Historia de la Musica Electronica (History of Electro)

Se conoce como música electrónica a toda aquella música creada por sintetizadores, máquinas de
ritmo, sampleadores y ordenadores. De igual forma se le puede considerar como la música creada
por un ordenador y esto es posible gracias a un software (programa) que puede digitalizar,
manipular y procesar los sonidos, con apoyo de sintetizadores. La música Rock, cuando surgen los
sintetizadores, se involucra mucho con estos aparatos y por supuesto con la música electrónica
para crear canciones con mejor calidad; algunas bandas de Rock que llegaron a utilizar los
primeros sintetizadores fueron: The Beatles, The Rolling Stons, The United States of America, Pink
Floyd, The Silver Apples, U2, entre otros.

Para empezar a entender mejor a la música electrónica (conocida en Europa como música Dance)
trataremos de hacer una breve reseña de su surgimiento y su evolución, desde el uso del primer
sampleo hasta la incorporación de nuevas maquinas y robots, si bien la electrónica abarca un sin
fin de subgéneros, trataremos de contar algo de su historia.

musica

Breve Historia de la Musica Electronica

Compositores e Inventores

El movimiento "The Art of Noise" de principios de siglo fue lo que de verdad dio a luz a lo que se
llama hoy cultura rave, mediante composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la
ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los sonidos de sirenas, cornetas y pitos,
estos futuristas ya estaban haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el siglo,
compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas
(un ejemplo antiguo del sampling) para crear piezas con pedazos de sonidos provenientes de
distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad
variable, Luigi Russolo y el compositor americano John Cage incorporaban tanto como 42 platos en
una sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas contemporáneos, como
Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre otros.
Años sesenta

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada
«música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.

En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia
Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie
de televisión Doctor Who (1963-1989).

A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell
habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín
(instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los
tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en
varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música
del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys
(1966).

La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso
del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien
temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el
recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a
la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que
grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.

Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog
permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre,
adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).

Alemania

La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del
krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con
la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue
denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para
simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta
el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.

En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos
particularmente electrónicos a sus temas.

La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años
ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico
de la música disco de los años setenta.

Sampleadores y synth pop

A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a
los digitales y a los sampleadores. Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos.
Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de
100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores
económicos.

Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed
Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche
Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con
medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso
de lo electrónico.

Años ochenta

Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno
(en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).

La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en
Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba
influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como
Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el
dance europeo.

El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de
los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios
de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e
introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos
más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional.
La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o
‘muestras’) alterados electrónicamente.

La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya
adoptado cada vez más. Artistas como Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de
música.

Música industrial

La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó
a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó
a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.

Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las
aventuradas innovaciones de la musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a
las guitarras de metal. Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este
nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos
(Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en
paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza
con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body
Music).

Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que
trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área está el productor Adrian
Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la
estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el
industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés
en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y
luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.

Jazz electrónico

En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de
importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha
continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la
banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los
oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con
más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill
Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.

Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray
Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La
industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la
banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de
Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).

La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había
usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.

Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares,
otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender
fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la
modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas
sonoras.

Años noventa

En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios
países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos
complejos derivados de la música caribeña, como el dub o el nortec, derivado de la música
tradicional mexicana y la electrónica.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos
tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep
house.

En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de

seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y
computadoras.

electronica

Antecedentes Historicos

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo,
concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando
aparecieron los primeros instrumentos

musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander

Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos,
aunque este tipo de música electrónica no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de
la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.

El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico

llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano.
En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de
figuras destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de
sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto
por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas
utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos
fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un
nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de
sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un
término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento
en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época
eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre
solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos
prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos
teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos
compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.

A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de
la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía
sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el
estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en
torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El
primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de
utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este
método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo,
quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos
electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto.
Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas
cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras
se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.

A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música
electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio
y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la
música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en
EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos
importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir
Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy
rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante
técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se
asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor
Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los
mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una
de las primeras composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la
tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de
estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en universidades estadounidenses y, en
menor medida, en Europa.

Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros,
desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la
manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores
interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en
gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para
la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el
estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique
(IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma
significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la
actualidad.

El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una
revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores
son ahora más asequibles, y los programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan
ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las
universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen
estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos
trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.

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Sintetizadores e Instrumentos de la Musica Electronica

A principios del siglo XX se inventaron instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el

Theremin, pero eran muy rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento.
Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser utilizados en
las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue
en esencia uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos
necesarios para generar y modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert
Moog, Don Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir
sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar
el tono o el volumen, y se empleaba para crear, filtrar y modificar, sonidos electrónicos.

Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos
serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión
hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores,
capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas tonales y timbres completamente
nuevos.

Los nuevos instrumentos musicales electrónicos de la década de 1960 también contribuyeron al

crecimiento de la música electrónica en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica
del sonido ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al mismo
tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con equipos fabricados por ellos
mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por ejemplo, utilizaba un complejo sistema de
retardo de la grabación que requería cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década
de 1960 surgieron numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales
interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la revolución tecnológica
también se tradujo en la aparición de numerosos instrumentos electrónicos y programas de
ordenador diseñados para las actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el músico y diseñador
de instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda, inventor de
diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el cual el movimiento de las
manos del intérprete en el espacio activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. El
compositor-intérprete estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con
programas personalizados de composición por ordenador que trabajan de forma simultánea. La
estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM permite una
manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos instrumentales y sintéticos. Además de
estos interfaces (superficie de contacto) altamente especializados, muchos compositores e
intérpretes utilizan algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el
mercado de la música popular.

La evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica a partir de los años cincuenta también ha
influido en gran medida en el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron
acogidos con entusiasmo por grupos como The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground.
En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música
electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI (interface digital de instrumentos
musicales). El MIDI no es un instrumento musical, sino un medio que permite a los sintetizadores y
otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por
ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores respondan cuando
se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la música pop y rock es tan importante
que la naturaleza de los instrumentos y las otras tecnologías musicales relacionadas con la música
electrónica están dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.

La síntesis del sonido y las técnicas de procesamiento

Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se
usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya
registrados. En épocas pasadas se

usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el
ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la
mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de
sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-
Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979),
mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en
su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada (FM), documentada por vez primera
por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para
crears sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios
timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías
específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a
técnicas como el vocoding de

fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de
Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación
para añadir ecos o un cierto retardo a los sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan
técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de
conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente
entre los compositores de música electrónica.

Música por Ordenador y Música Electroacústica

La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada
mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los
ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse
mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los
términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de
forma constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma
equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.

Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de
estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música
para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc
Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los
sonidos del mar o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el
argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos
grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy intensas. Este tipo de música, en
la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como
acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se
presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios
altavoces.

Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido
adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la
tecnología interactiva y multimedia, de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en
su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como
Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de
música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el
punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y
estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género
que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas obras
combinan sonidos electrónicos y acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este
género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el
futuro el término música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica
como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.

¿Que es un sintetizador?

Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. Con este
artefacto se pueden crear nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales
conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre mediante el
uso de dispositivos tales como amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores,
secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer sintetizador apareció en 1955. Fue
desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba
destinado a investigar las propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios
compositores se interesaron en ampliar las posibilidades de producción de sonidos y en controlar
todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre ellos destacan Milton Babbitt,
Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen. El sintetizador más conocido es el Moog, la
primera máquina sencilla indicada hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del
ingeniero estadounidense Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en
la década de 1960. Se maneja con uno o más teclados. Es posible crear un número casi infinito de
sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos. También pueden producirse
sonidos que superan la capacidad de los instrumentos convencionales y que se combinan con los
que captan los micrófonos. Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan
para adaptar música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach
que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de
empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más reducidos que
usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado
estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.
house

Estilos de Musica Electronica

Ya que hay muchos estilos y sub generos en la Musica Electronica daremos un breve repaso por los
mas relevantes.

Igualmente les dejo estos links donde pueden encontrar la informacion de todos los diferentes
estilos con sus sub generos

---> Wikipedia Generos de la ME

---> Style Guide-Genre-Electronic

Acid

Evolución del house hacia los sonidos crujientes, repetitivos y lisérgicos creados con el aparato TB-
303 de Roland. Su símbolo fue el famoso “Smiley”, y sus inventores el grupo Phuture (DJ Pierre y
Spanky) con el tema “Acid Trax” (editado en 1987). Damon Wild y Hardfloor fueron los
abanderados del sonido post-acid a mediados de los noventa.

Acid-jazz

En la época en que se desarrolló el acid-house, tuvo lugar una recuperación del sonido funk de los
70 a través de la estética moderna aunque revisionista. Al fenómeno se le llamó acid jazz, y es uno
de los géneros que hizo posible el ascenso de la denominada cultura de club.

Ambient

Música climática, relajada, atmosférica y evocadora que incide en la profundidad y los espacios
abiertos. Se basa en la superposición de sonidos y capas sintéticas y su inventor indiscutible fue
Brian Eno. Nada que ver con la new age.
Ambient dub

Mezcla de sonido ambient con los ecos y los efectos dub de la música jamaicana. Música
envolvente. The Orb son unos maestros del estilo.

Artcore

Nombre que recibe la tendencia más experimental y ambient del jungle. Se le ha llamado también
intelligent jungle. LTJ Bukem y Omni Trio han sido las grandes figuras del género.

Balearic beats

Más que un estilo, es la forma de pinchar que tenían los disc-jockeys españoles en la Ibiza de los
ochenta: mezclar todo tipo de estilos y ritmos, del rock al house y del funk a la psicodelia.

Big Beat

Antes de denominarse así, también se llamó brit-hop, amylhouse o chemical beats. Y en todo caso,
ha representado un nuevo paso en la conexión dance-rock. The Chemical Brothers, con su artillería
de breakbeats furibundos, fueron pioneros de un género que contó con muchos otros defensores
–Propellerheads,Bentley Rhytm Ace o los grupos de los sellos Skint yWall Of Sound– pero que
sucumbió a la oscuridad de su lado experimental, los nu skool breakz.

Braindance

Una invención del sello Rephlex que lleva el tradicional intelligent techno por caminos de
complejidad estructural (electro caótico, jungle hiperacelerado o ambient turbulento, tanto da) y
hacia despropósitos rítmicos antisociales. Música de baile para cerebros retorcidos. Sólo para
freaks.

Breakbeat

Es el ritmo base del hip-hop, gracias al sampleado de fragmentos instrumentales del funk de los
setenta, como el omnipresente “Funky Drummer” de James Brown. Pero también, por extensión,
es una corriente del techno surgida en Gran Bretaña –también llamada hardcore– que dio origen
al jungle a través de la aceleración del breakbeat.

Cheesecore
La vertiente más pop y comercial del criminal sonido gabber holandés, con melodías tontas y hasta
pegadizas. También se le denomina fluffycore. Un ejemplo claro: el tema “I Wanna Be A Hippy” de
Technohead.

Chill-out

En una rave o club es una zona o sala de reposo ideal para hacer una pausa y desintoxicarse de los
ritmos más duros. Principalmente se pincha ambient, pero en realidad se puede pinchar cualquier
cosa que sea diferente a lo que suena en la pista principal, como trip-hop o downtempo manso.
Sus principales representantes fueron Mixmaster Morris (responsable de la frase “pienso, luego
ambiento”) y Pete Namlook, aunque con la llegada del downtempo planeador la etiqueta chill out
se ha acabado asociando a grupos como Air,Zero 7 o Groove Armada.

Clubpop

Pop con influencias del easy listening y de una música de baile especialmente sencilla y casera.
También se le llama “sonido Shibuya” porque fue en ese distrito de Tokio donde aparecieron los
nombres principales del género: Pizzicato Five, Cornelius y Fantastic Plastic Machine. El sello
berlinés Bungalow fue su mejor embajador en el mundo.

Dance

Música de baile. En su origen englobaba todos los ritmos y estilos. En la actualidad, designa sobre
todo al movimiento surgido del techno y el house.

Deep house

La corriente más cálida, envolvente y llena de soul del house. Tiene una gran influencia del sonido
disco, y sus capitales son New York (donde se le denomina garage), New Jersey (con el grupo Blaze
a la cabeza) y Chicago. Su momento de máximo esplendor fueron los últimos años ochenta y los
primeros noventa.

Downtempo

Su nombre (tempo bajo, ritmo suave) lo dice todo. Actualmente se cita como la evolución del trip-
hop hacia terrenos plácidos, casi pastorales, decididamente influidos por el dub. La escena vienesa
(Kruder & Dorfmeister, Tosca) y la alemana (el sello Compost) han sido algunos de sus baluartes.

Dream House
Género comercial de duración muy limitada (poco más de un año), típicamente europeo, que tuvo
su gran himno en el célebre “Children”, del italiano Robert Miles. A medio camino entre la new
age y el eurobeat, entre el trance y la música de Jean-Michel Jarre, el dream house devolvió la
melodía (fácil) a la música de baile. Gigi D´Agostino o Roland Brant han sido otros de sus
representantes.

Drum’n’bass

Nombre genérico que se aplica al jungle al ser esta combinación (bajo y batería) la base de su
receta rítmica. Drum’n’bass también designa a las ramificaciones más complejas y científicas (los
trabajos de Goldie, Photek,Spring Heel Jack yRoni Size) de la genuina música de baile inglesa.

Dub

Tiene su origen en Jamaica, en las versiones instrumentales de los temas reggae, a los que se
añadían ecos y efectos sonoros. Por extensión, el dub es un género que utiliza las bases del reggae
para crear efectos electrónicos, ecos y reverberaciones.

Easy Listening

También denominado lounge music o *bleep*tail music. Música de fácil escucha que, sobre todo
en los años cincuenta y sesenta, compuso las bandas sonoras de divertidas comedias y alimentó
los hilos musicales (a esta variante se llamó muzak). Su combinación con la electrónica actual dio
origen a la escena future listening.

EBM

Siglas que corresponden a Electronic Body Music, un estilo de mediados de los ochenta que
utilizaba ritmos fríos y monocordes, emparentados con el rock industrial. Front 242 yNitzer Ebb
son sus mejores heraldos.

Electro

Género practicado a comienzos de los 80, nacido de la fusión del funk, el hip-hop y la música
electrónica europea de Kraftwerk. El pionero es Afrika Bambaata y su himno “Planet Rock”

Electronic listening music

Música electrónica para escuchar en casa, y no especialmente en las pistas de baile, por lo general
intelligent techno. En Inglaterra se le denomina electronica y en Estados Unidos se ha adoptado la
etiqueta IDM (Intelligent Dance Music).
Eurobeat

Estilo de baile europeo muy comercial basado en melodías vocales pegadizas, esquemas house e
incrustaciones de rap y ragga. Sus principales representantes respondían a nombres como Twenty
4 Seven,Snap!,Culture Beat y, por supuesto,Technotronic.

Experimental

Extraño, inclasificable, vanguardista. Se dice de todo aquel género musical que rompe reglas, que
intenta ir más lejos en busca de nuevos ritmos, sonidos y construcciones.

Freestyle

Inicialmente, en los años 80, fue la denominación que recibió un estilo entre el electro y el latin
hip-hop, practicado por cantantes femeninas que imprimían a sus temas un fuerte componente
melódico. En el mundo del hip-hop también se utiliza para designar la rima improvisada de un MC
o el estilo de pinchar (sólo hip-hop underground) de los DJs con más criterio. En los noventa ha
definio la forma de pinchar de algunos DJs , que mezclan absolutamente de todo, de techno a
drum’n’bass pasando por dub y house.

French Groove

La escena dance parisina generó en el último tercio de los noventa su propio sonido, caracterizado
el groove, el house y la música disco, todo con un exquisito toque francés que le confiere señas de
identidad propias. De ahí el nombre de french groove, una actitud que ha sabido combinar house
y funk de forma imaginativa (y comercial), y que agrupa a artistas como,Dimitri From Paris oDaft
Punk.

Gabber

También llamado gabba, algo así como el trash metal del techno. Hardcore originado en
Rotterdam que se caracteriza por un ritmo veloz (entre 200 y 250 bpms) y martilleante que atrae a
un público adolescente generalmente de clase obrera. Cuando se mezcla con melodías simples y
hasta tontas se le llama happy hardcore.

Garage

House de ascendencia disco y soul. Se caracteriza principalmente por las poderosas voces,
desbordantes de sentimiento y tradición negra.
Goa

Ciudad del sur de la India cuya escena trance, profunda y psicodélica, ha dado lugar al género Goa
Trance. La variante más exótica y hippie del techno, también llamada psychedelic trance.Algunos
dicen que este estilo ya no existe y que ahora se llama Full on.

Hardcore

La música de las raves empezó a ser más rápida y basada en ritmos entrecortados, más dura y
plagada de voces chillonas, como de un Mickey Mouse eufórico.The Prodigy fue el grupo más
popular del fenómeno hardcore que más tarde dio a luz al jungle, aunque también hubo una
variante techno impulsada desde Bélgica por el selloR&S que tuvo aJoey Beltram como nombre
principal.

Hardhouse

House de ritmos más implacables nacido, simultáneamente, en Chicago (Paul Johnson) y Nueva
York (Armand Van Helden).

Hardstep

Una de las múltiples derivaciones del drum’n’bass, que se caracteriza por sus bajos rotundos –que
simulan un zumbido de funk criminal– y sus violentos y vertiginosos ritmos.

Hardtrance

Evolución del trance hacia fórmulas más adustas y ritmos más duros y veloces, una feroz colisión
entre trance y hardcore.

House

El ritmo con el que comenzó la credibilidad de la música de baile. Nació en Chicago a mediados de
los ochenta en el club Warehouse (de ahí el nombre del estilo), donde pinchaba el granFrankie
Knuckles. Proviene de la cultura musical negra americana, y recoge influencias de la música disco,
el funk y el synth-pop europeo.

Illbient

La densa y excitante mutación del ambient. Denominado también Crooklyn Dub debido a su origen
(Brooklyn, en New York), el illbient es el sonido de la ciudad enferma, con sus ruidos y misterios.
Aprovechando las profundas líneas de bajo del dub jamaicano y la complejidad de la música
contemporánea, el illbient se constituye en polución sonora de efectos inquietantes que, en los
últimos tiempos, ha poseído al drum’n’bass americano y al hip-hop más extraterrestre.DJ Spooky
es su gran ideólogo.

Intelligent techno

Las recopilaciones “Artificial Intelligence” del selloWarp patentaron un tipo de electrónica,

inspirada en el techno de Detroit, más pensada para el viaje mental y la escucha en casa que no
para el baile en el club. De ahí viene el concepto “techno inteligente”, que se refiere a la
electrónica con clase y un marcado carácter experimental de Orbital.

Italodisco

También conocido como spaghetti-disco, el fenómeno del italo es uno de los más singulares de la
historia de la dance music. En un año especialmente brillante, 1983, gran número de producciones
italianas asaltaron las pistas de baile de medio mundo con ritmos heredados deMoroder, melodías
sencillas y sonidos futuristas. Muchos pioneros de Detroit citan a la escena como una fuerte
influencia.

Jungle

Género musical surgido en Inglaterra que se basa en la aceleración del breakbeat y en rotundas
líneas de bajo, capaz de mezclarse con todo: soul, ambient, raggamuffin, hip-hop y música
industrial. Hace años fue masivo y creativo, pero ahora la innovación está en uno de los géneros
nacidos a su sombra, el two-step

Latin House

Aunque sus orígenes son tan antiguos como los del propio house, lo cierto es que la combinación
de ritmo house y sabor latino siguió evolucionando en los noventa y dio jugosos resultados como
el disco pluscuamperfecto deNuyorican Soul, la convulsión rítmica, sexual y salvaje de los artistas
del selloDigital Dungeon o el arrebatador house santero de River Ocean. Eso sin contar que los
mejores DJs y productores de house son hispanos: Masters At Work,Roger Sánchez,David
Alvarado...

Lounge

Es sinónimo de easy listening (música de fácil escucha para un relax rutinario), aunque desde
principios del año 2000 se identifica con una nueva corriente de música ambiental y downtempo
en extremo complaciente.
Minimal

Califica a un tipo de música que utiliza muy pocos sonidos y ritmos repetitivos y que, sin embargo,
suele arrojar resultados creativos asombrosos. Normalmente se aplica al techno (todo el sonido
derivado de Basic Channel) y al house más experimental.

New age

Música sintética próxima al ambient pero mucho menos creativa, con voluntad de crear relax y
utilizada por los yuppies para combatir el stress. Hay quien dice que es el estilo heredero de la
escena planeadora alemana de los setenta –Tangerine Dream y Klaus Schulze, por ejemplo–, pero
también hay quien afirma que es puro muzak.

Pop electrónico

La influencia que la nueva música electrónica ha tenido sobre el pop en los noventa ha sido
decisiva y ha transformado su concepto de forma radical. Basta con escuchar los discos de
Björk,Stereolab.

Progressive

Calificativo que se aplica tanto al house como al techno, aunque últimamente también se aplica a
la evolución “seria” del trance tras el cambio de siglo. A comienzos de los noventa, el progressive
house fue un estilo complejo y evolutivo, con dubs, bases de percusión y samples del pop y
músicas exóticas.

Speed Garage

Un estilo que deja muy claras sus intenciones en las dos palabras que componen su nombre: por
un lado, speed –su base rítmica es veloz, con origen en el breakbeat y el jungle–, y por otro,
garage, porque recupera el gusto por las grandes voces del deep house americano. Mezclados
estos ingredientes, y otros como rotundas líneas de bajo, voces pasadas de revoluciones y los
típicos toastings del raggamuffin, se obtiene uno de los ritmos más excitantes que inundaron las
pistas de baile. Sus evoluciones son primero hacia UK Garage y finalmente a two step.

Synth-pop

Es un género propio de los años ochenta consistente en elaborar pop futurista con sintetizadores.
Sus grandes reyes fueronThe Human League yDepeche Mode,Pet Shop Boys.

Tech-house
Interacción entre techno y house en un mismo tema. Normalmente se aplica al house que, lejos de
la herencia disco o el pulso funk, prefiere el sonido más futurista y frío del techno.

Techno

Género musical que aparece en Detroit a finales de los ochenta, muy influenciado por el house de
Chicago, el electro neoyorquino, el synth-pop europeo y la música de Kraftwerk. Música de baile
abstracta y futurista que en años sucesivos se ha ido haciendo más dura y más compleja.

Trance

Variante del techno nacida en Alemania a comienzos de los noventa que combina ritmos rápidos y
largas evoluciones sintéticas con efectos ácidos. Su cuna es Frankfurt y su primer gurú el DJ Sven
Väth. A finales de los noventa hubo una resurrección en Inglaterra impulsada por DJs estrella
como Sasha & JJohn Digweed, Paul Oakenfold..

Tribal

Adjetivo que se aplica al house y al techno que utilizan percusiones tribales para crear efectos
hipnóticos. Un buen ejemplo son las primeras producciones de Deep Dish.

Trip-hop

Género surgido del hip-hop, generalmente de carácter instrumental. Tiene un plus experimental,
viajero y abierto a multitud de sonidos diferentes: ambient, jazz, dub, bandas sonoras... Tiene su
origen en la música deMassive Attack,Tricky y otros grupos del sonido de Bristol, así como de las
primeras ediciones de los sellos Ninja Tune yMo’Wax.

Two Step

La evolución del speed garage hacia formas más sinuosas: ritmos rotos heredados del
drum’n’bass, bajos pesados y soul marciano en lo que es la interpretación inglesa del r&b
americano. Las producciones son raras por naturaleza, pero a la vez sexys, plagadas de efectos
extraños, voces recortadas y rappers alborotadores.