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OCCIDENTALES”
IMPRESIONISMO
El expresionismo viene de ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más
subjetiva. Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser
humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí
tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco,) pero fue en esta atmósfera pre-
bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel
intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predomina la
visión interior del artista la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad la «impresión».
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una
forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser
humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se
ve alienado, aislado.
Hoy sigue existiendo el expresionismo. Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente
artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro
escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:
ETAPA PRE-EXPRESIONISTA: Dos figuras abrieron la puerta al
expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y
Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En
definitiva la disección del alma humana.
DIE BRÜCKE (EL PUENTE): En 1905 nace en Dresde «un
puente para sentar las bases de un arte de futuro». El grupo Die
Brücke, liderado por Kirchner, pretendió influir en la sociedad
destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre
y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista.
El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras
angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les
interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que
podían plasmar su concepción del arte de una manera directa,
dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo
que tanto admiraban.
DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL): Surgió en múnich
en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en
la que imperaba la libertad creadora y -otra vez- la expresión personal
y subjetiva de las obras.
distaban de die brücke por no tener una actitud tan temperamental,
una plasmación casi fisiológica de la emotividad. der blaue reiter
pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la
esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. en vez
de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción. Finalmente hay que citar
aparte el expresionismo libre de la escuela de parís, un grupo de gentes aún más variopinta
que se crió en ese clado de cultivo que fue el parís de entreguerras (1905–1940). como
esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el
expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían
una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como «les maudits» (los malditos) y crearon un
arte heterodoxo,generalmente bohemio y torturado.
POSTIMPRESIONISMO:
También llamado "Neo impresionismo" o "Postimpresionismo"
es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del
siglo XIII -XIX y principios del XX posteriores al
impresionismo. es representado como continuación y
contraposición al Impresionismo, toma elementos de este,
pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.
Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores
puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de
pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo
se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su
conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos
modernos y contemporáneos.
CARACTERÍSTICAS DEL POSTIMPRESIONISMO:
De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas
cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época
Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad
La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto.
El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que
se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos
exóticos, especialmente de oriente.
Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del
cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con obras como:
"Un cangrejo de espaldas".
En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los
colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales del 1870 -1965 . Las
barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad
que hasta hoy perdura.
ANTECEDENTES:
Todos los artistas agrupados bajo el término posimpresionismo conocieron y practicaron en
algún momento los postulados impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la
segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos
vigentes en el arte.
Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus
propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos
de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el
posimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.
El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura.
Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos
y la claridad de las líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en
sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el
objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera,
difícilmente perceptible y reproducible.
Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron
la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho pero no en su concepción estática y
permanente sino percibida en ese momento casi único. El pintor impresionista pintaba in situ y
terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el
propio espacio no se delimitaban con líneas siguiendo los cánones renacentistas sino que se
formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos.
La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la luz y su movimiento, utilizando una
rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque el color negro, según decían, no
existía en la naturaleza
PRINCIPALES REPRESENTANTES:
GEORGES SEURAT: denominado neo-impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo
ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del
color y una mayor libertad formal.
Detalle de La Parade(1889), obra
puntillista de Georges Pierre Seurat
SURREALISMO
TERMINOLOGÍA:
El término proviene del francés: surréalisme
Fue acuñado por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1917. En el programa de
mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917).
También es definido como: Una realidad que se supera.
DEFINICIÓN:
El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en
la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton
(padre del surrealismo) cuando en 1924 escribió el Manifiesto surrealista :
"Automatismo síquico en su estado puro, por el cual uno se propone expresarse
verbalmente, mediante la palabra escrita o de cualquier otra manera, lo que realmente
ocurre con el pensamiento."
El surrealismo buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin
correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que
nunca seguían un razonamiento lógico.
De este modo el surrealismo encajó bien en la pintura, ayudado por el ambiente post
Primera Guerra Mundial, donde se querían romper los límites que la razón venía
imponiendo durante siglos.
ANTECEDENTES:
Al principio el surrealismo era un movimiento fundamentalmente literario ,luego surge
un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de dictado mágico,
procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más
tarde sería recogido por pintores y escultores.
Los surrealistas señalaron como precedentes a varios pensadores y artistas, como el
pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros.
Las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud sobre el sueño y el subconsciente fueron
sin duda uno de los pilares en la creación del pensamiento surrealista.
La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925.
TIPOS:
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del
surrealismo: -surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del
automatismo puro, como André Masson o Joan Miró
-surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (del sueño o relacionado con las
imágenes y sucesos que se imaginan mientras se duerme), entre ellos René Magritte,
Paul Delvaux, o Salvador Dalí .
Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías.
ARTISTAS:
SALVADOR DALÍ, utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los sueños ; lo llamo el
método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da
Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y
técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos
imágenes en una sola configuración.
MAX ERNEST, creador del frottage , consiste en frotar un lápiz sobre una hoja
colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese
objeto
JOAN MIRÓ, cultivó un estilo prístino, infantil, y más onírico . Su surrealismo se
desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles
(El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del
mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas
(Personaje lanzando una piedra).
ÓSCAR DOMÍNGUEZ, inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel
el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego
se despegan antes de que se sequen)
RENÉ MAGRITTE, basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado
denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado
y el real
GIORGIO DE CHIRICO, su pintura metafísica intenta retomar la pintura figurativa
propia del Renacentismo, donde está muy presente la representación con perspectiva.
MAR CHAGALL, sus pinturas, están llenas de un humor y una fantasía que
encuentran su resonancia en el subconsciente.
PAUL KLEE, sus cuadros aluden a los sueños, la poesía, la música
Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los
surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el
raspado, el ''fumage'' y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
DATO CURIOSO:
Frida Kahlo (1907-1954) fue una pintora mexicana reclamada por Breton como
surrealista, aunque Kahlo rechazó la etiqueta.
OBRAS:
“Los amantes’’
-René Magritte - “El vestido de la novia’’
-Max Ernst-