Dibujo y Diseño de Modas

Dibujo y diseño
de modas
Bill Thames
Instructor Departamento de Diseño
Fashion Institute of Design and Merchandising
San Francisco, California
Traducción
Leonardo Soriano
Revisión Técnica
Milagros Alfaro
Verónica Núñez
María Miagros Duran
Alfaro Institute of Design
México • Buenos Aires • Caracas • Guatemala • Lisboa • Madrid • Nueva York •

Panamá • San Juan • Bogotá • Santiago de Chile • Sao Paulo
Auckland • Hamburgo • Londres • Milán • Montreal • Nueva Delhi • París • San
Francisco • San Luis • Sidney • Singapur • Tokio • Toronto
Editor: Guillermo E. Nora G.
Dibujo y diseño de modas
Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio, sin autorización escrita
del editor.
Derechos reservados © 2001 respecto a la primera edición por, McGRAW-HILL/INTERAMERICANA

EDITORES, S. A. de C. V.
A subsidiary of the McQraw-Hill Companies
Cedro rio. 512, Col. Atlampa,
Delegación Cuauhtémoc
C. P. 06450 México, D. F.
Miembro de la Cámara nacional de la Industria Editorial Mexicana, Reg. Núm. 736
ISBN 970-10-3041-9
Translated from the seventh English Edition of Drawing Fashion

Copyright © MCMXCIX by Glencoe/McGraw-Hill All rights reserved
ISBN 0-07-063722-9
Ilustración de Cubierta: Bill Thames
El autor desea agradecer a las siguientes

personas que generosamente prestaron sus
diseños originales, y otorgaron permiso
para reproducirlos:
James Galance, p. viii

Jeanne Marc, p. viii
Bill Blass, p. ix.
Diane Von Furstenberg, p. ix
Liz Clairborne, p. ix
Patti Baker, p. 116
Aubrey Wilson, p. 116
Phoebe Evans, p. 117
Mary Cheung, p. 117
Dorian Leong, p. 117
1234567890 09876543201
Impreso en Colombia Printed in Colombia
Se imprimieron 3.500 ejemplares en el mes de noviembre de 2000

Impreso por Quebecor Inpreandes
Contenido PREFACIO
GALERÍA DE DIBUJOS DE DISEÑADORES DE
MODAS
vi
viii
CÓMO USAR ESTE LIBRO x
1. Dibujo de la figura 1 MATERIALES BÁSICOS 2
LA BUENA POSTURA Y LA ORGANIZACIÓN
EN LA MESA DE DIBUJO 3
FORMATO 4
DIBUJO DE LA FIGURA A ESCALA EN EL PAPEL 5
LA FIGURA EN FORMAS BÁSICAS 6
RELACIÓN DE LAS FORMAS BÁSICAS
CON EL ESQUELETO Y EL CUERPO 7
DIBUJO DE LA FIGURA DE FRENTE 8
EXPRESE MOVIMIENTO POR MEDIO
DE BALANCE DEL PESO 10
BALANCE DEL PESO 12
GIRO DE LA FIGURA A 3/4 14
POSE DE LA FIGURA CON
MOVIMIENTO DE LA PELVIS
HACIA ADELANTE 15
FIGURA DE ESPALDA 16
FIGURA DE PERFIL 17
CONTORNO 18
LA TÉCNICA DEL CALCADO 20
REFLEJE MOVIMIENTO A TRAVÉS
DE BALANCE DEL PESO 22
LA FIGURA TERMINADA 24
FIGURA DE POSE CON PELVIS
HACIA ADELANTE Y DE 3/4
FIGURA DE PERFIL Y DE ESPALDA 27
LA COMPARACIÓN DE POSTURAS 28
LA COMPARACIÓN DE MOVIMIENTO 29
EL DIBUJO DE LA FIGURA MASCULINA 30
EJEMPLOS DE POSTURAS MASCULINAS 32
Balance de Peso
Figura de 3/4
Postura de piernas abiertas
Figura de espaldas
PROPORCIONES INFANTILES 36
Infantes
Niños pequeños
Niños grandes
Adolescentes
CABEZAS Y ROSTROS—Femeninos 44
CABEZAS Y ROSTROS—Masculinos 45
LOS ROSTROS EN LA MODA 47
FORMAS DE LA MANO—Femeninas 48
FORMAS DE LA MANO—Masculinas 49
PIES Y ZAPATOS—Femeninos 50
PIES Y ZAPATOS—Masculinos 51
EL CROQUIS DEL DISEÑADOR 52
Contenido
iii
2. El dibujo del atuendo 55 SILUETAS DEL SIGLO XX 56
GALERÍA DE MODA ARTÍSTICA 60
DIBUJO PLANO 62
EL CALCADO COMO UNA TÉCNICA 64
RECURSOS PARA PRACTICAR EN CASA 65
LA LUZ Y LA SOMBRA 66
SOMBRA Y ÉNFASIS 67
LAS PRENDAS DE VESTIR COMO
FORMAS SENCILLAS 68
EL VESTIDO DICTA LA POSE 69
MÉTODO 71
ESCOTES 72
CUELLOS Y MANGAS 74
EL BLAZER DE LA MUJER 77
CHAQUETAS/TRAJES 78
FALDAS BÁSICAS 79
FALDAS DE VOLANTES 82
FALDAS PLISADAS 84
MÁS PLIEGUES 86
FALDAS CON MUCHO VELO 88
FALDAS DIVIDIDAS 90
PANTALONES 92
SOMBREADO Y ÉNFASIS 94
ROPA CASUAL DE HOMBRE 95
ROPA DEPORTIVA 96
ROPA FORMAL DE HOMBRE 97
EL BLAZER PARA HOMBRE 99
GALERÍA DE VESTIDOS 100
GALERÍA DE CONJUNTOS 102
GALERÍA DE ABRIGOS 103
GALERÍA DE PANTALONES Y BLUSAS 104
GALERÍA DE TRAJES DE HOMBRE 106
GALERÍA DE ROPA DEPORTIVA MASCULINA 107
GALERÍA DE ADOLESCENTES 108
GALERÍA DE JÓVENES 109
GALERÍA DE INFANTES Y NIÑOS PEQUEÑOS 110
ACCESORIOS 111
LA FOTOGRAFÍA DE MODAS COMO MODELO 112
LA ILUSTRACIÓN DE MODAS COMO
MODELO DE PRÁCTICA 114
DIBUJO DE UN MODELO EN VIVO 116
Contenido iv
3. La reproducción ESTAMPADOS EN COLOR 121
de estampados 119 ESTAMPADO FLOREADO 123
TELA A CUADROS 125
BROCADO 127
SATÍN 129
CHIFÓN 131
TAFETÁN 133
OTRAS TÉCNICAS Y MATERIALES 135
TÉCNICAS DE MARCADORES 136
CALIDAD DE LA LÍNEA 139
Ceñida con caída-Transparente-Con cuerpo 141
FUENTE DE LUZ Y SOMBRA 142
PLANIFICACIÓN DE ESTAMPADOS 144
DIBUJO DEL ESTAMPADO A ESCALA 146
INDICACIÓN DEL ESTAMPADO 147
LISTAS 149
Verticales 149
Horizontales 149
CUADROS Y CUADROS IRREGULARES 151
CRISTAL DE VENTANA Y RECUADROS 153
ESPINA DE PESCADO Y PATA DE GALLO 15 5
LISTAS DIAGONALES Y LUNARES 157
ESTAMPADOS FLOREADOS Y ESTAMPADOS
GEOMÉTRICOS 159
LA PLANIFICACIÓN DE LA TEXTURA 161
Textura de edredón de túnel,
diagonal y gola 163
SMOCKING 165
EL FRUNCIDO CON ELÁSTIOS 165
FILAMENTOS 167
RAYADILLO Y PANA ACANALADA 169
TELA BORDADA 171
ENCAJE 173
TERCIOPELO 175
PIELES 177
DESTREZAS DE PRESENTACIÓN 178
EL PORTAFOLIO 179
GLOSARIO 180
ÍNDICE 182
Contenido
V
Dibujo y Diseño de Modas tiene como propósito ayudar al
Prefacio personal de la industria de la moda, a desarrollar un valioso

instrumento de comunicación. Para los ilustradores de
modas, el poder expresar imágenes en forma visual
constituye una destreza profesional importante y necesaria.
Para el diseñador de modas, un dibujo es la mejor manera
de describir el concepto de un atuendo. Para otros emplea-
dos en las diversas ramas de esta industria, la utilidad del
dibujo resulta menos visible, pero, no menos importante.
La gente involucrada en la manufactura de textiles y
atuendos, los comerciantes de tiendas al detal, los
propietarios de pequeñas tiendas de modas, y aun los
consumidores, pueden beneficiarse de aprender a leer,
interpretar y utilizar el dibujo de modas.
El dibujo de un atuendo se estiliza de tal manera, que
resulta inmediatamente reconocido como un dibujo de
moda y no meramente como un dibujo artístico. El énfasis
está en el vestido mismo. Esto debe comunicar el encanto y
emoción que el diseñador quiere evocar en el espectador.
Las técnicas empleadas pueden variar, desde las más
'impresionistas' que destaquen la actitud en una ilustración
tridimensional al concepto mecánico de dibujo técnico
plano representado en dos dimensiones que destaquen con
exactitud todos los detalles del atuendo.
El propósito de este libro es ayudar tanto al estudiante
como al diseñador profesional con experiencia, en su mesa
de diseño, a desarrollar y mejorar su habilidad en el dibujo
de modas. El método que se presenta en el libro puede
también servir de estímulo a los jóvenes que están a punto
de hacer una importante decisión en su carrera e igualmen-
te puede usarse como simple entretenimiento por personas
de todas las edades que disfrutan de la moda.
Diseño y Dibujo de Modas es el resultado de mis años de

El método "Bill Thames" experiencia como ilustrador por cuenta propia y como
maestro. El procedimiento que se presenta aquí, paso a
paso, yo mismo lo desarrollé, después de analizar mi propia
aproximación al diseño de modas. Sus beneficios son por
partida doble: ayuda a controlar las proporciones al dibujar
figuras de muchos tamaños y provee una fórmula a los
estudiantes, para planificar sus figuras, estimulando a
aquellas personas que estaban convencidas de que no
podían dibujar.
Los despliegues a doble página contienen una secuencia
de pasos numerados para que el estudiante los vaya
siguiendo. Se ofrecen instrucciones que corresponden a
cada número; y cada paso está codificado a color, a fin de
mantener la secuencia a la vista. Cada despliegue es una
lección completa que finaliza con un ejemplo terminado.
Esto tiene como objetivo evitar confusión y el tener que
estar pasando muchas veces las páginas.
Para los profesores que quieran usar Dibujo y Diseño de
Modas como libro de texto, hay un manual del maestro,
disponible en inglés. El mismo ofrece algunas sugerencias
sobre cómo presentar el concepto de secuencia y proceso
dentro del marco de un salón de clases.
Organización El texto está organizado en tres partes, correspondientes a

los tres componentes de un dibujo de modas: la figura, el
atuendo y la tela. Cada parte aparece en un color particular
para facilitar un acceso rápido. Para lograr mejores resulta-
dos, cada parte debe practicarse en secuencia. Este orden
Prefacio
vi
de presentación recrea la forma en que se desarrolla un
dibujo de modas: Primero se bosqueja la postura de la
figura para entonces dibujar la ropa que va a llevar y
finalmente, las cualidades y características de la tela.
A medida que el estudiante aprende y practica sucesiva-
mente cada parte, se desarrollarán sus destrezas, al punto
de ser capaz de acercarse a los requisitos más difíciles de la
siguiente parte. La Parte Uno —Dibujo de la Figura- ofrece
mi fórmula muy sencilla para controlar las proporciones
de la actual figura de modas. Esta fórmula, reproducida
en la Página 8, funcionará sin importar el tamaño de
dibujo requerido.
La Parte Uno -Dibujo de la Figura- explica las propor-
ciones de la figura de modas masculina y la femenina, y
describe las proporciones cambiantes de los niños, desde
los infantes hasta los adolescentes. Se introduce también al
estudiante a las diferentes posturas, volúmenes, tipos de
rostros, cabello, manos y pies.
En la Parte Dos -El Dibujo del Atuendo- se describe la
importancia de la silueta. Esta parte emplea técnicas de
enseñanza paso por paso, para el dibujo de una selección
de prendas básicas. Las destrezas adquiridas al efectuar
estos ejercicios hasta obtener resultados satisfactorios,
pueden entonces aplicarse a diseños más complejos. A fin
de ampliar la perspectiva de los estudiantes de modas, esta
parte concluye con una galería de clásicos del siglo XX
(más algunas curiosidades).
La Parte Tres -Reproducción de Estampados- comienza
con una sección en la cual cada despliegue a doble página
a todo color muestra tres pasos por seguir. A continuación,
la Parte Tres discurre sobre el peso y el volumen del
material, y demuestra cómo controlar la escala de patrones
y texturas. Se ofrecen instrucciones, paso por paso, para la
reproducción de algunos géneros básicos. La Parte Tres
concluye con una descripción de las habilidades necesarias
para la presentación y preparación del portafolio.
Quiero agradecer a Frederick Bennet, del Institituto de

Reconocimientos Tecnología de la Moda, de Nueva York, por su exhaustiva
revisión de los diferentes borradores de este trabajo, así
como por sus muchas e interesantes sugerencias. Aprecio
grandemente su gentileza al interrumpir sus vacaciones y
venir a visitarme para tratar asuntos de trabajo. También
tengo una deuda de gratitud con Dennis Brozynski y
Sharon Moran, de la Academia Internacional de Mercadeo
y Diseño, de Chicago. Ellos revisaron todo el libro y
ofrecieron numerosos y valiosos señalamientos. También
quiero reconocer la ayuda de los siguientes amigos y
asociados, a lo largo de los años en que este libro ha estado
en preparación: Betty Bachrach, Peter Barren, Eva
Bortnick, Lee Brady, Sam Douglas, Mike Drum, Mark
Hendricksen, Richard Ingersoll, Grace Ma, Ellen Murphy,
Tim Sheehy, Susan Turbin y Tom Turbin.
Y sobre todo, doy gracias a mis estudiantes —para
quienes fue escrito este libro-.
Bill Thames
Prefacio
vii
Galería de dibujos
de diseñadores de modas
Los dibujos de diseños de modas van desde bosquejos
de trabajo bien planos, hasta ilustraciones a todo
color altamente detalladas, que a menudo se convierten
en manifestaciones artísticas de gran valor. En el
medio, se encuentran los dibujos que recorren la
gama entre lo primitivo y lo muy sofisticado. El
dominio de una pose o de un pequeño grupo de
poses puede ser suficiente, en tanto puedan comunicar
silueta, proporción e instrucciones a los asistentes y
fabricantes de las muestras. Para beneficio del
público y la prensa, se pueden obtener los servicios
de un ilustrador profesional.
Los diseños de vestuario para el teatro requieren la
presentación más completa y detallada. Estos deben
mostrar no sólo hasta la última lentejuela, brazalete o
adorno, sino también deben sugerir y realzar los
rasgos del artista para quien han sido creados.
Aunque el dibujo es sólo una de las muchas
habilidades comprendidas en el diseño de modas, la
mayoría de los diseñadores que no dibujan, o no lo
hacen tan bien como quisieran, casi inevitablemente
lamentan esta falla, no importa cuan exitosos sean en
otros aspectos.
Los dibujos que se presentan aquí se han reprodu-
cido con la autorización de los siguientes talentosos
diseñadores:
p. viii (arriba) — James Galanos
(abajo) — Marc Grant para Jean-Marc
p. ix (izquierda) — Bill Blass
— Bosquejos de diseños de Bill Blass
(centro) — Diane Von Furstenberg
(derecha) — Liz Clairborne
Galería de dibujos de diseñadores de modas

viii
Galería de dibujos de diseñadores de modas
ix
Cómo usar este libro
Este libro contiene una guía exhaustiva para el dibujo de posible. A través de todo el proceso, se estimula al
modas, tanto para el estudiante como para el diseñador estudiante a hacer un mayor uso de su propio juicio y
profesional. También ofrece un fundamento sólido al a desarrollar un estilo personal.
novel ilustrador de modas. Los ejercicios en este libro se han organizado en forma
La capacidad para presentar los conceptos del diseño en de despliegues a doble página, de modo que cuando se
una forma visual constituye una de las herramientas más usen permitan mantener todo el proceso a la vista. Se le ha
importantes del diseñador. Describir verbalmente una dado atención primordial al método de "secuencia y
prenda de vestir creará tantas imágenes como oyentes proceso", codificado a color, como una forma de ayudar al
tenga el diseñador, mientras que un dibujo exacto dibujo y ahorrar tiempo. Cada ejercicio conducirá al
comunicará una sola imagen a todo el mundo. Los dibujos estudiante paso por paso, visual y verbalmente, a la
de un diseñador pueden variar, desde bosquejos de trabajo realización de numerosas figuras de modas bien proporcio-
bien planos hasta elaboradas presentaciones a todo color. nadas, en las poses apropiadas. Practique cada ejercicio,
Esta última técnica resulta especialmente necesaria para el hasta que pueda efectuarse el dibujo final con precisión y
diseño de ropa para el teatro. relativa soltura. Cuando usted se encuentre en la etapa de
Las ilustraciones de moda son diferentes de los dibujos planificación de un dibujo, use siempre un lápiz de
de diseñador. En la ilustración de modas, el atuendo de grafito. Más tarde, podrá cambiar a un bolígrafo o
vestir existe no sólo como concepto, sino como producto. marcador.
Este debe reproducirse en una forma actual y favorable, A medida que complete cada figura, pegue el dibujo en
que destaque los rasgos de moda más importantes. la pared o sostenga su tabla de dibujo en forma vertical y
Al dibujar, el estudiante se enfrenta con tres componentes aléjese por lo menos cuatro pies. A esta nueva distancia,
comunes: el cuerpo humano, el atuendo y los materiales de busque cualquier fallo o irregularidad. Usted ha hecho uso
que está hecho el mismo. La tarea del estudiante consiste de las reglas, por lo que ahora puede confiar en sus ojos y
en saber estilizar estos tres elementos en un solo dibujo de desarrollar su propio juicio. No se desanime tan fácilmente.
modas. Para el diseñador, se trata de uno de los primeros Los profesionales con frecuencia dibujan un gran número
pasos en un proceso que habrá de resultar en un atuendo de bocetos, hasta lograr aquel que finalmente están
terminado. Para el ilustrador, sin embargo, el dibujo dispuestos a aceptar. Muchos de sus primeros intentos
representa el producto terminado, por lo cual resulta saldrán mal. Cuando esto ocurra, estudie con cuidado las
altamente recomendable el adiestramiento en una escuela instrucciones y los diagramas hasta descubrir el origen del
de arte. problema. Repita el ejercicio hasta que identifique y
Debido a que tanto los diseñadores como los solucione la dificultad. Con la debida práctica y
ilustradores de modas se encuentran constantemente perseverancia, una variedad de figuras de moda estarán al
asediados por irrevocables fechas de entrega, este libro se alcance de sus manos.
escribió con el factor tiempo en mente. De ahí la atención El proceso descrito en Dibujo y Diseño de Modas, el
que se le ha dado a la práctica, como el único camino para "Método Bill Thames", no es el único método de
desarrollar la habilidad necesaria para trabajar de prisa. Se dibujar modas, pero se trata de un procedimiento
emplea el método de secuencia y proceso, a fin de obtener sencillo, efectivo y funcional.
los mejores resultados en un mínimo de tiempo. No existe Sea autodidacta. Adquiera algunos héroes entre los
ningún sustituto mágico para el trabajo arduo pero se han mejores diseñadores e ilustradores de modas del pasado y del
incluido un número de procedimientos para ahorrar presente. Coleccione y copie a sus favoritos, y permita que
tiempo y ayudar al estudiante a presentar conceptos en le sirvan de influencia. Pronto desarrollará su propio gusto y
forma rápida y precisa, con el mejor gusto profesional estilo personal. Sus dibujos serán ciertamente originales.
Cómo usar este libro

X
1 ______
Dibujo de
la figura
Las poses más básicas de la moda actual
son las vías adecuadas para el diseñador.
Los ilustradores adoptan a menudo una
actitud más liberal hacia la postura y la
pose, siempre teniendo en cuenta realzar
el atuendo que están dibujando. Tanto
los diseñadores como los ilustradores
deberían escoger poses que resalten
elementos importantes de diseño. El
objetivo consiste en destacar con mayor
atención la apariencia del atuendo, pero
nunca oscurecer o distorsionar su diseño.
La figura femenina actualmente más
favorecida es esbelta, de largas piernas y
gran elasticidad. La figura masculina es
más musculosa que la femenina, con una
apariencia atlética. Las manos y los pies,
tanto de hombres como de mujeres, se
dibujan a escala real —una mano abierta
cubrirá todo el rostro—. La parte superior
de la figura de modas consiste de la
cabeza, el cuello y el torso. La mitad
inferior corresponde a las piernas.
Para el diseñador, los rostros, peinados
y accesorios se usan solamente para
expresar el concepto total. El ilustrador
depende grandemente de éstos, a fin de
impartir una imagen moderna de la
moda. En las vitrinas de las mejores
tiendas, usted encontrará ejemplos
excelentes de una presentación de modas
en conjunto. Los maniquíes, en estas
muestras, los crean y visten expertos; con
los accesorios, posturas y peinados
apropiados. Ellos existen únicamente
para exhibir ropas tan inteligentemente
como sea posible, tal como hace la figura
de modas dibujada.
Para una mayor claridad, los dibujos
de las figuras que presentamos a conti-
nuación se han trazado con gran
sencillez. Al reproducirlos puede que
usted sienta que sus primeros esfuerzos
carecen de suficiente éxito. No se
desmotive. Primero, domine las técnicas
básicas que hemos presentado. Entonces,
podrá usted proyectar su propia interpre-
tación de la elegancia.
Materiales básicos
Todo lo que usted necesita para empezar es
una libreta de dibujo, algunos lápices afilados y
una goma de borrar. He aquí una lista de
suministros para el principiante:
• Libreta de papel tipo Newsprint (papel
barato, para los primeros ejercicios), de 11"
X 18" ó 14" X 17".
• Libreta de papel bond (Layout bond) para
bocetos (papel blanco de mejor calidad,
para un trabajo mejor terminado), de 11"
X 18" ó 14" X 17".
• Una docena de lápices de dibujo de punta
suave (HB), tales como marca Eagle
número 314 s.
• Gomas de borrar plásticas. (Estas gomas no
dejan migas ni rompen el papel; sin
embargo, no pueden borrar líneas muy
gruesas o elaboradas.
• Mesa de dibujo con soporte de inclinación.
(Este soporte puede consistir de cuatro
ladrillos sosteniendo la tabla,
o un mecanismo para mantenerla inclinada,
o una mesa de dibujo profesional).
• Marcador con punta de felpa, tanto finas
como medianas.
• Rollo de cinta adhesiva para cubrir
(masking tape), tachuelas, sacapuntas,
recipiente para lápices y bolígrafos, bandeja
para organizar los materiales.
La buena postura y
la organización en la
mesa de dibujo
La figura que aparece aquí dibujando se
encuentra demasiado cerca del trabajo
que está haciendo, de manera que no tiene la
visión apropiada del progreso de su trabajo. El
hecho de que sólo una pequeña porción de la
figura sea visible a la vez se traduce en un
pobre control de la proporción. Así mismo,
ésta tiende a distorsionarse cuando se trabaja
de plano sobre la mesa. Observe la mala
postura, la mala iluminación y el hacinamiento
de cosas encima. Todo esto tendrá como
resultado un dibujo poco satisfactorio, mucho
tiempo perdido y fatiga.
Aquí vemos a la figura sentada, con

una visión total del dibujo, al igual
que del material que le sirve de fuente de
información (el libro abierto). Trabajar
sobre una tabla de dibujo inclinada, bajo
una buena luz que brilla directamente
encima del papel, resultará en un mejor
control del dibujo. Observe el práctico
zafacón y los suministros bien organizados
dentro de una bandeja de fácil acceso.
Todos estos puntos favorables contribuyen
a lograr resultados provechosos.
Dibujo de la figura
3
Formato
El tamaño (largo y ancho) que tenga su papel
es lo que se conoce como el formato.
Cualquiera que sea su formato, coloque la
figura en la página de manera que el margen
superior sea más pequeño que el inferior.
1. Figura demasiado grande que se sale de la
página.
2. Figura demasiado pequeña
comprimida en una esquina.
3. Figura dibujada muy abajo, que luce como
recortada, en un esfuerzo por hacer que
quepa en la página.
4. Figura colocada correctamente, que
funciona bien dentro de su formato, usando
márgenes convencionales.

4
Dibujo de la figura
a escala en el papel
No importa el tamaño del papel, la figura debe
dibujarse a escala, de manera que quepa en el
mismo. Planifique una figura que pueda llenar
la página, como se muestra en la lámina. Las
diferentes partes del cuerpo se dibujarán en
proporción entre sí, de acuerdo con la escala
que usted haya elegido. La proporción tiene
que ver con la relación entre cada una de las
partes de la figura y con la totalidad del
conjunto. La escala tiene que ver con la
proporción de ajuste seleccionado. En la
página 8 aparece una fórmula que le permitirá
controlar la escala de la figura con respecto a la
página.
Dibujo de la figura
5
La figura
en formas básicas
1. CABEZA —en forma de huevo

2. CUELLO—cilindro
3. DECLIVE DE HOMBROS—en
forma de cuña
4. CAJA TORÁCICA—caja córnea
5. CODO—esfera
6. BRAZO—cilindro
7. PELVIS—caja cónica
8. ANTEBRAZO —cilindro cónico
9. MUSLO—cilindro cónico
10. MANO —en forma de diamante
11. PANTORRILLA—cilindro
cónico
12. PIE —en forma de cono.

6
Relación de las
formas básicas con el
esqueleto y el cuerpo
En la página anterior, mostramos la figura
descompuesta en formas básicas, de
manera que pueda compararse con las dos
estructuras anatómicas en esta página: el
esqueleto y el cuerpo con su masa
muscular. Se trata, pues, de una versión
simplificada de ambas estructuras
anatómicas. Cuando planifique hacer un
dibujo de modas, tenga presente la forma
de cada parte del cuerpo y el hecho de que
el cuerpo humano es tridimensional. Para
ser dibujante de modas, usted necesita un
buen sentido de la forma y de la estructura
corporales.
Observe las articulaciones en la figura,
allí donde el cuerpo se dobla naturalmente
(marcadas en rojo). Mientras vaya
dibujando, utilice tales articulaciones
como puntos de referencia hacia los cuales
dibujar. El uso de estos puntos dará
dominio a su línea.
Dibujo de la figura
7
Dibujo de la figura
de frente
La fórmula que sigue le permitirá controlar la
proporción y la escala.
Haga una marca cerca del tope de la
página —A. Provea espacio para el
margen inferior y los pies y marque B. Trace
ligeramente una línea vertical (línea balance)
de la A a la B. Divida la línea vertical por el
centro y marque C.
Divida a la mitad la línea que va de A a
C y marque 1. Haga lo mismo con la
línea A-l y marque 2. Divida también la línea
C-l, por la mitad, y marque 3; finalmente,
haga otro tanto con la línea B-C y marque 4.
Dibuje la forma de la cabeza de la A a la 2.
Divida en dos el espacio de la línea 1-2,
mediante una línea horizontal hasta el ápice de la
caja torácica (clavícula). Allí donde la clavícula se
cruza con la línea balance, se encuentra la base
del cuello. A iguales distancias arriba y abajo de 3
(cintura), dibuje líneas horizontales. También
trace una línea a través de C. Añada los lados de
la caja torácica, disminuyendo gradualmente
hacia la cintura, así como los lados de la pelvis
desde el tope de la cadera. Asegúrese de que todas
las formas sean iguales a ambos lados de la línea
balance; agregue entonces la forma del puño en
la cintura.
Ahora haga una marca para cada
articulación y dibuje en esa dirección.
Primero, dibuje las coyunturas de la esfera del
hombro para luego seguir con los declives de los
hombros. (Los hombros deben tener un ancho
de dos cabezas). Dibuje los cilindros de los
brazos. Imagine que centra un compás en la
base del cuello, dibuje un arco desde la cintura
para indicar la colocación del codo. Dibuje las
articulaciones de los codos, seguido de los
cilindros del antebrazo. A continuación, dibuje
la línea de la cintura, conectada a la caja
torácica y la pelvis. Dibuje las coyunturas de las
rodillas y los cilindros de los muslos. Dibuje
entonces los cilindros de las pantorrillas y
agregue los conos de los pies —aproximadamente
del largo de la cabeza. —Fíjese que la muñeca
del brazo extendido se encuentre justo debajo
de C. La forma de la mano se extiende desde
la muñeca.
Ahora contemple su trabajo a distancia y haga
los ajustes que crea conveniente.

8
Dibujo de la figura
9
Exprese movimiento por
medio del balance del
peso
Formas/figuras
Para crear la apariencia de un movimiento relajado
en la figura de pie, dibuje el balance del peso del
torso descansando sobre uno u otro pie.
El pie que lleva todo el peso del cuerpo debe
dibujarse al final de la línea del centro. El
resultado será entonces una reacción en cadena:
La cadera en el lado que lleva el peso del torso se
eleva, inclinando la pelvis hacia el otro lado, que
no carga ningún peso. Como reacción a esta
inclinación pélvica, la línea balance del torso se
dobla a la altura de la cintura, en tanto la caja
torácica y los hombros se relajan hacia el lado
portador del peso del cuerpo.
El pie y la pierna que llevan este peso, así como
la pelvis, la cintura y la caja torácica, deben
colocarse cuidadosamente, para mantener el
balance de la figura. Sin embargo, la cabeza, el
cuello, los brazos y la pierna que no lleva peso
alguno, se encuentran libres para crear una amplia
variedad de poses relajadas.
Esta fórmula para mostrar movimiento a través
del balance del peso resulta una regla útil, aun
cuando existen sus excepciones. Más tarde, usted
aprenderá a trabajar con poses que rompen todas
las reglas. Pero, por ahora, concéntrese en dominar
esta técnica.

10
Dibujo de la figura
11
Balance del peso
Dibuje la línea central o línea balance, de
la cabeza al tobillo, y marque A, B y C,
así como 1, 2, 3 y 4.
Dibuje la cabeza, el cilindro del cuello y
el pie que lleva el peso del cuerpo.
Seguidamente, dibuje la parte superior de la caja
torácica (línea de la clavícula), con una ligera
inclinación hacia el lado de la figura que lleva
este peso. Para establecer una nueva y relajada
línea central del torso, o línea T, trace una línea y
forme un ángulo con la clavícula, desde la base
del cuello hasta la cintura (3), retorne a la línea
balance, en C. Allí, dibuje el fondo de la pelvis,
forme un ángulo derecho con la porción inferior
de la nueva y relajada línea central del torso.
Encima de la cintura, indique el fondo

de la caja torácica, al dibujar una línea
paralela hasta el tope. Debajo de la cintura,
indique el ápice de la pelvis, trazando una línea
paralela a su fondo. Empareje las formas a cada
lado de la línea central y complete las formas de la
pelvis y la caja torácica. Incline la cintura en un
mismo ángulo con la pelvis. Dibuje la esfera de la
articulación de la rodilla, en 4, ligeramente a la
derecha de la línea balance original. Dibuje el
cilindro del muslo, desde la pelvis, disminuyendo el
tamaño hasta la articulación de esfera de la
rodilla. Luego dibuje el cilindro del muslo
desde la pelvis, reduciendo su tamaño al llegar
a la esfera de la rodilla. Luego dibuje un
cilindro en forma de pantorrilla, desde la
rodilla al tobillo. Dibuje los declives del
hombro; coloque la forma del puño en la
cadera.
Dibuje las coyunturas de la esfera del

hombro. Dibuje entonces un arco que
cruce la cintura. Utilice la base del cuello como
punto de oscilación y coloque en posición las
articulaciones del círculo del codo. Dibuje los
cilindros de los brazos. Entonces indique la
muñeca del brazo extendido, justo debajo de C.
Desde las coyunturas de la esfera del codo, dibuje
los cilindros de los antebrazos hasta ambas
muñecas. Agregue la forma de la mano. Dibuje
una ligera línea de guía paralela al fondo de la
pelvis, a través de la rodilla que lleva el peso del
cuerpo, en 4; ponga la articulación de esfera de la
rodilla que no lleva el peso. Trace otra línea guía
inclinada, al nivel del tobillo, para mostrar la
colocación del pie que no lleva el peso del cuerpo;
coloque la forma del pie y la pierna.

12
EL RESULTADO
DEBE
LUCIR ASI
Dibujo de la figura
13
Giro de la figura a 3/4
Vista de 3/4
Girar la figura hace posible todo un nuevo
grupo de posturas. Las variaciones sobre la
Figura 3/4 son probablemente las más
usadas de todas las poses. A medida que la
figura gira, se pueden indicar más líneas
claves del contorno. Una vuelta extrema
puede revelar lo mismo detalles del frente
que de la espalda.
Para las proporciones de la figura de
3/4, así como para las otras figuras,
empiece por dibujar y marcar la línea
balance. Debido a que al girar las figuras, el
cuello queda en un ángulo y la cabeza se
mueve, dibuje la forma de la cabeza un poco
hacia un lado de la línea central, ajuste el
cilindro del cuello, de acuerdo con la
posición de la cabeza, tal como se ve en el
diagrama. Dibuje entonces la relajada línea
central del torso, siga la secuencia explicada
en la Página 12. Debido a que la figura
vista de 3/4, al voltearse queda más lejos del
observador, las formas de la caja torácica y
de la pelvis se dibujan algo más estrechas
que las de la figura frontal.
Añada las porciones laterales
sombreadas a las formas de la caja
torácica y la pelvis, Estas se han
sombreado para su conveniencia, de manera
que usted pueda diferenciar el frente del
costado. Deje una abertura a un lado de la
caja torácica para adherirle el cilindro del
brazo. Dibuje las formas del hombro e
incline la cintura paralelamente a la pelvis,
tal como muestra el diagrama. Dibuje
entonces el pie y la pierna que sostienen el
peso del cuerpo.
Al terminar la figura, antes de dibujar
los brazos recuerde dibujar las manos
donde usted las prefiera. También, observe
cómo los extremos curveados de los
cilindros de los brazos doblados están al
revés de su posición en la figura frontal.
Observe igualmente, cómo la caja torácica
recubre el brazo más distante, a la altura del
hombro.

14
Pose de la figura
con movimiento de la
pelvis hacia adelante
(Pelvic-thrust stance)
Esta pose rompe todas las reglas. Los
hombros permanecen rectos, pero la pelvis
aparece inclinada; así se logra una postura
algo encorvada. Variaciones de ésta han
sido la base del modelaje de modas
durante años.
Trace y marque la línea central
vertical, para establecer las propor-
ciones de la figura. Dibuje entonces la
forma de la cabeza, un poco hacia un lado
de la línea balance. (En esta figura, al igual
que en la figura opuesta de 3/4, el cuello
en ángulo mueve la cabeza). Ajuste el
cilindro del cuello para colocar la cabeza.
Trace una línea horizontal para la clavícula.
Entonces, establezca una nueva línea
central pélvica, desde la cintura (3) hasta la
entrepierna, para inclinar la pelvis (c).
(Observe que esta posición tiene una sola
inclinación, contraria a las poses de dos
inclinaciones con las que usted ha estado
trabajando). Ahora agregue la estrecha caja
torácica y las formas de la pelvis que
muestren que la figura en la página no se
encuentra mirando directamente al frente.
Tal y como usted hizo para la
figura opuesta de 3/4, añada la
porción lateral sombreada a las formas
de la caja torácica y la pelvis, deje una
abertura en el lado de la caja torácica
para adherir el cilindro del brazo. Dibuje
entonces los declives del hombro e
incline la cintura parcialmente
sombreada, en forma paralela a la pelvis.
Indique ligeramente la pierna y el pie
sosteniendo el peso.
De nuevo, coloque las manos y los
pies donde usted quiera dibujarlos.
Entonces, conéctelos con los brazos y las
piernas. Observe el declive inverso de las
rodillas, donde se sobreponen las piernas.
Ver la Página 26, para versiones en detalle
de estas posturas.
Dibujo de la figura
15
Figura de espalda
Cada nueva postura aumenta su
conocimiento sobre el dibujo de figuras
de modas. No se impaciente por avanzar
demasiado de prisa. Siga cada grupo de
secuencias, según vayan apareciendo, y
trabaje cuidadosamente. Asimismo,
observe que cada pose presenta diferencias
sutiles con respecto de las otras, y deben
practicarse. Por ejemplo, en la figura de
espalda a la derecha, fíjese cuan diferente
es la forma de la cabeza de la forma de la
cabeza de frente —y de las figuras de 3/4 .
El cilindro del cuello se eleva mucho
más. Ello se debe a que usted ve más la
parte del cuello, desde la espalda, puesto
que no la oculta el mentón.
Después de trazar y marcar la
línea balance para la figura de
espalda, dibuje la forma de la cabeza y el
cilindro del cuello. Entonces relaje la
línea central, como usted ha hecho desde
la Página 12. Trabaje entonces en la
siguiente secuencia: formas de la caja
torácica y la pelvis, declives del hombro
e inclinación de la cintura; pie y pierna
que llevan el peso del cuerpo, forma de
la mano puesta en la cintura.
Mientras usted termina su dibujo,
preste especial atención a los
cilindros de las extremidades y los codos.
Observe que están a la inversa de su
posición en la figura frontal. Los codos
se extienden desde la superficie de la
página hacia el observador.
Véase la Página 27 para una versión
detallada de esta pose.

16
Figura de perfil
La figura de perfil -la postura menos
usada de todas- presenta una
perspectiva del cuerpo humano
totalmente diferente de lo que se ve
en las otras poses que usted ha
estudiado. Usted ya no podrá
depender de la línea central del
torso, pues tendrá que trabajar desde
una línea de costura lateral, que
cumpla la misma función. Dibujar la
cabeza, el cuello y el torso le brinda-
rá una mirada fresca a las formas y
proporciones de las figuras.
Trace y marque la línea balance
para las proporciones verticales
de la figura. En la figura de perfil la
forma de la cabeza se asemeja a un
huevo inclinado; el cilindro del cuello
ajustado a éste, se adhiere al frente
del cuerpo. La parte superior de la
caja torácica se dibuja ahora con una
línea sesgada desde la línea balance.
Observe cómo la línea de costura
lateral empieza a partir del tope de la
caja torácica, cruza la línea balance a
la altura de la cintura (3) y termina
en C. Desde C, añada la línea inferior
de la forma pélvica, tal como se
muestra. El torso tiene la forma de dos
Ts adheridas a sus bases, la del fondo
boca abajo —una Tpara la caja
torácica y otra para la pelvis-.
Ahora desarrolle la forma de la
caja torácica con el hueco del
brazo. Dibuje entonces la forma de la
pelvis y la cintura inclinada. Dibuje
la pierna y el pie portadores del peso,
así como la forma de la mano en la
cintura. (A medida que dibuje la
pelvis, incline la línea que
corresponda a los glúteos hacia
adentro).
Termine de dibujar la figura, tal
como se muestra. Déle especial
atención a los cilindros de las
extremidades y al arco del codo. Una
versión detallada aparece en la
Página 27. Ahora usted ha practicado
el dibujo de las formas básicas del
cuerpo desde todos los ángulos más
importantes. Ya puede notar que al
mover la figura de modas, le añade
drama, emoción y personalidad a su
trabajo.
Dibujo de la figura
17
Contorno
Indicación del volumen a través
de las líneas de contorno
Para dibujar un diseño de modas exitoso,
piense en términos de volumen. Las prendas de
vestir rodean la figura. Las líneas de contorno
sirven como un recordatorio de que sus formas
son tridimensionales. Estas líneas comprenden la
perspectiva, es decir, la representación de la
relación espacio y forma, tal como aparecen
ante nuestra vista. Las líneas del contorno
aplican también al diseño de telas. La Figura 1
se presenta de frente, cubierta de líneas de
contorno; algunas son más importantes que otras.
Las líneas de contorno clave son las siguientes:
• Alrededor de la base del cuello (para collares,
escotes).
• Alrededor del brazo (para mangas cortas).
• Alrededor de las muñecas (para puños,
terminales de mangas, brazaletes).
• A través del ápice del busto
• Alrededor de la cintura (para cinturones,
bandas).
• Alrededor del tope del muslo (para pantalones
cortos).
• Alrededor de la pantorrilla (para medias,
ruedos o dobladillos, botas).
Todas las cuatro figuras se dibujan con la
línea del horizonte en la parte baja del torso,
así se crea la ilusión de que se está viendo a la
modelo desde abajo, como en un desfile de
modas. Observe que en la línea horizontal, se
invierte la dirección de las líneas de contorno.
La Figura 2 muestra líneas de contorno
verticales. Estas pueden sugerir costuras
laterales, cierre del frente y tratamiento del
busto. La Figura 3 -la vista posterior- muestra
cómo las líneas de contorno horizontales
revierten la dirección al doblar una pierna. La
Figura 4 presenta el efecto de las líneas de
contorno de una pierna relajada. Al dibujar la
pierna hacia delante, las líneas de contorno
quedan invertidas. Usted observará que en
todas las figuras ilustradas, las líneas de
contorno se ajustan a la postura.

18
Dibujo de la figura
19
La técnica del calcado
Hasta ahora, todas sus figuras han sido
versiones de la "figura de formas básicas"
presentada en la Página 6. En esta etapa, el
calcado puede usarse como una técnica para
que usted pueda ir de esa figura de formas a una
figura ya físicamente detallada. Los pasos del
calcado que siguen a continuación le mostrarán
un camino para que no tenga que preocuparse
por los problemas de postura, escala y
proporciones, de manera que pueda
concentrarse en las características físicas de la
figura de modas y en la calidad de la línea del
dibujo.
A medida que vaya haciendo los trazos, trate
de recordar que usted no está creando una
copia descuidada. Vaya despacio. Deténgase y
piense. Procure que cada línea que usted haga
esté cuidadosamente calculada. Al efectuar sus
trazos, tenga en mente los siguientes objetivos:
1. Perfeccionar la colocación de su figura en la
página.
2. Preservar el resultado de su trabajo en
cuanto a postura, escala y proporción.
3. Cuidar de tener limpio un croquis —o figura
guía-, para trabajar.
4. Detallar bien su figura.
Los cuatro pasos siguientes, ilustrados en
esta página y en la próxima, le ayudarán a
calcar con éxito.
Pegue con cinta adhesiva, el dibujo de la
figura de formas básicas, a su mesa de
dibujo. En el ejemplo que se ilustra en la
Figura 1, la postura, escala y proporciones han
sido perfeccionadas, pero la colocación en la
página necesita ajustes.
Pegue con una cinta adhesiva una hoja
encima del dibujo . En la Figura 2, la posición

del papel limpio ha sido ajustada, para mejorar
la colocación de la figura presentada en la
Figura 1.
limpia de papel de maquinilla (calcante)

20
Use como guía la figura de formas básicas
que se transparenta por debajo del papel,
y dibuje la figura en detalle. Cuando vaya a
darle consistencia corporal a la figura,
asegúrese de mantener una visión general del
dibujo, de manera que todas las partes de la
figura se relacionen en forma y en escala. (En
las seis páginas siguientes se ofrecerán técnicas
precisas para detallar físicamente varias figuras
de formas que usted ha dibujado).
Verifique si sus primeros trazos requieren
ajustes adicionales. Hágalos cuantas veces
sea necesario y contémplelos a cierta distancia,
hasta que su ojo esté satisfecho con los
resultados. El boceto final deber ser un croquis
de gran utilidad, sobre el cual pueda dibujar
los atuendos. Eventualmente usted
desarrollará un conjunto de croquis en diversas
poses para mostrar una gran variedad de ropa.
Dibujo de la figura
21
Refleje movimiento
a través del balance
del peso
Figuras en detalle
Las figuras en estas páginas se calcaron por
encima de las figuras de formas básicas en las
Páginas 10 y 11, usando la técnica explicada
en la Página 24. Observe que los torsos y las
piernas que llevan el peso de las Figuras 1, 2 y
5, se encuentran en las mismas posiciones que
aquéllas sobre las cuales se calcaron. Las
cabezas, brazos y piernas relajados le dan
variación a las posturas. Muchas otras
variaciones son posibles. Mientras usted
practique el dibujar la figura en detalle, trate
de desarrollar muchas poses diferentes. Puede
que usted necesite ciertas posturas especificas,
para mostrar ciertos atuendos de la mejor
manera posible.
La Figura 4 es un ejemplo de la inevitable
excepción a la regla. Aunque el peso descansa
sobre la pierna no doblada, los hombros se
encuentran nivelados. Sólo las caderas están
inclinadas, en una pose de pelvis hacia adelante.
Otra "rompe-reglas" es la Figura 8. El torso
se dibuja como si el peso descansara sobre el
pie derecho, pero las piernas se mantienen
abiertas, para darle a la figura una apariencia
deportiva activa. Al igual que otras figuras
presentadas en estas páginas, las excepciones a
la regla se dibujaron por encima de las figuras
de formas básicas, en las poses originales
formuladas. Se hicieron ciertos ajustes para
alterar las poses.

22
Dibujo de la figura 23
La figura terminada
El dibujo paso a paso
Mientras usted dibuja la figura, trate de
visualizarla sobre la página como un
concepto de la cabeza a los pies. Mantenga
una imagen mental de la apariencia que
quiere lograr; cree una serie de puntos de
referencia (puntos donde doblan las articu-
laciones), hacia los cuales llegar con su lápiz,
y proceda a dibujarlos. Descanse entonces,
planifique anticipadamente lo que va a
hacer. Cuando usted conoce estos puntos se
puede concentrar en la calidad de la línea, la
cual define la forma que está dibujando. Los
buenos puntos de referencia —paradas para
descansar y planificarse encuentran en
todas las áreas de las articulaciones: codos,
muñecas, cintura, rodillas y tobillos. La
mayor ventaja de esta técnica de establecer
puntos clave es el control de líneas y formas
que usted puede obtener con la misma.
Planifique ligeramente una figura
sobre la página o calque alguna de sus
figuras de formas básicas mejor logradas.
Comience arriba y vaya trabajando
hacia abajo, de izquierda a derecha,
para evitar borrones. Si es zurdo, trabaje de
derecha a izquierda. Marque cada punto de
referencia (enumerado arriba) por adelantado
y dibuje hasta ese punto. Descanse y
planifique por anticipado. Concéntrese en
reproducir las formas terminadas. Observe el
arco de la cintura, inclinado con relación a la
pelvis. Fíjese también en el triángulo púbico
desde la línea inferior de la forma pélvica,
extendiendo el torso inferior. Asegúrese de
dejar algún espacio entre las piernas.
Cuando usted haya detallado bien la
figura, agregue las líneas de construc-
ción de la indumentaria (líneas de contorno
clave), tal como se muestra. Éstas le ayuda-
rán a colocar las pinzas del busto y las
principales líneas de costura. La línea central
frontal le indicará dónde colocar los cierres,
como las cremalleras y botones. Los cierres
de botones sobrepasarán esta línea.

24
Dibujo de la figura
25
Figura de pose
con pelvis hacia
adelante y de 3/4
Terminado

26
Figura de perfil
y de espalda
Terminado
Dibujo de la figura
27
La comparación de posturas
• Masculina: hombros cuadrados; codos alejados del torso, • Femenina: hombros relajados; codos próximos al torso,
muñecas y manos menos flexibles, mano más abajo de la muñecas flexibles, muñeca de la mano relajada doblada,
cadera; dedos curvos bajo la mano relajada; inclinación inclinación pronunciada de las caderas, postura ligera -la
de las caderas poco pronunciada; postura sólida. rodilla doblada a menudo apunta hacia dentro—.

28
La comparación de movimiento
• Masculino: hombros rollizos; peso descansando sólidamente • Femenina: mueve las caderas más que los hombros;
sobre los tobillos; las caderas se mueven muy poco; los da pasos cortos; pierna doblada que se balancea desde
brazos se balancean libremente; codos alejados del torso; la rodilla; grácil vaivén de los brazos; codos cerca del
manos casi rozando los muslos. torso.
Dibujo de la figura
29
El dibujo de la figura
masculina
La figura de modas masculina debe ser esbelta,
adética y musculosa, pero nada voluminosa.
La fórmula que usted ha usado para planificar
la figura de moda femenina funciona también
para la masculina. Los ajustes siguientes
cambiarán el género de la figura formulada
originalmente, de femenino a masculino.
• El pico de viuda y las entradas del cabello
ligeramente hacia atrás (menos evidente en
hombres menores de 30 años; más evidente
en los mayores).
• Cejas más espesas y mandíbula más cuadrada.
• Cuello más grueso y hombros más amplios.
• Torso disminuye gradualmente hasta acabar
en caderas más estrechas.
• Línea de la cintura curveada hacia abajo, en
lugar de hacia arriba, pero todavía inclinada
con relación a las caderas.
• Forma protuberante en lugar de triángulo
púbico.
• Articulaciones de huesos largos y músculos
bien definidos en brazos y piernas.
• Manos y pies más toscos y gruesos.
Proyecte la figura usando las formas,
proporciones y secuencia utilizadas para
la figura femenina. Haga ajustes para las áreas
que cambien el género de la figura a masculino.
Marque los puntos de destinación para
detallar físicamente la figura. Puede que
usted tenga que practicar ajustando muchas
figuras, antes que esté listo para detallar
físicamente la figura masculina (Paso 3).
Extienda una hoja de papel en limpio
por encima de la figura que ha estado
marcando. Dibuje cuidadosamente y use la
figura de abajo como guía para detallar la
figura masculina, al conectar sus puntos de
referencia con líneas fluidas, pero bien
controladas.
Recuerde que sus líneas están describiendo
la piel, los músculos y los huesos. Practique
esta pose, así como aquéllas en las Páginas 32
a 35, hasta que su confianza vaya a la par con
su destreza.

30
Dibujo de la figura
31
Ejemplos de posturas
masculinas
Balance del peso

32
Figura 3/4
Dibujo de la figura
33
Postura de
piernas abiertas

34
Figura de espaldas
Dibujo de la figura
35
Proporciones infantiles
Formas/figuras
Todas las figuras en ésta y en las próximas páginas
tienen el mismo tamaño de cabeza. Se comprende
que la cabeza de un infante sea más pequeña que
la de un adolescente. Pero en atención a la
ADOLESCENTES simplicidad, esa variable ha sido eliminada de los
dibujos que aparecen en estas páginas. Las líneas
horizontales en las mismas se relacionan con el
tamaño de la cabeza. Las fracciones indican la
colocación de puntos claves del cuerpo que ocurren
entre estas líneas. Observe la proporción del tamaño
de la cabeza con el cuerpo de cada niño.
NIÑOS GRANDES
Estudie estas figuras verticalmente, no horizon-
talmente, y usted llegará a tener una comprensión
más clara de las proporciones cambiantes de los
cuerpos infantiles.
NIÑOS PEQUEÑOS
INFANTES

36
Proporciones
infantiles
Figuras terminadas
Resulta fácil ver el aspecto proporcional de los
cambios por los que atraviesan los niños si
observamos una proporción —el tamaño de la cabeza
con relación al tamaño del cuerpo-. (No planifica- ADOLESCENTES
mos la figura adulta como un múltiplo del tamaño
de la cabeza porque pensamos que es más fácil
dibujar a escala de acuerdo con el formato, o con el
tamaño del papel y la forma). Si se observan los
cuerpos infantiles en relación con sus cabezas, se
hace más fácil dibujar con exactitud los diferentes NIÑOS GRANDES
grupos de edad. Los infantes tienen una altura
equivalente a cuatro cabezas -rollizos y de piernas
cortas—. Los niños pequeños tienen una altura de
cinco cabezas —todavía gorditos, pero con piernas
más largas-. Los niños grandes, de siete cabezas de
altura, son bastante esbeltos y largos de piernas, en
tanto las proporciones de los adolescentes -ocho
cabezas de altura- anuncian ya la adultez.
NIÑOS PEQUEÑOS
INFANTES
Dibujo de la figura
37
Infantes
Tienen alrededor de 2 a 3 años de edad -
cuatro cabezas de altura-. Observe que sus
rasgos faciales ocupan sólo el tercio inferior
de sus caras. Los infantes se dibujan con una
postura amplia, para mostrar cuan inestables
son sobre sus piernas cortas y gorditas. Ellos
deben lucir tan relucientes como acabaditos
de hacer, y tan inquisitivos como gatitos,
extendiendo sus brazos en alto, con manos
torpes y rollizas. Como accesorios, podrían
servir algunos objetos suaves y acariciables o de
esos juguetes para halar.
Niños pequeños
Tienen alrededor de 4 a 6 años de edad -
cinco cabezas de altura. Sus rasgos faciales
todavía ocupan sólo el tercio inferior del
rostro, pero las facciones son más pronuncia-
das que en los infantes. Los niños pequeños
desarrollan piernas más largas, pero al igual
que los infantes, se deben dibujar rollizos, con
vientres redondeados y manos torpes y
rechonchas. Sus posturas son muy activas -
corriendo, saltando y marchando-. Los
accesorios pueden incluir pelotas, carritos y
patinetas.
Los huesos de un niño pequeño están
recubiertos de grasa infantil. Los muchachos
se pueden dibujar mejor cuando se combinan
el gesto y la postura, presentando al chico en
movimiento. Además, muestre la redondez de
las cabezas infantiles y las pequeñas formas de
sus rasgos en desarrollo.

38
Dibujo de la figura
39
Niños grandes
Tienen alrededor de 8 a 12 años de
edad -siete cabezas de altura-. Sus
brazos y piernas son más largos.
Además, su grasa de bebé va desapare-
ciendo, a fin de revelar los huesos de
las rodillas y los codos, así como otras
características de la figura adulta.
Las posturas típicas de los mucha-
chos de esa edad a menudo reflejan
amaneramientos exagerados. Una
cierta torpeza juguetona afecta el uso
de sus manos y pies. Las niñas pueden
comportarse como "damitas" o
pueden actuar como marimachos
bien activos. Los muchachos de esta
edad a menudo copian consciente-
mente las posturas y actitudes
masculinas de sus ídolos mayores.
Para los chicos de ambos sexos, los
deportes y su parafernalia correspon-
diente pueden sugerir poses y proveer
accesorios. La escuela también juega
un papel importante en la vida de los
niños grandes. En el otoño, son
tradicionales y apropiados los
accesorios de regreso a la escuela, tales
como libros, cuadernos y mochilas.

40
Dibujo de la figura
41
Adolescentes
Tienen de 13 a 17 años de edad -ocho
cabezas de altura. Son esbeltos y de
piernas largas- casi adultos en sus propor-
ciones. Los huesos los tienen muy bien
marcados.
Los adolescentes están interesados en su
apariencia y en acicalarse. Algunas modas
momentáneas entre adolescentes puede
que les hagan lucir descuidadas para los
adultos, pero para el joven que lleva esas
ropas constituyen lo último en elegancia
entre sus compañeros.
Los adolescentes a menudo exageran su
propia feminidad o masculinidad. Las
chicas pueden ser altaneras o coquetonas.
Los muchachos frecuentemente se hacen
los bravos, escondiéndose detrás de una
fachada de machos. Cuando dibuje
adolescentes, tome en consideración sus
afectaciones y actitudes para que pueda
seleccionar las poses más adecuadas.
Además de los deportes, la escuela
ocupa mucho tiempo en la vida de estos
jóvenes. Son apropiados los accesorios
deportivos y escolares. La música y el baile
son también de suma importancia para los
adolescentes. Por último, el teléfono
desempeña un papel definitivamente
importante a esa edad.

42
Dibujo de la figura
43
Cabezas y rostros
Femeninos
El dibujo del rostro puede completar el mensaje total del diseño.
Puede sugerir que el diseño del vestido está dirigido a un cliente
determinado de acuerdo con la edad, tipo o figura en particular.
El dibujo del rostro puede expresar satisfacción al usar este
diseño específico del cliente.
Presentamos aquí una serie de proporciones faciales típicas.
Estudie el diagrama de la derecha; luego practique dibujando
rostros paso a paso en las secuencias presentadas a continuación.
Unas palabras de advertencia acerca de los ojos: demasiado
grandes —de caricatura—; demasiado cercanos —una mirada de
enojo—; demasiado separados —una mirada inexpresiva—; el blanco
de los ojos encima o alrededor del iris —espanto—; demasiado blanco
debajo del iris —soñolientos—.
Dibuje la forma de la cabeza y las líneas guía, y coloque
los ojos. En la figura de frente, deje la medida de un
ojo entre cada ojo. (En la figura de 3/4, observe el tamaño
disminuido del ojo más lejano, así como la ligera
redondez del más cercano). Coloque el ojo bien
hacia delante, en la figura perfil de la cabeza.
Dibuje el nacimiento del cabello; coloque
las cejas, la nariz, la boca, usando las
proporciones indicadas arriba. Use su mejor
criterio al colocar la boca en la forma más
atractiva posible. La primera línea que se dibuje
será la abertura de la boca, y debe ser la más
pronunciada.
Complete los rasgos faciales. Añada el
perfil de la nariz en la figura de perfil y
en la de 3/4. Añada los párpados, iris, orejas,
labios superior e inferior y el cilindro del cuello.
Observe la nariz y los labios en la figura de
lado, dibujados fuera de la forma de la cabeza,
el labio superior sobrepasa el inferior. También
observe el ángulo del cilindro del cuello y la
colocación de la oreja.
Añada los detalles finales, tales como el
cabello y las pupilas de los ojos. Agregue
acentos de maquillaje a los ojos y los labios.

44
Cabezas y rostros
Masculinos
El rostro masculino puede dibujarse con las
mismas proporciones utilizadas para el
femenino. La diferencia entre los sexos está
marcada por los ojos más estrechos del
hombre, y por las entradas del cabello hacia
atrás desde el pico de viuda. El rostro masculi-
no tiene cejas más gruesas, la mandíbula más
cuadrada y la barbilla más definida que el
rostro femenino. Además el cilindro del cuello
sobre el que descansa la cabeza del hombre es
más ancho. Se debe prestar más atención a la
nariz del hombre y menos a la boca.
El diseñador dibuja los ojos del los hombres

y los de las mujeres en forma diferente. A las
mujeres se les aumentan los ojos con el
maquillaje, mientras que a los de los hom-
bres tiende a alargarlos para que parezcan
más concentrados, con el ceño fruncido. Ya
sea que usted esté dibujando un hombre o
una mujer, recuerde: una nariz con líneas
repasadas en el dibujo domina todo el rostro;
cada nueva línea añade 10 años. Asegúrese de
que sus bocetos de práctica sean del tamaño
adecuado para figuras completas.
La misma secuencia que para el rostro
femenino. Observe las líneas guías
trazadas para cada posición.
La misma secuencia para
la mujer.
La misma secuencia que para la mujer,
pero cuadre la quijada del hombre y la
barbilla. Haga más gruesas las cejas. En la
posición 3/4, la mitad más alejada de los
labios debe ser más pequeña que la mitad
más cercana. No trace el contorno de los
labios masculinos. Ahora proceda a refinar
los pómulos y la barbilla.
En los rostros masculinos se permite
dibujar líneas de expresión para lograr
una apariencia más vigorosa
y madura.
Dibujo de la figura
45
46
Los rostros en la moda
Hasta hace poco tiempo, la imagen del
maniquí de moda era exclusivamente de raza
blanca. Se destacaban las facciones europeas,
nariz alargada y ojos claros. De unos años para
acá, esta mentalidad tan estrecha ha sido
felizmente cambiada. Las casas de modas,
revistas, folletos y vitrinas contemporáneas
están usando modelos de todo de tipo de razas
con el fin de distinguir, mostrar, halagar y
crear una mayor demanda por la ropa.
Dibujo del cabello

No importa el tipo étnico que esté dibujando,
usted debe darle atención al cabello, ya que
este es un detalle muy importante del mensaje
total del diseño de moda. Recuerde, ya sea el
pelo largo, corto, lacio, ondulado o rizado, su
lugar de origen será el nacimiento del cabello.
Levemente trace la forma de la silueta del
cabello, y vaya dibujando el estilo
deseado.
Indique la textura del cabello u otra
característica. Ocasionalmente usted
tratará de seguir algunas líneas individuales del
cabello, desde el nacimiento del cabello hasta
el final, tal como se ve en la ilustración.
Indique cualquier línea ondulada o rizada que
requiera el estilo del peinado. Sea mesurado
para no terminar con el desorden y los
garabatos de un aficionado.
Para más detalle usted puede crear
puntos de luz (highlights) (puntos
brillantes que reflejan la luz) a base de color, así
como áreas descubiertas (drop-outs) (lugares
donde el color no ha sido aplicado). Para
producir estos últimos, oscurezca sólo las áreas
no expuestas a fuente de luz imaginaria,
dejando sólo aquéllas expuestas a tal fuente de
luz. Esta técnica crea la ilusión de un cabello
lustroso y saludable.
Dibujo de la figura
47
Formas de la mano
Femeninas
La mano femenina en el diseño es una versión delgada,
elegante y grácilmente exagerada de la versión real de
la mano. No haga una escala muy pequeña de la mano.
La mano abierta debe cubrir casi toda la cara y la
longitud del dedo índice se aproxima a la de la palma de
la mano.
A continuación, el proceso para dibujar las formas
de la mano femenina. Piense en la mano como una caja
rectangular poco profunda, con el dedo pulgar sobresa-
liendo del costado y los otros dedos del final. Invierta
Dibuje ligeramente la forma básica de la pose

que usted haya seleccionado.
Añada los dedos de la mano más prominente-
mente expuestos (el pulgar y los dedos).
Refine y dibuje los dedos menos
prominentes.
Complete, ¡pero no dibuje en exceso! La escala y las
formas básicas son más apropiadas que detalles
anatómicos exactos.
entonces la caja.

48
Formas de
la mano
Masculinas
La mano masculina es más cuadrada que la femenina y
tiene dedos más gruesos. Al igual que en la mano
femenina, el dedo índice tiene casi la misma longitud
que la palma de la mano. Cuando se coloca en la
cadera, la mano masculina descansa sobre sus dedos y
el pulgar. Cuando está relajada, los dedos se doblan
hacia dentro. Como en el dibujo de la mano femeni-
na, piense en una caja rectangular poco profunda, con
el pulgar y los demás dedos.
Dibuje ligeramente la forma básica de la pose que
usted haya seleccionado.
Añada los dedos más prominentemente
expuestos (el pulgar y los otros dedos).
Dibuje los dedos menos prominentes, y de ser
visibles, los nudillos y las grandes conyunturas
del hombre.
Complete sin dibujar en exceso. Piense en la
escala y en las formas básicas.
Dibujo de la figura
49
Pies/zapatos
Femeninos
Al igual que las manos, los pies se dibujan en una escala
cercana a la longitud de la cabeza. Mientras más alto el
taco, más largas serán las posiciones de frente y de 3/4.
Para zapatos planos, la posición frontal se hará más corta
y más ancha, o la postura puede ser más abierta. Todas
las posiciones de frente y de 3/4 requieren escorzo
(contracción en la dirección de la profundidad, para
sugerir proyección en el espacio). El pie femenino del
diseño debe ser elegante, y de huesos delicados. Debajo
pueden verse dibujos en proceso para la mayoría de los
ejemplos a la derecha.
Dibuje ligeramente la forma básica. Observe los
tobillos delicados.
Indique el arco si está a la vista, y entonces la
forma de la punta del pie.
Añada detalles del pie y/o la construcción
del zapato, tales como las puntas, las correas y los
tacones. No dibuje en exceso. ¡Piense en la escala y la
forma!

50
Pies/zapatos
Masculinos
El método para dibujar el pie masculino se parece
mucho al del pie femenino, aunque el pie
masculino tiene huesos más largos y tiene una
postura más firme. Como ocurre con el pie
femenino, las posiciones de frente y de 3/4
requieren de escorzo. A la izquierda, se observan
algunos ejemplos de pies y zapatos de hombre, y
abajo, el proceso para dibujarlos.
Dibuje ligeramente la forma básica. Observe
el tobillo grueso y la estructura ósea más
grande.
Indique el arco si está a la vista, seguido de la
forma de la punta del pie. Para un
zapato, dibuje la suela. También el tope y la
lengüeta, si se ve.
Agregue detalles específicos tales como las
costuras y los cordones de los zapatos, pero
no dibuje en exceso. La escala y las formas
sencillas son más importantes que detalles más
complicados.
Dibujo de la figura
51
El croquis de diseñador
El término croquis originalmente se refería a un
boceto o borrador hecho con rapidez. Los
diseñadores han adoptado la palabra, a fin de
identificar una figura-guía sobre la cual van a
dibujar. Para no perder un tiempo valioso
planeando nuevas figuras, el diseñador o el
ilustrador seleccionan, entre sus archivos, un
croquis en una pose apropiada. Algunos
diseñadores dibujan la misma pose una y otra vez.
Sin embargo, con la debida práctica, y haciendo
uso de las destrezas que está aprendiendo, usted
podrá dibujar todas esas poses y muchas más.

52
Dibujo de la figura
53
2
El dibujo
del
atuendo
Después de practicar la figura y crear un
grupo de croquis en diversas poses, podemos
seguir adelante. El describir visualmente el
atuendo con un lápiz o una pluma nos
presenta un nuevo desafío. Usted necesita la
misma disciplina, a base de práctica y
perseverancia, que necesitó para dibujar
figuras, si bien dibujar atuendos es mucho
más divertido.
La Parte Dos comienza con una discusión
sobre la importancia de la silueta. Veremos
que no sólo se describe toda una época, sino
que también se pronostica la moda por venir.
Luego pasaremos a discutir los detalles, que
pueden añadirle impacto y autoridad a su
trabajo. Tendremos más que decir acerca de
calcar (en lugar de borrar). Hablaremos
acerca de diferentes ayudas que podrá
encontrar en su propia casa, a las que usted
puede sacar partido. Fomentaremos el valor
de una colección de diseños de modas.
(Usted podrá mejorar su conocimiento
acerca del diseño de modas y desarrollar
más rápidamente su estilo personal si intenta
"copiar" los trabajos de sus ilustradores de
moda favoritos). También se incluyen
algunas técnicas para convertir las fotografías
de modas y modelos vivos en dibujos de
modas.
Al igual que en la Parte Uno, los ejercicios
aparecen en despliegues a doble página para
que se pueda apreciar fácilmente. Nueva-
mente, se puntualiza la secuencia y el
método y proceso. (Usted debe usar un
croquis para las técnicas presentadas en el
proceso del dibujo). Se le muestra una
selección básica de atuendos lo mismo en
los ejemplos que en las explicaciones paso a
paso. Practique estos ejemplos hasta que se
sienta satisfecho con los resultados, antes de
continuar con diseños más complicados.
La Parte Dos también incluye una galería
de modas de mujeres, hombres y niños, que
ha alcanzado un estatus "clásico". Estos estilos
siempre reaparecen con nuevas interpreta-
ciones cada temporada.
Siluetas del
siglo XX
Los diseños de ropa cambian dramáticamente y
con mucha frecuencia a través de los años. La
persona informada es capaz de reconocer una
determinada época, con sólo observar la silueta,
es decir, la forma que adopta la moda.
Examine las siluetas presentadas aquí. Fíjese
cómo la línea de la cintura se va contrayendo,
ensanchando, elevando y bajando, para luego
repetirse el ciclo. Los hombros se agrandan, se
estrechan y se inclinan, para verse nuevamente
abultados y rellenos. Las faldas varían desde
jmuy anchas hasta las más estrechas y pegadas al
cuerpo, con ruedos que se mueven caprichosa-
mente hacia arriba y hacia abajo.

56
Puesto que la silueta por lo general cambia entalladas (apretadas, largas y difíciles para
a mediados de cada década, la moda al final de caminar) ahora dificultan el movimiento.
una década casi siempre anuncia los cambios 1917: Las mujeres ocupadas en la Primera
que van a venir en los primeros años de la Guerra Mundial requieren faldas más cortas y
siguiente. anchas.
1902: Las mujeres que se unen a la fuerza 1922: Las faldas se siguen acortando más;
de trabajo de oficina requieren de un vestuario el énfasis en el diseño se desplaza del busto a la
apropiado, consistente en conjuntos (faldas y cintura y a la cadera.
chaquetas en combinación). Todavía es 1927: Para crear una apariencia varonil se
popular el bustier, de los años 1890 que destacó el cabello corto, talle largo y ruedo a
levanta el busto y crea la apariencia de una las rodillas
sola pieza. 1932: El corte sesgado; los ruedos se bajan.
1907: Los corseletes se suavizan; las faldas Las líneas de la cintura permanecen igual.
empiezan a estrecharse; continúa el bustier. 1937: Retorna la cintura natural; los
1912: Se van aflojando los corseletes y las ruedos se suben. Los hombros ahora son
líneas del busto, pero las faldas rellenos o abultados con hombreras.
El dibujo del atuendo

57
1942: La Segunda Guerra Mundial -
apariencia militar de hombros cuadrados; las
faldas cortas ahorran tela.
1947: El "new look" (La Nueva Imagen) de
Dior — hombros abultados; cintura diminuta;
caderas rellenas; faldas con mucho vuelo y largas.
1952: Chaquetas ajustadas a la cintura;
faldas largas, estrechas, suavemente entallados
hasta la pantorilla.
1957: Chaquetas más sueltas, línea de
cintura más alta. Las faldas todavía estrechas,
pero los ruedos suben.
1962: La influencia trapecio -entallada al
frente y suelta atrás, cayendo plenamente desde
los hombros. Los ruedos llegan a la rodilla.

58
1967: Se establece la minifalda (a mitad del 1982: Entre otras imágenes, unas chaquetas
muslo). Una cintura elevada, un peinado cortas y ajustadas, con cintura natural y
exagerado, un sombrero grande y botas hombreras abultadas o rellenos, sobre una falda
completan la imagen. larga y con vuelo, a medida que las mujeres se
1972: Al empezar a ser aceptados los hacen menos autoconscientes sobre la expresión
pantalones para uso en las oficinas, los de su feminidad. El eclecticismo lleva a una
diseñadores les prestan nueva atención. No apariencia más conservadora.
todos los conjuntos de pantalón (trajes de Ya a este nivel debe ser evidente para usted
chaqueta y pantalón) son tan masculinos como el gran valor de conocer la historia de la moda.
el que se muestra aquí. Los primeros siglos de la historia de la moda,
1977: La imagen de Annie Hall (ecléctico, así como la del siglo XX, compensará plena-
inspirado en el vestuario de Diane Keaton para mente su escrutinio. Usted puede aprender
un popular film de Woody Alien) -chaquetas más acerca de la historia de la moda en los
poco estructuradas con hombreras rellenas y libros y en las colecciones de modas existentes
abultadas para lograr un efecto como de cajón-. en museos y bibliotecas.
Faldas más largas y anchas, usadas con botas.

59
Galería de moda
artística
Con croquis
Detrás de los ejemplos de arte de modas ya
publicados —que incluyen el trabajo de varios
artistas— se encuentran los croquis de los cuales
podrían haber sido dibujados. Observe cómo
RICHARD HOLIMANN las formas que usted ha estado practicando se
PARA NEIMAN MARCUS relacionan con las posturas exageradas usadas
en diseños de alta costura más sofisticados.

60
RUTH LAUMOND
PARA GRODINS
MARILEE MEYER
PARA I. MAGNIN

61
Dibujo plano
Entre los dibujos que debe suministrar un
diseñador, se encuentran los bocetos de diseño
planos, de manera que el personal de taller
puedan interpretar la colección. Estos diseños
planos vienen usualmente acompañados de
muestras de telas y de notas completas sobre
detalles especiales.
Otro uso importante para estos bocetos
planos ha surgido con el desarrollo de la
producción de colecciones extranjeras. Esto
requiere del envío de dibujos con especificacio-
nes con las dimensiones reales —largo y ancho-
de las diferentes piezas de ropa, tales como
mangas, cuellos y puños, todas perfectamente
anotadas. En el mundo de la moda internacio-
nal actual, resulta esencial tener dibujos tanto
de frente como de espalda, con los detalles
claramente indicados. A falta de éstos, se puede
romper la comunicación. Las medidas exactas
aseguran una fabricación correcta fuera del
taller.
Para practicar el dibujo plano, seleccione
prendas de vestir de su propio guardarropa, y
póngalas sobre el piso o sobre cualquier otra
superficie horizontal plana que le resulte
conveniente. Cópielas exactamente, detalle
todas las costuras visibles, y sea especialmente
cuidadoso con la proporción.
Usted podrá dominar esta técnica de
dibujar ropa con la debida observación y
práctica. Para ello, necesitará practicarla tanto
como las otras técnicas de vestir a una figura,
tema que se tratará en la Parte Dos.

62
63
El calcado como
una técnica
Versión revisada
Usted ha estado usando el método de calcar

para trabajar las figuras útiles como croquis.
Cuando dibuje atuendos puede usar la misma
técnica de calcar.
L. Escoja un croquis en la pose que usted
prefiera. Coloque su página encima del
mismo, y vaya trazando a grandes rasgos la
silueta y las formas de la prenda de ropa.
2. Use su borrador como guía, a fin de dibujar
el vestuario en mayor detalle.
3. Proceda a calcar cuantos bocetos sean
necesarios para obtener un dibujo final
limpio.
Si cada cada vez que usted calca no lo hace
mejor que la vez anterior, algo anda mal.
Regrese a la mesa de dibujo. No calque y
recalque en la vana esperanza de mejorar. En
cambio, trate de visualizar las líneas en su
mente y proyecte en la página en blanco antes
de dibujarlas. Esto es especialmente importan-
te para diseñadores que están trabajando a
partir de conceptos, a diferencia de los
ilustradores, que lo hacen a partir de una pieza
ya terminada.
La calidad de la línea de su boceto final
debe sugerir un dibujo original. Nunca debe
tener el aspecto de haber sido calcado. Este
procedimiento no debe ser una muleta para
facilitar el dibujo, sino una técnica para
hacerlo más limpio y positivo.

64
Recursos
para practicar en la casa
Usted puede practicar técnicas de dibujo de

modas en la casa, con las técnicas y materiales
recomendados en la Página 2. Algunas ayudas
prácticas que le pueden favorecer para desarrollar
sus destrezas puede que ya estén a la mano. Otras
pueden obtenerse a un costo mínimo con sólo
saber comprar inteligentemente.
Practique el dibujar la ropa de su propio clóset;
usted puede ser su propio modelo, ante un espejo
de cuerpo entero, o puede colocar la ropa en un
maniquí de costura, de segunda mano (muy útil
puesto que las prendas colgadas en los ganchos o
percheros aparecen distorsionadas, especialmente
en el área del escote). También usted puede
practicar dibujando a las personas de su alrededor.
Por ejemplo, pídale a un amigo o pariente que
permanezca inmóvil, por cinco minutos, en una
simple postura balanceada. El método mostrado
en las Páginas 13 a 17 podría ayudarle a mejorar
su habilidad.
Una gran fuente de información para practicar
diseño son los libros de patrones que pueden
adquirirse en las tiendas de tejidos al final de cada
temporada. Estos libros ofrecen diseños de modas
con muestras de telas, así como fotos con las
cuales usted puede trabajar. También existen
dibujos planos en los que ilustran la construcción
de la prenda de vestir. Un libro de patrones puede
ofrecer una amplia variedad de posturas, cabezas,
manos y pies (zapatos). También este tipo de libro
es como una enciclopedia de detalles sobre ropa.
Su colección de diseños y fotos de modas debe
ampliarse constantemente. Las revistas en circula-
ción lo mantendrán al tanto de lo que está
pasando en el mundo de la moda y le ayudarán a
pronosticar estilos, materiales y colores que
pronto estarán de moda. Considere como su
maestro todo el arte de modas publicado, ya sea
pasado, presente o futuro.
Recuerde que usted empezará a descubrir su
propio estilo al copiar abiertamente dibujos de
modas existentes que encuentre atractivos. (Los
ejercicios en este libro en gran medida lo
involucran a usted a copiar —algo crucial para los
principiantes). No vacile en desarrollar sus
propios ídolos entre los diferentes diseñadores e
ilustradores cuyo trabajo admira. Vaya a través de
los diversos períodos de la historia de la moda,
tomando un poco de aquí y otro de allá. Even-
tualmente, podrá desarrollar su propio estilo. Pero
no espere llegar allí de la noche a la mañana. La
libertad que usted anhela alcanzar está basada en
un trabajo meticuloso y detallado en la figura
(Parte Uno de este libro), en el vestido (Parte Dos)
y las telas (Parte Tres).

65
La luz y la sombra
Las sombras oscuras y definidas se utilizan para

resaltar los detalles en el atuendo. En aras de la
simplicidad, imagine que la luz que desciende
sobre el atuendo se origina de una sola fuente,
como la luz de la lámpara alumbrando la esfera
en la ilustración superior.
Presuma que la luz está alumbrando sobre
su figura de modas, desde la esquina superior
de la página. Esta forma de iluminación resulta
en sombras dentro de las líneas del cuello y de
los puños, así como debajo de los cuellos y las
solapas. Las sombras naturales ocurren debajo
de los brazos doblados, debajo de los ruedos y
a lo largo del lado no iluminado de la figura.
La sombra aumenta inclusive el efecto de
pliegues y dobleces. Finalmente, las sombras
ocurren en todas las líneas que marcan los
pliegues del atuendo.
Observe que en los dibujos lineales no
sombreados, que vemos a la derecha, sólo los
contornos del vestuario y la figura indican la
dimensión. En los dibujos que aparecen a la
extrema derecha, las sombras añaden profundi-
dad y realismo.
Con la debida experiencia, usted podrá
imaginar de dónde proviene la luz y sombrear
mientras está dibujando.

66
Sombra y énfasis
Al calcar un diseño de ropa sobre un croquis,
usted puede usar como puntos de referencia las
sombras que fueron el resultado del juego de
luz y sombra discutido anteriormente. Usted
puede usar estos puntos, sombras que sirven de
señal, no sólo para dibujar, sino también como
paradas para descansar y planificar. Recuerde,
el calcar sobre el croquis lo libera para que
pueda concentrarse en las proporciones y
detalles del atuendo. El dibujar de un punto de
destino a otro también le permite concentrarse
en la calidad expresiva de su línea. Dibuje de
izquierda a derecha, de manera que no ensucie
sus trabajos. Si fuera zurdo, dibuje de derecha a
izquierda.
A continuación una lista de los puntos de
referencia o líneas de sombras clave que sirven
para enfatizar los pliegues, bordes y puntos de
tensión del suéter con cuello de tortuga y
cinturón, y de los pantalones, ilustrados a la
izquierda.
1. A cada lado del cuello tortuga y alrededor
del mismo.
2. Marcas de tensión en las axilas; sugiere
la línea del busto.
3. Pliegues al doblar el brazo; pliegues
residuales del brazo relajado.
4. El cinturón y los pliegues que éste crea.
5. Los puños del atuendo alrededor de las
muñecas.
6. El borde inferior del suéter.
7. Marcas de tensión en el muslo doblado
y la entrepierna
8. Marcas de tensión desde arriba del muslo,
y pliegues en la pierna que lleva el peso
del cuerpo.
9. Pliegues de tensión que irradian la rodilla
doblada.
10. Borde de los pantalones.
Puede que usted tenga que hacer varios
bocetos antes que el diseño salga como usted
quiere. Mientras dibuja, perfeccione y corrija,
siempre usando las sombras sobresalientes como
punto final. Concéntrese en la línea, la cual debe
ser espontánea y libre, si bien económica y
expresiva. Al calcar, procure no levantar su lápiz
de la página con demasiada frecuencia.
Deténgase solamente en su objetivo y planifique
de antemano.
Las sombras sobresalientes varían de
acuerdo con los diferentes cortes de ropa.
Las siguientes ilustraciones muestran una
gran variedad de atuendos.

67
Las prendas de vestir
como formas sencillas
Aprenda a ver cada prenda en términos de sus
formas. Si usted está trabajando con un
dibujo, una fotografía de modas, o una
modelo en vivo, manténgalos lo suficiente-
mente alejados, de manera que pueda observar
la postura y la ropa en su totalidad. Entonces,
mírela de reojo para ver la silueta y las formas
dominantes.
Después de indicar levemente la pose (o
usar un croquis como guía), dibuje la silueta y
las formas dominantes de cada prenda de
vestir. Ponga el dibujo lejos de usted, sólo para
verificar ajustes que aseguren la exactitud de la
silueta y las proporciones de la ropa. Termine
el dibujo con los detalles y sombras.
Las siluetas que se ilustran son:
1. En forma de "V"
2. Capullo
3. Entallada o Reloj de Arena
4. Blusón de gran tamaño o "T"
3. Trapecio o "A"

68
La vestimenta
dicta la pose
La pose debe resaltar el vestido al máximo,
concentrándose en el detalle específico que lo
hace diferente a los demás.
En esta página, el croquis sombreado le
muestra dónde cada vestido toca, recubre o se
aleja del cuerpo que tiene debajo. Así podrá
ver cómo diferentes poses son más apropiadas
para diferentes tipos de ropa.
La pose con la pierna levantada es
adecuada para faldas-pantalón
(culottes), gauchos y otras prendas similares.
Si el detalle mayor en el diseño se
encuentra en la espalda, una figura de
espalda es conveniente, pero debe acompañarse
por una viñeta de frente. (La viñeta también se
usa cuando los detalles de la espalda acompa-
ñan a una figura de frente).
La figura de 2/4 se usa comúnmente
para mostrar detalles tanto de frente
como de espalda.
El brazo en alto y la figura de $¡4 enfatiza
la manga dolmán completo o la manga
de murciélago; el efecto de blusón arriba
y la abertura de falda abierta en el costado, se
destaca más con la rodilla doblada.
Recuerde, usted no tiene que empezar la
pose desde el principio, para cada vestido,
sino que puede calcarla por encima de un
croquis.

69
70
Método
Traje a la cintura
La secuencia que usted usa al dibujar un
vestido puede simplificar grandemente el
proceso. A continuación presentamos una serie
de cuatro pasos para dibujar un traje blusón
básico a la cintura, tal como se muestra en el
diseño terminado a la derecha. Esta secuencia
puede usarse para dibujar la mayor parte de los
vestidos con cierres frontales.
Generalmente es mejor dibujar primero
el escote, el cuello (si tiene) y el cierre
frontal, a fin de fijar el dibujo. Esto le ayudará a
juzgar mejor lo que hace, en tanto dibuja los
lados, permitiéndole mantener la figura
esbelta. Para el traje a la cintura, comience por
dibujar el cuello del alrededor del cilindro del
cuello de la figura, siga hacia abajo para trazar
el cierre frontal, con la monta (cruzado al
frente) hacia la izquierda, pues se trata de un
traje de mujer; para los hombres, debe ser
hacia la derecha. Dibuje la abertura del frente
hacia el cinturón y luego éste mismo, alrededor
de la cintura. Dibuje los botones en la línea
central del torso. Dibuje de un punto a otro,
usando las flechas como guía.
Trabaje de arriba hacia abajo (para que
no ensucie su boceto con la mano);
dibuje las costuras de las mangas. Luego dibuje
la silueta del vestido, mostrando la ligera
amplitud de la blusa, arriba y abajo del
cinturón. Complete la abertura inferior y los
botones, y añada los pliegues causados por el
cinturón. Dibuje los pliegues creados por el
codo doblado, así como los puños alrededor de
las muñecas.
Luego conecte las mangas desde las
costuras del hombro hasta los pliegues del
codo, y de éstos a los puños. Permita que los
puntos de referencia lo liberen, para que pueda
pensar acerca de la amplitud de la manga, a fin de
que ésta quede ablusonada.
Complete todos los detalles requeridos
para lograr un dibujo terminado. Aquí,
termine con la forma del cabello, el rostro y las
manos de la figura. Con su línea más fina,
añada los detalles del vestido, tales como los
pespuntes decorativos en la abertura del cuello
y en los puños. Para un mayor impacto,
añádale luz y sombra.

71
Escotes
Figuras de frente y 3/4
Aquí presentamos un muestrario de escotes
básicos. También se ilustran y describen una
gran variedad de estilos de mangas y corpiños.
Los ejemplos aparecen en figuras de frente de
3/4, para mostrar los ajustes que deben hacerse
en una figura volteada. La figura de frente se
usa para ilustrar la forma con total precisión.
La figura volteada está diseñada para mostrar
los detalles de construcción, como, por
ejemplo, la costura lateral y la sisa o hueco
redondo, donde la manga se pega al corpiño
del vestido.
Escote básico, sin mangas (escote sencillo
redondo en la base del cuello). Observe
las pinzas del busto (alforzas en forma de cuña
cosidas en la ropa, para formar el contorno del
cuerpo). En la figura de 3/4, Se muestran las
costuras del hombro y el costado.
Escote en forma de "V", con mangas
cortas y entalle suave sin pinzas. En la
figura de ^¡4, la línea central se ha corrido y la
forma del escote ha cambiado.
Escote de "U" (redondo y corte bajo) con
manga globo corta (explicada en la
Página 73). Línea princesa (un estilo entallado
conocido por costuras verticales colocadas de
acuerdo con las líneas de construcción del
vestido —se conoce comúnmente como "corte
princesa-"). El movimiento en figura de 2/4
cambia el aspecto y la apariencia del vestido.
Escote cuadrado, manga básica con
fruncido y corte princesa. (El corte
princesa se usa en lugar de las pinzas). De
nuevo, observe cómo el movimiento de 3/4
altera la apariencia del vestido.

72
Escote de corazón (alto atrás y bajo al
frente, donde los festones del escote se
asemejan a la parte superior de un
corazón);
mangas de volante (cortas, con volante
fruncido en los hombros); corte princesa.
Fíjese cómo la forma del escote cambia
sutilmente en la figura de 3/4.
Escote drapeado, con mangas Dolmán.
El drapeado que cae desde los hombros se
expresa en diferentes formas en la figura de 3/4.
Escote de bote (un escote amplio que
sigue la línea de la clavícula, alto al frente
y atrás); una adaptación de las mangas de
obispo (largas y anchas, con fruncido en el
puño, adaptadas de la túnica de un obispo).
Observe que el corte princesa comienza en la
sisa, no en la costura del hombro. La figura de
3/4 muestra las costuras del costado y del
hombro.
Amplio de cuello "V" con mangas
enterizas (mansas muy cortas); sin
entallar, de manera que no necesitan pinza.
Nuevamente note los cambios en la figura de 3/4 y
la colocación de las costuras de construcción.
Los escotes -al igual que los cuellos en las
próximas dos páginas- van alrededor del
cuello, que se representa como un cilindro con
volumen. El estudio anterior de las líneas de
contorno puede ayudarle, por tanto, a dibujar
escotes y cuellos, sin olvidar las pinzas del
corpiño. Al igual que los cuellos, las mangas y
los brazos son también cilindros o tubos.
De hecho, todas las ropas son como tubos. A
menos que no las esté representando en dos
dimensiones (para un dibujo plano), usted se verá
involucrado en la perspectiva cilíndrica, la
representación de una forma cilíndrica, para
comunicar una impresión de espacio
tridimensional. Un corte transversal de una forma
cilíndrica da la impresión de un óvalo que fuera
retrayéndose en profundidad. Por esa razón, la
forma de un escote cambia sutilmente de la figura
frontal a la figura de 3/4 .

73
Cuellos y mangas
Figuras de frente y 2/4
Los cuellos son más complicados que los
escotes. Usted debe asegurarse de dibujarlos
alrededor del cilindro del cuello y en la escala
apropiada. Ello requiere mucha práctica. Aquí
vemos ilustrado un grupo de cuellos básicos,
presentados lo mismo en figuras de frente y en
las de 3/4 , para demostrar el ajuste que debe
hacerse a fin de observar la figura de lado. La
escala del cuello disminuye en el lado más
lejano de la figura, y parece mayor en el lado de
mayor cercanía -efectos de la perspectiva
cilíndrica—. A continuación se describen no
sólo los cuellos sino también los estilos de
mangas y corpiños.
Cuello camisa de hombre; pinzas de
busto; con puños; puños maneas
integradas (mangas con puños que están
cosidas dentro de la sisa cortada en la sección
frontal y espalda de la blusa). El cuello que
aparece aquí está cosido a una banda (conocida
como el "soporte" del cuello), de manera que
se levante erguido. En la figura de 3/4 , aparecen
las costuras del costado y del hombro.
Cuello deportivo partido y mangas cortas
con puños; pinzas de la cintura.
Aquí, el cuello sin banda está cosido directa-
mente al cuerpo de la blusa, para que caiga
plano cuando está abierto. De nuevo, en la
figura de 3/4 se muestran las costuras del
costado y los hombros.
Cuello Peter Pan, pequeño y redondo
con mangas globos y puños. Las pinzas
se transforman en fruncido que sale del canesú
dándole holgura al corpiño en el busto. (Un
canesú es una división horizontal en la pieza
del frente). Observe cómo una figura 3/4
cambia la silueta de la pieza.
Cuello marinero y mangas cortas
integradas, con puños; y pinzas en el
busto. (El cuello marinero es amplio, con una
solapa cuadrada a través de la espalda, que va
disminuyendo gradualmente en tamaño hasta
formar una "V" al frente. Se usa a menudo con
una corbata "middy", que es una especie de
blusa muy holgada). La figura 3/4 expone el
dorso del del cuello de marinero.

74
Cuello de mandarín o chino (banda
levantada partida); mansas quimono
(amplias y largas; las mangas quimono a
menudo se cortan en una sola pieza con el
corpiño, pero se integran con una línea de
hombros caídos que se extiende más allá de la
parte superior del brazo). En la figura de 3/4, se
ven las costuras del costado y los hombros.
Cuello de tortuga (cuello alto, muy
ajustado doblado hacia abajo; mangas
raglán (que salen del escote y tienen costuras
sesgadas desde debajo del brazo hasta el cuello,
al frente y atrás). La figura de 3/4 revela no sólo
la costura del costado, sino la del hombro - la
cual es continua desde el cuello—.
Cuello de capucha (modelo que viene de
la vestimenta encapuchada de los monjes),
con mangas obispo integradas. La amplitud se
logra con la transformación de las pinzas.
Observe cuan diferentes lucen los pliegues y la
altura del cuello en la figura de 3/4.
Cuello "V" con volante de corte sesgado,
es decir, corte al sesgo del hilo de la tela,
para que caiga más elegantemente en pliegues.
Puño con detalle sesgado; pinzas del busto. La
forma del escote está ajustada a la figura de 2/4.
Para hacer los cuellos curvados alrededor de
cilindro del cuello, dibuje desde atrás de cada
lado del cuello, siguiendo la curva de la base del
cuello como un arco. Entonces dibuje la forma
de la abertura en forma de cilindro. Como la
mayoría de los cuellos son simétricos -iguales
a ambos lados del vestido- su dibujo debe
reflejar esto al darle a ambos lados igual
cantidad de detalles.
Cuando usted haya dominado el dibujo de
cuellos simétricos, busque en sus archivos de
modas los cuellos asimétricos, diferentes en cada
lado de la pieza. Se prefiere la figura de frente
para los diseños asimétricos.
Recuerde, el cuello puede ser una parte muy
importante en su diseño de moda. El tipo y
tamaño se determinan por los ciclos de la moda.
Por tanto, los cuellos se deben dibujar dando
atención a la forma y a la escala.

75
76
El blazer de la mujer
El blazer ha sido un importante artículo en el vestuario de la mujer
por muchas décadas.
La silueta sufre alteraciones según los dictados de la moda, pero el
concepto permanece esencialmente el mismo. El método usado para
la blusa a la cintura aplica también al blazer, porque al igual que
tantas otras vestimentas, tiene un cierre frontal al centro. Recuerde
que las ropas describen una curva alrededor de la figura y deben
dibujarse en la dirección de las flechas.
Comience por fijar su dibujo con el cuello tortuga
alrededor del cilindro del cuello; luego dibuje el borde del
cierre frontal. Añada la solapa partida a un lado y emparéjela en el
otro; dibuje entonces los hombros ligeramente extendidos, indicando
las costuras a las cuales se coserán las mangas. Dibuje la sombra del
pliegue del codo y la línea curva del puño del brazo doblado, como
los puntos de referencia para dibujar la manga izquierda. Finalmente,
dibuje el botón en la línea central, a la altura de la cintura.
Dibuje el lado izquierdo del blazer, desde la costura
de la manga hasta el ruedo. Observe cómo la línea cambia
su dirección justo encima de la línea de la cintura. Termine la manga
izquierda, dibujando hasta los pliegues del codo. (Un pliegue de la
tela puede caer desde la dirección del hombro y unirse a los
pliegues del codo). Para ayudarle a dibujar la manga derecha,
dibuje la sombra en los pliegues del codo y luego dibuje la curva
del puño.
Dibuje el lado derecho del cuerpo de la prenda, Blazer más corto y ajustado, con mangas
separada de la figura, antes de dibujar la manga derecha. de corte cuadrado. Observe el corte de
Una línea entrecortada en la manga suaviza el efecto. Añada los bolsillos, el único botón, los
entonces los ojales y los bolsillos. Observe cómo los bordes pespuntes decorativos.
superiores de los bolsillos están en línea con el ojal de abajo.
Termine con detalles tales como los bolsillos,
botones de las mangas, pinzas verticales, ojales y los
pespuntes decorativos (una línea fina de costura visible, que sigue
paralelamente al contorno de las solapas, el frente y los bolsillos).
Detalles de luz y sombra añadirán vitalidad al dibujo.
El método del blazer clásico que vemos arriba le ayudará a dibujar no
solo las variaciones a la derecha, sino las cuatro chaquetas ilustradas de
la próxima página.
Blazer cruzado de corte angular (más

suelto). Observe las líneas que marcan la
abertura lateral.

77
Chaquetas/trajes
Los estilos de las chaquetas que
vemos a la izquierda aparecen una y
otra vez en los ciclos de la moda.
Aun cuando el verdadero conjunto
Chanel lleva falda, todas estas
chaquetas pueden combinarse, ya sea
con faldas o pantalones, para formar
un traje o una indumentaria
separada. En las páginas siguientes,
usted aprenderá a dibujar una
variedad de faldas y pantalones. Por
ahora, concéntrese en las chaquetas
que le mostramos aquí y en las que
guarda en sus archivos de modas.
Los trajes y chaquetas a la
izquierda están dibujados en una
secuencia de pasos más o menos
similares a los que usted aprendió
para el blazer clásico. Siempre que
vaya a dibujar una chaqueta,
empiece trabajando alrededor del
cuello y siga hacia abajo del cierre
frontal.
El entalle de las chaquetas fluctúa
con la moda. De temporada en
Traje de Chanel - Un clásico Chaqueta bolero — Corta y entallada temporada, esté al tanto de las sutiles
intemporal, creado por primera vez por (observe cómo la línea princesa es una diferencias de la silueta. El tamaño
la diseñadora Coco Chanel, en 1927. costura que desciende de la axila). de una solapa puede determinar la
Note el adorno de trencilla. Algunos boleros llevan cuellos época de una chaqueta; asimismo, la
forma de los hombros, el estilo de
las mangas y los bolsillos. Se
necesita de una atención muy
cuidadosa para captar el carácter de
moda de cada chaqueta.
Para estudiar bien los detalles,
cuelgue algunas chaquetas en
ganchos o en un maniquí de costura.
Pruébeselas y bosqueje su imagen tal
y como se refleja en un espejo de
cuerpo entero. También puede pedir
a una amiga que modele para usted.
Al principio, haga los detalles de la
chaqueta en forma clara y realista.
Más tarde, puede practicar
exagerando los rasgos principales,
para crear un efecto de moda.
Si usted está bosquejando una
chaqueta a partir de una modelo en
vivo, asegúrese de editar las arrugas,
pero detalle las marcas y pliegues que
se producen en puntos estructurales
significativos, tales como la
curvatura del codo.
Chaqueta Cardigan — Este estilo carece Traje amarrado al frente — Ningún

siempre de cuello. El ejemplo aquí no cierre frontal, fuera de un cinto para
tiene solapas, pero tienen pinzas en las amarrar. Este ejemplo tiene cuello
mangas. camisero y bolsillos superpuestos.

78
Faldas
La falda es una prenda de vestir independiente.
Cuando se usa con un corpino, constituye la
porción inferior de un traje. Se trata de un tubo
con una elipse arriba (cintura) y una debajo
(ruedo). Cuando usted dibuje una falda, asegúrese
de que estas dos elipses estén inclinadas con
relación a las caderas, de manera que la misma
cantidad de tela vaya de la cintura al ruedo, en
ambos lados.
La silueta de la falda cambia con los ciclos de la
moda y está determinada por su construcción
básica. A la derecha se muestran cuatro tipos de
faldas: la línea A, la poco fruncida, de paños y la
fruncida. Utilizaremos los cuatro tipos, para
estudiar las técnicas básicas.
Estudie la silueta de cada falda. Dentro de las
faldas con más vuelo, las líneas de amplitud
reflejan la forma de la silueta. La cantidad ác la
amplitud está indicada por el número de líneas y
la profundidad de los pliegues que aparecen en el
ruedo. La caída de las líneas de amplitud se afecta
con la postura de la figura, pero depende
principalmente del corte de la ropa, lo que
determina si las columnas caen desde la cintura, la
cadera, el muslo o la rodilla.
La falda de línea A es la más simple de las
cuatro faldas clásicas. Su leve amplitud cae desde
las caderas y es usualmente cogida con pinzas a la
cintura, para asegurar un entalle suave. La falda
de poco fruncido tiene una amplitud creada por
los pliegues de la cintura. Esta varía en amplitud y
se torna eventualmente en la falda fruncida. La
falda de paños se cose a partir de formas
acampanadas, para entallarse suavemente desde la
cintura. Las líneas de amplitud caen desde las
caderas.
En cada secuencia en las páginas siguientes,
una línea de puntos designa la elipse del ruedo;
las flechas indican la dirección en que deben
dibujarse las líneas de la silueta. La falda de poco
fruncido y la línea A son siluetas sencillas y pueden
dibujarse en sólo dos pasos. La falda de paños y
la fruncida requieren tres pasos debido a que
contienen formas dentro de las formas.

79
Faldas básicas
Línea A
Encima de un croquis con las poses
apropiadas, dibuje la silueta, incline las
elipses de la cintura y del ruedo
levemente
trazada con relación a las caderas.
Dibuje el ruedo más suelto, a fin de
acomodar la pierna doblada y dar una
idea de construcción de la pieza; termine
entonces con las pinzas de cintura. Añada una
costura lateral, si la pose lo amerita.
Falda de poco fruncido

Cuando dibuje la silueta, observe la ligera
protuberancia creada por los
pliegues. Incline la elipse de la cintura y del
ruedo, con relación a las caderas.
Dibuje el ruedo, a fin de acomodar la
pierna doblada y dar una idea de la
construcción de la pieza. Termine con pliegues
irregulares en longitud y dirección. Agregue
una costura lateral, si la pose lo amerita.
Falda de paños
Dibuje la silueta expandida desde las
caderas. Incline la elipse de la cintura
y la del ruedo en relación con las caderas.
Dibuje el ruedo con líneas verticales de
amplitud; luego dibuje el ruedo entre las
líneas.
Termine dibujando las costuras sesgadas.
(Estas pueden perderse en los pliegues
descendiendo hacia el ruedo).
Falda fruncida
Como siempre, la elipse de la cintura y la
del ruedo se encuentran inclinadas en
relación con las caderas. Dibuje la silueta
fruncida desde la cintura; luego dibuje las
líneas de amplitud con anchuras irregulares.
Dibuje primero el ruedo sobre las líneas de
amplitud y luego trace el resto de líneas.
Complete añadiendo pliegues irregulares
desde la cintura.

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Faldas de volantes
Volante
Cada volante (capa) de la falda mostrada en la
parte superior derecha de la ilustración se
puede tratar como un corta falda fruncida. Los
volantes se van añadiendo en capas, una sobre
otra, a un forro en este caso, una saya sesgada.
El proceso que se describe aquí es para
bosquejar una falda de talle largo.
Dibuje ligeramente la forma de la falda
que sirve de forro. La cintura y la elipse
del ruedo de cada volante se encuentran
inclinadas con relación a las caderas. Comen-
zando por la parte de arriba, dibuje unas cortas
líneas de amplitud, irregulares en ancho y
posición, para crear una silueta superpuesta.
Termine el ruedo de cada volante como para
una falda fruncida individual.
Complete las líneas de amplitud.
Termine por borrar cuidadosamente las
líneas de construcción y añadir los
pliegues irregulares en la parte superior de los
volantes.
Hileras
La falda que aparece en la parte inferior de la
ilustración está basada en la falda fruncida. En
lugar de estar cosida a una falda que sirve de
forro, cada capa o hilera se cose al borde
inferior de la que está arriba, y tiene los efectos
de líneas de amplitud que caen de la cintura al
ruedo.
Dibuje levemente la silueta y las líneas de
amplitud igual que para una falda
fruncida.
Dibuje la cintura inclinada con relación
a las caderas; indique ligeramente la
elipse para el borde inferior de cada hilera y el
ruedo. (Las costuras de la hilera son como un
eco del ruedo).
Altere la silueta y las líneas de amplitud,
al dibujar formas de fruncidos a lo alto
de cada hilera. Borre las líneas de construcción
más obvias, y agregue pliegues irregulares
desde el tope de cada hilera.

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Faldas plisadas
Pliegues de cuchillo
El ancho del pliegue de cuchillo puede variar
de acuerdo con el diseño de la falda. Se dobla
sobre sí mismo en una dirección. Como en
otros pliegues, éstos se abren a medida que se
acercan al ruedo, lo que resulta un poco
enrevesado de dibujar: el ángulo de la elipse
debe observarse siempre, mientras cada pliegue
se dibuja individualmente.
Dibuje la silueta, inclinando la cintura y
la elipse del ruedo, en relación con las
caderas. Establezca una línea central desde la
cintura a las caderas, que sirva como una guía
para dibujar los pliegues que salen de las
caderas hacia el ruedo. Trabaje del centro hacia
la izquierda y luego muévase del centro hacia la
derecha. Proceda a espaciar los pliegues de
igual manera desde la línea central y aún más
cerca, al aproximarse a cada lado. El ancho
puede variar en el ruedo, para acomodarse a la
pose.
Finalice inclinando el ángulo en el ruedo
para sugerir profundidad
Los resultados deben lucir así.
Pliegues de acordeón circular

Menos profundos que los pliegues de cuchillo,
los pliegues de acordeón circular están más
cerca unos de otros -hay un número mayor de
ellos y la falda resultante es más amplia—.
Comience por dibujar ligeramente las
líneas de amplitud y el ruedo de una
falda de paños sesgada. Incline la cintura y el
ruedo con relación a las caderas, mientras
dibuja la silueta de la falda de paños. Dibuje
una línea guía gruesa desde la cintura al ruedo.
Comience con la línea central; dibuje líneas
verticales desde la cintura al ruedo a cada lado.
Se perderán algunas líneas en el traslape de los
pliegues; otras empezarán al borde de éstos.
Termine el ruedo con líneas oblicuas para
cada pliegue. Comience con la línea
central, dibuje el ruedo de cada pliegue,
'dobladille" las propias columnas, incline el
ruedo hacia el centro, desde cualquier lado,
para una apariencia de sesgada amplitud.
Los resultados deben lucir así.

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Más pliegues
Pliegues construidos
Los pliegues construidos son tan variados como
las invenciones de los diseñadores. La falda que
aparece aquí no es exactamente una falda
plisada, sino más bien una falda con pliegues
construidos que han sido añadidos para dar
detalle. El panel frontal de esta falda tiene
pliegues de cuchillo a cada lado.
Dibuje ligeramente una silueta en línea-
A, inclinando la cintura y la elipse del
ruedo en relación con las caderas. Alinee el
panel central con la línea central de la figura;
añada entonces líneas verticales para los
pliegues, expandiéndose ligeramente de la
cintura al ruedo.
Termine el panel con una línea de ruedo
bien marcada, doblando los pliegues en
ángulo. El balance de la falda forma una curva
alrededor de la figura.
Los resultados deben lucir algo así.
Pliegues de caja
Hechos al formar dos bordes doblados, uno
que mira hacia la derecha y el otro hacia la
izquierda; cada pliegue de caja tiene un
pliegue invertido en su reverso. En este
ejemplo, los pliegues se cosen hacia abajo y se
sueltan desde las caderas. Dependiendo de la
pose, pueden variar las hendiduras entre las
cajas, aunque éstas permanezcan iguales.
Dibuje una silueta en línea-A, la cintura,
y la elipse del ruedo. Luego dibuje el
área de la cadera, donde se sueltan los pliegues
cosidos. De cada una de estas costuras, dibuje
las líneas invertidas que han sido soltadas
desde los pliegues, trabaje desde el centro de la
falda.
Comience dibujando las cajas en el
ruedo y en sus hendiduras. Mantenga los
bordes bien marcados.
Termine dibujando las cajas y las
hendiduras en los ruedos. Al caer los
pliegues en su sitio, puede que se necesite una
tercera línea vertical y un dobladillo adicional.

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Faldas con
mucho velo
Falda de paños y falda fruncida
La combinación de falda de paños y falda
fruncida produce una amplitud máxima.
La falda de paños y fruncida se puede
mostrar mejor añadiéndole movimiento.
Dibuje la silueta e incline la
cintura y la elipse del ruedo en
relación con las caderas. Dibuje líneas de
amplitud de ancho irregular desde la
cintura hasta el ruedo.
Empiece dibujando el ruedo
con líneas de amplitud. (El ruedo en
las líneas de amplitud en retroceso lucirá
más corto).
Dibuje las costuras de la
falda de paño y las líneas de
fruncidos a la falda fruncida. Las líneas
usadas para paños pueden desaparecer
dentro de las columnas.
Pliegues sin planchar

La falda de pliegues sin planchar se
estructura desde la cintura, relajándose en
un ruedo suelto. Aquí, los pliegues
cosidos hacia abajo se sueltan desde las
caderas.
Dibuje la silueta e incline la
cintura y la elipse del ruedo, con
relación a las caderas. Proceda a espaciar
los pliegues cosidos hacia abajo de manera
uniforme sobre las caderas. Dibuje las
líneas de amplitud con V's invertidas y
desiguales. Deje que algunas líneas lleguen
al ruedo.
Comience el ruedo, siga la
elipse general, pero deje que
ondule lo suficiente como para sugerir la
amplitud y construcción de la falda. Trate
las líneas de amplitud individualmente.
Complete el ruedo. Este debe
caer en pliegues redondeados en
lugar de otros más perfilados.

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Faldas divididas
Las faldas divididas en dos piernas de
pantalón se conocen como faldas divididas.
De éstas, existen dos clases principales:
pantalones de gaucho y faldas-pantalón
(culottes), con muchas posibles variaciones
en cada una.
Pantalones de gaucho
La falda dividida más sencilla es el pantalón
de gaucho, a media pierna, usado
originalmente por los vaqueros argentinos.
Este ejemplo emplea pinzas desde la
cintura, para entallar encima de la cadera.
Otros estilos pueden usar pliegues o frunces.
Dibuje la cintura e incline la elipse
del ruedo ligeramente delineada, con
relación a las caderas. Esta silueta es muy
parecida a la de la falda de línea-A.
Complete la silueta y dibuje la
costura central desde la cintura hasta
la entrepierna. Dibuje la marca diagonal de
tensión, al final de la costura central, e
indique la división de la falda en dos
"piernas".
Termine añadiendo los ruedos
individuales, la costura lateral, la
costura interior y las marcas de tensión,
tal como se muestra aquí.
Faldas pantalón (Culottes)

Esta falda dividida se caracteriza por los
pliegues de amplitud o frunces usados para
disimular la división entre las piernas y para
sugerir una falda convencional. En las faldas
pantalón que se ilustran aquí, la división en
dos piernas se disimula con un falso pliegue
desde la cintura hasta el ruedo.
Dibuje la cintura e incline el
ruedo ligeramente delineado con
relación a las caderas. Dibuje la silueta en
línea A y ponga el pliegue de caja en
ángulo con las caderas.
Dibuje los ruedos individuales
a cada lado del pliegue de caja.
Delinee la pierna del pantalón, tal como se
ve a través del falso pliegue de caja. (Si la
expansión de la postura fuera más ancha, se
mostrarían ambas piernas del pantalón).
Termine añadiendo los pequeños
pliegues que salen desde la cintura
y que proveen el entalle por encima de las
caderas.

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91
Pantalones
La moda actual incluye un a amplia
variedad de siluetas de par talones. La
secuencia de dibujos en es a página le
muestra una forma muy básica de
pantalones y un típico look de mahones
de diseñador.
Pantalones con tachón (Slacks)

Incline la cintura en relación
con las caderas. Dibuje k silueta
entallada en la cadera y cayendo hasta el
ruedo sobre la pierna que sostiene todo
el peso. Una ligera hendidura debajo de
la rodilla permite relajar la línea. El
pantalón descansa contra el frente de la
pierna extendida, para ir cayendo por
detrás. Incline la costura central con
relación a las caderas y añada el filo
diagonal en la entrepierna
Dibuje los tachones cosidos
hacia abajo y saliendo desde la
cintura, y el filo del pantalón planchado,
tal como se ilustra. Dibuje lo: ruedos
sesgados hacia dichas rayas. Dibuje las
costuras y los dobleces de tensión.
Mahones
Siga las instrucciones descritas
arriba, pero entalle el pantalón más
pegado a la pierna. Hay una línea de
interrupción detrás de a rodilla doblada,
y los pliegues de tensión salen desde la
rodilla.
Añada las travillas del
cinturón, los bolsillos y el cierre
de bragueta al frente. Dibuje los pespuntes
decorativos.
Variaciones
Si usted sigue los pasos indicados para
los pantalones clásicos mostrados a la
izquierda, usted será capas de dibujar las
variaciones que aparecen a la derecha, así
como otras variaciones, tales como los
pantalones cortos de diferentes longitudes.
1. Pantalones con bajos doblados
encima de la rodilla bermudas
2. Pantalones capri ceñidos al cuerpo
3. Pantalones muy holgados
4. Bragas con pliegues al frente ('knickers')
5. Pantalones entallados en el ruedo
6. Gaucho

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93
Sombreado y énfasis
Incluímos una lista de sugerencias p ara sombrear
y destacar los pliegues, los bordes y los puntos de
tensión de la ropa masculina. Aunque el ejemplo
a la izquierda muestra la sombra en el caso de una
camisa informal abierta en el cuello y de unos
mahones, la manera en que se usó la sombra
puede aplicarse igualmente a otras prendas de
vestir masculinas.
Recuerde que el dibujo de ropas en figuras
masculinas expresa una actitud distinta al dibujo
de figuras femeninas. Unos trazos gruesos y
ennegrecidos le dan un tono varonil al diseño
masculino. Aunque las modas de los hombres
cambian con más lentitud y sutileza que las de las
mujeres, los detalles y el entalle del atuendo
masculino son muy importantes.
Use la técnica de luz y sombra, explicada en la
Página 67. Después que haya estudiado la forma
en que se usó la sombra para dibujar las vestimen-
tas en esta página, siga adelante y proceda a
dibujar las prendas que aparecen en las próximas
páginas usando un croquis sombreado. Observe
cómo se revela el cuerpo debajo de la ropa en ese
croquis en sombras; fíjese dónde descansan las
ropas sobre el cuerpo y dónde se van cayendo al
alejarse de éste.
Sombreado
1. A cada lado y debajo del cuello
2. En las axilas; bajo las solapas de los bolsillos;
en el encuentro de la línea central del frente.
3. Pliegues al doblar el brazo
4. Cinturón; pliegues causados por el mismo
5. Puño de camisa curvado alrededor del brazo
6. Pliegues de tensión en la entrepierna y el
muslo doblado
7. Pliegues residuales en la rodilla que lleva el
peso del cuerpo
8. Marcas de tensión desde la rodilla doblada
hasta la costura interior y los pliegues detrás
de la rodilla
9. Final de pantalón sobre el zapato
10. Debajo del ruedo de los pantalones

94
Ropa casual de hombre
Camisa de polo (suéter amarrado por
Con croquis sombreados encima de los hombros), pantalones de
algodón plisados.
Los croquis sombreados muestran la línea del
cuerpo debajo de las ropas. Dondequiera que Overol, jumpsuit con elástico añadido
la vestimenta descanse sobre el cuerpo, se en la cintura, pantalones metidos dentro
produce un grado de tensión en la tela. Aun de las botas.
cuando el cuerpo no se muestre en el dibujo Chaqueta corta, windbreaker, suéter de cue-
final, su postura afecta la silueta. llo de tortuga sobre pantalones informales.

95
Ropa deportiva
Con croquis sombreados Top, pantalones cortos (shorts), banda de
cabeza, medias atléticas y zapatos deporti-
Nuevamente, los croquis sombreados muestran vos (balompié).
los cuerpos bajo las vestimentas que ordinaria- Camisa suéter con cremallera y capucha,
mente habrían de oscurecerlos. Resulta pantalones cortos y tenis.
importante, especialmente cuando dibuje
ropas holgadas, tener en consideración la Gabán impermeable con capucha, pullover,
forma del cuerpo que tiene debajo. pantalones enrollados de lona (navegación).

96
Ropa formal de hombre
Con croquis sombreados
Los croquis sombreados le muestran dónde los
vestidos tocan las figuras y dónde se alejan de Traje de tres piezas: con hombreras y
éstas. pinzas para entallar levemente la cintura.
Traje sin hombrera: La falta de estructura Chaqueta deportiva con suéter y pantalo-
revela unos hombros naturales ligeramen- nes. Observe los puntos de tensión
te inclinados; saco un tanto angular donde las ropas tocan el cuerpo.

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98
El blazer para hombre
El blazer es un elemento muy importante en cualquier guarda-
rropa masculino. Pueden producirse ligeras variaciones en la
sastrería de temporada en temporada, pero el atuendo básico
sigue siendo el mismo. Lo que es realmente importante en la
ropa de hombre es el entalle.
La técnica usada para dibujar el blazer sirve igualmente a los
trajes, sacos deportivos y otras prendas. La demostración a la
izquierda es una chaqueta de dos botones, que lleva bolsillos
incrustrados con solapas. A la derecha, dos variaciones sobre el
tema del blazer básico. Para reproducir, tanto el blazer como las
variaciones, dibuje de un punto a otro, siga las flechas y utilice
los pliegues y las marcas de tensión como metas.
Nuevamente, fije bien su dibujo, rodee la garganta con el
cuello de la camisa. Luego dibuje el borde del cierre
frontal en el lado izquierdo de la pieza. Comenzando por el
escote, cruce la línea central en la cintura y trace una curva
hasta llegar al ruedo. Al dibujar el borde del cierre frontal
derecho, asegúrese de que se encuentre con el izquierdo en la
línea central. Ahora añada el cuello y las solapas partidas. Dibuje
los hombros ligeramente extendidos, deslizándose en declive
hasta las costuras de la sisa; delinee entonces los puños curvados
y los pliegues del codo como puntos de referencia para dibujar la
manga izquierda. Dibuje la parte superior de la manga
izquierda desde el hombro; la sisa, hasta los pliegues del codo.
Añada el botón en la línea central y la corbata.
Blazer cruzado con solapas en los
Complete la chaqueta al dibujar desde la sisas hasta el bolsillos, silueta relajada y solapas de pico.
ruedo, con un ligero entalle en la cintura, tal como se
muestra. Note que la parte inferior de la manga descansa sobre
el antebrazo.
Complete la manga derecha, indique alguna amplitud en
el codo; dibuje luego los bolsillos. Agregue los puños de la
camisa.
Dibuje cuidadosamente los detalles, con su mejor línea:
pinza vertical, ojales, pespuntes decorativos y botones de
la manga.
Saco de corte continental, presenta una

línea de hombros puntiaguda, bien
ajustada y encumbrada; sisas de corte
alto; silueta entallada y expandida.

99
Galería de vestidos
La galería de vestidos y las galerías que
siguen a continuación le muestran una
amplia variedad de siluetas y lo relacionan
con una gran cantidad de términos propios
del oficio. Las galerías también le brindan
algunas nociones de historia de la moda.
Preste mucha atención a los ciclos de la
moda que ocurren y se repiten. Algunos de
los artículos que aparecen en cada galería
son clásicos temporales; otros constituyen
definitivamente piezas de época. Todas las
modas presentadas son del Siglo XX.
1. Talle a la cintura, principios de los
años 50.
2. Talle largo, principios de los años 20.
3. Talle corto, principios de los años 60.
4. Cintura entallada con pinzas, princi-
pios de los años 50.
5. 'Chemise', finales de los años 50.
6. Trapecio, finales de los años 50.
7. Saco, principios de los años 60.
8. Traje camisero, finales de los años 30.
9. Traje línea A, principios de los años 70.
10. Traje túnica, principios de los años 10.
11. Ruedo de pañuelo o pocos, finales de
los años 20.
12. Imperio, finales de los años 50.
13. Sin tirantes y con peplo, finales de los
años 40.
14. Corte sesgado, principios de los años 30.
A medida que usted avance a través de

estas galerías, estudie las manos, los pies y los
accesorios, además de las ropas. Observe que
los zapatos, guantes, bolsos de mano y joyería,
complementan el vestuario y ayudan a crear
una apariencia de moda total. Fíjese que
cada figura no sólo presenta esta apariencia
total sino que también relata una historia de
la moda. Mientras dibuja, mantenga una
imagen en mente. ¿Pregúntese, quién vestirá
este atuendo?¿Cómo
lo usará y con qué accesorios? ¿En qué lugar u
ocasión lo usará? Imagínese una breve
historia acerca de cada figura de moda, y
usted podrá expresar más vida y emoción en
su dibujo.

100
101
Galería
de conjuntos
1. Conjunto Chanel, versión de
un diseño clásico de finales
de los años 50.
2. Conjunto adornado con piel,
finales de los años 10.
3. Conjunto de minifalda, princi-
pios de los años 70.
4. Conjunto sastre, principios de
los años 40.
5. Conjunto de salir, principios de
los años 80.
6. Conjunto cruzado, principios de
los años 60.
7. Conjunto con cuello de chai
(enterizo), finales de los años 20.

102
Galería de abrigos
1. Abrigo impermeable, principios
de los años 80.
2. Abrigo de bamboleo, finales de
los años 30.
3. Maxiabrigo, finales de los años 60.
4. Abrigo Chesterfield, principios
de los años 40.
5. Abrigo de polo cruzado con
cinturón suelto, principios de
los años 30.
6. Abrigo cruzado, principios de
los años 60.
7. Gran abrigo, principios de los
años 20.
Los abrigos son ropas hechas a la
medida, al igual que los trajes y los
blazers, pero confeccionados con telas más
pesadas. Detalles de estilo, tales como
solapas, bolsillos y las pespuntes decorati-
vas se pueden dibujar para que concuerde
con el volumen del abrigo. Los accesorios
ayudan a indicar la temporada en la cual
se use la indumentaria.

103
Galería de pantalones y
blusas
1. Camisa Capri y pantalón, finales de
los años 50.
2. Pijamas de playa, principios de los
años 30.
3. Pantalones por debajo de la rodilla (pedal
pushers), blusa entallada, principios de
los años 50.
4. Pantaloncitos hot pants, camisa pirata,
principios de los años 70.
5. Palazzo (fiares), suéter, años 70.
6. Bragas (knickers), chaqueta, principios de
los años 80.
7. Conjuno pantalones de tachón (slacks),
principios de los años 40.
8. Mahones de diseñador, camisa vaquera,
9. Falda pantalón larga, sostén, finales de
los años 60.
10. Pantalones de campana (bell-bottoms),
pullover, finales de los años 60.
11. Pantalones de bombacho (baggy pants),
blusa con hombreras, finales de los años 70.
12. Pantalones estirados con estribos (stretch
stirrup), blusón por encima, finales de
los años 50.
13. Pantalones de montar (jodhpurs), finales
de los años 20.
14. Pantalones a la cadera (hip-huggers),
Observe cómo los peinados, sombreros y
accesorios reflejan la imagen del período
específico del cual han sido extraídos.

104
105
Galería de trajes de
hombre
Al igual que sucede en la moda femenina, las
galerías de modas masculinas contienen
clásicos y piezas de época. Las modas de los
hombres cambian más lenta y sutilmente que
las de las mujeres. La apariencia de la moda se
establece por el ancho exacto del hombro,
la solapa o la corbata. Resultan cruciales
la silueta y el entalle del traje en boga.
1. Traje de etiqueta (smoking), años 20.
2. Traje de chaqué clásico.
3. Atuendo formal clásico (sombrero de
copa y frac de cola).
4. Traje de tres piezas, años 70.
5. Traje de moda, finales de los años 60.
6. Traje de corte continental, finales de
los años 50.
7. Traje abuelito, principios de los años 40.

106
Galería de ropa
deportiva masculina
Los siguientes ejemplos son todos
contemporáneos, excepto el número. 7.
1. Ropa de vaquero.
2. Pullover y pantalones para correr
(sudaderas).
3. Pantaloncitos cortos, tenis y suéter.
4. Traje de esquiar, gorra.
5. Vestimenta clásica para polo.
6. Pantaloncitos cortos para excursio
nes, con botas y mochila.
7. Pantalones para golf, con suéter,
gorra, cerca 1920.
Una de las influencias más poderosas
en la ropa deportiva masculina, en años
recientes, ha sido el servicio militar. (La
Segunda Guerra Mundial nos dio la
camiseta "T-shirt", la chaqueta de
bombardero y el overol, jumpsuit,).
Otras influencias importantes han sido
los deportes activos y por supuesto, la
ropa de vaquero.

107
Galería de adolescentes
A diferencia de las galerías de adultos, las
galerías de adolescentes y de niños más
pequeños contienen únicamente prendas de
vestir contemporáneas. Debido a las intermi-
nables variaciones en la ropa favorecida por
estos grupos generacionales, los ejemplos
ilustrados aquí son limitados. Sin embargo,
éstos reflejan una amplia gama y diversidad de
los estilos escolares y deportivos disponibles.
Se han ignorado los furores del momento.
1. Chaqueta atlética, pantalones de caqui.
2. Suéter, pantalones con bragueta al frente.
3. Chaleco acolchonado, mahones.
4. Gorra tejida, suéter grueso, pantalones,
calentadores de piernas.
5. Camisa de polo, pantaloncitos cortos
6. Camisa de vaquero, mahones.
7. Combinación de suéter, falda de tachones
de corte angular, medias acanaladas.

108
Galería de jóvenes
Estos ejemplos contienen una mezcla de
ropa de jugar, de vestir y de ir al colegio.
1. Vestido largo de volantes, detalle
fruncido.
2. Blusa adornada con encajes, falda
campesina.
3. Camiseta "T-shirt", pantalones para
ejercicios.
4. Blusa adornada con volantes, faja
ancha, falda fruncida.
5. Blusa middy de cuello marinero,
falda de tabletas, medias de malla.
6. Suéter, pantalones sueltos.
7. Camisa de fútbol, mahones.
Cuando dibuje niños puede que usted
quiera crear una situación o una historia
para cada figura de modas, tal como se le
sugirió para dibujar adultos.

109
Galería de infantes y
niños pequeños
Se trata mayormente de ropas para jugar y
algunas prendas de vestir.
1. Cuello de tortuga debajo de un overol
largo, con entrepierna abotonada.
2. Trajecito de canesú fruncido, pantaloncito
en combinación.
3. Camiseta "T-shirt" debajo de unos
overoles cortos con entrepierna abotonada.
4. Tope con capucha tejida, abrigo con
cremallera frontal, pantalones tejidos.
5. Vestido adornado con volantes, con
delantal por encima.
6. Gorra tejida, suéter con cuello de tortuga,
falda de tabletas, pantimedia.
7. Blusa middy de cuello marinero, pantalo
nes cortos, medias a la altura de la rodilla.
8. Camiseta "T-shirt" debajo de overol largo.
9. Camiseta "T-shirt", pantalones largos
con tirantes.
10. Sombrero, abrigo con la espalda plisada,
pantimedia.

110
Accesorios
Sombreros y Bufandas
Las Partes Dos y Tres muestran
muchos ejemplos de accesorios —
sombreros, carteras, bufandas,
cinturones y joyería. Ahora nos
ocupamos nuevamente en detalles
específicos. Los sombreros ajustados a
la cabeza y las bufandas o pañuelos
usados alrededor del cuello representan,
sin lugar a dudas, dos de los retos más
difíciles para la aplicación adecuada de
accesorios.
Suministramos aquí algunos
ejemplos que le ayudarán a dibujar
éstos y la mayoría de los demás estilos.
De arriba a abajo tenemos un sombrero
de ala, un sombrero de ala hacia arriba,
una boina y un sombrero de vaquero
de hombre. Los siguientes pasos habrán
de servir para todos los ejemplos.
Dibuje la cabeza e indique las

facciones y el cabello. Trace la
línea para la cinta del sombrero. Esboce
las formas de la bufanda, asegurándose
de que ésta rodee el cuello.
Dibuje la copa y el ala del
sombrero. (Tenga presente que la
forma y la escala son importantes.
Observe que algunos sombreros se
ajustan estrechamente a la cabeza,
mientras otros tienen copas más altas).
Vea cómo a medida que se refina la
línea, el contorno de la bufanda
cambia, desde una forma básica hasta
el mismo diseño de la tela.
Complete el sombrero con todos
sus adornos y borre cualquier
línea-guía. La bufanda también se
completará con sus pliegues y con
nudos dibujados cuidadosamente (de
ser apropiados). Asegúrese de indicar
los pliegues en el lugar donde los
extremos de la bufanda pasan a través
de los nudos.
Los sombreros son infinitos en su
variedad, pero el método que he mostrado
servirá de ayuda para la mayoría de los
estilos. El método seguido para las
bufandas le ayudará también a dibujar
la mayor parte de éstas y sus diferentes
variedades. De nuevo le sugiero que
vuelva a sus archivos de recortes de modas
cuando requiera un accesorio específico.

111
La fotogarfía de modas
como modelo
Este ejercicio se diseñó para transformar las

proporciones de una fotografía de modas en
un dibujo de modas. La fotografía añade peso
al sujeto, de manera que hasta una modelo
esbelta y de piernas largas luce más bajita y
más gruesa de lo que sería el dibujo ideal de
modas. El objetivo es, pues, poder estirar la
figura hasta alcanzar ese ideal.
En los pasos que se muestran aquí, el
método que se utiliza consiste en una técnica
directa de planificar a medida que se avanza. Si
siente la necesidad, puede analizar la pose y
dibujar un croquis sobre el cual trabajar; pero
no es absolutamente necesario hacerlo a partir
de un croquis cuando tenga como fuente una
fotografía, una ilustración existente o una
modelo en vivo.
Planifique la figura sobre la página,

usando la fórmula de balance de peso.
Dibuje y marque la línea balance, para obtener
las proporciones verticales. Delinee levemente
la cabeza, el cuello y el pie que lleva el peso del
cuerpo. Añada la parte superior de la caja
torácica (clavícula), un tanto inclinada. Esboce
ligeramente el talle inclinado y dibuje la línea
central del torso relajado. Anticipe lo que va a
hacer. Visualice la figura sobre la página.

112
Estime y marque las metas o puntos de
referencia del dibujo, tal como se ha
indicado: la cabeza, el cuello, el escote, el
ancho de los hombros y la cintura inclina-
da. Añada las manos y el pie que lleva el
peso del cuerpo. Ahora empiece a dibujar
las formas mayores, tales como el corpino
y, en este caso, la estola de piel que lleva la
modelo.
Complete la estola y la falda. Dibuje
el pie relajado. A partir de la línea de
la rodilla inclinada, comience a delinear los
pliegues de la faja de la cintura.
Termine los fruncidos de la faja de la
cintura en la falda, los del corpino y
los que van desde los hombros. Añada los
rasgos faciales, el pelo y los detalles de
construcción, así como los pliegues y las
marcas de tensión. De ser necesario, vuelva
a trazar su dibujo inicial, en lugar de tratar
de limpiarlo con borrones poco atractivos.
El dibujo en esta página es el cuarto
borrador de la fotografía, que fue suminis-
trada por la Corporación Celanese. Observe
cómo en el dibujo se cambió el peinado de
la modelo.

113
La ilustración de modas
como modelo de práctica
El practicar con su ilustración de modas

favorita le ofrece muchos beneficios. El
ilustrador original ha convertido ya la figura
en una imagen de modas. La postura ha sido
exagerada y se han eliminado los pliegues
innecesarios. La luz, sombra y pliegues
importantes se han hecho fácilmente visibles.
Ya se han seleccionado los detalles que se van
a resaltar, y se ha establecido una verdadera
apariencia de modas.
Este dibujo lo hizo el famoso ilustrador
Richard Holiman para Neiman-Marcus.
Usando la fórmula de balance de peso,
dibuje y marque la línea balance, para
obtener las proporciones verticales. Delinee
ligeramente la cabeza, el cuello y la inclinación
de la clavícula. Ahora deténgase a pensar.
Visualice la figura sobre la página. Marque los
puntos de referencia del dibujo. Dibuje
levemente el escote, el cierre frontal con botón,
el corpiño y las formas de las mangas, así como
el cinturón inclinado. Empiece a dibujar la
falda con las líneas centrales de amplitud.
Luego dibuje el pie que lleva el peso del cuerpo
y la pierna que lo acompaña. Añada el pie y la

114
pierna relajados. El codo y el brazalete son
buenos puntos de referencia. Observe que la
mano sobre la cintura fuerza una inclinación
exagerada del hombro.
Ahora dibuje los detalles del corpiño, las
hombreras, los bolsillos y las costuras.
Complete la falda con las líneas de amplitud y
luego la silueta de la falda.
Termine con las líneas que crean luz y
sombra. Añada los rasgos faciales y los
accesorios. Con su goma de borrar elimine
cualquier línea de construcción que no fue
absorbida por las líneas más fuertes, o proceda
a calcar un nuevo borrador del dibujo.
Recuerde que se trata de una simple copia
para que usted aprenda y no para incluirse en
su portafolio.
Sus archivos de recortes deben contener dibujos
de muchos ilustradores y diseñadores. Trabajar con
sus ilustradores y diseñadores favoritos le ayudará a
desarrollar su estilo personal. Trate de emular el
estilo del artista, analizando la técnica usada para
lograrlo. Sea como el aprendiz de un maestro en
este arte trabajando a partir de su obra maestra.

115
Dibujo de un modelo
en vivo
Practicar con un modelo vivo constituye
un excelente ejercicio para desarrollar las
destrezas requeridas para crear dibujos
rápidos, detallados y precisos. Yo creo que
una pose de cinco minutos ofrece
suficiente tiempo para dibujar las
principales formas de la postura, sin que
resulte demasiado agobiante para el(la)
modelo, aunque otros maestros sugieren
poses más cortas para los estudiantes
experimentados y más largas para los
principiantes. Cualquiera puede modelar
para la figura de modas.
Comience este ejercicio con un lápiz;
cambie a un buen marcador de punta fina
cuando llegue al paso 2.
Haga que el(la) modelo asuma una
pose relajada y natural. Con el
lápiz, dibuje ligeramente la línea balance,
para las proporciones verticales. Establezca
las formas básicas e indique las metas o
puntos de referencia, como cuando dibuja
de una foto o de otro dibujo.
Ahora cambie a un marcador. Le
ahorrará el tiempo de borrar y
aumentará su concentración y capacidad
de selección, según dibuja de un punto a
otro y refina sus formas básicas. El truco
consiste en retener las proporciones
establecidas de la moda, en tanto dibuja
las formas del cabello, la vestimenta y la
postura del(la) modelo.
Seleccione y añada loa pliegues y las
marcas de tensión necesarios para el
dibujo. (Archívelos en su mente como
referencia para cuando dibuje sin
modelo). Termine el dibujo con una
cantidad apropiada de costuras de
construcción y otros detalles. Estudie y si
fuera necesario, memorice cualquier
detalle mínimo que no se haya incluido
en el lapso de trabajo de cinco minutos,
para que pueda completarlo después que
se retire el(la) modelo.
El dibujo de cinco minutos de un(a)
modelo en vivo lo obliga a observar y a
tomar decisiones rápidas. Este ejercicio no es
nada fácil, así que practíquelo una y otra
vez. Los ejemplos que aparecen aquí los
dibujaron mis estudiantes en cinco minutos
usando a sus compañeros de clase como
modelos. Busque los nombres de los
estudiantes en la página ii.

116
117
3
La
reproducción
de estampados
La habilidad de reproducir el estampado de determinadas telas
resulta útil para el diseñador y obligatorio para el ilustrador.
Con el vestido terminado en mente, el diseñador ofrece
indicaciones del tipo de tela que necesita, reforzando con notas
y muestras de tejidos para presentar un concepto visual completo
de la pieza. El ilustrador produce entonces dibujos de ropas
existentes, que deben claramente expresar el corte, la silueta y
los detalles del material a fin de atraer a los compradores.
Para entregar un dibujo de modas terminado, se requiere el
diseño, la textura y el tacto de la tela. Para esto, la calidad de la
línea resulta de importancia primordial. Las líneas usadas para
describir, por ejemplo, un suave suéter de jersey difieren
considerablemente de aquellas utilizadas para describir una
rizada tela de algodón. (Véase páginas 120-123).
Después de la calidad de la línea, el próximo paso es la
reproducción acertada del estampado para lograr sugerir una
tela en específico. Bien sea que la tela consista de listas muy
controladas, cuadros, irregulares formas geométricas, o de
diseños florales o abstractos, siempre debe tenerse en cuenta la
colocación, la escala y la tonalidad del color.
Se debe dar importancia al trabajo a color. La Parte Tres se
inicia con una introducción a todo color, sobre el uso de
marcadores de colores para un número de telas y las instrucciones
sobre como reproducirlas. Los ejercicios que siguen a esta
introducción al color, le llevarán desde los diseños más básicos
a retos cada vez más complejos, no sólo de diseño sino también
de textura. Las destrezas mostradas en la Parte Tres lo prepararán
para casi cualquier clase de telas.
120
Estampado en color
Aunque la mayor parte de las ilustraciones de
modas con propósitos publicitarios o editoria-
les se hacen en blanco y negro y tonos inter-
medios, más y más ilustradores están
trabajando a color como nunca antes. Con la
introducción de los marcadores de colores,
ellos cuentan ahora con un rápido instrumento
para indicar sólidos, diseños y adornos. En el
pasado se usaban pinturas solubles en agua
para aplicar color. Todavía son favorecidas por
ilustradores y diseñadores ya diestros en su uso,
quienes se enorgullecen de utilizar tan elegante
método. Aunque las acuarelas son ciertamente
muy hermosas, requieren, sin embargo, de
mucha experiencia, a la vez que consumen
mucho tiempo en la mezcla de los colores.
También éstas se secan lentamente. Sin
embargo, cuando el tiempo apremia o se
carece de pericia para pintar en acuarela, los
marcadores de colores ofrecen una alternativa
viable.
Todos los ejercicios en la Parte Tres emplean
las siguientes técnicas:
• Cuando hay disponible un marcador,
debe colorearse toda el área en la cual
se va a aplicar.
• Debe tenerse a la mano una hoja de
pruebas, para practicar diseños y experi-
mentar con sombreados. Hasta el día de
hoy, yo no me pongo a trabajar sin tener
una al lado. Cada nueva tela constituye un
reto que requiere mucha práctica. Cualquier
error de juicio no resulta problemático si
tiene lugar en la hoja de pruebas, pero sí lo
sería si se hace obligatorio repetir el dibujo.
• El maquillaje debe mantenerse al mínimo:
quizás un poco de sombra en los ojos y de
rubor aplicado frugalmente. Sólo un toque
con la esquina de su marcador de punta de
cuña, antes de que se seque el tono de piel,
permitirá que se mezcle el color. Nunca
perfile el contorno de los labios. Los labios
son de un tono; la abertura de la boca se
acentúa con una línea muy fina. Yo uso un
marcador sepia fino para el labio superior, y
otro color del lápiz labial (rojo, naranja,
rosado) para el labio inferior. Para una
apariencia reluciente, trato de dejar un área
del papel libre de color. Si eso no funciona,
servirá un toque de lápiz blanco o de
pintura opaca.
• Si se emplean la fuente de luz y el sombrea
do en la reproducción de un diseño, el pelo
nunca se debe dejar de un solo color. Para
sugerir brillo, a menudo se usa un segundo
tono y el propio blanco del papel.
La reproducción de estampados
121
122
Estampado floreado
Este ejemplo emplea el procedimiento de
"libro para colorear" (la figura y la ropa
aparecen completamente dibujadas y se
procede entonces a darles color). El dibujo se
ha recreado plano, sin sombras ni puntos de
luz (highlights). Esta técnica ofrece una
apariencia limpia que funciona bien con telas
no relucientes. El pequeño estampado floreado
sobre un fondo negro parece más difícil de
reproducir de lo que realmente es. Sin embar-
go, los pasos que se describen a continuación,
sólo se pueden usar con éxito cuando el
estampado se encuentra sobre un fondo muy
oscuro (negro, azul marino o verde botella).
Para empezar, coloque el borrador que sirve
de guía debajo de la página donde quedará el
trabajo terminado. Calque cuidadosamente la
figura y el vestido con un marcador fino color
negro. Antes de aplicar el diseño de la falda a
su dibujo final, practíquelo en su hoja de
pruebas. Para colorear:
Aplique el tono de la piel. Antes de que el
rostro se seque, añada el rubor (blush) a las
mejillas para que se mezcle con el color anterior.
Ahora coloree la blusa sin mangas y vaya
aplicando sobre la falda el mismo color al azar.
Termine de cubrir la falda con el
segundo color, y entonces aplique el
tercero al sombrero y a la falda. Con un
marcador negro de punta mediana, encierre
libremente los puntos salpicados de color,
dentro de círculos irregulares, de modo que
den la apariencia de pétalos. Sobre la marcha,
rellene los espacios entre las flores.
Cuando termine la base, añada una
pequeña área de color en el centro de
cada flor, para darle una apariencia floral. Un
tono de color aplicado debajo del ala del
sombrero le dará dimensión. Complete el
trabajo dando la debida ondulación al sombre-
ro, y termine el rostro.
123
124
Tela a cuadros
Para empezar, planifique cuidadosamente el
diseño en su borrador de guía, primero a lápiz,
luego pásele un marcador fino por encima para
mayor visibilidad. Use como modelo una rejilla
cuadrada, para crear una tela de cuadros
grandes. Trabaje primero horizontalmente,
luego verticalmente. Las partes superior e
inferior de los brazos doblados se tratan como
formas individuales, al igual que las líneas de
amplitud de la falda. Las líneas horizontales de
la falda deben concordar con el ruedo, de
manera que empiece desde abajo y trabaje
hacia arriba, haciendo ajustes, a medida que se
acerque al borde de la chaqueta. Las líneas
verticales de la falda se disminuyen
gradualmente en tamaño hasta terminar en
pliegues y frunces. Todos los cuadros de la
rejilla en la falda y la chaqueta deben ajustarse
a la misma escala.
Cuando usted entienda que la figura, la ropa,
el diseño y los accesorios están en debido orden
en su borrador de guía, póngalo debajo de su
página y cálquelo cuidadosamente con un
marcador negro fino. Para relajar un poco la
apariencia del trabajo, se ha indicado el color con
algunos espacios descubiertos donde se muestra
el blanco del papel. Esto es una opción, no una
regla. Aquí se usa el método del libro para
colorear, añadiéndole sombra. Esto requiere de
mucha práctica y de realizar una gran cantidad de
experimentos de color en su hoja de pruebas.
Aplique el tono de base al vestido; haga
entonces los accesorios. Mientras éstos
secan, aplique el tono de la piel. Añada el rubor
(blush) y la sombra de ojos, con sólo un toque
de color antes que se seque el rostro para que se
mezclen bien las distintas tonalidades. Una vez
que se seque el tono de base de la ropa,
proceda a sombrear con un tono más oscuro,
que le haya dado buenos resultados en su hoja
de pruebas. Cuando se haya secado la sombra,
empiece a aplicar el color principal de los
cuadros -primero las líneas horizontales, luego
las verticales.
Sí usted no se siente seguro de que las
líneas horizontales están secas, sombree
los accesorios, antes de empezar con las líneas
verticales. Cuando todo esté seco, oscurezca los
cuadros cruzados con un tono más oscuro o
aplique algunas capas adicionales del color
original. Para indicar una textura tejida,
aplique líneas diagonales muy unidas al color
de los cuadros, con su marcador negro más fino.
Termine el tejido. Ahora complete la cara
y sombréela. Se usan lápices de
colores para los detalles lineales de los cuadros.
(Se dibujó una línea blanca y luego se coloreó
en rojo, para darle más brillo.)
125
126
Brocado
Esta tela de lujosa elaboración ha sido confec-
cionada a base de una amplia variedad de
materiales —sedas, rayón, metales preciosos y
otros metales—. Actualmente en los brocados,
se usa ampliamente el milar por su peso ligero.
Los brocados vienen en un gran número de
diseños, tales como flores, paisley y rollos. La
escala de estos diseños varía, pero por lo regular
resulta bastante oscura. £1 ejemplo que se
ilustra capta la acritud más que el diseño
especifico, y pudiera descomponerse en
numerosos modelos de colores combinados.
Aunque lustroso, el lustre no deja de ser sutil.
Coloque su borrador de guía debajo de la
página donde irá el dibujo ya terminado. Con
un marcador negro fino, dibuje cuidado-
samente la figura y el vestido que lleva. Para
colorean
Aplique el tono de base a la ropa,
dejando un punto de luz (hizhlight) de
papel en blanco. Coloree el rostro con un tono
de piel y añádale rubor (blush) y sombra de
ojos. Complete el tono de piel. Cuando la ropa
se seque, añádale la sombra. Deje que se seque,
y comience entonces a dibujar el diseño con el
segundo tono. Es necesario de todas maneras,
practicar previamente en su hoja de pruebas.
Termine d segundo tono. Aplique el
color de base a los accesorios. Con un
tono de piel más oscuro, sombree el rostro, el
cuello y las piernas. Empiece a añadir el tercer
tono a las áreas sombreadas solamente.
Termine el tercer tono. Coloree un
diseño con lápices de colores sobre
el color de base, y un diseño con lápiz blanco
en las áreas sombreadas. Para mayor contraste,
puede usar pintura blanca opaca. Complete el
rostro y los accesorios.
125
128
Satín
Aunque un suave crepé satinado (crepé back
satín) es sugerido en la explicación de este
conjunto de gala, el mismo enfoque podría
servir para dibujar una seda lustrosa. La tela
del corpino ha sido revestida con lentejuelas de
gran tamaño (pailletes); la figura masculina,
como usted puede ver, está ataviada conven-
cíonalmente con un esmoquin negro de
solapas de pico satinadas.
Seguimos empleando la técnica del libro
para colorear con sombras. Debido al extremo
contraste de los puntos de luz (highlights) y
las sombras oscuras, esta tela exige un gran
control. Practique primero en su hoja de
pruebas.
Prepare un borrador de guía, póngalo
debajo de la página y dibuje cuidadosamente
las figuras con un marcador negro de punta
fina. Observe que los ilustradores usan con
frecuencia un tono de piel más oscuro para los
hombres para comunicar una impresión más
robusta. El maquillaje y la piel más fina se
presume que aclaren el rostro de la mujer.
(Femenino) Aplique el tono de piel para
la cara y el cuello. Añada el rubor (blush)
y la sombra de ojos antes que se seque la cara;
trabaje luego la pierna. Coloree el primer tono
de la vestimenta, dejando fuertes puntos de luz
(highlights).
(Masculino) Aplique un tono de piel más
oscuro y un tono de base para el traje. Deje las
solapas de satín para el Paso 3.
(Femenino) Aplique la base de color al
cabello. Con el color de piel más oscuro,
sombree la cara, el cuello y la pierna. Aplique
luz y sombras a la prenda de vestir, con el tono
más tenue.
(Masculino) Aplique la base de color al
cabello. Sombree el rostro y la mano, con un
tono de piel más oscuro. Con un marcador
negro, muestre la luz y sombra del traje.
(Femenino) Dibuje los lentejuelas
(pailettes) con su marcador más fino. Si
desea más destellos, use pintura blanca opaca
para hacer resaltar un pequeño grupo de
lentejuelas de áreas (pailettes) en los acentos
más oscuras.
(Masculino) Sombree moderadamente la
camisa con un color gris claro. Coloree las
solapas con un gris mediano; añada un
marcador negro antes que se seque, permitien-
do que el color se riegue irregularmente, cerca
del fondo. Cuando se seque, déle luz a las
solapas con una línea fina de lápiz blanco,
pásele por los bordes y hacia abajo en la monta
de la solapa.
(Femenino, Masculino) Déle luz al cabello y
complete los rostros y accesorios.
129
130
Chifón
Debido a que el color en las telas transparentes
varía de acuerdo con el número de capas en las
diferentes partes del vestido, se necesitan varios
tonos, para indicar el efecto de oscurecimiento
de las distintas capas. Las siguientes instruccio-
nes sirven para la mayoría de las telas transpa-
rentes aunque pueden diferir en cuanto a la
calidad de la línea y la silueta. (Por ejemplo, el
chifón es suave, mientras que la organza y el tul
son más rizados). Para este ejercicio,
recomiendo una técnica diferente: color y
sombra. El color se aplica primero, y las
sombras de detalles lineales al final. ¡La
práctica es vital aquí!
Coloque el borrador de guía, debajo de la
página, aplique el tono de piel, así como
el rubor (bush) y la sombra de ojos antes que se
seque la cara. Luego coloree el traje interior. En
este ejemplo, varias áreas del papel no se
colorean para sugerir una tela muy brillante.
Proceda a colorear la piel.
Cuando todos los colores se sequen
añada la luz y la sombra en un tono
más oscuro. El tono más pálido del vestido
sobrepuesto de chifón se aplica después que
todos los colores se hayan secado. Éste describe
el tejido y la longitud de la manga, el escote y
la siluate de la falda. Aplique el tono de la base
del cabello mientras se seca el traje
sobrepuesto. Cuando el tono más pálido haya
secado, añada otra capa a las áreas donde la tela
se haya doblado. En este caso, las áreas
dobladas son: (A) donde el drapeado de las
mangas cae debajo de los brazos, y (B) donde el
dorso de la falda sobresale de atrás a partir del
traje interior (desde la cintura al ruedo de la
falda). Si se desea más contraste, deje que las
áreas dobles se sequen y añada otra capa de
color. El tono del vestido interior se usa ahora
para indicar los pliegues de los vuelos en las
mangas y el corpiño. Con el mismo tono,
comience los dobleces de los pliegues.
Termine los dobleces. El marcador que
usa para sombrear el traje interior puede
servirle ahora para acentuar los fruncidos y
dobleces encima del mismo. Déle sombra al
cabello con el segundo tono. Entonces, con un
mínimo de líneas del marcador de punta fina,
complete el rostro y el pelo, y aplique la
sombra y detalles. El ruedo debe verse sutil-
mente entre los pliegues y alrededor de la parte
trasera de la falda. No dibuje en exceso o se
perderá el aire de soltura que confiere esta
técnica.
131
132
Tafetán
El tafetán es una tela muy tostada y lustrosa
que cruje con el movimiento. Sus fruncidos,
dobleces y líneas de tensión son definidos y
angulares. Existe un contraste fuerte entre los
puntos de luz (highlights) y las áreas
sombreadas. La técnica de reproducción
interpretación usada en este ejemplo es la de
color y sombra. El color se aplica primero; el
sombreado y los detalles, al final.
Con su borrador de guía en su lugar,
indique el color de la piel y añada el
rubor (bush) y la sombra de los ojos antes que
se seque la cara. Coloree el traje con el tono de
base, dejando algunos puntos de luz a un lado
del volante.
Aplique el tono de base del cabello y
sombree la piel y los accesorios. Sombree
el vestido con agudos pliegues y dobleces
angulares. La postura de la pose y los cortes del
vestido sugerirán dónde colocar los pliegues de
tensión.
Termine el rostro y el cabello. Agregue
las sombras de color más oscuras a los
pliegues y dobleces de tensión. Cuando todo
esté totalmente seco, use el costado de una
punta de lápiz blanco, para resaltar los puntos
de luz; para lograr el máximo lustre de brillo,
colóquelos en el borde de las áreas sombreadas.
Si se necesita reforzar algunos puntos de luz,
agregue alguna pintura blanca opaca. Complete
el sombreado, usando un marcador negro de
punta fina.
133
Rosado fuerte Blush
Lila
Violeta
Aguamarina
Azul cobalto
Azul manganeso
Azul pálido
Agua
Verde lima
Verde océano
Verde Verde Amarillo Amarillo Naranja Rojo

bosque amarillo fuerte acre fuerte fuerte
Caoba

134
Otras técnicas y
materiales
Los marcadores de dibujo mostrados aquí se
han convertido en un medio popular entre los
diseñadores e ilustradores para presentar
colores y diseños de una manera rápida y
eficiente. Aunque no sean baratos, los marca-
dores de arte constituyen una técnica a la vez
efectiva y versátil. Use los marcadores de punta
ancha si quiere cubrir las áreas grandes; y los
de punta fina para los detalles. En estas
páginas encontrará la paleta de colores que se
recomienda para comenzar.
La acuarela, lo mismo transparente u opaca,
constituye un medio elegante, pero muy
exigente. Requiere un adiestramiento especiali-
zado. Si le interesa, le recomiendo que adquiera
un buen libro sobre el tema o que se matricule en
alguna clase de pintura de acuarela.
Otros materiales que aparecen en estas
páginas incluyen un fijador en aerosol, para
evitar que con el tiempo se rieguen (pérdida
de definición) o desaparezcan los trazos del
marcador, así como un adhesivo en aerosol
para el montaje de sus dibujos. Para hacer
correcciones menores en papel blanco y para
los detalles o puntos de luz, se aplica una
pintura blanca soluble en agua, lo mismo de
un frasco o de un tubo, con un pincel para
acuarela mediano (#6) o fino (#3). Los lápices
de carboncillo en blanco y negro, o de colores,
también resultan útiles para sombrear detalles.
Existen unas almohadillas fabricadas especial-
mente para reducir el "derrame" de los
marcadores. La acuarela requiere un papel
especial. Busque en las tiendas de arte locales,
otros materiales que pudieran interesarle.
Encontrará muchas opciones o medios
artísticos tales como: tinta en colores, pasteles y
papel coloreado con textura, entre otros.
SEPIA BRONCE BEIGE NÚMERO 3 NÚMERO 5 NÚMERO 7

OSCURA
135
I
Técnicas
de marcadores
Los marcadores de colores constituyen
una herramienta moderna, rápida y
limpia para reproducir colores y diseños,
una vez que se comprendan sus limitacio-
nes y se domine la técnica, mediante la
práctica.
Los marcadores tienen la tendencia a
regarse después de aplicados, por lo que
se recomienda practicar en una hoja de
prueba, del mismo tipo de papel que
habrá de utilizar para su dibujo termina-
do. (El color del marcador ) su tendencia
a regarse pueden variar de acuerdo con
los diferentes papeles que se usan). Esta
hoja de prueba también se utiliza para
experimentar con el diseño o la textura
requerida, antes que usted pueda aplicar
cualesquiera de éstas a su dibujo final. Su
borrador de guía puede hacer las veces de
una hoja de absorción para proteger la
superficie de su trabajo, en caso de que el
marcador también se riegue a través del
papel en que usted está trabajando.
Como práctica, dibuje algunas siluetas
en su papel de prueba y coloréelas, para
ver cuan cerca usted puede ] legar de la
línea sin que se riegue por los lados. Los
marcadores no son compatibles con las
líneas de lápiz. Cuando los dos trazos se
unen, los resultados son una línea
manchada, un color turbio y un marca-
dor sucio.
Use un marcador de punta ancha para
cubrir áreas grandes. Si usa os marcado-
res de punta para este propósito, causarán
un rayado inconsistente, y se les deformará
la punta. Guárdelos para detalles finales.
Siempre coloree las formas completas
dentro del dibujo. Use los c erres de
frente, ruedos, costuras y pliegues como
líneas de guía. Nunca permita que se
seque una figura parcialmente coloreada
antes de haberla terminado. Un color
húmedo que se mezcle con uno seco
creará una línea sobrepuesta antiestética.
Puede aplicarse un tono más oscuro
por encima de otro más claro, ya sea para
sombrear o crear un diseño. Permita que
el primer tono se seque para delinear la
silueta. Si se requiere un borde difumina-
do (tal como el rubor en las mejillas), el
tono de base debe estar todavía húmedo.
Nunca aplique un color más claro sobre
uno más oscuro, ya que el oscuro quedará
diluido y desfigurado.

136
Escoja los colores para usar en una figura
específica, o inclusive en dos figuras (una se
puede estar secando para el próximo tono, en
tanto que la otra se está coloreando). Manten-
ga los otros marcadores fuera de su alcance
mientras está trabajando, así evitará aplicar
accidentalmente un color equivocado a un
dibujo casi terminado y también se evitará
frustración. Cuando los marcadores no estén
en uso, manténgalos firmemente tapados para
evitar que se sequen y tenga que reemplazarlos.
Dos opciones de marcadores

Estas dos técnicas requieren que se complete
un borrador guía del dibujo y se use debajo de
la página de trabajo.
En la página del frente:
Arriba: Trace el vestido en la figura y
complete todo el trabajo de líneas.
Abajo: Color, luz y sombra. Añada la
textura o el diseño de la tela. Esta técnica no es
nada diferente a la usada en un libro de
colorear.
En esta página -para un efecto más suelto y
ligero-.
Arriba: Aplique el color, el sombreado y la
textura o el diseño de la tela.
Abajo: Las líneas de construcción y un
mínimo de luces es todo lo que se necesita
para completar la apariencia.
La reproducción de estampadas
137
Rizado Suave
Para una apariencia rizada, las líneas deben ser La apariencia suave tiene una silueta ejsbelta.
finas y dibujadas con rapidez. Los pliegues y Los fruncidos y dobleces forman un drapeado
dobleces son un tanto angulares. La silueta se suavemente redondeado. La falda cae :n forma
ve gruesa, y los pliegues en el ruedo, bien de esbeltas columnas estrechas, con lop bordes
definidos. suavizados en el ruedo.

138
Calidad de la línea
Una ojeada a cualquier libro de patrones de
modas, nos mostrará qué materiales específicos
se recomiendan para cada prenda de vestir. Por
el tacto, grosor y el acabado de las diferentes
telas, el diseñador puede señalar el tipo de
construcción que pudiera intentarse. Por
ejemplo, sería poco probable e inadecuado que
en esta página se hiciera una tela de bayeta
gruesa; el espesor sería incómodo e inapropiado.
Las mismas consideraciones de tacto,
espesor y acabado confrontan al ilustrador.
Cada tela sugiere el tipo de línea requerido
para dibujar la ilustración que pueda transmitir
la apariencia del vestido lo más exacta posible.
Desde las páginas 138 a la 141, encontrará
seis ejemplos de distintas posibilidades de
calidad de línea. Al pie de cada una de las
figuras hay comentarios que explican la calidad
de línea empleada al dibujar esos materiales.
Sostenga su lápiz muy suavemente, de
manera que usted pueda rotar fácilmente,
para crear líneas de distinto espesor, como
en el dibujo inferior.
En la página 141, hay también una lista de
tejidos apropiados para cada calidad de línea.
Abultado
El espesor de la tela se nota en el escote y los
puños. Las líneas son gruesas. La silueta se ve
gruesa, y los fruncidos y dobleces redondeados.
Los bordes de los pliegues en el ruedo se ven
como embotados.
139
Ceñido con caída Transparente
El look ceñido es una versión más pronunciada Existe una gran variedad de apariencias transpa-
del look suave. La silueta puede insinuar más rentes, desde suaves a muy rizadas, dependiendo
los contornos del cuerpo. Un vestido ceñido de la tela transparente que se esté ilustrando. La
forma drapeados muy cerrados. silueta puede variar de suave y esbelta a muy
abultada. Al fruncirse, la tela interior se muestra
a través de la tela exterior. La transparencia se
hace evidente al duplicar el color de la tela en los
pliegues y en el dobladillo que sigue en ambas
piezas, la interior y la exterior.

140
Calidad de línea
Ceñido con caída - Transparente
- Con cuerpo
Cuando esté ilustrando cualquier vestimenta,

tener una muestra de la tela en su mano libre
constituye una ayuda valiosa. Existe una
amplia variedad en espesor y en acabados en
los textiles que provienen de las mismas fibras.
Este conocimiento táctil del material influirá
en la calidad de línea de su dibujo terminado.
Ejemplos de tipos de telas

Los siguientes materiales son apropiados para
las calidades de línea mostradas en las páginas
138-141.
• Rizada: Algodón satinado pulido, Zaraza
(Chintz), Lino, Tafetán, Organdí.
• Suave: Chalis, Gasa, Crepé, Jersey, Bayeta
de algodón.
• Abultada: Tela de toalla, Cachemir, Tweed,
Pana acanalada, (Corduroy), Vicuña.
• Ceñida con caída: Tricota, Matte de Jersey,
Crepé satinado (Cortado al sesgo), Seda
(cortado al sesgo), Terciopelo.
• Transparente: Chifón, Organza, Etamina,
Tul, Encaje.
• Con Cuerpo: Piqué, Popelina (Poplín), Peau
de Soie, Brocado, Faya.
Con cuerpo
Una tela con cuerpo esta relacionada con un
material más grueso y de menor flexibilidad.
En ocasiones se amontona, pero sin llegar a ser
abultado. Cualquier amplitud se alejará de la
silueta del cuerpo. Las líneas son gruesas y los
plieguies ligeramente angulares.
141
Fuente de luz y sombra
El sombreado puede ser bastante complejo.
En los dibujos de retratos y naturalezas
muertas, resulta bien efectivo el uso de
numerosas fuentes de luz, así como el reflejo
de una luz secundaria, pero éstas se convierten
en sólo un estorbo, que le hace perder mucho
tiempo, cuando dibuja la figura de moda. El
sombreado recomendado que se describe aquí
está basado en una sola fuente de luz para
mantener la técnica lo más sencilla posible.
Imagine sobre la figura una luz muy fuerte
que brilla desde lo alto y de un lado a otro. El
sombreado se producirá sobre la misma figura
así como sobre la esfera, aquí ilustrada.

142
Compare las dos figuras en esta página.
Éstas ilustran el volumen y el movimiento
adicional que provee el sombreado; por
ejemplo, el doblado natural del brazo, a la
altura del codo, se acentúa al sombrear el
antebrazo. La pierna extendida capta más luz,
en tanto que la pierna más retirada está
sombreada.
La figura en esta página está casi toda
sombreada, con un mínimo de líneas. A través
de toda la Parte Tres, se muestran ejemplos
de luz y sombra. Preste especial atención a los
pliegues, bordes y ruedos de los vestidos.
(Tenga en mente que el sombreado es
opcional; algunos dibujos de modas pueden
ser atractivos e informativos si se dibujan
planos, sin sombreado alguno).
La reproducciónde estampados
143
Planificación de estampados
El estampado se crea por una repetición de líneas o formas. El
aprender a manejar estos componentes requiere concentración y
mucha práctica. No sólo la "repetición" del patrón que se escoja
debe ser consistente, sino que debe considerarse también el
contorno del cuerpo, al igual que los fruncidos, dobleces y el
corte de la vestimenta.
La primera destreza por desarrollar es la de dibujar listas.
VERTICAL Verticalmente, forman un estampado. Las listas horizontales
constituyen otro estampado. Combinados, ambos crean una
malla o enrejado, sobre el cual se basa la mayoría de los demás
estampados. Se usa como guía para el dibujo de cuadros, telas a
cuadros irregulares y para la repetición de motivos o formas. El
enrejado puede escalonarse, ya sea horizontalmente, hasta
formar como una rejilla de ladrillos, o verticalmente, para dar
lugar a una rejilla de medio punto. Ponga diagonalmente el
enrejado, o colóquelo sesgado, y se formará otro estampado.
Estire la rejilla sesgada y se transformarán los cuadrados en
HORIZONTAL
diamantes, y vea como surgen nuevas posibilidades.
En estas páginas, hay ilustradas muestras de todos los enreja-
dos descritos arriba, así como ejemplos de sus diferentes usos en
el diseño de telas. Practique el dibujarlos una y otra vez en un
papel de pruebas antes de aplicarlos a una prenda de vestir. Los
ejercicios en dibujo de diseños, que comienzan en la página 148,
han sido elaborados para practicarse encima de un croquis o un
borrador del vestido. Puede que sea necesario dibujar el mismo
patrón de diseño un sinnúmero de veces antes de obtener
resultados satisfactorios. Si el dibujo terminado se encuentra en
un papel o cartulina demasiado opaco para calcar, el diseño
ENREJADO DE CUADROS
DIAGONALES
ENREJADO DE GOLA DIAGONAL ENREJADO DE LADRILLOS ENREJADO DE MEDIO PUNTO
DIAGONAL ENREJADO DE DIAMANTES ENREJADO DE TRIÁNGULOS

144
puede planificarse ligeramente. Cuando complete el dibujo, las
líneas de guía que no se hayan usado pueden borrarse
cuidadosamente.
• Listas verticales: En este ejemplo, las líneas de guía se ensanchan
para formar las listas. Los colores alternados añaden interés.
• Listas horizontales: Estas listas se crean al colorear entre pares
de líneas guía alternas.
• Cuadros: Coloree ligeramente entre líneas de guía alternas, lo
mismo vertical que horizontalmente. Los cruces o intersecciones LISTAS VERTICALES
se acentúan con toda la intensidad del color.
• Lunares: Estos deben organizarse en un enrejado diagonal. De no
ser así, se convierten en un diseño diferente —como puntos al azar.
• Gola: Este diseño se organiza también en un enrejado diagonal.
Tenga cuidado de emparejar las formas curvadas, en forma
de cebolla.
• Estampado geométrico: En este diseño, organizado en un
enrejado de ladrillos, cada ladrillo se encuentra dividido
diagonalmente, con un círculo en el centro.
LISTAS HORIZONTALES
• Estampado floreado: Organizado en un enrejado de medio
punto, este motivo (elemento visual recurrente) alterna su
dirección a medida que se repite verticalmente.
• Listas diagonales: Se trata de una repetición diagonal.
• Rombos: Este diseño se organiza sobre un enrejado de diaman-
tes, en tonos alternos. Una rejilla secundaria de puntos secciona
el diseño diamantino.
• Estampado triangular. El enrejado triangular se usa para
el motivo alternado y escalonado.
CUADROS
LUNARES
ESTAMPADO FLORAL ESTAMPADO GEOMÉTRICO GOLA
ESTAMPADO TRIANGULAR ROMBOS FRANJAS DIAGONALES
145
Dibujo del estampado
a escala
Cuando trabaje con una muestra, será de
excelente ayuda prenderla a cualquier pieza de
ropa disponible. Coloque la pieza con la
muestra adherida, de manera que toda la
prenda quede a la vista. Entonces usted puede
observar cómo el diseño en la muestra de tela
se relaciona con el vestido donde está colocado,
para así determinar la escala apropiada. Resulta
tentador trabajar con el material justo debajo
de sus narices. ¡No lo haga! La escala crecerá en
exceso, se recargará de detalles, tomará más
tiempo para dibujarla y no logrará comunicar
el efecto del diseño deseado.
Cuando está dibujando un estampado o

alguna textura con propósitos relacionados
con la moda, usted está tratando de recrear
el efecto general o la apariencia de la tela. No
hay necesidad de reproducirla hasta el más
mínimo detalle. Empiece por estudiar y tener
una muestra a la mano, un retazo o el vestido
mismo, hata que se familiarice con sus rasgos
más pronunciados. Entonces aléjese de la tela.
Obsérvala a la distancia en que usted estaría
mirando una figura humana completa vestida
con ésta (puede ser una distancia de 3 ó 4 pies).
Sugiera la apariencia del material desde esta
distancia normal de apreciación. Usted notará
que son menos los detalles visibles de los que se
pueden observar a una distancia menor.

146
Indicación del
estampado
Los diseños se muestran en el dibujo de modas
con el fin de comunicar al espectador dónde
aparecerán en el vestido. Para simplificar las
cosas, o aun para ahorrar tiempo, los
diseñadores e ilustradores de modas a veces
indican el diseño, la textura e inclusive el color,
en lugar de completarlo en la pieza entera.
Aunque esta técnica puede lucir de fácil
aplicación, requiere práctica y habilidad.
Demasiadas indicaciones pueden hacer que se
pierda el efecto. Muy pocas, en cambio, no
llegan a ofrecer suficiente información. Si las
indicaciones son muy salteadas o vagas,
pueden sugerir algo así como un motivo
ocasional o la repetición de un diseño excesiva-
mente espaciado, creando una total confusión
en el espectador.
En el ejemplo presentado aquí, hay

suficientes detalles como para que no quede
duda acerca de su colocación. El diseño en el
cuerpo del traje cubre suficiente área como
para convencer al espectador de que se está
enseñando todo el concepto.
Las siguientes páginas (148-155) ofrecen
instrucciones detalladas sobre cómo dibujar
diversas clases de listas, cuadros y telas de
cuadros irregulares.
147
148
Listas
Verticales
Al hacer el croquis, dibuje la línea guía
para la primera franja; baje por la línea
central del torso en el vestido. Dibuje una línea
guía que baje por el centro de la forma de la
manga. Luego dibuje otras de estas líneas
uniformemente espaciadas hacia la izquierda.
Preste atención a las flechas. Asegúrese de
mantener su espaciamiento de arriba a abajo.
Realice ajustes para los contornos del cuerpo,
así como para los pliegues y dobleces.
Dibuje líneas guía a la derecha de la
línea central del torso. Haga lo mismo
para la manga restante. Use el mismo método
descrito arriba para dibujar líneas guía en la falda.
Después de que complete las líneas guía,
ponga su croquis debajo del papel en el
cual usted tiene intención de completar su
dibujo. Aplique el sombreado y dibuje las listas
de acuerdo con la tela que esté dibujando.
Horizontales
Dibuje una línea guía describiendo el
contorno del busto. Seguidamente dibuje
otras líneas hacia arriba que se ajusten al
contorno del cuerpo. Mantenga las líneas
espaciadas uniformemente, de acuerdo con las
listas que se van a trazar.
Trabaje desde la línea guía del busto
hacia abajo. Ajústese al contorno del
cuerpo y termine emparejándose con el ruedo.
Las líneas guía en las mangas deben trabajarse
desde los hombros hacia abajo y deben
concordar con las listas en el cuerpo de la
vestimenta en el "ojo del brazo". Para el
antebrazo, trabaje desde las muñecas hasta los
pliegues del codo. Las listas deben curvarse
según los contornos opuestos del brazo y el
antebrazo. Los pliegues en la articulación del
codo disimularán cualquier problema de
espaciamiento. Si el brazo no está doblado,
trabaje desde el hombro y planifique
cuidadosamente.
Con las líneas de guía completas pueden
reproducirse correctamente las listas
terminadas -anchas, estrechas o una
combinación de ambas—.
149
150
Cuadros y cuadros
irregulares
La técnica siguiente sirve para a cualquier diseño
básico de cuadros, desde pequeños cuadros de
guinga hasta cuadros más grandes, de tamaño
novedoso por su magnitud. Las líneas de tejido
diagonales, en el Paso 3, se dibujan únicamente
si a una distancia conveniente son visibles en la
muestra de tela. El tono más oscuro de las
intersecciones establece el color de los cuadros.
Combine las instrucciones para las
franjas verticales y horizontales, y
dibuje levemente un diseño enrejado en el
vestido. Procure espaciar las líneas para formar
cuadros, indicando la escala del diseño que está
dibujando.
Entre pares alternos de las líneas de guía
del enrejado aplique un medio tono del
color deseado para los cuadros terminados.
Empiece por colorear los cuadros a todo color
en las intersecciones de las franjas más anchas.
Complete los cuadros con las intersec-
ciones a todo color. Aplique el color de
fondo y el sombreado si así lo desea.
Cuadros irregulares
Establezca un enrejado de cuadros, tal
como hizo arriba, cuidadosamente
reducidos en escala, de acuerdo con el diseño
que aparece en su muestra de tela. Mientras
planifica el enrejado, haga ajustes para los
contornos del cuerpo y los pliegues. En el
ejemplo de vestido que aquí le mostramos, el
enrejado en los bolsillos (y en ocasiones en la
abertura del cierre frontal) aparece usualmente
en forma sesgada (diagonal).
Agregue las líneas secundarias en
cualquier lado de las líneas del enrejado
inicial. Sea consistente en el espaciamiento.
Con la planificación ya completa, se
aplican los colores o tonos finales.
Termine con los botones, los detalles físicos
y las sombras.
151
152
Cristal de vetana
Este diseño es a base de cuadros, pero ha sido
más ampliamente espaciado con líneas más finas.
Dibuje levemente el enrejado, a la escala
apropiada; preste atención a los contor-
nos del cuerpo y a los pliegues de la ropa.
Con el enrejado como guía, aplique el
color o tono más claro. Coloque un
pequeño cuadrado del tono de color más
oscuro en cada intersección.
Complete el dibujo con los detalles de la
ropa, los detalles físicos y las sombras.
Recuadros
Este diseño es como un cristal de ventana
doble en dos colores.
Dibuje levemente el enrejado primario.
Dibuje entonces el secundario.
Termine cada enrejado con dos colores
o dos tonos.
Complete el dibujo con los detalles de la
ropa, los detalles físicos y la sombra.
153
154
Espina de pescado
(Herringbone)
El diseño de espina de pescado se deriva de la
forma del entretejido de la tela. Puede variar
desde pequeñas y finas líneas diagonales sobre
un material liso, a líneas fuertes y atrevidas
sobre una tela de textura voluminosa. Antes de
añadir las líneas diagonales a su dibujo,
establezca primero un ritmo en su hoja de
pruebas para asegurar consistencia en el
espaciamiento y en el espesor de la línea.
Con un lápiz dibuje levemente las líneas
guía verticales en el cuerpo y las mangas
de la vestimenta.
Con un marcador fino, dibuje finas
líneas diagonales entre las líneas guía;
haga una columna a la vez. Estas diagonales
van alternando de dirección de una fila a otra.
Los trazos no tienen que unirse en las líneas guía.
Añada sombras oscuras a la indumenta-
ria. Complete entonces las diagonales y
elimine las líneas guía. Complete el dibujo con
los rasgos y detalles accesorios.
Pata de gallo
(Houndstooth)
El diseño de pata de gallo se deriva del tejido
diagonal del material. Aunque se trata, en
efecto, de un tejido diagonal, da la impresión
de un diseño a cuadros con "dientes" que
conectan unos cuadros a otros. La escala
puede variar desde un diminuto cuadrito
conservador a un novedoso cuadro
extragrande.
Con un lápiz dibuje levemente un diseño
de enrejado en la vestimenta. Aplique el
sombreado. Con un marcador de punta fina,
cubra cada intersección con una sólida caja
cuadrada, cuidadosamente dibujada a escala.
Conecte los cuadros en cada fila vertical,
dibujando una fina línea desde la esquina
inferior de uno hasta la esquina superior del
más cercano. Para completar el diseño, dibuje
una línea diagonal a través de cada caja, en el
mismo ángulo de las líneas que unen las cajas.
Cuando el dibujo se seque, borre las
líneas de guía con una goma suave.
Añada la sombra y complete los rasgos y
accesorios.
155
156
Listas diagonales
Establezca el ángulo requerido dibujan
do levemente una línea guía diagonal a
través de la vestimenta, en este caso, del hombro a
la cadera. Luego trabaje hacia arriba y hacia la
izquierda, trace líneas espaciadas uniformemente,
ajustando su contorno al cuerpo.
Trabaje hacia abajo y hacia la derecha,
mantenga las líneas uniformemente
espaciadas. Use la misma técnica descrita
anteriormente para indicar las listas de la falda.
Haga ajustes para cualesquiera pinzas, pliegues o
dobleces que puedan encontrarse.
Con las líneas guía en su lugar, se puede,
completar el trabajo.
Lunares
Con la misma técnica de "listas
diagonales", dibuje levemente un diseño
de enrejado en la prenda de vestir. Hágalo a
escala con la tela y el vestido con las que está
trabajando. Las líneas del enrejado deben estar
en ángulo recto, para que formen cuadrados. De
producirse formas diamantinas alargadas, el
enrejado no servirá para los lunares.
En cada punto donde se cruzan las
líneas del enrejado, coloque un lunar
cuidadosamente dibujado. Asegúrese de que
todos tengan el mismo tamaño. Haga ajustes para
cualesquiera pinzas o pliegues.
Elimine las líneas del enrejado, y
solamente los lunares constiturían
el diseño.
157
158
Estampados floreados
Un estampado floreado en gran escala, tal
como el que aparece en el traje ilustrado aquí,
exige menos que los diseños altamente
controlados que se mostraron anteriormente.
Aplique el sombreado. Use las intersec-
ciones de un extenso enrejado diagonal,
para indicar la localización del motivo más
prominente. Cuando todos los motivos se
encuentren en su lugar, empiece a colorearlos.
Complete los motivos primarios
y continúe con los secundarios.
Entonces añada los tonos más oscuros a
los centros de las flores y a las hojas.
Termine agregando sombras, rasgos
y accesorios.
Estampados
geométricos
Aplique el sombreado. Haga uso de las
técnicas para planificar lo mismo listas
horizontales que diagonales, a fin de crear un
diseño de enrejado en el vestido. Trace primero
las líneas horizontales; luego, las abruptas
diagonales que cruzan las horizontales. Ahora
puede colorear el diseño triangular que se creó.
Comience a colorear los triángulos que apuntan
hacia arriba.
Cuando haya coloreado estos triángulos,
comience a añadir el detalle del triángulo
lineal a los triángulos que apuntan hacia abajo.
Agregue un pequeño triángulo apuntando hacia
arriba, dentro del que ya había coloreado.
Termine de detallar el triángulo lineal.
Complete el dibujo con rasgos, sombras y
accesorios.
159
160
La planificación
de la textura
La textura se refiere a la apariencia y caracterís-
ticas visuales o táctiles de superficie, de una
tela determinada. Todas las texturas proyectan
una sombra ya sean grandes o pequeñas. La
profundidad de ésta aumenta con la
profundidad de la textura. Aprender a
controlar la textura requiere de una cuidadosa
aplicación de la escala y de una gran dosis de
práctica. También tenga cuidado de no
trabajar la textura en exceso, si no quiere que
se confunda con el diseño.
Comencemos con la muy popular textura
que resulta al acolchar en forma de un
edredón. La apariencia edredón o colcha se
hace cosiendo firmemente dos capas de tela de
algodón con un suave relleno entre ambas. La
costura puede ser en forma de líneas rectas, en
líneas que se entrecruzan o en diseños
ornamentales. Aquí y en la página siguiente se
muestran tres importantes clases de edredones:
de túnel, diagonal y de gola. En los tres casos,
la silueta es voluminosa y los bordes
redondeados.
Textura de edredón de Túnel

La textura tipo edredón de túnel, que lo
mismo puede correr horizontal que vertical-
mente, se usa generalmente en el exterior. Se
dibuja con una silueta abultada y bordes
redondeados.
Dibuje las costuras del edredón con su
línea más fina. En este caso, las puntadas
aparecen en columnas verticales uniformemente
espaciadas. El cuello, los puños y el ruedo son
los puntos donde más se afecta la silueta debido
al protuberante relleno y a las líneas de costura
del edredón. Observe la redondez del ruedo en
la base de cada columna.
Sombree ligeramente por un lado de
cada columna. Añada sombras oscuras
en el cuello, los puños y el cierre frontal, así
como en el borde de la vestimenta, lejos de la
fuente de luz. Comience por agregar fruncidos
irregulares a lo largo de las costuras del
edredón.
Termine el dibujo añadiendo botones
y accesorios.
161
162
Textura de edredón diagonal
La textura tipo edredón diagonal se usa a
menudo para varias clases de chaquetas.
Este vestido combina textura y un diseño
complejo; ésta presenta un reto mayor que
el edredón de túnel.
Establezca ligeramente un diseño de
enrejado diagonal, tenga en cuenta los
contornos del cuerpo, la construcción de la
pieza y los pliegues.
Complete el enrejado. Con una fuente
de luz específica en mente, comience a
dibujar trazos crecientes en el relleno entre las
puntadas. Estos trazos pueden dibujarse en
toda el vestido, o para un efecto más tenue,
pueden ocurrir sólo donde se añadirá el
sombreado.
Ajuste la silueta del vestido para sugerir
la protuberancia del relleno. Añada un
tono ligero para el sombreado, y algunas
sombras oscuras. Dibuje detalles, rasgos y
accesorios para completar el dibujo.
Textura de edredón de gola

La textura del edredón de gola se usa a menudo
para batas. Es el tipo de edredón más difícil de
dibujar debido a las complejas sombras que esta
textura proyecta.
Dibuje levemente el diseño de enrejado
diagonal. Usando el mismo como guía,
dibuje líneas curvas, en forma de S, encontrán-
dose en cada ápice.
Termine el diseño de gola y comience a
añadir el sombreado creciente. Resulta
difícil mantener las formas entre las costuras de
manera consistente, de modo que se requiere
mucha práctica en una lámina de pruebas antes
de intentar el dibujo final.
Ajuste la silueta, tal como se indica
arriba, y agregue sombras y detalles para
terminar el dibujo.
163
164
Smocking
El smocking es el resultado de un proceso
mediante el cual la tela se cose en pliegues o
frunces protuberantes muy pequeños, que
forman un diseño tridimensional parecido a un
panal.
Dibuje levemente un diseño de enrejado
de diamantes en el corpiño; use la
técnica de franjas diagonales.
Añada el sombreado para sugerir
dimensión. Comience a dibujar pares de
sombras lineales ligeramente curvas, conectando
las intersecciones, así se indica la amplitud de la
tela fruncida.
Termine las sombras y complete el
dibujo con rasgos y accesorios.
El fruncido con elásticos

Este tipo de frunces se construye a base de filas
paralelas de frunces estrechamente espaciadas. El
que presentamos en este ejemplo lleva elástico.
Comience a dibujar levemente desde la
cintura líneas horizontales estrechamente
espaciadas alrededor del torso. Use una línea
levemente dentada para sugerir las filas de
puntadas.
Aplique el sombreado y empiece a agregar
trazos cortos e irregulares, para indicar los
pliegues entre las costuras.
Termine los pliegues y añada la sombra
y rasgos.
165
166
Filamentos
El lino y la seda pura son excelentes ejemplos de
telas con una textura filamentosa irregular. La
silueta es usualmente bien definida. La textura
es producto de irregularidades en el tejido del
material, el cual causa sombras en los colores
claros; y en los oscuros capta luz. La textura
filamentosa puede darse en dirección horizontal,
en vertical o en ambas. Al igual que cuando se
dibujan otras texturas, usted debe dar una
indicación de efecto disperso, para evitar la
apariencia de diseño.
En una tela de colores claros, empiece por
añadir un sombreado. En una tela oscura,
empiece por colorear con un medio tono.
Empiece a dibujar la textura filamentosa
en la tela clara con rápidos trazos
irregulares y una línea muy fina. En la oscura,
agregue el sombreado con un marcador del
mismo tono.
Termine los detalles y accesorios en
ambas figuras. En la tela oscura, use un
lápiz blanco para indicar el filamento.
167
168
Sirsaca (Seersucker)
La sirsaca clásica es un vivaz tejido veraniego de
lino o algodón arrugado rayado en relieve.
Use la técnica de listas verticales,
planifique claramente algunas líneas de
guía estrechamente espaciadas. Aplique el
sombreado.
Con su marcador de punta fina, aplique
líneas levemente temblorosas para
sugerir la textura fruncida.
Termine el dibujo con los rasgos
y accesorios.
Pana acanalada
(Corduroy)
La pana acanalada es una tela en algodón de
pelillo corto con una textura lineal conocida
como pana. El ancho de la pana varía desde la
más suave pana infantil, de estrías estrechas,
hasta una muy voluminosa, de estrías más
anchas y otras novedades. Este ejemplo es de
pana mediana, usado para ropa deportiva. En
esta técnica, la textura se aplica solamente en la
porción sombreada del vestido a fin de no dar
la impresión de listas. Preste especial atención
en dónde se aplica el tono más claro.
Aplique el sombreado. Prepare el diseño
de enrejado, a base de rombos, para el
suéter; rellene con diamantes de un color más
claro.
Indique la textura de la pana con líneas
bien finas estrechamente espaciadas, justo
afuera de las áreas coloreadas. Aplique el tono
más oscuro en los rombos alternos del suéter.
Dibuje el tejido elástico del escote y la cintura
del mismo.
Dibuje la costura superior en la solapa,
el cierre frontal y los bolsillos. Complete
el dibujo agregando sombras, rasgos faciales,
accesorios y el detalle de línea de puntos en el
enrejado en forma de diamante.
169
170
Tela bordada
La tela bordada con perforaciones es aplicada
mecánicamente. Debido al proceso mediante
el cual se suple la tela a la máquina, se usa
generalmente un material firme, rizada y con
cuerpo. Una característica de la mayoría de las
telas bordadas es el rodapié con festones.
Existen muchas variaciones tanto de motivos
como de colocación. Los ejemplos mostrados
aquí son típicos.
Para planificar la distancia del diseño,
dibuje levemente un diseño de enrejado
a base de líneas diagonales uniformemente
espaciadas en el vestido. Trabaje en una sección
de la pieza a la vez. Empiece por dibujar el
borde festoneado, con una doble línea para
indicar el bordado al final.
Termine el enrejado y los festones.
Empiece a dibujar el motivo floral
centralizado en cada festón. Dibuje las tres
diminutas perforaciones en grupos en cada
intersección del enrejado.
Complete el dibujo con las sombras.
Observe los espacios sin colorear, como
una manera de indicar una tela en tono blanco
o pastel.
171
172
Encaje
El encaje es una delicada tela de calado que
varía entre suave y rizado. La mayoría de los
encajes presentan un motivo floreado o en
forma de pergamino. Muchos tienen un borde
festoneado con un fleco bien fino y un motivo
floral en el centro de cada festón. El encaje se
usa como adorno en variedad de formas; pero
cuando se hace un vestido completo en encaje,
éste viene usualmente forrado, ya que resulta
en extremo transparente.
Dibuje la silueta y los pliegues de ambos
trajes con delicadas líneas dobles y
bordes festoneados.
Vestido oscuro: Coloree el forro con un marca-
dor oscuro, asegurándose de reservar su tono más
oscuro para el sombreado (en el Paso 2).
Vestido claro: Añada el sombreado como un
tono medio.
Vestido oscuro: Añada el sombreado al
forro con el tono más oscuro. Con un
marcador oscuro de punta fina, dibuje los
bordes festoneados. Añada motivos floreados y
conéctelos con una red de finas líneas curvas.
Vestido claro: Empiece por indicar motivos
florales, entrecruzándolos con un tono blanco
opaco en el sombreado.
Ambos vestidos: Termine los detalles del
encaje. Con un marcador oscuro de
punta fina, agregue acentos a los motivos
floreados, los fruncidos y el borde festoneado
del ruedo. Termine con los rasgos faciales y
accesorios.
173
Dibujo y diseña de modas
174
Terciopelo
El terciopelo es una tela suave con pelillos,
sombras muy oscuras y un brillo mediano. Los
bordes y las costuras del traje se destacan con
puntos de luz (highlights). El terciopelo de
algodón (pana) es menos brillante y posee más
cuerpo. Este ejemplo tiene como accesorio un
gran encaje en el cuello y en los puños.
Dibuje el traje con una silueta suave y
sólo un toque de volumen, indicado por
bordes curvos. Déle color con un marcador de
medio tono. Dibuje el entretejido del encaje
con su marcador de punta más fina.
Añada sombras profundas con un
marcador oscuro. Dibuje el borde
festoneado del encaje con el detalle de un fleco
bien fino. Indique los pliegues y el motivo
floreado dentro de cada festón.
Use el lado más ancho de un lápiz blanco
suave para sugerir el brillo del material.
Utilice la punta del lápiz para resaltar los
puntos de luz (highlights) a lo largo de las
costuras y los bordes. Agregue los detalles
finales y los acentos.
Cuando dibuje telas con pelillo, tales como
terciopelos y veludillos, otra opción consiste en
usar el lado más amplio de un lápiz de punta
suave para darle color y sombra al vestido.
Inclínese hacia los puntos de luz, dejando ver
parte del papel en blanco. Rocíe el trabajo con
un fijador.
175
176
Pieles
Lince
Se requiere una silueta muy voluminosa, ya
que el lince tiene una pelambre muy larga
aunque suave y lanosa. El abrigo de piel de este
animal es sutilmente marcado y un tanto
moteado. Este ejemplo muestra tiras verticales
de piel en el cuerpo del abrigo, y tiras horizon-
tales en las mangas.
En una silueta muy voluminosa, dibuje
algunas líneas leves, para indicar dónde
se cosen juntas las tiras. Sombree ligeramente
los bordes de éstas. En los ejemplos mostrados
en esta página, para sombrear se usa, el lado de
un lápiz o un carboncillo suavemente.
Con trazos finos y rápidos, indique el
largo de la piel en la silueta del abrigo.
Asimismo, indique las marcas del animal con
manchas.
Complete las marcas y termine el trabajo,
tal como se ilustra; añádale rasgos
faciales y accesorios. Esta técnica
funciona igualmente para la piel de zorro,
si se eliminan las manchas.
Marta
Como el anterior, este ejemplo está construido
con tiras verticales de piel en el cuerpo del
abrigo y con tiras horizontales en las mangas.
Si usa tiras más estrechas y ligeramente menos
abultadas, ésta técnica también es efectiva para
dibujar un abrigo de visón.
Dibuje algunas líneas leves en la silueta
abultada para indicar dónde se unen las
tiras. Sombree ligeramente para alisar los
bordes del cuello, los puños, el ruedo y las
líneas de tiras.
Con un tono más oscuro, empiece a
mostrar las marcas suaves hacia abajo del
centro de cada tira. Los espacios en blanco que
quedan visibles en la página sirven en donde-
quiera que se necesiten puntos de luz. Añada
las sombras a medida que progresa su trabajo.
Con el costado de su lápiz, difumine los bordes
de la silueta para evitar cualquier línea dura.
Añada moderadamente algunas finas
líneas de pelo a la silueta del abrigo.
Complete el dibujo con los rasgos faciales.
177
Destrezas
de presentación
Montaje
El montaje refuerza el dibujo y
evita que se manche con los dedos
de algunos curiosos poco cuidadosos.
Recorte la cartulina de montaje con
una navaja afilada, jara acomodar
el dibujo. Lo:; márgenes superiores
y laterales deben ser del mismo
tamaño; y el inferior puede ser un
poco más ancho. Use su dibujo
como guía y con una regla de
borde de metal, marque las
esquinas para montarlo. Ponga el
dibujo boca abajo en una hoja
grande y limpia de papel de
imprenta. Aplique pega de goma, y
empiece a esparcirla desde el centro
hasta el papel de imprenta, para
asegurarse que se c abren bien los
bordes. Otro método alterno es
aplicar una pega de montaje en
aerosol, siguiendo un movimiento
circular de arriba a abajo. Cuida-
dosamente, coloque el dibujo en
las esquinas superiores y péguelo
suavemente con un movimiento
hacia abajo.
Enmarcado
El marco ofrece una apariencia más
terminada así come una mayor
protección. Sin embargo, requiere
de mucha práctica para lograr que
el marco quede bien cortado. Se
pueden comprar marcos ya
precortados en cualquier tienda de
efectos de arte.
Recorte el molde del marco del
mismo tamaño de su cartulina de
montaje. Mida los márgenes, como
se puede ver arriba, pero haga
alrededor una "ventana" ¼ de
pulgada más pequeña. Alinee el
molde del marco boca abajo, con el
borde superior del dibujo
montado. Únalo con un gozne
hecho a base de cinta adhesiva.
Doble el marco hacia abajo por
encima del dibujo montado. Para
mayor protección, se puede pegar
una lámina de papel de calcar a lo
largo del borde superior del dorso
de su dibujo enmarcado, doblán-
dola por encima de éste para
protegerlo. Se dobla hacia atrás
para poder ver el dibujo

178
El portafolio
Para proteger sus dibujos todavía
más, y para ayudar a hacer una
presentación organizada de los
mismos, se requiere del medio más
adecuado. El menos costoso es el
portafolio del estudiante de arte.
Viene en una carpeta con una
cubierta de imitación de cuero y
tres cintas para amarrar. El más
costoso es el álbum de presenta-
ción. Este tiene cierre de cremallera
y protectores de acetato para las
hojas. Hay disponibles páginas
adicionales de repuesto, para este
modelo. Un tamaño manejable
sería de 14" x 18" ó 17"x 22",
dependiendo del tamaño de sus
dibujos ya montados. Para evitar
que su portafolio se vuelva
excesivamente pesado, use una
cartulina ligera para el montaje.
Recuerde, el portafolio se duplicará
en tamaño al abrirlo. Si resulta
demasiado grande, su presentación
será más difícil y agobiante para el
espectador.
Su portafolio debe contener
dibujos de modas únicamente.
Estos deben de estar relacionados
con el tipo de vestuario producido
por la firma en la cual usted
solicita empleo. Por ejemplo, evite
mostrar trajes de noche a una
compañía especializada en ropa
deportiva. Investigue sobre la
empresa, verificando la mercancía
que ésta ofrece a las tiendas por
departamentos; y de acuerdo con
sus hallazgos, ajuste los conceptos
en su portafolio. Aproximadamente
de doce a dieciséis ejemplos
relevantes demostrarán su poten-
cial. Incluya tanto dibujos de
figuras completas como simples
bosquejos de trabajo para demos-
trar su versatilidad. Una figura por
página es lo mejor, a menos que
quiera ilustrar diversas piezas
coordinadas de la misma tela.
Incluya, de ser posible, muestras
de las telas de sus dibujos, si es
posible. Finalmente, asegúrese de
mantener su presentación bien
organizada, nítida y limpia.
179
Glosario Edredón o colcha: La firme unión de dos capas de tela cosidas
entre sí, con un suave relleno entre ambas.
Encaje: Delicada tela calada que presenta generalmente un motivo
floreado, y tejida con una gran variedad de hilos de diferente
Aberturas: Aberturas al pie de la costura, en las costuras laterales peso. Constituye también un tipo de adorno muy popular.
inferiores del blazer o alguna otra chaqueta. Enrejado: Red de líneas verticales y horizontales, o diagonales,
Aerosol adhesivo para montaje: Pegamento para montar dibujos. sobre la cual se basan los diseños de la mayoría de las telas.
Aerosol fijador: Aerosol que reduce el derrame del marcador, así Escala (v): Para regular o ajustar de acuerdo con una proporción
como su eventual desvanecimiento. designada; (n) la proporción de ajuste escogida; también, la
relación de tamaño de una representación con el objeto real que
Apariencia de Annie Hall: Estilo ecléctico de moda femenina,
se está dibujando. Poner a escala la figura en relación con la pose.
favorecido por el personaje de la actriz Diane Keaton, en el
Escoger un tamaño de figura que llene agradablemente la página.
popular film de Woody Alien (data de alrededor de 1977).
Escorzo (Reducción frontal): Contracción en la dirección de
Bragas (Knickers): Pantalones ajustados mediante una estrecha
profundidad, a fin de sugerir una proyección en el espacio. Escote
banda debajo de la rodilla.
básico: Simple escote circular en la base de la garganta. Escote de
Brocado: Género lujosamente ornamentado, con un diseño a bote: Escote amplio y ligeramente hundido, que sigue
relieve hecho de seda, rayón, metales preciosos y otras
la línea de la clavícula; con frecuencia igual al frente y atrás.
sustancias metálicas, y, en la actualidad, de milar.
Escote de corazón: Alto por detrás, bajo al frente, donde adopta
Bustier: Apariencia erguida que le da al busto un aspecto de
la forma de arriba de un corazón.
gaveta abierta. Este estilo se puso de moda en los 1880s y
Escote drapeado: Tela de corte sesgado manipulada para formar
continuó hasta después del fin de siglo.
pliegues drapeados que van describiendo el escote.
Calidad de línea: Línea de dibujo más apropiada para reproducir
las diferentes texturas de las telas. Escote de "U": Escote redondeado, de corte bajo.
Camisero (Chemise): Comenzó como una prenda interior; y al Espina de pescado (herringbone): Diseño derivado del tejido de
convertirse en vestido, cae recto desde los hombros hasta el textiles, formado por filas de líneas paralelas, que descienden
ruedo, sin talle alguno. en direcciones opuestas, en filas adyacentes.
Canesú: Pieza horizontal en un vestido. Estampado: Diseño creado por la repetición de líneas o formas.
Chifón: Tela transparente, hecha especialmente de seda. Falda de paños: Cortada y cosida a partir de formas acampana-
Conjuntos: Atuendos que combinan chaquetas con faldas o das, para encajar suavemente desde la pretina, con las
columnas de amplitud cayendo desde las caderas.
pantalones.
Falda de paños fruncida: Grácil falda con sesgos lo mismo que
Conjunto Chanel: Clásico intemporal, creado por primera vez
pliegues de máxima amplitud.
por Coco Chanel en 1927. Identificado por la chaqueta
Falda en hileras (rio rita): Falda fruncida, formada de varias
angular a la altura de la cadera, con adornos trenzados y
capas de hileras horizontales cosidas unas con otras.
detalle de bolsillo.
Falda de línea A: Falda ligeramente acampanada, cogida con
Costura superior: Fina línea de costura visible.
pinzas desde la cintura, para un suave entalle por encima de la
Croquis: Figura guía para calcar. Originalmente significaba un cadera.
bosquejo rápido y tosco. Falda de volantes: Capas de volantes superpuestos, adheridos a
Cuadros: Bandas de color verticales y horizontales, dispuestas un forro bajo la falda.
sobre un enrejado cuadrado. El color se intensifica en cada
Falda dividida: Falda dividida en dos piernas de pantalón. (Véase
intersección.
pantalones de gaucho, falda pantalón).
Cuadros irregulares: Variación en la tela de cuadros, introdu-
ciendo más colores y detalles lineales. Falda entallada: Falda larga y estrecha, difícil para caminar, que
Cuello asimétrico: Cuello que es diferente a cada lado del fuera popular alrededor de 1912.
vestido. Falda pantalón (culottes): Falda dividida, caracterizada por
pliegues de amplitud o frunces que disimulan la d visión en
Cuello de capucha: Cuello drapeado, modelado a partir de un
dos piernas de pantalón, haciéndola parecer una falda
vestido con capuchón usado antiguamente por los monjes. convencional.
Cuello de mandarín: Banda erguida con una hendidura. Falda plisada: Falda completa plegada en la pretina.
Cuello de marinero: Amplio, con una solapa cuadrada a través Filamentos: Textura irregular causada por irregularidades en el
de la espalda, que se va reduciendo en tamaño hasta formar tejido del material.
una "V", al frente. A menudo se combina con un corbatín, Formato: El tamaño y la forma de la hoja de papel en la cual
como en la camisola de chemise. (Ver Marinera). usted está dibujando.
Cuello de tortuga: Cuello alto más o menos ajustado y doblado Frunces con elástico: (Shirring) Construcción de filas paralelas
hacia abajo. de pliegues estrechamente espaciados.
Cuello Peter Pan: Pequeño y redondo. Gola: Patrón a base de formas curvas en forma de cebolla. Hilera:
Cuello simétrico: El que es igual por ambos lados del vestido. Cada capa de una falda fruncida, cosida a las que van
Chaqueta bolero: Chaquetilla corta y entallada. arriba y abajo.
Chaqueta de lana tejida (Cardigan): Chaqueta cerrada al frente, Hombro caído: Adhiriendo la manga bien debajo del hombro.
sin cuello, comúnmente conocida como cuello de "V". Independiente Trabajador por cuenta propia, emplee do por más
Cherrise: Blusón suelto con cuello de marinero (Véase también de una firma en diversos proyectos independientes.
Cuello de marinero). Imagen (Look): Concepto total de modas, reflejado por el
Descubiertas (Dropouts): Áreas donde el color no ha sido diseño, la manufactura y los accesorios.
aplicado. Imperio: La falda cae desde justo debajo del busto. Corte
Despunte decorativo: Corte diagonal a través del hilo de la tela, adoptado de los antiguos romanos por los franceses, en
de manera que cualquier amplitud pueda caer grácilmente. tiempos napoleónicos.
Glosario
180
Influencia trapecio: Moda de 1962, entallada al frente y suelta Perspectiva: El arte de representar las relaciones espaciales tal
atrás, para que caiga desde los hombros. como aparecen ante la vista.
Línea balance: Línea vertical para planificar la figura en la Perspectiva cilíndrica: Representación de una forma cilíndrica,
página. para comunicar una impresión de espacio tridimensional.
Línea central: Línea vertical (balance) que define el centro de la Pinzas: Alforzas en forma de cuña que se hace a los vestidos,
figura de modas. para ajustados más al cuerpo.
Línea Princesa: Costura vertical que se origina ya sea en el Pliegues de acordeón circular: Tachones uniformes, en forma de
hombro o punto de clave de la sisa, a fin de acomodar el busto abanico, que se repiten hasta formar una falda relativamente
e indicar el talle, terminando en el ruedo. amplia.
Líneas de construcción del vestido: Costuras, busto, pinzas, Proporción: La relación del tamaño de las partes entre sí y con el
frunces, alforzas. tamaño del conjunto.
Lunares: Serie de puntos idénticos dispuestos sobre un enrejado Punto de luz (Highlight): Punto brillante que refleja la luz.
cuadrado diagonal. Rayadillo, Sirsaca (Seer sucker): Resistente tela veraniega, con
Manga de volante: Cortas, con vuelos y pliegues en los hombros. una textura lineal a base de frunces.
Manga quimono: Mangas amplias, largas y voluminosas, Recuadros: Diseño en forma de doble marco de ventanas en dos
generalmente cortadas en una sola pieza con el corpiño, pero colores
en ocasiones situadas en una línea de hombros descendente. Saco: Versión más corta del traje camisero, más ajustado al cuerpo.
(Véase hombro descendente). Satín: Una tela en tejido satinado con un frente brilloso y un
Manga obispo: Mangas largas y anchas, usualmente plegadas en dorso opaco.
el puño, y adoptadas de la túnica del obispo Silueta: Forma de modas.
Mangas dolman: Mangas en forma de ala de murciélago. Sisa: Hueco redondo donde la manga se une al cuerpo de la
Mangas enterizas: Usualmente cortadas a la altura del hombro, vestimenta.
como parte del corpiño que cubre solamente los hombros Smocking: Proceso por el cual la tela se cose en pequeños
Mangas insertadas: Cosidas a la sisa del corpiño, en las secciones tachones o alforzas protuberantes, formando un patrón
frontal y posterior de una vestimenta. tridimensional de colmena.
Mangas raglán: Se extienden desde el escote, con costuras sesgadas Sombreado: Sombras oscuras con mucho énfasis.
desde las axilas hasta el cuello, por delante y por detrás. Tachones angulares: Formados por dos bordes doblados, uno
Mano: La suavidad o firmeza en la tela o material de un vestido. mirando a la derecha y el otro, a la izquierda. Cada tachón
Cristal de ventana: Diseño basado en cuadros, pero con líneas angular tiene un tachón invertido al reverso (Véase Tachones
más finas y ampliamente espaciadas. invertidos).
Meta o puntos de referencia: Punto en un vestido o una figura Tachones construidos: Tachones añadidos, como detalle.
hacia el cual opta por dibujar el ilustrador. Tachones de cuchillo: Tachones relativamente amplios, doblán-
Minifalda: Falda a medio muslo, muy popular alrededor de 1967. dose sobre sí mismos, en una dirección.
Monta de la solapa: Forma de abertura del cuello. Tachones invertidos: Tachones convexos, de cara al interior del
Motivo: Elemento visual recurrente, que resulta dominante. vestido.
"New Look": Silueta creada por Dior, en 1947, a base de hombros Tachones sin planchar: Estructurados desde el talle hasta
caídos, cintura diminuta, caderas rellenas, falda larga completa. descansar en un ruedo suelto. Pliegues redondeados en vez de
Overol (Jumpsuit): El tope y los pantalones vienen en una sola afilados.
pieza. Diseñado a partir de la ropa protectora usada por Tafetán: Tela muy lustrosa y resistente que susurra al moverse.
mecánicos y pintores. El nombre de jumpsuit viene de la Tela bordada: Bordado aplicado mecánicamente, con perforaciones.
indumentaria que llevaban los paracaidistas durante la II Terciopelo: Tela estrechamente entretejida con un acabado de
Guerra Mundial. Pana Textura lineal del corduroy. pelusa por un lado. Brillante si se teje de seda o rayón.
Pana acanalada: Tela de lanilla, con una textura lineal conocida Textura: La apariencia y las características visuales o táctiles de la
como pana. superficie de una tela.
Pantalones entallados al ruedo: Pantalones que se van reduciendo Tope: Palabra que usualmente describe un pullover, un cierre
piramidalmente en tamaño hasta acabar en un ruedo trasero o la parte superior de una vestimenta tipo túnica.
estrechamente ajustado. Traje amarrado al frente: Chaqueta sin ningún otro cierre
Pantalones Capri: Pantalones muy ajustados a las piernas, que frontal, fuera del cinturón.
terminan justo encima del tobillo. Es común el detalle de una Traje Camisero: Blusa o vestido hecho a la medida, con un
pequeña hendidura en el ruedo. Conocidos también como corpiño tipo camisa.
pantalones de torero. Traje de chaqueta y pantalón (Pantsuit): Estilo de traje
Pantalones de gaucho: Simple falda dividida a mitad de pantorri- femenino que se hizo popular alrededor de 1972.
lla, usada originalmente por los vaqueros (gauchos) argentinos. Traje poco fruncido: Falda recta con amplitud, creada por
Pantalones de montar: Estrechamente ajustados a las piernas, pliegues desde la pretina.
desde justo encima de la rodilla hasta el tobillo. Traídos por Túnica Blusón hasta más o menos la altura de la rodilla,
los ingleses al Occidente, desde la India. inspirado en la antigua Roma.
Pata de gallo (Haundstooth): Pequeño diseño textil a base de Viñeta: Dibujo parcial
cuadritos partidos, derivado de la urdimbre diagonal del tejido. Volante: Extensión plegada o sesgada de una vestimenta,
Peplo: Volante que cae de la cintura a las caderas. adherida al ruedo.
Glosario
181
Dibujo plano, 62-63 Rollo, 75
Rombos, 145
Índice Edredón, 160, 163 Mahones, 92, 104

Mahones de diseñador, 104 Ropa de hombre, 95-97, 106-107
Edredón de gola, 162-163
Edredón de túnel, 160-161 Mangas, 74-75 Ropa de vaquero, 106
Edredón diagonal, 162-163 Mangas aladas, 73 Ropa deportiva de hombre, 96, 106-107
Encaje, 172-173 Mangas de kimono, 75 Rostros, 44-47
Mangas Dolman, 69 Masculinos, 45
Énfasis, 67
Mangas integradas, 74 Rostros y cabezas femeninos, 44
Enrejados, 144
Escala, dibujando a, 5 Mangas raglán, 75 Rostros y cabezas masculinos, 45
Abrigo cruzado, 103
Abrigo Chesterfield, 103 Escore de barco, 73 Mano, de vestimenta, 119
Abrigo de bamboleo, 103 Escote de joya, 72 Manos femeninas, 48 Satín, 128-129
Abrigo de polo, 103 Manos, formas de, 48-49 Secuencia de dibujo, 70-71
Escote de novia, 73
Abrigo impermeable, 102 Escote drapeado, 73 Manos masculinas, 49 Separados, 78
Abrigos, galería de mujeres, 102-103 Marcadores, color, 121, 135-137 Shirring, 164-165
Escotes, 72-73
Accesorios, 111 Esqueleto, 7 Marta, 176-177 Silueta, 56-59
Acentos, 66-67, 94 Maxi abrigo, 102 Sirsaca, 70-71
Estampado en color, 120-121
Acercamiento en color-y-acento, Estampado floreado, 122-123, 145, Metas o puntos de destino, 7 Smocking, 164-165
al patrón 131 Minifalda, 59, 102 Sombreado, 142-143
158-159
Acercamiento de libro-para-col orear, Estampado geométrico, 145, 158-159 Modelo Sombreros, 111
en el dibujo de telas, 123 Estampado triangular, 145 ilustración de modas como práctica, Sostén. 104
Acuarela, 121, 135 Etiqueta (tuxedo), 106 112-113
Aerosol adhesivo para montaje, 135 dibujando en vivo de un, 116-117 Tachón invertido, 86
Adolescentes, 42-43, 108-109 Falda fruncida, 79, 81 Motivo, 145 Tafetán, 132-133
Apariencia ceñida, 140 Movimiento, 29 Tartán, 124-125, 150-151
Falda Línea-A, 79-80
Apariencia de Annie Hall, 59 Falda sesgada, 79, 81 Movimiento a través del balance de peso, Telas, recreación, 119-175 (ver también
10-11,22-23 patrones específicos, por ejemplo:
Apariencia firme, 138 Falda tirolesa, 79, 80
Apariencia suave, 138 Faldas ajustadas, 56, 57 Movimiento femenino, 29 Cuadros y
Apariencia voluminosa, 139 Faldas de tachones angulares, 86-87 Movimiento masculino, 29 telas específicos, por cumplo: Chifon)
Atuendo de esquiar, 107 Faldas de volantes, $2, 83 diferencias en telas, 120-133
Atuendo de excursión, 107 Faldas divididas, 90-91 Niños fuente de luz y sombreado, 142-143
Atuendo de tenis, 107 Faldas en hilera, 82, 83 Adolescentes, 42-43, 108-109 calidad de linea, 138,141
Atuendo para correr, 106 Faldas pantalón (culottes), 90, 91 Infantes, 38, 110 planeando, dibujando a escala e
Faldas plisadas, 84-89 Niños grandes, 40-41, 108-109 indicando el patrón, 144-147
Balance a través del movimiento, 10-11, Faldas plisadas construidas, 86, 87 Niños pequeños, 38-39, 110 herramientas y materiales, 134-137
22-23 Faldas plisadas de acordeón, 84, 85 Proporciones de, 36-37 Textura, 161
Balance de peso, 12-13,32 Faldas plisadas de cuchillo, 64, 65 Nueva Apariencia (New Look), 58 Traje amarrado al frente, 78
Blazer, 76, 77, 98-99 Faldas plisadas sin planchar, 88, 89 Traje camisero, 70-71
Blazer cruzado, 99 Faldas sesgadas y fruncidas, 88, 89 Ojo del brazo, 72 Traje de chuchero, 107
Blusa, 105 "Faldones", 106 Ojete, 170-171 Traje con adorno de piel, 102
Blusa de hombreras, 105 Figura como formas familiares, la, 6 Paleta (de pintura) para reproducir telas, Traje con cuello de chai, 103
Blusas, 104-105 Figuras físicamente detalladas, 24-27, 37 134 Traje con talle descended te, 100
Blusas sin mangas, 73 Figura masculina, planificando la, 30-31 Pana, 169 Traje continental, 107
Bragas (Knickers), 105, 107 Filamentos, 166-167 Pantaloncillos (Hotpants), 105 Traje de camisón, 100
Brocado, 126-127 Formas, las vestimentas como simples, 68 Pantalones a la cadera (Hip huggers), 104 Traje de carpa, 100
Formato, 4 Pantalones de bombacho (Baggy pants), Traje de Chanel, 78, 102
Cabezas, 44-45 Fuente de luz, 66, 142-143 104 Traje de hombros naturales, 97
Cabello, 47 Pantalones de campana (Bell-bottoms), 104 Traje de noche, 103
Calcar, 20-21, 64 Galería Pantalones de gaucho, 90, 91 Traje de saco, 100
Calidad de linea, 138-141 de abrigos, 102-103 Pantalones de mujeres, 90-93, 104-105 Traje de pantalones sueltos fslacks), 104
Calzones para golf, 107 de adolescentes, 108-109 Pantalones de montar, 104 Traje de talle descendente 100
Camisa de pirata, 105 del arte de modas, 60-61 Pantalones de patio, 104 Traje de tres piezas, 97, 107
Camisa vaquera, 104 de infantes y niños pequeños, 1 10 Pantalones de piernas anchas, 104 Traje imperio, 100
Camisas y pantalones Capri, 104 de niños grandes, 108-109 Pantalones estirados con estribos, 105 Traje sastre, 102
Canesú, 74 de pantalones y topes femeninos Pantalones por debajo de las rodillas Traje túnica, 100
Colocación del dibujo en la página, 4 104-105 (Pedal-pushers), 104 Trajes
Contorno, 18-19 de ropa deportiva masculina, 106- Pantalones sueltos (Slacks) de mujer, 92 para hombres, 97, 106-107
Corduroy, 168-169 107 Pata de gallo, 154-155 para mujeres, 78, 102, (03
Corte sesgado, 75, 101 de trajes, 102-103 Patrón, 144-147 Trajes de chaqueta y pantalón
Costura superior, 77 de trajes de hombre, 106-107 Perspectiva, 18 (Pantsuits), 59
Croquis, 29, 52-53, 60-61, 95-97 de vestidos, 100-101 Perspectiva cilíndrica, 73 Trajes, galería de, 100-101
Cristal de ventana, 152-153 Gola, 145 Piel, 176-177 Trapecio, influencia de, 58
Cuadros, 145, 150-151 Gran abrigo, 103 Pies y zapatos, 50-51 Trapecio, vestido de, 101
Cuello de camisa de hombre, 74 Pies y zapatos femeninos, 50
Cuello de mandarín, 75 Hendidura, 77 Pies y zapatos masculinos, 51 Vaporosa, apariencia, 140
Cuello de tortuga, 75 Herramientas de dibujo, 2, 20-21, 64. Pijama de playa, 104 Vestido con ruedo de pañuelo, 101
Cuello deportivo, 74 65, 121, 134-137 Pinzas, 72, 101 Vestido de talle elevado, 100
Cuello encapuchado, 75 Hilera, 82 Postura, 28, 32-35 Vestido de talle natural, 100
Cuello Peter Pan, 74 Planificando la figura en la página, 8-9 Vestido sin tirantes con peplo, 101
Cuello plano, 72 Infantes, 38, 110 Pose dictada por la vestimenta, 69 Vestimentas
Cuello V fruncido, 75 Postura A horcajadas, 34 dibujando, 55-117 (ver también
Cuellos, 74-75 Lince, 176-177 Postura de empuje pélvico, 1 5, 26 Dibujando las vestimentas)
Cuerpo, tela con, 141 Línea a plomo, 8. Postura femenina, 28 postura dictada por, 69
Línea de hombro descendente, 75 Postura masculina, 28, 32-35 como simples formas, 6$
Chaqué (Traje mañanero), 106 Líneas de construcción de vestimenta, 24 Postura y organización de la tabla Viñeta, 69
Chaqueta bolero, 78 Línea mono-busto, 56, 57 de dibujo, 3 Vista de tres cuartos de la figura, 26, 33
Chaqueta Cardigan, 78 Línea princesa, 72 Proporción, 5 Vista lateral de la figura, 17, 27
Chaqueta de corte continental, 99 Listas, 145, 148-149, 156-157 Punta de espina, 154-155 Vista posterior de la figura, 1 5, 27, 35
Chaquetas, 78 {ver también Blazer) Listas diagonales, 145, 156-157 Puntos de luz (Highlights), 47 Volteando la figura, 14
Chifón, 130-131 Listas horizontales, 145, 144-149 Volumen, indicando, 18-19
Listas verticales, 145, 148-149 Recuadros, 152-153
Descubiertas, áreas (Dropouts), 47 Zapatos, 50-51
Lunares, 145, 156-157 Reducción frontal, 50, 77
Índice
182

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