Enciclopedia de La Música

Glosarios de Música
Glosarios de Música
Extractados de la
ENCICLOPEDIA MULTIMEDIA PLANETA DeAGOSTINI
(EDICIÓN DE 1994)
EDITORIAL PLANETA DeAGOSTINI, S.A.

Enciclopedia Multimedia Planeta DeAgostini (1994)
Editada por: MULTIMEDIA EDICIONES, S.A,

Director gerente: José María Puig de la Bellacasa
Director técnico: Francisco Valer Bañales
Creación editorial: PLANETA DeAGOSTINI, S.A.
© Multimedia EDICIONES; S:A:

© De los textos de esta Enciclopedia PLANETA_DeAGOSTINI, S.A.
ISBN 84-88720327
Depósito legal B-41925-94
Glosarios de Música (1998)
© Del montaje de los glosarios Jorge Ares Chiverto

A esperencia servíulle
para saber que era parvo.
Iste home perguntóulle

o’frade que o confesóu:
Si o que ha de ser
inda non é,
e cando é trócase en foi,
y o que foi non vira o pé,
dígame señor¿para qué
viñemos ó mundo, pois?
CIMENTERIO PRIVADO
CELSO EMILIO FERREIRO
Indice
INTRODUCCIÓN
La Música ............................................................................................... 9
Historia de la Música .............................................................................. 9
La Musicología ....................................................................................... 11
GLOSARIO I
LA TEORÍA DE LA MÚSICA
La Teoría de la Música ......................................................................... 13

La Acústica ............................................................................................ 13
Glosario ................................................................................................. 14
GLOSARIO II
LAS FORMAS MUSICALES
Las Formas Musicales .......................................................................... 27

Glosario .................................................................................................. 28
GLOSARIO III
LOS GÉNEROS MÚSICALES
Los Géneros Musicales ........................................................................ 33

Los Libretos y Libretistas .................................................................... 34
Glosario .................................................................................................. 35
GLOSARIOS DE COMPOSITORES
El Compositor ....................................................................................... 59
Historia ................................................................................................... 59
GLOSARIO IV
LOS COMPOSITORES DE MÚSICA CINEMATOGRÁFICA
Glosario .................................................................................................. 61
GLOSARIO V
LOS COMPOSITORES DE MÚSICA CLÁSICA
Glosario .................................................................................................. 67
GLOSARIO VI
LOS COMPOSITORES DE MÚSICA POPULAR
Glosario .................................................................................................. 123
GLOSARIO VII
LOS INSTRUMENTOS MUSICALES
Los Instrumentos musicales ................................................................ 129

La Banda ................................................................................................. 130
La Orquesta ........................................................................................... 130
Glosario .................................................................................................. 130
GLOSARIOS DE INTÉRPRETES
El Intérprete ........................................................................................... 141
GLOSARIO VIII
LOS DIRECTORES DE ORQUESTA
El Director de Orquesta .......................................................................... 145

Glosario .................................................................................................. 145
GLOSARIO IX
LOS VOCALISTAS Y GRUPOS MUSICALES
Glosario .................................................................................................. 157
GLOSARIO X
LOS VIRTUOSOS
Virtuosos de Música Clásica ............................................................... 209

Virtuosos de Música de Jazz ............................................................... 217
Otros Virtuosos ..................................................................................... 226
GLOSARIO XI
LOS ESCENARIOS
Los Escenarios ......................................................................................... 229

Glosario ................................................................................................... 230
INTRODUCCIÓN
GLOSARIOS DE MÚSICA
INTRODUCCIÓN
La Música
La música es el arte que se expresa por medio de la ordenación de los sonidos en el tiempo. Sus dos
parámetros fundamentales son la armonía, que es la técnica de combinación simultánea de los sonidos, y la
melodía, que es la técnica de combinación sucesiva.
Historia de la Música
La música occidental antigua, medieval y renacentista

El aspecto teórico de la música occidental tuvo su origen en la Grecia clásica, con los estudios de Pitágoras y
la fijación de los modos. El cristianismo recogió la tradición griega en la música que acompañaba la liturgia.
Ésta fue reformada sucesivamente por san Ambrosio de Milán, el papa Gregorio I Magno y Carlomagno,
dando lugar al canto llano o gregoriano. En el s. IX apareció el «organum», causante de la aparición del
discantus, del conductus y de los inicios de la polifonía del Ars antiqua, cuyos máximos exponentes fueron
Leoninus y Perotinus, de la escuela de Nuestra Señora de París. Paralelamente (s. XII) floreció el arte poético-
músical monódico de los trovadores provenzales, que se extendió a España, Portugal e Italia, y de los troveros
franceses y minnesänger alemanes. Estos últimos dieron lugar al de los meistersinger en el s. XIV.
A principios de esta centuria apareció en Francia el Ars nova que impulsó la música profana y dio lugar a
nuevas formas, complicando la polifonía y extendiéndose por Italia. La gran figura de este período fue G. de
Machaut. El s. XV apareció con fuerza la escuela de polifonía franco-flamenca que dio lugar a compositores
de la talla de G. Dufay, J. Ockeghem, J. Obrecht y J. des Prés.
El triunfo del Renacimiento se expresó en la música profana con la aparición de escuelas nacionales, la
creación de nuevas formas como el madrigal italiano, la «chanson» francesa, el «lied» alemán o el villancico
español, y la creciente independización de la música instrumental. Figuras importantes fueron L. de Milán, L.
de Narváez, A. de Cabezón, A. y G. Gabrieli, W. Byrd, O. Gibbons y J. Dowland. Mientras tanto, en la música
religiosa se mantuvo la tradición aunque se facilitó la comprensión de los textos, destacando autores como R.
de Lassus, G.P. da Palestrina o T.L. de Victoria.
Del Barroco al posromanticismo

Con C. Monteverdi, a caballo entre los s. XVI y XVII se abandonó la música renacentista para entrar, con el
Barroco, en la gran época de la música, definida por la aparición de formas nuevas como el recitativo, el bajo
continuo, la monodia acompañada, el oratorio, la cantata, la suite, el concerto grosso y la ópera. Grandes
PLANETA DeAGOSTINI GLOSARIOS DE MUSICA

9
INTRODUCCIÓN
figuras de este período fueron A. Vivaldi, H. Purcell, G.F. Händel y J.S. Bach. A mediados del s. XVIII la
música conoció la fijación de formas nuevas como la sonata, la sinfonía, el trío, el cuarteto, el abandono de la
ópera italiana en Alemania y la dominación de un estilo denominado indistintamente galante, rococó o clásico,
cuyos máximos exponentes fueron los hijos de Bach, F.J. Haydn, W.A. Mozart, G. Rossini, G. Donizetti, V.
Bellini y L. van Beethoven. Con este último se anticipaba ya un nuevo estilo centrado en la expresión de los
sentimientos, la aparición de formas cada vez más libres (impromptu, balada, fantasía, poema sinfónico) y el
dominio de los grandes géneros sinfónicos: el romanticismo. Grandes autores de este período fueron F.
Schubert, R. Schumann, F. Chopin, R. Wagner, G. Verdi, J. Brahms, F. Mendelssohn-Bartholdy, A. Bruckner,
C. Franck, Ch. Gounod, P.I. Tchaikovski y G. Bizet entre otros.
Del romanticismo nacieron los nacionalismos músicales, con figuras como los españoles M. de Falla y I.
Albéniz, el francés P. Dukas, los rusos M.P. Músorgski, N.A. Rimski- Kórsakov y A. Borodín, el finlandés J.
Sibelius, el húngaro F. Liszt, el checo A. Dvorák y el noruego E.H. Grieg entre otros; y los autores
posrománticos como R. Strauss, G. Puccini y G. Mahler. Paralelamente se impuso un estilo nuevo como el
impresionismo, con las figuras fundamentales de C.A. Debussy y M. Ravel.
Las tendencias del s. XX

Ya en el s. XX se originaron numerosas nuevas tendencias que rompieron con la tonalidad, siendo A.
Schönberg y sus seguidores A. Webern y A. Berg los más destacados representantes del dodecafonismo, la más
estructurada de cuantas siguieron por la senda de la atonalidad. Otras figuras importantes que han
evolucionado por caminos propios han sido B. Bartók, I.F. Stravinski, O. Messiaen y B. Britten, entre otros.
Tras la II Guerra Mundial nacieron varias corrientes estéticas como la música concreta, la música electrónica,
el postserialismo o la música aleatoria, que han conducido a la música a caminos netamente experimentales en
busca de la renovación.
La Música no europea
Puede decirse que toda la música relacionada anteriormente ha sido europea o, por los menos, inspirada por la
cultura europea, con lo cual la música de otras muchas zonas del mundo ha quedado excluida. Con respecto a
la música amerindia, africana, mediooriental y extremooriental pueden darse algunas claves que explican la
falta de una historia músical tan desarrollada como la occidental. A pesar de que esta música difiere mucho de
unas zonas a otras pueden generalizarse algunos aspectos. Suele ser puramente melódica y por tanto no
presenta combinaciones armónicas, aunque en algunas melodías o fragmentos de melodías, con objeto de una
mayor comodidad en la ejecución vocal, se canten a veces en cuartas o quintas, o incluso intervalos más
pequeños y aún disonantes, tal como se hacía en Europa al comienzo de la polifonía. Lo más frecuente en este
sentido son los pedales instrumentales, semejantes a los de la gaita.
En cuanto al ritmo puede generalizarse que se usan ritmos libres que no se ajustan a un sistema uniforme de
tiempos y compases. La excepción en este campo la constituye la música para la danza, de carácter rítmico
muy acentuado, con gran profusión de instrumentos de percusión y ritmos muy complicados. Los sistemas de
escalas usan con frecuencia los microtonos, especialmente los cuartos de tono, alcanzándose una variedad de
24 sonidos en lugar de 12 como en la música occidental. Sin embargo, no se toma la serie completa sino tan
sólo pequeños fragmentos o, incluso, en algunas zonas (como en las montañas de la India, China, Japón, norte
de Argentina, Escocia) se emplea aún la primitiva escala pentatónica, que ni tan sólo contiene semitonos.
Una gran parte de la música no occidental presenta la característica común de no requerir más ámbito que
media octava o poco más. Sin embargo, existen algunos sistemas de modos que dan lugar a escalas
particulares. Otra característica muy general es el uso enorme de los adornos, siendo frecuentísimas las notas
largas adornadas con trémolos o que se transforman en pasajes ornamentales de notas más cortas. También la
improvisación es muy frecuente y requiere trabajar dentro de un modo con gran habilidad, sea a partir de
material original sea con adornos añadidos a melodías tradicionales.
Las formas suelen ser muy simples, con melodías cortas que consisten en dos o tres frases solamente, lo que
las hace fácilmente comprensibles por todos. Los instrumentos son de construcción relativamente sencilla y su
misión primordial es la de acompañar la voz más que tocar independientemente. Finalmente cabe añadir que
no existe prácticamente notación músical alguna y que las melodías se transmiten oralmente, de la misma
manera que la música folclórica occidental.
GLOSARIOS DE MUSICA PLANETA DeAGOSTINI

10
INTRODUCCIÓN
La Musicología
Disciplina que cuenta con numerosas especialidades destinadas al estudio e investigación de la música, en
cualquiera de sus campos. La nomenclatura de dicha ciencia procede del último tercio del s. XIX, cuando en
Alemania surgió el término «Musikwissenchaft» (ciencia de la música), utilizado por primera vez en el
prefacio del «Jahrbücher für musikalische Wissenschaft» (1863) de F. Chrysander, pionero de la crítica textual.
En esta obra se observa un espíritu cientificista en clara reacción contra el historicismo idealista que hasta
entonces había caracterizado la investigación músical. Esta nueva orientación tomó cuerpo con las
aportaciones de G. Adler (metodología), R. Eitner (sistematización y catalogación documental), H. Riemann
(evolución de la teoría y lenguaje músicales), H. Helmholtz (acústica y psicoacústica) y posteriormente C.
Sachs (organología).
Aunque podemos hablar de diversos ámbitos musicológicos, con tres grandes vertientes (musicología
histórica, musicología sistemática, musicología aplicada), cabe señalar que el esfuerzo de una gran parte de los
eruditos está destinado a la reconstrucción y estudio de la música del pasado. Conviene puntualizar la
distinción entre el musicólogo y el musicógrafo, ya que se reserva para el primero la tarea de investigar de
forma directa en las fuentes, lo cual permite un análisis profundo y una sistematización más rigurosa de cada
campo, mientras que el segundo se basa en el trabajo aportado por el musicólogo y lo encauza en los ámbitos
de la crítica, la divulgación o el periodismo.
Dentro de la musicología histórica hallamos disciplinas como la organología, ciencia de la notación,

terminología, ciencia de la composición, iconografía, ciencia de las fuentes, bibliografía, estilística, biografía,
etc., mientras que en la musicología sistemática destacan por su interés la filosofía de la música, estética
músical, etnología músical, sociología de la música, psicología de la música, pedagogía músical, acústica, etc.
Los resultados de su investigación convergen en la musicología aplicada, siendo la crítica y la edición músical,
la teoría de la música y la construcción de instrumentos músicales las especialidades más relevantes.

11
INTRODUCCIÓN

12
GLOSARIO I TEORÍA DE LA MÚSICA
GLOSARIO I
GLOSARIO DE LA TEORÍA DE LA MÚSICA
La Teoría de la música
La materia prima de la música son los sonidos. Cada sonido esta formado por tres parámetros primarios
fundamentales, los tres necesarios pero independientes entre sí: el tiempo, la altura y la intensidad. El estudio
de la calidad del sonido corresponde a la acústica. Combinando estos tres elementos iniciales se obtienen otros
tres parámetros de carácter más músical. La combinación de alturas sonoras con respecto al tiempo (dejando
invariable la intensidad) nos da la melodía. La combinación de alturas respecto a la intensidad (sin tener en
cuenta el tiempo) es la armonía. Y de la combinación de intensidades respecto al tiempo (sobre unas alturas
fijas) resulta el timbre.
El estudio de la melodía es el tradicional solfeo. En los países latinos se basa en la solmisación, mientras que
en los anglosajones se mantiene el sistema alfabético para dar nombre a los sonidos.
El estudio de la armonía puede ser estático o motriz. El estudio tradicional ha sido el motriz, ya que la historia
ha conducido a la música hacia la verticalidad de la armonía a través de la polifonía y el contrapunto, con la
simultaneidad de voces melódicas horizontales. Los instrumentos polifónicos pueden emitir acordes cuyas
notas integrantes no provienen de melodías en motricidad.
El estudio del timbre se ha establecido con la práctica. En los tratados de instrumentación y de orquestación, se
exponen los logros conseguidos con referencia a obras concretas. Con la sintetización de los sonidos y la
posibilidad de incidir sobre su espectro armónico se ha abierto un campo muy amplio.
Otras materias tradicionales en los estudios teórico- músicales son las formas músicales, la historia de la
música, la estética, la composición, la musicología. Dentro de los estudios prácticos o instrumentales, cabe
citar la incidencia teórica del canto coral, la música de cámara, la repentización o el acompañamiento.
La Acústica
Teoría y ciencia que concierne a las propiedades del sonido: composición, producción, propagación...
Musicalmente, esas calidades interesan tanto para la creación musical como para conocer las sensaciones en el
público receptor.

13
GLOSARIO I TEORIA DE LA MUSICA
Los sonidos tienen tres parámetros fundamentales: el tiempo (un sonido puede ser corto o largo), la altura (un
sonido puede ser agudo o grave) y la intensidad (un sonido puede ser fuerte o flojo). Estos tres parámetros
configuran un espacio vectorial de tres dimensiones, las tres necesarias pero independientes entre sí (una nota
es un la3, dura un segundo y se ejecuta en mezzoforte), y no hay problema para variar alguno de esos
elementos sin intervenir en los otros dos. A partir de las últimas tendencias musicales a base de sonido
grabado, se está tomando el segundo como unidad musical de tiempo, pero durante mucho tiempo las
referencias a la motricidad de una pieza o se remitían a un aire conocido, a menudo una danza (minueto, giga,
tango, sardana...), o se recurría a un vocabulario aproximado (allegro, andante, lento...)
La altura de los sonidos se miden en hercios (Hz), o vibraciones por segundo. El oído humano identifica desde
el grave de 16 a 20 Hz (menos pulsaciones ya no generan ningún sonido audible) hasta 20 o 25 Hz en el
ámbito del agudo (ciertos animales, como los perros, pueden percibir auditivamente vibraciones más agudas).
Musicalmente se ha fijado la afinación «absoluta» de la nota la de la tercera octava en 440 Hz y de ella se
deduce la afinación de las otras notas. Fuera de este convenio encontramos, por ejemplo, la nota «blues» del
jazz, que no se corresponde con exactitud con ningún sonido de la escala temperada.
GLOSARIO DE LA TEORÍA DE LA MÚSICA
Armonía
Arte que trata de la relación entre las distintas alturas de los sonidos (o acordes) en simultaneidad. Puede
estudiarse de dos maneras: estáticamente (sin tener en cuenta el tiempo), o en movimiento. En la armonía
occidental clásica, los acordes se producen a partir de tres notas: un sonido fundamental, su tercera y su quinta.
Estáticamente, los acordes se distribuyen según su composición y presentación. Así que pueden ser tríadas, de
tres notas; cuatríadas, de cuatro notas; quintíadas, de cinco notas, etc. y presentarse en estado fundamental,
primera inversión, segunda inversión, etc. atendiendo a la nota más grave; o en primera posición, segunda
posición, etc. según la nota más aguda del acorde. También cabe distinguir si están en disposición cerrada
(sonando efectivamente todas la notas susceptibles de pertenecer a ese acorde entre las dos extremas) o en
disposición abierta (el caso inverso), o si existe alguna elisión (acorde de séptima sin la quinta, por ejemplo).
La armonía en movimiento conlleva analizar la sucesión de los acordes: si tienen alguna nota en común, si
pueden pertenecer a una misma tonalidad o si, por el contrario, su yuxtaposición implica una modulación, etc.
También trata de las notas extrañas a los acordes (retardos, anticipaciones, pedales...) que no forman parte de
la configuración del acorde.
Históricamente, la composición musical ha ido incorporando los intervalos armónicos y los acordes cada vez
más alejados de las relaciones que se encuentran en el espectro armónico de los sonidos. La octava casi se
confunde con el unísono (las mujeres cantan a la octava de los hombres y sin obtener sentido de armonía). La
quinta y la cuarta se aceptaron en la Edad Media (con excepción del tritono). La tercera y la sexta, y
consecuentemente los acordes mayor y menor, se asentaron en los ss. XV y XVI. La segunda y la séptima
fundamentan la armonía del Barroco. La novena y toda suerte de notas extrañas dan color al romanticismo y el
semitono armónico es patrimonio del s. XX. La fuerza de la armonía puede modificar enormemente el mensaje
de la melodía. Propios de los fundamentos de la armonía no son tan sólo los diferentes tipos de modos o
tonalidades, acordes o intervalos que la constituyen, sino también cada uno de los fenómenos que se producen
a partir de éstos en el contexto de una composición musical, como son:
agregación En armonía, designa los acordes formados por notas ajenas a laentidad armónica.
anticipación Emisión anticipada de la nota de un acorde que introduce una disonancia pasajera.
armónico Sonido cuya frecuencia es múltiplo exacto de otro sonido fundamental y que se produce de forma
simultánea a éste.
auténtico Modo griego cuya escala se compone de dos tetracordios.

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coma Intervalo inferior a un cuarto de tono existente entre las alturas de una misma nota, según los diferentes
sistemas de afinación.
consonancia Combinación de sonidos simultáneos según un régimen de armónicos afín. El concepto de

consonancia es relativo. Desde el punto de vista estético y psicológico, se refiere a los acordes que producen
una sensación de equilibrio o de reposo, por oposición a la disonancia de los acordes que dan sensación de
inestabilidad y de desasosiego. Científicamente, sin embargo, la consonancia se produce por la mayor afinidad
de armónicos de unas notas con otras, pero nunca existe la llamada consonancia perfecta.
cuarta En la escala diatónica, intervalo de cuatro grados.
dominante Quinto grado de la escala diatónica y el más importante después de la tónica.
eólico Uno de los modos griegos, oriundo de Eolia, que se corresponde con la actual escala menor natural.
grado Cada uno de los sonidos de la escala musical. Los grados están vinculados a la tonalidad y son siete:
tónica (I), supertónica (II), mediante (III), subdominante (IV), dominante (V), superdominante (VI) y sensible
(VII).
inversión Colocación de las notas de un acorde en posición distinta de la normal o modificación de una frase
o motivo de modo que los intervalos se sucedan en dirección contraria a la primitiva.
heptacordo Sistema formado por los siete grados de la escala diatónica.
hexacordo Grupo homogéneo de seis notas consecutivas.
mayor Dícese de un modo, una escala, un acorde o un intervalo. El acorde perfecto mayor está formado por
una tercera mayor y una quinta justa. La escala mayor es una escala de sonidos con arreglo a los siguientes
intervalos: tono, tono, semitono, tono, tono, tono, semitono. El intervalo mayor parte de la tónica de una escala
mayor. El modo mayor se basa en el acorde perfecto mayor.
mediante Tercer grado de la escala diatónica.
menor Dícese de un intervalo en el que la distancia entre las notas extremas es mínima. En el acorde perfecto
menor la tercera más grave es menor. La escala menor es un escala de sonidos con arreglo a los siguientes
intervalos: tono, semitono, tono, tono, semitono, tono, tono.
modal Dícese de una música que utiliza otras escalas además de las correspondientes a los modos clásicos
mayor y menor. Las notas modales corresponden a los grados tercero y sexto de una escala, en la que el modo
empleado se caracteriza por los intervalos, mayores o menores, que separan la tónica de estos grados.
modo Distribución de los intervalos en la escala tipo comprendida en el marco de la octava.
octava En la escala diatónica, intervalo de ocho grados.
parcial Cada uno de los sonidos armónicos que emergen de un sonido fundamental y que constituyen la
calidad de ese sonido. Se distingue la fundamental de los parciales superiores. Si los parciales, como en la
mayoría de los casos, coinciden con la serie armónica natural, los términos parcial y armónico son sinónimos,
pero puede darse el caso de parciales inarmónicos (en campanas, por ejemplo).
quinta En la escala diatónica, intervalo de cinco grados.
relativo, va Dícese de la relación existente entre dos escalas o tonalidades que tienen la misma armadura en
la clave, pero de las cuales una es mayor y la otra menor, y sus tónicas respectivas están separadas por un
intervalo de tercera menor.

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retardo En armonía, nota extraña a un acorde y que es la prolongación de una nota perteneciente al acorde
anterior en la misma voz.
segunda En la escala diatónica, intervalo de dos grados.
semitono Nombre dado a la mitad de un tono. El semitono cromático separa dos notas del mismo nombre; el
diatónico separa dos notas de nombre distinto.
sensible Nombre que recibe el séptimo grado de la escala diatónica.
séptima En la escala diatónica, intervalo de siete grados.
sexta En la escala diatónica, intervalo de seis grados.
subdominante Cuarto grado de la escala diatónica.
tercera Intervalo musical entre dos notas que distan dos grados.
tetracordio En la antigua teoría musical griega, sucesión o escala descendente de cuatro sonidos -formada
por dos tonos enteros y un semitono-, que formaban un intervalo de cuarta y constituían la base de la estructura
del sistema musical.
tónica Primer y más importante grado de la escala diatónica. También nota que da nombre a la tonalidad en
que se basa esta escala.
tríada Nombre que recibe en ocasiones el acorde perfecto formado por fundamental, tercera y quinta.
trítono Intervalo de cuarta aumentada que equivale a tres tonos enteros y que en la Edad Media fue llamado
«diabolus in musica», por su extrema disonancia y dificultad de entonación.
Clave Musical
Signo que se coloca al principio del pentagrama y que da nombre y altura de registro a las notas musicales. La
clave existe en tres figuras: de sol, de do y de fa; cada una de ellas da su nombre a la nota situada sobre la línea
que ocupa y determina el nombre de los demás sonidos.
Las claves se acomodaron a las tesituras vocales para que la lectura raramente saliera del pentagrama. La clave
de do en primera línea era la clave del canto, de la soprano («soprano clef» en inglés), y resulta cómoda para el
registro de la soprano. La clave de do en segunda es la de la mezzosoprano; la de do en tercera es la de la
contralto. Al pasar a las voces masculinas se produce el salto de octava: la clave de do en cuarta es la clave del
tenor y ese do3 de referencia resulta ahora por el registro más bien agudo de la tesitura de tenor. La clave de fa
en tercera es para la voz de barítono y la clave de fa en cuarta para el bajo.
La música para algunos instrumentos ha continuado escribiéndose en las claves antiguas. La de viola se
escribe en do en tercera por el registro medio que ocupaba en las agrupaciones instrumentales (no en vano se
la llamó viola di ripieno) y sus cuerdas al aire no se apartan del pentagrama según esa llave. Otros
instrumentos de extenso ámbito (violonchelo, fagot, trombón...) que parten de la clave de fa, para evitar el
salto visual que representaría pasar directamente a la clave de sol, pasan por la clave de tenor, en referencia a
su registro inicial, de do en cuarta. Lejos de representar una dificultad para los intérpretes, la visión de una de
las tres claves en las que puede leer su instrumento le sitúa automáticamente en un registro y por lo tanto en
unas necesidades técnicas e interpretativas adecuadas.
Actualmente las siete claves configuran un sistema absoluto. No hay ninguna repetida y, por lo tanto, puede
darse cualquier nombre a cualquier grafismo sobre el pentagrama. La lectura en todas las claves resulta muy
útil para la repentización y el transporte (para leer en un registro diferente al escrito). Ahora bien, leer en todas
las claves equivale a leer sin clave, a leer según los intervalos entre las notas.

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Composición
Técnica y arte de la creación musical. Para dar forma a la obra musical, el compositor ha venido empleando a
lo largo de la historia diferentes procedimientos creativos; entre ellos se encuentran:
acompañamiento Conjunto de elementos musicales que, subordinados a la parte principal, potencian su

capacidad discursiva, rítmica y expresiva.
armonización Elección y escritura de los acordes que acompañan a una melodía determinada.
isorritmia Técnica musical, muy en boga en la Edad Media, consistente en la correspondencia métrica de los
períodos a lo largo de toda una obra.
polirritmia Procedimiento que utiliza de forma simultánea dos o más estructuras rítmicas de distinta
constitución.
politonalidad Superposición, en una composición musical, de melodías que pertenecen a tonalidades

diferentes.
progresión Véase el artículo progresión.
Contrapunto
Técnica musical que ordena el desarrollo simultáneo de varias voces de una composición haciendo que
conserven su independencia, pero integrándose de forma armónica en el conjunto. El contrapunto trata la
escritura horizontal de la música, al contrario que la armonía, que trata la escritura vertical. La palabra
apareció por primera vez en el s. XI a partir de la expresión «punctus contra punctus», es decir, nota contra
nota, ya que en aquel tiempo las notas se escribían con puntos. Cultivado durante toda la Baja Edad Media,
tuvo su máximo esplendor durante el Renacimiento, gracias a autores de la talla de J. Dunstable, G. Dufay, J.
Ockeghem, J. Obrecht, J. Des Prés, T.L. Victoria, W. Byrd, G.P. da Palestrina y O. Lasso. Sin embargo, a partir
del s. XVII, con el triunfo de la monodia acompañada y la eclosión del Barroco, decayó y se convirtió en una
disciplina académica, cuyo texto teórico fundamental se debe a J.J. Fux (1725). Actualmente se entiende por
contrapunto cualquier pasaje en el que el interés radique en la evolución de líneas melódicas simultáneas.
Escala
Serie de sonidos ordenados en función de un principio acústico o de una fórmula determinada y que pueden
utilizarse en una composición o improvisación musical. El número de escalas o patrones compositivos
existentes es enorme y no hay ninguna escala que tenga mayor autoridad que las demás. Existen obras para las
que los compositores han definido una escala de su invención en la búsqueda de un resultado concreto, por
ejemplo el español Oscar Esplá. El intervalo más natural y más común en todas las culturas es la octava. Fue
Pitágoras quien la introdujo formalmente a partir de sus cálculos con la extensión de las cuerdas. Al descubrir
los intervalos de quinta y de cuarta, tomó como unidad su diferencia, el tono, y calculó las veces que cabía
dentro de la octava, con lo que descubrió el semitono. Según la disposición de éste, formuló las distintas
escalas occidentales de siete notas (dórica, frigia, lidia, mixolidia...). Otras escalas interesantes son: la escala
pentatónica, que divide la escala en cinco intervalos, muy presente en muchas culturas, la escala de tonos
iguales, la escala cromática de doce semitonos, etc.
Indicaciones Musicales
En general, aquellas expresiones, comúnmente en italiano, que colocadas al inicio de una composición
músical, de una de sus partes o en el transcurso de las mismas, dan información al intérprete sobre el carácter

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de la pieza, el tiempo de ejecución, la dinámica, la intensidad, la articulación u otros elementos inherentes a la

interpretación de una obra músical.
Entre las principales indicaciones musicales se encuentran las siguientes:
adagio Indicación de tiempo músical situado entre largo y andante, de unidad metronómica entre 66 y 76
pulsaciones por minuto. También admite los términos adagietto, un poco más rápido, o adagissimo, un poco
lento.
agitato Con agitación, con inquietud.
agógico Dícese de las variaciones de tiempo que se introducen en la ejecución de una obra músical para
aumentar su interés.
alla breve Dícese cuando el pulso de referencia de una composición pasa a ser el valor doble. Por ejemplo,
tomar la blanca como unidad de tiempo en una pieza cuya unidad de escritura sea la negra. Estrictamente la
velocidad de la pieza no debe variar aunque sí dé esa sensación.
allegretto Indicación de tiempo, según la cual una obra debe ser ejecutada con movimiento más moderado
que el del allegro.
allegro Indicación de tiempo según la cual una obra debe ser ejecutada con movimiento más lento que el del
presto y más rápido que el del andante. Metronómicamente abarca desde 120 a 168.
andante Indicación de tiempo, según la cual una obra debe ser ejecutada con movimiento
moderadamente lento Metronómicamente, el andante se sitúa entre 76 y 108 pulsaciones por minuto, que
resulta ser el ámbito más habitual del corazón humano.
andantino Indicación de tiempo, según la cual una obra debe ser ejecutada con movimiento
tranquilo, pero algo más vivo que el del andante.
calando Disminución de la intensidad del sonido o del ritmo.
cantabile Fragmento músical que debe ser ejecutado con expresión y de manera que resalte la
melodía principal.
crescendo Aumentando de forma gradual la intensidad del sonido.
decrescendo Serie de notas que deben ser ejecutadas con disminución progresiva de su intensidad.
forte En una partitura músical, indicación de ejecución muy sonora. Se la simboliza con la letra f.
forte piano En una partitura músical, indicación de ataque fuerte e inmediata disminución de la intensidad.
Se la simboliza con las letras fp.
fortissimo En una partitura músical, indica una ejecución tan fuerte como sea posible. Se la simboliza con
varias f: ff, fff, ffff.
larghetto Fragmento que se interpreta en un tiempo un poco menos lento que el largo.
moderato Indicación de que un fragmento músical debe ejecutarse con movimiento moderado.
morendo Término utilizado para indicar que en la ejecución de un pasaje deben disminuirse de forma
paulatina la intensidad y el movimiento.

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pianissimo Término de dinámica con el que se señala una ejecución de menor intensidad que la del piano.
piano Término de dinámica que indica una ejecución suave.
prestissimo Indica un movimiento muy rápido.
presto Indica un movimiento rápido.
rinforzando Indicación de un aumento momentáneo de sonoridad.
rubato Literalmente «robado», se refiere a la pauta que pierde el compás en beneficio de la expresión. Es un
recurso interpretativo típico de la música romántica.
scherzando Indica una interpretación delicada y graciosa.
sforzando Indicación que obliga a ejecutar una nota o un grupo de notas con aumento de la intensidad
sonora.
sotto voce Indicación que obliga a una ejecución dulce y a media voz.
staccato Indica que las notas deben ejecutarse separadas unas de otras.
tenuto Obliga a sostener los sonidos durante toda su duración.
Intensidad
Parámetro elemental del sonido que entiende del volumen y en consecuencia de la gama de matices
interpretativos. El decibelio (dB) es la unidad de intensidad sonora y es una medida humana basada en la
estadística: a 0 dB la mayoría de la gente no oye nada y a 120 dB se rompe nuestro sistema auditivo. Una
orquesta sinfónica en un tutti en fortissimo puede llegar a 100 dB.
Musicalmente hay una terminología con cinco niveles básicos de intensidad: pianissimo (pp), piano (p),
mezzoforte (mf), forte (f) y fortissimo (ff). En ciertas partituras románticas se llegan a pedir tres «f» o cinco
«p» y debe entenderse que, tratándose de una medida relativa, la intensidad depende mucho de la acústica de
los locales y de la opinión de los intérpretes o del director. Otros matices de intensidad, según su gradualidad o
forma de interpretación son crescendo, diminuendo, affretando, morendo, en dehors, staccatto, legato...
Intervalo
Distancia que media entre dos sonidos. Los intervalos toman el nombre del número de grados que comprenden
(segunda, tercera, cuarta, quinta, sexta, séptima, octava) y pueden ser ascendentes (cuando el segundo sonido
es más agudo que el primero) o descendentes (en el caso contrario); si no exceden la octava, se denominan
simples y, si la exceden, compuestos. Hay cinco calificaciones de intervalos: disminuido, menor, mayor, justo
y aumentado.
Melodía
Serie de sonidos ordenados en una estructura unitaria que, al poder ser percibida globalmente, forman un
conjunto. Junto con el ritmo y la armonía, la melodía constituye uno de los fundamentos de la música. El
aspecto horizontal de la melodía se contrapone al vertical de la armonía. En la composición, la melodía puede
presentarse en su forma pura (monodia), en combinación con otras melodías (polifonía) o con el apoyo de
acordes (homofonía).

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Notación
Conjunto de signos convencionales utilizados para simbolizar los sonidos y su ejecución. En Occidente, la
notación musical ha llegado a un gran nivel de precisión mientras que en otras culturas no se ha dado tanta
importancia a este aspecto de la divulgación musical, sin que pueda afirmarse en absoluto que, por poseer una
notación más precisa, la música occidental sea superior. Durante muchos siglos la notación se ha adaptado a la
comodidad de los autores y a las posibilidades de las voces o los instrumentos, desde los neumas medievales a
las partituras gráficas de la música electroacústica.
Los inicios de la escritura musical cabe situarlos en el afán de divulgar el canto gregoriano por todas las
congregaciones y de preservarlo de influencias externas. Pronto se implantó la línea horizontal como punto de
referencia de la altura de las notas. Inmediatamente aparecieron una segunda y una tercera líneas paralelas que,
para diferenciarlas, primero se optó por colorearlas. Más tarde se destacó una de ellas marcándola con una
letra que representaba la nota de referencia. El recurso de utilizar letras para designar las notas, heredado de
Grecia y todavía utilizado en los países sajones y germánicos, relaciona correlativamente las siete primeras
letras del abecedario, de la A a la G, con los sonidos a partir de la nota la. La solmisación, o el uso de las
conocidas sílabas para el solfeo, fue una aportación de Guido d'Arezzo. Esas letras son la base de las claves
(por ejemplo, el grafismo de la clave de sol es una evolución de la letra G). El canto gregoriano todavía se
escribe en cuatro líneas y la universalización del uso del pentagrama llegó al final del Barroco (en el s. XVII
hay ejemplos de piezas para órgano escritas con seis líneas para la mano derecha y ocho para la izquierda). En
el Renacimiento, la imprenta musical, desarrollada por Hahn (Roma, 1476), ayudó sobremanera no sólo a la
divulgación de las obras sino también a la asunción de símbolos comunes. Al engrandecerse el papel se decidió
solamente dibujar los contornos de las notas para ahorrar en tinta, y de ahí las notas «blancas». La notación
rítmica también es relativa: ningún símbolo representa una motricidad concreta, sino es en relación con otros
símbolos. La escritura en compases apareció como referencia en el s. XVI al tomar importancia la música
instrumental y al necesitarse un director ante la ampliación del número de intérpretes. A partir de 1600,
coincidiendo con la irrupción de la ópera, se añadieron ciertos símbolos de intensidad (dinámica, expresión...)
todavía en vigor (puntillos y ligaduras, etc) y los cifrados en los bajos (bajo continuo). En los tiempos de
primacía de los instrumentos de cuerda pinzada, se desarrollaron diversas notaciones con indicaciones sobre la
digitación o reproduciendo los mástiles del instrumento. En el jazz y el pop-rock también se han desarrollado
notaciones por acordes-guía.
Algunos de los elementos o signos más importantes propios de la notación y que inciden directamente en la
interpretación de una partitura musical, se citan a continuación.
accidental Dícese de la alteración transitoria que no figura en la armadura.
accidente Signo con que se altera la entonación de un sonido (doble bemol, bemol, doble sostenido,
sostenido, doble becuadro y becuadro). Es un sinónimo de «alteración».
acolada Signo que marca los pentagramas que deben leerse de forma simultánea.
alteración Signo que precede a una nota para modificar su entonación. Las alteraciones son cuatro: sostenido
(sube medio tono), doble sostenido (sube un tono), bemol (baja medio tono) y doble bemol (baja un tono). Su
efecto puede ser eliminado mediante el becuadro y el doble becuadro. Las alteraciones se colocan en la
armadura después de la clave o en el transcurso de la obra antes de las notas a modificar.
armadura Conjunto de alteraciones que figuran junto a la clave e indican la tonalidad de la composición.
barra Línea vertical que corta el pentagrama y separa los compases.
becuadro Signo musical que, colocado ante una nota, anula cualquier alteración anterior.
bemol Signo musical que baja un semitono la altura de la nota a la que precede.

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blanca Nota musical cuyo valor equivale a la mitad de una redonda.
breve Antigua figura de notación de la Edad Media y del Renacimiento equivalente a dos semibreves o
redondas.
calderón Signo que, colocado sobre una nota o una pausa, indica que puede prolongarse su duración a
voluntad. También se le llama fermata.
cinquillo Grupo de cinco notas que sustituye a dos, tres, cuatro o seis notas de valor regular.
cluster Efecto sonoro resultado de interpretar simultáneamente todas las notas entre dos prefijadas. Sobre el
teclado, este efecto se consigue percutiendo las teclas con la mano abierta o incluso con el antebrazo.
corchea Nota musical cuyo valor es 1/8 del de la redonda y la mitad del de la negra.
cuadrada Nota musical que tiene doble duración que la redonda.
cuatrillo Reunión de dos dosillos en un único grupo.
da capo Indicación que obliga a repetir un fragmento musical desde el principio.
diesis Voz griega que designa el más pequeño intervalo de un sistema dado. En la moderna terminología
acústica es la diferencia entre el si sostenido y el do natural, o entre el do sostenido y el re bemol.
dosillo Grupo de dos notas que se ejecuta en el tiempo de tres.
figura En la notación actual, signo que representa la duración de un sonido o de un silencio. Existen los
siguientes tipos de figuras: cuadrada o doble redonda, redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa,
semifusa, garrapatea y semigarrapatea, a las que corresponden otras tantas de silencios. Cada una de ellas tiene
una duración doble de la siguiente.
fusa Nota que equivale a una trigesimosegunda parte de una redonda.
guión Señal que se usaba en la música antigua para indicar, al final de una línea, la primera nota de la línea
siguiente.
ligadura Signo en forma de arco que indica una ejecución con legato o la extensión de una frase musical. En
las partituras para instrumentos de cuerda, este signo adopta la forma de línea curva e indica que las notas que
cubre deben tocarse en una sola arcada. En música vocal, y en forma de línea curva, indica que las notas
marcadas corresponden a una sola sílaba. En el canto gregoriano indica la ejecución en una sola emisión.
línea Trazo horizontal que se utiliza en notación. La línea divisoria es la línea vertical que, en la partitura,
separa los compases.
líneas adicionales Pequeños segmentos lineales, de la longitud de una sola nota, utilizados para anotar los
sonidos no contenidos en el pentagrama.
llave Signo que engloba dos o más pentagramas e indica las distintas voces de una partitura que deben ser
leídas de forma simultánea. Ese conjunto de pentagramas simultáneos se denomina sistema.
mínima Figura de nota que indica una duración equivalente a la mitad de una semibreve y al doble de una
semimínima.
natural Dícese de la nota no modificada por ninguna alteración.

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negra Figura que tiene una duración doble de la de la corchea y mitad de la de la blanca.
neuma Signo de notación de la música monódica de la iglesia latina desde el s. VII; en un principio indicaba
la dirección de la melodía y a veces los intervalos, pero no la altura exacta de los sonidos.
nota Sílaba o letra que representa un sonido musical y que se traduce con un signo. Los nombres de las notas
son: do, re, mi, fa, sol, la y si. La nota de paso es la que une dos notas reales de un acorde, por grados
conjuntos diatónicos o cromáticos, en movimiento ascendente o descendente.
pausa En la notación musical, signo que representa la interrupción del sonido; se usan siete clases de pausas:
de redonda, de blanca, de negra, de corchea, de semicorchea, de fusa y de semifusa, cuya duración equivale a
la de la figura de su mismo nombre.
puntillo Signo que consiste en un punto que se pone a la derecha de una nota y que aumenta en la mitad su
valor y duración.
redonda Figura de nota que está considerada como unidad básica de la métrica musical.
regulador Signo en forma de ángulo agudo que, colocado horizontalmente sobre un pasaje de una partitura,
sirve para indicar, según la dirección de su abertura, que la intensidad del sonido ha de aumentar o disminuir
de forma gradual.
seisillo Conjunto de seis notas iguales que se deben ejecutar en el tiempo correspondiente a cuatro de ellas.
semicorchea Nota musical cuyo valor es la dieciseisava parte de la redonda.
semifusa Nota musical cuyo valor es la dieciseisava parte de una negra y la sesenta y cuatroava parte de una
redonda.
semimínima Nota que equivalía a la mitad de una mínima.
septillo Conjunto de siete notas iguales que debe ejecutarse en el tiempo correspondiente a cuatro, seis u
ocho de ellas.
silencio Signo que se utiliza para indicar esta interrupción; cada figura de nota tiene su correspondiente
silencio.
sostenido Alteración que eleva un semitono cromático la altura de las notas a las que afecta.
tresillo Conjunto de tres notas de igual figura musical, que equivalen a dos de la misma duración.
ut Antiguo nombre de la nota do.
Ornamentación
Conjunto de notas que, sin ser parte esencial de la melodía, contribuyen a embellecerla. Es una práctica
asociada al virtuosismo solístico melódico (resulta mucho más complicado ornamentar dentro de un
contrapunto o una armonía concreta) y constituye una cierta dificultad técnica por su velocidad de ejecución.
El adorno u ornamento puede producirse por improvisación en el momento de la interpretación o con arreglo a
escrituras precisas. Hay pruebas de que el trino se practicaba en el s. III y es sabido que toda la evolución del
canto llano se produjo mediante la ornamentación; Guido d'Arezzo aconsejaba a los cantantes que si cierto
pasaje les resultaba dificultoso volvieran al canto llano original, y el papa Juan XXII (1316-1334), desde
Aviñón, decretó la abolición de toda ornamentación en el canto llano, con poco éxito. Los laudistas y

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clavecinistas tradicionalmente han sido excelentes ornamentadores en sus acompañamientos, motivados por la
poca posibilidad de sus instrumentos de sostener las notas.
Ha habido épocas en que la ornamentación ha sido parte intrínseca de la interpretación, sobre todo en la
música barroca francesa, mientras que en otras se ha primado la exactitud ante la partitura escrita. En el s.
XVIII, tanto la música para tecla como la vocal se recargó de múltiples ornamentaciones. Además, con la
libertad en la realización melódica que ofrecía el bajo continuo, la ornamentación era casi obligada
especialmente en las reexposiciones, como en el aria da capo. Por contra, en el s. XIX los compositores
escribieron todas las notas ornamentales. En el jazz, la ornamentación improvisada ha vuelto a tomar mucha
importancia en las partes de solo.
Entre los principales ornamentos o adornos de la ejecución musical se encuentran los siguientes.
abbellimento Sonido o grupo de sonidos introducido en la línea melódica como recurso expresivo u
ornamental.
acciaccatura Adorno musical que consiste en la ejecución a gran velocidad de una o más notas accesorias.
apoyatura Adorno de carácter expresivo que subraya una parte de la melodía y que se representa con una
nota de menor tamaño.
arpegio Ejecución sucesiva de las notas de un acorde.
glissando Efecto instrumental que consiste en ejecutar un intervalo mediante un deslizamiento rápido a
través de los sonidos intermedios.
grupeto Adorno musical consistente en tres o cuatro notas que preceden o siguen a la nota principal.
mordente Muy usado en la antigua música de clave, formado por la nota real, la segunda inferior y la nota
real de nuevo.
portamento Procedimiento de la voz y de los instrumentos de arco para pasar de una nota a otra emitiendo,
con suavidad y muy ligadas, todas las notas intermedias.
quiebro Nota de adorno que consiste en acompañar una nota de otras muy ligeras.
trémolo Efecto musical obtenido por los instrumentos de cuerda mediante una sucesión de movimientos
contrarios del arco, efectuados con tanta rapidez que los sonidos se emiten sin solución de continuidad.
trino Sucesión rápida y alternada de dos notas de igual duración, entre las cuales media la distancia de un
tono o un semitono. Es el más importante de los ornamentos y se indica en la partitura con la abreviación tr.
Partitura
Conjunto de las partes musicales, vocales o instrumentales, de una composición, representadas gráficamente
en forma de pautas superpuestas en las que coinciden los compases. La partitura impresa más antigua que se
conoce data de 1577, momento hasta el cual la música para conjuntos se publicaba exclusivamente en partes
separadas (ese tipo de partitura separada se llama particella). En el s. XVIII, con la creciente complicación del
tejido musical y el aumento de la orquesta, se impuso la partitura conjunta. La ordenación más habitual de una
partitura moderna suele ser considerada de abajo arriba en este orden: cuerdas, coro, solistas vocales,
percusión, metales y maderas. En este caso se llama partitura orquestal. Si, en cambio contiene las partes
vocales in extenso, pero las instrumentales están abreviadas para su ejecución al piano, la partitura recibe el
nombre de reducida.

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Pentagrama
Conjunto de cinco líneas horizontales, paralelas y equidistantes, sobre las cuales y entre cuyos espacios se
escriben las notas musicales. El pentagrama presenta dos razones prácticas para haber quedado como la pauta
de uso habitual: es la máxima agrupación de líneas paralelas en la que es difícil la confusión visual (el número
5 es indivisible y cada línea ocupa un lugar gráfico perfectamente identificable. En un «seis-grama» o un
«siete-grama», las dudas en la lectura serían proporcionalmente mucho mayores que el ámbito ganado). La
segunda razón, más musical, es que en el pentagrama cabe perfectamente la octava (octava forma la nota de la
primera línea con la del último espacio. Obsérvese que tanto las líneas como los espacios se cuentan de abajo a
arriba). Posteriormente y con la implantación de los teclados, el doble pentagrama (clave de sol en el registro
agudo para la mano derecha y clave de fa para el registro grave para la mano izquierda) de hecho configura un
«once-grama» ya que entre los dos pentagramas queda espacio para el do3 o central.
Progresión
Recurso compositivo que se basa en la repetición de un motivo o melodía en un registro distinto. Si el

resultado de la progresión se mantiene dentro de la tonalidad es diatónica. Un proceso de desarrollo primitivo,
muy habitual en el Barroco, es la progresión de una idea musical por quintas hasta volver al punto de partida.
Por contra, se denomina progresión cromática a aquella en que, respetando estrictamente los intervalos del
modelo, aparecen notas alteradas en el motivo progresado. Algunos de estos procedimientos compositivos
implican un determinado modo de ejecución de la obra, como la heterofonía y la homofonía, o bien dependen
directamente del modo de construcción de la frase musical en sí, como la coda, el retrógrado y el sujeto.
heterofonía Voz de origen griego (que significa «voces diferentes»). En la música griega, este término
designaba cualquier forma de polifonía. La musicología del s. XX ha recuperado la palabra para designar un
modo especial de practicar la música en varias partes que ejecutan la misma melodía, provista en algunas
voces de variantes u ornamentaciones que no efectúan las otras.
coda Fragmento compuesto para el final de una sección o de una pieza musical para confirmar su conclusión.
En la sonata clásica (Haydn y Mozart) y en la sinfonía romántica (Beethoven), las codas llegaron a tener
notables dimensiones.
homofonía Ejecución al unísono o en la misma octava de las diferentes partes de una obra musical. También
calidad de los acordes o de las notas que, formados por los mismos sonidos, se escriben de modo distinto o
reciben nombre diferente. Se llama homófono al canto o la música en los que todas las voces suenan al
unísono a la octava, por oposición a la música polifónica.
retrógrado Proceso de composición musical que consiste en escribir un fragmento o una pieza entera
empezando por la última nota.
sujeto Tema o pasaje determinado que constituye el material musical generador de una composición. En la
fuga, el sujeto es la idea musical que se ha de ver imitada, respondida, reexpuesta, etc. En la sonata, por sujeto
se entiende el tema completo, armonizado y desarrollado. El sujeto tiene más envergadura que otras ideas más
fragmentarias (célula, motivo...).
Ritmo
Elemento temporal de la música. Todo lo relacionado con los criterios de duración y proporción musicales
respecto al tiempo forma parte de este concepto. La mayor parte de la música se construye sobre un pulso (o
tempo): la unidad de tiempo constante, esté o no explícito en la partitura. Los pulsos musicalmente más lentos
(larguissimo) se corresponden a 40 pulsaciones por segundo y los más rápidos (prestissimo) pueden superar las
200. El ritmo de una obra musical viene dado por las agrupaciones o subdivisiones de ese pulso. Las
agrupaciones regulares de los pulsos son los compases. Muchos estilos, mayoritariamente danzas, tienen
ritmos característicos y al decir tango, allemande, giga, habanera, reggae, minueto, etc. entendemos una
pulsación, un compás y su disposición rítmica base, común a todas las piezas de ese estilo. La notación rítmica

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contempla desde un valor constante, la cuadrada, hasta la doscientas cincuenta y seisava parte del pulso, la
semigarrapatea (muy raramente usada), tomando la redonda como unidad. Paralelamente a esta precisión en la
división del tiempo, multitud de expresiones (rubato, ad libitum, accelerando, rallentando, senza rigore, colla
parte, perdendosi...) proponen en una pieza musical inexactitudes expresivas que dan personalidad a una
interpretación.
Hasta la irrupción de las formas musicales puras, el ritmo venía dado por el texto, con los acentos del lenguaje
coincidiendo con los musicales. El romanticismo especuló a menudo con bruscos cambios de ritmo para
proponer sensaciones y se apoyó en el folclore de las naciones entonces exóticas (España, Rusia, etc.). El
descubrimiento de los ritmos africanos y de Oriente produjo en los compositores impresionistas una
revalorización del ritmo ya no como soporte de la melodía o la armonía, sino como el principal actor de una
obra musical. El s. XX trajo profundas especulaciones rítmicas, desde los constantes cambios de compás,
justamente para perder la sensación de compás, de Stravinski, hasta los valores añadidos de Messiaen, o desde
los riff al unísono, sin pulso, del jazz hasta la total pérdida de referencia en la música aleatoria.
Solfeo
Canto de un fragmento musical pronunciando el nombre de la notas. El solfeo presenta dos técnicas
complementarias: solfeo absoluto y solfeo relativo. El primero asigna el nombre de las notas (do, re, mi,...)
siempre a su sonido absoluto, mientras que el segundo, a través del llamado do móvil, asigna esas mismas
sílabas a los sonidos según el grado de la escala que ocupen. El solfeo rítmico estudia solamente las relaciones
temporales de las notas, sin afinarlas, sea percutiéndolas o dando también su nombre en su situación absoluta
de escritura, lo que sería el solfeo recitado. También se practica el solfeo armónico o lectura vertical de notas,
prescindiendo del tiempo.
Solmisación
Técnica de aprendizaje para la lectura de la música escrita que se basa en la asignación a las notas de siete
sílabas: do, re, mi, fa, sol, la y si. La solmisación fue una idea de Guido d'Arezzo (c. 995-c. 1050), un
excepcional monje cantor que se percató de que un popular himno de seis versos dedicado a san Juan tenía en
la primera sílaba de cada verso una nota distinta y que esas notas configuraban una escala del modo que ahora
conocemos como mayor (sin el séptimo grado). Guido d'Arezzo creyó que sería más fácil recordar la afinación
absoluta de qualquier nota si se la vestía con la sílaba que le correspondía en ese verso. El texto dice: UT
queant laxis/ REsonare fibris/ MIra gestorum/ FAmuli tuorum/ SOLve polluti/ LAbii reatum/ Sancte Ioannes.
Ut es el antiguo nombre del do, que en Francia todavía se usa en la denominación de la tonalidad de las obras.
Fue posteriormente, en el Concilio de Trento, cuando se produjo el cambio de ut por do. Los obispos
consagraron la nota fundamental o tónica, reposo y base de las demás notas, a Dios (do por Dominus) y
aceptaron el uso de la sensible, prohibido hasta entonces en la música eclesiástica (Música ficta) pero en uso
en la música popular, consagrándola a san Juan (SI por Sancte Ioannes). La solmisación se practica en los
países latinos y siempre se había asociado con el solfeo absoluto (a cada altura le correspondía
indivisiblemente su sílaba), pero el solfeo relativo, impulsado por Kodály, otorga la sílaba do a la tónica, en el
tono que sea, re al segundo grado, etc. Es lo que se ha dado en llamar el «do móvil».
Tablatura
Escritura corriente en la Edad Media y en el Renacimiento que consistía en indicar la colocación de los dedos
en el instrumento para obtener el sonido deseado. Tal procedimiento se completaba con signos adicionales y
por la aplicación en determinadas partes musicales de la notación corriente. Las tablaturas más antiguas datan
de principios del s. XIV y están dedicadas al órgano. Desde mediados del s. XV y hasta el XVIII, los sistemas
de tablatura variaron según el país y el instrumento al que estaban dedicados. Algunos sistemas indicaban la
altura real de las notas por medio de números o letras; otros indicaban la cuerda, traste, agujero (en
instrumentos de viento), tecla, etc., y, a menudo, la digitación, pero la verdadera tablatura tenía por objeto
instruir al ejecutante sobre lo que debía hacer con los dedos más que indicarle las notas que debía tocar. En la
actualidad en el jazz y en la música popular han surgido distintas notaciones para la guitarra.

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Temperamento
Modo de afinación que se efectúa en determinados instrumentos al dividir la octava en doce semitonos iguales,
facilitando así la ejecución instrumental. Una quinta justa (do-sol), aparentemente y por el sistema temperado,
incluye siete semitonos (tal como puede verse en las teclas del piano). Matemáticamente, sin embargo, al
dividir una cuerda afinada en do en dos partes iguales da lugar a otro do pero de afinación una octava superior
(primer armónico), mientras que dividida en tres da lugar a la quinta justa de dicha octava (segundo armónico).
Pero esta quinta justa no incluye siete semitonos exactos sino 7,01955. Al proceder a la afinación de los
instrumentos suele procederse por octavas, en primer lugar, y a continuación por quintas, ya que son los
primeros armónicos y los más importantes. Cuando a partir del primer do se asciende por quintas se llega a las
notas sol, re, la, mi, si, fa sostenido, do sostenido, sol sostenido, re sostenido, la sostenido, mi sostenido y si
sostenido; pero al llegar a esta última nota, considerada como acumulación de quintas justas, se ve que aun
aproximándose mucho al do natural no es exactamente igual, ya que el si sostenido resulta un poco más alto
(una coma más).
De esta forma, la afinación exacta del piano y demás instrumentos de teclado o bien resultaría imposible o
requeriría 41, 43 o 53 teclas por octava (como en los sistemas de Huygens, Sauveur y Mercator-Holder)
impidiendo al ejecutante abarcar una octava con una sola mano. De ahí que se procediese a igualar el
mencionado si sostenido con el do y se modificasen las quintas intermedias para igualarlas respectivamente a
sus enarmónicos y permitir la octava de siete teclas blancas más cinco negras interpuestas. Este sistema,
denominado temperado y actualmente en vigor, fue oficialmente inventado por Neidhard en 1706 y,
rápidamente difundido, recibió el decisivo apoyo de Bach en su obra «El clave bien temperado», publicada en
1722.
enarmonía En la afinación temperada, relación entre dos o más notas que, perteneciendo a tonalidades
distintas y teniendo nombres diferentes, corresponden al mismo sonido (por ejemplo, mi sostenido y fa).
Tiempo
Parámetro elemental de la música que entiende de las duraciones y sus relaciones. Cabe distinguir el pulso o
tempo como la motricidad metronómica de una pieza o pasaje musical y el ritmo como las combinaciones de
ese pulso (agrupaciones o subdivisiones) que dan unidad y carácter a la pieza. Las agrupaciones regulares de
pulsos determinan el compás y también se denomina tiempo a cada una de las partes de igual duración en que
se divide el compás.
anacrusa Nota o grupo de notas situadas antes de un tiempo acentuado o inicial de una frase musical.
Tonalidad
Organización jerárquica de los sonidos en relación a una nota privilegiada que sirve de referencia: la tónica. El
sistema tonal se formó progresivamente desde inicios del s. XVII hasta finales del s. XVIII y fue codificado
por los teóricos a posteriori. Las principales características de la tonalidad son la supervivencia de los modos
mayor y menor, los únicos que se siguieron cultivando de los antiguos modos eclesiásticos de origen griego, la
importancia, decisiva en armonía, de las cadencias y las funciones esenciales de los grados más importantes:
tónica, dominante y subdominante. En la segunda mitad del s. XIX, el uso creciente de notas cromáticas y
antiguos modos eclesiásticos debilitó el sistema tonal y surgieron nuevas ordenaciones melódicas (escala de
tonos), técnicas (politonalidad) y teorías (dodecafonismo) que, dentro del nombre genérico de atonalidad,
negaban la jerarquía e interdependencia entre las notas.

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GLOSARIO II FORMAS MUSICALES
GLOSARIO II
GLOSARIO DE FORMAS MUSICALES
Las Formas músicales
La oposición entre cantata (con participación vocal) y sonata (en su origen para ser tañida con instrumentos de
arco) generó una distinción formal que daría pie al nacimiento de estructuras músicales definidas.
Fue en el s. XVI cuando se dio una clasificación entre las composiciones «da cantare» y las «da sonare»; en
1535 apareció «El maestro» de L. de Milán, cuyas composiciones «para tañer» consisten en fantasías de estilo
libre. Ello encontró su desarrollo en Italia con la canzona, de la que surgieron dos modalidades, la «da cantare»
o la escrita únicamente «per sonare». El primer ejemplo se halla en el quinto libro de «Madrigali a cinque
voci» (1572) de Nicola Vicentino. La presencia de la voz supeditaba la forma músical a su protagonismo,
como en la canción, el motete, el madrigal, el oratorio, etc. Otras formas compositivas horizontales (el motete
y el madrigal poseyeron una escritura vertical durante la Edad Media) están basadas en motivos melódicos,
aunque no llevan necesariamente la incorporación del canto: son el canon, el coral, la fuga, y en general todas
las formas de variación. El lied y el aria, como máximos exponentes de la canción de concierto, han estado
sujetas a normas de mayor rigor formal. En concreto cabe comentar el aria da capo, en la que se repetía el tema
inicial.
A partir del clasicismo, cuando la música instrumental volvió a recuperar el terreno perdido con respecto a la
ópera, la escritura se basó en el llamado lenguaje motívico, esto es, el que está constituido por breves y
constantes frases músicales, recurso imitativo de la música dramática instrumental, y las obras se basaron en
las frases músicales. Para concebir la forma músical pura más sencilla son necesarias dos frases diferentes y
contrastadas: es el lied binario, de esquema AB. El lied ternario tiene por esquema ABA, siendo la segunda
frase A la reexposición de la primera, aunque puedan introducirse algunas modificaciones, como cambios de
registro y adornos. La repetición de ese tema A, fijo, entre temas cambiantes es el esquema formal del rondó:
ABACADA..., o estructura estribillo-estrofa.
A partir del último tercio del s. XVIII, la sonata comenzó a perfilar sus tradicionales cuatro movimientos, el
primero de los cuales (un allegro inicial de presentación) muy a menudo está estructurado en forma sonata,
que, además de un término genérico, es una nomenclatura formal que define la vertebración de un sistema
configurado por una exposición, un desarrollo y una reexposición. El segundo y el tercero, que pueden
intercambiar su orden, son: un tiempo lento (andante, adagio, etc.) melódico y libre, bajo la forma de melodía
acompañada, y un movimiento de carácter más distendido (originalmente un minueto, luego convertido en
scherzo, lleno de juegos motívicos imitativos). Cierra la sonata un brillante último tiempo (presto, vivace...),
más rápido que el primero, apto para el virtuosismo instrumental y a menudo escrito en forma de rondó.
La sinfonía tiene la misma estructura formal que la sonata y el concierto. Ya durante la segunda mitad del s.
XVIII presenta algunas variantes en favor del protagonismo de las líneas solistas: suele iniciarse con un pasaje
orquestal para que sea el solista quien presente los temas. Con mucha frecuencia contiene cadencias.

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Otro origen formal ligado a la aparición de la música instrumental se encuentra en la suite, consistente en una
sucesión de danzas, la mayoría de ellas procedentes del s. XVI, que lograron un gran refinamiento
instrumental en la centuria siguiente, toda vez que perdieron en su mayoría el carácter bailable. El
divertimento y la serenata son formalmente muy variables (de uno o varios movimientos), pudiendo incluir la
última partes vocales.
La música programática somete su forma y organización a un programa narrativo preestablecido. Uno de sus
exponentes más significativos es el poema sinfónico, que recurre al leitmotiv, al que relaciona con un
significado semántico (personaje o idea) y lo presenta según evolucionan en el programa.
Los términos ricercare, diferencia, toccata, impromptu, balada, nocturno, rapsodia, estudio, capricho, o
invención no albergan una configuración formal determinada. Estas denominaciones se refieren básicamente a
su carácter técnico o expresivo, incluso cuando toman nombres de danzas, como polonesa, vals, mazurca,
polka, y han variado según las épocas y las modas.
La forma musical es la estructura expresiva de una obra musical. A lo largo de la historia de la música se han
desarrollado gran cantidad y variedad de formas musicales. Cada forma tiene su nacimiento, su cristalización,
su evolución y su transformación; algunas han permanecido, otras han desaparecido. La forma es lo que
estructura el discurso musical, y el armazón al cual debe ceñirse la técnica compositiva y en el cual se
organizan con sentido la armonía y la melodía. Las formas pueden estar asociadas tanto a un momento
determinado de la historia de la música, como a un tipo de discurso musical, un tono expresivo o un tipo de
sentimiento concreto.
GLOSARIO DE FORMAS MUSICALES
Formas vocales
Entre las formas propiamente vocales de mayor relevancia se encuentran:
antífona Pasaje que se canta antes y después de los salmos en las horas canónicas. También canto en el que,
de forma alternativa, intervienen dos coros.
cantata En sus orígenes (s. XVIII) significó «pieza vocal», en contraposición a sonata. En la forma en que se
conoce ahora, se refiere a una composición musical para una o varias voces, sacra o profana, con
acompañamiento instrumental y muy a menudo con la participación de coros, de estilo similar al de una ópera
pero sin representación escénica.
cantiga Canción medieval, de origen portugués o español. Una famosa colección de cantigas, escritas en
gallego y de contenido religioso, muy a menudo relativo al Camino de Santiago, son la «Cantigas de Santa
María», de Alfonso X el Sabio.
carol Canción vocal de tema navideño, a varias voces, cantada en Inglaterra. Una de los más antiguas que se
conocen es «Boar's Head Carol». Una recreación moderna del género es la «Ceremony of carols» de Benjamin
Britten.
cavatina En la ópera, fragmento para una voz menos importante que el aria. También pieza instrumental
breve y lenta.
drama lírico Ópera escrita sobre un tema dramático.
drama musical Ópera en la que se funden teatro y música.

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ensalada Composición musical a cuatro voces, humorística y de tema profano cultivada en la España del s.
XVI, en la que se combinan diferentes estilos, textos e idiomas. Son conocidas las de Mateo Flecha el Joven y
Mateo Flecha el Viejo.
intermedio o interludio Fragmento musical (llamado intermezzo en italiano) que une dos actos de una
ópera, una zarzuela, un ballet, etc. También breve fragmento improvisado de música para órgano que se
intercalaba entre dos versículos de un salmo o entre dos estrofas de un himno o de un coral.
romanza Aria, por lo general de carácter sencillo y tierno. Las piezas de lucimiento en las zarzuelas se
denominan romanzas.
singspiel Voz alemana que literalmente significa canto-representación. Género lírico alemán, similar a la
ópera cómica francesa o a la ópera bufa italiana, en el que se intercalan partes recitadas y cantadas. Tiene su
origen en el s. XVIII con J.A. Hiller y fue cultivado por un buen número de autores: Haydn, Mozart («El
empresario», «La flauta mágica»), Beethoven («Fidelio») y Weber («El cazador furtivo»), entre otros.
Stabat Mater Secuencia, cantada en la Iglesia católica, que rememora el dolor de la Virgen durante la
Pasión; esta obra de Jacopone da Todi fue tratada polifónicamente por primera vez por Josquin des Prés y ha
sido cultivada, entre otros, por Palestrina, Vivaldi, Pergolesi, Haydn, Schubert, Rossini, Verdi, Dvorák y
Poulenc.
tedéum o Te Deum Cántico de acción de gracias de la liturgia cristiana. Debido a la notable extensión de
este himno religioso y a su atractiva y popular melodía gregoriana, numerosos músicos se sintieron atraídos
por él a partir del s. XVI (R. de Lassus, C. Festa, etc.) y lo musicaron en su texto original latino o en su versión
traducida a las distintas lenguas vernáculas. También fue frecuente su tratamiento mediante solos, coros y
acompañamiento orquestal, es decir a la manera de un oratorio. Destacan las versiones de Byrd, Purcell,
Charpentier, Händel, Lully, Haydn, Mozart, Berlioz, Dvorák, Bruckner, Kodály, Verdi y Britten, entre otras
muchas.
vaudeville Pieza teatral de carácter ligero, con un argumento repleto de situaciones equívocas con el fin de
provocar la hilaridad del público. En origen, la palabra «vaudeville» se refería a una especie de gallarda o
danza de vueltas en rueda, que dio origen a la «comedia vaudeville». Su invención se atribuye al escritor
normando Olivier Basselin (Vau de Vire, ?-íd., 1450), autor de varios poemas satíricos. Su origen está
vinculado a la canción báquica, alegre y maliciosa que a fines del s. XVI generó una suerte de representaciones
jocosas con acompañamiento musical que fueron el punto de partida de las variadas formas de ópera cómica.
Pero subsistió también en la forma actual, es decir, con predominio del diálogo hablado por encima de la
música, o con total ausencia de ésta.
Formas instrumentales
Algunas de las formas características de la música instrumental son:
bagatela Pieza corta y de carácter ligero. Beethoven escribió tres series (36 piezas) de bagatelas para piano,
entre las cuales se encuentra la célebre «Para Elisa».
balada Composición para solista, de forma libre y de carácter lírico, que puede presentarse en forma cantada
o instrumental. Muy popular en los ss. XIV y XV, reapareció en el s. XIX en compositores como Chopin,
Schumann o Fauré. En el jazz y el pop- rock, por balada se entiende la mayoría de piezas lentas.
barcarola Canto de los gondoleros venecianos y pieza que imita dicho canto y cuyo compás ternario
recuerda el movimiento de los remos; fue cultivada, entre otros, por Chopin, Mendelssohn, Fauré y Offenbach.
berceuse Canción de cuna cuyo compás de seis tiempos recuerda el movimiento de balanceo. Se denomina
así a cualquier composición instrumental de forma libre e idéntico compás que la anterior. Son famosas las
berceuses de Fauré, de «Jocelyn» de Godard y de «El pájaro de fuego» de Stravinski.

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caccia Literalmente caza. «Alla caccia», en estilo de caza, es una forma de composición. También canción en
estilo de canon iniciada más o menos en el s. XIV en la que la segunda voz (el cazador) toma la melodía de la
primera (la presa).
canzona Si bien en la Edad Media este término se refería a un tipo de composición vocal, en el
Renacimiento pasó a significar una composición instrumental de melodía definida. Esta dualidad es el embrión
de las posteriores cantata y sonata.
fantasía Pieza instrumental en la que la forma no es importante y está sujeta a la libre imaginación del
compositor. Acostumbran a ser piezas cortas y para solo instrumental. Rousseau, en su «Diccionario de
música» (1767), la relaciona con la improvisación: «Tan pronto como una Fantasía está escrita o repetida, cesa
de ser tal y se transforma en una pieza común». En contra de esta definición, piezas terminadas con el nombre
de fantasía son: la «Fantasía cromática» de J.S. Bach o la «Fantasía coral» de Beethoven.
humoresca Pieza instrumental de movimiento vivo, inspiración humorística y forma libre; fue cultivada por
varios compositores románticos. Es especialmente conocida la «Humoresca» de Dvorák.
impromptu Forma instrumental libre, cultivada durante el s. XIX, que trata de conservar cierto carácter de
improvisación. Los ejemplos más conocidos son los que para el piano escribieron Schubert, Schumann y
Chopin.
invención Aunque el término ya aparece en unas obras de tipo suite de F. Bonporti, J.S. Bach nombró así a
15 breves piezas para tecla, concebidas como ejercicios de carácter contrapuntístico, escritas a dos voces en
estilo imitativo que desarrollan dos motivos distintos. Otras invenciones a tres voces escritas por el propio
Bach recibieron este mismo nombre más tarde. El término puede aplicarse a composiciones de igual
estructura.
Magnificat Himno a la Virgen María según aparece en el evangelio según san Lucas, que se interpreta al
final de las vísperas; ha sido muy cultivado por músicos de todas la épocas. Destacan, entre otros, los
compuestos por Palestrina, Lassus, Charpentier y Bach.
nocturno Antiguamente, pieza musical destinada a ser ejecutada por la noche. Haydn llamó Nocturno a una
pieza de cámara con solistas de viento; Mozart escribió la «Serenata nocturna», y Gyrowetz escribió 16 para
distintas combinaciones instrumentales. Normalmente se asocia a una composición pianística de un solo
movimiento y de carácter lírico. Así lo trató J. Field y sobre todo Chopin con sus 16 nocturnos, en los que el
tema inicial se reexpone al final.
partita Nombre que, a partir del s. XVII, los músicos italianos dieron a las piezas escritas para instrumentos
de teclado, y luego para otros instrumentos. En Alemania, en el siglo siguiente, fue tomado como sinónimo de
suite.
rapsodia Obra musical que utiliza temas y procedimientos estilísticos basados en músicas nacionales o
regionales. El primer compositor que utilizó este término fue el bohemio Tomasek, y su gran divulgador fue
Liszt con sus 15 «Rapsodias húngaras». Otras rapsodias con más o menos raíz popular son las «Rapsodias
eslavas» de Dvorák, la «Rapsodia española» de Liszt y la de Ravel o las «Rapsodias para violín» de Bartók. La
«Rapsodia» de Brahms para contralto, coro de hombres y orquesta no se basa en ningún material musical
folclórico; la célebre «Rhapsody in blue» de Gershwin tampoco, aunque explota a fondo los ritmos del jazz y
del blues.
ricercare Término que designaba en Italia, primero, las composiciones que improvisaban los tañedores de
laúd y, después, las construcciones polifónicas de los organistas.
rondó Forma instrumental, procedente del rondeau medieval, en la que alternan un estribillo y un número
variable de estrofas.
scherzo Nombre común a varios tipos de composición, comprendidos entre la época barroca y la romántica.
En el s. XVI servía para identificar canciones de forma libre como los «scherzi musicali» (bromas musicales)

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de Monteverdi y otros autores. Posteriormente, en el período clásico, designó un movimiento vivo de los
minués, como en Bach. A fines del s. XVIII, Haydn introdujo el uso de la palabra en lugar de minué en la
sonata y el cuarteto de cuerda, mientras que Beethoven lo usó como tercer tiempo de la sinfonía. Los
románticos (Brahms, Chopin) lo convirtieron en pieza instrumental autónoma.
sinfonietta Sinfonía de corta duración o escrita para una orquesta de reducidas dimensiones.
sonatina Sonata corta y, por lo común, de fácil ejecución.
tiento Floreo o ensayo que hace el músico antes de tañer una composición, a fin de verificar la afinación del
instrumento o la soltura de sus dedos. También nombre dado en España a ciertas composiciones en boga en los
ss. XVI y XVII, por lo general breves y con carácter de preludio improvisado, pero cuya estructura polifónica
los acercaba al ricercare italiano. El vocablo fue introducido por L. de Milán (1535) como sinónimo de
fantasía, siendo cultivada esta forma por músicos como A. de Cabezón, P. Bruna y J. Cabanilles entre otros.
Existían varias modalidades que recibían los nombres de «tiento de batalla», cuando consistía en temas
militares; «tiento de falsas», cuando se basaba en disonancias; «tiento lleno», cuando todas las voces
evolucionaban por igual; y «tiento partido de mano derecha»o «de mano izquierda», cuando una de las manos
era encargada de ejecutar la parte principal.
tombeau Composición musical de carácter elegíaco escrita en memoria de un maestro ilustre. Josquin des
Prés escribió un tombeau a la muerte de Ockeghem, la «Déploration». Fue muy usual en la Francia de los ss.
XVII y XVIII. En el s. XX se ha recuperado el término: «Le tombeau de Couperin», de Ravel; «Homenaje: Le
tombeau de Claude Debussy», de Falla.

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GLOSARIO III GÉNEROS MUSICALES
GLOSARIO III
GLOSARIO DE GÉNEROS MUSICALES
Los Géneros Músicales
Los géneros músicales se clasifican según su función y a menudo adquieren una nomenclatura distinta según
las épocas.La principal división se da entre la música sacra y la música profana, encontrando en el ámbito
interpretativo otra clasificación general, que determina la música vocal y la instrumental. En la música sacra,
la voz, conductora de los textos religiosos, está casi siempre presente: canto gregoriano, organum, motete,
cantata, coral, recitativo, pasión, misa, oratorio, tedéum, réquiem. Algunos de estos géneros requieren una gran
cantidad de intérpretes: es la música sinfónico-coral. Otros puntos de conexión entre la música vocal y la
instrumental son el lied sinfónico y la música escénica (ópera, opereta, zarzuela, music-hall, etc.), con la
excepción del ballet. Algunos fragmentos de música escénica se han reelaborado en forma de suite para poder
ejecutarse independientemente. Eso mismo sucede con ciertas oberturas e interludios.
Entre los géneros vocales profanos, «a cappella» o con acompañamiento instrumental, están la canción, con
sus múltiples presentaciones, el madrigal, las arias, el lied, etc. En los primeros tiempos de la música
instrumental para varios instrumentos se efectuó en Italia la distinción entre sonata da camera y sonata da
chiesa, ya no en función de su uso litúrgico sino por razones puramente músicales. En la sonata da camera
caben los ritmos de danza (allemande, gavota, minueto, etc.), no admisibles en la sonata da chiesa.
Entre los géneros instrumentales se encuentran el recital para solista, la sonata, para uno o varios intérpretes,
generalmente dos. La denominada música de cámara, que suele considerarse como tal a partir de tres
componentes y viene designada por su número y especialidad: trío de cuerdas, cuarteto con piano, quinteto de
viento, etc. Cabe destacar el cuarteto de cuerdas (dos violines, viola y violonchelo) como esencia de la música
de cámara y marco idóneo para la evolución compositiva. Sinfonía es el nombre genérico para la música
orquestal.
El concierto es un género músical en el que una parte de los intérpretes tiene mayor protagonismo que el resto.
Puede tratarse de un solista, de dos, de tres o de más. En el concerto grosso, un pequeño grupo, o concertino,
se opone al ripieno o masa orquestal (ya sea total o fragmentariamente). En el concierto para orquesta todos
los integrantes de la orquesta pueden tener su parcela de protagonismo en algún momento de la obra.
La música de programa se define por someterse a un programa narrativo preestablecido, a menudo un texto
poético. En el Renacimiento se imitaban los sonidos de la naturaleza de forma onomatopeica (también hay
ejemplos medievales de ello), práctica que prevalecerá hasta nuestros días. El Barroco añadió la subjetividad
emocional y el efectismo escénico, y en el romanticismo floreció el poema sinfónico. Con la variación, una
misma idea músical podía tener múltiples presentaciones.

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Otros géneros menores de configuración libre son los de ricercare, diferencia, toccata, impromptu, balada,
nocturno, rapsodia, estudio, capricho, invención. Estas denominaciones se refieren básicamente a su carácter
técnico o expresivo, incluso cuando toman nombres de danzas, como polonesa, vals, mazurca, polka y han
variado según las épocas y las modas. Finalmente algunos gentilicios también han determinado una idea de
género músical: «alla turca», «alla hongarese», «alla zíngara», siciliana, etc.
Los Libretos y Libretistas
Se entiende por libreto la obra literaria, en verso o en prosa, redactada para constituir el soporte textual de una
ópera, una opereta, un ballet o una comedia musical.
Los primeros libretos surgieron del madrigal y del ballet de corte, géneros en los que se solían comentar
musicalmente poemas elegidos de modo, en ocasiones, ciertamente arbitrario. En Francia, Quinault
proporcionó a Lully toda una serie de libretos para sus óperas, que sentaron la base para los que
posteriormente escribieron los italianos Zeno y Metastasio, y que en algunos casos fueron musicados varias
decenas de veces. L. Da Ponte se encargaría de confeccionar tres magníficos libretos para Mozart («Las bodas
de Fígaro», «Don Giovanni», «Così fan tutte») y varios para Martín y Soler, entre ellos el de «Una cosa rara»,
verdaderos éxitos en su momento. Durante el s. XIX destacaron los nombres de Cammarano, Piave, Boito,
Giacosa e Illica, quienes, inspirándose en obras de Shakespeare, Schiller, Goethe, Victor Hugo y Walter Scott
entre otros, proporcionaron textos de desigual valor a Verdi, Puccini y otros compositores. Simultáneamente,
algunos compositores prefirieron escribir sus propios libretos, con R. Wagner a la cabeza. En el s. XX la figura
del libretista parece ser aún insustituible. Entre los más destacados figuran von Hofmannsthal (óperas de R.
Strauss) y Maeterlinck (Debussy).
En el terreno de la opereta, sobresale el nombre de W. Gilbert, cuya asociación con el compositor sir A.
Sullivan ha dado algunas obras maestras del género («El Mikado»). En el terreno de la comedia musical, y si
bien algunos compositores han escrito también los textos de sus canciones (I. Berlin, C. Porter), la mayoría de
grandes nombres de la composición se ven acompañados por un gran letrista, I. Gershwin en el caso de su
hermano George, y Hammerstein o Hart en el caso de R. Rodgers. Algunos de los más destacados libretistas
desde el s. XVI hasta nuestros días se citan a continuación.
Calzabigi, Raniero de (Liorna, 1714-Nápoles, 1795) Libretista italiano. Escribió libretos para Ch.W. Gluck, a
quien inspiró en el camino de reforma de la ópera.
Hammerstein II, Oscar (Nueva York, 1895-Doylestown, 1960) Uno de los más prolíficos letristas de la escena
estadounidense. En los años veinte escribió las letras de musicales de Gershwin y Romberg. En los treinta
trabajó con J. Kern y a partir de la década de los cuarenta con R. Rodgers. El resultado son musicales como
«Rose Marie» (1924), «The desert song» (1926), «Show boat» (1927), «Oklahoma» (1943), «Carousel»
(1945), «South Pacific» (1949), «The King and I» (1951) y «The sound of music» (1959).
Hart, Lorenz (Nueva York, 1895-id., 1943) Libretista y letrista de comedias musicales, su mejor obra la
realizó en colaboración con el músico R. Rodgers con el que empezó a colaborar en 1919. Fue un innovador
en la faceta de libretista, modernizando los argumentos, y un exacto letrista como demuestran «With a song in
my heart» (1928), «Blue moon» (1935), «My funny Valentine» (1937), «The lady is a tramp» (1937) y
«Falling in love with love» (1938).
Hofmannsthal, Hugo von (Viena, 1874-Rodaun, 1929) Escritor y libretista austríaco. Mantuvo una estrecha
colaboración con R. Strauss, para el que escribió los libretos de «Electra», «El caballero de la rosa», «Ariadna
en Naxos», «La mujer sin sombra», «La Helena egipcia» y «Arabella».
Ponte, Lorenzo da (Ceneda, 1749-Nueva York, 1838) Libretista italiano, cuyo verdadero nombre era
Emanuele Conegliano. Es autor de libretos de óperas de Salieri, Martini, Martí y Soler y Mozart («Las bodas
de Fígaro», «Don Giovanni», «Così fan tutte»).
Rinuccini, Ottavio (Florencia, 1562-id., 1621) Poeta y libretista italiano. A los 17 años escribió intermedios
para la boda de Francisco de Médicis, y a los 18 ingresó en la Camerata del conde Bardi. En 1594 redactó el
libreto de «Dafne», fábula pastoral cuya música escribieron Peri, Corsi y, quizás, Caccini, considerada como
uno de los primeros esbozos de la ópera como género. También escribió los libretos de «Eurídice», de Peri,
«Arianna», de Monteverdi, y «Orfeo», de Rossi, entre otros. Abogó por una fusión íntima entre poesía y
música.

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GLOSARIO DE GÉNEROS MUSICALES
Aria
Composición musical para ser cantada por una sola voz con acompañamiento instrumental. Hacia fines del s.
XVI, la aparición del bajo continuo hizo posible las composiciones para una sola voz. A partir de entonces,
empezó a usarse la palabra aria, aunque su significado abarcaba desde piezas vocales o instrumentales que
evocaban expresiones sentimentales hasta pasajes de gran virtuosismo vocal con acompañamiento orquestal.
Con frecuencia, el aria, más sentimental y lírica, va precedida de un recitativo de carácter dramático. Formas
derivadas del aria son:
arieta Pequeña melodía compuesta al estilo de una aria que suele incluirse en óperas ligeras o en cantatas.
arioso Aria lenta y de intensa expresión dramática. También corta frase melódica que aparece en el
transcurso o al final de un recitado.
aria da capo Forma de aria que predominó durante la segunda mitad del s. XVII y todo el s. XVIII y que se
caracterizaba por la repetición ornamentada de la primera parte de un aria comúnmente bipartita (A/B). La
parte A era en general más extensa y exponía la idea principal del compositor, mientras que contrastando con
ella se desarrollaba una parte B, más breve, escrita en la tonalidad relativa a la presentada en A.
cabaleta Aria corta de ritmo sencillo y muy reiterado, por lo general con repetición; canción en forma de
rondó y, a veces, con variaciones; parte final de un dúo o aria de ópera con ritmo animado y repetición.
recitativo Canto declamado de línea melódica y dibujo rítmico que se adapta a la frase hablada. Por su
libertad y versatilidad, se adapta mejor a la prosa y fue mayoritariamente utilizado en las primeras óperas,
hasta Mozart, como hilo argumental y para hacer avanzar la acción. Puede ser acompañado por la orquesta o
«seco», con sólo algunas cadencias de referencia del bajo continuo. La parte del Evangelista en las Pasiones
también está en forma de recitativo. A continuación del recitativo suele aparecer el aria que comenta lo
expuesto en el recitativo.
Bailes Modernos
Bailes nacidos a principios del s. XIX que, en contraposición con el vals, la polca o la cuadrilla, estaban
caracterizados por el individualismo extremo y por su forma revolucionaria de ejecutarse. Con el surgimiento
del fox-trot se inician los bailes modernos. Éste irrumpió con fuerza en la sociedad americana y dio lugar a un
sinnúmero de variaciones. Después de la I Guerra Mundial, hizo su aparición el movido charlestón y,
pisándole los talones, en 1926, el black bottom, mezcla de deslizamientos, vueltas y saltos. La música que
acompañaba a estos bailes fue asimismo calificada de revolucionaria. Bautizada, al principio, como ragtime,
cambió de nombre en diversas ocasiones, al igual que el centenar de danzas que surgieron, y que estuvieron en
el candelero durante medio siglo, dejando paso, finalmente al twist y, sobre todo, al rock and roll que, desde
su aparición en los años cincuenta y hasta nuestros días, no ha podido, por el momento, ser desbancado por
ningún otro baile, en cuanto a popularidad y difusión.
Por otra parte, la popularidad de la danza y la música latinoamericana en EEUU causó impresión con el tango
argentino. Sin embargo, al ser éste de díficil ejecución, fue sustituido por la rumba cubana. A mediados de
siglo, aún se mantenía en popularidad por encima de otras danzas latinoamericanas como la samba, la conga,
el mambo y el cha- cha-cha. En la actualidad, estos bailes ocupan un lugar poco destacado, pese al intento de
rescatarlos a través de diversas escuelas de baile que imparten los llamados bailes de salón. Por lo que respecta
a los bailes modernos de finales del s. XX, éstos se caracterizan por ser un mero acompañamiento de las
músicas, además de ser ejecutados con total libertad de movimientos.
boogie-woogie Estilo pianístico del jazz. Baile de origen estadounidense que hizo su aparición hacia 1938 y
que se puso muy de moda en los años cuarenta.

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mambo Danza de origen cubano. Surge de la mezcla entre los ritmos afrocubanos y el jazz. Alcanzó gran
popularidad en el mundo entero en los años cuarenta, interpretado por orquestas de origen local, como la de T.
Puente o la de Pérez Prado.
samba Danza cuyo origen se encuentra en las comunidades negras de Brasil. Aunque el término samba
comprende múltiples variantes, la más popular es la proveniente de Río de Janeiro, que presenta un compás de
2 por 4, rápido y sincopado. La samba alcanzó gran popularidad en Europa y EEUU en los años cincuenta, y
en los sesenta se dedicaron a ella artistas como S. Getz, o J. Gilberto. La samba es uno de los ingredientes
principales de la bossa nova.
Bailes de Sociedad
Prototipos de danzas cortesanas europeas que, extraídas de los bailes de los campesinos, sirvieron de
divertimiento a la aristocracia de los ss. XVI, XVII y XVIII. La corte francesa y la italiana contemplaron los
albores de lo que podemos considerar la danza puramente secular. La Edad Media supuso una ruptura total
entre la danza y la religión, lo que dio lugar a la danza de divertimiento. Fueron los grandes momentos de dos
bailes: la carola y el tripudium, que podían ejecutarse por cualquiera; bastaba con marcar un ritmo simple y
obstinado. Estas danzas, eran en su mayoría de galanteo y tenían lugar en los majestuosos desfiles en los que
hombres y mujeres bailaban enlazados de la mano.
Catalina de Médicis, bailarina consumada, fue la introductora en la corte francesa en el s. XVI del primer
ballet de la historia, pero también de bailes cortesanos como la volta italiana y el branle, conocido en España
con el nombre de brando. Era un baile de rueda en el que podía tomar parte cualquier recién llegado.
Empezaba con un movimiento lento y gradualmente se iba haciendo más rápido y alegre. Al comenzar y al
concluir, todas las parejas se precipitaban hacia el centro de la rueda. Ambos bailes eran de conjunto, cuyos
participantes confirmaban su comunidad dándose la mano o el antebrazo.
En el s. XVI, «la country-dance», danza rústica de origen inglés, también fue importada a la corte francesa,
donde adoptada por la aristocracia se convirtió en la contradanza. La corte inglesa copió la versión francesa, y
posteriormente alcanzó, con algunas modificaciones, gran repercusión y popularidad en Norteamérica que,
conocida por cuadrilla, siguió bailándose hasta la primera mitad del s. XX. La corte española puso de moda la
pavana y la zarabanda. Otras danzas características de la época, también fueron la «courante» (corranda),
predecesora del minué, que se ejecutaba con pequeños saltos y muchas reverencias y cortesías. La gavota,
primitiva danza campesina introducida en la corte, gozó de gran popularidad y estuvo destinada a reinar hasta
finales del s. XVIII.
Durante los ss. XVII y XVIII los dominios en el baile fueron el pasacalle español, el saltarello italiano y la
bávara ländler. En la reuniones sociales, se sucedían varias danzas, en serie alternada, de movimientos lentos y
rápidos. Cada una de ellas seguía el compás de una determinada música, lo que le daba cierta monotonía.
Posteriormente se descubrió la posibilidad de ajustar a diferentes melodías los ritmos básicos de estas danzas.
Fue entonces cuando rivalizaron los compositores en adaptar nuevos encuadres a las viejas formas.
Pero, entre todos los bailes del s. XVIII, el minué ocupaba, sin duda, el lugar de preferencia. No existía
ninguna dama o caballero que se preciara de serlo, que escatimara esfuerzos para alcanzar la perfección de sus
intrincados y complejos compases. Recordaba una antigua danza tribal de galanteo con sus movimientos,
reverencias y dificultosas figuras. Baile de movimientos elegantes, el minué murió con María Antonieta; la
nueva sociedad aburguesada no tenía tiempo para las estrictas normas de este baile. De nuevo, tuvo lugar un
retorno a las danzas campesinas, a la contradanza, que pronto fueron eclipsadas por un ländler modificado, el
vals.
El vals, danza de movimiento giratorio, ocupó la popularidad en el s. XIX y supuso, sobre todo, la transición
de los bailes de grupo a los de parejas. Otras danzas populares características de esa época fueron el rigodón,
los lanceros y la polca campesina bohemia; esta última difundida en poco tiempo por Europa y América. A
finales de siglo, algunos de estos bailes estaban triunfando en los salones norteamericanos. Sin embargo, con el
introducción de la machicha, oriunda de España y nacionalizada brasileña, unida a los bailes de origen negro,
se rompió la tradición con el baile europeo, dando paso a los bailes modernos.

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allemande Danza de origen alemán de compás binario o cuaternario y de movimiento lento; suele figurar al
principio de las suites barrocas.
bergamasca Danza originaria de Bérgamo (Italia), donde se bailaba en los ss. XVI, XVII y XVIII. Su paso a la
música culta instrumental aparece en «Il terzo libro de intabolatura di liuto» (1564) de G. Gorzani. Utilizada
por J.S. Bach en las «Variaciones Goldberg», modernamente fue C. Debussy quien difundió su nombre al
escribir una «Suite bergamasque».
bourrée Antigua danza francesa, probablemente originaria de Auvernia o de Vizcaya, de compás binario y
movimiento animado. Presenta la característica de empezar la melodía en anacrusa. Cuando aparece en la
suite, como sucede también con otras danzas como el minué, acostumbran a tocarse dos bourrées, con
repetición de la primera, configurando una estructura ternaria.
courante Antigua danza francesa de ritmo ternario y de carácter alegre y noble que alcanzó gran popularidad
en el reinado de Luis XIV. Suele aparecer en la suite clásica en segundo lugar después de la allemande.
czarda Danza húngara constituida por una parte lenta y melancólica y otra muy rápida y fogosa. La música
clásica ha adoptado en ocasiones la czarda; pueden recordarse las dos que compuso Liszt para piano, las que
aparecen en el ballet «El lago de los cisnes», de Chaikovski, junto a otras danzas nacionales (danza española,
napolitana, etc.) o las de «El murciélago», de Johann Strauss II.
chacona Antigua danza de origen español, de compás ternario y de movimiento lento, que desarrolla una
serie de variaciones sobre un bajo obstinado. Su música, en su forma pura, fue utilizada por los compositores
de tecla del s. XVII y principios del s. XVIII (Frescobaldi, Buxtehude, Couperin, Bach, Händel) y luego
rescatada por Beethoven dentro de sus 32 variaciones en do menor para piano, o en el último tiempo de la
«Sinfonía n.º 4» de Brahms. Quizá la más célebre chacona sea la contenida en la «Partita n.º 2 para violín» de
Bach.
gavota Danza de origen francés de compás binario y movimiento lento. Su música, de forma binaria simple y
con entrada en anacrusa, que acostumbra a aparecer en la suite después de la zarabanda, a menudo formando
estructura ternaria con una segunda gavota o musette (con un bajo en bordón). La gavota se hizo popular en la
corte de Luis XIV.
moresca Danza mora que se difundió entre los ss. XV y XVII sin que se conozca su composición en cuanto a
ritmo y estilo. A menudo era burlesca, improvisada, y se acompañaba de disfraces.
polca Danza campesina de Bohemia, y no polaca, caracterizada por el medio paso que le ha dado su nombre
(«pulka» significa «mitad» en checo). Su tiempo es rápido y está escrita en compás de 2/4. Pese a su origen
rural, alcanzó una gran popularidad a partir de 1837, primero en Praga, donde fue adoptada como danza de
sociedad, y posteriormente en Viena y en París, ciudades en las que se mantuvo entre las danzas más
apreciadas, principalmente a causa de las obras de este género compuestas por Johann Strauss hijo. Asimismo
la polka fue empleada por compositores como Smetana y Dvorák.
polonesa Danza polaca de ritmo ternario, movimiento moderado y carácter procesional que servía para
introducir los bailes. Bach la utiliza en tres ocasiones y su hijo Friedemann escribió una serie de gran éxito.
Otros compositores autores de polonesas son Händel, Mozart, Beethoven, Schubert y sobre todo Chopin, con
cuyas 13 polonesas la convirtió en un símbolo patriótico.
siciliana Danza de movimiento lento y ondulante, de origen siciliano. Generalmente en modo menor fue
usada a menudo por los compositores del s. XVIII en los movimientos lentos tanto de la Suite como de música
de cámara.
villanesca Canción o danza rústica antigua que fue cultivada por autores como E. Daza (1567) o F. Guerrero
(1589).
zambra Antigua danza de carácter alegre muy en uso en España entre los ss. XVI y XVII, derivada de la
danza morisca cultivada en las postrimerías de la Edad Media. Solía bailarse de noche, lo cual se vinculó a las
fiestas nocturnas celebradas en Andalucía, creándose allí un canto con ese nombre.

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Ballet
Espectáculo teatral basado en la danza y en la pantomima, con o sin música, en el que suele haber un
argumento, generalmente simbólico (leyendas, fábulas, mitología) y unas especificaciones coreográficas y
escenográficas. Los orígenes del ballet se remontan al s. XV, época en que iniciaron su actividad los pioneros
italianos de la coreografía (D. da Piacenza, A. Cornazano, G. Ebreo), cuya labor fue introducida por Catalina
de Médicis en la corte de Francia. Se adoptó la expresión italiana «ballo» (baile), aplicada por lo general a los
bailes de salón, que los franceses pronunciaron «ballet».
Los ballets de corte alcanzaron su mayor fama en 1581 al estrenarse el «Ballet cómico de la reina»
coreografiado por Beaujoyeux, que marcó el inicio del prototipo de ballet moderno. La época dorada del ballet
se alcanzó durante el reinado de Luis XIV, bajo cuya protección se creó la Academia Nacional Francesa de
Música y Danza, y desarrollaron su actividad Lully y Molière, fundadores de la ópera-ballet y de la comedia-
ballet, respectivamente. A fines del s. XVII y principios del s. XVIII, se enriqueció la técnica académica, se
crearon nuevas reglas y se formaron las escuelas de M.A. de Cupis de Camargo y de M. Sallé. Los primeros
ballets como forma dramática, cuyo promotor fue Noverre, se crearon durante el reinado de Luis XVI y sus
máximos exponentes fueron F.A. Hilferding, G. Angiolini y Ch.L. Didelot.
A mediados del s. XIX, con la aparición del ballet romántico, se perfeccionaron las técnicas del llamado ballet
clásico con figuras como M. Taglione, C. Grisi y F. Essler. Su elevación subsiguiente fue más bien técnica y
acrobática; a fines de siglo se había estilizado a tal punto que apenas precisaba de una verdadera coreografía y
se rechazaba cualquier innovación en el escenario. Un ballet apenas se diferenciaba de otro, tan sólo hacían
gala los bailarines de su virtuosa ejecución de saltos, giros y piruetas. Sin embargo, existieron brillantes
excepciones a este panorama, como M. Petipa, E. Cocchetti e I. Duncan quienes abrieron el camino a S.
Diaghilev, cuyas obras revolucionaron la estética coreográfica e iniciaron la era del ballet moderno. Los
principales artífices de esta renovación fueron las compañías o escuelas de A. Pavlova, I. Rubinstein, S. Lifar,
M. Rambert, G. Balanchine, L. Massine, N. de Valois, R.S. Denis y M. Skeaping. Con posterioridad a la II
Guerra Mundial, las nuevas generaciones renuevan el panorama conceptual y formal del ballet, y entre ellos
destacan, entre otros, R. Petit, M. Béjart, M. Cunningham, M. Wigman, M. Graham, J. Limón, L. Horton y P.
Bausch.
En España, el ballet flamenco hace su aparición en el primer tercio del s. XX, alejándose del flamenco
tradicional al introducirse en los grandes ballets europeos a través de S. Diaghilev, quien decide incorporarlo a
sus Ballets Rusos, y de la bailarina A. Mercé, quien exporta su arte a Europa. A partir de este primer ballet
español, y a lo largo del s. XX, todos los creadores de compañías introducen el ballet flamenco en los
programas, como V. Escudero, Antonio, Mario Maya, Antonio Gades y Cristina Hoyos, entre otros, quienes
cada vez más incorporan los pasos y la técnica del ballet clásico y moderno, sin renunciar a los elementos
característicos del flamenco puro.
Blues
Junto con el jazz, es la gran aportación de la música negroamericana a la cultura del s. XX. Nacido, según
algunos estudiosos, de los cantos de trabajo africanos empleados por los esclavos del Sur de EEUU, se
convirtió en su expresión de lamento. Musicalmente se caracteriza por su simplicidad y lentitud y permite
infinitas posibilidades de variación.
Su estructura consta de una secuencia de 12 compases repartidos en tres secuencias de cuatro según la formula
AAB. Armónicamente, presenta una indefinición modal que procede de la llamada blue note, es decir, el
descenso de un semitono del tercer y séptimo grado de la escala mayor. La blue note es el resultado de la
superposición de la escala pentatónica africana, llevada a Estados Unidos por los primeros esclavos negros,
con la diatónica europea, imperante entre los blancos. Constituye la base del ambiguo clima armónico del
blues.
Los orígenes de esta música se han rastreado en una tradición oral que se remonta a 1860, aunque no aparece
como tal hasta 1920. En ese año, Mamie Smith grabó el primer disco de blues. La siguieron grandes voces
femeninas como Victoria Spivey o Ma Rainey, en cuyas grabaciones colaboraron grandes pianistas de jazz
como Fats Waller o James P. Johnson. Charlie Patton, Robert Johnson y Blind Lemon Jefferson figuran entre
los pioneros de un estilo que fue extendiéndose por EEUU y convirtiéndose en una música más urbana y

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bailable que acabó por tomar el nombre de rhythm and blues. Memphis Slim, John Lee Hooker, Sam Lightnin'
Hopkins o Brownie McGhee son las figuras básicas del desarrollo del blues en los años cuarenta y cincuenta.
Muddy Waters, B.B. King, Willie Dixon y Howlin' Wolf enlazaron el blues con el rock and roll de los
comienzos. Las dos derivaciones fundamentales del blues son el jazz y el rock.
Bolero
Baile típico español de movimiento moderado y compás ternario, derivado de la seguidilla. El bolero fue
presentado en 1780 por el bailarín S.L. Cerezo. Consta de tres coplas, de 36 compases cada una de ellas, y de
tres estribillos. En sus orígenes, era cantado y estaba acompañado por guitarras, tamboril y castañuelas.
El bolero figura también en la música llamada clásica. Chopin compuso uno para piano (el op. 19), y en 1928
Ravel escribió otro para orquesta que rápidamente adquirió gran popularidad merced al efecto hipnótico de
una melodía lenta y de ritmo marcado, repetida sin cesar y con un crescendo de 15 minutos de duración. Fue
estrenado el 22 de noviembre de ese mismo año por la bailarina Ida Rubinstein y ocupó en seguida un lugar de
honor en el repertorio de conciertos. Su ritmo, aun no siendo exactamente el del bolero popular, es un modelo
de pulcritud. El bolero ha aparecido en varias obras líricas, cuando el «color local» así lo requería; así, por
ejemplo, es preciso recordar el bolero «Mercè, dilette amiche» de la ópera «Las vísperas sicilianas», de Verdi
(1855), y el bolero «Niñas que a vender flores vais a Granada», de la zarzuela «Los diamantes de la corona»,
de Barbieri (1854).
El bolero latinoamericano, con el mismo nombre que un tradicional baile español del s.XVIII, surgió en la
zona del Caribe un ritmo cadencioso y sentimental derivado del danzón y el son cubanos. A finales del s. XIX,
el bolero fue tomando su forma actual entre los músicos del Oriente cubano que se trasladaron a La Habana y
lo popularizaron. En 1906 se estrenó en La Habana la obra musical «El triunfo del bolero» de Alberto Villalón,
confirmación de un estilo que se difundiría por todos los países de habla hispana con gran éxito, al que ayudó
la aparición de la radio en los años veinte. La primera agrupación profesional dedicada al bolero fue el Trío
Matamoros, de Cuba, creado en 1924. En los años cuarenta tomaron su relevo los mexicanos Los Panchos,
que fijaron un estilo con una voz solista, dos voces de acompañamiento, una guitarra y un requinto para los
puentes instrumentales. De su imitación surgieron centenares de formaciones idénticas entre los que
destacaron el Trío San Juan y los Tres Caballeros. En España se hizo muy popular el cubano Antonio Machín,
que vivió en Madrid desde los años cuarenta. Entre los solistas, el chileno Lucho Gatica creó un estilo vocal,
también imitado por cientos de solistas.
Canción
La canción en poesía
Composición poética destinada al canto o que cuenta con acompañamiento musical. Cabe distinguir entre la
canción renacentista y la trovadoresca. La primera, practicada por los poetas de la escuela siciliana y por
Guittone d'Arezzo, fue llevada a su perfección por Petrarca. Cada estrofa se divide en tres partes (dos pies y
una cauda) y la composición se cierra con una estrofa más breve, llamada commiato. Las estrofas suelen tener
un máximo de veinte y un mínimo de siete versos, con frecuencia endecasílabos. En Italia se practicó hasta la
muerte de Tasso; en Inglaterra, la cultivó William Drummond de Hawthornden; en Alemania, fue descubierta
por A.W. von Schlegel y por otros románticos; en España y Portugal, fue muy difundida por Boscán, Garcilaso
y Sá de Miranda.
La canción trovadoresca se divide en tres redondillas, a menudo en versos octosílabos: inicial, medial y final,
con idéntico esquema de rimas en la inicial y la final. Se conservó en los cancioneros de comienzos del s. XVI
y fue practicada por Montemayor y por Gil Polo. Cayó en desuso durante el Siglo de Oro y volvió a aparecer
en la poesía de Rubén Darío.
La canción en la música
Pieza musical profana sobre texto poético para una o varias voces con o sin acompañamiento. El canto es
inherente a toda forma de cultura y civilización, y sus orígenes coinciden con los del lenguaje. El desarrollo de
la canción en Europa ha tenido algunos momentos cruciales: la adopción, por parte del cristianismo, de las

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formas antifonales de la Antigüedad y su afán de asentar, mediante el canto gregoriano, unas leyes, patrones y
escalas. La canción siempre ha sido la mejor manera de propagar cualquier mensaje, desde los relatos épicos
de los juglares hasta la ópera en todas sus manifestaciones, pasando por las canciones folclóricas, de trabajo,
de fiesta, de baile, etc.
Como géneros más precisos señalemos: la canción con laúd del s. XVI (una de las primeras colecciones de
canciones publicadas es la de Luis de Milán, de 1536), el recitativo y las arias operísticas, el lied alemán, el
Sprechgesang o canto hablado, y otras denominaciones como canzonetta, chanson, napolitana, villancico,
corranda, serenata, romanza, copla, o villanela. En todas ellas debe mantenerse el equilibrio entre el texto y
música, la tarea más difícil en toda forma de canción, tanto en el proceso de composición como el de
interpretación. Los cantantes clásicos deben conocer los matices y la fonética de diversos idiomas para afrontar
un amplio repertorio.
En cuanto a su forma -casi siempre dependiente de la estructura del texto al que sirve-, la más habitual
combina una parte fija, llamada estribillo, donde radica la consideración más significativa del texto, situada
entre partes variables llamadas estrofas.
Canción francesa
La tradición del music-hall y sobre todo la aparición de los cabarets existencialistas en St. Germain des Prés
hicieron aparecer en Francia un tipo de canción poética de gran nivel en música y textos conocido con el
nombre genérico de «chanson». Sus primeras grandes figuras de la era moderna fueron Charles Trenet,
elegante compositor e intérprete a quien se deben «La mer» o «Douce France», y Edith Piaf, genial intérprete
que ayudó al lanzamiento de compositores como Bécaud, Aznavour o Moustaki, que también triunfarían como
cantantes. Entre los nombres importantes nacidos en la música de los cincuenta destacan Ch. Aznavour, G.
Brassens, J. Brel, B. Vian y L. Ferré como autores y cantantes, y J. Gréco, Y. Montand o S. Reggiani en la
segunda de estas facetas. La llegada del fenómeno pop restó audiencia a los intérpretes de la chanson y no han
surgido figuras del mismo nivel.
Canción italiana
La tradición de la romanza napolitana entroncó perfectamente con la canción moderna italiana, mucho menos
impregnada de elementos anglosajones que la música popular de otros países de Europa. La creación del
Festival de San Remo, en 1951, fue el vehículo que impulsó la canción italiana por el mundo. Tras unos años
de triunfos en el mercado interior, el «Volare» de D. Modugno, ganador de la edición del 58, fue número uno
en casi todos los mercados del mundo. Eso abrió una puerta aprovechada por el propio Modugno, A.
Celentano, Mina, G. Cinquetti, Milva, G. Morandi, P. Pravo, G. Paoli, N. Fidenco, N. di Bari o Al Bano para
imponer su estilo de balada romántica en todo el mundo. En los años setenta, tras una etapa de crisis, la
canción italiana resurgió del ejemplo de L. Battisti con nombres como S. Giacobbe, C. Baglioni, U. Tozzi, F.
Battiato, L. Dalla y P. Conte.
Canción popular
A mitad de camino entre la canción de origen folclórico y los hallazgos de la música culta, surge un tipo de
canción popular cuyas primeras manifestaciones pueden remontarse a la época de los trovadores provenzales,
pero que consiguió carta de naturaleza en el s. XVIII con el triunfo de la tonadilla. El cabaret y el music-hall
imponen su propio estilo con una gran carga literaria.
Con la llegada de la radio como medio de difusión de la música, se hizo necesaria la existencia de canciones
no pensadas ya para el espectáculo en directo y comenzó la era de la canción pop. Empieza, en los años veinte,
con la incorporación de cantantes de blues a las big bands de jazz de la época, pero pronto surgieron nombres
que lograron independizarse del blues y el jazz para triunfar con canciones nacidas de comedias musicales,
películas sonoras y creaciones propias. La primera de estas grandes figuras fue Bing Crosby y de su ejemplo
surgieron voces importantes que fueron desligándose de las bandas para crear la generación de los crooners, en
la que triunfaron nombres como Tony Bennett, Eddie Fisher, Judy Garland, Perry Como, Doris Day y Frank
Sinatra. Con la llegada del rock and roll, la canción de tres minutos se convirtió en la moneda de cambio

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habitual del género. Solistas como Elvis Presley, Chuck Berry o Fats Domino fueron pioneros de un estilo
seguido por jóvenes como Paul Anka, Neil Sedaka, Frankie Avalon o Ricky Nelson, sustituidos en los años
sesenta por la invasión de grupos capitaneados por The Beatles y los Rolling Stones. Entre los nombres
míticos previos a la llegada del rock pueden citarse, entre otros, a Doris Day y Dean Martin.
Cancionero
Nombre que recibe toda recopilación musical, impresa o manuscrita, que contenga o bien el texto solo, o el
texto y una notación, de uno o varios autores. Los cancioneros aparecieron de modo usual hacia el s. XVI, si
bien en algunos casos recogían formas musicales del s. XV; éste es el caso del «Cancionero musical de
palacio», colección de cuatrocientas cincuenta y ocho piezas polifónicas de carácter amoroso, histórico,
caballeresco o bucólico; algunos de los más importantes compositores de la época se encuentran representados
en las páginas de esta valiosa recopilación: Juan del Encina, Pedro Escobar, Francisco Millán, Francisco
Peñalosa o Juan Ponce. El «Cancionero de la Colombina» consta de noventa y cinco composiciones, varias de
ellas anónimas, y en él aparece una ensalada de Triana, autor que presenta tres melodías tradicionales más en
la colección. En el «Cancionero de Segovia» aparecen, en castellano, obras de compositores neerlandeses,
como Agricola, Josquin des Prés o Brumel. El «Cancionero musical de Barcelona» contiene ciento veintidós
canciones, compuestas, entre otros, por Pastrana, Mondéjar, Peñalosa, Mateo Flecha y Juan del Encina. En el
«Cancionero de Upsala» se registran cuatro canciones con texto catalán. El «Cancionero de Medinaceli» es,
junto al de palacio, el más importante de la época; presenta un centenar de composiciones profanas, veinte
villancicos, bastante próximos a la estética del madrigal, una ensalada, cincuenta madrigales y varias
canciones. Finalmente, el «Cancionero musical del siglo XVII» es una recopilación que estableció un copista
de la Capilla Real de Madrid, Claudio de la Sablonara, y contiene composiciones, a veces polifónicas, de Juan
Blas de Castro, Gabriel Díaz Besson, Miguel Arizu, Manuel Machado y Alvaro de los Ríos entre otros autores.
Comedia musical
En EEUU, la opereta acabó dando paso a un género propio definido como comedia musical o, abreviadamente,
musical. El éxito de operetas como «Rose Marie» o «El príncipe estudiante» impulsó a los autores
estadounidenses a crear un género propio, popularizado posteriormente en todo el mundo gracias al cine. El
mérito de la comedia musical fue enlazar, a menudo de modo muy espectacular, diálogos, canciones y baile sin
perder nunca el hilo argumental. Los protagonistas se comunicaban hablando, cantando y hasta bailando. «The
black crook» (1897), de Wheatley, es la primera comedia musical conocida.
Como género tuvo su etapa de esplendor a partir de los años veinte. Autores como I. Berlin, J. Kern, R.
Rodgers, C. Porter, F. Loesser, F. Loewe, K. Weill, L. Bernstein o G. Gershwin escribieron algunas de sus
mejores páginas para la comedia musical. Después de una etapa de cierto oscurecimiento, el género se ha
cultivado luego con gran éxito en Inglaterra, Francia y otros países y ha tenido un gran continuador en el
británico Sir Andrew Lloyd Webber. Entre los nombres más destacados de la comedia musical figuran los
siguientes.
Arlen, Harold (Buffalo, 1905-Nueva York, 1986) Compositor de canciones y musicales estadounidense. Antes
de trasladarse a Hollywood ya contaba entre sus obras con clásicos como «Get happy» o «Stormy Weather».
Compuso música para numerosas películas y sus temas forman ya parte integral de la música americana, como
«One for my baby», «Let's fall in love», «That old black magic». Su mayor éxito lo alcanzó con «El mago de
Oz» (1939), filme en el que Judy Garland cantó la legendaria «Over the Rainbow», por la que obtuvo un Oscar
a la mejor canción. Era el compositor predilecto de numerosas estrellas de la canción, como Barbra Streisand.
Kern, Jerome (Nueva York, 1885-id., 1945) Compositor estadounidense de música cinematográfica y teatral.
Editó su primera canción a los 17 años y tuvo el primer éxito a los 20. Se le considera el padre del moderno
musical americano. Es el autor de «Show boat» (1927) y «Roberta» (1933) y compositor de canciones que han
sobrevivido a las obras para las que nacieron, como «Smoke gets in your eyes» (de «Roberta»), «I've told
every little star» (de «Music in the air», 1932).
Loesser, Frank (Nueva York, 1910-id., 1969) Compositor estadounidense de comedias musicales, ganador del
Pulitzer por «How to succeed in business without really trying» (1961) y autor de obras tan populares como

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«Guys and dolls» (1950). En el cine consiguió cinco nominaciones para el Oscar y una sola estatuilla por «La
hija de Neptuno» (1949).
Loewe, Frederick (Viena, 1904-Nueva York, 1988) Compositor estadounidense de origen austríaco, autor,
junto al letrista Alan Jay Lerner de algunos de los mejores musicales de Broadway. Sus mayores triunfos
fueron «Brigadoon» (1947), «Paint your wagon» (1951), «My fair lady» (1956), «Camelot» (1960) y «Gigi»
(1973).
Rodgers, Richard (Nueva York, 1902-id., 1979) Compositor estadounidense. Fue el autor de algunos de los
musicales más importantes del género, en el que colaboró con los letristas L. Hart y O. Hammerstein II. Sin
duda el autor cuyos musicales, llevados al cine, han cosechado un mayor éxito popular («Oklahoma», F.
Zinnemann, 1955; «Carousel», 1956; «El rey y yo», W. Lang, 1956; «Pal Joey», G. Sidney, 1957; «Al sur del
Pacífico», J. Logan, 1958; «Sonrisas y lágrimas», R. Wise, 1965). La película «Words and music» (1948) es el
retrato cinematográfico de Rodgers y Hart.
Sondheim, Stephen (Nueva York, 1930) Compositor y letrista estadounidense. Escribió las letras de obras tan
populares como «West side story», de L. Bernstein, «Gipsy», de J. Styne o algunos temas de R. Rodgers. Su
primera partitura fue «A funny thing happened on the way to the Forum» (1962), a la que siguieron
espectáculos de notable éxito como «Anyone can whistle» (1964), «Follies» (1971) y, sobre todo, «A little
night music» (1973).
Copla
Con este nombre genérico se define un estilo musical netamente español, heredero de la tonadilla, y que tuvo
su etapa de máximo esplendor entre 1930 y 1960. La copla surgió de la fusión de los espectáculos teatrales de
variedades y la música flamenca. En 1929, la obra «La copla andaluza», de Guillén y Quintero y
protagonizada por Pepe Marchena, puso las bases del estilo que, pese a expresarse por medio de canciones,
tuvo casi siempre su origen en espectáculos teatrales. Ésa es la razón de que muchas canciones estuvieran
firmadas por un trío de autores: el letrista, el compositor y el autor del libreto del espectáculo. Papeles que,
respectivamente, tomaban Rafael de León, Manuel López Quiroga y Antonio Quintero en el famoso trío
Quintero, León y Quiroga, los máximos autores del género. En los años treinta, las figuras de la copla fueron
Angelillo, Estrellita Castro, Pepe Marchena, Imperio Argentina, Miguel de Molina, Juanito Valderrama y
Conchita Piquer. Tras la guerra civil, C. Piquer quedó como la indiscutible número uno a la vez que surgían
nombres tan importantes como Juanita Reina, Antonio Molina, Lola Flores, Paquita Rico, Rafael Farina, Pepe
Pinto, Pepe Blanco y Carmen Morell. Todavía en los años cincuenta aparecieron nuevas estrellas como Marifé
de Triana y posteriormente Manolo Escobar. Rocío Jurado e Isabel Pantoja están consideradas como las
últimas figuras del género.
Country
Estilo de música popular, por lo general cantada, propio de la población blanca de algunas zonas rurales de
EEUU; sus instrumentos más frecuentes son el banjo, la guitarra y el violín.
Nacido de la mezcla de ritmos y tonadas llegadas de Europa con las sucesivas oleadas migratorias, es un
compendio de los ritmos de baile centroeuropeo y las baladas tradicionales británicas. En la década de los
veinte, la industria del disco y la fuerza de la radio convirtió esta música popular en un floreciente negocio
editorial. La primera gran figura, que sentó las bases estilísticas del estilo, fue Jimmie Rodgers (1897-1933),
que abrió los mercados del country hasta hacerle competir con el jazz y el blues, en boga por entonces. Hank
Williams (1923-1953) sentó las bases del moderno country, apoyado por grandes festivales musicales en los
estados del Sur, fundamentalmente el Gran Ole Opry de Nashville. Johnny Cash, Loretta Lynn, Conway
Twitty, el guitarrista Chet Atkins, Jim Reeves, Patsy Cline, Marty Robbins, Gene Austin, Willie Nelson son
algunas de las mayores figuras del género. Con el nombre de «bluegrass» se conoce una variante del country
instrumental, basado en el sonido de banjos, violines y guitarras, de gran dinamismo y vivacidad en el que
destacaron figuras como Lester Flatt y Doc Watson.
Cuplé

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Canción entre frívola y picaresca que se cantaba en teatros u otros locales de espectáculos. De origen francés,
fue el centro de las variedades en las primeras décadas del s. XX. Con el paso del tiempo, el cuplé fue
perdiendo parte de su contenido picaresco para derivar hacia sencillas historias de amor que lograron superar
la decadencia del estilo. Intérpretes destacadas en los primeros años de siglo fueron Raquel Meller, que fue la
reina indiscutible del cuplé, la Bella Otero o la Chelito. En los años cincuenta, el cuplé regresó a la actualidad
gracias a películas como «El último cuplé» o «La Violetera», protagonizadas ambas por Sara Montiel.
Flamenco
Término con el que se designa el conjunto de cantes y de bailes surgidos del contacto de ciertos elementos
orientales andaluces con el folclore gitano. Las primeras noticias fiables sobre el flamenco datan de hace dos
siglos. Su difusión pública se inició después de 1783, año en que Carlos III liberó a los gitanos de las
persecuciones sufridas hasta entonces. Las modalidades más antiguas son la toná, la siguiriya y la soleá, de las
cuales surgieron los restantes estilos conocidos (entre otros, los más divulgados son la saeta, el tiento, la
bulería, el fandango, la petenera, la sevillana y la rumba). Los bailes, inicialmente derivados del zapateado, del
tango y de la bulería, pronto se multiplicaron a partir, sobre todo, de las soleares y de las alegrías. Los primeros
cantaores de nombre conocido (tío Luis el de la Juliana, Juanelo, el Fillo) pertenecen a la primera mitad del s.
XIX, época de un flamenco incierto y minoritario; por el contrario, a mediados de este siglo se inició una de
las épocas más fecundas del flamenco, que alcanzó una amplia difusión -gracias a los cafés cantantes- y una
extraordinaria creatividad (Tomás el Nitri, Diego el Marruro, Merced la Serneta, Antonio Chacón). Desde el
inicio del s. XX, el flamenco entró en una etapa de paulatina adulteración. Su salvaguarda por parte de unas
pocas familias gitanas y su revalorización desde las instituciones ha propiciado, sin embargo, el surgimiento de
importantes cantaores (A. Mairena, M. Caracol, Camarón de la Isla, Lebrijano, J. Menese) e instrumentistas
(Paco Cepero, la familia de los Habichuela, Paco de Lucía). Respecto al baile, cabe citar, junto a los
imprescindibles V. Escudero y C. Amaya, a Antonio Gades, Matilde Coral, Cristina Hoyos y Manuela Carrasco
Folk Song
Género musical basado en la interpretación de canciones populares con una sensibilidad actual. El nacimiento
de este movimiento se sitúa en el empleo que las organizaciones obreras hicieron de himnos y tonadas
populares, alternando sus textos, como arma de lucha en sus reivindicaciones. El estadounidense de origen
sueco Joe Hill está considerado como un pionero en este sentido. El moderno folk song nació con Woody
Guthrie, cantante vagabundo, militante izquierdista, que creaba canciones populares basándose en los temas de
actualidad. Discípulo suyo fue Pete Seeger, patriarca de las nuevas generaciones de folksingers. Él dirigió el I
Festival Folk de Newport, en 1959, del que surgió una nueva generación de creadores capitaneados por Joan
Baez. Los años sesenta fue especialmente rica en este campo, con figuras como Bob Dylan, Phil Ochs, Judy
Collins, Joni Mitchell, Tom Paxton, Peter, Paul & Mary, algunos de los cuales llegaron a encabezar las listas de
ventas compitiendo con las figuras rock y pop. En los sesenta, el movimiento folk se puso al frente de los
movimientos reivindicativos a favor de los derechos civiles y en contra de la guerra del Vietnam.
Gospel
Canto religioso de los negros estadounidenses. Usualmente, se presenta bajo una estructura de pregunta-
respuesta que se establece entre el pastor, que realiza las preguntas, y el coro, que las responde, aunque el
gospel puede ser interpretado por una o más voces. Desconocido por el gran público hasta los años treinta, el
gospel es una reformulación de los antiguos sermones de misioneros católicos o protestantes. Los temas
comúnmente tratados son los concernientes a la problemática social de la comunidad marginal afroamericana,
expresados bien en tono de protesta, bien en tono de lamento. El gospel constituye una de las más grandes
influencias en la formación del jazz, el soul y el rhythm and blues. Muchas grandes estrellas de la música
negra se iniciaron como intérpretes de gospel, cuya influencia resulta palpable en su obra posterior (Sam
Cooke, A. Franklin o L. Richard).
Habanera

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Danza y canción de origen cubano, de compás binario y de movimiento más bien lento, que se popularizó en
España y en Europa a finales del s. XIX. Si bien como se ha dicho su compás es binario, se escribe en 2/4, y
hay opiniones que defienden su escritura en 6/8 debido a sus figuraciones ternarias. El compás 2/4, empero,
indica mejor su ritmo. Bizet introdujo una habanera en su ópera «Carmen», retocando tan sólo la habanera «El
arreglito» (1840) del compositor español S. Iradier; este ritmo fue empleado también por Debussy en «La
velada en Granada», en «La puerta del Vino» y en otras obras instrumentales; Chabrier es autor de una
habanera para piano; Ravel de una «Pieza en forma de habanera»; Saint-Saëns de una «Habanera» para violín
y piano; otros compositores que han compuesto habaneras son Aubert, Albéniz, Falla y Montsalvatge; R.
Laparra es autor de una ópera con este título. Es especialmente interesante el caso del arraigo de la habanera en
Cataluña, cultivada en muchas zonas costeras. Se cantaba en catalán, castellano o bien en versiones bilingües y
el ambiente habitual era la taberna; todavía hoy tiene un gran predicamento. Por la repercusión popular que
han tenido sus habaneras, es preciso citar a Sebastián de Iradier.
Himno
Composición poético-musical destinada a la exaltación de la divinidad, de un gran personaje o de un

acontecimiento importante. Existen himnos en todos los cultos religiosos, de mayor o menor calidad musical.
El canto ambrosiano monódico recoge la himnodia inicial de la iglesia occidental, lo que da razón de que lo
más sustancial de un himno sea la melodía, aunque ahora se presenten armonizados a cuatro voces o con
acompañamiento instrumental. La Reforma luterana, en su idea de acercar la liturgia a los fieles, dio mucha
importancia a los himnos por el amplio grado de participación que suponen. El primer himnario luterano
apareció en Wittenberg, en 1524, y muchos de los himnos protestantes son adaptaciones tanto provenientes del
canto llano como de melodías populares, cambiando los textos para su uso religioso. Muchos de estos himnos
alemanes constituyen la voz de soprano de realizaciones corales posteriores, con numerosos ejemplos en las
Cantatas y Pasiones de J.S. Bach. Muchas otras Iglesias surgidas del protestantismo (calvinistas, bautistas,
presbiterianos, metodistas, evangelistas, anglicanos...) han buscado himnos que definan su religión. El
«Diccionario de Himnología» contiene 400.000 himnos.
Con el romanticismo, las naciones buscaron también su himno. Francia adoptó la canción revolucionaria «La
Marsellesa», Inglaterra su «God save the King», Alemania adoptó la melodía de un tiempo lento de un cuarteto
de cuerda de Haydn («Deustchland über alles»). Muchas otras entidades, sociales, políticas, deportivas,
militares, universitarias, etc. también han confiado parte de su identidad a la posesión de un himno: el tema
inicial del «Te Deum» de Charpentier para Eurovisión, el coral final de la «Novena Sinfonía» de Beethoven
para la Unión Europea, etc.
Jazz
Forma musical afroestadounidense surgida a fines del s. XIX a partir de la síntesis de elementos africanos y
europeos. Las características definitorias del jazz, término de etimología incierta, son un especial sentido del
ritmo (heredado de las tradiciones africanas), el uso de la improvisación y un peculiar tratamiento sonoro y
armónico, basado en los cantos de trabajo, en los gospels y espirituales y, sobre todo, en el blues.
Los orígenes del jazz se sitúan, entre 1890 y 1910, en Nueva Orleans, donde surgieron las primeras bandas,
vinculadas a paradas callejeras y a funciones religiosas y caracterizadas por la improvisación colectiva; los
músicos a destacar de esta época son Buddy Bolden y Bunk Johnson. Esta orientación estilística alcanzó su
plena madurez en Chicago, a partir de 1917 y hasta fines de los años veinte, con King Oliver, Jelly Roll
Morton y, sobre todo, Louis Armstrong, quien introdujo la improvisación individual de los diferentes solistas.
De forma paralela, los músicos blancos de Chicago llevaron a cabo su peculiar adaptación del estilo Nueva
Orleans (B. Beiderbecke, B. Freeman, B. Goodman, G. Krupa). Los años treinta, con el advenimiento de las
grandes orquestas en Nueva York y Kansas City (F. Henderson, D. Ellington y C. Basie) y la proliferación de
importantes solistas (C. Hawkins, J. Hodges, T. Wilson, B. Carter, L. Hampton y L. Young), constituyen la
época del swing o del jazz clásico, caracterizado, sobre todo, por su carácter bailable.
Tras la II Guerra Mundial, sobresalen dos corrientes estilísticas: una de regreso al jazz clásico de Nueva
Orleans, cuya máxima figura fue S. Bechet, y otra, más importante e innovadora, que sentó las bases de una

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nueva manera de entender el jazz, desvinculado de las salas de baile y orientado hacia una renovación de sus
estructuras formales: el bebop, que introdujo el régimen polirrítmico y una mayor libertad armónica y
melódica; los principales músicos de esta tendencia fueron Ch. Parker, D. Gillespie, Th. Monk, K. Clarke, B.
Powell y M. Roach. Como reacción contra el bebop, a fines de los años cincuenta, surgió el jazz cool (frío),
reconocible por su menor complejidad rítmica, por su sonoridad más contenida y por su mayor elaboración
formal; algunos de sus principales exponentes fueron M. Davis, G. Mulligan, L. Tristano, L. Konitz, W. Marsh,
S. Getz, Z. Sims, A. Cohn y G. Schuller. A mediados de los años cincuenta, por oposición al cool, surgió el
hard bop, caracterizado por un retorno a las tradiciones negras (blues y gospel) y por un estilo menos
intelectual y más apasionado y directo; sus principales intérpretes, por lo general reunidos en quintetos, fueron,
entre otros, M. Davis y J. Coltrane, C. Brown y M. Roach, C. Counce y H. Land, S. Rollins, A. Blakey y H.
Silver. En los años sesenta, a partir de las experiencias de J. Coltrane, Ch. Mingus o E. Dolphy, se gestó el free
jazz, tendencia liberalizadora que se caracterizó por su rechazo de las normas tradicionales sobre el tratamiento
sonoro, armónico y rítmico de las melodías; sus principales exponentes fueron, entre otros, O. Coleman, D.
Cherry, A. Shepp, Sun Ra y el Art Ensemble of Chicago. Los años setenta, de la mano, sobre todo, de Miles
Davis, aportaron la electrificación del jazz y su fusión con el rock, ámbito en el que sobresalieron, entre otros,
Ch. Corea y su grupo Return to forever, H. Hancock, J. McLaughlin, T. Williams y el grupo Weather Report.
En los años ochenta, no puede hablarse tanto de la preponderancia de una tendencia como de la búsqueda,
sobre todo por parte de los músicos jóvenes, de nuevos caminos de expresión a partir de la revitalización de las
corrientes del pasado; entre otros, destacan, en el estilo Nueva Orleans, el grupo The dirty dozen brass band;
en el swing, S. Hamilton y W. Vaché; en el posfree, D. Murray, y, en la música fusión, P. Metheny.
Madrigal
Composición vocal polifónica, sin acompañamiento, por lo general sobre un texto lírico.
En origen el madrigal constaba de varias estrofas que se cantaban con la misma melodía a excepción del
ritornelo, que presentaba una música distinta. El primer autor conocido que compuso madrigales y les dio este
nombre fue P. Casella a fines del s. XIII, que fue seguido por G. da Cascia y F. Landini. Con el Renacimiento,
el madrigal se extendió por toda Europa, tomó una forma más libre y su polifonía se complicó, destacando
autores como A. Willaert, J. Arcadelt, O. de Lassus; A. Gabrieli, G.P. Palestrina, L. Marenzio, C. Gesualdo, C.
Monteverdi, F. Guerrero, M. Flecha el Joven, J. Brudieu, C. Janequin, H.L. Hassler y la importantísima escuela
inglesa, que incluye nombres de la talla de W. Byrd, Th. Morley, F. Pilkington, J. Dowland, J. Wilbye, O.
Gibbons, J. Farmer y G. Farnaby entre otros. A partir de fines del s. XVII, el madrigal degeneró hacia la
cantata profana.
Minué
Danza francesa noble, de tiempo moderado y compás ternario. Fue creada en en el s. XVII y estuvo de moda
en el s. XVIII, especialmente en la corte de Luis XIV. Aunque en apariencia mantiene poca similitud, parece
que el origen de esta danza se halla en otro género: el «branle», de la región francesa de Poitou. J. B. Lully
introdujo el minué en la música culta. Fue en el s. XVIII que entró a formar parte de la «suite» instrumental,
precediendo a la giga final, combinado a menudo con un segundo minué. Única danza adoptada por la sonata
clásica previa a la introducción del «scherzzo» de Beethoven. Los compositores Haydn y Mozart lo
inscribieron en sus sinfonías como penúltimo movimiento.
Misa
Género musical basado en la forma y las partes del oficio de la eucaristía de la Iglesia católica. Las cinco
partes del ordinario de la misa que son tratadas musicalmente son: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus (del cual a
veces se separa el Benedictus), y Agnus Dei, cuyo texto latino se ha convertido en una especie de libreto de
oratorio, tantas veces usado y que significa para cada compositor que escribe una misa un reto importante.
Otras partes susceptibles de añadirse son Introito, Gradual, Ofertorio y Comunión.
A lo largo de la historia se han escrito muchas misas, desde la majestuosa Misa solemnis, con masa orquestal,
coros y solistas, hasta la sencilla Misa lecta, con algunos himnos en momentos concretos. La primera misa que
se conserva es la «Misa de Notre- Dame», de Guillaume de Machault. A finales de la Edad Media, el canto

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llano de las partes del ordinario empezó a armonizarse (Dufay, Ockeghem, J. des Prés), y en muchas de esas
misas se significaba el título de la parte de canto llano o de melodía popular, que contenía la melodía inicial de
la composición: «Misa l'homme armé», «Misa les Nez rouges», etc. Esta evolución continuó hasta llegar al
extraordinario grado de perfección que significaron las misas de Palestrina (93 en total), Byrd (3) o Victoria
(18).
En los ss. XVII y XVIII, la introducción de los instrumentos y las voces femeninas decantaron la balanza hacia
el hecho artístico en detrimento del devocional religioso (Haydn, Mozart). La «Misa en si menor» de J.S. Bach
o la «Misa en re» de Beethoven no son exactamente misas rituales y casi siempre se ejecutan en una sala de
conciertos o en una iglesia, sin la liturgia correspondiente. Posteriormente tienen importancia las de Weber,
Cherubini, Liszt, Rossini, Gounod, Franck, Bruckner, etc. Como variantes existe la misa de acción de gracias,
la misa de difuntos o de Réquiem, y la misa brevis que significa que es de corta duración o bien que sólo
contiene el Kyrie y el Gloria.
Monodia
Todo tipo de canto para una sola voz, concepto opuesto al de polifonía, que puede ser monodia acompañada si
aparece con instrumentos en un claro segundo plano. Por extensión se aplica también a la música instrumental
que se base totalmente en la continuidad melódica sin acompañamiento.
La monodia ha sido la primera expresión musical de la humanidad y muchas culturas sólo han sido monódicas.
En el mundo occidental, la monodia de la Antigüedad y la Alta Edad Media fue la base de la polifonía.
Entrando en el s. XVI se quiso recuperar la voz en solitario, lo que propició la aparición de la ópera. La espiral
de la evolución de la música se produce cada vez que una generación de compositores, en su busca de lo
auténtico y lo clásico, redescubre la monodia. Las siguientes generaciones la adornan o acompañan, la diluyen
en resumen, «para que de nuevo surja una nueva generación de monódicos».
Motete
Composición vocal polifónica de signo religioso. En los comienzos de la polifonía occidental, el motete, que
apareció hacia comienzos del s. XIII, consistió en una nueva forma de tratar el canto llano mediante la
utilización de textos distintos en cada voz. Los primeros grandes maestros fueron Ph. de Vitry y G. de Machaut
seguidos, en los albores del renacimiento, por G. Dufay, J. Ockeghem y J. Obrecht, que cultivaron esta forma y
le dieron unidad. Ya en pleno Renacimiento destacaron J. des Prés y R. de Lassus, mientras, en Roma, G.P.
Palestrina establecía un motete en el que el texto era totalmente inteligible y que fue seguido por L. Marenzio,
T.L. de Victoria, C. de Morales y H.L. Hassler entre otros. Paralelamente, en Venecia, A. Willaert y A. Gabrieli
cultivaban el motete policoral. A partir del s. XVII, el motete se desarrolló en tres direcciones: la polifónica a
cappella, cultivada por H. Schütz, Brahms, Bruckner y, sobre todo, J.S. Bach; la concertante, que fue seguida
por Carissimi, Scarlatti y Händel; y el motete para gran coro que fue una especialidad de los franceses
Charpentier, Delalande, Lully y Rameau entre otros.
Música Cinematográfica
Música destinada a reforzar la sugestión plástica que expresa la pantalla. Durante la época del cine mudo, la
mayoría de las películas contaban apenas con música incidental, a veces interpretada en el mismo lugar de
proyección. Únicamente las películas más importantes («El nacimiento de una nación», 1914) poseían
fragmentos compuestos especialmente para la misma. El advenimiento del cine sonoro, en 1927, hizo cobrar
una inusitada importancia a la música estrictamente cinematográfica. Desde entonces tomó carta de naturaleza
la llamada «banda sonora», conjunto de fragmentos musicales que aparecen, en su totalidad o en parte, durante
el metraje original de una película. Con la universalización del proceso cinematográfico, la importancia de la
banda sonora (en inglés, «soundtrack») ha crecido de forma progresiva hasta constituir un todo más o menos
independiente del filme y un elemento importante en el negocio de la producción cinematográfica.
A partir de los años treinta, compositores de la talla de D. Shostakóvich, B. Britten o A. Honegger trabajaron
en el género, destacando la obra de S. Prokófiev para la película de S. Eisenstein «Alexander Nevski», con una
banda sonora brillante. En Hollywood destacaron en sus inicios diversos compositores procedentes de Europa,
en su mayoría de tradición clásica, como Erich Wolfgang Korngold («El caballero Adverse», 1936; «La vida

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privada de Elizabeth y Essex», 1939), el vienés Max Steiner («Lo que el viento se llevó», 1939; «Casablanca»,
1943), el polaco Franz Waxman («Sublime obsesión», 1935), además del estadounidense Alfred Newman
(«Cumbres borrascosas», 1939; «La túnica sagrada», 1953). Más adelante destacaron con luz propia Miklos
Rózsa («Recuerda», 1945), Dimitri Tiomkin («Sólo ante el peligro», 1952), Alex North («Un tranvía llamado
deseo», 1951) y el gran innovador que fue Bernard Herrmann («Ultimátum a la Tierra», 1951; «Vértigo»,
1958).
Paralelamente, la industria cinematográfica europea contaba con Nino Rota («La strada», 1954), William
Alwyn, William Walton («Enrique V», 1944), o Georges Auric.
Tras la estela abierta por Bernard Herrmann, la banda sonora se liberó de las constricciones que habían
marcado su origen. Por un lado, el sinfonismo impuesto como standard por Steiner, Korngold y buena parte de
los clásicos se abrió a influencias de todo tipo. Buena muestra de ello resulta la obra de Maurice Jarre
(«Lawrence de Arabia», 1962), John Addison («Tom Jones», 1963), John Barry («El león en invierno», 1968),
Jerry Goldsmith («Patton», 1970) o Leonard Rosenman («El señor de los anillos», 1978). Por su parte, otros
compositores renunciaron de forma clara a las fórmulas del pasado y abrieron nuevos caminos como Henry
Mancini («La pantera rosa», 1964), Ennio Morricone («El bueno, el feo y el malo», 1967) o Georges Delerue
(«La noche americana», 1973). La música cinematográfica se enriqueció y diversifió, acusando la influencia
de la música popular -Francis Lai («Love story», 1970) o Michel Legrand («Verano del 42», 1972), y el jazz,
como se observa en la obra de Elmer Berstein («La gata negra», 1966) o Dave Grusin.
En los últimos tiempos, la música cinematográfica ha experimentado un retorno a los orígenes, el movimiento
llamado neosinfonismo, con partituras largas, descriptivas y compuestas para grandes orquestas. Los máximos
representantes de dicho movimiento serían James Horner («Cocoon», 1986), Basil Poledouris («Conan el
bárbaro», 1982), y sobre todo, John Williams («La guerra de las galaxias», 1977; «E.T. el extraterrestre»,
1982). La pujanza de este nuevo movimiento y su aceptación popular han conducido a muchos compositores
cinematográficos a adaptar su obra a dicho estilo, como Goldsmith, Rosenman, Lee Holdridge o Bill Conti
(«Rocky», 1977), o ha impulsado a los nuevos valores como Trevor Jones, David Newman o James Newton
Howard a cultivarlo. El uso de las nuevas tecnologías ha sido asimismo aprovechado por el género
cinematográfico con resultados tan innovadores como los que presentan las obras de Vangelis («Carros de
fuego», 1982), Hans Zimmer o Giorgio Moroder.
En los años cuarenta los compositores de canciones pop descubrieron un gran filón en el cine, como vehículo
de lanzamiento de sus temas. Y se empezó a distinguir entre la banda sonora propiamente dicha, que
remarcaba los momentos importantes del filme y las canciones que añadían un elemento, casi siempre
romántico, a las historias. Con la aparición de Henry Mancini se creó una música de cine, llamada entonces
cinemaspop porque se fundían las claves de la canción pop con las necesidades propias del cine. «Charada»,
«Días de vino y rosas» o «Desayuno con diamantes» son muestras de ese tratamiento que ha llenado el cine de
grandes canciones, que han logrado muchas veces triunfar independientemente del éxito o fracaso del filme.
Burt Bacharach, Fred Neil, Alan Menken, Barbra Streisand, Quincy Jones, John Williams, Carly Simon, L.
Bernstein o Marvin Hamlisch han aportado parte de su obra al mejor cine.
Música Ligera Latinoamericana
La música popular latinoamericana vive fundamentalmente de una doble influencia: la hispana, y portuguesa
en el caso de Brasil, y la africana proporcionada, por la población negra llevada en el período de la esclavitud.
Pero un territorio tan extenso tiene muchos elementos diferenciadores. En el área del Caribe, y por influencia
de Cuba, predominan los ritmos calientes y el bolero. El merengue, el mambo, el bolero y el son tienen
muchos elementos negros, aunque heredan la melodía de las canciones llevadas por los españoles. Grandes
nombres son Pérez Prado, Tito Puente, Celia Cruz, la Sonora Matancera, Machito, Ray Barreto, Israel Cachao
López, Oscar D'León y el Gran Combo de Puerto Rico. El bolero tuvo grandes cantantes como Antonio
Machín, Lucho Gatica, los Panchos y compositores como Agustín Lara, Roberto Cantoral o María Grever. En
México se impuso el estilo de la ranchera, vigoroso, acompañado por un conjunto de guitarras, violines y
trompetas que llevan el nombre de mariachis, deformación del francés «mariage», pues eran grupos que solían
tocar en las bodas populares. Jorge Negrete, Pedro Infante, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Lola Beltrán y
Pedro Vargas son sus nombres más sonoros. En Brasil, el ritmo imperante es la samba, popularizada por las
fiestas de carnaval, y el baiao, propio de las regiones del norte. A partir de los sesenta, la bossa nova,
impulsada por A.C. Jobim y João Gilberto se difundió en todo el mundo. Otros grandes nombres son Ary
Barroso, Carmen Miranda, Luiz Bonfa y, más modernos, Maria Creuza, Chico Buarque, Jorge Ben o Milton do
Nascimento. En el altiplano andino, que recorre América del Sur de extremo a extremo, impera un estilo muy

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melódico y cadencioso que tiene en la flautas primitivas, (quenas y sicus) sus instrumentos básicos. Uña
Ramos, Facio Santillán y el grupo Urubamba destacan en este género de música. En Chile y Argentina, los
ritmos folklóricos predominantes son la zamba, la chacarera y la cueca, además del producto urbano del tango.
En el tango, la máxima figura fue Carlos Gardel, pero otros artistas como el bandoneísta Astor Piazolla o los
cantantes Julio Sosa, Anibal Troilo y Roberto Goyeneche han trascendido sus fronteras. En la música de
influencia rural, Atahualpa Yupanqui fue el padre de la música argentina y Violeta Parra de la chilena
Música Pop Española
En el terreno de la música popular, el flamenco es la gran aportación española al folclore universal. Derivado
de él, la copla fue la canción popular por excelencia entre los años treinta y sesenta. Con la influencia del rock
anglosajón, las nuevas generaciones optaron por la creación de un pop español que ha predominado en los
últimos treinta años.
El Dúo Dinámico puede considerarse como un precursor aunque el gran momento del pop español llegó en los
años sesenta con la aparición de grupos como los Brincos, los Bravos, los Mustang, los Sirex, los Angeles o
Lone Star. De modo paralelo, en Cataluña nació la nova cançó (Raimon, J.M. Serrat, L. Llach). La década de
los setenta se caracterizó por el triunfo de los solistas, con Raphael, Julio Iglesias, Nino Bravo, Cecilia, Juan
Pardo, Camilo Sesto, Mari Trini y José Luis Perales entre sus nombres más brillantes. Los ochenta fueron los
años de la en su tiempo llamada «movida» y con el trío Mecano como la realidad más consolidada.
Obertura
Pieza instrumental compuesta para servir de introducción a una obra de amplias dimensiones.J.-B. Lully fue el
primero en componer auténticas oberturas para sus óperas, con una forma, denominada «obertura a la
francesa», que alcanzó gran popularidad e influyó sobremanera en músicos como J.S. Bach o S.Ph. Telemann,
que escribieron verdaderas oberturas francesas. Paralelamente, en Italia se gestaba otra forma de obertura,
ideada por Cesti y perfeccionada por A. Scarlatti, denominada «obertura italiana». Fue C.W. Gluck el primero
en comprender la importancia dramática de las oberturas, como lo denota la compuesta para su ópera «Ifigenia
en Áulide», mientras que W.A. Mozart fue el que, sobre todo en «Las bodas de Fígaro», «Don Giovanni» y
«La flauta mágica», alcanzó las más altas cotas de perfección formal. Asimismo son de notable perfección y
belleza las escritas por Rossini. Sin embargo, con las obras de Wagner («Tristán») o Berlioz («Los troyanos»),
la obertura en el sentido clásico, como pieza con forma determinada, empezó a perder vigencia (proceso que se
acentuaría durante el curso de los ss. XIX y XX), para transformarse en una suerte de preludio, en algunos
casos conectado de forma ininterrumpida con el inicio de la ópera. G. Verdi, en muchas de sus óperas,
prescinde de la obertura convencional, mientras Rossini adopta en ocasiones un modelo de divertimento
sinfónico («Guillermo Tell») y Puccini llega a prescindir («Tosca») de la obertura. Por otro lado, el éxito de
oberturas interpretadas de forma independiente a la ópera que les corresponde, indujo a los compositores
románticos (Beethoven, Mendelssohn, Brahms) a componer piezas sinfónicas, denominadas oberturas pero
más parecidas a poemas sinfónicos o sinfonías de un solo movimiento («Egmont», «El sueño de una noche de
verano»).
Ópera
Drama que debe ser representado con el texto cantado (libreto), con un acompañamiento orquestal y los
elementos escénicos habituales del teatro (escenografía, vestuario, iluminación). Con frecuencia está precedido
por una introducción instrumental (obertura o preludio y en un sentido primitivo, sinfonía). Su nombre
proviene de la expresión italiana «opera in musica» (obra musicada). Cuando es de contenido cómico o
burlesco, se la denomina ópera bufa; cuando alterna pasajes hablados y cantados, se llama ópera cómica.
La diferencia entre la ópera y sus antecedentes medievales y renacentistas consiste en su carácter profano y
también en el papel esencial que tiene en ella la música y el canto, el cual, convencionalmente, es el medio de
expresión de los personajes en lugar del habla. El nacimiento de la ópera se halla en el grupo de la Camerata
Fiorentina, círculo de poetas y músicos que crearon las primeras óperas: «Dafne», con música de J. Peri, dada
a conocer en 1597 y hoy perdida; «Euridice» de éste mismo compositor (1600) y la ópera de igual título
(1602) de G. Caccini y, sobre todo, el «Orfeo» (1607) de C. Monteverdi. El nuevo género se extendió con
rapidez: en Roma, durante los años 1620-1623 (con las creaciones de S. Landi, L. Rossi, D. Mazzocchi y el

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libretista G. Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX), y en Venecia, donde en 1637 se abrió el primer teatro
público de ópera, el Teatro de San Cassiano, que popularizó un espectáculo hasta entonces únicamente
aristocrático. Allí estrenó Monteverdi nuevas creaciones y así lo hicieron también P.F. Cavalli y G. Legrenzi,
mientras M.A. Cesti la consolidaba en Viena y Giovanni Battista Lulli monopolizaba la vida escénica francesa
-donde se conoció como Jean Baptiste Lully- durante más de treinta años (1652-1687) con la creación de
óperas de signo y argumento clásicos. A su vez echaba sus raíces en la vida musical napolitana gracias a A.
Stradella, F. Provenzale y, particularmente, a A. Scarlatti, quien adoptó el aria da capo como elemento
principal del género.
La escuela napolitana fue la primera en crear, ya en el s. XVIII, la ópera bufa (o cómica), de carácter más
popular y ajena a la temática mitológica o histórica clásica de la opera seria. La ópera bufa experimentó su
propia evolución a partir del intermezzo; el mejor ejemplo de este género es «La serva padrona», de G.B.
Pergolesi, que gozó de gran éxito inclusive en Francia, el único país que con J.P. Rameau había mantenido un
estilo propio de ópera, en la que el ballet desempeñaba un papel considerable, y que, por otra parte tenía una
tradición de ópera cómica propia («tragédie liryque»). En los restantes países europeos se impuso la ópera
italiana, a pesar de los intentos de H. Purcell en Inglaterra, y de algunas tentativas en España. Como
consecuencia, los compositores no italianos se vieron obligados a adoptar el estilo italiano, como sucedió con
el alemán G.F. Händel en Inglaterra, J.A. Hasse y K.H. Graun en Alemania, o J.J. Fux en Austria. El género
operístico había sufrido un proceso radical de alejamiento de los ideales estéticos de la Camerata fiorentina
colmándose con un puñado de convencionalismos y excesos, como la importancia concedida a las voces
agudas (de ahí la fama de que gozaban los castrados) y las concesiones al virtuosismo de los cantantes, en
detrimento de la música y de la verdad dramática.
El alemán Ch.W. von Gluck, respaldado por el libretista R. de Calzabigi, inició una reforma depuradora del
género -en la que puede hallarse el germen de la ópera neoclásica- con «Orfeo y Eurídice» y «Alceste»,
representadas en Viena y con una serie de óperas estrenadas posteriormente en París (que incluían versiones de
los dos títulos citados). La reforma gluckiana tuvo un éxito relativo, mientras la opera seria sufría una
importante pérdida en el favor del público ante la fuerza de la escuela napolitana de ópera bufa (y también
semiseria) formada por una serie de compositores como N. Jommelli, T. Traetta, N. Piccini (rival de Gluck en
París) y, sobre todo, G. Paisiello y D. Cimarosa, la fama de los cuales llegó hasta Rusia y América. A pesar de
este predominio de la ópera bufa, hacia el último tercio del s. XVIII aparecieron compositores que cultivaron
formas nacionales de ópera de carácter popular, como W. Shield en Inglaterra, los Benda en Bohemia y varios
compositores de Singspiel en Austria y Alemania.
Fue el austríaco W.A. Mozart quien supo llevar a cabo una síntesis genial de la ópera bufa (y seria) italiana,
con los elementos germánicos del Singspiel y de la reforma gluckiana, que en distinta medida pueden
detectarse en sus mejores óperas, desde «Idomeneo re di Creta» (1780) hasta «La flauta mágica» (1791),
pasando por su extraordinario «Don Giovanni» (1787), calificado muy significativamente como «dramma
giocoso». Mientras tanto, en otros géneros F.-J. Haydn se limitaba a seguir los moldes italianos en sus óperas
para el teatro del noble Esterházy. En Italia, la ópera bufa fue preservada del estancamiento merced a la
aparición de G. Rossini; sus obras fueron aclamadas en toda Europa e incidieron sobre aquellos compositores
franceses que no se hallaban en la órbita gluckiana (en la que sí se movían en cambio, los italianos L.
Cherubini y G. Spontini). El romanticismo encontró en Italia su más genuina vía de expresión musical en el
bel canto, que tuvo como principales representantes al prolífico G. Donizetti y a V. Bellini, siendo
compositores menores de dicha corriente G. Saverio Mercadante y G. Pacini. La ópera ochocentista italiana
llegó a su grado de madurez con G. Verdi, quien recurrió a las fórmulas y convenciones de la tradición
operística italiana. En el amplio espacio que media entre su primera ópera, «Oberto, Conte di San Bonifacio»
(1839) y la última, «Falstaff» (1893), hay un notable desarrollo escénico y de caracterización de personajes. En
Francia coexistieron el esplendor de la «ópera- comique», inspirada en Rossini, con la «grand opéra»,
personificada por el berlinés Jacob Meyerbeer, compositor dotado de una gran capacidad dramática. Mientras
tanto, Ch. Gounod y A. Thomas, aun cuando no fueron ajenos a la influencia de Meyerbeer, oscilaban entre el
italianismo verdiano y la ópera germana. H. Berlioz representa un caso aislado por su condición de fundador
de la orquesta moderna, que le inducía a pensar en términos orquestales a pesar de su voluntaria adscripción a
los ideales reformadores de Gluck.
En Alemania, L. van Beethoven y C.M. von Weber habían fomentado la ópera alemana delineada por Mozart.
R. Wagner recuperó esta herencia y la transformó con nuevas relaciones entre música y drama, abandonando
paulatinamente la división entre partes cantadas o arias y los recitativos (tal como Gluck había llevado a la
práctica). Además dotó al tejido orquestal de sus óperas de una trama temática que evoca un personaje o una

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determinada situación anímica (el leitmotiv o motivo conductor). La última gran escuela de la ópera italiana
fue el movimiento verista, que impulsó el realismo escénico y pobló los escenarios de dramas sórdidos y
personajes sufrientes enfrentados a una realidad y a un destino crueles. Sus orígenes estaban ya en ciertos
temas y personajes del propio Verdi y en compositores como A. Boito (libretista además del anterior) y en A.
Ponchielli, siendo sus más conspicuos representantes G. Puccini, U. Giordano, R. Leoncavallo, P. Mascagni y
F. Cilea. Esta escuela tuvo varios epígonos como R. Zandonai o I. Montemezzi, más permeables, empero, a
las influencias wagnerianas.
El nacionalismo musical del s. XIX propició la aparición de operistas en la mayoría de los países europeos y
en algunos americanos, que se esforzaron en la composición de óperas de carácter nacional, a pesar de que la
influencia italiana se note con frecuencia. Es preciso recordar aquí a S. Moniuszko en Polonia, F. Erkel en
Hungría, A.C. Gomes en Brasil, M.W. Balfe en Irlanda, y muy particularmente B. Smetana y A. Dvorák -y más
adelante L. Janácek- en Bohemia y Moravia, y M. Glinka, P.I. Chaikovski y los compositores del Grupo de los
Cinco en Rusia. En el último tercio del s. XIX Francia destacó con personalidades como G. Bizet -quien con
su ópera «Carmen» convulsionó las convenciones de la ópera-comique-, C. Saint-Saëns y J. Massenet; ya con
el impresionismo musical, C. Debussy y M. Ravel tuvieron una contribución episódica pero esencial,
particularmente el primero de ellos.
En Alemania, el autor más destacado a principios del s. XX fue R. Strauss, que compartió sus mejores
aportaciones operísticas con el distinguido literato y libretista H. von Hofmannsthal; tras su convulsiva ópera
«Elektra» (1909), donde abundan los detalles expresionistas, su obra se convirtió en una síntesis temperada
-con momentos extraordinarios- del romanticismo y de un ideal clásico impregnado de barroquismo. En el
marco de la escuela de Viena destacaron A. Schönberg y A. Berg; el primero de ellos utilizó un tipo de
declamación en una voz («Sprechgesang») a medio camino entre el habla y el recitativo musical. En las
últimas generaciones sobresalen H.W. Henze y K. Stockhausen. En Italia han destacado, con propuestas de
distinto signo, L. Dallapiccolla, L. Nono, N. Rota y R. Rossellini; en Estados Unidos, el italiano G.-C.
Menotti, S. Barber y A. Copland; en Rusia, I. Stravinski, S. Prokófiev y D. Shostakóvich; en Inglaterra, B.
Britten ha sido el primer gran operista desde la época de Purcell, mientras en España, tras la gran personalidad
de M. de Falla, es necesario recordar a X. Montsalvatge, L. de Pablo, X. Benguerel, L. Balada y J. Soler.
Opereta
Obra teatral con arias y ballet entremezclados con diálogos. En el s. XVIII el término designaba una ópera
breve, pero en los ss. XIX y XX se ha entendido por opereta una obra con música de carácter ligero y de
aceptación popular.
La opereta francesa se desarrolló en pequeños teatros como el Bouffes Parisiens, fundado por el compositor de
origen alemán J. Offenbach. Pieza originariamente en un solo acto, se desarrolló hasta alcanzar los tres e
incluso los cuatro actos, con lo que se acercó así a la opéra-comique. Offenbach compuso cerca de noventa
operetas, como «Orfeo en los infiernos» (1858), «La bella Helena» (1864) y «La Périchole» (1868). A obras
como éstas, Offenbach y su compatriota A.-C. Lecocq, autor de «La hija de Madame Angot» (1872), les dieron
el nombre de «opéra bouffe». Por su parte, las raíces de la opereta vienesa deben buscarse en el «Singspiel» y
en la farsa allí cultivada. F. von Suppé contribuyó en la definición de su forma y destacó en ella, con obras
como «La bella Galatea» (1865), «Caballería ligera» (1866) y «Bocaccio» (1879). Con J. Strauss hijo, la
opereta vienesa alcanzó reputación internacional, y K. Millöcker fue aclamado en Gran Bretaña y EEUU con
«El estudiante mendigo» (1882). El vals se convirtió en un elemento esencial en la opereta de Strauss hijo, y
con «El murciélago» (1874) introdujo en el género un grado significativo de sentimentalismo y de seriedad
propia de la ópera, que devino un ingrediente importante en el típico final de segundo acto vienés. Otros
compositores adscritos a la opereta vienesa fueron F. Lehár, autor de «La viuda alegre» (1905), R. Stolz,
conocido por «La hostería del caballo blanco» (1936), O. Straus, autor de «El soldado de chocolate» (1909), y
E. Kalman, compositor de «La condesa Maritza» (1924).
La opereta inglesa tuvo como punto de partida la breve «ballad opera» y se desarrolló hasta formar obras más
extensas, de las cuales la más conocida es «Clari, o la doncella de Milán» (1823), debida a sir H.R. Bishop y
recordada por la canción «Home, Sweet Home» (Hogar, dulce hogar). La cumbre del desarrollo de la opereta
inglesa la encontramos en las óperas ligeras de sir A. Sullivan, quien, en colaboración con el libretista sir W.S.
Gilbert, produjo títulos que aún perduran en el repertorio, como «Los piratas de Penzance» (1879) y «El
Mikado» (1885). Un ejemplo tardío es «Amargo y dulce» (1929), con libreto y música de sir N. Coward. En
Estados Unidos, el más destacado compositor de operetas fue el irlandés V. Herbert, cuyo catálogo de más de

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cuarenta títulos incluye obras como «El molino rojo» (1906) y «La pícara Marietta» (1910). Otros
compositores americanos que trabajaron en este campo fueron R. De Koven, el compositor de origen checo R.
Friml y el húngaro S. Romberg. Operetas americanas que consiguieron especial éxito son «Robin Hood»
(1890) de De Koven, «Rose Marie» (1924) y «El rey vagabundo» (1925) de Friml y «El príncipe estudiante»
(1924) y «La canción del desierto» (1926) de Romberg. Después de 1930, la opereta, por lo menos la
estadounidense, evolucionó paulatinamente hacia el musical o la comedia musical. En España, la zarzuela, y
en especial la forma del género chico, guarda mucha relación con la opereta.
Oratorio
Composición musical dramática para solistas, coro y orquesta, por lo general sacra y no destinada al teatro. El
oratorio se desarrolló a partir de la Contrarreforma con la obra de san Felipe Neri, fundador de la
Congregación del Oratorio, que en sus reuniones escenificaba fragmentos de las Escrituras. La primera
composición que puede ser calificada de oratorio es la «Representación de alma y cuerpo» de E. dei Cavalieri
(1600). Poco tiempo después se estrenaba en Dresde «La Resurrección» de H. Schütz (1623). Uno y otro
músicos tuvieron numerosos seguidores, destacando en Italia A. Stradella, A. Scarlatti, L. Leo, G.B. Pergolesi,
N. Piccini, A.M.G. Sacchini y G. Carissimi, en Alemania J.S. Bach y G.P. Telemann y en Inglaterra G.F.
Händel. A fines del s. XVIII, F.J. Haydn renovó el género adaptándolo al clasicismo y abriendo la puerta al
oratorio romántico que tendría cultivadores tan importantes como L. van Beethoven, F. Mendelssohn, F.P.
Schumann, F. Liszt, H. Berlioz y C.-A. Franck. En el s. XX, el género ha sido mantenido por autores como E.
Elgar, C. Debussy, A. Honegger, G.F. Malipiero, D. Milhaud, I. Stravinski, A. Schönberg, P. Hindemith, G.T.
Holst, B. Britten, H. Villa-Lobos, K. Szymanowski y K. Penderecki.
Pasión
Composición musical sobre la narración evangélica de los acontecimientos que preceden y acompañan la
muerte de Jesús. En los oficios religiosos de la Semana Santa se mantiene la tradición de dar lectura a la
Pasión de Cristo repartiendo el texto evangélico entre tres lectores: el celebrante se reserva las palabras de
Cristo, un segundo lector ocupa la tarea de narrador y una tercero lee las frases de los otros personajes. Hay
indicios de lecturas dramatizadas de la Pasión que datan del s. IV. También se sabe que en el s. VIII, el
sacerdote que leía el texto cantaba las partes de Jesucristo siguiendo el canto llano, y más adelante, en el s. XII,
ya encontramos una voz de tenor para el narrador, una de bajo para el papel de Cristo y una de alto para las
otras partes.
Las pasiones se dieron desde los primeros tiempos del cristianismo: unas han adquirido más cuerpo teatral (a
menudo con todo un pueblo como cuerpo de escena), otras se han entroncado con el folclore (como serían las
procesiones con sus cantos y saetas) y otras, las poseedoras de mayor protagonismo musical, habiendo
renunciado a la escenificación, han acabado en las salas de conciertos. Con la evolución de las formas de
composición, la polifonía y el motete, las partes de la muchedumbre («¡Queremos a Barrabás!» o
«¡Crucifícalo!», por ejemplo) tomaron forma coral de evidente mayor carga dramática.
El primer ejemplo concreto de pasión en el nuevo estilo se atribuye a Obrecht. La Reforma luterana y la
consecuente Contrarreforma católica generaron mucha música sacra. Lutero abandonó el idioma latino y
Johann Walther (1496-1570), su colaborador personal más importante, compuso la primera pasión en lengua
vulgar, hacia 1520, en la que la parte del narrador y las voces de los personajes todavía se basan en el canto
llano, aunque con notables modificaciones, y con unas sencillas armonías para las exclamaciones de la
multitud. Por contra, R. de Lassus, en Flandes, y T.L. de Victoria, en España, por ejemplo, siguieron
componiendo pasiones en latín bajo las estrictas pautas musicales que dictó el contrarreformista Concilio de
Trento (1545-1563). Así pues, las mejores circunstancias para el desarrollo del género se dieron en el mundo
germánico y pronto aparecieron grandes compositores de pasiones. Heinrich Schütz supone un eslabón
intermedio por su clara influencia italiana. Sus pasiones son íntegramente vocales, aunque quizá los recitativos
se acompañaran con el órgano.
En el último tercio del s. XVII, las pasiones se independizaron de la liturgia e incorporaron las innovaciones
propias del género operístico. Aparecieron nuevos textos que, intercalados entre el bíblico, comentaban o
complementaban el estricto relato evangélico (muy a menudo en forma de corales destinados a ser cantados
por los fieles) y se produjo la incorporación de la orquesta para tomar cada vez más la forma de oratorio o
incluso de ópera sacra, sin vestuario ni acción. En su juventud, Händel escribió dos pasiones (1704 y 1716),
pero la cima de este género musical se debe indudablemente a J.S. Bach, con sus cuatro producciones (todos

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los evangelistas estaban representados) de las cuales sólo las de san Mateo y san Juan nos han llegado. La
«Pasión según san Mateo» (BWV 244), de 1729, es la obra cumbre de este género musical, que sabe conjugar
la técnica y la religiosidad. Está concebida como una cantata con recitativos, arias y partes corales y reúne los
capítulos 26 y 27 del Evangelio con varios textos añadidos. El conjunto instrumental que exige es excepcional
y son necesarios siete solistas (una soprano, una contralto, dos tenores y tres bajos). La parte del Evangelista, o
narrador, es una voz de tenor muy comprometida solamente acompañada por el bajo continuo. El trato que
Bach dispensa a la parte de Jesús, un bajo, se ve diferenciado de las otras por ejecutarse con acompañamiento
sólo de las cuerdas. Por contra, cada aria, construidas en la forma aria da capo, encuentra un grupo de
acompañamiento que incluye un instrumento del mismo registro del solista. Toda la obra, en 78 episodios,
sigue una clara sistematización y un orden: recitativos, ariosos, arias y comentarios corales que si toman la
forma coral, sin acompañamiento, representan los sentimientos de la comunidad cristiana. Por contra en otros
momentos alcanzan una expresividad casi realista, como en el grito «¡Barrabás!» o en el desgarro del velo del
templo. A pesar de su número de catálogo (BWV 245), la «Pasión según san Juan» es tres años anterior (1724).
Existen también multitud de obras que solamente narran algunos episodios concretos de la pasión.
Destaquemos las siguientes: «Las siete palabras de Cristo en la Cruz» (H. Schütz, 1645; F.J. Haydn, 1785, Ch.
Gounod), «La resurrección» (Schütz, 1623; K.Ph.E. Bach), «La negación de San Pedro» de M.A. Charpentier
(1690); «Cristo en el huerto de los olivos» de L. van Beethoven (1814); «Las últimas horas del Salvador» de
L. Spohr (1835); «María Magdalena», de J. Massenet (1873) y sobre todo las diversas versiones del «Stabat
Mater Dolorosa». Se cree que fue el franciscano italiano Jacopone da Todi (1228-1306) quien dio mucha
importancia a la secuencia de la liturgia con la figura de la madre de Jesús al pie de la cruz. Se trata del
capítulo de la pasión que más versiones musicales ha inspirado a lo largo de las distintas épocas: Josquin des
Prés, G.P. Palestrina, G.B. Pergolesi, Haydn, F.P. Schubert (dos versiones), A. Dvorák y F. Poulenc. Los
operistas también escribieron sobre el Stabat Mater (G. Rossini, G. Verdi). El rock sinfónico, en los inicios de
la década de los setenta, recuperó la temática de la pasión de Cristo en dos de sus más significativas obras:
«Jesus Christ Superstar» y «Godspel», obras de notable calidad que se significan en la muy bien resuelta
instrumentación combinada de instrumentos eléctricos y sinfónicos. En ambos casos, el contenido religioso es
ampliamente respetado, con citas exactas del texto bíblico, si bien presentando una figura de Jesús más
humana que divina.
Pasodoble
Danza española escrita en compás de 2/4 y popularizada a principios del s. XX. De tiempo más o menos
rápido («allegro moderato»), está constituida por dos partes principales y tiene un carácter de marcha, lo cual
se aviene con su uso en el desfile de las cuadrillas cuando éstas salen al ruedo, momento en el que suena un
pasodoble. Entre los ejemplos más conocidos están «El gato montés» de M. Penella, «España cañí», de P.
Marquina, y «Valencia», de J. Padilla.
Pavana
Antigua danza cortesana de origen italiano, de ritmo binario y de movimiento lento, muy divulgada durante los
ss. XVI y XVII. También música de esta danza notada musicalmente en compás de 2/4 o 4/4.
Probablemente es de origen italiano y su nombre está emparentado con el de «pava», dialecto propio de
Padova (Padua). La colectánea de Petrucci «Tablatura de laúd (libro cuarto)» (1508) contiene varias padoane
para laúd, las unas llamadas a la veneciana, las otras a la ferraresa; se trata sin duda de los más añejos ejemplos
conocidos de pavanas. El teórico Thoinot Arbeau cita en su «Orchesographie» (1589) un ejemplo de pavana
cantada: «Belle qui tiens ma vie», que se incluiría también en muchas antologías contemporáneas. A imitación
de las pavanas danzadas que iniciaban solemnemente los bailes, las pavanas instrumentales italianas, que
encabezaban las suites (tal como más adelante lo harían las allemandas), eran por lo general seguidas de una
danza llamada saltarelo, sustituida, a mediados de siglo, por la gallarda. Cuando estas danzas cayeron en
desuso como forma coreográfica, su forma instrumental sobrevivió hasta fines del s. XVII, conservando con
frecuencia la tradición del binomio pavana-gallarda. Los más destacados representantes del género fueron
entonces los ingleses Byrd, Dowland, Gibbons y Bull, aunque en España surgieron bellas muestras de esta
danza como las pavanas debidas a Cabezón. Mas en el s. XVIII, la pavana era casi una ilustre desconocida.
Sólo reaparecería con la «Pavana por una infanta difunta» de Ravel, existente en su versión pianística (1899) y
orquestal (1910).

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Polifonía
Música constituida por dos o más melodías simultáneas que aunque se desarrollen con aparente independencia,
conciertan armónicamente. Por extensión significa «que tiene muchos sonidos» (un teclado polifónico, una
partitura polifónica). Con frecuencia este término se refiere a la edad de oro del canto coral sin
acompañamiento (Lassus, Palestrina, Byrd, Victoria), de finales del s. XVI. Los corales de J.S. Bach
representan la mayor conciliación posible entre la horizontalidad de las voces y su resultado vertical conjunto.
La escritura polifónica se rige por las reglas del contrapunto. Algunos de los elementos y géneros propios de la
polifonía son los siguientes:
anthem Composición coral religiosa propia de la iglesia anglicana, surgida a mediados del s. XVI.
conductus Canto polifónico y religioso de los ss. XII y XIII consistente en añadir, sobre un canto dado o
«cantus firmus», una o dos voces que realizaban un incipiente contrapunto vocalizando sobre las vocales del
canto llano.
discanto Durante la Edad Media, forma músical improvisada de más de dos voces. Literalmente significa «lo
que destaca» y se produjo cuando las voces organales fueron independizándose de la voz principal gregoriana
al descubrirse el movimiento contrario. Por extensión se aplica a aquella voz que destaca por el agudo, como
sucede en la polifonía del Renacimiento.
fabordón Término que ha albergado diversos significados en la polifonía de la Edad Media y el

Renacimiento. A principios del s. XIV, significaba forma elemental de armonización en acordes paralelos de
sexta y tercera. En el s. XV, con Dufay, se aplicó a formas simples de contrapunto -nota contra nota- con el
«cantus firmus». También se llama fabordón a las salmodias declamadas sobre un solo acorde y por extensión
a cualquier clase de recitación monótona.
frottola Canción polifónica profana muy en boga en la Italia de los ss. XV y XVI.
gymel Forma elemental de polifonía, corriente en la Inglaterra del s. XV, en la que el acompañamiento se
cantaba en terceras o en sextas.
hoquetus Práctica frecuente de la música polifónica de la Edad Media que consistía en alternar sonido y
silencio en dos o más voces, de modo que cuando una sonaba la otra callaba y viceversa.
mascherata Forma de composición polifónica típica de los espectáculos que se celebraban en la corte de los
Médicis, en Florencia, durante el s. XVI.
organum Una de las más antiguas formas de la polifonía medieval occidental, basada en un tema de canto
llano. Practicada entre los s. IX y XIII, consistía en doblar en octavas quintas y cuartas el canto (vox
principalis).
quodlibet Literalmente significa «lo que gustéis». Nombre dado a la interpretación simultánea de
fragmentos diferentes que lejos de ocasionar el caos signifiquen una diversión. Muy popular en reuniones
corales desde el s. XV hasta el XVIII, como idea compositiva J.S. Bach lo usa en el final de sus «Variaciones
Goldberg» haciendo discurrir simultáneamente dos melodías populares de su tiempo «Ich bin so lang nicht bei
dir g'west» (Estuve mucho tiempo lejos de ti) y «Kraut und Rüben» (Repollos y nabos).
salmodia Canto de los salmos. En el culto católico se encuentran cuatro clases de salmodias: solística,
simple o con ornamentaciones; cantus responsorius, en la que un solista entona los versículos del salmo y el
coro contesta con una especie de refrán; antiphonicus, en la que el coro, dividido en dos, canta de forma
alternativa los versículos del salmo, y alternancia, precedida y seguida, siempre, de un estribillo fácil
(antífona).

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secuencia Tipo de himno intercalado en la liturgia católica siguiendo al gradual y al aleluya. Surgido de la
práctica a finales del s. IX, consiste en alargar músicalmente la última sílaba del aleluya mediante el agregado
de más notas que luego se revestían con texto. Posteriormente se convirtieron en obras independientes. El
«Dies irae», que ahora es parte del Réquiem, empezó como secuencia.
villancico Composición vocal, monódica en su origen, cuya procedencia se remonta al s. XV. Comprendía
un estribillo y cierto número de estrofas (coplas) para voz acompañada o conjunto vocal. En el s. XVII empezó
a aplicarse el término únicamente a los cantos destinados a las festividades de Navidad, por lo que tuvo una
connotación religiosa. Durante el renacimiento esta forma, casi siempre de tema amoroso, alcanzó un gran
refinamiento en compositores como J. del Encina, J. Vásquez o F. de la Torre.
villanela Especie de madrigal de origen napolitano y carácter ingenuo y ligero, muy popular en el s. XVI en
Europa occidental.
Reggae
Música jamaicana de hondas raíces populares, en la que puede percibirse una base rítmica de regusto africano.
En su versión más moderna, acusa influencias de estilos como el rock o el rhythm and blues. Se convirtió en
bandera musical del movimiento político «rastafari». Conoció gran popularidad internacional a principios de
los años setenta, gracias a intérpretes como Peter Tosh y, sobre todo, Bob Marley.
Rhythm and Blues
Música popular negra estadounidense surgida del blues, del jazz y del gospel, indisociable del baile y que ha
ejercido una notable influencia sobre el rock and roll. Con la inmigración de los trabajadores negros agrícolas
de los estados del Sur a las zonas industriales del Norte, el viejo blues, soporte de los lamentos rurales de los
negros esclavizados, evolucionó para adaptarse a las nuevas formas de vida y comunicación de los negros
obreros de Pittsburg, Filadelfia y Chicago. De forma natural, el blues lento y quejumbroso fue añadiendo
elementos rítmicos que le hicieran apto para el baile y de ahí la acepción de rhythm and blues. La mayor parte
de los músicos de blues se reciclaron y en el Chicago de los años cuarenta destacaron John Lee Hooker,
Memphis Slim, Albert King, Sam Lightin' Hopkins, Muddy Waters o Willie Dixon, que con su trabajo
prepararon el camino para la llegada del rock and roll.
Rock and Roll
Ritmo musical y baile creado hacia 1954 fruto de la fusión del rhythm and blues negro y del country blanco.
Suele abreviarse en la forma «rock». Sus antecedentes están en los últimos años cuarenta, cuando Fats
Domino, músico de Nueva Orleans, tocaba el boogie woogie con una especial acentuación que daría origen al
rock. Pero formalmente el término se consagró con la grabación, en 1954, del «Rock around the clock» de Bill
Haley y su triunfo en la banda sonora de «Semilla de maldad» (1955). Entre 1955 y 1958, el rock and roll fue
el mayor fenómeno de difusión que había conocido la música, con el triunfo simultáneo de cantantes blancos,
como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins o Gene Vincent, y de artistas negros, como el propio F.
Domino, Chuck Berry, Little Richard o Larry Williams. La integración del ritmo negro del rhythm and blues y
la melodía blanca del country dio origen a la primera música juvenil interracial de EEUU, que representó el
triunfo de una generación que buscaba su propia forma de expresión. Símbolo de una juventud arrogante,
violenta y decidida, fue denostado por educadores y padres de familia, pero a partir de 1958 se suavizó, con la
llegada de una nueva generación juvenil, hasta convertirse en el fenómeno pop que ha llenado la música
popular de la segunda mitad del s. XX.
Salsa
Género musical de origen latino que logró, a partir de los años cincuenta, un gran desarrollo entre los músicos
instalados en las grandes ciudades estadounidenses. La llegada de músicos cubanos y portorriqueños a Nueva

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York provocó la aparición de un circuito latino de grandes intérpretes que poco a poco fueron impregnando
otras manifestaciones musicales. El jazz no quedó inmune al talento de estos compositores e instrumentistas y
el sonido latino. La primera aparición del término salsa surgió en los años veinte con el «Échale salsita» de I.
Piñeiro, pero como denominación de un estilo tomó carta de naturaleza con «Salsa nova» (1962) de Pupi
Legarreta. La película «Salsa» (1975) producida por Fania, la compañía de discos promotora de la salsa en
EEUU, estableció definitivamente el nombre para una música que no es unitaria y mezcla los ritmos del
bolero, el merengue, el son, la rumba, el mambo y todas las influencias caribeñas. Ray Barreto, Willie Colon,
Tito Puente, Celia Cruz, Héctor Lavoe, el Gran Combo de Puerto Rico, Cheo Feliciano y Oscar D'Leon son
algunas de las grandes figuras del estilo, que influyó poderosamente en los sonidos del rock con la aparición
del chicano Carlos Santana, que dosificó perfectamente en su música las influencias latinas de sus ancestros
mexicanos con el rock con el que había crecido en California.
Siguiriya
Una de las tres formas fundamentales -junto con la toná y la soleá- del cante flamenco. Aunque su nombre
deriva de la seguidilla, sólo tiene en común con ésta sus estrofas. Apareció en el s. XVIII como derivación de
la toná y sin acompañamiento instrumental. No existe una única forma de siguiriya, sino que su tipología está
vinculada a las variantes que cearon algunos de sus más notables intérpretes, como el Fillo, M. Molina,
Enrique el Mellizo, Tomás el Nitri, M. Torre, etc.
Sinfonía
Composición musical para orquesta de tres o cuatro movimientos de notable extensión, de los que por lo
menos el primero tiene la forma de sonata. Cuando en una composición orquestal se fusionan la sinfonía y el
concerto recibe el nombre de sinfonía concertante.
Aunque el término sinfonía se emplea desde tiempos de la Grecia clásica, no empezó a designar la forma
musical actual hasta que A. Scarlatti fijó la obertura italiana de tres movimientos (rápido-lento-rápido) y la
llamó sinfonía. La primera interpretación de tales oberturas separadas del resto de la pieza a la que servían de
instroducción dio lugar a la sinfonía. Paralelamente, en los países germánicos también se desarrolló una
sinfonía de tres movimientos (rápido-lento-rápido), a la que, en ocasiones, se añadía un minueto. Los dos
tiempos rápidos tenían ya forma de sonata. La culminación y dignificación de esta forma tuvo lugar con Haydn
y Mozart. Beethoven la renovó al aumentar las proporciones del conjunto, añadir coros e introducir elementos
descriptivos que aumentaron la expresividad y allanaron el camino de los grandes sinfonistas prerrománticos,
como Schubert y Weber, o claramente románticos como Mendelssohn, Schumann, Brahms, Dvorák, Sibelius,
Chaikovski, Liszt y Berlioz, si bien estos dos últimos cultivaron una forma mixta que dio lugar al poema
sinfónico. La influencia de Wagner y su gran orquesta desembocó en las extensas sinfonías de Bruckner y
Mahler. Más tarde la sinfonía perdió su estructura y actualmente se ha convertido en una composición
orquestal de forma libre cultivada por numerosos autores.
Soleá
Junto con la siguiriya y la toná, una de las tres modalidades principales de cante flamenco.
Es la más representativa creación gitano-andaluza surgida después de las tonás y de las siguiriyas. Apareció en
el primer tercio del s. XIX como cante para el baile. Consta de tres o de cuatro versos octosílabos. Existen
diversas variedades locales (Triana, Alcalá, Utrera, Jerez, Cádiz y Lebrija), vinculadas a los intérpretes que las
crearon: Merced la Serneta, Enrique el Mellizo, Juaniquí de Lebrija, Antonio Frijones, etc.
Sonata
Por sonata se entiende tanto un género musical instrumental como una forma compositiva, llamada forma-
sonata, claramente estructurada. También obra para uno o dos instrumentos ejecutantes, solista o instrumento
melódico con acompañamiento (mayoritariamente de piano), que, en su forma evolucionada, tiene tres o
cuatro movimientos, así como estructura formal del primer tiempo de la sonata (bitemática y distribuida en
exposición, desarrollo y reexposición) que también se aplica a otras manifestaciones de música instrumental

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(música de cámara, conciertos, sinfonías), constituyendo la forma sobre la que se han edificado los mejores
ejemplos de música pura.
El término sonata apareció por primera vez en 1535. En el s. XVI, la sonata no era más que la música
instrumental, para diferenciarla de la cantata, que se refería a la vocal. En el s. XVII, la sonata tomó forma
ternaria dentro de un sólo movimiento: una melodía o pasaje más o menos completo e independiente, otro
pasaje en un nuevo tono cercano al primero (de dominante, o relativos mayor o menor) y repetición de la
primera parte. El último gran compositor de esa forma breve de sonatas es Domenico Scarlatti.
En el s. XVIII, K.Ph.E. Bach fue quien utilizó sistemáticamente por vez primera la forma-sonata del primer
tiempo, constituida por la exposición, con un primer tema, un puente o pasaje que modula del tono del primer
tema al del segundo y un segundo tema muy distinto para que contraste con el primero; un desarrollo de los
dos temas de la exposición, y una recapitulación o reexposición de los dos temas iniciales en la tonalidad de
origen. Esta forma fue heredada y perfeccionada por Haydn y Mozart. A partir del clasicismo, la sonata se
dispuso en tres o cuatro movimientos: el primero, un allegro inicial, muy a menudo en forma-sonata. El
segundo es un tiempo lento (andante, adagio...) melódico y libre, bajo la forma de melodía acompañada. El
tercero, que puede o bien intercambiarse con el segundo o no estar, es un movimiento de carácter más
distendido (originalmente un minueto luego convertido en scherzo, lleno de juegos motívicos imitativos).
Cierra la sonata un brillante último tiempo (presto, vivace...), más rápido que el primero, apto para el
virtuosismo instrumental y a menudo en forma de rondó.
En su colección de 32 sonatas para piano, Beethoven aportó la valorización del segundo tema del primer
tiempo y sobre todo, la expresividad y dramatización de la sonata que heredarían Chopin, Mendelssohn,
Schumann y especialmente Brahms. Como forma abierta, posteriormente se han introducido variaciones y
desarrollos de la sonata, tanto en la configuración de los movimientos, como en la forma característica del
primero.
Soul
Nombre dado, en los años sesenta, a la música popular negra surgida del rhythm and blues. Absorbidas las
influencias negras que crearon el rock and roll por la industria blanca, el soul se considera la reacción natural
de los músicos de color para hacer oír su voz. La música soul tuvo dos focos de influencia, Detroit y Memphis.
En el norte, en la industriosa ciudad de Detroit con una gran población obrera negra, se creó el primer sello
discográfico absolutamente negro, la Tamla Motown, que se especializó en música bailable. Sus mayores
figuras fueron Diana Ross y las Supremes, Stevie Wonder, Temptations, Miracles, Four Tops, Smokey
Robinson, Jackson Five, Michael Jackson, Marvelettes, Marvin Gaye y Martha y las Vandellas. En el sur, la
música soul se desarrolló en un mundo más rural y conservó algo del viejo lamento del blues. Desde Tennessee
y Alabama surgió otra oleada de músicos, aglutinados por el compositor, productor y cantante Otis Redding y
compuesto, entre otros, por Aretha Franklin, Percy Sledge, Wilson Pickett, Isaac Hayes, Sam & Dave y Booker
T. & MG's.
Suite
Composición integrada por varios movimientos que forman una sucesión de piezas instrumentales,
originalmente de danza y de caracteres distintos, cuya unidad se basa en estar en una misma tonalidad. La suite
es la primera idea de confeccionar una gran forma en base a tiempos distintos. Surgió en el s. XVI cuando los
compositores para laúd extrajeron de la música palaciega la costumbre de alternar bailes lentos y rápidos o
binarios y ternarios. Así, en Italia a un passamezzo seguía un saltarello y en Francia, Alemania e Inglaterra a
una pavana seguía una gallarda, siempre en la misma tonalidad. Cuando la moda llevó a los salones la
allemande y la courante, éstas pasaron también a la suite. Ya en el s. XVII apareció la suite formada por
allemande, courante, zarabanda y giga, organización atribuida a J.J. Froberger. Una o dos de estas cuatro
danzas podían verse sustituidas, otras danzas (minueto, pasacalle, gavota, bourrée, chacona, etc.) intercalarse
entre ellas o colocarse un preludio, pero esta disposición fue la norma entre 1650 y 1750, período clásico de la
suite, que tuvo como máximos representantes a Couperin, Bach y Händel. Al caer en desuso como agrupación
de danzas, se mantuvo la idea de suite como reunión de fragmentos contrastados con algún nexo común.
Algunos fragmentos de música escénica se han reelaborado en forma de suite para poder ejecutarse
independientemente (suite de «l'Arlesienne», de Bizet; suite del «Cascanueces», de Chaikovski; suite de «El

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pájaro de fuego», de Stravinski). En la actualidad por suite se entiende cualquier composición distribuida en
fragmentos (Suite Holberg, de Grieg; Suite del Gran Cañón, de Gofré), aunque no lleven el nombre suite sino
otros (serenata, casación, divertimento, ciclo de canciones...).
Tango
Comenzó siendo una música de baile surgida en Buenos Aires a partir de 1880. Considerado un baile
arrabalero y pecaminoso, conoció anatemas y prohibiciones por su excesiva sensualidad. Inicialmente se
acompañaba con guitarra, violín y flauta. En en los años veinte, algunos intérpretes empezaron a añadir textos
a la música del tango y pasó, de simple baile, a convertirse en un tipo de canción de contenido amoroso en el
que abundan los lamentos por traiciones y amores perdidos. Para entonces se había añadido un nuevo
instrumento a las formaciones típicas del tango: el bandoneón, que le daría la personalidad con la que ha
llegado a nuestros días. Carlos Gardel fue el gran intérprete del tango cantado con composiciones propias, en
colaboración con Alfredo Lepera y Enrique Santos Discépolo. Con Gardel y sus películas, rodadas en
Hollywood y en Francia, el tango se extendió por el mundo y vivió momentos de gran popularidad. Entre sus
máximos intérpretes cabe citas a Aníbal Troilo, Roberto Goyeneche, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgán, etc., y
entre sus renovadores a Astor Piazzola, Sebastián Piana, Susana Rinaldi, etc.
Tarantela
Baile napolitano de movimiento muy vivo y compás ternario que se tuvo como remedio para curar a los
picados por la tarántula. Su música ha sido cultivada por Weber, Rossini, Chopin, Mendelssohn y Liszt entre
otros. En el s. XIX, a pesar de que aún aparecían esporádicamente brotes de tarantismo, y a pesar también de
que seguía aplicándose el remedio tradicional, las tarantelas eran una mayor fuente de ingresos para los
compositores más por su valor puramente musical que por su función terapéutica. Además de los compositores
citados, compusieron tarantelas Auber, Heller, Thalberg, Cui, Dargomizhski y otros muchos compositores de
mayor o menor valía. Sus características comunes eran el compás de 6/8, la gran celeridad, y una acentuada
tendencia hacia el «moto perpetuo». El saltarelo es un género de danza similar. Mendelssohn, en su «Sinfonía
n.º 4 Italiana», pone punto final a la obra con un movimiento que participa de ambas danzas.
Toná
Modalidad de cante flamenco cuyas formas constituyen la más remota y fundamental creación gitano-andaluza
que ha llegado hasta nuestros días. La toná apareció a fines del s. XVIII y presenta actualmente cuatro formas
que se cantan sin acompañamiento musical: martinete, carcelera, debla y toná propiamente dicha. Esta última
se divide a su vez en toná grande y toná chica según la longitud de sus tercios.
Tonadilla
Tonada, canción o pieza corta, alegre y ligera que se canta en algunos teatros. Derivada de la canción con
guitarra que se intercalaba en los entreactos teatrales de Madrid, la tonadilla escénica llegó a ser una cantata
con solos, voces concertadas y acompañamiento instrumental que estuvo en boga durante la segunda mitad del
s. XVIII. Entre los mas destacados autores de tonadilla escénica figuran E. Pablo, la Fornarina, B. de Laserna y
L. Misón.
Vals
Danza internacional en compás de 3 por 4, de probable origen alemán. En 1782 apareció el libro «Etwas über
das Waltzen», descriptivo del nuevo baile. De Alemania, éste pasó a Francia hacia 1790 y en el s. XIX llegó a
América a través de Inglaterra. El baile sufrió diversas modificaciones en los países que lo adoptaban hasta
que culminó en el famoso vals vienés, popularizado por Josef Lanner y Johann Strauss padre. Su hijo lo hizo
clásico, componiendo cientos de valses bailables. En el vals vienés se acentúa la primera parte del compás y se

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atenúa la segunda, de acuerdo con el estilo deslizante que imponían las nuevas pistas de baile. El vals supuso
la transición de los bailes de grupo a los de parejas.
Mozart escribió varios valses para los bailes de la ciudad, mientras que gracias a C.M. von Weber comenzó a
emplearse como pieza puramente instrumental y que gozaría del favor de numerosos autores como Beethoven,
Chopin, Schubert, Schumann, Brahms, Liszt, R. Strauss, Ravel, Berlioz, Chaikovski y Stravinski, entre otros.
Como música para la danza, tuvo a sus mejores exponentes en las familias austríacas Lanner y Strauss, además
de otros autores como F. Lehár, L. Fall, E. Waldteufel y A.Ch.P. Messager.
El teatro lírico ha recurrido, cuando la oportunidad o las exigencias dramáticas lo han aconsejado, a este baile.
Pueden recordarse, por ejemplo, el vals macabro del ballet de las brujas de «Macbeth», de Verdi; el vals de
«Fausto» de Gounod; el vals de «La viuda alegre», de Lehár o el vals que canturrea el Barón Ochs en «El
caballero de la rosa», de Strauss.
Zarzuela
La zarzuela tomó su nombre de las representaciones dramáticas musicales que en el s. XVII se celebraban en
el pabellón de caza de La Zarzuela (rodeado de zarzas) de la familia real española, en los alrededores de
Madrid. Iniciado el género con la obra de Calderón «El jardín de Falerina» (1649), con música de Juan Risco,
el término zarzuela fue aplicado por vez primera al estreno de «El golfo de las sirenas» (1657) y, al año
siguiente, al de «El laurel de Apolo», ambas del mismo autor. Las primeras zarzuelas fueron de tema
mitológico y contaron con libretistas como el conde de Clavijo, J.B. Diamante y A. Zamora y músicos como
C. Patiño, J. Hidalgo, J. Marín, J. Navas y S. Durón. El género, estructurado en dos actos, recibió en la primera
mitad del s. XVIII la influencia de la ópera, tendiendo a la representación de óperas abreviadas en lugar de
auténticas zarzuelas. Se recuperó en la segunda mitad del siglo gracias a argumentos más populares debidos a
R. de la Cruz, con música de Rodríguez de Hita, P. Esteve, V. Galván, F. García Pacheco, A. Palomini, L.
Boccherini y G. Brunetti.
Tras un período de decadencia, hacia mediados del s. XIX se produjo una recuperación con «Los enredos de
un curioso» (1832), con libreto de F. Enciso Castrillón y música de R. Carnicer, B. Saldoni y P. Albéniz, «El
rapto» (1832), con texto de Larra y música de T. Genovés, y «La novia y el concierto» (1833), con libreto de
Bretón de los Herreros y música de B. Basili. Otros autores de zarzuelas en un acto (que en ocasiones se
confundían con la tonadilla) fueron S. de Iradier, F. Lahoz, J. Sobejano, M. Soriano Fuertes, R. Hernando, C.
Oudrid, M. Fernández Caballero y R. Chapí, además de los renovadores J. Gaztambide, E. Arrieta y F.A.
Barbieri. Este último fue el creador de la zarzuela grande en tres actos («Jugar con fuego», 1851). A fines del s.
XIX y principios del XX floreció la zarzuela chica o género chico, de la mano de T. Bretón, F. Chueca y J.
Valverde.

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El compositor
El compositor es el artista dedicado a la creación de obras músicales.
Historia
Con anterioridad al s. XI, la cultura occidental estaba protagonizada por los distintos focos monásticos, que se
desarrollaron en el s. VI, pero con la nueva centuria (en la que una mayor organización económica condujo a
un imparable crecimiento de las ciudades) la cultura tuvo como protagonistas las catedrales (con sus maestros
de capilla compositores) y universidades. Por otra parte, las cruzadas propiciaron el contacto con una
civilización, la del islam, en la que se consideraban signos de refinamiento la práctica de la poesía y el
ejercicio de la música. Por ello, a lo largo de los ss. XII y XIII afloró en la nobleza europea una serie de poetas
músicos dedicados a una lírica alambicada y profana (los trovadores), que cantaban el amor humano, el honor
y otros ideales de la cultura caballeresca.
Con la aparición progresiva del renacimiento, las nuevas ideas músicales se encauzaron, no a través de las
universidades y catedrales, sino mediante limitados círculos de «iniciados», (como las academias y las
cameratas palaciegas, que gozaban del mecenazgo de la nobleza enriquecida con el comercio). En puridad,
desde el s. XVI hasta la Revolución francesa, los salones de la nobleza y de la realeza se erigieron en
importantes focos de creación músical y mantuvieron su carácter exclusivista y elitista. Aunque se atribuye a
W.A. Mozart un deseo de desvinculación con respecto a la figura del patrono, es con el romanticismo y la
figura de L. van Beethoven que apareció el primer compositor realmente emancipado, que escribía para sí
mismo. Es ahora cuando el compositor toma conciencia de su pasado y se interesa por la revalorización del
mismo: a este efecto es preciso recordar que en 1829 F. Mendelssohn-Bartholdy exhumó la «Pasión según san
Mateo» de J.S. Bach, lo cual ya de por sí bastaría para asegurarle un lugar de honor en la historia de la música.
El alto valor que se dio a la individualidad y a la expresión personal durante el período romántico ha crecido
de modo aún más pronunciado en el s. XX, que se distingue por la enorme cantidad de gustos y técnicas
diferentes. La radio y las grabaciones discográficas hacen llegar la música de un cualquier compositor a los
lugares más remotos y la velocidad de los modernos medios de comunicación hace posible que los oyentes
puedan evaluar las innovaciones rápidamente. Por ello, el factor originalidad que procura el creador es mucho
más apreciado que en cualquier época anterior, y esa diversidad y rápido mutar han pasado a ser la
característica primordial de la música actual.

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GLOSARIO IV COMPOSITORES DE MÚSICA CINEMATOGRÁFICA
GLOSARIO IV
GLOSARIO DE COMPOSITORES DE MÚSICA CINEMATOGRÁFICA
Addinsell, Richard
(Oxford, 1904-Londres, 1977). Compositor británico. Destaca, en especial, por su música compuesta para la
escena y el cine. Su conocido «Concierto de Varsovia» procede del film «Aquella noche en Varsovia» (B.D.
Hurst, 1941).
Bacharach, Burt
(Kansas City, 1929). Compositor de canciones pop y de música cinematográfica, su carrera profesional tomó
especial relieve como director artístico de las giras de Marlene Dietrich. Además de escribir, en colaboración
con Hal David, excelentes canciones pop para Dionne Warwick y Jack Jones, debutó en la música de cine con
«Lizzie» (1957). Se consagró con «¿Qué tal, Pussycat?» (1965) y logró dos Oscar con la música de «Dos
hombres y un destino» (1969) y su canción «Raindrops keep fallin' on my head». En 1981 firmó otra canción
con Oscar para la película «Arthur, el soltero de oro». Carpenters, Tom Jones, Beatles, Sandie Shaw o B.J.
Thomas son algunos de los intérpretes que han inmortalizado sus canciones.
Barry, John
(York, 1933). Compositor inglés, especializado en música para el cine, aunque comenzó su carrera como
intérprete de rock and roll. Es el autor de la música original de la larga serie de las películas de «James Bond»,
que le han reportado su mayor fama. Pero es autor también de bandas sonoras de la importancia de «Nacida
libre» (1966), que le valió dos Oscar, «El león en invierno», igualmente galardonada con el Oscar del 68,
«Memorias de África» (1985) y «Bailando con lobos» (1990), que completan su quinteto de Oscar musicales.
Además, resultan destacables sus composiciones para los filmes «La jauría humana» (1966), «Cowboy de
medianoche» (1969) o «María, reina de Escocia» (1971).
Bernstein, Elmer
(New York, 1922). Eclipsado por el renombre de Leonard Bernstein con quien no le une ningún parentesco,
Elmer empezó a triunfar en el mundo del cine con sus bandas sonoras de «El hombre del brazo de oro» (1955)
y «Los diez Mandamientos» (1956), que mostraban su facilidad para trabajar en un estilo jazzístico así como
su buen manejo de los instrumentos solistas. Su larga serie de bandas sonoras contiene títulos tan significados
como «El deseo bajo los olmos» (1958), «Los siete magníficos» (1960), «El hombre de Alcatraz» (1962),
«Matar a un ruiseñor» (1962), «Granujas a todo ritmo» (1980), «Un hombre lobo americano en Londres»
(1981), «Mi pie izquierdo» (1989) y «La edad de la inocencia» (1993). Ganó el Oscar de 1967 con la banda
sonora de «Millie, una chica moderna».
Copland, Aaron

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(Nueva York, 1900-íd., 1990) Compositor estadounidense. Formado en su ciudad natal y en París con N.
Boulanger, su música, sentimental, colorista y de tendencia neoclásica, ha sabido sintetizar la tradición hebrea
y el jazz con la de I. Stravinski. Es autor de canciones, música para la escena («Billy el niño», 1938; «Rodeo»,
1942) y el cine («La heredera», W. Wyler, 1949), sinfónica y de cámara («Primavera apalache», 1944;
«Música para una gran ciudad», 1964).
Carmichael, Hoagy
(Bloomington 1899-New York 1981). Nombre artístico de Hoagland Howard. Además de excelente
compositor, a quien se deben títulos como «Georgia on my mind» o «Stardust (Polvo de estrellas)»,
Carmichael trabajó también como actor en diversas películas, casi siempre encarnando el papel de pianista de
club, con un cigarro en la boca y entonando una canción. Como actor trabajó en «Los mejores años de nuestra
vida» (1946), para la que también escribió la banda sonora, o «Johnny Angel» y «Young man with a horn». En
1953 escribió la música de «Los caballeros las prefieren rubias» y en 1951 ganó el Oscar con la música de
«Aquí viene el novio».
Delerue, Georges
(Roubaix, 1925-1992). Sin duda uno de los más grandes compositores de música cinematográfica de la
historia; su inagotable capacidad para la creación de bellísimas melodías hizo que le reclamaran para escribir
las bandas sonoras de más de 150 largometrajes. Obtuvo cinco nominaciones al Oscar y un galardón, en 1979,
por «A little romance». Entre sus obras más destacables cabe citar «Hiroshima, mon amour» (1959), «Jules et
Jim» (1961), «Ana de los mil días» (1969), «La noche americana» (1973), «L'amour en fuite» (1980), «El
último metro» (1983), «Ricas y famosas», «Agnès de Dios» (1985), «Beaches» (1989) o «Magnolias de acero»
(1989).
Goldsmith, Jerry
(Los Ángeles, 1929). Compositor de música cinematográfica, empezó como músico en emisoras de radio de
donde pasó a la televisión y de ahí al cine. Es el autor de la banda sonora de «La profecía» (1976), que le valió
un Oscar. Otras películas que contaron con su música fueron «Freud« (1962), «El planeta de los simios»
(1968), «Patton» (1970), «Papillon» (1973), «Star trek» (1979), «Poltergeist» (1982), «Desafío total» (1990),
«Los últimos días del Edén» (1991) e «Instinto básico» (1992).
Hamlisch, Marvin
(Nueva York, 1944). Compositor y pianista de música de cine empezó a escribir para la pantalla en 1968.
Acaparó los tres Oscar musicales de 1973 con «Tal como éramos» (banda sonora y canción) y «El golpe»
(adaptación musical). Escribió también para Broadway donde triunfó con «A chorus line». Otras películas
importantes fueron «El espía que me amó» (1977), «La decisión de Sophie» (1982) y «Shirley Valentine»
(1989). Además de sus tres Oscar ha logrado otras ocho nominaciones.
Herrmann, Bernard
(Nueva York, 1911-1975). El compositor y director de música de cine por antonomasia. Logró sus primeros
éxitos en la radio junto a Orson Welles, para quien escribió la música de «Ciudadano Kane» (1941). Ese
mismo año obtuvo su único Oscar por la música de «El diablo y Daniel Webster». Luego escribió para
Hitchcock y puso música a «El hombre que sabía demasiado» (1956), «Vértigo» (1958), «Psicosis» (1960) y
«Con la muerte en los talones» (1959), entre otras. Poseía un estilo inconfundible y un marcado gusto por la
experimentación, como demuestran partituras como «Ultimátum a la Tierra» (1951), «Viaje al centro de la
Tierra» (1959) o «Jasón y los argonautas» (1963). Trabajó con algunos de los cineastas más innovadores de su
época, como F. Truffaut («Fahrenheit 451») o M. Scorsese, cuya partitura para «Taxi driver» en 1976 obtuvo
una nominación al Oscar, siendo su última composición. Como compositor clásico, destaca su ópera
«Wuthering heights» (Cumbres borrascosas).
Jarre, Maurice

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(Lyon, 1924). Compositor francés de música de cine, ganador de tres Oscar en otras tantas películas dirigidas
por David Lean: «Lawrence de Arabia» (1962), «Dr. Zhivago» (1965) y «Pasaje a la India» (1984). Jarre es
capaz de escribir para la misma banda sonora grandiosos temas épicos junto a románticas melodías como
«Somewhere my love» en «Dr. Zhivago». Otras películas suyas son «La hija de Ryan» (1970), «Único testigo»
(1984), «El club de los poetas muertos» (1989) y «Ghost» (1990).
Korngold, Erich Wolfgang

(Brno, 1897-Hollywood, 1957). Compositor y director de música escénica, orquestal y cinematográfica. Tras
el éxito europeo de sus óperas «Die tote Stadt» y «Das Wunder der Heliane», se trasladó a Hollywood, donde
inició una fructífera carrera musicando filmes como «Robín de los bosques» (1922), «El caballero Adverse»
(1936), «La vida privada de Elizabeth y Essex» (1939), «The Sea Hawk» (1940), «King's row» (1942) o
«Escape me never» (1946). A fines de los años cuarenta, Korngold retornó a la composición clásica con obras
como la «Sonata para piano en Mi», «Concierto para violín en Do», y un «Concierto de piano para la mano
izquierda».
Lai, Francis
(Francia, 1932). Compositor francés de música para el cine que logró renombre mundial con su trabajo para
«Un hombre y una mujer» (1966) de Claude Lelouch. El éxito lo llevó a Hollywood y le permitió ganar un
Oscar por su música para «Love story» (1970). Otras películas suyas fueron «Vivir por vivir» (1967),
«Mayerling» (1968), «Bilitis» (1877), «Un extraño en casa» (1992).
Legrand, Michel
(París, 1932). Compositor francés de música cinematográfica. Antes de escribir para el cine acompañó a
distintas figuras y hasta escribió arreglos de cuerda para Dizzy Gillespie. Para el cine escribió las bandas
sonoras de «El caso Thomas Crown» (1968), «Los paraguas de Cherburgo» ((1964) o «Verano del 42» (1972).
Entre sus discos como músico de jazz destacan «Legrand jazz» (1958) y «Sarah Vaughan/Michel Legrand»
(1972).
Mancini, Henry
(Cleveland, 1924-Los Ángeles, 1994). Compositor estadounidense. Iniciado con Glenn Miller, alcanzó el éxito
con la partitura de «La pantera rosa» (1964), del director Blake Edwards, con el que formaría uno de los
equipos creativos más fructíferos de la historia de la música de cine. Es autor de canciones y de música para
numerosas películas como «Sed de mal», 1958; «Desayuno con diamantes», 1961 (a cuya banda sonora
pertenece la celebérrima «Moonriver»); «Días de vino y rosas», 1962; «¡Hatari!», 1962; «Charada», 1963;
«10», 1979; «Victor o Victoria», 1982. Ganó cuatro Oscar de Hollywood.
Menken, Alan
(Nueva York, 1949). El más laureado compositor de cine de la última década, en la que ha ganado seis Oscar,
todos en películas de dibujos animados de la productora de Walt Disney. Comenzó en Broadway con «God
bless you, Mr. Rosewater» (1978) y su mayor éxito en el musical fue «La tienda de los horrores» (1982). Las
bandas sonoras de «La sirenita» (1989), «La bella y la bestia» (1991) y «Aladdín» (1992) le valieron diez
nominaciones y seis Oscar.
Morricone, Ennio
(Roma, 1928). Compositor italiano de música de cine. Se hizo popular con las bandas sonoras para los
spaghetti western de Sergio Leone, pero trabajó también con Bertolucci y Pasolini. El éxito lo llevó a
Hollywood, donde puso música a películas de Brian de Palma, Roman Polanski, Barry Levinson y otros. Entre
sus mejores bandas sonoras figuran «Por un puñado de dólares» (1964), «La muerte tenía un precio» (1965),
«El bueno, el feo y el malo» (1967), «El decamerón» (1970), «Sacco y Vanzetti» (1971), «Novecento» (1977),
«Érase una vez en América» (1984), «La misión» (1986), «Los intocables de Elliott Ness» (1987), «Frenético»
(1988), «Cinema Paradiso» (1988) y «Bugsy» (1991).

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Newman, Alfred
(New Heaven, 1901-1970). Compositor estadounidense de música cinematográfica ganador de nueve Oscar, la
mayor parte como responsable de adaptaciones de musicales de Broadway llevados a la pantalla. Trabajó con
John Ford en «Las uvas de la ira» (1940). Fue capaz de pasar de comedias como «The seven years itch»
(1955), a musicales como «Melodías de Broadway 1936» o cine histórico como «La historia más grande jamás
contada» (1965). Algunas de sus películas premiadas fueron «Alexander's ragtime band» (1938), «La canción
de Bernadette» (1943), «Call me Madam» (1953) y «La conquista del Oeste».
North, Alex
(Chester, 1910-Pacific Palisades, 1991). Compositor de música para teatro, ballet, televisión y algunas
incursiones en lo clásico, se le conoce principalmente por la ingente tarea desarrollada en el campo
cinematográfico. Nominado en quince ocasiones, puso música a las imágenes de «Un tranvía llamado deseo»
(1951), «Viva Zapata» (1952), «Mañana lloraré» (1955), «El largo y cálido verano» (1958), «El ruido y la
furia» (1959), «Vidas rebeldes» (1961), «Espartaco» (1960), «¿Quién teme a Virginia Woolf?» (1966), «Las
sandalias del pescador» (1968) o «El honor de los Prizzi» (1985). De la partitura de la película «Unchained» se
extrajo la célebre «Melodía desencadenada», popularizada en 1965 por los Righteous Brothers y en 1990 por
«Ghost».
Rota, Nino
(Milán, 1911-Roma, 1979). Compositor italiano. Autor de un oratorio a los once años, escribió cuatro
sinfonías, ocho óperas y varios conciertos, pero ha pasado a la historia como el autor de las bandas sonoras de
películas de F. Fellini, como «La strada» (1954), «Las noches de Cabiria» (1957), «La dolce vita» (1960) o
«Amarcord» (1974). También trabajó con otros directores como P.P. Pasolini, L. Visconti («Rocco y sus
hermanos»; «El gatopardo») o F. Ford Coppola (El padrino). En 1974 ganó el Oscar por su banda sonora para
«El Padrino II». Otros filmes para los cuales compuso la música fueron: «La guerra y la paz», «Romeo y
Julieta» (1968) y «El Casanova de Federico Fellini» (1976), etc.
Rózsa, Miklos
(Budapest, 1907). Compositor húngaro de música cinematográfica. En los años treinta puso música a las
películas inglesas de sir Alexander Korda. En 1940 comenzó a trabajar en Hollywood con «El ladrón de
Bagdad». Es autor de un centenar de partituras para el cine que van desde el intimismo romántico a las grandes
aventuras épicas. Entre sus trabajos destacan «Días sin huella» (1945), «Recuerda» (1945), «Doble vida»
(1948), «La jungla de asfalto» (1950), «Quo Vadis?» (1951), «Ivanhoe» (1952), «Ben-Hur» (1959), «Rey de
reyes» (1960), «El Cid» (1961), «La vida privada de Sherlock Holmes» (1970), «Providence» (1976). Tres
Oscar y diecisiete nominaciones refrendan su trabajo.
Steiner, Max
Viena, 1988-1971). Compositor austríaco de música cinematográfica. Hizo los ocho cursos de carrera en tan
sólo un año. Estudió con Mahler y a los catorce años estrenó su primer musical. En 1914 emigró a los EEUU
como director musical en comedias de Broadway. En 1929 marchó a Hollywood y creó un estilo personal de
banda sonora capaz de envolver y potenciar la fuerza de las imágenes. Música suya tienen las siguientes
películas: «La carga de la brigada ligera» (1936), «Jezabel» (1938), «Lo que el viento se llevó» (1939),
«Sargento York» (1941), «Casablanca» (1943), «El tesoro de Sierra Madre» (1948) y «El motín del Caine»
(1955). Ganó tres Oscar, pero no por «Casablanca» ni «Lo que el viento se llevó».
Tiomkin, Dimitri
(San Petersburgo, 1899-Londres, 1979). Compositor ruso. En EEUU se distinguió por su música romántica e
impresionista para el cine, como la de «Horizontes perdidos» (F. Capra, 1937), «Los cañones de Navarone»
(J.L. Thompson, 1961), «55 días en Pekín» (N. Ray, 1953) o «El viejo y el mar» (J. Sturges, 1958). Está
reconocido como el más importante compositor de música para westerns, con títulos como «Duelo al sol»

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(1947), «Solo ante el peligro» (1952), «Gigante» (1956), «Duelo de titanes» (1957), «El Álamo» (1960) o «El
hombre que mató a Liberty Valance» (1962). Impuso popularmente la canción como tema central de las
películas («Do not forsake me, oh my darling», «Balada de El Álamo», «Gunfight at the OK Corral»).
Vangelis
(Volo, 1943). Compositor griego, cuyo nombre completo es Vangelis Papathanasiou. Formó con Demis
Roussos el grupo Aphrodite's child. Su obra en solitario se ha distinguido por una gran complejidad técnica
(«Spiral», 1977; «See you later», 1981; «Direct», 1988). Destacó como compositor de bandas sonoras de
varias películas («Carros de fuego», H. Hudson, 1981; «Blade Runner», R. Scott, 1982, etc).
Waxman, Franz
(Koenigshuette, 1906-1967). Compositor alemán. Siguió a Fritz Lang cuando éste se trasladó a Hollywood.
Allí inició una brillante carrera como compositor cinematográfico, durante la cual musicó algunas de las
películas más relevantes de los años cuarenta, cincuenta y sesenta: «Sublime obsesión» (1935), «Capitanes
intrépidos» (1937), «The Young in heart», «Historias de Filadelfia» (1940), «Rebeca» (1940), «Sospecha»
(1941), «Tener y no tener» (1944), «El crepúsculo de los dioses» (1950), «Un lugar en el sol» (1951), «Peyton
Place» (1957) o «Sayonara» (1957) se cuentan entre sus más célebres composiciones. Waxman obtuvo 11
nominaciones y dos estatuillas.
Williams, John
(Long Island, 1932). Compositor estadounidense de música de cine, su asociación con George Lucas y, sobre
todo, con Steven Spielberg le ha convertido en el más carismático autor de los ochenta y noventa. Poseedor de
cinco Oscar: «El violinista en el tejado» (1971, por la adaptación cinematográfica de la banda sonora original
de Jerry Bock), «Tiburón» (1975), «La guerra de las galaxias» (1977), «Superman» (1978), «E.T., el
extraterrestre» (1982) y «La lista de Schindler» (1993), ha sido además nominado en otras veintiséis
ocasiones. Otras películas importantes de su curriculum son «La aventura del Poseidón» (1972), «Encuentros
en la tercera fase» (1977), «La furia» (1974), «Cuando el río crece» (1984), «El imperio del sol» (1987), «JFK,
caso abierto» (1991), «Hook» (1991) y «Parque Jurásico» (1992), además de la saga de Indiana Jones y la
trilogía galáctica de G. Lucas.
Young, Victor
(Chicago, 1900-Palm Springs, 1956). Empezó como director y arreglista y trabajó para artistas como Al
Jolson, Eddie Cantor, Judy Garland o Bing Crosby. Hasta principios de los treinta no inició su carrera como
compositor de música cinematográfica, labor por la que sería recordado como uno de los grandes cultivadores
del género, merced a obras como «Por quién doblan las campanas» (1943), «Sansón y Dalila» (1949), «El
mayor espectáculo del mundo» (1952), «El hombre tranquilo» (1952), «Creemos en el amor» (1954) o «La
vuelta al mundo en 80 días» (1956), por la que recibió un Oscar a título póstumo. Sin embargo, sus mejores
trabajos los obtuvo en el campo del western, con títulos tan emblemáticos como «Río Grande» (1950), «Raíces
profundas» (1953) o «Johnny Guitar» (1954).

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GLOSARIO V COMPOSITORES DE MÚSICA CLÁSICA
GLOSARIO V
GLOSARIO DE COMPOSITORES DE MÚSICA CLÁSICA
Adam, Adolphe Charles

(París, 1803-id., 1856) Compositor francés. Fue discípulo de F.A. Boieldieu. Sus 41 óperas cómicas anticipan
el género de la opereta. Entre su producción para la escena, destaca el ballet «Giselle» (1841).
Aguado, Dionisio
(Madrid, 1784-id., 1849) Guitarrista y compositor español. Es autor de un «Método para guitarra» y de
numerosas transcripciones y composiciones originales.
Aguilera de Heredia, Sebastián

(Zaragoza, 1561-id., 1627) Organista y compositor español. Tras seguir la carrera eclesiástica, fue organista en
Huesca (1585), y posteriormente en la Seo de Zaragoza (1603). Discípulo de Peralta, se le considera el más
importante sucesor de Antonio de Cabezón y de Tomás de Santa María, así como el más brillante antecesor de
Cabanilles. Compuso piezas para órgano, salmos a 4 voces y un magnificat («Canticum Beatissimae Virginis»
a 4-8 voces), publicado en Zaragoza en 1618. Recientemente, el prestigioso musicólogo Willi Apel contribuyó
a reconocer el singular papel de Aguilera de Heredia en la historia del órgano editando su obra integral para
este instrumento.
Albéniz, Isaac
(Camprodón, Gerona, 1860-Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Músico y compositor español. Albéniz se crió y
educó en Barcelona, donde residió su familia desde 1861. Prototipo del niño prodigio, a los cuatro años de
edad dio su primer concierto de piano en el teatro Romea. Estudió piano con Narcís Oliveras y, en 1868, en el
Conservatorio de París. Sin embargo, su padre veía en él una fuente de ingresos y lo sometió a intensas giras
por el norte de España. Antes de cumplir los catorce años había emprendido repetidas fugas de su hogar que lo
llevaron primero por España y más tarde por Argentina, Uruguay y Brasil y, en un nuevo viaje, a Estados
Unidos. Fue el rey Alfonso XII quien puso fin a tal situación mediante una beca que le permitió trasladarse a
estudiar en Bruselas.
Hacia 1883, año de su casamiento con la pianista Rosina Jordana, quien le daría tres hijos, Albéniz inició una
nueva etapa que sería crucial para su carrera. Tras estudiar contrapunto y armonía con Felipe Pedrell, empezó
a componer con plena conciencia de sus posibilidades. Cuando en 1889 vio la luz su «Suite española», ya
había creado un buen número de minués, pavanas, valses y mazurcas, además de las «Seis danzas españolas»,
las «Doce piezas características», etc. A partir de 1885 vivió en Madrid, Londres, París y Niza. Conoció a
Debussy, Ravel y Fauré.

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Entre 1905 y 1909 compuso su extraordinaria suite «Iberia», una de las cumbres de la música del s. XX, a la
que O. Messiaen calificó como «la más alta maravilla de la música española». Excesivamente obeso y
enfermo, tras acabar la obra se retiró a vivir sus últimas semanas en Cambo-les-Bains, en el País Vasco
francés, donde el 17 de mayo de 1909, justo un día antes de su muerte, recibió la Cruz de la Legión de Honor
con que lo condecoró el gobierno francés.
Albero y Añaños, Sebastián de

(Roncal, 1722- Madrid, 1756) Tenía la obligaci6n de satisfacer, las necesidades y los gustos músicales del
hipocondríaco rey D. Pernando VI. La diversidad de destinos que tiene la producci6n músical de todos los
tiempos y, especialmente, en el siglo XVIII, explica la diversidad de estilos y el error en que se incurre cuando
se pretende la mitificaci6n o la supremacía de uno sobre los demás. Sebastián de Albero es uno de nuestros
grandes compositores para música de tecla del siglo XVIII recientemente rescatado del olvido, aunque en vida
debi6 gozar en la Corte de un prestigio similar al de Scarlatti.
No se sabe con exactitud la fecha de su llegada a Madrid, aunque consta que a sus veinticuatro años, en 1746,
fue nombrado primer organista de la Capilla Real de la Corte de Fernando VI, junto a José de Nebra y Joaquín
Oxinaga. Durante los ocho años de su estancia en la Corte madrileña convivi6 y conoci6 al famoso Doménico
Scarlatti, falleciendo sólo un año antes que el músico italiano. No tenemos todavía documentaci6n sobre la
formación de Sebastián de Albero con anterioridad a su llegada a la Corte, pero es obvio que dicha formaci6n
ya la poseía antes de su llegada a Madrid y conocimiento de Scarlatti.
En opini6n 16gica de Kastner, Sebastián de Albero debi6 ser discípulo de algún maestro de capilla de
Pamplona, de quien aprendi6 el sólido manejo del Contrapunto. Esta situaci6n geográfica explica quizá cierta
influencia francesa que se percibe en sus Recercadas, de gran parecido con el estilo del Prèlude non mesuré de
J.H. D'Anglebert, Gaspard le Roux y otros compositores franceses. Su estilo músical nos recuerda veces a
Louis Couperin o a Jacob Froberger. Junto a esta influencia francesa fácilmente detectable, Kastner observa e
sus sonatas la mas firme tradici6n ibérica derivada de la escritura arm6nica y vertical de los organistas
españoles en los antes citados Tientos partidos.
Las obras de Sebastián de Albero se han conservado fundamentalmente en dos manuscritos principales. El
primero de ellos esta hoy en la Biblioteca Marciana de Venecia, sin fecha, con el titulo de 30 Sonatas para
Clavicordio, probablemente exportado por el castrato Farinelli. El otro manuscrito se titula Obras para
Clavicordio o pianoforte y se conserva hoy en la Biblioteca del Conservatorio de Madrid.
Albinoni, Tommaso
(Venecia, 1671-íd., 1750) Compositor italiano. Violinista, cantante y pedagogo, en sus inicios había formado
parte de los «dilettanti» agrupados a partir del último decenio del s. XVII. Estudió con Legrenzi, en cuyo
estudio conoció a su contemporáneo y también veneciano Antonio Vivaldi (hijo de un reputado violinista y a
su vez, entre 1703 y 1740, destacado profesor de violín en el seminario músical del hospicio de la Pietà de
Venecia), a quien lo uniría una gran amistad que duró toda la vida y que se vio beneficiada por el
entrecruzamiento de ambas experiencias músicales. Puede decirse que Vivaldi fue capital en los orígenes del
concierto para solista, como Albinoni un precursor innegable del estilo sinfónico y del romanticismo y el
primero que introdujo el minué en la sinfonía, y uno y otro fundamentales en el enriquecimiento de la «scola
veneziana». Amigo y admirador de ambos, Johann Sebastian Bach transcribió una decena de conciertos del
primero, y del segundo la temática de una de sus fugas.
Nacido y muerto en Venecia, de la que sólo se alejó para asistir a la representación de algunas de sus óperas en
Mantua o Florencia, Albinoni tomó de otro de sus contemporáneos, Benedetto Marcello, la fidelidad a la
tradición. Comenzó a componer hacia los veintitrés años de edad; su primera ópera, «Zenobia, reina de
Palmira», se estrenó en Venecia en 1694. Entre ese año y 1740, en que al parecer cesó su labor creadora,
compuso gran número de obras teatrales e instrumentales. Las primeras han quedado prácticamente en el
olvido, pero muchas de sus obras instrumentales que han llegado hasta nuestros días despiertan gran interés
por la original plasticidad de sus movimientos. De su música se han publicado doce sonatas (1964), seis
sinfonías y seis conciertos (1700), treinta y seis conciertos (1707-22), seis sonatas de iglesia (1704) y doce
sonatas (entretenimientos armónicos) de cámara (1711). Algunas de sus composiciones manuscritas han
llegado hasta nuestros días, como las seis sinfonías.

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Anglebert, Jean Henri d'

(París, 1628-id., 1691) Compositor francés. Fue alumno de Chambonnières y uno de los máximos
clavicembalistas de su tiempo. Sus «Sesenta piezas para clave» (1689) revisten especial importancia por sus
muchas indicaciones sobre la correcta ejecución y ornamentación de la música barroca.
Arriaga, Juan Crisóstomo

(Bilbao, 1806-París, 1826) Compositor español. Desconocido por el gran público, es uno de los grandes
compositores de la música española del s. XIX. En 1822 se trasladó a París para completar sus estudios
músicales con Baillot, Cherubini y Fétis en la Real Escuela de Música y Declamación. Galardonado un año
más tarde con dos segundos premios de honor en armonía y composición por su Fuga a ocho voces, a los
dieciocho años fue nombrado profesor auxiliar de contrapunto en el Conservatorio de París (1824). En 1826,
una tuberculosis acabó con su vida y dio al traste con una prometedora carrera.
La obra de Arriaga, en gran parte desaparecida, se inició muy pronto con la composición, en 1817, de su obra
«Nada y mucho», octeto para dos violines, viola, violonchelo, contrabajo, trompa y guitarra. Un año después
compuso una «Obertura» y en 1820 estrenó en Bilbao, precisamente en el antiguo teatro sobre el que más
tarde se levantaría el actual teatro Arriaga, una ópera: «Los esclavos felices», con libreto de Luciano Comella,
así como la primera versión del «Tema y ocho variaciones para violín», que revisaría y estrenaría, en 1823,
como «Opus 23». Ya en París, compuso su única obra exclusivamente para piano, «Caprichos», tres
«Cuartetos para instrumentos de cuerda», la «Sinfonía en re mayor» y la «Obertura opus 20», un «Stabat
Mater», una «Salve», además de otras obras polifónicas, varias romanzas y otras piezas de carácter religioso,
y «Tres estudios de carácter». En los últimos años de su vida se sintió atraído por las nuevas tendencias
románticas y, ya en esa línea, compuso, entre otras obras: «Medea», aria para soprano; «Edipo», romanza para
tenor, y «Agar», obra de la que se conserva sólo la escena final y que dejó inacabada.
Arrieta, Emilio
(Puente la Reina, 1823-Madrid, 1894) Compositor español, cuyo verdadero nombre era Pascual Arrieta.
Estudió en Madrid y en Milán. De regreso a España, fue profesor de canto de la reina Isabel II y director de
música de palacio. Escribió numerosas zarzuelas, entre las que destacan «La ínsula Barataria» (1864), «La sota
de espadas» (1871) y, sobre todo, «Marina» (1871), que, convertida en ópera, fue estrenada en el Teatro Real
de Madrid en 1887.
Auber, Daniel-François Esprit

(Caen, 1782-París, 1871) Compositor francés. Fue discípulo de Cherubini, director del Conservatorio de París
y maestro de capilla de Napoleón III. En colaboración con el dramaturgo Scribe, compuso más de 40 óperas
cómicas, influidas por Rossini («La muda de Portici», 1828; «Fra Diavolo», 1830).
Auric, Georges
(Lodève, 1899-París, 1983) Compositor francés. Discípulo de D'Indy, formó parte del Grupo de los Seis y en
1961 fue nombrado administrador de los teatros líricos nacionales de Francia. Su música, sinfónica
(«Homenaje a Marguerite Long», 1956), ballets (quince en total), operística («Bajo la máscara», 1927), de
cámara, instrumental, incidental y para el cine («Moulin Rouge», 1939), estuvo influida por Stravinski y por el
jazz.
Bach, Johann Christian

(Leipzig, 1735-Londres, 1782) Último hijo de J.S. Bach y de Anna Magdalena Wülcken. En 1756 fue a Italia,
donde estudió con el padre Martini y, convertido al catolicismo, fue nombrado organista de la catedral de
Milán. Por la fama de sus óperas de estilo italiano, fue llamado a Londres (1762), donde ocupó el puesto de
profesor de música de la reina, vacante desde la muerte de Händel, y fue maestro directo de Mozart (1764).
:pPrecursor de la sinfonía vienesa clásica, su obra, que se erige como la máxima expresión de la música
galante del rococó, incluye sinfonías, oberturas, cerca de 40 conciertos para piano, sonatas, tríos, cuartetos y
diversas óperas entre las que destacan «Lucio Silla», «Orione», «Zanaida».

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Bach, Johann Christoph Friedrich

(Leipzig, 1732-Bückeburg, 1795) Noveno hijo de J.S. Bach y Anna Magdalena Wülcken. En 1750 entró al
servicio del conde Guillermo de Schaumburg-Lippe, en Bückeburg, y fue nombrado maestro de conciertos en
1758. Al contrario que sus hermanos, fue un músico conservador.
Bach, Johann Sebastian

(Eisenach, 1685-Leipzig, 1750) Formado en un ambiente familiar muy piadoso, estudió música y teología. En
1700 marchó a Lüneburg, donde perfeccionó su conocimiento del órgano con G. Böhm, y entró en contacto
con la música francesa que se interpretaba en el castillo del duque Georg Wilhelm de Hamburgo. En 1703 pasó
a formar parte de la orquesta del príncipe de Weimar como violinista y, al año siguiente, fue nombrado
organista en Arnstadt. Tras su paso por Lübeck, para conocer a Buxtehude, fue organista en Mühlhausen,
donde casó con su prima Maria Barbara Bach. De nuevo en Weimar (1708), fue organista de la corte y músico
de cámara y conoció al poeta S. Franck, libretista de muchas de sus obras.
En 1717 aceptó el puesto de maestro de capilla del príncipe Leopoldo de Köthen, donde, debido al calvinismo
reinante, se dedicó a la música instrumental. En 1721, un año después de la muerte de su primera esposa,
contrajo segundas nupcias con Anna Magdalena Wülcken y en 1723 consiguió el puesto de cantor de la iglesia
de Santo Tomás de Leipzig y reemprendió la composición de música religiosa. Fallecido en 1750, su obra,
máxima cumbre del Barroco, cayó en el olvido y no fue rescatada hasta 1829 gracias a Mendelssohn.
Dejó más de mil piezas, que incluyen composiciones orquestales, de teclado, de cámara y vocales. Entre la
música orquestal, hay que destacar los seis «Conciertos de Brandeburgo» (1721), cuatro «Suites» (1721-
1736), dos «Conciertos para violín» (1720), un «Concierto para dos violines» (1720), dos «Conciertos para
tres claves» (1730- 1736), la «Ofrenda músical» (1747) y «El arte de la fuga» (1747- 1750); estas dos últimas
obras, un tanto crípticas, constituyen la cumbre del dominio de la composición de su autor, pues presentan
cánones y fugas a varias voces que aún hoy sorprenden a los especialistas por su depuradísima técnica.
El apartado de la música para instrumentos de teclado incluye obras para clave y para órgano; para clave,
destacan la «Fantasía cromática y fuga» (1720-1723), los dos libros de «El clave bien temperado» (1722 y
1742), las «Variaciones Goldberg» (1742), las seis «Partitas» (1726-1731), las 15 «Invenciones» (1723), las
seis «Suites francesas» (1722) y las seis «Suites inglesas» (1722); para órgano, sobresalen el «Pasacalle en do
menor» (1716-1717), más de un centenar de «Corales» (1707-1750) y numerosos «Preludios» (o toccatas, o
fantasías), terminados o no en fugas (1709-1739), entre ellas la célebre «Toccata y fuga en re menor» (1709).
Las obras de cámara abarcan numerosos dúos y tríos y varias obras para violín, violonchelo, flauta y laúd
solos, que demuestran el profundo conocimiento que Bach tenía de estos instrumentos. Destacan en especial
las seis «Suites» para violonchelo (1720), la «Partita en la menor» para flauta travesera (1720), las tres
«Sonatas» y las tres «Partitas» para violín (1720), sobre todo la segunda, que incluye la célebre chacona.
Las obras vocales incluyen cerca de 200 cantatas religiosas, entre las que destacan «Aus der Tiefe rufe ich»,
«Jauchzet Gott in alle Landen», «Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit» («Actus tragicus»), «Ach, Gott vom
Himmel sieh darein», «O Jesu Christ, meins Lebens Licht», «Lass, Fürstin, lass noch einen Strahl», «Nur
komm, der Heiden Heiland» (I y II), «Schwingt freudig euch empor», «Gott ist unsre Zuversicht», «Ach Gott,
wie manches Herzeleid», «Gott ist mein König», etc. Entre las obras profanas, sobresalen la «Cantata
campesina» (1731) y la «Cantata del café» (1732). Entre las misas y oratorios, hay que mencionar el «Oratorio
de Navidad» (1734), formado por seis cantatas, el «Magnificat» (1723) y la solemne «Misa en si menor»
(1724-1747), que, junto con la «Pasión según san Juan» (1723) y la «Pasión según san Mateo» (1729),
constituye una de las cumbres de su obra.
Bach, Karl Philipp Emanuel

(Weimar, 1714-Hamburgo, 1788) Quinto hijo de J.S. Bach y de Maria Barbara Bach. Fue clavecinista de la
corte de Federico II el Grande y sucesor de Telemann, su padrino, como maestro de capilla de las principales
iglesias de Hamburgo. Como teórico del clave, se anticipó a la moderna técnica pianística con su «Ensayo
acerca de la verdadera manera de tocar el clave» (1753-1762).
Precusor del romanticismo por su defensa de la libertad del artista, ayudó a la consolidación de la forma de la
sonata con la introducción del segundo tema. Su amplia obra, profana y religiosa, influyó de forma decisiva en
Haydn y en Beethoven; deben recordarse 210 piezas para clavecín, 52 conciertos con acompañamiento

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orquesta, 22 pasiones y los oratorios «Los israelitas en el desierto» (1775) y «La Resurrección y Ascensión de
Jesús» (1787).
Bach, Wilhelm Friedemann

(Weimar, 1710-Berlín, 1784) Primer hijo de J.S. Bach y de Maria Barbara Bach. Su fama como intérprete de
clave y de órgano le llevó a Dresde, Halle, Brunswick y Berlín. Compuso una ingente obra, con la que
desarrolló su renovador concepto de la sonata y del concierto para piano. Deben destacarse dos suites
orquestables, tres conciertos para tecla, seis tríos y un sexteto en mi menor, además de diversas cantatas. Fue
precusor del romanticismo en su actitud, pues vivió como artista independiente y vendió sus obras
directamente a los editores.
Balakirev, Mili Alexéievich

(Nizhni-Nóvgorod, 1837-San Petersburgo, 1910) Compositor y pianista ruso. Fundó el Grupo de los cinco y
realizó una importante labor en defensa de la música nacionalista rusa: fundó la Escuela Libre de Música
(1882) y recopiló y editó melodías populares, muchas de ellas con arreglos. En 1883 fue nombrado director de
la capilla imperial. Entre sus obras, de estilo más oriental y caucásico que eslavo, destacan el poema sinfónico
«Tamar» (1882) y la fantasía oriental para piano «Islaméj» (1868), ambas influidas por Liszt. Fue asimismo
autor de una «Obertura española» y de dos conciertos para piano. Escribió una única ópera, «El rey Lear».
Barbieri, Francisco Asenjo

(Madrid, 1823-id., 1894) Compositor y musicólogo español. Formado en Madrid, defendió la música
autóctona frente a la influencia italiana. De entre sus numerosas zarzuelas, destaca «El barberillo de Lavapiés»
(1874). Como investigador, dejó el «Cancionero musical español de los siglos XV y XVI» y una «Historia de
la zarzuela» (1874).
Bartók, Béla
(Nagyszentmiklós, 1881-Nueva York, 1945) Compositor y musicólogo húngaro. Huérfano de padre a los siete
años, fue orientado hacia la música por su madre, pianista de talento, que se vio obligada a dar clases de piano
para garantizar el sustento de sus dos hijos. Cursó estudios músicales en Budapest, ciudad de donde salió para
examinarse de ingreso en el Conservatorio de Viena. A pesar del excelente resultado, la desgana que le
producía el abandono de su país estimuló su regreso a Budapest, donde en 1907 se convirtió a su vez en
profesor de piano, mientras se iba transformando en un reputado intérprete. A pesar de su frágil salud y de su
apariencia huraña e introvertida, realizó numerosas giras por países extranjeros, que alternaba con viajes de
estudio por Europa central y más tarde por África, con el fin de recoger y grabar miles de cantos folklóricos.
Antinazi convencido, se expatrió cuando el gobierno dictatorial húngaro concluyó un pacto con Hitler, y a
partir de 1940 se instaló en Estados Unidos, donde murió de leucemia, en el West Side Hospital de Nueva
York.
Vivió con gran intensidad la eclosión del s. XX y recibió la influencia de un conjunto de determinantes
estéticos, que intentó sintetizar a lo largo de su vida, fraguando todas estas corrientes en una música
extraordinariamente personal y de una perfección formal y estilística indiscutibles, inspirada a menudo en el
folklore nacional húngaro y la música popular, en la línea de Rimski-Kórsakov, así como en el romanticismo
de Franz Liszt, el impresionismo de Debussy, el expresionismo de Stravinski y el cromatismo de Berg. Todas
estas corrientes caracterizan una música de vivo colorido, de salvaje violencia, a la vez que de dulzura serena
profundamente inspirada en las raíces del folclore. Cultural al tiempo que popular, su arte traduce un gran
esfuerzo de síntesis y de asimilación, así como de evolución y renovación constantes. Sus éxitos más
perfectos son las composiciones para piano, que Bartók trató por vez primera como instrumento de percusión,
como en sus tres conciertos (1926, 1931, 1945) o la «Sonata para dos pianos y percusión» (1937), y para
instrumentos de cuerda, como sus seis cuartetos para cuerda (1908, 1917, 1927, 1928, 1934 y 1939), en los
que es posible seguir fielmente su evolución, o el «Concierto para violín y orquesta» (1938); sin embargo, su
obra más popular sigue siendo el «Concierto para orquesta» (1943).

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Beethoven, Ludwig van

(Bonn, 1770-Viena, 1827) Compositor alemán. De familia de músicos, mostró desde muy joven unas
extraordinarias dotes músicales, que pronto fueron educadas por su padre. Estudió con Ch. Neefe, director
músical de la corte, a quien sirvió de ayudante como clavecinista. En 1787 conoció al conde de Waldstein, su
primer mecenas, y, durante una estancia en Viena, a Mozart, quien reconoció su genio. En 1792 se instaló en
Viena, donde fue bien recibido por la aristocracia, que admiraba su talento como pianista, y donde completó su
formación con Haydn, Albrechtsberger y Salieri. En 1802 comenzaron a aparecer los primeros síntomas de su
sordera, que no afectaría su producción músical. Su vida estuvo marcada por dos amores desgraciados y por su
adhesión a las ideas revolucionarias francesas. La extensa obra de Beethoven, antecedente de la escuela
romántica alemana, es por lo general dividida por la crítica en tres etapas: la primera está marcada por la
influencia de Haydn, Mozart y Clementi, la segunda se caracteriza por la mayor extensión de las obras y la
tercera, por la libertad formal y por la osadía armónica.
Entre sus obras vocales, destacan sus numerosos «lieder», arias, coros y cánones, la cantata «En la muerte del
emperador José II» (1790) y la «Missa solemnis» en re mayor (1823). Entre su producción instrumental, cabe
citar las 32 sonatas para piano (1795-1822), las 10 sonatas para violín y piano (1798-1812), las cinco sonatas
para piano y violonchelo (1796-1815), los siete tríos para piano, violín y violonchelo (1794-1811), los tres
cuartetos para piano y cuerda (1785), los 17 cuartetos para cuerda, los cinco conciertos para piano (1795,
1798, 1802, 1806 y 1809), el concierto para violín (1806) y las nueve sinfonías (1800, 1802, 1804, 1806, 1808
-5 y 6-, 1812 -7 y 8-, 1824). Sus obras dramáticas más notables son la ópera «Fidelio» (1805, 1806 y 1814) y
la música escénica de «Egmont» (1810) y «El rey Esteban» (1811).
Bellini, Vincenzo
(Catania, 1801-Puteaux, 1835) Compositor italiano. De familia de músicos, estudió en Nápoles con N.A.
Zingarelli. Tras estrenar dos óperas en el Teatro San Carlo, se trasladó a Milán, donde obtuvo su primer triunfo
en la Scala con «El pirata» (1827) y donde comenzó a colaborar de forma regular con el libretista F. Romani.
En 1834, a instancias de Rossini, se trasladó a París, donde estrenó su última ópera, «Los puritanos» (1835), y
conoció a Chopin. Aunque escribió abundante música religiosa y vocal de cámara, su producción más notable
está compuesta por sus diez óperas, entre las que destacan, además de las citadas: «Capuletos y Montescos»
(1830), «La sonámbula» (1831) y, sobre todo, «Norma» (1831).
Berg, Alban
(Viena, 1885-íd., 1935) Compositor vienés. Desde muy niño, impulsado por su padre y su hermano mayor, se
dedicó intuitivamente a la música. Antes de llegar a la adolescencia compuso más de un centenar de
canciones y duetos para piano, en su mayor parte inéditos. En 1908 presentó su primera obra pública en un
recital de discípulos de Schönberg: «Sonatas para piano, opus 1». Tanto en ésta como en las sucesivas,
«Cuatro estaciones» (1909) y «Cuarteto de cuerdas» (1910), manifestó una marcada influencia de sus
compositores más admirados: Gustav Mahler y Richard Wagner. Sus obras responden a ideas de inspiración
súbita, que luego él cinceló morosamente, con obsesivo detenimiento. Hasta 1912 no dio a conocer «Las cinco
canciones orquestales, opus 4», cuyo estreno en 1913 en la Academia de Literatura y Música provocó un
escándalo.
La fama de Berg comenzaba a trascender su círculo de amigos, mientras maduraba en él la idea de una ópera,
a partir de la pieza teatral «Woyzeck», de Georg Büchner. Al año siguiente sobrevinó la guerra. La frágil
salud del compositor justificó un empleo burocrático en el Ministerio de Guerra. En 1917 inició el libreto de
«Wozzeck» (alterando el nombre original en una letra), cuya partitura completó en 1921. El tema, una
tragedia rural y social, es de por sí una elección atípica para la lírica, y Berg comprimió veinticinco escenas en
tres actos, combinando la música atonal con formas tradicionales y trozos de estilo popular. La obra se
estrenó en la Ópera de Berlín el 14 de diciembre de 1925.
Berg permaneció en Viena, en donde enseñó composición y escribió su «Concierto de cámara, opus 8», con
ocasión de cumplir su maestro Schönberg los cincuenta años. Dos años más tarde, la trágica muerte de la hija
de Alma Mahler, a quien Berg dedicó el «Wozzeck», provocó una crisis de creación en el compositor, que se
recluyó en su villa de Carintia; allí, en seis semanas, compuso el célebre «Concierto para piano y orquesta»
como una especie de réquiem íntimo que dedicó «a la memoria de un ángel».

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Berio, Luciano
(Oneglia, 1925) Compositor italiano. Realizó sus estudios con G.F. Ghedini y con L. Dallapicolla. Es uno de
los más notables exponentes de la vanguardia músical internacional. En 1955 fundó, con B. Maderna, el
Estudio de Fonología de la RAI en Milán. Sus obras, marcadas por una constante preocupación por la materia
sonora, se caracterizan por su adhesión al serialismo y a los procedimientos experimentales de los años
cincuenta. Algunas composiciones a destacar son: «Variaciones» (1954), «Homenaje a Joyce» (1958),
«Visage» (1961), «Concierto para dos pianos» (1973) y «La verdadera historia» (1982).
Bériot Charles Auguste de

(Lovaina, 1802-Bruselas, 1870) Violinista, escribió varias piezas para su instrumento y una difundida «Escuela
de violín».
Bériot Charles Wilfrid de

(París, 1833-Londres, 1914) Hijo de Charles Auguste, fue pianista y profesor de algunas celebridades, como
Granados o Ravel; escribió varias piezas para piano.
Berlin, Irving
(Temun, 1888-Nueva York, 1989) Compositor estadounidense de origen ruso, cuyo verdadero nombre era
Israel Isidore Balin. Fue uno de los ocho hijos de una familia judía que emigró debido a las persecuciones
antisemitas y fue a instalarse en Nueva York en 1893. El pequeño Israel fue vendedor ambulante de
periódicos, cantante callejero y camarero en un sórdido café del barrio de Chinatown. Allí aprendió a tocar el
piano, escribió sus primeras letras y adquirió un nuevo nombre, cuando en la tapa de su primer disco una
errata de imprenta convirtió su apellido en Berlin.
Contratado como letrista, en 1911 dio un giro decisivo a la canción popular al introducir el ritmo sincopado del
jazz en Alexander's Ragtime Band. Dos años más tarde se casó con Dorothy Goetz, que murió de tifus poco
después de la luna de miel; el triste suceso le inspiró el que sería su segundo gran éxito: «When I lost you»
(«Cuando te perdí»). Enrolado como soldado en la I Guerra Mundial, se dedicó a componer canciones y así
nació la que sin duda es su melodía más popular, «God bless America».
Berlin compuso más de un millar de canciones, tales como «Sombrero de copa», interpretada por Ginger
Rogers y Fred Astaire, a la que pertenece el clásico «Cheek to cheek», «Amanda», «Desfile de Pascua» o
«Navidades blancas», entre otras muchas. A los cincuenta y seis años decidió retirarse pero volvió a los
escenarios con la partitura de «Call me Madam» (1953), y en 1962 aún tuvo ánimos para componer su última
comedia músical, «Mr. President».
Berlioz, Hector
(La Côte-Saint-André, 1803-París, 1869) Compositor francés. En 1826 abandonó la medicina en favor de la
música y en 1830 obtuvo el Premio de Roma de composición. Su música se distinguió por la grandiosidad de
medios requeridos, por las constantes referencias literarias, por el tratamiento de la forma a través de una
especie de «leitmotive», que bautizó como «idées fixes», y por un magistral dominio del color, que se
plasmaría en su importante «Gran tratado de instrumentación y orquestación modernas» (1844). Entre sus
obras, destacan la «Sinfonía fantástica» (1830), las sinfonías «Harold en Italia» (1834) y «Romeo y Julieta»
(1939), el «Réquiem» (1837), el «Te Deum» (1855), las óperas «Benvenuto Cellini» (1838) y «Los troyanos»
(en dos partes, 1855 y 1858), varias canciones y los oratorios «La condenación de Fausto» (1846) y «La
infancia de Cristo» (1854).
Bernaola, Carmelo
(Ochandiano, Vizcaya, 1929) Compositor español. Estudió en el Conservatorio de Madrid y durante algún
tiempo tocó el clarinete en la Banda Municipal de Madrid. El año 1959 fue decisivo en su carrera de
compositor: ganó el premio Roma y se instaló en la capital italiana, trabajando junto a C. Petrassi, hasta 1962.
En ese año fue galardonado con el Premio Nacional de Música, en el apartado de composición; volvería a
obtener el mismo galardón exactamente treinta años después, en 1992. En la década de los sesenta Bernaola se

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integró en la vanguardia músical madrileña y se convirtió en uno de los representantes más destacados de la
llamada Generación del 51, a la que también pertenecen Cristóbal Halffter y Luis de Pablo. Desde 1982 dirige
el Conservatorio de Vitoria. Autor prolífico e inspirado, cabe destacar en su extensa obra: «Piccolo concerto»
(1959), para violín y orquesta; «Constantes» (1960); «Sinfonietta progresiva» (1961); «3 superficies» (1961-
63), para conjunto instrumental y violonchelo, respectivamente; «Espacios variados» (1962); «Permutado»
(1963) y «Mixturas» (1964), ambas para conjunto de cámara; las composiciones para orquesta «Heterofonías»
(1965-67), «Relatividades» (1971) y «Variedades concertantes» (1986); «Música de cámara» (1967); «Oda
para Marisa» (1970); «Ayer soñé... que soñaba» (1975), para voces y conjunto instrumental; «Qué familia»
(1977), para quinteto de clarinetes; «Juegos» (1978); y las obras sinfónicas «Sinfonía en do» (1974),
«Vilanesca» (1978) y «Sinfonía n.º 2» (1980). Bernaola ha destacado además en otra faceta relacionada con su
actividad: la composición de música para el teatro y el cine. En este terreno ha compuesto, entre otras, las
bandas osnoras de las películas «Nueve cartas a Berta» (1965) y «Del amor y otras soledades» (1969), de B.
Martín Patino; «Tormento» (1974) de P. Olea, y Pasodoble, de la que fue distinguido en 1988 con un Premio
Goya. Sus obras han estado presentes en los festivales internacionales más prestigiosos de música
contemporánea, siempre con gran éxito de público y crítica.
Bizet, Georges
(París, 1838-Bougival, 1875) Compositor francés. Hijo de un profesor de canto, estudió en el Conservatorio de
París, donde cursó composición con Halévy. En 1857 ganó el Premio de Roma. Sus óperas no cosecharon
ningún éxito importante en vida del autor y la hoy famosa «Carmen» tuvo que esperar a su representación en
Viena (1875), seis meses después de la muerte del autor. Aparte de dos sinfonías, una suite, piezas para piano,
obras corales y canciones, compuso catorce óperas, entre las que sobresalen «Los pescadores de perlas» (1862-
1863), «La jolie fille de Perth» (1867) y «La arlesiana» (1872).
Boccherini, Luigi
(Lucca, 1743-Madrid, 1805) Compositor italiano. Violonchelista virtuoso, se estableció en Madrid en 1769
como músico de la corte. Desde 1787, y durante diez años, fue compositor de la corte de Federico Guillermo
de Prusia. Fue un autor prolijo: compuso 42 tríos, 97 cuartetos de cuerda, 137 quintetos, 33 sinfonías, 11
conciertos para violonchelo y una ópera. El minueto del «Quinteto op. 13 nº 5» y el «Quintettino Música
nocturna de las calles de Madrid op. 30 nº 6» gozan de popularidad imperecedera.
Böhm, Georg
(Siglo XVII) Compositor y organista alemán anterior a J.S. Bach, perteneciente a la escuela de órgano de la
Alemania del Norte
Böhm, Theobald
(Munich, 1794-id., 1881) Flautista y compositor alemán. Renovó el sistema de llaves de la flauta. Su sistema
fue adoptado de forma generalizada y se ha aplicado también al oboe, al clarinete y al fagot.
Borodín, Alexandr
(San Petersburgo, 1833-íd., 1887) Compositor ruso. A pesar de ser recordado como músico, dedicó la mayor
parte de su vida a la ciencia: realizó numerosas investigaciones y fundó una escuela de medicina para mujeres.
Su actividad músical, iniciada de forma autodidacta, se desarrolló en especial a partir de su amistad con
Balakirev y de su pertenencia al Grupo de los Cinco. De su corta obra, destacan canciones, música de cámara,
dos sinfonías (la segunda de 1877), piezas para piano y, sobre todo, el poema sinfónico «En las estepas del
Asia Central» (1880) y la ópera «El príncipe Igor» (1869-1887), terminada por Rimski-Kórsakov y por
Glazunov.
Boulez, Pierre
(Montbrison, 1925) Compositor y director de orquesta francés. Sus estudios de matemáticas e ingeniería están
sin duda en la base de su riguroso universo músical, construido sobre la base de técnicas seriales muy
complejas. Fue discípulo de Messiaen, Honegger y Leibowitz, y también se reconoce deudor de Debussy y de

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Webern. Reconocido como jefe de filas de la joven escuela serial de la posguerra, a partir de 1960 inició una
carrera paralela como director de orquesta: fundó los conciertos titulados Domaine músical, que él mismo
dirigió hasta 1967, y dirigió la Orquesta Sinfónica de la BBC (1971-1976) y la Filarmónica de Nueva York
(1971-1977). Desde 1976 es director del Instituto de Investigación y Coordinación Acústica-Música de París.
En los años ochenta volvió a dedicarse preferentemente a la composición y a la experimentación de nuevas
técnicas sonoras.
En su extensa obra de compositor destacan: «Le visage nuptial» (1947-1950); la «Segunda sonata», para
piano (1947-1948); «Le soleil des eaux» (1948); «Polifonías X» (1951); «Estructuras», para dos pianos
(1952); «Le marteau sans maître», para voz y seis instrumentos, sobre poemas de René Char (1955);
«Improvisations pour Mallarmé» (1958); el ciclo orquestal y vocal «Pli selon pli» (1960); «Figures»,
«Doubles», «Prismes» (1964), «Éclats» (1965); «Livre pour cordes» (1969), recreación del «Livre pour
quatuor» de 1949; «Domaines» (1969); «Éclats/Multiples» (1970), para orquesta, y «Explosante/Fixe»
(1972-73). De su producción en los años ochenta destacan: «Notations» (1980), cuatro piezas para orquesta;
«Dérive» (1984), para seis instrumentos, «Dialogue de l'ombre double» (1985), para clarinete y cinta
magnética. También ha escrito el libro «Pensar la música de hoy» (1964), en el que defiende la mutua
interpenetración de la imaginación y la inteligencia y rechaza el puro estructuralismo músical. En 1981
publicó «Points de repère» (Puntos de referencia), que recoge artículos y textos diversos sobre teoría músical
escritos desde 1945.
Brahms, Johannes
(Hamburgo, 1833-Viena, 1897) Pianista, director de orquesta y compositor alemán. Hijo de un humilde
contrabajista que lo inició en la música, recibió una formación completa de Marxsen, un músico local. Durante
un tiempo tuvo que ganarse la vida tocando el piano en los cafés y salas de baile de Hamburgo, hasta que, a los
veinte años, realizó varias giras como pianista acompañante del violinista Reményi y pudo conocer a J.
Joachim, a F. Liszt y al matrimonio Schumann, con el que mantuvo una fuerte amistad durante toda su vida.
En 1862 se estableció en Viena y desde 1875 vivió consagrado por entero a la composición. Su obra se ha
definido acertadamente como clásico-romántica, pues, a pesar de su respeto hacia las formas que dejaron los
compositores clásicos, como Haydn o Beethoven, está impregnada de un profundo sentimiento romántico. Su
estilo se distingue por su robusta armonía y por su espléndido sentido lírico de la melodía.
Son destacables las cuatro sinfonías (1876, 1877, 1883 y 1885); los dos conciertos para piano (1854-1858 y
1878-1881); el «Concierto para violín» (1878); el «Doble concierto» (1887) para violín, violonchelo y
orquesta; las veintiuna danzas húngaras (1873); varias piezas para piano, como la «Sonata nº 3 op. 5» (1853);
las cinco baladas (cuatro de 1854 y una de 1892); las «Variaciones y fuga sobre un tema de Händel» (1861);
los 18 intermezzos (1892) y las tres rapsodias (dos de 1879 y una de 1892); los tres cuartetos para piano
(1861); el quinteto para clarinete (1891); la «Canción del destino» (1868-1871) para coro y orquesta,
numerosos lieder y, sobre todo, «Un réquiem alemán» (1857-1868).
Bretón Hernández, Tomás

(Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor español. De origen muy humilde, pasó grandes privaciones antes
de poder estudiar en Madrid con Arrieta. Tras una beca que le llevó a Roma, regresó a Madrid y fue nombrado
director de la Orquesta del Teatro Real, cargo en el que alcanzó un merecido prestigio. En 1903 fue nombrado
director del Real Conservatorio de Madrid. Luchó en favor del nacionalismo musical y escribió una abundante
producción, en la que destacan la ópera «La Dolores» (1895) y la zarzuela «La verbena de la Paloma» (1884).
Britten, Benjamin
(Lowestoft, 1913-Aldeburgh, 1976) Compositor inglés. Comenzó a componer a los cinco años de edad y a los
diez había escrito seis cuartetos para cuerda, diez sonatas para piano y un oratorio. Fue alumno de F. Bridge, J.
Ireland y A. Benjamin. En los años treinta, se dio a conocer como autor de música para el cine. Desde 1945
emprendió la etapa más fecunda de su carrera, en la que compuso numerosas óperas y fundó el Grupo de
Ópera Inglés (1947), que impulsó la ópera de cámara en su país. Su obra, independiente y seguidora de las
tonalidades clásicas de manera muy personal, es de gran solidez. Destacan las óperas «Peter Grimes» (1945),
«Billy Budd» (1951) «El sueño de una noche de verano» (1960) y «Muerte en Venecia» (1973); los «Siete
sonetos de Miguel Ángel» (1940), para tenor y piano; «Las iluminaciones» (1939), para voz y orquesta de
cuerda, y el gran «Réquiem de guerra» (1962). No obstante, su obra más conocida es la música para una

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película educativa sobre los instrumentos de la orquesta, «Guía orquestal para jóvenes» («The Young Person's
Guide to the Orchestra»). Poco antes de su muerte se le otorgó el título de lord Britten of Aldeburgh por sus
servicios a la música.
Bruckner, Anton
(Ansfelden, 1824-Viena, 1896) Compositor y organista austríaco. Se formó en Linz y ocupó las plazas de
organista en San Florián (1851) y en la catedral de Linz (1855), donde alcanzó auténtica celebridad como
improvisador. En 1868 se trasladó a Viena para enseñar armonía y contrapunto en el Conservatorio de la
ciudad. Pasó tardíamente a la composición bajo la influencia wagneriana (asistió al estreno del «Tristán e
Isolda», en 1865). Compositor de once sinfonías (las dos primeras, sin número, son obras de juventud), de
entre las cuales las más célebres son la Tercera, de 1873 y dedicada a Wagner, la Cuarta, de 1881 y llamada
«Romántica», y las tres últimas. Su música, tan ampulosa y grandilocuente como inspirada, incluye además un
grandioso tedéum, cantatas para coro mixto y muchas obras para órgano.
Bruhns, Nicolaus
(Siglo XVII) Compositor, organista y gran violinista alemán, muerto en la flor de la edad, anterior a J.S. Bach,
perteneciente a la escuela de órgano de la Alemania del Norte
Bruna, Pablo
(Daroca, 1611-id., 1679) Organista y compositor español, llamado el Ciego de Daroca. Fue organista de la
colegiata de Daroca y gozó del favor de Felipe IV. Compuso obras para órgano, varias de las cuales se
conservan en El Escorial y en la Biblioteca de Cataluña de Barcelona, especialmente tientos y siete «Pange
Lingua».
Bull, John
(Somerset, c. 1562-Amberes, 1628) Compositor inglés. Formado en Oxford y en Cambridge y como niño
cantor de la capilla real de Isabel I, fue un destacado organista y virginalista. Compuso madrigales, motetes y
piezas diversas para viola, órgano y virginal. Su obra le sitúa como uno de los fundadores del repertorio para
tecla moderno; además, su dominio del contrapunto anticipa la eclosión barroca de esta técnica.
Buxtehude, Dietrich
(Oldesloe, 1637-Lübeck, 1707) Organista y compositor danés. Tras instalarse en Lübeck (1668), sus
interpretaciones de la música religiosa hicieron de esta ciudad un lugar de peregrinación de importantes
músicos, entre ellos J.S. Bach. Sus composiciones son de un gran valor intrínseco en la evolución de la
música. Escribió una amplia obra para órgano y clave, cantatas y trío-sonatas de estilo barroco.
Cabezón, Antonio de
(Castrillo de Matajudíos, 1510-Madrid, 1566) Músico español. Fue músico de cámara de Carlos I y de Felipe
II, a quienes acompañó en sus viajes; su obra, que incluye tientos y diferencias, muestra un avanzado estilo
instrumental e introduce en la historia de la música las variaciones.
Cabezón, Juan de
(?-Madrid, 1566) Músico español. Hermano del anterior, es autor de un «Glosado» a cinco voces sobre un
tema de canción castellana.
Cabezón, Hernando de
(Madrid, 1541-Valladolid, 1602) Músico español. Hijo de Antonio, sucedió a su padre en el cargo de organista
de la capilla real y publicó en 1578 la obra paterna en el volumen «Obras de música para tecla, arpa y
vihuela», en el incluyó algunas de sus glosas.

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Cabanilles, Juan Bautista

(Algemesí, 1644-Valencia, 1712) Compositor y organista español. Nombrado organista de la catedral de
Valencia en 1665, realizó numerosos viajes por Europa que le permitieron difundir la tradición instrumental de
los vihuelistas y organistas españoles fundirla en el repertorio francés e italiano. Su obra comprende tocatas,
pasacalles, sus célebres batallas, tientos, gallardas, versos, salmos y diferencias. Fue sin duda el más
importante organista español del s. XVII.
Cage, John
(Los Ángeles, 1912-Nueva York, 1992) Compositor estadounidense. Siguiendo las sucesivas residencias
familiares, estudió en escuelas de Ann Arbor, Detroit y Santa Mónica, donde recibió las primeras lecciones de
piano. En 1928 se graduó en la High School de Los Ángeles, y en 1930 se trasladó a París para seguir sus
estudios. En los años treinta, atraído por la música de Schönberg, trabajó con algunos de sus discípulos en
Estados Unidos (Henry Cowell, Adolf Weiss, el pianista Richard Bühlig), y se orientó hacia el método serial
en composiciones como «Seis invenciones breves», «Sonata para dos voces» y «Sonata para clarinete»
(1933).
Se apartó de Schönberg al tratar de superar la construcción armónica. Inventó nuevos instrumentos, como el
piano preparado (cuyas cuerdas son amortiguadas por gomas o sustituidas por maderas o hierros para obtener
el efecto deseado), y compuso la primera pieza de música electrónica que se haya escrito: «Imaginary
Landscape, N. 1» (1939). En «Living Room Music» (1940) empleó como instrumentos los objetos de un
cuarto de estar: muebles, libros, ventanas, etc. Hacia 1948 se interesó por el pensamiento oriental; fue
discípulo de Suzuki y lector de Chuangzu, y explicó sus propias conclusiones en un libro: «Silencio» (1961).
Su inspiración libertaria, su inquietud constante hacia nuevas experiencias se mantuvieron con el mismo vigor
en los decenios siguientes. En 1952 presentó en el Black Mountain College el primer happening de la historia,
con la participación del pianista David Tudor y el bailarín Merce Cunningham.
En 1954 formó una comuna agrícola con un grupo de amigos y se convirtió en un experto en micología. En
1958 participó como profesor de composición en los cursos de Darmstadt, que reunían a toda la vanguardia
serial. Con más de setenta años, presentó en la Documenta de Kassel de 1987 el montaje «Escritos a partir del
ensayo Sobre el derecho a la desobediencia civil», el texto fundamental de H.D. Thoreau, por quien sentía
una rendida admiración.
«Cancionero de la Colombina»
Consta de noventa y cinco composiciones, varias de ellas anónimas, y en él aparece una ensalada de Triana,
autor que presenta tres melodías tradicionales más en la colección.
«Cancionero de Medinaceli»
Este es, junto al de palacio, el más importante de la época; presenta un centenar de composiciones profanas,
veinte villancicos, bastante próximos a la estética del madrigal, una ensalada, cincuenta madrigales y varias
canciones.
«Cancionero músical de palacio»

Colección de cuatrocientas cincuenta y ocho piezas polifónicas de carácter amoroso, histórico, caballeresco o
bucólico; algunos de los más importantes compositores de la época se encuentran representados en las páginas
de esta valiosa recopilación: Juan del Encina, Pedro Escobar, Francisco Millán, Francisco Peñalosa o Juan
Ponce.
«Cancionero músical del siglo XVII»

Es una recopilación que estableció un copista de la Capilla Real de Madrid, Claudio de la Sablonara, y
contiene composiciones, a veces polifónicas, de Juan Blas de Castro, Gabriel Díaz Besson, Miguel Arizu,
Manuel Machado y Alvaro de los Ríos entre otros autores.

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«Cancionero de Segovia»
En él, aparecen, en castellano, obras de compositores neerlandeses, como Agricola, Josquin des Prés o Brumel.
El «Cancionero músical de Barcelona» contiene ciento veintidós canciones, compuestas, entre otros, por
Pastrana, Mondéjar, Peñalosa, Mateo Flecha y Juan del Encina.
«Cancionero de Upsala»
En este cancionero se registran cuatro canciones con texto catalán.
Carulli, Ferdinando
(Nápoles, 1770-París, 1841). Compositor y guitarrista italiano. Autor de gran número de conciertos, sonatas,
nocturnos, etc. para guitarra, guitarra y piano y guitarra, flauta y violín, entre los que destacan la sonata «Los
tres días», descripción músical de la Revolución de Julio. Escribió también el tratado «La armonía» aplicada a
la guitarra (1825) y un «Método de guitarra» editado varias veces.
Cassadó, Gaspar
(Barcelona, 1897-Madrid, 1966) Violonchelista y compositor español. Fue alumno de P. Casals. Es autor de
oratorios, de un concierto, de obras de música de cámara y de transcripciones para violonchelo, instrumento
del que actualizó la técnica.
Castro, Francisco de
Compositor e intérprete de tecla español. Entre sus obras destaca su Sonata para dos claves y continuo
Cererols, Juan
(Martorell, 1618-monasterio de Montserrat, 1680) Compositor y monje español. Considerado el mejor
representante de la escuela de Montserrat, su música religiosa constituye un buen ejemplo del Barroco con
reminiscencias renacentistas. Autor de gran número de misas, vísperas, completas, antífonas, motetes, etc., en
latín, y también otras obras vocales, en castellano, algunas de las cuales se han perdido.
Chambonnières, Jacques Champion de

(Chambonnières, c. 1601-París o Chambonnières, 1672) Músico francés. De familia de músicos y maestro de
Couperin, fue clavecinista de Luis XIV y organista de la capilla real. Escribió numerosas piezas para clave de
un refinado estilo barroco, graciosas y con títulos evocadores (dos libros, 1670). Se le considera el fundador de
la música clave en Francia.
Charpentier, Marc-Antoine
(París, c. 1634-íd., 1704) Compositor francés. Fue alumno de Carissimi y colaborador de Molière. Escribió
numerosas óperas («Medea», 1693), misas y oratorios, así como cuatro «Te Deum». La riqueza y calidad de su
producción religiosa le sitúan en el primer lugar entre los compositores franceses de música sacra.
Chapí Lorente, Ruperto

(Villena, 1851-Madrid, 1909) Compositor español. Formado en Madrid, con E. Arrieta, y en Roma, compuso
piezas sinfónicas («Sinfonía en re menor», 1879) y de cámara, óperas («Las naves de Cortés», 1874; «Roger
de Flor», 1878; «Circe», 1902; «Margarita la tornera», 1909) y zarzuelas («La revoltosa», 1897; «El rey que
rabió», 1891; «La tempestad», 1882). Autor asimismo de una «Monografía de las obras de autores españoles
que existen en la Capilla Sixtina».
Chávez, Carlos

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(México, 1899-íd., 1978) Compositor y director de orquesta mexicano. Fundador de la Orquesta Sinfónica de
México, rompió con el romanticismo y combinó la música indigenista («Sinfonía india», 1935-1936) con la
culta y erudita, evocadora de civilizaciones precolombinas (ballet «El fuego nuevo», 1921). Su música supo
reflejar, también, sus preocupaciones sociales («Sinfonía proletaria», 1934; «Obertura republicana», 1935).
Destacan además sus composiciones abstractas («Antígona», 1933; «Unidad», 1930) y para piano. Es autor del
libro «Hacia una nueva música» (1937).
Cherubini, Luigi Carlo

(Florencia, 1760-París, 1842) Compositor italiano. Afincado en París desde 1788, fue director del
conservatorio de esta ciudad y un erudito del contrapunto, sobre el que escribió obras teóricas. Compuso
óperas («Medea», 1797) y piezas religiosas (dos «Réquiem», 1816 y 1836) que merecieron los elogios de
Beethoven, Haydn y Mendelssohn.
Chopin, Frédéric
(Varsovia, 1810-París, 1849) Músico polaco. Hijo del matrimonio de un preceptor galo y una polonesa,
Chopin creció en un ambiente de cultura francesa entre los salones cortesanos de su país natal. Recibió una
educación tradicional y especial atención a su formación músical con el fin de desarrollar sus precoces
facultades y su sensibilidad. A los siete años compuso una polonesa en sol menor, su primera obra,
convirtiéndose en niño prodigio y en la estrella pianística de Polonia. Finalizados sus estudios, y después de
grandes éxitos obtenidos con la interpretación de sus obras pero sin haber conseguido que ningún editor las
publicara, abandonó Varsovia a los veinte años y se instaló en París. Esta ciudad le abrió las puertas de sus
auditorios, reconoció su genialidad y publicó sus piezas. A pesar de su éxito, no consiguió la felicidad en el
amor: después de tormentosos y frustrados enamoramientos, en 1837 conoció a la baronesa Aurore Dupin
Dudevant, mujer de fuerte carácter y escritora que firmaba con el seudónimo de George Sand; con la que
compartió atípicamente su vida durante diez años.
La obra músical de este autor, enmarcado en la corriente del romanticismo nacionalista por sus piezas
inspiradas en composiciones populares de su país y considerado el mejor compositor pianístico del s. XIX, se
caracteriza por la falta de concesiones al público de su época, ávido de efectismos y excentricidades, así como
por la fidelidad a sí mismo y a su inventiva, creando innovaciones, especialmente en aspectos armónicos, que
por su calidad marcaron a compositores posteriores, desde Brahms o Wagner hasta Debussy o Schönberg, y a
su vez enlazando con la tradición de Bach y Mozart. Esta actitud la compartió con Schumann, con quien
compartía admiración mutua.
Son piezas características de este autor: «Impromptus», «Berceuse», «Variaciones», «Allegro de concierto»,
«Rondós», «Estudios», «Fantasía en fa menor», «Sonata para piano y cello», «Trío para violín y cello» y
algunas melodías, baladas, mazurcas, valses y polonesas.
Chueca, Federico
(Madrid, 1846-id., 1908) Compositor español. A pesar de que, por sus escasos conocimientos técnicos, requirió
la colaboración de F. Barbieri, T. Bretón y, sobre todo, J. Valverde, su inspiración le dio gran popularidad como
autor de zarzuelas («La Gran Vía», 1886; «Agua, azucarillos y aguardiente», 1897; «La alegría de la huerta»,
1900).
Fernández Caballero, Manuel

(Murcia, 1835-Madrid, 1906) Compositor español. Fue alumno de H. Eslava y escribió más de doscientas
zarzuelas («El dúo de La africana», 1893; «Gigantes y cabezudos», 1898).
Cimarosa, Domenico
(Aversa, 1749-Venecia, 1801) Compositor italiano. Formado con Sacchini y con Piccinni, compuso, en estilo
clásico, música religiosa e instrumental y un buén número de óperas bufas («El matrimonio secreto», 1792).

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Correa de Arauxo, Francisco

(Sevilla, c. 1575-id., 1663) Organista y compositor español. De su obra, muy elaborada e influenciada por J.
des Prés, sólo se conserva el «Libro de tientos y discursos de música práctica y teórica de órgano» (1626).
Corelli, Arcangelo
(Fusignano, 1653-Roma, 1713) Músico italiano. Inició sus estudios músicales en Faenza, para continuarlos
después en Bolonia, donde estudió bajo la dirección de Giovanni Benvenuti, Ercole Gaibara y Leonardo
Brugnoli. En esta ciudad obtuvo tal dominio del violín que en 1670 ingresó en la Academia Filarmónica,
tocando después en Roma en la iglesia de San Luis de los Franceses (1675). Con Mateo Simonelli y Gregorio
Allegri perfeccionó sus estudios músicales; en pocos años fue conocido como un virtuoso y logró consolidar
su fama de director. En 1681, y dedicadas a la reina Cristina de Suecia, publicó doce «Sonate da chiesa a tre,
op. 1». Los años siguientes fueron para Corelli los del triunfo al ser acogido en el palazzo de Pietro Ottoboni,
sobrino del papa Alejandro VIII. La orquesta que por entonces dirigía estaba compuesta de 150 músicos
profesores titulares, lo que era causa de general admiración.
En 1685 la publicación en Módena de las doce «Sonate da camera a tre, op. 2», fue motivo de disputas con los
compositores boloñeses Matteo Zanni y Giovanni Colonna. Sin embargo, algunos años después, la
publicación en Módena de su tercera obra, doce «Sonate a tre» (1689), le consagró definitivamente: su estricta
unidad de concepción, así como la sólida amplitud de su estructura revelan un compositor con plenos poderes
sobre su arte. Esta tendencia se acentúa todavía más en las doce «Sonate de camera a tre, op. 4», obra de
1694, y estalla en la que será su obra maestra: doce «Sonate, op. 5», para violín y clavicémbalo; publicada en
1700 y dedicada a la princesa Sofía Carlota de Brandeburgo, esta obra constituye una de las cimas en la
historia de la música por la fantasía y libertad con que actúa el violín.
Un encuentro con Händel (1708-1709), marcó el punto culminante de su carrera y el principio de su fin.
Eclipsado por la aparición de músicos menores, Corelli se retiró, amargado y deprimido, a la vida privada. En
esta situación escribió en 1712 doce «Concerti grossi, op. 6», obra que ya no pudo ver impresa.
Couperin, Louis
(Chaumes-en-Brie, 1626-París, 1661) Músico francés. Fue alumno de Chambonnières y destacó como virtuoso
del violín, la viola y el órgano; escribió notables composiciones para clave.
Couperin, François
(Chaumes-en-Brie, c. 1630-París, 1701) Músico francés. Hermano del anterior, destacó como organista y como
profesor de clave.
Couperin, François, “El Grande”

(París, 1668-íd., 1733) Llamado Couperin el Grande. Músico francés. Sobrino del anterior, fue organista de
Saint-Gervais y profesor de clave y de composición de los príncipes de la casa real. Su obra, cumbre del
Barroco francés, abarca piezas para órgano, de cámara, religiosas y, sobre todo, para clave, entre las cuales
destacan las suites, que introdujeron la música programática e influyeron en los músicos de su tiempo.
También escribió un «Arte de tocar el clavecín» (1716). Sus aportaciones al arte instrumental incluyen los
cuatro «Conciertos reales»; los diez conciertos de los «Gustos reunidos» (1714-1715), las siete sonatas a tres
publicadas bajo el título de «Las Naciones» en 1726, etc.
Cui, César
(Vilna, 1835-Petrogrado, 1918) Compositor ruso. General del ejército y experto en fortificaciones militares, se
unió al Grupo de los Cinco, pero, aunque compartió los ideales de una escuela nacional de música rusa, los
aplicó poco en su propia obra, que incluye óperas («El prisionero del Cáucaso», 1858; «La canción del
Mandarín», 1859; «Angelo», 1875; etc.), canciones, piezas para piano y música de cámara (tres cuartetos,
1890-1913, 5 pequeños duetos para violín y flauta con acompañamiento de piano, 1897).

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Daquin, Louis-Claude
(París, 1694-id., 1772) Compositor, clavecinista y organista francés que a los 6 años tocó ante Luis XIV.
Escribió piezas para sus instrumentos y música religiosa. Su más conocida obra para clave es el «Cucú», de su
primer libro de piezas para clave.
Daza, Esteban o Daça, Esteban

(s. XVI) Músico español. Dejó un libro de cifra para vihuela, «El Parnaso» (1576), última colección española
para este instrumento.
Debussy, Claude Achille

(Saint Germain-en-Laye, 1862-París, 1918). Compositor francés, uno de los más grandes maestros de la
historia de la música. Pasó una dura infancia, sacudido por situaciones extremas de carácter material y
emocional, pero inesperadamente fue puesto bajo la tutela de una millonaria rusa. Estudió con Guiraud en el
Conservatorio de París, donde ganó el Grand Prix de Rome con su cantata «El hijo pródigo» (1884). Pasó dos
años en la Villa Médicis, en Roma, y al volver a París pasó una época de extrema pobreza. En 1889, con
motivo de la exposición, conoció las obras de los compositores rusos Alexandr Borodín y Modest Músorgski,
que le entusiasmaron. Son de esta época sus primeras melodías, las «Arietas de Verlaine», los «Poemas de
Baudelaire», las «Prosas líricas» (1892-1893), el «Cuarteto de cuerda» (1893) y un primer esbozo de
«Nocturnos», al que dio forma definitiva en 1899.
Entregado a la búsqueda de una nueva estética músical, se ganó la aclamación de la sociedad parisiense con
obras como «Preludio a la siesta de un fauno» (1894) y «Canciones de Bilitis» (1900). Además de trasladar al
campo de la música las técnicas de la poesía simbolista y de la pintura impresionista de su generación, rompió
con los principios tradicionales de análisis y construcción y con los estereotipados procedimientos armónicos
del s. XIX, abriendo el camino a formas más libres de expresión.
Del resto de sus obras cabe destacar las óperas «Rodrigo y Jimena» (1892) y «Peleas y Melisande» (1902); las
cantatas «Diana en el bosque» (1886) y «La señorita escogida» (1888); las composiciones orquestales
«Primavera» (1887), «Fantasía para piano y orquesta» (1890) y «El mar» (1905); los ballets «Khamma»
(1912), «La caja de juguetes» (1913) y «Juegos» (1913), y los «Preludios» (1909-1913) y los «Estudios»
(1915) para piano. Orquestó dos «Gimnopedias» de Erik Satie y colaboró como crítico músical en diversas
publicaciones especializadas. Sus crónicas se recogen en un libro titulado «El señor Corchea, antidiletante»
(1921).
Donizetti, Gaetano
(Bérgamo, 1797-íd., 1848) Compositor italiano. Su padre, que era tejedor, deseaba que cursara la carrera de
magisterio, pero la temprana afición músical de Gaetano le encaminó a la composición de óperas. Para eludir
las presiones paternas, ingresó en el ejército. Durante su permanencia en filas mostró una sorprendente
fertilidad, pues se dice que llegó a componer sesenta óperas. El éxito de sus primeros estrenos le valió la
licencia del servicio, y como premio por «Lucía de Lammermoor» se le nombró profesor de contrapunto en el
Real Conservatorio de Nápoles. Más tarde llegó a director del teatro Real de esta ciudad. En 1838, como
consecuencia de un enfrentamiento con la rigurosa censura de la época, se trasladó a París.
Aparte las composiciones de la primera época que no se publicaron, dio a conocer setenta óperas (llegó a
componer cuatro en un año) y quinientas piezas más de diversos géneros. Sus dotes para la invención
melódica y su innato virtuosismo le empujaron a veces a lo fácil y a la falta de rigor, pero el resultado
siempre fue amable, creando algunos de los fragmentos más bellos de toda la ópera italiana.
De su producción destacan «Elixir de amor» (1832), «Lucrecia Borgia» (1833) y «Lucía de Lammermoor»
(1835), considerada su obra maestra. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Walter Scott. En el
segundo acto se incluye el famoso sexteto «Quién es capaz de contener la ira», considerado uno de los
fragmentos magistrales de toda la operística italiana. Siguieron «La hija del regimiento» (1840) y «La
favorita» (1840), un tratamiento romántico del drama neoclásico «Raquel», de García de la Huerta, que narra
los trágicos amores de Alfonso VIII de Castilla con una judía toledana. Otros títulos notables son «Don
Pasquale», «Roberto Devereux» y «María de Rohan».

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Dukas, Paul
(París, 1865-íd., 1935) Compositor francés. Fue amigo y consejero de I. Albéniz y editó obras de Scarlatti,
Rameau y Couperin. Aunque destruyó muchas de sus composiciones, se han conservado algunos buenos
ejemplos de su arte, influido por el estilo impresionista (el «scherzo» sinfónico «El aprendiz de brujo», 1897;
el ballet «La Péri», 1912; la ópera «Ariana y Barba Azul», 1907).
Duport, Jean-Pierre
(París, 1741-Berlín, 1818) Llamado «el Viejo» Fue un virtuoso del violonchelo y compuso obras para este
instrumento.
Duport, Jean-Louis
(París, 1749-id., 1819) Llamado «el Joven». Hermano del anterior, destacó también como violonchelista.
Compuso muchas obras para su instrumento y escribió un «Ensayo sobre la digitación del violonchelo y sobre
el paso del arco».
Durey, Louis
(París, 1888- Saint-Tropez, 1979) Compositor francés que abandonó el Grupo de los Seis en 1921.
Dvorák, Antonin
(Nelahozeves, Bohemia, 1841-Praga, 1904) Compositor checo. Aprendió a tocar el violín a muy temprana
edad y en 1857 ingresó en una escuela de organistas de Praga. En 1873 estrenó «Los herederos de la Montaña
Blanca», himno patriótico con el que alcanzó gran notoriedad. El mismo año contrajo matrimonio con Anna
Cermáková. A través de un premio concedido por el gobierno austríaco, en 1875 conoció a J. Brahms, con el
que trabó una profunda amistad; éste le incitó a dedicarse exclusivamente a la composición y le presentó al
influyente editor Fritz Simrock.
Con los «Dúos moravos» (1876) y las «Danzas eslavas» (1878), la fama de Dvorák se extendió más allá de las
fronteras de su país. En 1884 realizó la primera de diez visitas a Inglaterra, donde sus obras, especialmente las
corales «Stabat Mater» (1877) y «Te Deum» (1892), alcanzaron un gran éxito. Invitado por su amigo
Chaikovski, en 1890 dio dos conciertos en Moscú. Siendo profesor del Conservatorio de Praga, en 1892 se
trasladó a Estados Unidos al ser nombrado director del recién inaugurado Conservatorio de Nueva York.
Compositor multifacético y fecundo, escribió diez óperas; conciertos para piano (1876), violín y violonchelo
(1895); música sacra y de cámara; oberturas, poemas sinfónicos y nueve sinfonías (1875-95), entre las cuales
destaca la «Novena sinfonía en mi menor, del Nuevo Mundo», basada en la música espiritual negra y otras
influencias recibidas en Estados Unidos, que alcanzó una enorme difusión. Dvorák es, al lado de Smetana, la
principal figura de la música checa.
Egk Werner
(1901-1983) Egk fue esencialmente un hombre de teatro. Comenzó a escribir música incidental cuando aún era
alumno de Orff en Munich y se consolidó con las óperas Die Zaubergeige (1935) y Peer Gynt (1938). Más
tarde, se quedó en Alemania durante la guerra, aunque su única obra importante de este periodo fue el ballet
Joan von Zarissa (1940), seguido después de la guerra por más ballets (Abraxas, 1948; Die chinesische
Nachtiga//, 1953) y óperas (Der Revisor, 1957), siempre escritos sobre sus propios argumentos o libretos.
La Tentation de Saint Antoine, una obra de concierto para contralto y cuarteto de cuerda escrita en 1945 (y
adaptada para contralto, cuarteto y orquesta de cuerda en 1952), se mantiene por tanto bastante al margen de su
producción principal por su género, aunque no por su tono irónico. Según su portada, la pieza está «basada en
melodías y versos del siglo XVIII», de tal modo que los demonios que acosan al santo llevan curiosamente
simpáticas máscaras propias de la pastoral del ancien régime, y el tumulto apocalíptico que menciona la
primera canción queda traducido musicalmente por medio de una cantata.
Elgar, Edward
(Worcester, 1857-í., 1934) Compositor británico. Valorado tanto por su música como por el papel precursor
que representaba, fue el primer compositor británico de fama internacional desde Henry Purcell (1659-1995),

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que liberó la música inglesa de la insularidad que padecía estimulando su renacimiento con melodías de
impresionante colorido y aguda sensibilidad.
Su formación músical autodidacta no representó ningún obstáculo para que fuera, de 1905 a 1908, el primer
profesor de música de la Universidad de Birmingham. Sir Edward Elgar (el título de sir le fue concedido en
1904), hijo de un organista, dejó la escuela a los quince años. Después de trabajar un corto espacio de tiempo
en el despacho de un abogado, unas pocas clases de violín bastaron para convertirlo en un excelente violinista
que hasta 1891 se ganó la vida ocupando diversas plazas en orquestas y como organista en una iglesia. A
partir de aquella fecha, su reputación como compositor empezó a crecer hasta que la muerte vino a poner fin a
la sinfonía, la ópera y el concierto para piano en los que estaba trabajando.
Su obra, un magnífico reflejo de la próspera y opulenta época que le tocó vivir, se compone principalmente de
piezas de salón y obras corales, entre las que destacan el oratorio «The light of life» («La luz de la vida»,
1896) y las cantatas «King Olaf» (1896) y «Caractacus» (1898). Las variaciones «Enigma» (1899) para
orquesta y el ciclo de cinco canciones para contralto y orquesta «Sea Pictures» (1900) iniciaron su mejor
momento, que continuó con los oratorios «The dream of Gerontius» (1900), un poema del cardenal Newman
al que Elgar puso música, «The Apostles» (1903) y «The Kingdom» («El reino», 1903), piezas, las dos
últimas, de una proyectada trilogía de oratorios religiosos que no llegó a finalizar, y llegó a su punto
culminante con el poema sinfónico «Falstaff» (1913). Pero fueron las cinco marchas de «Pomp and
Circumstance» (1901-1930) las que lo convirtieron en el músico nacional de Inglaterra.
Elías, José
(?-Madrid, c. 1749) Compositor y organista español. Fue uno de los mejores discípulos de J. Cabanilles. Es
autor de numerosas piezas para órgano (pasacalles, preludios, fugas, etc.). Está considerado como el último
maestro de la escuela clásica de música para órgano.
Esplá, Óscar
(Alicante, 1889-íd. 1976) Compositor español. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal, y más tarde
estudió filosofía y letras e ingeniería industrial. Con una vocación músical innata, se dedicó desde joven a la
música, primero como autodidacta y más tarde ampliando sus estudios en Italia, Francia, Bélgica y
especialmente en Alemania, donde estudió composición con Saint-Saëns y Max Reger. En 1911 ganó el primer
premio de composición del Concurso Internacional de viena con la «Suite Llevantina», obra para orquesta,
cuyo título pone de manifiesta la vinculación de la obra de Esplá con la música popular de Alicante, en la que
se basó para crear una original escala, verdadera médula de sus composiciones de escritura personalísima.
Durante esos años compuso las obras más importantes y representativas de su producción, como la «Sonata
para violín y piano» (1913), un «Cuarteto para cuerdas» (1920), el preludio sinfónico «Don Quijote velando
las armas» (1924), la cantata escénica «La nochebuena del diablo» (1926), con versión escénica en 1967, el
ballet «El contrabandista» (1928), y dos suites sobre temas populares para orquesta de cuerda (1931, 1933). En
1924 restauró la parte músical del s. XIII. Entre 1931 y 1936 presidió la Junta Nacional de Música y fue
catedrático en el Conservatorio de Madrid, institución que también dirigió.
Al finalizar la guerra civil española se trasladó a Bruselas, donde residió hasta 1951. Durante los años de
residencia en Bélgica dirigió el Laboratorio Músical Científico de Bruselas, y compuso la «Sonata del sur»
(1943) para piano y orquesta, la «Sonate espagnole» (1949) y una «Sinfonía para coro y orquesta». A
instancias de la Unesco, en 1948, fue a París para redactar una ponencia científica que estableciera,
definitivamente, la adopción de un diapasón universal. Tras regresar a España, instalándose en su Alicante
natal, compuso el «Segundo concierto para cuerda» (1956). Esplá fue autor también de canciones y libros de
estética músical.
Falla, Manuel de
(Cádiz, 1876-Córdoba, República Argentina, 1946) Compositor y pianista español. Recibió las primeras
enseñanzas músicales de su madre, y posteriormente estudió en el Conservatorio de Madrid piano con José
Tragó y composición con Felipe Pedrell. En 1904 recibió un premio de la Academia de Bellas Artes y otro en
1905 (piano, Cusó Sfha). Desde 1907 hasta 1914 estuvo en París, donde se relacionó con Fauré y los músicos
vanguardistas (I. Albéniz, C. Debussy, M. Ravel, I. Stravinski), firmó un contrato con la Editorial Max Eschig,
y por primera vez se presentó con su lenguaje, muy emparentado con las obras escritas por Bartók; en 1939 se
marchó a Argentina, donde se instaló en Altagracia (Córdoba).

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La obra de Falla, influida por el impresionismo francés y adscrita al nacionalismo músical español, síntesis
entre melodía popular y técnica artística moderna, fue de excelente realización aunque de escaso volumen; su
contribución a la música no logra todo su significado sino contemplándola desde la circunstancia española que
la creó. Su producción músical se originó con algunas canciones («Tus ojillos negros»), piezas para piano
(«Vals capricho») y zarzuelas («Los amores de la Inés»). Pero fue sin duda La vida breve (1905), que le valió
un premio de la Real Academia de Bellas Artes, la primera más representativa; «El amor brujo» (1916,
ballet), «Noches en los jardines de España» (1916, para piano y orquesta), «El sombrero de tres picos»
(estrenada en 1917 con el título de «El corregidor y la molinera», fue pronto convertida en ballet), «Fantasía
bética» (1919, para piano, donde se percibe una crisis en el lenguaje de Falla), «El retablo de maese Pedro»
(1922), «Psiché» (breve pieza para canto y piano en la que se aprecia una clara muestra de indecisión músical,
1924), «Concierto para clave y cinco instrumentos» (1923-1926), «Soneto a Córdoba» (homenaje a Góngora
en el tercer centenario de su muerte, 1927), «Homenaje a Paul Dukas» (para piano, 1935), y en 1939 empezó
«La Atlántida», obra que no concluyó a causa de su muerte.
Farina, Carlo
(Mantua, c. 1600-?, 1640) Compositor y violinista italiano. Fue uno de los primeros autores que escribió
piezas de virtuosismo para violín (1626-1628), como los cinco libros de pavanas y gallardas, y «Sonate e
canzone», una serie de danzas, a las que añadió arias, así como un «Capricho extravagante».
Farnaby, Giles
(Turo, c. 1560-Londres, 1640) Compositor inglés. Su producción comprende unas cincuenta piezas para
instrumento de teclado, entre las que destacan sus canzonette a cuatro voces y sus variaciones.
Fauré, Gabriel
(Pamiers, 1845-París, 1924) Compositor francés. Alumno de Saint- Saëns y reputado organista, se relacionó
con relevantes personalidades de su tiempo, como Flaubert o Turguéniev. Escribió una extensa obra, que
constituye uno de los puntos extremos del sistema tonal y que habría de influir, al igual que sus enseñanzas, en
músicos como Ravel, Boulanger, Enesco, etc. Su música, refinada y elegante, incluye numerosas canciones
(«El horizonte quimérico», 1922), piezas para conjuntos de cámara (cuartetos con piano, sonatas para piano y
violín, quintetos con piano) y para piano (valses-capricho, impromptus, nocturnos), música escénica («Peleas y
Melisanda», 1889) y tragedias líricas («Penélope», 1913).
Fioravanti, Valentino
(Roma, 1764-Capua, 1837) Compositor italiano. Escribió música religiosa y unas 70 óperas bufas, vinculadas
por su estilo al último período de la escuela napolitana.
Fischer, Johann Kaspar Ferdinand

(?, c. 1665-Rastatt, 1746) Compositor alemán. Virtuoso del clave, su música para este instrumento influyó de
forma decisiva en J.S. Bach. Destacan sus suites y su «Música de Ariadna, nuevo libro de órgano con veinte
preludios, fugas y cinco ricercare» (1702).
Forqueray, Antoine
(París, 1672-Nantes, 1745). Compositor y violinista de gamba. Luis XIV lo tomó en calidad de paje y a los
diecisiete años era ya músico ordinario de cámara. Fue el violinista oficial del rey, cargo que ocupó hasta su
muerte. Autor de más de 300 piezas para su instrumento.
Forqueray, Jean-Baptiste-Antoine
(París, 1699-id. 1782) Hijo de Antoine Forqueray fue, como su padre, músico ordinario de la corte. Es autor de
unas «Piezas para viola compuestas por el Señor Forqueray hijo» y dedicadas a la delfina de Francia.
Franck, César-Auguste

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(Lieja, 1822-París, 1890) Compositor y organista belga. Formado en París e iniciado como virtuoso del
órgano, fue maestro de D'Indy y de Chausson. Su obra, romántica y con visos místicos, ha sido enfrentada a la
renovadora y sutil de Debussy. Son notables la «Sinfonía en re menor» (1886-1888), los poemas sinfónicos
«Las Eólides» (1876), «El cazador maldito» (1882) y «Los Djinns» (1884), el oratorio «Las bienaventuranzas»
(1869- 1879), las «Variaciones sinfónicas» para piano y orquesta (1885), la «Sonata» para violín y piano
(1886), el cuarteto de cuerda (1886-1888) y el «Quinteto con piano» (1879). De su obra para órgano, destacan
«Seis piezas» (1860-1862) y «El organista» (1889).
Frescobaldi, Girolamo
(Ferrara, 1583-Roma, 1643) Compositor y organista italiano. Virtuoso del órgano y organista en Amberes y en
el Vaticano, su obra para este instrumento influyó en la música alemana (Buxtehude y J.S. Bach) a través de su
alumno J.J. Froberger. Sus invenciones, toccatas, caprichos y fugas, son casi improvisaciones escritas que
evolucionan sin ninguna formulación aparente, producto de llenar los silencios en la liturgia. Después de un
pasaje lírico, puede arrancar en una cascada de notas que abruptamente se interrumpe en un trino del que sale
en una tonalidad alejada y con otra motricidad. Cada célula inicial (inventio) se estructura (dispositio), toma
distintas presentaciones (elaboratio) y se ornamenta (decoratio). Las obras de Frescobaldi, «Caprici fatti sopra
diversi soggeti ed arie in partitura» (1624), «Fiori músicali» (1635), etc., exhalan un sabor arcaico, derivadas
de los modos eclesiásticos. También escribió madrigales y canciones.
Froberger, Johann Jakob

(Stuttgart, 1616-Héricourt, 1667) Organista y compositor alemán. Fue alumno de Frescobaldi, de quien
transmitió la técnica a la música alemana. Escribió únicamente obras para instrumentos de teclado (14
ricercares, 30 suites en 4 tomos, 25 toccatas, 18 caprichos, etc.).
Fuenllana, Miguel de
(Navalcarnero, ?-id., 1579) Vihuelista y compositor español del Renacimiento. Ciego de nacimiento, estuvo al
servicio de Isabel de Valois y escribió fantasías para vihuela y para guitarra. En 1554 publicó su «Orphenica
Lyra», donde conviven obras originales con transcripciones de polifonía vocal.
Gaviniès, Pierre
(Burdeos, 1728-París, 1800) Violinista y compositor francés. Está considerado como el fundador de la escuela
violinística francesa. Escribió sonatas para uno y dos violines y estudios técnicos para este instrumento, de
gran dificultad.
Gaztambide, Joaquín
(Tudela, 1822-Madrid, 1870). Compositor y director de orquesta español. Formado en el Conservatorio de
Madrid, llegó a ejercer como director de los conciertos del mismo, cofundador de la Sociedad de Conciertos y
profesor honorario del Conservatorio en la corte. Escribió numerosas zarzuelas de gran éxito, como «La
vieja», «El valle de Andorra», «Los Comuneros», «El juramento», «Los Magyares», etc.
Gershwin, George
(Brooklyn, 1898-Hollywood, 1937) Compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Hijo de
Morris y Rosa Gershovitz, inmigrantes judíos procedentes de San Petersburgo, americanizó su apellido.
Recibió una formación músical tradicional por parte de Charles Hambitzer, quien le enseñó rudimentos de
interpretación, teoría músical, armonía y orquestación.
En 1914 encontró su primer trabajo como pianista en la casa discográfica de Tin Pan Alley. Dos años después
firmó su primera canción y debutó en Broadway. Contratado por la firma Harms como compositor de
canciones, comenzó a tocar en el teatro City Fox. Allí conoció al empresario Alex Arons, quien financió la
puesta en escena de «La Lucille», su primera comedia músical. Su consagración definitiva la obtuvo en 1924,
en un festival de música moderna que incluía obras de Elgar y Schönberg. Allí estrenó la parte solista de su
«Rapsodia en blue», encargada por Paul Whiteman. En 1925 estrenó simultáneamente tres revistas en tres
teatros distintos de Broadway. «Oh, Kay!» representó, en 1926, un éxito rotundo. Ese mismo año compuso y

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estrenó sus «Preludios», en los que se entremezclan elementos tomados del jazz, en especial de los
tradicionales blues, de la música popular judía y del repertorio culto romántico de origen europeo.
En 1928 viajó a Europa, donde trató de convencer inútilmente a Ravel, Milhaud y Prokofiev de que le diesen
lecciones de música. A su regreso compuso «Un americano en París», obra que estrenó con la Orquesta
Filarmónica de Nueva York. Tras un viaje realizado a Cuba en 1931 compuso su «Obertura cubana», estrenada
ante un auditorio de veinte mil personas. Durante 1934 trabajó intensamente, junto con su hermano Ira, en el
guión de su ópera «Porgy and Bess». Residió un tiempo en Carolina del Sur para recoger directamente los
elementos más genuinos del folclore negro. La ópera se estrenó en 1935 y obtuvo un éxito clamoroso. Murió a
los treinta y ocho años, víctima de un tumor cerebral.
Giardini, Felice de
(Turín, 1716-Moscú, 1796) Violinista y compositor italiano. Gran virtuoso del violín, fue famoso por
introducir improvisadas cadencias en sus versiones de obras ajenas. Escribió cinco óperas, música de cámara y
métodos de violín y de canto.
Glazunov, Alexandr Konstanínovich

(San Petersburgo, 1865-París, 1936) Compositor ruso. Hijo de una familia de importantes editores, su
formación fue autodidacta y asimiló en pocos años las técnicas compositivas bajo la supervisión de Rimski-
Kórsakov. A los 17 años estrenó su primera sinfonía, cuya dirección corrió a cargo de Balakirev. Considerado
un músico puro y distinguido por su pulcritud formal, sintetizó las escuelas de San Petersburgo (Rimski-
Kórsakov, Borodín) y de Moscú (Chaikovski). Autor de ocho sinfonías, escribió asimismo cuatro poemas
sinfónicos, cinco oberturas y obras concertantes -para violín, piano, violonchelo y saxofón-, además de
excelente música camerística y ballets, como «Raymonda» (1898) o «Las estaciones» (1900).
Glinka, Mijaíl Ivánovich

(Novo-Spásskoie, 1804-Berlín, 1857) Compositor ruso. Formado en Berlín con S. Dehn y amigo de V. Bellini
y de G. Donizetti, se propuso liberar su estilo de las influencias alemana e italiana y desarrollar una música
nacional rusa, inspirada en el folclore popular. Destacan dos óperas («La vida por el zar», 1836; «Ruslán y
Ludmila», 1842), dos oberturas, una fantasía y numerosas obras de música de cámara.
Gluck, Christoph Willibald von

(Erasbach, 1714-Viena, 1787) Compositor alemán. Realizó estudios universitarios en Praga (lógica) y de
música en Milán con G. B. Sammartini. En 1752 fijó su residencia en Viena, donde, junto al libretista R. de'
Calzabigi maduró su reforma del melodrama, que llegó a sus más alta expresión con «Orfeo y Eurídice»
(1762) y «Alcestes» (1767), en cuyo prefacio eran expresados los nuevos preceptos: poner la música al
servicio de la poesía, despojándola de ornamentos superfluos; rechazo de las fórmulas abusivas tradicionales
de la ópera italiana; búsqueda de la «bella simplicidad», evitando «hacer ostentación de dificultades a expensas
de la claridad». No habiendo cuajado sus ideas totalmente en Viena, en 1773 Gluck se trasladó a París, donde
gozó del apoyo de la delfina María Antonieta; presentó nuevas versiones en francés de «Orfeo y Eurídice»
(1774) y «Alcestes» (1776) y otras obras magistrales que también seguían los ideales reformadores: «Ifigenia
en Áulide» (1774) e «Ifigenia en Táuride» (1779). Compuso también música para ballet («Don Juan o El
convidado de piedra», 1761), lieder, sinfonías y música religiosa.
Goldberg, Johann Gottlieb

(Danzig, 1727-Dresde, 1756) Clavecinista y compositor alemán. Fue alumno de J.S. Bach, quien le dedicó sus
célebres «Variaciones Goldberg» (1742), y compuso abundante música de cámara y sinfónica.
Gounod, Charles
(París, 1818-Saint-Cloud, 1893) Compositor francés. Se formó en París, con J.F. Halévy, J.F. Lesueur y F.
Paer, y en Roma, donde se inició, bajo la influencia de Palestrina, en el ámbito de la música religiosa. Gran

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melodista y compositor prolijo, destacó, sobre todo, como autor religioso («Réquiem», 1842; «La redención»,
1881) y de óperas («Fausto», 1859; «Mireya», 1864; «Romeo y Julieta», 1867).
Granados, Enrique
(Lérida, 1867-canal de la Mancha, 1916) Compositor y pianista español. Huérfano de padre en su temprana
infancia, Granados dio los primeros pasos en su formación músical de la mano de José Junceda, compañero de
su progenitor. Era todavía un niño cuando ingresó en la escolanía de la Merced de Barcelona, dirigida por
Francisco Jurnet, y a los diez años dio sus primeros conciertos. Completó sus estudios músicales en la Ciudad
Condal y en París. Viajó por Europa formando un trío con Casals y Thibaud. De regreso en Barcelona en
1889, se dedicó a la composición, a la dirección de orquesta y a la enseñanza, en la que se destacó como
notable pedagogo. Un año más tarde fundó la Sociedad de Conciertos Clásicos y la Academia Granados, que
se distinguió por la calidad técnica de sus enseñanzas y por la categoría de sus discípulos. En 1914, la Société
Músicale Independant de París organizó un concierto dedicado totalmente a su obra. El clamoroso éxito de
este concierto supuso su consagración mundial. El reconocimiento a su obra se tradujo en la concesión de la
Legión de Honor y el encargo, por parte de Rouché, director de la Ópera de París, de convertir las
«Goyescas» en una ópera. La guerra impidió que se estrenara en la Ciudad de la Luz pero, en 1916, fue
representada en el Metropolitan de Nueva York. En el viaje de regreso, Granados y su esposa perecieron
ahogados en el naufragio del buque «Sussex», que había recibido el impacto de un torpedo alemán.
Excelente pianista, sus composiciones más celebradas son precisamente las que compuso para piano: «Danzas
españolas», «Allegro de concierto», «Valses poéticos» y «Escenas románticas». Se trata de obras que hunden
sus raíces en el romanticismo pero que no eluden la estética modernista de su tiempo. De entre sus
composiciones para la escena destacan «Miel de la Alcarria» (1895), «Picarol» (1901), «Gaziel» (1906),
«Goyescas» (1911), «Liliana» (1911) y «Ovillejos», obra inacabada. Granados también compuso numerosas
sinfonías, como «La Divina Comedia» (1908).
Grieg, Edvard Hagerup

(Bergen, 1843-íd., 1907) Compositor noruego. Formado en Leipzig y en Roma, donde conoció a Liszt, quien
le animó a seguir componiendo, se interesó por el folclore de su país y se convirtió en uno de los mejores
representantes del nacionalismo músical. Escribió abundante música para piano («Piezas líricas», 1867-1901),
para la escena («Peer Gynt», 1876) y de cámara, numerosas canciones, piezas para coro («Cuatro salmos»,
1906) y obras sinfónicas («Concierto para piano en la menor», 1868).
Grupo de los Cinco

Grupo de compositores rusos, fundado en 1862 y formado por Balakirev, Borodín, Cui, Músorgski y Rimski-
Kórsakov. Se distinguió por su defensa, siguiendo los pasos de Glinka, de la música nacionalista rusa; en
Borodín, Balakirev y Músorgski, especialmente, se dio una fuerte absorción de la música popular. Les apoyó el
escritor Stásov, mientras se oponía a ellos el compositor Serov, situado entre la estética de Wagner y la de
Meyerbeer.
Grupo de los Seis

Grupo de compositores de influencia francesa activos a principios del s. XX, formado por D. Milhaud, F.
Poulenc, A. Honegger, G. Auric, L. Durey y G. Tailleferre, Germaine
Guerrero, Jacinto
(Ajofrín, 1895-Madrid, 1951) Compositor español. Escribió música para la revista y zarzuelas, entre las que
destacan «Los gavilanes» (1924), «El huésped del sevillano» (1926) y «La rosa del azafrán» (1930).
Guillemain, Louis-Gabriel
(París, 1705-id., 1770) Compositor y violinista francés. Estudió en Italia con G.B. Somis y alcanzó
importantes cargos en la corte de Versalles. Escribió sonatas para violín, piezas para clave, un ballet y dos
sinfonías.

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Guridi, Jesús
(Vitoria, 1886-Madrid, 1961) Compositor español. Destacó como estudioso del folclore vasco, que incorporó
en varias de sus obras. Escribió piezas para órgano, sinfónicas («Diez melodías vascas»), corales y para la
escena («Amaya», 1920). Es un destacado cultivador de la zarzuela con obras como «La meiga» (1928) y,
sobre todo, «El caserío» (1926).
Halffter, Ernesto
(Madrid, 1905-íd., 1989) Músico español. Hermano de Rodolfo Halffter. Se manifestó su precocidad cuando, a
los catorce años, compuso sus dos primeras obras: Crepúsculo y Suite para piano. Figura cumbre de la
música española contemporánea y la personalidad músical más importante de la generación del 27, Halffter
fue amigo de Gerardo Diego, García Lorca y Rafael Alberti. Ya le habían concedido el Premio Nacional de
Música de 1925 por una de sus piezas más inspiradas, «Sinfonietta», cuando, tres años después, el estreno de
la misma en Buenos Aires le valió renombre mundial. Mientras, en París, la Argentinita le estrenaba el ballet
«Sonatina», otra de sus obras maestras. En 1928 se casó con la pianista portuguesa Alicia Cámara.
Establecido en Lisboa, ejerció de profesor en el Instituto Español y compuso «Rapsodia portuguesa» (1938).
Regresó a España en 1940 y, al morir Falla, continuó y concluyó «La Atlántida», estrenada en el Liceo de
Barcelona (1961). Entre sus obras destacan asimismo «Automne malade», obra vocal de 1927, «Dulcinea»,
suite estrenada en 1945, «El cojo enamorado» (1955), «Fantasía galaica» (1956), «Elegía en memoria del
príncipe Polignac» (1966), «Cántico en memoria de Juan XXIII» (1967), «Madrigal» y «Concierto para
guitarra y orquesta» (1969), y «Gozos de Nuestra Señora» (1970). Premio Nacional de Teatro 1961-1962 y
Gran Cruz de Alfonso X el Sabio en 1963, recibió en 1964 la Medalla de Oro del Conservatorio Manuel de
Falla, de Cádiz, del que fue director, como también lo fuera del de Sevilla (1934-1936). Presidente de la
Sociedad Iberoamericana de Artes Músicales en 1968 y académico de Bellas Artes desde 1973.
Halffter, Rodolfo
(Madrid, 1900-México, 1987) Músico español. Fue miembro del Grupo de los Ocho y enseñó en México,
Granada y Santiago de Compostela; entre sus obras, cabe citar «Dos sonatas de El Escorial» (1930),
«Tripartita» (1954), «Secuencias» (1977) y «Apuntes para piano» (1985). Premio nacional de música en 1986.
Händel, Georg Friedrich

(Halle, Sajonia, 1685-Londres, 1759) Compositor alemán, nacionalizado británico en 1726, uno de los más
grandes exponentes de la música barroca. Durante su infancia, fue alumno de F.W. Zachow, organista de su
ciudad, con quien aprendió los principios de la composición. En 1696 fue llevado a Berlín, donde cautivó con
su talento al elector Federico III (más tarde rey Federico I de Prusia). En 1702 ingresó en la Universidad de
Halle para estudiar derecho, al tiempo que fue organista de la catedral. Al año siguiente se trasladó a
Hamburgo, donde alcanzó renombre como violinista en la orquesta de la ópera.
Su primer estreno, la ópera «Almira» (1705), fue un gran éxito y le proporcionó el dinero suficiente para ir a
Italia, cuyo estilo músical estaba entonces de moda. Su gira por este país fue un gran éxito: compuso su
primera ópera italiana, «Rodrigo» (1707); varias cantatas, entre las que destaca «Il trionfo del tempo e del
disinganno» (1708); música sacra latina; el oratorio «La resurrección» (1708); la serenata «Galatea y
Polifemo» (1708); varias canciones francesas, y la ópera «Agripina» (1709), cuyo estreno en Venecia fue
acogido con un extraordinario entusiasmo por el público.
Tras un breve período como director músical de la capilla de la corte de Hannover, viajó a Londres, donde
compuso las óperas «Rinaldo» (1711), «El pastor fiel» (1712) y «Teseo» (1713), con las que aumentó su
fama. Con su «Oda para el cumpleaños de la reina» (1713) y su «Te Deum» (1713), para celebrar la paz de
Utrecht, se ganó el favor de la reina Ana. En 1717 entró al servicio del duque de Chandos, para el que escribió
once anthems, tres «Tedeum», la ópera «Acis y Galatea», etc. Entre 1720 y 1728 fue director de la Real
Academia de Música, para la que compuso unas quince óperas, y luego se orientó hacia la composición de
oratorios, alcanzando la cúspide con «El Mesías» (1742). Sus últimos años se vieron ensombrecidos por la
pérdida de la visión. Fue enterrado en la abadía de Westminster ante más de tres mil personas.

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Haydn, Franz Joseph

(Rohrau an der Leitha, 1732-Viena, 1809) Inició sus estudios con su primo J.M. Frank; a los ocho años fue
elegido por G. Reutter para entrar en el coro de la catedral de Viena, donde prosiguió sus estudios de canto,
violín, clave y composición. Tras terminar su etapa de formación, fue nombrado director y compositor de la
capilla del conde Morzin y, más tarde, entró al servicio de la casa Esterházy, bajo cuya protección pudo
desarrollar una fecunda labor como compositor y como director. Gracias a la difusión impresa de sus obras,
Haydn alcanzó pronto gran prestigio. Pasó dos temporadas en Londres (1790-1792, 1794- 1795), donde
descubrió los oratorios de Händel, y conoció a Mozart en Viena. Entre sus alumnos cabe mencionar a Pleyel y
a Beethoven. Haydn está considerado, con Mozart y Beethoven, como uno de los mayores músicos de la
segunda mitad del s. XVIII. Afirmó las bases formales y estructurales de la sinfonía, de la sonata y del cuarteto
y orientó la música occidental del próximo siglo. Su extensa obra puede dividirse en cinco grandes grupos:
composiciones vocales (óperas -«Armida», «Orfeo y Eurídice»-, misas -«Misa de santa Cecilia», 1772; «Misa
Nelson», 1798-, oratorios -«La creación», 1798; «Las estaciones», 1801-, cantatas), sonatas para piano (52 en
total), cuartetos (83 en total), música instrumental (47 divertimentos para orquesta y grupos de cámara; 50
conciertos para instrumentos solistas - piano, violín, flauta, corno, violonchelo, contrabajo-; 31 tríos con piano;
67 dúos de violín y bajo; 6 duetos para arcos; 8 sonatas para violín y piano) y 108 sinfonías.
Haydn, Johann Michael

(Rohrau an der Leitha, 1737-Salzburgo, 1806) Hermano de Franz Joseph y maestro de C.M. von Weber y de
A. Diabelli. Fue director músical del arzobispado de Salzburgo y compuso una extensa obra (óperas, 46
sinfonías, cinco conciertos, divertimentos, serenatas y música sacra).
Henderson, James Fletcher

(Cuthbert, 1898-Nueva York, 1952) Pianista, compositor, arreglista y director de orquesta de jazz
estadounidense. En 1923 formó la que puede ser considerada como la primera orquesta de jazz, cuyo estilo fue
determinante para el desarrollo del swing en la década siguiente. Contó con instrumentistas (L. Armstrong, C.
Hawkins, B. Webster, R. Eldridge) y arreglistas (D. Redman, B. Carter) de primera fila.
Herrando, José
(?, c. 1680-Madrid, 1762) Violonista y compositor español, probable alumno de Corelli. Hacia 1750 era violín
primero de la capilla real de la Encarnación, en Madrid. Autor del «Arte y puntual explicación del método de
tocar el violín» (París, 1756), primer tratado español sobre el tema. Escribió asimismo la obra «Dieciocho
nuevos minuetos españoles» (Londres, 1760). Es autor también de sonatas, toccatas, etc.
Hindemith, Paul
(Hanau, 1895-Frankfurt del Main, 1963) Compositor alemán. Discípulo de A. Mendelssohn y de B. Sekles en
Frankfurt, destacó como solista de violín (Ópera de Frankfurt) y de viola (cuarteto Amar) y como director de
orquesta. Ejerció como profesor en Berlín, en EE.UU. (universidades de Yale y de Harvard), donde se instaló a
raíz de la persecución nazi, y en Zurich. Su música evolucionó hacia el neoclasicismo de posguerra.
Su obra abarca el ballet («Nobilissima visione», 1938), las óperas («Asesino, esperanza de las mujeres», 1921;
«Noticias del día», 1929; «Matías el pintor», 1938; «La armonía del mundo», 1957) y la música vocal
(oratorios, lieder -ciclo «Muerte de la muerte», 1922-, cantatas -«El vuelo de Lindberg», 1928-, coros),
orquestal y de cámara. Es autor de un importante tratado de composición («Unterweisung im Tonsatz», 1937-
1939).
Holst, Gustav
(s. XIX – s. XX) Su obra más conocina es “Los Planetas”, Holst sentía pasión por la astrología.
Honegger, Arthur
(Le Havre, 1892-París, 1955) Compositor suizo. Se formó en Zurich y en París y se dio a conocer como
integrante del Grupo de los Seis. Su obra sintetiza la estructura clásica y la expresión romántica («El rey

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David», oratorio, 1921; «Pacific 231», poema sinfónico, 1923; «Antígona», ópera, 1927; «Juana de Arco en la
hoguera», oratorio, 1928; cinco sinfonías, 1930-1950). Compuso asimismo abundante música para el cine.
Indy, Vincent d´
(París, 1851-íd., 1931) Realizó sus primeros estudios músicales con Diémer, Marmontel y Lavignac, pero entre
1872 y 1880 estudió en la escuela de perfeccionamiento de César Franck, de quien fue su discípulo predilecto.
Alternó sus estudios de perfeccionamiento con el trabajo de organista de la Iglesia de St Leu entre 1872 y 1876
y con el de maestro de coro y timbalero en la Orquesta Colonne, entre 1873 y 1878. Participó junto con
Franck, Saint Säens, Fauré, Castillon y Chausson en la fundación de la Societé Nationale de Musique en 1871,
de la cual fue nombrado presidente en 1890, tras la muerte de Franck. En 1894 fundó, junto con Charles
Bordes y Félix Guillmant la Schola Cantorum, inicialmente sólo una escuela de canto gregoriano, pero que
pronto entró en competencia con el conservatorio.
A pesar de su abundante producción, integrada por óperas, composiciones sinfónicas y de cámara, música
sacra y armonizaciones de cantos populares, se le considera más un profesor y erudito que un compositor
original. Se mostró siempre muy activo en otros campos de la música como la dirección de orquesta, la
transcripción y popularización de textos músicales antiguos, singularmente de Monteverdi y Rameau,
colaborador en la crítica músical de diversos diarios y revistas y autor de los libretos de sus óperas, así como
de un famoso «Cours de composition». Entre sus obras principales cabe mencionar las óperas «Fervaal»
(1889-1895), representada en Bruselas en 1897, y «El extranjero» (1898-1901), que lo fue en la misma ciudad
en 1903, la leyenda dramática «Le chant de la cloche» (1879-1883), interpretada en 1886 bajo la dirección de
Lamoureux; el drama sacro «La leyenda de San Cristóbal» (1908-1915), representada en la Ópera de París en
1920, y las composiciones sintónicas «Wallenstein» (1873-1881), «Symphonie sur un chant montagnard
français» (1886), «Istar» (1896), «Sinfonía en sí bemol» (1902), «Jour d´été a la montagne» (1905),
«Souvenirs» (1906) y «Le poème des rivages» (1920-1921).
Iradier, Sebastián de
(Lanciego, Álava, 1809-Vitoria 1865) Músico español. Ganó la plaza de organista en la iglesia de San Juan
Bautista, de Salvatierra (Álava). Sus ideas liberales y su fama de mujeriego le atrajeron la enemistad del
párroco, por lo que abandonó el cargo y se trasladó a Madrid. Ocupó la plaza que dejaba vacante su discípulo
Antonio Landazábal. En la capital fue profesor de solfeo en el conservatorio desde 1840 hasta 1850. En
colaboración con Cepeda y Oudrid escribió la zarzuela La pradera del canal, que se estrenó con éxito en
1848.
En la década de 1850 se trasladó a París, y desde allí, acompañando a la célebre cantante de ópera Adelina
Patti, viajó a Estados Unidos, México y Cuba, donde compuso la famosa habanera «La paloma». Escribió
otras muchas canciones, entre ellas «El arreglito», cuya melodía utilizó Bizet para la célebre habanera de
Carmen. De regreso en Europa, residió en Londres y en París. En esta última capital se relacionó
estrechamente con Rossini, Merimée y las cantantes Viardot y Malibrán. Su amistad con la condesa de
Montijo le valió ser designado profesor de canto de su hija, la emperatriz Eugenia. También en París editó
una colección de canciones con acompañamiento de piano y letra en francés. Una grave afección de la vista le
indujo a abandonar Francia y retirarse a Vitoria, donde terminó sus días. Para entonces su producción era ya
muy abundante: en Madrid le publicaron no menos de un centenar de canciones, y dio a conocer la parte
cantada de un sainete titulado «La venta de Cárdenas», así como el bailable «Los caracoles», muy
interpretado en los cafés cantantes de la época.
Ives, Charles
(Danbury, Connecticut, 1874-Nueva York, 1954) Compositor estadounidense. Recibió la primera instrucción
músical de la mano de su padre, director de la banda municipal de su ciudad natal. Entre su adiestramiento
músical figuraron pruebas sobre los cuartos de tono, sobre la politonalidad y el contrapunto disonante, que
desarrollarían en Ives un peculiar sentido músical. A los veinte años demostró sus inclinaciones experimentales
en el campo sonoro con una obra para voz, cometa, trombón y pedal de órgano. Después de terminar sus
estudios en la Universidad de Yale, donde estudió composición con Horacio Parker, se dedicó a los negocios y
luego a a ejercer la presidencia de una de las más grandes compañías de seguros de Estados Unidos, a pesar de
lo cual, y teniendo en cuenta la larga lista de obras músicales compuestas por Ives, la actividad primordial a la
que dedicó la mayor parte de su tiempo fue la composición músical.

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La esencia de sus estudios podría definirse como polifonía heterofónica, en la que el libre progreso de la linea
metódica no tiene en cuenta las consonancias o disonancias producidas. Asimismo, otra de sus características
fue el frecuente empleo de fragmentos de canciones populares e himnos, introducidos no con una intención
nacionalista, sino para satisfacer sus exigencias expresivas. Sus innovaciones músicales, en cierto modo
preanunciantes de las obras de Schönenberg y otros compositores europeos, no se adaptaron a un sistema, pues
respondieron con fuerza expresiva a la impronta de su singular personalidad en el campo músical. Ives fue un
hombre sumamente inteligente, con una viva sensualidad y una sólida base músical. En su música plasmó
tanto la belleza como una eminente nobleza, el misticismo, la sensibilidad, la pasión y el humor. Sus obras
incluyen cuatro sinfonías, composiciones para coro y orquesta, música de cámara y cientos de canciones. Una
de sus obras, la «Sonata para piano», ha sido calificada como una inmensa sinfonía impresionista para piano.
Janácek, Leos
(Hukvaldy, 1854-Moravská Ostrava, 1928) Compositor checo. Influido por el folclore de su país, su música
tiene un marcado acento nacionalista. Escribió música de cámara y sinfónica («Taras Bulba», rapsodia para
orquesta, 1918), cantatas y, sobre todo, óperas de carácter diverso («Jenufa», 1904; «Sino», 1904; «Katya
Kabanova», 1919; «La zorrita astuta», 1924; «El caso Makropoulos», 1924; «De la casa de los muertos», 1928
y la «Misa glagolítica», 1927).
Kagel, Mauricio
(Buenos Aires, 1931) Compositor argentino. Fue alumno de A. Ginastera y en 1957 se instaló en Alemania,
donde se ha dedicado a la música experimental, en cuyo ámbito ha desarrollado una búsqueda de sonoridades
inéditas y un teatro instrumental, caracterizado por su componente gestual y por su relación con el teatro del
absurdo. Entre sus obras, cabe mencionar «Transición II» (1959), «Heterofonía» (1959-1961), «Variaciones
sin fuga» (1973), «Aus Deutschland» (1981) y «Quidlibet» (1988).
Kalinnikov Vasily Sergeyevich

(Voina, 1866- ¿ 1901) Compositor ruso.
Khachaturian Aram
(Tbilisi, 1903- ¿ 1978) Compositor ruso cuya obra más conocida es “La Danza del Sable”
Kodály, Zoltán
(Kecskemét, 1882-Budapest, 1967) Compositor, etnomusicólogo y pedagogo húngaro. Es, con Bartók, el
mayor exponente de la música magiar contemporánea. Estudió el patrimonio folclórico húngaro («Corpus
músicae popularis hungaricae», 1951) y desarrolló un innovador método de enseñanza de la música. Alejada
del posromanticismo y del expresionismo, su obra se orientó hacia la estética de la escuela nacionalista.
Compuso música sacra («Psalmus hungaricus», 1932), sinfónica («Danzas de Marosszék», 1930; «Danzas de
Galánta», 1933), de cámara y escénica («Hary János», 1926).
Kreutzer, Rodolphe
(Versalles, 1766-Ginebra, 1831) Violinista y compositor francés. Fue alumno de A. Stamitz. Excelente
virtuoso, a quien Beethoven dedicó su «Sonata a Kreutzer», compuso óperas y conciertos y escribió abundante
material pedagógico para su instrumento.
Lalo Edourd
(Lille, 1823-¿ 1892) Compositor fracés. Su obra más popular es la Sinfonía española.
Lara, Agustín

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(Tlacotalpán, Veracruz, 1900-México, 1970) Compositor mexicano. Escritor incansable de melodías de corte
romántico que darían la vuelta al mundo, su nombre estuvo estrechamente ligado a la bohemia mexicana
durante buena parte de su vida. Durante la década de los veinte, México disfrutó de una explosión músical
gracias a los teatros de revista y al género chico que dirimía en los escenarios la dura realidad política y social.
Las canciones cobraban particular protagonismo ya que sus letras eran el relato novelado de las gestas de
héroes, caudillos y villanos. Y en el mundo teatral de esta época dorada de las tonadas, Agustín Lara fue una
de las figuras más apreciadas.
Entre 1929 y 1935 registró 150 canciones. En 1930, el inicio de la radio aumentó todavía más su popularidad
al disponer de un programa diario, «La hora azul», que consiguió una enorme audiencia. Lara recibió también
duras críticas en las que se le tachaba de crear un cancionero cursi y vulgar dirigido a la clase baja, pero él
continuó cantándole a la mujer, su tema por excelencia en la mayoría de las 800 canciones que llegó a
componer a lo largo de su vida. En 1945, su matrimonio con la actriz María Félix (que le inspiró, entre otras,
las canciones «María bonita» y «Solamente una vez» y el chotis «Madrid»), aumentó la euforia de su
producción romántica, y mientras duró la relación su casa de Las Lomas fue centro de reunión de artistas y
escritores. Lara viajó a España en varias ocasiones y dedicó numerosas canciones («Clavel sevillano»,
«Granada», «Valencia», «Toledo», «Murcia», «Navarra» y «Españolerías») a la belleza de sus rincones.
Lassus, Roland de
(Mons, 1531 o 1532-Munich, 1594) Compositor flamenco. Experto cantante y director de coros, viajó por toda
Europa recibiendo numerosas distinciones y se estableció en Munich (1556) como servidor de los duques de
Baviera. Su obra, muy vasta y formada por motetes, misas, salmos, himnos, magnificat, réquiem, madrigales y
canciones, constituye la cumbre de la música flamenca renacentista, tanto por su técnica coral, muy
evolucionada, como por su maestría en la expresión de las emociones. En total, suman 1.580 composiciones
religiosas y unas 800 obras de música profana. Pueden recordarse, por ejemplo, sus motetes «Domine Iesu
Christe» (1575) y «Cantantibus organis» (1583).
Leclair, Jean-Marie
(Lyon, 1697-París, 1764) Violinista y compositor francés, llamado el Viejo. Fue uno de los concertistas más
destacados de su tiempo y el iniciador de la escuela violinística francesa. Compuso una tragedia lírica, varios
ballets y divertimentos y numerosas obras para violín.
Lecocq, Alexander-Charles
(París, 1832-id., 1918) Compositor francés. Fue alumno de Halévy. Junto con Hervé y Offenbach, fue, para el
público francés, uno de los autores de operetas más famosos de su tiempo («Las cien vírgenes», 1872; «La hija
de madame Angot», 1872).
Lehár, Franz
(Komárom, 1870-Bad Ischl, 1948) Compositor austrohúngaro. Tras sus estudios musicales en Praga, alcanzó
un notable prestigio como violinista en diversas orquestas. Sin embargo, su nombre está vinculado, sobre todo,
a un buen número de exitosas operetas («La viuda alegre», 1905; «El conde de Luxemburgo», 1909;
«Federica», 1928; «El país de las sonrisas», 1929).
Leoncavallo, Ruggiero
(Nápoles, 1858-Montecatini, 1919) Compositor italiano. Estudió en Nápoles con Cesi y con Rossi y en
Bolonia con Carducci. Es, con Puccini, Mascagni y Giordano, un notable exponente de la joven escuela
italiana. Iniciado como músico de café cantante, alcanzó el éxito con la ópera verista «I Pagliacci» (1892).
Escribió también música sinfónica y canciones («Mattinata»).
Lidón, José
(Béjar, 1746-Madrid, 1827) Compositor español. Fue maestro y organista de la capilla real. Escribió
numerosas fugas, motetes y sonatas para órgano; es autor también de obras dramáticas, de un villancico a ocho
voces y de varios tratados teóricos. Compuso también 4 misas, 1 oficio de vísperas, 2 salmos, 1 himno al
Sagrado Corazón de Jesús, 32 lamentaciones, 2 Miserere, 3 himnos, 3 Te Deum, etc.

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Liszt, Franz
(Doborján, 1811-Bayreuth, 1886) Pianista y compositor húngaro. Niño prodigio, alumno de Salieri y Czerny y
amigo de infancia de Schubert, fue alabado por Beethoven cuando contaba 11 años de edad. En 1823 se instaló
en París como famoso pianista y trabó conocimiento con Chopin y grandes artistas románticos como V. Hugo
o Lamartine. En 1941 conoció a Wagner, quien más tarde se casó con su hija Cosima, convirtiéndose en uno de
sus mejores defensores y divulgadores. En 1865, cuando residía en Roma, tomó las órdenes menores y
comenzó a componer música religiosa. Liszt encarnó al prototipo de músico romántico: mujeriego, generoso,
apasionado e innovador, y su música es también romántica e innovadora. Creó el poema sinfónico y la
metamorfosis temática y exploró el ritmo, la armonía y la tonalidad. Son importantes sus poemas sinfónicos
«Mazeppa» (1854), «Sinfonía Fausto» (1854), «Los preludios» (1850), «Sinfonía Dante» (1856), y «De la
cuna a la tumba» (1881-1882). También escribió piezas de cámara y para piano y orquesta, entre los que
destacan la «Danza macabra» (1849-1859) y los «Concierto nº 1» (1849-1856) y «Concierto nº 2» (1839-
1861). Su mejor música para piano incluye los «Estudios de ejecución trascendente» (1851), las
«Consolaciones» (1849-1850), las «Armonías poéticas y religiosas» (1834-1852), los tres álbumes de «Años
de peregrinación» (1849), «Dos leyendas» (1863) y la «Sonata en si menor» (1853). La música vocal, muy
extensa, cuenta con canciones, misas, piezas corales, una ópera y, especialmente, los oratorios «La leyenda de
Santa Isabel» (1862) y «Christus» (1867).
Llobet, Miguel
(Barcelona, 1875-id., 1938) Guitarrista y compositor español. Fue alumno de F. Tárrega y está considerado
como el mejor virtuoso de la guitarra de su tiempo. Compuso y transcribió numerosas piezas para su
instrumento, especialmente canciones catalanas.
López, Félix Máximo

(Madrid, 1742 – Madrid, 1821) Fue otro importante organista de la Real Capilla. No hay demasiadas noticias
biográficas de Felix Máximo L6pez a pesar de haber quedado inmortalizado por el pintor Vicente L6pez en un
retrato que hoy se puede contemplar en el Museo de Arte Moderno de Madrid. En 1787, a sus cuarenta y cinco
años, lo encontramos de organista tercero de la Real Capilla hasta que sucedi6 a José Lid6n en el puesto de
primer organista el 6 de mayo de 1808, cuando contaba ya sesenta y seis años. Dejó una amplia producci6n de
música para órgano, versos, glosas, sonatas, etc., así como música para clave, para tonadillas y un libro te6rico
titulado Reglas Generales de acompañar al órgano o clave, manuscrito que se conserva junto a buena parte de
su abundante producción en la Biblioteca Nacional de Madrid. La Sonata de 5 tono (esto es, si bemol mayor)
contrasta enormemente con la monumental Recercata, Fuga y Sonata de Sebastián de Albero y nos muestra un
tipo de sonata que, si bien sigue siendo bipartita en su forma, no tiene las preocupaciones expresivas de
Albero, ofreciendo a cambio un encanto en su simplicidad muy pr6xima a la est6tica del Clasicimo.
Lully, Jean-Baptiste
(Florencia, 1632-París, 1687) Compositor francés de origen italiano. Alumno de Carissimi, fue llevado a París
por el Caballero de Guisa en 1646. Pronto destacó como violinista y bailarín y entró al servicio de Luis XIV,
de quien fue compositor de danza desde 1653. A partir de entonces compuso los ballets de la corte, en los que
solían intervenir tanto el monarca como él mismo. También trabajó componiendo intermedios escénicos para
las obras de Molière, Corneille y Racine. Compró el monopolio para la representación de óperas en lengua
francesa y supo aprovechar sus privilegios reales y amasar una inmensa fortuna.
Su obra, especialmente su ópera, introdujo numerosas innovaciones: abandonó el recitativo secco en favor del
acompañado, procuró la acentuación adecuada del texto a través de la música, utilizó en sus ballets danzas más
rápidas de las que estaban entonces en boga y fijó la forma de la obertura francesa -de gran influencia en
Alemania- a base de un movimiento lento repetido seguido de uno rápido. Entre sus óperas destacan «Cadmo y
Hermione» (1672), «Isis» (1679), «Perseo» (1683) y, sobre todo, «Armida» (1686).
Lübeck, Vincent

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(Siglo XVII) Compositor y organista alemán anterior a J.S. Bach, perteneciente a la escuela de órgano de la
Alemania del Norte
Luna, Pablo
(Alhama de Aragón, 1880-Madrid, 1942) Compositor español. Cultivó la revista, la opereta y la zarzuela, en
ocasiones en colaboración con otros músicos, como A. Vives («Molinos de viento», 1911; «El asombro de
Damasco», 1916; «El niño judío», 1918; «La pícara molinera», 1928).
Martínez Valls, Rafael (Onteniente, 1887-Barcelona, 1946) Compositor español. Es autor de música religiosa
y de varias zarzuelas con libretos en castellano («La mosquetera») y en catalán («Cançó d'amor i de guerra»).
Manén, Juan
(Barcelona, 1883-id., 1971) Violinista y compositor español. Desarrolló, desde los siete años, una brillante
carrera como concertista. Compuso un buen número de obras para su instrumento y varias óperas («Juana de
Nápoles», 1903; «El camino del sol», 1926).
Machaut o Machault, Guillaume de

(Machaut, c. 1300-Reims, 1377) Compositor y poeta francés. Clérigo de la diócesis de Reims, estuvo al
servicio, como secretario y consejero, de Juan de Luxemburgo (1323-1346), de Bonne de Luxemburgo (1346-
1349) y de Carlos II de Navarra (1349). Acabó su vida siendo canónigo de la catedral de Reims.
Su música es una de las más altas expresiones del «ars nova» francesa. Su obra, reunida en ediciones
manuscritas muy cuidadas, reúne 23 motetes sacros y profanos, 42 baladas, 20 rondós, 33 virelais, 19 lais y
dos piezas litúrgicas («Misa de Notre-Dame» y «Hoquetus David»). En sus composiciones, aprovechó al
máximo las posibilidades expresivas del motete isorrítmico, característico de la escuela francesa, y utilizó de
forma sistemática el canon. Su obra poética, menos original, consta de numerosos «decires» y de poemas
didácticos («El remedio de Fortuna») y líricos, en los que desarrolla la temática característica de la galantería
alegórica y moralizadora heredada de la novela cortés.
Maderna, Bruno
(Venecia, 1920-Darmstadt, 1973) Director de orquesta y compositor italiano. Fue alumno de G.F. Malipiero y
de H. Scherchen. Desarrolló una intensa actividad como director, tanto de música antigua (nuevas ediciones y
transcripciones de Monteverdi o de Rameau) como contemporánea (estrenos de L. Nono, de L. de Pablo, de G.
Amy o de S. Bussotti). Enseñó en los conservatorios de Venecia, Milán y Rotterdam, en los cursos de verano
de Darmstadt, en el Mozarteum de Salzburgo y en la Juilliard School de Nueva York. En 1955 fundó, con L.
Berio, el Estudio de Fonología de la RAI en Milán. Su producción, influida por la escuela posweberniana,
ejerció un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia músical italiana.
Algunas de sus obras más representativas son la obra electrónica «Nocturno» (1955), la ópera radiofónica
«Don Perlimplín» (1962), la acción teatral «Hiperión» (1964), el «Quadrivium» para orquesta y el drama
radiofónico «Retrato de Erasmo» (1970).
Mahler, Gustav
(Kalischt, 1860-Viena, 1911) Compositor y director de orquesta austríaco. Tras estudiar en Viena con J.
Epstein, R. Fuchs y F. Krenn, inició una fecunda carrera como director de orquesta que le llevó a Kassel
(1883-1885), Praga (1885-1886), Leipzig (1886- 1888), Budapest (1888-1891), Hamburgo (1891-1897), Viena
(1898- 1907) y Nueva York (1909-1911); su planteamiento de la dirección se basaba en la recreación
orquestal, con frecuentes intervenciones sobre la instrumentación. Su obra, vinculada con la tradición de Liszt,
Bruckner y Wagner, siempre estuvo ligada a sus preocupaciones filosóficas y religiosas (de origen judío, fue
bautizado en 1897). Autor de diez sinfonías (1884-1910), ya en la Primera, llamada Titán, nos habla de sus
creencias panteístas. Son muy interesantes sus lieder con orquesta, sea integrando la voz dentro de las
sinfonías (2ª «Resurrección», 3ª, 4ª, ...), y a menudo también con intervenciones corales, o en ciclos de
canciones como «Das klagende Lied», 1880; «Lieder eines fahrenden Gesellen», 1883-1884;
«Kindertotenlieder», 1901-1904; «Das Lied von der Erde», 1908. Notable fama ha adquirido el «Adagieto de
la Quinta Sinfonía» a raíz de su utilización en la película «Muerte en Venecia», de L. Visconti. Su «Sinfonía nº

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8» recibe el sobrenombre de «Sinfonía de los Mil», por la extraordinaria formación que precisa (solistas, dos
coros, coro de niños...). Como un puente entre siglos, entre Wagner y Schönberg, Mahler esboza con material
posromántico en sus últimas obras efectos modernos propios de la Escuela de Viena.
Malipiero, Gian Francesco

(Venecia, 1882-Treviso, 1973) Compositor italiano. Estudió en Viena, en Venecia y en Bolonia, donde fue
alumno de M.E. Bossi. Tras enseñar en el Conservatorio de Parma (1921-1924), se retiró a Asolo para
dedicarse a la composición (1924-1936). En 1913 conoció en París a Casella, D'Annunzio y Ravel y descubrió
a Stravinski.
Su estética se fundamenta en una síntesis del canto gregoriano y de la monodia italiana con las aportaciones
vanguardistas. Es autor de obras escénicas («Il mistero de Venezia», 1925-1928; «Ecuba», 1941; «Il capitan
Spavento», 1963) y de una abundante producción orquestal (11 sinfonías y conciertos para piano, para dos
violines y para flauta), de cámara («Rispetti e strambotti», 1920; «Cantari a la madrigalesca», 1931) y sacra
(«La cena», 1927; «Santa Eufrosina», 1942; «Li sette peccati mortali», 1946). Publicó las obras completas de
C. Monteverdi y numerosas piezas de A. Corelli, G. Tartini y G. Frescobaldi.
Mantovani, Annuncio Paolo

(Venecia, 1905-Tumbridge Wells, 1980) Músico italobritánico. Su estilo músical melódico permanecerá unido
para siempre a películas románticas tales como «Locura de verano», que contaba una agridulce historia de
amor entre Katharine Hepburn y Rossano Brazzi. Antes de llegar a Hollywood, triunfar y ser el primer autor
que sobrepasó el millón de discos vendidos, Mantovani había estudiado música acuciado por el estímulo de
una promesa de su padre; éste, profesor del Conservatorio de Venecia que había tocado bajo la dirección de
Toscanini, se comprometió a cederle un valioso violín Testori cuando fuera capaz de ejecutar sin errores un
concierto difícil. La I Guerra Mundial sorprendió a la familia Mantovani en Inglaterra, donde pasaron
momentos difíciles. A los once años el pequeño Annuncio debutó en Londres interpretando el «Concierto para
violín» de Max Bruch: iba camino de conseguir el Testori; a los dieciséis era violinista profesional y a los
dieciocho dirigía su propio quinteto en Birmingham. Luego, ya en la capital inglesa, comenzó a actuar con
regularidad en la radio y al despuntar la década de los treinta formó su famosa «Orquesta Típica», que
animaba las veladas de un club nocturno llamado, premonitoriamente, Hollywood. En esos años, al afianzarse
el cine sonoro, lo contrató la productora Gaumont British y se formó como maestro de orquesta de escena. Su
fama atravesó el Atlántico y entre 1951 y 1956 realizó una gira por América y Canadá.
Por su destreza en el uso de las cuerdas y su habilidad para manejar orquestas de más de cuarenta músicos,
Hollywood le reclamó para orquestar y dirigir las bandas sonoras de películas tan famosas como «Mi loco
corazón», «El mago de Oz», «Locura de verano», «Intermezzo», «La colina del adiós», «Lilí y Candilejas»,
labor en la que le ayudó su arreglador «oficial», Ronald Binge. Obtuvo varios discos de oro y regresó a su
patria adoptiva, que le había concedido el premio Ivor Novello «al personaje más sobresaliente de la música
popular inglesa».
Marais, Marin
(París, 1656-id., 1728) Compositor francés, intérprete de viola.. Fue alumno de J.B. Lully. Es autor de cuatro
óperas de temática mitológica (entre las que destaca «Alcide») y de al menos unas 700 composiciones para
viola, reunidas en su mayor parte en cinco libros de «Piezas para una y dos violas» (1686-1725). Su música
cobró espectacular notoriedad a raíz de su utilización, de la mano de J. Savall, en la película «Todas las
mañanas del mundo» (1991).
Marcello, Alessandro
(Venecia, 1684-íd., 1750) escribió música instrumental, de cámara y sinfónica, en ocasiones firmada con el
seudónimo «Eterio Stinfalico».
Marcello, Benedetto
(Venecia, 1686-Brescia, 1739), hermano del anterior, destacó como abogado, compositor y teórico músical; fue
alumno de F. Gasparini, de G. Tartini y de A. Lotti y profesor reputado; al margen de numerosas

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composiciones sacras, de dos óperas, de conciertos y de sonatas, su obra más notable es el «Estro poético-
armónico» (1724-1727), música para las 50 paráfrasis de los salmos de David de J.A. Giustiniano.
Martín Icol, Antonio

Compositor e intérprete de tecla español. Entre sus obras destacan sus Suite (Suite nº 4) y sus Zarabandas.
Martín y Soler, Vicente

(Valencia, 1754-San Petersburgo, 1806) Compositor español. Iniciado como organista en Alicante, pasó a
Madrid y a Italia, donde alcanzó fama como autor de óperas de estilo clásico con el nombre de «Martin, lo
spagnuolo». En 1785 se trasladó a Viena, donde colaboró con Da Ponte y donde escribió su obra maestra, la
ópera «Una cosa rara, o sea belleza y honestidad» (1786), una de cuyas melodías fue utilizada por Mozart en
su «Don Juan». En 1788 fue nombrado director de la ópera de San Petersburgo por Catalina la Grande. Es
autor de numerosas óperas y de música religiosa, siempre en estilo clásico de gusto italianizante.
Mascagni, Pietro
(Livorno, 1863-Roma, 1945) Compositor italiano. Formado en Liorna y en Milán, donde fue alumno de
Ponchielli, fue director de una compañía de ópera ambulante antes de conseguir un premio y un resonante
éxito en Roma (1890) con su ópera «Cavalleria rusticana», que le convirtió en el abanderado del romanticismo
verista; escribió otras trece óperas, entre las que cabe citar «El amigo Fritz» (1891), «Iris» (1898) y «Nerón»
(1935), y dos operetas que no alcanzaron la misma difusión. Es autor también de escritos críticos y teóricos y
de música sinfónica y para el cine.
Massenet, Jules
(Montaud, 1842-París, 1912) Compositor francés. Fue alumno de A. Thomas y destacó como profesor del
Conservatorio de París (1878- 1896). Escribió música orquestal, religiosa (oratorios y cantatas), coral y vocal;
sin embargo, lo más representativo de su obra está constituido por sus óperas («Manon», 1884; «Werther»,
1892; «Thaïs», 1894; «Safo», 1897; «Don Quijote», 1910).
Mendelssohn, Felix
(Hamburgo, 1809-Leipzig, 1847) Compositor y director de orquesta alemán. Jacob Ludwig Felix
Mendelssohn-Barthóldy era el primogénito de una rica familia judía abierta a las inquietudes artísticas e
intelectuales y tuvo acceso a una educación esmerada, única entre los compositores del romanticismo. A los
nueve años de edad dio su primer concierto de piano en Berlín y a los dieciséis compuso la obertura de «El
sueño de una noche de verano» (1825), en la que es patente ya la fusión de orden y fantasía que caracterizará
su obra.
Su primer gran triunfo tuvo lugar cuatro años después con su presentación en Londres, donde, tras
redescubrirla, dirigió «La Pasión según San Mateo», de Bach. A partir de entonces viajó por la mayor parte
de Europa y vivió varios años en Italia, donde compuso sus más famosas sinfonías.
Fiel exponente de un germanismo idealista y burgués, la música de Mendelssohn posee asimismo muchos
elementos típicos del romanticismo, del que se le considera un clásico. Cuando alcanzan el equilibrio entre el
afán de orden y el sentimiento romántico, sus composiciones resultan magníficas.
No ocurrió lo mismo con su labor de director de orquesta, a la que se reprochó cierta frialdad metronómica.
No obstante, fue el indiscutible introductor de la primera técnica de dirección orquestal. Su abundante obra
incluye cinco sinfonías, varias oberturas: «La bella Melusina», «Ruy Blas», «Las Hébridas», «Marcha
fúnebre», etc.; conciertos para piano y orquesta y para violín y orquesta; música de escena: «Las bodas de
Camacho», «Antígona», «Atalia», etc., y varios oratorios, música de cámara, quintetos para cuerda, cuartetos,
tríos, sonatas para piano, variaciones, etcétera.
Messager, André-Charles-Prosper

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(Montluçon, 1853-París, 1929) Compositor y director de orquesta francés. Fue alumno de Saint-Saëns y de
Fauré y director musical de las óperas de Londres y de París. Estrenó «Peleas y Melisanda» de Debussy
(1902). Compuso música instrumental, dos cantatas, óperas cómicas y operetas («Verónica», 1898).
Messiaen, Olivier
(Aviñón, 1908-París, 1992) Compositor francés. Hijo de un profesor de inglés, Pierre Messiaen, traductor de
Shakespeare, y de la poetisa Cécile Sauvage, Pierre se sintió atraído por la música desde muy temprana edad.
A los siete años empezó a componer y a los once ingresó en el Conservatorio de París, donde se graduó con
siete primeros premios en su haber. Estudió con Gallon, Emmanuel, Dukas y Dupré, y más tarde, de forma
autodidacta, amplió sus conocimientos con el estudio de la ornitología y de rítmicas tan dispares como la de la
India, la América andina, Japón y Bali.
De profundas convicciones religiosas, sostenía que la música establece un diálogo con lo divino. En 1930
entró como organista en la iglesia de la Trinité de París, cargo que conservó durante más de cuarenta años.
Entre 1932 y 1939 fue profesor de la École Normale de Musique y de la Schola Cantorum, actividad que
interrumpió la guerra. Prisionero de los alemanes en un campo de Gorlitz, en Silesia, tras su liberación en 1942
fue profesor del Conservatorio parisiense y sus clases fueron fundamentales para los compositores de
vanguardia como Boulez, Stockhausen o Xenakis. A principios de los años sesenta, reconocido ya por las
instituciones oficiales, tras viajar a Bulgaria e impartir clases de ritmo en Buenos Aires, el gobierno francés le
encargó una composición en homenaje a las víctimas de las dos guerras del siglo. La obra, «Aguardo la
resurrección de los muertos», fue estrenada en 1966 en la Sainte Chapelle de París ante la presencia de De
Gaulle.
Entre sus obras fundamentales cabe distinguir, orquestales: «Ascensión» (1933), «El despertar de los pájaros»
(1953), «Cronocromía» (1960), «Des canyons aux étoiles» (1974); instrumentales: «Cuarteto para el fin de
los tiempos» (1941), «Livre d'orgue» (1951), «Catálogo de pájaros» (1956-1958), y vocales: «Chants de terre
et de ciel» (1938), «La Transfiguration» (1969), «San Francisco de Asís» (1983). Messiaen falleció en un
hospital de París, tras haber sido sometido a una intervención quirúrgica.
Milhaud, Darius
(Marsella, 1892-Ginebra, 1974) Compositor francés. Fue alumno de A. Gédalge, Ch. Widor y V. d'Indy y
secretario de P. Claudel en Brasil, donde recibió la influencia del folclore latinoamericano, a la que se añadió
la del jazz tras un viaje a EEUU. En 1918 conoció a E. Satie y se unió al Grupo de los Seis. Su obra, politonal
y vanguardista, abarca la música sinfónica («Oda a Jerusalén», 1972), coral («Paz en la tierra», oratorio, 1963),
de cámara, instrumental («Saudades do Brasil», 1920-1921) y para la escena («Le boeuf sur le toit», ballet,
1919; «La creación del mundo», ballet, 1923; «Cristóbal Colón», ópera, 1930).
Millán, Rafael
(Algeciras, 1893-Madrid, 1957) Compositor español. Iniciado como violinista, destacó como director de
compañías líricas y como autor de zarzuelas («La gaviota», «La dogaresa»), operetas, revistas y una ópera
(«Las glorias del pueblo»).
Mingus, Charlie
(Nogales, 1922-Cuernavaca, 1979) Contrabajista, compositor y director de orquesta de jazz estadounidense,
cuyo verdadero nombre era Charles Mingus. Participó de forma directa en la revolución del bop. Cultivador de
todos los estilos, en una síntesis de tradición y de libertad formal, creó varios conjuntos y se dedicó a la
investigación orquestal y a la composición. En 1971 publicó sus memorias («Menos que un perro»).
Mompou, Frederic
(Barcelona, 1893-íd., 1987) Compositor español. Un concierto que tendría lugar en Barcelona en 1909, en la
ya histórica Sala Mozart y que ofrecieron Gabriel Fauré y Marguerithe Long, lo marcaría para siempre: a
partir de aquel momento Mompou decidió consagrar su vida a la composición. Desde entonces se dedicó a
componer breves compases que identificaba con algunos lugares de su entorno: «Barri de platja», «Jardí»,
etcétera.

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En 1911 se trasladó a París, donde tomó lecciones de piano de Ferdinand Motte-Lacroix, discípulo de Isidore
Philipp, uno de los grandes maestros de la escuela pianística francesa. Asimismo, y con Samuel Rousseau,
estudió armonía. Sus primeras composiciones no tardaron en aparecer: de 1914 a 1917 surgió «Belenes», una
serie de piezas cortas, y en 1919 acabó «Cants màgics», esta última sería su primera pieza publicada. En
seguida aparecieron los primeros comentarios elogiosos por parte de la crítica y en 1920 compuso dos piezas
importantes: «Fêtes lontaines» y «Charmes». Entre 1927 y 1930 terminó los cuatro primeros «Preludios», a
los que siguieron «Canciones y danzas», obra que no completó hasta 1962. En 1931 fundó, junto con Robert
Gerhard y Manuel Blancafort, el grupo de Compositores Independientes de Cataluña. Otra importante obra de
este compositor es «Música callada» (1959-1967), inspirada en la obra mística de san Juan de la Cruz. Recibió
muchos reconocimientos en vida por una obra músical que persigue la pureza sonora y la máxima
expresividad con un mínimo de medios.
Monasterio, Jesús de
(Potes, Santander, 1836-Casar de Periedo, Santander, 1903) Compositor y violinista español. Cursó sus
estudios en Madrid y en Bruselas, obteniendo en 1857 el puesto de violinista de la Capilla Real de Madrid, al
tiempo que ejercía como profesor en el Conservatorio de la capital española; entre 1894 y 1897 fue director de
esta institución. Fundó la Sociedad de Cuartetos de Madrid en 1863 y realizó giras por el continente europeo.
Entre sus obras destacan «20 estudios artísticos» para violín y piano, «Andante religioso» para orquesta y un
«Concierto» en si menor para violín y orquesta, y la cantata «El triunfo de España».
Monteverdi, Claudio
(Cremona, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. Discípulo de Marco Antonio Ingegneri, se dio a conocer
por vez primera mediante una serie de madrigales de tema sacro. En 1590, ya en Mantua, obtuvo de la corte la
plaza de músico de viola. Durante su estancia en esta ciudad compuso sus famosos «Scherzi músicali» y los
dramas líricos «Orfeo» y «Ariadna». En 1613 se trasladó a Venecia, donde fue nombrado maestro de la
capilla de San Marcos; con motivo de este nombramiento incrementó su producción de música religiosa,
aunque sin olvidar el estudio y composición de otros temas. En 1627, la ciudad de Mantua sufrió uno de los
peores saqueos de su historia; el archivo del palacio de los Gonzaga, sede donde se hallaban muchas de las
obras de Monteverdi, fue pasto de las llamas, perdiéndose de esta manera la mayor parte de las obras allí
depositadas. Asimismo, un conjunto de desgracias familiares obligó a Monteverdi a tomar una serie de
determinaciones rotundas; entre otras, la de ordenarse sacerdote en 1632, iniciándose de este modo una nueva
etapa músical, muy fecunda e importante en la vida del autor.
La influencia veneciana fue decisiva en la obra de Monteverdi; a ella, sin duda, se deben las siguientes
composiciones: «Adone» (1636), «La nozze d'Enea con Lavinia» (perdida), «Il ritorno di Ulisse in patria»
(1641) y «La coronación de Popea» (1642). Fue también un extraordinario compositor de música religiosa;
partiendo de la tradición y siendo fiel a ella, supo innovar aspectos importantes en este género de música,
cuya influencia iluminó las composiciones de carácter sacro de los ss. XVII y XVIII. Monteverdi, además,
fue uno de los últimos madrigalistas, uno de los pioneros del género operístico que dominó la técnica de la
polifonía. Su música, en resumen, funde una larga tradición de diversos géneros con la introducción de ciertos
elementos innovadores, los cuales persiguen una mayor expresividad y profundidad psicológica de la voz
humana.
Monsigny, Pierre Alexandre

(Fauquembergues, 1729-París, 1817) Compositor francés. Excelente violinista y compositor dotado del don de
la melodía, escribió óperas cómicas de gran éxito, que le sitúan como uno de los fundadores de este género en
Francia («El caíd engañado», 1761; «El rey y el granjero», 1762; «El desertor», 1769).
Montsalvatge, Xavier
(Gerona, 1912) Compositor español. Estudió con E. Morera, Ll. Millet y J. Pahissa. Ha utilizado en su obra
elementos de diversas procedencias, como los ritmos y temas antillanos, el dodecafonismo o la tonalidad
tradicional. Es autor de canciones («Cinco canciones negras», 1945; «Cuarteto indiano», 1952), de piezas
orquestales («Desintegración morfológica de la Chacona de Bach», 1959; «Concierto para Albayzín», 1978),
de música de cámara («Serenata a Lydia de Cadaqués», 1971) y de óperas («Babel», 1967). Es crítico músical

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y catedrático de composición del Conservatorio Municipal de Barcelona. En 1985 recibió el premio Nacional
de Música.
Moreno Torroba, Federico

(Madrid, 1891-id., 1982) Compositor español. Fue discípulo de C. del Campo. En los inicios de su carrera
escribió obras sinfónicas, pero pronto pasó a dedicarse de forma exclusiva a la música teatral. En 1926 fue
nombrado director del Teatro de la Zarzuela. Es autor, sobre todo, de poemas sinfónicos («La ajorca de oro»,
1918), de óperas («El poeta», 1980), de zarzuelas («Luisa Fernanda», 1932; «La chulapona», 1934; «La boda
del señor Bringas», 1953) y de música para guitarra.
Mozart, Leopold
(Augsburgo, 1719-Salzburgo, 1787) Violinista y compositor. Padre de W.A. Mozart. Instalado en la corte del
arzobispo de Salzburgo, fue un excelente violinista. Es autor de música instrumental y vocal y de un
importante método de violín («Versuch einer gründlichen Violinschule», 1756).
Mozart, Wolfgang Amadeus

(Salzburgo, 1756-Viena, 1791) Hijo de L. Mozart, éste le educó músicalmente. Desde los seis años de edad,
junto con su hermana Ana María y siempre bajo vigilancia paterna, dio numerosos conciertos en las cortes de
toda Europa que le granjearon admiración incondicional. En 1773 entró como primer violín de la orquesta del
arzobispo de Salzburgo. Despedido, se instaló en Viena, donde contó con el favor del emperador y gran
reputación como autor de óperas. En 1782 se casó con Constance Weber e ingresó en la logia masónica de
Viena de la mano de E. Schikaneder. En 1787 fue nombrado músico de la cámara imperial de Viena; sin
embargo cuatro años más tarde murió pobre y fue enterrado en una fosa común.
Su personalidad se enriqueció con numerosas influencias: en París conoció la ópera francesa; en Londres,
gracias a la amistad de J.Ch. Bach, la sinfonía y la ópera italiana; en Bolonia estudió la polifonía tradicional
con el padre Martini; en Salzburgo aprendió de Haydn el tratamiento del cuarteto y de la música religiosa; y en
casa del barón Van Swieten de Viena conoció la música de J.S. Bach y de Händel, lo que le animó a cultivar la
gran polifonía. Su obra representa la cumbre del clasicismo músical y se distingue por su perfecta melodía, su
interés rítmico, su natural colorido armónico, su originalidad y su forma.
Su producción puede dividirse en orquestal, instrumental y de cámara, vocal y coral, y operística. Entre las
piezas orquestales se cuentan las sinfonías, destacando especialmente las tres últimas: «nº 39» K. 543, «nº 40»
K. 550 y «nº 41 Júpiter» K. 551 (las tres de 1788). También son importantes los conciertos para piano, entre
los que sobresalen el «nº 9» K. 271 (1777), el «nº 20» K. 466 (1785), el «nº 21» K. 467 (1785), el «nº 25» K.
503 (1786) y el «nº 27» K. 595 (1791); los conciertos para violín «nº 4» K. 218 y «nº 5» K. 219 (ambos de
1775); el «Concierto para flauta y arpa» K. 299 (1778), la «Sinfonía concertante para violín y viola» K. 364
(1779) y el «Concierto para clarinete» K. 622 (1791). En este capítulo merecen citarse igualmente las sonatas
para órgano y cuerdas, las serenatas, las marchas y los divertimentos, de entre éstos los K. 136 y K. 137
(ambos de 1772).
De entre la obra instrumental y de cámara se cuentan numerosas piezas para piano, destacando las sonatas K.
310 (1778), K. 331 «Marcha turca» (1778), K. 457 (1784) y K. 576 «La caza» (1789), varias sonatas para
violín y piano, tríos con y sin piano, cuartetos como el «Adagio y fuga en do menor» K. 446, 1788 y quintetos
como el «Quinteto en la mayor para clarinete y cuerdas» K. 581 (1789).
En el apartado de la música vocal y coral sobresalen numerosas canciones para voz y piano y voz y orquesta
como la «Impresión de atardecer dedicada a Laura» K. 523 (1787), varios cánones y corales y numerosas
misas y piezas sacras entre las cuales: «Misa de la Coronación» K. 317 (1779), «Misa solemnis» K. 337
(1780), «Vísperas solemnes de un confesor» K, 339 (1780) y «Gran misa en do menor» K. 427 (1783), además
del bellísimo motete «Ave Verum» K. 618 (1791), y el impresionante «Réquiem» K. 626 (1791), que dejó
inconcluso y fue terminado por su alumno F.X. Süssmayr. Finalmente hay que citar las óperas, muy
importantes no sólo por la calidad de la música sino por su excelente sentido teatral. Destacan «Idomeneo, rey
de Creta» K. 366 (1781), «El rapto del serrallo» K. 384 (1782), «La clemencia de Tito» K. 621 (1791) y sobre
todo, «Las bodas de Fígaro» K. 492 (1786), «Don Giovanni» K. 527 (1787), «Così fan tutte» K. 588 (1790) y
«La flauta mágica» K. 620 (1791).

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Mudarra, Alonso
(¿principios del s. XVI?-Sevilla, 1580) Compositor español. Canónigo de la catedral de Sevilla desde 1547,
escribió música para vihuela, de la que sólo se conservan «Tres libros de música en cifra para vihuela» (1546),
que incluyen numerosas piezas del autor y transcripciones de otros compositores renacentistas, como A.
Willaert, J. des Prés o A. Agricola.
Músorgski, Modest
(Karevo, 1839-San Petersburgo, 1881). Compositor ruso. Modest Petróvich Músrogski perteneció a una
familia de la nobleza rusa, económicamente arruinada. Su madre le dio las primeras lecciones de piano;
completó su educación en San Petersburgo bajo el magisterio de Anton Herke, y en 1849 inició sus estudios en
la Escuela de San Pedro y San Pablo. A los diecisiete años se licenció en la escuela militar con el grado de
teniente y fue inmediatamente incorporado al regimiento de Preobrazhenski. Allí trabó amistad con otros
oficiales melómanos y compuso sus primeras piezas vocales. Tenía veinte años cuando sufrió la primera de
sus crisis nerviosas, poco después de haber abandonado el ejército para dedicarse exclusivamente a la música.
Unos meses más tarde, Anton Rubinstein ejecutó por primera vez en público una obra de Músorgsgki,
«Scherzo para orquesta en si bemol».
En 1861 pasó a formar, con Balakirev, Cui, Borodín y Rimski-Kórsakov, el «Grupo de los Cinco», de
tendencia vanguardista y nacionalista. Pero, a partir de ese mismo año, cuando Alejandro II dictó la abolición
de la servidumbre, la vida del músico se transformó en una penosa cadena de dificultades materiales, graves
colapsos nerviosos y progresivo hundimiento en el alcoholismo. Durante largas temporadas se recluyó en el
campo, aunque terminó por perder la propiedad familiar. El estreno de su obra capital, «Borís Godunov», en
1870, constituyó un triunfo excesivamente polémico por la rudeza expresiva de su música, que dividió
opiniones y exaltó ánimos. Después de veinte representaciones, la ópera fue retirada de escena y no fue
repuesta hasta mucho tiempo después de la muerte de su autor. Músorgsgki dejó inacabadas la obra dramática
«Jovánschina» y la comedia músical «La feria de Soróchinstsi». Es autor también de las piezas instrumentales
«Una noche en el monte Pelado» (1867) y «Cuadros de una exposición» (1867).
Nardini, Pietro
(Fibbiana, 1722-Florencia, 1793) Violinista y compositor italiano. Fue alumno de Tartini y trabajó en Stuttgart,
Livorno, Padua y Florencia. Destacado instrumentista, escribió música para su instrumento , cuatro concerti
grossi y numerosa música de cámara.
Narváez, Luis de
(s. XVI) Vihuelista y compositor español. Estuvo al servicio de Francisco de los Cobos, a quien dedicó «Los
seis libros del Delphin de música de cifra para tañer vihuela» (1538), recopilación de romances, villancicos,
música instrumental, reducciones de polifonía vocal y diferencias.
Nicolai, Otto
(Königsberg, 1810-Berlín, 1849) Compositor alemán. Fue director de orquesta en Viena y maestro de capilla
de la ópera de la corte de Berlín, donde estrenó, entre otras obras, «Las alegres comadres de Windsor» (1849).
Nono, Luigi
(Venecia, 1924-íd., 1990) Músico italiano, En 1946, año en que se graduó en derecho en la Universidad de
Padua, conoció al compositor Bruno Maderna y, atraído por la música de Schönberg y Webern, decidió
retomar otra vez sus estudios músicales, pero partiendo de cero. En Darmstadt, uno de los principales focos de
irradiación de la música de vanguardia, se unió al grupo formado, entre otros, por Luciano Berio, Pierre
Boulez, Karlheinz Stockhausen, Hans Werner Henze y Maderna. Allí también conoció a Edgard Varése, con
quien siguió un curso de composición.
Dos años más tarde ingresó en el Partido Comunista. En 1955 compuso su primera obra maestra, «El canto
sospechoso», inspirada en las cartas escritas por tres jóvenes antes de ser ejecutados por los nazis. En la
investigación sobre la naturaleza del sonido y el modo de producirlo, no mostró preferencia por la voz
humana. En esta búsqueda, el músico veneciano descubrió la importancia del texto poético, en especial como

100
posibilidad de incidencia, explicación y denuncia de los hechos políticos de su tiempo. Una clara muestra de
ello es «Intolleranza 60», que fue la primera de sus producciones escénicas. Reafirmando su perspectiva del
compromiso social, en 1964 compuso «La fábrica iluminada», basada en un texto de Pavese. En 1967, tras
conocer al cantautor chileno Víctor Jara en un viaje a Suramérica, compuso «Y entonces comprendió», con
textos de Carlos Franqui y citas de Ernesto Che Guevara. «Como una ola de fuerza y luz» (1972), sobre un
texto del poeta argentino Julio Huasi, «Prometeo» (1984) y «Descubrir la subversión: homenaje a Edmond
Jabés» (1987) son otras de sus grandes obras.
Offenbach, Jacques
(Colonia, 1819-París, 1880) Compositor alemán, nacionalizado francés. Hijo de Isaac Juda Eberst, cantor en la
sinagoga de Colonia, Jacob Offenbach (su nombre en alemán) se trasladó siendo aún muy joven a Francia e
ingresó como estudiante de violín y violonchelo en el prestigioso Conservatorio de París. En 1844, tras
convertirse al catolicismo, contrajo matrimonio con Herminie d'Alcain, hija de un carlista español. Tocó el
violonchelo en la Opéra-Comique, y en 1849 fue nombrado director del Théâtre Français, hasta que en 1855
montó su propio teatro, el Bouffes-Parisiens, donde representó muchas de sus célebres operetas, entre ellas
«Orphée aux enfers» (Orfeo en los infiernos, 1859), en la que satirizaba el tema mitológico.
Más tarde interpretó algunas operetas en Ems, Alemania, y una ópera-ballet en Viena, «Die Rheinnixen» (Las
ninfas del Rin, 1864). Tras volver a París el mismo año, presentó en el Variétés «La belle Hélène» (La bella
Elena, 1864). El éxito obtenido con esta opereta se vio reforzado por el que cosechó, después, con otras como
«La vie parisienne» (La vida parisiense, 1866), «La Grande-Duchesse de Gérolstein» (La gran duquesa de
Gérolstein, 1867) y «La Périchole» (1868). Entre 1872 y 1876 dirigió el Théâtre de la Gaîté, donde también
presentó una versión revisada de su «Orfeo en los infiernos» (1874). Su única gran ópera, «Los cuentos de
Hoffmann», quedó inacabada a su muerte.
Compositor sumamente prolífico (dejó más de un centenar de obras escritas para la escena), Offenbach fue
llamado por Rossini «nuestro pequeño Mozart de los Campos Elíseos». Creó una especie de ópera cómica
ligera, la opereta, que pronto se convirtió en uno de los productos músicales más populares de la época. Sus
composiciones, escritas en un estilo fluido y elegante, con un sentido elevado de la caracterización y la sátira,
supieron ser un retrato humorístico y espontáneo del ambiente decadente del Segundo Imperio.
Orff, Carl
(Munich, 1895-íd., 1982) Compositor alemán. Orff adquirió gran celebridad por el enorme éxito de su cantata
Carmina Burana, consagración de un «primitivismo» músical basado en el sistema modal griego, el canto
gregoriano y las canciones populares de la Edad Media. Características éstas que lo ubicaron en una posición
claramente al margen de las tendencias músicales del siglo.
Descendiente de una familia de la aristocracia militar bávara, fue su madre, muy aficionada a la música, quien
lo inició a muy corta edad en el estudio del piano, el órgano y el violonchelo. Compositor precoz, durante su
adolescencia puso música a poemas de Heine y de Hölderling. En 1912 concluyó un ambicioso trabajo coral
sobre «Así habló Zaratustra de Nietzsche». En 1914 se graduó en la Akademie der Tonkunst de Munich; era la
época del arte expresionista, y Orff fue director músical en la representación de obras de Brecht, Wedekind y
Strindberg. Fue movilizado, empero, debido a la Primera Guerra Mundial; a su término actuó como director
de las óperas de Mannheim y Darmstadt. Discípulo, al mismo tiempo, de H. Kaminski, éste lo introdujo en el
vasto mundo de la polifonía anterior a Bach y en los compositores del Renacimiento. En 1924 fundó una
escuela y creó un método de enseñanza de la música que sería ampliamente adoptado, el Orff-Schulwerk.
Hacia finales de los años veinte obtuvo un gran éxito con la dirección de dos óperas de Claudio Monteverdi.
Su interés por la música y el arte antiguos lo llevaron a seleccionar veinticinco poemas en latín de la tradición
goliardesca de los ss. XII y XIII, a los cuales puso música y que presentó en 1937 bajo el título de «Carmina
Burana»; según su propia expresión, con esa obra «comenzó mi verdadero trabajo». La continuidad vino dada
por «Catulli Carmina» (1942) y «Triunfo de Afrodita» (1950-51). Sus obras operísticas buscan la unidad de
palabra, música y gesto: «Antígona» (1948), «Edipo el tirano» (1957) y «Prometeo» (1958). Estuvo casado
con Luise Rinser, escritora y militante feminista y ecologista.
Ortiz, Diego
(Toledo, 1500?) Poco es lo que se conoce, hasta la fecha, de la vida del compositor y violista español Diego
Ortiz. Las primeras noticias de su existencia coinciden con la fecha de la publicación en Roma de su obra

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capital, el TRATTADO DE GLOSAS SOBRE CLAUSULAS Y OTROS GENEROS DE PUNTOS EN LA

MÚSICA DE VIOLONES NUEVAMENTE PUESTOS EN LUZ (15531. La importancia de los conocimientos
que presupone la realización de esta obra, nos mueven a suponer que ella fue compuesta en la madurez de su
vida. Por otra parte, el notable avance, especialmente músical, que representa el tratado de Diego Ortiz, en
relación con la REGOLA RUBERTINA (Venecia 1542-43) de Sylvestro Ganassi —tratado dedicado
especialmente al estudio de la técnica violística, que fue publicado diez anos antes que el de Diego Ortiz— y el
innegable carácter hispánico que transluce en toda su obra, nos confirma la suposición de que Diego Ortiz
salió de su país natal poseyendo ya una formación músical completa. Ello no obstante, seguimos ignorando —
a pesar de recientes investigaciones en su ciudad natal— las fechas exactas de su nacimiento y muerte, el lugar
donde adquirió su formación músical y el género de actividades por él desarrolladas durante la época anterior a
su viaje a Italia.
Natural de Toledo (hacia el 1500?), Diego Ortiz fue en su tiempo uno de los más notables tañedores de Viola
de gamba y maestro ilustre en el arte de la variación. En el año 1553 lo encontramos ejerciendo las funciones
de maestro de capilla en la corte virreinal de Nápoles (uno de los estados de la península italiana, que estuvo
en esta época en plena hegemonía española), mientras es virrey el tercer duque de Alba, Don Fernando Alvarez
de Toledo (1507-1582), capitán general de los ejércitos de Carlos V y Felipe 11, y posteriormente gobernador
de los Países Bajos (1567-1573). Siendo al parecer en su Casa Ducal donde Diego Ortiz asume cinco anos
después (1558) las mismas funciones de maestro de capilla. Como compositor, Diego Ortiz fue también un
polifonista excelente.
Oudrid, Cristóbal
(Badajoz, 1825-Madrid, 1877) Compositor español. Iniciado como pianista, desde 1847 se dedicó a componer
para la escena y contribuyó a la formación y desarrollo de la gran zarzuela. Fue director de la orquesta del
Teatro Real de Madrid de 1876 hasta su muerte. Escribió numerosas zarzuelas, algunas en colaboración con
Arrieta, Barbieri y Caballero («El postillón de la Rioja», 1856; «El molinero de Subiza», 1870).
Oxinaga, Joaquín Martínez de

(s. XVIII) Compositor y organista español. Fue organista de las catedrales de Burgos (1740) y de Bilbao
(1742), de la capilla real de Madrid (1746) y de la catedral de Toledo (1750). Escribió fugas y sonatas para
instrumentos de tecla.
Pablo, Luis de
(Bilbao, 1930) Compositor español. Hijo del abogado Serafín de Pablo y de Victoria Costales, pasó el inicio
de la guerra civil en Madrid junto a su madre y sus hermanos, y en 1938 se trasladó al País Vasco. Al llegar se
encontró con la noticia de la muerte de su padre, y más tarde su hermano mayor moría en el frente del Ebro.
Se instaló con su familia en Fuenterrabía, donde cursó sus estudios primarios e inició clases de solfeo y
piano. Terminada la guerra civil se trasladó a Madrid y allí terminó el bachillerato. A los trece años empezó a
componer música y más tarde se presentó en el programa de Radio Nacional La hora sinfónica.
De Pablo optó por una carrera universitaria que le asegurase el futuro de su familia, estudió derecho en la
Universidad de San Bernardo y se graduó en 1952. Pero su interés por la música lo llevó a asistir a conciertos
y a conferencias especializadas donde tomó contacto con las obras de grandes personalidades de la música,
como Jean-Étienne Marie, Olivier Messiaen y Pierre Henry, entre otros. En 1953 se incorporó a la oficina
jurídica de Iberia, y ese mismo año terminó su obra Gárgolas, que presentó Javier Ríos en 1955. Sus
composiciones vanguardistas se caracterizaron por una movilidad que invita a los músicos a tomarse ciertas
libertades interpretativas. De Pablo se dio a conocer en los ambientes músicales con su «Coral eucarístico»
(1954) y, más tarde, por una mención en el Premio Samuel Ros de Música de Cámara para su «Quinteto para
clarinete y cuarteto de cuerda» (1954). Además, realizó numerosas críticas músicales para la revista «Acento»,
impartió conferencias y fue presidente de Juventudes Músicales (1960 y 1963). A partir de 1962 empezó a
publicar sus obras, entre las que cabe destacar «Tombeau» (1962-1963), su primera obra para orquesta, la serie
«Módulos» (1964-1967), «Protocolo» (1968), su primera música para escena, «Al son que tocan» (1975),
«Viajes y flores» (1985), «El viajero indiscreto» (1983-1989) y «Figura en el mar» (1989).
Pachelbel, Johann

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(Nuremberg, 1653-id., 1706) Organista y compositor alemán. Fue reputado organista de la catedral de Viena
(1673), de la corte de Eisenach (1677) y en Erfurt (1678), Stuttgart (1690), Gotha (1692) y Nuremberg (1695-
1706). Su música, de estilo barroco, que incluye piezas religiosas, de cámara y, sobre todo, para teclado,
influyó en J.S. Bach («Pensamientos músicales sobre la muerte», 1683; «Hexachordum Apollinis», 1699). Es
el autor del célebre «Canon y giga», grabado centenares de veces, incluyendo arreglos en rock. Sus obras
corales sólidamente elaboradas, parecen un tanto exiguas; el punto fuerte de sus comentarios resideen el
cuidado atestiguado por la escritura músicalde las imitaciones previas de los versículos del coral.
Padilla, José
(Almería, 1889-Madrid, 1960) Compositor español. Formado en Madrid, fue un notable autor de operetas, de
comedias musicales («La hechicera en palacio») y de canciones («La violetera», 1914; «El relicario», 1914;
«Valencia», 1928).
Paganini, Niccolò
(Génova, 1782-Niza, 1840) Violinista y compositor italiano, inspirador de la mística romántica del virtuoso e
innovador de la técnica del violín. Siendo aún un niño compuso piezas para violín e interpretó en público un
concierto de Pleyel. Entre 1795 y 1797 vivió en Parma, donde estudió el contrapunto con Alessandro Rolla y
Gaspare Ghiretti, y compuso veinticuatro fugas. En 1797, acompañado de su padre, realizó una gira de
conciertos por Lombardía en la que empezó a ganar prestigio como instrumentista. Entre 1801 y 1807 escribió
sus veinticuatro «Caprichos para violín solo» y las dos series de seis sonatas para violín y guitarra, haciendo
alarde de las innovadoras características de su técnica. En 1805, Elisa Bonaparte, hermana de Napoleón I, lo
nombró director de música de la corte de Lucca y posteriormente dio recitales de sus propias composiciones en
varios auditorios de ciudades italianas. Cuando en 1809 fijó su residencia en Florencia, su fama ya era
extraordinaria. Sus presentaciones en Viena (1828), París y Londres (1831) causaron gran sensación, y su gira
por Inglaterra y Escocia (1832) le convirtió en un hombre rico. En 1833 se instaló en París, donde encargó a
Berlioz que le escribiera la sinfonía «Harold en Italia», que, sin embargo, nunca llegaría a interpretar. En
1834, tras la quiebra del Casino Paganini, de su propiedad, regresó, enfermo, a Italia, y se estableció en
Parma, donde se imprimieron sus obras.
Paganini desarrolló las posibilidades del violín y lo puso al mismo nivel expresivo que el piano, con una
técnica personalísima que exige el uso amplio de armónicos y de efectos «pizzicato», y con nuevos métodos
de digitación e, inclusive, de afinación. Además de sus famosos «Caprichos», que más tarde inspiraron a
Liszt, Schumann y Brahms, compuso seis conciertos para violín; doce sonatas para violín y guitarra; seis
cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra; sesenta variaciones para guitarra y violín y variaciones
para violín y orquesta sobre distintos temas músicales.
Palestrina, Pierluigi da
(Palestrina, 1525-Roma, 1594) Compositor italiano. Inició su formación músical en Santa María la Mayor de
Roma, con Robin Mallapert y Firmin Lebel. En 1544 volvió a Palestrina como organista y director de coro de
la catedral de su villa natal. Al ser elegido papa Julio III, ex cardenal arzobispo de Palestrina, el músico fue
nombrado maestro de coros de la capilla del Vaticano (1551) y más tarde cantor de la capilla pontificia. A
partir de entonces desempeñó diversos cargos en Roma, entre ellos el de director músical de oratorio de San
Felipe Neri, de quien fue amigo personal, y de nuevo director de la capilla pontificia (1571-1594). Fue el
primer compositor italiano de misas pontificales, dominadas hasta entonces por autores flamencos, y su obra
constituye la cumbre del contrapunto vocal sin acompañamiento instrumental. Escribió 104 misas de 4 a 8
voces, 375 motetes, 68 ofertorios, 65 himnos, 35 magnificats, cerca de 150 madrigales religiosos y profanos,
nueve «ricercari» para órgano. Su primera obra, un «Libro de misas» se publicó en 1554.
Paradisi, Pier Domenico

(Nápoles, 1707-Venecia, 1791) Compositor y clavecinista italiano. Fue profesor de canto y de clave. Escribió
obras para su instrumento (12 sonatas) y diversas óperas («Alessandro in Persia», 1738; «Il deceto del fato»,
1740; «Faetonte», 1745).

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Pasquini, Bernardo
(Massa di Valdinievole, 1637-Roma, 1710) Compositor italiano. Se formó en Roma y fue organista de Santa
Maria in Aracoeli y Santa María la Mayor y director músical de la corte de Cristina de Suecia. De gran
reputación como ejecutante y como maestro -tuvo alumnos tan importantes como G. Muffat, F. Durante y D.
Scarlatti-, escribió óperas («Eudosia», 1692), oratorios («La sed de Cristo», 1689) y, sobre todo, música para
teclado. Su obra evolucionó del estilo barroco al clásico o galante.
Pastrana, Joaquín
(1755) Autor del que apenas se conoce la Sonata en re mayor. Pertenece esta sonata al volumen manuscrito
que con el título de Sonatas del Señor Don Joaquín Pastrana, fechado en 1778, se conserva en la Biblioteca del
Conservatorio de Madrid. En un solo tiempo y en la tonalidad de re menor, su parte central en re mayor tiene
un marcado carácter militar que nos recuerda los tientos de batalla, tan tradicionales en la música de tecla
ibérica, como los de Cabanilles y otros compositores ibéricos. La repetici6n del comienzo proporciona una
forma "Da Capo" (ABA) muestra de la preocupaci6n del compositor por encontrar un esquema formal distinto
de las sonatas bipartitas al uso.
Penderecki, Krzysztof
(Debica, 1933) Compositor polaco. Se inició desde muy pequeño en la música en la Escuela Superior de
Cracovia, donde tuvo como profesores a Arthur Malawski y a Stanislaw Wiechowicz. En 1959 hizo su debut
en la música clásica polaca. Consiguió los tres premios otorgados por la Unión de Compositores Polacos en
un concurso destinado a jóvenes. Estos tres galardones tienen nombre propio en tres de sus obras más
famosas: «Estrofas» (1959), «Salmos de David» (1958) y «Emanaciones» (1958-1959). Todas ellas tienen
rasgos característicos. La primera, su rigor serial; la segunda, un carácter coral bajo la influencia todavía de
Stravinsky; y la tercera, su primera aportación realmente original a la música. En 1960 triunfó en
Donaueschingen con «Anaklasis». A partir de ahí se internaría en la conquista de la innovación en la orquesta
completa, uno de los principales rasgos de su música y de su fama.
De la gran cantidad de obras que ha compuesto, la más breve le valió la gloria: «Trenos a la memoria de las
víctimas de Hiroshima» (1960), que compuso para cincuenta y dos instrumentos de cuerda. Sus innovaciones
recorrieron en ésta, y en el resto de su obra, muchas facetas. Renovó los lazos con la música coral, incorporó
los efectos sonoros especiales, investigó la música electrónica y realizó divisiones de las partes de una obra
en sesenta o más en función de los músicos que intervenían.
Su relación con la realidad no se limitó a su obra sobre las víctimas de Hiroshima. Otra obra que causó
sensación fue un breve oratorio llamado «Dies irae» (1967), dedicado a la memoria de las víctimas de
Auschwitz. Además de las obras para orquesta, también renovó las piezas concertantes de gran virtuosismo
para violonchelo, violín u oboe, así como los cuartetos de cuerda. Su ritmo de producción decreció en 1971,
debido a que el gran número de encargos y las creaciones propias ponían en peligro la calidad de sus
composiciones. Con un ritmo más pausado volvió a su antigua genialidad. Entre sus obras cabe destacar la «1.ª
Sinfonía» que acabó en 1973; «Te Deum» (1979) y «2.ª Sinfonía» (1980).
Penella, Manuel
(Valencia, 1881-Madrid, 1938) Compositor español. Dedicado por entero a la música para la escena, destacó
como autor de zarzuelas («La España de pandereta», «El gato montés») y de la música y de la letra de una
ópera cómica de gran éxito («Don Gil de Alcalá», 1932).
Pergolesi, Giovanni Battista

(Jesi, Ancona, 1710-Pozzuoli, Nápoles, 1736) Compositor italiano. Músico de gran inventiva y espiritualidad.
Responsable por otra parte del escándalo conocido como «la querelle des bouffons», que opuso
violentamente a los partidarios de la música italiana con los de la música francesa, cuando el 1 de agosto de
1752, al estreno en París del intermezzo a dos voces «La criada patrona», el mundo músical se partió en dos
bandos irreconciliables. «París -escribe Jean-Jacques Rousseau- se dividió en dos partidos que discutían más
encarnizadamente que si se tratara de una cuestión de Estado.»

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De modesto origen y salud siempre precaria, el precoz talento músical de que dio pruebas decidió a sus
educadores a enviarlo a estudiar composición y violín al conservatorio de Nápoles, donde fue alumno de dos
de los músicos más famosos del momento: Francesco Durante y Francesco Feo, considerado este último como
el fundador de la ópera napolitana. Al finalizar sus estudios, la composición del drama sacro «La conversione
di San Guglielmo d'Aquitania» (1731) pareció definir su inclinación hacia la música religiosa: «Misa
solemne», que le dio a conocer en este campo, a la que seguiría una «Misa romana, en fa mayor» (1734). Sin
embargo, su primer éxito lo obtuvo en 1732 con una ópera bufa en dialecto napolitano, «Lo frate innamurato»,
y fueron sobre todo sus intermezzos cómicos de cariz popular, escritos para ser intercalados en los entreactos
de sus óperas serias como «La Sallustia» (1931), los que le dieron fama. Entre ellos cabe destacar «Livietta e
Tracollo», que acompañaba a su «Adriano in Siria» (1734), además del ya citado «La criada patrona», escrito
para su ópera seria «Il prigioniero superbo» (1733), que, representado por toda Europa, decidió el futuro de un
nuevo género músical, la ópera cómica, que hasta aquel momento había permanecido en la sombra. Enfermo
de tuberculosis, se retiró al convento franciscano de Pozzuoli, donde volvió de nuevo, antes de morir, a la
música religiosa con su última obra, el célebre «Stabat Mater» (1736).
Pezel, Johann Christoph o Petzold, Johann Christoph

(Glatz, 1639-Bautzen, 1694) Violinista y compositor alemán, llamado Pezelius. Obtuvo gran fama en Leipzig
como virtuoso del violín (1664-1681) y se estableció más tarde como músico oficial en Bautzen. Escribió
algunas obras teóricas («Música político- práctica», «Observaciones de música») y abundante música de
cámara de estilo barroco, en especial para instrumentos de viento, y una pieza vocal («El año según los
Evangelios», 1678).
Poulenc, Francis
(París, 1899-íd., 1963) Compositor francés. Fue alumno de R. Viñes y de Ch. Koechlin. Perteneció al Grupo de
los Seis. Excelente pianista, su obra, opuesta al romanticismo, fresca y espontánea, se acercó al neoclasicismo
stravinskiano. Escribió óperas («Les mamelles de Tirésias», 1944; «La voz humana», 1959), ballets («Les
biches», 1923; «Alborada», 1929), música sinfónica y coral «Figure humaine», 1943; «Stabat Mater», 1951),
canciones («Bestiario», 1919), música de cámara e instrumental («Concierto campestre», 1928, para clave y
orquesta) y numerosas piezas para piano.
Pisador, Diego
(Salamanca, c. 1508-?, c. 1557) Vihuelista y compositor español. Publicó en Salamanca un importante «Libro
de música de vihuela» (1552), con romances, canciones, villancicos y fantasías transcritas para vihuela.
Pisendel, Johann Georg

Cadolzburgo, 1687-Dresde, 1755) Compositor y violinista alemán. Fue discípulo de F.A. Pistocchi y de G.
Torelli. Fue maestro de conciertos de la corte de Dresde. Sintetizó los estilos francés e italiano en 7 conciertos
para su instrumento, 4 concerti grossi y numerosa música de cámara.
Ponchielli, Amilcare
(1834-1886) Compositor italiano, cuya obra más popular es “La Danza de las Horas” de la ópera “La
Gioconda”
Prés, Josquin des

(Beaurevoir, c. 1440-Condé-sur-L'Escaut, 1521) Compositor francés. Se formó en la escolanía de Saint-
Quentin y en la escuela de Ockeghem e inició sus actividades músicales en Cambrai. Fue chantre de la catedral
de Milán y estuvo al servicio del cardenal Ascanio Sforza. Con posterioridad, dirigió la capilla del duque
Hércules de Este en Ferrara y fue nombrado por Maximiliano I preboste de la iglesia de la colegiata de Condé-
sur-l'Escaut. Su producción comprende 22 misas completas (a cuatro, cinco y seis voces) y siete fragmentarias,
129 motetes, himnos y salmos y 86 obras profanas.

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Prieto, Julián
(Sto. Domingo de la Calzada, 1765 – Pamplona, 1844) Es buen ejemplo del dominio de la estética clásica por
parte de un compositor español. Prieto naci6 en Santo Domingo de la Calzada en 1765. Allí fue niño de coro,
para pasar después a ocupar una plaza de tenor en Zaragoza, en donde se forrn6 bajo el magisterio de José
García. En 1786 se traslad6 a Pamplona al aprobar el examen de "músico racionero en cuerda de tenor" de la
catedral, y en esta ciudad permaneei6 hasta su fallecimiento que tuvo lugar el 25 de febrero de 1844. Durante
esa larga estancia en Pamplona goz6 de la más alta consideraci6n del Cabildo. En 1807 se encarg6 de la
formad6n músical de los Infantes, desarrollando también las obligaciones propias del maestro de capilla
durante muchos anos, aunque no se le nombr6 oficialmente para este puesto. Prieto se mueve perfectamente en
los dominios de la estética clásica e incluso nos aparecen en su música ciertos anuncios del romanticismo.
Prokófiev, Serguéi Serguéievich

(Sontsovka, Yekaterinoslav, 1891 - Moscú 1953) Compositor soviético. Tras recibir sus primeras enseñanzas
de su madre, siguió sus estudios con R. Glière, y más tarde en el Conservatorio de San Petersburgo, con
Liádov, Rimski-Kórsakov y Cherepnin; después de la Revolución de Octubre (1917) residió en Londres,
Japón, Francia (1922) y Estados Unidos, hasta que en 1934 obtuvo la nacionalidad soviética y permaneció en
la Unión Soviética hasta su muerte, después de adaptar su estilo a las normas artísticas dictadas por los
políticos rusos, pese a lo cual siguió mostrando su innato talento. A partir de su regreso a la Unión Soviética,
Prokófiev simplificó y popularizó su estilo, abandonando sus características de autor vanguardista, de
experiencias polirrítmicas y mecanicistas, para adoptar un profundo neoclasicismo.
La producción de Prokófiev, aunque no creó escuela, contribuyó sobremanera a la música sinfónica, la música
de cámara, la ópera y el ballet; de entre sus óperas destacan «El jugador» (1916-17), «El amor de las tres
naranjas» (1919), «El ángel de fuego» (1922-25), «Semian Kotko» (1939), «Noviazgo en el convento»
(1940-41), «Guerra y paz» (1941-42) y «Un hombre auténtico» (1947-48); también destacan los ballets
«Shut» (1915-21), «Paso de acero» (1925-27), «El hijo pródigo» (1929), «En el Borisfen» (1930-32),
«Romeo y Julieta» (1935-38), «Cenicienta (1941-45) y «Flor de piedra» (1949-59); compuso también
cantatas, como «Alexandr Nevski» (1938) y «El guardia de la paz» (1950), o música para películas, «El
lugarteniente Kizhe» (1934) e «Iván el Terrible» (1944-46), e incluso melodías y suites infantiles, como
«Pedro y el lobo» (1936) o «La hoguera de invierno» (1949); compuso también siete sinfonías, cinco
conciertos para piano, dos conciertos para violín, dos conciertos para violonchelo, suites sinfónicas (la «Suite
escrita», 1914), nueve sonatas, dos conciertos para violín y piano, un concierto para violín solo, y dos
cuartetos de cuerda, etc.
Puccini, Giacomo
(Lucca 1858-Bruselas 1924) Compositor italiano. Hijo de una familia de músicos (su padre, Michele, fue
compositor de música sacra), estudió en el Instituto Músical de su ciudad natal y a partir de 1880 en el
conservatorio de Milán, donde fue alumno de Antonio Bazzini y de Amilcare Ponchielli. Su primer estreno
fue «Le Villi» (1884), ópera a la que siguió «Edgar» (1889), acogidas fríamente tanto por la crítica como por
el público; las obras con las que triunfó, entre las capas más populares, fueron «Manon Lescaut» (1893) y «La
Bohème» (1896), esta última confiada a la dirección de Arturo Toscanini. Después de los éxitos de «Tosca»
(1900) y de «Madama Butterfly» (1904), marchó a Estados Unidos, donde compuso «La fanciulla del West»,
puesta en escena en Nueva York en 1910; en 1917 apareció «La rondine» (La golondrina) y al año siguiente el
célebre «Tríptico», compuesto por tres obras de un acto: «Il Tabarro», «Sor Angelica» y «Gianni Schicchi».
No consiguió acabar su última ópera, «Turandot», pues le sobrevino la muerte; fue acabada por Alfano y se
estrenó en Milán (1926) bajo la dirección de Toscanini.
Autor de los más apasionados melodramas de fines del s. XIX y comienzos del XX, Puccini fue uno de los
pocos músicos en llevar el género lírico a resultados auténticamente novedosos: la sensualidad, la búsqueda
de armonías nuevas y adecuadas para destacar psicológicamente los estados de ánimo de los personajes de las
diversas óperas; daba una gran importancia al libreto, escogiendo siempre a colaboradores de gran talento,
como Illica, Giacosa o Forzano. La figura central de sus melodramas era siempre femenina, descuidando
quizás en exceso a los personajes masculinos; la invención melódica, la gran armonización y la sabia
instrumentación eran rasgos característicos de su arte. Puccini escribió también una misa solemne, un
«Capricho sinfónico», dos minués para orquesta y música de cámara. Su agudo sentido del teatro llegaba
fácilmente al público, fascinándolo, y consiguiendo ser apreciado hasta nuestros días como uno de los grandes
compositores italianos.

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Pujol, Emili
(Granadella, 1886-Barcelona, 1980) Guitarrista, musicólogo y compositor español. Fue alumno de F. Tárrega.
Editó y transcribió obras de grandes vihuelistas, como L. de Narváez, A. Mudarra y E. Valderrábano. Escribió
música para su instrumento, una «Escuela razonada de la guitarra» (1932-1933) y una biografía de su maestro.
Purcell, Henry
(Londres, 1659-íd., 1695) Compositor inglés. Hijo de un músico, desde muy joven perteneció a la capilla real
de música bajo la dirección de Cooke; estudió composición junto a John Blow, al que reemplazó como
organista de la abadía de Westminster (1679). Estuvo al servicio del rey y en 1683 publicó doce sonatas en
trío para Carlos II; compuso numerosas obras para la iglesia, el teatro, la corte y encargos privados. En 1689
realizó su obra más célebre, la ópera «Dido y Eneas», la única enteramente cantada que escribió; el mejor
poeta de su época, Dryden, fue el libretista de otra de sus obras: «La reina india». Los gustos operísticos del
rey Carlos II renovaron el teatro inglés; la aparición de Purcell coincidió con la creación de un nuevo estilo
basado en la fantasía; compuso fantasías a cuatro, tres, cinco y hasta seis y siete partes, sin indicación
instrumental. Unió a su formación, completamente contrapuntística, un sentido de línea melódica inspirada en
el folclore nacional y no rechazó el uso simultáneo de escalas tonales y modales.
Las obras de Purcell abarcan los más diversos géneros; entre su producción instrumental cabe destacar las
«Fantasías» a tres y cuatro partes (1680), la «Fantasía» a cinco partes sobre una nota, doce sonatas a tres
partes (1683), diez sonatas a cuatro partes, «Music's Hand Maid» para clave, ocho suites y obras para órgano
y espineta. Escribió varias odas y cantatas, como «Arise my muse» (1690), «Celebrate this festival» (1693),
para la reina María; para la festividad de santa Cecilia: «Welcome to all pleasures» y «Hail Bright Cecilia».
Compuso «Te Deum» y «Jubilate» (1694) y «Morning endevening service in si bemol» (1682-83) para
servicios religiosos. Entre sus óperas más importantes cabe señalar «A fools preferment» (1688),
«Dioclecian» (1690), «King Arthur» (1651), «Fairy Queen» (1692), «Timon of Athens» (1694), «The indian
Queen» (1694) y «The tempest» (1695), sobre el drama de Shakespeare.
Rachmáninov, Serguéi
(1873-1943) Compositor ruso, uno de los mejores pianistas del siglo. Se orientó hacia la música desde
pequeño, estudió en el Conservatorio de San Petersburgo y más tarde en el de Moscú, donde perfeccionó su
técnica en el piano con Siloti y recibió lecciones de composición de Tanaiev. Siendo muy joven, destacó como
gran pianista y cimentó su fama en numerosas giras de conciertos por Rusia. El prestigio ganado le llevó a
ocupar el puesto de director de orquesta de la Ópera de Moscú, cargo que abandonó antes de que finalizara la
centuria para dedicarse a sus giras pianísticas por Europa y América. Cuando se desató la Revolución rusa,
Rajmáninov abandonó su patria y se instaló temporalmente en París, para trasladarse después a Estados
Unidos. Allí su obra, melodiosa y sentimental, se popularizó enormemente y ejerció influencia notable sobre
la producción cinematográfica.
Los auditorios más conservadores aplaudieron su romanticismo, que encontró en el piano su máxima
expresión. Es probable que esa enfermiza melancolía que recuerda a Chaikovski y que desde el principio fue
su estilo como compositor, se viera intensificada por la nostalgia del exilio.
El éxito no atenuó su naturaleza enfermiza y nerviosa, y su carrera se vio afectada por frecuentes crisis
mentales. En los últimos años de su vida se volvió cada vez más taciturno y menos activo.
Sus obras más conocidas están dedicadas a la combinación de piano y orquesta. El segundo y tercero de sus
«Conciertos para piano» siguen siendo la parte más conocida de su extensa producción. Pero sus «Rapsodias
para un tema de Paganini», de gran virtuosismo pianístico, han merecido mayor difusión todavía.
Entre sus obras para piano merecen destacarse los «Veinticuatro preludios», en especial el segundo. De las
tres obras sinfónicas que compuso sobresale el poema orquestal «La isla de los muertos» (1907), sobre un
cuadro de Bocklin. Después de un período de olvido, desde los años setenta la música de Rajmáninov ha
despertado un renovado interés.
Rameau, Jean-Philippe

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(Dijon, 1683-París, 1764) Compositor francés. De familia de músicos, a los siete años podía leer cualquier
pieza de música para clave. Fue organista en Aviñón, Clermont-Ferrand, Dijon y Lyon. En 1723 se estableció
en París, donde se distinguió como organista, maestro de clave, teórico y autor de óperas y ballets. Escribió
numerosos tratados de música en los que por vez primera se explicaba la práctica armónica de manera
coherente basada en la naturaleza del sonido y se sentaban las bases de la teoría músical moderna: «Tratado de
la armonía reducida a sus principios naturales» (1722), «Generación armónica» (1737). Escribió abundante
música para clave (cinco libros, 1706, 1724, 1728, 1731, 1741) motetes, cantatas y piezas escénicas: «Hipólito
y Aricia» (1733), «Las Indias galantes» (1735), «Cástor y Pólux» (1737), «Dárdano» (1739), «Zoroastro»
(1739), «Las fiestas de Hebe» (1739), «Platea» (1745). Murió poco antes de estrenar su última obra «Abaris o
los Boréades» (1764).
Ravel, Maurice
(Ciboure, 1875-París, 1937) Compositor francés. Formado en París, junto a A. Gédalge y G. Fauré, completó
su formación junto a E. Chabrier y recibió también la influencia de E. Satie. Residente habitual en París, en
1920 se trasladó a Montfort-l'Amaury y realizó numerosos viajes por Europa y EEUU (1928). En 1933
contrajo una enfermedad cerebral que poco después acabaría con su vida. Su obra se basa en ritmos y formas
clásicas (cuarteto, sonata, concierto, etc.), pero tratándolas de forma personal y muy original, tanto en la
música para piano como en la orquestal, distinguiéndose como un excelente orquestador. Sólo en parte influido
por el impresionismo, en su música privan los valores estrictamente músicales y técnicos sobre los emotivos y
subjetivos. Escribió música para piano como «Pavana para una infanta difunta» (1899, orquestada
posteriormente), «Juegos de agua» (1901), «Sonatina» (1905), «Espejos» (1905), «Gaspard de la nuit» (1908),
«Ma mère l'oïe» (1908, luego orquestada y convertida en ballet) y la suite «La tombeau de Couperin» (1917);
música de cámara como el «Cuarteto en fa mayor» (1902-1903), el «Trío» (1914) y «Tzigane», rapsodia para
violín y piano (1924); canciones; música sinfónica como la «Rapsodia española» (1907), los dos conciertos
para piano (1931, el segundo sólo para la mano izquierda) y el poema sinfónico «La valse» (1919-1920);
ballets como «Bolero» (1928) y «Dafnis y Cloe» (1909-1912) y óperas como la cómica «La hora española»
(1907) y «El niño y los sortilegios» (1920-1925).
Reinken, Jan Adams o Reincken, Johann Adam

(?, 1623-Hamburgo, 1722) Organista y compositor alemán. Iniciado como organista en Holanda, se instaló con
posterioridad en Hamburgo, donde en 1678 fundó la ópera. Fue admirado por J.S. Bach. Es autor de «Hortus
musicus» (1687).
Riegel, Henri Joseph o Rigel, Henri Joseph

(Wertheim, 1741-París, 1799) Compositor y pianista francés de origen alemán. Instalado en París en 1768,
ejerció como maestro de clave y de pianoforte. Es autor de oratorios («Jefté», 1784), de óperas cómicas
(«Azélie», 1790; «Le bon fermier», 1780; «L'automate», 1790) y de piezas para tecla contenidas en nueve
colecciones.
Rimski-Kórsakov, Nikolái
(Tijvin, Nóvgorod, 1844-Liúbensk, San Petersburgo, 1908) Músico y compositor ruso. Nikolái Andréievich
Rimski-Kórsakov, genio en el arte de la instrumentación e insigne compositor, es considerado el maestro de
algunos de los músicos rusos contemporáneos más destacados, como Prokófiev o Stravinski, y ha sido llamado
el «padre de la música sinfónica rusa».
Miembro de una familia rural, próspera y aristocrática, absorbió desde pequeño los múltiples caracteres de su
entorno, una hacienda rusa de mediados del s. XIX donde confluían pobres y ricos, nobles y campesinos,
canciones folclóricas y ritos religiosos. En 1859, uno de sus profesores lo introdujo en la gran música orquestal
italiana y en el aún inexplorado territorio de Bach y el contrapunto.
De regreso en su tierra, el estreno en 1865 de su primera sinfonía en San Petersburgo lo catapultó a la fama.
Pocos meses después integraba con Músorgsgki, Balakírev, Borodín y Cui el «Grupo de los Cinco»,
fundamento mismo del nacionalismo músical ruso. Durante los años posteriores compuso un buen número de
piezas orquestales en las que se amalgaman distintas influencias; sólo a partir de 1875 encontró su propio
registro entre el estudio del contrapunto y la antologización de «Cien canciones folclóricas rusas». Tal fusión
dará en la década siguiente obras como «Scheherazade» y «Capricho español» y, ya en el nuevo siglo, las

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óperas «Servilia» (1901) y «La ciudad invisible de Kitezhe» (1905). Tras acompañar a Diaghilev a París, en
1907, su salud se vio deteriorada y al año siguiente murió en su casa de Liúbensk. Fue enterrado en el
monasterio de Novodevichy de San Petersburgo.
Rodrigo, Joaquín
(Sagunto 1902) Compositor español. El menor de los varones de una familia de diez hijos, quedó
prácticamente ciego a los tres años a causa de una difteria. Debido en buena parte a esta desgracia, su familia
le facilitó en la medida de lo posible los estudios músicales, enviándolo a Valencia, de modo que cuando, a
los catorce años, su aprendizaje quedó a cargo de Francisco Antich dominaba ya el piano y el violín. A los
veintidós años realizó sus primeras composiciones y en 1923 la Orquesta Sinfónica de Valencia estrenó su
obra «Juglares». Al año siguiente, con sus «Cinco piezas infantiles», obtuvo el segundo premio en el
Concurso Nacional de Composición. En 1926 se trasladó a París, inscribiéndose en la Escuela Nacional de
Música, donde se convertiría en el discípulo predilecto de Paul Dukas. Además de seguir con la composición
y la interpretación, se entregó a fondo a la musicología, lo cual le llevó a escribir numerosos artículos y dar
conferencias. En 1933 contrajo matrimonio en Valencia con la joven pianista Victoria Kahmi y un año después
la pareja, con la ayuda de una beca de la Academia de Bellas Artes, se trasladó a Baden-Baden. Tras la guerra
civil, una propuesta de Manuel de Falla lo trajo de nuevo a España, y en 1939 estrenó el «Concierto de
Aranjuez», que le daría fama universal. A partir de este momento alternó una intensa labor músical con
diversos cargos públicos (jefe de arte y propaganda de la Organización Nacional de Ciegos, profesor del Real
Conservatorio de Madrid, catedrático de música de la Facultad de Letras de Madrid) y con sus escritos de
musicología.
Aunque Joaquín Rodrigo, por edad, perteneció a la Generación del 27, su estilo tomó otros derroteros,
configurándose en torno a un marcado sentimiento nacionalista, el empleo de formas clásicas y la sencillez
armónica y orquestal. Aparte de las obras citadas, destacan asimismo: «Concierto heroico» (1942), «Ausencias
de Dulcinea» (1948), «Fantasía para un gentilhombre» (1954) y «Concierto divertimento» (1981).
Roseingrave, Daniel
(¿Londres?, c. 1650-Dublín, 1727) se formó con J. Blow y con H. Purcell y fue organista de las catedrales de
Gloucester, Winchester, Salisbury y Dublín. Es autor de música religiosa y para órgano.
Roseingrave, Thomas
(Winchester, 1690-Dunleary, 1766) Hijo de Daniel, se formó en Italia, donde fue amigo de los Scarlatti. Fue
organista en Londres y escribió música para tecla, una ópera y seis cantatas italianas.
Rossi, Michelangelo
(¿Génova?, c. 1600-Roma, c. 1656) Violinista y compositor italiano, llamado Michelangelo del Violino. Fue
alumno de Frescobaldi y estuvo al servicio del cardenal Mauricio de Saboya y del duque de Módena. Es autor
de dos óperas («Erminia sul Giordano» y «Andrómeda») y de diez «Toccate et correnti per organo o cembalo»
(1637).
Rossini, Gioacchino Antonio

(Pesaro 1792-Passy, Francia, 1868) Músico italiano. Considerado el más importante compositor italiano de su
tiempo, sus óperas marcaron en la música el paso del s. XVIII a la época moderna. Su estilo bufo ha servido
de modelo no sólo a los creadores de su tiempo, sino también a los actuales. Hijo de un trompetista, se formó
en el Liceo Músical de Bolonia (1806-10). A los dieciocho años debutó como compositor en Venecia con la
ópera «La cambiale di matrimonio». Su consagración llegaría con «Tancredo» (1813), estrenada en Venecia
con un rotundo éxito. Ese mismo año volvería a triunfar otra vez en Venecia con la ópera cómica «La italiana
de Argel». En 1815 se trasladó a Nápoles para dirigir músicalmente los teatros de San Carlos y del Fondo. Allí
puso en escena su ópera «Elisabetta» (1815), que conquistó el corazón de los napolitanos y el de su primera
mujer, la soprano Isabel Colbran. En 1816 compuso su más genial ópera bufa, «El barbero de Sevilla», con la
que volvería a triunfar en Nápoles. Ese mismo año presentó también con éxito en Nápoles «Otelo» y en 1817
puso en escena en Milán «La gazza ladra». Volvería a los escenarios napolitanos con «Moisés en Egipto»

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(1818) y con «La dama del lago» (1819). Las óperas de Rossini triunfaban ya no sólo en numerosas ciudades
italianas, sino también en los escenarios europeos. Su consagración oficial en Europa se produjo con el
encargo de las piezas músicales para el Congreso de las Naciones de Verona (1822). Tras el éxito de
«Semíramis» (1823) en Venecia, participó en Londres en un festival dedicado a su obra y fue recibido por el
rey Jorge IV. Se estableció después en París, donde fue director escénico y músical del Teatro Italiano. En
París escribió su primera ópera francesa, «El conde Ory» (1818), y presentó con éxito «Guillermo Tell»
(1829), de tema plenamente romántico. Después sólo crearía algunas pequeñas obras como el «Stabat Mater»
(1832-43) y la «Pequeña misa solemne» (1863). En 1836 volvió temporalmente a Italia, hasta 1855, en que se
instaló en París.
Saint-Saëns, Camille
(París, 1835-Argel, 1921) Compositor francés. Estudió con Halévy y con Gounod y tuvo entre sus alumnos a
Fauré, Ravel y Poulenc. Con posterioridad, llevó a cabo una notable carrera internacional como organista y
como pianista. En 1871 fundó, con Fauré, Franck y Lalo, la Sociedad Nacional de Música y defendió con
ardor a los antiguos compositores franceses, especialmente a J.Ph. Rameau. También defendió a los
románticos (Schumann, Liszt, Berlioz, Wagner), pero acabaría por separarse de Wagner acusándole de influir
demasiado sobre la música francesa. Su obra, obviamente orquestada, romántica y cosmopolita, introdujo el
poema sinfónico en la música francesa: «La rueca de Onfalia» (1871), «Faetón» (1873), «Danza macabra»
(1875) y «La juventud de Hércules» (1877). También escribió conciertos para violín, piano, y violonchelo, tres
sinfonías («Tercera sinfonía», 1886), música de cámara («Trío en fa, con piano», 1877; «El carnaval de los
animales», 1876), canciones, música religiosa y óperas («Sansón y Dalila», 1877).
Saldoni, Baltasar
(Barcelona, 1807-Madrid, 1889) Compositor y musicólogo español. Estudió en la escolanía de Montserrat, con
J. Boada, y en Madrid, con F. Andreví y con R. Carnicer. Desde 1839 fue profesor de solfeo y de canto en el
Conservatorio de Madrid. Escribió música de cámara, zarzuelas y óperas italianizantes. Es autor, también, de
un «Diccionario biográfico-bibliográfico de efemérides de músicos españoles» (1868-1881).
Salieri, Antonio
(Legnago, 1750-Viena, 1825) Compositor italiano. Nacido en el seno de una familia de clase media, inició sus
estudios musicales y de violín con su hermano, y más tarde recibió clases de clavicémbalo de Simoni.
En 1769 presentó su primer trabajo, la ópera «Le donne letterate», bajo la supervisión del maestro Gluck, y en
1774, al morir Gassman, fue nombrado compositor de la corte y director de la orquesta del teatro Imperial.
Durante su carrera oficial compuso óperas no sólo para teatros en Austria sino también para compañías en
Francia e Italia. Su presencia en los ámbitos musicales se hizo cada vez más frecuente y los encargos le
llevaron a componer obras de gran relevancia, como «Europa riconosciuta», para la inauguración del teatro de
la Scala en Milán, «La fiera di Venezia», para el teatro de esta ciudad, y «Tarare», presentada en París en
1787. En 1775 se casó con su discípula Teresa von Helfensdorfer, con la que tuvo un hijo. Además de su gran
producción musical, fue reconocido como un gran maestro de composición y de canto, y tuvo alumnos de la
talla de Beethoven, Schubert, Liszt y Süssmayr, entre otros que alcanzarían fama universal. En 1817 fundó con
otras personalidades el Conservatorio de Viena.
Se le culpó de envenenar a Mozart, pero estudios de la época intentaron desmentir esos rumores poco
fundados. A raíz de este hecho, Alexandr Pushkin compuso su obra teatral «Mozart y Salieri», presentada en
1830. Dejó un legado de unas cuarenta óperas, entre las que figuran «Armida», «Semiramide», «Il pastor
fido», «La scuola de'gelosi», «Il Talismano» y «La dama pastorella». En 1821 sufrió una grave enfermedad
mental de la que no se recuperó.
Sanz, Gaspar
(Calanda, 1640-Madrid, 1710) Compositor y guitarrista español. Formado en España y en Nápoles, donde
estudió con C. Carisani, escribió una «Instrucción de música sobre la guitarra española y método desde sus
primeros rudimentos hasta tañerla con destreza» (1674), que contiene numerosas canciones y danzas populares
españolas de la época y datos históricos y técnicos.

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Sarasate, Pablo de
(Pamplona, 1855-Biarritz, 1908) Violinista y compositor español, cuyo verdadero nombre era Martín Melitón
Sarasate y Navascués. Estudió en París y fue uno de los mejores violinistas de su tiempo, al que músicos como
Lalo, Saint-Saëns y Bruch dedicaron obras. Escribió música para su instrumento («Aires gitanos»,
«Introducción y tarantela») inspirada a menudo en el folclore español («Navarra», «Romanza andaluza»).
Satie, Erik
(Honfleur, 1866-París, 1925) Compositor francés, cuyo verdadero nombre era Alfred-Erik Leslie-Satie. Para
poder seguir sus estudios en el Conservatorio de París, se instaló en Montmartre, donde actuaba como pianista
en la Auberge du Clou. Fue amigo de Debussy y Stravinski. Fue uno de los creadores del impresionismo,
aunque posteriormente evolucionó, influyendo sobre muchos músicos franceses contemporáneos como el
propio Debussy, Ravel, el Grupo de los Seis y la llamada escuela de Arcueil, establecida alrededor de su
figura. Iniciado como un convencido de las formas gregorianas y medievales, parte de su obra más notable fue
para el piano, poblada de títulos iconoclastas: «Tres gimnopedias» (1888), «Tres gnosianas» (1890), «Tres
fragmentos en forma de pera» (1890-1903), «Tres preludios débiles» (1912), «Descripciones automáticas»
(1912), «Embriones secos» (1913), «Deportes y diversiones» (1914). También escribió pantomimas y ballets
(«Parada», 1917), una pieza lírica («Trampa de Medusa», 1913), canciones («Je te veux») y el drama sinfónico
para voces e instrumentos, «Sócrates» (1918), su obra maestra.
Scarlatti, Alessandro
(Palermo, 1660-Nápoles, 1725) Se casó y tuvo diez hijos. Se formó en Roma y fue maestro de capilla de la
reina Cristina de Suecia y de la capilla real de Nápoles y de Santa María la Mayor, en Roma (1707). Fue uno
de los fundadores de la escuela napolitana de ópera, género al que aportó unas 115 obras: «Los equívocos en el
semblante» (1679), «La Rosaura» (1790), «Tamerlán» (1706), «Telémaco» (1718), «El triunfo del honor»
(1718), «Griselda» (1721). También destacó como autor de música religiosa, sinfonías, música de cámara y
cantatas de cámara (más de 600). Su estilo armónico y tratamiento de la forma prepararon el camino de la obra
de Haydn y perfeccionaron el aria da capo y la obertura italiana.
Scarlatti, Domenico
(Nápoles 1685-Madrid 1757). Hijo del anterior, nació el mismo año que Bach y Händel. A los diecisiete
compuso sus primeras óperas, «Ottavia restituita al trono» e «Il Giustino» (1703). En 1719 se estableció en
Lisboa como maestro de capilla de Juan V de Portugal y maestro de clave de su hija, la infanta Bárbara de
Braganza. En 1728 viajó a Italia, donde, a la edad de cuarenta y tres años, se casó con la joven romana Maria
Catalina Gentili, que le daría cinco hijos. Cuando, en 1729, la infanta desposó al futuro rey de España
Fernando VI, Scarlatti la acompañó y hasta su muerte vivió en España, primero en Sevilla y luego en las
residencias reales de Madrid y en los palacios de La Granja y Aranjuez. Al enviudar, en 1739, contrajo
segundas nupcias con la española Anastasia Maxarti Ximenes, que le dio otros cuatro hijos. El cuerpo
principal de la obra de Scarlatti consiste, básicamente, en sonatas para clave de un solo movimiento que
ampliaron las posibilidades técnicas y músicales de este instrumento. Compuso 555, de las cuales la mayor
parte está agrupada en pares. También escribió más de una docena de óperas, entre las cuales cabe mencionar
«Tolomeo et Alessandro, ovvero La corona disprezzata» (1711), «Tetide in Sciro» (1712), «Amor d'un ombra,
e gelosia d'un aura» (1714) y «Ambleto» (1715). El resto de su obra comprende cantatas y música sacra, y un
«Stabat Mater».
Scheidt, Samuel
(Halle, Siglo XVII) Compositor y organista holandés, fue el alumno más destacado de Sweelink.
Schlick, Arnold
(Bohemia, c. 1460-Heidelberg, c. 1517) Organista y tratadista alemán. Ciego de nacimiento, estuvo al servicio
del príncipe elector del Palatinado. En 1511 publicó en Maguncia su «Speculum del constructor de órganos y
de organistas», tratado completo de construcción de órganos, en el que Schlick propuso un modelo de
instrumento de 20 juegos con positivo separado, 2 teclados y pedalero independiente. En 1512 terminó su libro
«Tablaturas para algunos cantos de alabanza y cánticos», en el que se hallan versos para la interpretación de la
«Salve Regina», así como variaciones escritas sobre temas gregorianos y melodías de cantos sacros.

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Schönberg, Arnold
(Viena, 1874-Los Ángeles, 1951) Compositor austríaco. De formación autodidacta, comenzó actuando como
violinista, violonchelista, compositor de cámara, orquestador teatral y director de orquestas de teatro. Sus
primeras obras, influidas por el romanticismo wagneriano («Noche transfigurada», 1899; «Cantos de guerra,»
1900) le valieron el apoyo de R. Strauss y G. Mahler, aunque en el poema sinfónico «Peleas y Melisande»
(1902) su estilo cromático y polifónico le llevó a los límites de la tonalidad. Desde entonces abordó el
atonalismo con «Tres piezas para piano» (1909), «Cinco piezas para orquesta» (1909), el drama músical «La
mano feliz» (1913) y, sobre todo, el ciclo de canciones «Pierrot lunaire» (1912).
Entre 1915 y 1923 puso a punto su sistema de composición basado en las doce notas o dodecafonismo, que
daría lugar a «Cinco piezas para piano» (1923), «Serenata» (1924), y «Quinteto de viento» (1925). En 1933 se
instaló en EEUU, donde se dedicó a la enseñanza y a la composición dodecafónica, aunque de modo menos
radical: «Concierto para violín» (1936), «Oda a Napoleón» (1942), «Concierto para piano» (1942), «Trío de
cuerda» (1946) y la ópera «Moisés y Aarón» (inacabada, 1930).
También fueron notables sus libros teóricos: «Tratado de armonía» (1911), «Modelos para principiantes en la
composición» (1942), «Estilo e idea» (1950), «Funciones estructurales de la armonía» (1951). Entre sus
últimas grandes obras destaca la escena dramática «Un sobreviviente de Varsovia, op. 46» (1947). Maestro y
amigo de A. Berg y A. Webern, su obra influyó en numerosos músicos posteriores de todo el mundo.
Schubert, Franz
(Viena, 1797-id., 1828) Compositor austríaco. De familia muy aficionada a la música, se formó en Viena y en
1808 ingresó como becario en la capilla imperial, lo que le permitió seguir las lecciones de Salieri. Vivió casi
toda su vida de manera bohemia gracias a la ayuda de algunos amigos, especialmente Franz von Schober.
Murió de tifus, a los treinta y un años, dejando gran parte de su obra inédita.
Su obra se sitúa como puente entre el clasicismo de Haydn y de Mozart y el romanticismo, aunque se acerca
más al primero. Destacó por su extraordinaria facilidad para la melodía, sus excelentes y constantes
modulaciones y su enorme habilidad al expresar músicalmente el sentido de la poesía. De su obra para
orquesta destacan las sinfonías cuarta o «Trágica» (1816), octava o «Inacabada» (1822) y séptima o «Grande»
(1828); mientras que de su producción de cámara deben citarse algunos cuartetos (nº 13, de 1820; nº 14,
llamado «La muerte y la doncella», de 1824- 1826; y nº 15, de 1826), tríos (con piano, en sí bemol y mi bemol,
1827), quintetos (particularmente en la mayor, llamado «La trucha», de 1819; y en do mayor, de 1828) y el
«Octeto» (1824). Del extenso catálogo para piano, son importantes sus sonatas en do menor, en la mayor y en
sí bemol mayor (1828), los once «Impromptus» (reunidos en tres cuadernos que datan de 1927), los seis
«Momentos músicales» (1828) y la «Fantasía en la menor» para cuatro manos (1828). También abordó la
música religiosa, sobresaliendo la misa nº 5, en la bemol mayor, 1819-1822; y la nº 6, en mi bemol mayor,
1828), la «Cantata Lázaro», inacabada (1820), y el célebre «Ave María» (1824). Para la escena compuso
singspiel, música incidental y óperas: «La guerra doméstica» (1823), «El castillo del placer del diablo» (1813-
1814), «Alfonso y Estrella» (1821-1822), «Fierabrás» (1823) y «Rosamunda de Chipre» (1823), entre otras.
Pero uno de los apartados fundamentales de la obra de Schubert lo constituyen sus magníficos lieder sobre
versos, en ocasiones de grandes poetas como Goethe, Heine, Schiller, Novalis, Esquilo, Petrarca, Shakespeare,
etc. Son excelentes los ciclos denominados «La bella molinera» (1823), «Viaje de invierno» (1827) y «El
canto del cisne» (1828) y más de 600 lieder sueltos como «Margarita a la rueca» (1814), «La zarzarrosa»
(1815), «El rey de los elfos» (1816), «Mignon» (1816), «La muerte y la doncella» (1817), «Suleika I» y «II»
(1821) y «La joven monja» (1825).
Schumann, Robert
(Zwickau, 1810-Endenich, 1856) Hijo de un librero y editor, creció fuertemente influido por la literatura
romántica y el ambiente intelectual que determinarían la presencia de un notable elemento fantástico en su
obra. Se formó en Leipzig (1828), donde aprendió con F. Wieck y H. Dorn. Practicó el periodismo, lo que le
llevó a fundar una revista «Neue Zeitschrift für Musik» (1834), en la que publicó numerosos trabajos de
análisis y crítica músical sobre Chopin, Mendelssohn, Berlioz y Liszt, entre otros. Viajó a Rusia (1844) y
residió en Dresde y Düsseldorf, sufriendo una enfermedad mental que obligó a su reclusión tras un intento de
suicidio (1854). Su obra supone una de las cumbres del romanticismo y destaca por el espléndido tratamiento
del piano y de la voz.

112
De su obra orquestal se destacan sus sinfonías (segunda, de 1845- 1846; tercera o «Renana», de 1850, y cuarta,
de 1841), el «Concierto para piano» (1841-1845), el «Concierto para violonchelo» (1850) y el «Concierto para
violín» (1853). De su música de cámara son interesantes el primer trío en re menor (1847), el primer cuarteto
en la menor (1842), las «Escenas de cuentos» para viola o violín y piano (1851), las dos sonatas para violín y
piano (1851), las «Cinco piezas en tono popular» para violonchelo y piano (1849) y las «Fantasías» para
clarinete y piano (1849). También escribió música coral y religiosa («Réquiem para Mignon», 1849;
«Réquiem», 1852; los oratorios «El Paraíso y la Peri», 1841-1843, y «El peregrinaje de la rosa», 1851) y para
la escena («Escenas de Fausto», 1844-53, «Genoveva», ópera, 1947-50; música para el «Manfred» de Byron,
1949). De entre sus lieder hay que destacar «Mirtos», «Liederkreis» (dos series), «Kerner Lieder», «Los
amores del poeta» y «El amor y la vida de una mujer» (todos de 1840). Finalmente su música para piano
comprende «Mariposas» (1829-1832), «Carnaval» (1834-1835), «Estudios sinfónicos» (1834), «Fantasía» en
do mayor (1836), «Escenas de niños» (1838), «Fantasía kreisleriana» (1838), «Novelletten» (1838), «Sonata nº
2» (1833-38), «Arabeske» (1839), «Carnaval de Viena» (1839), «Álbum para la juventud» (1848) y «Escenas
del bosque» (1848-1849), entre otras.
Schütz, Heinrich
(Köstriz, 1585-Dresde, 1672) Compositor alemán. Fue discípulo de Gabrieli en Venecia (1609-1612). Fue
maestro de capilla del elector de Sajonia (1617-1672), pero en 1628 volvió a Venecia para estudiar un nuevo
estilo monódico junto a Monteverdi. Fue notable organista y maestro de capilla en Dresde. Viajó con
frecuencia al extranjero, especialmente a Italia.
Su obra supone la transición desde los grandes contrapuntistas del Renacimiento (Palestrina, Byrd, Victoria,
Monteverdi) y las figuras cumbres del Barroco (Bach y Händel). Escribió música religiosa, madrigales y la
primera ópera alemana conocida, actualmente perdida («Dafne», 1627). Son importantes sus oratorios («La
Historia de la Resurrección», 1643; «Siete palabras de Cristo», 1645), motetes («Historia de Navidad», 1660-
1664), «Canciones sacras» (1625), «Sinfonías sacras I, II» y «III» (1628, 1647, 1650), «Magnificat alemán»
(1671) y sus «Pasiones» según Lucas, Mateo y Juan (1665-1668).
Scotto, Vincent
(Marsella, 1874-París, 1952) Compositor francés. Es autor de canciones ligeras («Bajo los puentes de París»),
de operetas («Violetas imperiales») y de música para películas.
Serrano, José
(Sueca, 1873-Madrid, 1941) Compositor español. Fue discípulo de S. Giner. Aunque inició su trayectoria con
obras instrumentales, el grueso de su obra está constituido por zarzuelas, género al que aportó algunos de sus
títulos más significativos («La reina mora», «La canción del olvidado», «Alma de Dios»).
Shostakóvich, Dmitri
(San Petersburgo, 1906-Moscú, 1975) Compositor soviético. A los trece años ingresó en el Conservatorio de
Leningrado. En 1923 concluyó la carrera de piano, y en 1925 completó sus estudios de composición. Por
entonces ya trabajaba en la «Primera sinfonía en fa menor» (1926).
Esta obra le hizo famoso en su país y fuera de él. La «Tercera sinfonía» (opus 20), llamada «Primero de
Mayo», significó un cambio de orientación estética, ya que, finalizado el período de relativa libertad de la
NEP y habiendo alcanzado Stalin el poder absoluto, los artistas recibieron la consigna de realizar un arte
destinado a las masas. Los modelos ideales, que se ajustaban a estas consignas, fueron músicos de segunda
fila, y Shostakóvich y otros autores importantes quedaron relegados. Su ópera «Lady Macbeth» encontró las
mayores dificultades. La «Cuarta sinfonía» (opus 43) no pasó de los ensayos. La «Quinta sinfonía» pudo
estrenarse, y se considera la más lograda del compositor. La «Séptima sinfonía» se conoce como «Leningrado»
por haber sido compuesta durante el sitio de esta ciudad por los alemanes. La «Octava sinfonía» no se ajusta a
programa alguno y consta de cinco tiempos; fue la obra que más eco alcanzó hasta el momento en Occidente.
La «Novena sinfonía» es más breve. Luego compuso seis sinfonías más, de discutible originalidad. Han sido
muy interpretados el «Concierto para piano y orquesta» (opus 35) y el «Cuarteto para cuerda» (opus 49).
Shostakóvich escribió mucha música de cámara e instrumental, entre ella quince cuartetos. Fue también autor
de cantatas.

113
Sibelius, Jan
(Hämeenlinna Tavastehus, 1865-Järvenpää. 1957) Compositor finlandés. Después de terminar la carrera de
derecho, cursó estudios en el Conservatorio de Helsinki, que luego amplió en Berlín y Viena. Más tarde se
dedicó a dar clases de teoría músical y de violín. En 1897 obtuvo una beca que le permitió consagrarse por
entero a la composición. Pensionado por el gobierno, hizo giras por todo el mundo, y en su país llegó a ser
considerado una gloria nacional. Tras conseguir la independencia, Finlandia adoptó como himno nacional una
composición de Jan Sibelius.
En una primera etapa adoptó una estética decididamente romántica y cultivó la música nacionalista, con
evidentes influencias de Brahms, Dvorák y Grieg. Sus composiciones, sentimentales, descriptivas e inspiradas
en el folclore de su país, aunque hábilmente elaborado, alcanzaron notable popularidad: los poemas
sinfónicos «Carelia», «Finlandia», «Tapiola», «Kullervo», el ciclo dedicado al héroe legendario Leminiaken,
el «Vals triste», etc. Compuso también un «Concierto para violín y orquesta», música de cámara y vocal, la
ópera «La muchacha de la torre», etc. Mención aparte merecen sus siete sinfonías, escritas entre 1899 y
1924. :p.Quizá lo que más ha perjudicado la obra de Sibelius haya sido su popularidad y la facilidad de las
composiciones reseñadas. No le faltaron detractores que le consideraran un aficionado distinguido. Y de este
modo sus sinfonías quedaron preteridas durante muchos años. Más tarde, y póstumamente, las grabaciones en
disco, sobre todo, han permitido calibrar en toda su grandeza el genio creador de Sibelius. Aun sin abandonar
del todo el sustrato germánico, el descubrimiento de Debussy le permitió abrirse a una concepción más
universal de la música, de la que acabó surgiendo una creación muy personal. En estas sinfonías se pone de
manifiesto la hondura de la inspiración, el perfecto conocimiento instrumental y una gran solidez, que las
sitúan en un lugar más que digno entre la producción sinfónica del s. XX.
Skriabin, Alexandr Nikoláievich

(Moscú, 1872-íd., 1915) Pianista y compositor ruso. Fue discípulo de Arenski y de Tanéiev y ejerció como
profesor en el Conservatorio de Moscú (1898-1903). Realizó una importante carrera internacional como
pianista. Su obra, iniciada bajo la influencia de un romanticismo próximo a Chopin, adquirió con el tiempo una
notable originalidad, basada en una personal filosofía mística y teosófica. Escribió tres sinfonías, poemas
sinfónicos («Poema del éxtasis», 1905-1908) y obras para piano (conciertos, sonatas, estudios, preludios).
Smetana, Bedrich
(Litomysl, 1824-Praga, 1884) Compositor y pianista checo. Estudió con F. Liszt, pero fue, ante todo, un
autodidacta. Ocupó el cargo de director de la Sociedad Filarmónica de Göteborg (1856) y del Teatro Nacional
de Praga (1866-1874), pero tuvo que abandonarlo a raíz de una sordera total.
Su obra, nacionalista y romántica, evidencia el la influencia de las danzas y cantos folclóricos de su país. Es
autor de óperas («Los brandeburgueses en Bohemia», 1866; «La novia vendida», 1866; Dalibor», 1868;
«Libuse», 1881), de poemas sinfónicos («Ricardo III», 1858; «Mi patria», 1874-1879) y de música de cámara,
coral y para piano.
Soler, Antonio
(Olot, 1729-El Escorial, 1783) Compositor y teórico músical español. Iniciado en la música en la abadía de
Montserrat, ingresó en la orden de los jerónimos en San Lorenzo de El Escorial (1752) y fue alumno de D.
Scarlatti y de J. de Nebra. Fue maestro de capilla y organista de El Escorial y maestro de clave de los infantes
Antonio y Gabriel de Borbón.
El Padre Antonio Soler es autor de música para clave, en la que se aprecia la influencia de Scarlatti, de obras
escénicas e instrumentales, de seis conciertos para órgano y de seis quintetos para cuerda y órgano o clave
obligado. Entre sus escritos teóricos, cabe mencionar «Llave de la modulación y antigüedades de la música»
(1762).
Somis, Giovanni Battista

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(Turín, 1686-id., 1763) Alumno de A. Corelli y está considerado como el fundador de la escuela piamontesa
del violín. Fue maestro de G. Pugnani, J.-M. Leclair el Viejo y G. Guillemain, entre otros. Escribió música de
cámara.
Somis, Lorenzo
(Turín, 1688-id., 1775) Hermano de Giovanni Battista Somis, compuso sonatas y conciertos para su
instrumento, el violín.
Sorozábal, Pablo
(San Sebastián, 1897-Madrid, 1988) Compositor y director de orquesta español. Fue discípulo de A. Larrocha
y de B. Paola y estudió en Alemania con S. Krehl y F.E. Koch.
Dirigió la orquesta del gran casino de San Sebastián, la Grotian Steinweg Orchester de Leipzig y las
Filarmónicas de Bilbao y de Madrid. Escribió música de cámara y sinfónica («Suite vasca», «Capricho
español»), canciones («Maitetxu»), una ópera («Juan José») y numerosas zarzuelas y operetas («Katiuska»,
1931; «La del manojo de rosas», 1934; «La tabernera del puerto», 1936; «La eterna canción», 1945; «Las de
Caín», 1958).
Sors, Fernando
(Barcelona, 1778-París, 1839) Compositor y guitarrista español. Formado en la escolanía de Montserrat, a los
18 años estrenó «Telémaco en la isla de Calipso». En 1813 se estableció en París, donde conoció a L.
Cherubini. Su obra, iniciadora del romanticismo catalán, abarca óperas, ballets («Hércules y Omfalia», 1925),
música sinfónica, de cámara y, sobre todo, para su instrumento, del que renovó la técnica y la expresividad. Es
autor también de un «Método para guitarra».
Stamitz, Johann Wenzel Anton o Stamitz, Jan Václav Antonin

(Némecky Brod, 1717-Mannheim, 1757) fue violinista y director de orquesta y escribió sonatas para violín,
sinfonías, conciertos y música de cámara en estilo clásico.
Stamitz, Carl Philipp

(Mannheim, 1745-Jena, 1801), hijo del anterior, fue un virtuoso de la viola de gamba; escribió, también en
estilo clásico, sinfonías, música de cámara, conciertos y dos óperas.
Stockhausen, Karlheinz
(Mödrath, 1928) Compositor alemán. Alumno de Frank Martin en Colonia, fue nombrado director del Estudio
de Música Electrónica de Colonia (1953), destacan sus «Estudios electrónicos I» y «II» (1954). Su obra ha
evolucionado desde el serialismo heredero de Webern hacia las más avanzadas tendencias: «Contrapuntos»
(1953), «Stimmung» (1968), «Sirius» (1975-1977).
Straus, Oscar
(Viena, 1870-Bad Ischl, 1954) Compositor y director de orquesta austríaco. Notable director de orquesta, es
autor de operetas («Sueño de vals», 1907; «El último vals», 1920), de lieder y de música para el cine («La
Ronde») y el teatro.
Strauss, Johan I
(Viena, 1804-íd., 1849), de formación autodidacta, formó parte de la orquesta de J. Lanner y fundó en 1825 su
propia formación. Estableció la forma del vals (cinco partes con «da capo») y es autor también de marchas
(«Marcha Radetzky»), polcas, galopes y contradanzas.
Strauss, Johann II
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(Viena 1825-íd. 1899). Fue el miembro más célebre de la familia y a él se debe la conversión de un ritmo de
origen popular como el vals en una forma músical con entidad propia, capaz de figurar en los repertorios de las
más prestigiosas orquestas sinfónicas contemporáneas. El mayor de los seis hijos del compositor Johann I
Strauss, compuso su primer vals a los seis años; sin embargo, su padre se empeñó en que siguiera una
educación clásica y lo envió al Schottengymnasium y a la Technische Hoschschule. A los dieciocho años,
mientras trabajaba en un banco contra su voluntad, tomó en secreto lecciones de violín y de armonía. Al año
siguiente formó parte de una banda de quince músicos y pronto se convirtió en el rival más temido de la
reputada orquesta de su padre. A la muerte de Strauss padre, en 1849, ambas orquestas se fusionaron bajo su
dirección. Pese al éxito inmediato que obtuvo la nueva formación, Strauss centró su preocupación en dignificar
y aumentar la calidad de sus obras, y al espíritu alegre y ligero del vals añadió la complejidad y el toque
satírico que tomó de Offenbach. Así nacieron, entre los casi quinientos valses que compuso, «Voces de
primavera» (Frühlingstimmen, 1886), «El bello Danubio azul» (An der schönen blauen Donau, 1867), «Vida
de artista» (Künstlerleben, 1867) y «Sangre vienesa» (Wiener Blut, 1873) y sus célebres operetas, entre las que
destaca «El barón gitano» (Der Zigeunerbaron). La inspiración, el furor poético y la fascinación de sus ritmos
despertaron el interés y la estima de los mayores compositores de la época, como Brahms, Liszt o Wagner.
Célibe hasta los treinta y ocho años, Strauss se casó tres veces: con la cantante Henrietta Treffz, que murió al
poco tiempo; con la actriz Angelica Dietrich, de quien se divorció al cabo de cinco años, y con Addele
Deustsch, que lo sobrevivió y en 1926 publicó el interesante epistolario del músico.
Strauss, Richard
(Munich, 1864-Garmisch-Partenkirchen, 1949) Compositor alemán. Hijo de músico, se formó en Munich y se
perfeccionó junto a H. von Bülow. A los 16 años terminó su primera sinfonía y pronto comenzó a destacar
como director de orquesta, lo que le llevaría a largas giras internacionales. En 1885 fue nombrado director de
orquesta de Meiningen. En 1908 comenzó su colaboración con H. von Hofmannsthal en la creación de varias
óperas. Su obra, clasificable como posromántica, comenzó dentro de una tradición académica seguidora de
Brahms para verse influida pronto por Wagner y Liszt y alcanzar la atonalidad para regresar posteriormente a
la tonalidad.
Escribió abundante música de cámara, casi toda en sus años juveniles, música para coros y orquesta y cerca de
200 canciones de gran belleza, entre las que destacan los «Cuatro últimos lieder» (con orquesta, 1948). Sin
embargo la parte fundamental de sus obras se refiere a la orquesta y a la escena. Así, son notables la suite
instrumental «El burgués gentilhombre» (1912, revisada en 1917), el ballet «La leyenda de José» (1912-1914),
la «Sinfonía Doméstica» (1904), la «Sinfonía Alpina» (1915) y, sobre todo, los poemas sinfónicos: «Don
Juan» (1889), «Muerte y transfiguración» (1890), «Las travesuras de Till Eulenspiegel» (1895), «Así hablaba
Zaratustra» (1896), «Don Quijote» (1898) y «Una vida de héroe» (1899). Finalmente hay que citar sus óperas
como «Electra» (1908), «Ariana en Naxos» (1912), «La mujer sin sombra» (1919), «Arabella» (1933),
«Capriccio» (1942) y, principalmente, «Salomé» (1905) y «El caballero de la rosa» (1911). Su última obra,
«Metamorfosis», es un homenaje al arte del contrapunto.
Stravinski, Igor Fiodórovich

(Oranienbaum, 1882-Nueva York, 1971) Compositor ruso. Hijo de un cantante de ópera se dedicó a la música
por influencia de Rimski- Kórsakov, que fue su maestro. Tras conocer a S. Diaghilev se instaló en París y
escribió ballets que le darían fama internacional y mostrarían su personalidad. Hacia 1920 su obra hasta
entonces eminentemente rusa, primitivista y muy personal, derivó hacia el neoclasicismo para adentrarse en
los años 50 en el dodecafonismo. En 1940 se estableció en Estados Unidos. De su época rusa son la fantasía
sinfónica «Fuegos artificiales» (1908) y los ballets «El pájaro de fuego» (1910), «Petrushka» (1912) y la
«Consagración de la primavera» (1913), cuyos hallazgos rítmicos ejercieron gran influencia en numerosos
compositores posteriores. Abordó entonces algunas piezas experimentales como el ballet «Bodas» (1917,
estrenado en 1923), la suite «La historia del soldado» (1918) o la «Música rag para piano» (1919), que
desembocarían en numerosas composiciones neoclásicas como los ballets «Pulcinella» (1920), «Apolo
Musageta» (1928) y «Juego de cartas» (1937), el «Octeto de viento» (1923), la «Sinfonía de los Salmos»
(1930), el oratorio secular «Edipo rey» (1927), una «Misa» (1948) y las óperas «Mavra» (1922) y «Las
aventuras de un libertino» («The Rake's progress», 1951). Ya en estilo dodecafónico escribió el «Septeto»
(1953), el «Cántico sacro» (1956), la cantata «Abraham e Isaac» (1963) y un «Réquiem» (1966) entre otras
obras. También dejó memorias («Crónicas de mi vida», 1935; «Memorias y comentarios», 1960) y obras
teóricas: «Poética músical, bajo forma de seis lecciones» (1939-1940) y «Exposiciones y desarrollos» (1962).

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Sullivan, sir Arthur

(Londres, 1842-id., 1900) Compositor británico. Formado en Londres y en Leipzig, es autor de música
sinfónica y religiosa (como el famoso himno «Onward Christian soldiers») y de numerosas operetas, en
particular sobre libretos de W. Gilbert («El brujo», 1877; «H.M.S. Pinafore», 1878; «El Mikado», 1885; «Los
gondoleros», 1889).
Suppé, Franz von

(Spalato, hoy Split, 1819-Viena, 1895) Compositor austríaco de origen belga. Formado en Viena, completó sus
estudios con Donizetti. Fue director en los teatros An der Wien y Leopoldstadt de Viena. El grueso de su
producción está constituido por música escénica, operetas y por vaudevilles («Poeta y aldeano», 1848;
«Caballería ligera», 1866; «Boccaccio», 1879).
Sweelinck, Jan Pieterszoon

(Deventer, 1562-Amsterdam, 1621) fue organista de la iglesia de San Nicolás de Amsterdam de 1577 hasta su
muerte. Su obra para órgano fue determinante para la evolución de la tradición organística que culminó en
Buxtehude (24 corales, 19 fantasías, 13 toccatas y 7 series de variaciones sobre lieder profanos). Es autor
también de una extensa producción vocal (canciones, motetes, salmos). Fue el último gran exponente de la
escuela flamenca.
Sweelinck, Dirk Janszoon

(Amsterdam, 1591-?, 1652) Hijo de Jan, sucedió a su padre como organista de San Nicolás y editó un «Libro
séptimo de canciones en lengua vulgar» en el que figuran dos obras suyas a cuatro voces.
Tailleferre, Germaine
(Saint-Maur-des-Fossés, 1892-París, 1983) Compositora francesa. Formada junto a M. Ravel, perteneció al
Grupo de los seis y estuvo influida por el impresionismo y E. Satie. Escribió música para piano, de cámara,
sinfónica, para el cine, canciones y ballets («Mercaderes de pájaros», 1924).
Tárrega, Francisco
(Villarreal, 1852-Barcelona, 1909) Guitarrista y compositor español. Formado en Castellón, Valencia y
Madrid, fue el creador de la moderna escuela española de guitarra. Dio conciertos por toda Europa y escribió
música para su instrumento. Entre sus obras destaca «Recuerdos de la Alhambra».
Tartini, Giuseppe
(Pirano, 1692-Padua, 1770) Violinista, compositor y teórico músical italiano. Formado en su país, destacó
como virtuoso y maestro de violín (introduciendo mejoras en las cuerdas y el arco de este instrumento).
Escribió varios tratados teóricos (de armonía, ornamentación, etc.) y abundante música para su instrumento:
conciertos, sonatas («El trino del diablo»), variaciones («Arte del arco») y música de cámara.
Taskin, Henri-Joseph
(París, 1779-id., 1852) Hijo de Pascal-Joseph Taskin, (quien perfeccionó el clave sustituyendo por trozos de
cuero las plumas de cuervo y hacia 1789 inventó el armadine o arpa-salterio sin teclado). Henri-Joseph fue un
notable compositor de música sinfónica, canciones, cantatas y óperas además de profesor de música y editor
músical.
Tchaikovski, Piotr Ilich

(Kamsko-Vótkinsk, 1840-Klin, 1893) Músico ruso. Nacido en una familia acomodada inició sus estudios
músicales siendo aún niño. En 1855 su madre murió víctima del cólera. El encuentro con los compositores y
maestros Anton Rubinstein y Zaremba fue fundamental en su formación, así como sus estudios en el

117
Conservatorio de San Petersburgo, donde estudió armonía, contrapunto, música sacra, composición e
instrumentación. En 1866 consiguió una plaza de profesor en el Conservatorio de Moscú, lo que le permitió
emanciparse de su familia y contactar con los mejores compositores moscovitas. Dos años más tarde, en una
visita a San Petersburgo, conoció a los máximos exponentes del nacionalismo músical ruso: Rimski-Kórsakov,
Músorgski y Borodín, quienes le animaron a componer su primera obra importante y célebre: «Obertura
fantástica de Romeo y Julieta» (1869). Sucesivas crisis nerviosas y amores desafortunados fueron constantes
en su vida. Gozó de un poco de tranquilidad bajo el mecenazgo de la señora Von Meek, finalizado cuando
estaba componiendo la «Obertura fantástica de Hamlet» y el ballet «Cascanueces». Tres años más tarde,
recién acabada su «Sexta sinfonía, Patética», murió de cólera.
La obra de Tchaikovski une la tradición músical de Occidente con su propia y romántica expresión.
Considerada vulgar por los puristas y genial por el público llano, espera todavía un juicio definitivo sobre sus
valores idiosincráticos y su sentimentalismo. Sus composiciones son muy conocidas por formar parte del
repertorio habitual de las orquestas sinfónicas y por estar profundamente ligadas al ballet clásico: «La
tormenta» (1864), «Romeo y Julieta» (1869), el poema sinfónico «Fatum», «Cuarteto para cuerdas, op. 11», la
ópera «Eugenio Oneguin» (1879), basada en un poema de Pushkin, «Suite para orquesta, op. 43» (1878-1879),
«Concierto para violín, op. 35» (1878), «Capricho italiano, op. 45» (1880), y los ballets «El lago de los
cisnes», «Cascanueces» y «La bella durmiente del bosque».
Teixidor y Barceló, Josef

(Cerós, ¿ – Madrid, 1814) Es otro de los grandes organista de la Real Capilla cuya biógrafa todavía es muy
confusa a pesar de su indudable valía. Naci6 en Cer6s, provincia de Lerida en ano no determinado aiin, y
parece que pertenecia a la familia de Domingo Teixidor, maestro de capilla de Lerida falleddo en 1737.
Según AngIes, Josef Teixidor fue igualmente maestro de capilla en la Catedral de Lérida y de allí pasó a
Madrid para ocupar puestos de Capellán y Maestro de Capilla y Organista de las Descalzas Reales. En 1774
ingreso en la Real Capilla, llegando a ser en agosto de 1778 Vicemaestro, Vicerrector del Colegio de Niños
Cantores de Su Majestad y, al parecer! sustituto de José de Nebra. En 1786 6 1787 gan6 las oposiciones a
organista de la Capilla Real, ascendiendo a segundo organista en 1805. FaUeci6 en Madrid en tomo a 1814
61815.
Tejada, Francisco de
Compositor e intérprete de tecla español. Entre sus obras destacan su Suite Navideña nº 2 y sus veinte Minués
Amatorios para clavecín y órgano..
Telemann, Georg Philipp

(Magdeburgo 1681-Hamburgo 1767) Compositor alemán. Hijo de un pastor protestante, estudió derecho en
Leipzig (1701), donde conoció a Haendel, y un año después fundó en el «Collegium Musicum». En 1704 fue
nombrado maestro de capilla del conde Promnitz, en Sorau. Cuatro años más tarde, establecido en Eisenach,
conoció a Johann Sebastian Bach, con quien mantuvo una gran amistad. Después de ocupar los cargos de
organista, director músical y maestro de capilla en diversas ciudades alemanas, se estableció en Hamburgo
(1721), adonde había sido llamado para ocupar el puesto de «kantor» en la Johannisschule y de director de
música de las cinco iglesias principales de la ciudad. Compositor prolífico, en vida su fama superó a la de
Bach y su estilo pulcro y atractivo constituye una de las expresiones más acabadas del barroco músical y de los
inicios del rococó. Su producción incluye más de cuarenta óperas, entre las cuales sobresalen «Don Quijote» y
«Sócrates». De sus 44 pasiones, la más famosa es la conocida por el «Indice Brocke» (1716). Más de
seiscientas obras integran su repertorio de creaciones instrumentales, entre las que abundan serenatas, tríos,
dúos, cuartetos, sonatas y conciertos. En este campo de la música instrumental cultivó con acierto el género del
concerto a la italiana con instrumentos solistas, y se le debe una legión de obras en las que uno o varios
instrumentistas tienen un papel protagonista destacado. Su música está experimentando actualmente un
proceso de creciente revalorización.
Tessarini, Carlo
(Rímini, 1690? – 1765) Compositor y violinista italiano, muere dejando un gran número de Sonatas y
Conciertos. Los expertos ven en él un importante pionero de las formas clásicas.

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Thomas, Ambroise
(Metz, 1811-París, 1896) Compositor francés. Niño prodigio de la música, hijo de músico, fue director del
Conservatorio de París (1871-1896). Su obra, netamente romántica, incluye música religiosa, para piano y,
sobre todo, óperas («Mignon», 1866) y óperas cómicas («La tempestad», 1899).
Torelli, Giuseppe
(Verona, 1658-Bolonia, 1709) Violinista y compositor italiano. Gran virtuoso del violín, escribió música para
su instrumento, las primeras obras que merecen el nombre de concierto, de cámara («Pastorale per il Santisimo
natale», de 1709), y fue creador, junto con A. Corelli, del concerto grosso, con una colección de 12. La
originalidad de su escritura y de sus orquestaciones se evidencia en las 7 colecciones publicadas que incluyen
sonatas a 3, sinfonías, conciertos y un concertino per camera.
Tunder, Franz
(Siglo XVII) Compositor y organista, , predecesor de Buxtehude en en el puesto de organista de Santa María
de Lübeck, se sitúa, gracias a su comentario del cántico de Pentecostés “Komm, Heiliget Geist, Herre Got”,
entre la serie de maestros que han cultivado esta forma de manera particular.
Turina, Joaquín
(Sevilla 1882-Madrid 1949) Compositor y director de orquesta español. Inició sus estudios músicales en
Sevilla; posteriormente se trasladó a Madrid y París para completarlos. En 1914 regresó a España, fijando su
residencia en Madrid. El estreno de «La procesión del Rocío» (1913) marcó el inicio de su producción
nacionalista, de un marcado aire andaluz y casi siempre sevillano. Fue director de la orquesta del teatro Eslava
y concertador del teatro Real; prosiguió sus tareas de concertista, director de orquesta y compositor,
estrenando en numerosas ocasiones sus propias obras. En 1926 ganó el premio nacional de música con el Trío
para violín, violonchelo y piano, y desde 1931 ocupó la cátedra de composición del Real Conservatorio de
Madrid. En 1941 fue nombrado comisario de la Música en el Ministerio de Educación Nacional, labor que
desempeñó simultáneamente con la de crítico músical. Entre su vasta producción músical destacan sus
composiciones para orquesta «Evangelio» (1915), «Danzas fantásticas» (1920), Sinfonía sevillana» (1921), la
fantasía coreográfica «Ritmos» (1928), «Rapsodia sinfónica» (1931), para piano y orquesta de cuerda, diversas
obras de cámara que incluyen cuartetos, quintetos, obras para violín y piano como «El poema de la
sanluqueña» (1924) o «La oración del torero» (1925), obra para cuatro laúdes, un gran número de obras para
piano, como «Álbum de viaje» (1916), «Miniaturas» (1929), Sonata fantástica» (1930) y «Fantasía italiana»
(1932), diversos lieder, obras para guitarra y las obras escénicas «Fea y con gracia» (1904), «Margot» (1914) y
la ópera «Jardín de oriente» (1923).
Usandizaga, José María

(San Sebastián, 1887-id., 1915) Compositor español. Formado en San Sebastián y en París, junto a V. D'Indy,
escribió música sinfónica, de cámara e instrumental además de la ópera «Mendi- Mendiyan»(1910) y las
zarzuelas «Las golondrinas» (1914, convertida en ópera por su hermano Ramón) y «La llama» (1915, acabada
también por Ramón).
Valderrábano, Enrique de
(Peñaranda de Duero, c. 1500-?, c. 1557) Compositor español. Notable vihuelista, estuvo al servicio de F.
Zúñiga y Avellaneda, conde de Miranda, a quien dedicó un «Libro de música de vihuela intitulado Silva de
Sirenas» (1547), que incluye piezas propias y transcripciones de música vocal polifónica de autores
francoflamencos y españoles de la época.
Venegas de Henestrosa, Luis

(Henestrosa, c. 1505-Toledo, c. 1557) Vihuelista y compositor español, que residió y trabajó junto a Juan de
Tavera, arzobispo de Santiago de Compostela y, posteriormente, de Toledo. Tras la muerte de su protector,
dedicó al sobrino de éste su «Libro de cifra nueva para tecla, arpa y vihuela», publicado en Alcalá de Henares

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en 1557, magna obra que recoge una serie de transcripciones de obras tanto de compositores españoles, como
Cabezón, Morales, Urreda, y extranjeros, como Giulio de Modena, Josquin, Crequillon y Verdelot, más una
introducción técnica en la que se abordan aspectos como la práctica del canto polifónico, tablatura, afinación
de los instrumentos, etc.
Veracini, Antonio
(Florencia, 1659-id., 1733) Virtuoso del violín, escribió sonatas para su instrumento y cuatro oratorios.
Veracini, Francesco Maria

(Florencia, 1690-id., 1768) Sobrino de Antonio Veracini. Considerado uno de los mejores violinistas de la
historia, viajó por toda Europa y escribió 24 sonatas para violín y bajo continuo -destacan las «Sonate
accademiche» de 1744-, además de óperas, oratorios y cantatas.
Verdi, Giuseppe
(Roncole di Busseto, 1813-Milán, 1901) Compositor italiano. Hijo de un tabernero, se formó junto al organista
de su pueblo y en Busseto y Milán. En 1839 estrenó en Milán su primera ópera («Huberto, conde de San
Bonifacio») con gran éxito. Posteriormente cultivó el drama con alusiones políticas que lo convirtieron en
símbolo del Risorgimento, sobre todo raíz del estreno de «Nabucco» (1842). A ésta siguieron otras óperas de
velado cariz patriótico como «Los lombardos en la primera cruzada» (1843), «Ernani» (1844), «Los dos
Foscari» (1844) y «Attila» (1846).
Con las obras que compuso a continuación como «Macbeth» (1847) y «Luisa Miller» (1849) maduró su arte,
profundizando en la caracterización de los personajes. Alcanzó el esplendor con «Rigoletto» (1851), «La
traviata» (1853) y «El trovador» (1853), que renovaron la ópera italiana y le procuraron fama europea. A partir
de entonces escribió varias óperas de gran calidad: «Las Vísperas Sicilianas» (1855), «Simon Boccanegra»
(1857) y, sobre todo, «Un baile de máscaras» (1859), «La fuerza del destino» (1862), «Don Carlos» (1867) y
«Aida» (1871). En 1874 escribió su excelente «Misa de réquiem», a la memoria de A. Manzoni y, tras un
paréntesis de inactividad, volvió a componer, ahora influido por el aliento sinfónico de Wagner y sus
«leitmotiv»: «Otelo» (1887) y, sobre todo, «Falstaff» (1893). Antes de morir aún escribió «Cuatro piezas
sacras: Ave María» (1889), «Te Deum» (1896), «Stabat Mater» (1897) y «Alabanzas a la Virgen María»
(1898).
Victoria, Tomás Luis de

(Ávila, c. 1548-Madrid, 1611) Compositor español. Formado en Ávila y Roma, fue probable alumno de
Palestrina y ocupó importantes cargos en la ciudad italiana hasta 1587. Regresó a España, donde fue nombrado
organista y maestro de capilla del convento de las Descalzas Reales de Madrid. Escribió únicamente música
religiosa vocal sin acompañamiento y de estilo contrapuntístico, a la manera de Palestrina, pero cargada de
apasionado misticismo. Son importantes sus motetes (1572, 1583 y 1600), misas (1576, 1592 y 1600), salmos
(1576 y 1600), «Magnificat» (1576), «Himnos» (1581), «Cánticos a la Virgen María» (1581) y, sobre todo, el
«Oficio de Semana Santa» (1585) y el «Oficio de difuntos» (1605), cumbre de la escuela polifónica romana.
Vieuxtemps, Henri
(Verviers, 1820-Mustapha, 1881) Violinista y compositor belga. Gran virtuoso del violín, viajó por toda
Europa, siendo alabado por Schumann. Escribió numerosas obras para violín, sobre todo seis notables
conciertos.
Villa-Lobos, Héitor
(Río de Janeiro 1887-íd. 1959) Compositor brasileño. Desde muy joven empezó a estudiar composición y
diversos instrumentos, especialmente el violín, el violonchelo, el clarinete y el saxofón. Compositor
sumamente prolífico, llegó a escribir cerca de un millar de temas de los más variados estilos y formas. A
menudo escogió títulos que inducen a pensar en él como un cultivador del folklorismo: «Uirapurú», «Caixinha
da boas festas», «O papagaio do Moleque», «Mendú carará» (para orquesta), «Danças dos indos mestiços»,
«Girandas», «A prole do Bebé» (para piano), «Serestas», etc. Sin embargo, Villa-Lobos fue más que eso, y si

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utilizó elementos folclóricos fue capaz de trascenderlos para crear un universo sonoro personalísimo y
difícilmente clasificable. Escribió además cinco óperas, dieciocho ballets, cinco sinfonías, diez poemas
sinfónicos, sonatas, tríos y música diversa de cámara, numerosas canciones, música para piano, etc. Particular
aceptación internacional han tenido sus «Choros» y «Bachianas brasileiras». Estas últimas suman un total de
nueve suites comenzadas a componer en 1930 y permiten seguir la evolución de Villa-Lobos hacia una
creciente abstracción formal. Su reconocimiento universal puede resumirse en el gran número de instituciones
extranjeras que lo acogieron: miembro de las Academias de Bellas Artes de Francia, de Artes y Ciencias de
Nueva York, de Bellas Artes de la República Argentina, de la de Santa Cecilia de Roma, oficial de la Legión de
Honor, miembro del Instituto de Francia y doctor «honoris causa» por la Universidad de Nueva York.
Viotti, Giovanni Battista

(Fontanetto Po, 1755-Londres, 1824) Violinista y compositor italiano. Considerado uno de los mejores
violinistas de su tiempo, triunfó en toda Europa y fue el padre de la técnica violinística moderna. Escribió
abundante música de calidad para su instrumento: 29 conciertos, cuartetos, tríos y sonatas.
Vitali, Giovanni Battista

(Cremona, c. 1644-Módena, 1692) Sus sonatas para instrumentos de cuerda figuran entre las primeras
composiciones que recibieron este nombre, e influyeron en el desarrollo de esta forma.
Vitali, Tommaso Antonio

(Bolonia, c. 1663-Módena, 1745) Hijo de Giovanni Vitali, también escribió música para cuerdas, destacando
su «Chacona».
Vivaldi, Antonio
(Venecia 1678-Viena 1741) Compositor italiano. Su padre, Giambattista, era un violinista muy famoso en su
época, adscrito a la catedral de San Marcos, y fue él quien le formó músicalmente. Luego perfeccionó sus
conocimientos con Giovanni Legrenzi, uno de los mejores maestros venecianos. Siguió asimismo estudios
eclesiásticos y en 1703 fue ordenado sacerdote.
En 1709 fue nombrado profesor de violín en el seminario músical del Hospital de la Piedad. Según Goldoni, su
amigo y libretista, se le dio el apodo del Cura Rojo por el color de su cabello. Entre 1711 y 1740 desempeñó
los cargos de director del coro y de la orquesta femenina, así como de violinista, todos ellos adscritos a la
catedral. Viajó mucho por Europa, y en Roma interpretó su música ante el pontífice. Falleció hallándose en
Viena, donde fue sepultado.
Como compositor, la obra de Vivaldi es muy variada y compleja, y comprende música sacra, sonatas para
violín, oratorios, cuarenta y siete óperas y un elevado número de conciertos. En el ámbito de lo instrumental su
influencia fue inmensa, y aportó al concierto para instrumento solista una fuerza creadora que determinó su
transformación en el sentido moderno en que lo conocemos, dejando muy claros los papeles respectivos de la
orquesta y el instrumento, y estableciendo para este último sus momentos de especial virtuosismo. Organizó el
concierto en torno a tres temas básicos, consolidando así la unidad de la composición, que quedaba dividida en
un allegro inicial y otro final, con un tiempo central.
Se conservan 554 piezas de música instrumental, 75 de ellas sonatas, 23 sinfonías y 454 conciertos para
diversas combinaciones instrumentales. Los más célebres de estos últimos son «La fantasía armónica»
(1712), «La extravagancia» (compuesta hacia la misma época) y «El fundamento de la armonía y de la
invención» (en torno a 1725), que contiene las famosas «Cuatro estaciones». En el campo de la música
religiosa destaca el «Gloria en remayor».
Vives, Amadeo
(Collbató, 1871-Madrid, 1932) Compositor español. Fundó junto a L. Millet el Orfeó Català (1891), para el
que compuso piezas corales de tanto éxito como «L'emigrant» o «La balanguera». Instalado posteriormente en
Madrid, cultivó la canción («Canciones epigramáticas», 1915-1916) y la música teatral con gran éxito.
Destacan la ópera «Don Lucas del Cigarral» (1899) y las zarzuelas «Bohemios» (1903), «Maruxa» (1915) y
«Doña Francisquita» (1923).

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Wagner, Richard
(Leipzig, 1813-Venecia, 1883) Compositor y libretista. Nacido en el seno de una familia dedicada al teatro, se
formó en Dresde y, desde 1827, en la Thomasschule de Leipzig. Obtuvo sucesivos cargos en Wurzburgo,
Magdeburgo y Königsberg y escribió «Las hadas» (1834). En 1837 obtuvo el puesto de director de la ópera de
Riga y comenzó «Rienzi», terminada en París (1840). Allí, a pesar de la ayuda de O. Meyerbeer, no pudo
entrar en los ambientes músicales y tuvo que trabajar como copista y articulista, escribiendo «El buque
fantasma», que se estrenó en Dresde (1843) y le valió el puesto de director de orquesta de la ópera de esta
ciudad. Amigo de M.A. Bakunin, tras componer «Tannhäuser» (1845) y «Lohengrin» (1847) fue desterrado y
tuvo que exiliarse por sus actividades revolucionarias, siendo acogido en Weimar por Liszt, que le ayudó a
instalarse en Zurich, donde escribió obras teóricas, entre ellas un panfleto contra Meyerbeer y los judíos, y
comenzó la composición de su «Tetralogía» o «El anillo del Nibelungo» (formada por «El oro del Rin», 1854;
«La valquiria», 1856; «Sigfrido», 1871; «El ocaso de los dioses», 1874). A causa de su pasión por M.
Wesendonck, esposa de un comerciante que le había ayudado (algunas de cuyas poesías musicó en «Cinco
poemas de Mathilde Wesendonck», 1858), tuvo que abandonar Zurich y se instaló en Venecia, donde comenzó
«Tristán e Isolda», terminada en Lucerna (1859). En 1861 estrenó «Tannhäuser» en París, pero su fracaso le
hizo recorrer Europa como director de orquesta. Paralelamente le fue levantado el destierro y pudo regresar a
Alemania, donde comenzó «Los maestros cantores». En 1864 fue invitado por Luis II de Baviera, que tenía
entonces 18 años, a Munich, pero allí encontró un ambiente adverso que le obligó a marchar nuevamente a
Suiza. En Tribschen (Lucerna) casó con Cosima (1870), la hija de Liszt, y terminó «Los maestros cantores»
(1867). De esta época data su gran amistad con F. Nietzsche, que acabaría en agria polémica. De regreso a
Baviera, y con la ayuda del rey, hizo construir el Teatro de los Festivales Wagnerianos en Bayreuth, terminado
en 1876, y la Villa Wahnfried para su residencia, donde se reunía con numerosos músicos simpatizantes con su
música, como su suegro, F. Liszt. En 1882 terminó su «Parsifal», estrenado en su teatro en presencia del
emperador Guillermo I, y se retiró a descansar a Venecia, donde murió.
Su obra representa la culminación del romanticismo alemán en el terreno teatral, fundiendo el aria y el
recitativo en un nuevo género de expresión músical que basó su unidad en el desarrollo de breves fragmentos o
motivos («leitmotiv»), característicos de una situación o de un personaje, que refuerzan el sentido dramático
del conjunto. También escribió sus propios libretos y describió escenificación y vestuarios hasta en su menor
detalle, llegando a lo que denominó el drama músical u obra de arte total subordinada a la acción dramática.
Weber, Carl Maria von

(Eutin, 1786-Londres, 1826) Compositor alemán. Hijo de un actor y empresario de teatro, fue alumno de M.
Haydn y de G.J. Vogler y destacó como excelente pianista, además de desempeñar diversos cargos en ciudades
alemanas y en Praga. Su obra fue la iniciadora de la ópera nacional alemana y de la escuela operística
romántica, tanto por su temperamento, romántico y muy germánico, como por su uso del alemán en los
libretos. Escribió música para piano («Gran polonesa», 1808; «Rondó brillante», 1819; «La invitación a la
danza», 1821), sinfónica (dos sinfonías, 1807; «Konzertstück», para piano y orquesta, 1821), de cámara
(«Gran cuarteto», 1809; «Quinteto», 1815) y, principalmente, óperas, entre las que destacan «Euryanthe»
(1823), «Oberón» (1826) y, sobre todo, «El cazador furtivo» (1821).
Webern, Anton von

(Viena, 1883-Mittersill, 1945) Compositor austríaco. Alumno de G. Adler y A. Schönberg, desempeñó cargos
en Danzig, Praga y Viena. Su obra pasó del posromanticismo al expresionismo atonal (1908) y, finalmente, al
dodecafonismo (1924), aunque se caracterizó siempre por una elevada capacidad de síntesis y concentración y
por una experimentación tímbrica muy profunda. Utilizó también los medios contrapuntísticos de los maestros
flamencos renacentistas. Junto a Schönberg y Berg formó la llamada Escuela de Viena. «Cuatro canciones»
(1907), «Pasacalle», para orquesta (1908), «Seis piezas para orquesta» (1910), «Bagatelas» para cuarteto de
cuerda (1913), «Cinco piezas para orquesta» (1914), «Tres pequeñas piezas» para violonchelo y piano (1915),
«Sinfonía» (1918), «Canciones sobre textos populares» (1924), «Trío para cuerda» (1927), «La luz de los
ojos» para coro y orquesta (1935), «Variaciones» para piano (1936) y dos cantatas (1939 y 1943).

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Weil, Kurt
(Dessau, 1900-Nueva York, 1950) Compositor alemán que emigró a EEUU en 1935 ante la amenaza nazi.
Colaborador habitual de Bertold Brecht, puso música a varias obras del dramaturgo, como «Auge y caída de la
ciudad de Mahagonny» (1927), «La ópera de perra gorda» (1928) o «Happy end» (1929). En EEUU se
convirtió en estrella de Broadway, escribiendo, entre otros, los músicales «Johnny Johnson» (1936),
«Knickerbocker holiday» (1938) y «One touch of Venus» (1943). Muchas de sus canciones han alcanzado gran
popularidad, como «Mack the knife», «September song» o «Speak low».
Weiss, Silvius Leopold

(1686-1750) Compositor y guitarrista barroco alemán. Entre sus obras destaca la Suite para guitarra en mi
menor.
Ysaye, Eugène
(Lieja, 1858-Bruselas, 1931) Excelente violinista, difundió la obra de sus amigos C. Franck, C. Debussy y V.
d'Indy, entre otros. Escribió una ópera y música para el violín.
Zelenka Jan Dismas

(desconocido 1679-1745) Compositor checo. Su obra más popular es Hipocondría.
Zipoli, Domenico
(Prato, 1688-Córdoba, Argentina, 1726) Compositor italiano. Alumno de A. Scarlatti, ingresó en la orden de
los jesuitas y destacó como organista y compositor de música instrumental para tecla.

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GLOSARIO VI COMPOSITORES DE MUSICA POPULAR
GLOSARIO VI
GLOSARIO DE COMPOSITORES DE MÚSICA POPULAR
Brassens, George
(Sète, 1921-Saint-Gély-du-Fesc, 1981) Cantante francés. Poeta y trovador destacado de la canción francesa
moderna durante los años cincuenta y sesenta, manifestó desde niño su forma particular de interpretar la vida.
No le gustaba la escuela y prefería la música y la poesía a otras actividades. Participó con otros compañeros
en algunos robos que le aumentaron la sensación de ser un proscrito. Durante la guerra recibió una
convocatoria para el Servicio de Trabajo Obligatorio. En su primer permiso decidió no volver y encontró
refugio en casa de Jeanne Le Bonniec y su marido Marcel Planche.
Las primeras composiciones, sobre temas de amores trágicos o imposibles, no tuvieron éxito. Sus actuaciones
en diversos cabarets no cosecharon más que fracasos hasta que de la mano de la cantante Patachou, el 9 de
marzo de 1952, Brassens cantó en la Butte Montmartre, de su propiedad, con un éxito extraordinario. Grabó su
primer disco en Polydor y fue reclamado para intervenir en emisiones radiofónicas, televisión, galas,
entrevistas e incluso para actuar en una película, «La Porte des Lilas», dirigida por René Clair. Francia y parte
de Europa habían descubierto, por fin, la categoría de un autor que reflejaba en sus canciones la ternura, la
sátira y la ironía de su visión de la vida irreductiblemente inconformista. Brassens se tildaba a sí mismo de
pornógrafo y obsceno, pero para todos era, sin duda, un magnífico cantante y un extraordinario poeta. También
utilizó en sus canciones letras de poetas famosos, Villon, Hugo, Verlaine o Aragon. Cuando murió, se cumplió
su manifiesto deseo de «pasar la muerte de vacaciones en una tumba entre el cielo y el mar con un pino parasol
encima», en el hermoso cementerio de su pueblo natal, Sète.
Brubeck, Dave
(Concord, 1920) Pianista y compositor de jazz de formación clásica, que estudió con Darius Milhaud y Arnold
Schönberg, aportó al jazz elementos propios de la música clásica como la fuga y los polirritmos. Comenzó a
tocar jazz dentro de la corriente cool, pero sus mejores momentos fueron al frente de su Dave Brubeck Quartet
en el que contaba con el saxofonista Paul Desmond, creador del famoso «Take five» (1960), su mayor éxito
popular. Sus trabajos sobre ritmos poco frecuentes, como el compás de 5 por 4, el rondó al estilo de Mozart o
el vals jazzeado son sus mejores aportaciones al mundo del jazz.
Charles, Ray
(Albany, Georgia, 1930) Cantante, pianista y compositor estadounidense. A los siete años perdió la vista por
culpa de un glaucoma. Estudió en la Saint Augustine School para ciegos, en Florida, y allí aprendió a tocar
piano, órgano, trompeta, clarinete y saxo alto. En 1953 se trasladó a Nueva Orleans, donde grabó el clásico «I
got a woman» en compañía del guitarrista Guitar Slim, y se reveló como cantante: en lugar de imitar a su
ídolo Nat King Cole, logró desarrollar un estilo propio cercano al gospel, lleno de agresividad y sentimiento al
mismo tiempo: fue el nacimiento del soul.

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GLOSARIO VI COMPOSITORES DE MÚSICA POPULAR
En 1959 grabó el éxito «What'd I say» con su coro femenino habitual, The Raelettes. Ray Charles, apodado
«The Genius» (el Genio), inspiró tanto a artistas de soul como de rock'n'roll o funk. Sin embargo, se decantó
por el jazz, con los discos grabados con Milt Jackson, del Modern Jazz Quartet («Soul brother», 1958, y «Soul
meeting», 1962), y también por el country & western, con «Modern sounds in country and western» (1962),
que contenía el clásico «I can't stop loving you». Antes había lanzado otro éxito: «Georgia on my mind»
(1960), al que siguieron «Hit the road Jack» (1961), «You don't know me» (1962), «Busted» (1963) y otras.
Tras una temporada de arrestos relacionados con la posesión de droga, volvió a primera fila en la segunda
mitad de los años sesenta. Artistas blancos como Joe Cocker o Van Morrison se apropiaron de su estilo, pero
en los años setenta y ochenta Ray Charles conservaba intacto su genio, como se aprecia en el disco
«Friendship» (1984). En la ceremonia de la toma de posesión de Bill Clinton como presidente de Estados
Unidos, en 1993, obtuvo un lugar destacado junto con su amigo y colaborador Quincy Jones.
Cohen, Leonard
(Montreal, 1934) Compositor, cantante y escritor canadiense. Formó la banda de country & western The
Buckskin Boys. En 1955 se graduó en literatura en la Universidad McGill. Entroncado en la «beat generation»,
se inició como poeta con la publicación de «Let us compare mythologies» (Comparemos mitologías, 1956),
una antología de versos escritos en su adolescencia, y «The spice-box of Earth» (La caja de especias de la
Tierra, 1961). A continuación escribió dos novelas, en parte autobiográficas: «The favorite game» (El juego
favorito, 1963) y «The beautiful losers» (Los hermosos vencidos, 1966). Tras escribir otras antologías de
versos, como «Parassites of heaven», que contienen poesías que dieron lugar a posteriores canciones, fue
introducido en el círculo músical folk de Nueva York por Judy Collins, que incluyó algunas canciones de
Cohen en su disco «In my life». En 1968 llegó para Leonard Cohen el éxito con la aparición de «Songs of
Leonard Cohen», que incluía la canción «Suzanne». Ese primer álbum le reveló como el gran poeta lírico,
combativo e intimista del pop, representante del romanticismo moderno y defensor del individuo frente a la
sociedad.
Desde entonces, y a un ritmo mesurado, ha seguido grabando discos eminentemente personales e intensos:
«Songs from a room» (Canciones desde una habitación, 1969), «Songs of love and hate» (Canciones de amor
y odio, 1971), «New skin for the old ceremony» (Nueva piel para la vieja ceremonia, 1974), «Recent songs»
(1979), «Various positions» (1985), «I'm your man» (1988) o «The future» (1992).
Además, ha enriquecido su obra poética con la edición de los libros: «The energy of slaves» (La energía de los
esclavos, 1972); «Death of a Lady's man» (La muerte de un mujeriego, 1978), título también de un disco
grabado el mismo año; «The book of Mercy» (El libro de la misericordia, 1984). En 1990 se editó el álbum-
homenaje «I'm your fan», en que diversas bandas como R.E.M., Pixies o Nick Cave and the Bad Seeds ofrecen
sus versiones personales de temas de Cohen.
Corea, Chick
(Chelsea, 1941) Pianista de jazz, cuyo verdadero nombre era Armando Anthony Corea. Una de las máximas
figuras del movimiento de jazz-fussion o jazz-rock, tocó como músico en los grupos de Herbie Mann, Hubert
Laws y Mongo Santamaría. En 1968 se unió a Miles Davis con el que participó en la etapa más creativa del
trompetista. En 1972 Corea creó Return to Forever, un grupo donde figuraban Stanley Clarke y Al DiMeola.
Sus mejores grabaciones son «Piano improvisations» (1971), «Return to forever» (1972), «Touchstone» (1982)
y «Electric Band» (1986). En 1984 grabó el «Concierto para dos pianos y orquesta» de Mozart.
Esteve, Pablo
(Barcelona, c. 1730-Madrid, 1794) Compositor español. Fue uno de los más inspirados compositores de
tonadillas. Su abundante producción comprende unas 600 obras, de las cuales 400 son tonadillas.
John, Elton
(Pinner, Middlesex, 1947) Pianista, cantante y compositor británico, cuyo nombre verdadero es Reginald
Kenneth Wight. Inició su carrera en los años sesenta como pianista en el grupo Bluesology. En 1969, ya junto
a Bernie Taupin, que colaboraba en la composición de todas sus canciones, grabó su primer elepé, «Empty
sky». A partir de su segundo disco, «Elton John», (1970) y de la canción «Your song» se convirtió en una
superestrella de los años setenta. Sus mejores armas eran un aspecto atípico: bajito, gordo y con calvicie, se
vestía con mil extravagancias para sorprender a un público ya acostumbrado a excéntricos como Alice Cooper,

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Kiss o David Bowie. En la época del Glam Rock, Elton John destacaba por las fantasías más descabelladas; su
bisexualidad, además, suponía un aliciente más.
Sin embargo, su mayor logro fue la colaboración con el letrista Bernie Taupin, con quien firmó todos sus
temas clásicos entre 1970 y 1976: «Rocket man», «Cocodrile rock» o «Saturday night's all right for fighting»,
por ejemplo. Discos como «Madman across the water» (1971), «Goodbye yellow brick road» (1973),
«Captain fantastic» (1975) o «Blue moves» (1976) se contaron por éxitos. Tras realizar algunas colaboraciones
con John Lennon, apareció en la película de Ken Russell «Tommy» (1975), adaptación de la ópera-rock de The
Who. Tras su separación artística de Taupin, la estrella de Elton John se desvaneció, y empezó a
estandarizarse.
En los años ochenta grabó algunos álbumes: «Too Low for Zero» (1983), «Breaking Hearts» (1984), «Ice on
Fire» (1985) y «Reg strikes back» (1988), con el cual resurgió comercialmente. En 1985 apareció en el
concierto «Live Aid» de ayuda a África, cantando «Don't let the sun go down on me» a dúo con George
Michael (posteriormente se le ha visto en otras colaboraciones con, por ejemplo, Cliff Richard, Olivia Newton
John o Guns N'Roses). En 1991 obtuvo un nuevo éxito con «You gotta love someone». Al año siguiente lanzó
un nuevo disco, «The One», y emprendió una exitosa gira mundial de 150 días.
Laserna, Blas de
(Corella, 1751-Madrid, 1816) Compositor español. Es autor de tonadillas muy populares («El majo y la
italiana»). Además, escribió sainetes, comedias, una ópera, una zarzuela y un «Concierto para dos trompas»
(1791).
Lennon, John
(Liverpool, 1940-Nueva York, 1980) Cantante y compositor inglés, miembro fundador de The Beatles, junto
con Paul McCartney (1942), George Harrison (1943) y Ringo Starr (1940). Su labor como compositor y
cantante fue esencial en The Beatles, y, junto a Paul McCartney, el máximo responsable de discos legendarios
como «A hard day's night» (1963), «Revolver» (1966), «Sergeant Pepper's lonely hearts club band» (1967) o
«Abbey road» (1969). En 1967 apareció él solo (por primera vez sin The Beatles) en una película de Richard
Lester, «Cómo gané la guerra». Al lado de su compañera Yoko Ono se embarcó en proyectos músicales ajenos
al trabajo con The Beatles: los discos «Unfinished music number 1: two virgins» (1968), «Unfinished music
number 2: life with the lions» (1969) y «Wedding album» (1969) desconcertaron a los fans por sus
experimentaciones sonoras. Tras formar la Plastic Ono Band, grabó dos sencillos en 1969 («Give peace a
chance» y «Cold Turkey») y un disco en directo «Live peace in Toronto», junto a Eric Clapton, antes de que
Paul McCartney anunciara oficialmente la disolución de The Beatles, en 1970.
Ese año apareció «John Lennon/Plastic Ono Band», con canciones tan personales como «God» o «Mother».
En 1971 publicó «Imagine». Le siguieron «Sometime in New York City» (1972) y «Mind games» (1973), tras
el cual volvió a grabar con Paul McCartney en el tema «Midnight special». En 1975, tras publicar
«Rock'n'roll», una recreación de clásicos de dicho ritmo, se retiró de la vida pública durante cinco años. En
1980 volvió a los estudios para grabar «Double fantasy». Poco después de finalizar el disco fue asesinado a
tiros delante de su casa por un mitómano. Tras su muerte, se han sucedido los homenajes y los discos
recopilatorios. Especial revuelo causó la biografía de Albert Goldman «Las vidas de John Lennon» («The lives
of John Lennon», 1988), en que le acusaba, entre otras cosas, de homosexual y drogadicto. Yoko Ono
respondió con la película «Imagine, the film», donde Lennon aparece como le recuerdan sus fans: un santo y
un genio de la música.
Lloyd Weber, Andrew

(Londres, 1948) Compositor británico. Desde niño tocó con fluidez el piano, el violín y el corno francés. A los
ocho años ya montaba versiones propias de comedias músicales americanas en un teatro de juguete, y a los
nueve publicó una suite compuesta por él. Estudió en 1965 en el Royal College of Music. Aún como
estudiante, compuso su primera partitura teatral, «The likes of Us», cuyos versos escribió el joven productor
de discos Timothy Rice. Pese a que esta primera obra no llegó nunca a la escena, la segunda labor del dúo,
«José y el asombroso abrigo de soñar en tecnicolor», tuvo más suerte; producida para una representación
escolar, por fortuna para el joven Andrew, fue presenciada por el padre de uno de los alumnos, crítico músical
del «Sunday Times». Su entusiasta comentario motivó solicitudes de nuevas funciones públicas.

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«Jesucristo Superstar», subtitulada abiertamente como «ópera rock», combina la música popular con una
estructura clásica de comedia músical, y un tratamiento desenfadado del Evangelio y sus protagonistas. La
aceptación de la obra en Inglatera fue tibia, pero la respuesta en EE.UU. superó todas las previsiones.
«Jesucristo Superstar» se mantuvo dos años en Broadway y recorrió numerosos teatros del mundo. En la
década de 1970, Lloyd se dedicó a escribir partituras para los filmes de la Columbia Gumshoes y The Odessa
File. Su siguiente gran éxito fue una idea que perseguía desde hacía mucho tiempo: componer una ópera sobre
la vida de Eva Perón. En 1977 la ópera «Evita» fue presentada primero en disco y al año siguiente se estrenó
en Londres con un clamoroso éxito.
McCartney, Paul
(Liverpool 1942) Cantante y compositor británico. Componente del más famoso grupo de la historia del rock,
The Beatles, junto con John Lennon formó la pareja de compositores más importante del s. XX. En abril de
1970, dos meses después de que apareciera «Let it be», el último disco oficial de The Beatles, apareció
McCartney, su primer disco en solitario, que fue vapuleado por la crítica, al igual que el siguiente, «Ram»
(1971), firmado por Paul y su mujer, Linda McCartney. En 1972 publicó las canciones «Give Ireland back to
the Irish», que habla del «Domingo sangriento» en Irlanda, y seguidamente una versión del tema infantil
«Mary had a little lamb», que desconcertó a sus fans. En 1974 apareció la mejor obra de su banda, The Wings:
«Band on the run». Su gira por Estados Unidos en 1976 fue un enorme éxito, y el grupo The Wings se
consolidó, aunque sin convencer a la crítica. Sus discos eran extremadamente irregulares y contenían sólo unos
pocos temas atractivos, como «Mull of Kintyre». En 1980, sin The Wings, publicó «McCartney II». Su
siguiente elepé, «Tug of war» (1982), fue un éxito que contiene varias colaboraciones, entre ellas la célebre
«Ebony and ivory», con Stevie Wonder. Tras la película «Give my regards to Broad Street» (de Peter Webb,
1984), editó una recopilación de sus éxitos, «All the best» (1987), y en 1988 publicó sólo para la Unión
Soviética un disco con once temas clásicos, «Choba B CCCP». En 1989 alcanzó un nuevo éxito con «Flowers
in the dirt», con varios temas compuestos con Elvis Costello, y realizó una triunfante gira mundial. Grabó un
disco sólo con instrumentos acústicos («Unplugged», 1990), y en 1992 otro en favor de la ecología y los
derechos humanos, «Off the ground».
Misón, Luis
(Barcelona, ?-Madrid, 1766) Compositor, flautista y oboísta español. Ingresó en la Capilla Real de Madrid en
1748 como flautista, y posteriormente en el Teatro del Buen Retiro. Fue el creador del género denominado
«tonadilla escénica», intermedio musical cuyo éxito, bajo la forma tripartita establecida por Misón, se
prolongaría durante más de medio siglo. También compuso zarzuelas, que se han perdido, y sainetes
conservados en gran número en la Biblioteca Nacional de Madrid, que también alberga las cerca de ochenta
tonadillas que han sobrevivido al paso del tiempo. Entre sus composiciones instrumentales, destacan 12
sonatas para flauta, viola y bajo continuo, cuya partitura nos ha llegado prácticamente íntegra (a excepción de
la parte para viola).
Pérez Prado, Dámaso

(Matanzas, 1916-México, 1989) Compositor, pianista y director de orquesta cubano fue conocido
universalmente como el «rey del mambo», un ritmo y un baile que el popularizó en todo el mundo. Empezó
tocando en las charangas de Matanzas en los años treinta. En la década de los cuarenta fue el pianista de la
famosa orquesta Casino de la Playa. En 1947 marchó a México y en 1950 creó su propia orquesta. En ella
tuvo como vocalista a Beny Moré. «Rico mambo» (1954), «Skokian» (1954) «Cerezo rosa» (1955) y
«Patricia» (1958) son sus canciones más recordadas.
Piazolla, Astor
(Mar del Plata, 1921-Buenos Aires, 1992) Compositor y bandeonista argentino, una de las grandes figuras del
tango que en ocasiones consiguió emparentar con el jazz. A los trece años oyó a Gardel en Nueva York y
decidió dedicarse al tango. Regresó a Argentina y desde 1939 anduvo enrolado en diversas orquestas, que le
decepcionaron por su falta de variedad. En 1950, y por consejo de su profesora Nadia Boulanger, decidió
renovar la música de tango con nuevos ritmos y armonías. Escribió más de setecientas obras y grabó más de
setenta álbumes discográficos.

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Porter, Cole
(Perú, Indiana, 1893-Santa Mónica, California, 1964) Compositor estadounidense. A los diez años ya compuso
una opereta. La fortuna de su familia le permitió estudiar en Yale y en Harvard; durante el último curso en esta
última universidad compuso la ópera cómico-patriótica «See America First». Desheredado por su familia a
causa de su dedicación a la música, se alistó en la Legión extranjera para combatir en la I Guerra Mundial y
dio conciertos en el frente, lo cual le valió la Cruz de Guerra. Una vez licenciado, alquiló un lujoso
apartamento en París, compaginando la vida social con las clases de música y la creación de varios
espectáculos, cuyo estreno en Broadway le permitió mantener un elevado tren de vida.
Durante los años veinte recibió numerosas ofertas de los productores de Broadway, y las pocas que aceptó
bastaron para darle a conocer. A esta época corresponden los músicales «Paris» (1928) y «Fifty million
frenchmen» (1929). Sin embargo, la gran década de Cole Porter fue la de los treinta, que representa la
culminación de su arte. Prueba de ello son obras como «La alegre divorciada» (1932), con el tema «Night and
day»; «Anything goes» (1934); «Jubilee» (1936), con «Begin the beguine», y «Dubarry was a lady» (1939),
en su mayor parte llevadas a la pantalla. También aportó al cine canciones notables: «I've got you under my
skin» para «Nacida para la danza» (1936), «In the still of the night» para «Rosalie» (1937), etc. Su increíble
nivel creativo empezó a decrecer a partir de 1937, año en que sufrió una grave caída de caballo, a
consecuencia de la cual le fue amputada una pierna. Con todo, continuó imprimiendo su inimitable sello en
canciones y comedias músicales: «El pirata» (1947), «Kiss me Kate» (1948), «Can-Can» (1953), «La bella de
Moscú» (1955), «Alta sociedad» (1956) y «Las girls» (1957). Porter recuperó, junto a Ira Gershwin y Lorenz
Hart, la tradición de W. S. Gilbert para el teatro estadounidense.
Vian, Boris
(Vill-d'Avray, Seine-et-Oise, 1920-París, 1959) Escritor, poeta, músico y compositor francés. Nació en el seno
de una familia acomodada que le procuró una infancia y juventud felices y protegidas. Estudió la carrera de
ingeniería en la Escuela Central, obteniendo el diploma cuando contaba veintidós años. En 1942 entró como
ingeniero en la Asociación Francesa de Normalización, pero en sus ratos libres se dedicaba a la música y a la
literatura. Desarrolló muy variados intereses y participó en el mundo del espectáculo tocando la trompeta y
dirigiendo una orquesta de jazz, cantando en cabarets parisienses, interpretando películas y trabajando como
director artístico en una casa discográfica, a la vez que escribía poesía, novelas, canciones, obras de teatro y
argumentos de ballets e incluso de óperas.
A partir de 1946 empezó a publicar sus obras. Algunas, como «Escupiré sobre vuestra tumba», «Todos los
muertos tienen la misma piel» o «Que se mueran los feos», las firmó con el seudónimo de Vernon Sullivan y
las presentó como supuestas traducciones de la novela negra norteamericana. El hecho de que tuvieran un
contenido escandaloso y que fueran consideradas productos mediocres, no le importó en absoluto. Simultaneó
las novelas de Vernon Sullivan con la obra firmada con su nombre, que alcanzó un notable éxito y que se
revalorizó a partir de los setenta. Se trata de «La espuma de los días», «El otoño en Pekín», «Las hormigas»,
«La hierba roja», «El arrancacorazones» y «El lobo-hombre», entre otras. En «La espuma de los días», su obra
más divulgada, desarrolló los temas que serían esenciales de su obra posterior: los fantasmas de la enfermedad
y la protesta contra lo absurdo de la muerte.
Zappa, Frank
(Baltimore, Maryland, 1940-Los Ángeles, 1993) Músico estadounidense. Provocador e iconoclasta, Frank
Zappa es uno de los músicos de rock más respetados por su obra, caracterizada por la búsqueda y la ruptura
constantes. Sus primeros proyectos, a principios de los años sesenta, incluían composiciones para orquesta,
bandas sonoras de películas, como «Run home slow» (1963), y un estudio de grabación propio: Studio Z. En
1964 se unió al grupo Soul Giants, más adelante llamados The Mothers Of Invention. Con ellos grabó «Freak
out» (1966), un disco que revolucionó el pop de la época. En los discos «Absolutely free» (1967) y »We're in
it only for the money» (1967, una parodia del Sgt. Peppers de los Beatles) atacó tanto a los sectores más
puritanos y conservadores de Estados Unidos como a los hippies. «Lumpy gravy» (1967) fue su primer disco
en solitario, con influencias de Stravinski y Varese. En esta época fundó su propio sello discográfico, Bizarre-
Strainght, y siguió grabando discos en solitario y con The Mothers Of Invention. Su extensísima carrera en
solitario varía entre la experimentación y el virtuosismo (editó, en 1988, un álbum triple que contenía
exclusivamente solos de guitarra: «Guitar»). Cabe destacar en su obra «Hot rats» (1969), «The grand wazoo»
(1972), «Bongo fury» (1975), «Joe's garage» (1979), «Broadway the hardway» (1989), etc. Sus incursiones en
el cine también han sido frecuentes: además de grabar varias bandas sonoras, dirigió «200 Motels» (1971), con

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The Mothers Of Invention, fruto de una serie de conciertos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles que
tenían como objetivo mezclar música clásica y rock. En los años ochenta, Zappa combinó colaboraciones con
la London Symphony Orchestra con discos grabados tan sólo con computadoras («Francesco Zappa», de 1984,
y «Jazz from hell», de 1986), y la serie de grabaciones en directo «You can't do that on stage anymore». En
1991 se anunció que Zappa padecía cáncer de próstata; sus proyectos músicales, sin embargo, no se
detuvieron y siguió componiendo hasta su muerte, ocurrida en diciembre de 1993. Entre sus últimos trabajos
destacan «London Symphony Orchestra Vol. 2» (1987); «Broadway the hard way» (1988) y «The best band
you never heard in your life» (1991).

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GLOSARIO VII INSTRUMENTOS MUSICALES
GLOSARIO VII
GLOSARIO DE INSTRUMENTOS MÚSICALES
Los Instrumentos Músicales
Objeto destinado a la producción de sonidos músicales. Los primeros intentos de estudio y clasificación
sistemática de los instrumentos músicales (la ciencia de los cuales se denomina organología, se remontan al s.
XVI, siendo S. Virdung («Música getutsch», 1511), M. Agricola («Música instrumentalis», 1528) y L. Zacconi
(«Prattica di música», 1592-1596) los teóricos que destacaron en esta disciplina.
Durante la siguiente centuria fueron los tratados de M. Praetorius («Syntagma musicum», 1618-1621) y de M.
Mersenne («Harmonie universelle», 1636) los que aportaron una sistematización de mayor rigor, sin olvidar la
contribución de P. Cerone («El melopeo y maestro», 1613) y la miscelánea de A. Kircher («Musurgia
universalis», 1650), uno de cuyos libros está dedicado a la organología.
El s. XVIII ofreció textos de valor desigual, como los de F. Bonanni («Gabinetto armonico», 1722), P. Nasarre
(«Escuela música», 1723-1724), J. Mattheson («Das neu eröffnete Orchestre», 1713), además del significativo
apartado destinado a los instrumentos músicales en «L'Encyclopédie» de Diderot y D'Alembert. Tras varios
intentos de clasificación y catalogación organológica a lo largo del s. XIX, como el de V.Ch. Mahillon
(«Catalogue du Musée instrumental de Bruxelles», 1880-1912) o el menos amplio «Emporio científico»
(1901) de F. Pedrell, fue a principios del siguiente cuando C. Sachs y E. von Hornbostel («Systematik der
Musikinstrumente», en «Zeitschrift für Ethnologie», 4-5, 1914) establecieron una división que consideraba
cuatro grandes familias instrumentales: aerófonos (instrumentos de viento), cordófonos (instrumentos de
cuerda), idiófonos (instrumentos de percusión que producen el sonido por su propia oscilación y no por
vibración de una membrana) y membranófonos (instrumentos de percusión provistos de parche o membrana).
Los aerófonos emiten el sonido merced al aire que se insufla en ellos. Los hay del tipo flauta, con diferentes
embocaduras, ya sean de bisel (flauta de pico), con embocadura lateral (flauta travesera) o de borde (flauta de
Pan). Los de lengüeta están divididos en dos grandes grupos, que atienden a la constitución de la misma, ya
sea sencilla o doble. En el primer caso los instrumentos suelen poseer una sección cilíndrica (clarinete), en
tanto que los segundos cuentan con una sección cónica (oboe). Los aerófonos de metal, por ejemplo los del
tipo trompa, están dotados de una boquilla semiesférica o en forma de copa. Otra subdivisión está representada
por los aerófonos con depósito de aire (gaitas) y por los que cuentan con un sistema de tubos, un reservorio de
aire y un teclado (órganos).
A su vez, los cordófonos producen el sonido a través de la frotación de un arco (violín) o mediante el punteo
directo de los dedos o de un plectro o púa, sea en el caso de instrumentos con resonador o con caja acústica y
mango (laúd, guitarra) sea en el de los que están únicamente conformados por una caja de resonancia (cítara,
salterio). La evolución de estos últimos propició la incorporación de un teclado: los que tenían un mecanismo
que pulsaba la cuerda dieron pie a la genealogía del clave o clavicémbalo, con instrumentos análogos como la
espineta o el virginal, mientras que los poseedores de un sistema percutor de la cuerda a través de unas piezas
o varillas llamadas tangentes (clavicordio) o mediante unos martillos (piano) crearon otra familia instrumental.
Los llamados idiófonos, del griego «ídios» (propio), producen el sonido gracias a su choque u oscilación,
irradiando directamente la sonoridad (campana, címbalo, castañuela, xilófono), mientras que los membráfonos

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precisan de una membrana para cumplir su emisión sonora, ya sea golpeada (tambor, timbal) o frotada
(zambomba). Con posterioridad se ha añadido un quinto grupo a la clasificación general de Sachs y
Hornbostel, constituido por los instrumentos electrófonos o electrónicos.
La Banda
Conjunto musical de origen militar formado por instrumentos de viento y de percusión y destinado por lo
general a tocar al aire libre. Aunque desde los tiempos más remotos se estableció una relación entre la música
y las evoluciones militares, no fue hasta fines del s. XVII y durante el s. XVIII que esta relación se organizó
gracias a la influencia de guerreros amantes de la música, como Luis XIV y Federico II el Grande. El Rey Sol
puso a Lully al frente de sus bandas y le encargó abundante música para ellas. Por su parte, Federico II el
Grande estableció la constitución de sus bandas (1763) con parejas de oboes, clarinetes, cornos, fagotes y
tambores. A fines del s. XVIII, se desarrolló en toda Europa un gusto extraordinario por la percusión, lo que
llevó a ampliar las bandas, que cobraron mayor empuje con las fiestas públicas de la Revolución francesa y las
grandes campañas militares de Napoleón I. A lo largo del s. XIX, se perfeccionaron mucho los instrumentos de
viento y se favoreció la extensión de sus familias en las bandas.
En la música ligera, se entiende por banda cualquier grupo o conjunto con soporte instrumental propio.
La Orquesta
Conjunto de instrumentistas que interpretan una obra sinfónica, de cámara o instrumental o que acompañan
una obra lírica. Según sus características puede ser de cámara si es una orquesta reducida; de cuerda si está
formada por instrumentos de cuerda; de jazz, que es una pequeña orquesta en la que se distingue una sección
rítmica (piano, batería, banjo, contrabajo, etc.) y una melódica (clarinetes, saxofones, trompetas, etc.) y
sinfónica, cuando está constituida por un total aproximado de cien músicos. Hasta el Renacimiento, los
compositores no determinaban el número de instrumentos requeridos para sus obras y eran los intérpretes
quienes lo decidían según sus posibilidades y necesidades. Fue Monteverdi el que estructuró la orquesta por
vez primera, reuniendo todos los instrumentos conocidos a excepción de los tambores (con un total de 40
instrumentos) y comenzando a utilizar sus timbres según las necesidades dramáticas. Con el Barroco, se tendió
a organizar la sección de cuerda y se introdujo el bajo cifrado, que corría a cargo de un clavecinista u organista
a la vez director de la orquesta. El clasicismo aportó la eliminación del bajo cifrado y por tanto del instrumento
de tecla, la consolidación de la cuerda como base invariable de la orquesta y la participación de todas las
familias a lo largo de toda la obra con juegos cada vez más sofisticados de color. Con ello se sentaban las bases
de la orquesta moderna. Con el romanticismo se perfeccionaron o inventaron muchos instrumentos,
especialmente de viento, aumentó el poder dinámico de la orquesta y se abandonó definitivamente el antiguo
proceso por el que el músico no coloreaba la partitura decidiendo qué instrumentos interpretaban cada pasaje,
sino que el esquema y color del pasaje se concebían simultáneamente. El romanticismo comportó también el
aumento del número de ejecutantes hasta sobrepasar el centenar, tendencia que ha desaparecido en el s. XX en
favor de una mayor exploración de las posibilidades tímbricas de los instrumentos y el añadido de algunos
instrumentos electrónicos.
GLOSARIO DE INSTRUMENTOS MUSICALES
Aerófonos
Instrumentos músicales en los que el sonido es producido por la vibración de una columna de aire. En función
de las características formales de los instrumentos, puede establecerse la siguiente clasificación: instrumentos
con bisel (flauta), con lengüeta (oboe, clarinete, saxofón, fagot, hornpipe, musette), con embocadura (trombón,
trompeta) y de teclado (órgano, armonio). He aquí algunos de los aerófonos más comunes:
acordeón Instrumento aerófono compuesto de un fuelle, que alimenta de aire una serie de lengüetas, y de
uno o dos teclados, utilizados para producir la melodía y los acordes.

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armónica Instrumento aerófono compuesto por una serie de lengüetas metálicas fijadas alternativamente a
ambas caras de una placa también metálica y coincidentes con unas ranuras; la placa va montada en un chasis
de madera con conductos separados para cada lengüeta, a través de los cuales se aspira o se sopla.
armonio Instrumento aerófono de teclado en el que el sonido es producido por un sistema de lengüetas, a
través del cual pasa el aire insuflado por fuelles accionados por pedales.
aulós Instrumento aerófono griego formado por dos caños, en cuyo vértice se halla la lengüeta; está
considerado el antecesor del caramillo y del oboe.
bandoneón Variedad de acordeón de forma hexagonal y escala cromática inventada por H. Ban en 1850 e
introducida por T. Moore en Argentina.
bombarda Antiguo instrumento de viento de la familia de la chirimía construido en madera y con doble
lengüeta.
caramillo Instrumento aerófono, de caña, madera o hueso, de forma cilíndrica y con doble caña; produce un
sonido muy agudo y ha dado lugar al clarinete.
chirimía Instrumento aerófono de la familia del oboe, de madera, con diez agujeros y lengüeta de caña.
clarín Instrumento aerófono parecido a la trompeta, pero más pequeño y de sonido más agudo.
clarinete Instrumento aerófono que consiste en un tubo cilíndrico de madera provisto de llaves y una
lengüeta simple de caña; fue inventado por J.-C. Denner en 1690.
concertina Acordeón de perfil hexagonal u octogonal, con fuelle largo y dos teclados; fue inventado por
Charles Wheatstone (1829).
contrafagot Instrumento aerófono; el más grave de los fagotes. Posee una extensión sonora una octava más
grave que la del fagot. Entró a formar parte de la orquesta por inciativa de Beethoven.
corneta Instrumento aerófono formado por un tubo de metal enrollado de sección cónica que termina con un
pabellón en forma de campana.
corno Instrumento aerófono formado por un tubo de metal cónico y curvado. El corno inglés es, en realidad,
es un oboe afinado en fa.
dulzaina Instrumento aerófono de la familia del oboe, pero de sonido agudo y penetrante.
fagot o fagote Instrumento aerófono de la familia de los oboes, de lengüeta doble y de tubo cónico de
madera.
figle Instrumento aerófono, de sonoridad grave, formado por un tubo cónico de metal con orificios y llaves.
fiscorno Instrumento aerófono, perteneciente a la familia del bugle, que forma parte de la cobla.
flauta Instrumento musical aerófono en el cual el sonido se produce por medio de una columna de aire
insuflada por los labios del instrumentista. La flauta dulce o de pico tiene una embocadura en forma de
boquilla en un extremo, mientras que en la travesera la embocadura es lateral.
flautín Flauta pequeña afinada una octava más aguda que la flauta ordinaria.
gaita Instrumento aerófono formado por un odre a modo de fuelle y tres tubos de boj, uno para soplar, otro
para digitar y un tercero para formar el bajo continuo.

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helicón Instrumento aerófono compuesto por un tubo de forma circular que rodea al intérprete y se apoya
sobre su hombro.
loure Instrumento aerófono medieval parecido a la cornamusa.
musette Instrumento aerófono parecido a la gaita, en boga en Francia durante los ss. XVII y XVIII; está
formado por un depósito de aire en forma de bolsa, alimentado por un fuelle accionado por el brazo que da aire
a dos caramillos de siete y cinco orificios y a un bordón replegado en una caja. También es un oboe popular.
oboe Instrumento aerófono de madera, provisto de doble lengüeta y cuyo tubo, ligeramente cónico, termina
en un pequeño pabellón. El oboe de amor es una variedad de oboe de pabellón piriforme y que suena una
tercera más baja.
ocarina Instrumento aerófono de barro cocido o de metal con ocho agujeros en dos líneas; fue inventado por
G. Donati di Budrio hacia 1860.
organo Instrumento aerófono de teclado. Dispone de muchos tubos en los que se produce el sonido, de fuelles
que impulsan el aire y de varios registros para modificar el timbre de las voces.
El órgano electrónico obtiene un sonido semejante al de viento por medios electrónicos. En el órgano
expresivo se puede graduar a voluntad la intensidad del sonido de uno o varios teclados. El órgano portátil era
un pequeño instrumento musical muy en boga hasta el s. XVI. Se podía llevar atado al cuerpo con una correa
y, mientras la mano izquierda accionaba un pequeño fuelle, la derecha tocaba el teclado. Recibe el nombre de
órgano positivo el de pequeñas dimensiones y provisto solamente de dos juegos de flautas, que se apoya sobre
el suelo y puede trasladarse.
Los elementos principales del órgano son: la tubería, el mecanismo pulsador, los teclados (manuales y
de pie) y anexos y el aparato impulsor del aire (fuelles y conductos). Los tubos, de madera o metal, pueden ser
labiales o de lengüeta. En los primeros, el sonido es producido por el aire que vibra en el tubo y en los
segundos por una lengüeta vibrante en contacto con el aire. La longitud variable de los tubos responde a su
afinación, de modo que un tubo de doble longitud que otro produce la misma nota pero una octava más grave.
En la consola se encuentran de dos a cinco teclados manuales, de 56 a 61 teclas, que reciben los nombres de
principal o gran órgano, positivo, expresivo o recitativo, solo y eco. En la parte baja de la consola está el
pedalero, que se toca con la punta o el talón del pie y consta de 32 pedales. También en la consola se
encuentran los mandos de los registros, los pedales de expresión, los acoplamientos de los pedales entre sí y de
los teclados con el pedalero, los botones de mando que introducen los registros previamente seleccionados, las
transmisiones y otros efectos sonoros. El mecanismo impulsor del aire conduce éste a presión constante hacia
el secreto, cuya parte superior está dividida en una serie de tubos que se pueden comunicar
independientemente con la parte inferior o laye por medio de una válvula accionada por la tecla
correspondiente.
Los orígenes del órgano son muy antiguos, iniciándose su evolución en Alejandría con el hidraulus, debido al
griego Ctesibio, que era un órgano en el que una prensa hidráulica suministraba el aire a presión. Ya en el s. III
se sustituyó la presión hidráulica por la neumática y se crearon los primeros registros. A partir del s. XIII se
introdujeron las teclas cromáticas y se inició el uso de válvulas colectivas para cada teclado. En la centuria
siguiente se añadió el pedalero y el segundo teclado manual, a la par que aumentaba el número de teclas de
cada teclado, de 35 a 61 en los manuales y de 12 a 32 en el pedalero, con lo que el instrumento, en sus grandes
líneas, adquirió su fisonomía moderna.
regalía Instrumento aerófono con depósito de aire y lengüetas batientes. En sus orígenes fue un órgano
portátil de pequeñas dimensiones en el que a cada nota le correspondía una lengüeta móvil sin tubos o con
tubos muy cortos. Fue muy popular hasta el s. XVIII. Por su sonido similar al de la voz humana, desde el s.
XV se llamó regalía al juego de voces humanas de los grandes órganos.
saxofón Instrumento aerófono, de metal, de embocadura y lengüeta simple, inventado en 1846 por el flautista
belga Antoine-Joseph Sax (Dinant, 1814-París, 1894); abarca dos octavas y media; la familia de los saxofones
cuenta con siete instrumentos transpositores: sopranino, soprano, contralto, tenor, barítono, bajo y contrabajo;

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poco utilizado en obras sinfónicas (Debussy, Strauss), ha alcanzado su máxima popularidad en la música de
jazz.
serpentón Instrumento aerófono, de madera, en forma de S y con nueve agujeros.
trombón Instrumento musical de viento, de la familia del metal, con embocadura y de pabellón muy ancho.
El trombón se construye en varios tonos: soprano (muy utilizado en el Barroco), contralto, tenor (el más
importante), el tenor bajo, el bajo y el contrabajo. Este último es el mayor de todos y dio lugar al trombón de
varas, que dispone de varas correderas en forma de U para modificar la altura de los sonidos. Se llama
trombón de pistones el que lleva pistones en lugar de varas para modificar la afinación.
trompa Instrumento músical de viento, de la familia del metal y largo tubo de sección cónica enrollado sobre
sí mismo y acabado en un amplio pabellón. Se construye afinada en fa o en si bemol.
trompeta Instrumento musical de viento de la familia del metal, con embocadura y tubo cilíndrico que se
hace ligeramente cónico en su extremo y termina en forma de pabellón. La trompeta marina es un instrumento
musical parecido al monocordio que se tocaba con arco y estuvo en boga entre los ss. XII y XVIII.
De origen antiquísimo, a partir del s. XVI se curvó el tubo, enrollándose posteriormente sobre sí mismo. En
1770 se adoptaron los cuerpos de recambio o prolongaciones adicionales del tubo, mientras que en 1815
apareció la trompeta de pistones, que permitía una extensión de dos octavas y media y todos los grados
cromáticos. Actualmente se construyen trompetas en varios tonos, estando afinadas en si bemol y en do las
más habituales.
tuba Instrumento músical de viento, el más grave de la familia del metal, cuyo tubo es de sección cónica y
está provisto de pistones. Se construyen tubas tenor, bajo y contrabajo en varios tonos, siendo las bajo en do y
fa y la contrabajo en do las más frecuentes. La tuba wagneriana es una modalidad de tuba inventada por
Wagner para su «Tetralogía». Era parecida a la trompa.
Cordófonos
Instrumentos musicales en los que el sonido es producido por la vibración de una o más cuerdas tensas. Los
instrumentos cordófonos pueden ser de los siguientes tipos: de cuerda frotada (por un arco -familia de los
violines- o por una rueda -viella-), de cuerda pulsada (con los dedos -lira, arpa, guitarra-, con una púa
-bandurria- o mediante un mecanismo -espineta, clave-) y de cuerda percutida (piano). Los cordófonos más
comunes se citan a continuación.
arpa Instrumento cordófono de origen muy antiguo en el que el sonido se produce al ser pulsadas una serie de
cuerdas tensas.
Las primeras arpas conocidas provienen de las culturas sumeria y egipcia y tenían forma de arco, sin columna
de refuerzo. Hacia el año 2000 a.J.C., aparecieron en Mesopotamia las primeras arpas de forma angular, que
pronto se extenderían por Siria, Egipto, Persia y China. Las arpas triangulares, predecesoras de las modernas,
tienen un origen celta. El arpa actual se debe a Sebastian Érard, quien la presentó en París en 1811. Tiene
forma triangular: un lado forma la caja de resonancia; otro, en forma de cuello de cisne, constituye la consola
en la parte superior, y el tercero -la columna- sirve de refuerzo a los listones que transmiten el movimiento de
los pedales, capaces, en dos posiciones, de elevar un semitono y un tono cada una de las siete notas. El arpa
tiene una extensión de seis octavas y media.
balalaica o balalaika Instrumento cordófono pulsado, originario de Rusia, con caja triangular y tres
cuerdas.
bandurria Instrumento cordófono punteado, intermedio entre el laúd, por la forma de su caja, y la guitarra,
por su fondo plano; tiene seis cuerdas dobles, que se tocan con un plectro.
banjo Instrumento cordófono parecido a la guitarra, pero cuya caja, circular y sin fondo, presenta un
pergamino tensado que actúa de resonador de las cuatro a nueve cuerdas.

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címbalo Instrumento cordófono formado por una caja de resonancia trapezoidal en la que se han tendido una
serie de cuerdas que se golpean con unas maderas.
cítara Instrumento de la antigua Grecia, forma perfeccionada de la lira, compuesto de una caja armónica, con
dos montantes unidos por un travesaño. También un instrumento cordófono formado por una caja de
resonancia trapezoidal sobre la que se tienden las cuerdas.
clave Instrumento cordófono de teclado doble o simple en el que el sonido se produce al puntear las cuerdas
los plectros accionados por las teclas; los modelos más evolucionados disponen de seis registros, accionados
por una especie de pedales, que varían la calidad y la intensidad del sonido. Aunque la denominación
organológica española más adecuada es la de clave, este instrumento se conoce también con el nombre de
clavecín y clavicémbalo.
clavicordio Instrumento cordófono en el que el sonido se produce al golpear las cuerdas mediante un
mecanismo accionado por teclas; es el auténtico antecesor del piano.
contrabajo El mayor y más grave instrumento musical de la familia de la cuerda. De aspecto semejante al del
violoncelo, posee su origen en la familia medieval de la viola da gamba. Desde finales del s. XVII, la riqueza
de sus recursos técnicos y la redondez de su sonoridad lo impusieron como parte irreemplazable en los
conjuntos orquestales.
espineta Instrumento cordófono con un mecanismo muy similar al del clave; tiene una extensión de cuatro
octavas y media.
guitarra Instrumento cordófono de cuerdas pulsadas, formado por una caja de madera y un mástil con trastes.
En la guitarra eléctrica las vibraciones son captadas por electromagnetos, conducidas a un amplificador y
emitidas por un altavoz.
La caja de la guitarra tiene un agujero circular, llamado rosetón, boca o tarraja. El mástil tiene trastes y termina
en una cabeza o pala con seis clavijas. La guitarra actual tiene seis cuerdas simples (tres de tripa -mi, si, sol- y
tres hiladas, de seda recubierta de latón -re, la, mi-) y su música se escribe en clave de sol. Sus orígenes son
oscuros (para unos autores deriva del laúd asirio y para otros de la cítara romana). El primer tratado apareció
en 1586, obra de J.C. Amat, y la primera obra impresa es de G. Montesardo (s. XVII). Entre los principales
maestros del instrumento, cabe citar a M. García, F. Sors y A. Segovia. El principal guitarrero de todas las
épocas ha sido A. de Torres.
guitarrillo Guitarra muy pequeña de cuatro cuerdas. También guitarra pequeña de voces agudas.
laúd Instrumento musical de cuerdas pulsadas con mástil recto, o doblado por el clavijero, y caja de forma
ovoide. Es uno de los instrumentos más antiguos que se conocen, utilizado ya por egipcios y mesopotámicos,
y de los pocos que llegó a tener su propio sistema de notación musical: la tablatura. Su nombre deriva del 'ud
oriental y fue introducido en Europa por los árabes, en el s. XIV, a través de España. Su forma definitiva se
fijó en el s. XV: caja ovoide formada por una tabla plana de pino y dorso de tablillas de madera de sicomoro
encoladas entre sí. En la tabla se encuentra un agujero redondo para la resonancia que suele estar decorado
con una labor de madera calada que recibe el nombre de rosa. El mástil, cuya superficie sigue el plano de la
tabla, cuenta con trastes movibles de tripa y un número variable de cuerdas dobles, con excepción de la prima,
que determinan su anchura.
Alcanzó su verdadera edad de oro en los ss. XVI y XVII, motivada en especial por sus posibilidades
polifónicas. En este último siglo aumentó el número de cuerdas pares graves (llegó a contar con 11), lo que
obligó a la construcción de mástiles más largos, provistos de un segundo clavijero superior (laúd tiorbado).
Este último cedería el lugar al laúd simple cuando se generalizó el uso de las cuerdas hiladas.
lira Instrumento cordófono compuesto de varias cuerdas, pulsadas por un plectro, tensadas en un marco. La
lira da braccio es un instrumento cordófono de cuerdas frotadas, parecido por su tamaño a la viola y
considerado como un posible antecedente del violín.

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mandolina Instrumento cordófono de la familia del laúd. La mandolina es de caja abombada y de

dimensiones inferiores a las del laúd; dispone de cuatro cuerdas, por lo general dobles, que se puntean con
plectro. Fue un instrumento muy popular en el pasado, incorporado a la música culta por numerosos
compositores (Vivaldi, Händel, Mozart, Beethoven, Mahler, Schönberg, Stravinski).
monocordio Instrumento cordófono compuesto por una caja de resonancia y una única cuerda.
piano Instrumento musical de tecla, cuyas cuerdas son percutidas mediante martillos. El piano mecánico es
un instrumento reproductor de música adaptado a un piano ordinario. La pianola es una de sus modalidades.
El piano consta de cuatro partes principales: caja, cuerdas, mecanismo y pedales. La caja suele construirse en
madera de abeto o de haya y se coloca horizontalmente en el piano de cola o verticalmente en el piano vertical.
El piano de cola varía de tamaño entre el de cuarto de cola y el de gran cola o de concierto. Las cuerdas son
metálicas, de hierro y latón en el pasado y de acero en la actualidad, y están fijadas a un armazón de acero
fundido. Mientras las cuerdas más agudas son dobles o triples, las más graves son únicas, pero están
entorchadas con un hilo de cobre. El mecanismo consiste en un sistema de palancas que al presionar una tecla
pone en juego el correspondiente martillo que golpea la cuerda, con intensidad variable según la pulsación
sobre la tecla, y la hace vibrar. Un sistema de escape permite que el martillo caiga libremente y sin rebotar
tanto si se mantiene la tecla pulsada como si no. Los apagadores son pequeñas piezas de madera recubiertas de
fieltro que caen sobre las cuerdas interrumpiendo su vibración cuando se suelta la tecla. El teclado está
formado por 50 teclas blancas de hueso, marfil o plástico y 35 negras de ébano u otra madera oscura, con una
extensión de siete octavas y una tercera. Los pedales son dos: el pedal fuerte o de sostén que permite mantener
la resonancia de las cuerdas al soltar las teclas y el pedal suave o sordina que debilita la sonoridad.
Los precedentes del piano actual se remontan a 1711, cuando B. Cristofori creó un clave que bautizó como
gravicembalo col piano e forte. En 1773 se introdujo el mecanismo vienés, que permitía la repetición rápida de
los sonidos y por tanto la agilidad del intérprete, mientras que el mecanismo simple inglés permitía una amplia
potencia sonora. A fines del s. XVIII, S. Érard logró un mecanismo que unía las ventajas de ambos,
consolidando el piano moderno. Aunque los primeros compositores para el piano fueron los clásicos
(Clementi, J.Ch. Bach, Salieri, Haydn, Mozart), el piano se consolidó gracias a las aportaciones de Beethoven
y los románticos (Schubert, Mendelssohn, Schumann, Chopin, Liszt, Brahms, Músorgski). Debussy, Ravel,
Albéniz, Bartók y Rajmáninov entre otros, evolucionaron el repertorio, mientras que Stravinski y Hindemith
utilizaron el piano como instrumento capaz de lograr efectos sonoros deslindados de una estructura melódica y
próximos a un efecto de percusión. Más recientemente, J. Cage aportó un uso insólito mediante la introducción
de objetos extraños en su interior.
rabel Instrumento medieval cordófono, de cuerdas frotadas, en desuso desde el s. XVII.
salterio En la Edad Media, instrumento cordófono consistente en una tabla de armonía, con una o varias
aberturas circulares, y un número variable de cuerdas, simples o dobles, que se pulsaban con los dedos; a partir
de la segunda mitad del s. XIV, dio origen al clavicordio.
sitar Instrumento cordófono indio parecido al laúd pero con el mástil más largo; puede tener hasta siete
cuerdas, pulsadas con un plectro.
tiorba Instrumento musical semejante al laúd, pero algo mayor, con dos clavijeros y ocho cuerdas más para
los bajos. Estuvo en boga entre los ss. XVI y XVIII.
ukelele Instrumento musical de cuerda procedente de Indonesia, parecido a la guitarra pero de menor tamaño,
que tuvo gran éxito en EEUU a partir de 1920 y que es relativamente frecuente en el jazz.
vihuela Instrumento musical de cuerda parecido al laúd por su encordadura y manera de tocarse y a la
guitarra por su forma.
Aunque a fines de la Edad Media se distinguían la vihuela de péndola, que se tocaba con plectro o púa, y la
vihuela de arco, que se tocaba con arco, esta última era en realidad una viola, pues vihuela y viola no son más
que dos formas de la misma palabra. La vihuela de péndola dio lugar en el s. XVI a la llamada vihuela de
mano, que se tañía con los dedos y que tuvo entre la aristocracia española una importancia similar a la del laúd
en otros países europeos. Para la vihuela, generalmente con cinco, seis o siete órdenes de cuerdas dobles, se

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escribieron, durante el Renacimiento y en notación cifrada o tablatura, numerosas composiciones polifónicas,

o bien se adaptaron otras de origen vocal.
viola Familia de instrumentos musicales de arco de distintos tamaños y de forma y construcción parecida al
violín, pero ligeramente más grande. Derivadas de instrumentos medievales como el rabel, estuvieron en
auge entre los ss. XV y XVIII, clasificándose en violas da braccio y violas da gamba, según se tocaran
sosteniéndolas con el brazo (viola soprano y viola contralto) o entre las piernas (viola tenor y bajo de viola).
En la actualidad se mantiene el nombre de viola da gamba para designar el bajo de viola. Un tipo muy
característico fue la viola de amor, llamada así por su dulce timbre, provocado por las cuerdas de resonancia
tendidas debajo del diapasón. En general las violas se distinguen por su timbre suave y cálido y son utilizadas
por los devotos de la música antigua, que las mantienen para poder reproducir aquella música con la máxima
fidelidad. La viola alto actual, que forma parte de la orquesta, es más un violín ampliado que una auténtica
viola.
violín Instrumento musical de cuerda que se tañe frotándolo con un arco. Aparecido a principios del s. XVI,
sus instrumentos antecesores son el rabel, la fidula, las violas y las liras «da braccio». Tiene cuatro cuerdas y
constituye el miembro más agudo de la familia, compuesta además por la viola alto, el violonchelo y el
contrabajo. Su período de fabricación más importante se extendió entre mediados del s. XVI y principios del
XVIII, destacando las familias de violeros Amati, Guarnieri y, sobre todo, Stradivarius.
Grandes músicos han sido virtuosos del violín o han compuesto para él; además de los Enesco, Heifetz,
Joachim, Kreisler, Menuhin, Oistrach, Paganini o Sarasate.
violón Contrabajo, instrumento de cuerda de la familia del violín.
violonchelo También conocido como violoncelo, instrumento musical de cuerdas frotadas con arco,
perteneciente a la familia del violín y que se toca sentado, colocándolo entre las piernas. Los violonchelistas
más destacados han sido P. Casals y M. Rostropovich.
virginal Término que en Inglaterra designaba hacia 1600 todos los instrumentos de teclado de cuerdas
pulsadas. Posteriormente se establecería la distinción entre harpsichord (clave) y virginal, que se convertiría en
un sinónimo de espineta. El virginal está ligado sobre todo a la música renacentista inglesa a través de la
escuela de los virginalistas, que componen, entre otros, J. Bull, W. Byrd, T. Morley, O. Gibbons, G. Farnaby y
T. Tallis. La mayoría de estos compositores crearon las obras que luego han aparecido en las dos principales
recopilaciones para este instrumento, el «Parthenia» (1611) y el «Fitzwilliam Virginal Book» (1630). Los
géneros más representativos para virginal fueron la variación sobre melodías de canto llano o de canciones
populares, la fantasía, de gran virtuosismo contrapuntístico, la danza y las obras de música descriptiva.
zanfona Instrumento musical de cuerdas que vibran, accionadas por un pequeño teclado, por la frotación de
una rueda conectada a un manubrio. Se le llama también viola de rueda u organistrum. Dispone además de dos
cuerdas seleccionables que producen una nota grave y constante a la manera de un pedal. De origen medieval,
en el s. XI era popular como instrumento en las iglesias. Tras experimentar cierta decadencia en el
renacimiento, conoció nuevo auge en el s. XVIII, sobre todo en Francia, escribiendo para él el propio Haydn.
En nuestros días se mantiene como instrumento popular en algunas zonas rurales de Europa.
Electrófonos
Instrumentos musicales en los que el sonido es producido o transformado por medio de dispositivos eléctricos.
En función del sistema que utilizan para generar el sonido, los instrumentos electrófonos pueden ser de varios
tipos: instrumentos de cuerda semieléctricos (bajo y guitarra eléctricos, piano Neo-Bechstein Grand),
instrumentos que funcionan mediante células fotoeléctricas (superpiano de Spielmann), instrumentos que
funcionan mediante generadores electromecánicos (órgano Hammond, sintetizadores) e instrumentos que
funcionan mediante osciladores (ondas Martenot, Trautonium).
ondas Martenot Instrumento electrónico, primer precursor del sintetizador, inventado en 1928 por Maurice
Martenot (París, 1898-id., 1980), y dispuesto en un teclado. Aunque monódico, su registro tímbrico y de
intensidades es muy amplio. Messiaen y Honegger lo han empleado en algunas de sus obras.

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sintetizador El sintetizador es un productor de sonidos a partir de sus elementos y cualidades acústicas.

Desde siempre se ha querido por un lado imitar y reconstruir los sonidos existentes (por ejemplo, los distintos
registros de calidad de los órganos se han denominado «flautas» «oboes», etc., por asemejarse el sonido de
ciertos tubos o combinación de tubos a esos sonidos) o bien crear de nuevos (a partir de construir nuevos
productores de sonido o a partir de combinaciones instrumentales). El sintetizador genera longitudes de onda
puras a las que añade separadamente otros componentes. Con respecto al tiempo puede alterar el ataque, el
mantenimiento y la extinción o decay. Con respecto a la calidad del sonido puede modificar el tipo de onda
(cuadrada, triangular, o diente de sierra) entremezclarlas en cualquier proporción, y variar el espectro armónico
otorgando más o menos presencia a los distintos armónicos añadidos al sonido fundamental. El campo abierto
con la sintetización del sonido es amplísimo en las dos direcciones apuntadas: en primer lugar, la imitación de
instrumentos nobles se ha hecho tan precisa que llegan a confundir al músico más avezado y existen en el
mercado pequeños teclados casi de juguete con un menú de sonidos muy amplio; y en segundo lugar, el
catálogo de nuevos sonidos y efectos especiales se va ampliando en gran progresión.
Idiófonos
Instrumentos musicales en los que el sonido es producido por la vibración del propio instrumento. Los
instrumentos idiófonos pueden ser de percusión directa o indirecta. En el primer caso, los instrumentos se
entrechocan (castañuelas, platillos) o se percuten (xilófono, celesta, glockenspiel, campana); en el segundo, se
agitan (maracas) o se rascan (matraca).
charlestón Instrumento idiófono de la batería formado por dos platillos que entrechocan accionados por un
pedal.
campana Instrumento idiófono que suena al ser golpeado por el badajo o por un martillo. También
instrumento idiófono, de forma tubular y percutido con martillo, frecuente en la orquesta moderna.
carillón Conjunto de campanas de diversas medidas y afinaciones dispuestas en algunas torres de manera que
puedan tañerse por medio de teclado o golpeándolas directamente. También instrumento idiófono compuesto
por campanillas, planchas o tubos de metal afinados que vibran al ser golpeados por unos martillos.
castañuelas Instrumento idiófono de madera dura y parecido a una concha; las castañuelas se unen de dos en
dos por medio de un cordón que se sujeta al pulgar y se golpean con el resto de los dedos para que ambas
partes choquen entre sí; de origen español, están muy ligadas a la música y al baile flamencos, aunque también
han sido utilizadas por algunos compositores de música culta, como Boccherini.
celesta Instrumento idiófono, en el cual un teclado acciona un mecanismo que golpea unas láminas de metal
afinadas como en el piano y montadas sobre una caja de resonancia; fue inventada por V. Mustel en el s. XIX.
crótalo Antiguo instrumento musical de percusión similar a las castañuelas. También variedad de castañuelas
de madera o de metal.
glockenspiel Instrumento idiófono cuyo sonido recuerda las campanillas; su pequeño teclado acciona unos
martillos que percuten unas láminas de acero.
gong Instrumento idiófono formado por un gran disco de metal que se golpea con un mazo.
guimbarda Instrumento musical primitivo, construido con un armazón de metal en el que vibra una lámina
de acero.
maraca Instrumento musical construido con el fruto del totumo, seco y vaciado, en el que se introducen
semillas secas y se sostiene por medio de un palo que lo atraviesa. Utilizado a pares para el acompañamiento
de la rumba, recientemente ha sido incorporado a la música culta.
marimba Instrumento idiófono parecido al xilófono en el que cada lámina dispone de un resonador de
calabaza o de bambú.

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matraca Instrumento idiófono formado por una rueda de tablas fijas en forma de aspa que gira entre mazos
sueltos y cuyo choque produce un ruido de gran intensidad.
platillo Instrumento idiófono formado por dos piezas metálicas circulares que se tocan entrechocándolas una
contra otra.
sistro Instrumento musical, de metal, piedra o arcilla, utilizado por los antiguos; estaba constituido por un
mango y por un cuadro por el que se hacían pasar unas varillas en las que se ensartaban conchas o piezas
metálicas; el sonido se obtenía al agitar el instrumento.
tamtam Instrumento musical de percusión, de origen oriental, formado por un gran disco metálico colgado
que suena al ser golpeado con una pequeña maza. También recibe este nombre un gran tambor de madera
vaciada utilizado por pueblos de África, Oceanía y América del Sur. Se le hace sonar percutiéndolo con las
manos.
triángulo Instrumento musical idiófono formado por una barra metálica doblada en forma de triángulo
equilátero. Cuando se le golpea con una pequeña vara del mismo metal emite un sonido resonante.
vibráfono Instrumento musical de percusión formado por una serie de láminas metálicas de distintas
longitudes afinadas según la escala cromática. Debajo de cada una de ellas hay un tubo metálico que sirve de
resonador. Unos pequeños ventiladores tapan los resonadores y producen el
vibrato propio de este instrumento. Se percute con baquetas. Muy utilizado por el jazz, fue empleado en la
orquesta sinfónica por vez primera por A. Berg en «Lulú».
xilófono Instrumento musical idiófono formado por un número variable de láminas de madera o de metal que
se golpean con dos baquetas; originario de Java, es conocido en Europa desde el s. XVI y fue introducido en la
música culta por C. Saint-Saëns («Danza macabra», 1874).
Membranófonos
Instrumentos musicales en los que el sonido es producido por medio de la vibración de una membrana tensada.
Los instrumentos membranófonos pueden ser de percusión (tambor, timbal, pandereta) u otros; en función del
tipo de sonido emitido, pueden ser determinados (timbal) o indeterminados (tambor).
batería Conjunto de instrumentos de percusión que toca un único músico. La batería está formada por el
bombo (accionado mediante pedal), los tambores, la caja clara, los platillos y el charles (dos platillos que
chocan accionados por medio de un pedal). Muy ligada al jazz y sus derivados, al principio cumplía la función
de marcar el ritmo; sin embargo, con posterioridad, fue cobrando protagonismo, hasta el punto de crear
auténticas líneas melódicas.
bombo Instrumento membranófono consistente en un tambor de grandes dimensiones.
bongo Instrumento membranófono que consiste en dos pequeños tambores con parches en una sola cara.
pandereta Instrumento membranófono con cuadro circular y provisto de cierto número de pares de sonajas.
pandero instrumento similar a la pandereta pero de mayor tamaño.
tambor Instrumento musical de percusión. Está formado por un cilindro hueco cuyos dos extremos están
cerrados por membranas de tensión regulable, de las que sólo se golpea la superior, emitiendo sonidos de
altura indefinida.

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timbal Instrumento musical de percusión formado por una caja semiesférica de cobre recubierta por una piel
de tensión variable que se percute con una baqueta. Su afinación varía según el tamaño de la caja y la tensión
del parche. En la orquesta moderna suelen utilizarse tres timbales.

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El Intérprete
La figura del intérprete ha experimentado toda una serie de transformaciones a lo largo de la historia; desde el
discreto ejecutante de piezas sacras o profanas o el anónimo integrante de formaciones polifónicas
característico de la Edad Media hasta el ídolo de masas en que se han convertido algunos de los artistas más
populares de nuestra época media, existe un abismo, cuyo punto de inflexión debe rastrearse a partir del
Renacimiento.
Efectivamente, y pese a algunas formas anteriores que apuntaban ya ciertas características que se adscriben a
la definición de intérprete tal y como hoy se entiende (como, por ejemplo, los trovadores), fue la música
renacentista, a través de la difusión de la monodia acompañada, la que potenció el valor del solista como
«intérprete» de la partitura, es decir, como traductor de los signos escritos por el compositor, como
intermediario entre éste y el público. Pese a la rigidez de la mayor parte de las partituras del s. XVII, un buen
número de intérpretes comenzó a gozar de cierta reputación como instrumentistas merced a sus
improvisaciones, embellecimientos y relecturas sobre obras escritas.
La llegada de la música barroca trajo consigo el nacimiento de una serie de géneros, como el del concierto, que
preveían la ejecución de una «cadencia», entre dos compases determinados, durante la cual el intérprete se
libraba a una improvisación, a veces poco afortunada (como lo prueba el hecho que, ante la impunidad de
músicos vanidosos y cada vez más poderosos, algunos compositores se dedicaran a fijar sobre el papel dichas
cadencias). Son ejemplos de este tipo de piezas los «Conciertos para órgano» de G.F. Haendel y el «Concierto
de Brandeburgo nº 3» de J.S. Bach.
Pese a todos estos antecedentes, y dejando aparte a los intérpretes de música vocal, apenas si ha llegado hasta
nosotros nombre alguno de solista de la época del Barroco, excepción hecha de los compositores que pudieron
contribuir a su prestigio como creadores con una sabiduría de ejecución notable, como en el caso del Bach
organista o del A. Vivaldi violinista.
Similar fenómeno se produjo a finales del s. XVIII; pese a que W.A. Mozart fue célebre en todo el continente
europeo antes como instrumentista prodigio que como creador, con él se inauguraría uno de los modelos más
recurrentes del romanticismo, el del compositor que interpretaba sus propias obras. Este fue el caso de L. van
Beethoven, F. Chopin, R. Schumann o F. Liszt.
La aparición de la popularidad de los instrumentistas virtuosos se remonta a esas primeras décadas del s. XIX
con la presencia de N. Paganini; con él apareció una nueva figura en el mundo musical, que ya de por sí estaba
pasando por los cambios que las nuevas condiciones sociales conllevaban, esencialmente la ascensión de la
burguesía a un primer plano económico y el acceso de ésta a la cultura, hasta entonces reservada
principalmente a la aristocracia; más concretamente, el nacimiento a finales del s. XVIII de los conciertos
públicos habría de crear una nueva coyuntura en la que la música ingresaba en el cada vez más expandido
mundo de la oferta y la demanda. El intérprete se convertía, pues, en un producto, tanto más rentable cuanto
más alta fuera su calidad como artista, su carisma personal e incluso los avatares de su vida privada.
Paganini plantaría muy pronto su semilla en los abonados campos del mundo musical del momento y, tan sólo
cuarenta años después de la muerte de Mozart, quien, pese a ser un excelente instrumentista no logró escapar a
su condición de músico del s. XVIII, un pianista como Liszt podía pasearse por todo el continente percibiendo
cachés muy jugosos y viviendo exclusiva y holgadamente de sus exhibiciones públicas.

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Paralelamente, el papel de los cantantes cobró durante el s. XIX una relevancia que en el caso de estos
intérpretes no era tan nueva. Desde hacía tiempo, un tipo particular de cantante había obtenido ya los mayores
favores del público, principalmente los «castrati» legendarios del s. XVIII, como Farinelli o Caffarelli;
posteriormente las «prime donne» como la Pasta, W. Schröder-Devrient, la Malibrán o A. Patti o tenores como
G.B. Rubini, A. Nourrit o G.-L. Duprez conservaron una especie de derecho de interpretación excepcional, un
protagonismo superior al de los propios compositores, cuyas obras se encargaban de embellecer según su
inspiración y su arte.
Algunas de las tendencias operísticas del romanticismo (como el bel canto) respondían a esta libertad
interpretativa del cantante, cuya presencia atraía a importantes sectores del público independientemente de las
obras que se ejecutaban. Esta circunstancia, vigente aún en la actualidad y no tan sólo en el caso de los
cantantes, fue, pues, un fruto de la época romántica, que también vio nacer la institución del director de
orquesta como estrella absoluta de la función; más allá del papel secundario como «marcador» del compás, la
nueva importancia de la música sinfónica otorgó al director el papel de «tañedor» de un instrumento múltiple
al que podía malear según sus propias capacidades artísticas y concepciones musicales. H. Richter, H. von
Bülow, G. Mahler, A. Nikisch o A. Toscanini fueron las primeras estrellas de este particular firmamento de la
dirección orquestal.
Nuestro siglo no ha hecho más que ahondar en este protagonismo de los intérpretes, suscitado en gran medida
por la industria discográfica y por los medios de comunicación. Junto a la difusión a gran escala de la música
denominada «culta» o «clásica», amplísimos sectores de la sociedad han tenido acceso al conocimiento, más o
menos superficial, de las carreras y trayectorias de un buen número de intérpretes que se han convertido en
ídolos o mitos culturales de primer orden. Así, en el terreno vocal destacan, entre muchos otros, los nombres
de los tenores E. Caruso, H. Lázaro, B. Gigli, M. del Monaco, J. Björling, C. Bergonzi, A. Kraus, L. Pavarotti,
J. Carreras y P. Domingo (protagonistas, los tres últimos, de una exitosa campaña de promoción y divulgación
de la ópera en escenarios poco habituales); los barítonos T. Gobbi, D. Fischer-Dieskau, S. Milnes, H. Prey y J.
Van Dam; los bajos F. Chaliapin y N. Ghiaurov; entre las voces femeninas, las de las sopranos N. Melba, M.
Callas, R. Tebaldi, K. Flagstad, Victoria de los Ángeles, E. Schwarzkopf, J. Sutherland, M. Caballé, M. Price,
B. Nilsson, M. Freni y J. Norman; las de las mezzosopranos J. Baker, M. Horne y C. Ludwig; finalmente, K.
Ferrier destacó en la primera mitad de este siglo por su hermosa voz de contralto.
En el terreno puramente instrumental, la lista es asimismo extensísima, si bien los directores de orquesta, los
pianistas, los violinistas y, en los últimos años, los violonchelistas, parecen copar con su mayor presencia los
catálogos de las compañías discográficas y los programas de las salas de conciertos; entre los primeros deben
señalarse a W. Furtwängler, S. Kusevitski, H. Knappertsbusch, D. Mitrópulos, B. Walter, P. Monteux, O.
Klemperer, K. Böhm, E. Jochum, R. Kubelík, E. Kleiber, G. Szell, H. von Karajan, P. Boulez, S. Celibidache,
J.E. Gardiner, E. Ansermet, L. Stokowski, C. Davis, G. Solti, B. Haitink, N. Marriner, N. Harnoncourt, T.
Koopman, A. Dorati, L. Maazel, J. López Cobos, C. Abbado y Z. Mehta.
Debe resaltarse entre la extensísima lista de violinistas a J. Thibaud, A. Grumiaux, E. Ysaye, J. Heifetz, N.
Milstein, Y. Menuhin, D. e I. Oistrakh, I. Stern, I. Perlman y P. Zukerman.
Entre los pianistas han destacado o siguen en primera línea S. Rachmaninov, A. Cortot, V. Horowitz, A.
Rubinstein, W. Kempff, A. Schnabel, C. Arrau, R. Serkin, E. Fischer, W. Backhaus, E. Gilels, A. de Larrocha,
A. Benedetti-Michelangeli, D. Lipatti, A. Brendel, M. Argerich, S. Richter, D. Barenboim, M. Pollini y M.J.
Pires. Los violoncelistas cuya obra ha sido más divulgada son P. Casals, G. Cassadó, P. Fournier y M.
Rostropóvich.
Otros instrumentistas que también han accedido a este Olimpo de los dioses de la interpretación son el arpista
N. Zabaleta, los clavecinistas W. Landowska, R. Kirkpatrick, G. Leonhardt y T. Koopman, los flautistas J.-P.
Rampal y J. Galway, los guitarristas A. Segovia y N. Yepes y los organistas N. Boulanger, M. Dupré, G.
Leonhardt y K. Richter.
En las últimas décadas se ha asistido a un nuevo fenómeno en el campo de la interpretación musical,

constituido por la recuperación de los modos de ejecución supuestamente legítimos a la hora de abordar la
música anterior al romanticismo. De este modo, algunos músicos europeos se han encargado de estudiar
concienzudamente las partituras barrocas y prebarrocas para intentar establecer el enfoque más adecuado para
unas obras escritas en unas circunstancias muy distintas a las actuales. En primer lugar, se ha producido una
recuperación de los instrumentos originales o, en cualquier caso, se ha procedido a una reconstrucción basada

143
en los modelos de la época. También las coordenadas rítmicas, dinámicas y tímbricas de las partituras han
sufrido significativas variaciones; al mismo tiempo, se ha intentado ceder (no siempre con éxito) todo el
protagonismo a la música, a la propia obra y a su compositor, en detrimento del intérprete, reacción ésta que
responde a un rechazo frente a la poderosa tiranía de unas tendencias romantizantes que han señoreado en los
círculos musicales del último siglo.
Al frente de esta corriente, que deviene cada vez más popular, existe una serie de nombres encabezados por los
intérpretes y directores N. Harnoncourt (fundador del Concentus Musicus de Viena), T. Koopman, J. Savall,
Ch. Hogwood y F. Brüggen entre muchos otros.

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GLOSARIO VIII DIRECTORES DE ORQUESTA
GLOSARIO VIII
GLOSARIO DE DIRECTORES DE ORQUESTA
El Director de Orquesta
Músico encargado de dirigir la ejecución de una obra orquestal o lírica que exige la participación de un
conjunto de intérpretes.
GLOSARIO DE DIRECTORES DE ORQUESTA
Abbado, Claudio
(Milán, 1933) Director de orquesta italiano. Hijo del violinista Michelangelo Abbado, profesor del
Conservatorio Giuseppe Verdi, y de la pianista Maria Carmela Savagnone, la atmósfera musical de su entorno
familiar decidió tempranamente su vocación.
Su debut profesional en Trieste, en 1958, atrajo de inmediato la atención de público y crítica. Al año siguiente
se estrenó como director de ópera con «El amor de las tres naranjas», de Prokófiev, uno de sus más afines
compositores. A partir de entonces se sucedieron los contratos por toda Europa y Estados Unidos. En 1963
obtuvo el premio Dimitri Mitrópulos, que lo habilitó a un stage como director asistente de la Orquesta
Filarmónica de Nueva York. En 1965 impresionaron sus actuaciones en los festivales de Viena y Salzburgo y
fue invitado a dirigir la Orquesta Filarmónica de Viena en sustitución de Von Karajan, un desafío que le
reportó una de las más recordadas ovaciones tras su interpretación de la «Segunda sinfonía» de Gustav
Mahler. Igualmente memorable fue su presentación en el Festival de Edimburgo de 1956.
Director de la Scala de Milán desde 1968, introdujo en ésta importantes innovaciones para facilitar el acceso
del gran público. Es asimismo director de la Orquesta de la Comunidad Económica Europea desde 1978 y,
desde 1983, director permanente de la Orquesta Sinfónica de Londres, además de ser principal director
invitado de la Orquesta Filarmónica de Viena, con la que en 1988 se presentó en el teatro de la Zarzuela de
Madrid, y de las sinfónicas de Londres y de Chicago.
Ansermet, Ernest
(Vevey, 1883-Ginebra, 1969) Director de orquesta y musicólogo suizo. En 1918 fundó la Orquesta de la Suisse
Romande y, entre 1924 y 1933, estuvo al frente de la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires. Destacó
como difusor de la música contemporánea. Entre sus obras teóricas, sobresale «Los fundamentos de la música
en la conciencia humana» (1961).

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Argenta, Ataúlfo
(Castro Urdiales, 1913-Los Molinos, Madrid, 1958) Director de orquesta español. Empezó su formación en el
Conservatorio de Madrid, donde rápidamente destacó por sus excepcionales dotes de pianista. Para
perfeccionar su técnica fue enviado a Lieja, Bélgica, con el maestro A. Marsick. Regresó a España con
grandes perspectivas, pero poco después estalló la guerra civil y fue destinado al Batallón de Transmisiones de
Segovia; cuando finalmente fue desmovilizado, se casó con una antigua compañera del conservatorio, Juana
Pallarés Guisasola, y retomó su carrera. Obligado a tocar en teatros y en orquestas menores para ganarse la
vida, finalmente ganó una beca para estudiar en Alemania con el maestro Carl Schuricht. Después obtuvo por
concurso una cátedra en el Conservatorio de Kassel, pero la II Guerra Mundial interrumpió nuevamente su
carrera. Cuando volvió a España comprobó con tristeza que, mientras en otros países su nombre era
respetado, en su país debía casi empezar de cero. Poco después se incorporó como pianista a la Orquesta
Nacional, y se convirtió en el director de la Orquesta de Radio Nacional de España.
En 1949 fundó la Orquesta de Cámara de Madrid, con la que realizó numerosos conciertos y giras por todo el
territorio español; fue por entonces director invitado de la Orquesta Nacional de Francia. Especialmente
memorables fueron sus conciertos en París y en Londres en los que el piano solista fue interpretado por José
Iturbi. Finalmente fue nombrado director de la Orquesta Nacional de España en 1947.
Barbirolli, sir John

(Londres, 1899-id., 1970) Director de orquesta británico de origen italiano. Formado en Londres, sucedió a
Toscanini al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York (1938) y destacó por sus versiones de la música
barroca.
Barenboim, Daniel
(Buenos Aires, 1942) Pianista y director de orquesta argentino de origen ruso, nacionalizado israelí en 1952.
Aprendió a tocar el piano con sus padres, Enrique Barenboim y Aída Schuster, ambos consumados intérpretes.
A la edad de siete años dio su primer concierto en Buenos Aires, con un programa dedicado a Bach. El éxito
fue tal, que el compositor y director Igor Markevich consiguió que el Mozarteum de Salzburgo invitara al
pequeño a continuar sus estudios en Austria. Asimismo estudió composición en París con Nadia Boulanger,
piano con E. Fischer y dirección con W. Furtwängler. En 1956 ganó el concurso de piano Alfredo Casella, en
Nápoles, y al año siguiente debutó como director de orquesta sinfónica.
A partir de 1966 dirigió la Orquesta de Cámara Inglesa, y desde 1975 se hizo cargo de la dirección
permanente de la Orquesta de París. Tanto en la faceta de intérprete como en la de director, se distingue por la
intensidad y la pasión que imprime a la música, siempre de la mano de una técnica depurada.
En 1967 se casó con la violonchelista Jacqueline du Pré. La prometedora carrera de ésta quedó truncada en
1971 al enfermar de esclerosis múltiple, mal del que fallecería en 1987. Ambos esposos habían creado una
fundación para la investigación de esa enfermedad.
Entre julio de 1987 y enero de 1989, Barenboim desempeñó el cargo de director musical y artístico de la
Ópera de la Bastilla. Sus discrepancias con el gerente de la misma, Pierre Bergé (presidente de la casa de alta
costura Yves Saint-Laurent), que reclamaba la facultad de veto y un drástico recorte del salario del director,
llevaron a éste a plantear directamente al presidente francés, François Mitterrand, la necesidad de elegir entre
«un costurero» y él. El silencio del máximo mandatario le indujo a aceptar la invitación de Georg Solti, que
había anunciado su retirada, a sucederle al frente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Curiosamente,
Barenboim ya había sucedido a Solti en la dirección de la Orquesta de París, en 1975.
Beecham, sir Thomas

(Saint Helens, 1879-Londres, 1961) Director de orquesta británico. Dirigió por primera vez en 1901.
Empresario de ópera y de ballet, fue el responsable de la presentación en Londres de los Ballets Rusos (1911).
Considerado el mejor director de su país, divulgó la música de Delius y fundó la Orquesta Filarmónica de
Londres y la Real Filarmónica de Londres. Director del Covent Garden entre 1932 y 1939, fue un gran
defensor de las grabaciones discográficas y un inagotable generador de anécdotas musicales, recogidas en
numerosas antologías.

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Bernstein, Leonard
(Lawrence, Massachusetts, 1918-Nueva York, 1990) Director de orquesta y compositor estadounidense. En
1943 ocupó el cargo de director en la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Su temperamento y la seguridad
en la dirección le valieron un rotundo éxito de crítica y público. Dirigió la Orquesta Sinfónica de Nueva York
(1945-1948) y la Filarmónica (1958-1969), además de actuar como director invitado con las principales
orquestas del mundo.
Bernstein compuso revistas musicales: «On the Town» (1944), «Trouble in Tahiti» (1952), «Wonderful Town»
(1953), »Candide» (1956) y sobre todo «West Side Story» (1957), su obra maestra, llevada al cine en 1962.
Es autor también de las sinfonías «Jeremías» (1944), «The Age of Anxiety» (1949) y «Symphony n.º 3-
Kaddish» (1963); de algunos ballets («Facsimile», 1949; «Dybbuk», 1974); música para piano («Chichester
Psalms», 1965) y para orquesta («Meditaciones para violonchelo y orquesta», 1977). También creó la banda
sonora de algunos filmes («La ley del silencio», de E. Kazan, 1954). Para la inauguración del teatro de la
Ópera del John F. Kennedy Center, en Washington, compuso una controvertida «Missa solemnis» (1971). A
partir de 1959 se sintió tentado por un nuevo medio, la televisión, iniciando la costumbre de los conciertos
explicados a los jóvenes por el propio director; sus programas fueron galardonados con once premios Emmy.
La música de Bernstein revela influencias de Mahler y Stravinski, sumadas a una sabia utilización de los
distintos lenguajes de la música popular norteamericana.
Böhm, Karl
(Graz, 1894-Salzburgo, 1981) Director de orquesta austríaco. Doctor en derecho, se inclinó por la música y
destacó desde muy joven en la dirección de las obras de Wagner, Strauss y de Mozart, su músico preferido.
Boult, sir Adrian Cedric

(Chester, 1889-Tunbridge Wells, 1983) Director británico. Estudió en el Conservatorio de Leipzig. Tras un
período de seis años al frente de la Orquesta de Birmingham, en 1930 fue nombrado director de la entonces
recién creada Orquesta de la BBC, en la que permaneció hasta 1950, cuando fue obligado a retirarse al
alcanzar la edad de jubilación forzosa para funcionarios, tras lo cual estableció una estrecha relación con la
Orquesta Sinfónica de Londres. Boult fue una figura primordial en la promoción de la música inglesa
contemporánea, especialmente Vaughan-Williams, Elgar y Holst. Asimismo interpretó a Beethoven, Schubert
y Brahms.
Bülow, Hans von

(Dresde, 1830-El Cairo, 1894) Director de orquesta y compositor alemán. Excelente pianista y notable
compositor de obras sinfónicas. Fue uno de los mejores directores de orquesta de la época y un gran animador
de la vida musical alemana. Mantuvo una estrecha relación con Richard Wagner, del cual estrenó «Tristán»
(1865) y «Los maestros cantores» (1868). Su mujer, Cosima (hija de F. Liszt), le abandonó para convivir con
Wagner. Como compositor, su obra más notable es «Fantasía-Mazurca» para piano, orquestada por F. Liszt.
Celibidache, Sergiu
(Roman, 1912) Director de orquesta rumano. Estudió armonía, contrapunto y musicología en el Conservatorio
de Bucarest, además de doctorarse en matemáticas y filosofía. Después de vivir por algún tiempo en París,
donde se ganaba la vida como pianista en la Escuela de Baile de la Sorbona, se instaló en Berlín en 1936.
En 1945, Furtwängler fue retirado por las nuevas autoridades de su puesto al frente de la Filarmónica de Berlín
por su presunta connivencia con el nazismo. Se convocó un concurso para sustituirle, y Celibidache fue el
inesperado ganador. Su fuerte personalidad, su obsesión por la perfección y su memoria prodigiosa, que le
permitía ensayar y dirigir sin servirse de la partitura, colocaron en tres años a la agrupación berlinesa a la
altura de las mejores orquestas del mundo. En los años cincuenta residió preferentemente en Italia, alternando
la dirección de la Orquesta y Coros de Santa Cecilia y de la RAI, en Roma, con intervenciones al frente de la
Orquesta de la Scala de Milán, y con una larga dedicación a la enseñanza. En 1980 aceptó el cargo de director
musical de la Filarmónica de Munich, no sin antes poner condiciones muy estrictas en cuanto a composición
de la orquesta, tiempos de ensayo y repertorios. Es considerado un especialista en Bruckner y la música
romántica, y desde el año 1956 se ha distinguido por su negativa a realizar grabaciones ni a permitirlas en sus

148
conciertos en directo (negativa sólo rota en 1980 cuando grabó su propia composición «Der Taschengarten» a
beneficio de la UNICEF).
Damrosch, Walter Johannes

(Breslau, 1862-Nueva York, 1950) Compositor y director de orquesta alemán. Introdujo el repertorio sinfónico
europeo en Estados Unidos, donde presentó a Chaikovski, a quien indujo a componer su sexta sinfonía.
Davis, sir Colin

(Weybridge, 1927) Director de orquesta británico, mayormente autodidacta. Destacó como director de óperas
en la Ópera Sadler Wells, Glyndebourne y el Covent Garden. Director principal de esta última institución
durante casi quince años (1971-1986), ha alternado dicha función con presencias como invitado en la
Sinfónica de Londres, en la de Boston, en la de la BBC, y en la del Concertgebouw de Amsterdam. Ha
destacado como gran especialista en Berlioz, Mozart, Händel y Tippett.
Dorati, Antal
(Budapest, 1906-Genzensee, Suiza, 1988) Director de orquesta y compositor húngaro nacionalizado
estadounidense. Estudió en la Academia de Música de Budapest y en la Universidad de Viena. Fue también
discípulo de Bartók y Kodály. Entre 1933 y 1941 actuó como director en los Ballets de Montecarlo; en aquel
último año se estableció en Nueva York, donde dirigió musicalmente el American Ballet Theatre. Fue,
sucesivamente, director titular de la Orquesta Sinfónica de Dallas (1945-1949), la Sinfónica de Minneapolis
(1949-1960), la Sinfónica de la BBC (1963-1967), la Filarmónica de Estocolmo (1966-1974), la Nacional de
Washington (1970-1976), la Real Orquesta Filarmónica de Londres (1975-1978) y la Sinfónica de Detroit
(1977-1981). Director de extraordinaria imaginación, poseyó un repertorio extensísimo. Muy amplia es
también su discografía, que comprende íntegramente las sinfonías y las óperas de Haydn.
Furtwängler, Wilhelm
(Berlín, 1886-Ebersteinburg, 1954) Director de orquesta y compositor alemán. Sucedió a Nikisch a la cabeza
de la Orquesta Filarmónica de Berlín y se convirtió en la primera figura mundial del podio. Destacó como
intérprete de la música romántica alemana (en particular Beethoven, Brahms y Wagner) y como autor de obras
sinfónicas e instrumentales.
Gardiner, John Eliot

(Cambridge, 1943) Director de orquesta británico. Muy joven formó la Orquesta y Coro Monteverdi, con las
que se especializó en música prebarroca y francesa del s. XVIII. Su amistad con Nadia Boulanger fue tan
estrecha que ella le cedió en su testamento muchas de sus más apreciadas partituras. Gardiner ha sido un
acérrimo partidario de interpretar la música anterior a 1750 con los instrumentos de la época. Con el Coro
Monteverdi y los English Baroque Soloists ha realizado notables interpretaciones de Bach, Purcell, Händel y
Mozart.
Giulini, Carlo Maria

(Barletta, 1914) Director de orquesta italiano. Sus primeros pasos como director los dio en la Orquesta
Augusteo, bajo el tutelaje de W. Furtwängler y B. Walter. Tras sustituir a De Sabata como director principal de
La Scala, en donde trabajó con Maria Callas, su creciente prestigio le permitió obtener el cargo permanente en
la Sinfónica de Viena, y después, en la Filarmónica de Los Ángeles. Tras un temprano interés por la ópera,
Giulini ha evolucionado hasta convertirse en uno de los más prestigiosos intérpretes de Bruckner, Mahler y
Brahms.
Haitink, Bernard
(Amsterdam, 1929) Director de orquesta neerlandés. En 1956 fue reclamado por la Orquesta Concertgebouw
de Amsterdam para sustituir a Giulini en una representación. Ocho años después fue designado director
permanente. Desde 1969 ocupó el mismo cargo en la Sinfónica de Londres, y en 1977 fue nombrado director

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del festival de Glyndebourne. Haitink es uno de los más reputados intérpretes de Mahler, Bruckner y
Beethoven, cuyas obras dirige con total fidelidad a la partitura.
Harnoncourt, Nikolaus
(Berlín, 1929) Director de orquesta y violonchelista austríaco. Inició su carrera como violonchelista en la
Orquesta Sinfónica de Viena. En 1953, junto con algunos colegas de dicha orquesta, fundó el Concentus
Musicus, agrupación consagrada a la música del Renacimiento y del Barroco, utilizando instrumentos de la
época o réplicas suyas, que le ha dado una reputación internacional.
Jochum, Eugen
(Babenhausen, 1902-Munich, 1987) Director de orquesta alemán. En 1949 fundó la Orquesta de la
Radiodifusión Bávara y fue director permanente de la del Concertgebouw de Amsterdam. Se distinguió por sus
interpretaciones de Bach, Mozart, Beethoven, Haydn y, sobre todo, Bruckner. Posee una notable discografía.
Karajan, Herbert von

(Salzburgo, 1908-íd., 1989) Director de orquesta austríaco. Hijo de un médico muy aficionado a la música,
dio su primer concierto de piano a los cuatro años. Estudió con los mejores maestros de Salzburgo, ciudad
envuelta por completo en una atmósfera musical. Luego se trasladó a Viena, en cuya Academia estudió; a los
veinte años ya dirigía la orquesta del Mozarteum. Luego radicalizó su simpatía por el movimiento nazi,
afiliándose al Partido Nacional Socialista de Austria y luego al de Alemania, donde se casó con la cantante
Elmy Holgerloef.
Con los nazis en el poder, Karajan se convirtió en director de la Orquesta de la Ópera de Berlín; divorciado de
su primera mujer, se casó con Anita Güterman, mujer cuya ascendencia judía sería explotada luego por
Karajan, en la posguerra, para «limpiar» su imagen de su conocido pasado. Lo cierto es que tras la derrota de
los nazis le costó reemprender su carrera; pero sus innegables cualidades musicales le abrieron el camino:
dirigió durante un tiempo la Filarmónica de Viena y en 1954 volvió a Berlín para hacerse cargo de la
Filarmónica de esa ciudad, puesto que ocupó durante más de treinta años. Dos años más tarde asumió también
la dirección de la Orquesta de la Ópera de Viena, que mantuvo hasta 1964. Al frente de dos de las instituciones
musicales más prestigiosas del mundo, Karajan grabó más de novecientos discos para la compañía Deutsche
Grammophon, convirtiéndose en uno de sus accionistas.
Hacia mediados de los años ochenta, casado por tercera vez, Karajan era un hombre multimillonario y de
enorme prestigio; pero sus métodos autoritarios, que habían causado más de una polémica (se le apodaba der
Gott, «el Dios»), lo enfrentaron a los músicos de su propia orquesta, que entre 1983 y 1985 se negaron a ser
dirigidos por él. Sólo dimitiría de ese puesto pocos meses antes de morir. Quedan de él la imagen de su
inflamado culto a la propia personalidad y algunas excelentes grabaciones de obras de Beethoven, Mozart y
Wagner.
Kleiber, Erich
(Viena, 1890-Zurich, 1956) Director de orquesta austríaco. Fue director del Teatro Colón de Buenos Aires y de
la Ópera del Estado de Berlín. Dirigió el estreno de un buen número de obras contemporáneas, entre las que
destaca la ópera «Wozzeck» de A. Berg.
Klemperer, Otto
(Breslau, 1885-Zurich, 1973) Director de orquesta y compositor alemán. En 1910 fue promovido a director de
la Ópera de Hamburgo a instancias de G. Mahler. Más tarde, durante el período 1927- 1931 dirigió la Ópera
Kroll de Berlín, estrenando obras de Stravinski y Hindemith. Tras un breve paso por la Orquesta Filarmónica
de Los Ángeles, interrumpido por la grave operación de un tumor cerebral, retomó el cargo de director en la
Orquesta Philharmonia de Londres, a partir de 1955, y en el Covent Garden. Destacó como intérprete de
Mahler y del repertorio clásico alemán. Compuso una ópera («Das Ziel», 1960) y música sinfónica y sacra.

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Knappertsbusch, Hans
(Elberfeld, 1888-Munich, 1965) Director de orquesta alemán. Su fama como intérprete de óperas de Wagner,
Strauss y Mozart se estableció durante su estancia en la Orquesta de la Ópera de Baviera. Su renuncia a
ingresar en el partido nazi provocó su retiro forzado. Se trasladó a Viena, donde dirigió la Ópera de la ciudad,
y realizó conciertos con la Sinfónica de Viena. Su relativa inactividad terminó con el fin de la guerra, y
Knappertsbusch volvió a emerger con sus interpretaciones de Brahms, Beethoven, Bruckner, Wagner y
Strauss. Su «Parsifal» de 1951 en Bayreuth está considerada una de las más relevantes interpretaciones
wagnerianas del siglo.
Kubelík, Rafaël
(Bychory, Praga, 1914). Director de orquesta checo nacionalizado suizo. Hijo del violinista J. Kubelík, estudió
en el Conservatorio de Praga. Empezó su carrera como concertista de piano y acompañante en los recitales de
su padre. Entre 1936 y 1939 actuó como director permanente de la Orquesta Filarmónica Checa.
Posteriormente ejerció como director musical de la Ópera de Brno (1939-1941), y titular de la Filarmónica
Checa (1941- 1948). En 1948 se trasladó a Estados Unidos, donde dirigió la Orquesta Sinfónica de Chicago
(1950-1953); retornado a Europa, fue director musical de la Ópera Real del Covent Garden de Londres (1955-
1958) y de la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión Bávara de Munich (1961-1979). Fue también, por breve
tiempo, director musical de la Ópera Metropolitana de Nueva York (1972-1974). Su nombre está
particularmente vinculado a la interpretación de Brahms, Dvorák y Mahler, compositores de los que ha
grabado su integral sinfónica.
Lamoureux, Charles
(Burdeos, 1834-París, 1899) Violinista y director de orquesta francés. En 1881 fundó en París los Nuevos
Conciertos, que, con posterioridad, pasaron a llevar su nombre. Dirigió la primera ejecución integral de las
óperas de Wagner en Francia.
Levi, Hermann (Giessen, 1839-Munich, 1900) Director de orquesta y compositor alemán. Fue uno de los más
famosos directores de ópera de su tiempo, en especial de obras de Wagner, Mozart y Gluck. Escribió canciones
y música sinfónica.
López Cobos, Jesús

(Toro, Zamora, 1940) Director de orquesta español. Al terminar la carrera de filosofía y letras se dedicó por
entero a la música. Cursó estudios en los conservatorios de Málaga y Madrid. En esta capital fundó el Octeto
de Cantores de Polifonía. En 1966 obtuvo una beca para continuar su formación en Viena, donde permaneció
hasta 1969. Allí perfeccionó sus conocimientos sobre música coral, dirección orquestal y ópera. En 1970
dirigió una ópera de Donizetti en el teatro La Fenice de Venecia. Luego se trasladó a Nueva York, donde se
matriculó en la Juilliard School.
En 1976 dirigió la London Symphony Orchestra, la Royal Philarmonic Orchestra y la New Philarmonic
Orchestra. En 1977 debutó con la Filarmónica de Berlín, y tras el éxito conseguido fijó su residencia en la
capital alemana, donde llegó a director general de música de la Ópera de Berlín (1981).
Por entonces se le ofreció la dirección de la Orquesta Nacional de España, que había dirigido en dos
ocasiones, en 1971 y 1977. Aceptó en 1983, el mismo año en que le fue concedido el Premio Príncipe de
Asturias de Música, y dio su primer concierto en enero de 1984. Sin embargo, sus diferencias con los músicos
malograron esta colaboración, y poco más tarde (1986) López Cobos dimitía. Antes de tomar esta decisión
había dirigido en la Asamblea General de las Naciones Unidas un concierto de música española, centrado en
obras de Manuel de Falla, que alcanzó gran resonancia. Tras la dimisión, que constituyó una auténtica
sacudida en la vida musical del país, López Cobos regresó a Alemania y pasó un tiempo dando conciertos por
diversas capitales del mundo, en particular en Berlín, Zurich, Viena, San Francisco, Los Ángeles, Ginebra,
Londres, etc. Desde entonces no ha vuelto a dirigir en España. En los últimos tiempos ha simultaneado la
dirección, como titular, de varias orquestas europeas y norteamericanas. Hacia finales de los años ochenta dejó
de dirigir ópera. Tiene editada y vendida una importante discografía.
Maazel, Lorin

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(Neuilly-sur-Seine, 1930) Director de orquesta y violinista estadounidense. Debutó como director a los nueve
años y en 1947 fundó el Fine Arts String Quartet. Ha sido director de las óperas de Berlín (1965-1971) y de
Viena (1982-1984) y ha dirigido las orquestas de Cleveland (1972-1982) y de Pittsburgh (desde 1984), la New
Philharmonia Orchestra de Londres (1970), y la Orquesta Nacional de Francia. Posee una extensa discografía.
Markevich, Igor
(Kíev, 1912-Antibes, 1983) Director de orquesta y compositor ucraniano nacionalizado italiano y francés. Fue
discípulo de A. Cortot, de N. Boulanger y de H. Scherchen. Destacó como director de orquesta en Italia,
Francia y España y compuso música coral, sinfónica, de cámara y ballets. Publicó un volumen de memorias y
un estudio crítico sobre las sinfonías de Beethoven.
Marriner, sir Neville

(Londres, 1924) Director de orquesta británico. Ingresó en el Colegio Real de Música a los 13 años. Fue
designado segundo violín principal de la Orquesta Sinfónica de Londres, cargo que desde 1956 compaginó con
el de director de la Academy of St. Martin-in-the-Fields. Convertida bajo su dirección en una de las más
representativas orquestas de cámara del siglo, ha realizado infinidad de grabaciones en las que destacan sus
interpretaciones de Bach, Händel, Vivaldi, Corelli, Telemann y Mozart.
Martinon, Jean
(Lyon, 1910-París, 1976) Compositor y director de orquesta francés. Fue alumno de A. Roussel y de Ch.
Munch y destacó como director de varias importantes orquestas (Lamoureux, Sinfónica de Chicago, Nacional
de la ORTF, de la Residencia de La Haya). Es autor de música sinfónica (conciertos para violín, flauta y piano)
y de cámara, de cuatro sinfonías y de una ópera de estilo neoclásico («Hécuba», 1949).
Mehta, Zubin
(Bombay, 1936) Músico y director de orquesta indio. Nacido en la India británica, su familia pertenecía a la
etnia parsi, por lo que su origen es persa. Hijo primogénito de Themina y Mehli Mehta, fundador de la
Orquesta Sinfónica de Bombay, Zubin («la espalda poderosa», en lengua parsi) se crió en el ambiente ideal
para el buen desarrollo de su afición musical. Su padre le enseñó violín y piano y confió sus estudios teóricos a
un profesor italiano. En su adolescencia, sin embargo, no estaba convencido de que la música fuese su
verdadera vocación y comenzó a estudiar medicina. En 1952, durante los ensayos previos a una actuación
benéfica de Yehudi Menuhin con la orquesta que entonces dirigía su padre, la ausencia de éste obligó a Zubin a
coger la batuta y sustituirlo. Este suceso lo marcaría hasta tal punto que abandonó la medicina para proyectar
su futura carrera musical, y, en 1954, se trasladó a Viena. Al año siguiente aprobó el ingreso en la escuela de
dirección de orquesta y durante el verano consiguió una beca para estudiar en la Academia Chigiana de Siena.
Terminados sus estudios y tras algunos altibajos, gracias a la mediación de Leopold Stokowski, en 1960
consiguió dirigir la Filarmónica de Filadelfia, el primer peldaño hacia su inminente celebridad. Tenía
veinticinco años cuando dirigió la Filarmónica de Viena, y a partir de entonces se sucedieron los encargos de
las filarmónicas de Montreal, Londres, Israel y Los Ángeles, en la que permanecería por espacio de quince
años.
En 1964, ya consagrado como uno de los directores de mayor prestigio, sintió la tentación de abordar el género
lírico y dirigió «Tosca», «Il trovatore» o «La Traviata» con similar maestría. Al concluir su labor en la
Filarmónica de Los Ángeles, en 1976, la fuerte vinculación del músico con Israel se tradujo en una fructífera
relación de trabajo de primera magnitud, siendo nombrado director vitalicio de la Orquesta Filarmónica de
Israel en 1981. Desde 1979 ha dirigido también la orquesta de Nueva York. Se casó dos veces, en 1958 con la
cantante canadiense Carmen Lasky, madre de sus dos hijos, Merwan y Zarina, y en 1969 con la estadounidense
Nancy Kovac.
Mengelberg, Willem
(Utrecht, 1871-Zuort, 1951) Director de orquesta neerlandés. Estudió en el Cologne Conservatorium para
convertirse, en 1895, en director de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam. Bajo su mando, que se
prolongó hasta 1945, ésta se convirtió en uno de los conjuntos más importantes del mundo. Famoso por su

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aproximación subjetiva y libre hacia la partitura, Mengelberg está considerado un excelente intérprete de
Mahler, R. Strauss y de los compositores franceses, como D. Milhaud. Simpatizante de la ideología nazi, tras
el final de la guerra fue condenado al ostracismo, su carrera se resintió enormemente y acabó exiliado en
Suiza, donde murió.
Mitrópulos, Dimitri
(Atenas, 1896-Milán, 1960) Director de orquesta, pianista y compositor griego nacionalizado estadounidense.
Se formó en Atenas, Bruselas y Berlín (con F. Busoni) y alcanzó gran fama como director en Europa y en
Estados Unidos (1936), donde fue titular de las orquestas de Minneapolis (1937-1949), Nueva York (1949-
1958) y de la Metropolitan Opera House. Compuso música de cámara, sinfónica y para la escena.
Monteux, Pierre
(París, 1875-Hancock, 1964) Director de orquesta francés. Dirigió la orquesta de los Ballets rusos de Diaghilev
y fundó (1914) la Sociedad de Conciertos Populares, que más tarde llevaría su nombre. En 1916 se estableció
en EEUU, donde dirigió los Ballets rusos y la Orquesta Sinfónica de Boston. En 1929 fundó la Orquesta
Sinfónica de París. Estrenó los ballets «Petruchka» (1911) y «La consagración de la primavera» (1913) de
Stravinski, «Dafnis y Cloe» (1911) de Ravel y «Juegos» (1912) de Debussy.
Munch, Charles
(Estrasburgo, 1891-Richmond, 1968) Violinista y director de orquesta francés. Se formó con W. Furtwängler y
fue director de la Orquesta Filarmónica de París (1935) y de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio
parisino (1936-1946). Titular de la Orquesta Filarmónica de Boston desde 1951, en 1967 fue nombrado titular
de la Orquesta de París.
(Lébényi Szant-Miklós, Hungría, 1855-Leipzig, 1922) Director de orquesta alemán. Estudió en el

Conservatorio de Viena e incluso desarrolló una breve carrera como violinista. Dotado de una gran técnica,
carisma y formidable memoria, su estilo, muy personal, oponía a la aproximación metódica y reflexiva de
ilustres contemporáneos como Bülow o Mahler una comprensión de la partitura enteramente basada en la
intuición y la improvisación. Acusado en su día de ser incapaz de interpretar una misma obra dos veces de la
misma forma, está considerado en la actualidad uno de los directores más destacados de su época. Resultan
especialmente destacables sus interpretaciones de Beethoven, Schumann o Chaikovski. Nikisch estuvo al
frente de algunas de las orquestas más importantes del momento: Sinfónica de Boston (1889-1993), de Berlín
(1895-1922) o de Londres (1912-1914).
Ormandy, Eugene
(Budapest, 1899-Filadelfia, 1985) Director de orquesta estadounidense, nacido en Hungría. Su verdadero
nombre era Jenö Blau. El primer gran director en educarse como tal en EEUU, su trayectoria musical se inició
en 1931 al sustituir momentáneamente al gran Toscanini al frente de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia. En
1938 fue designado director principal, cargo que ocupó durante 43 años. Las preferencias de Ormandy como
intérprete le condujeron a Brahms, Dvorák, Sibelius, Mahler y los nacionalistas rusos.
Previn, André
(Berlín, 1929) Director de orquesta y arreglista, Previn emigró a Estados Unidos en 1938. Atraído por el jazz
desde un principio, alcanzó gran renombre con una serie de grabaciones con el saxofonista Shelly Manne.
Durante los años sesenta, sus ambiciones como director se orientaron hacia la música clásica. Durante su etapa
en la Orquesta Sinfónica de Londres se convirtió en una auténtica personalidad pública. En 1976 fue
nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, y más tarde dirigiría la Filarmónica Londres y la
Filarmónica de Los Ángeles.
Reiner, Fritz

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(Budapest, 1888-New York, 1963) Director estadounidense de origen húngaro. Estudió en la Academia de
Música de Budapest. Al frente de la Orquesta de Ljubljana dirigió la primera representación de «Parsifal» que
se efectuaba fuera de Bayreuth. En 1922 se trasladó a EEUU para ocupar el puesto de Ysaye como director de
la Orquesta de Cincinatti. Tras un período de diez años al frente de la Orquesta de Pittsburgh, en 1953 fue
nombrado director de la Sinfónica de Chicago, en la que permaneció hasta un año antes de su muerte,
convirtiéndola en uno de los conjuntos más importantes del mundo. Famoso por su irascible carácter, Reiner
destacó como intérprete de Mozart, Beethoven, Mahler, Brahms y Bartók.
Richter, Hans
(Raab, 1843-Bayreuth, 1916) Director de orquesta húngaro. Copista y ayudante de Wagner, llegó a ser el
director wagneriano más famoso de su tiempo. Inauguró el teatro de Bayreuth con la dirección de la
«Tetralogía» (1876).
Richter, Karl
(Plauen, 1926-Munich, 1981) Organista, clavecinista y director de orquesta alemán. Reputado organista de
Santo Tomás de Leipzig y de San Marcos de Munich, en 1953 fundó la orquesta Bach de Munich, con la que
ejecutó con gran éxito obras de Bach y de Händel.
Savall, Jordi
(Igualada, 1941) Violista de gamba y director de orquesta español. Estudió violonchelo en el Conservatorio
Municipal de Música de Barcelona. A partir de 1966 se orientó hacia el estudio de la música antigua y de la
viola da gamba, instrumento del que ha llegado a ser uno de los más altos virtuosos; fue discípulo de W.
Kuijken y A. Wenzinger en la Schola Cantorum de Basilea. En 1974 fundó el conjunto Hesperion XX, que
bajo su dirección se ha dedicado preferentemente a la música antigua española. Es director de las agrupaciones
Le Concert des Nations y La Capella Reial.
Sawallisch, Wolfgang
(Munich, 1923) Director y pianista alemán. Estudió en el conservatorio de Munich, y realizó un curso
directorial en Salzburgo bajo la tutela de Markevich. Durante los años sesenta y setenta fue designado director
artístico o principal de numerosos conjuntos como la Ópera de Colonia, la Ópera del Estado de Baviera, la
Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta de la Suisse Romande y la Orquesta de Filadelfia. Destacan sus
interpretaciones de Mendelssohn, Schumann, Schubert y Brahms.
Scherchen, Hermann
(Berlín, 1891-Florencia, 1966) Director de orquesta alemán. Dirigió las orquestas de Riga, Frankfurt del Main,
Königsberg y de la radio de Zurich. Defensor de la música contemporánea, fundó la revista «Melos» (1919) y
participó en la creación de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (1923).
Solti, Georg
(Budapest, 1912) Director de orquesta húngaro, nacionalizado británico. Tras estudiar en la Academia Liszt de
Budapest con Béla Bartók y Zoltán Kodály, se unió a la Ópera de Budapest cuando tenía dieciocho años y
debutó como director a los veintiséis. De raza judía, durante la II Guerra Mundial se refugió en Zurich
huyendo del holocausto.
Después de la guerra ocupó sucesivamente los puestos de director de la Bayerische Staatsoper de Munich
(1946-1952), de la Frankfurt Opera (1952-1960) y del Covent Garden (1961-1971). En 1971 fue nombrado sir
por el gobierno del Reino Unido y asumió la nacionalidad británica un año después. Consejero musical de Rolf
Liebermann en París a partir de 1971, fue nombrado director de la Orquesta de París en 1972 y obtuvo la
Legión de Honor francesa en 1974. En 1969 había asumido también la dirección de la Orquesta Sinfónica de
Chicago, en la que desarrolló el sonido metálico Chicago sound y a la que devolvió la reputación
internacional. A partir de 1979, y hasta 1983, se convirtió en el principal director artístico y orquestal de la
Orquesta Filarmónica de Londres.

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La grabación discográfica de sus obras había comenzado en 1940 como director y como pianista. En 1966
realizó una de sus grabaciones más aplaudidas, cuando por primera vez se editó el ciclo completo de las óperas
de Richard Wagner «El anillo de los nibelungos». A lo largo de su dilatada carrera destacó por la habilidad
con que aunaba las cualidades de los músicos de las numerosas orquestas que dirigió y por la facilidad con
que establecía buenas relaciones con ellos.
Stokovski, Leopold
(Londres, 1882-Nether Wallop, 1977) Director de orquesta británico de origen polaco y nacionalizado
estadounidense. Desarrolló una fecunda labor como director de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia (1912-
1938), con la que divulgó las obras de numerosos compositores europeos contemporáneos (dirigió el estreno
americano de la ópera «Wozzeck» de Berg). Dirigió también las Orquestas Filarmónicas de Nueva York (1946-
1950) y de Houston (1955-1960) y la American Symphony Orchestra de Nueva York (1961- 1972).
Szell, George
(Budapest, 1897-Cleveland, 1970) Director de orquesta húngaro nacionalizado estadounidense. Fue un niño
prodigio, debutando como pianista a los 10 años de edad. A los 17, Richard Strauss le aceptó como asistente en
la Ópera de Berlín y le aconsejó dedicarse a la conducción de orquestas. Después de dirigir numerosas
formaciones europeas, el estallido de la II Guerra Mundial le forzó a permanecer en EEUU. Durante cuatro
años fue el principal director del Metropolitan Opera House. En 1946 se inició su relación con la Orquesta
Sinfónica de Cleveland, en la que permanecería hasta su muerte y en la que destacarían sus soberbias
interpretaciones de Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms, Schubert y Dvorák.
Thomas, Theodore
(Hannover, 1835-Chicago, 1905) Director de orquesta alemán. Fue uno de los pioneros de la actividad
orquestal estadounidense y fundó, en 1891, la Orquesta Sinfónica de Chicago.
Toscanini, Arturo
(Parma, 1867-Nueva York, 1957) Director de orquesta italiano. Proveniente de una familia sin tradición
musical alguna, Toscanini destacó en seguida en el estudio del violonchelo y en su adolescencia empezó a
estudiar dirección orquestal. Ya por entonces tenía grandes dificultades en la vista, que irían empeorando de
forma progresiva; paradójicamente, esta dolencia benefició su talento musical, ya que la casi imposibilidad de
leer las partituras lo obligaba a memorizarlas, lo cual fue un excelente ejercicio para su formación. Otra
irregularidad propició su debut como director de orquesta a los diecinueve años: en Río de Janeiro, durante
una gira en que se representaba «Aida», Toscanini se vio imprevistamente obligado a reemplazar al director
titular, abriendo de esa forma su gloriosa carrera. Poco después fue nombrado director de la Scala de Milán y
del Metropolitan Opera House de Nueva York (1908).
Entre 1926 y 1936 fue director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, con la que en los años treinta
realizó memorables giras por Europa. La sorprendente precisión de su batuta se sumaba a una ductilidad poco
frecuente en los grandes directores: era capaz de interpretar con igual maestría una sinfonía clásica que una
contemporánea, una ópera italiana o una de Richard Wagner. En 1930 dirigió el festival wagneriano de
Bayreuth, siendo el primer músico no alemán en tener ese honor. Igualmente destacadas fueron sus
participaciones en el festival anual de Salzburgo.
En 1937 la compañía norteamericana NBC formó especialmente para él una orquesta de gran nivel musical;
Toscanini la dirigió hasta 1955, cuando un fallo de su hasta entonces infalible memoria lo determinó a
retirarse de escena. Grabó excelentes versiones de las óperas de Verdi y de Puccini, consideradas con
frecuencia como modelos insuperables; de este último dirigió los estrenos de «La Bohème» (1896) y de
«Turandot» (1926); también estrenó «Il re» (1929) de Giordano y Nerone de Boito.
Walter, Bruno
(Berlín, 1876-Beverly Hills, Hollywood, 1962) Director de orquesta alemán nacionalizado estadounidense,
cuyo verdadero nombre era Bruno Walter Schlesinger. Formado en Berlín en el Conservatorio Stern, es una de

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las mejores batutas del s. XX. Dirigió en Europa (Colonia, Hamburgo, Breslau, Riga, Viena y Salzburgo), pero
judío y perseguido por los nazis debió emigrar instalarse en América, donde dirigió la Orquesta Filarmónica de
Nueva York. Autor de música sinfónica y de cámara, divulgó la obra de Bruckner y Mahler. Es un intérprete
extraordinario de Mozart y Brahms y muchas de las grabaciones que nos ha legado son arquetípicas. Autor del
libro «Temas y variaciones» (1946) y de obras de música de cámara y orquestal.
Weingartner, Paul Felix von

(Zara, 1863-Winterthur, 1942) Compositor austríaco. Notable director de orquesta, escribió óperas, música
sinfónica, de cámara y vocal, además de libros sobre temas musicales.
Wood, sir Henry Joseph

(Londres, 1869-Hitchin, 1944) Director de orquesta y coros inglés. Dirigió los Promenade Concerts desde
1895, origen de la Orquesta Sinfónica de Londres, en una gran labor divulgativa.

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GLOSARIO IX VOCALISTAS Y GRUPOS MUSICALES
GLOSARIO IX
GLOSARIO DE VOCALISTAS Y GRUPOS MUSICALES
Blues
Cocker, Joe
(Sheffield, 1944) Cantante británico, cuyo verdadero nombre es Robert John Cocker. De voz rota y pasión por
el blues negro, su primer éxito fue una versión de «With a little help from my friends» (1968) que superó la
original de The Beatles. Se consagró en el festival de Woodstock (1969) y en su histórica gira estadounidense
«Mad dogs and englishmen» (1970). Tras una etapa de mediocridad, reapareció triunfalmente con el tema de
«Oficial y caballero» (1982), «Up where we belong», que le valió el Oscar a la mejor canción.
Handy, William Christopher

(Florence, 1873-Nueva York, 1958) Compositor y editor estadounidense. Editó recopilaciones de blues, en las
que incluía sus propias composiciones, entre las que cabe mencionar «St. Louis blues», «Memphis blues» y
«Beale Street blues».
Hooker, John Lee

(Clarksdale, Mississippi, 1917) Guitarrista y compositor estadounidense de blues y rhythm and blues, de gran
influencia entre los grupos de rock de los años cincuenta y sesenta, como The Animals o The Doors. Inició su
carrera en 1948 con un éxito, «Boogie Chillun», en que tocaba él solo con su guitarra. Otros clásicos grabados
por Hooker: «Crawlin' King snake» (1949), «I'm in the mood» (1951), «Dimples» (1958), «Boom boom»
(1962). En 1960 triunfó en Newport Folk Festival, siendo considerado como uno de los más puristas
intérpretes de blues. A lo largo de los años sesenta y setenta consolidó su prestigio con discos como «Live at
the Cafe Au Go-Go» (1968), «Hooker n'Heat» (1971, grabado junto a Canned Heat), «Detroit Special» o
«Don't Turn Me From Your Door» (ambos de 1974), y los recopilatorios de sus clásicos: «House of the blues»
(1967) y «The cream» (1978). En 1986, Steven Spielberg dio un nuevo tratamiento a la música de Hooker,
incluyéndola como banda sonora en su película «El color púrpura» («The color purple»). En los años noventa,
Hooker se muestra más activo que nunca. Tras ser el invitado especial de los Rolling Stones en sus conciertos
en Atlantic City en 1989 (junto con Eric Clapton, y Guns N'Roses), volvió a la actualidad en 1990 con un
nuevo elepé, «The Healer», cuyo single, del mismo título, y con Carlos Santana a la guitarra, fue un éxito de
ventas. En 1991 le siguió «Mr. Lucky» y, en 1992, «Boom boom», ambos acogidos con gran calidez por
público y crítica. En estos discos, Hooker se rodea de músicos invitados, como Van Morrison, Albert Collins,
Robert Cray o Keith Richards.

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Hopkins, Lightnin'
(Centerville, 1912) Cantante y guitarrista de blues, cuyo verdadero nombre es Samuel Hopkins. Comenzó sus
andanzas musicales cantando en los autobuses urbanos de Houston. Empezó a grabar en los años cuarenta con
diversos compañeros entre los cuales estuvieron sus hermanos Joel y John Henry. Su apodo de «Lightnin'» se
debe a su asociación con el pianista Wilson Thunder Smith. Entre sus mejores grabaciones figuran «The blues»
(1962), «The sun's gonna shine» (1967) y «The blues according to Lightnin' Hopkins» (1970).
Hurt, John
(Carroll County, 1892-Granada, 1966) Cantante y guitarrista de blues rural, llamado Mississippi John. Empezó
a grabar en 1928 y su triunfo le llevó a Nueva York donde coincidió con la gran depresión económica que
truncó su carrera. Regresó a Missouri donde estuvo 35 años cuidando vacas sin volver a grabar. Un ejecutivo
discográfico recordaba sus canciones y le localizó en 1963 para grabar el álbum «Mississippi John Hurt: Folk
songs and blues» (1963). Participó en el Festival Folk de Newport y cuando empezaba a convertirse en la
referencia obligada para los aficionados y practicantes del blues sureño, le llegó la muerte en 1966.
Jefferson, Blind Lemon

(Couchman, 1897-Chicago, 1929) Cantante, autor y guitarrista de blues estadounidense, ciego de nacimiento.
Fue el primer intérprete capaz de organizar el viejo relato del blues para convertirlo en material grabable, con
la estructura y duración necesaria para la técnica de los años veinte, que exigían un tiempo máximo de tres
minutos. Fue el mayor vendedor de blues de su tiempo y entre los temas que escribió destacan «Black snake
blues», «Pneumonia blues» y «See that my grave is kept clean».
Johnson, Robert
(Hazlehurst, 1913-Greenwood, 1938) Cantante, autor y guitarrista de blues. A principios de los años treinta
tocó con Son House, Howlin' Wolf y Sonny Boy Williamson. Tan sólo hizo dos sesiones de grabación en su
vida: en una habitación de un hotel de San Antonio, en 1936, y en la trastienda de un local de Dallas, en 1937.
Fueron cuarenta y cinco canciones, incluyendo tomas alternativas, que le bastaron para consolidarse como una
de las máximas figuras del blues. Su muerte, a los 24 años, está rodeada por el misterio. Sus grabaciones se
condensan en los dos volúmenes de «King of the Delta blues singers».
Joplin, Janis
(Port Arthur, 1943-Los Ángeles, 1970) Cantante estadounidense. Destacó como intérprete, dramática y
desgarrada, de rock y, sobre todo, de blues, influida por B. Smith y por B. Holiday. Se dio a conocer en el
grupo Big Brother and the Holding Company, con los que triunfó en el Festival Pop de Monterrey (1967). Un
año más tarde Janis empezó a grabar como solista. Su segundo álbum como tal, «Pearl» (1971), ya fue
póstumo. Las drogas se la habían llevado.
King, B.B.
(Itta Bena, 1925) Guitarrista y cantante de blues estadounidense, cuyo verdadero nombre es, Riley Ben King.
Dotado de una voz potente y poseedor de una técnica guitarrística excepcional, es uno de los máximos
exponentes del blues de Chicago. Su influencia ha sido notoria sobre los músicos de blues (A. King, O. Rush,
R. Cray) y de rock (E. Clapton) posteriores.
Leadbelly
(Moorningsport, 1989-Nueva York, 1949) Cantante y guitarrista de blues, cuyo verdadero nombre era Huddie
Ledbetter. Su retentiva le convirtió en un depósito de canción popular perfectamente explotado por el
folclorista Alan Lomax. Aprendió el blues de Blind Lemon Jefferson y otros géneros blancos de su vida
vagabunda. Los Lomax le rescataron de la prisión de Texas, donde cumplía una condena por homicidio.
Liberado, trabajó con Woody Guthrie, Pete Seeger y Cisco Houston. En 1950 su canción «Goodnight Irene»
llegaba al número uno en las voces de los Weavers, un año después de su muerte.

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Mayall, John
(Macclesfield, 1933) Auténtico padre del blues británico. Este guitarrista y cantante de música blues creó, con
su grupo The Bluesbreakers, un vivero de figuras que luego triunfaron lejos de su tutela. Eric Clapton, Peter
Green, Mick Taylor y Mick Fleetwood son algunos de los músicos que emplearon su banda como escuela y
plataforma de lanzamiento. Sus mejores discos son «Bluesbreakers» (1966), «Diary of a band» (1968), «Bare
wires» (1968), «Blues from Laurel Canyon» (1969), «Turning point» (1969), «Jazz blues fussion» (1972),
«Chicago line» (1988) y «A sense of place» (1990).
McGhee, Brownie
(Knoxville, 1930) Cantante y guitarrista de blues. Aquejado de poliomielitis, fue una de las legendarias figuras
del blues entre las dos guerras mundiales. Solía formar pareja con Sonny Terry (armónica), y juntos fueron
una de las parejas más populares del blues rural. Empezó a grabar en los años cuarenta y algunas de sus
canciones subieron a las listas de rhythm and blues en los años previos al rock and roll, género en el que
influyeron con su música.
Memphis Slim
(Memphis, 1915-París, 1988) Pianista y cantante estadounidense de blues, cuyo verdadero nombre era Peter
Chatman. Tocó por los estados sureños desde principios de los años treinta. En 1937 se instaló en Chicago
donde trabajó con Big Bill Broonzy y empezó a grabar temas que se convirtieron en clásicos del blues y el
rhythm and blues. «Alberta» y «Every day (I have the blues)» son sus composiciones más difundidas.
Waters, Muddy
(Rolling Fork, 1915-Chicago, 1983) Cantante y guitarrista de blues estadounidense, cuyo verdadero nombre
era McKinley Morganfield. Cultivó un estilo influido por el country y ejerció a su vez gran influencia en
músicos pop como J. Hendrix y los Rolling Stones. Uno de sus elepés fue «Long Distance Call» (1951).
White, Josh
(Greenville, 1908-Manhasset, 1969) Cantante y guitarrista estadounidense de blues, el más popular de los años
cuarenta y cincuenta por las numerosas giras que le patrocinó, dentro y fuera de los EEUU, el Departamento
de Estado. Grabó con el Josh White Trio, que tenía a Sidney Bechet como clarinetista, cantó con el Golden
Gate Quartet y hasta en la Casa Blanca durante el mandato de Roosevelt.
Wolf, Howlin'
(West Point, 1910-Hines, 1976) Nombre artístico del cantante, armónica y guitarrista estadounidense de blues,
Chester Arthur Burnett. Su forma de cantar le valió el nombre artístico de lobo aullador. Aunque en los años
cuarenta tocó con algunos de los mejores cantantes de blues, como Charley Patton o Robert Johnson, hasta
1948 vivió de su trabajo en una granja. A partir de ese año marchó a Chicago donde se unió a los artistas del
sello Chess, entre ellos Muddy Waters, que le ayudó a fichar por el sello, aunque luego su rivalidad fuera
legendaria. Ejerció una gran influencia en los jóvenes bluesmen británicos de los años sesenta.
Canción Francesa
Aznavour, Charles
(París, 1924) Cantante, compositor y actor de cine francés. Este polifácetico hombre de origen armenio, cuyo
nombre verdadero era Verenagh Aznaourian, inició su andadura artística como cantante en 1946 apoyado por
Edith Piaf. El reconocimiento y la fama internacional los alcanzó en la década de los sesenta, interpretando
canciones melódicas que narran pequeñas historias de amor. Su peculiar voz, ronca y desgarrada,
perfectamente modulada, le ha servido para crear un estilo muy personal e identificativo que le ha
configurado como uno de los mejores cantautores franceses de esta época.

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De su extenso trabajo discográfico, los éxitos más notables son «Je m'voyais déjà», «Les comédiens», «La
Mamma», «Comme ils disent», «Mé qué, mé qué», «Je haïs les dimanches», «Jézabel», «Sur ma vie», «Parce
que», «Il faut savoir», «Deux guitares», «La marche des anges», «Oh, toi, la vie», «Donne tes seize ans», o
«Et pourtant», canciones que están en la mente de toda una generación. En 1965 compuso la opereta
«Monsieur Carnaval», y ha trabajado como actor de cine, actuando en películas dirigido por directores como
Franju, Cayatte, De la Patellière, Marquand o Lelouch. Su paso por el mundo del celuloide no le proporcionó
grandes éxitos; destacan los largometrajes «La tête contre les murs», «El paso del Rin», «Un taxi para
Tobruk», «El diablo y los diez mandamientos», «Los libertinos», «El bello monstruo», «Perros salvajes», «La
cruda verdad», «La parte del león» y «Sapho».
Bécaud, Gilbert
(Toulon, 1927) Cantante y compositor francés, cuyo verdadero nombre es François Silly. Fue pianista de
Jacques Pill de 1950 a 1953 con quien realizó una gira por Estados Unidos. A su regreso, Edith Piaf le presentó
a Pierre Delanoe y Maurice Vidalin que serían, desde entonces, sus letristas habituales. Mezclando la poética
de la canción francesa y la noción del espectáculo aprendida en EEUU, renovó la canción popular francesa con
éxitos como «C'était mon copain» (1954), «Le jour ou la pluie viendra» (1958) y «Et maintenant» (1962) que
le dieron enorme popularidad. Su puesta en escena le valió el sobrenombre de Monsieur 100.000 volts.
Además de sus canciones melódicas ha compuesto una cantata, una ópera y música para el cine.
Brel, Jacques
(Bruselas, 1929-Bobigny, 1978) Cantante y autor belga. Es uno de los grandes de la canción de los últimos
treinta años. Empezó a componer en 1949 y en 1953 debutó en el cabaret Trois Baudets de París. Sus primeras
grabaciones le descubrieron para el público internacional y fueron muchos los cantantes anglosajones que
tradujeron sus canciones, desde F. Sinatra a Neil Diamond. Es autor de la letra y de la música de sus canciones,
de tema sentimental, como la famosa «Ne me quitte pas», patriótico, como «Le plat pays», satírico, como «Les
bourgeois», o tan libre como «La valse à mille temps». Intervino también en el cine y estrenó en teatro la
versión francesa de «El hombre de la Mancha».
Ferré, Léo
(Montecarlo, 1916-Castellina in Chianti, 1993) Cantante y compositor francés. Formado, en la tradición de la
canción francesa, tradujo su inconformismo anarquista en un lenguaje directo y efectivo. Musicó textos de
Baudelaire, Aragon, Apollinarie y Ronsard. Entre sus canciones, cabe citar «La habitación», «Amsterdam» y
«Los anarquistas». Publicó también libros de poesía.
Gréco, Juliette
(Montpellier, 1927) Actriz y cantante francesa. Actuó en el teatro y en el cine, pero sus mayores éxitos los
obtuvo como cantante, identificada en un principio con el existencialismo y, más tarde, vinculada con el
music-hall. Los mejores poetas y músicos de los años cuarenta escribieron expresamente para ella temas como
«Les feuilles mortes», «Un petit poisson», «Si tu t'imagines», «Jolie Môme» y «Déshabillez-moi». En cine
trabajó en «Quand tu liras cette lettre» (1953), «Le soleil se leve aussi» (1957) y «Les racines du ciel» (1958)
dirigida por John Huston.
Montand, Yves
(Monsumano Alto, 1921-París, 1991) Actor y cantante francés nacido en Italia, cuyo verdadero nombre era Ivo
Livi. Comenzó a cantar en los cabarets de Marsella y en 1944 se dio a conocer en el París existencialista. En
1945 debutó en el cine en «Étoile sans lumière» junto a Edith Piaf. En 1952 consiguió su espaldarazo como
actor en la película «Le salaire du peur». Entre sus canciones, destacan «Barbara», «Les feuilles mortes»,
«C'est si bon», «Sous le ciel de Paris», «Paris canaille» y «Le chant des partisans».
Piaf, Edith
(París, 1915-Cannes, 1963) Cantante francesa. Hija del acróbata ambulante Louis Gassion y de Anita Maillard,
artista lírica. Edith Giovanna Gassion, más tarde Edith Piaf, fue confiada a los cuidados de su abuela materna,

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y luego a los de la paterna, que regentaba un burdel en Bernay. A partir de los siete años empezó a trabajar
junto a su padre, encargada de pasar el platillo después de sus actuaciones. A los quince se inició como
cantante, y a los diecisiete fue madre de una niña que murió poco después. En octubre de 1935, Louis Leplée,
propietario del cabaret Gerny's, la oyó cantar y la contrató. A partir de ese momento adoptó el apellido Piaf.
Pero esta etapa de su vida, que parecía que iba a alejarla definitivamente de los ambientes sórdidos, se truncó
con el asesinato de Leplée en un ajuste de cuentas. Edith fue una de las sospechosas del crimen. Pudo salir de
esta grave situación gracias a la ayuda de R. Asso, que empezó a escribir canciones para ella, la protegió y fue
su auténtico maestro. De este modo, la cantante logró imponerse como representante genuina de un estilo
típicamente parisiense. Grabó numerosos discos, prodigó sus actuaciones e interpretó varias películas («La
garçonne», 1938; «Montmartre-sur-Seine», 1941; «Étoile sans lumière», 1945). Después de la guerra se
convirtió en descubridora y protectora de nuevos talentos de la canción (Yves Montand, Charles Aznavour,
Les Compagnons de la Chanson). Fue también autora de la letra de algunas de sus más famosas canciones,
como «La vie en rose» o el «Hymne à l'amour», esta última inspirada por la muerte en accidente de su amante,
el boxeador Marcel Cerdan. La propia Edith sufrió un accidente en 1951, que supuso un grave quebranto para
su salud y que la empujó a la adicción a la morfina. Tras un efímero matrimonio con Jacques Pills, autor de «Je
t'ai dans la peau», contrajo nuevas nupcias con el peluquero de origen griego Théo Sarapo, mucho más joven
que ella y al que intentó convertir en cantante. «Le chant d'amour» fue la última canción escrita por ella. Como
homenaje al treinta aniversario de su muerte, en noviembre de 1993 se editó una antología completa de sus
canciones.
Trenet, Charles
(Narbona, 1913) Cantante y compositor francés. Debutó en un cabaret en 1933 formando dúo con Johnny Hess
y alcanzando gran fama con canciones como «La mer» (1941), «L'âme des poètes» (1951), «Douce France»
(1951), «La java du diable» (1955) y «Le jardin extraordinaire» (1957). Además de cantar sus propios temas,
ha sido interpretado por grandes figuras francesas, entre ellos M. Chevalier e Y. Montand. También trabajó en
el cine en películas como «La route enchantée» (1938), «La romance de Paris» (1943) y «Adieu Leonard»
(1943).
Canción italiana
Mina
(Busto Arsizio, 1940) Cantante italiana, cuyo verdadro nombre es Anna Maria Mazzini. Conocida como la
«tigresa de Cremona», entró en el mundo de la canción por casualidad y tuvo que usar el seudónimo de Baby
Gate para hacer su primera grabación, ante la prohibición paterna. Aunque participó en muchos festivales,
ninguno la proporcionó fama, que se ganó a base de excelentes canciones, pasando de cantante juvenil y
desenfadada a principios de los años sesenta a intérprete dramática de baladas a partir de los setenta. Entre sus
mejores álbumes están «Fruta e verdura» (1974), «Amanti di valore» (1975), «La Mina» (1976), «Singolare»
(1977) y «Uhialala» (1989).
Modugno, Domenico
(Polignano, 1928) Cantante y autor italiano, renovó a finales de los años cincuenta la canción popular de su
país, alejándola de la imitación de las romanzas napolitanas. Su revelación se produjo en el Festival de San
Remo de 1958, que ganó con «Volare». Al año siguiente repitió con «Ciao, ciao bambina» y lo ganaría dos
veces más con «Addio addio» (1962) y «Dio come ti amo» (1966). Después de esa primera etapa de esplendor,
su estrella decayó hasta que en 1970 regresó a la fama con «La lontananza». En los años ochenta se dedicó a la
política y sacó acta de diputado por el Partido Radical.
Canción popular
Andrew Sisters

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Trío formado por las hermanas LaVerne (1915-1967), Maxene (1918) y Patti (1920), que era la voz solista.
Comenzaron trabajando en la compañía teatral de la RKO en 1931. Se independizaron para montar su propio
espectáculo y grabaron su primer disco en 1937. Son el grupo femenino más vendedor de discos de la historia.
Cantaron junto a Bing Crosby, Judy Garland o Carmen Miranda. Dejaron éxitos tan importantes como «Ron y
coca-cola». En el cine protagonizaron «Camino a Río» junto a Bing Crosby y Bob Hope y «Agárrame ese
fantasma» con Abbott y Costello.
Bennett, Tony
(New York, 1926) Nombre artístico de Anthony Dominic Benedetto. Para Frank Sinatra, Bennett es el mejor
cantante del mundo. Fue descubierto por Bob Hope en 1950, cuando usaba el nombre artístico de Joe Bari.
Cantante en la línea de los grandes crooners, había logrado éxitos tan importantes como «Boulevard of broken
dreams» (1950) y «Stranger in paradise» (1953) cuando el rock and roll le alejó del primer plano de la moda
junto a sus compañeros de generación. Pese a ello, su mayor éxito, «I left my heart in San Francisco» es de
1962. En 1993, después de veinte años de retiro, cantó junto a Sinatra uno de los temas de su álbum «Duets».
Chevalier, Maurice
(París, 1888-íd., 1972) Cantante y actor francés. Después de empezar como acróbata, actividad que vio
truncada por un grave accidente, debutó en varios números de cabaret en Bruselas (su madre era de origen
belga). El Folies-Bergère y el teatro del Boulevard lo dieron a conocer. Desde 1909 formó una popular pareja
con Mistinguett.
Contratado por la Paramount, en 1929 desembarcó en América para filmar, la mayoría de las veces en las dos
versiones, americana y francesa, las que serían sus mejores películas sonoras: «El desfile del amor» (1929),
«Pequeño Café» (1930), «El teniente sonriente» (1931).
Más tarde, al lado de Jeannette McDonald, rodó: «Una hora a mi lado» (Lubitsch, 1932). Mamoulian lo dirigió
en «Ámame esta noche» (1932) y, en 1934, Lubitsch lo volvió a dirigir en «La viuda alegre».
Volvió a Francia, a la pantalla y al «music-hall». Chevalier es recordado como el más universal «chansonnier»
de entreguerras, con un estilo personal, desenfadado y picante.
En 1960 publicó sus memorias con el título «C'est l'amour». Sus principales filmes son: «Un casamiento que
se hace esperar» (L. Gasnier, 1911), «Por costumbre» (M. Linder, 1911), «Una «soirée mundana», «El chico
malo», «Jim Bougne, boxeador», «El asunto de la calle Lourcine», estas cuatro de H. Diamant-Berger, 1911.
«Buenos días, Nueva York» (R. Florey, 1928), «El cliente seductor» (F. Rey, 1931), «Las joyas robadas» (W.
McCann, 1913), «Tobogán» (H. Decoin, 1933), «Folies-Bergère» (R. del Ruth, 1935), «El vagabundo bien
amado» (C. Bernhardt, 1936), «El hombre de día» (J. Duvivier, 1937), «Con una sonrisa» (M. Tourneur,
1937), «Falsas noticias» (R. Clair, 1938), «Piezas» (R. Siodmak, 1939), «El silencio es oro» (R. Clair, 1947),
«El rey» (M.G. Sauvageon, 1950), «Mi manzana» (M.G. Sauvageon, 1950), «Un siglo de amor» (L. De
Felice, 1950), «Gigí» (V. Minnelli, 1958), «Can-Can» (Lang, 1960), «Prefiero ser rico» (V. Sherman, 1964),
son los títulos fundamentales de su filmografía.
Como, Perry
(Canonsburg, 1912) Cantante estadounidense que comenzó, en 1933, enrolado en la banda de Freddy Carlone.
En 1942 rompió su relación con las bandas y se convirtió en un crooner al más puro estilo de la era pre-rock.
Su primer éxito fue «Long ago and far away» (1944). Hasta la llegadas del rock and roll fue el segundo artista
estadounidense, detrás de Bing Crosby, en número de éxitos en las listas. Hizo cine en los años cuarenta
(«Something for the boys», 1944; «If I'm lucky», 1946). Sus mayores éxitos fueron «Surrender» (1946),
«Some enchanted evening» (1949), «If» (1951) y «Don't let the stars get in your eyes» (1952).
Crosby, Bing
(Tacoma, Florida, 1904-Madrid, 1977) Cantante y actor de cine estadounidense. Su verdadero nombre era
Harry Lillis Crosby. Se inició en 1925 como batería y cantante en cafés y pequeños «music-halls» de
Hollywood, donde conoció a Paul Whiteman, quien le ayudó a montar una orquesta. Tras un período de
aprendizaje en los estudios de Mack Sennett, firmó un contrato de veinte semanas con el teatro Paramount de
Nueva York, en donde inició su camino hacia el éxito y la fortuna. Debutó en el cine en 1930 con «El rey del
jazz», pero las películas en las que tuvo más éxito fueron las «películas de carretera» de los años cuarenta, con

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Bob Hope y Dorothy Lamour. Aprovechando una voz de tonalidades suaves pero de potente volumen, logró
crear un estilo de cantante melódico que consiguió conectar con el gran público.
Entre sus mejores intervenciones cinematográficas se encuentran: «Holiday inn» (M. Sandrich, 1942);
«Siguiendo mi camino» (L. Mc. Carey, 1944), por la que obtuvo un Oscar; «Las campanas de Santa María»
(L. Mc Carey, 1945); «El vals del emperador» (B. Wilder, 1948); «La angustia de vivir» (The country girl, G.
Saeton, 1954); y «Hacia los grandes horizontes» (Stagecoach, G. Douglas, 1966).
Crosby fue coautor de una película pretendidamente autobiográfica, «Call me lucky» (1952), que coincide
muy poco con el mordaz retrato que hace de él su hijo Gary en «Going my own way» (1983), en el que lo
presenta como una persona inflexible, poco cariñosa y autoritaria, en contraste con la imagen pública que
proyectaba de sí mismo en la que aparecía como una persona comprensiva y flexible. Su última película fue
«Ben», producida en 1972.
Garland, Judy
(Grand Rapids, 1922-Londres, 1969) Cantante y actriz estadounidense. Su verdadero nombre era Frances
Gumm. Nacida en una familia de actores, debutó en el cine a los trece años y a los catorce protagonizó
«Pigskin parade». Entre 1930 y 1940 trabajó en una serie de películas musicales juveniles junto a Mickey
Rooney. Sus mayores triunfos en el cine fueron «El mago de Oz» (1939), donde cantaba la inolvidable «Over
the rainbow»; «Easter parade» (1948) junto a Fred Astaire, «Summer stock» (1950) junto a Gene Kelly y «Ha
nacido una estrella» (1954). Grandes discos suyos fueron: «The Garland touch» (1962), y «Live at the London
Palladium» (1965). Casada con el director Vincent Minnelli, la hija de ambos, Liza Minnelli, siguió los pasos
de su madre.
Gardel, Carlos
(Toulouse, 1890-Medellín, Colombia, 1935) Carlos Gardés, cantante, compositor y actor argentino. A los tres
años emigró con su madre a Argentina y, desde los ocho, trabajó en varios oficios. Muy joven aún empezó a
cantar, con el nombre artístico del Morocho, en los cafés de los barrios periféricos de Buenos Aires y de
Montevideo.
A partir de una actuación en el teatro Esmeralda de Buenos Aires (1917), su personal estilo de interpretar el
tango le valió una rápida popularidad. En 1923 viajó por primera vez a Europa, iniciando una etapa de su vida
en la que su fama adquirió dimensión internacional. En estas giras europeas, sus mayores éxitos los tuvo en
París y en Barcelona. A esta última ciudad, «el zorzal criollo», volvió en repetidas ocasiones, actuando en los
teatros Odeón y Principal Palace. En unas de sus visitas a la Ciudad Condal grabó «La cumparsita», que no
era sino una nueva versión de su célebre «Mano a mano». Murió al volver de una gira por América, al
colisionar su avión con otro aparato en el aeropuerto de Medellín (Colombia).
Considerado el mejor intérprete del tango argentino, de cuyo género fue el rey en la década de los años veinte
y primera mitad de los treinta, compuso numerosos tangos, como «Mi Buenos Aires querido», «Melodías de
arrabal», «Arrabal amargo», »Volver», «Sus ojos se cerraron», «Mi noche triste», etc. Sus películas más
destacadas fueron «Flor de durazno» (Argentina, 1917), «Luces de Buenos Aires» (Francia, 1931), «Cuesta
abajo» (Francia, 1934), «Tango bar» (Estados Unidos, 1935).
Imperio, Pastora
(Sevilla, 1889-Madrid, 1979) Pastora Rojas Monje, bailaora española. Era hija de otra bailaora flamenca,
Rosario Monje la Mejorana, de quien heredó su afición por el baile y por el mundo del espectáculo en general.
Fue intérprete de cante flamenco y de cuplés, pero la especialidad en la que destacó fue el baile, en el que
practicó tanto la danza flamenca pura como la danza española o las adaptaciones aflamencadas de ballets
clásicos españoles. Empezó su carrera muy pronto en las tabernas y tablaos de Sevilla, para dar el salto, hacia
1907, a los teatros y music-halls de Madrid y Barcelona. Llegó a la cumbre de su carrera en 1908 y se
mantuvo en ella hasta 1925, llegando a merecer el apelativo de la Emperaora que le dedicaron sus numerosos
admiradores. Actuó en muchos escenarios europeos, tanto antes de la Gran Guerra, como en el período de
entreguerras.
En 1919 inició una gira de varios años por América Latina al frente de su propia compañía, con la que
cosechó abundantes éxitos en ciudades como Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile, Bogotá, Caracas,
Lima y Quito, entre otras. De regreso a Europa en 1930, debutó con su nueva compañía el 21 de octubre en
Málaga, iniciando así una serie de actuaciones con las que recorrería toda la Península. En 1947 realizó su

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única interpretación teatral de importancia, sacando adelante el papel de gitana en la obra de Juan Ignacio Luca
de Tena «¿Dónde vas, Alfonso XII?», en el teatro Lara de Madrid. Estuvo casada con el famoso torero Rafael
Gómez, el Gallo.
Lee, Peggy
(Jamestown, 1920) Cantante estadounidense, cuyo verdadero nombre era Norma Delores Egstron. Se dio a
conocer a través de la Radio a finales de los años treinta. En 1941 era vocalista de la banda de Benny
Goodman, de donde pasó a la de Duke Ellington. Grabó dúos con Bing Crosby y Mel Tormé. Es la voz
original de «La dama y el vagabundo», de Disney. Su mayor éxito musical fue «Fever» (1958). En 1975 Paul
McCartney la produjo en el álbum «Let's love».
Platters, The Quinteto vocal estadounidense liderado por el tenor Tony Wilson. Comenzó a grabar, como
cuarteto y sin fortuna, en 1954. Un año después añadieron el quinto elemento, la voz femenina de Zola Taylor
y su «Only you» les situó como el primero de los grupos negros doo woop, estilo caracterizado por el
acompañamiento con armonías vocales. Hasta que T. Wilson se marchó, en 1961, firmaron treinta canciones en
listas. Entre ellas, «The great pretender» (1955), «My prayer» (1956), «Twilight time» (1958) y «Smoke get in
your eyes» (1958).
Machín, Antonio
(Sagua la Grande, Las Villas, 1901-Madrid, 1977) Cantante y compositor cubano nacionalizado español.
Albañil de profesión, en su juventud alternó la práctica de su oficio con los estudios musicales, inducido por
su voluntad de triunfo. Se trasladó en 1917 a La Habana, donde, merced al acento original que imprimía a sus
interpretaciones, no tardó en destacar como cantante de composiciones cubanas. Durante los años veinte
efectuó una gira por Estados Unidos y realizó su primera grabación, «El manisero», en Nueva York.
Posteriormente, ya al frente de su propio conjunto musical, un cuarteto, volvió a Estados Unidos. A
continuación, emprendió un viaje a Europa.
En 1939 llegó a España (lo que resultaría crucial en su vida) e inició una trayectoria que iba a conducirle a la
cumbre de la fama, aunque los principios fueron bastante difíciles. Del madrileño teatro Cómico en el que
empezó a trabajar, Machín pasó en seguida a actuar en la sala de fiestas Casablanca, lo que equivalía a recibir
el espaldarazo de primera figura artística, dado el fabuloso renombre que tenía dicho local. Casi de
inmediato, al año de haberse establecido en España para siempre, grabó sus primeros discos en nuestro país.
El decenio de los cuarenta fue testigo de un ascenso imparable hacia una popularidad que convirtió a Antonio
Machín en la personificación del bolero, la pieza que él puso y mantuvo de moda durante largos años. En
1948 estrenó el celebérrimo «Angelitos negros», acaso la creación más significativa de una serie de piezas
inolvidables: «Dos gardenias», «Espérame en el cielo», «Mira qué eres linda», «Madrecita», «Anoche hablé
con la Luna», «Recuerdos de Andalucía, «No me vayas a engañar», «Somos dos seres unidos». Símbolo de la
canción melódica de una época, Machín continuó año tras año en la cumbre del éxito, haciendo gala, al ritmo
de sus maracas, de una voz extraordinaria y de un estilo inimitable
Sinatra, Frank
(Hoboken, 1915) Cantante estadounidense de origen italiano. Francis Albert Sinatra pasó buena parte de su
infancia en los barrios populares de su ciudad. Abandonó los estudios superiores a los dieciocho años y
consiguió un trabajo en un periódico mientras preparaba canciones y se presentaba a todos los concursos que
se organizaban. El año 1936 fue decisivo en dos aspectos: se casó con Nancy Barbato y empezó a trabajar en
un club nocturno después de haber ganado el concurso radiofónico «La hora de los aficionados del mayor
Bowes». Los apuros económicos lo empujaban a volver al periódico, pero el trompetista de Benny Goodman,
Harry James, le ofreció un contrato por dos años y un sueldo de 75 dólares a la semana. Dio el salto
definitivo a la fama cuando en 1939 consiguió unirse a su orquesta preferida, la del legendario trombonista
Tommy Dorsey. Con ellos desarrolló su estilo vocal y grabó más de 50 discos.
Cuando llevaba tres años con la orquesta, la abandonó para iniciar su carrera como solista. Sus actuaciones,
que atraían a una multitud, afianzaron su enorme popularidad. sin embargo, en la posguerra bajó la demanda
de canciones románticas y, en 1947, el periodista Robert Ruak lo acusó de estar vinculado a la mafia. En 1951,
tras diversas aventuras amorosas con artistas famosas, se divorció de Nancy Barbato, con la que había tenido
tres hijos, para casarse con Ava Gardner. Más tarde se casaría con Mia Farrow y finalmente con Barbara
Marx, viuda de Zeppo Marx.

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En 1953 dio un giro a su vida profesional actuando en la película «De aquí a la eternidad», de F. Zinnermann,
en la que demostró sus cualidades interpretativas al margen de ser cantante. Seguirían otras
películas como «El hombre del brazo de oro» (1954), «La máscara del dolor» (1956) y «Como
un torrente» (1959), quizá su mejor interpretación.
A partir de 1961, su propia casa discográfica, Reprise, editó numerosos discos y continuó cosechando éxitos
durante tres décadas con canciones como «The September of my Years», «Strangers in the
night» o «My Way».
Cantautores
Aute, Luis Eduardo

(Manila, 1943) Cantautor español de origen filipino, cuya actividad artística alterna la canción y la pintura.
Fue un adelantado de la canción social y comprometida en España, con su primer álbum «Diálogos de Rodrigo
y Jimena» (1967) y de la canción poética con sus «24 Canciones breves» (1968). Su mejor época musical
coincide con los años de la transición política española, cuando editó temas como «Al alba» y álbumes como
«Rito» (1973) y «Babel» (1976), que junto a «Albanta» (1978) «Entre amigos» (1983) y «Cuerpo a cuerpo»
(1984) forman lo mejor de una obra muy personal que ha influido mucho en los cantautores españoles de su
generación.
Bonet, Maria del Mar

(Palma de Mallorca, 1947) Cantautora española en lengua catalana. Educada en un ambiente progresista y
liberal propiciado por su padre, el periodista y escritor mallorquín Joan Bonet, aprendió a amar su lengua y
sus raíces a través de la tradición oral mallorquina, además de las canciones catalanas que aprendió de su
madre y de su abuela. Espoleada por dos miembros de la incipiente nova cançó catalana, Remei Margarit y
Lluís Serrahima, del conjunto Els Setze Jutges, a los diecinueve años viajó a Barcelona, con la intención de
inscribirse en la escuela Massana a fin de estudiar cerámica. Pero su hermano la introdujo en Els Setze Jutges
y posteriormente se unió al Grup de Folk, del que formaron parte Rafael Subirachs, Pau Riba, Sisa y Albert
Batiste. Tras actuar en los locales de culto de la progresía catalana de la época, tales como L'Ovella Negra y
La Cova del Drac, grabó su primer disco, «Cançons de Menorca».
Su popularidad fue en aumento a partir de su segundo disco, «Què volen aquesta gent» (1968), donde puso
música a un poema de Serrahima. Fue un tema políticamente comprometido que la censura prohibió durante
diez años. Su carrera musical la ha dedicado a dos grandes ambiciones: por un lado la búsqueda y
recuperación del folclore de su tierra; por otro, la composición de música para textos poéticos de Rosselló-
Pòrcel, Joan Alcover y Costa i Llobera. Fruto de ambas tareas surgieron, entre 1974 y 1978, «Cançons de
festa», «Alenar», «Saba de Terrer», «Jardí tancat». Convencida de que hay un estilo de canción mediterránea,
se inspira en todas las fuentes, y lo mismo colabora con un grupo de músicos tunecinos que con otro de
libaneses, «Anells d'aigua» (1985), con Manolo Sanlúcar o con el grupo valenciano Al Tall.
En 1982 le fue concedido el Gran Premio Internacional de la Canción que otorga la Academia Charlie Cross
de París. En 1991 publicó el disco «Gavines i dragons», y en 1992 seguía su colaboración con Nacho Duato,
director de la Compañía Nacional de Danza, uniendo las coreografías del bailarín con la música de la
cantante.
Brassens, George
(Sète, 1921-Saint-Gély-du-Fesc, 1981) Cantante francés. Poeta y trovador destacado de la canción francesa
moderna durante los años cincuenta y sesenta, manifestó desde niño su forma particular de interpretar la vida.
No le gustaba la escuela y prefería la música y la poesía a otras actividades. Participó con otros compañeros
en algunos robos que le aumentaron la sensación de ser un proscrito. Durante la guerra recibió una
convocatoria para el Servicio de Trabajo Obligatorio. En su primer permiso decidió no volver y encontró
refugio en casa de Jeanne Le Bonniec y su marido Marcel Planche.
Las primeras composiciones, sobre temas de amores trágicos o imposibles, no tuvieron éxito. Sus actuaciones
en diversos cabarets no cosecharon más que fracasos hasta que de la mano de la cantante Patachou, el 9 de

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marzo de 1952, Brassens cantó en la Butte Montmartre, de su propiedad, con un éxito extraordinario. Grabó su
primer disco en Polydor y fue reclamado para intervenir en emisiones radiofónicas, televisión, galas,
entrevistas e incluso para actuar en una película, «La Porte des Lilas», dirigida por René Clair. Francia y parte
de Europa habían descubierto, por fin, la categoría de un autor que reflejaba en sus canciones la ternura, la
sátira y la ironía de su visión de la vida irreductiblemente inconformista. Brassens se tildaba a sí mismo de
pornógrafo y obsceno, pero para todos era, sin duda, un magnífico cantante y un extraordinario poeta. También
utilizó en sus canciones letras de poetas famosos, Villon, Hugo, Verlaine o Aragon. Cuando murió, se cumplió
su manifiesto deseo de «pasar la muerte de vacaciones en una tumba entre el cielo y el mar con un pino parasol
encima», en el hermoso cementerio de su pueblo natal, Sète.
Cohen, Leonard
(Montreal, 1934) Compositor, cantante y escritor canadiense. Formó la banda de country & western The
Buckskin Boys. En 1955 se graduó en literatura en la Universidad McGill. Entroncado en la «beat generation»,
se inició como poeta con la publicación de «Let us compare mythologies» (Comparemos mitologías, 1956),
una antología de versos escritos en su adolescencia, y «The spice-box of Earth» (La caja de especias de la
Tierra, 1961). A continuación escribió dos novelas, en parte autobiográficas: «The favorite game» (El juego
favorito, 1963) y «The beautiful losers» (Los hermosos vencidos, 1966). Tras escribir otras antologías de
versos, como «Parassites of heaven», que contienen poesías que dieron lugar a posteriores canciones, fue
introducido en el círculo musical folk de Nueva York por Judy Collins, que incluyó algunas canciones de
Cohen en su disco «In my life». En 1968 llegó para Leonard Cohen el éxito con la aparición de «Songs of
Leonard Cohen», que incluía la canción «Suzanne». Ese primer álbum le reveló como el gran poeta lírico,
combativo e intimista del pop, representante del romanticismo moderno y defensor del individuo frente a la
sociedad.
Desde entonces, y a un ritmo mesurado, ha seguido grabando discos eminentemente personales e intensos:
«Songs from a room» (Canciones desde una habitación, 1969), «Songs of love and hate» (Canciones de amor
y odio, 1971), «New skin for the old ceremony» (Nueva piel para la vieja ceremonia, 1974), «Recent songs»
(1979), «Various positions» (1985), «I'm your man» (1988) o «The future» (1992).
Además, ha enriquecido su obra poética con la edición de los libros: «The energy of slaves» (La energía de los
esclavos, 1972); «Death of a Lady's man» (La muerte de un mujeriego, 1978), título también de un disco
grabado el mismo año; «The book of Mercy» (El libro de la misericordia, 1984). En 1990 se editó el álbum-
homenaje «I'm your fan», en que diversas bandas como R.E.M., Pixies o Nick Cave and the Bad Seeds ofrecen
sus versiones personales de temas de Cohen.
Dylan, Bob
(Duluth, 1941) Robert Allan Zimmerman, Bob Dylan, cantante y compositor de música folk y rock. Una de las
piezas fundamentales de la cultura de los años sesenta, ha influido poderosamente en el mundo del rock
(Hendrix, Bowie, U2 o incluso The Beatles) por la calidad de sus letras y su personalidad musical. Su primer
disco, «Bob Dylan» (1962), inspirado claramente en Woody Guthrie, fue una revolución en el mundillo folk.
Le siguieron discos como «Freewheelin' Bob Dylan» (1963), «The times they are a-changin'» (1964) o
«Bringing it all back home» (1965). Con el álbum «Highway 61 revisited» (1965) y la actuación en el
Festival de Newport, junto con la Paul Butterfield Band, Dylan introdujo en su música instrumentación
eléctrica y se pasó al rock. Otras obras: «Blonde on blonde» (1966), «Nashville Skyline» (1969), «Pat Garrett
& Billy the Kid» (1973, banda sonora de la película, en que interviene como actor), «Blood on the tracks»
(1974) y «Oh mercy» (1989). Ha participado en diversos festivales, como el concierto por Bangladesh (1972),
el concierto-película con The Band The last waltz (1976), el concierto Live-Aid (1985) y el festival Leyendas
de la guitarra (Sevilla, 1991).
Durante los años ochenta y noventa ha colaborado con músicos como Mark Knopfler, U2, Slash (Guns
N'Roses) o Stevie Ray Vaughan. A finales de los años ochenta formó The Travelling Wilburys junto a Roy
Orbison, George Harrison, Tom Petty y Jeff Lyne, y grabó dos discos: «Volume one» (1988) y «Volume two»
(1990). En 1992 se celebró un concierto-homenaje a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York;
participaron Neil Young, Kris Kristofferson, Sinéad O'Connor, etc. También ha editado un nuevo álbum con 58
canciones inéditas, fechadas entre 1961 y 1991, «The Bootleg series volumes 1-3, rare and unreleased 1961-
1991», con seis temas en directo, cuatro maquetas, algunas versiones acústicas y con piano, y más de cuarenta
tomas alternativas de canciones grabadas ya en elepés oficiales. En 1993 salió al mercado discográfico un
nuevo álbum-homenaje en el que intervinieron varios ídolos de su generación.

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Ibañez, Paco
(Valencia, 1934) Cantante español. Hijo de un combatiente republicano que se exilió al finalizar la guerra civil,
conoció él también el exilio cuando marchó a Francia a los catorce años. Estudió solfeo, guitarra clásica,
violín, armonía y composición y escuchó los discos de Atahualpa Yupanqui y Georges Brassens, de los que
aprendió que también la canción puede ser utilizada como arma política. Durante su época de estudiante en
París acompañó con la guitarra a la cantante Carmela y grabó su primer disco en 1964. Su primer álbum estuvo
dedicado a los poetas Góngora y García Lorca y fue presentado con una cubierta ilustrada por Salvador Dalí.
Con este disco se iniciaba una carrera en la que fue poniendo música a poemas de los más eminentes poetas
españoles.
Su segundo álbum, esta vez con una ilustración de José Ortega en la cubierta, apareció en 1967 con poemas
musicados de Rafael Alberti, Blas de Otero, Gabriel Celaya y Goytisolo. El año siguiente actuó por primera
vez en España, en el recital del 4 de diciembre de 1968 en el teatro de la Comedia de Madrid. Un año después
triunfó en París, primero en el recital de la Sorbona que conmemoraba el primer aniversario del levantamiento
estudiantil y posteriormente en el gran recital del 2 de diciembre en el teatro Olympia. Ese mismo año apareció
su tercer álbum, con cubierta de Antonio Saura, que contenía poemas de Cernuda, Machado, Goytisolo y León
Felipe.
Posteriormente residió durante más de un año en Barcelona, pero sus canciones fueron censuradas y sus
recitales prohibidos, por lo que regresó a París y en el verano de 1970 organizó, junto con José Menese y
Xavier Ribalta, entre otros, un festival de la canción ibérica, que tuvieron que prorrogar durante ocho días. En
1971 realizó una actuación de tres días en el Palacio de los Deportes de París, con el recinto de la Puerta de
Versalles lleno a rebosar. También ha hecho recitales en Argentina, Uruguay, Chile, Perú, Venezuela, Colombia
y México, enriqueciendo su repertorio con poemas de Neruda y canciones de Brassens.
Jara, Víctor
(Chillán, 1938-Santiago de Chile, 1973) Cantante, guitarrista y compositor chileno, símbolo de la canción
política que se hacía en el Chile de Salvador Allende. Fue director artístico del grupo Quilapayún en 1966. Al
año siguiente comenzó a trabajar como solista con canciones que se convirtieron en himnos para la izquierda
chilena. Con el golpe militar de Pinochet, Jara fue detenido y murió en el Estadio Nacional, donde estaba
preso. Sus álbumes más representativos son «Víctor Jara» (1967), «Pongo en tus manos abiertas» (1969), «El
derecho de vivir en paz» (1970), «Canto libre» (1970) y «La población» (1970).
Llach, Lluis
(Verges, 1948) Cantante, pianista y compositor de la nova cançó catalana. A los diecinueve años se convirtió
en uno de los últimos «setze jutges», enrolado en un movimiento colectivo de la canción en catalán. Pronto se
diferenció de sus compañeros, con álbumes temáticos y largos y ambiciosos desarrollos musicales que le
dieron gran popularidad. Además de canciones políticas de éxito como «L'estaca», ha grabado álbumes de gran
valía como «I si canto trist» (1974), «Viatge a Ítaca» (1975), «Campanades a mort» (1977), «Verges 50»
(1980), «Maremar» (1985), «Geografia» (1988) y «Un pont de mar blava» (1993).
Milanés, Pablo
(Bayamo, 1943) Cantante y guitarrista cubano. Inició su carrera en solitario en 1964, vinculado a la Nueva
Trova cubana. Ha pertenecido al ICAIC (Grupo de experimentación sonora). Entre sus grabaciones cabe citar
«La vida no vale nada» (1976), «Comienzo y final de una verde mañana» (1985) y «Proposiciones» (1988).
Nova Cançó
A principios de los años sesenta nació en Cataluña un movimiento musical, llamado «nova cançó», que
reivindicaba el uso del catalán como instrumento de expresión de masas y que propugnaba un tipo de canción
de gran contenido, en muchos casos social y reivindicativo. Al frente de este fenómeno se encontraba un
grupo, Els Setze Jutges, que contó entre sus filas a Miquel Porter, Josep Maria Espinàs, Francesc Pi de la
Serra, Maria del Mar Bonet, Guillermina Motta, Joan Manuel Serrat y Lluís Llach. La figura emblemática de
este movimiento fue la del valenciano Raimon.

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Parra, Violeta
(San Carlos, 1917-Santiago de Chile, 1967) Cantante y folclorista chilena, la figura más representativa de la
canción popular de su país. Empezó a cantar corridos y boleros en 1932. En 1939, formó dúo con su hermana
Hilda. Poco después comenzó a trabajar en la radio lo que le dio gran popularidad. Tras una gira por Europa,
inició la grabación de su serie «El folklore de Chile» (1956). Escribió un ballet folclórico, «La paloma y el
gavilán» (1959). Para el cine escribió la música de «La trilla» (1960). Entre sus mejores canciones se
recuerdan «Gracias a la vida» y «Volver a los 17».
Raimon
(Játiva, 1940) Cantante español en lengua catalana. Ramon Pelegero, más tarde Raimon, se crió en un
ambiente de izquierdas; su padre era anarcosindicalista y su madre socialista. Ello no fue óbice para que lo
enviaran al Colegio de los Padres Claretianos del Corazón de María. A los diez años entró en el Instituto
mixto Josep de Rivera, época en que comenzaron a insinuarse sus primeras aficiones musicales y poéticas. Se
incorporó a la Banda Nueva de Játiva, de la que su padre había sido presidente. En plena adolescencia marchó
a Inglaterra, donde pasó varios meses trabajando en las autopistas. A su regreso ingresó en la Universidad de
Valencia, donde estudió filosofía y letras y profundizó en la realidad y la cultura catalanas, en plena época de
efervescencia estudiantil.
En 1959 compuso su primera canción, «Al vent», que pudo cantar en 1962, en su primera actuación en
público. Ese mismo año en Castellón de la Plana coincidió con «Els Setze Jutges», que marcarían el sentido
inicial de la nueva canción catalana. El grito de aquel muchacho de veintidós años conmovió al grupo e hizo
que lo invitaran a ir a Barcelona. Su éxito tras el debut en el Fòrum Vergés de la Ciudad Condal fue definitivo.
En los primeros meses de 1963 salió su primer disco, poco antes de que ganara el primer premio del Festival
de la Canción Mediterránea con «Se'n va anar». Esa pieza fue la que precisamente puso en guardia a los
funcionarios del franquismo contra la nova cançó. A partir de ese momento llovieron las prohibiciones, y ya
en su segundo disco tuvo que cambiar el título «Diguem no» por «Ahir». Raimon fue el primer cantante que
congregó multitudes; también el primero que abrió las fronteras: se fue a París, a Alemania, y luego a Cuba,
México y Argentina. Más tarde fue ampliando sus giras hasta llegar incluso al Japón, con sus versiones
musicales de Salvador Espriu y los clásicos de la poesía catalana.
Su rica trayectoria continuó en los años de madurez con la fuerza de siempre, pero quizá con más matices y un
mayor vuelco a la intimidad. En 1993, con motivo del treinta aniversario de la edición de su primer disco, «Al
vent», se le tributó un gran homenaje en Barcelona, ciudad donde a fines de ese año realizó una serie de
recitales que abarcaron la antología completa de su obra discográfica.
Rodríguez, Silvio
(San Antonio de los Baños, 1946) Cantautor cubano. Junto con Pablo Milanés y Noel Nicola, impulsó el
nacimiento de la Nueva Trova cubana. En sus composiciones, de gran eclecticismo musical, se conjuga el
lirismo y el compromiso social. Entre sus grabaciones más importantes destacan «Te doy una canción» (1975),
«Al final de este viaje» (1978), «Tríptico» (1984) y «Oh, melancolía» (1988).
Serrat, Joan Manuel

(Barcelona, 1943) Cantautor español. Compuso su primera canción en 1960, «Una guitarra», formando parte
de un grupo de aficionados que se disolvió dos años más tarde. En ese momento, Serrat ingresó, como
miembro número trece, en el grupo Els Setze Jutges, que se proponía revitalizar la canción catalana,
inspirándose casi siempre en cantautores extranjeros, franceses principalmente (Brassens, Brel), y que sería el
embrión de la llamada nova cançó. En 1969 tuvo un hijo, Queco, con la modelo Mercè Domènec, y en 1980
una hija, María, con su segunda esposa, Candelaria Tiffón.
A estos primeros años corresponden algunas de sus mejores creaciones, de carácter más personal, como «Ara
que tinc vint anys», «La tieta», «L'home del sac» y otras. En 1969 empezó a cantar en castellano, poniendo
música a poemas de Antonio Machado y Miguel Hernández.
Ha actuado en el Olympia de París, y en América Latina ha logrado grandes éxitos, a los que en algún caso
ayudó su postura política contraria a los regímenes autoritarios (se le impidió actuar en Chile, por ejemplo).

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Su discografía es abundante y ha logrado numerosos premios. A la etapa de poner música a poemas de autores
conocidos siguió otra de composiciones propias, centradas en reflexiones sobre el hombre actual, su vida
cotidiana y sus pequeños y grandes problemas: así alcanzaron notable éxito títulos como «Hoy puede ser un
gran día» o «Cada loco con su tema». Serrat ha protagonizado algunas películas, «Palabras de amor» (1968),
«La larga agonía de los peces fuera del agua» (1972), «Mi profesora particular» (1973), pero su presencia en el
cine no ha tenido parangón con su carrera de cantante.
Vian, Boris
(Vill-d'Avray, Seine-et-Oise, 1920-París, 1959) Novelista, poeta, músico, cantante y letrista francés. Nació en
el seno de una familia acomodada que le procuró una infancia y juventud felices y protegidas. Estudió la
carrera de ingeniería en la Escuela Central, obteniendo el diploma cuando contaba veintidós años. En 1942
entró como ingeniero en la Asociación Francesa de Normalización, pero en sus ratos libres se dedicaba a la
música y a la literatura. Desarrolló muy variados intereses y participó en el mundo del espectáculo tocando la
trompeta y dirigiendo una orquesta de jazz, cantando en cabarets parisienses, interpretando películas y
trabajando como director artístico en una casa discográfica, a la vez que escribía poesía, novelas, canciones,
obras de teatro y argumentos de ballets e incluso de óperas.
A partir de 1946 empezó a publicar sus obras. Algunas, como «Escupiré sobre vuestra tumba», «Todos los
muertos tienen la misma piel» o «Que se mueran los feos», las firmó con el seudónimo de Vernon Sullivan y
las presentó como supuestas traducciones de la novela negra norteamericana. El hecho de que tuvieran un
contenido escandaloso y que fueran consideradas productos mediocres, no le importó en absoluto. Simultaneó
las novelas de Vernon Sullivan con la obra firmada con su nombre, que alcanzó un notable éxito y que se
revalorizó a partir de los setenta. Se trata de «La espuma de los días», «El otoño en Pekín», «Las hormigas»,
«La hierba roja», «El arrancacorazones» y «El lobo-hombre», entre otras. En «La espuma de los días», su obra
más divulgada, desarrolló los temas que serían esenciales de su obra posterior: los fantasmas de la enfermedad
y la protesta contra lo absurdo de la muerte. Escribió más de quinientas canciones.
Víctor Manuel
(Mieres, 1947) Cantautor español, cuyo verdadero nombre es Víctor Manuel San José Sánchez. Comenzó en a
finales de los años sesenta y se dio a conocer escandalizando en el Festival del Atlántico al presentar en plena
dictadura «El cobarde», una canción considerada antimilitarista. Se consagró en 1969 con canciones de corte
folclórico de raíces asturianas, como «El abuelo Vitor», «La romería» o «En la planta 14». Al año siguiente
abandonó la línea folclorista y empezó a escribir canciones de amor con un lenguaje nuevo y atrevido para su
época, como «Quiero abrazarte tanto» (1970). Tras una etapa de fuerte politización de su música, a finales de
los años setenta dio otro giro hacia canciones sentimentales como «Sólo pienso en ti» (1979) o «Mira Luna»
(1980). Junto con su mujer, Ana Belén, ha protagonizado conciertos memorables y canciones, como «La
puerta de Alcalá», himno colectivo de la transición democrática española.
Country
Cash, Johnny
(Kingsland, 1932) Cantante, guitarrista y compositor de música country. Comenzó su carrera en 1955 con la
Sun Records, sello con el que nació el rock and roll, hacia donde se dirigieron sus primeros pasos. Un año más
tarde empezaban sus éxitos en la música country con temas como «I walk the line» o «Folsom Prison blues».
En 1958 logró su primer número uno country con «Ballad of a teenage queen». Sus mayores éxitos fueron
«Ring of fire» (1963), escrito por su esposa June Carter, también cantante, y «A boy named Sue» (1969). Su
voz grave y el insistente y monótono sonido de sus guitarras crearon estilo en el mundo country.
Cline, Patsy
(Winchester, 1932-Candem, 1963) Cantante de música country que entró en la leyenda al morir en accidente
de aviación a los 30 años de edad. Fue la primera cantante country en entrar en las listas pop y dejó éxitos
como «I fall to pieces» (1961), «Crazy» (1961) y «Sweet dreams» (1963). En 1985 Jessica Lange protagonizó
«Dulces sueños», película biográfica sobre esta leyenda country.

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Denver, John
(Roswell, 1943) Uno de los más populares cantautores country americanos de los años 70, cuyo verdadero
nombre es Henry John Deutschendorf. Poseedor de un estilo tachado por algunos críticos como blando y
azucarado, J. Denver saltó a la fama en 1973 con su álbum de debut «Rhymes and reasons», en el que
sobresalió el tema «Take me home, country roads». Prosiguió una carrera cuajada de éxitos como «Sunshine
on my shoulders», «I'm sorry» y sobre todo «Annie's song», del álbum «Back home again» (1974). En 1981
grabó un disco de dúos con Plácido Domingo en el que ambos interpretaban, entre otros, el tema «Perhaps
love».
Kristofferson, Kris
(Brownsville, 1936) Cantante, autor y actor estadounidense, renovador de la música country en los primeros
años setenta. Descubierto por Johnny Cash, sus primeras canciones sonaron en voces ajenas, como «Me and
Bobby McGee» (1969), éxito para Janis Joplin. En 1970 editó su primer álbum, «Kristofferson», que impactó,
con sus textos elaborados y a veces crípticos, en el mundillo country. Alternó la canción con la interpretación y
ha sido protagonista de filmes como «Pat Garret y Billy the Kid» (1973) junto a Bob Dylan y «Ha nacido una
estrella» (1977) con Barbra Streisand.
Lynn, Loretta
(Butcher's Hollow, 1935) Cantante country estadounidense, cuyo verdadero nombre es Loretta Webb. En los
primeros años sesenta fue contratada para el show televisivo de los Wilburn Brothers, que cimentó una fama
que la llevó a ser considerada mejor vocalista country los años 1967, 1972 y 1973. En 1976 publicó su
autobiografía «Coal miner's daughter», que luego pasó al cine con Sissy Spacek en el papel de Loretta. Sus
mayores éxitos fueron «Honky tonk girl» (1960), «Don't come home a drinkin'» (1966), «Woman of the
world» (1969) y «Coal miner's daughter» (1970). Su hermana Crystal Gayle es también cantante country.
Nelson, Willie
(Abbott, 1933) Figura legendaria de la música country en su doble faceta de autor y cantante. Grabó su primer
álbum en 1961, pero no tuvo continuidad, aunque muchas figuras empezaron a grabar sus canciones. En 1975
inició su carrera de éxitos, desde Nashville, cuna y centro de la música country. En 1967, junto a Waylon
Jennings, Tompall Glasser y Jessi Colter formó el colectivo The Outlaws, con el que pretendieron romper las
estrictas normas del country. Sus mejores grabaciones son «Red headed stranger» (1975), «The sound in your
mind» (1976), «Wanted: The Outlaws» (1976), «The electric horseman» (1980) y «Always on my mind»
(1982).
Parton, Dolly
(Sevierville, 1946) Cantante y compositora estadounidense de música country. Es la figura femenina más
popular del género y ha dado el salto al cine en películas como «Nine to five» (1980) o «Magnolias de acero»
(1989). Comenzó trabajando en el show de Porter Wagoner, con el que grabó sus primeros álbumes. Cuando se
independizó, se dedicó a cantar sus propias composiciones, con éxitos tan rotundos como «I will always love
you», que ella llevó al número uno de las listas country en 1974 y Whitney Houston a la cima de las listas pop
en 1992, con la película «El guardaespaldas».
Pride, Charlie
(Sledge, 1938) Cantante country, fue la primera estrella negra que tuvo el estilo, tradicionalmente blanco y
conservador. Tras una etapa como jugador de béisbol, fichó en 1966 por la RCA, con la que comenzó una
meteórica carrera como cantante y autor de canciones que en muchos casos saltaron del público country a las
listas pop. Las principales fueron «All I have to offer you (is me)» (1969), «Is anybody goin' to San Antonio»
(1970), «I'd rather love you» (1971) y «Kiss an angel good mornin'» (1971).
Reeves, Jim

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(Galoway, 1923-Nashville, 1964) Cantante country estadounidense. Obtuvo sus primeros éxitos en 1953, tras
una etapa como jugador de béisbol. A finales de los años cincuenta estaba considerado como el número uno
del country, con éxitos como «Four Walls» (1957), «He'll have to go»(1959), «Am I losing you?» (1960) o
«Distant drum» (1966), que fue número uno de las listas dos años después de su muerte en accidente de
aviación.
Rich, Charlie
(Colt, 1932) Cantante estadounidense de música country. Comenzó en el estilo rockabilly, pero derivó hacia un
country purista, que le brindó su primer éxito en 1960 con el tema «Lonely weekends». Posteriormente se
convirtió en figura con canciones como «Behind the close doors» (1973) y «The most beautiful girl» (1973),
que fue número uno en las listas pop.
Robbins, Marty
(Glendale, 1925-Nashville, 1982) Cantante estadounidense de música country, cuyo verdadero nombre era
Martin Robertson. Consiguió situar éxitos en las listas desde 1956 a 1982, sin dejar ningún año en blanco. Su
primer gran éxito fue «Singing the blues» (1956), un tema rockabilly. Desde 1959, con «El árbol del
ahorcado», se situó en un country más académico que nunca abandonó. Otros éxitos importantes fueron «El
Paso» (1960), «Ballad of The Alamo» (1960), «Don't worry» (1961), «Devil woman» (1962) y «My woman,
my woman, my wife»(1970).
Rodgers, Jimmy
(Meridian, 1897-Nueva York, 1933) Cantante country estadounidense, padre del estilo y creador de las bases
estilísticas que han marcado la historia de esta música. Grabó su primer disco en 1927, en el que fundía
elementos de blues y yodel (el tradicional canto tirolés). Llegó a vender más de un millón de copias de cada
uno de sus discos en los años veinte. En seis años grabó más de cien canciones que sirvieron de modelo a
posteriores intérpretes country. Murió en 1933 aquejado de tuberculosis, a la que dedicó dos de sus canciones.
Rogers, Kenny
(Houston, 1937) Cantante estadounidense de baladas y música country. Comenzó en el grupo The New Christy
Minstrels hasta 1968, año en que formó su propia banda, The First Edition, con la que comenzaron sus grandes
éxitos. En 1972 se convirtió en solista y encadenó una serie de éxitos de tinte country, como fueron «Lucille»
(1977), «The gambler» (1978), «She believes in me» (1979) y «Coward of the county» (1979). En 1980 logró
su mayor éxito con «Lady», escrita y producida por Lionel Richie, y en 1983 grabó a dúo con Dolly Parton su
número uno «Islands in the streams».
Twitty, Conway
(Friars Point, 1935-Nashville, 1992) Cantante country estadounidense, cuyo verdadero nombre era Harold
Lloyd Jenkins. Comenzó cantando rock and roll, género en el que obtuvo un gran éxito con «It's only make
believe» (1948). Derivó pronto al country, donde se convirtió en gran figura. Sus discos a dúo con Loretta
Lynn lograron gran repercusión. Ha firmado más de treinta números uno en las listas country. Creó un
complejo turístico en Hendersonville bautizado con su propio nombre.
Williams, Hank
(Georgiana, 1923-Virginia, 1953). Cantante y autor estadounidense de música country, cuyo verdadero nombre
era Hiram Hank Williams. Tomando la herencia de Jimmie Rodgers, otro pionero que murió demasiado joven,
impulsó la música country hacia el éxito que conoció a partir de su muerte a los treinta años. Escribió
canciones country capaces de triunfar en las listas pop, como «Jambalaya», «Your cheatin' heart» o «Hey good
lookin'». Algunos le consideraron incluso una especie de precursor de Elvis Presley, el blanco capaz de cantar
como un negro.
Wynette, Tammy

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(Tupelo, 1942) Cantante country estadounidense, cuyo verdadero nombre es Virginia Wynette. Se casó muy
joven y a los veinte años tenía tres hijos, un divorcio y un trabajo como esteticista. Entró en la música con la
única intención de ganar más dinero y una emisora de radio le dio la oportunidad de trabajar con continuidad y
ganar cierta fama a partir de 1963. En 1966 grabó su primer disco y se convirtió en una de las figuras más
importantes.
Cupletistas
Alonso, Pilar
(Mahón, 1897-Madrid, 1980) Cupletista española. Era hija de una peluquera y de un clarinetista, el cual,
viendo las inmensas posibilidades de su voz, decidió darle las primeras lecciones y buscarle un experto que la
iniciara en el mundo del canto. El maestro José R. Vilallonga se encargó de encauzar la voz de la joven, que
debutó en el teatro Principal de Mahón el 23 de agosto de 1923. Desde entonces actuó noche tras noche con
gran éxito: «La viajera», «La exploradora» o «Inocencia» fueron algunas de las canciones del momento.
Previendo la imparable carrera que llevaría Pilar, sus padres decidieron trasladarse a Barcelona para facilitarle
las cosas. Allí su triunfo fue espectacular, especialmente con su repertorio de cuplés catalanes, que se
caracterizaban más por la ironía y la parodia sentimental que por el dramatismo de las letras. Canciones como
«Els Tres Tombs de Sant Antoni» o «Baixant per la Font del Gat» permanecerían para siempre en la memoria
popular.
Como cantante era sencilla y sabía transmitir la emoción que sentía al cantar. Desde Barcelona realizó giras
por toda España: Bilbao, en donde el escenario del teatro Trueba se convertía cada noche en una alfombra de
flores y el cartel de «no hay billetes» campeaba en la puerta desde la víspera; San Sebastián, donde grabó
catorce discos con la casa Inurrieta, y Madrid, donde cosechó innumerables éxitos en el teatro Romea.
Hacia 1925, la cantante se hallaba en su apogeo, pero el cuplé catalán empezaba a declinar. Fue el momento
ideal para casarse y abandonar la escena dejando un imborrable recuerdo como figura máxima del género.
Fornarina, la
(Madrid, 1885-id., 1915) Cancionista española, cuyo verdadero nombre era Consuelo Bello. Aconsejada y
dirigida por el periodista J.J. Cadenas, introdujo en Madrid el estilo insinuante de las variedades de París.
Meller, Raquel
(Tarazona, Zaragoza, 1888-Barcelona, 1962) Cantante y actriz española cuyo nombre verdadero era Francisca
Márquez López.
De origen muy humilde, se trasladó primero a Barcelona y más tarde a Montpellier. En 1901 retornó a
Barcelona y, atraída por el mundo del espectáculo, logró su primer gran éxito en 1914, con las
interpretaciones de «El relicario» y «La violetera». Cinco años más tarde se presentó en el Olympia de París
como primera figura de «La revue des souhaits», un trampolín que durante los años veinte la lanzó a los
principales teatros de Londres, Nueva York, Berlín y Buenos Aires y que le abrió las puertas del cine con
filmes como «Los arlequines de seda y oro», «Violetas imperiales», «La gitana blanca», «Carmen» y
«Nocturno».
En 1930 se había convertido en la gran estrella del Palace de París que compartía protagonismo con estrellas
de la talla de Mistinguett, Maurice Chevalier y Josephine Baker, y en 1932 debutó en la escena francesa con
«La jeune fille espagnole», escrita especialmente para ella por Maurice Rostand.
Casada en dos ocasiones, en 1919 con el escritor Enrique Gómez Carrillo en Biarritz, de quien se divorció en
1922, y varios años después con el industrial francés Edmond Sayac, ésta fue otra de las razones, además de
su éxito, por las que vivió tanto tiempo lejos de España. Durante la guerra civil fue la gran atracción del
Casino de París. Terminada la guerra, en 1940 se presentó en el teatro Cómico de Barcelona con «La
violetera» y dos años después con la revista «Campana de Viena».
A partir de entonces espació sus apariciones hasta que, en 1956, cuando rondaba ya los setenta años, se
presentó por última vez en el Paralelo barcelonés.

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Flamenco
Camarón de la Isla
(San Fernando, Cádiz, 1950-Badalona, Barcelona, 1992) Cantaor flamenco cuyo verdadero nombre era José
Monge Cruz. Hijo de un herrero y una canastera, a los doce años trabajaba ya con su padre. Se aficionó al
flamenco porque las compañías que cultivaban este cante actuaban con frecuencia en su pueblo, y así tuvo
oportunidad de descubrir que poseía una voz personalísima, particularmente dotada para la seguidilla y la
soleá. No tardó en cobrar fama, y se presentó en Torres Bermejas de Madrid. Siempre reconoció su deuda con
cantaores como Manolo Caracol, Torres y Antonio Chaqueta, de los que aprendió los contratiempos y
trabalenguas que tan bien dominó y que tan perfectamente se adaptaban a su característica voz rota. Sus giras
le llevaron por toda España en compañía de Dolores Montoya Jiménez, llamada Chispa, con la que se casó en
1976 por el rito gitano. Camarón asumía su condición gitana incluso en su atavío, deliberadamente abigarrado
y que llegó a ser inseparable de su imagen: ropas costosas, de colores chillones mezclados de forma en
apariencia arbitraria, con profusión de anillos en los dedos, cadenas colgadas al cuello y toda clase de símbolos
religiosos.
En 1984 su adicción a la heroína le alejó temporalmente de su público, pero tras una cura de desintoxicación
volvió a presentarse en 1989. Al principio le acompañaba a la guitarra Pepe Cepero, luego Paco de Lucía, con
quien mantuvo una estrecha amistad, y en su última etapa, Tomatito. Su discografía es muy considerable, y
entre sus mayores éxitos se contaron «Viviré», «Como el agua» o «La leyenda del tiempo». En 1989 grabó
«Flamenco vivo», ateniéndose rigurosamente a los cánones clásicos del cante jondo, y «Soy gitano»,
acompañado por Ana Belén y con la Orquesta Filarmónica de Londres.
Pese a su recuperación tras el tratamiento, su salud se hallaba muy quebrantada, por lo que de nuevo
abandonó las actuaciones. Ingresado en un hospital de Badalona, falleció en el verano de 1992.
Caracol, Manolo
(Sevilla, 1909-Madrid, 1973) Cantante de flamenco español, cuyo verdadero nombre era Manuel Ortega
Juárez. Fue uno de los mejores cantaores flamencos de su tiempo, tanto en solitario como en pareja con Lola
Flores. Con tan solo trece años ganó el I Concurso Nacional de Cante Jondo, en 1922, que tenía entre sus
jurados a Manuel de Falla y Federico García Lorca. Antonia Mercé, la Argentina, le contrató y con ella estuvo
hasta que en los años treinta formó su propia compañía. En la década de los cuarenta trabajó en la de Concha
Piquer y más adelante formó pareja con Lola Flores con la que triunfó en una serie de espectáculos que
llevaban el título de «Zambra», sobre todo con las canciones «La Salvaora» y «La niña de fuego». En el cine
trabajó en «Un caballero famoso» (1942), «Embrujo» (1947) y «La niña de la Venta» (1951).
Chacón García, Antonio

(Jerez de la Frontera, 1868-Madrid, 1929) Cantante español de flamenco. Se distinguió por su portentosa voz,
admirada por J. Gayarre, al servicio de malagueñas, granadinas y cantos de Levante.
Marchena, Pepe o Niño de Marchena, el (Marchena, 1902-Sevilla, 1976) Intérprete español de flamenco, cuyo
verdadero nombre era José Tejada. Buen conocedor del cante clásico, prefirió cultivar un cante popular algo
alejado del flamenco puro, lo que le convirtió en una de las figuras máximas de la copla. Fue el primer artista
capaz de llenar plazas de toros en sus conciertos y levantar pasiones similares a las de las figuras pop de los
sesenta. Participó en películas como «La Dolores» (1940) y «Aires de ronda» (1943) y fue protagonista de «La
copla andaluza» (1929), el primer espectáculo de copla estrenado en España.
Mairena, Antonio
(Mairena del Alcor, Sevilla, 1910-Sevilla, 1983) Cantaor español. Antonio Cruz García nació en el seno de
una humilde familia de gitanos herreros. Su padre era un gran admirador de los cantaores más célebres de
principios de siglo y, gracias a esta devoción por la música, su hijo Antonio se aficionó ya de muy joven al
cante. Poco después, junto con sus hermanos menores y su padre, formó una dinastía de cantantes flamencos.
Mairena consiguió a los veinte años su primer contrato para actuar en una importante sala de fiestas sevillana.

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Él mismo manifestó que gran parte de su juventud la pasó trabajando para los «señoritos», ofreciendo recitales
por los que a veces ni siquiera cobraba. Cantaba saetas en las procesiones de la Semana Santa sevillana y en
las plazas de la calle de las Sierpes de la misma ciudad, y como consecuencia de su vocación fue adquiriendo
fama. Tras numerosas actuaciones en diversos espectáculos junto a celebridades, como Pastora Imperio,
Carmen Amaya o Juanita Reina, su prestigio creció y en los años cuarenta ya era conocido en toda España.
Participó en el ballet del legendario Antonio Caracol y se consagró como maestro de cantaores. En 1962 se le
concedió en Córdoba la tercera Llave de Oro del Cante Flamenco, prestigioso premio otorgado únicamente a
figuras memorables como Tomás el Nitri y Manuel Vallejo. Ese mismo año se hizo realidad el mayor sueño de
Mairena: crear un Festival del Cante Jondo en su localidad natal. En 1981 le concedieron la Medalla de Plata
al Mérito en el Trabajo, y en 1983 recibió de manos del rey don Juan Carlos la Medalla de Oro de las Bellas
Artes, concedida por vez primera a un cantaor. A finales del mismo año, poco después de morir a causa de un
paro cardíaco, se publicó su último disco, una magistral grabación alabada con entusiasmo por todos sus
seguidores. Además de sus inolvidables bulerías, soleares, tangos, tientos y seguidillas, ha dejado dos libros:
«Mundo y formas del cante» (1963) y «Confesiones de Antonio Mairena» (1967).
Menese, José
(Puebla de Cazalla, Sevilla, 1942) Cantaor español. Empezó a cantar en las fiestas de su pueblo en la
adolescencia y pronto le llegó el reconocimiento de sus paisanos mediante un contrato para actuar en el bar
Central de Puebla. Allí lo vio Francisco Moreno Galván, quien, impresionado por su cante, intercedió ante
Antonio Mairena y éste lo llamó para que cantara en el teatro Osuna. El contenido contestatario de sus letras
le valió el fervor de la progresía de la época y la persecución de la Guardia Civil. Pese a todo, en 1965 obtuvo
el Premio de Honor Tomás de Nitri en el Concurso Nacional de Cante de Córdoba y el Premio de la Cátedra de
Flamencología de Jerez de la Frontera.
Durante los diez años posteriores puede decirse que conquistó casi todos los premios que se otorgan en el país
a un cantante de flamenco. Cantaor largo, sin pelos en la lengua, reconocido por los intelectuales y
malquistado con la prensa, siempre ha seguido fiel a sus convicciones políticas a pesar de su alejamiento de la
militancia y nunca ha dejado de arremeter contra el poder, ya cante en un tablao improvisado o en el Olympia
de París. En 1983, tras celebrar sus bodas de plata con el cante jondo, su voz resonó en el auditorio de las
Naciones Unidas en Nueva York junto a las de Montserrat Caballé y José Carreras en una versión de «La vida
breve», de Falla. Menese vive en su casa del popular barrio de La Latina con su mujer, Encarnación, y sus
cinco hijos, rodeado de mompós y picassos, empeñado en el estudio de los orígenes del flamenco.
Niña de los Peines, la

(Sevilla, 1890-id., 1969) Intérprete española de cante flamenco, cuyo verdadero nombre era Pastora Pavón.
Cultivó y enriqueció casi todas las variedades del cante («siguiriyas», «tangos», «tientos», «bulerías», etc.) y
realizó, en ocasiones, auténticas creaciones personales.
Sabicas, el Niño
(Pamplona, 1912) Guitarrista de flamenco español, cuyo verdadero nombre es Agustín Castellón. Iniciado
desde muy joven, ha cosechado grandes éxitos como solista y como acompañante de diversos cantaores.
Talegas, Juan
(Dos Hermanas, 1889-id., 1971) Intérprete de flamenco español, cuyo verdadero nombre era Juan Fernández.
Dominó todo el repertorio, pero sobresalió especialmente en las tonás, siguiriyas y soleares.
Tenazas, El
(Morón de la Frontera, 1854-id., 1932) Cantaor español de flamenco, cuyo verdadero nombre era Diego
Bermúdez. Ganador, con Manolo Caracol, del primer premio del concurso de cante jondo organizado por
Falla, sobresalió en soleares, cañas y polos.
Torre, Manuel

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(Jerez de la Frontera, 1878-Sevilla, 1933) Cantaor español de flamenco, también llamado el Niño de Jerez y
cuyo verdadero nombre era Manuel Soto Loreto. Considerado uno de los mejores del s. XX, dominó muchos
cantes, sobre todo siguiriyas, martinetes y soleares.
Folclóricos y Tonadilleros
Flores, Lola
(Jerez de la Frontera, 1921) Bailarina, actriz y cantante folklórica española. Dolores Flores Ruiz fue
contratada a los catorce años por el empresario Juan Carcellé para actuar como telonera en un espectáculo
musical en el teatro de la Zarzuela. Los años de posguerra fueron muy propicios para su estilo artístico en que
algunas de sus canciones, como «Lerele», «Pepe Banderas», «Antonio Torres García» o «La niña de fuego»,
fueron importantes éxitos.
En 1943 formó compañía con el cantaor Manolo Caracol, a quien estuvo ligada sentimentalmente durante
toda la década y con quien protagonizó la película «La niña de la venta» (1951), dirigida por Ramón Torrado.
Anteriormente había protagonizado «Embrujo» (1947), dirigida por Serrano de Osma, pero su verdadero
despegue se produjo en los años cincuenta, cuando consiguió su lanzamiento fuera de las fronteras españolas.
Entre 1950 y 1951 estuvo dos veces en Buenos Aires y en 1952 viajó a México, donde rodó «Pena, penita
pena» y «Los tres amores de Lola», actuando además en la sala Capri de la capital mexicana con
emolumentos propios de una gran estrella internacional. Puso fin a una soltería llena de aventuras amorosas en
1957 al contraer matrimonio con el guitarrista de su compañía Antonio González, el Pescaílla, con quien tuvo
a sus tres hijos: Lolita, Antonio y Rosario. Intervino en películas como el documental «Sinfonía española»
(1964), realizado por Jaime Prades, «Una señora estupenda» (1966), de Antonio Martín, y «Casa Flora»
(1972), dirigida por Ramón Fernández. En 1992 trabajó como presentadora, junto con su hija Lolita, de su
programa de variedades en Antena 3 Televisión.
Jurado, Rocío
(Chipiona, 1946). Tonadillera española cuyo verdadero nombre es Rocío Mohedano. A los quince años,
marchó a Madrid, acompañada de su madre para buscar su oportunidad como artista. Los comienzos fueron
difíciles: vivía con estrechez económica y cantaba en tablaos para ganarse la vida mientras tomaba clases de
canto. Poco después consiguió una audición con Concha Piquer, ante quien cantó «Romance de la valentía» y
«Mañana sale». Rocío impresionó sin duda a la consagrada cantante, pero todo lo que obtuvo de ella fue esta
declaración: «Niña, tú llegarás a donde quieras porque tienes una bonita cara dura».
La profecía se cumplió: en 1963 ganó el Primer Festival de Arte Flamenco, celebrado en Huelva; en 1966 las
revistas femeninas la proclamaron «andaluza del año» y en 1967 fue elegida Lady España y quedó segunda en
la elección de Miss Europa. Su vitalidad y frescura, unidas a la calidez de su voz, la consolidó rápidamente
como una gran estrella, y la enorme popularidad que había ganado convirtió en un gran acontecimiento
público su boda con el boxeador Pedro Carrasco, celebrada en mayo de 1976; al año siguiente nació su hija
Rocío; a fines de 1990 el matrimonio se disolvió. Más tarde, conoció al torero José Ortega Cano, con quien
inició un romance que concluyó en boda, el 17 de febrero de 1995.
Su proyección internacional se culminó en 1979, cuando realizó un histórico concierto multitudinario en el

Madison Square Garden de Nueva York, y tras el cual paseó su estilo por Europa y Latinoamérica. También
ha hecho algunas películas, como «La querida» (1976), de Fernando Fernán Gómez, y «La Lola se va a los
puertos», rodada en 1993 juntamente con José Sancho y Paco Rabal.
Molina, Antonio
(Málaga, 1928-Madrid, 1992) Cantante folclórico español. De origen humilde, tuvo que abandonar los
estudios primarios a los diez años para ejercer algunos oficios. Sin embargo, su característica voz animaba ya
bodas y bautizos, inclinación que le valdría la reprimenda paterna. Sus sueños infantiles acariciaban lograr
algún día un puesto entre las grandes figuras del cante: Pepe Marchena, Manolo Caracol, Juanito Valderrama.
A los catorce años, una mujer que rondaba la treintena, viuda de un guardia civil, se enamoró
apasionadamente de él y le propuso trasladarse a Madrid, donde juntos probarían fortuna en el mundo del
cante. Tras varios lances de muy diverso resultado, pocos años después conoció y se enamoró de la que sería
su mujer durante el resto de su vida: Ángela Tejedor.

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Un concurso radiofónico reveló las posibilidades de Antonio Molina, pues en él, aun careciendo de guitarrista,
obtuvo el primer premio. Poco más tarde, en 1949, una compañía discográfica barcelonesa le propuso grabar
un disco con cuatro canciones. Pero su verdadera oportunidad no llegaría hasta 1953, cuando Juan José de
Lara le brindó una gira por toda Andalucía. De esa gira surgió el mito que le llevaría a formar su propia
compañía, hasta lograr un resonante éxito en el teatro Calderón de Madrid con su primer gran espectáculo,
«Garbo». A partir de ese momento los grandes éxitos no dejaron de sucederse: las principales capitales de
España supieron de su arte y talento con canciones tales como «Soy minero», «Caballito bandolero», «La
estudiantina», «Adiós a España» o «Yo quiero ser matador».
Al éxito de sus canciones se sumaron sus primeros triunfos en el cine con varias películas, «El pescador de
coplas» (1953), «La hija de Juan Simón» (1956) o «Café de Chinitas» (1961), lo que le abriría las puertas de
América. En 1967 anunció su primera retirada que, exceptuando algunas reapariciones esporádicas, se
confirmaría más tarde. En 1990 contrajo una fibrosis pulmonar que dos años después acabaría con su vida.
Molina, Miguel de
(Málaga, 1906-Buenos Aires, 1993) De verdadero nombre Frías de Molina. Figura legendaria de la copla
española, por su arte y su peripecia política. Creador de coplas imperecederas como «La bien pagá» y «Ojos
verdes», participó también en el estreno de «El amor brujo» de Falla, en el papel del Espectro. De ideología
izquierdista, vivió la guerra civil española en el bando de la República, lo que le provocó dificultades tras la
victoria del otro bando. Las vejaciones sufridas a manos de los vencedores le llevaron al exilio en Argentina y,
aunque regresó a España y vivió en México, acabó sus días en su casa bonaerense.
Pantoja, Isabel
(Sevilla, 1956) María Isabel Martín, cantante española, nació en el seno de una familia gitana, hija del famoso
cantaor Chiquetete, integrante del trío Los Gaditanos, y de Ana Martín, conocida bailaora. En su infancia
estuvo rodeada del arte flamenco y desde muy pequeña aprendió a cantar y a taconear.
En 1970, cuando contaba con sólo quince años, empezó a trabajar en el famoso local El Corral de la Morería,
en Madrid, y un año más tarde obtuvo un contrato con Televisión Española para aparecer en el programa
«Cantares», conducido por Lauren Postigo. En 1973 grabó su primer disco para el sello Columbia, con el que
tuvo relativo éxito. En 1979 conoció al torero Francisco Rivera, conocido como Paquirri, y, después de un
noviazgo de cuatro años, contrajeron matrimonio. En 1983 dio a luz a su hijo Francisco José, también llamado
Paquirrín. Un año después, en 1984, su marido murió de una cornada en la plaza de Pozoblanco, en Córdoba,
hecho que la alejó un año de los escenarios. A su vuelta grabó su décimo elepé, titulado «Marinero de luces»,
con canciones de José Luis Perales, que presentó en una gala a beneficio de la Fundación Reina Sofía, en el
teatro Lope de Vega. En 1988, tras una gira por varios países latinoamericanos, editó «Desde Andalucía», con
composiciones del mexicano Juan Gabriel. Poco después protagonizó las películas «Yo soy ésa», que batió
récords de taquilla, y «El día que nací yo» (ambas producidas por el cantante Víctor Manuel) y publicó, con
gran éxito de ventas, sus elepés «Se me enamora el alma» y «Corazón herido». A fines de 1993 trascendieron a
la prensa las disputas familiares por la herencia de Paquirri.
Piquer, Concha
(Valencia, 1908-Madrid, 1990) Tonadillera y actriz española. Inició su carrera como cantante en su ciudad
natal a la edad de ocho años. Al comienzo de los años veinte viajó con el maestro Penella a Nueva York, y
permaneció en Estados Unidos cinco años aprendiendo los mecanismos del music-hall. En 1926 realizó una de
las primeras pruebas del cine sonoro. De regreso en España fue ganando popularidad, grabó discos e impuso
un modo de hacer «americano», cantando, bailando y presentando una imagen frívola y desenfadada. En 1927
interpretó su primera película, «El negro que tenía el alma blanca», de la mano de Benito Perojo, el productor
y director que le abriría las puertas de la popularidad, primero en el cine mudo y luego en el sonoro.
Siguieron «La bodega» (1929) y «Yo canto para ti» (1934).
En la posguerra, la artista cambió de orientación. Abandonó el music-hall y se entregó a un género que en los
años cuarenta habría de conocer sus mejores momentos y alcanzaría tal popularidad, que fue un auténtico
fenómeno sociológico. Las coplas eran canciones «con argumento», que por lo general narraban amores
desdichados y que Concha Piquer servía con absoluta maestría, como gran intérprete que fue, contenida y
desgarrada a un tiempo, vivaz y hierática, capaz de expresar los más sutiles matices con la voz y con el gesto.

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Con música casi siempre de los maestros Quintero y Quiroga y letra de Rafael de León, interpretó títulos
inolvidables, como «Tatuaje», «A la lima y al limón», «No te mires en el río», «La zarzamora» y tantas obras.
Entre su filmografía de posguerra destacan «La Dolores» (1940), «Filigrana» (1949) y «Me casé con una
estrella» (1951). Se retiró a la vida privada en 1960.
Reina, Juanita
(Sevilla, 1925) Cantante española de copla, género de la que fue una de las máximas figuras en los años
cuarenta y cincuenta. Protagonizó espectáculos como «Churumbeles», «Tabaco y seda», «Cuento de María
Millones», «El puerto de los amores» y «La rosa eterna». En el cine trabajó en «La blanca Paloma» (1941),
«Macarena» (1944), «Canelita en rama» (1946), «La Lola se va a los puertos» (1947) y «Sucedió en Sevilla»
(1955). Entre sus canciones de éxito figuran «Callejuela sin salida», «Y sin embargo te quiero», «Capote de
grana y oro», en recuerdo al torero Manolete, y «Francisco alegre».
Triana, Marifé de
(Burguillos, 1936) Su verdadero nombre es María Felisa Martínez López. Fue la gran figura de la copla
española a partir de los años cincuenta, cuando parecía que el género empezaba a decaer. Debutó a comienzos
de los cincuenta con el teatro Chino de Manolita Chen y logró su consagración con el espectáculo «Torre de
arena» (1956), que le produjo Antonio Molina. Otros de sus grandes éxitos fueron «La loba», «Te he de querer
mientras viva» y «Tengo miedo». En cine, protagonizó «Canto para ti» (1958) y «Bajo el cielo andaluz»
(1959).
Valderrama, Juan
(Torredelcampo, 1919) Cantante español, la más longeva carrera musical en la copla, pues debutó
profesionalmente en 1934 y se retiró, con un multitudinario homenaje, sesenta años más tarde. De niño, Pepe
Marchena quiso enrolarle en su compañía, pero no logró el permiso paterno, que sí consiguió la Niña de la
Puebla en 1935. Valderrama ha grabado centenares de canciones, protagonizado decenas de espectáculos y
capitaneado diversas compañías. Buen cantaor flamenco, es mucho más popular en el terreno de la copla
donde ha dejado pequeñas joyas como «El emigrante», «Su primera comunión», «Madre hermosa», «El rey de
la carretera» y «Soy el inclusero». En cine protagonizó «El rey de la carretera» (1954), «El emigrante» (1959)
y «El padre Coplillas» (1968). Se retiró en junio de 1994 con un gran homenaje popular en la Plaza de Toros
de Madrid.
Folk Song
Baez, Joan
(Staten Island, 1941) Cantautora estadounidense. Poseedora de una espléndida voz, debutó en 1959 en el
Festival Folk de Newport. Se erigió como una destacada representante de la música folk y de la canción de
protesta recreando hermosas canciones como «Donna, Donna», «There but for fortune» o «Lily of the West».
Como líder del movimiento de la canción folk, ayudó al lanzamiento de figuras emergentes, entre ellas Bob
Dylan, cuyas canciones difundió en sus discos. Militante de movimientos pacifistas, luchó en los sesenta por
los derechos de la población negra de EEUU y se opuso a la guerra del Vietnam, lo que le costó arrestos y
condenas. En 1973 llegó a grabar parte de su álbum «Where are you now, my son» en Hanoi, capital de
Vietnam del Norte, en guerra con su país.
Collins, Judy
(Denver, 1939) Nómada por EEUU con su abuelo, feriante, conoció in situ la canción popular de su país, lo
que dirigió su vocación musical hacia el folk. Animada por el éxito que el estilo conoció desde el Festival de
Newport del 59, comenzó con «A maid of constant sorrow» (1962), álbum enraizado en la tradición, y fue
evolucionando hasta «In my life» (1966), donde tomaba canciones del mundo pop (Beatles) o de la canción
francesa (Brel) ampliando así el panorama del folk. Sus mayores éxitos fueron «Both sides now» (1968),
«Amazing grace» (1970) y «Send in the clowns» (1975).

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Dylan, Bob
(Duluth, 1941) Robert Allan Zimmerman, Bob Dylan, cantante y compositor de música folk y rock. Una de las
piezas fundamentales de la cultura de los años sesenta, ha influido poderosamente en el mundo del rock
(Hendrix, Bowie, U2 o incluso The Beatles) por la calidad de sus letras y su personalidad músical. Su primer
disco, «Bob Dylan» (1962), inspirado claramente en Woody Guthrie, fue una revolución en el mundillo folk.
Le siguieron discos como «Freewheelin' Bob Dylan» (1963), «The times they are a-changin'» (1964) o
«Bringing it all back home» (1965). Con el álbum «Highway 61 revisited» (1965) y la actuación en el
Festival de Newport, junto con la Paul Butterfield Band, Dylan introdujo en su música instrumentación
eléctrica y se pasó al rock. Otras obras: «Blonde on blonde» (1966), «Nashville Skyline» (1969), «Pat Garrett
& Billy the Kid» (1973, banda sonora de la película, en que interviene como actor), «Blood on the tracks»
(1974) y «Oh mercy» (1989). Ha participado en diversos festivales, como el concierto por Bangladesh (1972),
el concierto-película con The Band The last waltz (1976), el concierto Live-Aid (1985) y el festival Leyendas
de la guitarra (Sevilla, 1991).
Durante los años ochenta y noventa ha colaborado con músicos como Mark Knopfler, U2, Slash (Guns
N'Roses) o Stevie Ray Vaughan. A finales de los años ochenta formó The Travelling Wilburys junto a Roy
Orbison, George Harrison, Tom Petty y Jeff Lyne, y grabó dos discos: «Volume one» (1988) y «Volume two»
(1990). En 1992 se celebró un concierto-homenaje a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York;
participaron Neil Young, Kris Kristofferson, Sinéad O'Connor, etc. También ha editado un nuevo álbum con 58
canciones inéditas, fechadas entre 1961 y 1991, «The Bootleg series volumes 1-3, rare and unreleased 1961-
1991», con seis temas en directo, cuatro maquetas, algunas versiones acústicas y con piano, y más de cuarenta
tomas alternativas de canciones grabadas ya en elepés oficiales. En 1993 salió al mercado discográfico un
nuevo álbum-homenaje en el que intervinieron varios ídolos de su generación.
Guthrie, Woody
(Okemah, 1912-Nueva York, 1967) Compositor y cantante estadounidense de música folk, cuyo verdadero
nombre era Woodrow Wilson Guthrie. Está considerado el padre del folk song con su acertada mezcla de
melodías y ritmos tradicionales y letras de actualidad política y social. Maestro de hombres como Pete Seeger
y Bob Dylan, dejó escritas más de mil canciones algunas de las cuales, como «This land is your land», son
auténticos himnos norteamericanos. Trabajó en emisoras de radio, recorrió EEUU en trenes de mercancías y
escribió en periódicos izquierdistas. En su guitarra se leía «Esta máquina mata fascistas». Otras de sus grandes
canciones son «Pastures of plenty», «So long it's been good to know you» y «Reuben James».
Ian & Sylvia

Dúo canadiense de música folk formado por Ian Tyson (Columbia Británica, 1933) y Sylvia Fricker
(Chatham, 1940). Después de una carrera local en la zona de Toronto, se trasladaron a Nueva York a
comienzos de los sesenta. Tuvieron el mismo manager que Dylan, Peter, Paul & Mary y Gordon Lightfoot.
Participaron en los Festivales de Newport y lograron canciones como «Four strong winds», que también grabó
Neil Young, o «You were on my mind», que los We Five llevaron al éxito. Sus mejores discos fueron «Four
strong winds» (1963), «Northern journey» (1964) y «Early morning rain» (1965).
Kingston Trio, The

Trío de canción folk que con el número uno de su «Tom Dooley» (1958) anticipó la fiebre folk que comenzaría
un año más tarde con el Festival de Newport. Formado por Nick Reynolds (Coronado, 1933), Bob Shane
(Hawaii, 1934) y Dave Guard (San Francisco, 1934), divulgó hermosas canciones populares y las hizo
competir con los éxitos pop abriendo el camino para que el género folk se convirtiera en un fenómeno de
masas en los años sesenta. Además de su «Tom Dooley» triunfaron con «The Tijuana jail» (1959), «Where
have all the flowers gone» (1962) y «Greenback dollar» (1963).
Mitchell, Joni
(McLeod, 1943) Cantante, compositora y guitarrista canadiense, cuyo verdadero nombre es Roberta Joan
Anderson. Se unió al movimiento folk a mediados de los años sesenta tras ganar un festival en Ontario. En
Detroit, donde se instaló, empezó a ganar prestigio como compositora y Judy Collins le grabó su tema «Both
sides now» (1968). Tras el festival de Woodstock escribió el tema «Woodstock» (1969), que fue un gran éxito

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para Crosby, Stills, Nash & Young. A mediados de los años setenta, su música se aproximó al jazz y ha
trabajado con algunas de las figuras del jazz progresivo de la década de los ochenta. Sus mejores álbumes son
«Joni Mitchell» (1968), «Ladies of the Canyon» (1970) «Blue» (1971), «For the roses» (1972), «Mingus»
(1979) y «Wild things run fast» (1982).
Ochs, Phil
(El Paso, 1940-Nueva York, 1976) Cantante, autor y guitarrista estadounidense de música folk. Uno de los
representantes de la llamada generación de Newport, surgida en los años sesenta. Ácido retratista de su época,
sus canciones llenas de crítica al sistema le convirtieron en cronista de su propia decepción. Al comprender
que sus canciones no iban a cambiar el mundo, se quitó la vida a los 36 años de edad. Entre sus canciones, que
nunca entraron en listas, figuran «Santo Domingo», «Cops of the world», «There but for fortune» y
«Changes».
Odetta
(Birmingham, 1930) Cantante estadounidense de música folk con raíces en el blues y el gospel, cuyo
verdadero nombre es Felious Gordon. Debutó discográficamente en 1953 y llegó al conocimiento masivo del
público en 1959, de la mano de Harry Belafonte. En la lucha a favor de los derechos civiles de los negros
estuvo al lado de los cantantes blancos de folk, como Pete Seeger, Bob Dylan o Peter, Paul & Mary como una
de las escasas voces negras del movimiento de la canción popular.
Paxton, Tom
(Chicago, 1937) Cantante y autor estadounidense de música folk que vivió la eclosión del género en el Village
neoyorquino a principios de los años sesenta. En 1965 logró grabar su primer álbum, después de que sus
canciones hubieran sido popularizadas por intérpretes ya consagrados. «Ramblin' boy» y «The last thing on my
mind» son sus dos canciones más recordadas. Entre sus álbumes destacan «Ramblin' boy» (1965), «The thing I
notice now» (1969), «Peace will come» (1972) y «And loving you» (1987).
Peter, Paul and Mary

Trío folk estadounidense compuesto por Mary Travers (Louisville, 1937), Paul Stookey (Baltimore, 1937) y
Peter Yarrow (Nueva York, 1938) que se convirtió en el grupo más vendedor de la música folk en la década de
los sesenta. Consiguieron dar a conocer a una serie de artistas que sin su ayuda hubieran quedado en el
anonimato. Entre ellos, Bob Dylan, Tom Paxton, Gordon Lightfoot, John Denver o Phil Ochs. Se separaron en
1969 después de haber dejado en las listas canciones como «500 miles» (1962), «If I had a hammer» (1962)
«Blowin' in the wind» (1963), «Don't think twice, it's all right» (1963), «Puff, the magic dragon» (1963) y
«Leaving on a jet plane» (1969).
Sainte Marie, Buffy

(Saskatchewan, 1941) Cantante y compositora canadiense de música folk. Como todos los cantantes del boom
del folk de los años sesenta, se dio a conocer en los clubs del Village neoyorquino. De origen indoamericano,
muchas de sus canciones hablan de los problemas de las comunidades nativas en Canadá y EEUU. Sus
canciones más famosas de la era folk son «Universal soldier» y «Until it's time for you to go». En 1983 ganó
el Oscar con una balada, «Up where we belong», que cantaron Joe Cocker y Jennifer Warnes en la película
«Oficial y caballero».
Seeger, Pete
(Nueva York, 1919) Cantante y folclorista estadounidense. Compañero de andaduras musicales de Woody
Guthrie, se convirtió en el gran patriarca de la música folk. Dirigió el Festival de Newport de 1959, de donde
surgirían la mayor parte de las figuras de los sesenta. Fue perseguido por el Comité McCarthy por sus posturas
liberales e izquierdistas. Fundó el grupo The Weavers, el primer conjunto folk que logró un número uno en las
listas pop. Además de investigador y divulgador de canciones tradicionales, como «We shall overcome» o
«Guantanamera», ha escrito canciones tan hermosas como «If I had a hammer», «Turn, turn, turn» o «Where
have all the flowers gone».

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Simon & Garfunkel

Dúo estadounidense formado por Paul Simon (Nueva York, 1941) y Arthur Garfunkel (Nueva York, 1941). Se
formaron como dúo a los dieciséis años con el nombre de Tom y Jerry, pero su éxito nació como dúo folk en el
álbum «Wednesday morning 3 a.m.» (1964) que contenía «The sound of silence», su primer éxito mundial.
Hasta 1970 siguieron juntos como dúo dejando canciones como «I'm a rock» (1966), «Mrs. Robinson» (1968),
«The boxer»(1969) y «Bridge over troubled water» (1970). Tras su separación volvieron a unirse en varias
ocasiones, la última con motivo del concierto en el Central Park de Nueva York, en 1981, que daría origen a un
doble álbum que reunía sus grandes éxitos.
Weavers, The
Cuarteto estadounidense de música folk, creado en 1948 por Pete Seeger, Lee Hays, Fred Hellerman y Ronnie
Gilbert. Seeger y Hays habían cantado juntos en el colectivo The Almanac Singers desde comienzos de los
años cuarenta. La creación del cuarteto tenía como objetivo difundir la música folk y aumentar el número de
aficionados. Y lo consiguieron con canciones como «If I had a hammer», «Goodnight Irene», que llegó al
número uno de las listas, «Wimoweh», del que años más tarde los Tokens sacarían su «The lion sleep tonight»,
y «Tzena». Fueron precursores, una década antes, de la gran explosión del folk de los sesenta.
Gospel
Cooke, Sam
(Chicago, 1935-Los Ángeles, 1964). Cantante y compositor de música pop estadounidense cuyo verdadero
nombre era Sam Cook. Comenzó enrolado en el grupo de música gospel, los Soul Stirrers, que no permitía a
sus integrantes practicar la música profana. Grabó su primer disco pop con nombre supuesto, pero fue
reconocido y optó por seguir su carrera en la canción popular. Se convirtió en la voz negra más influyente de
su generación y Rod Stewart reconoce su deuda con él. Murió en un motel de Los Ángeles a manos de la
gerente del local en un oscuro asunto de acoso sexual. Sus mayores éxitos fueron «You send me» (1957),
«Wonderful world» (1960), «Twisting the night away» (1962) y «Another saturday night» (1963).
Jackson, Mahalia
(Nueva Orleans, 1911-Chicago, 1972) Cantante estadounidense. Poseedora de una poderosa y magnífica voz
grave, destacó por sus interpretaciones de gospels y de espirituales negros, género en el que fue considerada
como la mejor intérprete de su época. Hizo sus primeras grabaciones en 1937 tras pasar por coros religiosos.
Grabó con las orquesta de Duke Ellington, Earl Hines y Percy Faith. Cantó en los Festivales Jazz de Newport
y participó en varias películas, entre ellas en «St. Louis Blues» (1958), biografía de W.C. Handy.
Jazz
Broonzy, Big Bill

(Mississippi, 1893-Chicago, 1958) Legendario cantante y guitarrista de blues, cuyo verdadero nombre era
William Lee Conley Broonzy. Debutó profesionalmente en 1926. En los últimos años treinta era el cantante de
blues más popular de EEUU. Grabó con los grandes nombres del género, entre ellos Memphis Slim y
Washboard Sam. Con su gira británica de 1951 logró difundir el blues tradicional entre el público europeo.
Vivió varios años en Dinamarca hasta su regreso a Chicago, que se había convertido en la meca del rhythm
and blues.
Charles, Ray

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(Albany, Georgia, 1930) Cantante, pianista y compositor estadounidense. A los siete años perdió la vista por
culpa de un glaucoma. Estudió en la Saint Augustine School para ciegos, en Florida, y allí aprendió a tocar
piano, órgano, trompeta, clarinete y saxo alto. En 1953 se trasladó a Nueva Orleans, donde grabó el clásico «I
got a woman» en compañía del guitarrista Guitar Slim, y se reveló como cantante: en lugar de imitar a su
ídolo Nat King Cole, logró desarrollar un estilo propio cercano al gospel, lleno de agresividad y sentimiento al
mismo tiempo: fue el nacimiento del soul. En 1959 grabó el éxito «What'd I say» con su coro femenino
habitual, The Raelettes. Ray Charles, apodado «The Genius» (el Genio), inspiró tanto a artistas de soul como
de rock'n'roll o funk. Sin embargo, se decantó por el jazz, con los discos grabados con Milt Jackson, del
Modern Jazz Quartet («Soul brother», 1958, y «Soul meeting», 1962), y también por el country & western, con
«Modern sounds in country and western» (1962), que contenía el clásico «I can't stop loving you». Antes había
lanzado otro éxito: «Georgia on my mind» (1960), al que siguieron «Hit the road Jack» (1961), «You don't
know me» (1962), «Busted» (1963) y otras. Tras una temporada de arrestos relacionados con la posesión de
droga, volvió a primera fila en la segunda mitad de los años sesenta. Artistas blancos como Joe Cocker o Van
Morrison se apropiaron de su estilo, pero en los años setenta y ochenta Ray Charles conservaba intacto su
genio, como se aprecia en el disco «Friendship» (1984). En la ceremonia de la toma de posesión de Bill
Clinton como presidente de Estados Unidos, en 1993, obtuvo un lugar destacado junto con su amigo y
colaborador Quincy Jones.
Fitzgerald, Ella
(Newport, Virginia, 1918) Cantante de jazz estadounidense. De origen humilde, creció en un orfanato en
Yonkers, Nueva York, durante los años en que el sonido dixieland se abría al mundo desde Chicago; empezó
a cantar a los dieciséis años con Chick Weeb, el que sería su primer marido, muerto en 1939. Durante un
tiempo, Ella siguió encabezando el grupo, cantando en clubes y desarrollando su especial técnica, el scat
singing (utilizando su voz como instrumento musical), que alcanzaría su máxima expresión con «Lady be
Good». En 1941 se casó con Bernie Kornegay y más tarde colaboró con Louis Armstrong; cantó hermosas
baladas, como «My heart belongs to Daddy», y, en 1946, entró en la formación que la presentaría
internacionalmente y que daría solidez a su estilo: At the Filarmonic, una de las principales bandas de jazz de
todos los tiempos. Grabó una serie de discos junto a celebridades como Cole Porter, Duke Ellington, Richard
Rodgers, George Gershwin e Irving Berlin. Canciones como «A Tisket a Tasket», «And the Ink Sports», «Into
each Life Some Rain must fall», «Undecided» o «Imagine my Frustation» mostraron su voz contenida, a veces
ronca, cálida o desgarrada; sus blues, se ha dicho, son un alivio para el espíritu, como queda plasmado en su
versión de «Everytime We Say Good-bye», de C. Porter. Su facilidad para la improvisación le permitió utilizar
su voz a modo de guitarra; con «All of me» dejó constancia de su presencia en el All Star Festival; casada en
terceras nupcias con Ray Brown, con quien tuvo un hijo, en 1955 participó en la película «Peter Kelly's
Blues».
Gilberto, Astrud
(Bahía, 1941) Cantante brasileña que se hizo mundialmente famosa con su versión de «La chica de Ipanema»
junto a Stan Getz, A.C. Jobim y João Gilberto. El éxito la llevó a realizar giras con el propio Getz, Gil Evans y
Eumir Deodato. Precursora, con su voz escasa y agradable, del triunfo de las vocalistas de soft jazz que
surgieron en los ochenta. Otros éxitos fueron «Trains, boats and planes» y «The shadow of your smile».
Holiday, Billie
(Baltimore, 1915-Nueva York, 1959) Cantante de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era Eleanora
Holiday. Inició su carrera discográfica con B. Goodman y cantó en los grupos de T. Wilson y en las orquestas
de C. Basie y de A. Shaw. Se distinguió por su voz velada y ronca, próxima al estilo saxofonístico de L.
Young, con quien colaboró en numerosas ocasiones. Escribió su autobiografía («Lady sings the blues», 1956).
Lírica
Aragall, Jaume
(Barcelona, 1939) Tenor catalán. Su interés por la música se evidenció muy pronto: a los nueve años era
miembro del coro de la iglesia de Santa María del Mar. Empezó a tomar clases de canto a los diecinueve años

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con Francisco Puig. Al resultar vencedor del concurso de canto de Bilbao en 1962, consiguió ser admitido en
las clases de perfeccionamiento de Vladimir Radiali en Milán. Poco tiempo después ganó el primer premio en
el Concurso Internacional de Canto de Busseto. Debutó brillantemente en el teatro La Fenice de Venecia, y
tras un gran éxito en Palermo, fue contratado en 1963 por la Scala de Milán.
Habitual de los grandes teatros italianos, de vuelta a la Scala interpretó el papel de Romeo en «I Capuletti ed i
Montecchi», de Bellini. En 1966 cantó por primera vez Rigoletto, en la Arena de Verona. Su nuevo éxito lo
llevó a ocupar los primeros lugares en los carteles de los principales teatros líricos del mundo. En 1984 abrió
la temporada en la Arena de Verona y en los Festivales Bregenz, cantando Tosca. En el Festival de Orange
interpretó «Don Carlo». En los últimos años ha extendido su repertorio a óperas, como «Un ballo in
maschera» y «Simone Boccanegra». Entre su abundante discografía podemos destacar las grabaciones de «La
Traviata», dirigida por Lorin Maazel, «Fausto», con Montserrat Caballé y dirigida por Alain Lombard,
«Tosca», con Kiri Te Kanawa y dirigida por George Solti, «Simone Boccanegra», «Madame Butterfly»,
«Rigoletto» y «Lucrecia Borgia».
Berganza, Teresa
(Madrid, 1936) Cantante española. Poseedora de una espléndida voz de mezzosoprano ligera, estudió en el
Conservatorio de Madrid con Lola Rodríguez de Aragón y obtuvo el gran premio Lucrecia de Arana en 1954.
Al año siguiente debutó en Madrid en un concierto, e inició una larga gira por España, Portugal, Francia,
Italia, Austria y Alemania. Su debut en la ópera se produjo en 1957 en el Festival de Aix-en-Provence, en el
papel de Dorabella en «Così fan tutte», de Mozart. Al año siguiente debutaba en la Scala de Milán con «El
conde de Ory» de Rossini. Su aparición en el Covent Garden de Londres tuvo lugar en 1960 y en 1967 se
presentó en el Metropolitan Opera de Nueva York.
Teresa Berganza ha desarrollado una brillante carrera internacional tanto en los campos de la ópera y de la
zarzuela como en el del concierto, con frecuentes giras. Su repertorio abarca un amplio arco, desde piezas de
Monteverdi y Purcell hasta composiciones populares de Fernando Sors y Manuel de Falla. En el terreno de la
ópera, su repertorio no se limita a Mozart y Rossini, sino que incluye también obras de Bizet y de Vicente
Martín y Soler.
Entre los numerosos galardones recibidos a lo largo de su carrera destacan la Orden de Isabel la Católica
(siendo la artista más joven honrada con esa distinción); el Gran Premio de la Academia Charles Cross, que ha
obtenido en tres ocasiones, y el Premio Príncipe de Asturias a las Artes de 1991, que la cantante compartió
con otros seis compañeros de profesión españoles.
Caballé, Montserrat
(Barcelona, 1933) Cantante lírica española, una de las primeras del mundo por su calidad vocal, inspiración y
perfecto dominio de la técnica. Nació en el barrio barcelonés de Gracia. A los ocho años empezó a estudiar
música en un conservatorio gratuito, pero hubo de dejarlo para trabajar como cortadora de pañuelos.
Apadrinada por José Antonio Bertrán, pudo estudiar en el Liceo con Napoleone Annovazi, que le enseñó el
secreto de la emisión fácil y fluida del sonido; con Conchita Badía trabajó la melodía, y Eugenia Kemény le
enseñó a controlar la respiración y a sostener la voz en frases largas, incluso en los pianissimos.
En 1954 marchó a Italia, pero las ofertas fueron pocas y decepcionantes. Recibió un contrato para la Ópera de
Basilea, pero sin salario, y debió trabajar como obrera en una fábrica a fin de poder debutar oficialmente, en
1956, con «La flauta mágica» de Mozart. En ese mismo año cantó la Mimí de «La Bohème» por indisposición
de la titular, y el éxito le atrajo ofertas que le permitieron interpretar más de cuarenta papeles distintos en los
años siguientes. En 1964 representó «Madama Butterfly» con Bernabé Martí; el idilio se prolongó en la vida
real, y ambos se casaron. La consagración definitiva llegó en Nueva York en 1965, al sustituir a Marilyn Horne
en el papel principal de «Lucrecia Borgia». Su amplísimo repertorio supera las cien óperas y abarca desde el
barroco hasta el verismo, con autores como Donizetti, Verdi, Puccini, Bellini, Strauss, Rossini, Wagner,
Mozart... También ha cantado óperas contemporáneas; en 1989 estrenó en el Liceo de Barcelona «Cristóbal
Colón», del compositor Leonardo Balada, con libreto de Antonio Gala. Asimismo se ha preocupado de rescatar
piezas olvidadas para ofrecerlas en concierto; también ha hecho incursiones en la música ligera, lo que le ha
valido algunas críticas negativas, y ha cantado en escenarios multitudinarios, como en el Estadio de Montjuïc
de Barcelona, con motivo de la inauguración de los Juegos Olímpicos de 1992.

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Callas, Maria
(Nueva York, 1923-París, 1977) Soprano grecoamericana, cuyo verdadero nombre era Maria Kalogeropoulos.
Discípula de Helena de Hidalgo en el Conservatorio de Atenas, ciudad a la que se trasladó con sus padres
cuando contaba trece años, debutó con la ópera de D'Albert «Tiefland», basada en el drama «Terra baixa» de
Àngel Guimerà. Pero su verdadera presentación tuvo lugar en 1938 con «Cavalleria rusticana» de Mascagni.
Poco a poco fue ganando reputación, hasta ser considerada una de las cantantes más importantes de nuestro
tiempo, gracias a la amplia extensión de su voz y a su extraordinario temperamento dramático, que volcaba en
cada una de sus interpretaciones. Estas cualidades singulares la llevaron a incorporar a su repertorio obras
que llevaban largos años sin representarse, olvidadas en los archivos por las grandes dificultades técnicas que
implicaba su puesta en escena. Se permitía cantar indistintamente papeles de soprano dramática y de
mezzosoprano.
Casada con el industrial italiano Giambattista Meneghini, adoptó el nombre artístico de Maria Meneghini
Callas hasta que, tras su separación, prescindió del apellido del ex marido. Durante largos años estuvo
vinculada sentimentalmente al acaudalado armador griego Aristóteles Onassis, en una relación tempestuosa,
llena de altibajos, que afectó anímicamente a la cantante y que a la postre perjudicó sus condiciones vocales e
interpretativas.
La culminación de su carrera fue su actuación en la Scala de Milán en 1951 con «El rapto del serrallo». A
partir de ese momento sus triunfos se multiplicaron, sobre todo en Norteamérica, y grabó una abundante
discografía. Con su vida artística se mezclaron siempre su vida privada, particularmente agitada, y las
peculiaridades de su carácter, que respondía al de una diva atrabiliaria y caprichosa. Sus grandes éxitos fueron
«Medea», de Cherubini; «El pirata», de Bellini; «Lucia di Lammermoor», de Donizetti, y las obras de Rossini.
Se retiró de los escenarios en 1966.
Carreras, Josep
(Barcelona, 1946) Tenor español nacido en el barrio barcelonés de Sants. A los siete años sus padres lo
matricularon en el Conservatorio, al observar sus aptitudes para el canto y la música. Estudió solfeo y piano, y
actuó a los once años en el Liceo como niño soprano en «El retablo de maese Pedro», de Manuel de Falla. A
los veinte años decidió abandonar en segundo la carrera de ciencias químicas, para dedicarse plenamente al
canto.
Su debut como profesional se produjo en el Liceo a los veinticuatro años, con un papel secundario en la ópera
«Nabucco», de Verdi. En la temporada 1971-1972 obtuvo un gran éxito junto a Montserrat Caballé en
«Lucrecia Borgia»; también en 1972 ganó el concurso de «voces verdianas» de Busseto, el pueblo natal del
compositor. En la temporada 1974-1975 triunfó en el Metropolitan de Nueva York, el teatro de la Ópera de
Viena, el Covent Garden de Londres y la Scala de Milán; poseía ya una amplia discografía, y su carrera
internacional estaba lanzada. En 1985 rodó «Romanza final», de J.M. Forqué, sobre la vida de Julián Gayarre.
Entre 1987 y 1988, afectado por una grave enfermedad, hubo de interrumpir sus actuaciones y someterse a un
delicado tratamiento en el centro especializado Fred Hutchinson de Seattle. Su recuperación fue completa.
Cabe señalar como curiosidad que el médico que le atendió, Edward Donnall Thomas, recibió en 1990 el
Premio Nobel de Medicina, precisamente por la técnica que aplicó al tenor.
El regreso de Josep Carreras tuvo características de apoteosis: bajo el Arco de Triunfo de Barcelona cantó
junto a su gran amiga Montserrat Caballé el Brindis de «La Traviata» ante una multitud que empequeñeció el
marco urbano. En 1989, también junto a Caballé, estrenó la ópera «Cristóbal Colón», de Leonardo Balada, en
el Liceo. Recibió el Premio Príncipe de Asturias a las Artes en 1991, compartido con otros cantantes, y en
1992 fue el director artístico y uno de los cantantes que intervinieron en la inauguración de los Juegos
Olímpicos de Barcelona, en el Estadio de Montjuïc.
Caruso, Enrico
(Nápoles, 1873-íd. 1921) Tenor italiano. Estudió canto mientras trabajaba como mecánico. En 1894 debutó
con la ópera Fausto en el teatro Bellini de su ciudad natal. Pero su primer éxito fue el estreno de la ópera
«Fedora», de Giordano, en 1898. Cantó después en diversos teatros de Italia (1894-1898), en San Petersburgo
y en Buenos Aires (1898-1899), hasta alcanzar una de las cimas de los escenarios operísticos mundiales: la
Scala de Milán (1899-1900). A partir de entonces se dedicó a las grandes giras mundiales, durante las cuales
cantó en los mejores teatros, entre los que cabe destacar el Covent Garden de Londres, y ante los públicos más

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diversos, si bien a partir de 1903 fijó su residencia en Nueva York. Todos los auditorios expresaban la misma
incondicionalidad al dulce timbre de su voz, que unido a una extraordinaria potencia y a una gran variedad de
registros, era capaz de dar vida a un repertorio de más de cuarenta óperas. Además, gracias a su gran
diversidad interpretativa, estas óperas, no sólo italianas, sino también francesas, pertenecían tanto al género
lírico como al dramático. Con igual facilidad Caruso cantaba canciones de su tierra napolitana, habaneras,
tangos, etc. Cantó por última vez el 24 de diciembre de 1920, en la Metropolitan Opera House de Nueva York,
interpretando el papel de Eleazar en «La Juive», de Halévy. Portavoz de la nueva escuela italiana, estrenó,
entre otras óperas, «La arlesiana» (1897), de Bizet; «Adrienne Lecouvreur» (1902), de Cilea; «Germania»
(1902), de Franchetti; y «La fanciulla de West» (1910), de Puccini. Escribió un libro de consejos para
cantantes («How to sing»). Acaso una de las mejores semblanzas de su personalidad viene dada por la
definición que él hace de un gran cantante: «Pecho ancho, boca grande, noventa por ciento de memoria, diez
por ciento de inteligencia, mucho trabajo y muy duro, y algo en el corazón». Gracias a sus pioneras
grabaciones con el gramófono, Caruso sigue siendo imperecedero.
Deller, sir Alfred

(Margate, Reino Unido, 1912-Bolonia, 1979) Contratenor británico. Prácticamente autodidacta en lo que al
cultivo de su voz se refiere, inició su trayectoria musical en los coros de la catedral de Canterbury y la de San
Pablo en Londres. En 1948 fundó el Deller Consort, y se estableció como un celebrado intérprete de música
antigua y muy en especial inglesa de los ss. XVII y XVIII. Legó una admirable discografía y es el responsable
del moderno renacimiento de las voces de su cuerda. Tras su muerte en 1979, su hijo Mark, también
contratenor, asumió la dirección del Deller Consort.
Domingo, Plácido
(Madrid, 1941) Tenor español. Hijo de los cantantes de zarzuela Pepita Embil y Plácido Domingo, vivió su
infancia entre Madrid y México, adonde emigró con sus padres en 1950. Allí inició en el Conservatorio
Nacional de Música una formación musical completa (canto, piano, composición y dirección orquestal). A los
dieciséis años desempeñó un pequeño papel de barítono en la compañía de zarzuela de sus padres, y a los
diecinueve debutó como el Gastón de «La Traviata». De 1962 a 1965 fue miembro de la Ópera Nacional de
Tel-Aviv, donde interpretó los más diversos papeles. En 1965 inauguró la nueva sede de la New York City
Opera con el estreno mundial de «Don Rodrigo», de Alberto Ginastera. Pero su consagración internacional
llegó en 1968 al sustituir a Franco Corelli en el papel de Maurizio en «Adriana Lecouvreur», junto a Renata
Tebaldi. Desde entonces ha actuado en todos los grandes teatros de Europa y América.
Cantante de voz potente, timbre cálido e importante presencia escénica, su repertorio operístico se centra
preferentemente en Verdi y Puccini, aunque abarca una gama muy amplia de autores y épocas. Ha
protagonizado versiones cinematográficas de varias óperas: «La Traviata» (1982) y «Otello», ambas bajo la
dirección de Franco Zeffirelli, y «Carmen» (1983), con Francesco Rosi. Ha abordado también la dirección
operística, nada menos que en el Metropolitan de Nueva York y en la Scala de Milán. En 1992 fue contratado
como asesor para la lírica y el baile de la Exposición Universal de Sevilla, además de presentar en la isla de la
Cartuja «Carmen», con puesta en escena de Núria Espert, mientras en el teatro de la Maestranza se
representaba su versión de «Un ballo in maschera», de Verdi. En julio participó junto con otros divos
españoles en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona. Poco antes se había convertido en el
segundo español (después de Victoria de los Ángeles) en intervenir en el Festival wagneriano de Bayreuth,
con su interpretación de «Parsifal». Entre sus trabajos de 1993, destaca su actuación en la entrega de los
premios Oscar en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles.
Farinelli, Carlo Broschi

(Andria, Nápoles, 1705-Bolonia, 1782) Cantante italiano, considerado soprano por su condición de castrati.
Su apellido procede de sus protectores napolitanos. Llegó a la corte española en 1737, en los últimos años de
Felipe V, y adquirió extraordinaria influencia personal sobre Fernando VI y Bárbara de Braganza, ambos
aficionados a la música. A pesar de la influencia política que hubiera podido ejercer, nunca intervino en
asuntos de estado y se dedicó exclusivamente a organizar las funciones de ópera con las que deleitaba a la
corte. En 1760, Carlos III le desterró de sus reinos.
García, Manuel
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(Sevilla, 1775-París, 1832) Tenor y compositor español. Debutó en París en 1808 con «Griselda», de Paer, y
estrenó en Italia «Elisabetha, regina d'Inghilterra» y «El barbero de Sevilla», de Rossini. Fue uno de los
primeros intérpretes en introducir la ópera italiana en América. Compuso más de cien óperas, que estrenó con
éxito amparándose en su popularidad, pero que pronto cayeron en el olvido. En el aspecto vocal, Manuel
García fue un virtuoso de la ornamentación improvisada y de la vocalización, y poseía una voz amplia y de
bello timbre. Fue profesor de canto, principalmente de sus dos hijas, las célebres María Malibrán y Pauline
Viardot, y de su hijo Manuel García II.
Kraus, Alfredo
(Las Palmas de Gran Canaria, 1927) Tenor español. De ascendencia alemana, sus innatas dotes para el canto
destacaron ya en su infancia. Sin embargo, su educación formal en música sólo se inició en 1950, en
Barcelona, luego en Valencia (con el maestro Andrés) y finalmente en Milán (con Mercedes Llopart). Obtuvo
una medalla en el concurso de canto de Ginebra de 1955, lo cual lo decidió definitivamente por la carrera
lírica. Debutó con «La Traviata» en 1956, y poco después representó «Tosca» y «Rigoletto», ganándose en
seguida un puesto entre las voces jóvenes más interesantes del momento; al mismo tiempo, Kraus debutó con
gran éxito en la zarzuela «Doña Francisquita».
Hacia finales de los cincuenta Kraus figuró ya entre los divos más solicitados; por ejemplo, en 1958 interpretó
«La Traviata» junto a Maria Callas. Actuó en los más importantes teatros líricos españoles y del resto de
Europa, y en los años sesenta se presentó en América, como artista titular del Metropolitan Opera House de
Nueva York. Durante las dos décadas siguientes la carrera de Kraus no dejó de ascender. «Elisir d'amore»,
«Don Giovanni», «Manon», «Werther», «Fausto», «Rigoletto» y «Così fan tutte» son algunos de los títulos en
los que su magistral dominio de la técnica interpretativa ha quedado mejor evidenciada; Bellini, Donizetti y
Massenet son sus autores más amados.
Kraus pasó una larga temporada sin actuar en España; reapareció en el Liceo barcelonés en 1984 con «La fille
du régiment», con gran éxito. Hombre serio y moderado, más bien apartado de los divismos que caracterizan a
buena parte de sus colegas, sorprendió su empeño en participar de la gala inaugural (y el correspondiente
disco) de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. Alfredo Kraus está casado con Rosa Blanca Ley Bird, y
tiene tres hijos. Sus firmes posturas en favor de la mejora de las condiciones para la enseñanza de la música en
España han causado más de una polémica.
Melchior, Lauritz
(Copenhague, 1890-Santa Mónica, California, 1973) Cantante danés, de verdadero nombre Lebrecht Hommel.
Empezó su carrera como barítono hasta que ensayó roles tenoriles con V. Herold, y más adelante con A. Bahr-
Mildenburg. Su primer gran éxito internacional lo obtuvo como Siegmund en «La valquiria», de Wagner,
representado en el Covent Garden de Londres en 1924; en aquel mismo año se presentó en Bayreuth como
Parsifal (allí cantaría todos los grandes roles wagnerianos excepto el de Lohengrin). Cantó también en
Magdeburgo, Hamburgo, Barcelona, Buenos Aires y en la Metropolitan Opera House de Nueva York, donde se
presentó como Tannhäuser en 1926 y cantó en 24 temporadas. Considerado como el más grande tenor
wagneriano de este siglo, poseía una voz vibrante, gran resistencia física e intensidad dramática. Creó la
Fondation Melchior Heldentenor con el propósito de ayudar a los jóvenes cantantes con talento.
Pavarotti, Luciano
(Módena, 1935) Tenor italiano, una de las figuras más destacadas del bel canto. De niño participó en el coro
de una iglesia de su ciudad, y una audición de Beniamino Gigli descubrió su incipiente talento. Sin embargo,
no empezó a dedicarse a la música hasta 1957, en que viajó a Mantua para tomar clases de canto.
En 1961, con el papel de Rodolfo en «La Bohème» de Puccini, ganó el concurso internacional Achille Peri.
Poco después realizó diversas giras por Europa interpretando al Edgardo de «Lucia di Lammermoor», de
Donizetti, al duque de Mantua en el «Rigoletto», de Verdi, y al Idamante del «Idomeneo», de Mozart, papeles
con los que se ganó la fama mundial.
Tras conocer a la soprano Joan Sutherland en Miami, su canto, hasta entonces más intuitivo que académico,
ganó en fuerza y consistencia, y su ejecución de la difícil primera aria de Tonio en «La fille du régiment», de
Donizetti, fue un gran éxito.

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En 1966 debutó en la Scala de Milán, catedral mundial de la ópera, en «I Capuletti ed i Montecchi», de

Bellini, y fue tenor solista en el «Réquiem» de Verdi, bajo la dirección de Herbert von Karajan, en la
celebración del centenario de Toscanini.
Un año más tarde, después de debutar con «La Bohème» en San Francisco y Nueva York, el público y la
crítica norteamericanos lo consagraron como el gran tenor del momento. En 1963 presentó, en el Liceo de
Barcelona, «La Traviata», de Verdi, y actuó con «La Bohème» (1970) y en «Tosca» (1985) en el New York
Opera House.
Pero sus ansias de darse a conocer más allá del restringido público de los teatros de ópera le llevaron a ejercer,
a partir de 1973, la variedad concertística del recital, presentándose en galas multitudinarias en las que,
acompañado únicamente por un piano, canta arias de Corelli, Bellini y Donizetti y canciones populares
italianas. Su última grabación discográfica, «Tutto Pavarotti», fue un récord de ventas. Participó en la
ceremonia de inauguración de los XXV Juegos Olímpicos de Barcelona junto con las estrellas españolas del
bel canto. En 1993 la grabación conjunta con cantantes populares como Sting o Lucio Dalla habría de
reportarle otro gran éxito de ventas.
Schipa, Tito
(Lecce, 1888-New York, 1965) Tenor italiano, considerado uno de los más grandes tenores líricos del siglo.
Poseedor de una voz de limitado volumen, compensaba dicho defecto merced a su hermosísimo timbre, su
formidable capacidad expresiva y una técnica exquisita. Sus estudios se desarrollaron gracias a su descubridor,
el obispo de su ciudad natal; su carrera abarcó de 1910 a 1958, período durante el cual actuó en los más
grandes teatros de ópera del mundo (La Scala, Covent Garden, Metropolitan). Cantó el papel de Ruggiero en el
estreno de «La rondine», de Puccini. Obligado a interpretar un repertorio reducido a causa de los límites de su
registro vocal, Schipa brilló especialmente en los papeles estelares de «Don Giovanni», «La traviata»,
«Rigoletto», «Manon», «Werther» y «L'elisir d'amore».
Schwarzkopf, dame Elisabeth

(Jarocin, 1915) Cantante alemana nacionalizada británica. Dotada de una hermosa voz de soprano y de una
presencia física soberbia, debutó en Berlín en 1938 y realizó una brillante trayectoria internacional como
intérprete de compositores del s. XVIII (Mozart), posrománticos y modernos (R. Strauss, I. Stravinski). Su
encarnación de la mariscala en «El caballero de la rosa» ha sido insuperable. Se retiró de la ópera en 1971 y
centró su carrera en los recitales de lieder. Estuvo casada con el productor W. Legge.
Sutherland, dame Joan

(Sidney, 1926) Cantante australiana. Se formó en el Royal College of Music de Londres y debutó en el Covent
Garden en 1959. Dotada de una hermosa voz de soprano dramática de coloratura, se ha especializado en el
repertorio del bel canto (en especial Rossini, Bellini y Donizetti), sin olvidar su interpretación de heroínas
händelianas y mozartianas. Posee una discografía muy extensa, la mayor parte de las veces bajo la dirección de
su esposo, el director de orquesta australiano R. Bonynge.
Te Kanawa, Kiri
(Gisborne, 1944) Soprano neozelandesa, de ascedencia maorí. Inició sus estudios musicales en Auckland y,
tras ganar una beca en Melbourne, se trasladó a Londres, donde siguió cursos de canto en la escuela de ópera,
con Vera Rósza. En junio de 1967 cantó el «Lamento» de «Dido y Eneas», de H. Purcell, y un año después el
papel de Idamante en un versión de concierto de «La clemenza di Tito», de Mozart, con el Chelsea Opera
Group.
Su primera aparición en un escenario tuvo lugar en Londres en 1969, con motivo del Festival de Camden, en el
que encarnó a Helena en «La donna del Lago», de Rossini. En 1970 debutó en el Covent Garden con
«Parsifal», de Wagner, en el papel de Muchacha Flor, y el año siguiente, en el mismo teatro, interpretó a la
condesa de Almaviva de «Las bodas de Fígaro», de Mozart, una de sus grandes especialidades. Desde este
momento fue solicitada por los principales teatros líricos y participó en los más acreditados festivales de
música.

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Su voz, de timbre cálido y luminoso, y su bella figura la han convertido en una de las más prestigiosas
sopranos del mundo. Su extenso y variado repertorio incluye obras de Mozart, Verdi, Puccini y Richard Strauss
y comedias musicales como «West Side Story», de Leonard Bernstein. Su primera aparición en el cine data de
1976, cuando intervino en la versión cinematográfica de «Las bodas de Fígaro», de Jean-Louis Ponelle, con un
reparto internacional, y en 1980 interpretó el personaje de doña Elvira en la versión cinematográfica del «Don
Giovanni» de Mozart, realizada por Joseph Losey.
Honrada en las universidades de Oxford, Durham, Dundee, Warwick y, por supuesto, Auckland, ostenta
también el título de Dame Commander de la Orden del Imperio Británico. El año 1990 significó el reencuentro
con su país natal, gracias a cinco grandiosos conciertos al aire libre, y en mayo de 1991 se presentó por
primera vez en España, con un recital de lieder en el Liceo barcelonés, que repitió en los días siguientes en los
auditorios nacionales de Valencia y Madrid.
Tebaldi, Renata
(Pesaro, 1922) Cantante italiana. Formada en Parma y poseedora de una bellísima voz de soprano lírica de
gran pureza tímbrica, debutó en Rovigo (Italia) con el «Mefistofele» de Boito en 1944 y dos años más tarde
fue llamada para participar en el concierto inaugural de la Scala de Milán reconstruido. Destacó en el
repertorio operístico italiano, especialmente de Verdi y Puccini. Grabó gran número de discos, en especial
óperas completas. Contemporánea de M. Callas, las características de sus respectivas capacidades por parte de
los aficionados alimentó años de controversias.
Victoria de los Ángeles

(Barcelona, 1923) Cantante española, cuyo verdadero nombre es Victoria de los Ángeles López. Formada en el
Conservatorio del Liceo de Barcelona, en 1944 debutó en un recital en esta ciudad. Inició su carrera como
cantante de ópera en 1945 en el Liceo y entre 1949 y 1951 ya cantó en la Ópera de París, la Scala de Milán, el
Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York. Poseedora de una de las más bellas
voces de soprano lírica de su tiempo, destacó como intérprete de lieder y ópera italiana y francesa e incluso
Wagner. En 1978 le fue concedido el premio nacional de música y en 1991 compartió con otros seis cantantes
líricos españoles el premio Príncipe de Asturias de las artes. Posee una notable discografía, tanto de óperas
completas como de lieder.
Música Ligera
La lista de nombres que abarca el término música ligera, ese tipo de canción de ámbito internacional que
gracias a la invención del fonógrafo y la radio se convirtió en un auténtico fenómeno de masas y que
comprende géneros como el pop, el rock, la canción francesa o italiana, etc. Entre sus estrellas figuran
nombres míticos del mundo del espectáculo, como The Beatles, E. Clapton, Nat King Cole, B. Crosby, M.
Chevalier, J. Garland, J. Iglesias, M. Jackson, E. John, P. McCartney, E. Piaf, Pink Floyd, E. Presley, The
Rolling Stones, F. Sinatra, B. Streisand o T. Turner por citar sólo a algunos de los más influyentes. Otros
nombres de interés son:
Belén, Ana
(Madrid, 1951) Actriz, cantante y directora de cine española. Su nombre verdadero es María Pilar Cuesta. El
productor Joaquín Perojo la descubrió en un concurso para cantantes noveles organizado por Radio España.
Así, a los catorce años debutó como actriz en la película «Zampo y yo» de L. Lucia, junto a Fernando Rey. La
experiencia no fue precisamente un éxito, pero la pequeña decidió estudiar teatro e inició una estimable carrera
de actriz, cuyos principales títulos cinematográficos son: «Españolas en París» (1970), de R. Bodegas;
«Morbo» (1971), de G. Suárez, coprotagonizada por su futuro marido, V. Manuel; «El amor del capitán
Brando» (1974); «La petición» (1976), de P. Miró; «La oscura historia de la prima Montse» (1977), de J.
Cadena; «La colmena» (1982) y «Después del sueño» (1992), de M. Camus; y «La corte del faraón» (1985) y
«El vuelo de la paloma» (1989), ambas de J. L. García Sánchez.

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En el teatro había debutado en 1964 de la mano de Miguel Narros, con «Numancia», de Cervantes, a la que
siguieron diversas interpretaciones de Zorrilla, Shakespeare, Moratín y García Lorca. Casada en 1972, Ana
reemprendió su vocación de cantante con su marido, Víctor Manuel, con el que tuvo dos hijos, David y
Marina. La mayor parte de sus temas están compuestos por otros artistas. El álbum doble con Víctor Manuel
«Para la ternura siempre hay tiempo» (1986), que incluye la popular «La puerta de Alcalá», y los interpretados
en solitario: «Rosa de amor y fuego» (1989) y «Como una novia» (1991), son quizá sus mejores trabajos
discográficos. Siempre inquieta y deseosa de explorar nuevas facetas, abordó también la dirección
cinematográfica en «Cómo ser mujer y no morir en el intento» (1991).
Tras un paréntesis en sus actuaciones y grabaciones conjuntas, en 1993 retomó esta exitosa vertiente con
Víctor Manuel en varios recitales y presentaciones en TVE, una nueva gira y la grabación en directo de un
nuevo doble elepé, «Mucho más que dos». Entre sus últimos trabajos para el cine destacan: «Tirano Banderas»
(1992), «Rosa Rosae» (1992) y, sobre todo, «La pasión turca» (1994), de V. Aranda, que supuso un nuevo reto
en su larga y polifacética trayectoria.
Buarque, Chico
(São Paulo, 1944) Cantante, guitarrista y compositor fue uno de los responsables de la renovación de la música
brasileña después del éxito de la bossa nova. En 1966 su tema «A banda» se convirtió en éxito mundial. Era
música de tipo carnavalesco, pero de ahí pasó a canciones de mayor contenido social como «Funeral do
labrador» (1960), «A pesar de voçé» (1976) o «Construção» (1971). Ha grabado a dúo con todas las figuras de
Brasil, ha escrito bandas sonoras para el cine como «Eu te amo» (1980) y escribió una «Ópera de Malandra»
(1979) basada en la «Ópera de los tres peniques» de Brecht.
Cole, Nat King

(Montgomery, Alabama, 1917-Santa Mónica, California, 1965) Cantante estadounidense, cuyo verdadero
nombre era Nathaniel Adams Cole. Inició su carrera como pianista de jazz y alcanzó cierta celebridad a
finales de la década de 1930. Por entonces formó el King Cole Trio, con Oscar Moore como guitarrista y
Wesley Prince como bajista. Más tarde se añadió un batería. En esta misma época adoptó el sobrenombre de
King con el que se le conoció en lo sucesivo. En sus arreglos para jazz prestaba especial atención a los solos de
piano, con frases musicales claras y melódicas, relegando el ritmo a segundo término. Con su conjunto actuó
en clubes de jazz de diversas ciudades estadounidenses. Se dice que empezó a cantar a raíz de la petición
insistente de un espectador, que deseaba oír en su voz «Sweet Lorraine». El inesperado éxito que obtuvo le
animó a seguir cantando, y así empezó su consagración comercial, sobre todo a partir de «Straighten Up and
Fly Right» (1943). Su personalísima voz, cálida, descansada, algo susurrante, le lanzó a las más altas cimas de
la popularidad.
Poco a poco fue relegando el jazz en favor de sus populares canciones: «Nature Boy», «Mona Lisa»,
«Somewhere Along the Way», «Too Young», «Unforgettable» y otras.
Aseguran los críticos su superioridad como intérprete de jazz (de lo que ha quedado constancia en un álbum
con sus creaciones de la primera época, «From the very Beginning»), pero como cantante batió todos los
récords: ventas de discos (muchos superaron el millón de ejemplares) y la firma en 1956 del contrato más
generoso de la historia del show business. Murió de cáncer de pulmón.
Cole, Natalie
(Los Ángeles, 1950) Cantante estadounidense, hija del legendario Nat King Cole. Desde pequeña vivió dentro
del mundo del show business y conoció a artistas como Harry Belafonte o Ella Fitzgerald. A los seis años
participó en los coros de una canción navideña que grabó su padre, y a los once ya formó parte de un show de
Nat King Cole. Durante muchos años se resistió a profesionalizarse; sólo cantaba por afición, y en sus inicios
como artista renunció a usar el nombre de su padre como promoción, buscando con su identidad propia un
éxito que le llegó con sus primeras grabaciones: «Inseparable» (1975) y «Natalie» (1976) le valieron dos
discos de oro y dos premios Grammy en 1976. Mayor aún fue la resonancia de sus dos discos de 1977
(«Unpredictable» y «Thankful»), que la consagraron como cantante. Cole era capaz de fundir la calidez del
soul con la fuerza del rhythm and blues y del rock, además de poseer una presencia escénica magnética y
elegante, que realzaba sus actuaciones en directo. En sus siguientes discos («Love You So», 1979, «Don't Look
Back», 1980, y «Happy Love», 1981) empezó a destacar como compositora. Sin embargo, su carrera quedó
interrumpida a principios de los años ochenta por culpa de la adicción a las drogas, que la llevó a una cura de

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desintoxicación, además de sufrir las consecuencias de un violento divorcio y la conflictiva relación con su
hijo, al que casi no veía. Decidida a empezar de nuevo, volvió al mundo discográfico con «Everlasting»
(1987), un nuevo éxito. Natalie Cole decidió entonces recuperar las piezas clásicas de su padre en el álbum-
homenaje al mismo, «Unforgettable» (1991), que fue recibido de forma entusiasta por el público y que le valió
nada menos que seis premios Grammy en 1992.
Colon, Willie
(Nueva York, 1950) Trombonista, cantante y director de orquesta de música salsa. Nacido en Nueva York de
familia portorriqueña firmó con la Fania a los 17 años y debutó con el álbum «El malo» (1967), que le
entronizó como representante del sonido urbano de la nueva generación latina en EEUU. Tuvo como vocalista
en su banda a Héctor Lavoe y aportó ritmos no cubanos a su salsa callejera, con elementos panameños e
incluso ghaneses. Sus principales álbumes son «Lo mato» (1973), «The good, the bad, the ugly» (1975), en el
que presentaba al panameño Rubén Blades, y «Siembra» (1978). En este último año fue elegido como músico,
productor, arreglista y trombonista del año por los lectores del «Latin NY».
Cruz, Celia
(La Habana, 1921) Considerada como la reina de la salsa, ganó un concurso radiofónico de nuevos talentos en
1935 lo que le proporcionó su primer contrato. Perteneció, en 1949, a las Mulatas de Fuego y entre 1950 y
1965 fue la vocalista de la Sonora Matancera, una de las mejores bandas cubanas. Abandonó Cuba en 1959 y
desde 1965 ha grabado como solista, acompañada por las mejores bandas neoyorquinas de salsa. Hizo el papel
de Gracia Divina en la ópera «Hommy» en el Carnegie hall (1973). Sus mejores álbumes son «Celia &
Johnny» (1974) junto a Johnny Pacheco, «Live at Yankee Stadium», con los mejores artistas de la Fania,
«Homenaje a Benny» (1979) y «The winners» (1987).
Feliciano, José
(Lares, 1945) Cantante y guitarrista portorriqueño criado en Nueva York. Invidente de nacimiento comenzó a
trabajar en los ambientes folk y llegó a participar como tal en el Festival de Newport. Pero su consagración
llegó con el álbum «Feliciano!» de 1968, en el que se incluía su versión, con sabor latino, de «Light my fire»,
éxito de los Doors, que le valió dos premios Grammy. A partir de entonces ha compartido su carrera entre
grabaciones pop en inglés y baladas y boleros para el mercado latino. En 1971 quedó segundo en el Festival de
San Remo con el tema «Qué será».
Gatica, Lucho
(Rancagua, 1928) Cantante chileno, cuyo verdadero nombre es Luis Enrique Gatica. maestro del bolero y
creador de un estilo personal de interpretación muy influyente en generaciones posteriores. Comenzó grabando
con su hermano Arturo temas del folclore de su país. En 1950 debutó como solista y, en los cuatro años
siguientes, fue elegido como mejor cantante de Chile. En 1951 pasó al bolero, animado por la cubana Olga
Guillot. En su repertorio están «La barca», «El reloj», «Contigo en la distancia», «Sabor a mí», «Tú me
acostumbraste» o «Encadenados», boleros clásicos ya en su voz.
Gilberto, João
(Juazeiro, 1931) Guitarrista y cantante brasileño, cuyo verdadero nombre es João Gilberto Prada Pereira.
Propulsor junto a Antonio Carlos Jobim del triunfo de la bossa nova en Brasil y el resto del mundo. Su primera
grabación, «Chega de saudade» (1958), conmocionó el mundillo musical brasileño que no entendía ese estilo.
La respuesta fue «Desafinado», una defensa de la nueva música escrita por Jobim. Participó en la histórica
grabación de «La chica de Ipanema», junto a Getz, Jobim y su esposa, Astrud Gilberto, cantando la parte
portuguesa.
Guerra, Juan Luis

(Santo Domingo, 1957) Cantante dominicano. Hijo de un jugador de béisbol dominicano y de una española,
desde niño convivió con el merengue, contagioso ritmo callejero surgido como una forma a un tiempo de
expresar y de soportar los males endémicos que azotan la República Dominicana. A los diez años heredó una

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guitarra que había desechado su hermano mayor y no se separó de ella. Atraído por la poesía y la literatura,
abandonó sin embargo sus estudios de filosofía en la Universidad Autónoma de Santo Domingo para
dedicarse por entero a su formación artística. Su pasión por el jazz le llevó a matricularse en la escuela de
música de Berklee, en Boston; allí aprendió composición e instrumentación, además de los fundamentos
musicales del soul, el gospel y el jazz.
Siguiendo la senda del músico de salsa panameño Rubén Blades y la de los cubanos Silvio Rodríguez o Pablo
Milanés, en sus letras se inspiró en los problemas políticos y sociales del Caribe. Para acercar el merengue al
público, le dio una base eléctrica más sólida, como la del rock, lo dotó además de los coros propios del soul y
de un tratamiento jazzístico de los motivos. La combinación demostró rápidamente su alcance: con sólo cinco
discos grabados, llegó a vender cinco millones de copias en toda América Latina. En España, el fenómeno
estalló en 1991 con canciones como «Ojalá que llueva café» o la balada «Burbujas de amor», de las que
vendió más de 350.000 discos. El éxito le permitió erigir la Fundación 4.40 destinada a dar asistencia médica y
formación deportiva a los niños más necesitados de su país. Ante el visible agotamiento de las fórmulas del
pop anglosajón, la música desbordante del «rey del merengue» llegó a copar el mercado latino convirtiéndole
en un fenómeno de la música popular latinoamericana.
Iglesias, Julio
(Madrid 1944) Cantante melódico español de fama internacional. Hijo de Rosario de la Cueva y del médico
Julio Iglesias Puga, realizó sus estudios en el Colegio de los Sagrados Corazones de Madrid. Su primer sueño
fue convertirse en jugador de fútbol, por lo que en mayo de 1959 ingresó en el equipo juvenil del Real
Madrid, con el que jugó tres temporadas hasta que en octubre de 1961 se vio obligado a dejar el fútbol por
culpa de un accidente automovilístico. Viajó a Inglaterra para ampliar estudios musicales. A su vuelta, se
presentó al Festival de Benidorm de 1968, con una canción compuesta por él, «La vida sigue igual», con la
que resultó ganador. El año siguiente interpretó una película con el mismo título de la canción y a partir de
entonces se vio lanzado al éxito y a la fortuna. En 1978 fichó por la empresa discográfica multinacional CBS,
con lo que consiguió que sus canciones fueran difundidas por todo el mundo. Logró situar varias de sus
creaciones en cabeza de las ventas en algunos países y sus giras y recitales se convirtieron en acontecimientos
multitudinarios. Ese mismo año se divorció de Isabel Preysler, con la que se había casado siete años antes y
con quien había tenido tres hijos: Chabeli, Julio-José y Enrique; desde entonces su vida sentimental es tema
habitual de las revistas especializadas.
Según las personas que han tenido que ver con su carrera, su éxito se debe a una mezcla de tenaz ambición,
buena promoción y la facilidad para conectar con sectores de público al que gusta su voz, que ha sido
calificada como sensual, su imagen de playboy latino y sus canciones dulzonas y sentimentales. Lo cierto es
que la fórmula le ha proporcionado una de las más importantes fortunas del mundo.
Jobim, Antonio Carlos

(Tijuca, 1927) Compositor, pianista y cantante brasileño, padre reconocido de la bossa nova. Trabajó en el
departamento editorial de un sello discográfico en el que empezó a hacer sus primeros arreglos musicales. Allí
conoció al poeta Vinicius de Moraes y juntos escribieron las canciones que darían nacimiento a la bossa nova,
en la obra «Orfeo da Conceição» (1956) que daría origen a la película «Orfeo negro», de Marcel Camus. En
1958 de su colaboración con Moraes y el cantante João Gilberto nació «Chega de saudade» y, a partir de ella,
el nacimiento de la bossa nova.
Panchos, Los
Trío mexicano de música de bolero. Compuesto originalmente, en 1944, por Chucho Navarro, Alfredo Gil y
Hernando Avilés en la ciudad de Nueva York. A lo largo de sus casi cincuenta años de carrera el papel de
cantante, ocupado originalmente por Avilés, fue siendo ocupado por otros vocalistas, como Raúl Shaw
Moreno, Julio Rodríguez, Enrique Cáceres, Johnny Albino o Rafael Basurto, mientras que Alfredo Gil se
mantuvo en el grupo hasta comienzos de los años ochenta, y Navarro hasta su muerte en 1993. Los Panchos
definieron el género del bolero para grupo y se les atribuye el invento del requinto, la pequeña guitarra con las
que se toca la parte instrumental de sus canciones.
Oldfield, Mike
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(Reading, 1953) Compositor y guitarrista británico, comenzó formando el dúo folk Sallyange junto a su
hermana Sally Oldfield. En 1973 consiguió que un nuevo sello, Virgin, le editara una larga suite instrumental
escrita e interpretada exclusivamente por él con el título de «Tubular Bells». Fue uno de los mayores éxitos de
ventas de los años setenta y el comienzo de una carrera que tiene entre sus hitos «Hergest Ridge» (1974),
«Ommadawn» (1975), «Five miles out» (1982), «Crises» (1983), «Islands» (1987) y «Tubular Bells, 2»
(1993).
Jobim, Antonio Carlos

(Tijuca, 1927) Compositor, pianista y cantante brasileño, padre reconocido de la bossa nova. Trabajó en el
departamento editorial de un sello discográfico en el que empezó a hacer sus primeros arreglos musicales. Allí
conoció al poeta Vinicius de Moraes y juntos escribieron las canciones que darían nacimiento a la bossa nova,
en la obra «Orfeo da Conceição» (1956) que daría origen a la película «Orfeo negro», de Marcel Camus. En
1958 de su colaboración con Moraes y el cantante João Gilberto nació «Chega de saudade» y, a partir de ella,
el nacimiento de la bossa nova.
Panchos, Los
Trío mexicano de música de bolero. Compuesto originalmente, en 1944, por Chucho Navarro, Alfredo Gil y
Hernando Avilés en la ciudad de Nueva York. A lo largo de sus casi cincuenta años de carrera el papel de
cantante, ocupado originalmente por Avilés, fue siendo ocupado por otros vocalistas, como Raúl Shaw
Moreno, Julio Rodríguez, Enrique Cáceres, Johnny Albino o Rafael Basurto, mientras que Alfredo Gil se
mantuvo en el grupo hasta comienzos de los años ochenta, y Navarro hasta su muerte en 1993. Los Panchos
definieron el género del bolero para grupo y se les atribuye el invento del requinto, la pequeña guitarra con las
que se toca la parte instrumental de sus canciones.
Ross, Diana
(Detroit, 1944) Cantante estadounidense. En sus inicios intervino en varias grabaciones de grupos
consagrados, como corista junto a The Primettes, grupo en el que se encontraban Florence Ballard (1943) y
Mary Wilson (1944), sus futuras acompañantes en The Supremes. Fueron descubiertas por el fundador de la
compañía discográfica Motown, Berry Gordy, quien las fichó en 1961, año en que lanzaron «I want a guy».
Gracias a las composiciones de Eddie y Brian Holland y Lamont Dozier, The Supremes editaron una gran
cantidad de singles de éxito: «When did our love go» (1964), «Baby love» (1964), «Stop in the name of love»
(1965), «I hear a simphony» (1965), «You can't hurry love» (1966), «The happening» (1967), hasta trece
«números uno» en toda su carrera, algo sólo superado por los Beatles y Elvis Presley.
Dentro de The Supremes, quien destacó más desde el principio fue Diana Ross: dotada de una voz y un
carisma excepcionales, sus pretensiones y ambiciones parecían no tener límite. Unida sentimentalmente a
Berry Gordy, que empezó a destacar su voz y su figura por encima de las otras dos, tuvo continuas tensiones
con ellas. En 1967 Florence Ballard dejó el grupo, que pasó a llamarse Diana Ross & The Supremes, y
continuó con éxito hasta 1969, año en que Diana inició una carrera en solitario.
En 1972 personificó a Billie Holliday en la película «Lady sing the blues», que le valió una nominación al
Oscar a la mejor actriz. En 1974 grabó junto a Marvin Gaye «Diana and Marvin», y al año siguiente volvió a
actuar en la película «Mohogani». Tras el fracaso de la película «The wiz», junto a Michael Jackson (con
quien había colaborado años antes en la presentación de los Jackson Five), volvió a concentrarse en la música:
«The boss» (1979) y «Diana» (1980). A lo largo de los años ochenta siguió grabando discos y actuando en
directo, ya fuera de la Motown; entre sus obras figuran «Red hot» (1987) o «Working overtime» (1989). Su
influencia se puede apreciar en la obra de Michael Jackson o Withney Houston.
Música Pop y Rock and Roll
Anderson, Laurie

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(Wayne, 1947) Cantante estadounidense. Artista polifacética, poeta, escultora, compositora e intérprete, saltó
de los círculos de élite del arte de la performance a la popularidad a principios de los años ochenta, cuando
convirtió la música rock en la fuerza motriz de sus piezas.
Fue la segunda de ocho hermanos y se crió en un ambiente culto y desahogado, ya que su padre poseía un
próspero comercio de pinturas. A los cinco años empezó a estudiar violín. En plena adolescencia acudía a
escondidas a escuchar, impresionada, a grandes guitarristas desconocidos. A los dieciséis años abandonó el
violín y se trasladó a Nueva York. Se licenció («cum laude») en historia del arte y estudió escultura en la
Universidad de Columbia hasta 1972. Su experiencia con los distintos medios y la influencia de artistas del
underground la condujeron a ese género híbrido, enraizado en el futurismo, el surrealismo y el dadá. A partir
de la aparición de su primer tema, «O Superman» (1981), sus intelectualizados productos se transformaron en
baladas populares. El éxito de «Big Science» le abrió muchas puertas y en su trabajo siguiente, «Mister
Heartbreak» (1984), cantó con músicos consagrados, como Peter Gabriel o Nil Rodgers. En su gran obra
«United States I-IV» dio a conocer un lenguaje musical innovador traducido en un nuevo rock simplificado,
minimalista, electrónico y protagonizado por los efectos vocales, el violín y el sintetizador.
Sin duda, el papel de protagonista en su película «Home of the Brave» (1986) cimentó su fama de rockera a
nivel internacional. En sus giras por todo el mundo, Laurie Anderson ha demostrado que siguen vigentes los
postulados de la vanguardia, aunque ésta ya no exista.
Anka, Paul
(Ottawa, 1941) Cantante y compositor canadiense que se reveló a los dieciséis años con la canción «Diana»
que superó los diez millones de discos vendidos en tan solo un año. Es uno de los máximos representantes del
estilo musical conocido como high school que sustituyó al primer rock and roll por canciones adolescentes y
románticas. Sus canciones «Lonely boy», «You are my destiny» y «Crazy love» fueron también millonarias en
ventas. Superando la caída del género juvenil, reapareció en los años setenta con éxitos como «You're having
my baby» y con la adaptación de «My way», canción de origen francés, que fue uno de los mayores éxitos de
la carrera de Frank Sinatra. En cine participó en «Girls Town» (1959) y en «El día más largo» (1962).
Beach Boys, The

Tres hermanos, Carl, Dennis y Brian Wilson, un primo, Mike Love, y un amigo, Alan Jardine, formaron el
mejor grupo vocal de la América de los sesenta. Sus espléndidas armonías les convirtieron en arquetipos de
una generación juvenil californiana obsesionada por el sol, las playas, el surf y los bikinis. Con sus voces
pusieron música a la moda del surf e influyeron en todos los grupos vocales posteriores. Debutaron en 1961 en
un homenaje celebrado en Los Ángeles en honor a Ritchie Valens y lograron su etapa de esplendor a mediados
de los sesenta con éxitos como «Help me Rhonda» (1965) y «Good vibrations» (1966).
Beatles, The
Conjunto musical inglés formado John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Comenzó sus
actividades en Liverpool y alcanzó el éxito a partir de 1962. Se convirtió en la banda más influyente de los
años sesenta, dictando modas no sólo en la música sino también en vestuario, peinado, diseño y filosofía de la
vida. La capacidad de Lennon y McCartney para escribir hermosas canciones les convirtió en el grupo más
vendedor de la historia y de algunos de sus temas, como «Yesterday», se han grabado, en los veinticinco años
siguientes, más de dos mil quinientas versiones. Con ellos el fenómeno de las fans y los conciertos
multitudinarios llegó a las más altas cotas. Disuelto en 1970, dejó tras de sí una inmensa popularidad entre la
juventud, numerosas grabaciones y tres películas. Sus álbumes más populares fueron «A hard day's night»
(1964) «Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band» (1967) y «Abbey Road» (1969). A finales de 1994 se ha
editado un elepé constituido por antiguos temas de The Beatles, algunos de ellos todavía inéditos.
Berry, Chuck
(San José, 1926) Músico estadounidense, cuyo verdadero nombre es Charles Edward Berry. Junto a Elvis
Presley y Little Richard forma la gran trilogía de rockeros capaces de sintetizar el estilo del rock and roll y
sentar las bases de toda la moderna música pop. Influido por los artistas de rhythm and blues de Chicago,
donde empezó a grabar a los 29 años de edad, casi diez más que el resto de los pioneros del rock. Su capacidad
para sintetizar los sueños y las ilusiones juveniles en canciones sencillas, fáciles de cantar y recordar, así como
su espectacular sonido a la guitarra, le convirtieron en ejemplo para todos los rockers blancos y negros de su
tiempo. Sus canciones, como «Roll over Beethoven» (1956) o «Rock and roll music» (1957) fueron grabadas

193
por los Beatles, así como «Carol» (1958) por los Rolling Stones y «Sweet little sixteen» (1958) por los Beach
Boys, lo que demuestra la influencia de su trabajo. Su vida personal, con dos condenas de cárcel por motivos
sexuales y económicos, es paradigma del rockero insolente que sorprendió y asustó a toda una generación en la
década de los cincuenta.
Bowie, David
(Londres, 1947) Cantante, compositor y actor británico. Su verdadero nombre es David Robert Jones. Empezó
estudiando saxo, instrumento con el que iniciaría su carrera musical en grupos de rhythm and blues. Tras una
época dedicado al teatro, en la compañía de L. Kemp, logró su primer éxito musical en 1969 con el sencillo
«Space oddity», inspirado en la película «2001», de S. Kubrick. Sus siguientes álbumes, «The man who sold
the world» (1970) y «Hunky Dory» (1971), popularizaron su imagen ambigua y sus vestidos y maquillajes
extremos y asexuados. Provocó un escándalo al reconocer públicamente su homosexualidad. En 1972 grabó
su obra maestra: «The rise and the fall of Ziggy Stardust and The Spiders». En 1977 se retiró a Berlín con B.
Eno y R. Fripp, con quienes realizó la trilogía «Low» (1977), «Heroes» (1977) y «Lodger» (1979), llena de
música experimental y siniestra, con una estética nihilista que inauguraba la época del tecno. En los años
ochenta, tras «Scary Monsters» (1980), Bowie se pasó al pop más comercial con «Let's dance» (1983),
«Tonight» (1984) y «Never let me down» (1987). En 1989 cambió nuevamente y formó un grupo de hard-
rock, Tin Machine, junto a T. Sales, H. Sales y R. Gabrels, con quienes publicó dos discos en estudio, «Tin
Machine» (1989) y «Tin Machine II» (1991). Ha actuado en obras de teatro, «El hombre elefante» (1981) y en
películas de cine: «El hombre que cayó a la Tierra» (1976), de N. Roeg; «El ansia» (1983), de T. Scott, y
«Feliz navidad, Mr. Lawrence» (1983), de N. Oshima.
Bravos, Los
Quinteto musical español, aunque su cantante, Michael Kogel, llamado profesionalmente Mike Kennedy era
alemán. Sus otros componentes eran Tony Martínez, Pablo Sanllehí, Manolo Fernández y Miguel Vicens.
Nacidos en plena efervescencia de grupos en los años sesenta, llegaron a situar su canción «Black is black» en
el número dos de las listas británicas en plena época beatle. Protagonizaron las películas «Los chicos con las
chicas» y «Dame un poco de amor», muy influidas por el cine pop inglés de la época y la mayoría de sus
canciones se dirigían al público anglosajón. Sus mayores éxitos fueron «La moto», «No sé mi nombre»,
«Bring a little lovin'» y la citada «Black is black».
Brincos, Los
Grupo español formado en 1964, trasladó a España el estilo beat que los Beatles estaban poniendo de moda en
el mundo. Sus componentes originales eran Fernando Arbex, Juan Pardo, Antonio Junior Morales y Manuel
González. Mezclaron los sonidos pop que llegaban de Inglaterra con elementos de la música española en
canciones como «Flamenco» o «Borracho». Su mayor éxito fue «Un sorbito de champán». En 1966 Juan
Pardo y Junior abandonaron el grupo para formar el dúo Juan y Junior.
Byrds, The
Quinteto californiano al que se atribuye la creación del estilo folk-rock al unir las creaciones de Bob Dylan con
las guitarras eléctricas y las baterías del pop. Formado por Roger McGuinn, Gene Clark, David Crosby, Chris
Hillman y Michael Clarke, se formaron en 1964 y tuvieron su primer número uno con el tema de Dylan «Mr.
Tambourine man» (1965). Su ejemplo sirvió para que el propio autor decidiera electrificar su música y diera
comienzo a una etapa de esplendor de la música de origen folk.
Canarios, Los
Grupo soul español, capitaneado por Teddy Bautista (Las Palmas 1944) que, después de grabar su primer disco
como los Ídolos, cambió su nombre por el de sus islas de origen. Fue la primera banda española en incorporar
una sección de metal al estilo del soul y en escribir canciones en ese estilo. Sus mayores éxitos de la época
fueron «Get on your knees» (1968) y «Free yourself» (1970) y la banda sonora de «Peppermint frappé»,
dirigida por Carlos Saura. En 1974, T. Bautista, con nuevos músicos a su alrededor, afrontó el proyecto de
hacer una versión electrónica de las «Cuatro Estaciones» de Vivaldi que tituló «Ciclos» (1974).

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Collins, Phil
(Chiswick, 1951) Cantante pop británico. A la vez que actuaba como batería y cantante del grupo Genesis, tras
el abandono del anterior vocalista, P. Gabriel, Collins inició su carrera en solitario con el álbum «Face value»
(1981). El gran éxito de éste último animó a Collins a proseguir su trayectoria individual, a la postre una de las
más relevantes de los años ochenta y noventa. Otro álbumes de éxito han sido «Hello, I must be going» (1982),
la banda sonora de «Contra todo riesgo» (1983), «No jacket required» (1985), «...But seriously» (1989). Luego
abandonó momentáneamente su actividad en solitario para reunirse con sus antiguos compañeros de Genesis.
Creedence Clearwater Revival

Cuarteto estadounidense de música rock nacido en California y compuesto por los hermanos John (1945) y
Tom (1941) Fogerty, Stu Cooke (1945) y Doug Cosmo Clifford (1945). En un momento en que el pop había
caído en la sofisticación, la CCR volvió a las raíces, con un toque sureño rudo y tosco, pero de gran
efectividad. Dejaron canciones de éxito como «Proud Mary» (1969), «Travelin' band» (1970), «Have you ever
seen the rain» (1971) y «Sweet hitch-hicker» (1971).
Crosby, Stills, Nash & Young

Cuarteto estadounidense que sentó las bases del country rock. Cada uno de sus componentes procedía de
importantes formaciones: David Crosby (1941), de los Byrds, Graham Nash (1942), de los británicos Hollies,
Stephen Stills (1945) y Neil Young (1945), de los Buffalo Springfields. Comenzaron como trío, sin Young, en
1969 con un sorprendente álbum dominado por excelentes armonías vocales y un intrincado juego de guitarras.
Al año siguiente se les unió Neil Young, con el que grabaron tan solo dos álbumes «Dejà vu» (1970) y «4 way
street» (1971), en directo. Después se disolvieron y grabaron en solitario o formando dúos o tríos entre ellos.
En 1988 reaparecieron como cuarteto.
Dire Straits
Cuarteto británico de música pop capitaneado por Mark Knopfler (1949). Comenzó sus actividades en 1978
con la edición de un primer álbum que contenía «Sultans of swing», que les consagró. El éxito hizo que Bob
Dylan reclamara a Knopfler como guitarrista y productor de su álbum «Slow train coming» (1978). Es un
grupo desequilibrado entre el talento de Knopfler, guitarrista, cantante y compositor y el resto de sus
componentes, lo que ha hecho su carrera intermitente, mientras Knopfler grababa con otros nombres, Notting
Hillbillies, y otros artistas como Chet Atkins. Las giras de Dire Straits están entre las más extensas, grandiosas
y rentables del mundo pop. Sus mejores grabaciones son «Dire Straits» (1978), «Alchemy» (1984), «Money
for nothing» (1988) y «On the night» (1993).
Domino, Fats
(Nueva Orleans, 1928) Pianista, cantante y compositor de rock and roll, cuyo verdadero nombre es Antoine
Domino. Muchos le atribuyen la invención del estilo con su canción «The fat man» (1949), que se adelantó
cinco años al nacimiento oficial del género. Su estilo como rockero era calmado e insistente, en contraste con
otros cantantes más agresivos e influyó en artistas como The Beatles, que imitaron algunos de sus hallazgos.
Colocó más de sesenta canciones en las listas, entre ellas «Ain't that a shame» (1955), «Blueberry Hill»
(1956), «I'm walking» (1957), «Whole lotta loving» (1958) y «Walking to New Orleans» (1960).
Doors, The
Conjunto musical estadounidense formado por Jim Morrison (cantante), Robert Krieger (guitarra), Raymond
Manzarek (teclados) y John Densmore (batería). Representaron una de las tendencias del rock californiano de
los años sesenta, acentuando el aspecto literario de los textos. Debutaron en 1967 en Los Ángeles y se
disolvieron poco después de la muerte de Morrison (1971), autor de la letra de casi todas sus canciones. Sus
mayores éxitos fueron «Light my fire» (1967), «Hello, I love you» (1968), «L.A. woman» (1971) y «Riders on
the storm» (1971).
Eagles

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Cuarteto estadounidense de música country rock formado por Don Henley (1947), Glenn Frey (1948), Bernie
Leadon (1947) y Randy Meisner (1947). Grupo creado en 1971 por músicos con larga experiencia como
acompañantes de diversas figuras. En 1972 se convirtieron en quinteto con la inclusión de Don Felder. En
1976 lograron su mayor éxito con «Hotel California», imponiendo un estilo de armonías vocales y gran juego
de guitarras, heredero de la línea de Crosby, Stills, Nash & Young. Separados en 1981, volvieron a reunirse en
1994. «Best of my love» (1974), «One of these nights» (1975), «New kid on town» (1976), «Hotel California»
(1977) y «Heartache tonight» (1979) fueron sus cinco número uno en las listas de EEUU.
Emerson, Lake and Palmer

Conjunto británico formado en 1970 por el teclista Keith Emerson (1944), el guitarrista y bajista Greg Lake
(1948) y el batería Carl Palmer (1941). Destacaron como representantes del rock sinfónico. Comenzaron en
1970 después de amplia experiencia en otras formaciones. Crearon un gran espectáculo visual con fuertes
dosis de exhibicionismo. Sus mejores álbumes fueron «Emerson, Lake & Palmer» (1970), «Pictures at an
exhibition» (1971), «Tarkus» (1972), «Brain salad surgery» (1973) y «Welcome back my friends» (1974).
Everly Brothers, The

Dúo rock estadounidense formado por Don (Brownie, 1937) y Phil (Chicago, 1939). Su aparición con «Bye
bye love» (1957) alteró los esquemas del rock and roll, al interpretarlo por primera vez con armonías vocales.
Encadenaron una notable lista de éxitos hasta 1962 (34 canciones en listas) e influyeron notablemente en el
pop británico de los sesenta, incluidos los Beatles que en privado se rebautizaban como los «Foureverly Bros».
«Bye bye love» (1957), «Wake up little Susie» (1957), «All I have to do is dream» (1958), «Bird dog» (1958),
«Let it be me» (1960), «Cathy's clown» (1960), «Ebony eyes» (1961) y «Crying in the rain» (1962) fueron sus
éxitos más destacados. Se separaron en 1973 y regresaron, con un gran concierto en el Royal Albert Hall
londinense, en 1983.
Gabriel, Peter
(Londres, 1950) Cantante británico. Antiguo líder de Genesis, abandonó el grupo en 1975 para iniciar su
carrera en solitario. Sus primeros discos presentaban múltiples influencias (por ejemplo, la música
minimalista) y su carácter semiexperimental dificultó su acceso a las listas de ventas. Sin embargo, con el
álbum «So» (1986), Gabriel se convirtió en uno de los artistas pop más respetados por público y crítica.
Destaca su fructífera labor como compositor de música cinematográfica, con obras como «Biko», convertida
hoy día en un verdadero himno antirracista, «Birdy» (1985) o «La última tentación de Cristo» (1988).
Genesis
Grupo británico formado a finales de los sesenta. Comenzó dentro de la línea del rock sinfónico, impulsado
por su líder Peter Gabriel (1950). Al marcharse éste, en 1975, el grupo quedó como trío con Phil Collins, Mike
Rutheford y Tony Banks. Mientras Gabriel triunfaba en solitario, Collins se convirtió en la voz del grupo y en
el autor de canciones de éxito que le han permitido llevar una doble carrera, grabando alternativamente como
solista o dentro del trío Genesis. Sus mejores álbumes son «Foxtrot» (1972), «The lamb lies down on
Broadway» (1974), «And the they were three» (1978) y «Knebworth Festival» (1990).
Hagen, Nina
(Berlín Este, 1955) Cantante alemana, cuyo veradero nombre es Nina Katherina Hagen. Hija de la actriz y
cantante Eva Marie Hagen y de padre judío, que sufrió las consecuencias del nazismo, e hijastra del famoso
cantautor alemán Wolf Biermann. Inquieta durante su adolescencia, Nina fue activista en la Thaelmann
Pioneers. Realizó con brillantez un curso en los Studios for Entertainers y participó durante un período breve
en algunas representaciones teatrales. Entró en el mundo de la música pop con el grupo Fritzens Dampferband
y Automobil, dando conciertos de larguísima duración y de gran excentricidad. Debido a la oposición de su
madre al régimen comunista después de la invasión soviética de Checoslovaquia, el partido restó derechos de
ciudadanía a su progenitora. A raíz de este hecho, Nina solicitó el derecho de exilio, que le fue otorgado en
1976. Ya en Berlín Oeste, creó, junto con su novio, el guitarrista Bernhard Potschka, la Nina Hagen Band, con
la que ganó la popularidad que la llevó poco después a firmar el contrato para la grabación de su primer disco.
Su personalidad atrajo a miles de seguidores y su promoción constante en revistas, programas de radio y

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televisión hicieron de ella una destacada cantante. Su primer viaje a Londres confirmó su éxito en los círculos
punk, a los cuales estaba vinculada, e incluso Johnny Rotten, integrante del famoso grupo Sex Pistols, le
dedicó alabanzas. Sus giras por Europa convocaron grandes masas de público. En 1978, en Holanda, rodó su
primera película, «Cha-Cha», junto a Lene Lovich, cantante de rock norteamericana, y luego, en Berlín,
protagonizó el filme titulado «Retrato de una bebedora». A principios de la década de los años ochenta viajó a
Estados Unidos para promocionar sus discos, y con el objeto de realizar giras y nuevas grabaciones. Allí tuvo a
Cosma Shiva, su hija, y, después de afincarse en la ciudad de Los Ángeles, creó la Orquesta Sin Problemas.
Entre sus grabaciones discográficas destacan, entre otras, «Unbehagen» (1979) y «Nunsexmonkrock» (1982).
Haley, Bill
(Highland Park, Michigan, 1927-Harlingen, Texas, 1981) Cantante estadounidense. A partir de finales de los
años cuarenta, empezó a formar bandas de country and western. Con The Four Aces of Western Swing grabó
sus primeros discos, en los que mezclaba sonidos negros en un repertorio de country y de swing, lo que dio
más fuerza rítmica al conjunto. A partir de 1953, con su grupo rebautizado como The Comets, empezó a ser
conocido, gracias a discos como «Rock the joint» o «Crazy man crazy».
Su fama creció con los temas «Rock around the clock» y, sobre todo, «Shake, rattle and roll» (ambos de 1954),
sus primeros éxitos de ventas. En 1955, como apoyo a la película de Richard Brooks «Semilla de maldad»
(Blackboard jungle), se volvió a editar «Rock around the clock»; la película y la canción causaron tal
conmoción en la juventud americana que el tema se convirtió en un clásico del rock n'roll, del cual se
vendieron más de veinte millones de copias. En 1955 los éxitos se sucedieron: «Mambo rock», «Rock-a-
beatin' boogie» y «See you later alligator».
Por un tiempo, Bill Haley fue considerado el rey del rock, y apareció como estrella en películas como «Don't
knock the rock», pero sus éxitos no habían de tener mucha continuidad. Hasta 1958 le mantuvieron en primer
plano títulos como «The saints rock'n'roll», «Don't knock the rock» o «Skinnie minnie», pero pronto se
desvaneció su fama con la llegada de las nuevas estrellas del rock. El maduro y comedido Haley se vio
obligado a ceder terreno ante la exuberancia de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis o Little Richard. Pronto
convertido en artista para nostálgicos, tuvo aún un recibimiento multitudinario en Europa en 1957, y a lo largo
de los años sesenta y setenta hizo sucesivas giras, sobre todo por Gran Bretaña, a pesar de sus problemas
continuos con el alcohol. En enero de 1981 canceló una gira por Gran Bretaña sin especificar los motivos.
Falleció un mes más tarde en Harlingen, una localidad del estado de Texas a la que se había trasladado con su
familia.
Harrison, George
(Liverpool, 1943) Cantante y compositor británico, miembro de The Beatles. Empezó como guitarrista con
John Lennon (1940-1980) y Paul McCartney (1943) en The Quarrymen, en 1958, y siguió con ellos hasta la
separación de The Beatles en 1970. En los Beatles, Harrison era el miembro más inquieto y experimentador
del grupo.
Harrison experimentó con la música tradicional de India, e introdujo en el pop inglés un instrumento tan
exótico como el sitar, que aprendió a tocar con el maestro Ravi Shankar (más tarde dicho instrumento había de
ser popularizado por otros grupos de rock, como los Rolling Stones). Se puede apreciar su legado dentro de
The Beatles en grandes canciones como «If I needed someone» (1965), «Taxman» (1966), «While my guitar
gently wheeps» (1968) o «Something» (1969). En 1970 debutó en solitario con el álbum triple «All things
must pass», alabado por la crítica, que contenía el éxito «My sweet lord». En 1972 organizó en Nueva York un
concierto benéfico por Bangladesh, con la colaboración de Bob Dylan y Eric Clapton, entre otros. Tras el
disco «Living in the material world» (1973), realizó una gira por Estados Unidos en 1974. Dos años más tarde
fundó su propio sello discográfico, Dark Horse, con el que editó obras como «33 1/3» (1976) o «Somewhere in
England» (1981), del cual extrajo «All those years ago», un tema en recuerdo de John Lennon, por entonces
recién asesinado. En 1978 se acercó al mundo del cine como productor, fundando la compañía Hand Made,
con la cual produjo diversas películas durante los años ochenta; «La vida de Brian», de Monthy Python, fue la
primera, y el fracaso más sonado, el de «Shanghai surprise», con Madonna. En 1987 volvió a la actualidad con
el brillante elepé «Clound nine». En 1988, junto a Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty, formó
The Travelling Willburys, con quienes grabó los discos «Volume one» (1988) y, sin Orbison, «Volume two»
(1990). En 1992 realizó una gira por Japón con la banda de Eric Clapton, de la que surgió el disco en directo
«Live in Japan» (1992).

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Hendrix, Jimi
(Seattle, 1942-Londres, 1970) Cantante, guitarrista y compositor estadounidense. Fue uno de los guitarristas
más innovadores de finales de los años sesenta. Su música sintetiza el espíritu del blues y los recursos de la
amplificación. Su grupo más representativo fue The Jimi Hendrix Experience, con N. Redding (bajo) y M.
Miller (batería). Sus principales grabaciones son «Are you experienced» (1967), «Axis: Bold as love» (1967),
«Electric ladyland» (1968) y «Band of gypsies» (1970).
Holly, Buddy
(Lubock, 1936-Fargo, 1959) Cantante estadounidense de rock and roll, cuyo verdadero nombre era Charles
Hardin Holley. Su prematura muerte en accidente de aviación le convirtió en una leyenda. Debutó dentro del
grupo los Crickets y alternó grabaciones con su propio nombre y con su conjunto. En tan sólo dieciocho meses
de carrera colocó once canciones en las listas, entre ellas «That'll be the day» (1957), «Peggy Sue» (1957),
«Oh, boy» (1957), «Maybe baby» (1958) e «It doesn't matter anymore» (1959).
Houston, Whitney
(Newark, 1963) Cantante pop estadounidense procedente de familia artística. Su madre y su prima, Cissy
Houston y Dionne Warwick, respectivamente, son también famosas cantantes. Grabó a los once años su
primer disco religioso y se convirtió en modelo y actriz de TV. Su primer álbum, «Whitney Houston» (1985)
superó los catorce millones de copias. Y encadenó siete números uno en las listas de EEUU, superando el
récord que mantenían, en seis, The Beatles y Bee Gees.
Jackson, Michael
(Gary, 1958) Cantante y compositor estadounidense. Empezó a cantar profesionalmente a los cuatro años,
convirtiéndose en el centro del grupo The Jackson Five, formado por él y sus cuatro hermanos mayores,
Jackie (1951), Tito (1953), Jermaine (1954) y Marlon (1957). A mediados de los años sesenta apareció su
primer sencillo: «I'm a Big Boy Now», pero no triunfaron plenamente hasta 1969, año en el que grabaron el
álbum «Diana Ross presents The Jackson Five», para la poderosa compañía Motown. Tras su primer éxito en
listas, «I Want You Back», siguieron «ABC», «I'll Be There», «Mama's Pearl», además de elepés como «Get
It Together» (1973). Michael inició su carrera en solitario grabando «Got To Be There» (1971), «Ben» (1972),
«Music And Me» (1973) y «Forever Michael» (1975). Con la producción del jazzista Quincy Jones, el álbum
«Off The Wall» (1979), de Michael Jackson, se convirtió en disco de platino y dio lugar a dos números uno:
«Don't Stop Till You Get Enough» y «Rock With You».
En los años ochenta, Jackson se convirtió en la megaestrella pop de la década. Desde el punto de vista
comercial no tuvo parangón: de su siguiente elepé, «Thriller» (1982), se vendieron más de 40 millones de
copias, y sigue siendo el disco más vendido de la historia, con dos colaboraciones de lujo: Paul McCartney, en
el éxito «The girl is mine», y el guitarrista Eddie van Halen, en la rockera «Beat it» (más adelante, Jackson
trabajaría con otros guitarristas hard rock como Steve Stevens o Slash, de Guns N'Roses). El éxito de
«Thriller» dio lugar a una nueva etapa del cantante en que la música perdió importancia: sus excentricidades,
sus operaciones en la cara, sus vídeo-clips cada vez más millonarios y espectaculares, etc., fueron
comentados incesantemente por la prensa. En 1984, año en que participó en la composición y grabación del
himno para los niños «We are the world» con multitud de artistas, grabó «Victory» con sus hermanos. Se
mantuvo en la cumbre con «Bad» (1987), la película «Moonwalker» (1988) y en el elepé «Dangerous» (1991).
En septiembre de 1993, mientras se hallaba en Tokio, una de las ciudades comprendidas en su gira mundial,
fue acusado en su país de abusos sexuales con un menor, denuncia a las que se sumaron enseguida otras
similares. Dos meses después interrumpía sus actuaciones e ingresaba en una clínica de Suiza para someterse a
una cura por la adicción a los sedantes que, según el cantante, le produjeron esos hechos.
Jagger, Mick
(Dartford, Kent, 1943) Cantante británico, miembro fundador de los Rolling Stones. Enamorados del blues y
el rock, Mick Jagger y su compañero Keith Richards (1943) formaron a principios de los años sesenta los
Rolling Stones, junto con Brian Jones (1942), Charlie Watts (1941) y Bill Wyman (1936). Con The Rolling
Stones, Mick Jagger se convirtió en prototipo de estrella del rock: feo pero atractivo (como le definió Elton

198
John), arrogante y sensual, amigo de los excesos (en 1967 fue arrestado por posesión de drogas), pero con
estilo y personalidad.
Sin ser un superdotado como cantante, su confianza y versatilidad le permiten cantar desde temas rhythm and
blues hasta soul, country, funk o reggae. En los años setenta, tras la separación de The Beatles, los Stones se
convirtieron en «la mejor banda de rock'n'roll», con un Jagger que se reveló como showman único, capaz de
enardecer al público de estadios enteros. En 1972 se pudo escuchar su voz en el éxito «You're so vain», de
Carly Simon, una de las pocas colaboraciones de Jagger con otros artistas (también «State of shock», con
Michael Jackson, en 1984, y «Don't look back», con Peter Tosh, en 1978). Los años convirtieron a los Stones
en leyenda, y sus mastodónticas giras de 1981-1982 y 1989-1990 fueron acontecimientos mundiales y cita
para varias generaciones. A mediados de los años ochenta, Jagger se lanzó en solitario con un disco en general
mal recibido por prensa y público: «She's the boss» (1985). En 1987 lo volvió a intentar con «Primitive cool»,
que tampoco tuvo una acogida triunfal y le llevó a volver con los Stones para grabar «Steel Wheels» (1989) y
realizar una nueva gira mundial (anteriormente viajó en solitario por Japón con una banda en la que destacaba
Joe Satriani a la guitarra).
En 1993, Jagger sorprendió con un brillante disco en solitario: «Wandering Spirit», producido por Rick Rubin
(productor de bandas como The Cult, Beastie Boys o Red Hot Chili Peppers). En el mismo año, sin embargo,
proyectaba un nuevo disco y una gira con los Rolling Stones.
John, Elton
(Pinner, Middlesex, 1947) Pianista, cantante y compositor británico, cuyo nombre verdadero es Reginald
Kenneth Wight. Inició su carrera en los años sesenta como pianista en el grupo Bluesology. En 1969, ya junto
a Bernie Taupin, que colaboraba en la composición de todas sus canciones, grabó su primer elepé, «Empty
sky». A partir de su segundo disco, «Elton John», (1970) y de la canción «Your song» se convirtió en una
superestrella de los años setenta. Sus mejores armas eran un aspecto atípico: bajito, gordo y con calvicie, se
vestía con mil extravagancias para sorprender a un público ya acostumbrado a excéntricos como Alice Cooper,
Kiss o David Bowie. En la época del Glam Rock, Elton John destacaba por las fantasías más descabelladas; su
bisexualidad, además, suponía un aliciente más.
Sin embargo, su mayor logro fue la colaboración con el letrista Bernie Taupin, con quien firmó todos sus
temas clásicos entre 1970 y 1976: «Rocket man», «Cocodrile rock» o «Saturday night's all right for fighting»,
por ejemplo. Discos como «Madman across the water» (1971), «Goodbye yellow brick road» (1973),
«Captain fantastic» (1975) o «Blue moves» (1976) se contaron por éxitos. Tras realizar algunas colaboraciones
con John Lennon, apareció en la película de Ken Russell «Tommy» (1975), adaptación de la ópera-rock de The
Who. Tras su separación artística de Taupin, la estrella de Elton John se desvaneció, y empezó a
estandarizarse.
En los años ochenta grabó algunos álbumes: «Too Low for Zero» (1983), «Breaking Hearts» (1984), «Ice on
Fire» (1985) y «Reg strikes back» (1988), con el cual resurgió comercialmente. En 1985 apareció en el
concierto «Live Aid» de ayuda a África, cantando «Don't let the sun go down on me» a dúo con George
Michael (posteriormente se le ha visto en otras colaboraciones con, por ejemplo, Cliff Richard, Olivia Newton
John o Guns N'Roses). En 1991 obtuvo un nuevo éxito con «You gotta love someone». Al año siguiente lanzó
un nuevo disco, «The One», y emprendió una exitosa gira mundial de 150 días.
Jones, Tom
(Pontypridd, 1940) Cantante británico, cuyo verdadero nombre es Thomas Jones Woodwar. De poderosa voz,
se impuso en la década de los sesenta en plena etapa triunfal de los grupos pop. Descubierto por Gordon Mills,
su manager y productor, logró su primer triunfo con «It's not inusual» (1965) al que siguieron éxitos como
«Green, green grass of home» (1966) y «Delilah» (1968). Del pop derivó hacia la música country y se hizo
asiduo a los escenarios de Las Vegas. En 1988 resucitó artísticamente con el tema «Kiss», escrito por Prince,
que volvió a llevarle a las listas.
King, Carole
(Nueva York, 1942) Cantante, compositora y pianista estadounidense, cuyo verdadero nombre es Carole
Klein. Fue la compositora de mayor éxito, formando pareja con su marido Gerry Goffin, entre 1958 y 1962

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proporcionando números uno a artistas tan diversos como Everly Brothers, Shirelles, Little Eva o Drifters. Sus
primeros intentos como cantante no cuajaron pero a comienzos de los setenta impulsó la llamada edad de oro
de los cantautores con su álbum «Tapestry» (1971) que significó una revolución en el mundo pop. Su canción
«You've got a friend» (1971) catapultó a James Taylor, otro cantautor.
Knopfler, Mark
Glasgow, 1949) Compositor, guitarrista y líder del grupo Dire Straits, Knopfler es una de las máximas figuras
del pop-rock internacional de finales de los años setenta y ochenta. Su calidad como solista le hizo ser
frecuentemente reclamado como músico de estudio y de concierto por estrellas como Eric Clapton o Bob
Dylan. Paralelamente a su labor en los Dire Straits, Knopfler desarrolló una carrera como exitoso compositor
de música cinematográfica en la que destacan títulos como «Un tipo genial» (1983), «Cal» o «La princesa
prometida» (1987).
Led Zeppelin
Cuarteto británico considerado como creador del heavy rock. Formado por Jimmy Page (Heston, 1944), John
Paul Jones (Sidcup, 1946), John Bonham (Redditch, 1948-1980) y Robert Plant (1948), cada uno provenía de
un grupo diferente. Se unieron para devolver al rock su antigua potencia y sentaron las bases de guitarras
poderosas, voz afilada y sección rítmica potente que se convertirían en el vademécum del heavy rock. «Whole
lotta love» (1969) y «Stairway to heaven» (1971) son sus dos canciones de éxito, aunque desde el comienzo
renunciaron a lanzar discos pequeños para consagrarse a los álbumes como obra completa.
Lennon, John
(Liverpool, 1940-Nueva York, 1980) Cantante y compositor inglés, miembro fundador de The Beatles, junto
con Paul McCartney (1942), George Harrison (1943) y Ringo Starr (1940). Su labor como compositor y
cantante fue esencial en The Beatles, y, junto a Paul McCartney, el máximo responsable de discos legendarios
como «A hard day's night» (1963), «Revolver» (1966), «Sergeant Pepper's lonely hearts club band» (1967) o
«Abbey road» (1969). En 1967 apareció él solo (por primera vez sin The Beatles) en una película de Richard
Lester, «Cómo gané la guerra». Al lado de su compañera Yoko Ono se embarcó en proyectos musicales ajenos
al trabajo con The Beatles: los discos «Unfinished music number 1: two virgins» (1968), «Unfinished music
number 2: life with the lions» (1969) y «Wedding album» (1969) desconcertaron a los fans por sus
experimentaciones sonoras. Tras formar la Plastic Ono Band, grabó dos sencillos en 1969 («Give peace a
chance» y «Cold Turkey») y un disco en directo «Live peace in Toronto», junto a Eric Clapton, antes de que
Paul McCartney anunciara oficialmente la disolución de The Beatles, en 1970.
Ese año apareció «John Lennon/Plastic Ono Band», con canciones tan personales como «God» o «Mother».
En 1971 publicó «Imagine». Le siguieron «Sometime in New York City» (1972) y «Mind games» (1973), tras
el cual volvió a grabar con Paul McCartney en el tema «Midnight special». En 1975, tras publicar
«Rock'n'roll», una recreación de clásicos de dicho ritmo, se retiró de la vida pública durante cinco años. En
1980 volvió a los estudios para grabar «Double fantasy». Poco después de finalizar el disco fue asesinado a
tiros delante de su casa por un mitómano. Tras su muerte, se han sucedido los homenajes y los discos
recopilatorios. Especial revuelo causó la biografía de Albert Goldman «Las vidas de John Lennon» («The lives
of John Lennon», 1988), en que le acusaba, entre otras cosas, de homosexual y drogadicto. Yoko Ono
respondió con la película «Imagine, the film», donde Lennon aparece como le recuerdan sus fans: un santo y
un genio de la música.
Lewis, Jerry Lee

(Ferriday, 1935) Cantante, pianista y autor de rock and roll. Es una de las figuras emblemáticas de la primera
generación de rockeros. Apodado el killer por su estilo agresivo, comenzó en el mundo country hasta grabar,
en 1957, «Whole lotta shakin' going' on», que vendió seis millones de copias. «Great balls of fire» (1957),
«Breathless» (1958) y «High school confidential» (1958) fueron sus explosivos éxitos siguientes, pero su
carrera se hundió por una boda escandalosa y una conducta poco ejemplar. En 1988 la película biográfica
«Grandes bolas de fuego» le devolvió a la fama.
Madonna

200
(Bay City, Michigan, 1959) Cantante y actriz estadounidense, cuyo verdadero nombre es Louise Ciccone. De
educación religiosa, estudió en la Universidad de Michigan. Hacia 1977 se trasladó a Nueva York, decidida a
seguir por su cuenta el camino hacia la gloria. Tras contactar (a menudo sentimentalmente) con varias personas
del negocio musical, grabó en 1983 su primer disco, «Madonna», un prometedor éxito en Estados Unidos.
En 1985 apareció por primera vez en el cine en la película «Buscando a Susan desesperadamente»
(«Desesperately seeking Susan», de Susan Seidelman), un gran éxito que contribuyó a que el disco «Like a
virgin» (1985) se convirtiera en número uno internacional. Con sencillos como «Material girl» o «Into the
groove», Madonna se convirtió en la reina del pop, trono que no abandonaría en los años siguientes gracias a
su música pegadiza y comercial, aunque utilizó mejor el arma de la imagen: provocativa, descarada y sensual.
Cuando las revistas «Playboy» y «Penthouse» publicaron sus desnudos de años antes, en que trabajó de
modelo, el escándalo tomó proporciones exageradas y Madonna pasó a ser un fenómeno social que dejaba
atrás a cualquier competidor que se le presentase. Tras su tormentoso matrimonio con el actor Sean Penn,
dirigió su carrera programando escándalo tras escándalo. Sus discos de 1986 y 1987, «True blue» y «Who's
that girl», fueron grandes éxitos que venían acompañados de vídeos y fotografías en que Madonna cambiaba
de imagen vertiginosamente, a pesar de los fiascos de las películas «Shanghai Surprise» (1986) y «Who's that
girl» (1987). En 1989 escandalizó con el elepé y vídeo «Like a prayer», que le valió airadas protestas de la
Iglesia y la censura de la MTV. En 1990 volvió a la gran pantalla en la película «Dick Tracy», junto a Warren
Beatty, y lanzó el disco «I'm breathless», de música inspirada en los años treinta. En 1991 lanzó una película
sobre su gira mundial «Blond ambition tour», llamada «En la cama con Madonna». En 1992 publicó el disco
«Erotica», acompañado de un libro de fotografía de carácter pornográfico, «Sex». Tras estrenarse la película
«El cuerpo del delito» (1993), inició una gira mundial salpicada de escándalos por el contenido de su show en
casi todas las ciudades en las que actuó.
Mamas & the Papas,

The Cuarteto vocal estadounidense. Surgido en la California de la revolución pacifista, representaron con su
aspecto, sus actitudes y sus hermosas armonías vocales el espíritu de belleza y bondad que el fenómeno hippy
significaba. Formado por John Philips, Michelle Gilliam, Cassandra Elliot y Dennis Doherty. Se unieron
después de algunas experiencias en grupos folk y triunfaron con «California Dreamin'» (1966), su primer
disco. Les siguieron «Monday, monday» (1966), «Dedicated to the one I love» (1967) y «Creeque Alley»
(1967). En 1968 decidieron separarse. Mama Cass inició carrera en solitario con su éxito «Dream a little
dream of me» (1968).
Marley, Bob
(Rhoden Hall, St. Ann's Bay, 1945-Miami, 1981) Cantante y compositor jamaicano. El legendario cantante de
reggae, hijo de un capitán del Ejército británico y de una jamaicana, creció en la pobreza más absoluta en los
arrabales del oeste de Kingston. Criado con la música ska, una mezcla de calipso, rhythm and blues, soul y
ritmos caribeños, en 1973 salieron dos discos que sorprendieron a Europa: «Catch a fire» y «Burnin'», que
contenía «I shot the sheriff», convertido luego en éxito por Eric Clapton. Tras una problemática gira por el
Reino Unido, Tosh y Livingstone abandonaron a The Wailing Wailers, y Marley quedó como único líder,
acompañado por The I Trees, con quienes triunfó y se convirtió en estrella. Carismático y vendedor, se erigió
como embajador de la cultura rasta, con una ideología pacifista y de defensa de los derechos humanos. Discos
como «Natty dread» (1974), «Rastaman vibration» (1976), «Exodus» (1977), «Survival» (1979) y «Uprising»
(1980), entre otros, estaban llenos de temas combativos que encajaban de maravilla en las radios occidentales,
y su influencia se dejó notar en el mundo del rock: desde The Clash hasta los Rolling Stones o Led Zeppelin
introdujeron temas reggae en su repertorio.
Después de sobrevivir a un atentado en su casa en 1976, murió en mayo de 1981 por culpa de un cáncer que
no le había impedido hasta poco antes seguir haciendo giras y discos. Su muerte provocó una profunda
conmoción en Jamaica y el resto del mundo, y en su estela se sucedieron los homenajes y las recopilaciones,
entre las que cabe destacar «Confrontation» (1983), con temas inéditos, y una recopilación de toda su obra
aparecida en 1992 y presentada con otro tema desconocido, «Iron Lion Zion».
McCartney, Paul
(Liverpool 1942) Cantante y compositor británico. Componente del más famoso grupo de la historia del rock,
The Beatles, junto con John Lennon formó la pareja de compositores más importante del s. XX. En abril de

201
1970, dos meses después de que apareciera «Let it be», el último disco oficial de The Beatles, apareció
McCartney, su primer disco en solitario, que fue vapuleado por la crítica, al igual que el siguiente, «Ram»
(1971), firmado por Paul y su mujer, Linda McCartney. En 1972 publicó las canciones «Give Ireland back to
the Irish», que habla del «Domingo sangriento» en Irlanda, y seguidamente una versión del tema infantil
«Mary had a little lamb», que desconcertó a sus fans. En 1974 apareció la mejor obra de su banda, The Wings:
«Band on the run». Su gira por Estados Unidos en 1976 fue un enorme éxito, y el grupo The Wings se
consolidó, aunque sin convencer a la crítica. Sus discos eran extremadamente irregulares y contenían sólo unos
pocos temas atractivos, como «Mull of Kintyre». En 1980, sin The Wings, publicó «McCartney II». Su
siguiente elepé, «Tug of war» (1982), fue un éxito que contiene varias colaboraciones, entre ellas la célebre
«Ebony and ivory», con Stevie Wonder. Tras la película «Give my regards to Broad Street» (de Peter Webb,
1984), editó una recopilación de sus éxitos, «All the best» (1987), y en 1988 publicó sólo para la Unión
Soviética un disco con once temas clásicos, «Choba B CCCP». En 1989 alcanzó un nuevo éxito con «Flowers
in the dirt», con varios temas compuestos con Elvis Costello, y realizó una triunfante gira mundial. Grabó un
disco sólo con instrumentos acústicos («Unplugged», 1990), y en 1992 otro en favor de la ecología y los
derechos humanos, «Off the ground».
Mecano
Trío pop español formado por los hermanos Cano (José María, 1960 e Ignacio, 1963) y la vocalista Ana
Torroja (1959). Nacieron como trío a comienzos de los años ochenta, durante la llamada «movida» madrileña a
la que nunca pertenecieron. Han sido el grupo de mayor éxito de la historia del pop español, con
composiciones de los hermanos Cano que han triunfado en España, Francia, Alemania y América Latina. Sus
álbumes son «Mecano» (1982), «¿Dónde está el país de las hadas?» (1983), «Ya viene el sol» (1984), «Entre el
cielo y el suelo» (1986), «Descanso dominical» (1988) y «Aidalai» (1991).
Moody Blues, The

Quinteto británico al que se debe el nacimiento del llamado rock sinfónico. Formado por Justin Hayward
(1946), Ray Thomas (1942), Mike Pinder (1942), Graeme Edge (1944) y John Lodge (1945). Comenzaron
haciendo pop convencional inglés, con un primer éxito, «Go now» (1965), en las listas inglesas. Pero su
hallazgo llegó con el álbum «Days of future passed» (1967), una suite con orquesta filarmónica y grupo pop,
que contenía el tema «Nights in white satin». La colaboración de músicos sinfónicos y grupos rock fue seguida
por muchos artistas de la época, y repetido por los propios The Moody Blues, consolidando el rock sinfónico
como uno de los estilos más influyentes de los setenta.
Presley, Elvis
(East Tupelo, Mississippi, 1935-Graceland, Memphis, 1977) Cantante estadounidense. Hijo de una humilde
familia sureña, creció escuchando música gospel, country (Hank Williams, Jimmi Rodgers), blues negro
(Howlin' Wolf, B. B. King) y cantantes de baladas como Dean Martin. En 1953 entró a grabar dos canciones
en la Memphis Recording Service, de la compañía discográfica Sun Records, donde el jefe de la empresa, Sam
Philips, se fijó en él y encontró su sueño: «Un blanco capaz de cantar como un negro». En 1954, con el
guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black, grabó «That's all right mama», que obtuvo un moderado éxito
local. Tras grabar unos cuantos singles que afianzaron su popularidad, Elvis conoció en 1955 a Thomas
Andrew Parker, apodado «Coronel», que programaría, como manager, toda su carrera posterior. Elvis hacía
country con un estilo trepidante y una imagen espectacular (patillas, tupé, ropas coloristas...); pronto se
convirtió en el «rey del rock n'roll», con temas como «Blue suede shoes», «Heartbreak hotel» o «Hound
dog», de 1956, y con sus apariciones televisivas, donde escandalizaba por sus movimientos (se le apodó
«Elvis the Pelvis»). Paralelamente a sus discos-el primero, «Elvis Presley», de 1956-, rodó algunas películas,
entre las que destacan: «Jailhouse rock y King creole» (1958), de Michael Curtiz. Tras cumplir el servicio
militar en Alemania (1958-60), su carrera empezó a decaer.
En 1968, gracias a una aparición televisiva, volvió al primer plano y grabó «From Elvis in Memphis» (1969),
que contenía los éxitos «Suspicious mind» e «In the ghetto». En los años siguientes se concentraría en
sucesivas y extenuantes giras que, unidas al fracaso de su matrimonio con Priscilla Presley y al abuso de
drogas, empezaron a minar su salud. El 16 de julio de 1977 apareció muerto en su casa de un ataque al
corazón. Los sucesivos recuerdos y homenajes demuestran el fanatismo que todavía suscita su figura. Entre
sus recopilaciones destaca «The all time greatest hits» (1989).

202
Queen
Cuarteto británico creado en torno a la figura de su vocalista, Freddy Mercury (Frederick Bulsara de verdadero
nombre). El grupo se creó en 1971 dentro del estilo heavy rock y fue derivando hacia canciones que se
bautizaron como opereta pop, llenas de efectismo y exhibiciones vocales. «A night at Opera» (1975), «A day at
the races» (1976), «The game» (1980), «A kind of magic» (1986) y «Live magic» (1986) están entre sus
mejores álbumes. El grupo se disolvió tras la muerte de Mercury.
Pink Floyd
Grupo británico de música rock, formado en 1965 por R. Wright (teclados), R. Waters (bajo), N. Mason
(batería) y S. Barrett (guitarra), remplazado en 1968 por D. Gilmour. Tras una etapa de música blues, se
orientó hacia el rock psicodélico. Su primer éxito fue «See Emily Paly» (1967). Entre sus discos, cabe
mencionar «More» y «Ummagumma» (1969), «Atom heart mother» (1970), «Dark city of the moon» (1973) y
«The wall» (1980). El grupo se disolvió en 1983 y se volvió a unir en 1987, sin R. Waters («A momentary
lapse of reason», 1987; «Division bell», 1994).
Police, The
Trío británico de música pop, influenciado por el reggae, sobre todo en sus inicios. Compuesto por Stewart
Copeland, Andy Summers y la descollante figura de Sting, encadenaron una importante serie de éxitos críticos
y comerciales durante finales de los setenta y principios de los ochenta que les convirtieron en una de las
bandas más importantes del mundo. El grupo se separó tras su mayor éxito, el álbum «Synchronicity» (1983).
Destacan, en una producción poco numerosa, «Outlandos d'amour» (1978), «Regatta du blanc» (1979),
«Zenyatta Mondatta» (1980).
Prince
(Minneapolis, Minnesota, 1958) Cantante estadounidense. Hijo de una familia de músicos, Prince Rogers
Nelson empezó desde muy joven a tocar diversos instrumentos, y a los quince años formó sus primeras
bandas. Empleado en el Moon Sound Studio, aprendió rápidamente los secretos de los estudios de grabación.
Gracias al manager Owen Husney logró un contrato discográfico, con libertad artística absoluta. Sus discos
«For you» (1978) y «Prince» (1979) están totalmente compuestos, producidos y arreglados por él mismo, que
también participa en el diseño de las portadas y el teatral contenido de sus actuaciones. Desarrollando la
tradición de la música negra (funk, soul, rhythm and blues, etc.) y mezclándola hábilmente con el rock y los
nuevos ritmos bailables, Prince añade un explícito contenido sexual a sus conciertos y grabaciones, como en
«Dirty mind» (1980), prohibido en muchas emisoras. El doble elepé «1999» (1982) fue su primer éxito
multitudinario, y el disco y también película «Purple rain» (1984) lo convirtieron en superestrella mundial,
junto a su grupo, The Revolution, que le acompañó hasta 1986. «Around the world in a day» (1985) y
«Parade» (1986) le granjearon calificativos como el de «genio de Minneapolis»; y llegó a su cenit artístico
con «Sign of the times» (1987), cuya gira sirvió como base para una nueva película. A partir de entonces,
siempre trabajando en su propio sello discográfico, Paisley Park, y su empresa de producción, Starr Company,
ha seguido una carrera llena de éxitos. «Lovesexy» (1988), sin embargo, no fue muy bien recibido, pero
«Batman» (1989), que promocionó la película de Tim Burton, fue uno de sus mayores éxitos. El disco y la
película «Graffiti bridge» (1990) fueron un pequeño fracaso, y los siguientes discos, «Diamonds and pearls»
(1991) y «Love sign» (1992), grabados con el grupo New Power Generation, no acabaron de convencer. Sin
embargo, en los años noventa el público aún estaba de parte de Prince, y su influencia ha marcado a casi todos
los grupos de rap, funk y rock. La gira que realizó por Europa en 1993 constituyó, en cambio, un notable éxito
de público y de venta de discos, especialmente en España.
Richard, Cliff
(Lucknow, 1940) Cantante de rock and roll británico, nacido en India. Fue el mejor rocker inglés al frente del
grupo the Shadows, que también triunfó independientemente de él. Ha obtenido el número uno en las listas
inglesas en las décadas de los cincuenta, sesenta, setenta, ochenta y noventa. Del rock and roll pasó a las
baladas y representó a su país dos veces en el Festival de Eurovisión. Ha trabajado en el cine y en óperas rock.

203
Entre sus mayores éxitos figuran «Move it» (1958), «Travelling light» (1959), «Congratulations» (1968), «We
don't talk anymore» (1979), «Mistletoe and wine» (1988) y «Saviour's day» (1990), todos ellos número uno.
Richard, Little
(Macon, 1935) Cantante estadounidense de rock and roll, cuyo verdadero nombre es Richard Penniman.
Pionero del género y uno de los creadores del estilo. Provenía de la música gospel y de ella tomó los gritos
estentóreos que caracterizaron su estilo agresivo y acelerado. «Tutti frutti» (1956), «Long tall Sally» (1956),
«Lucille» (1957) y «Good Golly Miss Molly» (1958) fueron sus éxitos más destacados en los grandes años del
rock and roll. Se retiró prematuramente y cuando regresó el rock and roll había pasado de moda, aunque él
siguió siendo una indispensable figura de referencia.
Ríos, Miguel
(Granada, 1944) Cantante español. Nombre fundamental en la historia del rock en España, Miguel Ríos
empezó su contacto con la música trabajando como dependiente en una tienda de discos de Granada, al mismo
tiempo que cantaba en una banda local. Gracias a un concurso radiofónico, en 1962 fue a grabar a Madrid. Con
el nombre de Mike Ríos empezó a ser conocido por varias canciones pop ligeras, al estilo de Paul Anka: «La
pera madura», «Popotitos», «Chica ye-yé», etc.
En 1964 recuperó su nombre original, y consiguió un éxito en 1966 con «Ahora que he vuelto», además de
rodar dos películas: «Dos chicas locas» y «El guitarrista de Hamelin». Más tarde triunfó con las canciones «El
río» (1968) y «Vuelvo a Granada» (1968), y, sobre todo, con el «Himno a la alegría» (1969), que se convirtió
en un éxito internacional, y que le permitió viajar por todo el mundo y conocer el ambiente musical exterior.
Fruto de esa experiencia fue la gira «Conciertos de rock y amor» (1972). A lo largo de los años setenta
colaboró con Teddy Bautista y Los Canarios con cierto éxito; sin embargo, sus discos «Memorias de un ser
humano» (1974), «La huerta atómica» (1976) y «Al-Andalus» (1977) no lograron calar en el público. En 1978
emprendió una gira llamada «La noche roja», junto a Triana, Iceberg, Tequila y otros grupos. Su resurgimiento
comercial se produjo a partir de «Los viejos roqueros nunca mueren» (1979) y «Rock and roll bumerang»
(1980). En 1982 lanzó el doble en directo «Rock and Ríos», con el cual se situó probablemente en el mejor
momento de su carrera. Sus siguientes discos («Rock de una noche de verano», 1983; «La encrucijada», 1984;
etc.) mantuvieron un nivel comercial aceptable. Desde «Rock en el ruedo» (1985) hasta «Directo al corazón»
(1991), Miguel Ríos ha seguido interpretando una y otra vez el papel de «estrella del rock» española, tanto en
espectaculares giras como en la faceta de presentador de televisión (en el programa «Qué noche la de aquel
año»).
Rolling Stones
Conjunto británico de música rock. Mick Jagger (cantante, 1943) y Keith Richard (guitarra, 1943), amigos
desde la infancia, son la base del grupo blanco que mejor ha recreado los sonidos negros americanos.
Inspirados por artistas como Chuck Berry o Muddy Waters, en 1962 consolidaron la primera formación de los
Stones, con el guitarrista Brian Jones (1942-1969), Bill Wyman (1936) al bajo y Charlie Watts (1941) a la
batería, además del pianista Ian «Stu» Stewart. El manager y productor Andrew Loog Oldham les procuró sus
primeras grabaciones en 1963: «Come on» y «I want to be loved». Oldham lanzó a los Stones como la versión
«oscura» de los Beatles, y gracias a varios escándalos empezaron a ser conocidos. Sus primeros discos
estaban repletos de versiones de blues, pero el gran éxito «(I can't get no) Satisfaction» (1965) y el elepé
«Aftermath» (1966) reafirmaron a Jagger y Richard como compositores. Tras una problemática época de
arrestos por drogas y de experimentaciones psicodélicas («Their satanic majesties request», 1967), los Stones
triunfaron con el tema «Jumpin' Jack flash» (1968), y se convirtieron en «la mejor banda de rock n'roll del
mundo» a partir de la disolución de los Beatles (1970). «Beggar's banquet» (1968), con temas comprometidos
como «Street fighting man» o «Simpathy for the devil», fue el último disco grabado con Brian Jones, que
murió al año siguiente, poco después de abandonar el grupo. Con su sustituto, Mick Taylor (1948), los Stones
grabaron clásicos como «Let it bleed» (1969), «Sticky fingers» (1971) o «Exile on Main Street» (1972), y en
1971 fundaron su propia compañía discográfica, Rolling Stones Records. En 1974 Mick Taylor dejó el grupo
y fue sustituido por el ex Faces Ron Wood (1947). Los Stones pasaron momentos difíciles en los años
ochenta, con las actuaciones en solitario de Jagger y Richard. Pero en 1989 volvieron con un nuevo disco,
«Steel wheels» y una gira mundial (la primera en siete años). En 1993, a pesar del abandono de Bill Wyman,
tenían previsto grabar un nuevo disco.

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Springsteen, Bruce
(Freehold, New Jersey, 1949) Cantante estadounidense. Empezó a actuar en diversas bandas dentro del
circuito musical de Asbury Park, a mediados de los años sesenta. Tras ser descubierto por John Hammond,
grabó sus primeros discos en 1973: «Greetings from Asbury Park NJ» y «The wild, the innocent and the E
street shuffle», en los cuales se presentó como «el nuevo Dylan».
El disco «Born to run» (1975) se convirtió en su primer gran éxito, combinando la fuerza lírica de Springsteen
con la energía de su banda acompañante, la E Street Band. El siguiente disco, «Darkness on the edge of town»
(1978), sirvió de prólogo a su obra más aplaudida: «The river» (1980), llena de temas tristes y amargos
(«Independance day», «The river»), al lado de exuberantes muestras de rock and roll desenfadado («Hungry
heart», «Cadillac ranch»). Tras una serie de conciertos en Europa, Springsteen se desmarcó de su sonido
habitual en el álbum «Nebraska» (1982), donde tocó solo. Sin embargo, volvió con la E Street Band en 1984
para grabar uno de los discos más vendidos de la historia del rock: «Born in the USA», con canciones como
«Dancing in the dark». Su gira posterior fue todo un acontecimiento, que se celebró con el quíntuple disco
«Live 75-85» (1986), un resumen de diez años de conciertos. Tras el triunfo de «Born in the USA»,
Springsteen, apodado «The Boss» (El jefe), bajó el nivel de sus grabaciones: «Tunnel of Love» (1987) no fue
muy bien recibido, y sus dos discos de 1991 sin la E Street Band, «Human Touch» y «Lucky Town», fueron
criticados por su estancamiento artístico, aunque en sus giras (1992-1993) seguiría triunfando.
Starr, Ringo
(Liverpool, 1940) Batería y cantante británico, llamado en realidad Richard Starkey. Batería de The Beatles, la
banda más importante de la historia del rock, entró en el grupo de forma accidental: fue el productor George
Martin quien lo impuso al grupo en 1962, en los estudios Abbey Road de Londres, en sustitución del limitado
Pete Best. Ringo había tocado anteriormente en la banda de Rory Storm y, a pesar de no participar en la
primera grabación de The Beatles («Love me do», 1962), se adaptó de inmediato al grupo formado por Paul
McCartney, John Lennon y George Harrison.
Dentro del conjunto, Ringo fue el miembro menos decisivo a nivel musical, a pesar de componer algunos
temas, como «What goes on» (1966) o «Don't pass me by» (1968), y de cantar clásicos como «With a little
help from my friends» (1967) o «Yellow submarine» (1968). Tras la disolución de The Beatles en 1970, siguió
una irregular carrera como solista y como actor. Ha colaborado con innumerables artistas: B.B. King, Carly
Simon, The Band, Ian McLagan, etc., además de con los otros ex Beatles (formó parte de la Plastic Ono Band,
de John Lennon). En 1970 grabó dos discos: «Sentimental journey» y «Beaucoup of blues», que le reportaron
un relativo éxito. El disco «Ringo» (1973) contenía «Photograph», de George Harrison, además de temas de
Lennon y de McCartney, y le hizo triunfar con el tema «You're sixteen».
En el terreno cinematográfico apareció, entre otras películas, en «The magic christian» (McGrath, 1970), «200
Motels» (Frank Zappa, 1971), «Lisztomania» (Russell, 1973), etc. Su carrera musical descendió
notablemente en los siguientes años: tras fundar su propia compañía discográfica, Ring O'Records, publicó
una serie de discos no muy bien recibidos: «Goodnight Viena» (1974), «Bingo's rotogravure» (1976), «Bad
boy» (1978) y «Old wave» (1983). En 1989 realizó una gira por Estados Unidos con la All Starr Band, que
incluía a Nils Lofgren, Clarence Clemons, Joe Walsh y Billy Preston, con los cuales grabó un disco en directo.
En 1992 grabó «Time takes time».
Stewart, Rod
(Londres, 1945) Cantante rock británico. Comenzó en 1966 dentro del grupo Steampacket y empezó a
consagrarse como cantante del grupo de Jeff Beck en 1968 y 1969. A comienzos de los años setenta se enroló
en The Faces y llevó una doble carrera grabando a la vez como componente del grupo y como artista en
solitario. En 1971 su álbum «Every picture tells a story» le dio el doble número uno en Europa y EEUU. Dejó
a los Faces y prosiguió una carrera como vocalista que le situó como el cantante solista de mayor éxito en
Gran Bretaña durante los años ochenta. Sus mayores éxitos fueron «Maggie May» (1971), «Tonight is the
night» (1976), «Da ya think I'm sexy» (1978), «Passion» (1980), «Some guys have all the luck» (1984) y
«Every beat of my heart» (1986).
Sting

205
(Wallsend, Newcastle, 1951) Músico británico, llamado realmente Gordon Sumner. Interesado por el jazz,
empezó a tocar el bajo a mediados de los años sesenta, formando en 1973 la banda Last Exit. En 1977, junto al
batería Stewart Copeland (1952) y el guitarrista Henri Padovani, luego sustituido por Andy Summers (1942),
formó el grupo de rock The Police. Tras editar el single «Roxanne», grabaron el elepé «Outlandos d'amour»
(1978), y a partir de entonces iniciaron una carrera llena de éxitos comerciales: «Regatta du blanc» (1979),
«Zenyatta mondatta» (1980), «Ghost in the machine» (1981) y «Synchronicity» (1983).
Sting actuó también en varias películas, como «Quadrophenia» (1978), «Radio on» (1979) o «Dune» (1984).
Las tensiones por el protagonismo de Sting fueron continuas en toda la carrera de The Police, que duró hasta
1983. Tras la disolución del grupo, Sting inició su carrera en solitario con los discos «The dream of the blue
turtles» (1985) y el doble en directo «Bring in the night» (1986), más cercanos al jazz. En 1987 publicó
«Nothing like the sun», y al año siguiente emprendió una gira mundial en favor de Amnesty International.
Durante un tiempo, Sting participó en multitud de actividades políticas y humanitarias: en la canción «They
dance alone», por ejemplo, criticaba el régimen chileno de Pinochet, y en varias apariciones públicas defendió
a los indios del Amazonas. Trabajó como actor teatral en «La ópera de los tres peniques», de Brecht, en 1989.
En 1991 publicó «The soul cages», dedicado a la memoria de su padre, recién fallecido. «Ten Summer's Tales»
(1993), más fresco y comercial, recupera el espíritu de The Police.
Supertramp
Uno de los grupos más representativos del rock sinfónico. Fundado en 1969 por el teclista Richard Davies y
merced al patrocinio del excéntrico millonario holandés Stanley August Miesegaes, sufrió varios cambios en
su formación hasta establecerse con Davies, Roger Hodgson, John Helliwell, Dougie Thompson y Bob
Benberg. Alcanzaron su primer éxito con el álbum «Crime of the century» (1974) y vendieron 18 millones de
copias en 1979 con «Breakfast in America». El grupo fue desapareciendo de la escena internacional poco a
poco tras la partida de Hodgson en 1983. Otros álbums destacables fueron «Crisis? What crisis?» (1975),
«Even in the quietest moments» (1977), «Famous last words» (1982), «Brother were you bound» (1985).
Turner, Tina
(Nutbush, Tennessee, 1938) Cantante estadounidense, llamada realmente Annie Mae Bullock. Conoció a su
futuro marido, Ike Turner (1938), cuando todavía era una adolescente, en un local de St. Louis.
Tras entrar a cantar en la banda de Ike, empezaron a ser conocidos por sus actuaciones, con un repertorio de
temas de soul y rhythm and blues en los que Tina exhibía una gran voz, además de una presencia escénica
imponente. Con la canción «A fool in love» (1960) lograron una cierta popularidad, y en 1962 se casaron. Con
la producción de Phil Spector, grabaron «River deep, mountain high» (1966), un gran éxito dentro del público
del rock, al cual se dirigieron especialmente en su gira con los Rolling Stones (1969), y con la grabación de
varias versiones de grupos como los Stones, los Beatles o la Creedence Clearwater Revival. El gran éxito de
la canción «Natbush City» (1973) no logró apaciguar las malas relaciones de Tina con su marido, del cual se
separó artística y sentimentalmente en 1975. Participó en la película «Tommy» (1975) de Ken Russell, y
durante unos años actuó donde podía, luchando contra el olvido del público. Sin embargo, gracias al manager
Roger Davies resurgió comercialmente en los años ochenta: las canciones «Ball of confusion» (1982) y «Let's
stay together» (1983), grabadas con miembros de Heaven 17, le devolvieron la popularidad. El disco «Private
dancer» (1984), con colaboraciones de Mark Knopfler y Jeff Beck, fue el mayor éxito cosechado hasta
entonces en su trayectoria, y la convirtió en una superestrella. Apareció en la película «Mad Max III» (1985),
para la cual editó otra canción de éxito: «We don't need another hero». Se volvió a rodear de famosos (Bowie,
Clapton, Bryan Adams...) para grabar «Break every rule» (1986) y el doble en directo «Tina Live in Europe»
(1988). Tras la gira de presentación del disco «Foreign Affair» (1989), anunció su retirada de los escenarios.
En 1991 apareció un disco recopilatorio de toda su carrera: «Simply the best», con tres temas inéditos. Su
autobiografía «Yo, Tina» (1986) sirvió de argumento al filme «Tina» (1993), cuyo papel interpretó la actriz
Angela Basset, aunque su estreno no confirmó las expectativas que había suscitado.
U2
Grupo rock irlandés, formado por Bono, Paul Hewson de nombre real (1960), The Edge, David Evans de
nombre real (1961), Adam Clayton (1960) y Larry Mullen Jr. (1961). Comenzaron en 1976 y ganaron un
concurso en 1978 que les proporcionó su primera grabación. El éxito surgió en 1982 con el tema «Sunday,
bloody sunday». «The Joshua Tree» (1987) les convirtió en una de las primeras bandas mundiales. Sus giras
son superlativas y de su Zoo Tour (1992) se vendieron millones de ejemplares en disco y de entradas en su
gira.

206
Who, The
Cuarteto británico de rock, uno de los legendarios de la década de los años sesenta. Lo componían el cantante
Roger Daltrey (1944), el guitarrista Pete Townshend (1945), el bajista John Entwistle (1944) y el batería Keith
Moon (1947-1978). Tras una etapa de grandes rocks, que les pusieron en cabeza del movimiento mod, que se
enfrentaba a los rockers, crearon la primera ópera rock nacida de un grupo musical, «Tommy» (1969), que
pasaría a los escenarios y al cine. Posteriormente escribirían «Quadrophenia» (1973), un relato de las luchas de
mods y rockers en las playas de Brighton. Algunas de sus canciones, como «I'm a boy» y, sobre todo, «My
generation», fueron himno juvenil de su época.
Wonder, Stevie
(Saginaw, Michigan, 1950) Cantante estadounidense, llamado en realidad Stevland Judkins Morris. Quedó
totalmente ciego poco después de nacer a causa de un error en la incubadora. Desde muy pequeño demostró
una capacidad inusual para la música (tocaba el piano, la batería, la armónica...). Ronald White, de The
Miracles, fue su descubridor, y cuando Wonder contado sólo diez años lo presentó a la compañía Motown, que
lo contrató. Su primer gran éxito fue «Fingertips» (1963), lanzado con el apodo de «Little Stevie Wonder».
Sus primeros discos, «Tribute to uncle Ray» y «Recorded live the 12 year old Genius» (ambos de 1963), le
presentaban como el pequeño Ray Charles («Genius» era el apodo reservado a Ray Charles). En 1964, ya sin
el apodo Little («Pequeño») editó el éxito «Hey Harmonica Man». A pesar de empezar a madurar como
compositor, volvió al éxito con una versión de Bob Dylan: «Blowin' in the wind» (1966). En 1971, con más
de diez discos publicados, y en colaboración con su mujer, Syreeta Wright, empezó a experimentar con los
nuevos sintetizadores Arp y Moog, grabando los discos «Music on my mind» y «You are the sunshine of my
life». Tras publicar el disco «Innervisions» (1973) y el tema «Higher ground» (éxito en los años ochenta por
The Red Hot Chili Peppers), Stevie sufrió un gravísimo accidente de automóvil que estuvo a punto de costarle
la vida. De su obra posterior cabe destacar «Fullfillingness' first finale» (1974), «Songs in the key of life»
(1976), «Hotter than july» (1980) y «Characters» (1987). En 1982 tuvo un gran éxito su dúo junto a Paul
McCartney «Ebony and ivory», y en 1984 triunfó con la canción «I just called to say I love you», de la banda
sonora de la película «La mujer de rojo». En 1985 participó en el proyecto «USA For Africa» y la grabación de
«We are the world», y años más tarde participó en el Festival por Nelson Mandela (1989). En 1991 publicó
«Jungle fever», banda sonora de la película de Spike Lee, con el cual colaboró personalmente.
Yes
Quinteto británico de rock sinfónico formado por el cantante Jon Anderson (1944), el guitarrista Steve Howe
(1947), el teclista Rick Wakeman (1949), el bajista Chris Squire (1948) y el batería Bill Bruford (1948). El
grupo se formó en 1968 y se convirtió, junto a Pink Floyd y Supertramp, en el grupo más representativo del
rock sinfónico, con temas de inspiración espacial y de largos desarrollos instrumentales. Varios de sus
componentes, sobre todo J. Anderson y R. Wakeman triunfaron también en solitario. Sus mejores álbumes
fueron «The Yes album» (1971), «Fragile» (1971), «Tales from topographic oceans» (1973), «Going for the
one» (1977), «Drama» (1980) y «Big generator» (1987).
Zappa, Frank
(Baltimore, Maryland, 1940-Los Ángeles, 1993) Músico estadounidense. Provocador e iconoclasta, Frank
Zappa es uno de los músicos de rock más respetados por su obra, caracterizada por la búsqueda y la ruptura
constantes. Sus primeros proyectos, a principios de los años sesenta, incluían composiciones para orquesta,
bandas sonoras de películas, como «Run home slow» (1963), y un estudio de grabación propio: Studio Z. En
1964 se unió al grupo Soul Giants, más adelante llamados The Mothers Of Invention. Con ellos grabó «Freak
out» (1966), un disco que revolucionó el pop de la época. En los discos «Absolutely free» (1967) y »We're in
it only for the money» (1967, una parodia del Sgt. Peppers de los Beatles) atacó tanto a los sectores más
puritanos y conservadores de Estados Unidos como a los hippies. «Lumpy gravy» (1967) fue su primer disco
en solitario, con influencias de Stravinski y Varese. En esta época fundó su propio sello discográfico, Bizarre-
Strainght, y siguió grabando discos en solitario y con The Mothers Of Invention. Su extensísima carrera en
solitario varía entre la experimentación y el virtuosismo (editó, en 1988, un álbum triple que contenía
exclusivamente solos de guitarra: «Guitar»). Cabe destacar en su obra «Hot rats» (1969), «The grand wazoo»
(1972), «Bongo fury» (1975), «Joe's garage» (1979), «Broadway the hardway» (1989), etc. Sus incursiones en
el cine también han sido frecuentes: además de grabar varias bandas sonoras, dirigió «200 Motels» (1971), con
The Mothers Of Invention, fruto de una serie de conciertos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles que

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tenían como objetivo mezclar música clásica y rock. En los años ochenta, Zappa combinó colaboraciones con
la London Symphony Orchestra con discos grabados tan sólo con computadoras («Francesco Zappa», de 1984,
y «Jazz from hell», de 1986), y la serie de grabaciones en directo «You can't do that on stage anymore». En
1991 se anunció que Zappa padecía cáncer de próstata; sus proyectos musicales, sin embargo, no se
detuvieron y siguió componiendo hasta su muerte, ocurrida en diciembre de 1993. Entre sus últimos trabajos
destacan «London Symphony Orchestra Vol. 2» (1987); «Broadway the hard way» (1988) y «The best band
you never heard in your life» (1991).
Orfeones
Orfeó Català
Agrupación coral española fundada en Barcelona por L. Millet y por A. Vives en 1891. Continuadora de la
renovación coral iniciada por J.A. Clavé, ha contribuido a la divulgación de la canción popular catalana, de los
polifonistas del Renacimiento y del repertorio sinfónico-coral internacional. A la institución está
indisolublemente vinculada la familia Millet:. Millet, Lluís (Masnou, 1867-Barcelona, 1941) Músico español.
Se formó en Barcelona con F. Pedrell; en 1891 fundó, con A. Vives, el Orfeó Català, coro mixto del que fue
director y con el que realizó una importante labor de divulgación de la música coral; en 1903 fundó la «Revista
Musical Catalana» y en 1933 fue nombrado director del Conservatorio Municipal de Música de Barcelona.
Compuso numerosas canciones, piezas para coro y música sinfónica y religiosa. Millet, Lluís Maria
(Barcelona, 1906-id., 1990) Hijo del anterior, dirigió también el Orfeó català y compuso música coral,
religiosa y sinfónica.
Orfeón Donostiarra
Agrupación coral española fundada en San Sebastián en 1897 exclusivamente para voces masculinas. En 1912,
siendo su director Secundino Esnaola, pasó a ser un coro mixto. Entre sus directores, han figurado, además del
ya citado Esnaola, M. Oñate, N. Luzuriaga, y J. Gorostidi. Ha contribuido a la divulgación de canciones
populares vascas, de la música coral y sinfónico-coral y de zarzuelas y óperas.
Soul
Brown, James
(Augusta, 1933) Cantante estadounidense. De estilo vibrante y explosivo, fue uno de los intérpretes más
destacados de la música soul y un adelantado de lo que luego sería llamado música disco. Su vitalidad en
escena le valió el sobrenombre de Mr. Dynamite. Tras el éxito popular de la música soul, en la segunda mitad
de los años sesenta, entró en una etapa reivindicativa cuyo himno fue su canción «Say it loud, I'm black, I'm
proud» (1968). Entre sus canciones más destacadas, cabe citar «Please, please, please» (1956), «It's a man's,
man's, man's world» (1966) y «Sex machine» (1970).
Franklin, Aretha
(Memphis, 1942) Cantante estadounidense de música soul. Hija de un predicador de gran fama, empezó en el
coro gospel de la congregación paterna, con la que grabó sus primeros discos de música religiosa. En 1961 la
CBS pretendió convertirla en la nueva Dinah Washington, con baladas demasiado suaves para su estilo. Fue
Arif Mardin quien la recondujo al soul, donde, ayudada por las composiciones de Otis Redding, se convirtió en
la reina del género. Sus mayores éxitos son «Respect» (1967), «A natural woman» (1967), «Chain of fools»
(1967), «I say a little prayer» (1968), «Spanish Harlem» (1971), «Sisters are doin' it for themselves» (1985,
con Eurythmics) y «Jumpin' Jack Flash» (1986).
Gaye, Marvin
(Washington, 1939-Los Ángeles, 1984) Cantante soul estadounidense. Comenzó como batería y coros en la
Tamla Motown, de donde pasó a vocalista. Grabó a dúo con Mary Wells, Kim Weston, Tammy Terrell y Diana
Ross. Sus triunfos le llegaron como solista con un soul muy flexible, de tiempo medio, y textos

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comprometidos con la ecología, la reivindicación social y las relaciones de pareja. Murió a manos de su padre,
durante una discusión familiar. Sus mayores éxitos fueron «I heard it through the grapevine» (1968), «What's
going on» (1971), «Mercy mercy me (the ecology)» (1971) y «Let's get it on» (1973).
Redding, Otis
(Dawson, 1941-Wisconsin, 1967) Cantante, compositor y productor estadounidense de música soul. Máximo
representante del estilo sureño, nacido en torno a la ciudad de Memphis. Escribió éxitos para Aretha Franklin
(«Respect», 1967), produjo a artistas como Arthur Conley («Sweet soul music», 1967) y logró un número uno
póstumo, «Sitting on the dock of the bay» (1968), meses después de su muerte en accidente de aviación. Su
éxito en el Festival de Monterey le convirtió en figura entre los jóvenes admiradores de la música blanca
psicodélica.

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210
GLOSARIO X VIRTUOSOS
GLOSARIO X
GLOSARIO DE VIRTUOSOS
VIRTUOSOS DE MÚSICA CLÁSICA
Pianistas de Música Clásica
Argerich, Martha
(Buenos Aires, 1941) Pianista argentina. A partir de 1957, se ha impuesto como una de las más notables
concertistas de su generación. Destaca por sus interpretaciones de Liszt, Chopin, Prokófiev y Ravel.
Arrau, Claudio
(Chillán, 1903-Muerzzuschlag, 1991) Pianista chileno. Alumno de Paoli y de Krause, en 1927 ganó el
concurso internacional de Ginebra. Su arte, profundo y virtuoso, le permitió abarcar todos los estilos,
destacando por sus interpretaciones de Beethoven, Schubert, Schumann y Chopin. Realizó numerosas
grabaciones.
Ashkenazi, Vladimir
(Gorki, 1937) Pianista y director de orquesta ruso, naturalizado islandés. Tras obtener diversos premios
internacionales, inició una fecunda carrera como concertista. Su amplísimo repertorio abarca desde Bach a
Prokófiev, aunque siempre ha mostrado preferencia por la obra de los compositores rusos.
Backhaus, Wilhelm
(Leipzig, 1884-Villach, 1969) Pianista alemán. Fue alumno de E. d'Albert e inició su larga carrera de
concertista en 1902. Ganó en 1905 el premio Rubinstein. De exquisita musicalidad, fue considerado como uno
de los mejores intérpretes de Beethoven y de Brahms.
Barenboim, Daniel
(Buenos Aires, 1942) Pianista y director de orquesta argentino de origen ruso, nacionalizado israelí en 1952.
Aprendió a tocar el piano con sus padres, Enrique Barenboim y Aída Schuster, ambos consumados intérpretes.
A la edad de siete años dio su primer concierto en Buenos Aires, con un programa dedicado a Bach. El éxito
fue tal, que el compositor y director Igor Markevich consiguió que el Mozarteum de Salzburgo invitara al
pequeño a continuar sus estudios en Austria. Asimismo estudió composición en París con Nadia Boulanger,

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piano con E. Fischer y dirección con W. Furtwängler. En 1956 ganó el concurso de piano Alfredo Casella, en
Nápoles, y al año siguiente debutó como director de orquesta sinfónica.
A partir de 1966 dirigió la Orquesta de Cámara Inglesa, y desde 1975 se hizo cargo de la dirección
permanente de la Orquesta de París. Tanto en la faceta de intérprete como en la de director, se distingue por la
intensidad y la pasión que imprime a la música, siempre de la mano de una técnica depurada.
En 1967 se casó con la violonchelista Jacqueline du Pré. La prometedora carrera de ésta quedó truncada en
1971 al enfermar de esclerosis múltiple, mal del que fallecería en 1987. Ambos esposos habían creado una
fundación para la investigación de esa enfermedad.
Entre julio de 1987 y enero de 1989, Barenboim desempeñó el cargo de director musical y artístico de la
Ópera de la Bastilla. Sus discrepancias con el gerente de la misma, Pierre Bergé (presidente de la casa de alta
costura Yves Saint-Laurent), que reclamaba la facultad de veto y un drástico recorte del salario del director,
llevaron a éste a plantear directamente al presidente francés, François Mitterrand, la necesidad de elegir entre
«un costurero» y él. El silencio del máximo mandatario le indujo a aceptar la invitación de Georg Solti, que
había anunciado su retirada, a sucederle al frente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Curiosamente,
Barenboim ya había sucedido a Solti en la dirección de la Orquesta de París, en 1975.
Benedetti Michelangeli, Arturo

(Brescia, 1920) Pianista italiano. Ha sido alumno de P. Chimeri y de G. Anfossi. Destaca por su técnica
depurada, por su gran musicalidad, por su excelente calidad de sonido y por su actitud crítica frente a la
programación de los conciertos, lo que le ha llevado frecuentemente a alterar su contenido para dejarse llevar
por la inspiración del momento. Se ha especializado en la interpretación de Chopin, Liszt, Debussy y Ravel.
Brendel, Alfred
(Lucná nad Desnau, Moravia, 1931) Pianista austríaco. Realizó sus estudios con Sofija Dezelic, Ludovika von
Kaan, el compositor Arthur Michl, Paul Baumgartner y Edwin Fischer. Desde sus inicios se caracterizó por la
amplitud de su repertorio, integrado principalmente por obras de Schubert, Busoni, Haydn, Beethoven,
Schönberg y Liszt. El arte de Brendel, cuya popularidad le llegó tras muchos años de carrera, es
profundamente reflexivo y sus interpretaciones son muy respetuosas con las partituras. Es célebre, sobre todo,
por sus interpretaciones de Schubert, principalmente de las últimas «Sonatas» para piano.
Clementi, Muzio
(Roma, 1752-Evesham, 1832) Pianista, compositor y fabricante de pianos italiano. Está considerado como el
primer compositor de música para piano. Destacan sus estudios «Gradus ad Parnassum» (1817-1826), aún
utilizados en la actualidad. Hacia el final de su vida, que transcurrió casi toda en Londres, se dedicó a la
construcción de pianos. Autor de 101 sonatas (1773-1832) de las cuales 60 son para piano.
Cortot, Alfred
(Nyon, 1877-Lausana, 1962) Pianista francés. Se formó con Decombes y destacó tanto en solitario como con
P. Casals y J. Thibaud. También escribió libros sobre la técnica del piano.
Czerny, Karl
(Viena, 1791-id., 1857) Pianista austríaco. Fue alumno de Beethoven y profesor de Liszt. Destacó como
maestro y como prolífico compositor de estudios (llegó al op. 1000), aún utilizados en la enseñanza del piano,
y un buen número de conciertos para este instrumento y orquesta.
Dussek, Jan Ladislav

(Cáslav, 1760-Saint-Germain-en-Laye, 1812) Compositor y pianista checo. Fue uno de los pianistas más
célebres de su tiempo. Sus composiciones para piano (15 conciertos, 50 sonatas y numerosos preludios,
fantasías e invenciones) contribuyeron a ampliar las posibilidades técnicas y expresivas del instrumento.
Compuso, además, música instrumental y lírica de cámara, una ópera, una misa y una cantata sacra. Publicó un
método para piano (1796).

212
Fischer, Edwin
(Basilea, 1886-Zurich, 1960) Pianista y director de orquesta suizo. Está considerado como uno de los mejores
intérpretes de Mozart, Beethoven y Brahms. Fundó un célebre trío con E. Mainardi y G. Kulenkampff y se
dedicó a la enseñanza (conservatorios de Berlín y de Lucerna).
Gilels, Emil
(Odessa, 1916-Moscú, 1985) Pianista soviético. Alumno de H. Neuhaus en Moscú. Tras aparecer en
numerosos concursos internacionales, en 1945 inició diversas giras por Europa. En 1951 fue nombrado
profesor del Conservatorio de Moscú, donde inició una destacada labor pedagógica. Visitó los EEUU en 1956.
Aunque fue un destacado concertista, no descuidó los estudios de grabación. Considerado uno de los más
prestigiosos pianistas de su época, sus interpretaciones de Beethoven, Brahms y los románticos en general
resultan ejemplares por su sobriedad y excelente fraseo.
Godowsky, Leopold
(Vilna, 1870-Nueva York, 1938) Pianista y compositor polaco nacionalizado estadounidense. Escribió
abundantes obras para su instrumento, entre las que destacan sus 53 estudios sobre temas de Chopin.
Horowitz, Vladimir
(Kíev, 1904-Nueva York, 1989) Pianista ucraniano, nacionalizado norteamericano. Alumno de F. Blumenfeld,
actuó por primera vez en público en 1922, en Járkov. A partir de sus primeras giras por Alemania, Francia y
Gran Bretaña se reveló como uno de los grandes virtuosos del piano. Entre sus interpretaciones, destacan
particularmente las de las obras de Chopin, Liszt, Skriabin, Debussy y Prokófiev. Con su esposa Wanda
Toscanini, hija del director de orquesta Arturo Toscanini, uno de los mayores del s. XX, se estableció en EEUU
en 1940.
Horowitz está considerado como uno de los más grandes pianistas del s. XX, son famosas sus heterodoxias
interpretativas (como, por ejemplo, la intensidad y la brillantez de las notas graves, a menudo exageradas, o
ciertas libertades rítmicas y tímbricas) que, más allá de dar un inconfundible estilo propio a las versiones
horowitzianas, a menudo han revelado potenciales expresivos de muchas obras clásicas, hasta entonces
inéditos. En los últimos años de su vida, alcanzaron fama mundial unas versiones de sonatas y conciertos de
Mozart, interpretadas en parte en un recital moscovita, de reencuentro con su patria original. Sin embargo, el
público con el que estuvo más identificado a lo largo de los años más consolidados de su carrera fue el
neoyorquino, que lo bautizó como el «rey del Met», en referencia al Metropolitan Opera House.
Iturbi, José
(Valencia, 1895-Los Ángeles, 1980) Pianista, director de orquesta y compositor español. Fue alumno de W.
Landowska en París y realizó una brillante carrera como virtuoso del piano y como director de orquesta. Entre
sus composiciones, cabe citar sus piezas para piano y sus sinfonías.
Kempff, Wilhelm
(Jüterbog, 1895-Positano, 1991) Pianista y compositor alemán. Fue un destacado intérprete del repertorio
pianístico alemán, en especial de Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann y Brahms. Compuso música
sinfónica, de cámara y para piano.
Larrocha, Alicia de
(Barcelona, 1923) Pianista española. Iniciada en la música por su madre, María Teresa de la Calle, y por su
tía, que habían sido alumnas de Enrique Granados, asistió siendo muy niña a la academia de Franck Marshall.
A los cinco años dio su primer concierto, que le valió el calificativo de niña prodigio, y a los seis tocó con
ocasión de la Exposición Universal de Barcelona. En 1931, dos años más tarde, hizo su debut en el Palau de la
Música Catalana, y cuando tenía doce años actuó por primera vez en Madrid con la Orquesta Sinfónica de esa

213
ciudad dirigida por el maestro Fernández Arbós. A partir de entonces, Alicia de Larrocha ofreció numerosos
conciertos acompañada por las orquestas más prestigiosas.
Poco a poco fue introduciendo en su repertorio piezas de compositores españoles, sobre todo de Albéniz y de
Granados, cuya interpretación le valió el elogio de la crítica por la seguridad de su estilo y el inconfundible
acento hispánico de su teclado. A partir de 1947 realizó giras por Europa (París, Bruselas, Londres, Génova,
Lausana) y en 1954 debutó en Estados Unidos (Los Ángeles y Nueva York). En el año 1950 había contraído
matrimonio con Juan Torra, con el que tuvo dos hijos, Juan Francisco y Alicia.
En 1960 realizó la primera grabación de la suite «Iberia» de Isaac Albéniz, pieza de muy difícil ejecución, con
la que obtuvo el gran premio del disco de la Academia Charles Cros (primero de la larga serie que recibiría
por sus brillantes interpretaciones). Se había convertido a los ojos del mundo en la mejor representante de la
música española para piano. Durante las décadas de los sesenta y setenta dio más de cien conciertos por año y
en ellos amplió su repertorio con obras de otros compositores españoles, como Óscar Esplá, Rodolfo Halffter,
Joaquín Rodrigo o Xavier Monsalvatge, quien en su faceta de crítico musical elogió repetidas veces «el lirismo
y el preciosismo incomparables de su estilo». En 1985 le fue otorgado el Premio Nacional de Música y, en
1993, la publicación de un nuevo álbum, con una excelente interpretación del Quinteto de Schumann, merecía
el elogio general de la crítica. En 1994 recibió el premio Príncipe de Asturias de las artes.
Lipatti, Dinu
(Bucarest, 1917-Ginebra, 1950) Pianista y compositor rumano. Estudió en París con G. Enesco, A. Cortot, I.
Stravinski, C. Munch, P. Dukas y N. Boulanger. Fue un célebre intérprete de Chopin, Mozart, Schumann y
Bartók. Compuso, siguiendo la corriente neoclásica, conciertos y sonatinas para piano.
Malats, Joaquín
(Barcelona, 1872-id., 1912) Pianista y compositor español. Se formó en Barcelona y en París. Realizó
numerosas giras por Europa y América. Es autor de una suite sinfónica («Impresiones de España») y de
numerosas composiciones para piano.
Moszkowski, Moritz
(Breslau, 1854-París, 1925) Compositor y pianista alemán. Residente en Berlín y en París, gozó de gran fama
como pianista y como compositor de música para su instrumento. Es autor también de poemas sinfónicos, de
un ballet, de una ópera («Boabdil, rey de los moros», 1892), de suites orquestales y de conciertos.
Neuhaus, Heinrich
(Elizabetgrad, 1888-Moscú, 1964) Pianista soviético. Profesor de los Conservatorios de Kiev (1918-22) y de
Moscú (desde 1923 hasta su muerte), fue el director de este último centro entre 1935 y 1937. Conocido
principalmente por su faceta de pedagogo, formó a varias generaciones de pianistas entre los que cabe nombrar
a S. Richter, E. Gilels y R. Lupu. Sus escasas grabaciones como solista le acreditan como un extraordinario
pianista, dotado de una sonoridad refinada y sensible y una técnica exquisita.
Paderewski, Ignacy Jan

(Kury Lówka, 1860-Nueva York, 1941) Compositor, pianista y político polaco. Formado en Varsovia, alcanzó
fama internacional como uno de los mejores pianistas de su tiempo. Trabajó de forma activa en defensa de la
independencia de su país, fue nombrado ministro de Asuntos Exteriores y presidente del Consejo de Polonia
(1919) y tomó parte en el Tratado de Versalles. Escribió música sinfónica y para piano y dos operetas
(«Manru», 1901; «Sakuntala», 1903).
Pires, Maria João

(Lisboa, 1944) Pianista portuguesa. Tras ganar numerosos concursos internacionales, se le otorga una beca de
la fundación Gulbenkian para estudiar en Berlín, donde recibe clases de K. Engel. Su verdadera carrera se
inicia en 1970 a raíz de su triunfo en el Concurso Internacional de la UER. Ha alcanzado gran renombre

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internacional como intérprete de Mozart, del que ha grabado una integral de sus sonatas para piano y la
mayoría de sus conciertos.
Pollini, Maurizio
(Milán, 1942) Pianista italiano. Fue alumno de A. Benedetti Michelangeli. En 1959 ganó el premio Ettore
Pozzoli en Seregno y en 1960 el concurso Chopin en Varsovia. Poseedor de un estilo desprovisto de
efectismos, no obstante alcanza en sus interpretaciones una extraordinaria intensidad lírica. Se ha
especializado en el repertorio romántico (Beethoven, Schubert, Chopin) y contemporáneo.
Richter, Sviatoslav
(Jitomir, 1915) Pianista y director de orquesta ucraniano nacionalizado alemán. Discípulo de H. Neuhaus,
pronto abandonó la dirección de orquesta para consagrarse al piano. Si su acicate fue Chopin, destacó
posteriormente por sus interpretaciones de obras de Bach, Haydn, Prokófiev (con quien mantuvo una estrecha
amistad) y Shostakóvich, tras haber ganado, en 1935, el concurso de piano de la URSS en Moscú. Posee un
repertorio inmenso y está considerado uno de los más grandes pianistas de la actualidad. También ha ensayado
la composición y la pintura.
Rubinstein, Anton
(Vijvatintsi, Moldavia, 1829-Peterhof, cerca de San Petersburgo, 1894) Pianista y compositor ruso. Dio su
primer concierto público a los nueve años. Apoyó la creación de la Sociedad de Música Rusa en San
Petersburgo en 1859, que pasó a ser Conservatorio en 1862 bajo la dirección del propio Rubinstein. A partir de
1867 y hasta 1886 viajó por todo el continente dando conciertos. Entre sus obras deben citarse 5 conciertos
para piano, 13 óperas («El demonio», 1875), 6 sinfonías y numerosas obras para piano solo y para música de
cámara.
Rubinstein, Artur
(Lódz, 1886-Ginebra, 1982) Pianista polaco nacionalizado estadounidense. Trasladado a Berlín, conoció al
violinista húngaro Joseph Joachim y estudió con Heinrich Barth, alumno de Liszt, Bülow y Taussing. Cuando
apenas contaba once años, debutó interpretando el «Concierto en la», de Mozart. A partir de ahí su nombre
empezó a ser conocido en Alemania y Polonia. A los veinte años, dio su primera gira por Estados Unidos,
realizando 44 recitales y conciertos. Volvió después a Europa, dedicándose durante varios años a estudiar
música intensamente en París.
Rubinstein volvió después a realizar conciertos. Cuando estalló la I Guerra Mundial acababa de terminar una
gira por Europa. El dominio de varias lenguas que había adquirido en sus viajes le permitió servir en el ejército
polaco como intérprete. En 1916 viajó por primera vez a España, donde dio 120 recitales y se ganó el aplauso
unánime por su dominio de la música de Falla y Albéniz. Prosiguió su carrera musical, primero en América
Latina y luego en Estados Unidos, adonde regresó en 1919 y actuó con regularidad hasta 1927.
Posteriormente, cuando comenzó la II Guerra Mundial se trasladó de París a Hollywood y realizó allí varias
películas. Con el tiempo, su actividad se multiplicaría.
Llegó a ofrecer más de cien conciertos y recitales al año en tres continentes distintos. A ello había que sumar
sus numerosas grabaciones y sus apariciones en programas de radio y televisión de Estados Unidos. Su
catálogo se fue ampliando hasta alcanzar el centenar de obras. Nacionalizado estadounidense, se convirtió en
prototipo de hombre universal. Narró su vida en dos libros de memorias: «Mis años jóvenes» (1973) y «Mis
muchos años» (1980).
Sauer, Emil von

(Hamburgo, 1862-Viena, 1942) Pianista y compositor alemán. Estudió con N. Rubinstein y con F. Liszt y fue
uno de los mejores concertistas de piano de su tiempo. Es autor de música para su instrumento (conciertos,
sonatas y estudios).
Schnabel, Arthur

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(Lipnik, 1882-Morschach, 1951) Pianista y compositor austríaco nacionalizado estadounidense. Formado en

Viena, se instaló en EEUU tras el advenimiento del III Reich. Fue un notable intérprete de Mozart, Schubert,
Brahms y Beethoven, de quien realizó por primera vez la grabación de todas las sonatas. Escribió música
sinfónica y para su instrumento.
Serkin, Rudolf
(Eger, Bohemia, 1903-Vermont, Estados Unidos, 1991). Pianista austríaco nacionalizado estadounidense. Niño
prodigio, estudió piano en Viena con R. Robert y más adelante composición con A. Schönberg. Posteriormente
formó dúo con el violinista A. Busch. En 1933 efectuó su presentación en Estados Unidos y actuó bajo la
dirección de A. Toscanini. Seis años después se estableció definitivamente allí y adquirió la nacionalidad
estadounidense. Junto a A. Busch creó el Festival y Escuela de Música de Marlboro (Vermont) y enseñó en el
Instituto Curtis de Filadelfia. Pianista de gran sobriedad interpretativa, ha legado excelentes grabaciones de los
conciertos de Mozart y Brahms y de las sonatas de Schubert. En 1957 estrenó la «Sonata para piano», de
Martinu, a él dedicada.
Viñes, Ricardo
(Lérida, 1885-Barcelona, 1943) Pianista español. Formado en Barcelona y París, triunfó en toda Europa como
intérprete y divulgador de la moderna música francesa y española. Estrenó obras de Satie, Debussy, Ravel y
Falla, entre otros.
Violinistas de Música Clásica
Heifetz, Jascha
(Vilna, Lituania, 1899-Los Ángeles, 1987). Violinista ruso nacionalizado norteamericano. Recibió las primeras
lecciones de su padre, violinista en el Teatro de Vilna; posteriormente estudió con E. Malkin en su ciudad natal
y con L. Auer en San Petersburgo. Niño prodigio, pronto inició una brillante carrera internacional, destacando
por su estilo brillante y sus criterios inconformistas. Realizó muchas transcripciones (casi 250) para su
instrumento y estrenó conciertos de Rozsa, Korngold, Gruenberg, Castelnuovo-Tedesco y Walton.
Menuhin, Yehudi
(Nueva York, 1916) Violinista y director de orquesta estadounidense. Único hijo varón de un matrimonio
judío de inmigrantes rusos, Yehudi no tenía un año cuando sus padres, Marutha Sher y Moshe Menuhin,
profesor de hebreo en Nueva York, se trasladaron a San Francisco. A los siete años hizo su primera
presentación pública como solista con la Sinfonía española y a los diez, tras su debut oficial en la Manhattan
Opera House, recorrió Europa con su violín y su talento para asombro de crítica y público. A partir de
entonces, vivió exclusivamente para su carrera musical, que ni siquiera hubo de interrumpir para sus estudios,
ya que los Menuhin prefirieron educar a sus hijos en casa: su padre le enseñó hebreo, su madre francés,
alemán, italiano y español y sus hermanas matemáticas e historia. Impuesto desde su juventud como uno de los
mejores violinistas del siglo, actuó como solista bajo la dirección de Toscanini, Furtwängler y Stokowski, y
Béla Bartók compuso para él la «Sonata para solo de violín». Durante la II Guerra Mundial dio un gran
número de conciertos para las fuerzas aliadas en Europa. A partir de 1964 inició sus actuaciones como director
de orquesta y fundó el Festival Bath de Inglaterra. En su etapa de madurez se dedicó asimismo a la enseñanza
y fue objeto de varios filmes documentales sobre su vida y su obra, amén de haber grabado una abundante
discografía. Menuhin se ha casado dos veces, en 1938 con Nola Ruby Nicholas y en 1947 con Diana Gould,
con dos hijos de cada matrimonio.
Oistrach, David
Famoso intérprete de violín contemporáneo.
Toldrá, Eduardo

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(Vilanova i la Geltrú, 1895-Barcelona, 1962) Violinista y compositor español. Estudió en la Escuela Municipal
de Música de Barcelona, donde fue discípulo de Lluís Millet y de Antoni Nicolau; debutó como violinista en
1912 en el Ateneo de Barcelona, el mismo año que fundó el Quartet Renaixement. Tras completar su
formación musical en París, Berlín y Viena, regresó a Barcelona y se incorporó como profesor de violín y de
dirección orquestal en la misma escuela donde había estudiado. Estando ya a cargo de la Orquesta de Estudios
Sinfónicos, fue nombrado director de la Orquesta Municipal de Barcelona (1944).
En cuanto a su obra como compositor sinfónico, destacan la «Suite en mi mayor» (1919) y «La filla del
marxant» (1934). Dentro del ámbito de la música de cámara, compuso el «Cuarteto de cuerda en do menor»
(1914), «Vistas al mar» (1920), con el que logró el Premio Fundació Rabell, y los «Seis sonetos para violín y
piano» (1922), Premio Fundación Patxot. Escribió también la ópera cómica «El giravolt de maig». Fue
asimismo un entusiasta compositor de canciones, las cuales realizó sobre textos de Josep Carner, de Tomàs
Garcés, de Josep Maria de Sagarra y de Joan Salvat-Papasseit.
Fue un especialista en la obra del gran compositor español Manuel de Falla; grabó una memorable ejecución
de «El sombrero de tres picos» con la Orquesta Nacional de Francia y en 1961 estrenó en el Liceo barcelonés
la obra escénica «Atlántida», en la versión completada por Halffter. Hombre apegado a las tradiciones
catalanas, compuso también una larga serie de sardanas.
Otros Virtuosos de Música Clásica
Casals, Pau
(El Vendrell, Tarragona, 1876-San Juan de Puerto Rico, 1973) Violonchelista, compositor y director de
orquesta español. Su padre, que había sido organista, lo inició en los estudios musicales desde muy temprana
edad. A los seis años ya tocaba el piano, el órgano y el violín. Comenzó a estudiar el violonchelo cuando tenía
once años y siguió cursos de música en Barcelona, con José García, y posteriormente en Madrid, con Jesús de
Monasterio. Luego amplió sus conocimientos en Bruselas. Actuó como solista en los conciertos de
Lamoureux de París, en 1899, donde su nombre comenzó a ser conocido. Celebró conciertos en todo el
mundo como solista y formando parte del famoso trío Cortot-Thibaud-Casals, uno de los mejores conjuntos
de cámara del mundo que se hizo famoso por sus interpretaciones de los Tríos de Schubert.
En 1920 fundó en Barcelona la Orquesta Pau Casals y en 1926 la Associació Obrera de Concerts, que dirigió
por última vez en 1937, poco antes de abandonar España. Al terminar la guerra civil se exilió en Prades, en el
sur de Francia, donde, entre 1950 y 1966, se celebraron los famosos Festivales de Prades, con la participación
de los más destacados instrumentistas. Posteriormente se trasladó a San Juan de Puerto Rico, donde fundó el
Festival Casals, que se celebra anualmente desde 1957.
Como compositor, es autor de diversas obras vocales, de lieder y de música de cámara. Entusiasta de la
cultura de Cataluña, se le deben numerosas sardanas, que han alcanzado gran popularidad. Sus últimas obras
son «El pessebre» (1960), con texto de Joan Alavedra, mensaje de paz que se ha interpretado en varios países,
y el «Himno de las Naciones Unidas» (1971), compuesto sobre un poema de W.H. Auden. Como
violonchelista, uno de sus grandes méritos sin duda es haber recuperado para el repertorio vivo las seis Suites
para violonchelo solo de Bach, cuyo magistral registro aún cautiva a los melómanos a través de memorables
grabaciones.
Rostropóvich, Mstislav
(Bakú, Azerbaiyán, 1927) Violonchelista ruso. Finalizada la II Guerra Mundial, Slava (diminutivo de Mstislav
que significa «gloria») estudió en el conservatorio moscovita, donde fue discípulo predilecto del célebre
compositor Dimitri Shostakóvich. Cuando éste tuvo problemas con el gobierno estalinista, Rostropóvich fue
uno de los que salieron en su defensa. En 1955 se casó con Galina Vishnevskaia, soprano del Bolshói, con
quien tuvo dos hijos. El matrimonio gozaba de todos los privilegios reservados en la Unión Soviética a la elite
artística; pero su abierto apoyo al escritor disidente A. Soljenitsin les valió una severa reprimenda del Kremlin.
Desposeídos de todos sus derechos, sólo tras una enérgica campaña internacional los Rostropóvich pudieron
salir de Rusia, en 1974, siendo inmediatamente despojados de la ciudadanía soviética. Pero en Occidente el

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prestigio del violonchelista era ya enorme; desde 1977 fue director de la Orquesta Sinfónica Nacional de
Washington, al tiempo que actuaba como solista con las orquestas más importantes del mundo. Ovacionado
como el mejor violonchelista surgido desde Pau Casals, su labor, como instrumentista y director, se basa en
una interpretación que busca la emotividad, evitando la fría perfección de cierta moda contemporánea.
El público norteamericano adoptó y mitificó a Slava (Leonard Bernstein compuso para él una suite que lleva
este título); diecisiete años después de su salida de Rusia, volvió a actuar en Moscú dirigiendo a la Sinfónica
de Washington. B. Britten, Shostakóvich y Prokófiev se encuentran entre los músicos que han compuesto para
su violonchelo.
Segovia, Andrés
(Linares, 1894-Madrid, 1987) Guitarrista y compositor español. Hijo de un próspero abogado, se crió y educó
en Granada, donde recibió sus primeras lecciones de piano y violín; en una ocasión, en casa de un amigo,
templó por primera vez una guitarra y descubrió el colorido y la riqueza sonora que despertaron su
imaginación musical. Una dificultad añadida a la falta de comprensión de su familia, fue la falta de profesores
con suficientes conocimientos, por lo que se vio obligado a desarrollar su propia técnica. Con quince años
intentó presentarse con su guitarra en una sala de conciertos, lo que era considerado en su tiempo como una
especie de herejía, pero en 1909 debutó en el Círculo Artístico de Granada. La carencia de repertorio le obligó
a adaptar piezas renacentistas y barrocas para laúd o vihuela.
En los años siguientes ofreció numerosos conciertos en toda España, debutando en Madrid en 1912 y en
Barcelona en 1916. Tres años más tarde emprendió su primera gira por América Latina, que se prolongó hasta
1923. Precedido por el éxito que obtuvo, se presentó en Londres, pero su auténtica consagración tuvo lugar
en 1924 cuando, por intermedio de Pau Casals, consiguió su primer concierto en París. El éxito fue clamoroso
y en la sala le aplaudieron figuras como Manuel de Falla, Paul Dukas y madame Debussy. Su triunfo parisino
le consagró como intérprete genial, y también a la guitarra como instrumento de conciertos. Su repertorio se
enriqueció con obras compuestas para él por Manuel de Falla, Turina, Moreno Torroba, Tansman, Ponce y
Villa-Lobos, además de sus propias adaptaciones de algunas piezas para clave de J.S. Bach. De la mano del
violinista Fritz Kreisler inició, en 1928, su primera gira por Estados Unidos, a partir de la cual realizó una
visita anual a ese país. A causa de la guerra civil española, se instaló primero en Génova y luego en
Montevideo, pero a partir de 1943 fijó su residencia en Estados Unidos. En 1980 le fue otorgado el premio
Una Vida por la Música, galardón considerado como el Nobel musical.
Yepes, Narciso
(Lorca, Murcia, 1927) Guitarrista español. Nacido en el seno de una familia de campesinos, a los cuatro años
tocaba ya de oídas las canciones populares de la época. Empezó a recibir lecciones de la mano de Jesús
Guevara en su ciudad natal. Al terminar la guerra civil se trasladó con su familia a Valencia, donde estudió
bachillerato y profundizó sus estudios musicales. En el conservatorio tuvo como profesor a Vicente Asencio;
por aquel entonces se relacionó con el violinista Juan Alós, con el guitarrista Rafael Balaguer, y acudió a las
tertulias que tenían lugar en la casa del director Lamote de Grignon. En 1943 debutó en el teatro Serrano de
Valencia. Debido a las dificultades económicas, la familia Yepes se trasladó de nuevo a Lorca, donde tocó en
presencia de Ataúlfo Argenta, quien le propuso trasladarse a Madrid.
En la capital de España, conoció a compositores como Regino Sainz de la Maza y Joaquín Rodrigo, el cual
acababa de componer el «Concierto de Aranjuez»; precisamente con esta obra inició a los veinte años de edad
su carrera como solista, debutando, en 1947, en el teatro Español con la Orquesta de Cámara, bajo la dirección
de Argenta.
Más tarde se trasladó a París, donde prosiguió sus estudios, y a pesar de ser un intérprete reconocido, siguió
aprendiendo e investigando con tenacidad, junto a Nadia Boulanger, Georges Enesco y Walter Gieseking. En
París conoció a una estudiante de filosofía de la Sorbona, de origen polaco, llamada Marysia, con quien se
casó en 1958, trasladándose posteriormente a vivir a Madrid. Obtuvo el reconocimiento del gran público con
la composición y la interpretación de la música del filme «Juegos prohibidos» (1952), galardonado en los
festivales de Venecia y Cannes, y ganador del Oscar a la mejor película extranjera del año.
Yepes ha dado recitales en todo el mundo, llevando consigo su famosa guitarra de diez cuerdas. Es un
intérprete mundialmente reconocido, y ha difundido el arte de la guitarra elevándolo a su máxima expresión.

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VIRTUOSOS DE MÚSICA DE JAZZ
Diversos Instrumentos de Música de Jazz
Adderley, Julian Edwin

(Tampa, 1928-Gary, 1975) Saxofonista de jazz estadounidense, llamado Cannonball Adderley. Considerado el
heredero más renovador de Charlie Parker, los principales rasgos de su estilo, fundamentado en una sonoridad
sólida y fluida y en un gran sentido del blues, pueden apreciarse en sus colaboraciones con Miles Davis y en el
seno de su propio quinteto, orientado desde fines de los sesenta hacia la electrificación y el funky jazz.
Ayler, Albert
(Cleveland, 1936-Nueva York, 1970) Saxofonista de jazz estadounidense. Representante del free jazz. Su
estilo, basado en una sonoridad agresiva y estridente, sintetiza, con intención expresionista, el blues, las
marchas militares y las canciones infantiles. Sus obras más representativas son «Ghosts» (1964) y «Bells»
(1965).
Bechet, Sidney
(Nueva Orleans, c. 1897-Garches, 1959) Clarinetista, saxofonista y director de orquesta de jazz
estadounidense. Está considerado como uno de los más grandes instrumentistas del jazz clásico y uno de sus
pioneros. Destacó por su lirismo y por su amplio vibrato («Maple leaf rag», 1932; «Summertime», 1939;
«Blues in third», 1940; «Down in Honky Tonk Town», 1940).
Beiderbecke, Bix
(Davenport, 1903-Nueva York, 1931) Trompetista y pianista de jazz estadounidense descendiente de familia
alemana, cuyo verdadero nombre era Leon Bismark Beiderbecke. Formado en la música clásica, destacó, por
su estilo suelto, poético y conmovedor, como uno de los grandes intérpretes del swing. Hollywood le rindió
homenaje en la película biográfica «Young man with a horn» (1950).
Carter, Benny
(Nueva York, 1907) Instrumentista y director de jazz estadounidense. Experto intérprete con el saxo, el
clarinete, la trompeta y el piano, ha cultivado un jazz clásico próximo al «swing». Destaca también su labor
como arreglista para F. Henderson, B. Goodman o su propia orquesta.
Clapton, Eric
Legendario guitarrista británico, pionero del estilo british blues. Comenzó en las filas de los Yardbirds, grupo
de pop-blues de donde saltó a los Bluesbreaker de John Mayall y al trío Cream, junto a Ginger Baker y Jack
Bruce, considerado el mejor grupo británico de la segunda mitad de los años sesenta. Posteriormente formó
Blind Faith y Derek and the Dominos, a la vez que tocaba en grabaciones ajenas, entre ellas, temas de The
Beatles. Desde comienzos de los años setenta, superada una adición a las drogas, inició carrera en solitario que
le ha dado gran prestigio y excelentes ventas. «I shot the sheriff» (1974), «Lay down Sally» (1976) y «Tears on
heaven» (1992), dedicada a la muerte de su hijo.

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Coltrane, John
(Hamlet, Carolina del Norte, 1926-Huntington, 1967) Músico de jazz y saxofonista estadounidense. Después
de haber terminado los estudios en 1943 en la William Penn High School, y decidido a estudiar música, se
trasladó a Filadelfia junto con dos amigos. Se empleó en una fábrica de azúcar para pagarse los cursos en los
Granoff Studios. Allí obtuvo sendas becas para estudiar clarinete y saxo por una parte, y composición por otra.
Al término de la II Guerra Mundial fue reclutado por la Marina y destinado en Hawai, donde permaneció un
año. En 1949 ingresó en la banda de Dizzy Gillespie.
El 3 de octubre de 1955 se casó y se instaló en Filadelfia. Dos años más tarde fijó su residencia en Nueva
York. Comenzó entonces su mejor momento creador, junto al pianista Thelonius Monk, haciendo famosos sus
prolongados solos en los que sonaban hasta tres notas simultáneamente (la principal y sus armónicos),
alternando tonos y semitonos. En 1958 se integró en la banda de Miles Davis, con la que ya había colaborado
con anterioridad. Davis, impresionado por la técnica de Coltrane, declaró que su música «suena de cincuenta
maneras distintas, y todas al mismo tiempo».
En 1960 efectuó una gira por Europa, que no tuvo mucho éxito. Poco después editó su disco «Giant Steps»,
que fue acogido con entusiasmo. Su popularidad se afianzó con «My Favorite Things». Por entonces se separó
de Davis y adoptó su primer saxo soprano, un instrumento desconocido hasta aquel momento en el jazz.
Fascinado por las religiones y las músicas africanas, dio testimonio de esa inquietud en «A Love Supreme». En
1964 se separó de su esposa Naima y contrajo matrimonio con la pianista de su banda, Alice McLeod, con
quien tuvo tres hijos. La pareja tocó en los últimos años con Jimmy Garrison, Pharaoh Sanders y Rashied Ali.
Grabaron conciertos en vivo en el Village Vanguard de Nueva York y en una gira por el Japón. Coltrane se
significó también en la lucha por los derechos de las gentes de color, lo que tuvo su reflejo en composiciones
como «Alabama» o «Reverend King».
Dorsey
Los hermanos Dorsey, famosos músicos de jazz, destacaron por su actividad como componentes de las más
prestigiosas bandas en la etapa de esplendor de las big bands. Fueron pioneros entre las orquestas de radio, que
ayudaron a popularizar las incipientes emisoras en Estados Unidos. En los años veinte, ambos hermanos
dirigían la misma banda, pero sus diferentes opiniones les hicieron separarse y organizar sus propias orquestas.
En 1953 volvieron a trabajar juntos hasta su muerte, con pocos meses de diferencia.
Dorsey, Tommy (Shenandoah, 1905-Greenwich, 1956) Fue el más popular de ambos hermanos. Aunque en su
vasta discografía hay pocos innovaciones, su recuerdo ha sobrevivido la prueba del tiempo. En su banda se
consagró Frank Sinatra como cantante.
Dorsey, Jimmy (Shenandoah, 1904-Nueva York, 1957) Clarinetista y saxofonista. Se especializó en música
latinoamericana.
Evans, Bill
(Plainfield, 1929-Nueva York, 1980) Músico de jazz estadounidense, creó un estilo que lleva su nombre. Hizo
su debut profesional a los doce años, y en 1945 comenzó a dirigir una pequeña formación musical. Después
del servicio militar, en 1954 realizó su primera grabación, formando parte de una orquesta que acompañó a
Lucy Reed, y dos años después grabó su primer disco al frente de un trío, New jazz conceptions. En esa época
empezó a codearse con los grandes del jazz: pasó a integrar el grupo de Charles Mingus y, en 1958, Miles
Davis lo llamó para realizar la grabación de «Kind of blues».
Al comenzar la década de los sesenta desarrolló al máximo su nuevo concepto, la absoluta libertad de cada
instrumentista a la hora de tocar las piezas. El trío formado por el contrabajista Scott LaFaro y el batería Paul
Motian siguió esta divisa en discos como «Portrait in jazz» y «Explorations», que avalan la calidad del grupo.
Después de un largo período de crisis, a raíz de la muerte accidental de LaFaro, Evans inició una prolongada
colaboración con Eddie Gómez, en la que también imperaba una total libertad de ejecución. Con esta
formación recorrió el mundo y en 1973 grabó un disco en directo en Tokio, que sorprendió a los oyentes
orientales. En 1979 inició su última colaboración estable con Marc Johnson y Joe La Barbera. Evans aspiraba
a que en el escenario cada músico elaborara su parte al límite de sus posibilidades. Admirador de los
impresionistas, en el último año de su vida colaboró esporádicamente con el cantante Tony Bennet y el
multiinstrumentista Toots Thielemanns. Antes de un recital, Evans no fijaba verbalmente las estructuras de los

220
temas y decía que «el jazz tiene que ser sentido, porque es feeling, no palabras. Las palabras son hijas de la
razón y no pueden describirlo». Fue uno de los músicos blancos que más huellas dejaron en la historia del jazz,
con un estilo basado en una continua utilización de la mano derecha sin complicar las melodías y acompañado
de precisos acordes con la izquierda.
Getz, Stan
(Filadelfia, 1927-Los Ángeles, 1991) Saxofonista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era Stanley
Getz. Fue uno de los representantes del cool y se distinguió por su sonoridad aterciopelada y sin apenas
vibrato, heredada de L. Young. Junto a Charlie Byrd fue el responsable de la difusión de la bossa nova en los
EEUU. Descubrió a Jobim y los Gilberto al público norteamericano. Sus mejores grabaciones son «Jazz
samba» (1962), «Getz-Gilberto» (1963) que incluía la famosa «Garota de Ipanema», «Children of the world»
(1977) y «Poetry» (1983).
Goodman, Benny
(Chicago, 1909-Nueva York, 1986) Clarinetista estadounidense. Nacido en una familia de emigrantes polacos,
pobre y numerosa, aprendió música en unos cursos muy económicos organizados por la sinagoga Kehelah
Jacob. En 1923 dejó su ciudad natal para unirse a la orquesta de Ben Pollack, de Los Ángeles, y en 1926 grabó
su primer disco.
Con veinticinco años formó su propia orquesta gracias a la colaboración de John Hammond, crítico y
promotor de jazz. La primera gira por todo el país fue un fracaso y la banda estuvo a punto de disolverse. El
éxito en la sala de fiestas Palomar de Los Ángeles, en donde el público se arremolinó en torno a la orquesta
para disfrutar de los solos de Benny, logró evitarlo. Acababa de nacer el swing (balancearse), moda que
inundó el país, y Benny era su profeta. Gracias a que su orquesta fue contratada por la NBC para actuar en el
programa Bailemos de los sábados por la tarde, adquirió una enorme popularidad, nunca conocida por otras
formaciones jazzísticas. Suyo también fue el mérito de reunir en una orquesta a blancos y negros: ocurrió en
1938 y en el Carnegie Hall. En 1942, poco después de casarse con Alice Hammond, disolvió su famosa
orquesta y comenzó a estudiar con Reginald Kaell. Su virtuosismo en el clarinete le permitió interpretar
música clásica y dejar a la posteridad memorables grabaciones. Premio Grammy de jazz en 1986.
Gordon, Dexter
(Los Ángeles, 1923-Filadelfia, 1990) Saxofonista de jazz estadounidense. Se formó en las orquestas de F.
Henderson, L. Hampton y B. Eckstine y puso su sonoridad cálida y expresiva, que influyó en J. Coltrane, al
servicio del bop (con D. Gillespie y Ch. Parker). Destacan sus duetos con otros saxofonistas (W. Gray, G.
Ammons y T. Edwards).
Grapelli, Stéphane
(París, 1908) Violinista de jazz francés. Intérprete dotado de un buen sentido del swing y de un profundo
sentimiento romántico, tocó con D. Reinhardt en el célebre quinteto del Hot Club de Francia.
Hampton, Lionel
(Louisville, 1909) Batería, vibrafonista y pianista de jazz estadounidense. Es una de las grandes figuras del
jazz clásico; a partir de 1936, tocó en los grupos de B. Goodman, con quien obtuvo numerosos éxitos, y más
tarde formó su propia orquesta.
Hawkins, Coleman
(Saint Joseph, 1904-Nueva York, 1969) Saxofonista de jazz estadounidense. Inició su carrera en 1922 en la
orquesta de F. Henderson, en la que, por primera vez, convirtió el saxofón en instrumento solista. Su sonoridad
amplia y vibrada y su estilo armónico, ornamental y exuberante, sentaron escuela entre sus numerosos
continuadores. Tocó y grabó con los jazzmen más importantes de su tiempo. Entre sus grabaciones, destacan
«Body and soul» (1939), «How deep is the ocean» (1943) y «Just friend» (1963).
Hodges, John Cornelius

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(Cambridge, 1906-Nueva York, 1970) Saxofonista de jazz estadounidense. Fue el instrumentista más
característico de la orquesta de D. Ellington, en la que tocó de 1928 hasta su muerte, salvo el período 1951-
1955. Está considerado como uno de los mejores saxofonistas del jazz clásico.
Jones, Quincy
(Chicago, 1933) Compositor, intérprete, arreglista y productor estadounidense de música pop y jazz. Comenzó
como trompetista con Lionel Hampton y Dizzy Gillespie. En los años cincuenta escribía arreglos para la
orquesta de Count Basie. Produjo discos de Peggy Lee, Frank Sinatra y Sarah Vaughan. En el cine escribió las
bandas sonoras de «A sangre fría» (1967), «En el calor de la noche» (1969), «El mago» (1978) y «El color
púrpura» (1985). En los años setenta se orientó hacia el soul y produjo a Aretha Franklin, Al Jarreau y Roberta
Flack. Es el productor del disco más vendido de la historia: «Thriller» (1982) de Michael Jackson.
Krupa, Gene
(Chicago, 1909-Nueva York, 1973) Batería de jazz estadounidens. Fue el instrumentista más famoso de su
época y el que llevó al primer plano la batería con sus espectaculares y desenfrenados solos. En 1934 se unió
al grupo de Benny Goodman, el más popular combo de jazz de la época. Alternó su propio grupo con estancias
con Goodman y Tommy Dorsey. En 1952 participó en los conciertos de Jazz at the Philarmonic.
Miller, Glenn
(Clarinda, Iowa, 1904-murió en accidente aéreo entre Londres y París en 1944) Músico de jazz
estadounidense. Glenn Miller estudió en la Universidad de Boulder, Colorado, y en 1926 se convirtió en
trombonista profesional con el grupo Ben Pollack's Band. Hacia 1930 empezó a ser conocido como músico
«free-lance» en los clubes nocturnos de Nueva York. Más tarde organizó diversos grupos musicales, como el
Dorsey Brothers (1934) y Ray Noble (1935).
Los éxitos de Glenn Miller en las salas de baile se basaban en las melodías románticas acompañadas de
orquestaciones muy cuidadas. El sonido del saxofón de Miller se convirtió en inimitable, aunque muchos lo
han intentado copiar desde entonces, y se basaba en preceptos musicales muy sencillos. De sus composiciones
destacan «Moonlight Serenade», «In the Mood», «Sunrise Serenade» y «Serenade Blue», las cuales dieron la
vuelta al mundo. Su fama se debió también a las dos películas que protagonizó: «Sun Valley Serenade» (1941)
y «Orchestra Wives» (1942), aunque la que más contribuyó a que su memoria persistiera entre sus
admiradores fue la película biográfica «Música y lágrimas» (1953).
Algunos críticos sostuvieron que el jazz que tocaban sus orquestas no era puro, aunque la mayoría de ellos
afirmaba que su sonido era la música popular de toda una época. En 1944, mientras viajaba en avión desde
Londres hacia París, desapareció en un misterioso accidente en el que no se pudo rescatar ningún cuerpo. Tras
su muerte, su orquesta se mantuvo unida bajo la dirección del saxofonista Ted Beneke, y en los años ochenta la
Glenn Miller Orchestra siguió tocando con el mismo ritmo y el mismo sonido que el músico hubiera deseado.
Mingus, Charlie
(Nogales, 1922-Cuernavaca, 1979) Contrabajista, compositor y director de orquesta de jazz estadounidense,
cuyo verdadero nombre era Charles Mingus. Participó de forma directa en la revolución del bop. Cultivador de
todos los estilos, en una síntesis de tradición y de libertad formal, creó varios conjuntos y se dedicó a la
investigación orquestal y a la composición. En 1971 publicó sus memorias («Menos que un perro»).
Modern Jazz Quartet

Cuarteto de jazz formado por el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath, el vibrafonista Milt Jackson y el
batería Kenny Clarke. Lewis, su líder, estuvo ligado en los cuarenta al movimiento bebop y Jackson había
tocado con G. Mulligan en conjuntos bop. El grupo llevó un aire clásico al mundo jazz, alternando las
improvisaciones individuales con páginas colectivas perfectamente estructuradas. Entre sus mejores trabajos
figuran los álbumes «Blues at Carnegie Hall», «The art of Modern Jazz Quartet» y «Modern Jazz Quartet and
Laurindo Almeida», con un gran trabajo sobre el «Concierto de Aranjuez» de Joaquín Rodrigo.

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Montgomery, Wes
(Indianápolis, 1925-id., 1968) Guitarrista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era John Leslie
Montgomery. Colaboró en la orquesta de L. Hampton y dirigió varios grupos. Poseedor de un gran sentido del
blues y del swing, elaboró una técnica original de interpretación de su instrumento, que tocaba sin púa. Entre
sus grabaciones, cabe citar «West coast blues», «Natural blue blues» y «The thumps».
Mulligan, Gerry
(Long Island, 1927) Saxofonista, arreglista y director de orquesta de jazz estadounidense, cuyo verdadero
nombre es Gerald Joseph Mulligan. Ha desarrollado una importante labor como compositor y como arreglista.
Destacan sus colaboraciones con M. Davis y sus trabajos en cuarteto sin piano (en especial, el formado junto
con Ch. Baker o B. Brookmeyer). Entre sus grabaciones, cabe citar «Jeru», «Venus de Milo», «My funny
Valentine», «Revelation», «Come rain or come shine» y «Song for Strayhorn».
Parker, Charlie
(Kansas City, 1920-Nueva York, 1955) Saxofonista de jazz estadounidense,cuyo verdadero nombre era
Charles Christopher Parker. Fue el pionero y el más grande representante del be bop, tocando con las orquestas
de J. McShann y E. Hines, con solistas como D. Gillespie, M. Davis o T. Monk, o con su propio quinteto. «Hot
House» (con D. Gillespie, 1945), «Ko ko» (1945), «Parker's Mood» (1948).
Reinhardt, Django
(Liverchies, 1910-Fontainebleau, 1953) Guitarrista belga de jazz, de familia gitana. A los dieciocho años
perdió dos dedos de la mano izquierda, lo que le obligó a crear una nueva técnica guitarrística. En 1934 formó
el Hot Club Quintet junto a Stephane Grapelli, compuesto por un violín, un contrabajo y tres guitarras.
Reinhardt grabó con los mejores músicos de jazz estadounidenses, entre ellos Coleman Hawkins o Bill
Coleman.
Roach, Max
(Nueva York, 1925) Batería de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre es Maxwell Roach. A partir de
1942 participó en la revolución bop como acompañante de sus solistas más relevantes. En 1954 creó, con el
trompetista Clifford Brown, uno de los quintetos más importantes del hard bop. Ha desarrollado una
concepción melódica de la batería de jazz.
Rollins, Sonny (Nueva York, 1929) Saxofonista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre es Theodore
Walter Rollins. Inició su carrera en 1947 y tocó con Ch. Parker, M. Davis y Th. Monk. En 1955 se unió al
quinteto de M. Roach y Clifford Brown y en 1956 publicó una de sus mejores obras («Saxophone colossus»).
Su estilo se caracteriza por una potente sonoridad y por una gran libertad rítmica y armónica. Otros álbumes a
destacar son «Tenor madness» (1956), «Freedom suite» (1958), «The bridge» (1962) y «Our man in jazz»
(1962).
Shepp, Archie
(Florida, 1937) Músico estadounidense de jazz. Aprendió música a los siete años en Filadelfia, y a los doce ya
tocaba el clarinete y el saxo tenor. Cuando aún asistía al Goddard College, en Vermont, el trompetista Lee
Morgan le enseñó las formas de improvisación. En 1958 obtuvo el título de Bachelor of Arts, y al año siguiente
contrajo matrimonio con Garth Jill Gardoze. Tocaba en orquestas de rythm and blues cuando en 1960 trabó
relación con el pianista Cecil Taylor.
En esos años sus creaciones fueron bautizadas como free jazz, new music, new thing o, sencillamente,
«música negra». Shepp se convirtió en un saxofonista de vanguardia que transgredía todas las leyes
específicas del jazz.
En 1965 formó en Chicago la Asociación para el Avance de Músicos Creativos, destinada a promover la
música negra. Shepp formó su propia orquesta y escribió varias obras teatrales, entre las que sobresale «The
Communist», y superpuso a sus textos musicales comentarios y poemas. Entre estos últimos destaca
«Malcolm semper Malcolm», en homenaje al dirigente negro Malcolm X, que murió asesinado. Aspectos

223
concretos de la cultura de los negros se pusieron de manifiesto en sus grabaciones de finales de los años
sesenta, como «Shazam» y «Sorry About You». En 1968 efectuó su primera gira por Europa. Una vez de
regreso en Estados Unidos, y hasta 1972, grabó trece discos. A partir de ese momento, su forma de interpretar
experimentó una evolución que se concretó en su grabación «Goin' Home», interpretada con Horace Parlan en
1979. En 1981 grabó «Trouble in Mind», que representaba una vuelta a cierto clasicismo.
Young, Pres
(Woodville, 1909-Nueva York, 1959) Saxofonista y clarinetista de jazz estadounidense, cuyo verdadero
nombre era Lester Willis Ypung. Tocó con las orquestas de F. Henderson y C. Basie y formó sus propios
conjuntos. Gran cultivador del jazz clásico y del swing, preparó el camino al bop e incluso al cool, y ejerció
gran influencia sobre Charlie Parker y Stan Getz. «Shoe Shine Boy» (1936, con C. Basie), «These Foolish
Things» (1945).
Pianistas de Música de Jazz
Basie, William
(Red Bank, Nueva Yersey, 1904-Hollywood, 1984) Músico de jazz estadounidense. Conocido como Count (el
Conde) Basie, fue un pianista mítico, uno de los más grandes que ha dado el jazz. Su orquesta, la Kansas City
Style, constituida en 1935, se convirtió en una de las mejores del país. La crisis económica provocada por la II
Guerra Mundial obligó a su disolución en 1949, pero antes ya había dejado grabado un sinnúmero de
composiciones extraordinarias, entre las que cabe destacar «One O'Clok Jump» (1937), «Sent for you
Yesterday» (1938), «Swingin' the blues» (1938) o «Blue and Sentimental» (1938). Aunque renació unos años
más tarde de la mano de Frank Sinatra, que le invitó a su show televisivo, su estilo ya no era el mismo. Sin
embargo, en 1961 todavía dejaba a la posteridad un excelente disco, «The Counts meets the Duke», grabado
conjuntamente con la orquesta de Duke Ellington.
De origen humilde, aprendió música en el piano de la casa donde servía su madre. La firme decisión de ser
músico le llevó en 1923 a Nueva York. Durante unos años tocó el piano en las cuevas de jazz de Harlem. En
1929 entró como segundo pianista en el grupo de Bennie Moten, hasta 1935, en que formó su propia banda.
Su temperamento discreto y algo tímido le hizo preferir el papel de acompañante a pesar de ser un excelente
solista, dotado de un potente estilo lleno de swing, como lo demuestran grabaciones como «How Long
Blues» y «Boogie Woogie» (1938).
Brubeck, Dave
(Concord, 1920) Pianista y compositor de jazz de formación clásica, que estudió con Darius Milhaud y Arnold
Schönberg, aportó al jazz elementos propios de la música clásica como la fuga y los polirritmos. Comenzó a
tocar jazz dentro de la corriente cool, pero sus mejores momentos fueron al frente de su Dave Brubeck Quartet
en el que contaba con el saxofonista Paul Desmond, creador del famoso «Take five» (1960), su mayor éxito
popular. Sus trabajos sobre ritmos poco frecuentes, como el compás de 5 por 4, el rondó al estilo de Mozart o
el vals jazzeado son sus mejores aportaciones al mundo del jazz.
Corea, Chick
(Chelsea, 1941) Pianista de jazz, cuyo verdadero nombre era Armando Anthony Corea. Una de las máximas
figuras del movimiento de jazz-fussion o jazz-rock, tocó como músico en los grupos de Herbie Mann, Hubert
Laws y Mongo Santamaría. En 1968 se unió a Miles Davis con el que participó en la etapa más creativa del
trompetista. En 1972 Corea creó Return to Forever, un grupo donde figuraban Stanley Clarke y Al DiMeola.
Sus mejores grabaciones son «Piano improvisations» (1971), «Return to forever» (1972), «Touchstone» (1982)
y «Electric Band» (1986). En 1984 grabó el «Concierto para dos pianos y orquesta» de Mozart.
Ellington, Duke
(Washington, 1899-Nueva York, 1974) Músico estadounidense. De porte tan distinguido y elegante que le
valió el apodo de Duke, fue un pianista de bellísima sonoridad y un sobresaliente autor de música para
orquesta. Creador de un nuevo estilo de jazz, de cuidadoso ritmo y rigurosa aunque heterodoxa interpretación,

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muy individualista y exótica -el inimitable jungle style-, se le considera el compositor y director más
importante de jazz y uno de los más fecundos.
Comenzó su carrera en el Cotton Club de Harlem, el templo del jazz de Nueva York, y tres años después ya era
famoso en todo el país. «Black and Tan fantasy» (1927), «The Mooche» (1928), «Mood Indigo» (1930) o «It
don't mean a thing» (1932) son algunas de las grabaciones de estos primeros tiempos que dan fe de la creciente
maestría de Duke. En 1933 realizó la primera de sus giras por Europa, con una orquesta formada por tres
trompetas, tres trombones, cuatro saxofones, piano, banjo, contrabajo y batería, una formación de la que se
decía que era el instrumento de Ellington, un instrumento para el que poseía un don innato. Reorganizada a
menudo alrededor de célebres estrellas, como Cootie Williams o Johnny Hodges, llegaría a ser una de las más
famosas de la época. A partir del año 1940, la creciente maestría, que había ido perfeccionándose, como lo
prueban «Solitude» (1934) o «Caravan» (1937), llegó a su punto culminante con piezas como «Ko-ko» (1940),
«Concerto for Cootie» (1940), «Black, brown and beige» (1944), una suite orquestal inspirada en la historia de
la América negra, que marcó el inicio de la tendencia, desarrollada en los últimos años, a dedicarse con mayor
frecuencia a trabajos más extensos. Autor de música de películas y de numerosos discos, entre los que cabe
destacar «Pitter panther Patter» (1940) y «Money jungle» (1962), que grabó como pianista, amante de la
música -«Music is my mistress» fue el título que dio a su autobiografía-, actuó asimismo junto a figuras tan
importantes como Louis Armstrong o Count Basie.
Henderson, James Fletcher

(Cuthbert, 1898-Nueva York, 1952) Pianista, compositor, arreglista y director de orquesta de jazz
estadounidense. En 1923 formó la que puede ser considerada como la primera orquesta de jazz, cuyo estilo fue
determinante para el desarrollo del swing en la década siguiente. Contó con instrumentistas (L. Armstrong, C.
Hawkins, B. Webster, R. Eldridge) y arreglistas (D. Redman, B. Carter) de primera fila.
Hines, Earl
(Duquesne, 1905-Oakland, 1983) Pianista y director de orquesta de jazz estadounidense. Es uno de los padres
del piano de jazz moderno. Fue un asiduo colaborador de L. Armstrong y dirigió durante largos períodos su
propia orquesta. Sus grabaciones más destacadas son «Tea for two» (1965), «Once upon a time» (1966), «I've
got a world on a string» (1966), «Earl Hines at home» (1970) y «Back on the street» (1973).
Monk, Thelonius
(Rocky Mount, Carolina del Norte, 1920-Englewood, Nueva Jersey, 1982) Pianista y compositor
estadounidense. Después de tocar varios años en las iglesias donde su madre cantaba, debutó como pianista de
jazz en 1939, formando parte de un cuarteto con el batería Keg Purnell, con quien tocaba en el famoso Milton
Playhouse de Harlem. Allí fue donde se desarrollaron las ideas del nuevo estilo que se llamaría be-bop. Tocó
con los más grandes boppers: en 1941 con Dizzy Gillespie y Kenny Clarke, y más tarde con Charlie Christian
y Charlie Parker. Más adelante tocó con Lucky Millinder y, en 1944, con la orquesta de Coleman Hawkins;
simultáneamente, colaboraba por su cuenta con pequeñas formaciones, que fueron las que le acompañaron en
el momento de realizar sus primeras grabaciones con su firma en 1947. En 1954 se produjo su consagración:
junto a Miles Davis y Kenny Clarke grabó los clásicos «Bag's groove» y «The man I love», que rompieron
radicalmente con los criterios musicales imperantes. En los años sesenta, Monk dirigió un cuarteto en el que
sobresalía el saxofonista Charlie Rouse. Sin ser un superdotado técnicamente y de formación autodidacta, su
importancia fue decisiva como innovador armónico en el campo del jazz moderno, sobre todo por la
utilización de largos intervalos poco habituales, gracias a la constitución de sus dedos. En las improvisaciones
de piano solo, Monk daba lo mejor de sí, aunque también destacó en la faceta de compositor, con algunos
temas clásicos como «Round about midnight», «Off minor», «Blue monk», «Straight no chaser», «Ruby my
dear» o «Monk's mood». Monk también será recordado por su imagen extravagante, siempre con algún
sombrero exótico, y por su espectacular forma de tocar el piano.
Montoliu, Tete
(Barcelona, 1933) Pianista de jazz español, cuyo verdadero nombre es Vicenç Montoliu. Ciego de nacimiento,
ha desarrollado una notable carrera como pianista en trío y como acompañante de grandes figuras del jazz
estadounidense y europeo (B. Webster, L. Thompson, A. Braxton, entre otros).

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Peterson, Oscar
(Montreal, 1925) Pianista de jazz canadiense. Virtuoso brillante, ha combinado la herencias estilísticas de Nat
King Cole, E. Garner y A. Tatum. Ha acompañado a las figuras más destacadas del jazz y ha dirigido sus
propias formaciones, por lo general tríos.
Tatum, Art
(Toledo, Ohio, 1910-Los Ángeles, 1956) Pianista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era Arthur
Tatum. Considerado el mejor pianista de la época swing, se distinguió por su expresividad y gran fantasía
rítmica tanto en solitario como con el trío que formó con T. Grimes y S. Stewart (1943- 1945). «Tiger Rag»
(1933), «Flying Home» (1944, con T. Grimes y S. Stewart), «Sweet Lorraine» (1955).
Waller, Fats
(Nueva York, 1904-Kansas City, 1943) Pianista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era Thomas
Waller. Iniciado como pianista acompañante de blues y en orquestas, se independizó en 1927 y formó en 1934
su propio conjunto, llamado Fats Waller & His Rhythm. Cultivó el rhythm and blues. «Handful of Keyes»
(1929), «Moppin' and Boppin'» (1943).
Trompetistas de Música de Jazz
Armstrong, Louis
(Nueva Orleans, 1900-Nueva York, 1971) Músico estadounidense. Dio los primeros pasos siguiendo a las
bandas de música que recorrían su ciudad natal y se inició tocando la trompeta en las barcazas que surcaban
el Mississippi. En 1922, King Oliver lo contrató como segundo trompeta para su Oliver's Creole Jazz Band, la
más destacada formación de Chicago, con la cual grabó «Dipper Mouse Blue» y «Canal Street Blues». En
1924 Fletcher Henderson le llamó a Nueva York, donde asombró a cuantos le escucharon. Desde entonces se
le tuvo por un innovador constante, profundamente impregnado del estilo New Orleans, y por el auténtico
padre del jazz clásico. Fue el primero en imponer un concepto del ritmo perfectamente coherente, coordinado
con frases simples. Participó en repetidas oportunidades en el Festival de Newport.
Apodado «Satchmo», su particular maestría con los blues hizo que un solista consiguiera entusiasmar como
antes lo hicieran las orquestas. Ninguna colección de jazz que se precie puede dejar de contar con sus
numerosos álbumes (entre los que destacan «Hot Five» y «Hot Seven», grabados entre 1925 y 1928), y con
sus composiciones «Potato Head Blues», «Tight Like This», el solo de la introducción a «West Head Blues»
y el posterior éxito «What a Wonderful World».
En su faceta como cantante, su voz ronca llenó las salas de conciertos, actividad que llevó a cabo casi hasta su
muerte, y las pantallas. Ya en la década de los treinta había intervenido como actor invitado en «Artistas y
modelos», película dirigida por Raoul Walsh, pero entre sus actuaciones inolvidables cabe citar «Una cabaña
entre las nubes» (1943), que rodó bajo la dirección de Vincente Minnelli, la biografía de Glenn Miller,
«Música y lágrimas» (1954, dirigida por Anthony Mann), y «Alta sociedad» (1956) de Charles Walters. Se
despidió con «Hello Dolly» (1969), en la que compartió cartelera con Gene Kelly.
Brown, Clifford
(Wilmington, 1930-Pennsylvania, 1956) Trompetista de jazz estadounidense. Fundó con el batería Max Roach
uno de los quintetos más importantes del «hard bop». Su estilo se caracterizó por un sonido brillante y vital,
con suaves pianos y poderoso vibrato, y por un extraordinario fraseo. Sus mejores discos son «Live at the Bee
Hive in Chicago» (1955) y «Pure genius» (1956).
Coleman, Bill
(París, Kentucky, 1904-Toulouse, 1981) Trompetista estadounidense de jazz. Su verdadero nombre era William
Johnson. Creció y se educó en Cincinnati, donde también efectuó sus primeras actuaciones en la década de

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1920. Se presentó en el mundo del jazz junto a Clarence Paige. Creó una línea bailable caracterizada por los
cambios rápidos, y la dio a conocer con la orquesta de Wess Helvey. En 1926 se trasladó a Nueva York, y allí
se relacionó con los mejores músicos de jazz de la época. En este período fue cuajando su estilo característico,
con inconfundibles solos suaves y equilibrados que tanto habrían de influir en trompetistas posteriores. Hasta
1930 formó parte del conjunto de Charlie Johnson y Ralph Cooper, pero simultaneó esta adscripción con
actuaciones junto a las orquestas de Lloyd y Cecil Scott y de Louis Russell. En 1933 llevó a cabo su primera
gira europea con la orquesta de Lucky Millinder. De regreso en su país se integró en el conjunto de Benny
Carter. En 1934 realizó su primera grabación, con Fats Waller: «Dream Man».
En 1935 regresó a Europa con la orquesta de Teddy Hill, y actuó con figuras como Freddie Taylor y Willie
Lewis. Con este último colaboró también en 1937-1938. También por entonces grabó con Alaix Combelle,
Herman Chittison, Django Reinhardt y Dicke Wells («Hangin' Around Boudon»). En 1937 creó su propia
banda, con la que efectuó una gira por India y Egipto.
Al declararse la II Guerra Mundial regresó a Estados Unidos, y al principio actuó con Teddy Nelson y en
1941-1942 con la orquesta de Andy Kirk. En los años cuarenta efectuó numerosas grabaciones y acompañó,
entre otros, a Noble Sissle, Sidney Bechet, Benny Carter, Teddy Wilson, Coleman Hawkins, Andy Kirk,
Eddie Heywood y John Kirby. En 1948 se estableció definitivamente en París. Continuó con sus giras hasta
1970. En 1981 recibió el premio de la Academia Francesa por el conjunto de su obra. Falleció en Toulouse tres
meses después a la edad de setenta y siete años.
Davis, Miles
(Alton, Illinois, 1926-Santa Mónica, 1991) Trompetista de jazz estadounidense. Creador del llamado jazz cool
y experimentador infatigable de nuevas formas con las que enriquecer su estilo como trompetista, asimiló con
habilidad y sentido personal las influencias de músicos como L. Young, D. Gillespie, Duke Ellington o Ch.
Parker. Este último lo descubrió a los diecinueve años y grabó con él, formando el quinteto de jazz más
importante del momento. Con Parker, aprendió las reglas del be bop y empezó una relación con las drogas que
le causaría serios problemas a lo largo de su vida.
En sus grabaciones junto a músicos como J. Lewis o G. Mulligan, estableció las bases del estilo cool. En los
discos «Miles ahead» (1955) y «Kind of blue» (1957), junto a J. Coltrane, B. Evans y C. Adderley, instauró
una nueva revolución, el jazz modal. A finales de los años cincuenta colaboró con el canadiense G. Evans en
algunos de los trabajos más importantes en el campo del jazz sinfónico. En 1964 fundó, junto con W. Shorter,
H. Hancock, R. Carter y T. Williams, un quinteto que fue considerado como el paradigma del jazz de los años
sesenta. En 1968, junto al teclista Joe Zawinul y el guitarrista J. McLaughlin, estrenó un nuevo estilo, el jazz
rock, con discos como «In a silent way» (1969) y «Bitches brew», el mayor éxito de ventas del jazz hasta
entonces. A lo largo de estos años, Miles jugó con el rock, el soul o el funky, y descubrió a gente como Chick
Corea, Herbie Hancock, Joe Zawinul o Keith Jarrett. Tras un accidente de coche, se retiró de los escenarios en
1976, pero a principios de los años ochenta reapareció con un nuevo grupo eléctrico y una imagen excéntrica,
grabando discos como «You're under arrest» (1985) o «Tutu» (1986). Durante los últimos años de su vida,
convertido ya en una leyenda del jazz y del rock, siguió grabando y actuando en directo con una energía
incansable. Fue también autor del libro «Miles Davis, la autobiografía» (1989). Un infarto de miocardio acabó
con su vida en septiembre de 1991.
Eldridge, Little Jazz

(Pittsburgh, 1911-Nueva York, 1989) Trompetista y cantante de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre
era David Roy Eldridge. Su música, fogosa y original, evolucionó del swing al bop. Grabó, entre otros, con F.
Henderson y C. Hawkins. Su fama empezó como trompetista en la banda de Gene Krupa, de la que pasó a la
de Benny Goodman. A partir de 1950 comenzó a grabar sus propios discos como solista.
Gillespie, Dizzy
(Cheraw, 1917-Nueva York, 1993) Trompetista de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre era John
Birks Gillespie. Tras haber tocado en varias orquestas (C. Calloway, E. Hines, B. Eckstine), sentó con Charlie
Parker las bases de la revolución bop. Al frente de grandes orquestas o de pequeños grupos, se caracterizó por
su virtuosismo instrumental y por su estilo exuberante. Introdujo en el jazz los ritmos afrocubanos. Entre su

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numerosa discografía destacan «One night in Washington» (1955), «Something old, something new» (1963)
«Afro-Cuban jazz moods» (1975) junto a Machito, «Dizzy Party» (1976) y «Closer to the source» (1985).
James, Harry
(Albany, 1916-Las Vegas, 1983) Trompetista y director de orquesta estadounidense, logró mayor popularidad
como intérprete de trompeta, pese a que su big band descubrió, en 1938, un nuevo vocalista llamado Frank
Sinatra. Había sido figura en el grupo de Benny Goodman hasta que en 1938 lo abandonó para dirigir su
propia formación. Aunque tal vez más próximo a la música de baile que al jazz, suavizó su sonido con el
añadido de cuerda. Tocó la trompeta que simulaba interpretar Kirk Douglas, en la película «Young man with a
horn» (1950).
OTROS VIRTUOSOS
Cugat, Xavier
(Gerona, 1900-Barcelona, 1990) Xavier Cugat i Mingall, músico español. Tercer hijo de una familia de cuatro
hermanos. Tras trasladarse a La Bisbal, emigraron a Cuba, cuando Xavier contaba cuatro años. A los doce años
se convirtió en el primer violinista de la Orquesta Sinfónica de La Habana. Allí conoció al gran Caruso y éste
le invitó a acompañarle en una gira por Estados Unidos, durante la cual conoció a su compatriota Pau Casals,
quien le animó a proseguir su carrera como solista sinfónico. Las intenciones de Cugat, sin embargo, iban por
otros caminos. En 1936 formó una orquesta de excelentes músicos especializada en ritmos tropicales, al frente
de la cual colocó a una bellísima cantante, Margarita Carmen Cansino, que más tarde se convirtió en la
célebre Rita Hayworth.
Participó en una veintena de películas, casi todas ellas musicales, en las que, además de actuar con su
orquesta, interpretaba pequeños papeles. Su última intervención cinematográfica la realizó en un filme del
español José A. de la Loma titulado «Nunca en horas de clase». Otras facetas artísticas que cultivó fueron el
dibujo y la pintura. Proyectó siempre una imagen de «bon vivant», rodeado de lujo y de hermosas mujeres,
siempre con una sonrisa en los labios. Se casó y divorció cinco veces, pero afirmaba que mantenía las mejores
relaciones con sus ex mujeres y sobre todo con sus cinco ex suegras. En los años setenta trasladó su residencia
al hotel Ritz de Barcelona, donde permaneció hasta su muerte.
Lucía, Paco de
(Algeciras, 1947) Seudónimo de Francisco Sánchez Gómez, guitarrista español. Empezó a tocar la guitarra
flamenca desde muy joven, iniciado por su padre y su hermano. Su mayor éxito fue seguramente «Entre dos
aguas» (1974), aunque de su abundante y variada discografía también cabe destacar «Fuente y caudal»
(1973), «Fantasía flamenca» (1975), «Almoraína» (1979) y «Siroco» (1990).
Empezó acompañando a grandes cantaores como Fosforito y Camarón de la Isla, con quien grabó varios discos
revolucionarios en el mundo del flamenco hasta la muerte de éste en 1992. También acompañó a la cantante
folclórica Rocío Jurado, aunque más conocidas son sus colaboraciones con célebres guitarristas
internacionales, como Carlos Santana, John McLaughlin, Larry Coryell o Al Di Meola, con quienes
experimentó con el jazz y la fussion, sin dejar de lado el flamenco. Considerado como el mejor guitarrista de
flamenco de todos los tiempos, su pasión por esta música no le ha apartado de otros terrenos musicales, como
las bandas sonoras de películas, por ejemplo, «La Sabina» (J.L. Borau, 1979) o «Carmen» (C. Saura, 1983).
En 1990 actuó por primera vez como solista delante de una gran orquesta (la Orquesta de Cadaqués), en unos
conciertos en Japón, donde interpretó el clásico Concierto de Aranjuez, del maestro Rodrigo. Más tarde editó
en disco el resultado de aquellos conciertos y realizó una gira de presentación por Europa, al mismo tiempo
que grababa un nuevo álbum, que contenía una pequeña colaboración de Chick Corea. En 1991 apareció en el
festival «Leyendas de la guitarra», en Sevilla, donde volvió a tocar con John McLaughlin uno de sus famosos
duelos guitarrísticos.
Paolo Mantovani, Annuncio

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(Venecia, 1905-Tumbridge Wells, 1980) Músico italo-británico. Su estilo musical melódico permanecerá
unido para siempre a películas románticas tales como «Locura de verano», que contaba una agridulce historia
de amor entre Katharine Hepburn y Rossano Brazzi. Antes de llegar a Hollywood, triunfar y ser el primer
autor que sobrepasó el millón de discos vendidos, Mantovani había estudiado música acuciado por el estímulo
de una promesa de su padre; éste, profesor del Conservatorio de Venecia que había tocado bajo la dirección de
Toscanini, se comprometió a cederle un valioso violín Testori cuando fuera capaz de ejecutar sin errores un
concierto difícil.
La I Guerra Mundial sorprendió a la familia Mantovani en Inglaterra, donde pasaron momentos difíciles. A los
once años el pequeño Annuncio debutó en Londres interpretando el «Concierto para violín» de Max Bruch:
iba en camino de conseguir el Testori; a los dieciséis era violinista profesional y a los dieciocho dirigía su
propio quinteto en Birmingham. Luego, ya en la capital inglesa, comenzó a actuar con regularidad en la radio
y al despuntar la década de los treinta formó su famosa Orquesta Típica, que animaba las veladas de un club
nocturno llamado, premonitoriamente, Hollywood. En esos años, al afianzarse el cine sonoro, lo contrató la
productora Gaumont British y se formó como maestro de orquesta de escena. Su fama atravesó el Atlántico y
entre 1951 y 1956 realizó una gira por América y Canadá.
Por su destreza en el uso de las cuerdas y su habilidad para manejar orquestas de más de cuarenta músicos,
Hollywood le reclamó para orquestar y dirigir las bandas sonoras de películas tan famosas como «Mi loco
corazón», «El mago de Oz», «Locura de verano», «Intermezzo», «La colina del adiós», «Lilí» y «Candilejas»,
labor en la que le ayudó su arreglador oficial, Ronald Binge. Obtuvo varios discos de oro y regresó a su patria
adoptiva, que le había concedido el premio Ivor Novello «al personaje más sobresaliente de la música popular
inglesa».

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GLOSARIO XI ESCENARIOS
GLOSARIO XI
GLOSARIO DE ESCENARIOS
Los Escenarios
Si el panorama musical ha experimentado una evolución nítida y radical en el terreno de la interpretación,

también el escenario de las manifestaciones musicales ha sufrido cambios de igual o mayor envergadura.
En lo que al escenario operístico se refiere, es preciso tener presente que en sus orígenes la ópera era un
entretenimiento cortesano, pero no tardó en llamar la atención del gran público. La difusión del género
favoreció la creación de teatros exprofeso en Venecia (1637), Londres (1656), París (1669), Roma (1671) y
Hamburgo (1678). Asimismo, la mayoría de los príncipes germanos tenían salas de este tipo, que con
frecuencia eran abiertas a sus súbditos. Ladislao IV, rey de Polonia, inauguró en Varsovia un Teatro Real
dedicado casi exclusivamente a la lírica italiana.
En 1732 inició su andadura el Covent Garden de Londres; el edificio actual data de 1858 y es el tercero, por
haberse incendiado los dos anteriores. En 1778 se inauguró el Teatro alla Scala de Milán, obra de G.
Piermarini. Parcialmente destruido por un bombardeo en 1943, fue reconstruido según los planos originales.
Después de la Scala (y mientras se implantaba para la sala la planta de herradura en detrimento de la planta de
campana defendida en el s. XVIII por los Bibiena) deben destacarse el bellísimo Gran Teatro del Liceo de
Barcelona (1847, por J.O. Mestres, incendiado en 1861, reconstruido muy pronto e incendiado de nuevo en
1994), teatro erigido por la burguesía local; la Ópera de París (por Ch. Garnier, típico ejemplo del estilo
«Napoleón III», pero que no fue inaugurado hasta 1875) y el Metropolitan Opera House de Nueva York,
abierto en 1883 y reconstruido en la década siguiente a causa de un incendio; en 1966 se trasladó al complejo
artístico del Lincoln Center.
En cuanto a las salas de conciertos, la más antigua que ha llegado hasta nosotros, dedicada independientemente
al concierto y emancipada de la sala de tipo cortesano, es la Holywell Room de Oxford, inaugurada en 1748.
En 1762, la Musical Society de Edimburgo construyó la St. Cecilia's Hall, de forma oval, puesto que ésta se
consideraba como la más adecuada desde el punto de vista acústico. En 1777, otra sociedad, ésta en
Manchester, The Gentlemen's Concert, construyó una sala propia en la calle Fountain. En 1761 se erigió la
primera sala de conciertos pública de Alemania, situada en la Valentinskamp de Hamburgo. Entre 1780 y 1781
nació en Leipzig la nueva sala de Grossen Konzerts, construida íntegramente en madera y proyectada por el
arquitecto Johannes C.F. Dauthe. Es interesante destacar que los espectadores estaban situados en varias filas
de butacas a lo largo de las paredes más largas, dejando un pasillo central. Es también preciso recordar que, a
caballo entre el s. XVIII y el XIX aparecieron salas de conciertos situadas en los propios edificios de los
teatros, como la sala oval del Grand Théâtre de Burdeos (1775-1790, por V. Louis) y el Schauspielhaus de
Berlín, que actualmente dispone de dos salas de conciertos (1819-1821, por K.F. Schinkel).
Posteriormente, la arquitectura de las salas de conciertos se inclinó por modelos prestados de la arquitectura
religiosa. Así, el Odeón de Munich (1826-1828, por L. von Klenze, destruido en 1944) seguía el modelo

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basilical romano y tenía una acústica excelente. Construida gracias a la aportación del rey Luis I de Baviera,
significó el paso definitivo de la categoría cortesana a la pública. Y ya a fines de siglo se fue mucho más allá:
los constructores no eran el Estado o el municipio, sino asociaciones de conciertos o mecenas particulares,
como el Hamburger Musikhalle (1904-1908) o el Carnegie Hall en Nueva York (1891) y Pittsburgh.
Esta evolución va íntimamente ligada al desarrollo del concierto público, que responde a la ideología de la
burguesía liberal: a él acude quien quiere (previo pago de la entrada) y el intérprete es un profesional que
puede exigir unos honorarios y que no depende de ningún príncipe o monarca. Deben destacarse asimismo la
lujosa sala de la Musikverein de Viena (1867-1869, por T. Hansen) con capacidad para más de dos mil
personas; la nueva Gewandhaus de Leipzig (1882-1884), de estilo neoclásico, sala que sirvió de modelo a
ejemplos posteriores como el Concertgebouw de Amsterdam (1881), la Tonhalle de Zurich (1893-1895), la
Philharmonie de Varsovia (1899-1901) y la sala Chaikovski del Conservatorio de Moscú (1901). Totalmente
distinto en el caso del Palau de la Música Catalana de Barcelona (1908; por L. Domènech i Montaner) puesto
que es un ejemplo único de sala de conciertos modernista. En la época actual destacan el Royal Festival Hall
de Londres (1951, por J.L. Marvin y R. Mathew) y la muy imaginativa Philharmonie de Berlín (1963, de H.
Scharoun), en la que el estrado de la orquesta está situado en el centro.
Es frecuente que las salas de conciertos tengan su propia orquesta residente que lleva su nombre: así sucede
con la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, que ha dirigido K. Masur; con la del Concertgebouw de
Amsterdam, dirigida por W. Mengelberg, E. Jochum, B. Haitink y R. Chailly; o con la Filarmónica de Berlín,
dirigida, entre otras insignes figuras, por W. Furtwängler, H. von Karajan y C. Abbado.
GLOSARIO DE ESCENARIOS
Concertgebouw
Ubicada en Amsterdam, la sala del Concertgebouw (en holandés, «edificio para conciertos») es la más
importante de los Países Bajos. Posee una espléndida acústica, especialmente apropiada para interpretar a
Bruckner y Mahler. Fue construida por iniciativa de la sociedad del mismo nombre, fundada en 1883 con el
objetivo de celebrar conciertos públicos. Desde su creación, la orquesta del Concertgebouw, una de las más
destacadas de Europa, ha sido dirigida por W. Mengelberg (1895-1945), E. Van Beinum (1946-1959) y B.
Haitink.
Covent Garden
Nombre otorgado a tres teatros diferentes que, desde 1732, han venido ocupando una misma ubicación en
Londres, sobre lo que con anterioridad era el jardín de un convento (en inglés, «convent garden»). En su
primera etapa, se representaron piezas como «La ópera del mendigo», de J. Gay, y obras de Händel y T. Arne.
El incendio de 1808 obligó a levantar de nuevo el edificio. Durante las temporadas de 1833 a 1842 cantaron
artistas de la talla de M. Malibrán y A. Kemble. A partir de 1851 empezaron a introducirse obras de Verdi y
Wagner, interpretadas entre otros por A. Patti y E. Albani.
Un nuevo incendio en 1856 impulsó la construcción del edificio actual, que abrió las puertas de nuevo en
1858. Desde entonces hasta 1939 (con la excepción del lapso provocado por la I Guerra Mundial), el Covent
Garden fue visitado por la totalidad de los intérpretes de primera fila mundial. En 1892 cambió su nombre por
el de Royal Opera House. Bruno Walter popularizó la ópera alemana durante el período 1924-1931 con obras
de R. Wagner y R. Strauss y las interpretaciones de L. Lehmann, L. Melchior, M. Olczewska y F. Schorr, entre
otros. Sir Thomas Beecham, que dirigió por primera vez en 1910, ocupó el cargo de director entre 1932 y
1939, período durante el cual escenificó Rossini, Mozart y Wagner, con la participación de C. Supervía, K.
Flagstad, T. Lemnitz y K. Thorborg, entre otros, y la dirección del mismo Beecham, ocasionalmente relevado
por directores de la talla de W. Furtwängler, F. Reiner y R. Strauss.
Tras un breve período como sala de danza, el teatro recuperó su carácter de sala de ópera y conciertos en 1946
con la ayuda de un subsidio gubernamental. Desde entonces, se han sucedido en el cargo de director musical
K. Rankl, R. Kubelík (1955-1958), sir Georg Solti (1961-1971), sir Colin Davis (1971-1986) y B. Haitink,

232
además de multitud de directores invitados (Klemperer, Giulini), cuyas escenificaciones han contado siempre
con los más brillantes intérpretes del momento (M. Callas, T. Gobbi). Entre los cantantes de primera fila cuya
carrera se inició o va estrechamente ligada a sus actuaciones en el Covent Garden pueden citarse dame J.
Sutherland, sir G. Evans o J. Vickers.
Fenice, La
Teatro de la ópera de Venecia inaugurado en 1792 y reconstruido en 1837. Fue levantado en estilo neoclásico,
pero presenta una exuberante decoración interior de gusto rococó. A finales del s. XIX pasó a ser uno de los
mayores teatros líricos del mundo y en él se estrenaron varias óperas de Bellini, Donizetti y Verdi. Tiene
capacidad para 1.500 espectadores. En el s. XX ha acrecentado su fama al convertirse en la sede del Festival
Internacional de Música Contemporánea.
Gewandhaus
Sala de conciertos ubicada en Leipzig, escenario desde 1781 (en 1884 se levantó una nueva sala que conservó
el mismo nombre, reconstruida en 1981 según planos de Rudolf Skoda) de los Conciertos de Gewandhaus. A
partir del s. XIX pasó a ser uno de los centros musicales más importantes de Alemania. A lo largo de su
dilatada historia, han dirigido los conciertos directores y compositores de la talla de F. Mendelssohn, A.
Nikisch, W. Furtwängler o B. Walter.
Gran Teatro del Liceo

Teatro de Barcelona, dedicado sobre todo a la ópera. Proyectado por F. Soler, M. Garriga y J.O. Mestres, fue
inaugurado en 1847 con la representación de «Don Fernando de Antequera» de Ventura de la Vega y, tras un
incendio en 1861, fue reconstruido en 1862 por J. Mirabent. Hasta 1883 la ópera italiana fue predominante. En
esta última fecha empezaron las representaciones de Wagner. En 1994 un nuevo incendio destruyó toda la sala
y el escenario, salvándose sólo el vestíbulo, el salón de los espejos y las dependencias del Conservatorio y del
Círculo del Liceo. De gran belleza decorativa y con una excelente acústica, tenía capacidad para unos 3.000
espectadores. Está proyectada su reapertura para 1997, fecha del 150 aniversario.
Metropolitan Opera House

El teatro de ópera más importante de Nueva York. Fue fundado por inversores privados en 1883, y se inauguró
con una representación de «Faust». Bajo la dirección de Leopold y Walter Damrosch, hasta 1891 la mayoría de
las óperas representadas fueron alemanas (Wagner) y cantadas en alemán. Fue reconstruido tras un incendio en
1892, alternándose en la gerencia Maurice Grau (1897-1903) y Heinrich Conried (1903-1908). La amplia lista
de cantantes que actuaron durante dicha etapa incluye a Caruso, Farrar, Fremstad, De Reszkes, Lilli Lehmann,
Maurel o Plançon, mientras que la batuta fue confiada a directores de la talla de Mottl o Mahler. Conried fue
sucedido por Giulio Gatti-Casazza (hasta 1935) que contrató como primeros directores a Arturo Toscanini
(1908-1915) y Tullio Serafin (1924-1934) y cantantes como Tetrazzini, Hempel o Martinelli, hasta el punto de
que virtualmente todos los grandes intérpretes del mundo actuaron en el teatro en una ocasión u otra; cabe
destacar el debut en 1918 de Rosa Ponselle.
Edward Johnson ocupó el cargo de gerente desde 1935 hasta 1950, e inició una política de promoción de
cantantes estadounidenses como Tucker, Traubel o Harshaw. La nómina de directores invitados se amplió con
las batutas de Beecham, Walter, Szell o Reiner. En 1966, y ya bajo la gestión de Rudolf Bing, se inauguró el
nuevo edificio del Metropolitan, situado en el Lincoln Center, sin perder su estatus como uno de los más
importantes teatros de ópera del mundo. El repertorio wagneriano fue perdiendo gradualmente su
predominancia en favor del italiano. En la dirección musical, Rafaël Kubelík (1972-1974) fue posteriormente
sustituido por James Levine.
Teatro Colón
Teatro de ópera y de ballet y sala de conciertos de Buenos Aires. Su platea y seis pisos tienen capacidad para
2.500 espectadores. Fue inaugurado en 1908 con la ópera «Aida». Por su amplio escenario, han desfilado los
más ilustres representantes de la música, de la ópera y del ballet.

233
Teatro de la Scala
Teatro lírico de Milán. Construido según los planos de G. Piermarini, fue inaugurado en 1778 con «L'Europa
riconosciuta», de Salieri, y sufrió la primera de sus tres remodelaciones en 1807. Su enorme prestigio empezó
a cimentarse tras ofrecer los estrenos de importantes obras de Rossini, Donizetti y Meyerbeer. En 1842, bajo la
dirección del empresario Bartolomeo Merelli ofreció la primera representación de «Nabucco». La Scala vivió
sus momentos de mayor gloria con las diferentes etapas de A. Toscanini como director artístico y musical
(1898-1903, 1906-1908 y 1920-1929), el cual estrenó diferentes óperas de Boito, Respighi y Puccini,
especialmente «Turandot», en 1926. Al abandonar Toscanini el puesto a causa de sus irreconciliables
diferencias con las autoridades fascistas, fue sustituido por Victor De Sabata (1930-1957).
El teatro cayó víctima de los bombardeos en 1943; fue reconstruido y reanudó sus actividades en 1948. La
década de los cincuenta estuvo marcada por la enorme influencia de Maria Callas y las producciones de
Visconti de «La Sonnambula» y «La Traviata». Tras De Sabata, la dirección musical fue encargada a
Gavazzeni, Sanzogno y Votto sucesivamente. En 1971 pasó a ocupar dicho cargo Claudio Abbado, y con él se
inició un intento por ampliar la audiencia a un público más joven, política que ha prolongado Riccardo Muti,
director desde 1986.

234

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Glosarios de Música (1998)

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La música occidental antigua, medieval y renacentista

Del Barroco al posromanticismo

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Las tendencias del s. XX

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Dentro de la musicología histórica hallamos disciplinas como la organología, ciencia de la notación,

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GLOSARIO DE LA TEORÍA DE LA MÚSICA

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GLOSARIO DE LA TEORÍA DE LA MÚSICA

auténtico Modo griego cuya escala se compone de dos tetracordios.

GLOSARIOS DE MUSICA PLANETA DeAGOSTINI

consonancia Combinación de sonidos simultáneos según un régimen de armónicos afín. El concepto de

cuarta En la escala diatónica, intervalo de cuatro grados.

dominante Quinto grado de la escala diatónica y el más importante después de la tónica.

heptacordo Sistema formado por los siete grados de la escala diatónica.

hexacordo Grupo homogéneo de seis notas consecutivas.

mediante Tercer grado de la escala diatónica.

modo Distribución de los intervalos en la escala tipo comprendida en el marco de la octava.

octava En la escala diatónica, intervalo de ocho grados.

quinta En la escala diatónica, intervalo de cinco grados.

PLANETA DeAGOSTINI GLOSARIOS DE MUSICA

segunda En la escala diatónica, intervalo de dos grados.

sensible Nombre que recibe el séptimo grado de la escala diatónica.

séptima En la escala diatónica, intervalo de siete grados.

sexta En la escala diatónica, intervalo de seis grados.

subdominante Cuarto grado de la escala diatónica.

GLOSARIOS DE MUSICA PLANETA DeAGOSTINI

acompañamiento Conjunto de elementos musicales que, subordinados a la parte principal, potencian su

politonalidad Superposición, en una composición musical, de melodías que pertenecen a tonalidades

progresión Véase el artículo progresión.

PLANETA DeAGOSTINI GLOSARIOS DE MUSICA

de la pieza, el tiempo de ejecución, la dinámica, la intensidad, la articulación u otros elementos inherentes a la

agitato Con agitación, con inquietud.

calando Disminución de la intensidad del sonido o del ritmo.

crescendo Aumentando de forma gradual la intensidad del sonido.

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piano Término de dinámica que indica una ejecución suave.

prestissimo Indica un movimiento muy rápido.

presto Indica un movimiento rápido.

rinforzando Indicación de un aumento momentáneo de sonoridad.

scherzando Indica una interpretación delicada y graciosa.

tenuto Obliga a sostener los sonidos durante toda su duración.

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accidental Dícese de la alteración transitoria que no figura en la armadura.