Cuadernillo “DIBUJO”

Curso de nivelación para el Ingreso

“Tecnicatura Superior en Fotografía Creativa
y Diseño Fotográfico”

Año 2016
1
El dibujo
Teniendo en cuanta una de las tantas definiciones de fotografía:
Dibujar con Luz; muchas veces necesitamos del dibujo para poder definir o realizar una escena
fotográfica o una serie de tomas para una publicidad etc.

Objeto de la percepción visual:

Es todo lo que forma parte, físicamente, del mundo de formas insertadas en el espacio y enmarcadas
por la luz que logramos reconocer. Todo: hombres, plantas, animales, objetos, utensilios, etc.
Pero, nuestra forma de percibir el mundo es muy compleja. Constituye un conjunto de factores que
no precisamente consideramos de modo total y consciente. Además, aquí haremos especial hincapié
en el sentido de la vista, marginando el resto de los “censores” de los que disponemos para
vincularnos con el mundo.
Y nuestro recorte será aún mayor: Nos limitaremos a pensar porqué, en medio de la jungla de
estímulos visuales que cotidianamente percibimos, seleccionamos algunos de ellos nombrándolos
como imágenes, y más precisamente como dibujos o fotografías.

Dibujar:
El dibujo es históricamente uno de los primeros gestos gráficos realizados por los seres
humanos en la conquista y dominio de las artes plásticas. Quienes vivieron en la prehistoria
dibujaron, tallaron y a veces hasta le pusieron color a sus primeros dibujos, que representaban
aspectos de la vida cotidiana.
También vale pensar que todos dimos nuestros primeros pasos en el camino de las
representaciones plásticas dibujando. Evoquemos los garabatos que realizamos desde muy
pequeños, hasta que pudimos expresar lo que deseábamos a través de dibujos.
Un dibujo puede definirse como un conjunto de trazos realizados sobre una superficie con la
intención de crear una imagen. Las formas de la imagen pueden construirse por medio de líneas y/o
contrastes de tono1 y/o texturas visuales.
En general, el concepto de dibujo está asociado a la imagen que resulta del trazado de líneas,
realizadas con diferentes herramientas. Desde esta concepción, sostenida por algunos teóricos, el
dibujo es aquello que de alguna manera reduce las formas a su carácter más esencial. Estas pueden
representar objetos, ideas o expresar estados emocionales.

Pero no solamente son dibujos los que resultan del trazado con líneas y en los que lo
primordial es el contorno de lo representado. También lo son aquellos que, mediante la repetición,
superposición y entramados de la línea, construyen las figuras.

Asimismo por medio de la línea se puede sugerir la tridimensionalidad es decir, dar la

sensación de que lo dibujado tiene alto, ancho y profundidad.

Para la confección de dibujos esencialmente lineales las herramientas utilizadas son aquellas
que sirven para graficar (los lápices, plumas y tintas, marcadores, entre otros).

Los dibujos también pueden ser no lineales, con planos que sugieren el volumen por medio
de manchas y esfumados. Los claros y oscuros están trabajados por degradé de tonos, y dan
también la sensación de volumen en el plano.
Actualmente, cuando se habla de dibujo se piensa en una gran variedad de posibilidades para
su realización, incluyendo las herramientas brindadas por los programas de computación. Sin
embargo, uno de los aspectos del dibujo que cabe destacar es su espontaneidad, la posibilidad de
que sea realizado sin preparaciones previas, que históricamente se relaciona con las resoluciones
analógicas (no digitales).

2
Acerca de por qué la especie humana sigue dibujando
¿Cuántas ocasiones hemos dibujado casi mecánicamente sobre el costado de una hoja de
carpeta de clase, o desarrollado simples o intrincados grafismos mientras conversábamos por
teléfono? A veces en estas situaciones, a través de unos simples trazos dibujamos lo que vemos o lo
que estamos sintiendo. Muchos de los dibujos que se realizan sobre el costado de una carpeta o
agenda son realizados por movimientos casi automáticos.

El dibujo ofrece la posibilidad de registrar rápidamente una imagen. A diferencia de otras

técnicas plásticas, el dibujar no necesita de mucha preparación previa al momento de disponerse a
hacerlo. Un lápiz y un papel es lo que seguramente tendremos casi siempre a mano.

Pero no siempre los dibujos son tan espontáneos ni tan sencillos en su realización. Hay
también algunos procedimientos propios del dibujo cuya realización es más compleja y necesita de
una planificación previa.

Como veremos más adelante, hay algunos procedimientos dentro de la técnica del dibujo que
requieren preparativos, conocimientos y manejos técnicos específicos.

A veces el dibujo es en sí mismo la obra final, con jerarquía de trabajo plástico. Otras veces,
el dibujo es el primer paso en la ejecución de una obra que termina siendo realizada con otra técnica;
como la fotografía, en ese caso, se denomina boceto.
La necesidad de dibujar puede surgir por diferentes motivaciones:
por placer personal;
para registrar algo que se está viendo, alguna información que se quiere retener;
para planificar alguna acción, un movimiento;
como boceto para realizar una pintura, una escultura o un diseño;
para proyectar una obra arquitectónica;
como elemento decorativo.

Ciertas veces se combinan más de uno de estos aspectos en el momento de dibujar.

En algunos dibujos se observa la intención del autor de describir – y de algún modo estudiar,
analizar - objetos, personas o paisajes: en ese caso, decimos que se trata de dibujos descriptivos.
Otros en cambio, se proponen captar ambientes o estados de ánimo sin dejar de lado de modo
consciente los sentimientos, entonces los llamamos dibujos expresivos.
En muchas ocasiones los dibujos son a un tiempo descriptivos y expresivos. Ambas intenciones
pueden estar al servicio de registrar, en forma rápida, una información. Dicha información puede
provenir del mundo exterior (algo observado o experimentado) o ser un hecho, objeto o sensación
imaginados por el dibujante.
De hecho, rara vez una expresión humana pueda definirse exclusivamente desde alguno de
los anteriores parámetros.

La composición
Hablamos de “composición” al referirnos a la relación de posición y dimensiones en que las
diversas formas se encuentran entre sí.
Por ejemplo: cuando tomamos una cafetera, un tazón, una botella, un vaso y una manzana,
les disponemos de un cierto modo sobre la mesa, aislando así un conjunto, tenemos entonces una
composición.

3
 Tres planteos posibles de modelos
para “naturalezas muertas”,
acompañados de los dibujos lineales
de sus planteos, que pueden leerse
como composiciones simples. Uno de
los ejercicios frecuentes para iniciarse
en las destrezas del dibujo de
observación.

Cada elemento de dicho conjunto tiene y conserva, en base a su forma específica, una
tensión propia o juego de varias tensiones, esta dinámica de fuerzas invisibles es un dato
caracterizante.
Otro dato es el color, que en el caso del estudio puntual del dibujo no cuenta; otro es el valor,
que consiste en el conjunto de tonos del gris, es decir matices de intensidad desde el blanco al
negro, que se considera al analizar la influencia de la luz (puede ser directa o difusa, fuerte o débil,
pero que siempre tiene una precisa dirección). Finalmente, tenemos el espacio, que no es otra cosa
que la porción de ambiente en que hacemos vivir, digámoslo así, nuestra composición.
Para ilustrar mejor el concepto de composición, abordaremos diversos tipos de lectura de una
misma imagen, prestando atención discriminada a los principales elementos constitutivos del
lenguaje visual. Esto nos permitirá analizar (y luego incluso construir) imágenes contando con un
orden de categorías, a fin de ganar precisión y coherencia.
Es posible que en cualquier icono podamos reconocer los elementos del lenguaje visual, pero
lo cierto es que en cada caso el orden de lectura se dará de un modo particular priorizando alguno de
los siguientes ordenamientos:

1) composición – forma
2) composición – luz
3) composición – color
4) composición – volumen

Cabe recordar que estos elementos que hacen a la composición dentro del dibujo también son pate
de la imagen fotográfica.

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Composición y espacio
El haber separado los cuatro elementos que contribuyen a darnos una composición, nos
permite ahora volver con más conocimiento de causa al concepto de espacio.
Nos referimos por cierto al espacio geométrico y entendemos decir que el elemento espacio
es aquel que comprende a todos los demás, ya que, como se recordará, lo hemos definido “campo
de fuerzas interdependientes”. Tales fuerzas, generadas por la creatividad del artista o del diseñador
o del fotógrafo pueden hacer que el espacio compositivo se transfigure idealmente en el espacio real.

Este cuadro llamado Los

valores personales, pintado
por el artista surrealista René
Magritte, demuestra cómo se
puede generar un espacio
ilusorio en el plano…e incluso
generar extrañamiento dentro
de éste.

Un segundo asunto es considerar las convenciones culturales puestas en juego para

representar la tridimensionalidad en el plano, o sea, sugerir profundidad en un soporte de
naturaleza bidimensional, poseedor de altura y anchura.
Seguramente ustedes ya habrán experimentado y realizado diferentes tipos de dibujos, y
reconocerán las diferencias sustanciales que se alcanzan en el resultado de un dibujo, si uno
comienza mirando los límites de la forma a dibujar o si se tiene en cuenta los claros y oscuros, las
sombras y las texturas.
La forma de mirar el objeto que se quiere dibujar y los aspectos a los que se presta atención
influirán en el estilo de dibujo que se obtenga. Por ejemplo, para dibujar los contornos de una forma
hay que estar atento a sus bordes o perfiles.

A la derecha,
Mucha realizó esta
publicidad de cigarrillos
con un dibujo donde la
línea orgánica y
modulada señorea,
gracias a los planos que
la acompañan y ofrecen
su protagonismo

A la izquierda, el dibujante
argentino Di Vito optó por un
estilo en el que las líneas
contorneas claras y
evidentísimas siluetas,
rematadas por zonas planas casi
siempre negras o sutilmente
grisadas

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 Otros dibujos se realizan a partir de mirar especialmente los claros y oscuros, el juego de
luces y sombras, el interior y el exterior de las formas a representar. En estos casos se logra la
representación del espacio tridimensional, en el plano de la hoja sugiriendo profundidad por medio de
esfumados, aguadas, pinceladas, etcétera.
También es posible dibujar con líneas dando la sensación de volumen y claroscuros.
Generalmente esto se resuelve realizando un entramado de líneas, que visualmente da la sensación
de planos y volúmenes, a través de superficies claras y oscuras.
Estas tramas y texturas dan la sensación de la tridimensionalidad.
Otra manera de representar la tercera dimensión en el dibujo es a través del sombreado. En
este caso, la observación de la luz siempre es fundamental. Los diferentes grises que componen las
sombras pueden conseguirse con el lápiz, marcador, pluma o carbonilla, realizando líneas
entrecruzadas que resultan, al ser miradas desde cierta distancia, de tonos diferentes de grises.

Escher logra generar una exótica

especialidad, a través de un
excelente dibujo que domina el
contraste de valor lumínico y la
confección de tramas.

Otros de los aspectos a tener en cuenta al seleccionar qué y cómo se va a dibujar, es la relación que
tendrá la figura con el fondo, lo que indefectiblemente influirá sobre la imagen resultante. En los
dibujos en los que las luces y las sombras son relevantes, se observa que las figuras muchas veces
se funden con el fondo.
Además de ocuparse de los contornos de las
figuras, de las luces y sombras, el dibujo también puede
tener en cuenta las calidades de las distintas superficies.
A través del dibujo se puede representar la apariencia de
esas áreas. A esto se lo llama textura visual. Las
texturas enriquecen los dibujos y también pueden
insinuar volúmenes.

El francés Gustave Doré ilustra un

pasaje de la Divina Comedia
mediante un grabado en metal. Esta
técnica le permite expresar las
formas a través de luces y sombras
generadas mediante pequeñas
incisiones con su herramienta sobre
la chapa. La trama visual resultante
es de una maestría asombrosa.

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El código visual de la perspectiva
Llamamos perspectiva a uno de los modos de generar el efecto de profundidad de un dibujo.
La perspectiva que actualmente conocemos comenzó a ser utilizada por los artistas en el siglo XV, a
partir de ciertos descubrimientos matemáticos que posibilitaron su aparición. Anteriormente, los
creadores lograban dar esta sensación de diferentes maneras. Una de ellas era achicando las figuras
que se encontraban más lejos. Los griegos también recurrieron a esta forma de resolución.
El trabajo con perspectiva requiere de determinados conocimientos y de una aguda capacidad
de observación. Si se dibuja una ventana rectangular vista de frente, no hay mayor inconveniente. El
problema surge al tener que representarla un poco abierta. Por un lado se sabe que esa ventana es y
sigue siendo rectangular, sin embargo al mirarla parece que sus líneas de contorno determinan otra
forma. La ventana perdió ante nuestros ojos su rectangularidad. Esto se debe a que las líneas fugan
hacia un punto imaginario llamado punto de fuga.2

En el siglo XV, el arquitecto florentino Brunelleschi recibió el encargo de finalizar una enorme
catedral comenzada bastante tiempo atrás. Se le exigió que construyera una cúpula tan grande que
parecía imposible su realización. Brunelleschi, a través de importantes estudios de medición,
descubrió que la aparente disminución de tamaño de los objetos dependía de la cercanía del
observador. Dicho cambio en la percepción estaba regido por leyes matemáticas. Esto también podía
ser aplicado a la representación en un plano bidimenisonal, para obtener la ilusión de profundidad de
la tridimensionalidad. Gracias a este descubrimiento, el genial arquitecto pudo finalmente construir
esa cúpula, que aún hoy se puede ver en Italia.

El alemán Alberto Durero explica en este grabado una técnica para dibujar a su modelo en escorzo a partir de la
confección de una cuadrícula. La confección de una “ventana” entre el motivo y nuestra mirada –de modo
perpendicular al piso-; y otra similar sobre el espacio plano donde plasmar el diseño, ayuda a captar lo que
vemos (con todas las omisiones efectivas del caso) y no lo que sabemos que hay frente a nosotros.

Otro intento del

maestro del
renacimiento
alemán…

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Debajo de estas líneas: Esquema
perspéctico de planos escalonados a la
distancia

El inglés Hogart realizó este planteo de

falsa perspectiva: Obsérvese el trazado de
diagonales y la escala de los personajes.

Escher logra en toda su

obra generar una fuerte
ambivalencia en torno a la
percepción y
representación del espacio.
La perspectiva es sin lugar
a dudas un asunto que
maneja muy bien, lo le
permite realizar imágenes
como esta.

Equilibrio y desequilibrio
Equilibrio significa estabilidad. En una composición en donde el elemento dominante es uno
solo, el equilibrio (o la falta de él) lo da su posición con respecto al cuadro. Si se tienen más
elementos, vale mucho más la posición recíproca de los elementos mismos. Diremos que hay
equilibrio cuando las fuerzas en el campo se compensan unas con otras, y desequilibrio cuando ello
no sucede. Téngase presente que una situación compositiva de equilibrio estable o de desequilibrio
puede a veces ser solamente aparente, o de todas maneras resultar siempre válida en la
organización del conjunto.

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 G. Bosch realizó esta Visión del más allá
generando una fuerte tensión visual mediante este
cono / circulo claro, una especie de agujero en el
cielo.
Su presencia en la geometría del cuadro es tan
fuerte, que relativiza el equilibrio compositivo
general. La mediana inferior del campo queda un
tanto despojada y relegada, a pesar de la presencia
de las figuras de la izquierda.

Simetría y asimetría
La simetría es la correspondencia en orden y proporción entre las partes de un conjunto;
dicha correspondencia puede ser bilateral, cuarteada, radiada, etc. En el arte figurativo tenemos
generalmente que ocuparnos de la simetría (o asimetría, que es su contrario) bilateral horizontal, es
decir la que establece una correspondencia más o menos exacta entre los elementos que están a
derecha e izquierda de un eje vertical imaginario.
Se puede decir que simetría y equilibrio a menudo son sinónimos, como lo consideraban los clásicos;
mientras que, en la composición actual, asimetría y desequilibrio no lo son casi nunca.

Westheim, en el siglo XV hizo este grabado en

madera ilustrando El Evangelio según San
Mateo. La simetría axial bilateral es aquí
evidente.

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 Peter Brueghel, en su
composición denominada
Jauja, efectúa una clara
distribución radial de los
elementos en torno a la mesa
redonda

Peso
El peso no es otra cosa que la presión ejercida por un cuerpo (o conjunto de cuerpos) sobre la
base que le sirve de apoyo, debido a la gravedad terrestre. Peso y equilibrio están siempre
estrechamente relacionados, ya que el equilibrio puede ser también definido como “una igualdad de
peso”. Además, el peso está en relación con la masa, o sea la cantidad de materia contenida en un
cuerpo.
Los conceptos de cuerpo, masa, y equilibrio vienen de la física y valen también en el campo
de la composición. Visualmente, por ejemplo, el “peso” de un ramo de flores, es mucho mayor que el
peso que tienen las mismas flores en la realidad.

En este stencil porteño se juega con la idea de gravedad,

ironizando con el “hundimiento” del motivo central de un logo
de la Ciudad de Buenos Aires.

Imagen invertida
El sentido común nos dice que una imagen invertida de izquierda a derecha y viceversa
(imagen reflejada) debería parecernos idéntica, haciéndonos sentir el mismo efecto. Esto no es así.
El ojo, sin considerar el impacto inicial con la imagen, tiende habitualmente a “leerla” de izquierda a
derecha como sucede con la escritura.

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Menard realizó en el siglo XVIII esta imagen invertida relativizando la convención de lectura de arriba hacia abajo.

Tensión
Hay una tensión interior de la materia que constituye los cuerpos, diversa según el modo de
agregación de la materia misma. Esta tensión concierne a la estructura de la materia y nos interesa
relativamente.
Cuando en composición decimos tensión, entendemos la tensión de la forma, la tendencia de
puntos, líneas y superficies a moverse hacia otros puntos, líneas y superficies. Una “tendencia” tal es
connatural a todas las formas en general.
Para comprender bien este concepto podemos pensar en diversos tipos de tensión. A saber:
tensión en perspectiva, tensión de las formas que componen la figura, tensión de las masas claras y
oscuras, tensión global de figura y fondo, etc.
Los elementos básicos que pueden determinar la tensión en un diseño o dibujo son la línea, la forma,
la composición, la luz.
Decir “tensión formal”, “tensión de la forma” es, efectivamente, una generalización que comprende
todo; está, por ende, la línea en sí y la línea como contorno, la forma en cuanto tal y en relación con
otras formas y con el espacio circundante, la superforma geometrizante que resulta como
composición en un determinado espacio, y en fin, la forma “formalmente” modificada por la acción de
la luz.

Peter Brueghel en 1560

efectuó esta composición
altamente compleja, con
múltiples puntos de tensión y
lectura. Quizás las lanzas de
estos guerreros sean para
nuestros ojos las principales
guías útiles a fin de hacernos
“descubrir” la infinidad de
detalles y anécdotas del
planteo.

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 En este cartel fascista italiano la lectura es clara. La
tensión general hace que centremos nuestra mirada
en la letra que cincela el soldado y en el bloque de
texto al pie.

Materiales y herramientas para dibujar

El argentino Enrique Breccia transformó

en historieta El matadero, un cuento de
Esteban Echeverría. Para ello utilizó
diversas técnicas gráficas. Dibujó con
tintas, lápices, realizó frotados, manchas,
esgrafiados, etc.

Para dibujar se pueden utilizar diversos materiales y herramientas:

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· lápices de diferentes clases, blandos o duros, más o menos grasos, etcétera;
· pasteles a la tiza (secos), al óleo (grasos), etcétera;
· sepias, sanguinas;
· carbonillas o barritas de grafito;
· plumas;
· pinceles;
· marcadores;
· hisopos;
· aerógrafo;
· lápiz óptico;
· dedo, etc.

Al dibujar con cada uno de estos materiales y herramientas se pueden obtener diferentes
trazos que tienen características particulares y determinarán calidades expresivas diferentes. Estas
características también pueden variar según se usen distintos soportes o si se modifica la presión
ejercida con las herramientas sobre el soporte utilizado. Cabe aquí aclarar que, desde que el dibujo
existe, también éste ha sido efectuado al servicio de otras disciplinas que no le son del todo ajenas,
pues la línea se hace presente en ellas en múltiples ocasiones. Ya comentamos algo sobre el límite
un tanto difícil con la pintura, y hemos dado múltiples ejemplos de grabados para hablar de la línea.
Al conocer cada vez más profundamente las características particulares de cada uno de los
materiales y herramientas, se podrá seleccionar el más apropiado para el tipo de dibujo que quiera
realizar. Por ejemplo, para hacer un dibujo con muchos detalles se necesitarán herramientas de
punta fina. Si se quiere lograr líneas moduladas, es decir que se afinen y engrosen, pueden recurrir a
pinceles o plumas y tinta.
Un mayor conocimiento de los materiales y herramientas, tanto para dibujar como para pintar,
esculpir, etcétera, posibilitará prever el comportamiento y las particularidades de cada uno de ellos.
Este conocimiento permite pensar, imaginar y crear una mayor variedad de imágenes en la
bidimensión y en la tridimensión.

El lápiz
¿Alguna vez se fijaron cómo es un lápiz? Está formado por una mina de grafito y un recubrimiento de
madera. Actualmente también se fabrican de plástico y de metal. Además existen los portaminas.
Una de las características del lápiz es que resulta fácil de usar y que sus trazos no son
indelebles: es fácil corregir lo que se está dibujando, dado que podemos borrar los trazos y volver a
realizarlos. A su vez, es una herramienta económica y limpia.
Existen diferentes tipos de lápices que posibilitan diversidad de grafismos, que serán más o
menos rígidos o suaves en relación con el trazado y con la dureza o blandura de las minas. En
dichos resultados también influye el papel seleccionado para la realización.
El grafito es un carbón natural que proviene de la madera en estado de descomposición. Hay
lápices cuya mina es más dura o más blanda según la mayor o menor cantidad de arcilla con que se
ha mezclado el grafito. Los lápices pueden clasificarse con números y letras que permiten identificar
su grado de dureza: Lápiz duro: 9H; lápiz blando: 9B; lápiz de dureza media: HB

Dibujo a lápiz del artista y arquitecto argentino

Luís Benedict.

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El marcador, el rotulador, la fibra
El marcador, el rotulador y la fibra son una evolución del lápiz y del pincel que comenzaron a
ser conocidos hacia 1960. Actualmente, son diarios acompañantes de la vida escolar y nos parece
increíble que antes no existieran. Como ustedes ya saben, tienen dos partes: el depósito y la punta.
Las puntas de los marcadores tienen una gran variedad de formas y grosores. También tienen una
casi infimita variedad de colores.
¿Cuántas veces se han deleitado mirando esas cajas de marcadores con una gran gama de
colores? Es un medio directo y permanente pero, como sucede siempre con la tinta, no es sencilla la
corrección de lo realizado.

Paul Klee, hacia 1931

hizo este sintético y hábil
dibujo llamado Al
cuidado del Ángel. Si
bien es posible que no
haya trabajado con
marcadores ni
rotuladores, el resultado
de la imagen bien podría
representarlo.

La tinta
En china fabricaban tintas ya en el año 2500 a.c. Las hacían con pigmentos naturales en
negro, ocre y rojo. Formaban tacos con la tinta sólida y luego, para usarla, la diluían con agua.
Hoy se la conoce como tinta china debido a su origen. Es una tinta muy persistente, que se
puede disolver en agua y da una gran variedad y riqueza de posibilidades expresivas. Éstas
dependen de los instrumentos o herramientas que se utilicen para dibujar que pueden ser plumas,
pinceles, hisopos, etcétera.
El instrumento utilizado para dibujar con tinta en la antigüedad era la pluma de un ave. Las
plumas que se usaron más adelante, como las que empleaban con gran maestría los pintores
Rembrandt y Van Gogh, estaban fabricadas con cañas. Esta clase de plumas se utilizaban
habitualmente también para escribir.
Actualmente se puede obtener cualquiera de estos tipos de plumas y, si les interesa
experimentar con ellas, podrán observar los distintos efectos que se logran trabajando con unas u
otras.

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 Ustedes pueden fabricar sus propias plumas. Todo es cuestión de probar con algún material
que les permita realizarlas, por ejemplo un junco cortado a bisel. Hasta en escarbadientes mojado
con tinta puede servir, ¡y hasta le pueden sacar punta para hacerlo más finito!

Dibujo de Vincent Van Gogh

Debajo de estas líneas: Boceto de una granja realizado por Rembrandt en 1650 tan solo con una pluma.

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 El Gaucho Martín Fierro interpretado por el
marplatense Carlos Castagnino para la célebre
edición del poema realizada por la editorial
EUDEBA en 1963. Impecables ilustraciones a
tinta que trascendieron su tiempo.
Castagnino aprendió en China a usar de una
manera novedosa las tintas. En su obra hay un
claro pasaje entre el antes y el después de esta
experiencia.

Las tizas
Las tizas están fabricadas con pigmentos y un aglutinante; se presentan en forma de barras.
Pueden ser usadas de diferentes maneras: de punta, de canto, apretando fuerte o suave, lo que
determinará la calidad de su trazado.

A la derecha, un trabajo
posiblemente efectuado con
tiza por el Mexicano José
Luís Cuevas

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Los crayones
Los crayones están compuestos por pigmentos de color y un aglutinante, que en este caso es
la cera, quien les otorga su calidad grasa. La cantidad de cera en su composición determina su poder
cubritivo. Existen actualmente distintas calidades de crayones. Los hay gruesos y finos. Se pueden
obtener fácilmente en cualquier quiosco o librería y tienen bajo costo.

Las carbonillas
Las carbonillas son una de las herramientas más antiguas utilizadas por los seres humanos
para dibujar. Su fabricación resulta de quemar o carbonizar barritas de madera, generalmente del
sauce y también las varillas de mimbre. De acuerdo con la presión que se ejerza con ellas sobre una
superficie, se obtienen diferentes calidades de líneas y de planos.
De la misma manera, cambia la calidad obtenida si se traza una línea hacia arriba o hacia
abajo o si se utiliza de punta o trazándola y usándola acostada. También es posible superponer
trazados, lo que produce un negro muy saturado. Para modular los grises o para sacar algo de lo
realizado, se puede frotar con los dedos y usar trapos. Además se borra con goma ó caucho.
Como pueden ver, la carbonilla ofrece una cantidad enorme de posibilidades para dibujar.
Esta misma cualidad hace necesario fijar la imagen con fijadores especiales para que nos de borre,
una vez finalizada.

Este Desnudo vuelto de espaldas es un trabajo

efectuado con carbón por Oskar Kokoschka en
1953.

El caso de aquí abajo, es un trabajo a pincel

efectuado por Gavito.

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Los pinceles
Al nombrarlos, generalmente se piensa en la pintura. Sin embargo, el pincel es una herramienta muy
útil para dibujar. Existe una enorme variedad de calidades.
Antiguamente, eran muy apreciados los de pelo de marta, pero hoy en día existen buenos
pinceles de otros materiales, incluso sintéticos.
Los pinceles tienen diferentes diseños según sea el destino previsto: Los chatos y de
diferentes anchos son los tradicionalmente utilizados para la pintura al óleo; los que tienen punta
generalmente son fabricados para dibujar o pintar con materiales más acuosos, como por ejemplo la
acuarela o el acrílico.

El papel
A lo largo de los años se han fabricado multitud de tipos de papel para dibujar. Cada dibujante
tiene preferencias distintas y es muy útil probar diversas texturas.
También vale usar un papel lo bastante translúcido como para que pueda calcar un dibujo
colocado debajo, sin necesidad de utilizar un proyector o la luz tras un vidrio. El papel transparente
tiene otro uso, como sustitutivo del papel carbón. Hay acetatos que no repelen la tinta del rotulador,
pero este tipo de papel suele utilizarse tan sólo en la preparación final de dibujos acabados.
Asimismo se precisarán papeles fuertes de buena calidad y de varios gramajes, para
enmarcar los dibujos, y una selección de papeles coloreados para utilizarlos, tanto como ingredientes
del dibujo, como para protegerlo del polvo.
Por último hay ocasiones en que se necesita exponer los dibujos. Puede encontrarse una
amplia gama de tableros expositores en las tiendas especializadas, sobre los que exponerlos para
darles una base firme que los proteja, a la vez que los realza.
Para efectuar bocetos se precisará de una gama de papeles y materiales:

Un bloc de papel que no corra la tinta.

Un bloc de papel de dibujo.
Papel transparente.
Papel tipo canson o cónqueror, y otro papel fuerte, para montar los bocetos.
Una gama de papeles de colores PANTONE, que están fabricados para coordinar con las tintas
de imprenta y con la gama de colores de los rotuladores PANTONE.
Un tablero para exhibir los bocetos.
Una gama de papeles de colores para utilizar en la creación de bocetos y para exhibir trabajos.

Bocetos alternativos y producción de ilustraciones en el medio

gráfico
El proceso de desarrollo de un concepto en sus primeras fases es rápido y estimulante, y puede
conseguirse mucho en muy poco tiempo. Si el grafista pudiera trabajar de esta forma durante todas
las fases de su obra, no habría necesidad de encontrar vías alternativas para mantener la frescura y
espontaneidad de los dibujos.

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 Sin embargo, los procesos involucrados en su producción de forma gradual consumen un
tiempo cada vez mayor según va evolucionando el trabajo: hay que aplicar el color con más cuidado,
los caracteres deben hacerse más identificables, y las ilustraciones y fotografías deben ser cada vez
mas fieles a lo que por último va a producirse. Los primeros bocetos de los elementos en
proporciones, disposiciones, colores y tonos diferentes son a menudo un recurso. Precisamente en
este punto es cuando la perfecta sintonización de la idea alcanza su meta.
Hoy, con los avances de la informática y las nuevas tecnologías, muchos de los pasos aquí
narrados no se llevan a cabo en el diálogo entre el dibujante y el fotógrafo. Sin embargo, seguirlos
puede contribuir a organizar la tarea y a estar atento al carácter general de la propuesta fotográfica
del medio y el concepto que funciona como soporte de nuestro trabajo.
Si la imagen fotográfica está prefijada, estos primeros bocetos se harán con rapidez, a un
tamaño proporcional al del producto final. No habrá variaciones de tamaño o proporción entre ellas, y
los elementos se producirán con precisión para encajar en la composición general.
Las técnicas que se utilizan para producir estos dibujos son muy directas. Cada uno de los
elementos de diseño se dibujará en una hoja transparente independiente. La primera hoja será la que
sirva de marco. Los diferentes elementos se irán colocando debajo de ésta y, cuando su posición se
estime correcta, se calcarán. Recuerde que los colores de fondo deben pintarse antes de calcar. Este
proceso deberá repetirse para cada elemento. Como se ve, consumirá cierto tiempo, pero aun así
habrá que trabajar con tanta rapidez como sea posible.
A esta altura, y de un modo general, valen entonces algunos recordatorios para quienes se
inician como dibujantes en el campo del diseño:

Dibuje su diseño en un área proporcionada con el lugar en que se va a exhibir.

De prioridad a los rasgos fundamentales del concepto.
Recuerde que es posible que los espectadores lo vean en movimiento.
Haga distinciones sesudas entre los requerimientos del cliente, su potencial público, y su apuesta
creativa.
Asegúrese de que la información sea legible y capte la atención.

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