Sunteți pe pagina 1din 18

El significado del color en el arte

Lucía Rodríguez Inguanzo

26/5/2015

Psicología del arte

Curso 14/15

Índice

Introducción y definición

El color en el siglo XX

- Impresionismo y antecedentes

- Neoimpresionismo

- Fauvismo

- Expresionismo

- Cubismo

- Futurismo

- Abstracción

- Expresionismo abstracto y action painting

- Pop-art

- Op-art

- Minimal

- Fluxus

- Arte conceptual

Bibliografía

EL SÍGNÍFÍCADO DEL COLOR EN EL ARTE

Color.

(Del lat. color, -ōris).

1. m. Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda.

Fue Isaac Newton quien en 1666 mostró las primeras evidencias de que el color no existe. Al exponer a la luz blanca un prisma, comprobó que esta se descomponía en 6 colores, a lo que llamo espectro solar. Por tanto, los colores que vemos, es porque al incidir la luz sobre cualquier objeto, absorbe algunos de los seis colores reflejando los demás. Los colores reflejados son captados por los sentidos y procesados en el cerebro. Esto explica que un mismo objeto se vea de colores distintos según la luz que incida en él.

Esta sería la descripción más científica y objetiva de lo que es el color. Sin embargo, los colores tienen una connotación más trascendental que depende de la percepción individual, de la asociación de emociones, la época, etc.

Johann Wolfgang von Goethe, interesado por la óptica y la luz, además de otras muchas ciencias y el arte, se opone a la versión puramente física de Newton. Ver un color no sólo depende de la luz o de la materia, sino de la percepción. Su preocupación por la estética y la percepción psicológica del color lo llevan a crear su Teoría del color.

En ella establece la primera relación no casual entre colores y sentimientos. Aunque depende de la percepción individual, todos los individuos reaccionan físicamente ante un estímulo. Distinguimos entre colores cálidos y fríos por la sensación visual que producen algunos de ellos.

Cada color ejerce sobre la persona que lo ve una triple acción: impresiona al que lo percibe, el color se ve y llama la atención. Expresa, ya que cada color provoca una reacción y una emoción. Y construye, los colores poseen significado propio, comunican ideas generalmente asociadas a estados de ánimo y sentimientos

En este diagrama Goethe representa la mente humana conectando los colores con determinadas emociones. Escogió

En este diagrama Goethe representa la mente humana conectando los colores con determinadas emociones. Escogió como primarios el rojo, el amarillo y el azul basándose en su contenido emocional.

A lo largo de la historia se han elaborado muchas teorías del color en relación a la

percepción. La cantidad y la variedad de estas teorías demuestran que, a pesar de los intentos (no del todo acertados) de Goethe, no se pueden establecer reglas universales. De hecho, la psicóloga alemana Eva Heller califica de “obsoleta” la teoría de Goethe en su libro Psicología del color.

EL COLOR EN EL SIGLO XX

El uso de los colores es sumamente importante en el arte, en realidad, es un elemento básico en toda composición artística desde las primeras expresiones del ser humano en las cuevas. Por medio del color, los artistas expresan emociones y sensaciones a sus espectadores, y se puede saber mucho de ellos estudiando los patrones, distribución de la paleta de colores que utilizan en sus obras.

El impresionismo y sus antecedentes.

A finales del siglo XIX, además de encontrarnos con un contexto político y social

muy agitado, llegan a Europa numerosos avances tecnológicos (a destacar la fotografía) y nuevas teorías sobre el color que hacen que cambie por completo la visión artística.

Aparece en Francia una nueva corriente que desprecia el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística. Debido al rechazo de la sociedad conservadora, los artistas emergentes de este movimiento se reunían para hacer exposiciones clandestinas. El concepto impresionismo viene precisamente de impresión. Término acuñado gracias a una de las obras expuestas del que fue el precursor del movimiento, Claude Monet.

Impresión. Sol naciente. Monet. 1872 Chevreul tuvo una enorme influencia en muchos pintores del siglo

Impresión. Sol naciente. Monet. 1872

Chevreul tuvo una enorme influencia en muchos pintores del siglo XIX al intentar elaborar una teoría científica sobre el color. Propuso el concepto de «contraste simultáneo" de colores. Como consecuencia, la yuxtaposición de colores complementarios dará un aspecto más brillante al conjunto. La paleta de los impresionistas abandona los colores terrosos jugando con la luminosidad y la saturación de los colores.

El paisaje, la naturaleza y la temperatura de la luz son los protagonistas de las obras, destruyendo así el color local y anteponiendo la intuición a la razón a la hora de pintar. La experiencia personal era más importante que la proipa realidad. Hacen sentir al máximo la impresión de todo aquello que nos rodea.

En cuanto a los rasgos pictóricos que caracterizan la pintura impresionista, los artistas utilizaban una pincelada breve y gruesa, empastando los colores. Evitaban oscurecer utilizando el negro, sino que superponían colores complementarios renunciando a la degradación y creando grandes contrastes.

Generalmente se clasifica a los artistas por temática, ya que eran un grupo heterogéneo. Destacaron principalmente Monet, como claro representante, Pisarro, Degas, Cezanne, Renoir, Morisot, etc.

El impresionismo en España llega de manera tardía pero con las mismas características e intenciones. Destacan Sorolla, Casas y Regoyos entre otros.

Neoimpresionismo

Surge alrededor de 1886 como una variante del impresionismo, manteniendo la temática: de ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la naturaleza y el paisaje, etc. y la técnica: buscar los efectos de la luz. Sin embargo, se habla de una pintura mucho más científica. Se sustituye la pincelada intuitiva por puntos perfectamente estudiados. Empezaban las obras al aire libre haciendo un bocetaje (cosa que no hacían los impresionistas) y las acababan en el taller. Aumenta la preocupación por el volumen y la composición, por lo que son obras más rígidas. Se buscaba la armonía cromática, cada punto estaba perfectamente relacionado con los de alrededor.

George Seurat es considerado el creador de esta nueva tendencia, el puntillismo:

el creador de esta nueva tendencia, el puntillismo: Una tarde de domingo en la isla de

Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Seurat. 1886

Esta obra es clave para comprender la evolución del movimiento. Se mantiene la temática pero destaca el carácter riguroso de lo egipcio. La luminosidad del cuadro es trabajada desde el taller, lo que le da ese efecto más artificial.

Artistas como Lautrec o Van Gogh se encuentran a caballo entre el impresionismo y las nuevas tendencias que llevan a la expresión de las vanguardias del siglo XX. La vida de este último esta tan ligada a su obra que se clasifica por etapas.

Fauvismo. El afán de expresión

Es una corriente breve pero intensa. Es el primer movimiento que puede considerarse de vanguardia. Surge en oposición al impresionismo, critican el puntillismo y rechazan los valores clásicos y academicistas (volumen, perspectiva )

Su principal objetivo era expresar a través del color más puro. Recurren a la síntesis de las formas para dejar que sea el color el protagonista.

“Servir a la expresión del modo más perfecto posible. Los descubro de manera instintiva, no se apoya en ninguna teoría científica. Observación y sentimiento. Me limito a elegir un color adecuado a mi sensación que quiero transmitir”

Matisse

Llevan el color a su máximo exponente, potenciando su capacidad sensorial. Son los herederos de la obra de Van Gogh y de Gauguin, recogen los principios del arte primitivo y a la vez asimilan varias características del impresionismo, del post, y del simbolismo.

del impresionismo, del post, y del simbolismo. Retrato de la raya verde. Matisse. 1905 Matisse es

Retrato de la raya verde. Matisse. 1905

Matisse es el artista más destacado:

El color es muy estridente. Se construye el volumen no por el modelado, sino por el contraste de colores planos. El rostro es inexpresivo por que el tema no interesa, ya se encarga el color de la expresividad del cuadro.

El color es arbitrario, no se corresponde a la realidad porque se busca la pura expresión.

Destacan además, Vlaminck, Derain, Duffy o Marquet.

Expresionismo

A principios del siglo XX, siendo contemporáneo al Fauvismo francés, surge en

Alemania otro movimiento integral (que afecta a todas las artes) que también

sigue la línea de la expresión.

Alemania era un país militarizado, hecho que genera en los artistas un sentimiento de dramatismo, de tragedia, de opresión. Sienten gran descontento con su sociedad. Al igual que en el romanticismo, huyen de su tiempo y lo expresan de manera angustiosa.

La llegada de la revolución industrial convertía al individuo en un número, en parte de una masa mecanizada atentando contra su propia identidad.

El color se convierte en la herramienta subjetiva del artista para expresar su

malestar, esa “necesidad interior”, rechazando la objetividad cromática del impresionismo.

El afán de libertad individual lleva a temas prohibidos, morbosos e

inquietantes. Mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador.

Si se entiende el concepto de expresionismo como deformación de la realidad

para buscar la expresión, se puede aplicar esta estética a otras épocas. Por ello toman como referentes autores como El Bosco, Brueghel el Viejo, El Greco, Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc así como también la ora más reciente de Van Gogh o Lautrec. Lo primitivo de África y oriente también les sirve

de punto de partida.

En relación a la pintura, surgieron dos grupos destacables:

Die Brücke, oposición a la pintura del impresionismo y buscar un medio de expresión, un arte, en el que esa expresión estuviera vinculada estrechamente a

la vida. Relación entre arte y vida. Rechazan los programas preconcebidos y los manifiestos. Apuestan más por la práctica de la pintura que por la reflexión. No les gusta reflexionar y perder el tiempo. Utilización de Colores sombríos con golpes

de colores intensos para contraste.

De este grupo destacan principalmente Kirchner, Heckel, Schmidt y Bleyl

4
4

Autorretrato como soldado. Kirchner. 1915

4 Autorretrato como soldado. Kirchner. 1915 Crucifixion. Nolde. 1912 Der Blaue Reiter, sustituye las formas duras

Crucifixion. Nolde. 1912

Der Blaue Reiter, sustituye las formas duras angulosas por formas redondeadas, asociaciones cromáticas armoniosas, etc. de modo de su pintura se hace más lírica, menos violenta, aunque es también muy expresionista.

Con el color como medio, la pintura debía llegar a la abstracción de la visión. Por eso se crean nuevas teorías del color. La Pintura como arte puro sostiene que es un arte en sí mismo, provocando nuevas experiencias emocionales.

Hay que hacer una mención especial a Vassily Kandinsky. La pintura de este autor se plantea una reflexión sobre la relación entre en arte y la naturaleza. Ya se había rechazado la importancia del tema, pero es que él se distancia definitivamente. Rompe con la tradición figurativa. Empieza el camino hacia la abstracción.

“Cuando más espantoso se vuelve el mundo, más abstracto se vuelve mi arte.”

se vuelve el mundo, más abstracto se vuelve mi arte .” Arco negro. Kandinsky. 1912. De

Arco negro. Kandinsky. 1912.

De este grupo también son importantes Nolde, Marc, o Jawlensky.

En Viena destacan Klimt, Holder y Kokoschka. En España se empieza a hablar de Picasso o de Solana.

Tras acabar La Gran Guerra, Alemania como gran perdedora queda sumida en un completo caos en todos los ámbitos. Los artistas de los años 20 y comienzos de los 30 hacen un arte tremendamente agresivo, violento, cargado de una crítica feroz contra las instituciones. Artistas como Otto Dix o Georges Grosz plasman el descontento y la desolación de la sociedad.

Cubismo

Está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con

la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de

siglo. Se buscaba descomponer las formas naturales y reducirlas a figuras geométricas, fragmentando planos y líneas haciendo posible muchos puntos de

vista a la vez.

A parte de la revolución estética y formal que supuso el cubismo, se entiende este

movimiento como una nueva filosofía: la intención era darle la misma importancia

a la superficie pintada que al objeto real. Por ello rechazan cualquier forma de

imitación (perspectiva, modelado…). Es una visión más intelectual de la realidad

Son pioneros en la utilización del collage, una manera metafórica de superponer realidades. A diferencia de las corrientes anteriores, el color no es el medio de expresión, sino que complementa a la forma. Ya nos son colores tan estridentes, más bien apagados y neutrales, aunque se irá ampliando la paleta a colores más vivos.

La primera tendencia, creada principalmente por Picasso y Braque, se denominó cubismo analítico. Se partía de la realidad haciendo un análisis detallado. Se representaba el objeto como se sabe que es, haciendo un recorrido desde todos los ángulos con un solo golpe de vista. Prevalecían las líneas rectas y la composición triangular, limitando el color al monocromatismo.

las líneas rectas y la composición triangular, limitando el color al monocromatismo. Le petit provençal. Braque.

Le petit provençal. Braque. 191

A partir de ahí, comienza la recomposición de los objetos, es decir ya no en el análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia. Resaltaban a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura. Se le llama cubismo sintético. Se incluyen líneas curvas, composiciones más dinámicas y nuevos colores. El collage ayuda a la recuperar el objeto en concreto

El collage ayuda a la recuperar el objeto en concreto Guitarra. Picasso. 1912 Fue Picasso el

Guitarra. Picasso. 1912

Fue Picasso el padre de todo el movimiento cubista. Sin embargo, su obra pasa por etapas muy diferenciadas entre ellas. En la etapa azul, muy pesimista, muestra las miserias humanas con obras como Mendigos a orillas del mar o El viejo judío.

La etapa rosa, formas más graciosas y sosegadas como Retrato de la Señora Canals.

En la etapa negra comienza la esquematización de las figuras, lo que supone una introducción al cubismo. Las Señoritas de Avignon.

Después de su etapa plenamente cubista, reconocido mundialmente, Picasso atraviesa una serie de situaciones personales que repercuten en su obra artística. Desde una tendencia más clasicista, inspirado por el ballet ruso y el arte americano, hasta su fase más surrealista y desgarradora, producto del estallido de la Primera Guerra Mundal y la guerra civil española. (Guernica)

Artistas como Brauque, Juan Gris, Marcoussis, o Delaunay son también destacados cubistas.

Futurismo

De manera simultánea, vemos el nacimiento de otro movimiento que surge en Italia. A raíz de conocer el cubismo, se van a esforzar por superar este movimiento, oponiéndose a él, aunque también se van a apoyar en el lenguaje cubista. A pesar de que critican todo lo anterior, utilizan técnicas y procedimientos muy similares. el futurismo tiene un objetivo claro: sus artistas pretendían reaccionar contra la decadencia cultura (Italia siempre había sido punto neurálgico del arte.)

Velocidad, movimiento, sociedad cosmopolita, maquinaria, estados de ánimo y un gran compromiso político son los temas más recurridos del futurismo.

Las composiciones son muy dinámicas, siguiendo la estética geométrica tratan de fusionar el objeto con el espacio. Colores vivos que transmiten energía.

Liderados por Marinetti y su manifiesto, trabajan pintores como Balla, Carrá, Russolo o Boccioni.

trabajan pintores como Balla, Carrá, Russolo o Boccioni. Los estados de ánimo: los adioses. Boccioni. 1911

Los estados de ánimo: los adioses. Boccioni. 1911

La abstracción. Introducción a la vanguardia rusa: suprematismo y constructivismo.

Por primera vez se renuncia por completo a la figuración, la realidad entra en crisis y se menosprecian las categorías clásicas. Se rechaza la naturaleza y se busca la inspiración en uno mismo. El arte empieza a considerarse así mismo, la pintura es pintura, ya no se habla de una imitación o representación, sino de formas, colores y líneas. Es la simplificación llevada al extremo.

En Rusia se crearon paralelamente dos estilos: el suprematismo, iniciado por Malévich, que promovía la abstracción geométrica con la intención de buscar la supremacía de la nada y del universo sin objetos. La pintura y el arte en general como fin en sí mismo. Lo estático, lo dinámico, diagonales y puntos de fuga al infinito, colores planos (que se liberan de la carga simbólica) y formas geométricas caracterizan este tipo de pintura.

Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksander Ródchenko y por supuesto Malévich, encabezan el movimiento.

Por otro lado, el constructivismo sí que tenía una finalidad. Dada la situación política de Rusia, los artistas tenían un gran compromiso con su sociedad y utilizaban el arte para hacer publicidad. Formas geométricas relacionadas con la industria, líneas puras y colores llamativos.

Kandinsky, Tatlin, Lissitzky y Mondrian (holanda) son grandes figuras.

Cuadro negro sobre fondo blanco. Malévich 1915 Obra clave del suprematismo Composición VIII. Kandinsky. 1923

Cuadro negro sobre fondo blanco. Malévich 1915

Obra clave del suprematismo

fondo blanco. Malévich 1915 Obra clave del suprematismo Composición VIII. Kandinsky. 1923 España siempre tarda

Composición VIII. Kandinsky. 1923

España siempre tarda más en asimilar los grandes cambios artísticos, había varios artistas que intentaban romper los esquemas pero siempre de manera muy tímida. Sin embargo, a partir de los años 50 entra y se expande la vanguardia con mucha fuerza gracias a dos grupos: Dau al set, liderado por Antoni Tapies, y El paso, con Manuel Millares.

Expresionismo abstracto y action painting.

También afectada por el panorama político, EEUU tiene un clima adecuado para la creación de nuevas expresiones. Esta nueva pintura defiende la total libertad del artista, sin necesidad de mucha reflexión y valorando la espontaneidad.

Al acabar la Segunda Guerra Mundial, el color reaparece con una nueva vitalidad, casi al estilo fauvista. El color juega con la intuición y el subconsciente. Lo que importa ahora no es tanto el fin de la pintura, el qué, sino el proceso creativo, el cómo. Se dejan llevar por los instintos, pinceladas rápidas fruto del azar.

El proceso de creación se hace al revés: el artista primero libera sus sentidos; brocha, pincel, espátula, colores al azar y dejando gotear la pintura. Luego reflexiona sobre lo que ha hecho. El cuadro carece de orientación y sentido lógico, por tanto los colores tampoco tienen una carga emocional en el momento que en que se emplean.

por tanto los colores tampoco tienen una carga emocional en el momento que en que se

Convergence. Pollock. 1949

Pop-Art

A partir de los años 50/60 se produce una ruptura con todos los ismos, ya no se habla de vanguardia ni de corrientes encasilladas. Ya no es un arte para artistas, es un arte ligado a la cultura popular, los medios de comunicación y la publicidad.

Temáticamente recoge todos los prototipos e iconos de la sociedad de consumo americana, no ridiculizándolos, sino haciéndolos evidentes.

La figura de artista empieza a desaparecer, ya no importa su personalidad, de hecho no importa ni que realice él la obra.

En cuanto a la plástica y la retórica visual, vuelven a la figuración y el realismo. Utilizan elementos cotidianos en un contexto poco común (ya lo hacia Duchamp). Utilizan la repetición de estos objetos para despojarlos de su significado individual. Los colores suelen ser muy llamativos y contrastados, utilizando el lenguaje del comic. Superficies lisas y pulidas.

el lenguaje del comic. Superficies lisas y pulidas. In the car. Lictenstein. 1963 Se produce un

In the car. Lictenstein. 1963

Se produce un choque de técnicas. El comic es una viñeta impresa y producida de manera industrial, creando muchas copias idénticas. (Concepto de repetición que elimina la originalidad de la obra de arte, elimina ese vínculo paternal artista-obra.)

Este cuadro está pintado al óleo, sacando una de las viñetas del comic de su contexto habitual.

En España el pop art tenía un contenido más social y ligado a su cultura, criticándola. Parodiaron obras de Velázquez utilizando la ironía para reflejar la situación española. La salita, La rendición de Torrejón.

Op-Art o arte cinético

Abusan de los colores, el contraste y las formas geométricas para crear ilusiones ópticas. Se aprovechan del efecto psicológico que producen todos estos elementos y consiguen engañar al espectador con la falsa sensación de movimiento o volumen. Los colores son muy estridentes llegando incluso a molestar visualmente. Si a esto se le añade la acumulación de formas geométricas u ondulantes, se obtiene una clase de arte inquietante, impactante y sobretodo llamativo. Hay que tener en cuenta que los 60 es una época en la que las drogas, la experimentación con el cuerpo y la psicodelia están a la orden del día.

Víctor Vasarely, Cruz Díez o Soto son algunos de los artistas más conocidos.

Minimalismo

Si en el pop-art lo que fallaba de las vanguardias era la abstracción, para el minimalismo el error está en la expresividad. Se retorna a la pura abstracción geométrica pero con otro tipo de intención. Querían desmaterializar el arte, desmoronar esa idea de que el arte tiene que comunicar cosas. Realizaban sus obras con materiales industriales que cualquiera podría conseguir. Lo que ves es lo que esun arte frio e inexpresivo que produce una reacción más intelectual.

Huían de la ornamentación, no usaban más colores de los que debían buscando la más pura sencillez.

Donald Judd, Sol Lewitt, Richard Serra o Carl André son los más destacados.

pura sencillez. Donald Judd, Sol Lewitt, Richard Serra o Carl André son los más destacados. Sin

Sin título. Dan Flavin.

Fluxus

Llegados al punto en el que el proceso de creación y el procedimiento intelectual es más importante que la propia obra, no es ni siquiera necesario realizar una obra entendida como objeto. De hecho se declara en contra del objeto como mercancía e incluso anti-arte. El fluxus plantea la estrecha relación entre el arte y la vida, considerando que cualquier acción cotidiana se puede considerar arte (parte del concepto dadaísta)

Se trata de un arte total, quiere abarcar todos los aspectos de la vida, por ello utiliza técnicas propias de otros campos. Empieza la experimentación con materiales multimedia, videoartes, sonidos, grabaciones, etc. El cuerpo como materia artística cobra importancia, la acción como arte efímero. Aparecen las performance y los happenings.

Empieza a tratarse el color digitalmente con la edición de videos y fotografías. lo que se conserva son grabaciones y fotografías de las acciones, como material de archivo, no como obra artística.

acciones, como material de archivo, no como obra artística. Performance, Beuys, 1974 Beuys, Yoko Ono, Wolf

Performance, Beuys, 1974

Beuys, Yoko Ono, Wolf Vostell, Nam June Paik etc, son reconocidos por su variedad de obras y disciblinas abarcadas.

Arte conceptual

En oposición a la estética minimalista, el arte conceptual valora más la idea que el

objeto. El artista plantea un interrogante a los espectadores.

En el arte

conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue transformada.

Una obra de Arte conceptual no es una narración de la naturaleza, En muchos

casos el espectador, y a veces el artista en sí mismo son parte de la obra de arte

y su concepto base.

Esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos,

en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

La estética es muy variada ya que no se le daba importancia. El formatopodía ser desde un fotomontaje, un objeto o una actuación en la calle.

Joseph Kosuth, Ives Klein, Piero Manzoni, y el pionero Marcel Duchamp experimentaron con este tipo de arte.

Actualmente el arte conceptual está muy ligado al mundo publicitario y el diseño gráfico ya que se hace especial hincapié en el concepto.

mundo publicitario y el diseño gráfico ya que se hace especial hincapié en el concepto. Una

Una y tres sillas. Kosuth. 1965

BIBLIOGRAFIA

ARTE DESDE 1900, VV. AA. Akal. Madrid. 2004

PSICOLOGIA DEL COLOR. Héller, Eva. Ggili. Barcelona. 2005

COLOR Y CULTURA […]. Gage, John. Siruela. Madrid. 1993

LA INVENCION DEL COLOR. Ball, Philip. Turner. Madrid. 2005

Apuntes de la asignatura proporcionados por el profesor.