TEMA 2: LA MELODÍA EN LA EDUCACIÓN MUSICAL.

INTERVALO, LÍNEA
MELÓDICA, FRASE MELÓDICA. RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA.
TONALIDAD, MODALIDAD Y TRANSPORTE DE CANCIONES. ARMONIZACIÓN DE
CANCIONES Y DE OBRAS INSTRUMENTALES. RECURSOS DIDÁCTICOS PARA
TRABAJAR EN EL AULA.

INTRODUCCIÓN

La música, como lenguaje expresivo, tiene sus elementos gráficos que plasman visualmente
la idea musical y los elementos de la misma. Estos elementos son el ritmo, la melodía y la armonía
que a su vez, generan texturas y formas, géneros y estilos etc.

La melodía es uno de los pilares en los que descansa la Educación musical, junto con el
ritmo y la armonía. Pero es que, debido a su carácter expresivo, la melodía ayuda al desarrollo
cognitivo, físico y emocional del alumnado, consiguiendo de esta forma favorecer a su desarrollo
integral.

Como tesis a lo largo del tema, defenderé que en Educación musical, la teoría solo será
consecuencia natural de aquello que haya sido vivido y experienciado por el alumnado y es que,
siguiendo con las tendencias más actuales en educación (Pensamiento crítico de Perkins,
inteligencias múltiples de Gardner, H., estilos de aprendizaje de wolfk o Bahón, J., Inteligencia
emocional de Goleman, D., interdependencia positiva de Pujolás, P. etc.) nuestro trabajo en el aula
deberá de ser experiencial, cooperativo y adaptable a las características de cada niño y niña para
conseguir así tanto una mayor motivación, como un mejor aprendizaje integral.

Podríamos afirmar, siguiendo a autores como Copland, que la melodía ocupa el segundo
lugar, después del ritmo, siendo este el eje elemental y más básico de la música- El ritmo es algo
innato a la persona y por lo tanto, es el armazón sobre el que se estructura y edifica la música. De
hecho, podemos encontrar ritmo sin melodía pero nunca al revés. Empezaremos a trabajar con el
alumnado desde aquí, hasta conseguir aunar y combinar ambos conceptos, en un tercer momento,
podremos comenzar con el trabajo de la armonía, aunque este elemento requiere un dominio de los
dos anteriores por ser más complejo y considerarse incluso como una disciplina independiente con
sus propias normas.

1. LA MELODÍA EN LA EDUCACIÓN MUSICAL

A. CONCEPTO Y DEFINICIÓN

Etimológicamente, la palabra melodía deriva del latín Melodía que a su vez deriva del
griego “melos” y “ode”, que significa canto.

Según Seguí, S. La melodía es una sucesión de sonidos diferentes entre sí por su duración,
intensidad y entonación, organizado con un sentido música.

La rae además nos dice que esta sucesión de sonidos debe satisfacer al oído y a la
inteligencia, coincidiendo con innumerables autores que dan cierto carácter subjetivo ligado al arte,
la belleza y la expresividad de la misma.

Y Zamacois, nos da una definición mucho más sencilla y literaria, para él, la melodía es una
sucesión de sonidos que expresa una idea, pensamiento o emoción del autor.
 Este carácter subjetivo y expresivo en la melodía era algo en común en las teorías tanto de
Willems como de Copland pues, ambos pensaban que la música y en concreto la melodía, estaban
relacionados con la emoción intelectual, dejando el ritmo al movimiento físico. Sin embargo, ambos
autores estaban en desacuerdo con respecto a la importancia de estos elementos, para Willems, la
melodía tenía preemencia con respecto al ritmo, siendo esta el elemento más característico de la
música; para Copland, la melodía ocupaba el segundo lugar tras el ritmo, teoría en la que estoy
apoyando el desarrollo de este tema por razones ya expuestas.

Para seguir apoyando la misma, podemos hablar de como durante los primeros siglos de la
cultura musical, la melodía lo era todo, pero junto al ritmo subyacente. La melodía acompañaba y
enfatizaba la poesía (ritmo) ocupando el segundo lugar.

Más tarde surge la técnica de la pedal con la que las voces se desdoblan y un sonido
mantenido y persistente acompaña a una melodía que se solapa, dando lugar a la melodía
acompañada y por fin, a partir de esta técnica aparece la polifonía adquiriendo en ocasiones el papel
protagonista quedando el ritmo por fin, equiparado a la melodía.

B. CLASES DE MELODÍAS

- Vocal: Intervalos breves, ritmo lento, extensión limitadas y sin grades saltos para una fácil
entonación. La oda a la alegría de Beethoven es un buen ejemplo

- Instrumental: Posee intervalos más amplios, ritmo más rico y más propio de instrumentos
musicales por lo que es más difícil de entonar. Un ejemplo puede ser la 5º de Beethoven

- Vocal-Instrumental: Es una mezcla de ambas que, a su vez puede ser melódica o no melódica

Además, según el número de melodías que encontramos, podemos diferencias entre:

- Monodia: Una solo melodía

- Homofonía: Es aquella en la que aparecen varias voces o melodías pero todas por
movimientos conjuntos, discurriendo igual
- Polifonía: Es aquella en la que hay variedad de melodías que se van alternando

C. MELODÍA COMO MEDIO EXPRESIVO

Podemos decir como venimos afirmando que el ritmo es primario, elemental, asociado al
movimiento, es inherente al ser humano. La melodía en cambio, tiene más que ver con la vida
afectiva, la sensibilidad e inteligencia emocional, la libertad de expresión, la improvisación y la
expresión por tanto de nuestros sentimientos.

Toda melodía debe obedecer a un equilibrio para tener mayor expresividad, así jugamos con
momentos de tensión y relajación buscando las proporciones justas entre las partes ascendentes y
descendentes de la misma pero claro, no hay recetas elaboradas para conseguir una buena
expresividad ya que eso depende de la persona y la práctica, aunque si podemos utilizar distintas
técnicas como estas y otras que veremos a continuación:

Este poder expresivo de la melodía y la importancia que se le da, hizo que en el barroco y
romanticismo (épocas destacables por su expresividad) fuese observada con vital importancia. Pero
no podemos pensar que este rasgo es solo propio de la música culta, ya que la popular, la folklórica,
las canciones de juegos, fiesta y cualquier otro género, transmiten el mismo espíritu.

Si nos damos cuenta, aún sin entender de música, el alumnado, nosotros mismos o cualquier
otra persona puede interpretar si una melodía le parece triste o alegre (Esto está normalmente
relacionado con el modo menor o mayor de la obra)

Siguiendo a Kodaly o Maneveau, es el canto la base real de la Educación musical, por ello la
melodía está muy ligada al lenguaje. De ahí la enorme importancia de la canción popular en la
lengua materna como instrumento básico para el inicio de la Educación musical.

D.MELODÍA Y DESARROLLO EVOLUTIVO

La música está presente en nuestra vida desde antes incluso de nacer. Álex Prats, Catedrático
de la Universidad de Barcelona, así lo hizo saber en un estudio de 2015. Pero no solo eso, desde el
momento del nacimiento, el bebé crea un vínculo con su madre, su primer referente y, desde luego
la persona que le brindará su primer contacto con el lenguaje, tal y como hace ya siglos y por
primera vez en la historia, explicó San Agustín en su libro “Confesiones”, fue la primera vez que se
habló de la relación directa que tiene el desarrollo del lenguaje con la madre. Y es que este, desde el
nacimiento de su hijo, no solo le habla, lo arrulla, lo tranquiliza durmiéndolo con el susurro de una
nana acercándolo de forma directa a sus primeras experiencias musicales, como vemos,
relacionadas no solo con su desarrollo cognitivo y del lenguaje o puramente musical, sino con algo
tan vital para una persona, como su desarrollo emocional, transmitiendo también cierto ritmo con el
balanceo creando gracias a la música, probablemente uno de los vínculos más fuertes que existen.

A su vez el bebé reacciona a la música a través del contacto visual y el movimiento corporal
moviendo brazos y piernas cuando aún incluso su coordinación está en desarrollo. Empieza pues, la
formación musical del niño.

Tras esta primera etapa de su infancia, la canción formará parte de sus juegos y
dramatizaciones, introduciéndose gracias a ella en el ritmo, la danza y la estética.

E. LA MELODÍA EN LA EDUCACIÓN MUSICAL PROPIAMENTE DICHA.

- Educación vocal: La melodía es fundamental en el ámbito de la educación vocal y, sobre todo en

actividades como la de entonar y cantar sonidos, canciones y ejercicios.

Como vemos, la gran aportación de la voz, es la capacidad de entonación. El principal

problema que encontraremos en los discentes a la hora de trabajar esto va a ser su capacidad de
entonación pues, aunque han recibido un gran baño sonoro, este ha sido de lenguaje hablado, de ahí
que domine su idioma pero presenten ciertos problemas a la hora de reproducir sonidos
anteriormente escuchados. Imagínese cuando este trabajo se complique y pasemos a trabajar varias
líneas melódicas o incluso la armonía.

- Educación auditiva: Todo lo que llega al oído de manera errónea, será reproducida de forma
defectuosa. Por lo tanto, una mala audición puede llevarnos a problemas generales de comunicación
y entonación de sonidos. Los sonidos que nos llegan los enviamos al cerebro para poder ser
procesados, de ahí la importancia de conseguir una buena audición.
 Para trabajar con los infantes empezaremos con canciones familiares, pegadizas y
repetitivas, ya que se ha descubierto que, por un lado es mucho más fácil recordar, interiorizar y
reproducir patrones y frases completas que sonidos aislados y por otro lado, las melodías repetitivas
y pegadizas son más sencillas de recordar e interiorizar.

- Educación instrumental: En primer lugar reseñar que la voz humana es un instrumento y, puesto
que ya he justificado la importancia del canto y la voz junto con la melodía, vemos que es vital
también en la educación instrumental, pues sin un instrumento, no podremos reproducir, es decir,
convertir en sonido o melodía audible lo que antes estaba escrito

- Movimiento y ritmo: Lo que intentamos transcribir corporalmente siempre tiene como base una
melodía rítmica o musical, por tanto, el campo de la expresividad corporal perdería bastante sin esta
melodía.

- Lenguaje musical: Como bien se ha señalado anteriormente, la melodía tiene su base en la

combinación de una serie de signos con reglas determinadas, la música por tanto es un lenguaje y
como tal, debe ser trabajado.

F. RECURSOS MELÓDICOS

Es cierto que no existen reglas precisas para obtener melodías expresivas, pero hay técnicas
para aumentar la expresividad como estas:

- Ornamentación: Decorar la melodía con notas de carácter secundario como notas de paso o
floreos
- Secuencia: Repetir un tema melódico a distinta altura
- Imitación: Repetir la melodía o parte de ella por otra voz
- Inversión: Dar la vuelta a los intervalos de manera que lo que suban bajen y viceversa
- Aumentación: Ampliar en cuanto a la duración los valores rítmicos de las figuras
- Disminución: El aspecto contrario
- Contratiempo: Colocar las notas fuera de sus lugares naturales de acentuación
- Ostinato: Repetición incesantemente de una melodía o fragmento

2. INTERVALO, LINEA MELÓDICA, FRASE MELÓDICA

A. INTERVALO

“Diferencia de altura entre dos sonidos” Sanuy, C.

“Distancia entre dos sonidos” Enciclopedia Salvat de la música

Salvador Seguí nos define el intervalo como la distancia de entonación que hay entre dos
sonidos distintos.

Como vemos, la idea de intervalo surge de la melodía a que no puede haber melodía sin
intervalos y de la misma manera, varios intervalos consecutivos forman una melodía.
 Para medir un intervalo y nombrarlo, contaremos el número de notas que abarca, incluyendo
la primera y la última sin tener en cuenta las alteraciones y le daremos una cifra representada por un
ordinal. Ejemplo: Do-Fa es un intervalo de cuarta (4ª)

A.1. Tipos

Ascendente: Cuando la primera nota es más grave

Descendente: Cuando la primera nota es más aguda

Simple: Cuando entre ambas notas no hay más de una octava

Compuesto: Entre ambos sonidos hay más de una octava

Conjuntos: Notas correlativas

Disjuntos: Notas no correlativas

Melódicos: Suenan primero uno y luego otro de forma consecutiva

Armónicos: Suenan al unísono

Además, atendiendo a su especie encontramos:

Mayores: Las segundas, terceras, sextas y séptimas

Menores: IDEM al anterior

Justas: Cuartas, quintas y octavas

Aumentados: Todos los intervalos pueden ser aumentados

Disminuidos: IDEM al anterior

Para entender esto diremos que cuando bajamos medio tono a un intervalo mayor, este se
convierte en menor y si bajamos medio tono a un menor, este se convierte en disminuido. Es lo que
pasaría con el intervalo DO-Mi, que dentro de una escala mayor, sería un intervalo de tercera
mayor, si bajamos medio tono al mi (Do-Mib) encontramos un intervalo de tercera menor, pero si
bajamos medio tono más (Do#-Mib) nos encontraremos con un intervalo de tercera (porque hay tres
notas) pero que en realidad, se encuentra a tan solo un tono de distancia, por lo que sería un
intervalo de tercera disminuido. Ocurre lo mismo (pero a la inversa si aumentamos estos intervalos
para obtener un intervalo aumentado)

Challey añade otra clasificación cuando se utiliza el doble sostenido o el doble bemol al que
denomina intervalos sobreaumentados y subdisminuidos.

También podemos hablar de intervalos enarmónicos, que no son otras cosa que aquellos
formados por notas de distinto nombre pero que producen el mismo resultado.

Muchas de las corrientes más importantes para la educación musical en primaria se basan en
el trabajo por intervalos, de ahí la importancia que tiene la práctica de los mismos y, sobre todo su
entonación para nuestro día a día con el alumnado en clase.
A.2 OPERACIONES CON INTERVALOS

- Adición: Sumamos el intervalo y restamos uno al resultado (3ª+3ª = 5ª justa)

- Sustracción: Restamos el intervalo y sumamos uno al resultado (3ª-2ª = 2ª)

- Ampliación: Ampliar octavas al intervalo

- Reducción: Reducir octavas al intervalo

- Inversión: Cambiar las notas de forma que la nota inferior pase a ser la superior y al contrario

2.2 LÍNEA MELODICA

A partir de ahora hablaremos tanto de la línea melódica como de la frase melódica pero
antes de entrar si quiera en los conceptos, aclararemos que la línea a grandes rasgos es cada una de
las melodías que encontramos en cualquier obra y que la frase, en cambio, es un fragmento de esa
línea melódica con cierta entidad, que normalmente se encuentra entre frases. Es lo que en lenguaje
podríamos extrapolar como el discurso o la idea de la que estamos hablando y cada una de las frases
del mismo. Claro, salvando las diferencias, en un discurso por ejemplo, tenemos signos de
puntuación entre frases, las pausas en términos musicales, vendrán dadas por silencio o cadencias.

Una vez aclarado esto, empecemos hablando de que una obra musical puede estar compuesta
por distintas voces (melodías) y que cada una de estas voces será por tanto una línea melódica. Su
base está en la sucesividad de sonidos y no en la simultaneidad, pues en ese caso estaríamos
hablando de armonía.

Una línea melódica sería por tanto una concatenación sucesiva de sonidos con mayor o
menor variedad rítmica que se hace con intención comunicativa frente a la concatenación en vertical
que tiene que ver con la armonía.

Si es verdad que una línea melódica es una sola en esencia y no admite la variedad de voces
en su interior pero, formalmente pueden combinarse varias líneas melódicas con un discurrir, ahora
si en vertical pero sin perder de vista la horizontalidad, esto daría lugar a la homofonía.

Dentro de la línea melódica podemos encontrar elementos como el inciso o división rítmica
más pequeña dentro de la idea musical; el motivo o tema, que se refiere a un fragmento musical
breve con sentido completo; el diseño, que es el término más amplio y que se refiere al dibujo
rítmico o melódico o la cadencia que es similar a los signos de puntuación gramatical y se utiliza
para separar partes.

2.3 LA FRASE MELÓDICA

Al igual que en el discurso verbal, en el musical tenemos cadencias, cambios de entonación,

acentos etc. Para poder dar expresividad y sentido a nuestro mensaje.

El fragmento melódico de una cierta entidad, comprendido entre pausas más o menos claras
(marcadas por cadencias) es lo que denominamos frase melódica.
 Esta a su vez puede tener dos o tres semifrases en su interior, siendo así binario o ternaria y,
cada una de estas semifrases puede tener dos o tres motivos al mismos tiempo siendo también
binaria o ternaria.

2.3. A. Fórmulas melódicas

Cuando la frase es inicial, esta puede ser Tética (Empieza en el primer tiempo), anacrúsica
(si empieza más tarde) o acéfala, cuando empieza en los términos intermedios.

Sin embargo, cuando hablamos de los finales de las frases, estas pueden ser Masculinas,
cuando acaban en el primer tiempo; femeninas, si acaban en tiempo intermedios o en el último;
Conclusivas, si terminan en la tónica y por lo tanto en reposo; suspensivas, si terminan en situación
de tensión (Dominante); o inconcretas, si acaban en estados intermedios.

3. RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA

Vivimos en una sociedad tremendamente ruidosa y cuando el niño llega a la escuela está
muy saturado de sonidos, de música incluso, lo cual hace que sea poco receptivo. Es cierto que
normalmente prestamos más atención a los sonidos que destacan, normalmente porque son
superiores en intensidad.

El oído capta todos los sonidos de nuestro alrededor y después somos nosotros quienes
decidimos prestar atención a unos u otros pues, no es lo mismo oír que escuchar.

Teniendo en cuenta lo anteriormente mencionado y que, además, los discentes están más
acostumbrados al lenguaje hablado y pocas veces han tenido experiencias de índole auditivo
musical, debemos recuperar esta capacidad de captar sonidos musicales. Nuestra tarea consiste por
tanto en volver receptivos pero también en volverles selectivos y prepararles para que seleccionan
cada vez mejor, es decir, que tengan un sentido crítico frente a lo que suena para que seleccionen si
es relevante o no. Además, a partir de aquí, trabajaremos para que este análisis sea cada vez más
rápido y profundo.

Para ello, debemos trabajar tres cosas principalmente.

- Discriminación de alturas, sonidos y timbres

- Capacidad de análisis reflexivo
- Capacidad de interiorización y memorización

La audición es el mejor recurso para fortalecer estas habilidades. La escucha el análisis de

canciones de diferentes épocas y estilos interpretadas con diferentes instrumentos, abrirá un abanico
de posibilidades para la comprensión y el reconocimiento de melodías.

4. TONALIDAD, MODALIDAD Y TRANSPORTE DE CANCONES

El sistema musical más usado actualmente continúa siendo el sistema tonal, basado en la
ordenación jerárquica de siete sonidos, de los doce totales de la escala cromática. Estos siete
sonidos forman la llamada escala diatónica con sus tipos y variedades que serán la base de nuestro
estudio.
 A los sonidos de la escala diatónica los llamaremos grados de la escala y los escribiremos
con números romanos para distinguirlos de los intervalos. Cada uno tendrá una función y son los
siguientes dentro de la escala:

I. Tónica

II. Súper tónica

III. Mediante (Nota modal)

IV. Subdominante

V. Dominante

VI. Súper dominante

VII. Subtónica o sensible (Según esté a tono o semitono de la tónica.)

4.1 TONALIDAD

Según Seguí, S. la tonalidad hace referencia al conjunto de relaciones que se establecen

entre los sonidos de una escala diatónica y el primer grado de dicha escala, llamado tónica.

Por lo tanto y atendiendo a este autor, podemos decir que la tonalidad es la ordenación de
los siete sonidos de una escala diatónica alrededor de un eje central formado por la tónica y a la
relación que se da entre todos ellos. El

Cada sonido de la escala tendrá su propia función dentro de la tonalidad que cambiará
cuando se produzcan modulaciones, la función de tónica puede adquirirla cualquier nota.

Los grados que definen la tonalidad son la tónica, posición de reposo; la subdominante y la
dominante (inestabilidad)

Los grados III y VI, por su carácter estable, forman parte de la familia de la tónica, el II
grado forma parte de la subdominante por tener cierta inestabilidad y el grado VII, cuando es
sensible, forma parte de la familia de la dominante por su fuerte carácter inestable.

4.2. MODALIDAD

Atendiendo a Seguí, S. la modalidad es “la manera de ser de una escala”. Por lo tanto
designamos modalidad a la forma en que se suceden los tonos y semitonos dentro de una escala
determinada. EL modo es la organización interna de esos tonos y semitonos.

En nuestro sistema (desde el siglo XVII) utilizamos una estructura bimodal pues solo utiliza
dos modos: El mayor (Jónico) y el menor (eolio), pero no siempre ha sido así, la música modal
utiliza hasta siete modos diferentes llamados jónico, dórico, frigio, lidio, mixolidio, eolio y locrio e
incluso en la antigua música occidental se utilizaron cuatro modos para el canto gregoriano como
eran el ptrotus, deuterus, tritus y tetrardus.
 Lo verdaderamente importante a saber es que la diferente ordenación de tonos y semitonos
nos dará un modo mayor (semitonos entre los grados III-IV y VI-VII) o menor (Semitonos entre los
grados II-III y V.VI)

La aparición de la sensible dio lugar a un tipo de escala menor artificial que se llamó escala
menor armónica.

4.3. DETERMINACIÓN DEL TONO Y EL MODO DE UNA MELODÍA

En general entendemos por tonalidad al conjunto del tono y modo de una escala, para armonizar
una melodía es imprescindible conocer su tono y modo, para ellos atendemos a los siguientes
conceptos:

- Armadura: Son las alteraciones fijas de una escala y aparecen en este orden:
o FA DO SOL RE LA MI SI
- Tonos relativos: Son los que tienen la misma armadura. A cada armadura le corresponden
dos tonos relativos, uno mayor y otro menor que están a distancia de tercera menor
o Para armaduras con sostenidos, el relativo mayor estará a medio tono superior del
último sostenido. Para armaduras con bemoles, el relativo mayor será el que
corresponda al penúltimo bemol de la armadura, si no hay ninguna, la tonalidad será
FA mayor.

4.4. TRANSPORTE

Podríamos definir el transporte como el mecanismo por el cual podemos cambiar las
características de una melodía.

Lo que caracteriza al transporte es el trabajo por intervalos. Al transportar, todos los sonidos
pasan a ser relativos, lo cual nos llevaría a uno de los procedimientos o mas utilizables en la escuela
“el solfeo relativo” promulgado por Kodaly, Z.

Es cierto que el transporte no es algo sencillo y que requiere de unas reglas algo sofisticadas,
pero que una vez asimiladas, harán el trabajo de entonación mucho más sencillo y es que lo que
perseguimos con esta técnica es acomodar una melodía a la altura que nos permita interpretarla
correctamente cuando, en su origen estuviese demasiado alta o baja para nuestra voz o la del
alumnado.
 El transporte se puede hacer mentalmente o por escrito. Lógicamente, un transporte mental
requiere de un gran dominio y entraña una enorme dificultad, pero para trabajar en clase, podemos
hacerlo de forma sencilla y por escrito siguiendo unas reglas básicas:

- Determinar si lo haremos ascendente o descendente

- Determinar la tonalidad
- Calcular la armadura de la nueva tonalidad y la distancia de separación
- Calcular las diferencias de armadura
- Escribir las notas del fragmento más altas o bajas
- Modificar las alteraciones accidentales necesarias
- Recordar estas reglas: Si las diferencias son ascendentes el doble bemol se convierte en
bemol, el bemol en becuadro y el becuadro en sostenido y el sostenido en doble sostenido.
Si son descendentes, el efecto es el contrario.

5. ARMONIZACIÓN DE CANCIONES Y DE OBRAS INSTRUMENTALES

“Armonizar es crear la armonía para una melodía determinado” Zamacois, J.

Según el diccionario de la música, armonizar es la acción y efecto de dotar a una línea

melódica de una sucesión de acordes que le sirva de apoya y constituya un acompañamiento
destinado a ser interpretado por uno o más instrumentos.

Gracias a esta documentación, podría afirmar que la armonización será de gran ayuda para la
instrumentación ya que es el arte de distribuir las partes de una composición armónica entre
diferentes instrumentos.

Para armonizar una canción u obra deberemos conocer su tonalidad y el funcionamiento de los
acordes y su aplicación en la estructura de una línea melódica. Para ello tendremos en cuenta que:

- La armonización suele empezar en el tiempo fuerte del compás

- En nuestro caso, trabajaremos la mayor parte de las veces con canciones infantiles y
tradicionales que se suelen armonizar con los acordes de tónica, dominante y subdominante
- Por norma general, estas canciones empezarán y acabarán con el acorde de tónica.
- Los cambios de armonía estarán determinados por las notas de la melodía
- Los finales de frase y el final de canción se suelen armonizar con acordes cadenciales V-I y
VI-I
- Es habitual contraponer un bajo a las fundamentales de los acordes

Los recursos expresivos más comunes podemos encontrarlos en

- La nota pedal (tónica o dominante)

- El bordón: Que equivale a una nota pedal doble (tónica-dominante o tónica subdominante)
- El ostinato formado por fórmulas melódicas o rítmicas que se repiten durante toda o una
parte de la pieza musical

6. RECURSOS DIDACTICOS PARA TRABAJAR EN EL AULA

Debido a que en este epígrafe no se nos indica qué debemos trabajar realmente en el aula o
qué recursos desarrollar, realizare un pequeño recorrido por los principales puntos a trabajar con el
alumnado así como los recursos y formas bajo mi punto de vista más atractivos y efectivos para
ello.

6.1. EL TRABAJO INTERVÁLICO

Lo que resulta muy interesante es asociar la percepción de las distintas alturas con su
representación gráfica corporal, intentaremos pues que los discentes nos demuestren que captan la
diferencia de altura entre las notas.

Como bien señala Wolfk, A. por estadística, en clase nos encontraremos alumnos con
distintos estilos de aprendizaje (Visual, auditivo y kinestésico). A menudo, desde la enseñanza
tradicional, se ha insistido en modelos de aprendizaje exclusivamente auditivos o visuales (escuchar
la explicación del docente, gráficas y ejercicios en la pizarra etc.) y, por supuesto, desde la
educación musical se enfatiza también en estos estilos desde la escucha atenta y crítica, desde la
lectura musical etc. Pero, ¿Qué pasa con el alumnado kinestésico? No podemos olvidar que
aproximadamente un 30% del alumnado aprende y entiende mejor el mundo desde el cuerpo, desde
el movimiento y las sensaciones tal y como afirma esta autora y otros como Bahón, J.

A. RECURSOS GESTUALES

De ahí que desde nuestra especialidad, utilicemos recursos corporales, en este caso podrían
ser:

- Son la mano, todos los alumnos con los ojos abiertos, en una primera fase mirando al profe
sitúan su mano en distintos planos de altura según los diferentes sonidos. En un segundo
momento, podrían intentar no solo señalar más o menos altura entre el intervalo, sino
también la distancia aproximada que creen que puede haber
- Más tarde, podemos eliminar el estímulo visual, cerrando los ojos y dejándonos guiar
únicamente por el sonido y para un trabajo más kinestésico, podemos utilizar todo nuestro
cuerpo agachándonos o levantándonos en función de la distancia interválica que
estuchemos. Esto conectará además con la expresión corporal.

B. RECURSOS GRÁFICOS

Representación no convencional de los intervalos mediante puntos o rayas. Intentemos que

todo aquello que hemos demostrado corporalmente quede plasmado en nuestras libretas indicando
la distinta altura interválica con puntos, por ejemplo.

Lógicamente, este es el primer paso para llegar a representar los intervalos de forma
convencional en un pentagrama.

C. RECURSOS MATERIALES

Los instrumentos con láminas, además de ser atractivos y divertidos, nos permiten trabajar
los intervalos. Podemos ver cómo están ordenados los sonidos al escucharlos, suprimir láminas etc.
Un piano es un instrumento que puede ayudar mucho en este caso como cualquier teclado o
sintetizador pero, puesto que no siempre será posible disponer de estos instrumentos, podemos
utilizar cualquier carrillón, xilófono etc. O incluso la flauta dulce.
 Soy un amante de los instrumentos de cuerda pero considero los anteriormente mencionados
más recomendados para el trabajo interválico debido a la dificultad de discriminación visual de las
notas y su altura por parte del alumnado en un primer momento (con una guitarra, por ejemplo) y
por preferir este instrumento para otros ejercicios como por ejemplo la armonía de canciones,
además de requerir por parte del docente de una serie de conocimientos que no tiene por qué tener.
Podemos trabajar los intervalos con el alumnado con un teclado o carrillón por ejemplo sin ser
pianistas, pero no hay necesidad de complicarse con un instrumento que no dominemos cuando
realmente tenemos tantas opciones tan buenas o incluso mejores a nuestro alcance para este trabajo.

6.2 RECURSOS PARA EL TRABAJO DE FRASES MELÓDICAS

A. LA AUDICIÓN: Nos permitirá captar las cadencias, reposos y puntos clave que separan
frases melódicas

B. La lectoescritura: Mejorará el nivel para analizar los fraseos de una pieza musical

C. Improvisación de Melodías: Que permitirá al niño entenderlas y construirlas

C. Interrelación entre el lenguaje verbal y escrito con el musical: Que permitirá al niño
entender la estructura del lenguaje

Hay que tener en cuenta que la tonalidad, la armonización y el transporte son conceptos que
tendrá que dominar el profesor pero que no será necesario que el niño de primaria lo asimile
completamente.

6.3 RECURSOS MATERIALES

- Aula espaciosa y con pocos ruidos externos

- Pizarra normal y pautada
- Medios audiovisuales adecuados
- Instrumentos de sonido determinado
- Material de escritura
- Bibliografía adecuada

6.4 PROPUESTA DE ACTIVIDADES

- Utilizar palabras bisílabas para reconocer y afinar intervalos

- Adecuar una melodía a una frase rítmica dada
- Inventar una melodía para un texto dado
- Reconocer melodías y canciones sencillas a través de la audición, del canto o de la
interpretación instrumental
- Dictados melódico-rítmicos
- Utilizar la fononimia para la interiorización de los intervalos

7. CONCLUSIÓN

8. BIBLIOGRAFÍA
PARTE 6 BIS

VI. RECURSOS DIDÁCTICOS PARA TRABAJAR EN EL AULA.

VI.1 Generalidades.

Tanto la legislación actual como las tendencias psicopedagógicas, nos dicen que el niño entiende el
mundo de forma global y así debe de ser nuestro trabajo en el aula. La realidad artística es global
como también lo será nuestro trabajo pasando por todos los bloques. Debemos de considerar la
progresión y la continuidad partiendo de la realidad experiencial del alumnado y dando al mismo
protagonismo en su quehacer. Plantearemos como bien sabemos el procedimiento desde el juego
con la triple visión conceptual, procedimental y actitudinal que prima en todos los contenidos, de
esta forma, una vez que los discentes sean capaces de prestar atención, desarrollar una escucha
atenta y activa y expresarse musicalmente, les haremos ver que hacen algo más que jugar, están
haciendo música. Igualmente partiendo del juego, el otro procedimiento será la improvisación.

VI.2 Propuestas de actividades.

Utilizar palabras para hacer música:

- Planteamiento.

1) Recitar palabras bisílabas. Se iniciará proponiendo ejemplos de este tipo de palabras, como luna,
mesa, etc. podremos observar que todas las que irán expresando tendrán el mismo acento (bisílabas-
llanas), acción claramente intuitiva.

2) Copiar en la pizarra las palabras expresadas, que posteriormente se leerán y se palmearán.

Asimismo, al desarrollar este punto, se ejemplificará golpeando la primera sílaba más fuerte y la
segunda más suave: ca-sa.

3) Entonar las palabras. Jugar a llamar a alguien utilizando el intervalo de 3ª menor (Sol-Mi).

Podemos jugar con el lenguaje recitando o cantando palabras bisílabas. También se podrá hacer con
palabras trisílabas, polisílabas. Se hará mediante juegos de `eco´, con la condición de que no se
interrumpa el juego, sino que sea fluido y siempre con la misma velocidad. Después se ampliará a
juegos de preguntas-respuestas, en los cuales veremos claramente reflejada la creatividad del
alumno y nos servirá de evaluación, comprobando de una forma intuitiva si se produce el
aprendizaje según lo previsto. En caso contrario nos detendremos a reforzar con nuevas actividades
antes de seguir ampliando.

Dada una frase rítmica, dotarla de una melodía:

+ Planteamiento.

1) Dada una frase rítmica, la leeremos o palmearemos o tocaremos en un instrumento de sonido

indeterminado (proponemos tres opciones, con dificultad creciente, en función del nivel de
conocimiento del que se parta).

2) Improvisar una melodía adecuada a la frase rítmica.

3) Hacer sonar la melodía creada en un instrumento de sonido determinado. Cantar lo que suena y
hacer posteriormente una valoración de su creación.

Schoch nos aclara respecto a este tipo de actividades:

Cada frase rítmica que forma un todo será dotada de una melodía por los alumnos.

Los niños podrán tararear, tocar la flauta o tal vez (y esto sería una hazaña especial) repetir
solfeando lo cantado, tocarlo en distintas tonalidades, ponerle letra, etc.

Utilizar un texto para hacer música:

Planteamiento: Se propone trabajar frases, refranes, poesías, adivinanzas, etc.

a) Pasos propuestos para trabajar una frase.

1. Decir una frase.
2. Buscar los acentos.
3. Situar las pulsaciones y marcarlas.
4. Representar gráficamente el ritmo.
5. Colocar las líneas divisorias.
6. Crear una melodía.

b) Pasos propuestos para trabajar una poesía:

1. Escribir una poesía de cuatro versos.

2. Buscar los acentos del primer verso.
3. Situar las pulsaciones y marcarlas.
4. Representar gráficamente el ritmo.
5. Colocar las líneas divisorias.
6. Crearle una melodía.
7. Ídem en los demás versos.

A través de las palabras, de una forma sencilla, los alumnos van incorporando el conocimiento del
lenguaje musical. En estos ejercicios, los niños y las niñas entonarán dando a cada sílaba el valor y
notación que luego tendrán estas melodías cuando las pasemos a escritura y lenguaje musical.

Rudolf Schoch nos apunta:

Reconocer melodías y canciones sencillas:

+ Planteamiento.
1º Partimos del supuesto de que previamente, los niños y niñas poseen un pequeño bagaje de
conocimiento de canciones, en base a las cuales desarrollaremos esta actividad. Por ejemplo,
partiremos de las siguientes canciones que aparecen recogidas por Luis Elizalde, en su obra Canto
escolar I:

2º Presentar la melodía de una de las canciones anteriores, ya sea a través de la voz o a través de
instrumentos musicales.

a) A través de la voz:
- Tararear la melodía con `la, la, la´.
- Reconocer la canción y decir el título.
- Jugar con la canción.

b) A través de una instrumento musical:

- Tocar la melodía de una canción en un instrumento como: órgano, piano, metalófono, xilófono,
flauta, etc...
- Reconocer la canción y decir el título.
- Jugar con la canción.

Es importante que los niños y niñas hayan aprendido recientemente las canciones que pretendemos
que reconozcan. En forma de juego, presentamos los primeros compases, tarareándolos hasta que
los reconozcan. Como final del juego, podrán cantar la melodía hasta el final.

Conquistar auditivamente los intervalos:

Según Schoch, <<... durante los primeros tres años, el espacio sonoro, se conquistará en el siguiente
orden: Sol- Mi; Sol-La-Sol-Mi; Sol-Mi-Do; Do-Mi-Sol; Mi-Sol-Do; Sol-La-Sol-MI-Do; Sol-La-
Sol-Do'; Do-Mi-Sol-Do'; Sol hasta Do y Do hasta Sol (canciones pentatónicas); Do hasta LA, y La
hasta Do; Do hasta Do'. Ampliando hasta el Sol grave y el Mi agudo. Hay que detenerse mucho
tiempo en los comienzos; es la única manera de obtener seguridad>>.

Willems, por su parte, no indica al respecto: <<>> (Willems, 1976).

Mª Pilar Escudero, en su obra Educación musical, rítmica y psicomotriz nos proporciona una serie
de canciones, que nos sirve para trabajar los intervalos, siguiendo una metodología similar a la
seguida por Schoch.

Otros tipos de actividades (sugerencias):

- Dictados rítmicos-melódicos.
- Dictados melódicos.
- Cambiar de tonalidad comienzos de canciones.
- Componer finales de canciones.

6.3 Recursos materiales.

- Aula espaciosa, iluminada, y a ser posible alejada de ruidos externos.

- Pizarra normal y pautada.
- Franelograma.
- Papel pautado.
- Papel contínuo, cartulinas y lápices de colores o de cera.
- Instrumentos de sonido determinado.
- Medios audiovisuales: magnetófono, tocadisco, discografía específica, diapositivas,
transparencias, etc...
- Bibliografía específica del alumno y del profesor: libros de canciones, textos del alumno, guías
didácticas de Ed. Musical, etc.

INSTRUMENTACIÓN

Tomando como referencia la metodología propuesta por Orff, en principio el acompañamiento

deberá ser exclusivamente rítmico, y más concretamente monorrítmico. "Esta monorritmia propia
en el desarrollo primero de los niños se reflejará en las figuras musicales más simples que, por su
uniformidad en la repetición, hacen factible el grupo orquestal, incluso con los niños más pequeños"
(Sanuy y González).

Es obvio que la expresión musical en los niños es elemental; por tanto, todos los medios e
instrumentos musicales que utilicemos deberán ser sencillos y de fácil manejo, y los niños no
deberán encontrar problemas para su práctica. Todo ello nos lleva a la utilización de los
instrumentos de percusión elementales, utilizados normalmente en las escuelas, y como dice Orff,
"la técnica percusionista es la más primitiva y los niño pueden convertirse en instrumentistas desde
el primer momento".

La forma más sencilla y más primitiva de acompañamiento instrumental es el ostinato, el bordón y

la nota pedal. tales técnicas las dominará el niño sin ningún esfuerzo manual ni cerebral.

- La nota pedal es la más común y la más sencilla, de gran efecto y de suma utilidad para la
comprensión práctica de la melodía. puede utilizarse en el bajo o en el soprano, indistintamente, y
expresarse con distintas medidas rítmicas.

- El bordón, equivalente de la nota pedal doble, es muy idóneo para la armonización instrumental y
vocal.

- el ostinato es, quizás, la figura musical más apreciada por los niños, la más útil para la
instrumentación por su gran efecto armónico y la más formativa, dada su repetición obstinada.

V.1 Acompañamiento con bordón, nota pedal y ostinato.

- Bordón. Está formado por la tónica y la dominante del tono. Se emplea preferentemente en el bajo
y presenta diversas variaciones.

a) Bordón simple:
Armónico:

Alterado

b) Bordón doble:
Con cambio de 8ª

Con cambio de intervalo:

c) Bordón flotante:
Con 5ª móvil

Con floreo

- Nota pedal. Se forma con la Dominante en 8ª. Es interpretada generalmente por los metalófonos,
debido a que su sonido, de larga duración, es adecuado para la interpretación de estas notas largas
que acompañan a la melodía.

A) Nota pedal en dominante:

B) Por extensión formamos pedal también con tónica:

- Ostinatos. Los ostinatos son fórmulas que se repiten durante toda o parte de una obra musical,
sirviéndole de acompañamiento.

Existen varias posibilidades:

+ Ostinato rítmico. Para instrumentos de sonido indeterminado y corporales.

+ Ostinato melódico-rítmico. Fórmula melódica de 1 a 4 compases de duración.
+ Ostinato armónico. Formado por intervalos, acordes, notas simultáneas, etc.

Para acompañar una melodía con ostinatos es frecuente extraerlos de la misma melodía y adecuarlos
a la misma según su sentido armónico.

La nota predominante del ostinato debe coincidir armónicamente con la melodía, y las demás,
situadas en partes rítmicas menos importantes, harán el papel de notas de paso o floreos.

Si el ostinato es movido, se asignará a los xilófonos. Cualquier instrumento puede llevar un

ostinato. Y los ostinatos pueden simultanearse en una misma composición.

V.1 Armonización con acordes tonales.

Toda pieza musical está concebida dentro de una determinada organización sonora. En el caso de la
música escolar, la tonalidad mayor y menor constituye la organización sonora más frecuente. Las
escalas de Do M y La m son los modelos de la tonalidad bimodal, las demás son un transporte de
éstas.

V.2 Pasos para la armonización e instrumentación de una melodía.

- Armonización:

1) Se establece la melodía base.

2) Se armoniza según las notas de la melodía base.
3) Se contrapone el bajo con la fundamental de los acordes.
4) Se completa la armonía.

- Instrumentación:

1) Se aplica el bordón a los instrumentos graves, y los acordes.

2) La nota pedal con dominante o tónica en los instrumentos intermedios de metal, si procede.
3) Se realiza el relleno de la armonía con los instrumentos intermedios de madera. Estos podrán
moverse más que los metales; los ritmos dependerán del carácter de la canción, o bien se aplicarán
en contraste con la melodía y entre sí.
4) En algunos casos se podrán componer ostinatos con motivos melódicos-rítmicos de la propia
melodía.
5) La percusión indeterminada se prestará al carácter rítmico y temático de la melodía.
6) Los carillones son más adecuados para el adorno agudo de la melodía.