¿Es el cine un arte? ¿Un arte como la pintura, la música o la literatura?

¿A qué se debe el hecho de

que muchas personas consideren el cine como un arte menor?

El cine se origina en Francia en 1895 gracias a los hermanos Louis y

Auguste Lumiére, al menos esa es la opinión más generalizada, otros
consideran a Edison como inventor del cine, pero son los hermanos
Lumière los primeros en crear el dispositivo cinematográfico, es decir un
público que paga una entrada para acceder a una sala oscura donde una
película es proyectada por un aparato (que era cámara y proyector a la
vez) en una pantalla.

Los hermanos Lumiére veían en su invención una curiosidad técnica sin

mayor futuro comercial. Pero pronto el cinematógrafo adquiere una gran
popularidad y las salas comienzan a desbordar de gente.
Las primeras películas eran documentos que mostraban
diferentes paisajes y actividades en distintas partes del
mundo, gracias al cine el hombre común podía ver el
mundo y viajar sin moverse de su asiento.
el cinematógrafo de los
hermanos Louis y Auguste
Lumière

El gran éxito del cine se debe en gran parte al efecto de realidad que produce, famosa es la
anécdota (entre leyenda y realidad) de la primera proyección, en la cual los espectadores salieron
despavoridos de la sala al ver llegar el tren a la Ciotat. La gente estaba sorprendida de ver que las
hojas de los árboles se movían con el viento y que el humo de los cigarros ondulaba en el aire, el
movimiento era lo que faltaba en la historia de la representación, a propósito de esto se podrá decir
que Lumière era el último de los impresionistas, sí bien Lumière no apreciaba especialmente a los
impresionistas, es cierto que los motivos de sus películas (que no duraban más de un minuto) eran
muy cercanos a los de los impresionistas, y es que los impresionistas estaban obsesionados con la
idea de pintar esos elementos impalpables de la naturaleza, la atmósfera, las variaciones de la luz; la
aparición de la fotografía y luego del cinematógrafo van a provocar nuevas búsquedas en la pintura,
habiéndose alcanzado el máximo de realismo, ésta última va a optar por el camino de la abstracción
(este camino ya había sido iniciado antes, pero el cine opera a favor de su radicalización).
Luego con Melies, Porter y
Griffith entre otros, se comienzan
a crear ficciones
cinematográficas y es aquí
donde nace el cine narrativo y el
lenguaje cinematográfico. El cine
no se limitaba entonces a captar
la realidad (principio de la idea
de documental) sino que se
aventuraba en los campos de la
imaginación y comenzaba a
crear su propio lenguaje, sin
embargo no dejaba de ser una
práctica muy mal vista por los
medios intelectuales quienes no
veían en ella ni ciencia ni arte.
En la versión barroca de Drácula
de Bram Stocker de Coppola

"El nacimiento de una nación" de D. W. Griffith

podemos ver una secuencia bastante ilustrativa al respecto en la que al mismo tiempo se rinde
homenaje al cinematógrafo. Cuando el Conde Drácula llega a Londres vemos en un momento que
camina por las calles, se escucha a lo lejos la voz de alguien que exhorta a la gente a descubrir el
cinematógrafo mientras que la imagen adquiere una tonalidad sepia y los movimientos se aceleran
(16 imágenes por segundo y no las actuales 24). El conde intercepta a Mina y le pide que le indique
cómo llegar al cinematógrafo, ella le responde que si quiere cultura vaya a un museo que en Londres
hay muchos. Luego cuando los dos asisten a una función el conde dice que no hay límites para la
ciencia, la réplica de Mina no está exenta de indignación:
En cuanto al carácter científico del cine no hay dudas, el cine nace gracias a la aplicación de ciertas
leyes de la óptica y de la química: el efecto phi o fenómeno de persistencia retiniana y la fotografía
argénica de Niepce y Daguerre. Los hermanos Lumière basándose en las experiencias de científicos
como Plateau (inventor del phenakistiscopio), Muybridge (creador del zoopraxinoscopio), Reynaud
(precursor de los dibujos animados) y Edison (inventor del Kinetoscopio) se dieron cuenta que
haciendo pasar una serie de fotografías fijas en soporte fílmico por un haz de luz a una cierta
velocidad (16 imágenes por segundo al inicio, ahora son 24) se creaba la ilusión de movimiento. Si
algunos no querían reconocer este aspecto científico del cine era por puro prejuicio. Por otro lado la
cuestión del estatuto artístico del cine es mucho más compleja
El arte en sus inicios y aún hoy en día en cierta medida, estaba asociado a la magia y la religión
desde siempre ha existido una cierta visión platónica del arte en la medida en que éste permitiría
acceder a un conocimiento superior, a una verdad trascendental. Lo bello era fundamental en el arte
de la antigüedad y aún lo es para muchos actualmente, sin embargo esta idea, es decir que toda obra
de arte debe ser bella, resulta ridícula para la mayor parte del arte contemporáneo
A principios del siglo XX muchos teóricos y artistas tratan de determinar la especificidad del cine para
diferenciarlo de las otras artes (del teatro y de la literatura principalmente) muchos se apoyan en el
montaje cinematográfico (sobre todo la escuela rusa), otros ven el cine como una síntesis de todas
las artes pues consideran que en él participan elementos de las otras disciplinas (pintura, literatura,
teatro, música). Paralelamente el cine, con la creación de los grandes estudios de Hollywood y la Star
System, se va volviendo una industria, el enorme poder de estos estudios que imponen sus gustos e
ideas a muchos directores atentando contra la creación personal y el carácter masivo, popular e
industrial del cine que depende directamente de factores de orden económico compromete el estatuto
artístico del cine. Uno de las aspectos fundamentales del arte es la “libertad de creación”, el arte es
poesía en su sentido más amplio, así es como lo entendían los griegos (poiêsis en griego quiere decir
creación). A fines de los años cincuenta surge el famoso movimiento francés conocido como la
Nouvelle Vague (la Nueva Ola), compuesta por varios críticos de cine de la conocida revista Les
Cahiers du Cinema, críticos que van a comenzar a hacer películas con una gran libertad (los más
conocidos son Jean Luc Godard y François Truffaut), ellos establecen una noción llamada La política
de los autores, con la cual consideran a ciertos directores de cine como autores, es decir como
verdaderos creadores, de esta manera van a reivindicar el trabajo de muchos directores
(especialmente de Hollywood) menospreciados por la crítica, entre los cuales se encuentran Alfred
Hitchcock, Howard Hawks, Fritz Lang y Sam Fuller. Así el cine de autor se diferencia de las
producciones estereotipadas pero sin abocarse a un género específico, este tipo de cine puede
aparecer a veces dentro de las grandes producciones pero los directores han sabido imponer sus
ideas. En general el cine oscila siempre entre dos polos: por un lado el cine comercial, industrial y
narrativo, el cine de entretenimiento (ejemplo: las súper producciones hollywoodenses), y el cine
experimental, artístico, de bajo costo, lo que se conoce hoy como cine independiente o de arte y
ensayo. Evidentemente una gran producción puede tener elementos experimentales y tener una gran
calidad artística (el ejemplo Princeps es la obra de Hitchcock que siendo un cine popular combina
entretenimiento con gran calidad artística y experimentación), de igual modo una obra de bajo
presupuesto y con grandes pretensiones artísticas puede resultar un desastre desde el punto de vista
artístico o un éxito comercial. Pero es cierto que en general, especialmente en la actualidad, la gran
mayoría de súper producciones de Hollywood dejan mucho que desear desde un punto de vista
artístico (en la Edad de Oro de Hollywood, lo que se conoce también como el cine clásico de
Hollywood, es decir de los años 30 a los años 60, era muy distinto) y se limitan a reciclar lo ya hecho
por otros.

El problema actual del cine es que hay cada vez menos espacio para la experimentación (qué es lo
que en última instancia hace avanzar el arte) y lo que se busca es vender a toda costa, pero sabiendo
que aún hay gente interesada en hacer arte a través del cine y también gente interesada en ver este
tipo de cine, mientras esto subsista, aunque sea de forma casi subterránea (cine underground), los
cinéfilos podemos estar tranquilos.

Mi opinión personal es que el cine es un arte y debe ser considerado como tal, esto en forma general,
el cine es un arte en tanto permite hacer arte pero no toda película es obra de arte, así como la
literatura o la pintura son artes pero no toda obra literaria o todo cuadro es considerado como obra de
arte, hay mucha mala literatura o mala pintura pero evidentemente aquí entran en juego juicios de
valor que son de orden subjetivo.

CINE
El cine es el arte que consiste en obtener en una película fotografías de los momentos de una acción
y proyectarlos en una pantalla.
Supone toda industria que se crea un film a partir del uso de cámaras, actores, guionistas,
iluminadores, un guion, etc., que hacen del cine una creación artística más colectiva de todas.
Otros mencionan que el cine se deriva de la existencia del teatro, la literatura, la danza y la música;
que la mezcla de estas artes hace posible la creación de un film para su proyección en pantalla.
ELEMENTOS DEL CINE.

 EQUIPO HUMANO
Está formado por el director, el realizador, el productor, el guionista, los actores y el director musical. Cada
uno cumple una función diferente imprescindible
 ILUMINACION
Permite crear mediante la luz, el clima necesario para la película. Para ello se precisan lámparas y
pantallas de reflejos, incluso son necesarias en rodajes en el exterior para disminuir las sombras
 STEADICAM Y NUEVAS TECNICAS
El steadicam es un tipo de soporte para cámara, que elimina todo tipo de movimiento y vibraciones que pueden
generar tanto el operador como el medio. La principal ventaja de estas cámaras es que permiten
el seguimiento de los actores de forma totalmente libre sin ningún movimiento en el encuadre. Las técnicas
cinematográficas han ido evolucionando a lo largo de nuestro siglo. Las pantallas panorámicas, el cine
en tres dimensiones y las imágenes acompañadas de efectos especiales de sonido, movimientos de
butacas, etc., pretenden cautivar al espectador.
 GUION Y STORYBOARD
El guion es el plan de trabajo del rodaje sobre el papel y adquiere la forma de un relato detallado (se conoce
con el nombre de treatment). Describe, secuencia tras secuencia con minuciosidad, el contenido de
imagen, sonido y diálogo de la película, para conseguir la más perfecta realización. Las imágenes se
colocan en una columna a la izquierda y el sonido en otra a la derecha (es el llamado escenario). El
storyboard muestra las escenas más importantes, junto a un texto que las reseña.
 RODAJE
Basándose en el guion, se puede organizar el rodaje y calcular los costos. Tanto si éste cuesta
millones sólo miles de pesos, la rutina de trabajo para realizar una idea fílmica es la misma. El
material de sonido e imagen que se produce debe ser rodado sin rebasar el presupuesto de la
película
 DIRECCION
El director es el responsable artístico de la obra. Controla el rodaje, durante el cual anota los detalles de
cada toma. Dirige a los actores y actrices, y decide sobre la ambientación, los vestuarios, la
escenografía, los planos, las secuencias y el montaje. Además puede colaborar en el guion
 MONTAJE
Es la manipulación de las escenas rodadas, colocándolas de manera contigua e intercalada. En el montaje,
las copias de las escenas tomadas se cortan y se unen para formar la continuidad narrativa. A éstas
se añade el diálogo, la música y los efectos de sonido. La calidad final de una película está determinada en
gran parte por la ejecución de un buen montaje.