Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación
Asignatura: Arte y Expresión.

Trabajo singular.
Técnica de Marionetas

Animador pedagógico:
THANIA TORO.
C.I.: 23583354

Mérida, 2018
 Índice
Introducción
1. Técnica.
1.1 Marionetas
1.1.1 Origen del nombre.
1.1.2 Historia.
1.1.3 Materiales para realizar las marionetas
1.1.4 El teatrillo o teatrino
2. Aplicación de Formación Estética (A.F.E.)
2.1 Aplicación de formación Estética Visual (A.F.E.V)
2.1.1 Dibujo
2.1.2 Escultura
2.1.3 Pintura
2.1.4 Diseño gráfico
2.1.5 Arquitectura
3 Textos Creativo
3.1 Cuento Ilustrado
4 Medios de Comunicación
4.1 Impresos
5 Artes escénicas. (A.E):
5.1 Danza
6 Tratamiento Curricular
6.1Estructura Curricular
6.2 Área
6.3 Bloque
6.4 Contenidos
7 Tratamiento Pedagógico
7.1 Desarrollo Integral
8 Sistema de Inteligencia.
8.1 (S.I): Lenguaje.
Conclusión
Referencia Bibliográfica.
 Introducción

La perspectiva que utilizaremos para estudiar a las artes, debe trascender

mitos y estereotipos que no permiten desarrollar aprendizajes y limitan su
apreciación. Es importante hacer notar que las artes coexisten con otras
manifestaciones estéticas que inciden en la sensibilidad, y que interactúan con
ellas.

Las artes mantienen un diálogo constante con otras disciplinas, ciencias,

tecnologías y productos de la cultura estética, como las artesanías y los
diseños. En cada período histórico las artes han cumplido determinadas
funciones sociales al generar conocimientos sobre el hombre, su sociedad,
sensibilidad y apreciación,

Así como el modo de producción y distribución de los productos artísticos

relacionándose con factores económicos, políticos, sociales e ideológicos.
Lo que veremos a continuación es una línea de tiempo donde se abordara las
técnicas de marionetas, formación estética visual, medios de comunicación
impresos, la danza, estructura curricular, área, bloque, contenidos, el desarrollo
integral, y el lenguaje.
 1. Técnica

1.1Marionetas

La técnica de muñecos manipulados con hilos era común entre los griegos y
los españoles. Una Marioneta o un títere son una figurilla o muñeco de trapo,
madera o cualquier otro material, usado para representar obras de teatro. La
palabra marioneta indica sobre todo el habla de estos personajillos.

1.1.1 Origen del nombre.

En francés, une marionette era un clérigo que en las representaciones

religiosas donde aparecía la virgen, aportaba su voz haciéndola aguda para
que pareciese femenina. Las marionetas hablan siempre con una voz aguda,
chillona y falsa; salvo los personajes malvados que hablan con voz grave pero
igualmente falsa.

Se suele usar indistintamente el nombre de marioneta y el de títere. La palabra

títere es onomatopéyica, según creen los lingüistas, por el ti-ti que hacían los
actores con un pito, al mismo tiempo que movían los muñecos.
1.1.5 Historia.

El uso de los muñecos o títeres era conocido entre los griegos, que las
Llamaban neurospasta, palabra que significa objeto puesto en movimiento por
cuerdecitas y la cual expresaba la naturaleza de la cosa. Aristóteles habla de
ellos cuando dice que si aquellos que hacen mover figuritas de madera tiran el
hilo que corresponde a éste o al otro de sus miembros, éste obedece al
momento. Se ve, continúa, cómo mueven la cabeza, los ojos, las manos; en
una palabra, parece una persona viva y animada.

Tales eran los títeres o figuritas de que se servían los romanos para divertir y
entretener al público y de los cuales habla Horacio. Figuras que, sin duda,
habían tomado los romanos de los griegos. Algunas marionetas se mueven con
hilos que unen las distintas partes de su cuerpo a una caña o cruceta, de la que
cuelgan.

1.1.3 Materiales para realizar las marionetas:

Periódico, hilo pabilo, nailon, tirro, dos piedra en forma de pie, tres tablas de
madera una de 10, 20 y 15 cm de ancho por 1cm de grosor y largo para la
cruceta , tela, pinturas, lana, cintas, cartón.
Herramientas: Lápiz, hojas, tijera, metro, regla.
Diseño: plasmar el pasamiento en hoja.
Personaje: sabemos que vamos a crear y debemos considerar, su volumen de
medida y forma.

Escultura: es el arte de moldear la creación.

Articulación: es la parte fundamental de la marioneta, el movimiento va a
depender de su articulación.
Hilado: es para que pueda ejecutar sus movimientos y trucos en el escenario.
Movimiento: le da vida al personaje.

1.1.4 El teatrillo o teatrino

Se denomina teatrillo o teatrino al espacio de representación dentro de o sobre

el cual los títeres realizan la representación de sus historias. Generalmente, el
teatrino cumple la función de representar el ambiente escénico de la historia.
Muchas veces sirve también para ocultar a los titiriteros, a fin de fortalecer la
ilusión de que los títeres tienen vida propia.

En la temprana época medieval, las representaciones de teatro de títeres

solían referirse a historias guerreras que ilustraban la toma de los castillos y las
epopeyas de caballeros y cruzados. En dichas representaciones, el teatrillo
solía tener la forma o estar decorado como un pequeño castillo. De allí tomó,
hasta nuestros días, su nombre en inglés y francés (castelet). En España se le
dio el nombre de castillo o castillejo, en recuerdo de aquellas representaciones.
Hacia el siglo XVII apareció el nombre de retablo (palabra de procedencia
eclesial) para referirse a los castillos de épocas anteriores. Las gentes de
la Baja Edad Media estaban acostumbrados a entender las historias
sagradas de la religión mediante imágenes y pinturas que se exhibían en
los retablos de las iglesias, y este modo de presentación fue copiado para
que el público siguiera de la misma manera las historias que las
marionetas les presentaban. De allí, el teatrino empezó a llamarse retablo.

2. Aplicación de Formación Estética (A.F.E.)

Proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una actitud

estética en las personas, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo
cual contribuye al desarrollo integral de la personalidad en correspondencia con
su contexto sociocultural. El ser humano en cada época, teniendo en cuenta el
ideal estético de su sociedad va a darle a los objetos cualidades que lo van a
distinguir entre lo bello y lo feo, lo trágico y lo cómico, lo sublime y lo ridículo.
Busca desarrollar la sensibilidad en las personas, fomentando la importancia
del arte y la necesidad de entrar en contacto con todas sus manifestaciones.
Además de educar a los niños para que comprendan, sientan, aprecien y
hagan arte, es decir, formar hombres y mujeres sensibles ante el hecho
artístico y creadores de sus propias obras artísticas.
2.1 Aplicación de formación Estética Visual (A.F.E.V)

Desde la enseñanza del arte se puede preparar a la sociedad para la lectura y

el uso del lenguaje visual. Y es que el arte nos puede enseñar a conocer mejor
el mundo en el que vivimos" (Megías, 2007: 84). En efecto, si en el arte ya no
existen restricciones en cuanto a su medios de producción e interpretación,
abarcando un sin fin de posibilidades a través de la cultura visual, la tecnología
y los nuevos medios, no debería tampoco existir restricciones a la hora de
hablar de Arte en las escuelas; Arte puede ser sinónimo de hacer y estar en el
mundo.

En este sentido, cabe destacar la importancia que adjudican los jóvenes al

mundo de las imágenes y a la estética en general, en la vida cotidiana y en la
incorporación y modelación de sus identidades, muchas veces de forma
inconsciente y sin orientación. Por ello en la formación estética visual se debe
dar las orientaciones fundamentales del arte y el arte visual, para que los
estudiantes puedan comprender y valorar el mundo de la estética desde una
perspectiva propia pero con bases sustentables.

De aquí la importancia de la cultura visual como una de las preocupaciones

principales de la educación artística, ya que aborda un conocimiento
comprensivo del mundo, tanto personal y colectivo impregnado de imágenes y
sobreestetizado al punto de perder los límites de la realidad y la ficción. Así se
debe ofrecer a los estudiantes una cultura visual que les permita expresarse
libremente pero que también tengan conocimientos acerca del arte y toda su
historia, de los elementos que durante toda la vida se han ido integrando a este
mundo y que permiten que hoy en día sea lo que es, desarrollar un percepción
propia pero que no se pierda entre la falta de capacidad reflexiva que en la
actualidad enfrenta el mundo.

El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien

diferenciados, que explicaremos a continuación: arte y visual. Arte es una
palabra que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a
través de las cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o
imaginario. Y el término visual que proviene de un vocablo latino que se
encuentra vinculado con lo perteneciente o relativo a la visión (sentido que
permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia de ver que tienen los
seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas naturales).

Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción

visual en la cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos
mediante elementos materiales utilizando diversas técnicas que le permiten
expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo que lo rodea
2.1.1 Dibujo
.
Es una forma de expresión gráfica que estampa imágenes sobre un soporte
real o virtual; por ejemplo: papel, madera, cartón, vidrio o a través del
computador. Considerado uno de los elementos que integran la pintura y uno
de los tipos de artes visuales. El dibujo representa el lenguaje gráfico universal
y ha sido utilizado por la humanidad desde la prehistoria.

Técnicas de dibujo:

La técnica es el procedimiento por medio del cual se busca obtener un

determinado resultado. Es entonces una serie de protocolos, normas y reglas
que se usan para alcanzar un determinado fin. Dentro del dibujo, se puede
hablar de las siguientes técnicas:

Lápices de grafito:

El grafito es un carbón natural creado a partir de la presión que la tierra ejerce

sobre la madera. El soporte que se utiliza para realizar dibujos con grafito es el
papel, generalmente blanco o de colores no muy oscuros. Los dibujos
realizados con grafito pueden borrarse con goma muy fácilmente, ya sea de
pan o goma de borrar estándar. Esta técnica recurre a las manchas y tramas
para lograr distintas escalas tonales, las cuales dependerán del tipo de papel y
lápiz que se utilicen. La podemos abarcar en dos grandes etapas: la primer se
basa en dibujar las líneas que van a configurar el esqueleto del dibujo; la
segunda, abordará el sombreado. Existen diferentes graduaciones de lápices –
como ya he dicho previamente- que van a hacer que el trazo sea más o menos
duro y van a influir directamente sobre la técnica del sombreado.

https://www.superprof.es/blog/file/2017/04/di
bujo-a-lapiz-688x500.jpg

Carbón:

Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los dibujos
en las cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy
elaborados. Si bien el carbón es madera quemada, actualmente este material
es sometido a diversos procedimientos químicos. Generalmente al carbón
utilizado para dibujar se lo denomina carboncillo y el soporte ideal para
utilizarlo son los papeles granulosos y suaves, que facilitan los frotados y
borrados y además retienen mejor al carbón. El carboncillo permite
confeccionar bocetos previos, ya que es muy sencillo de borrar, también se lo
usa para manchas y líneas de distintos grosor. Otra ventaja que presenta esta
técnica es la creación de distintos tonos a partir del difumino.

http://www.tiposde.org/img/tecnica2.jpg

Sanguina:

La sanguina, compuesta por una barra de pigmentos en polvo, es una técnica

muy utilizada para la realización de retratos, paisajes, esbozos desnudos y
vestimenta ya que permite resaltar con facilidad las expresiones y formas. Por
medio de esta técnica se logra crear el efecto de imágenes a todo color
utilizando sólo tres: negro, blanco y sanguina. Los dibujos realizados se
destacan por su suavidad, calidez y luminosidad.

http://www.tiposde.org/img/tecnica3.jpg

Lápices de colores:

Los lápices se caracterizan por su sensibilidad a la superficie del soporte, por lo

que los resultados variarán según el tipo de papel que se utilice. La ventaja de
esta técnica que la diversidad de efectos que permiten crear, desde dibujos
sumamente detallados con una vasta gradación tonal hasta bocetos de suaves
tonalidades.

http://www.tiposde.org/img/tecnica4.jpg
Tinta:

La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo

que da la posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza
en esta técnica debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes.
La pluma en la que se introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas,
caracterizadas por ser permanentes y fijas.

https://www.superprof.es/blog/file/2017/04/tecnica-pluma-y-tinta-695x500.jpg

Tipos de Dibujo:

Dibujo Artístico: El "Dibujo Artístico" se define como el tipo de dibujo que sirve
para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones.
El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de
acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno.
Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y
naturales.

Dibujo Técnico: Se dice que el "Dibujo Técnico" es el lenguaje gráfico

universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión
precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las
aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que
se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se
subdivide en "Dibujo Técnico Especializado", según la necesidad o aplicación
los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se
caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente
normalizada legalmente.
Dibujo Geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas.
Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza
estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las
Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -
bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la
mano sobre el plano.

Dibujo Mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de

piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos,
aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un
mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son
llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de
pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas
para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.
Dibujo Arquitectónico: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos
ubicamos en la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios
físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a escala de
reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como
finalidad ayudar al hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con
su ambiente, forma parte de lo que en fenomenología explica el porqué, según
las experiencias humanas, se logra una mejora en la calidad de vida. La
arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad y del individuo
colectivamente.

El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las

cuales realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas,
autopistas etc... Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus
respectivos detalles, ajuste y correcciones.

2.1.2 Escultura

(del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística consistente en

tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con
volumen. Esto quiere decir que, a diferencia de la pintura, que es bidimensional
y plana, las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de
frente sino desde distintos puntos. La escultura prehistórica es realizada
principalmente en piedra y hueso. Como primeras manifestaciones de escultura
prehistórica encontramos utensilios y plaquetas de marfil, y hueso grabados,
además de ser un arte mobiliar, realizado principalmente con piedra y hueso,
materiales empleados por el hombre primitivo.

Clases de Esculturas:

Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión,
estas tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas
piezas en diversas culturas y en diversos momentos de la historia. De hecho es
uno de los materiales que los escultores más estiman por los excelentes
resultados que permiten obtener y por la facilidad con la que se puede manejar.
Se presentan en formas muy variadas, sean estás representaciones realistas o
abstractas. Muchas veces estas obras no son pintadas, para poder apreciar
sus colores naturales y en caso de decidir colorearlas es preciso elegir la
pintura adecuada para cada tipo de madera.

http://www.dogguie.net/wp-content/uploads/2009/07/esculturas-curiosas-madera-09.jpg

Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia

prima. Sin embargo resulta muy difícil de manipular. Para ello son utilizadas
diversas técnicas, la más importante es a basa de cera. Con este material se
realiza un molde, cubierto con barro. El bronce es derramado sobre el mismo y
la cera se derretirá, pero el metal adquirirá su forma.
Su uso más común se relaciona con fuentes, grandes monumentos, entre
otros.

Atleta victorioso o atleta de Fano (ca. 310 a. C.), uno de los

escasos bronces griegos antiguos preservados en el fondo del
mar.

https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_en_bronce

Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Estas
técnicas se difundieron por toda Europa varios siglos después por medio de los
fenicios y griegos. Durante mucho tiempo fue utilizada con diversos fines sean
decorativos o para la fabricación de herramientas o armas. Sin embargo fue a
partir del Renacimiento cuando adquirió un carácter artístico y durante la
modernidad comenzó a ser muy importante.

Una de las técnicas más importantes es el repujado, básicamente a través del

impacto de varas o chapas de hierro, se encuentre este caliente o frío, se
modela el material. Además son muy utilizadas las técnicas de soldadura.
https://i.pinimg.com/originals/41/94/02/41940252f637dd1f7322b31490cd0aff.jpg

Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el

mármol. Se considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra
fueron creadas durante el renacimiento. Algunos de los artistas más
reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci.

Las herramientas que se usan deben ser cortantes. Los golpes pueden ser
ejercidos directamente sobre el material o con la ayuda de algún mazo o
martillo. La herramienta más utilizada es el puntero, su extremo es en punta y
es usado para realizar agujeros. También son muy utilizadas las gubias,
taladros y cinceles.

Los temas que se abordan desde la escultura de piedra en el continente

europeo durante la antigüedad suelen ser limitados a la vida religiosa y civil,
sobre todo en cuanto a la política. En otras culturas, como la egipcia o
mexicana hay mucha presencia de animales, sobre todo de gatos en el primer
caso y monos en el segundo. Hoy en día el arte de las esculturas de mármol se
encuentra mucho más diversificado, incluyendo formas abstractas.

Es el Monte Rushmore, y se encuentra en

Keystone, Dakota del Sur. Representa los
primeros años de historia de los Estados
Unidos, con la imagen de sus cuatro
presidentes: George Washington, Thomas
Jefferson, Theodore Roosvelt y Abraham
Lincoln. Fue obra de Gutzon Borglum
ayudado por 400 trabajadores. La obra duro
14 años, y el murió pocos meses antes de su
conclusión, que fue el 31 de octubre de 1941.
Su propio hijo la acabo.

https://ugc.kn3.net/i/origin/http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/10/Mount_R
ushmore_National_Memorial.jpg/800px-Mount_Rushmore_National_Memorial.jpg
2.1.3 Pintura

Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con

otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera,
un fragmento de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una
composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra
de arte según algunos principios estéticos. La pintura es una de las
expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En estética
o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que
comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una
categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material,
incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las
técnicas digitales.

Géneros Artísticos:

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la
presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado
también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de
arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y
Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su
mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena
representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real.
Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores
donde se veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas
mitológicas.

Pintura histórica: La pintura histórica era considerada grande genre e incluía

las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos,
era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje
intelectual o moral.

Entierro del Conde de Orgaz (1586-

1588), de “El Greco” Doménikos
Theotokópoulo. Se puede considerar
dentro del género de pintura histórica:
describe una leyenda local según la
cual elconde fue enterrado por sant
Esteban y san Agustín. En la parte
inferior, se describe un enterramiento
con la pompa del siglo XVI; en la parte
superior, está representada la Gloria y
la llegada del alma del conde.
https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcR3iFm5utqm36AtT1SgP-eLHmdIFATiYwuYoKxbyyCv-
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Retrato: Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación

ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a
semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la
vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y
poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de
retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo
de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se
retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido
con sus más de sesenta autorretratos.

Retrato de El doctor Paul Gachet (1890) por Van Gogh.

Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los

principales exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900
cuadros y realizó más de 1600 dibujos. Nació el 30 de marzo de
1853 Países Bajos y murió el 29 de julio de 1890, Francia.

https://imgc.allpostersimages.com/img/print/posters/vincent-van-
gogh-dr-paul-gachet_a-G-7863830-4988858.jpg

Pintura de género: La pintura de género o «escena de género» es el retrato

de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y
contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista».
Pintura de género: Boda campesina (1568) por Pieter
Brueghel el Viejo.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQCmkiqoeJ79_-
_4TvyzXxpf1r3KxkPXsTGiiHGoqCFBz32FXyn

Paisaje: En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se

encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen
elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de
botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la
aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y
a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una
manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que se
caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos
típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca.

Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa Lucía del

Gran Canal (siglo XVIII) por Francesco Guardi.
Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la
naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas,
flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede
decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la
antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los
frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de
siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta.

Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por

Caravaggio.

Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor italiano

activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de
1593 y 1610.

https://i.pinimg.com/originals/1b/ca/5a/1bca5ac149971c2108a
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Desnudo: El desnudo es un género artístico que consiste en la representación

del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones
académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el
desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la
mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como
representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua
Grecia.

El Juicio de Paris (1904) de Enrique Simonet.

Técnicas de Pintura:

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan

los pigmentos en el soporte a pintar.

Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco,

mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se
secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se
forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla
cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las
siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y
profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las
proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie
pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o
brillante.
 El dos de mayo de Francisco de Goya.

https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTZcMpS7HNuTi9qHwvN
Us5slWr-imMYHydCCg235qXs8Wc_saoP

Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica,

que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura
que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La
mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica
con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se
hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida
(que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta
operación se llama «encaustización» y está perfectamente descrita por Vitruvio
(c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una capa de cera caliente sobre
la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.»

https://i1.wp.com/totenart.com/tutoriales/wp-content/uploads/2016/05/tutorial-ceras-y-acuarelas-
tecnica-mixta-totenart.jpg?resize=1000%2C725&ssl=1

Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores

diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad
de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que
actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con
goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas
transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que
se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y
espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y
la transparencia de los colores.
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela
sobre papel, 1798-99
https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTS0WQhZEFmfwMAcfE2UCE4ncWEd2iv22alOQmvyCVaExG-jiYA

Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene

una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al
pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo
diferencia de la acuarela.
La Animita del camino. Pintura de Javier Arturo Molina
Henriquez
https://artelista.s3.amazonaws.com/obras/big/7/6/9/99927
01264284612.jpg

Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que

los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado.
Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

León. (Impresionismo).

https://i.ebayimg.com/images/g/OAcAAOSwXY5ZUcEd/s-
l300.jpg

Pastel: La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas

barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente
goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y
compacta. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del
pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar alfinalizar el dibujo
fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el
«crayón» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se
puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la
barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta
técnica desde el siglo XVI, Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en
utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans
Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.
 El barreño, Degas, pintura al pastel.

Caja de barritas de Pastel

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRkl3moVwAs0m3PT79jItu_ShMjt-Skf_Yn61xocGeACtJO0cZr

Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua,

clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo
con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente
agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple.

El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fue pintado

con la técnica del Temple. Botticelli fue un pintor
renacentista, nació y murió en Florencia, Italia (1 de
marzo de 1445/ 17 de mayo de 1510).
http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-
content/uploads/2008/06/nacimientodevenus_temple.jpg

Fresco: Técnica o arte de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a

la cal y empapados de agua sobre un muro con revoque de yeso todavía
mojado. Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga duración, aunque
se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas, la más
frecuente es la humedad que consigue la alteración de los colores ante la
disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.
Giotto di Bondone - Beso de Judas

http://www.theartwolf.com/imagenestAW/Giotto_Kiss_of_Judas_s
crovegni.jpg

Puntillismo: El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por

el estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste
en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica
de pinceladas sobre el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los
colores, la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la
posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia
del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.
 Georges Seurat: La Torre Eiffel

https://i.pinimg.com/originals/86/f2/9e/86f29eabdace49d029291ee3bf9fd7eb.jpg

Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se

consigue con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de
pintura, es la técnica pictórica característica de la «action painting»
estadounidense (pintura de acción). La pintura se realiza por el artista
caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con el mismo
bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente esmalte, que es
el que forma las manchas sobre el
soporte.
Esta obra de Jackson Pollock fue
compuesta entre los años 1943-1947,
etapa caracterizada por el action-painting

https://xgfk13ist.files.wordpress.com/2014/
01/mffin.jpg

Grafiti: Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza

pulsando el botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite
pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura
conseguida de esta manera se le denomina grafiti. A finales del año 1970 se
empezaron a ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez más
elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos
artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la superficie que se quiere
pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque
lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.
Graffiti-Mural por Puçol(Valencia)
https://3.bp.blogspot.com/-hlKaIFY6hzE/VdeFQU_rAII/AAAAAAAAS0s/hA-z7YElNfc/s1600/2.JPG

Collage: Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas

clásicas como el óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos.

Pablo Picasso. Naturaleza muerta con silla de

rejilla(1912). Decide pegar directamente sobre el lienzo
la rejilla de la silla en vez de pintarla.

https://i.pinimg.com/originals/e5/8e/10/e58e1030578ef3
a62224fdd70d31d73f.jpg

2.1.4 Diseño gráfico

Se denomina diseño gráfico a la actividad dedicada al desarrollo de contenidos

que permiten entablar una comunicación visual. El diseñador elabora un
mensaje con un objetivo específico, orientado a un público determinado. Los
diseñadores gráficos son los responsables de que la información llegue, a
través de un soporte visual, de manera clara y atractiva al receptor. El diseño
gráfico aparece en múltiples ámbitos: desde el sector de la publicidad hasta
Internet, pasando por la industria editorial, los envases y la señalética.

Hoy el diseño gráfico suele desarrollarse con instrumentos digitales, haciendo

uso de computadoras (ordenadores) y programas informáticos (software). El
diseñador, de esta forma, puede generar y modificar ilustraciones,
composiciones de páginas, carteles, etc.

Historia del Diseño Gráfico:

El ser humano se ha comunicado a través de señales gráficas desde la

Prehistoria. Por eso, en cierta manera, el hombre siempre se dedicó a este tipo
de diseño, aunque actualmente cuenta con más herramientas y conocimientos
técnicos que décadas atrás.

Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño

gráfico, algunos lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden
que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX. Entre 1891 y
1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos
gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y
fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento
estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris
demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico.

Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la

composición del diseño gráfico, un elemento importante en relación a la
práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento
comunicacional. Este elemento apareció sobre todo en los diseños producidos
por el Dada y el De Stijl.

1.3.4.2 Percepción:

Para estudiar los elementos básicos del diseño gráfico primero hay que tener
conocimiento de las leyes que rigen la percepción para poder elaborar un
diseño con calidad. Este conocimiento es esencial pues ayuda al diseñador ver
e identificamos la línea, el color, el contorno, la textura y el entorno que tienen
las cosas. Si sabemos cómo es el proceso de percepción física y psicológica
de los objetos, podremos tener más elementos para poder influir en el receptor
de nuestro trabajo de diseño.

Todas las percepciones comienzan por los ojos, permitiéndonos tener una
mayor capacidad de recuerdo de las imágenes que de las palabras, ya que las
primeras son más características y, por lo tanto más fáciles de recordar. La
percepción está condicionada por el aprendizaje o conocimiento previo que
tengamos de los objetos. Nuestro cerebro tiene tendencia a ubicar los
elementos dentro de los parámetros referenciales que nos hemos construidos a
través de la experiencia previa o conocimiento.

https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTtJWis_8LeZG3ZDoOaJPLTro1KWsXiF6Jwl93hr
r2Gj-Y9o7BKug
Elementos básicos y sus características:

El punto: Se le denomina punto a la señal de dimensiones pequeñas,

ordinariamente circular, que, por contraste de color o de relieve, es perceptible
en una superficie. En sentido gráfico, el punto es una superficie materializada,
es decir reconocible por el ojo humano; es la unidad gráfica más pequeña.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQ-
Sqt4exqjrY3Pvf_Odu8cYWgpaos0g9_tske5w_yH5XjSu-rc

La línea: puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o
como la unión de dos o más puntos. A su vez es una suma de puntos que son
conectados en el espacio.

http://s3.amazonaws.com/bundlr-app-
production/content_images/images/large/51d4a435cd18dd0002000005/02-linea.jpg?1372890165

El contorno: Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un

mismo punto. La característica principal del contorno es que son estáticos o
dinámicos dependiendo del uso que se les dé o de las diferentes direcciones
que éste adopte. Cada uno de ellos tiene su carácter específico y se les
atribuyen diferentes significados. Los contornos básicos, por tanto, son estos
tres: El círculo, el cuadrado, el triángulo.

https://image.slidesharecdn.com/ud5color-140210151341-phpapp02/95/fundamentos-creativos-y-tcnicos-
del-diseo-grfico-el-color-y-la-imagen-28-638.jpg?cb=1392045302

Plano y textura

El plano: permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos

delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.
https://eduartist.files.wordpress.com/2009/02/plano.jpg

La textura: Consiste en la modificación o variación de la superficie de los

materiales utilizados, ya sea de una forma visual o táctil. La reunión de puntos
sobre una superficie es considerada como trama o textura, pues se produce un
efecto colectivo tonal segun la densidad y/o tamaño de los puntos.

Color: El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden

además emplear tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias
de percepción con propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.

http://www.geeknsn.info/wp-content/uploads/2015/11/lapiz-de-color-1080x1080.jpg

Herramientas digitales para el diseño gráfico

Durante la última década ha cambiado por completo el proceso de producción

editorial, y como se preparan los textos y gráficos que constituyen las
publicaciones impresas o digitales. Los sistemas digitales se han impuesto por
completo.

Adobe Photoshop

Adobe Photoshop es el programa de manipulación de imágenes más vendido

de todo el mundo, en más de 100 idiomas. En su plataforma ofrece diversas
herramientas muy específicas para poder editar cada elemento de una imagen
digital. Este programa forma parte del paquete de Adobe denominado Adobe
Creative Suite, que a su vez contiene también Illustrator, InDesign, Flash,
Acrobat Pro, Dreamweaver, entre otras herramientas útiles. Este software se
utiliza principalmente para realizar retoques fotográficos, pero también es muy
usado para la realización de diseños web, y para la creación de cualquier tipo
de diseño gráfico que puede incluir una tarjeta de presentación o un panfleto.

http://www.utdallas.edu/oit/newsletter/archives/2017/01/images/Photoshop-600x325.png

Adobe Illustrator
Adobe Illustrator es un programa que crea imágenes digitales usando
parámetros matemáticos. No es recomendable para dibujo técnico, aunque
podría realizar trabajos relacionados con sus herramientas. De hecho, está
diseñado para la elaboración de logotipos, ilustraciones, tipografías,
documentos sencillos como tarjetas de presentación.

Crea dibujos trazando líneas rectas y curvas, cerrando contornos y llenándolos

de color. Permite agregar fotos y textos aunque esta función no es su fuerte. Se
complementa con Photoshop, que es un programa para editar fotos, ajustarlas
y generar efectos especiales. El programa también te permite crear un diseño a
partir de plantillas que abarcan desde boletines, membretes y sitios Web hasta
menús de DVD y también botones de vídeo.

https://wwwimages2.adobe.com/content/dam/acom/en/produ
cts/illustrator/max2017/images/ai-feature-thumb-
1_416x207.jpg

URL2PNG
Esta herramienta es útil para ordenadores con pantallas muy pequeñas, y esto
permite apreciar como se ve un sitio web al completo. Gracias a esta
herramienta únicamente tendremos que brindar la dirección del sitio web que
necesitemos hacer una captura de pantalla, y obtendremos una imagen total
del sitio en formato PNG. Es una aplicación web muy útil para los diseñadores
gráficos que se dediquen a elaborar diseños de páginas web, ya que obtendrán
una imagen preliminar sin importar el sistema operativo o el navegador que
estén utilizando.
https://host.easylife.tw/pics/201411/url2png.jpg

Pixie
Este es un programa que sirve como selector de color para todos los
ordenadores que tengan instalado alguna versión del sistema operativo de
Microsoft Windows, entre otros. De hecho, estos últimos años se ha dado una
tendencia a engordar estos programas, añadiendo prestaciones, de modo que
pueden llevar a cabo tareas de casi las tres bases de la auto edición
comentadas. La consecuencia principal ha sido la aparición de programas,
innecesariamente complicados, devoradores de recursos y lentos, que a veces
hacen añorar las primeras versiones, más rápidas simples y fiables, y con un
mejor enfoque en trabajos específicos.

Las reglas básicas del diseño son aplicables también al diseño digital. La
simplicidad, consistencia, una buena composición, son una garantía de buenos
resultados, como lo eran antes de la invención de los ordenadores. Dentro de
la nueva era digital, tanto en el campo de la fotografía cómo en el diseño
gráfico, cada vez se utilizan más las nuevas tecnologías, la informática, los
ordenadores y los equipos digitales en general.

https://screenshots.en.sftcdn.net/en/scrn/29000/29006/color-scheme-designer-4.jpg

2.1.4 Arquitectura

Es la disciplina o arte encargado de planificar, diseñar y levantar edificios.

Desde esta perspectiva, es correcto decir que la arquitectura influye
considerablemente en la existencia humana, al dedicarse a la construcción de
las viviendas y espacios donde esta se desarrolla cotidianamente. No obstante,
al catalogarla como arte, es menester señalar que además debe considerarse
que la arquitectura tiene una finalidad estética y expresiva.

Inicios de la Arquitectura

Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la

materia, De Architectura, de Vitruvio, en el siglo I a. C., se dice que la
arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza
(Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces,
como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los
otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin
aceptar estos tres aspectos.

Principales Tipos de Arquitectura

Arquitectura Histórica o estilística: Se denomina así a aquella arquitectura

que ha surgido a través del tiempo en diversos lugares y tiene sus propias
características y sus propios estilos arquitectónicos Suelen clasificarse
dependiendo del periodo dominante en cuanto al estilo, en donde ejerció
influencia dicho tipo o estilo arquitectónico. Dentro de este tipo está los
monumentos y edificaciones del tipo público, como religiosos o militares, y los
de tipo particular, como las casas particulares. Los historiadores del arte son
los que se dedican a estudiar esta arquitectura y los que clasifican los estilos
artísticos que se relacionan con tal o cual estilo arquitectónico, durante un
determinado periodo histórico, teniendo en cuenta el estilo artístico
predominante en la época.

http://4.bp.blogspot.com/-IKP-
IACcos4/T6RDULt9J6I/AAAAAAAAADE/A5yCJoA_olw/s1600/arqhistoricaoclasica.jpg

Arquitectura Popular o tradicional: Se denomina así a aquellas

edificaciones que son realizadas por la propia gente o por artesanos que
poseen poca instrucción, como albañiles, aprendices y peones, quienes
realizan construcción de casas, para vivir o para el ganado, de tipo rural, sin
grandezas, para un uso cotidiano y sencillo, construidas materiales como
madera, piedra etc, variando según los países, el clima de la región o el estilo
local.

https://i.pinimg.com/originals/88/06/ed/8806ed96c1bace06a49f5e6c0d876cbe.jpg

Común o vulgar: Se denomina así a aquellas construcciones cuyo único

objetivo es tener una utilidad, satisfacer de una forma útil para la cual está
diseñada, de una manera práctica, sin contar con la historia o que sea artística,
ni pensando en la tradición de la región, solo pensando ser práctica y en
muchas ocasiones suelen ser construcciones de un carácter sobrio e incluso
monótono, ajeno a la arquitectura artística propiamente.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcSEVj8RoMO6H4mlyrlc7dTgO1yl5h81KD3VYcE-
aIAupeHFaEZb

Arquitectura contemporánea: cuyas primeras manifestaciones aparecieron

en varios centros durante la segunda mitad del siglo XIX. La arquitectura
contemporánea se refiere a las tendencias de diseño actual por lo que su
principal característica siempre es la innovación, basándose en los principios
de lo moderno sin la necesidad de que se parezcan estéticamente.

En definitiva la arquitectura contemporánea estudia las construcciones

modernas e intenta reaccionar a ellas proponiendo nuevas soluciones
arquitectónicas. Así, los arquitectos actuales se debaten entre rescatar valores
modernos y renovarlos o romper completamente con los paradigmas modernos
y proponer proyectos totalmente nuevos.

El Burj Khalifa (Torre Dubái), es la parte central de un desarrollo más

complejo conocido. El arquitecto redactor principal del proyecto es Adrian
Smith, que trabajó junto a la firma Skidmore, Owings and Merrill (SOM)
hasta 2006. La construcción comenzó el 21 de septiembre de 2004,
siendo su inauguración oficial el 4 de enero de 2010. Tiene una alura
828m2 y es el rascacielos más alto del mundo.
 3. Textos Creativo

3.1 Cuento Ilustrado

Es un relato breve y artístico de hechos imaginarios. Son esenciales en el

cuento el carácter narrativo, la brevedad del relato, la sencillez de la exposición
y del lenguaje y la intensidad emotiva.

Es el conjunto de la imagen gráfica y el relato literario; de alguna manera

ambas manifestaciones artísticas se complementan: la ilustración prolonga el
sentido de relato y el relato busca las orientaciones que conducen a la fantasía
por el camino de lo nuevo y diferente. Un libro ilustrado ofrece a los lectores
placer, entretenimiento y sobre todo una experiencia creativa y estética.

Si damos a los niños, desde edades tempranas, libros ilustrados sus

capacidades intelectuales y artísticas se verán estimuladas y se desarrollarán
precozmente sus facultades de crítica y su afición y amor al arte y a la belleza.
La imagen en los libros para niños no es sólo una propuesta estética, es un
modo de comunicación. A través de las ilustraciones de los cuentos, los
lectores, desde muy pequeños, pueden conocer el mundo que les rodea, o
trasladarse a espacios de ficción. El ilustrador se expresa en imágenes, intenta
transmitir realidades estéticas por medio de un determinado lenguaje.

Así, será necesario que los lectores descubran la manera de percibir e

interpretar lo que el ilustrador quiere contar. Para ello, el niño debe ver, desde
muy pequeño, multitud de imágenes variadas en cuanto a estilo, técnica,
contenidos, etc., de manera que se vaya formando como lector de imágenes y
se familiarice con ese código.

En un libro ilustrado, la imagen es lo primero que el lector ve, es la primera

impresión de la historia. Tiene varias funciones:

Crea la atmósfera de la obra: los colores, la técnica que el ilustrador utiliza, nos
indican el ambiente en que se sitúa la historia. Aporta información al lector
sobre el entorno, los personajes, etc.
Da el tono. Las ilustraciones nos sugieren el contenido humorístico, poético,
irónico, del cuento.
Provoca al espectador en su sensibilidad más íntima, poniendo en escena
situaciones que favorecen tomas de postura en relación con lo expuesto por el
autor.
Ofrece la oportunidad de un diálogo. El lector mira la imagen y ésta a su vez
penetra en el lector, produciéndole sensaciones, como risa, miedo, sorpresa,
ternura...
Por tanto, la ilustración en los libros infantiles no es un adorno, ni pretende
facilitar la lectura de los textos. Ofrece una nueva lectura que sobrepasa los
límites del texto y que no se realiza de forma lineal, sino que permite un
trayecto más libre, donde el lector es quien elige los detalles en que recrearse.
A diferencia del cine o la televisión, el niño puede dominar el ritmo del
movimiento y dedicar el tiempo que quiera a un detalle, un personaje o una
acción que le atrae. Con los más pequeños, hay que prestar atención a las
imágenes para que sean claras, evitando romper esa línea comunicativa. No se
trata, sin embargo, de ofrecer ilustraciones pobres, siempre iguales, sino otras
que le proporcionen caminos nuevos que le ayuden a crecer como lector.

4 Medios de Comunicación

4.1 Impresos

Los medios impresos han sido fundamentales en el desarrollo de la cultura

humana. Los medios impresos de comunicación son muy antiguos, los pueblos
de la antigüedad dejaban constancia de su vida y costumbres utilizando
papiros, códices, pinturas, estelas jeroglíficas. Con la invención del alfabeto,
aprender a leer y escribir fue más fácil y la comunicación impresa estuvo al
alcance de más personas.

Con la introducción de la imprenta la producción de libros se multiplicó. En

Alemania, más de 150 años después apareció por primera vez un diario. Los
diarios circulan todos los días, en ellos podemos encontrar información de todo
tipo, desde política hasta deportes, pasando por economía, espectáculos,
viajes, gastronomía, cultura .Las revistas, en tanto tienen una circulación
semanal, quincenal o mensual, según sea el caso, existen revistas
especializadas en los múltiples aconteceres de la vida nacional e internacional
como la moda, política, deportes, cultura, cine, etc. Desarrollo de las
innovaciones más importantes que han ayudado al desarrollo de los medios
impresos.

En 1939, Howard Aiken (1900-1973), graduado de física de la Universidad de

Harvard, logró un convenio entre dicha universidad e IBM, por el que un grupo
de graduados inició el diseño y la construcción del primer computador
americano, del tipo electromecánico -basado en electroimanes. El Mark I
comenzó a funcionar en 1944. 1971 -Intel construye el microprocesador, "una
computadora en un chip".1981-IBM lanzó al mercado el IBM PC, diseñado por
doce ingenieros dirigidos por William C. Lowe.

La Imprenta

Durante los siglos de la Edad Media, junto con la invención del papel, los
chinos dieron los primeros pasos en el desarrollo de la imprenta. Buscaron un
procedimiento que, en lugar de copiar los escritos a mano, les permitiera
obtener muchas reproducciones iguales de un mismo original. La solución fue
labrar los caracteres de una página en una plancha de madera, de manera que
éstos sobresalieran. Después entintaban la plancha y aplanaban sobre ella
hojas de papel. Como ves, es un sistema parecido a los sellos de hoy en día.
Siglos más tarde, cada signo se labraba en un trozo separado de madera, que
se combinaba con otros para formar expresiones. El sistema era más rápido,
aunque la enorme cantidad de caracteres de la lengua china dificultaba las
cosas. Los primeros libros, calendarios y noticias se imprimieron con estos
procedimientos.

Las Revistas

La revista es un medio de comunicación impreso que aparece cada cierto

tiempo y casi siempre dedicado a temas específicos. Los almanaques, de las
más variadas formas, provienen de la antigüedad y, en muchos países, fueron
probablemente las primeras formas de literatura escrita. La aparición de
publicaciones periódicas que no fueran meramente informativas data del siglo
XVIII en forma de piscatores o almanaques, que se editaban por años y en los
que se daban datos útiles sobre el clima, las comunicaciones, la población y
otros temas informativos, junto con prosa literaria y poemas de breve
extensión. Su finalidad era amenizar el ocio de los lectores.

También del XVIII es la institución del semanario o censor, que incluía

descripciones de modas y costumbres, acompañadas de crítica social y moral.
Si bien su objeto no era literario, a veces la calidad de sus prosas alcanzaba tal
carácter. Los espectáculos también promovieron la publicación de revistas que,
junto con las noticias y reseñas del acontecimiento, podían servir para acreditar
una tendencia literaria. En 1804, Andrés Miñano fundó, sin demasiada
repercusión, un Diario de los Espectáculos, revista que defendía los ideales del
clasicismo ilustrado y en la que, entre otros, escribió Leandro Fernández de
Moratín.

Hoy en día es de los medios escritos más vendidos y utilizados. Tienen una
circulación semanal, quincenal o mensual, según el caso, existen revistas
especializadas en los múltiples aconteceres de la vida nacional e internacional
como la moda, política, deportes, cultura, cine, etc.

A lo largo del siglo XX, la publicación de revistas se fue consolidando como

actividad altamente rentable en todo el planeta. Probablemente el país en que
más revistas se publican en la actualidad sea Japón —donde existen varios
millares de revistas distintas—, seguido de los Estados Unidos. De todas
maneras, debido al aumento del costo del papel, la impresión y la distribución,
y del surgimiento de la televisión que restó a la prensa escrita gran parte de sus
lectores y anunciantes—, muchas revistas se cerraron en las décadas de 1960
y 1970. Sin embargo, la mayoría de las revistas especializadas y de gran
calidad, como Scientific American (1845), National Geographic (1888) y Art in
América (1913) no acusaron en demasía esta situación competitiva y sus
ventas se han mantenido a pesar del clima general de reducción del mercado.

Diario y Periódico

Durante la Edad Media el periodismo comenzó con personas denominadas

"juglares", que eran peregrinos que iban de posada en posada dando
información verbal de todo lo que ocurría.

El diario es medio de comunicación impreso, de aparición diaria, que contiene

información sobre todas las áreas temáticas de interés general. Entrega
información, opiniones, análisis y artículos entre otros. Los periódicos son
publicaciones editadas normalmente con una periodicidad diaria o semanal,
cuya principal función consiste en presentar noticias, al igual que los diarios.
Los periódicos también contienen comentarios sobre éstas, defienden
diferentes posturas públicas, proporcionan informaciones y consejos a sus
lectores y a veces incluyen tiras cómicas, chistes y artículos literarios. En casi
todos los casos y en diferente medida, sus ingresos económicos se basan en la
inserción de publicidad.

A pesar de la aparición del cine a principios del siglo XX, de la radio en los
años veinte, de la televisión en los cuarenta y de nuevas tecnologías como
Internet, los diarios y periódicos siguen constituyendo una fuente primordial de
información.

Los Periódicos Modernos

En la rotativa, las planchas de impresión se disponen alrededor de cilindros

giratorios. Esta imprenta utiliza el proceso de relieve, que durante muchos
años, ha sido el método de impresión más común para la tirada masiva de
periódicos, libros y revistas. El crecimiento de los periódicos se vio favorecido
también por otros avances tecnológicos. La aparición de la primera linotipia a
mediados de 1880 aceleró la composición al permitir fundir automáticamente
los tipos en líneas. Se fueron perfeccionando las rotativas y las tiradas de los
periódicos en las grandes ciudades alcanzaron las cotas de cientos de miles de
ejemplares. En la actualidad, los grandes periódicos tienen redacciones
especializadas. Además del equipo de noticias, con reporteros y editores,
también disponen de equipos numerosos en los departamentos de publicidad,
circulación y producción. A fin de hacer frente a la competencia de los
reportajes en directo de la radio y la televisión, los periódicos han adoptado un
enfoque más analítico; presentan una información exhaustiva en torno a las
noticias, sobre todo desde la expansión de los noticiarios en televisión de los
años sesenta. En los últimos años del siglo XX los principales periódicos de
todo el mundo han entrado en el universo de Internet, con redacciones
específicas cada vez más numerosas, información constantemente renovada y
un número de visitas que cada día supera más a la tradicional tirada del papel
impreso. El Daily Telegraph fue el primero en lanzar en 1994 este avance
tecnológico en el Reino Unido al sacar el Electronic Telegraph.

5 Artes escénicas. (A.E):

5.1 Danza

Se emplea para referir un baile, es decir, justamente con el término de baile, la

palabra que nos ocupa es empleada para denominar aquel tipo de arte que se
caracteriza por movilizar nuestro cuerpo al ritmo de una música, que es la que
marcará la intensidad de ese movimiento. Cabe destacarse que la danza puede
ostentar una finalidad artística, de recreación, entretenimiento o religiosa.

• Danzas tradicionales y folklóricas en este caso, bajo dicha

denominación se encuentran aquellas que son fruto de la cultura popular
de una población y que se entienden como parte fundamental de su
riqueza etnográfica.
• Danzas clásicas o ballet desde tiempos inmemoriales hasta nuestros
días se practican este tipo de danzas que se identifican por el hecho de
que quienes las llevan a cabo a cabo realizan movimientos ligeros,
armoniosos y perfectamente coordinados.

• Danzas modernas los jóvenes son los que practican y desarrollan este
tipo de danzas que, en muchos casos, llevan asociadas una manera de
entender la vida e incluso de vestir. Entre las mismas se encuentran el
breakdance, el popping, el funky, el jumpstyle, el moonwalk o incluso el
rock and roll

• Danzas etnica se baila como expresión de feminidad, de alegría, de

identidad frente a los demás, de pertenencia a una etnia, de las cosas
que están en constante transformación.

• Danza popular es la danza tradicional de los pueblos basados en sus

propias músicas y símbolo de festividades religiosas y profanas
 6 Tratamiento Curricular

6.1Estructura Curricular

6.2 Área
Las Áreas Académicas establecidas para la Primera Etapa del Nivel de
Educación Básica son las siguientes: Lengua y Literatura, Matemática,
Ciencias de la Naturaleza y Tecnología, Ciencias Sociales, Educación Estética
y Educación Física.

6.3 Bloque
En el Diseño curricular del Nivel de Educación Básica los contenidos se han
organizado en Bloques de Contenido. Estos bloques constituyen un elemento
organizador de los contenidos de las distintas áreas académicas, guardan
estrecha relación con lo planteado en los objetivos de etapa y de área.

6.4 Contenidos

Son el conjunto de los saberes relacionados con lo cultural, lo social, lo político,

lo económico, lo científico, lo tecnológico, etc., que conforman las distintas
Áreas Académicas y Asignaturas, cuya asimilación y apropiación por los
alumnos es considerada esencial para su desarrollo y socialización. Ejemplo
según el currículo Básico de la Educación en Venezuela.

7 Tratamiento Pedagógico

7.1 Desarrollo Integral

El desarrollo integral del niño y la niña se entiende como una serie de procesos
que se inician desde la etapa embrionaria, caracterizados por cambios y
transformaciones que se suceden y continúan hasta la adultez en las áreas
física, cognitiva, lenguaje, psicomotora, moral, sexual, social y afectiva. En el
desarrollo psicológico pueden distinguirse tres ámbitos distintos: el desarrollo
cognitivo, emocional y social, los cuales no pueden plantearse como entes
separados, puesto que están fuertemente interconectados, recibiendo
influencias mutuas y retroalimentándose con gran fuerza.

El desarrollo cognitivo en el niño: Para que se produzca el desarrollo

cognitivo y por lo tanto también la inteligencia del niño pueda madurar con
normalidad, tiene que existir una base biológica sana, así como también una
ambiente favorecedor y estimulante. Una de las principales teorías sobre las
etapas del desarrollo de la inteligencia en el niño es la del psicólogo suizo Jean
Piaget. Según esta teoría, el desarrollo cognitivo es una reorganización
progresiva de los procesos mentales como consecuencia de la maduración
biológica y la experiencia ambiental.

En relación a la educación estética, esta permite que los niños desarrollen una
toma de conciencia progresiva de sí mismos y del medio ambiente, les permite
comprender las manifestaciones artísticas existentes, desarrollar las áreas
sensoriales (vista, oído, tacto), percibiendo de una maneras más amplia el
mundo que les rodea.

El desarrollo emocional: Podemos distinguir distintas etapas en el desarrollo

emocional y afectivo del niño. El recién nacido se rige por parámetros
emocionales muy primarios: llora o ríe. Su mundo se basa en necesidades,
afectos y acciones muy básicas. Hacia los 2 años el niño es consciente de la
mirada de las otras personas, por lo que precisa de su aprobación como forma
de refuerzo y afianzamiento de su personalidad. Es a partir de los 4 años,
coincidiendo con los inicios de la escolarización, cuando entra en juego otro
aspecto fundamental: el desarrollo de un lenguaje más rico y fluido, con un
léxico emocional mucho más complejo, que le permitirá comprender la realidad,
comunicar experiencias y expresar sentimientos mucho más elaborados.

En la etapa escolar prosigue el proceso de la socialización que se había

iniciado a los tres años. Juegan en grupos y normalmente, suele ser grupos del
mismo sexo: niños con niños y niñas con niñas. Es fundamental que el niño se
sienta integrado en el grupo. El rechazo por parte de los otros niños puede
generar problemas de autoestima en el niño. Es un periodo clave en la
formación de la personalidad, en ella influyen la familia y el resto de las
relaciones sociales.

Las distintas actividades de expresión artística, permiten que el niño pueda

conocerse mejor así mismo, incentiva a la interacción del niño con otros,
reconoce la importancia del trabajo en grupo y mejora las relaciones
personales. Dentro de las actividades que dan cabida a ello podemos
mencionar: la danza, el teatro, dramatizaciones, entre otros.

El Desarrollo Motor: El desarrollo físico aumenta rápidamente durante la

etapa infantil. Los sistemas muscular y nervioso y la estructura ósea están en
proceso de maduración, lo que permitirá al niño moverse de manera más
coordinada. Los niños muestran progreso en la coordinación de los músculos
grandes y pequeños y en la coordinación óculo- manual. Este desarrollo hará
que el niño sea cada vez más autónomo, cada vez realizará más cosas sin la
ayuda de un adulto, como por ejemplo vestirse.

El desarrollo de la percepción en los niños, la expresión corporal, la motricidad

fina y gruesa, la coordinación óculo manual, el control de la postura y gestos, la
 lateralidad fortalecer los músculos y agudizar el sentido del ritmo así como el
equilibrio del sistema nervioso dentro de muchos aspectos más, se pueden
estimular gracias se desarrollan gracias a las diversas formas de expresión
artística.

Desarrollo integral

Físico motriz Cognitivo Afectivo Social

- Motricidad fina - Sensación - Sensibilidad - Compartir

- Motricidad Gruesa - Percepción - Sentimientos - Convenio
- Motricidad óculo- - Elaboraciones - Intuición - Acuerdo
manual. mentales - Interés -Trabajo
- Agilidad. -Memoria - Armonía cooperativo
- Velocidad - Lenguaje
- Resistencia - Creatividad
- Fuerza

8 Sistema de Inteligencia.

8.1 (S.I): Lenguaje.

El Lenguaje es el sistema a través del cual el hombre o los animales

comunican sus ideas y sentimientos, ya sea a través del habla, la escritura u
otros signos convencionales, pudiendo utilizar todos los sentidos para
comunicar.

El lenguaje no verbal son el resto de los recursos de comunicación tales como

imágenes, diseños, dibujos, símbolos, músicas, gestos, tono de voz, etcétera.
El lenguaje mixto es el uso del lenguaje verbal y no verbal, al mismo tiempo.
Por ejemplo, un libro de historietas integra, al mismo tiempo, imágenes,
símbolos y diálogos.

El lenguaje corporal es un tipo de lenguaje no verbal, porque ciertos

movimientos corporales pueden transmitir mensajes e intenciones. Dentro de
esta categoría existe el lenguaje gestual es un sistema de gestos y
movimientos cuyo significado está fijado por convenio, y se utiliza en la
comunicación de las personas con discapacidad en el habla y/o audición.
 Conclusión

Una buena formación en cuanto arte y estética es muy importante para el niño,
para un buen desarrollo de sus aptitudes y fortalecimiento de sus capacidades,
estos (arte y estética) a su vez pueden ser relacionados con las otras áreas de
la educación y así lograr que el niño pueda crecer en un ambiente lleno de
innovación, creatividad y se eduque bajo un aprendizaje integral el cual le dará
las herramientas para que en un futuro pueda desenvolverse con mayor
facilidad ante las distintas situaciones de la vida.

Las artes visuales para los niños debe ser un tema de gran importancia, así
como la lengua o las matemáticas, porque ellas le van aportar al niño
primeramente; el desarrollo de la percepción, una buena percepción en los
niños les va a permitir que capten los temas con mayor rapidez, en segundo; la
capacidad de creación – producción, se va a desarrollar mejor su creatividad y
así van a sentir más confianza al realizar alguna actividad, tercero; la
apreciación, los estudiantes aprenden sobre las diversas culturas y formas de
hacer y de ver el mundo, desde las diferentes perspectivas históricas y
evolución de las diferentes civilizaciones. Y por último; que tengan raciocinio,
en base de una buena educación artística y visual, el niño desarrolla la
capacidad de observar y describir los símbolos visuales, de entender su
significado, de interpretar, de emitir juicio, y de explicar el significado de lo que
ve y observa en su entorno. Estas y muchas habilidades más pueden ser
desarrolladas y fortalecidas en los niños si se realiza una buena planificación,
organización de la educación y de la formación estética visual y de otras áreas
también.
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audiovisuales/titeres/

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