PICASSO, DE LA REALIDAD A LOS SUEÑOS.

José Pedro Gil Román

4º Curso: El arte en el Siglo XX

Área de conocimiento: Humanidades

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INDICE

1-. Pablo Ruíz Picasso…………………………………………….. 3

2-. El Periodo Azul…………………………………………………8

3-. Obras del Periodo Azul…………………………………………9

4-. El Periodo Rosa……………………………………………..…10

5-. Obras del Periodo Rosa………………………………………..11

6-. El Primitivismo Ibérico y El Protocubismo…………………..12

7-. El Cubismo..…………………………………………………...15

8-. La Escultura…………………………………………………...16

9-. El reconocimiento del cubismo……………………………….16

10-. La Etapa Neo-Clásica………………………………………..17

11-. El expresionismo Cubista: El Guernika……………………..18

12-. Cubismo Sintético……………………………………………20

13- Cubismo Analítico……………………………………………20

14- Cubismo Surrealista………………………………….……….20

15- Cubismo Puntillista…………………………..……………….21

16-. Notas y Bibliografía……………………………………….…21

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1. PABLO RUIZ PICASSO. Málaga (1881-Mougins 1973).2

Sin lugar a dudas, Pablo Ruiz Picasso, (que así firmaba en principio sus obras, aunque
después cambió su firma por la de Pablo R. Picasso, para posteriormente adoptar solo el
apellido materno y dejarlo en Picasso), fue el creador de una nueva forma de expresión
artística denominada “Cubismo”. Es considerado uno de los grandes genios artísticos
del siglo XX, y por supuesto uno de los mejores pintores de la historia. Con la creación
de su nuevo estilo, no solo cambió los conceptos fundamentales del arte para siempre,
sino que además, ejerció una gran influencia sobre la pintura y la escultura universal en
grandes artistas de su tiempo y predijo un futuro totalmente distinto para los
movimientos artísticos y culturales.

Picasso, no es un hombre normal, es un genio y como todo lo genial, no puede

conformarse con las virtudes que tiene cualquier ser humano. Si Picasso hubiera
seguido las directrices que hasta ese momento marcaba el arte, habría sido, quizás
también, el mejor pintor de la historia, aunque su éxito tendría que haberlo compartido
con otros pintores geniales como Velázquez, Rembrandt o Leonardo da Vinci.

Ciencia y Caridad 1897 Óleo sobre tela. Museu Picasso – Barcelona.

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Pero Pablo Ruiz Picasso, va más allá. El artista es según un análisis grafológico de su
letra: “una persona emocionalmente inestable, con una actitud cambiante en cuanto a
la sociabilidad que le hace actuar en ciertos momentos con una amabilidad extrema y
en otros fácilmente irritable e incluso grosero. Sus rasgos más característicos, dice que
son, la gran riqueza imaginativa, la capacidad creadora, la originalidad y una gran
inquietud y nerviosismo ante la necesidad imperiosa de hacerse notar y acaparar la
atención de los demás que tiene la habilidad de penetrar en el pensamiento ajeno a
través de los sentimientos”. Creo que esta definición, resume perfectamente la
personalidad de un artista que no puede conformarse con ser incluso el mejor, de algo
que ya existe. Por eso Picasso, tiene que ser único, diferente a todo y a todos y necesita
que el reconocimiento de su obra sea universal, para conseguirlo, se interna en lo
existente y explora nuevas formas de expresar el arte, en espacios jamás visitados,
simplifica las líneas, las formas, cambia los puntos de visión de la realidad e inventa
otros, que simultanea en el mismo plano, elimina el color y la perspectiva y crea una
globalmente, una visión nueva del cuadro en la que el espacio desaparece y el
espectador puede ver lo descrito desde todos los ángulos, sin tener que cambiar de lugar.

Para conseguir esta locura, inconcebible en un ser humano normal, Picasso se trae todo
el dibujo a un primer y único plano, donde conjuga la visión frontal, multilateral y
trasera, con lo que convierte el cuadro en una especie de imagen holográfica, que sin
girar en torno al espectador, muestra todo lo visible al mismo tiempo, de una manera
simple y reveladora. Pero Picasso no puede pintar un cuadro sin saber lo que pinta, a
Picasso no le gusta el arte abstracto (a pesar de haber hecho algunas incursiones en el
estilo), no permanece en el mucho tiempo (quizás, porque ya estaba creado), y piensa
que el crítico de arte, podría preguntarse si la simplificación de las formas hasta hacerlas
irreconocibles y simples, no puede ser simplemente un enmascaramiento de una pintura
en la que no importa a que, quien o que se pinta, porque al no ser reconocible, ¿qué
importa lo que sea?. Por eso el artista, incluye cosas concretas pertenecientes al sujeto
que trabaja y que identifican sin lugar a dudas al personaje u objeto que aparece en sus
cuadros, esculturas, pinturas etc. El objetivo, es que al visualizar la obra de arte, el
observador pueda entenderlo, saber de qué o quién está hablando artista a través de las
características que identifican el objeto, personaje o paisaje que está pintando, grabando,
esculpiendo o representando en cada una de las múltiples facetas de su quehacer
artístico.

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Así la obra de Picasso adquiere unas características únicas que le dan a su estilo, un
sentido distinto que después imitan pintores o siguen, artistas tan importantes como:
Juan Gris o George Braque entre otros, que a su vez, aportan con sus obras, en las que
no falta la creatividad, un abanico de posibilidades que engrandecen y expanden el
Cubismo, pero lo hacen dentro de un estilo que ya tiene dueño, y ese no es otro que:
“PABLO RUIZ PICASSO.

La mayor parte de su vida transcurrió en París, en los barrios bohemios de Montmartre

y Montparnasse. Su infancia y adolescencia la pasa en España, pero a pesar del
importante lugar que ocupaba el modernismo en Barcelona, donde desarrolló una parte
importante de su primera etapa, sus primeros pasos artísticos los dio en la Escuela de
Artes y Oficios, de la que su padre era catedrático, y a los catorce años, ingresó en La
Escuela de Bellas Artes, el joven Picasso rueda por el territorio español de la mano de
los destinos de su padre y en 1887, después de presentar en la Exposición de Bellas
Artes de Madrid, el cuadro “Ciencia y Caridad” , ingresa en la Academia de San
Fernando, donde permanece poco tiempo, el aire de la pintura que se enseña en Madrid
es demasiado clásico para su gusto y el artista necesita la libertad y la aceptación, que
de las nuevas tendencias, tanto artísticas como humanas, se están desarrollando en la
ciudad de la luz. Picasso no duda en ubicar su estudio en París, aunque su época azul,
son frecuentes los viajes a Barcelona. Entre las dos ciudades, busca, investiga y
encuentra finalmente la gloria y vive la “humanidad”, un tanto desconocida que
caracterizó siempre su vida.

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Picasso fue muy trabajador y por tanto, un artista muy prolífico, sobre todo en pintura,
para quien lo más importante fue siempre su trabajo. Su creatividad la entiende como un
trabajo continuo en el que a veces, surgen nuevas ideas que pueden revolucionar el arte,
pero entiende que para que esa genialidad creativa llegue, al artista, debe cogerle
trabajando. El último censo de sus obras, le reconoce más de 1000, que se reparten entre
los más importantes museos del mundo y las más prestigiosas colecciones privadas.
Tocó todos los temas artísticos y realizó pinturas, grabados, dibujos, ilustraciones para
libros, escultura, cerámica, cartelería, diseño escenográfico, diseño de vestuario, etc. etc.

De este arte, algo desconocido de Picasso, detallamos en las figuras 1, 2, 3 y 4, las

creadas para distintas representaciones que van desde el ballet hasta el flamenco.

En la primera de ellas, puede apreciarse un boceto escenográfico para El sombrero de

tres picos, El telón en la segunda, y las otras dos corresponden: a un programa de mano
donde se puede apreciar el vestuario de un protagonista de “Pulcinella”, y el proyecto
para el decorado de la obra, “Cuadro Flamenco”, que realizó en 1921. La figura 5,
muestra un cuadro realizado sobre el arte del teatro y la danza, tal y como él lo
concebía.

Boceto de la escenografía para Le Tricorne, 1919. Telón para Le Tricorne, 1919.

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Diseño para Pulcinella, 1920. Proyecto para el decorado de Cuadro Flamenco, 1921

Empezó a pintar con 8 años y su primer óleo conocido, después de ver una corrida de
toros con su padre, fue “El pequeño picador”. De su estilo costumbrista en la primera
etapa, decían los críticos que era de “Un realismo vigoroso y casi feroz”, como puede
apreciarse en el lienzo: Ciencia y Caridad, 1987, que figura en la página 5 de este
trabajo. En 1885, realiza su primer lienzo al que titula “ La primera comunión”, y que
se conserva en el Museo Picasso, Barcelona)3

La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, y los desastres de la Guerra de

Cuba, crearon el caldo de cultivo y violencia social, que sin duda marcó a nivel
individual y moral más que político, la sensibilidad de Picasso. Este sentimiento se
refleja perfectamente en los dibujos “El prisionero y “Un mitin anarquista” que se
muestran a continuación.

7
“La primera comunión” 1885. “El prisionero” y “Un mitin anarquista”.4y5 Entre 1897
y 1901

2. EL PERIODO AZUL.

Entre 1901 y 1904, Picasso vive el llamado “Periodo azul”, Nombre que proviene del
color que domina la gama cromática de sus pinturas, que se inaugura con el cuadro: “El
entierro de Casagemas”6.

“El entierro de Casagemas”7. “El entierro del Conde Orgaz”

8
Se dice que la entrada en la época azul, sucedió al entrar el artista en una fuerte
depresión, como consecuencia de la muerte de su amigo Carlos Casagemas, que se
suicidó después de haber tratado de asesinar a su amante, Germaine, una bailarina del
Moulin Rouge, local que frecuentaba el círculo de artistas españoles. En esta etapa, el
artista manifiesta en sus cuadros la miseria humana, la soledad de unos personajes
extenuados, trabajadores, mendigos, alcohólicos y prostitutas, son representados con
cuerpos y formas ligeramente alargadas al estilo de El Greco. Picasso los aísla en un
entorno impreciso de melancolía y pobreza y usa casi exclusivamente el color azul
durante todo período, que fue superior a dos años, hecho que carecía de precedentes en
la historia del arte.

Durante este tiempo, Picasso sufrió las influencias de algunos de sus más admirados
pintores “El Greco, Van Gogh y Gauguín”, sobre todo.

La influencia de El Greco, se nota en múltiples detalles, entre ellos, la división del

espacio en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y alma del “El entierro de Casagemas”, que
recuerda El Entierro del Conde de Orgaz,8 donde también es evidente el alargamiento
de las figuras. Van Gogh, influye más en el aspecto psicológico, que se refleja en la
intensidad emotiva de esta época y Gauguín, en la simplificación de volúmenes y
contornos más definidos9.

Picasso, fue el pintor más conocido mundialmente durante su periodo azul, cuando dijo
que: “no es suficiente conocer las obras de un artista para entenderlas, también hay
que saber cuándo las hizo, por qué las hizo, cómo las hizo y en qué circunstancias”.

3. OBRAS DEL PERIODO AZUL.

“Habitación azul” “La Sopa”

9
 “ El Guitarrista Ciego” “Mujer acurrucada y niño”

4. EL PERIODO ROSA

Transcurre entre 1905 y 1907. El cambio tiene lugar cuando conoce al único amor
verdadero que encontró en su vida y establece su primera relación estable. Se trata de
Fernande Olivier.

Fernande es una mujer casada de quien se enamora perdidamente (parece que Picasso
era más sentimental de lo que aparentaba), y como sucede con muchos artistas, la
pintura se fue adaptando a su estado de ánimo. El tránsito del azul al rosa, no se produce
de forma radical. Gradualmente, Picasso va cambiando los elementos temáticos e
iconográficos, y aunque el argumento principal de su pintura sigue siendo el mismo
durante este periodo, introduce personajes circenses como los arlequines, que conoce en
el Circo Medrano, y que serán figuras clave en su pintura.

Durante este periodo, el pintor utiliza colores más humanos que reflejan la suavidad y
delicadeza, de unos sentimientos que llevan el lirismo a sus figuras. Se distingue sobre
todo por el uso de colores pastel y tonos cálidos, de donde poco a poco va
desapareciendo el azul. Las líneas son suaves y delicadas y pone más énfasis en el
dibujo que en el color. Sin embargo, Picasso continúa trabajando las figuras de
proporciones alargadas que recuerdan su admiración por El Greco.

10
En 1906, dejó temporalmente el retrato que estaba realizando de Gertrude Stein7, para
realizar los primeros bocetos de “Las señoritas de Avignon”, con el que el cubismo, se
va abriendo camino en su obra.

5. OBRAS DEL PERIODO ROSA

“Familia de Saltimbanquis”. 1905 “Acrobatas con mono” 1905.

“Maternidad” “Los dos Hermanos”

Picasso visita en estos años la exposición retrospectiva de Manet e Ingrés y en marzo

de 1906, descubre el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de
esculturas ibéricas, entre las que se encontraba “La dama de Elche”, en Osuna y en el
Cerro de los Santos.

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6. EL PRIMITIVISMO IBERICO Y EL PROTOCUBISMO.

El pintor, rompe con su estilo anterior y adopta ciertas características de ese

primitivismo, como la simplificación de rasgos y volúmenes precursores del cubismo.

“Auto retrato con paleta”

Al volver de Gósol, en agosto de 1906, retomó el Retrato de Gertrude Stein,8 trabaja de

memoria al no poder contar con la modelo y reduce su rostro a una especie de máscara
ibérica impasible y expresiva a la vez.9,10 Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein:
“Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al
final conseguirá parecerse a él.”11

12
 Retrato de Gertrude Stein

En invierno, Picasso pintó “Dos mujeres desnudas”, MoMA, Nueva York,12 en las que
llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso
autónomo de las luces y sombras que remiten a Las grandes bañistas de Cézanne de
quien tuvo gran influencia.

“Dos mujeres desnudas” Picasso. “Las grandes bañistas” Cézanne.

Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de
desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del “burdel”, que
culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.13

13
A mediados de mayo, pintó un autorretrato14, en el que el elemento que domina la
estructura del cuadro, es la línea, que marca las facciones y delinea el resto de las áreas
de la imagen.

Dibujo de la serie: “burdel” y “Autorretrato”. Narodni Gallery. Praga

En mayo de 1907, Picasso empieza a pintar el cuadro denominado “Las señoritas de

Aviñón”. En el resultado final, definitivamente desaparecen las figuras masculinas. El
marinero es eliminado y el estudiante situado a la izquierda, es reemplazado por una
mujer desnuda sosteniendo una cortina.15

Picasso descubre el arte africano en una visita al Museo del Trocadero, en París en
1907. Este descubrimiento, modificó definitivamente el estilo de Las señoritas de
Aviñón, y ejerció una gran influencia sobre su trabajo escultórico.16 Picasso modifica los
rostros de algunas de las señoritas y los acerca más al estilo cubista. Los rostros se
asemejan a máscaras africanas, aunque los dos centrales, son más afines al estilo de
los frescos medievales y primitivas esculturas ibéricas, sin embrago, el rostro de la
izquierda, presenta características que recuerda las pinturas egipcias.

Con Las señoritas de Aviñón, (MoMA, Nueva York), se establece definitivamente la

llegada del cubismo a la pintura. Se eliminan las referencias a la tradición y se rompe
con el realismo, abandonando las normas renacentistas que promulgaba indispensables
en cualquier pintura la perspectiva y la profundidad espacial.

14
La obra es en síntesis un conjunto de líneas angulares en un solo plano, sin fondo ni
delimitación espacial marcadas por líneas claro, oscuras de tonos ocres y rojizos
agresivos.

Las influencias principales del cuadro, proceden de El Greco, Figuras alargadas y su

visión del apocalipsis y de Cézanne, en cuanto a los volúmenes y el peso de los
mismos.17

Las señoritas de Aviñón (MoMA,Nueva York)18

7. EL CUBISMO.

Partiendo de Las señoritas de Aviñón, Braque y Picasso acabaron formulando la

definición del cubismo 1908, como un punto de inflexión radical en la historia del arte.

El nuevo estilo, inspira al resto de las vanguardias artísticas y abandona el ilusionismo

pictórico al rechazar la descripción naturalista en beneficio de composiciones de
formas más abstraídas de la percepción convencional y juegan con la tridimensionalidad
y la estructura de las superficies.19 Esta técnica iniciada por Picasso, tuvo muchos
seguidores, entre los más destacados, Braque, Juan Gris, Francis
Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

15
8. LA ESCULTURA.

En 1912, Picasso vuelve a innovar en arte, con la presentación de la primera escultura

que se libera de conceptos clásicos como el volumen, y que utiliza materiales como el
cartón, el alambre o la cuerda20 en su modelado, sustituye los procesos de modelado por
todo tipo de técnicas constructivas e implanta una revolución artística en la escultura.

paralelamente a la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es “Naturaleza

muerta con silla trenzada” (Museo Picasso, París),21 creado en la primavera de
1912,22 Picasso reduce las formas a planos que pueden articularse libremente. Los
conceptos de ensamblaje y construcción, hacen posible la introducción de nuevas
técnicas y materiales; la descomposición del volumen, aporta nuevas perspectivas y la
valoración del vacío y de la luz, como elementos escultóricos, adquieren una
importancia equivalente a la de la masa.23

9. EL RECONOCIMIENTO DEL CUBISMO.

El reconocimiento del “Cubismo”, llega en el año 1911, cuando se celebra en París, el

Salón de Otoño de 1911, donde se presenta una sala cubista en la que están ausentes
tanto Picasso como Braque. El hecho, tuvo una gran repercusión en la prensa
neoyorquina y en la de Ámsterdam, puesto que era más que sabido, que Picasso, era el
creador del nuevo estilo y Braque, su primer discípulo. Con ese motivo, se publicaron
varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque que recorrieron todo el mundo.

16
10. LA ETAPA NECLÁSICA. 1919-1924.

Aunque por la extensión de este trabajo, no se puede abarcar ni siquiera una mínima
parte de la obra de Picasso, no me resisto a comentar someramente su periodo
Neoclásico.

Otra vez la vida, vuelve a influir decisivamente en la obra de Picasso. En 1917 conoce a
la bailarina rusa Olga Khokhlova, se casa con ella y tiene su primer hijo. El estudio de
sus interpretaciones, que el artista pudo haber visto durante los ensayos o las
representaciones en escena, junto al análisis de las obras que éste dedicó al tema de la
danza, permite evaluar el impacto de Olga como fuente de inspiración.

Favorecido por el contexto italiano, el diálogo con la Antigüedad y el clasicismo abrió

una nueva etapa en la obra de Picasso, que vuelve al desnudo monumental, al dibujo de
línea precisa, como los retratos de Ingres y al equilibrio. En esta etapa, las protagonistas
fueron principalmente la danza y la música, artes que descubrió gracias a su
colaboración con los Ballets Rusos y su relación amorosa con Olga.

“Retratos de la bailarina Olga Khokhlova” “Retrato de su hijo Paul”

17
11. EXPRESIONISMO CUBISTA: EL GUERNIKA.

El período expresionista refleja la angustia y el dolor que rodeaban a la época, repleta

de muerte y sufrimiento.

“El Guernika”. 1937. Museo Reina Sofía. Madrid, España.

Realizada en 1937, por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau, a
petición del Gobierno de la República Española, para ser expuesto en el Pabellón
Español, durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El fin no era otro que
atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil.

En 1940, Picasso dejó que el cuadro fuera exhibido en el Museo de arte moderno de
Nueva York porque en España se había instaurado la dictadura militar del General
Franco, expresando su voluntad de que el cuadro fuera devuelto cuando en España se
restableciera la democracia, cosa que sucedió por fin en 1981, instalándose en el Museo
Reina Sofía.

El cuadro se ha convertido en un verdadero icono del siglo XX, al ser considerado un

símbolo de los sufrimientos y penalidades que causan las guerras en el ser humano.

18
Picasso dijo de esta pintura, que: “no está hecha para decorar habitaciones. Es un
instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo”.

No hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil

Española.24 No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico.25 Está pintado
utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

El 8 de enero de 1937, Picasso completó su apoyo a la República Española, con la

primera lámina de su serie de aguafuertes Sueño y mentira de Franco, de la que se hizo
una edición limitada de 1.000 ejemplares destinados a ser vendidos en la exposición: los
beneficios obtenidos se destinarían íntegros a la causa republicana.26

Madre con niño muerto, Picasso 1937.

A Picasso solo se le pagaron las pinturas, telas, bastidores, marcos y el transporte. El

trabajo fue un regalo, un donativo del artista para colaborar con la República.

Aunque estuvo afiliado al Partido Comunista, no se sabe hasta qué punto fue
practicante. La verdad es que, según Andrés Luque, no existen datos de asistencia a
reuniones o mítines organizados por el partido, pero de lo que no existen dudas, es de
que fue un hombre amante de la Paz, la Libertad y la República, quizás por eso, Pablo
Ruíz Picasso no volvió a pisar suelo español, a pesar de las reiteradas invitaciones de las
más altas autoridades del franquismo, que intentaron utilizarlo como propaganda de la
dictadura.

19
Pero Picasso fue mucho más. Tocó todas las facetas del arte y las vistió con su
particular estilo dotándolas de un aire original y único, imprimiéndoles un carácter
reconocido en todo el mundo artístico y cultural, como uno de los más grandes genios
que ha tenido a bien concedernos la naturaleza.

En la obra cubista, hay que distinguir entre el: Cubismo poético, Hermético, frío o

12. CUBISMO SINTÉTICO.

13. CUBISMO ANALITICO.

14. CUBISMO SURREALISTA.

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15. CUBISMO PUNTILLISTA.

Notas y referencias bibliográficas.

2-. «Biografía, 1881» (en inglés). Online Picasso Project. «En su certificado de
nacimiento su nombre oficial es Pablo Diego José Francisco de Paula Juan
Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad, mientras que
en el certificado de bautismo es llamado Pablo Diego José Francisco de Paula Juan
Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad.».

3-. «La primera comunión, 1895» (en inglés). Online Picasso Project.

4-. Fermigier, 1969, pp. 17-21

5-. «Obra, 1901» (en inglés). Online Picasso Project.

6-. Fermigier, 1969, pp. 28-31.

7-. “El entierro de Casagemas”. (1901) en el sitio de Museo Picasso

8-. Fermigier, 1969:32

9-. Fermigier, 1969:28-31

7-. «Portrait de Gertrude Stein, 1906 » (en inglés).Online Picasso Project.

8-. Fermigier, 1969, p. 75.

9-. «Obra, 1906 » (en inglés). Online Picasso Project.

10-. «Portrait de Gertrude Stein, 1906 » (en inglés).Online Picasso Project.

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11-. «Biografía, 1906 »(en inglés). Online Picasso Project.

12-. «Deux femmes nues, 1906» (en inglés). Online Picasso Project.

13-. «Biografía, 1906». (En inglés). Online Picasso Project.

14-. «Autoportrait, 1907» (en inglés). Online Picasso Project.

15-. «Biografía, 1907» (en inglés). Online Picasso Project.

16-. Artículo sobre exposición Picasso. «Pequeña Figura. La Colección en contexto.» 4

junio- 16 de septiembre de 2007, Museo Picasso Málaga.

17-. Fermigier, 1969, p. 69

18-. «Les Demoiselles d'Avignon, 1907» (en inglés). Online Picasso Project.

19-. «Comentario biográfico, 1908» (en inglés). Online Picasso Project.

20-. «Biografía, 1912» (en inglés). Online Picasso Project.

21-. «Esculturas, 1912» (en inglés). Online Picasso Project.

22-. Martínez Muñoz, Amalia(2001). Arte y arquitectura del siglo XX: vanguardia y
utopía social. Editorial Montesinos. p. 129.

23-. «Nature morte à la chaise cannée (1912)» (en inglés). Online Picasso Project.

24 De la Puente, p. 165.

25 «De manera que su obra no podría ser la simple narración de los hechos. Tenía que
expresarse del modo con que sólo las reconfiguraciones simbólicas lo pueden
hacer.» De la Puente, p. 166.

26-. De la Puente, p. 91.

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