Universidad Autónoma de Querétaro

Facultad de Bellas Artes

Historia del Arte
6to Semestre Grupo 4
José Luis Alexander Anderson Esquivel
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Arte del siglo XX

Siglo de las vanguardias
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El siglo XX nació en medio grandes adelantos tecnológicos y rivalidades entre las
potencias dentro de Europa, por lo que en tan sólo la primera década del 1900 orillaron a
la humanidad a un conflicto de grandes dimensiones: La primera guerra mundial. Por lo
tanto, el arte del siglo XX no puede entenderse sin tomar en cuenta la influencia de su
contexto, es decir, el flujo del progreso, la modernidad industrial, los adelantos de la
técnica; así como los horrores de las guerras, como el genocidio y las diferencias
económicas. Debido a tal acontecer y sentir, los artistas desarrollaron nuevas y diversas
tendencias que cumplieron en dado momento con una carga crítica e irónica con respecto
a los acontecimientos de la centuria.
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El arte de este siglo se caracterizó por el poder del color, la liberación de las formas y la
ruptura con el representacionalismo, simplificando las formas hacia su mínima expresión,
hasta llegar a una expresión casi totalmente geométrica. Esto no se dio como una
sucesión cronológica de fenómenos (uno después del otro), sino como una ruptura
sembrada desde el siglo anterior con los principios del impresionismo y posteriormente el
postimpresionismo como punto de partida. Las vanguardias, como se le denominó al
montón de manifestaciones artísticas suscitadas en el siglo del 1900, se dieron de forma
paralela y casi simultánea.
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Al hablar de las vanguardias nos referimos principalmente al fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el arte dadá (también llamado dadaísmo), el futurismo,
el surrealismo y la pintura abstracta, seguidas del POP-art y el op-art. Varias (si no
es que todas) de estas manifestaciones estuvieron fuertemente influenciadas por las
nuevas teorías filosóficas y sociales.
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El Fauvismo fue una explosión de libertad y color que se dio en la primer década del siglo,
alrededor del año 1905. El estilo fue bautizado con dicho nombre, derivado de la palabra
francesa “fauve” que en español significa fiera, por Louis Vauxcelles refiriéndose a la
cualidad libre, salvaje y casi feroz de los Fauvistas, quienes recibieron con gran honor su
bautizo, pues ellos mismos se sentían fieras del color, animales salvajes que sosegaban
su instinto ante la pintura.
La estética de este “ismo” tiene sus orígenes en los trabajos de Gauguin y Van Gogh,
quienes al término del impresionismo, apostaron por el color dentro de sus obras y es
justamente la supremacía del color una de las características principales del arte Fauve;
otra es la libertad.
El trabajo y la ruptura de este arte no debe entenderse como una desobediencia por
medio del desorden y el rechazo hacia las disciplinas, sino como una ruptura hacia la
libertad estética, expresiva y sentimental que lo que rechazaba era la existencia de un
método riguroso en pro de una expresión más pura y natural.
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Los artistas del Fauvismo se preocuparon más por la búsqueda de dicha libertad
explosiva y colorada, que por pintar nuevos temas, por lo que los géneros tratados dentro
de las obras fueron los mismos: El paisaje, retrato, naturalezas muertas, etc.
Otra característica del Fauvismo y de varias expresiones dentro de las vanguardias, es el
gusto hacia el arte africano-negro, los artistas del siglo admiraban los pueblos primitivos,
ya que su arte no es imitativo sino que se aleja de las formas naturalistas. El cubismo será
influenciado posteriormente por este mismo principio.
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Henri Matisse es probablemente el máximo exponente de este estilo.
Su arte se ve influenciado por los últimos preceptos del impresionismo de Van Gogh y
Cezanne, así como por el neoimpresionismo de Gauguin. Su arte se caracteriza por su
original uso del color y del dibujo, fue ademas grabador y escultor. A Matisse, junto con
Pablo Picasso, se le considera como uno de los grandes artistas del siglo XX.
Utilizó el color como la base de la expresión, pintando entre sus temas favoritos desnudos
y naturalezas muertas. Buscaba crear un arte que fuera “una influencia calmante sobre la
mente, más que un buen sillón”. Incorporó a su arte cualidades decorativas del arte del
islam, así como la angulosidad de la escultura del norte africano.
Algunas de sus obras más importantes son: Le bonheur de vivre. la danse, la deserte
rouge, nu bleu, entre otras.
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Otro artista destacado fue André Derain.
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Derivado de las circunstancias históricas y compartiendo, aunque desde una atmósfera
diferente la exageración del fauvismo, surge en Alemania una tendencia comprendida
entre 1910- 1920 denominada “expresionismo”. El expresionismo se ve marcado por el
azote de la modernidad, el ideario político tajante y marcado (nazi, comunista,
socialdemócrata) y la guerra, principalmente.
Es una corriente artística sin algún estilo en particular identificable en sus artistas,
centrada en la expresión del sentir del autor más que en la representación de una realidad
objetiva.
Este tipo de arte nos revela una visión mas cruda del humano, la otra cara del progreso y
la modernización, el aislamiento, la masificación de las grandes ciudades, la distorsión
despreocupada de una realidad externa, y volcada a las impresiones que despierta en el
espectador y su fuerza psicológica. Potencializa el impacto al espectador a través de
formas retorcidas y una composición colorida y agresiva, postrada sobre una emoción
interior.
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El expresionismo mantiene una relación con el arte de Goya (propio del periodo
romántico) sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gauguin, no sólo por
la técnica que empleaban sino también por el fondo psicológico en sus obras.
Esta vanguardia inicia con un periodo preliminar en el cual resaltan artistas como Edvard
Munch y James Ensor.
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El arte de Edvard Munch expresa principalmente angustia y soledad, así como también
el morbo de lo prohibido y de lo sexual. Munch volcó en su pintura sus propios problemas
psicológicos, tomando de su atormentada vida los tópicos de sus obras. Sus obras nos
muestran temas de deseo sexual y muerte; obsesionado por la enfermedad y la soledad
humana. Siente predilección por la figura humana. La obra de Munch muestra una visión
negativa de la vida dentro de una realidad compleja y confusa.
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James Ensor refleja la ironía de la condición humana, con su arte anecdótico y burlesco
satiriza la sociedad moderna. Utiliza la máscara como un elemento simbólico de lo
desconocido y lo amenazador.
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Este movimiento se desarrolló principalmente en Alemania, donde surgieron dos fuertes
grupos de artistas.
El primero fue Die Brücke (el puente) , constituido en Dresde en 1905, al mismo tiempo
que el movimiento fauvista en Francia, similares en cuanto a la intensidad de colores y
masas cromáticas, pero a diferencia del fauvismo, los expresionista se caracterizaron por
la representación de las angustias interiores del hombre y sus conjeturas existenciales.
Los del puente combinaron elementos del arte tradicional y académico con los elementos
tomados del arte del norte africano. Kirchner, fundador de este movimiento, mantuvo en
su arte lo convencional hasta que encontró una manera diferente de expresarse,
estableciendo un puente entre estos dos polos.
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Los artistas de este movimiento, tales como Nolde y Kirchner trataron la situación política
y social de su tiempo. Kirchner plasmó la deformidad social, los prejuicios y las tendencias
del siglo, inclusó se enlistó como voluntario durante la primera guerra mundial, pero poco
después cesó su actividad bélica. Su trabajo fue catalogado como degenerado por los
nazis y en 1937 más de 600 obras suyas fueron destruidas o vendidas. Se suicidó en
1938.
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Der Blaue Reiter (el jinete azul) fue el otro grupo expresionista de importancia. Se formó
en Munich poco después que el puente, en 1911. Contribuyó de manera importante al arte
internacional, sobre todo al cubismo y el futurismo, siendo integrado por diferentes artistas
internacionales como Kleee, Macke, Kandinsky, entre otros. Su arte es más subjetivo,
espiritual y rico que el del puente, con una visión más pesimista, amarga y apocalíptica de
la realidad; su estética conserva el gusto por la deformación y lo grotesco.

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A los artistas del jinete azul les importó más el cómo de la representación que el qué,
consideran el arte como una expresión exterior de las necesidades interiores. Este grpo
dio forma y consistencia al movimiento, teorizándolo un poco más.
Se caracteriza también por el repudio a la cultura tradicional y burguesa, además de su
interés por cuestiones más profundas del ser, como fueron la teosofía y el estado del
espíritu.
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Kandinsky fue un artista muy importante de este momento, ruso de nacionalidad.!
La representación del objeto en sus obras pasaba a segundo término, la belleza residia en
la riqueza cromática (rasgo fauvista también) y la simplificación de la forma, llegando a
romper casi totalmente con la figuración, por lo que es considerado precursor de la
abstracción en la pintura.!
La relación entre Kandinsky y el arte abstracto puede encontrarse también en su gusto
por la teosofía, creía en una realidad esencial oculta tras las apariencias. Criticó a las
instituciones académicas artísticas y la idea generalizada del arte tradicional, defendiendo
la nueva espiritualidad que influía al arte basado en el lenguaje del color y el alma.!
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Otro artista importante fue Paul Klee, quien perteneció al grupo pero después siguió s
propio camino individual. Klee compartió la tarea de despojar las cosas de todo
formalismo y de la expresión externa de su mundo interior. A pesar de que parte de su
obra es abstracta, mantuvo cierta referencia al objeto. También integró a sus obras
elementos de simbolismo.!
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Un suceso que marcó considerablemente a los artistas expresionistas y al mundo en
general, fue el estallido de la primera guerra mundial. La guerra destruyó al grupo del
jinete azul, asesinó a algunos y exilió a otros, como a Kandinsky. La crueldad, la violencia,
la muerte y los desastres de la guerra generaron un gran dolor (como es natural), dolor
que los artistas tradujeron en sus obras.!
Tras la devastación de Europa, la capital del arte sería trasladada a América a mitades del
siglo.!
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Otros artistas como Kokoschka en Austria, Roault en Francia y Modigliani en Italia, son
ejemplos de la corriente fuera de Alemania.!
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A la par del expresionismo, el año de 1907 es tomado como punto de referencia para
hablar de otra de las vanguardias más importantes de la historia, el cubismo.!
Pablo Picasso es tomado como el líder y máximo exponente de este movimiento. Picasso
es al cubismo lo que Matisse al fauvismo.!
Con su obra las señoritas de Avignon, hecha justamente en 1907, Picasso marca el pubto
de partida hacia la nueva estetica cubista.!
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El cubismo se ve influido por la estética geométrica de Cézanne. Sus características
principales son la ruptura total con la perspectiva hacia una perspectiva multiple, es decir,
una visión un tanto compleja que permite apreciar el objeto de cara, de perfil o de
cualquier otro ángulo simultáneamente. !
Las composiciones cubistas están invadidas de geometría, las formas de la naturaleza
son reducidas a formas geométricas como cilindros, conos, esferas y cubos, tratamiento
utilizado previamente por Cézanne. Los planos del objeto en el cubismo son
independientes y autónomos, el resultado estético de esta técnica es comparable con el
reflejo de un espejo roto o la visión a través de un caleidoscopio.!
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En Las demoselles d’Avignon de Picasso, apreciamos claramente la descomposición de
la forma tradicional del rostro y del cuerpo hacia un lenguaje mayormente cubista, con los
rostros petrificados, las figuras simplificadas y distorsionadas. En esta obra es posible
apreciar los distintos momentos del arte, desde la escultura egipcia hasta la reciente
influencia africana, estableciendo una síntesis del devenir estético de la humanidad.!
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Los sucesos bélicos, sociales y políticos afectaban a Picasso, la guerra civil española, la
primera guerra mundial, entre otras cosas, orillaron a Picasso a pronunciarse como
comunista, afiliándose a los partidos de dicha doctrina en su natal España y en Francia.!
En su obra “el guernica” apreciamos la influencia de estos temas en el artista, la obra nos
muestra el drama y el horror de un bombardeo previo a la segunda guerra mundial.!
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Aunque a Picasso se le considere el líder cubista, es importante hablar de otro artista de
la misma talla en cuanto a importancia en el surgimiento de este movimiento: George
Braque, de hecho las primeras obras cubistas fueron realizadas por él.!
La obra de Braque es más brillante que la de Picasso, puesto que hacía un mayor uso del
color. Braque estudió detenidamente las obras de Cézanne y fue evolucionando poco a
poco, de manera progresiva hasta conseguir romper con la visión clásica utilizando cada
vez más geometría en sus naturalezas muertas. También estuvo influido de primer
momento por el fauvismo.!
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EL movimiento cubista tiene tres etapas:!
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1.- La fase analítica: se trata de a destrucción de la figura, la observación de la realidad
partida en un conjunto de planos.!
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2.- La fase hermética: Se caracteriza por un mayor manejo del color y el uso de elementos
figurativos como pista para facilitar la comprensión de las obras.!
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3.- Fase sintética: se refiere a la yuxtaposición y combinación de planos diferentes.!
En esta fase surge el collage incorporando elementos diferentes de la vida diaria a las
obras, tales como telas, papeles, lo que interesó a los artista por la idea de unir el arte con
la vida.!
La utilización del collage ha sido vinculado con el surgimiento del Ready-made de
Duchamp. dentro del arte Dadá!
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El Dadá o arte dadá, fue un arte de protesta ante la decepción de la situación mundial de
destrucción, surge en referencia a la negación del arte como objeto y del mercado de
consumo.!
La palabra Dadá no significa nada, es decir, no tiene un fundamento teórico, es solo una
palabra que se utilizó casi por casualidad para denominar el movimiento, que de hecho
no pretendía ser un movimiento como las otras vanguardias que he abordado ya, al
contrario, tenía más una intención antiliteraria y antiartística que otra cosa.!
En el dadá los artistas se burlaban de distintos conceptos establecidos, como el concepto
del arte ironizándolos.!
Surgen expresiones como el Happening y el performance, arte acción y el ready-made.!
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Derivado de la actitud irracional del dadá, surge un movimiento mucho mayor y para mi
gusto, mucho más rico e interesante.!
André Breton un escritor, poeta y teórico francés pensaba que la crisis de la postguerra
exigía de un arte que persiguiera profundizar en el interior del humano. Aunado a las
teorías de Freud, Rambeaux y Marx, consideró que las reacciones en “automático”, en
estados de entresueño o de inconsciencia, podría ser utilizados como métodos para la
creación artística.!
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El surrealismo buscó plasmar en el arte el mundo onírico desde una evocación al caos y
los fenómenos del subconsciente, estableciendo el sueño y la realidad en una realidad
absoluta, la surrealidad. Este movimiento toma como material de creación cualquier
estado de descontrol, cualquier estado en el que la consciencia no ejerza ningún tipo de
control sobre el pensamiento. Se utilizan escenarios imposibles, caóticos, incongruentes,
elementos anatómicos, sexuales, fantasiosos, autómatas y de metamorfosis para plasmar
el arrojo del subconsciente.!
A mediados del siglo (1950) el azote de las dos guerras mundiales y los regímenes
absolutistas dejó devastado Europa, Europa se encontraba desde al menos una decada
antes sin cabeza para el arte, por lo que varios artistas emigraron a nueva york llevando
consigo todas las tendencias y convirtiendo esta ciudad en la nueva capital global
artística. Surge entonces el surrealismo abstracto, cuyos principales artífices fueron
Masson, Miró y Klee, artífices de universos más figurativos y personales. Ernst, Tanguy,
Magritte y Dalí, en cambió, se interesan por la cualidad onírica, creando realidades casi
fotográficas pero alejadas de la pintura tradicional.!
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Dalí sin duda alguna es el máximo exponente de la corriente y el más afamado.!
Un ser extravagante, experimental y genial, cuya creatividad permitía mostrar un
imaginario sin igual, un universo de imágenes y escenarios salidos de las posibilidades de
su mente.!
Caracterizado por formas alargadas, descompuestas , derretidas y alusiones al sexo, Dalí
creaba obras impactantes con gran calidad de dibujo y pintura. Su quehacer artístico no
se limitó a la pintura, el artista abordó otras disciplinas como fueron el cine, la escultura y
la fotografía.!
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El surrealismo se extendió desde la década de 1920 hasta mediados del siglo, después
del fin de la segunda guerra mundial!
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Para este momento, con personajes como Kandinsky, la figuración era para algunos
artistas un lenguaje que representaba cada vez menor interés en su arte.!
La abstracción de la realidad iniciada desde el afán de representación interna
predominante en el expresionismo, se convirtió en el mejor modo para tomar lo esencial
de la realidad y componer con formas más simples con tal de remitir el arte lo más
esencial. !
A través del cromatismo, el uso de lineas y colores, ademas de la geometría, el arte
abstracto o abstraccionismo aleja el arte de la imitación fiel, de la mimesis verosímil de
la naturaleza.!
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Entrada la segunda mitad del siglo, con Estados Unidos como potencia económica
benefactora de la Europa en reconstrucción, una sociedad cada vez más sumida en el
consumo y en deriva y reacción del expresionismo abstracto, el arte se devuelve a la
figuración, enalteciendo los valores iconográficos y frívolos, banalizando casi en su
totalidad el curso del arte.!
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A este arte resaltan del kitsch se le denominó Pop-art emanado justamente de la cultura
popular. Su máximo exponente fue Andy Warhol, un artista visual, diseñador gráfico que
dio a la sociedad de los años 50 en adelante, nuevos dioses y figuras a quien admirar,
dioses en tierra y palpables, adorables y humanos, modelos idealizados a seguir e imitar,
íconos del pop.!
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Lichtenstein, fue otro artista pop importante. El retomó algunas técnicas de las primeras
vanguardias suscitadas durante la primera mitad del siglo y las tradujo al arte de
consumo, por lo que su obra lleva consigo aspectos del cubismo y del expresionismo.!
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Conclusión!
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El siglo XX fue una centuria bastante compleja y difícil de ordenar, fue un siglo de fuertes
sucesos en la historia de la humanidad que marcaron el curso del mundo en el que
vivimos actualmente. Nos demuestra cómo el arte ha estado siempre en la historia del
humano y nos permite aprender a través de un reflejo complejo, sobre los distintos
momentos de la humanidad.!
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Los movimientos surgidos en el pasado siglo son consecuencia de un devenir artístico de
cientos y cientos de años; la ruptura hacia la libertad de expresarse como se quiera
expresar, del artista como éste imagine que quiere ser, pero aún así, reafirmo que el
creador no está en ningún momento apartado de su tiempo y su contexto, sino todo lo
contrario, nuestro entorno y nuestra propia realidad en todos los aspectos de nuestra vida
determinan dentro de una relación muy estrecha nuestra manera de crear. !
Comparo la época expresionista, y en general la primera mitad del siglo, en la que
muchos artistas plasmaron la deformación social y humana, traduciendo la negatividad y
el dolor del hombre en arte, con la realidad que vive nuestro país en la actualidad. Como
artista en formación: ¿Cómo puedo pensar en un mundo maravilloso cantado por Louis
Armstrong viviendo en una sociedad cada vez más decadente y enferma? creo que eso
mismo se expresó de una u otra forma en las primeras vanguardias. Tal vez en ese
entonces tuvieron las guerras mundiales y civiles, probablemente no puedo imaginar un
escenario de esa magnitud, pues no lo viví, sin embargo conozco otro escenario poco
(mas bien nada) alejado de ello, en el que la muerte a sangre fría, la violencia en su
máxima expresión y el hombre reducido a un animal sanguinario abstraído de la razón se
ha convertido en algo tan normal y de programación habitual en nuestras vidas.!
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Los escenarios atroces e inimaginables se han convertido en la plenitud de la vida que
vivimos, carente de humanidad, de valores, de luz. Vivimos un escenario del Guernica
(Picasso) a diario, y lo acogemos como normalidad.!
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En cuestión de gustos, me llevo el expresionismo y el surrealismo como favoritos.!
El expresionismo porque me identifico con su manera de concebir y expresar mi creencia
sobre la condición humana, enferma,deforme y decadente. La demencia, la emoción y la
locura que reside en mi propio ser y la contaminación de las realidades dantescas.!
El surrealismo como lo que es… al fin y al cabo está bien padre.!
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Bibliografia:!
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http://www.spanisharts.com!
http://www.metmuseum.org!
E.H.GOMBRICH LA HISTORIA DEL ARTE!
Apuntes, comentarios, reflexiones de clase.