Nombre del estudiante: Daniel Vargas Arcila

Asignatura: fotografía experimental

Profesor de la asignatura: Natalia Cajiao

Carrera: Artes visuales

Semestre: sexto

Fecha: 5 de febrero del 2018

Actividad No. 1: resumen documental los genios de la fotografía

Capítulo 1: juego de sombras

Desde antes de la invención de la fotografía en 1839 por dos científicos Henry Fox Talbot y Louis
Daguerre, el ser humano tenía la lucha romántica de poder capturar un momento como explican en el
documental, en la antigua Grecia una joven trató de trazar la silueta de su amado antes de que se fuera
a la guerra, lo cual se convirtió en una escultura, pero ella sólo quería una fotografía para recordarlo,
teniendo esto en cuenta hubo diferentes experimentos, y ya se conocía que las sales se plata, cloruro de
plata y el nitrato de plata eran fotosensibles, pero no se podía parar el proceso de revelado como lo
explica el documento de la royal society en 1802.

Henry Fox Talbot era un científico que, por su inhabilidad técnica en el dibujo, desarrolla lo que se
conoce como la técnica de fotografía en papel y lo que se conoce como el negativo en la fotografía,
donde en 1834 con sus máquinas que el bautizo trampas para ratones pudo fijar imágenes en diferentes
papeles emulsionados con sales de plata.

En su contra parte el artista Louis Daguerre en 1839 muestra lo que sería el daguerrotipo, una lámina de
metal lijada para que parezca un espejo, este metal era emulsionado y donde se sacaba la fotografía
directamente, los puntos a favor era el gran detalle y profundidad de campo que está obtenía, pero no
se podían obtener más copias del mismo.

Cuando llegó la revolución industrial, el ferrocarril aceleraba el tiempo en que se vivía y la fotografía lo
congelaba, un apasionado por la fotografía conocido por su seudónimo Eadweard MuyBridge, vivía en
san Francisco y fue contactado por Standford para poder captar el movimiento de un caballo en
movimiento, puso doce cámaras en hilera y fotografió el movimiento del caballo.

La fotografía durante esta época fue criticada por no ser algo artístico, y donde la fotografía era gran
parte del comercio, a pesar de este odio por lo comercial el pintor Edgar Degas usaba la fotografía como
herramienta para captar desde una visión estereoscópica a las personas y sus movimientos naturales.
Teniendo en cuenta el mercado y todo lo que generaba la fotografía, George Eastman creó su marca
Kodak, donde el modelo brownie camera Kodak, hacia todo lo que se necesitaba para tomar una
fotografía, su eslogan “you press the button, we do the rest” (tú oprimes el botón, nosotros hacemos el
resto), hizo la fotografía más accesible a todo el mundo, todo el que tuviera un dólar podría comprarse
una cámara y sacar fotografías, esta fue reconocida por su marcó circular en la que salían las fotos.
Capítulo 2: arte definitivo

La primera guerra mundial, convirtió al ser humano y la fotografía, un proceso mecánico que captura sin
intervención del ojo humano y también se convirtió un medio de propaganda, y a pesar de ser usado en
propaganda fue usada para documentar la Guerra y sus horrores, los años ’20 se debatió sobre la
fotografía, donde en 1925 las fotografías de Karl Blossfeldt de diferentes tipos de plantas fueron muy
reconocidas y vendidas.

Bernd y Hilla Becher dedicaban su tiempo a sacar fotografías del paisaje industrial, mostrando que son
distintos estos paisajes, pero tienen similitudes, esperando el momento para tomar la fotografía que
haya claridad, pero no sol, creando tipologías de esta industria. Otro tipo de tipologías fue la de August
Sanders con sus retratos de personas, coleccionista de personas, ocupando el mismo espacio entre cada
retrato, donde existían 7 categorías con sus subcategorías, representados a sí mismos los retratados
como querían verse.

Alexander Rodchenko en su contraparte uso la fotografía, era la herramienta del nuevo mundo, al
servicio del pueblo, de la unión soviética, con la ayuda de la tecnología de la cámara Leica, separada del
soporte y con nuevas formas de experimentación, entre ellas el fotomontaje que el significado jugaba de
acuerdo a lo que el fotógrafo deseaba.

Eugene Atget creaba documentos para artistas para poder usarse en los diferentes carteles y otros
medios, pero también tomaba fotografía de paisajes urbanos que encontraba, usando métodos de
fotografía antiguos para la época, se aleja de la fotografía documental, en sus últimos años de vida se
dedicó a explorar diferentes atmosferas y como captura la luz con sus detalles.

Otro fotógrafo se adentraba a lo surreal, los sueños, los deseos y el inconsciente, Man Ray el no usaba
necesariamente la cámara a finales de los años ’20, la solarización de las fotografías y el uso de las
emulsiones para crear siluetas muy fuertes.

Walker Evans aprendió de Atget de los objetos como estos comunican, donde paso a los retratos, a
cargo del gobierno para hacer propaganda, presentando una presencia humana, tratando de ser directo
de la fotografía documental, pero quería mostrar todo lo contrario con el manejo de la puesta en
escena, moldeando la realidad a su visión. Además, Bill Brandt presentaba una realidad pidiéndole a las
personas que posaran para él, presentando una realidad a través de la puesta en escena y la teatralidad.

Capítulo 3: en el lugar correcto a la hora adecuada.

En 1933 Henry Cartier Breson en una estación de parís caza el lugar correcto a la hora adecuada,
mostrando en su fotografía una teatralidad, creador del periodismo gráfico, a través del contenido y la
composición.

Casi al mismo tiempo, Robert Kappa fotógrafo del periodismo gráfico o la fotografía documental de
guerra, como la fotografía del soldado recibiendo un disparo durante la guerra civil, era tan famoso que
podía entrar y salir cuando quisiera.
A diferencia de Tony Vaccaro que era soldado fotógrafo, a pesar de las adversidades de la cámara speed
graphic y su manejo, él no fue tan reconocido ya que era soldado, después de la guerra se quedó
haciendo fotografías de lo que dejo y su reconstrucción.

La función de la fotografía se volvió en pruebas de la guerra, de todos los desastres y la fragilidad

humana, entre estas del holocausto, en uno de estos lugares Henry Kross un fotógrafo Polaco Judío,
hasta la desaparición del gueto en 1944, era el fotógrafo oficial, pero también hizo fotografías que lo
ponían en peligro mostrando la realidad del gueto.

En Japón, era más difícil transmitir los horrores de la guerra, todo se quemó por eso era difícil, también
eran pocas las imágenes por los que eran eliminadas por los soldados estadounidenses. Sin embargo, en
1954 fue la exposición más famosa de la fotografía, en muchos países, para mostrar que en el fondo
todos somos iguales era su mensaje humanístico, que cierra con la fotografía de Eugene Smith, donde 2
niños salen.

Shomei Tomatsu viajo a Nagasaki, y tomo muchas fotografías después de la bomba atómica,
exactamente 16 años después, a las victimas les daba vergüenza y el retrato a sus víctimas, también los
efectos físicos, objetos sencillos que habían sido afectados por esto.

Capítulo 4: películas de papel

Fotografía documental tratar de retratar el mundo de los años ’50, ‘60’ y ’70, donde se ve el paisaje
alterado por el hombre, un trabajo físico del fotógrafo por ir a los diferentes lugares, Robert Frank que
retrataba los estados unidos de los ’50, documentando la cultura, empezó su viaje en Nueva York,
expandiéndose por todo el país.

William Klein con su energía anárquica, 1954 regreso a Nueva York, su fotografía urbana gracias a la
tecnología, le interesan mucho las casualidades, sacar las imágenes de su contexto, fotos de la multitud
y de Nueva York presentándola como la ve.

Garry Winogrand fotógrafo también de la ciudad de nueva York, se dedicó a generar controversia y
tomaba fotos en el zoológico entre sus más controvertidas fotos una pareja interracial tiene un
chimpancé en los brazos, en 1967.

En cambio, Tony Ray-jones quería tomar fotos en las playas quiso captar todas las personas en ella,
mostrar la excentricidad y esencia de las personas. Después de los ’70 aparecieron las fotografías a
color, pero en blanco y negro era la fotografía seria, pero aun así se tomaban fotos a color, en mayor
formato que el 35 mm en 8x10 pulgadas, tomando cámaras del siglo 19.

Will Eggelstone causó furor por sus fotografías a color tomadas en su ciudad natal, cuando en 1976
expuso sus fotografías en el museo de arte moderno de Nueva York, estando en guerra contra lo
evidente, usando el color para tergiversar el contexto, pero ni siquiera él sabe que quiere con sus
fotografías.
Capítulo 5: testigos de vidas

La fotografía se acercó al lado de la vida de las personas, las vidas privadas de las personas, Diane Arbus
solo sentía curiosidad y no intimidaba con su fotografía, pero al parecer no logro su objetivo y termino
en el suicidio dejando un gran legado fotográfico tratando de desnudar el alma de los fotografiados.

Larry Clark se dedicó a tratar su vida, una clase de fotografía de barrio, las drogas, el sexo y el alcohol,
una especie de diario, que él le prestaba mucha atención, 1977 publico el libro llamado tulsa con sus
fotografías, Nan Goldin siguió con esas fotografías intimas de Clark, pero llevadas al extremo, mostradas
como lo normales que pueden ser los transexuales y travestis, pero solo puede hacer fotografías de
verdad a las personas que conoce de cerca. Su primera proyección que fue en 1979, donde trata a las
personas con su falta de afinidad.

1971 el fotógrafo japonés Nobuyoshi Haraki, entre el retrato y la fotografía sobre sexo, mostrando
imágenes intimas de su vida diaria, se volvió famoso en ese año por la serie de fotografías que saco en la
luna de miel con su esposa, llamada Yoko, esta serie se nombró “Sentimental Journey” (viaje
sentimental), y en el ’90 cuando murió saco fotografías hasta de su muerte.

Richard Billimham se dedicó a retratar a su padre alcohólico, para mostrar una familiar algo disfuncional,
llena de momentos reales, y no de sonrisas falsas, cuando ya pudo acceder al color tenía la oportunidad
de afectar el revelado y experimentar más.

Cindy Sherman convirtió en un arte la fotografía, adoptándose a sí misma como modelo y negando su
propia identidad, eran retratos de los roles de la sociedad o estereotipos marcados por esta sociedad,
un juego con la puesta en escena, el vestuario y todo lo que ocurre en su fotografía.

Capítulo 6: juicios instantáneos

Gregory Crewson