuracin social del imaginario barcelons en distintos momentos del siglo. la Fundaci
Antoni Tpies y el Seminari dHistria de Barcelona
con la colaboracin del Museu dArt Contemporani de
barcelona y de lInstitut de Cincies de lEducaci de
la Universitat de Barcelona organizan el curso.
Fundaci Antoni Tpies
C/ Arag, 255
08007 Barcelona
Tel. 934 870 315 / Fax. 934 870 009
BECAS DE CREACIN ARTSTICA EN EL EXTRANJERO UNION FENOSA

HASTA EL 9 DE JUNIO
Unin FENOSA convoca tres becas de creacin artstica en el extranjero destinadas a artistas plsticos o
visuales nacidos o residentes en Galicia, que no hayan
cumplido los 35 aos el 31 de diciembre de 2007.
Las becas sern efectivas a partir del 1 de octubre de
2007 y su disfrute concluir el 31 de marzo de 2009.
Los beneficiarios acreditarn un mnimo de 6 meses
de residencia en el extranjero dentro de este perodo
de tiempo. Cada una de las becas estar dotada con
16.000 , cantidad sujeta a la retencin fiscal vigente. Los aspirantes debern presentar, o enviar por
correo certificado o empresa de trasnporte, entre los
das 2 de mayo al 9 de junio de 2007, en las dependencias del Museo de Arte Contemporneo UNION
FENOSA (Avda. de Arteixo 171, 15007 A Corua), en
horario de apertura al pblico la siguiente documentacin: Datos personales y currculum profesional,
artstico y acadmico; reproduccin en formato digital
y soporte CD de al menos 10 de sus obras artsticas;
memoria pormenorizada del trabajo artstico que pretenden realizar, con especificacin de sus fines,
medios y plazos de ejecucin y la expresa justificacin de que este trabajo tenga que realizarse necesariamente fuera de Espaa y aceptacin por escrito de
las Bases.
MACUF. Museo de Arte Contemporneo UNION FENOSA
Avda. de Arteixo 171
15007 A Corua
www.macuf.es
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_AGENDA
A CORUA
Fundacin Lus Seoane
Itinerario del trazo
Hasta el 8 de junio
Mirarte/Seoane
Hasta el 14 de diciembre
MACUF
Isabel Muoz
Hasta junio
Hipervnculos. Coleccin
Unin Fenosa en el Patio
Herreriano
Hasta finales de junio
Museo BB AA
Alison & Peter Smithson
Hasta el 24 de junio
Ana Vilaseco
Vicente Prego
Sin ttulo
Hasta el 16 de mayo
ALMERA
MECA
Asuncin Lozano
Hasta el 11 de mayo
Dels ngles
Rafal Rozendaal
Piece by piece
Hasta el 19 de mayo
Coln
Andoni Euba
Paisajes con heridas
Hasta el 28 de mayo
Estrany de la Mota
Marijke van Warmerdam
Hasta el 12 de mayo
BURGOS
Joan Prats
Johanna Billing
Mayo y junio
Kowasa Gallery
Giles-Henri Polge
Hasta el 26 de mayo
Lluci Homs
Bernardo Torrens
Hasta el 2 de junio
Mateo Mat
Nacionalismos domsticos
Desde le 24 de mayo hasta
el 7 de junio
Nogueras Blanchard
Extraordinary Rendition
Hasta el 19 de mayo
Michael Lin
Desde el 1 de junio hasta el
28 de julio
CAB Burgos
Cao Guimares
Hasta el 20 de mayo
Mateo Mat
Paisajes uniformados
Hasta el 20 de mayo
Casaborne
Carlos Maci
Shake well for best taste
Time goes back
Hasta el 3 de mayo
BARCELONA
Centre dArt Santa Mnica
Ceal Floyer
Jill Magid
Montserrat Soto
Invisible works
Das de BioArte
Senda
Soledad Sevilla
Apstoles
Hasta el 28 de julio
Sicart
Nicanor Araoz
Patada a la cabeza
Hasta el 5 de mayo
Trama
Enrique Asensi
Hasta el 22 de mayo
Gonzalo Sicre
Desde el 31 de mayo hasta
el 3 de julio
CRDOBA
Museo de BB AA
Escultura de Papel
Museo Gustavo de Maeztu

Fernando Pennetier
Iratxe Montero
Hasta el 6 de mayo
GIJN
LABoral
Labciberespacios
Feedback
Gameworld
Extensiones-Anclajes
Hasta el 30 de septiembre
GIRONA
Fundaci Francisco Godia

De Fortuny a Barcel
Fundaci Joan Mir
Claes Oldenburg y Coosje
van Bruggen
Sculpture by the way
Hasta el 3 de junio
MACBA
Manuel Laguillo
Barcelona, 1978-1997..
Hasta el 6 de mayo
Carlos Pazos
No me digas nada
Hasta el 6 de mayo
Un teatro sin teatro
el 11 de septiembre
ADN
Drawing and dreaming
Mayo
Marc Quintana
Obra reciente
Junio
Fundacin CIEC
Ivn Larra
Desde el 2 hasta el 31 de
mayo
BILBAO
Aula de Cultura BBK
Del Greco a Goya
Hasta el 20 de mayo
LLEIDA
Centre dArt La Panera
Jordi Bernad
Insectos
MADRID
EACC
Cantos Cvicos
Hasta el 20 de mayo
Cnem
Natuka Honrubia
Lindo Indoors
Hasta el 4 de junio
BETANZOS (A CORUA)
Espai Volart
Mara Helquera
el 23 de junio
CAAM
Jean Tinguely
A travs de paredes
CASTELL
ESTELLA (NAVARRA)
ANTEQUERA (MLAGA)
LAS PALMAS
Fundacin La Caixa
Culturas del mundo
el 22 de julio
Museu dArt
Ramn Pichot
Hasta el 20 de mayo
Escenaris transitable
Hasta el 3 de junio
Crculo BB AA
Luis Fega
Lugares de Pintura
Hasta el 20 de mayo
Raphal Lonn
Hasta el 27 de mayo
Casa de las Alhajas
El espejo y la mscara
Hasta el 20 de mayo
Fundacin Juan March
Roy Lichtenstein
De principio a fin
Hasta el 20 de mayo
Fundacin La Caixa
Jean-Honor Fragonard
Hasta el 6 de mayo
Fundacin Telefnica
Nam June Paik y Corea
Hasta el 20 de mayo
MNCARS
Chuck Close
Pinturas 1968-2006
Hasta el 7 de mayo
Daro Villalba
Exposicin antolgica
Hasta el 14 de mayo
Lo[s] Cintico[s]
Hasta el 20 de agosto
Wolfgang Laib
Sin principio Sin fin
Hasta el 9 de junio
Museo del Prado
Tintoretto
Hasta el 13 de mayo
Doce artistas en el Museo
del Prado
el 15 de julio
GRANADA
Museo de BB AA
El retrato espaol en el
Prado. Del Greco a Goya
Hasta el 20 de mayo
Gutirrez Solana en las
colecciones Mapfre
Hasta el 27 de mayo
Morquillas
LAir du Temps
Hasta el 27 de mayo
Museo de BB AA
Bill Viola
Las horas invisibles
Hasta el 18 de mayo
Palacio Condes de Gabia
Joaqun Casanova Cano
HUESCA
Museo Guggenheim
Anselm Kiefer
Sala Rekalde
Zinny / Maidagan
Hasta el 6 de mayo
Sean Snyder
el 19 de agosto
Centro de Arte y Naturaleza

Christiane Lhr
Esculturas, dibujos e instalaciones
Hasta el 20 de mayo
Museo Thyssen- Bornemisza

El espejo y la mscara
Hasta el 20 de mayo
Palacio de Cristal
Espacios para habitar
Hasta el 9 de mayo
Amparo Gmir
Javier Alkain
Hasta el 12 de mayo
ngel Romero
Gustavo Daz Sosa
El eco de los semejantes
lvaro Alcazar
Simon Edmondson
Hasta mediados de junio
Kimiko Yoshida
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_AGENDA
Desde el 19 de junio hasta
el 27 de julio
Antonio Machn
Antn Patio
Hasta el 31 de mayo
Arns y Rpke
David Hockney
Photographs
Hasta el 26 de mayo
Hans-Christian Shink
Vietnam Photographies
31 de julio
Depsito 14
Jaime Lorente
Ms pintura!
el 20 de junio
Dolores de Sierra
Ma Liuming
Hasta el 2 de junio
Elba Bentez
Carlos Garaicoa
Mayo
Valentn Vallhonrat
Junio
Espacio Mnimo
Martn Parr
Mxico
Hasta el 26 de mayo
Liliana Porter
To See Red
el 20 de julio
Estampa
Fernando lamo
Hasta el 7 de junio
Carmen Garca Bartolom
el 8 de junio
Zhow Wendou
el 19 de julo
Manuel Barbero
el 19 de julio
Estiarte
Concha Garca
Lasaladeser
Hasta el 22 de mayo
Fernando Latorre
Jos Mo
Canibal-ismo
Hasta el 3 de junio
Fernando Pradilla
Ambra Polidori
rase una vez...
Mira Bernabeu
Mayo
Armando Mario
Junio
Fruela
Etienne Clment
Hasta el 11 de mayo
Heinrich Ehrhardt
Thilo Heinzmann
Hasta el 26 de mayo
Helga de Alvear
Jrgen Klauke
Aesthetische Paranoia
Helena Almeida
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Hasta el 12 de mayo
Montserrat Soto
Lugar de silencios
Kreisler
Metcalf
Hasta el 8 de mayo
Jess Montes
el 5 de junio
La Caja Negra
Daniel Blaufuks
28 de julio
La Fbrica
Peter Granser
Hasta el 14 de mayo
Kimsooja
Hasta el 26 de mayo
Marlborough
Alberto Corazn
En tu mirada hubo un
bosque...
Genovs
Pinturas recientes
Hasta el 19 de mayo
Magda Belloti
ngeles Agrela
Hasta el 2 de junio
Marta Cervera
Emilio Lpez Menchero
Mayo
Colectiva
Junio
Michel Soskine Inc.
Steinberg
Hasta el 26 de mayo
Alan Glass
Junio
My names Lolita Art
Kantinka Lampe
La postura
Hasta el 19 de mayo
Oliva Arauna
Alexandra Ranner
Hasta el 18 de mayo
Botto&Bruno
el 21 de julio
Pepe Cobo
Gonzalo Puch
finales de junio
Pilar Parra & Romero
Christian Schumann
Hasta el 2 de junio
Raquel Ponce
Ricardo Calero
Hasta el 19 de mayo
Rita Castellote
David Trullo
Hasta el 19 de mayo
Salvador Daz
Grnlund & Nisunen
Soledad Lorenzo
Perejaume
Los horizontes y las cinturas

Hasta el 16 de mayo
Jorge Galindo
el 30 de junio
Trama
Garicoitz Cuevas
Desde el 19 de abril hasta
el 23 de mayo
Es Baluard M. dArt Modern

Un segle de paisatgisme a
les illes balears
Hasta el 1 de julio
Maior
Christof Klute
finales de junio
PONTEVEDRA
Travesa Cuatro
Juan de Sande
En sombra, en nada
el 21 de julo
Centro Social Caixanova

Destino La Libertad
Hasta el 27 de mayo
MLAGA
Fundacin Caixa Galicia

El ojo que ves
CACMlaga
Ron Mueck
Rachel Whiteread
Alfredo Vias
Noelia Garca Bandera
el 4 de junio
Gacma
Arnulf Rainer
Javier Marn
Wendy McMurdo
Hasta el 26 de mayo
JM
Ivn Prez
Hasta el 26 de mayo
REUS (TARRAGONA)
Antoni Pinyol
Vicen Ramrez
Desde el 9 hasta el 13 de
mayo
Aureli Ruiz
el 30 de junio
SALAMANCA
Adora Calvo
Sergio Montoro
Hasta el 20 de mayo
Teresa Lanceta
el 12 de junio
Beth Moyses
mediados de julio
MURCIA
Catedral Gallery
Antonio Soto
Mayo
Clave
Nursery
el 29 de junio
Espacio AV
Juan Manuel Daz Burgos
Hasta el 27 de mayo
SAN SEBASTINDONOSTIA
Koldo-Mitxelena Kulturenea
Sin fin
Arteko
Kyungwoo Chun
Versus
SANTANDER
OURENSE
Marisa Marimn
Manu Muniategiandikoetxea
Makalaittik
Hasta el 23 de mayo
Ignacio Llamas
Contornos del silencio
finales de junio
Visol
Suso Barrio
Mayo
Pilar Taboada
Junio
PALMA DE MALLORCA
Casal Solleric
Lin Utzon
Hasta finales de junio
Fundacin La Caixa
Historias animadas
Hasta el 1 de julio
Juan Sili
Alfonso Albacate
Hasta el 29 de mayo
Siboney
Eduardo Gruber
Tijuana/ Frankfurt
Hasta el 11 de mayo
Aldo Iacobelli
el 11 de junio
Emilio Gonzlez Sinz
el 8 de julio
SANTIAGO DE COMPOSTELA
CGAC
Mapas, cosmogonas e puntos de referencia
Hasta el 3 de junio
Ignacio Pardo
Senescencia
4/5/07
11:27
Pgina 95
_AGENDA
Ignacio Pardo
Senescencia
Hasta el 1 de julio
Salir A
el 24 de junio
Arte no parque
Desde junio hasta agosto
Xavier Toubes
el 2 de septiembre
Arquitectura
Contempornea en Galicia
el 2 de septiembre
C5 Coleccin
Territorios y cartografas en
blanco y negro
Hasta mediados de junio
DF Arte Contempornea
Fernando Garca
Hasta el 9 de junio
Espacio 48
Pavlo Orza
Hasta el 25 de mayo
Victoria Campillo
Desde el 31de mayo hasta
el 29 de junio
SCQ
Tono Carbajo
Hasta el 16 de mayo
Broto
el 29 de junio
Trinta
Teo Soriano
Pinturas sin escena
Hasta el 10 de mayo
Berta Cccamo
junio
Mateo Mat
mediados de julio
SEGOVIA
CajaSegovia. Torren de
Lozoya
Cabaret. Pars-Berln
Hasta el 1 de julio
Museo Esteban Vicente
La palabra imaginada
SEVILLA
CAAC
Daido Moriyama
Signos de ciudad
Hasta el 8 de julio
Museo de BB AA
De Goya a Gauguin
Hasta el 27 de mayo
Rafael Ortiz
Miguel ngel Campano
Desde el 19 de abril hasta
el 31 de mayo
TARRAGONA
Fundaci La Caixa
De Czanne a Dubuffet
Desde el 30 de marzo
hasta el 22 de julio

el 31 de julio
VALENCIA
Mara Prego
Ana Rincn
Hasta el 11 de mayo
Jos Mara Baez
el 19 de junio
IVAM
Speed 1-2-3
Hasta el 8 de julio
Ignacio Pinazo
El Pop en la coleccin grfica del IVAM
Hasta el 27 de mayo
Argenta
Ildefonso Aguilar
Entre islas
Hasta el 5 de junio
La Nave
Jos Manuel Ballester
Ximo Amig
Desde el 29 de marzo
hasta el 12 de mayo
My names Lolita Art
ngel Mateo Charris
Welcome to the House of
Painting
Paz y Comedias
Miguel Borrego
VITORIA-GASTEIZ
ARTIUM
Amar, pensar y resistir
Alfonso Cortzar
In Albis
Zhyi! Fotografa china
actual
Siah Armajani
Centro Cultural
Montehermoso
Switch on the power
Hasta el 4 de mayo
Tomas March
Nico Munuera
Llegando a Xuwan
mediados de junio
VALLADOLID
Museo Patio Herreriano
Elena del Rivero
Hasta el 4 de junio
VIGO
Centro Cultural Caixanova
Pepe Galn
Hasta el 6 de mayo
Fundacin Laxeiro
Mar Vicente
Reflejo de superficies
MARCO
Escoitar.org
Hasta el 13 de mayo
Documentos. La memoria
del futuro
Carlos Rial
el 26 de agosto
adhoc
Juan Carlos Romn
Piedrecitas en el zapato
Ru Calada Bastos
Scarface
Hasta el 9 de junio
Daniela Edburg
Fernando Santos
Pedro Portugal
Hasta el 26 de mayo
Filomena Soares
Rui Ferreira
Mdulo
Ana Mata
Pintura 2006/07
Hasta el 19 de mayo
Pedro Cera
Gil Heitor Cortesao
Hasta el 12 de mayo
Sopro
Nuno Vasa
Acto
el 15 de junio
OPORTO
ZARAGOZA
Antonia Puy
Yoana Cera
Hasta finales de mayO
Museu de Serralves
Katharina Grosse
Atoms outside eggs
Hasta el 1 de julio
Esteta 7
Manuela Pimentel
Fixaao Proibida
Hasta el 26 de mayo
Punto
Ximo Lizana
Sala Parpall
Coleccin Pierre Borham
Hasta el 20 de mayo
Rui Toscano
el 23 de junio
PORTUGAL
AVEIRO
Sacramento
Norohna da Costa
el 30 de junio
BRAGA
Mrio Sequeira
Franz West
Hasta el 10 de mayo
LISBOA
Culturgest
Prmio Fidelidade Mundial
Jovens Pintores
Hasta el 13 de mayo
Fundaao Calouste Gulbenkian
Jos Pedro Croft
Paisagem Interior
Michael Rysbrack
Esteta Galera
A Arte saiu rua num dia
assim...
Hasta el 19 de mayo
Fernando Santos
Nuno Franco
Hasta el 29 de mayo
Mdulo
Joao Jacinto
Hasta principios de junio
Pedro Oliveira
Lus Pablo Costa
el 16 de junio
Plumba
Ruben Verdadeiro
Hasta el 19 de mayo
Quadrado Azul
Pedro Amaral
Hasta el 26 de mayo
Museo do Chiado - MNAC

Columano Bordalo Pinheiro
Hasta el 27 de mayo
Museu da Electricidade
Daniel Barroca
Lama
Hasta el 20 de mayo
Cristina Guerra
Lawrence Weiner
The die has been cast
Hasta el 12 de mayo
95
3/5/07
11:49
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Art Notes Nº 15

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Art Notes Nº 15

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ARTNOTES 15 OK Mac.

Imagen de la portada: Zeng Yicheng. Serie Dancer. Espace Cultural Ample

Cmo nace LABoral?

Rosina Gmez-Baeza. Foto: Crdenas

centro contar con varias direcciones: expositiva, de

[AN] ENTREVISTA CON rosina gmez-baeza

aquellas aportaciones creativas de diferentes mbitos

las que trabajan o aquellos centros que hayan trabajado

Tu carrera estuvo ligada a ARCO y al Instituto de

Feedback. LABoral. Foto: Crdenas

Gameworld. LABoral. Foto: Crdenas

[AN] ENTREVISTA CON rosina gmez-baeza

Feedback. LABoral. Foto: Crdenas

Last March 30, a new contemporary art centre was

even of strategic interest for Spain. At the same time, it

Where does the idea of the LABoral come from?

LABoral will be a complement to art in Asturias; an

LABoral combines the expositive activity with the

What will the LABoral bring to the artistic activity

[AN] ENTREVISTA CON rosina gmez-baeza

ving those creative contributions of different fields such

rate with the galleries they are working with or those

SIN FIN. ISLAREN ISLA. JOS RAMN AMONDARAIN

trario a la tradicin romntica, de manera que hara

Jos Ramn Amondarain. Sin ttulo (2006). Cortesa del artista

obre el desequilibrio armnico_ Lmite de la Universidad de Santiago de Compostela. 28 de abril de 2007

Has visto algo interesante? Es la pregunta que circula entre

de desvirtuar las motivaciones artsticas del pas. Bajo una

Xu Bing. Ghosts Pounding the Wall (1990-91). Cortesa Xu Bing Studio

Miao Xiaochun. Another Tim. Galerie Urs Meile

Have you seen anything interesting? It is the question that

and Factory798 have become prestige destinations. Both

DAIDO MORIYAMA. RETROSPECTIVA DESDE 1965

Daido Moriyama (Osaka, 1938) se form como fotgrafo en

Daido Moriyama. Cortesa del artista

[AN] EXPOSICIONES NACIONALES

MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA. ARQUITECTURAS CIRCUNSTANCIALES

El artista vasco Manu Muniategiandikoetxea expone su

Romn Padn Otero

Vista exposicin. Cortesa de la Galera Marisa Marimn

Manu Muniategiandikoetxea. Cortesa de la galera

[AN] EXPOSICIONES NACIONALES

MAR VICENTE. REFLEJO DE SUPERFICIES

Superficie puede definirse como regin "delgada" del

mos ver la tradicin moderna del arte sublime "hasta

J.L. Moraza. Alusiones e ilusiones. La parte del minimalismo.

Mar Vicente. Cortesa del artista

[AN] EXPOSICIONES NACIONALES

Mar Vicente. Cortesa de la Fundacin Laxeiro

Surface can be defined as the "thin" region of the space

position, among the parts and the whole. The stretchers

Tel. +34 986 452 882

[AN] EXPOSICIONES NACIONALES

LUIS FEGA. LUGARES DE LA PINTURA

Esta exposicin se centra en los ltimos diez

with a generous and

easy. I like my own work

Luis Fega. Rogan II (2004). Cortesa del artista

[AN] EXPOSICIONES NACIONALES

NOELIA GARCA BANDERA

En la pasada edicin de ARCO, esta galera present

In the last edition of ARCO, this gallery showed Atando

Noelia Garca Bandera. Algo prestado (2007) Cortesa de la artista