L’A RT DE N ° 27

l Art de l Aquarelle N 27

LE MAGAZINE D’ART DES AQUARELLISTES

SAVOIR-FAIRE
DYLAN SCOTT PIERCE
Les subtilités Peindre l’Afrique
du visage, avec passion
REGARD, DESSIN
COULEURS…

PANORAMA DE
L’ACTUALITÉ

2016
VERA DICKERSON AVANT-PREMIÈRE
TRIMESTRIEL - 4 DÉCEMBRE 2015/1 MARS 2016

p. 56
JOUER AVEC LES TEXTURES LA BIENNALE
L 19046 - 27 - F: 8,00 € - RD

ET LES TRANSPARENCES DE SHENZHEN p. 46

ET AUSSI…
RIU ZHOU
NAOMI TYDEMAN
DUSAN DJUKARIC PATY BECKER
L’ATMOSPHÈRE DES MIKE KOWALSKI
SCÈNES URBAINES p. 24 JEAN VIGUÉ…
IMPRIMÉ
EN FRANCE
SOCIÉTÉS D’AQUARELLE : Posez votre candidature • Les gagnants du concours portrait
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de Pratique des Arts

et

Aquarelle, huile, pastel, techniques mixtes…

LE MAGAZINE ÉVÉNEMENT :
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Plus de 120 parutions et 40 hors-séries plus tard, nous publions un

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artistes et les talents de demain, et, comme toujours, pour vous livrer leurs
secrets, un Guide Pratique riche en gestes clés. Rencontres inédites,
révélations surprenantes, évolutions techniques décryptées viendront
tour à tour nourrir ce numéro fortement enrichi de gestes, d’astuces,

le DVD de photos marquantes mais aussi de confessions poignantes.

AU SOMMAIRE :
• Le Portfolio des 20 ans
• 20 rencontres inédites
• Le guide pratique des grands maîtres
• Les talents « coup de cœur » de demain
• 20 années d’évolution du statut de l’artiste
• Le guide des meilleures astuces à conserver
de modifications.

• Les questions techniques que vous ne vous

êtes jamais posées.
Visuels non contractuels,, susceptibles
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Une soif
d’enchantement
POUR UN AQUARELLISTE, CHAQUE TOUCHE POSÉE
SUR LA FEUILLE EST LE FRUIT D’UNE RÉFLEXION IN-
TÉRIEURE PLUS OU MOINS CONSCIENTE, ET CHAQUE
GESTE DÉCOULE DU PRÉCÉDENT : ICI, APPORTER DU
CONTRASTE, LÀ, ÉQUILIBRER UNE TEINTE. CETTE IN-
TELLIGENCE PEUT ÊTRE, SELON LA FAÇON DE FAIRE
DE L’ARTISTE, PLUS OU MOINS RÉFLÉCHIE, FRUIT D’UNE
LENTE ÉLABORATION, OU AU CONTRAIRE ÊTRE SPON-
TANÉE ET VIVE, DANS LE FEU DE L’ACTION PLUTÔT QUE
DANS LA SPHÈRE DE LA PENSÉE. POURTANT, QUELLE
QUE SOIT LEUR MANIÈRE D’ENVISAGER LA PEINTURE,
TOUS LES ARTISTES SE POSENT NÉCESSAIREMENT UNE
QUESTION, PRIMORDIALE, AVANT LE DÉPART DE TOUTE
En couverture : Dylan Scott Pierce,
NOUVELLE ŒUVRE : PAS UN PEINTRE QUI NE SE DE- Token of Honour.
91,30 x 73,60 cm.
MANDE AU FOND DE LUI-MÊME POURQUOI IL PEINT ET
POUR QUELLE RAISON, INLASSABLEMENT, IL OU ELLE SE RETROUVE RÉGULIÈREMENT FACE
À SA FEUILLE VIERGE. À LA FOIS SI INTIMIDANTE ET SI PLEINE DE PROMESSES.

JAMAIS SANS DOUTE CETTE PRISE DE CONSCIENCE N’A ÉTÉ AUSSI ÉVIDENTE, ET CLAI-
REMENT FORMULÉE, QU’APRÈS LES ÉVÉNEMENTS TRAGIQUES DE NOVEMBRE DERNIER.
TOUS LES ARTISTES ONT REPRIS LE CHEMIN DE L’ATELIER EN ESSAYANT DE TROUVER LA
RÉPONSE À CES QUESTIONS QUI N’AVAIENT JAMAIS SANS DOUTE ÉTÉ POSÉES DE FAÇON
AUSSI AIGUË : POURQUOI EST-CE QUE JE PEINS
? SE POSER LA QUESTION DE SAVOIR
POURQUOI IL FAUT PEINDRE, C’EST DÉJÀ Y RÉPONDRE. C’EST TROUVER UN SENS À LA VIE,
C’EST EN RÉVÉLER LES COULEURS ET EN DÉVOILER LES SAVEURS, À SOI-MÊME COMME
AUX AUTRES. C’EST ALLER DE L’AVANT, DANS UN PERPÉTUEL RECOMMENCEMENT, PAREIL
AUX CYCLES DES SAISONS. D’AILLEURS, À PROPOS DE PRINTEMPS, DE RENOUVEAU ET
D’ALLANT, NOUS SOMMES CERTAINS QUE 2016 SERA RICHE COMME JAMAIS EN ÉVÉNE-
MENTS AUTOUR DE L’AQUARELLE ET L’ON VERRA ÉCLORE ENCORE PLUS D’EXPOSITIONS, DE
NOUVELLES DÉCOUVERTES, DE RENCONTRES ET DE MANIFESTATIONS.

CE NUMÉRO, COMME À SON HABITUDE, EST TOURNÉ VERS L’AQUARELLE SOUS TOUTES
LES LATITUDES. IL FAIT LA PART BELLE AUX ARTISTES FRANÇAIS, AVEC PATY BECKER,
JEAN VIGUÉ ET CLAUDE CARRETTA, GAGNANT DE NOTRE CONCOURS LECTEURS, TOUT
EN RESTANT OUVERT SUR LA DIMENSION MONDIALE DE L’AQUARELLE : ENTRE LES POR-
TRAITS EMPREINTS DE DOUCEUR DE DYLAN PIERCE, LES MARITIMES NOCTURNES DE
NAOMI TYDEMAN ET LE PORTFOLIO ENTIÈREMENT CONSA-
CRÉ À LA BIENNALE DE SHENZHEN, NUL DOUTE QUE
VOUS TROUVEREZ DE QUOI COMBLER VOTRE SOIF DE DÉ-
COUVERTES ET D’ENCHANTEMENT, AUJOURD’HUI PLUS ES-
SENTIELS QUE JAMAIS.

L A RÉDACTION

L’Art de l’Aquarelle
existe aussi dans une Arabesques
version internationale végétales
en langue anglaise : de Paty Becker.
The Art of Watercolour.
 Sommaire
30 34 40

24 56
6 POUR EXPOSER EN 2016… 24 DUSAN DJUKARIC
Comment poser sa candidature dans les Salons à l’étranger. Cet artiste serbe, passionné sur le motif, s’attache ici
aux paysages urbains.
8 ZOOM SUR
Les Aquarellades de Mons. 30 RUI ZHOU
Il fait partie de la toute jeune génération d’aquarellistes
10 ACTUS FRANCE & MONDE chinois. Dans son travail, il représente les multiples facettes
de la culture de son pays.
14 LE TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS
Royal Scottish Society 34 NAOMI TYDEMAN
of Painters in Watercolour. Calmes, poétiques, mystérieux, tels sont ces paysages
du Pays de Galles.
16 RÉVÉLATIONS 40 MIKE KOWALSKI
Deux artistes à suivre de près. L’artiste australien peint des sujets aussi variés que
des hangars à bateaux ou des kiosques à journaux.
18 VU SUR FACEBOOK
Les artistes s’activent sur le Net. 46 PORTFOLIO : SPÉCIAL SHENZHEN
En avant-première, une sélection d’œuvres qui seront
20 MA DERNIÈRE PEINTURE exposées à la Biennale de Shenzhen, en Chine,
Huit artistes déjà parus dans nos pages nous présentent du 7 au 27 décembre. L’aquarelle au top de sa forme,
leur toute nouvelle création. dans toute sa diversité.

l’ Aquarelle
L’A RT DE
www.lartdelaquarelle.com
Édité par DIVERTI Éditions - S.A.R.L. au capital
de 250 000 € - 490 317 369 RCS Poitiers -
17, avenue du Cerisier Noir
86530 Naintré, France.
Gérante : Édith Cyr-Chagnon
Imprimé en France/Printed in France
17, av. du Cerisier Noir 86530 Naintré.
Tél. : 05 49 90 37 64.
E-mail : redaction@lartdelaquarelle.com
Directrice de publication : Édith Cyr-Chagnon
Rédaction
Directeur de la rédaction : Jean-Philippe Moine
Directrice artistique : Janine Gallizia
Rédacteur en chef adjoint : L. Benoist
Secrétaire générale de la rédaction : É. Blain.
Secrétaire de rédaction : M.-P. Lévêque
Première rédactrice graphiste : A. Salé –
Rédacteurs graphistes : H. Magnin, G. Bosquet
Scannériste : F. Sellier.
PUBLICITÉ - Tél. : 05 49 90 09 19.
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DIFFUSION : Frédérik Favier, 05 49 90 09 19.
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RÉGLAGES ET CONTACTS DÉPOSITAIRES :
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ABONNEMENTS : Nathalie Réveillon
ADMINISTRATION : Fabien Richard
Principal actionnaire : Capelitis Groupe
Président : Jean-Paul Cyr
Gérante Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon
Imprimerie : MEGATOP, 13, avenue du Cerisier
Noir 86530 Naintré
L’envoi des textes ou photos implique l’accord des
auteurs pour une reproduction libre de tous droits
et suppose que l’auteur se soit muni de toutes
les autorisations éventuelles nécessaires à la
parution. Tous droits réservés pour les documents

4 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016

 74
N° 27 Au sommaire
de ADA 28
(sortie le 1er mars 2016)

ANDREY ZADORIN
Comment optimiser une idée pour
rendre une ambiance.

60 68
56 VERA DICKERSON
Maniant aussi bien l’acrylique que l’aquarelle, elle nous livre 66 LIBRAIRIE
des tableaux où l’abstraction est au service de ses idées.
82 ABONNEMENT
60 JEAN VIGUÉ
Il habite, aime et peint la campagne dans des carnets 84 CONCOURS
ou des œuvres « monochromes » d’une agréable fraîcheur. « PORTRAIT »
64 MA PEINTURE PRÉFÉRÉE 92 ILS NOUS
John Salminen, Crossing Broadway. ONT QUITTÉS
68 KIM JOHNSON 98 CARNET
Des portraits canins à découvrir. D’ADRESSES
JULIAN BRUERE
74 PATY BECKER Une vision unique de l’Australie, de
Une passion pour la vie dans toute sa force et sa vigueur. ses paysages et scènes urbaines.
78 SAVOIR-FAIRE : LYNN POWERS
Regard, carnation, posture : l’art du portrait décrypté.

88 DÉCOUVERTE : CLAUDE CARRETA

Le gagnant du concours Marines.

et textes publiés dans l’Art de l’Aquarelle. La
reproduction totale ou partielle des articles publiés
dans l’Art de l’Aquarelle sans accord écrit de la
société Diverti Éditions est interdite, conformément
à la loi du 11 mars 1957 sur la propriété littéraire
et artistique. Les articles et photos non retenus
ne sont pas renvoyés. La rédaction n’est pas
responsable des textes, illustrations et photos qui
lui sont communiqués.
Commission paritaire : 0917 K 90149.
ISSN : 2103-2653.
www.lartdelaquarelle.com
Dépôt légal à la date de parution. Trimestriel –
N° 27 – Décembre 2015 - Février 2016.
Abonnement France 1 an (4 nos) : 27 €.
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Partner Press, 451, Route de Lennik, 1070
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BIC : GEBABEBB. Important ! Nous prions nos
abonnés belges d’indiquer lisiblement sur le
talon de versement leurs noms et adresses et
de spécifier que l’abonnement est destiné à l’Art
de l’Aquarelle. Ce numéro comporte 3 encarts
brochés p. 18, 66 et 82.
L’Art de l’Aquarelle ISSN : 2103-2653 is published
quarterly, 4 times a year (March, June, September,
December) by Diverti Éditions c/o USACAN Media
Corp. at 123A Distribution Way Building H-1, Suite SOMSAK CHOWTADAPONG
104, Plattsburgh, NY 12901. Periodicals Postage Une approche nouvelle de
paid at Plattsburgh, NY. POSTMASTER: send la composition et de la couleur
address changes to L’Art de l’aquarelle c/o Express
Mag, P.O box 2769, Plattsburgh, NY 12901-0239.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016 5

 L’ACTUALITÉ DES SOCIÉTÉS D’AQUARELLE 2016
À NOUVELLE ANNÉE, NOUVELLES RÉSOLUTIONS, C’EST BIEN CONNU. ALORS EN
2016, OSEZ CE QUE VOUS N’AVEZ – PEUT-ÊTRE – JAMAIS FAIT, À SAVOIR POSER VOTRE
CANDIDATURE POUR EXPOSER À L’ÉTRANGER. UNE OPPORTUNITÉ QUE VOUS OFFRENT
CES 5 SOCIÉTÉS D’AQUARELLE À TRAVERS LE MONDE.

THE ROYAL INSTITUTE OF PAINTERS IN WATER COLOURS (GRANDE-BRETAGNE), RI

Elle est l’une des plus anciennes sociétés d’aquarelle au monde.
Fondée en 1807, elle reçoit le patronage de sa majesté la reine d’Angleterre
et le prince de Galles en est membre honoraire. Elle compte aujourd’hui
59 membres actifs.
Ils sont membres de la RI : Lillias August, Chris Forsey, Geoffrey Wynne, John
Yardley, Shirley Trevena, Tony Hunt, Naomi Tydeman (voir p. 34)…

- 204e exposition, 2016. the Mall Galleries, Londres.

Du 6 au 16 avril 2016.
C’est l’exposition d’aquarelle la plus importante de Grande-Bretagne.
Vous pouvez candidater jusqu’au 8 janvier 2016 sur le site internet.
Son président nous a fait passer ce message : « Nous voudrions encourager les
jeunes artistes à soumettre leurs œuvres à la sélection de notre exposition 2016.
Nous accueillons également les demandes d’adhésion de leur part. »
Un nouveau prix, d’une valeur de £1,000, sera remis aux artistes entre 18 et 30
ans.

Andy Wood, - Winter Exhibition, exposition d’hiver des membres.

Last Chance.
51 x 73 cm. Mall Galleries, Londres.
Du 7 au 14 novembre 2016

- Exposition et stages réguliers donnés par les membres tout au long de

l’année.
À titre d’exemple, le stage de Chris Forsey, le 16 avril :
« Painting the Town Red », capturer le crépuscule et les scènes
crépusculaires sur papier coloré, avec acrylique et pastels tendres.
Ou la rencontre avec Shirley Trevena, le 12 mars.
Rosa Sepple RI,
Afternoon Cuddles. Contact :
www.royalinstituteofpaintersinwatercolours.org - www.mallgalleries.org.uk

THE CANADIAN SOCIETY OF PAINTERS IN

WATERCOLOUR/ LA SOCIÉTÉ CANADIENNE
DE PEINTRES EN AQUARELLE, CSPWC
Fondée en 1925, la société fête cette année
ses 90 ans.
Ils sont membres de la CSPWC : Jennifer
Annesley, Ona Kingdon.
- Past President Celebration Exhibition et gala
du CSPWC
Du 5 mars au 19 avril 2016
Art Gallery of Burlington, Burlington
- Members’ Exhibition
Du 3 au 23 mars 2016
Etobicoke Civic Centre, Toronto
- The CSPWC annual open juried Open Water
91st Exhibition
Du 20 octobre au 18 novembre 2016.
Date limite des sélections : 31 août.
Ouvert à tous!
John B. Aird Gallery, Toronto.

Contact : www.cspwc.com
Ona Kingdon,
Incriminate Ted.

6 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 NATIONAL WATERCOLOUR SOCIETY (ÉTATS-UNIS), NWS
Ils sont membres de la NWS : Ann Bagby, Linda Baker, Denny Bond, Stephen
Quiller, Micheal Reardon…

- 95th Annual NWS International Exhibition - 2015.

Jusqu'au 19 décembre 2015.
71 artistes sélectionnés, parmi lesquels David Poxon et Soon Y. Warren.
Artistes primés : Amit Kapoor (voir p. 18) et Chinmaya Panda (voir p. 20).

- 96th Annual NWS International Exhibition 2016

Pour y participer, renvoyer le dossier de sélection avant le 1er juin 2016.

- Le Member’s Show (exposition des membres) sera cette année dédié à un

échange avec la Chine : à partir du 1er juillet 2016.
Des œuvres d'artistes chinois y seront exposées à partir du 30 juillet. En
retour, des œuvres des membres de la NWS seront exposées à Shenzhen à
partir du 5 décembre 2015.
Contact :
http://nationalwatercolorsociety.wildapricot.org
Œuvre de Denny Bond.

ROYAL WATERCOLOUR SOCIETY (GRANDE-BRETAGNE), RWS ECWS (EUROPE)

Ils sont membres de la RWS : Francis Bowyer,
Cameron Galt, Angus McEwan…
- The Mini Picture Show, Bankside Gallery
Du 4 décembre 2015 au 24 janvier 2016
Œuvres contemporaines et reproductions
originales de petits formats.
- RWS Contemporary Watercolour
Competition Exhibition, Bankside Gallery :
Du 4 au 16 mars 2016
Exposition annuelle de la RWS. Tous médiums
à l’eau acceptés. L’accent est mis sur
l’innovation et l’expérimentation. Pour artistes
confirmés ou émergents.
- Made in Colour, Bankside Gallery
Du 24 mars au 24 avril 2016
Cette exposition de printemps célèbre toutes
les couleurs, en transparence ou opacité,
Lisa Traxler, Settling into the year. dans tous les médiums à l’eau. Un aperçu
Technique mixte, 35 x 35 cm. © RWS
de la façon dont les membres de la RWS
explorent la couleur.
- Shakespeare: A Life and Legacy, Bankside Gallery & The Globe Theatre
Du 27 juin au 10 juillet 2016
Les membres de la RWS, en collaboration avec le Globe Theatre, produiront pour l’occasion des
œuvres célébrant William Shakespeare pour marquer le 400e anniversaire de sa mort.
- Off the Wall, Bankside Gallery
Exposition conjointe de la RWS et de la Royal Society of Painter-Printmakers (RE)
- RWS Autumn Exhibition (Title TBC), Bankside Gallery
Du 7 octobre- au 6 novembre 2016
La RWS propose également tout au long de l’année des ateliers, conférences et autre événements.
Contact : www.royalwatercoloursociety.co.uk/events/
La confédération européenne des sociétés
d'aquarelle (ECWS) a été fondée par
l'Aquarelinstituut van België (AIB) et
l’Associazione Italiana Acquerellisti (AIA) en
mars 1998 à Mol (Belgique), dans le but de
mettre sur pied un réseau entre les sociétés
d’aquarelle à travers l’Europe. Depuis, cinq
sociétés d’aquarelle espagnoles, la Nordiska
Akvarellsällskapet-NAS (qui représente le
Danemark, la Finlande, l’Islande, la Norvège
et la Suède), la SFA (France), les sociétés
estonienne, polonaise et allemande ont rejoint
la confédération. En tout, 14 sociétés en font
partie à l’heure actuelle et regroupe près de
5 000 aquarellistes.
L’ECWS organise chaque année un symposium et
une exposition.
- Après la ville espagnole de Llança en Espagne,
ce sera au tour d’Avignon d’accueillir la
19e exposition
Du 17 novembre au 11 décembre 2016.
Cloître Saint-Louis.
Symposium: du 16 au 20 novembre.
Si l’exposition ne présente que des œuvres des
membres, le symposium est ouvert à tous. Durant
sa durée, il sera possible de visiter Avignon,
le Roussillon et de peindre sur le motif. Les
œuvres ainsi réalisées seront exposées. Un dîner
de gala viendra clore le symposium le samedi
19 novembre.
En 2017, rendez-vous en Pologne,
puis en Allemagne !
Contact : www.ecws.eu
www.facebook.com/ecws.eu

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 7

 ACTUS ZOOM SUR…
Les Aquarellades
de Mons
APRÈS LE SUCCÈS DE LA DERNIÈRE ÉDITION EN 2013,
LES AQUARELLADES DE MONS REVIENNENT EN 2016.
UN RENDEZ-VOUS INCONTOURNABLE POUR DÉMARRER
L’ANNÉE SOUS LE SIGNE DE L’AQUARELLE.
Fabienne Crepeele et Freddy Samain nous avaient
bien prévenus dès 2013, au moment du vernissage
des dernières Aquarellades : « Notre prochaine expo-
sition, en 2016, sera encore plus importante ! » Avec
ses nombreux musées, spectacles et expositions, ses
quatre joyaux du Patrimoine mondial de l’Unesco,
ses 15 installations urbaines, c’est bien sous le signe
de la culture que la ville belge, dans la province du
Hainaut, a vécu en 2015. Pour autant, l’aventure
continue en 2016 avec les Aquarellades, qui réu-
nissent 50 artistes, et surtout, comme le précisent
les organisateurs, « 200 aquarelles inédites, jamais
vues avant. Chaque artiste sélectionné est vraiment
très fier de participer aux Aquarellades 2016. Nous ne
pouvons vous montrer les photos des aquarelles qui
seront exposées car elles sont inédites… Les artistes
eux non plus n’ont pas le droit de les publier, ni sur
les réseaux sociaux, ni ailleurs, car nous voulons gar-
der intacte l’émotion du spectateur qui les découvrira
pour la première fois lors de l’exposition. Donc l’artiste
est libre dans le choix de son thème, des dimensions
8 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Le public était déjà venu nombreux il y a
trois ans, mais gageons que le nouveau
concept et les aménagements apportés
draineront davantage de spectateurs !
de ses aquarelles, c’est son travail qui sera exposé et
mis en valeur. Il suffit tout simplement de respecter Mons
notre concept ». Les œuvres seront exposées dans
les Anciens Abattoirs de la ville, un lieu d’exposi-
tion municipale qui avait déjà accueilli en 2013 les
4 500 visiteurs. Au vu de la liste des artistes présents
cette année, il y a fort à parier que ces chiffres de
fréquentation seront dépassés.
STAGES ET DÉMONSTRATIONS RENSEIGNEMENTS
De nombreux stages et démonstrations auront lieu Les Aquarellades
auront lieu du 5 février
lors de la manifestation dans 4 salles attenantes
à l’exposition, afin, comme le précisent les au 28 février 2016 inclus
organisateurs « de ne pas gêner l’écoute et la Chaque jour de 12 heures
visite de l’exposition pour les autres personnes ». à 18 heures.
Citons, parmi les artistes qui officieront : Fermeture du site le lundi
Yuko Nagayama, Tejo Van den Broek, Xavier Vernissage le 5 février
Swolfs, Laurence Ghislain et Jean-Claude Papeix, à 18 h 30
parmi bien d’autres. www.lesaquarellades.be

Cette œuvre de l’artiste montoise Rosaria Marozzo ornera
l’affiche de la manifestation.
5 questions à
Fabienne Crepeele
et Freddy Samain,
organisateurs.
Quels ont été les critères pour la sélection des artistes ?
Notre concept depuis le début de nos Aquarellades consiste
à repérer des techniques nouvelles et le savoir-faire person-
nel de l’artiste. Il n’y a pas de sélection, il est important de
préciser ce point… Nous invitons l’artiste et, s’il est d’accord
avec notre concept, il est le bienvenu tout en sachant que les
aquarelles doivent être inédites.

Quelles sont les leçons que vous avez retenues des

précédentes Aquarellades en 2013 ?
Notre concept s’avère idéal pour nos Aquarellades et nous
sommes maintenant convaincus de ne pas vouloir en chan-
ger. Notre proximité et l’accueil aussi bien des artistes que
des visiteurs sont un atout majeur, ainsi que notre notoriété.
Nous apprenons à mieux connaître les artistes et même les
visiteurs, grâce aux démonstrations et aux stages qui se font
lors de nos Aquarellades.

Avez-vous apporté des changements cette année ?

Nous aurons plus d’espace, les démonstrations se feront
dans une salle attenante à celle de l’exposition et une cafété-
ria sera à disposition pour les retrouvailles ou des entrevues.

Les Anciens Abattoirs, dans lesquels se dérouleront Mons est Capitale européenne de la culture en 2015.
les Aquarellades 2016. Pourquoi avez-vous préféré la date de février 2016 pour
Mons a été désignée Capitale européenne
les Aquarellades ?
de la Culture 2015. Nous avons choisi 2016 pour deux raisons : nous avons à
notre disposition le lieu d’exposition des Anciens Abattoirs –
où se sont déjà déroulés les Aquarellades de 2013. Et 2016
aussi parce que cela nous garantit une continuité avec les
événements liés à Mons Capitale culturelle 2015. Autrement
dit, nous bénéficierons directement des rénovations, de la
signalisation et de la reconnaissance au niveau international
dont Mons aura bénéficié en 2015.

Enfin, quels seront les temps forts de cette exposition ?

Les 38 stages, les démonstrations journalières, la première
venue de Yuko Nagayama et de Cemal Selimgil en Europe,
une diversité dans les artistes avec des nouvelles techniques,
grâce à notre concept d’aquarelles inédites.

TEXTE : L AURENT BENOIST.

PHOTOS : D. R. (SAUF MENTIONS)

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 9

 ACTUALITÉS FRANCE

TOULOUSE (31)

AQUARELLE MASTERCLASS 3E BIENNALE

A D’AQUARELLE
lvaro Castagnet est un des plus actifs et bouillonnants aquarellistes sur la scène interna-
tionale. Si vous n’avez pas eu l’occasion de suivre un des stages qu’il dispense à travers
le monde, vous pouvez désormais vous rattraper avec ce livre qui détaille son enseignement
et notamment sa théorie des quatre piliers de l’aquarelle. Il s’adresse à tous les aquarellistes,
quel que soit leur niveau, et désireux de développer leur force créatrice. De nombreuses DE TOULOUSE
démonstrations accompagnent ce livre, tout juste disponible et qui peut être commandé sur
le site d’Alvaro Castagnet : http://www.alvarocastagnet.net
A près Maryse de May, Carol Carter, Marie-Hélène Stokkink et Ewa
Karpinska, invitées d’honneur en 2014, la Biennale de Toulouse
poursuit sur sa lancée en conviant cette année Janine Gallizia et
AQUARELLE MASTERCLASS, Patrick Larcebal à accrocher leurs œuvres aux côtés de celles des
128 pages, édité par Artbook24, heureux sélectionnés, à la Maison des Associations de Toulouse. Pour
39,90 euros. Langues : anglais/ cette manifestation, il faut remercier l’association Aquarelle en Midi-
allemand/français/espagnol Pyrénées, organisatrice de l’événement.
Maison des Associations
Espace Niel
r 31400 Toulouse
Du 5 au 26 mars 2016

L’HAŸ-LES-ROSES (94)

1RE BIENNALE
Towards Theatre La Havana
- Havana, 56x75cm (22x30”)
INTERNATIONALE
D’AQUARELLE
41

How to Use Minim

al
Colour and Evoca
tive
Light to Create
a
Compelling Paintin
g

C
Plaza Mayor – Mallorca

’est grâce à un partenariat avec la ville de L’Haÿ- Moulin

les-Roses, en périphérie de Paris, que l’association de la Bièvre
73, avenue
Mallorca – My inspirat
Alizarines présentera sa 1re Biennale internationale Larroumès
d’aquarelle en Île-de-France. Seront ainsi exposés les
The light was fantastic
ion
in this beautiful square

94240 L’Haÿ-les-
in Palma de Mallorca.
There was plenty
activity. It was an of
interesting scene
possibilities. But and full of
it was the light that
moved me.

´
Capturing the
tableaux de Janine Gallizia, invitée d’honneur, avec à Roses.
ses côtés ceux des 15 peintres amateurs de l’associa- Du 12 au
essence of life is
capturing the feel
and
mood of the place.
µ
82
Plaza Mayor – Mallorca

tion ainsi que les aquarelles des autres invités : Muriel 28 mars 2016
83
Buthier-Chartrain, David Chauvin, Eugen Chisnicean,
Eugen Gorean, Liliane Goossens, Marie-Line Montécot,
HOMMAGE George Politis. Le regretté Paul Dmoch sera, quant à
lui, présent en esprit avec ses aquarelles bruissant de

NICHOLAS SIMMONS lumière. Et parce que, comme le précisent les orga-

nisateurs, l’aquarelle n’est en rien exclusive, certains
artistes exposeront également des œuvres réalisées
Marie-Line
Montécot,

L a société North American Watercolor Artists dresse Passage,

dans d’autres techniques. 96 x 63 cm.
un vibrant hommage à l’un de ses membres récem-
ment disparus : Nicholas Simmons, trop vite parti. Une
collecte de fonds a été mise en place sur internet,
par les autres membres de NAWA (Thomas Schaller,
Kathleen Alexander, Mark Mehaffey, Keiko Tanabe et
Carol Carter) afin de subvenir aux futurs frais d’uni-
versité de sa fille Larissa, frais qui comme on le sait,
sont très élevés aux Etats-Unis. Tous les dons sont les
bienvenus. Dans un vibrant hommage, la NAWA rap-
pelle ainsi que « la contribution de Nick à l’art, comme
peintre, instructeur, enseignant et juge a été grande,
pétillante et malheureusement brève ».

https://www.gofundme.com/
Nicholas Simmons recevant le « Masters NicholasSimmons
Award » des mains de Linda Doll,
à la remise des prix de la National
Watercolor Society en 2013.

10 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016

 PHOTOS : D. R (SAUF MENTIONS).

COQUELLES (62)

1RE BIENNALE INSCRIPTIONS

DE COQUELLES AUX SALONS 2016
Il est encore temps de s’inscrire à plusieurs manifestations d’aquarelle
L a Première Biennale internationale
d’Aquarelle de la ville de Coquelles,
organisée par l’association « Les
qui auront lieu l’année prochaine. À vos claviers… et à vos pinceaux !

Peintres du Moulin », se flatte d’être Salon d’Uckange du 2 au 17 avril 2016.

un événement unique dans le Pas-de-
Calais grâce à la qualité des œuvres
exposées, tout en se positionnant au
carrefour de l’Europe : Coquelles se
révèle être le lieu idéal pour accueillir
trente-cinq artistes de toutes tech-
niques, tendances, variantes et visions
de l’aquarelle actuelle. Des stages et
des démonstrations seront également
proposés au public, qu’il soit averti ou
profane. Pour la première édition, les
deux invités d’honneur seront Viktoria et
Slawa Prischedko.
www.uckange-mairie.fr/culture-sports-loisirs/le-salon-de-laquarelle/
À noter qu’à l’occasion de ce salon, des stages seront donnés par
Franck Hérété et Eugeniu Gorean.
Inscriptions jusqu’au 1er février 2016.
Festival d’aquarelle de Wassy
www.festivalaquarellewassy.fr
Inscriptions jusqu’au 16 février 2016.
Tél. : 02 97 33 52 40.
Inscription à la RWS Contemporary Watercolour Competition
www.royalwatercoloursociety.co.uk/competition/
Date limite d’inscription : 18 janvier 2016.

Salle Jean-Pierre Poidevin Participez à l’exposition de la RI à Londres

au Pont-du-Leu 62231 Coquelles
www.mallgalleries.org.uk/call-for-entries/open-exhibitions/royal-insti-
Renseignements : www.facebook.com/
biennaleaquarellecoquelles/ tute-painters-water-colours
www.coquelles.fr Date limite d’inscription : 8 janvier 2016.
Du 9 au 19 avril 2016
Viktoria Prischedko, Street Scene, 75 x 50 cm.

TOURS (37)

LOUIS-FRANÇOIS CASSAS À NE PAS MANQUER

I l compte parmi les grands artistes voyageurs du XVIIIe et fut, d’ailleurs, parmi les premiers à
faire un long séjour dans les pays du Levant (actuel Moyen-Orient) : Louis-François Cassas
(1756-1827) a dès cet automne les honneurs d’une très alléchante exposition tourangelle,
SALON D’AQUARELLE 2015
puisqu’elle réunira pour l’occasion de nombreux dessins inédits provenant de la collec- AU CHÂTEAU DE KERDURAND
tion du marquis de Bristol à Ickworth. Elle s’articulera autour des deux grands voyages en
Italie de Cassas et de ses différents mécènes, tous grands amateurs et collectionneurs, à Le salon de l’aquarelle et œuvres sur papier se déroulera du ven-
l’origine de l’évolution de la carrière de l’artiste. Parmi les 116 œuvres exposées (crayon, dredi 27 novembre au dimanche 20 décembre 2015 au château de
pierre noire, lavis, sanguine, aquarelle, gouache ainsi que des gravures gouachées et aqua- Kerdurand, 56670 Riantec.
rellées, maquettes), une Artiste invitée d’honneur : Annyvonne Cavarec.
constante : un attrait pour Entrée gratuite.
l’architecture antique
conjugué aux paysages
de lumière et aux scènes
EXPOSITION
de la vie quotidienne. Un CHRISTOPHE
témoignage inestimable
sur la diversité du monde
CRÉPIN
à la fin du siècle des Christophe Crépin expose
Lumières. jusqu’au 27 décembre ses
dernières réalisations inspi-
 Musée des rées de ses voyages à Rome,
beaux-arts de Tours en Corrèze, dans le Lot et à
www.mba.tours.fr
Exposition jusqu’ au La Baule.
22 février 2016 9, place Jacques Marette
75015 Paris

Christophe Crépin, Rome, 76 x 56 cm.

Louis-François Cassas, Jacques-Louis Bance, Piranesi. Le Mont Celio

l’une des Collines de Rome, Paris, Bibliothèque Mazarine.
11
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A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016
 ACTUALITÉS MONDE
ÉTATS-UNIS

LES PORTRAITS AMERICAN WATERCOLOR SOCIETY

DE MARY WHYTE L a 148e exposition annuelle itinérante de la prestigieuse AWS, après son gala d’ouverture au Salmigundi Club,
poursuit son périple à travers les États-Unis. Chaque année, ce sont un peu plus de 40 000 dollars distri-
bués en prix aux meilleurs méritants. On ne saurait suffisamment vous encourager de participer aux concours
des sociétés américaines les plus pres-
tigieuses. Bien souvent ouverts aux
non-membres, ils offrent une plateforme
mondiale inégalée en termes de visibilité.

Michelson Museum of Art

216 North Bolivar Street
Marshall, TX 75670
Tél. : 903-935-9480
Jusqu’au 20 décembre 2015

Sebastopol Center for the Arts

282 S. High Street
Sebastopol, CA 85472
Phone: 707-829-4797
Du 9 janvier au 7 février 2016
www.americanwatercolorsociety.org

Linda Baker, His Keys, 56 x 76,2 cm. Prix Paul and Sing Si Schwartz Memorial (mari et fils de Diana Kan).

ESPAGNE

2ES RENCONTRES
R econnue dans le monde entier, Mary Whyte prend comme
sujet de ses portraits qui frappent les esprits les des- INTERNATIONALES DE CEUTA
cendants des esclaves de la Caroline. Cette manifestation
marque la dernière étape de son exposition itinérante :
« Storytellers of the South : Voices of Women », où la voix des
L a ville de Ceuta, petite enclave espagnole en
Afrique est le théâtre début décembre d’une
manifestation d’aquarelles d’importance, sous
femmes se fait entendre à travers leurs portraits saisis dans
la houlette de Pedro Orozco Tristan. Donneront
leur contexte quotidien. Mary Whyte connaît les personnes
ainsi des stages, des séances de peinture en
qu’elle peint et les fréquente dans leur vie de tous les jours…
plein air ainsi que des démonstrations magis-
peut-être est-ce là la raison pour laquelle elles semblent
trales de Mehdi Marin (du Maroc), Carlos Santos
s’adresser à nous aussi, nous transmettant au-delà du miroir
Marques (du Portugal), Blanca Basabe Santiago
de la feuille un message d’universalité et d’humanité.
(d’Espagne), ainsi qu’Eugen Chisnicean (de
Mary Whyte, Storytellers of the South : Voices of Women
Moldavie).
Mennello Museum of American Art
Loch Haven Cultural Park  Renseignements :
900 E. Princeton St., Orlando, FL, 32803 asociacionceutiacuarela@ Aquarelle
www.mennellomuseum.com gmail.com d’Eugen
Jusqu’au 3 janvier 2016. Jusqu’au 8 décembre Chisnicean.
2015.

Tim Saternow, West 14th Street-10th Avenue, Morning (triptych). 102 x 196 cm ÉTATS-UNIS

L’IMAGINAIRE FERROVIAIRE
U ne thématique particulière pour cette exposition au musée
de Battleboro, aux États-Unis : celle des trains, des ponts de
l’univers ferroviaire dans l’imaginaire collectif. Symbole du mou-
États-Unis
Boxcars : Railroad
Imagery in
Contemporary Realism
vement et du passage, les trains font partie de notre univers quo- The Brattleboro
Museum & Art Center
tidien et sont une grande source d’inspiration pour de nombreux 10 Vernon Street,
artistes, comme en témoignent les cinquante œuvres sélection- Brattleboro
nés. Tim Saternow, l’artiste new-yorkais (présenté dans le dernier Vermont 05301
www.
numéro de L’Art de l’Aquarelle), est de la partie. Influencé par brattleboromuseum.org
les constructions industrielles qui parsèment sa ville, il a à cœur Jusqu’au 12 mars
de rendre la monumentalité des ponts ferroviaires de New York 2016.
dans ses grandes aquarelles quasi-monochromes et lumineuses.

12 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016

 ÉTATS-UNIS SUÈDE

WYETH, PÈRE ET FILS RÉTROSPECTIVE

Le Denver Art Museum présente une
exposition majeure que tout amateur
d’aquarelle qui aurait la chance de se rendre
LARS LERIN
P
aux États-Unis devrait aller visiter. « Wyeth : ersonnage discret mais aquarelliste à la peinture toni-
Andrew and Jamie in the Studio » présente truante, Lars Lerin a les honneurs d’un musée qui lui
une incursion dans la nature de la relation est entièrement consacré, à Karlstad, non loin de là où il
artistique qui liait Jamie Wyeth à son père a grandi et où il vit encore aujourd’hui. L’ancienne salle
Andrew, tous deux aquarellistes émérites. de bal converti en lieu d’exposition offre ainsi en perma-
On peut parler bien sûr de filiation, mais pas nence un aperçu de son travail. Mais Lars Lerin n’est pas
uniquement puisque Jamie Wyeth qui fut que peintre, c’est aussi un écrivain reconnu (et malheu-
aussi un habitué de la Factory d’Andy Warhol reusement encore à ce jour non traduit) et récompensé
propose un renouvellement de l’aquarelle par le Prix August en 2014. A l’occasion de la sortie de
unique, aussi bien au travers du choix icono- son autobiographie ‘Axels Tid’ (L’axe du temps) richement
claste de ses sujets que de la manière dont illustré d’aquarelles, le musée Sandgrund propose une
il s’autorise à utiliser la technique, très loin rétrospective sur plus de 30 ans de peinture.
Andrew Wyeth, d’une notion classique de l’aquarelle. Jamais auparavant une exposition n’avait tenté une
Faraway, 1952.
Drybrush. © confrontation aussi poussée sur ces deux
Andrew Wyeth. artistes majeurs, même si les amateurs
Phyllis and Jamie se souviendront peut-être de l’exposition
Wyeth Collection.
qui leur était consacrée (ainsi qu’au père
d’Andrew, N.C. Wyeth), à la Fondation
Mona Bismarck à Paris à l’hiver 2011.

Wyeth : Andrew and Jamie in the Studio

Denver Art Museum
00 W 14th Ave Pkwy, Denver - Colorado 80204
denverartmuseum.org
Jusqu’au 7 février 2016.

Jamie Wyeth, Homer, 2003. Watercolor and

gouache on toned rag board; 5-3/8 x 6-3/8 in.
Collection of Mary Beth Dolan. © Jamie Wyeth.

ALLEMAGNE

NOLDE ET HAMBOURG
L es liens qui unissent Emil Nolde (1867-1956)
à Hambourg sont profonds et riches de sens.
Nolde avait une affection profonde pour la ville han-
séatique dans laquelle il séjourna à de nombreuses
reprises au cours de sa carrière et qui comptait
un grand nombre de ses collectionneurs. En tant  Sandgrund
Västra Torggatan 28 Birds (détail),
que jeune peintre, fasciné comme bien d’autres en 652 24 Karlstad 2011, 160 x
100 cm.
même temps que lui par la fureur et l’industrie du Tél. :+46 54 10 07 80
sandgrund.org
port et de ses activités, il y forgea en partie là sa
modernité : reflets des projecteurs sur l’eau dans
la nuit, panaches de fumée des navires sont ainsi
des thèmes qu’il affectionne tout particulièrement
au cours de la première décennie du XXe siècle. La
Kunsthalle de Hambourg, en collaboration avec le BRÈVE
musée Nolde à Seebüll offre ainsi un vaste aperçu
en pas moins de 200 œuvres – et notamment un
très grand nombre d’aquarelles – de sa production
L e jury de l’édition 2016 de la Biennale Marche
d’Acqua, à Fabriano, est composé de douze
peintres prestigieux : Pedro Cano, Zhou Tianya,
durant ces années. Konstantin Sterkhov, Angus McEwan, David Paskett,
Isabel Moreno Alosete, Angelo Gorlini, Valentina
Verlato, Laurin McCracken, Cristina Bracaloni (de
 Nolde à Hambourg
Kunsthalle de Hambourg l’Association des aquarellistes italiens), Tejo Van
Glockengießerwall, 20095 Hambourg Emil Nolde (1867–1956) den Broeck ainsi que l’organisatrice de Fabriano
Tél. : +49 40 428131200
www.hamburger-kunsthalle.de
Kleiner Dampfer, Hamburg, 1910. InAcquarello, Anna Massinissa.
Tuschpinselzeichnung, aquarelliert 38 x 27,2 cm.
Jusqu’au 10 février 2016. 1ROGH6WLIWXQJ6HHEOO‹1ROGH6WLIWXQJ6HHEOO3KRWR'LUN'XQNHOEHUJ%HUOLQ museodellacarta.com

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015 - F ÉVRIER 2016 13

 The Royal Scottish
TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS
Society of Painters
in Watercolour
John Inglis, vous êtes président de
la RSW. L’aquarelle est-elle bien
implantée en Écosse, à l’instar de
l’Angleterre ?
John Inglis : L’aquarelle bénéficie
LE
chez nous d’une longue tradition, dont
la première manifestation remonte au
XVIII e siècle. LA RSW a été fondée en
1878 par des artistes écossais recon-
nus qui pensaient que l’aquarelle occu-
pait une place à part dans la pratique
de l’époque. Dès le début, elle a attiré
dans ses rangs les plus grands peintres
du genre, et continue de le faire encore
aujourd’hui. Notre société a reçu son
mandat royal de la reine Victoria, et le
prince Charles, duc de Rothesay, lequel,
en tant qu’aquarelliste à part entière,
expose régulièrement dans nos mani-
festations, est notre patron actuel.
Vous en êtes le président actuel :
pour combien de temps encore ?
La durée de la présidence de la RSW
n’est pas définie dans nos statuts
(même si c’est une nomination annuelle)
et traditionnellement, c’est le président
lui-même (puisque jusqu’à présent tous
ont été des hommes) qui décide quand
se retirer. Je suis le 13e depuis la créa-
tion de la société. Être président est une
fonction très spéciale, et les responsa-
bilités qui l’accompagnent, notamment
celles consistant à gérer la société, sont
très gratifiantes.
14 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
EMMENÉE PAR JOHN INGLIS, SON PRÉSIDENT,
LA RSW PRÉSENTE ACTUELLEMENT SA
135E EXPOSITION ANNUELLE, QUI SE TIENT JUSQU’AU
12 DÉCEMBRE À ÉDIMBOURG, EN ÉCOSSE.
Concrètement, qui peut devenir
membre de la RSW ?
Les membres potentiels sont élus
durant l’assemblée générale annuelle,
en octobre ou novembre. Les candidats
doivent être cooptés par deux membres
de la RSW et doivent présenter un cer-
tain nombre d’œuvres qui sont minu-
tieusement examinées à ce moment-là.
Les candidats doivent aussi avoir déjà
exposé lors de notre exposition annuelle.
Êtes-vous nombreux à être regrou-
pés sus l’égide de la RSW ?
Nous comptons actuellement
123 membres, qui sont tous des
artistes professionnels. La majorité des
membres sont écossais ou bien vivent
et travaillent ici, même s’ils n’y sont pas
nés. Par ailleurs, un ou deux de nos
membres, bien que venant d’ailleurs, ont
une relation très forte à l’Écosse.
G
Gordon Mitchell
RRSA RSW RGI,
alancing Act.
Votre 135 e exposition annuelle se
tient en ce moment même, et ce
jusqu’au 12 décembre. Comment
s’est passée son organisation ?
C’est un travail de longue haleine. Nous
travaillons main dans la main avec les
National Galleries of Scotland, aux-
quelles nous louons des espaces, ce qui
nous permet d’exposer dans les gale-
ries du bâtiment de la Royal Scottish
Academy, certainement l’un des meil-
leurs lieux d’exposition dans tout le pays.
De plus, les membres du bureau, qui
font office de managers de la RSW, tra-
vaillent très dur tout au long de l’année
pour faire venir les œuvres invitées, des
œuvres d’étudiants, et donnent le ton à
l’exposition elle-même, tout en menant
des opérations et prenant des décisions
stratégiques.
Nos expositions sont généralement
ouvertes à tous les artistes et le bureau
examine tous les travaux soumis par
les non-membres. C’est lui qui sélec-

tionne les œuvres, tandis que le comité
d’accrochage effectue un dernier choix
quant à la scénographie de l’exposition.
Acceptez-vous les œuvres qui ne
soient pas des aquarelles pures ?
Tout à fait, car nous recevons un nombre
croissant d’œuvres qui ne sont pas des
aquarelles dans le sens traditionnel
du terme. Nous avons décidé que, de
manière à pouvoir explorer la diversité
de ce médium et l’infinité de ses inter-
prétations, nous devions élargir notre
réseau pour permettre à d’autres écri-
tures, c’est-à-dire à tous les médiums à
base d’eau, d’être présentées, qui autre-
ment ne le seraient pas.
Nous avons remarqué depuis quelque
temps que la qualité des œuvres aug-
mente et que le terme d’aquarelle
englobe une catégorie plus large de
médiums que l’usage traditionnel qu’on
en fait.
Quels sont les prix et récompenses
que vous délivrez ?
Nous en délivrons une bonne dizaine,
qui peuvent varier chaque année, mais
ils incluent toujours des récompenses
très recherchées comme des rési-
dences, la possibilité d’exposer en solo
et des prix en nature à la fois pour les
membres et les non-membres, de même
qu’un important prix avec voyage à la
clé (l’Alexander Graham Munro Travel
Award) pour les artistes émergents de
moins de 30 ans.
À l’occasion de nos manifestations, il
nous arrive aussi de proposer des confé-
rences et ateliers.
LES PROCHAINS RENDEZ-VOUS DE LA RWS
- 135e EXPOSITION ANNUELLE D’HIVER, RSA Building, The Mound, Édimbourg,
jusqu’au 12 décembre 2015.
Quelques 300 œuvres exposées. 9 000 visiteurs en moyenne à chaque édition.
- CONNECTIONS:SCOTLAND AND ITALY, Lillie Art Gallery, Milngavie.
10 janvier-18 février 2016.
- 5e EXPOSITION ANNUELLE D’ÉTÉ, Forfar.
30 avril-29 mai 2016
John C Brown
RSW, Havana
Windows.
S
Ann Ross RSW,
Salad Flowers
and Sage Leaves.
Quels sont les rendez-vous annuels
de la RSW ?
C’est variable, mais habituellement
nous présentons deux expositions prin-
cipales : notre expo annuelle d’hiver à
Édimbourg et nos manifestations esti-
vales, qui ont lieu dans divers endroits à
travers le pays. La fin de l’année 2015 et
le début 2016 seront exceptionnellement
très actives, avec trois expositions à la
suite (voir encadré ci-dessus).
Quel rôle joue une société d’aqua- JJean B M ti RSW,
Martin RSW
relle pour les aquarellistes qui y sont Cross Cultures.
affiliés ?
Les sociétés d’aquarelle ont un rôle CONTACT
www.rsw.org.uk
important en ce sens qu’elles montrent
que l’art de la peinture est toujours per-
tinent et que l’aquarelle en particulier a
beaucoup à offrir à la communauté de QUAND DES LIENS SE TISSENT…
l’art, au public et aux collectionneurs. « Grâce aux efforts consacrés des membres de notre bureau,
qui sont très actifs, nous avons pu établir des liens avec
D’autre part, nos récompenses sont une société d’aquarelle chinoise et la collection Fabriano
l’une des façons qui nous permet d’ai- en Italie. Par exemple, certains de nos membres ont pu
der les artistes, reconnus ou pas, mais exposer récemment à Taiwan et à la biennale d’aquarelle
comme nous ne possédons pas nos de Shenzhen (voir p. 46).
Et, bien sûr, nous organisons des expositions réciproques
propres locaux, nous ne pouvons pro- avec la Royal Watercolour Society de Londres. En 2012,
poser d’autres manifestations que nos Angus McEwan, l’un de nos membres, a reçu le Prix
expos annuelles. Nos catalogues d’ex- international de l’aquarelle Marche D’Aqua à la biennale
position tout en couleur font figures de d’aquarelle de Fabriano, grâce à quoi il sera juré lors de
la biennale 2016. Cela a renforcé les liens entre nos deux
pièces de collection. organisations.
Lors de notre exposition d’hiver, seront ainsi exposées
TEXTE : ÉLODIE BLAIN. des œuvres issues de la collection du Museo della carta
PHOTOS : D. R. e della Filigrana de Fabriano. »
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 15
 RÉVÉLATIONS PAR ÉLODIE BLAIN. PHOTOS : D. R.

Jacky Augagneur (France)

REPÈRES
1948 Naissance à Villefranche-sur-Saône.
1962 Entrée en apprentissage dans
l’imprimerie.
1971 Présentation et exposition de
ses premiers dessins au Salon des
Artistes Beaujolais.
1974 Première exposition personnelle.
1988 Devient graphiste-illustrateur
indépendant.
1974 à 2014 Une trentaine d’expositions
personnelles dans plusieurs points
de France et deux fois en Allemagne.
Participation à de nombreux Salons et
expositions de groupe.
Fin 2015 Préparation d’un livre et
d’une expo importante pour célébrer
les quarante ans de sa toute première
exposition.

CONTACT
Lyon, la fontaine Bartholdi. 42 x 57,5 cm. Rendez-vous dans notre
carnet d’adresses p. 98

Asco (Haute-Corse), le pont génois. 28,5 x 42 cm.

D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours voulu
dessiner et peindre.
J’ai en souvenir les illustrations, souvent à l’encre,
que j’admirais dans les brochures que ma mère fa-
çonnait à l’imprimerie où elle travaillait et, qu’alors
tout jeune enfant, j’avais décrété que lorsque je se-
rais grand, je serai « dessinateur publicitaire ».
L’objectif ayant été jugé inaccessible par les conseil-
leurs de l’époque, je me suis retrouvé, à l’âge de
14 ans, à préparer un CAP d’imprimeur-typo et
durant près de trente années, j’ai vécu l’évolution
considérable de l’imprimerie du XXe siècle, pour-
suivant en parallèle ma lente progression d’artiste
peintre autodidacte et multipliant les expositions qui
m’ont fait rapidement apprécier.
Au point de décider, à 40 ans, d’allier mon expé-
rience professionnelle et ma passion du dessin en
devenant graphiste illustrateur indépendant, réali-
sant enfin mon rêve de gosse.
Malgré les impératifs d’une profession toujours plus
exigeante, j’ai toujours continué plus ou moins ré-
gulièrement à présenter mes propres créations Je l’apprécie particulièrement parce qu’il ne sup- chanter la lumière et les ombres.
lors de nombreuses expositions régionales, mais porte pas l’à-peu-près et oblige à chaque fois à Après avoir travaillé successivement la gouache et
aussi en divers points de l’Hexagone ou encore en repousser ses propres limites, laissant toujours une l’acrylique, je ne peins depuis de nombreuses an-
Allemagne. bonne marge à la progression. nées qu’à l’aquarelle qui, seule, permet de jouer
Les exigences de l’illustration publicitaire m’ont na- La composition et la solidité du dessin de base sont avec le papier grâce à une succession de lavis
turellement guidé vers un style figuratif, que je n’ai les points essentiels de ma démarche, la mise en transparents et diversement colorés sans altérer la
jamais renié quels que soient les modes et courants. couleurs vient ensuite pour créer l’ambiance, faire fraîcheur du motif et des pigments.

16 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

Dylan Scott Pierce (États-Unis)

REPÈRES
En 1996, à l’âge de 10 ans, Dylan Scott
Pierce a gagné le premier prix dans
un concours d’art pour les enfants au
festival d’art d’Atlanta. Après ce premier
succès précoce, Dylan a commencé
à parcourir le pays pour exposer ses
magnifiques aquarelles, dont la plupart
avaient pour sujet le faune et la flore.
Depuis 2007, Dylan s’est également
mis à la peinture à l’huile et, en plus
de la peinture animalière, il cite le
portrait comme son deuxième sujet de
prédilection.
Aujourd’hui il a installé son atelier en
Floride et il expose ses œuvres dans plus
de 40 manifestations par an, notamment
l’International ArtExpo (New York) et
le Safari Club International (Reno). Il a
gagné de nombreux prix, y compris des
grands prix, des mentions spéciales du
jury et des prix du public.

The Long Stretch. 76 x 102 cm. CONTACT

Rendez-vous dans notre
carnet d’adresses p. 98

L’Afrique est synonyme d’aventure : on s’y retrouve en terrain incon-

nu, ce qui n’est pas toujours chose facile. Si vous avez la chance
d’y aller un jour, la beauté et la diversité des merveilles de la na-
ture ne vous laisseront pas indemne. J’ai séjourné principalement
au Swaziland et dans la brousse au Botswana. Je me suis attaché
aux habitants et j’ai ressenti un véritable lien avec eux. Ils sont très
proches de la nature ; ils ont un sens de la communauté et un sens
de l’humour qui est très rafraîchissant. En plus, ils aiment la bonne
musique ! Dans la brousse, il y a une telle sensation de paix, de
tranquillité et de magie, mais gare aux rencontres déconcertantes,
par exemple lorsque vous croisez une troupe de lions qui tous vous
regardent droit dans les yeux, ou lorsqu’un éléphant vous charge
(même si, en général, c’est uniquement pour vous impressionner).
Vous devez faire entièrement confiance à votre guide. Je me sou-
viens, lors d’un safari pédestre, que notre guide aussi était un peu Token of
nerveux lorsque nous nous sommes retrouvés face-à-face avec Honour.
91.3 x 73.6 cm.
un rhinocéros femelle et son petit ! Je pense que toutes ces expé-
riences ont contribué à faire grandir ce sentiment d’émerveillement
que j’essaie de faire passer dans mes peintures.
La couleur est un outil puissant : dans l’art comme dans la vie, la
puissance maîtrisée peut accomplir des choses bénéfiques, mais
lorsqu’elle est mal gérée, elle peut faire énormément de dégâts. Elle
a une véritable charge émotionnelle et psychologique : quand on
s’en sert de façon sérieuse, elle peut créer une ambiance efficace.
Il faut surtout choisir la couleur dominante, celle qui sera la plus
présente dans votre composition.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 17

 Vu sur Facebook Com t
tager
L’aquarelle tisse sa toile Des nouvelles du Net
IWS India Amit Kapoor Prafull Sawant
Même si, à l’heure où nous mettons sous C’est à l’invitation de la société romaine
presse, la 1re Biennale de l’IWS en Inde d’aquarelle que l’artiste Prafull Sawant, tout
n’avait pas encore démarré, nul doute droit venu d’Inde, donnera un stage dans
qu’elle aura été un succès. Copieusement la Ville éternelle au printemps prochain.
relayé sur les réseaux sociaux, l’événement Réservez vos places ! Stage du 29 avril au
dure jusqu’au 8 décembre. 3 mai 2016.

Amit Kapoor est l’heureux récipiendaire

de la Silver Star Brooch, remise par le
président de la National Watercolor Society,
M. Ken Goldman, à l’occasion de la
95e exposition internationale de la NWS.

Breizh Aquarelles
L’ECWS se réunit à Avignon!
Temps fort de l’aquarelle en 2016, le
congrès annuel de l’ECWS aura lieu dans
la cité des papes, à l’invitation de la SFA.

George Inscrivez-vous dès à présent pour les stages

Politis de la biennale Breizh Aquarelles, qui aura
lieu en avril prochain.
Chien Chung-Wei La Biennale de
Thessalonique,
qui s’est tenue
en novembre Salon Alizarines
dernier, a réuni
Janine Gallizia,
Zhou Tianya,
Andy Wood et
George Politis.

Nous aurons certainement l’occasion

L’artiste n’en finit pas d’accumuler les prix d’en reparler mais ne boudons pas notre
et les récompenses. Sa dernière en date ? plaisir en annonçant d’ores et déjà le Salon
Mention honorable, décernée par le panel Alizarines, qui aura lieu à l’Haÿ-les-Roses,
de juges internationaux. du 12 au 22 mars prochains.

18 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 Publier
Théo Sauer
Théo Sauer (l’Art de l’Aquarelle n° 26)
a ouvert les portes de son atelier à
Lampertsloch, en octobre dernier.
L’aquarelle au Brésil
La Fondation des Arts de São Caetano
a offert aux amateurs tout au long
du mois de novembre un aperçu de
l’aquarelle brésilienne.
Stan Miller
L’artiste américain est toujours prolixe
sur les réseaux sociaux et n’hésite jamais
à dévoiler ses œuvres réalisées lors de
démonstrations. À suivre…
Inviter
Keiko Tanabe Salon de Bruxelles
L’exposition personnelle de l’artiste à la galerie Voici le résultat du prix du public du Salon
Willowbrush, à Tucson dans l’Arizona, et fruit de l’Aquarelle de Belgique : Soirée de
de ses voyages en Europe, se tient jusqu’au Viktoria Prischedko, l’Abeille Flandre
15 janvier 2016. d’Hervé Richard et Un souffle, une caresse
sur ton épaule de Franck Perrot.
Mario Robinson
Tenté par un stage avec Mario Robinson
à New York, dans les ateliers Teaching
Studios of Art a Oyster Bay ? Pour plus de
renseignements : www.teachingstudios.com
Anne Baron
Nombreux ont été les aquarellistes à réagir
aux événements dramatiques de Paris, en
postant notamment des œuvres inspirées
et sensibles… ici, Anne Baron avec
Comme un élan vers le ciel.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 19
 MA DERNIÈRE PEINTURE

VOUS LES CONNAISSEZ TOUS, ILS SONT

DÉJÀ PARUS DANS NOS PAGES. CETTE
NOUVELLE RUBRIQUE LEUR EST DÉDIÉE : ILS
Chinmaya Panda
Y PRÉSENTENT LEURS NOUVELLES ŒUVRES, AIN’T I BEAUTIFUL?
ASSORTIES D’UN COMMENTAIRE PERSONNEL. 55
5 X 74 CM

JJ’ai le sentiment que quels que

ssoient mes sujets en peinture, c’est
aavant tout grâce à la nature que
sse font les choses. Je ne suis que
le moyen avec lequel Mère
Mè nature exprime et transcende
son énergie. Le sujet a été, comme d’habitude, la genèse
de l’idée derrière la peinture. La photo a été prise l’hiver
dernier alors que je visitais mon village. Un matin, tandis
que je me promenais mon appareil photo en
bandoulière, j’ai été saisi par le sujet. J’ai « Un matin,
amélioré un peu la composition pour des tandis que je
questions d’équilibre (notamment en ajoutant
les motifs sur les murs et en divisant mon
me promenais
tableau en trois parties). Je pense que le titre au village,
– « Ne suis-je pas magnifique ? » – indique le mon appareil
message que j’ai voulu transmettre. Si tout photo en
le monde pouvait percevoir ce qui se passe
dans le monde de la même façon, tout serait bandoulière,
énormément plus simple. La beauté est dans j’ai été saisi
les yeux de celui qui regarde. Chacun trouve par le sujet. »
la beauté à sa façon, ainsi quelque chose de
« beau » sera perçu différemment en fonction des affinités
de chacun. Ce tableau a remporté le Masters Award lors
de la 95e Exposition internationale annuelle de la National
Watercolor Society (États-Unis).

La Fe
ROSE 05 10 2015.
36
3 X 56 CM

PPrendre du plaisir en peignant à

l’’aquarelle lente et sans dessin :
tel est le concept qui sous-tend mes
aaquarelles, donnant aux spectateurs
un sentiment
ti t de
d rajeunissement
j i et de bonheur. Dans mon
processus de travail de ces Roses, je peins lentement : cela
m’aide à me concentrer sur la simple technique. Tout vient
avec la concentration et coule naturellement. Et tout se
termine ainsi dans la joie ! Peindre lentement va à l’encontre
des dogmes de notre société où tout doit aller de plus en
plus vite. Cela m’a permis de prendre conscience que j’ai
une petite partie à jouer dans notre monde : encourager à
une vie saine et simple, tout en contribuant à offrir le fruit
de mes pensées au monde à travers mes aquarelles.

« J’ai peint cett Rose lentement :

cela m’a aidé à me concentrer
sur la simple technique. »

20 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 RUBRIQUE RÉALISÉE PAR L AURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.

Richard Stephens
BUNGALOW ON BELDING
28 X 38,1 CM
2

CCette peinture fait partie d’une série

dd’aquarelles que je suis en train
dd’entreprendre représentant d’anciennes
mmaisons dans ma ville natale de Hot Springs,
en Arkansas.
Ak Outre
O t leur
l aspect nostalgique, ce sont la lumière et
le contraste qui m’ont attiré. La peinture est relativement petite ;
elle a été peinte rapidement et de manière lâche, me donnant des
contours flous et laissant les couleurs se mélanger sur la feuille.
L’œil se dirige naturellement vers la zone
avec le plus de contrastes, c’est-à-dire le « C’est comme
côté gauche du porche, là où la structure si le spectateur
blanche de la maison se découpe contre
le fond sombre. L’œil continue ensuite visitait la
à travers le reste de la peinture, comme maison, se
si le spectateur visitait la maison, se déplaçant d’une
déplaçant d’une pièce à l’autre, retraçant
son histoire. pièce à l’autre,
Yuko Nagayama retraçant son
histoire. »

FLOWER FORTUNE-
TELLING
T .
41
4 X 61 CM

J dessine toujours mes natures

Je
mortes
m d’après modèle vivant. Je
ne cherche pas une ressemblance
ress photoréaliste, mais
plutôt à représenter l’aura qui se dégage des fleurs et des
récipients qui sont sous mes yeux, mais sans vraiment
les regarder. Selon l’esprit de l’Ikebana – l’art japonais
de l’arrangement floral –, le vase est le réceptacle de
l’esprit divin qui accueille l’esprit vivant de chaque fleur.
Ainsi, on considère que la vie des fleurs demeure toujours
dans leur vase, bien après qu’elles se sont fanées.
J’aime beaucoup les fleurs, j’aime beaucoup les vases
dans lesquels je les dispose et mes aquarelles sont le
réceptacle de sentiments que j’ai ressentis. Ils demeurent
sur la feuille.

« Selon l’esprit de l’Ikebana,

le vase est le réceptacle de l’esprit
divin qui accueille l’esprit vivant
de chaque fleur. »

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 21

 MA DERNIÈRE PEINTURE

Jayson Yeoh
INDEFINITE IRRELEVANCE
4
40 X 30 CM

CCe tableau fait partie d’une série où je

ppersiste à chercher le changement et à
ccréer quelque chose de nouveau à partir
dde mes séries précédentes. J’ai renforcé
les éléments de ma comcomposition, et ma parole n’en est que plus
claire, tout en incorporant de nombreux éléments issus de mes
œuvres précédentes.
Personnellement, je cherche à changer la perception qu’a le
public des bateaux. À travers mes aquarelles, j’ai créé, redessiné,
réarrangé et reconstruit une nouvelle atmosphère et une
représentation plus modernes de ces navires incroyables. Devant
mes œuvres, j’espère que les spectateurs s’émerveilleront, qu’ils
seront séduits par cet aspect différent et contemporain. Dans
cette série, j’ai réduit les éléments de texture mais augmenté le
chevauchement des formes. En prêtant
soin à la combinaison des espaces et en
laissant des zones blanches, j’ai cherché « J’espère que
à ce qu’il se dégage de mes images un les spectateurs
sentiment de philosophie que l’on trouve
dans la peinture chinoise. En outre, j’ai seront séduits
aussi fait appel à mon imagination, des par cet aspect
gestes libres et sans contraintes sur ma différent et
feuille afin de rendre une impression de
grandeur et d’audace.
contemporain. »

Ali Cavanaugh
ESSENCE
20,3 X 20,3 CM
2

J laissé l’eau s’écouler, se déplacer, sécher, et j’ai attendu

J’ai
qu’elle
q me parle. J’ai ensuite engagé un dialogue en ajoutant
plus
p de couleurs. C’est un peu comme si j’entretenais une
conversation
c avec ma peinture. Mon approche consiste à laisser
dde lla place
l aux surprises.
i J’ai appris à être tolérante dans mon processus afin de laisser
naître des hasards heureux dans mon travail fini. J’ai la liberté et l’aptitude pour mettre
en avant les zones où je souhaite que l’émotion soit plus directe, tout en acceptant les
imperfections qui viennent nécessairement avec mon processus créatif spontané.

« J’ai appris à
être tolérante
dans mon
processus afin
de laisser naître
des hasards
heureux dans
mon travail fini. »

22 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 Anna Ivanova
MOVING
41 X 57 CM

J’adore le mouvement ! Le mouvement

du corps, celui de l’âme, du temps ou
de la mémoire. Peu m’importe, j’aime le
mouvement ! Cette aquarelle parle de cela.
Il arrive parfois que vous vous trouviez dans
un endroit qui vous rappelle votre passé :
du temps a passé et vous avez changé et
tout ce que vous pouvez voir ce sont des
fantômes qui dansent dans la pièce. Seuls
les murs sont restés identiques ! L’idée m’est
venue en voyant une ballerine répéter. Les
danseurs et la danse en général sont des
vrais sujets qui m’inspirent, parce que leurs
mouvements racontent une histoire. Cette
aquarelle a été un point tournant dans la
modification de ma technique, alors que j’ai
commencé à travailler alla prima.

« Les danseurs sont des

Reine-Marie Pinchon sujets qui m’inspirent,
parce que leurs
mouvements racontent
BIZARRERIE DE une histoire. »
P
PRINTEMPS
70
7 X 100 CM

J’ai
J peint ce tableau au mois de mars
quand
q mon prunus fleurissant a été
brusquement « encotonné
encoton » par une brusque bourrasque de
neige… Cette scène m’a éblouie au réveil et je n’ai eu de
cesse que de rechercher les techniques qui serviraient au
mieux cette poésie de l’instant.
Mon univers est celui des arbres rêvés, imaginés, dans
leur poésie souvent proche des univers asiatiques qui font
la part belle à ce genre d’émotions. Mes techniques s’en
inspirent souvent dans les compositions graphiques et les
jeux de matières opposées aux douceurs de l’aquarelle
ou bien dans l’usage des noirs de fumée profonds, qu’ils
soient à l’encre ou à l’aquarelle : ici, les noirs granuleux des
aquarelles Daniel Smith (« lunar black ») s’opposent dans
les troncs aux noirs broussailleux de l’encre de Chine dans
les herbes givrées. La délicatesse des fleurs aquarellées est
ainsi révélée par opposition à ces jeux de matière.

« Cette scène m’a éblouie et je n’ai

eu de cesse que de rechercher
les techniques qui serviraient au
mieux cette poésie de l’instant. »

CONTACT
Rendez-vous dans notre
carnet d’adresses p. 98.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 23

 L’atmosphère
RENCONTRE
avec Dusan
J’ai remporté mes premiers prix quand j’étais enfant – je
peignais déjà beaucoup. L’aquarelle est entrée dans ma vie
parce que mon tempérament le commandait : je n’ai pas
la patience de passer trop de temps sur une peinture. Elle
doit être réalisée en une seule séance ! Et l’aquarelle est
la technique qui se prête parfaitement à cet état d’esprit.
Après avoir cherché à obtenir certains résultats dans ma
24 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
peinture, et après avoir déterminé ma poésie et ce que
je voulais peindre – c’est-à-dire des scènes urbaines et
des paysages –, je suis arrivé à la conclusion que la meil-
leure façon de décrire l’atmosphère d’une peinture ou son
ambiance était d’utiliser la couleur d’une certaine manière.
Ainsi, une journée pluvieuse peut être réduite à quelques
couleurs. Si je veux rendre une journée plus ensoleillée, ou
de la ville
Djukaric
I’m waiting, I’m waiting apporter une touche de couleur dans un univers pluvieux, je
in the rain at… 54 x 74 cm. prendrai plus de couleurs. J’en ai récemment ajouté une ou
deux à ma palette, mais en principe mes couleurs de base
View on Terazije.
54 x 74 cm. sont les suivantes : terre de Sienne brûlée, violet magenta,
turquoise de cobalt, bleu de cobalt, ocre jaune, ombre, gris,
teinte neutre, rouge carmin et blanc.
Je ne fais pas partie de ces peintres qui représentent
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
FASCINÉ PAR LA
NOTION D’INSTANT, CET
AQUARELLISTE SERBE,
QUI VOUE UNE VÉRITABLE
PASSION À LA PEINTURE
SUR LE MOTIF, DÉVOILE
ICI DES PAYSAGES BAIGNÉS
D’UNE LUMIÈRE DOUCE
ET DIFFUSE.
REPÈRES
Dušan Djukaric a fait ses études à l’Académie des
beaux-arts de Belgrade, où il vit actuellement. Ses
aquarelles se trouvent dans diverses galeries et
collections privées. Il a participé à de nombreuses
expositions collectives et a exposé individuellement
à plusieurs reprises. Il est membre de l’Association
des artistes serbes. Il a remporté plusieurs prix.
CONTACT
Rendez-vous dans notre carnet d’adresses p. 98.
UNE PERSPECTIVE
À VOL D’OISEAU
J’aime revenir sur certains motifs urbains
que j’ai déjà peints ; c’est ce qui m’inspire !
C’est un défi de ne pas sombrer dans la
répétitivité, d’éviter les similitudes avec
des peintures précédentes ; c’est pour cela
que je renouvelle mes atmosphères et mes
points de vue. C’est ainsi que j’ai adopté une
perspective à vol d’oiseau. Vu d’en haut, tout
paraît extraordinaire. Lorsqu’on se trouve
en haut d’un immeuble, l’adrénaline coule à
flots. Il faut s’adapter rapidement, prendre des
notes et tenir compte des changements. Si je
me trouve dans un contexte confortable, je
ne vais pas tout de suite chercher un point de
vue en hauteur : je vais d’abord me concentrer
sur mon sujet. Mais quoi qu’il en soit, c’est en
hauteur que je me sens le maître de l’espace.
25
DUSAN DJUKARIC

« J’utilise une
grande variété de
techniques mais la
majeure partie de
mes tableaux sont
peints mouillé sur
mouillé. Je n’ai pas
de souci particulier
avec le contrôle
de l’humidité de la
feuille, quand placer
ma peinture sur la
feuille avec quelle
densité, etc. Ce qui
me pose souci, c’est
d’arriver à attendre
le bon moment ! »

Beogradjanka.
56 x 76 cm.

précisément ce qu’il a sous les yeux – même si je préfère
que mon sujet soit reconnaissable par le spectateur. Ce
qui compte, c’est de bien ordonner la composition, avec
des nuances, des filtres, afin de ne pas avoir d’excès. Pour
éviter les détails superflus, il est important d’avoir en tête
des règles esthétiques : si vous y arrivez, alors vous éviterez
tous les autres problèmes. Vous êtes pour ainsi dire sur le
chemin de la réussite.
UN ART DE LA STRATÉGIE QUI CONSISTE À
TROUVER COMMENT ATTEINDRE SON BUT
Lorsque j’entreprends une esquisse, je sais toujours si ma
peinture sera bonne ou pas. C’est quelque chose de rela-
tivement complexe. Mais les œuvres qui me plaisaient à
l’époque où je les ai faites finissent parfois par me décevoir
au bout d’un certain temps lorsque je les revois. Pourquoi
est-ce le cas ? Je pense que la réponse est assez simple :
à un certain moment de la création, lorsque vous êtes sur
le seuil de l’inspiration dans votre travail, vous êtes dans un
état de stimulation, vous ne voyez que les points positifs.
Puis, alors que vos sentiments et vos aptitudes changent
et évoluent, vous ressentez une forme de déception devant
votre travail.
L’aquarelle est un art de la stratégie qui consiste à trouver
le moyen d’atteindre le but que l’on s’est fixé. Très souvent,
j’arrive à sentir si je suis sur le bon chemin ou pas. Mais
que ce soit le meilleur chemin, ça, je n’en sais rien ! Toute
la technique de l’aquarelle peut se résumer selon moi à
une seule chose : le contrôle du hasard tout en gardant en
tête le résultat. Pour moi, l’aquarelle, c’est cela. Lors de la
peinture proprement dite, j’ai l’impression que je peins ce
que je ressens, plutôt que ce que je vois. Et c’est dans ces
moments-là que je produis les meilleurs résultats ! Ce qui
compte, c’est que les peintures soient différentes, bien que
peintes à des moments identiques ; ce qui compte, c’est
que l’énergie, c’est-à-dire ce que j’ai ressenti au moment
de l’inspiration, soit retranscrite sur le papier. Cette énergie
est l’essence de l’œuvre et c’est ce qui fait que vous êtes
attiré ou pas par une peinture.
ENTRE LE PLEIN-AIR ET L’ATELIER
J’adore peindre en extérieur quand les conditions le permet-
tent. Des œuvres plus grandes et plus complexes requièrent
plus de temps et je préfère les mener dans le confort de
mon atelier. Le travail sur le motif se fait dans l’immé-
diateté et possède plus de possibilités de combinaisons

26 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016


« Sur le motif, on est en phase avec son sujet et tout est accentué. »
UNE JOURNÉE DE TRAVAIL TYPIQUE
Il ne se passe pas une journée sans que je ne
peigne – que ce soit dans mon atelier ou en
plein air. Si je ne le fais pas, alors je sens la
nervosité qui me gagne. Le meilleur moment
pour moi c’est le matin après le petit-déjeuner
et après être sorti faire une petite promenade :
je me mets alors à mon chevalet.
Je peins jusqu’à ce que mon tableau soit
terminé. Il m’arrivait auparavant de peindre
jusqu’à 14 heures d’affilée : mais aujourd’hui,
je mets beaucoup moins de temps car je vais
plus vite ! Ensuite, je pars en quête de sujets
pour mes prochaines peintures.
View on square. 56 x 76 cm.
Je résume mes impressions pour le jour
suivant, envisageant ce que je vais peindre
le lendemain. Ensuite, il m’arrive – même si
cela est assez rare –, alors que j’ai en tête
un plan parfaitement clair, pensé en détail,
de peindre quelque chose de complètement
inattendu et de complètement différent de
ce que j’avais envisagé.
On ne doit jamais attendre que l’inspiration
vienne… et l’inspiration ne nous attend pas
non plus, d’ailleurs ! Elle vient tout simplement
avec le travail.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 27

Boats in Perast. 54 x 36 cm.
et d’explorations ; tous les éléments nécessaires sont
présents. La source d’inspiration change rapidement, ce
qui libère beaucoup d’adrénaline et laisse ainsi libre cours
à la passion ! En travaillant sur le motif, on est en phase
avec son sujet et tout paraît différent et comme accentué :
les odeurs, les couleurs…
FAIRE DE SON SUJET LA QUINTESSENCE
D’UNE ÉPOQUE
Mon choix de sujet n’est pas uniquement un prétexte. C’est
en fait un peu plus complexe que cela. Je suis guidé dans
ma peinture par mon désir de faire de mon sujet la quin-
tessence de notre époque. En termes de paysages urbains
par exemple, j’aime peindre des formes architecturales
qui arborent un dôme – en effet, je trouve que les dômes
donnent vraiment une atmosphère unique à une peinture.
Mais avant tout, je choisis les détails qui vont rendre mon
28 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Journée pluvieuse
1. Pour commencer, je
1 réalise, au crayon gras 2B,
uune esquisse où j’indique
pprécisément les personnages
((en respectant les proportions
ar rapport à la statue équestre
et le contexte architectural
environnant). J’évite certains
détails et je positionne les
lampadaires dans le premier
plan, leur donnant ainsi plus
d’importance, comme s’ils
symbolisaient la place.
2. Je crée un mélange en grande quantité de bleu de cobalt, de gris de
Payne, de turquoise de cobalt avec une pointe de cinabre. Pour poser les
premières indications de pluie et les nuages, je me sers de mon eau colorée.
Je suggère en fait la douceur de la pluie qui tombe. Puis, après avoir
représenté le trottoir mouillé, je m’attache plus en détail à certaines parties
de mon tableau. Sur la feuille encore humide, je représente les bâtiments
dans le lointain à l’aide du même mélange que pour le ciel, mais avec moins
d’eau. C’est une partie importante car, lors des étapes ultérieures, il sera
plus facile de déterminer les parties claires et foncées des reflets sur le
béton mouillé.
3. Je démarre par le bâtiment sur la gauche, tout en étant conscient qu’il
ne s’agit que d’un élément à l’arrière-plan, qui n’a besoin que de quelques
détails. Je mélange les couleurs suivantes : turquoise de cobalt, bleu de
cobalt et un peu de cinabre. Le seul détail que je laisse sur le bâtiment est
l’auvent, car je le trouve intéressant. Je poursuis avec mon premier mélange
de couleurs afin de rendre le piédestal de la statue équestre. Je passe
ensuite un autre lavis plus chaud.
4. Je me penche maintenant sur le cavalier – un élément important de
ma composition. Je mélange du turquoise de cobalt avec un peu de violet
de manganèse et de bleu de cobalt sur la feuille humide. J’ajoute ensuite
quelques détails. Puis je passe un lavis sur les parties claires du cheval,
en m’assurant de ne pas perturber la forme du cavalier. Je continue avec
les personnages à l’aide du même lavis – sauf celui sur la droite, passé en
cinabre. Enfin, j’ajoute quelques accents sur les personnages au premier
plan, en me contentant de suggérer ceux à l’arrière-plan. Je termine par les
parapluies.
« Ce que j’essaie en fait de
tableau vibrant : que ce soit un tramway rouge ou un para-
pluie de la même couleur sous un ciel de pluie. Ce sont
toujours des détails qui s’imposent d’eux-mêmes spon-
tanément. En fait, il faut choisir un point central autour
duquel toute la peinture va s’articuler. Il suffit d’un accent
qui manque et un chef-d’œuvre – peint par n’importe quel
maître – peut s’effondrer de lui-même. Il faut noter que la
technique en elle-même n’est pas ce qui transforme un
homme en artiste.
L’art se crée dès lors que la technique devient un outil, un
moyen spirituel. C’est ainsi qu’en art se crée ce qu’il y a
de plus magnifique, de plus incompréhensible et d’inexpli-
cable. C’est un secret ! Si le secret est dévoilé, tout remonte
à la surface, tout est à portée de main. Et la magie n’est
plus là pour vous séduire ou pour vous hypnotiser. Et il me
semble que moins nous nous posons de questions, plus
nous donnons.
sur une place
2 3

5. Je me concentre
4 5 ensuite sur la partie
gauche et poursuis
les reflets sur le
bâtiment en ajoutant
les lumières dans
les fenêtres et les
feux de circulation.
Je poursuis par
mes personnages
en accentuant leur
présence afin de
donner plus de
profondeur à ma
peinture. Enfin, je
finis en apposant
ma signature.

faire ici, c’est de suggérer la douceur de la pluie qui tombe. »

L’EXPÉRIENCE DU PEINTRE
MON MATÉRIEL Je n’ai jamais entendu parler d’un artiste qui ne peint pas
quelque chose dont il a auparavant fait l’expérience en lui-
Bleu de cobalt clair, vert turquoise de cobalt, turquoise de
cobalt, violet de manganèse, carmin d’alizarine, vermillon, même. Lorsqu’un artiste peint ce qu’il ressent au fond de
jaune vanadium, ocre jaune, terre de Sienne brûlée, terre lui-même, alors il aura toujours une chance – aussi ténue
d’ombre brûlée, gris de Payne, jaune hélio et blanc de soit-elle – de réussir ce qu’il a entrepris. La clé du succès
titane opaque. ne se trouve pas dans des raccourcis, ni dans des trucs et
J’utilise des peintures astuces que l’on a pu apprendre. L’art n’est pas quelque
Schmincke en tubes. chose qui tolère et accepte les raccourcis. Prenez du plai-
Mes mélanges se font
directement sur la feuille,
sir en peignant. Ne vous mettez pas la pression en vous
ce qui donne plus de focalisant sur les résultats car ils viendront d’eux-mêmes.
profondeur à la couleur, Votre peinture est la vôtre – et si vous ne réussissez pas, au
au contraire des mélanges moins vous saurez reconnaître vos erreurs. Et apprendre de
effectués sur la palette. ses erreurs est toujours un excellent apprentissage !
Je peins sur du papier Arches
grain fin 300 grammes et
640 grammes. TEXTE : L AURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 29

 Rui Zhou
VIE D’ARTISTE
Le Chinois
qui monte…
UNE
ÂGÉ DE VINGT-SEPT ANS, IL FAIT PARTIE DE LA
NOUVELLE GÉNÉRATION D’AQUARELLISTES CHINOIS.
DANS SON TRAVAIL, IL PREND UN RÉEL PLAISIR
À REPRÉSENTER LES MULTIPLES FACETTES DE
LA CULTURE DE SON PAYS.
L’Art de l’Aquarelle : Rui Zhou, racontez-nous vos
débuts…
Je me souviens d’un cours de culture artistique – c’était
l’été et nous étions tous à moitié endormis – et, tout à coup,
mon regard a été capté par une image à l’écran, un tableau
qui donnait une impression de fraîcheur, avec un léger côté
flou. L’enseignant nous a expliqué qu’il s’agissait d’un tab-
leau peint à l’aquarelle. Je m’en souviens comme si c’était
hier et je pense qu’à ce moment précis, je suis tombé sous
le charme. Depuis, cette passion ne m’a pas quitté. Par la
suite, j’ai choisi d’étudier l’aquarelle à l’université.
Vous avez également étudié auprès de Liu Yi. Que vous
a-t-il appris ?
Je suis des cours avec Liu Yi depuis ma première exposi-
tion d’aquarelles il y a bien des années. Plus qu’un profes-
seur, c’est un ami. Grâce à lui, j’ai acquis de nombreuses
30 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
QUAND JE PEINS,
JE M’EFFORCE DE
COMMUNIQUER AU
SPECTATEUR MES
SENSATIONS, MA VIE
INTÉRIEURE, MAIS AUSSI
CE QUE RESSENT MON
SUJET. C’EST POURQUOI
J’AI DONNÉ À MON STYLE
LE NOM DE « RÉALISME
HUMANISTE ».
FAIRE RESSORTIR
SES PERSONNAGES
Mon arrière-plan varie d’œuvre en
œuvre. En règle générale, je fais
en sorte qu’il n’attire pas le regard
au détriment du centre d’intérêt :
The Angkor Prayers (p. 33) en est
un bon exemple. Parfois, j’adopte
l’approche contraire, comme ici, en
mettant délibérément l’arrière-plan en
valeur. Sa structure et les contrastes
de couleur créent une touche
légèrement plus contemporaine.
L’ARRIÈRE-PLAN
J’ai abordé l’arrière-plan de Sound
of Yunnan en pensant au « design »
global de ma peinture. En effet, ces
masses noires et rectilignes servent
à encadrer mon sujet. Le fond a été
peint dans le mouillé pour obtenir
un effet de douceur et des couleurs
floues. Certains éléments sont dus au
hasard, ce qui fait partie des plaisirs
de l’aquarelle.
 LE SUJET
Le Yunnan est une région belle
et mystérieuse. Sa population
se compose de beaucoup de
groupes ethniques différents.
À chaque groupe son costume,
ses traditions et son style de vie.
Dans cette peinture, j’ai choisi
de montrer les Yi.
Certains peuples vivent encore
dans des conditions presque
primitives : ils vénèrent le soleil,
la terre, l’eau et les femmes.
Il y a tellement de sources
d’inspiration dans le Yunnan
que c’est un véritable paradis
pour le peintre !

COULEURS ET
AMBIANCE
Je pense qu’il est vital de créer
une belle ambiance ; d’ailleurs,
je suis convaincu que la réussite
de mes peintures en dépend.
Les costumes sont peints avec
du bleu de Prusse, du rouge et
un peu de noir.

LA SIGNIFICATION
Dans Sound of Yunnan ou « la
musique du Yunnan » (NdT),
je voulais montrer aux autres
habitants de mon pays (voire au
monde entier) ce qui caractérise
ce peuple. Leurs costumes
traditionnels sont de toute
beauté et, lorsqu’ils travaillent,
ils ont pour habitude de chanter.
D’ailleurs, ces filles sont
justement en train de chanter
un bel air traditionnel.
J’espère que ma peinture va
donner envie aux spectateurs
de venir écouter leurs chansons
– ce qui explique son titre.

Sound of Yunnan.
2014.
160 x 110 cm.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 31

RUI ZHOU
Romantic
Island.
45 x 60 cm.
« Je m’efforce en permanence de tirer profit des accidents,
compétences techniques. En termes de maîtrise de l’eau, il
est actuellement le meilleur en Chine. Du moins c’est mon
avis. Ses peintures calment mon esprit ; je pense d’ailleurs
que mon travail évolue également dans ce sens. À travers
mon art, je voudrais donner à voir la beauté et apporter du
bonheur aux spectateurs.
En Chine, les peintres plus âgés jouent-ils un rôle de
mentor auprès des artistes moins expérimentés ?
Absolument. Je connais beaucoup d’aquarellistes des
générations précédentes. Ils sont riches de conseils, par
exemple ils connaissent les meilleurs endroits pour peindre
en plein air, ou peuvent nous aider à améliorer la com-
position de nos œuvres. Ceci dit, en tant qu’artiste de la
nouvelle génération, mon approche personnelle et ma sub-
jectivité me tiennent à cœur. Je ne veux pas répéter les
32 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
choix de mes prédécesseurs. J’en fais un principe et je ne
compte pas y renoncer.
Dans la plupart de vos œuvres, l’arrière-plan est flou,
ce qui crée une impression de mouvement. Comment
faites-vous ?
L’arrière-plan n’est pas le centre d’intérêt, mais il est très
important : non seulement occupe-t-il beaucoup de place
sur la feuille, mais en plus il contribue à renforcer l’am-
biance. Cependant, dans beaucoup de mes peintures, je
préfère laisser l’arrière-plan flou pour ne pas détourner l’at-
tention du spectateur. En général, je termine l’œuvre avec
un gros pinceau chargé d’une couleur gris terne alors que la
feuille est toujours humide. Souvent, une séance de travail
me suffi t pour finir une peinture et ma rapidité accentue
cette sensation de mouvement.

The Angkor Prayers.
2013.
80 x 120 cm.
de les transformer pour en faire un atout. »
Avez-vous recours à des techniques spécifiques dans
votre pratique d’aquarelle ?
Je peins le plus souvent dans le mouillé, mais à l’occa-
sion aussi mouillé sur sec, ou bien en technique mixte.
J’ai combiné les deux techniques dans The Angkor Prayers
(ci-dessus) et Sound of Yunnan(p. 73), d’ailleurs pour cette
dernière, j’ai commencé avec l’arrière-plan avant de rajouter
les personnages.
Y a-t-il certaines techniques que vous trouvez toujours
trop difficiles ?
Les grands formats me posent toujours problème et j’ai
du mal à gérer l’influence du climat et de mon environne-
ment sur la feuille. Quand je travaille longtemps une zone
du papier, il arrive que le reste soit presque sec. Je dois
faire attention à ce problème et m’assurer de préserver
REPÈRES
Rui Zhou est diplômé du Shanghai Institute of
Technology et membre de la Shanghai Artists
Association.
24 novembre 1987 Naissance à Shanghai.
2010 Yunnan Girls reçoit le Premiere Award à
l’exposition « Shanghai Youth Watercolour Painting ».
2014 The Angkor Prayers est exposé à la 2e National
Youth Watercolor Painting Exhibition en Turquie, au
Global Network of Watercolor Painters à Shanghai,
et figure dans le catalogue du Concours mondial
de l’Aquarelle (Narbonne, France).
- Sound of Yunnan a été exposée à la Shanghai Art
Works Exhibition (Shanghai).
C ONTACT
Rendez-vous page 98.
l’humidité de la feuille. Sinon, comme chacun le sait, il y a
toujours des accidents lorsqu’on peint à l’aquarelle. Il y a
des effets que l’on ne contrôle pas et qui sont impossibles
à reproduire. Je m’efforce en permanence de tirer profit des
accidents, de les transformer pour en faire un atout ; c’est
dans cette direction que je souhaite avancer.
TEXTE : L AURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
MON MATÉRIEL
Je ne travaille pas exclusivement avec un seul papier, mais
j’ai une préférence pour les papiers Saunders Waterford
ou Fabriano. Mes couleurs sont pour la plupart des Van Gogh
ou Mijello. J’aime le jaune de Naples ou le bleu de Prusse,
qui me servent à réchauffer une œuvre. Pour créer de belles
ambiances, il n’y a pas mieux qu’un mélange de rose, de
jaune de Naples et de bleu outremer.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 33
 Naomi Tydeman

Lumières
nocturnes
AUBE OU CRÉPUSCULE, C’EST À CES MOMENTS-LÀ QUE
LA LUMIÈRE EST LA PLUS BELLE SUR LA CÔTE GALLOISE.
DANS SES PAYSAGES MARITIMES, L’ARTISTE TIRE PROFIT DU
MEILLEUR ATOUT DE L’AQUARELLE : SON IMPRÉVISIBILITÉ.

34 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016


L’Art de l’Aquarelle : Naomi, comment s’est faite votre
rencontre avec l’aquarelle ?
Naomi Tydeman : Un jour, à Londres, je suis entrée dans
la Mall Gallery pour échapper à la pluie. On y présentait une
exposition de la Royal Institute of Painters in Water Colours,
la RI. Je n’avais pas conscience que l’on pouvait faire de
te les choses à l’aquarelle et obtenir des résultats aussi
profonds, riches, innovants, vibrants, évocateurs, atmos-
phériques… en un mot, aussi magnifiques. J’ai décidé sur-
le-champ que c’était cela que je voulais faire et, un jour,
me suis-je dit, moi aussi je ferais partie de cette société
d’aquarelle. Il m’a fallu douze ans pour y arriver !
Vous semblez vous préoccuper plus des valeurs de vos
couleurs que de leurs teintes ; est-ce le cas ?
J’habite au bord de la mer, dans le Pembrokeshire, au Pays
de Galles. Nous avons beaucoup de pluie et la lumière est
plus importante que la couleur : très souvent, le ciel et la
Dylans Moon.
30 x 70 cm.
REPÈRES
  Ouvre sa galerie à Tenby
Devient membre de la RI
 Prix Franck Herring
 Prix John Blockley
 Prix Winsor & Newton
 Prix Turner Watercolour, exposition annuelle de la RI
Naomi Tydeman exposera à Lloyd’s Register,
Londres, jusqu’au 11 décembre prochain.
C ONTACT
Rendez-vous dans notre carnet d’adresses page 98.
mer sont gris ! Comme je travaille dans ma propre galerie,
cela me laisse le temps de promener mon chien le matin et
le soir, c’est-à-dire aux moments où la lumière est faible et
les couleurs sourdes. Nous sommes tous le fruit de notre
environnement.
Quelle est votre attirance pour votre sujet ?
Pour mes paysages maritimes, le sujet n’est rien d’autre
qu’un prétexte. Laisser la peinture s’écouler, se répandre et
se figer comme bon lui semble, la laisser œuvrer par elle-
même et voir ce qui se passe avec le temps et l’évaporation
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 35
 « Je pars sans idée et dessin préalables, sans photo
de référence. Je laisse une grande part au hasard. »
Marsh Moon.
34 x 53 cm.
UNE JOURNÉE DE TRAVAIL TYPE
Je peins dans ma galerie, qui est aussi mon lieu de travail. Ainsi,
je peins dans un lieu public : l’été, il peut y passer en une journée
plusieurs centaines de personnes. Tenby est une magnifique
petite ville avec un très joli port, encadré de part et d’autre par
de superbes plages. C’est un véritable lieu de villégiature.
L’hiver, je peux ne croiser que trois personnes durant une semaine entière.
Aussi, ma concentration est-elle très différente. Je peins chaque jour et
dois faire face à toutes les petites interruptions qui sont le lieu commun
des petites entreprises : les discussions, les appels téléphoniques, emballer
mes œuvres, payer mes factures, répondre aux sollicitations, nettoyer
mes vitres. Je dois aussi gérer mon encadreur et mon imprimeur, ma
publicité, les invitations à des expositions. Je remplis en outre le rôle de
secrétaire pour les expositions de la RI, qui consiste à trouver des lieux
d’exposition, écrire les demandes et faire en sorte que tout le monde
mette la main à la pâte. Il arrive donc parfois que peindre soit la dernière
chose que je fasse… mais je suis une personne très calme. Il peut y
avoir beaucoup de sources de distractions, et si je dois m’éloigner de ma
peinture, mentalement ou physiquement, il subsiste néanmoins un lien,
une sorte de cordon ombilical qui me retient à ma peinture ; un peu comme
s’il s’agissait d’un chien au bout d’une laisse.
36 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
de l’eau, sont des parties essentielles de mon travail. Je
ne réalise pas de dessin préalable, je n’ai pas d’idées
préconçues et je n’utilise pas de matériel photographique
de référence. Je travaille juste en réponse à ce que la pein-
ture me donne. Parfois, une vague apparaît, ou la lumière
peut venir d’une certaine direction. Je peux peindre une
langue de terre ou une ligne d’horizon afin d’avoir une
référence, mais c’est toujours quelque chose de secondaire
qui apparaît à la fin de mon travail. De même, je peux me
décider pour un bleu différent, ou même encore travailler
sur un plus grand format mais à part ces éléments-là, je
n’ai aucune idée de départ.
Une bonne aquarelle est-elle un équilibre entre hasard,
intuition et savoir-faire ?
Oui, absolument. Je pense que l’expertise technique est
bien entendu essentielle et ne peut venir qu’avec une pra-
tique constante. Mais avec l’expérience vient aussi le fait
de savoir quand laisser le hasard prendre les rênes – ce qui
est après tout le but de l’aquarelle – et l’intuition consiste
à savoir quand le laisser entrer en jeu.
Combien de temps passez-vous sur le choix de votre
composition ?
Pas beaucoup ! Ou au moins, pas au départ. J’ai découvert
avec l’expérience que les décisions se prennent à la fin,
notamment lorsque je recadre mon travail.
Avez-vous le sentiment de réussir toutes vos
peintures ?
Avec mes paysages, je laisse une grande part au hasard,
et il y a donc à chaque fois de fortes chances pour que
j’échoue dans la conduite de l’œuvre. J’ai récemment
eu une exposition itinérante à travers l’Italie du Nord, et
il m’a fallu plus d’une année pour produire 24 œuvres
satisfaisantes. Mais pour moi, peindre n’est pas une lutte.
J’adore l’espoir, l’attente et j’adore ensuite le sentiment que
procure le fait d’avoir réussi quelque chose. Bien sûr, je ne
me décourage pas quand quelque chose ne fonctionne pas
ou lorsque je pousse une œuvre trop loin et qu’elle est un
échec. Peindre n’est pas un combat : c’est une attente et
c’est aussi une acceptation.
Malgré votre expérience en aquarelle, ressentez-vous
toujours une angoisse face à la feuille blanche ?
Oui, et j’espère que ce sera toujours le cas. Un des avan-
tages de l’aquarelle est qu’elle vous oblige à toujours être
sur vos gardes : elle est indépendante, ne fait pas de com-
promis et la minute où vous pensez que vous la contrôlez,
elle vous glisse entre les mains.
Moon Rise.
76 x 56 cm.
37
 « Pour moi, peindre n’est
pas une lutte. J’adore
l’espoir, l’attente et le
sentiment d’avoir réussi
quelque chose. »

Saint Catherines.
24 x 24 cm.

Décrivez votre approche de la peinture en trois mots…
Je dirais que les trois mots qui définissent le mieux ma
peinture sont « risqué », « inefficace »
et « ridicule ». Risqué : parce que ma
peinture l’est. J’ai souvent recours au « Ma peinture
hasard et j’ai peu de contrôle sur le
résultat final. Inefficace : parce que
est figurative et
c’est vrai aussi. La quantité de papier, ne possède pas
de peinture et de temps passé sur des
essais infructueux est parfois tout sim- de sens caché. »
par là que ma peinture est très figurative et ne possède que
très rarement un sens caché. Je ne cherche pas à envoyer
consciemment de message autre que «
regardez cette lumière » ou « voici la
lumière de la lune qui se reflète sur le
sable mouillé ». Les spectateurs peuvent
y voir quelque chose qui les touche ou
leur rappelle des souvenirs… et si c’est
le cas, alors tant mieux !

plement stupide. Et enfin, ridicule : dans

quel autre secteur d’activité accorde-t-on autant d’impor-
tance au hasard tout en espérant gagner sa vie ?
Êtes-vous satisfaite de la manière dont vous arrivez à
traduire vos sentiments et vos pensées en peinture ?
Je pense que mon travail est facilement lisible. Je veux dire
Selon vous, comment l’aquarelle a-t-elle évolué au fil
des ans ?
C’est assez curieux que l’aquarelle soit toujours été aussi
mal considérée par rapport à l’huile, alors que les artistes
s’en servent depuis 40 000 ans. Notre vénérable institu-
tion, la Royal Academy, la compare au dessin et a mis du

38 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016


LES DIFFICULTÉS
DU TRAVAIL
DANS L’HUMIDE
En ce qui me concerne, je
ne dirais pas qu’il s’agit de
difficultés. Bien sûr, l’aquarelle
est imprévisible et incontrôlable ;
il suffit de pencher la feuille
d’un côté pour changer l’œuvre
du tout au tout : les parties
sombres vont venir se mélanger
aux parties claires. Il se peut
aussi que la peinture va, en
séchant, créer des contours là
où vous n’en voulez pas –
mais ce sont là les beautés et
les joies de l’aquarelle.
MES MÉLANGES
DE COULEURS
J’adore peindre avec une palette limitée.
Pour moi, il est toujours plus aisé d’arriver
à rendre la lumière avec les valeurs plutôt
que de me perdre et me laisser entraîner
par la couleur. Je prépare mes mélanges
dans des bols de riz japonais et en grandes
quantités. Le mélange dans le premier bol
sera dense avec une forte concentration
de pigments et les autres bols comporteront
la même couleur plus ou moins diluée.
Très souvent, j’ajoute juste au mélange de la
peinture préparée la veille, aussi je ne connais
pas exactement les proportions que j’utilise.
MA PALETTE
South Beach. J’ai fait le choix des peintures Winsor & Newton
34 x 53 cm. de qualité artistes, et mes couleurs de base
pour la plupart de mes scènes de bord de mer
sont du bleu Winsor et du rouge vénitien,
que j’utilise avec les restes de mélange
préparés dans mes bols. J’achète mes couleurs
dans un magasin beaux-arts local, car j’essaye
temps avant de la reconnaître comme une forme d’art à de faire vivre les commerces de proximité.
part entière. La RI a été instaurée il y a deux cents ans afin
de s’opposer à cet état des lieux mais, aujourd’hui encore,
elle a du mal à trouver des soutiens, de la reconnaissance
et à avoir les mêmes budgets que les organisations de pein-
ture à l’huile. Pourtant, tout le monde sait que l’aquarelle
est plus difficile et demande plus de dévouement et de
talent. Les écoles enseignent rarement l’aquarelle, elle est
à peine mentionnée et pourtant la moindre société compte
des membres qui la pratiquent. Les gens prennent leur
retraite et font de l’aquarelle. En vacances, on emporte sa
boîte d’aquarelles. L’aquarelle est à la fois extrêmement
populaire et snobée par l’establishment. Mais nous avons
à cœur de changer tout cela !
TEXTE : L AURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 39
RENCONTRE
Mike Kowalski
Un regard décalé
sur le monde
C’EST AVEC UNE TOUCHE ENLEVÉE QUE L’ARTISTE AUSTRALIEN DÉPEINT DES SUJETS AUSSI
VARIÉS QUE DES HANGARS À BATEAUX OU DES KIOSQUES À JOURNAUX. IL NOUS DÉVOILE ICI
COMMENT IL S’Y PREND POUR TRANSFORMER SA VISION EN PEINTURE.
J’adore la nature et je suis un grand observateur de ce qu’il
est convenu également d’appeler la nature humaine. Mon
art est basé sur ce que voit mon œil et attire mon intérêt.
Ce peut être n’importe quoi, n’importe quand. J’aime saisir
les gens dans leur environnement. Et bien que de temps
à autre mon art s’inspire de mes souvenirs, je demeure
avant tout un peintre réaliste, ancré dans la représentation
du monde. Je suis issu d’une fratrie de cinq enfants et j’ai
grandi un peu dans mon coin. Je pense que j’ai été très
tôt attiré par les crayons, parce que je dessinais tout le
temps. J’ai commencé l’aquarelle très jeune. Je n’ai pas
eu de formation artistique avant d’entrer à l’université, ni
de formation spécifique à l’aquarelle, aussi je me considère
plutôt comme un autodidacte.
FAIRE FI DES RÈGLES ÉTABLIES
Pour moi, dessiner est l’aptitude la plus importante qu’un
artiste puisse avoir dans son escarcelle. Très souvent, une
mauvaise peinture résulte d’un mauvais dessin. L’aquarelle,
en particulier, demande en général de savoir bien dessiner.
40 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Downtime.
20 x 41 cm.
Cela permet aussi d’entraîner l’œil et l’esprit à travailler en
tandem afin de saisir une image. L’idée derrière une œuvre
est la première étape vers la maîtrise de n’importe quelle
technique de peinture. J’aime dessiner avec la pointe de
mon pinceau. Très souvent, j’utilise du brou de noix.
Pour ce qui est de mes sujets, je pense que ce que je
choisis de peindre montre mon caractère. Même si j’ai un
regard un peu décalé sur le monde. Les sujets que je choi-
sis me placent au sein d’un univers où j’ai souvent le senti-
ment d’être un observateur isolé, silencieux et perdu dans
ses pensées. Parfois, mon sens de l’humour se manifeste
aussi dans ce que je peins : je peux par exemple choisir de
peindre la vitrine, de nuit, d’un magasin de lingerie.
Personnellement, je n’aime pas les règles. Pourquoi
devrait-on se contenter de ne peindre qu’avec des
aquarelles transparentes ? Si je choisis de ne pas utiliser
de gouache, en revanche, c’est parce que je n’aime pas
son rendu dans mes œuvres. Selon moi, on a le droit de se
servir de tout ce qui peut être utile pour atteindre son but.
Ceci dit, j’apprécie l’histoire et la tradition de l’aquarelle
 REPÈRES
Mike Kowalski est membre,
entre autres, de la National
Watercolor Society, de
l’American Society of Marine
Artists, de l’American
Watercolor Society, de la
Victorian Watercolour Society
et de l’Australian Watercolour
Society.
2010 Meilleure peinture,
Northwest Plein Air
Competition ; meilleure
peinture historique, Northwest
Plein Air Competition ; prix des
collectionneurs, Northwest
Plein Air Competition ;
2015 Médaille d’argent
d’honneur de l’American
Watercolor Society ; prix des
donateurs, National Watercolor
Society.

Je n’ai jamais d’idée précise

ou arrêtée de l’œuvre finale
lorsque je me lance dans
une peinture, mais j’ai
néanmoins une idée de ce
vers quoi je souhaite aller.
Si vous n’avez pas d’idée en
tête, surtout à l’aquarelle,
vous pouvez vous perdre
ou vous retrouvez dans
une impasse. En revanche,
j’effectue de nombreux
choix lorsque je peins, mais
je dirais que très souvent,
mon œuvre finale est assez
proche de ce que j’avais en
tête au départ.

Read All about It

46 x 33 cm.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 41

MIKE KOWALSKI
Bergstrom’s
Classic
Automobile.
29 x 41 cm.
« J’aime poser mes tonalités les plus sombres dès le départ, ce qui est
dans son ensemble. Je peins surtout avec des lavis trans-
parents, mais je ne m’empêcherai jamais par exemple de
poser quelques touches visqueuses d’outremer opaque si
le besoin s’en fait sentir.
DES DÉTAILS QUI POSENT
LA RESSEMBLANCE
Je cherche tous les détails qui vont raconter mon histoire
ou ajouter de la couleur locale. Je n’ai pas besoin que mon
tableau ressemble exactement à ce que j’ai sous les yeux,
mais il demeure important de capturer l’essence de ce qui
est là et de ne pas tout inventer. Je n’aime pas par exemple
représenter la forme globale d’une voiture que l’on ne pour-
rait pas reconnaître. Cela prend du temps de savoir ce qu’il
faut garder et ce qu’il faut mettre de côté dans son sujet.
Parfois, il suffi t juste de se souvenir de quelques détails
marquants. Cela ajoute vraiment beaucoup à l’atmosphère
unique de chaque tableau. Il faut parfois apprendre à voir
à travers les choses !
PEINDRE LOCAL
Je pense que mes meilleures aquarelles représentent des
lieux ou des personnes que je connais ou avec lesquels j’ai
42 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
un lien personnel. Je crois que le local, le régionalisme sont
des valeurs un peu perdues de nos jours, alors que voyager
n’a jamais été aussi simple. J’adore peindre des nouveaux
endroits et je suis toujours très stimulé à l’idée de voir des
choses inédites. C’est pour moi quelque chose d’essentiel,
en tant que peintre, de se fixer des défis et de tester ces
compétences dans des contextes inconnus. Une fois que
vous avez développé les aptitudes appropriées, un artiste
devrait être à l’aise – où qu’il peigne.
L’ATTRAIT DU PLEIN AIR
J’essaye de peindre dehors le plus souvent possible. Mes
peintures sur le motif sont, je trouve, les meilleures. Il y a
une liberté et une fraîcheur dans le plein air que l’on ne
retrouve pas dans son atelier. En aquarelle, bien sûr, la
pluie est toujours un problème. J’ai plus d’une peinture avec
des gouttes de pluie dessus. Parfois, cela ajoute quelque
chose à l’aquarelle. Un fort taux d’humidité pose des défis,
ainsi que le froid et le vent. J’ai traversé des zones monta-
gneuses remplies de moustiques dans lesquelles je ne
pouvais pas peindre. Je ne suis pas trop dérangé par les
badauds qui me posent des questions, même si j’ai parfois
dû arrêter les plus volubiles… gentiment, bien sûr ! J’adore
 L’INFLUENCE DES OUTILS
Les outils et instruments que j’utilise ont une influence
très importante sur ma façon de peindre, mais de manière
personnelle et subtile. Je peux faire une bonne peinture sur
un papier de mauvaise qualité avec des couleurs premier
prix… mais j’ai besoin de produits en lesquels j’ai confiance,
qui me donnent les meilleurs résultats possible. Le papier
que j’utilise, ainsi que mes peintures et mes pinceaux, ont
été choisis précisément parce que j’ai passé des centaines
d’heures à les comparer à d’autres. Bien que cela ne se voie
pas forcément, mes instruments et mon matériel me donnent
le confort dont j’ai besoin pour démarrer une peinture. Ceci
dit, il est toujours bon d’essayer des choses nouvelles et
différentes, afin de sortir de sa zone de confort de temps en
temps. On ne sait jamais ce qu’on peut apprendre.

Case Patent Method. 25 x 18 cm.

un peu en contradiction avec la vision traditionnelle de l’aquarelle. »

MON MATÉRIEL répondre aux questions des enfants, en revanche, et j’en ai

Mon papier Les papiers Winsor & Newton et Saunders sont
mes deux préférés du moment. En grain fin et torchon.
Je peignais auparavant sur du papier Fabriano, mais je pense
que sa composition a aujourd’hui changé. J’aime en tout cas
de temps à autre essayer des nouveaux papiers.
Mes couleurs La plupart de mes aquarelles sont de
marque Daniel Smith J’utilise aussi des aquarelles Holbein,
Schmincke, W. Graham, Winsor & Newton et Daler-Rowney.
Je choisis mes teintes avec beaucoup de soin. On doit
toujours faire appel à son expérience personnelle lorsqu’on
fait ses mélanges. Toujours garder ses aquarelles au même
endroit sur la palette vous évitera bien des erreurs au moment
de vos mélanges.
Ma palette de base Jaune de cobalt, jaune gomme-gutte,
orange de cadmium (que j’utilise assez peu), rouge de
cadmium (que j’utilise assez peu), rose de quinacridone,
alizarine cramoisie (que j’utilise assez peu), or quinacridone,
ocre jaune, terre de Sienne, terre d’ombre, terre de Sienne
brûlée, bleu de cobalt, bleu céruléum, bleu outremer et
vert émeraude.
Mes couleurs sont un mélange de teintes transparentes et
semi-transparentes. Ma palette est basée sur les couleurs
dont j’ai besoin, et non leurs propriétés. Mais j’aime aussi
les granulations.
même laissé ajouter des touches sur mes tableaux.
L’ANGOISSE DE
LA FEUILLE BLANCHE
J’envisage chaque feuille blanche comme une opportunité
pour ma prochaine bonne peinture. Afin de faire de votre
mieux, vous devez dépasser l’angoisse de la feuille blanche.
Bien sûr, cette confiance en vous ne veut pas dire que
chacune de vos peintures sera réussie, mais vous devez
vous dire que chacune de vos tentatives pourrait vous faire
remporter un prix… ça, c’est stimulant. Je peux bien sûr
me poser des questions quand je démarre une œuvre pour
ne pas me lancer la tête la première. Parfois, je regarde
mes œuvres terminées et je me pose la question de savoir
comment j’ai pris la décision de démarrer ce que j’ai fait.
Il pouvait s’agir d’une considération purement technique.
Lorsque vous vous débarrassez de votre « peur », vous
gagnez en confiance.
Mes peintures sont très directes… la première réaction des
spectateurs est de commenter la manière dont j’ai saisi la
lumière. Je me dis que si mon aquarelle terminée me satis-
fait, il doit bien se trouver quelqu’un qui ressentira la même

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 43

MIKE KOWALSKI
Spanish Cedar
J’AVAIS DEMANDÉ AU
CHARPENTIER
C QUELS
MATÉRIAUX
M IL UTILISAIT. IL
M’A RÉPONDU : « DU BON
CÈDRE
C ESPAGNOL. » D’OÙ
L TITRE DE L’AQUARELLE !
LE

LE RÔLE DE L’ESQUISSE
Je ne fais presque jamais d’études préliminaires autres que des
crayonnés. Si je vois un sujet qui m’interpelle, je vais travailler plusieurs
Old World. 36 x 28 cm. compositions afin d’être sûr d’avoir la meilleure qui convienne à mon
tableau final. Mes dessins m’aident aussi à mieux connaître mon sujet.
Lorsque je suis prêt à le peindre, j’en ai bien fait le tour.
chose. Parfois, je dois me poser la question suivante : pour-
quoi est-ce que je peins ce que je suis en train de peindre ?,
juste pour m’assurer que ma peinture n’est pas trop
sombre. J’ai montré une fois un tableau à un ami artiste et
« Côté couleurs, je peux me
sa réaction initiale a été de me demander pourquoi j’avais contenter du bleu de cobalt,
peint cela ! Ce n’est pas vraiment une question que je me
pose. Les choses trouvent une issue d’elles-mêmes. du bleu outremer, de l’or de
ÉVITER LES RACCOURCIS
quinacridone et du rose de
Je n’aime pas vraiment les « trucs » et les raccourcis. Je quinacridone. »
préfère la peinture dans tout ce qu’elle a de plus laborieux
et de plus simple : c’est-à-dire avec pinceaux, couteaux et
peintures. Il y a quelques techniques que j’utilise, mais que LE DESSIN
je n’appellerais pas forcément des « trucs ». Je n’emploie Mon dessin se base sur
jamais de gomme à masquer. Il y a toujours quelque chose quelques études au crayon.
de très excitant à remouiller entièrement une feuille à l’eau Il est important de bien
claire. Il m’arrive parfois de réserver à la cire, et je peins comprendre la structure
d’un bateau : ainsi je peux
parfois à l’envers. Par là, j’entends que je pousse mon pin- envisager mentalement
ceau dans le sens opposé de celui qui serait normalement plusieurs manières
utilisé pour la touche en question. Les astuces fonctionnent d’aborder ma peinture. Je
en peinture si elles sont subtiles, mais lorsqu’un artiste garde mon dessin aussi
s’appuie trop sur elles, cela peut devenir monotone. Prenez lâche que possible et j’aime
voir les traits de pinceaux
les éclaboussures, par exemple. Des éclaboussures natur- dans mon aquarelle finie.
elles qui découlent de votre manière de peindre sont très J’ai choisi une feuille
bien… ou si le sujet s’y prête. Mon avis est de n’utiliser 140 lbs, grain fin.
que des outils ou des astuces qui élèveront votre peinture,
et non simplement parce que vous êtes capable de vous
en servir.

TEXTE : L AURENT BENOIST.

PHOTOS : D. R.

44 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

1 2
Ma première étape consiste à poser une peinture
très visqueuse. Je peins également les zones
les plus sombres, ainsi que les lignes les plus
importantes et quelques détails.
4
Je peins le bateau en ajoutant mes tons les plus
chauds sous le toit. Le petit voilier à l’arrière-plan
et les détails du personnage sont ajoutés. À l’aide
d’un second lavis assez libre, j’ajoute des textures
dans le plafond. Enfin, je pose les éléments au
premier plan à l’aide de quelques gestes.
Spanish Cedar. 38 x 25 cm.
3
Je travaille du foncé vers le clair. Ici, je me
concentre sur les tons intermédiaires. C’est
généralement à ce stade que je pose mes ombres
et les grandes masses, indiquées par de simples
lavis. Je laisse les tons froids et chauds se mêler.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Les zones chaudes du toit du bâtiment sont
rapidement posées. Je peins les bâches au plafond
en négatif, mais comme j’œuvre dans l’humide,
les contours restent flous.
UNE PRÉDILECTION
POUR LES FORMATS
VERTICAUX
J’ai une tendance à privilégier les
formats étroits et verticaux, ce
qui correspond à un ratio d’à peur
près 3/2. Mes formats préférés
sont ainsi les suivants : 18 x 27 cm ;
20 x 30 cm ; 25 x 38 cm.
Ce sont des formats qui, je le sens,
me correspondent bien. Très souvent,
quand je vois un sujet que j’ai envie
de peindre, je le vois spontanément
avec ce ratio-là.
45
PORTFOLIO

S écial

VOICI EN AVANT-PREMIÈRE UNE SÉLECTION D’ŒUVRES QUI

SERONT EXPOSÉES À LA BIENNALE DE SHENZHEN, EN CHINE,
DU 7 AU 27 DÉCEMBRE. L’AQUARELLE AU TOP DE SA FORME,
DANS TOUTE SA DIVERSITÉ.

Xia Rong (Chine),

No Sleep.
100 x 70 cm.
SHENZHEN
DE
BIENNALE

Rukiye Garip (Turquie),

Mother. 56 x 76 cm.
Zhou Yan (Chine), Window & Shadow.
77 x 107 cm.
SHENZHEN
DE
BIENNALE

Ying Jinfei (Chine),

Life is Like a
Dream.
108 x 78 cm.
Hou Wei (Chine),
« Dust Series »,
Bubble.
81 x 54 cm.
SHENZHEN
DE
BIENNALE

Frederick C.Graff (USA), Era Of Grandeur.

58 x 86 cm
Alexander Vostmush (Russie), Prospect of a Star. 71 x 105 cm.
SHENZHEN
DE
BIENNALE

Zhou Tyania (Chine), Ritual.

2015. 75 x 55 cm.
 « Notre mot d’ordre : “Diversification-
Expérimentation-Innovation”. »
Quelque 3 779 artistes de 73 pays et régions ont parti-
cipé à la Biennale internationale d’aquarelle de Shenzhen
2015, dont 44 % d’artistes internationaux. Non seulement
ce chiffre record démontre le succès de la biennale, qui sera
bientôt sans doute le plus important concours international
d’aquarelle, mais en plus il témoigne d’un niveau de com-
pétition intense.
Le comité de sélection se compose de sept membres : Chen
Jian (Chine), Maureen Bloomfield (États-Unis), Jean Noble
(GB), Shang Hui (Chine), Tie Yang (Chine), Joseph Zbukvic
(Australie) et Janine Gallizia (France, uniquement pour la
sélection). Les jurés ont sélectionné les 230 œuvres des-
tinées à être exposées, et ensuite les 29 lauréats qui se
sont partagé les prix pour un montant total de 93 000 USD.
La décision du jury fut prise à la suite d’une procédure de
sélection rigoureuse, qui a associé la nomination de candi-
dats et un scrutin ouvert.
En tout, 250 peintures seront exposées au musée d’Art de
Shenzhen du 7 au 27 décembre, 2015, dont 20 œuvres hors
concours présentées par les membres du jury, des artistes
invités ou les organisateurs eux-mêmes. Ensuite, 150 d’entre
elles seront sélectionnées pour une exposition itinérante d’un
an, qui parcourra tout le pays en 2016, passant par les
musées d’art des villes de Zhejiang, Guangxi, Wuhan, Jinling
(Nanjing) et Qindao.
Zhou Tianya, commissaire de cette exposition et artiste lui-
même, a accepté de répondre à nos questions.
La biennale de Shenzhen est l’une des manifestations
les plus connues en dehors de la Chine. Elle attire de
nombreux artistes étrangers… Quelles qualités ces
artistes occidentaux apportent-ils à l’événement ?
Zhou Tianya : À mes yeux, l’aquarelle chinoise reste acadé-
mique : notre formation est fondée sur une vision classique
de la peinture réaliste selon la tradition occidentale. C’est
pour cette raison que la plupart des artistes chinois œuvrent
dans un style réaliste et figuratif. Grâce à ces nombreux
artistes internationaux aux approches diverses et variées,
l’exposition gagne en diversité. Cette influence occiden-
tale, cette idée classique et académique de la peinture, fait
que les artistes chinois privilégient la « perfection » et la
« diffi culté technique » dans leur travail. Ils pensent que
ce n’est pas le sujet qui est important, mais la manière de
peindre, la technique. Pour les artistes occidentaux, c’est
tout le contraire. Notre exposition met en lumière les atouts
respectifs des artistes de l’Occident et de l’Orient et c’est
pour cette raison que la qualité de notre sélection est parmi
la plus élevée au monde.
Shenzhen est une exposition internationale et les ten-
dances modernes/abstraites y sont très présentes. La
Chine semble dorénavant adopter une approche plus
moderne. Qu’en pensez-vous ?
Au XXI e siècle, les gens se disent que tout est possible,
qu’ils peuvent tout imaginer et tout faire. L’innovation est
devenue une préoccupation universelle. Et il est vrai que
sans innovation, il n’y a pas de progrès : notre technique
ne fait pas exception. Quand Marcel Duchamp a fait entrer
un urinoir au musée, il a contribué à élargir le domaine de
l’art ; l’art contemporain est « anti-traditionnel » et ne peut
donc pas être jugé selon des critères de vérité, de bonté et
de beauté. Aujourd’hui, l’aspect technique reste essentiel
pour l’aquarelle, mais à force de se laisser confiner par les
limites que l’aquarelle s’est fixées, nous serons piégés sans
espoir de progrès. Aussi, nous encourageons les artistes
à repousser les limites et à ne plus se laisser contraindre
par les diktats de l’aquarelle pure. Ils doivent développer
leur art dans toutes les directions, autant dans le domaine
des techniques à l’eau au sens large que dans celui de
l’aquarelle contemporaine. Il faut renforcer ses idées, expé-
rimenter, innover et regarder l’avenir en face ! Nous devons
encourager l’expérimentation quel que soit le résultat. Nous
devons respecter et encourager toutes les innovations dans
le but de promouvoir le développement de l’aquarelle en
Chine et le reste du monde, sinon nous resterons repliés
sur nous-mêmes. Je propose comme mot d’ordre pour notre
biennale : « Diversification-Expérimentation-Innovation ». Je
souhaite aussi que ces principes régissent l’avenir de l’aqua-
relle en Chine, et plus généralement la modernisation de
notre pays.
Pouvez-vous nous donner votre avis d’artiste interna-
tional et de commissaire de la biennale de Shenzhen
sur les futures orientations de l’aquarelle ?
Il me semble que ma réponse à la question précédente
résume parfaitement mes pensées à cet égard. Cependant,
j’ajouterai que malgré la grandeur des artistes du passé,
comme Rembrandt par exemple, ceux-ci font partie d’une
époque révolue et que « l’art doit suivre son époque. » Je
pense que l’aquarelle va continuer à suivre la voie de la
diversification et que c’est grâce à l’expérimentation et aux
recherches que les œuvres du futur s’inscriront dans l’his-
toire de l’art.
PROPOS RECUEILLIS PAR JANINE GALLIZIA.
PHOTOS : D. R.
CONTACT
www.shenzhenbiennial.com
L’ATELIER DE…

Vera Dickerson
La fin justifie les
SA PEINTURE EST
L’ILLUSTRATION DE L’ADAGE
SELON LEQUEL TOUS
DANS

LES MOYENS SONT BONS

POUR ARRIVER À SES
FINS… MANIANT AUSSI
BIEN L’ACRYLIQUE QUE
L’AQUARELLE, ELLE NOUS
LIVRE DES TABLEAUX OÙ
L’ABSTRACTION EST AU
SERVICE DE SES IDÉES.
ELLE NOUS EXPLIQUE ICI
SA DÉMARCHE.

REPÈRES
Diplômée en peinture et en histoire de l’art
américain, Vera Dickerson a eu au cours de
sa carrière les honneurs de 29 expositions
personnelles. Elle a notamment exposé
régulièrement avec l’American Watercolor
Society et la National Watercolor Society,
deux sociétés dont elle est membre. Elle fait
également partie de la Baltimore Watercolor
Society. Elle a reçu le Prix YWCA Women of
Achievement in the Arts en 2008. Ses œuvres
ont intégré de nombreuses collections publiques
et privées américaines.

C ONTACT
Voir page 98.

56 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

moyens!
Comme beaucoup de personnes qui ont grandi pour devenir
artistes, j’ai commencé par dessiner ou du moins faire des
traces dès que j’ai été en âge de tenir un crayon. L’état
d’esprit qui est celui de la création a toujours été un lieu
de bonheur, aussi mon premier but a-t-il été d’enseigner
et de montrer mon savoir-faire aux autres, partageant mon
bonheur et mon excitation. Cela m’a donné une impulsion
pour continuer des études supérieures en peinture et en
histoire de l’art américain. Connaître ce qui a été fait avant
et comprendre les cycles des styles et des philosophies
est une saine fondation. Mes premières fournitures étaient
des aquarelles pour enfants, aussi était-ce une progression
naturelle que de me concentrer sur les peintures à l’eau.
Mes œuvres récentes sont à base d’acrylique et d’aquarelle
sur grains fin et torchon, me servant des techniques habi-
tuelles à l’aquarelle.

AQUARELLE ET ACRYLIQUE
MODE D’EMPLOI
Généralement, je vais bloquer la surface de la feuille à
l’aide de deux couches diluées de gel acrylique brillant,
laissant un temps de séchage suffisant. Parfois, il m’arrive
aussi de noyer la feuille vierge dans un lavis d’aquarelle ou
d’acrylique transparente, afin d’obtenir une base vibrante
qui peut être jaune, rouge ou bleue. Dans tous les cas, mes
peintures commencent toujours par des lavis transparents à
partir desquels je construis, couche après couche, jusqu’à
ce que les derniers accents et les dernières formes aient
des contours bien définis et des lignes bien claires. Quand
je démarre une œuvre, mes premières couleurs sont toujo-
urs transparentes : cela permet au papier de briller par en
dessous et de me donner mes lumières.

DE L’IMPORTANCE DU TITRE
Le titre est pour moi la touche finale de l’œuvre. Il me vient
souvent lorsque je peins, parce que peindre peut aussi être
un jeu auquel je joue. Les formes et les couleurs ont une
personnalité et une musique ; elles me suggèrent des lieux,
des souvenirs, des personnes, et je veux que le titre encourage
le spectateur à engager ses propres souvenirs ou son
imagination. Face à de l’art non figuratif, beaucoup détournent
le regard parce qu’elles n’arrivent pas à créer un lien
personnel. Les titres agissent comme ce lien entre le tableau
et la personne qui le regarde.
Sounds of Spring.
56 x 76 cm.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 57

 MON MATÉRIEL
VERA DICKERSON
- Gel brillant de marque Nova pour neutraliser le papier et
un gel brillant Golden qui donne aux couches acryliques plus
de profondeur et d’intensité. Je m’en sers comme support
pour mes crayons aquarellables.
- Encres acryliques FW
- Papier Aquarelle Arches grains fin et torchon, 300 g et 600 g,
Strathmore Aquarius II, et du Yupo, un papier synthétique lisse
au grammage moyen.
« Un tableau abstrait est un défi, car tout le sujet est imaginé.»
T RAVAILLER L ’ ABSTRAIT
Lorsqu’on travaille de manière non objective, développer un
tableau est un défi, car tout le sujet est imaginé, y compris
les mémoires des formes, ainsi que les gestes précédents.
Je pense que la mise en place de la composition est un peu
comme la construction d’une maison, en faisant une grille
composée de divisions verticales et horizontales qui lie le
mouvement et les bords de la feuille. Lorsque des diago-
nales sont utilisées, il est important de les équilibrer : aussi
l’angle sur la gauche est-il équilibré par l’angle opposé sur
la droite. Une amie peintre m’a dit un jour qu’elle souhaitait
que ses peintures soient « presque » déséquilibrées, car un
léger déséquilibre est toujours plus dynamique et intriguant
qu’un équilibre statique.
Mon amour personnel de la couleur, des motifs, des textures
58 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
MES COULEURS
J’utilise des aquarelles Da Vinci et Mission Gold, ainsi que des
acryliques Nova et Golden. Que ce soit à l’acrylique ou à l’aquarelle,
ma palette est toujours sensiblement la même. La plupart de mes
couleurs sont transparentes. J’utilise plus volontiers les suivantes :
rouge de quinacridone, rouge clair de quinacridone, rouge de
pyrrole, magenta quinacridone, jaune de Hansa et jaune indien azo,
bleu de cobalt, bleu et vert phtalo, oxyde de rouge transparent et
oxyde de jaune transparent, terre d’ombre, blanc et noir.
Skinny
Dipping at
Midnight
56 x 76 cm.
sur la surface – rappelant des motifs textiles et autres ori-
entations que l’on pourrait qualifier de « féminines » – ont
une influence profonde sur mon art. Au fil des années, je
me suis impliquée de plus en plus dans mes peintures et
elles prennent beaucoup plus de temps à être créées. Je
peux en terminer une en une semaine tandis que d’au-
tres constituent une lutte qui peut durer plusieurs mois.
L’autocritique est aussi un défi qui pour moi est plus simple
lorsque je prends des photos de mes œuvres en cours et
que je les regarde ensuite sur l’écran de mon ordinateur.
Voir une image en taille réduite me permet de résoudre les
problèmes de composition ainsi que les zones qui sont trop
répétitives.
TEXTE : LAURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.
« Eclipse »
JE POSE D’ABORD LES TEXTURES SOUS-JACENTES À L’AIDE DE
PROJECTIONS D’ENCRES ACRYLIQUES, DE POCHOIRS, DE LAVIS QUI
GRANULENT EN DEUXIÈME COUCHE. JE TRAVAILLE ICI SUR PAPIER YUPO,
OÙ TOUT CHANGEMENT DANS LA PEINTURE EST IMMÉDIATEMENT VISIBLE.
1 DES GLACIS OPAQUES ET
TRANSPARENTS
Après les textures sous-jacentes, mon souci est
de placer des larges masses et des divisions
spatiales sur la surface initiale. Cela est
généralement accompli par des glacis à la fois
sombres et transparents, puis clairs et opaques.
Je neutralise certaines zones de cette façon
afin que les couleurs pures et les textures plus
intéressantes demeurent.
2FORMES,
LIGNES
ET TEXTURES
Toutes ces formes peuvent être ennuyeuses à
moins que je joue sur les contours et que je lie
d’une manière ou d’une autre les formes entre
elles. C’est ici que les pochoirs entrent en jeu.
Je superpose, pochoir après pochoir, ajoute de
la peinture, en enlève, modifie mes nuances
colorées tout en gardant les mêmes valeurs…
afin de développer des passages qui vont retenir
l’attention par leur complexité. Les pochoirs
sont le point de départ de mes motifs, je reviens
constamment dessus par des glacis ou des
jeux d’échelle afin d’avoir des espaces plats sur
lesquels je développerai des textures. Je dessine
avec mes pinceaux, des crayons aquarellables
et des crayons graphites solubles à l’eau. Un
ruban adhésif me sert à garder mes contours
nets et rectilignes, mais mes lignes droites sont
également obtenues avec une main ferme.
3ACCENTUER
LE POINT FOCAL
Puis, afin d’équilibrer ces motifs, j’ajoute de la
couleur pure et des contrastes de valeur. Je me
sers aussi de mon travail sur la ligne pour faire
un lien entre les différents espaces, allant et
venant en chevauchant mes traces… tout en
espérant créer un point focal intéressant.
1
Tandis que ma peinture avance, j’atténue
certaines lignes et place mes contrastes les
plus forts et mes couleurs les plus pures, qui
attireront le regard. Les liens entre les formes
s’effectuent grâce à des lignes d’intersection, des
répétitions et des chevauchements de couleurs.
J’essaye d’éviter autant que possible les formes
et les couleurs isolées ; très souvent, je vais venir
rompre un contour trop net avec une ligne ou
une forme afin de ne pas enfermer l’œil. Le
résultat final n’est qu’une réaction intuitive,
après des heures de réflexion.
4FAIRE
INTERVENIR
L’INTUITION
Il s’agit maintenant d’une étape intuitive : j’étudie
ma peinture et j’espère qu’elle me parlera et me
dira ce que je dois rajouter. Ici, ce fut un demi-
cercle jaune sur le bord gauche. Je prends des
2
photos de ma peinture afin de la visualiser sur
l’écran de mon ordinateur. Lorsque l’image est
réduite, les problèmes sautent aux yeux.
Mon choix de couleurs fonctionne par paires de
teintes complémentaires, même si je n’ai pas de
règles strictes. Je neutralise les couleurs pures
à l’aide de terre d’ombre et de blanc afin que les
passages qui soutiennent mes zones plus vives
soient chauds et tranquilles, sans faire de la boue
grise. Et j’aime bien avoir une zone de contrastes
vifs. Les acryliques ont un pouvoir teintant plus
fort que celui de l’aquarelle ; elles sont aussi
moins chères et restent en place lorsque je
les pose en glacis. Aussi toutes mes couches
supérieures sont-elles à l’acrylique.
4
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 59
 Jean Vigué
RENCONTRE

Sur les sentiers de

L A CAMPAGNE, IL Y HABITE,
IL L’AIME, IL LA PEINT. BÂTIMENTS
LAISSÉS À L’ABANDON, INTÉRIEURS
PAYSANS, PAYSAGES CHAMPÊTRES
PRENNENT PLACE DANS DES
CARNETS DE CROQUIS OU DES
ŒUVRES « MONOCHROMES »
D’UNE AGRÉABLE FRAÎCHEUR.

MA TERRE
Ma famille est implantée ici, en campagne lot-et-garonnaise,
depuis plusieurs générations : c’est donc mon « biotope »
naturel ! Comme le paysan ou l’agriculteur, je me nourris de
cette terre en toutes saisons ; contrairement à ce que l’on
pourrait croire, j’apprécie particulièrement la fin de l’automne
et l’hiver pour sa palette particulière ; des bruns et des verts
très forts, les rouges alizarine et violets qui vont avec… Le
temps ne permettant pas toujours de rester 2 ou 3 heures
sur place pour une aquarelle, c’est là que les carnets de cro-
quis prennent le relais avec possibilité de travailler à l’arrière
de la voiture, un petit utilitaire fonctionnel !

M ES SUJETS
Les lieux qui ont, ou ont eu un vécu, là ou l’humain a laissé
sa trace, la patine sur un outil, une machine, vont m’inviter
à partager un petit moment avec eux. Il est important que je
connaisse ces lieux, les voir sous différentes lumières, sai-
sons. Si c’est proche de chez moi, je travaillerai sur place et
c’est là aussi, bien sûr, que les carnets et croquis sont indis-
pensables. Il m’est souvent arrivé de rentrer « bredouille »,
enfin presque, car il m’aura fallu plus de temps pour cerner
les lieux. La photo est bien sûr indispensable selon la com-
plexité du sujet et pour les jours de disette ! Mais elle ne
remplacera pas notre vision personnelle du sujet.

M ES INFLUENCES
C’est au début des années 1980 que j’ai découvert les
aquarelles des Espagnols comme Ceferino Olivé, Guillermo
Fresquet, Martinez Lozano et les Anglais Richard Bolton,
Trévor Chamberlain, John Blockley, David Curtis… Plus près
de chez moi, j’allais décortiquer les aquarelles d’un paysa-
giste lot-et-garonnais, Louis Lasbouygues, qui exposait régu-
lièrement dans une galerie agenaise. Sans qu’il le sache,
c’est un peu lui qui était ma référence. Je ne pourrai pas

60 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

l’aquarelle
Carnets « Au fil
des saisons »
et, ci-dessous,
« Carnet de tout
et de rien ».

La Scierie.
2014. 54 x 54 cm,
Fabriano 600 g.

REPÈRES
Âgé de 58 ans,
Jean Vigué vit
dans la campagne
lot-et-garonnaise,
entre Agen et
Villeneuve-sur-Lot.
Il a commencé
à « tâtonner »
dans l’aquarelle
il y a environ trente-cinq ans. Suite à une
formation de graphiste dans les années
1973-75 à Bordeaux, le dessin l’a toujours
accompagné dans son travail, que ce soit
dans son ancien métier de sérigraphe ou
en tant que graphiste en agence jusqu’en
1995. Il participe régulièrement depuis sept
ou huit ans à différents Salons d’aquarelle
comme Aiguillon, St-Yrieix, Caussade, Le
Teich et les Rencontres d’Arvert. En 2016, il
sera à Sainte-Féréole et à nouveau à Arvert.
MA RANDO-CROQUIS
AU PAYS BASQUE
J’ai été invité fin septembre par la
sympathique association Articietla à
Bayonne. Nous avions une sortie de 3 jours
en « rando-croquis » dans la vallée du
Baztan au Pays basque Sud, à proximité
d’Elizondo. L’architecture, le paysage, la
flore, tout était prétexte à organiser nos
journées. Nous avons ensuite pris la direction
de l’Aragon, changement total de la palette !
Agüero, les Mallos de Riglos (l’Ayers Rock
local au couchant !) puis retour en Navarre
par les Bardenas (là aussi, ça décoiffe les
pinceaux !). C’est lors de ces rencontres,
stages, Salons que se nouent ces liens, ces
amitiés. Chacun se nourrit, s’enrichit de
l’autre. Il me semblerait difficile de ne pas
partager mon temps et l’aquarelle.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 61

JEAN VIGUÉ
Les Cuisinières de Marcognac. 2012. 56 x 38 cm. Bockingford 425 g.
« Ici, j’ai rajouté les cartons au sol et sur la cuisinière et décollé quelques carreaux
à gauche (sur l’aquarelle bien sûr !) »
« Mon adage : “L’aquarelle en finalité, le dessin pour fidélité”! »
oublier non plus Albert Brenet et l’apparente facilité et liberté
que laissent transparaître ses gouaches et aquarelles.
M ES CARNETS DE CAMPAGNE
Je pense que je dois accorder plus de temps à mes diffé-
rents carnets qu’aux aquarelles qui en résulteront… ou pas.
Ces carnets m’enrichissent de plusieurs façons. Un carnet
ne comportera que du dessin au stylo sans crayonné, bon
résultat ou non, ce n’est pas grave ; un autre, à l’aquarelle,
62 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Rosières et Ferguson. 2014. 48 x 36, Fabriano 300 g.
« J’ai voulu garder ici, par le monochrome, une ambiance de photo noir et blanc. »
suit la nature « au fil des saisons », plantes/fleurs/fruits/
insectes… Il y a aussi le semainier, le carnet « de tout et
de rien » dans lequel se trouvent quelques croquis prépara-
toires et surtout un inventaire à la Prévert avec tout ce que
je peux glaner ici et là (morceaux de vaisselle, vieux boulons
rouillés, cartouches trouvées dans les bois…) Ils me donnent
cette liberté, sans a priori et sans jugement extérieur, tout
simplement le plaisir du moment… qui peut nous échapper
par la suite.
M ES COMBINAISONS DE COULEURS
Je ne suis pas un coloriste et si certaines aquarelles semblent
proches du monochrome, elles sont toujours travaillées avec
3 ou 4 couleurs. Pour Rosières et Ferguson par exemple,
j’ai utilisé terre de Sienne brûlée, violet de pérylène, violet
permanent, carmin, et quelques touches de bleu manganèse.
Une de celles-ci servira de base ou de liant pour l’harmonie.
Ces combinaisons peuvent parfois apparaître dans un fond
de palette ou en marge de chutes servant de test.
Quant aux crayons de couleurs, eux n’interviennent que rare-
ment sur une aquarelle mais plus souvent sur les croquis
rapidement aquarellés, ils donnent une certaine liberté au
trait selon la gestuelle.
 La genèse d’une aquarelle
Après un crayonné pour la composition et un croquis
aquarellé faits sur place, j’ai choisi de travailler
à l’atelier, la météo du lendemain n’étant pas
fiable. L’aquarelle suivait le schéma du croquis
crayonné, à ce format (14 x 21 cm), le tout me
semblait équilibré ; puis, sur le Fabriano 56 x 76 cm,
j’ai trouvé que j’avais trop de zones inactives et
répétitives, plus des deux tiers ! Je l’ai donc installée
sur le chevalet du « jugement » ! Quinze jours…
Après différents cadrages à l’aide d’équerres
cartonnées, j’ai opté pour le carré de 50 ; je voulais
au moins sauver le tracteur qui en était le « chef
d’orchestre ».
Je suis parti de l’image d’une ferme que je connais
Comme quoi,
depuis toujours et dans laquelle je vais de temps
pour ma part, si
en temps alimenter mes carnets. Il y a là un hangar
la composition,
agricole habillé de bardage en bois et de tôles
l’équilibre dans
ondulées. Ce sont ces dernières qui m’ont soufflé
la répartition des
le titre. Les jours de grand vent, c’est un vrai concert
formes, des masses
pour tôles ! Il y a, comme pour les instruments à
et des lignes ne
cordes, les tôles frottées, les tôles pincées, les tôles
fonctionnent pas
frappées…
au début, la suite
J’ai profité des lumières chaudes d’octobre pour
s’avère délicate…
faire quelques photos à différentes heures de la
journée et pour capter quelques détails.

Couleurs utilisées :
- Sienne naturelle Daler-Rowney
- Sienne brûlée Winsor & Newton
- Orange de cadmium Rembrandt
- Violet permanent Daler-Rowney
- Violet de pérylène Winsor & Newton
- Bleu de manganèse Daler-Rowney
Et une pointe de bleu outremer Winsor & Newton

Ouverture aux
quatre vents.
Papier Fabriano
50 x 50 cm,
grain fin 640 g.

MON MATÉRIEL
- Si je suis depuis longtemps habitué aux couleurs
Winsor & Newton, j’ai cependant quelques couleurs
Sennelier et Daniel Smith. Opaques ou transparentes,
toutes sont logées à la même enseigne et ont
chacune leur utilité. Ma palette habituelle comprend :
jaune Winsor-jaune de cadmium, or quinachridone,
rose permanent, magenta, carmin alizarine, rouge
Winsor, violet permanent et violet de pérylène,
terre de Sienne naturelle et terre de Sienne brûlée,
brun van Dyck, bleu manganèse, bleu outremer,
bleu phtalo, vert Winsor et vert de pérylène.
- Quant aux papiers, selon le rendu souhaité,
un travail dans l’humide avec retraits, textures,
auréoles, les Montval Fabriano, Moulin du Coq,
Bockingford, Langton sont les plus appropriés. Pour
ce qui est de l’Arches, c’est un peu le « 4 saisons »,
le tout-terrain, il supporte (presque) tout !
- Enfin, au fil des années, j’ai adopté des pinceaux
en fonction de leur réserve, de leur nervosité,
de leur forme…

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 63

 MA PEINTURE PRÉFÉRÉE
CHAQUE ARTISTE VOUS LE DIRA, IL EST DES
ŒUVRES DONT ON EST PARTICULIÈREMENT FIER.
VOICI CE QUI FAIT LEUR DIFFÉRENCE.
John
Salminen Crossing Broadway,
91,4 x 91,4 cm.
LE SUJET
J’étais sur Broadway à Manhattan, lorsque
j’ai aperçu une scène hors du commun. On
avait fermé la rue à la circulation à cause d’un
marathon. Juste après que les derniers coureurs
sont passés devant moi, au lieu de voir la rue
remplie par les taxis, bus et voitures habituels,
elle était envahie par des piétons. Je voulais
saisir cet instant unique.
LA DIFFICULTÉ :
ÉTABLIR UNE HIÉRARCHIE
ENTRE LES ÉLÉMENTS
Je suis fasciné par la complexité des paysages
urbains, mais cette complexité représente un
réel défi. La difficulté ici était d’établir des
priorités parmi tous les éléments. Quand j’ai
commencé à peindre, j’avais déjà une idée très
claire de la manière dont je voulais guider le
regard du spectateur autour de la composition.
Ensuite, en travaillant, la peinture s’est mise à
me parler ; c’est elle qui a suggéré quelles zones
devraient dominer. L’essentiel était d’attirer le
regard à l’intérieur de la peinture et ensuite de
le faire circuler autour de la composition pour
que le spectateur apprécie l’ensemble, sans
être submergé par une quantité d’information
trop importante.
64 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
PROPOS RECUEILLIS
PAR LAURENTBENOIST
LA RÉFLEXION AUTOUR
DE LA COMPOSITION
À mes débuts à l’aquarelle, je dessinais sur place
dans un désir de précision. Ensuite, je retournais
à mon atelier, où je faisais un deuxième dessin
(basé sur les informations recueillies dans le
premier) dans lequel je me concentrais sur la
composition. Ma peinture se construisait à partir
de ce dernier. Aujourd’hui, la recherche d’une
composition à fort impact visuel est devenue
tellement instinctive qu’il me suffit de regarder
à travers le viseur de mon appareil photo pour
reconnaître la bonne composition : quand ce que
je vois me plaît, j’appuie sur le déclencheur. Je
prends beaucoup de photos et, une fois dans
l’atelier, je peaufine mes choix.
UNE PLACE POUR
LA SPONTANÉITÉ
Alors que la composition se doit d’être mûrement
réfléchie et savamment orchestrée avant de
commencer à peindre, en cours de route c’est la
peinture elle-même qui suggère les modifications
nécessaires. La spontanéité dans la réalisation
vient de mon acceptation de ces suggestions, de
ma réponse et de la manière ensuite de poser les
couleurs sur la feuille. Quand nous sommes face à
une peinture, nous ne l’observons pas de la même
manière qu’une photo. Nous espérons y déceler
les traces de la main de l’homme : ces traces sont
à trouver dans la qualité des touches. Grâce à la
peinture, je peux insuffler mes propres réactions
émotionnelles dans la scène que j’ai choisie.
« Le regard suit les changements subtils de valeur, à la
manière d’un piéton qui se déplace à travers la foule. »
 UNE ŒUVRE EXPOSÉE À LA
BIENNALE DE SHENZHEN
Crossing Broadway a obtenu le Prix Daniel Smith
à la Biennale de Shenzhen. L’artiste nous explique
pourquoi il a décidé de concourir avec cette
aquarelle.
« J’ai envoyé deux œuvres pour la Biennale de
Shenzhen, tout en sachant qu’ils ne pouvaient en
sélectionner qu’une seule. La première était une
scène d’intérieure intimiste dans un marché aux
fleurs à Bangkok. C’était une tranche de vie, un
instant saisi pour l’éternité. Par contre, Crossing
Broadway représente la vie à grande échelle –
complexe, riche et variée. Je n’avais aucune idée
de laquelle des deux allait plaire aux jurés – leur
choix m’importait peu car les deux œuvres comptent
énormément pour moi. Quand on participe à un
concours, il ne faut pas essayer de présupposer les
décisions du jury, personnellement, j’envoie tout
simplement mon meilleur travail.

Flower Market, Bangkok est la deuxième œuvre que j’ai

envoyée à la sélection de Shenzhen.

LA CIRCULATION DU REGARD DANS L’ŒUVRE
Elle s’effectue en donnant la priorité à certaines zones. Pour ce faire, j’ai affiné des détails
et augmenté le contraste et la couleur. Ailleurs, j’ai simplifié et j’ai rendu les détails plus
diffus à l’aide de valeurs très proches et de mélanges de couleurs complémentaires. J’ai opté
pour un éclairage à contre-jour qui oblige le regard du spectateur à chercher la lumière.
J’ai commencé avec des formes sombres en silhouette à l’avant-plan, ce qui encourage le
regard à circuler dans la composition à la recherche de la source de lumière.
FEUILLE, PEINTURES…
LE MATÉRIEL UTILISÉ
Cette aquarelle a été peinte – comme mes autres –
sur du papier Arches 300 g grain fin, choisi pour sa
résistance, sa durabilité et les qualités de sa surface.
Je me sers de formats variés – 56 x 76 cm (full sheet),
74 x 104 cm (elephant) et un rouleau de
112 x 900 cm que je coupe à la longueur voulue.
J’ai de nombreuses marques de couleurs – Stephen
Quiller pour sa granulation ; M. Graham pour sa
consistance crémeuse ; Q’OR pour ses couleurs
intenses ; et mes bonnes vieilles Winsor & Newton,
qui sont bonnes pour tout. J’ai reçu un prix à la
biennale de Shenzhen qui était généreusement doté
de matériel de la marque Daniel Smith et je suis
impatient de tester ces couleurs. J’ai eu des échos
très favorables à leur sujet et, vu l’importance de la
dotation, je pense que je vais m’en servir pendant un
bon bout de temps ! Je suis un valoriste, donc j’ai une
gamme de couleurs avec lesquelles je peux obtenir de
riches gris complémentaires – terre de Sienne brûlée
avec outremer ou alizarine cramoisie et vert phtalo
par exemple. Néanmoins, je suis de l’avis que chaque
artiste doit trouver ses propres couleurs, celles qui
reflètent au mieux son style et sa personnalité.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 65

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Berbères sont les premiers habitants de l’Afrique
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du Nord-Ouest au VIII siècle. Ils ont été repoussés
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66 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016


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Gallizia, Guan Weixing, Nicole B.
Portfolio : Liu Yi.
Histoire : John Constable.
67
 I’m Here for You. 38 x 43 cm.
RENCONTRE
Peindre le meilleur
ami de l’homme
L’Art de l’Aquarelle : Kim, dites-nous, y a-t-il des races
de chien plus faciles à peindre que d’autres ?
Kim Johnson : Non ! Et je dois avouer que la race ne m’in-
téresse pas quand je peins un chien. Je cherche plutôt
à représenter l’émotion que je ressens devant l’animal, et
ensuite le défi à représenter cette émotion.
Ce qui est valable en somme quel que soit le sujet…
Mais pourquoi avoir choisi l’aquarelle ?
D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours eu une pas-
sion pour les arts. Après mon diplôme, j’ai travaillé dans le
privé pendant plusieurs années, tout en regrettant de ne
pas pouvoir suivre mes envies créatives. Aussi, j’ai com-
mencé à suivre des cours à la Scottsdale Artists School.
68 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Kim
Johnson
SPÉCIALISÉE DANS LES PORTRAITS
CANINS, CETTE ARTISTE AMÉRICAINE
LÈVE LE VOILE SUR SES HABITUDES DE
TRAVAIL ET SA PASSION DU DESSIN.
J’ai été attirée par l’apparence et par ce que dégageait
l’aquarelle. Comme je l’ai découvert, l’aquarelle commence
avec un bon dessin. J’ai donc beaucoup travaillé durant
mon temps libre. Une fois mes aptitudes suffisamment
développées, j’ai suivi plusieurs ateliers avec des instruc-
teurs que j’admire.
À quel moment avez-vous pensé faire une carrière
d’artiste ?
Mon plan était de pouvoir en vivre ! J’ai pensé tout d’abord
que la peinture était un bon hobby et que si j’étais assez
bonne, je pouvais gagner un peu d’argent et payer mes
fournitures. Jamais je n’aurai pensé que j’en ferais mon
métier ! Ensuite, j’ai gagné des prix au niveau national, j’ai
été publiée dans des livres et des magazines et j’ai aussi
reçu des demandes pour animer des stages.
La photographie joue un rôle important dans votre tra-
vail. Pouvez-vous nous en parler ?
Comme il est impossible de faire garder la pose suffisam-
ment longtemps à un animal pour que j’aie
le temps de le dessiner, je dois donc avoir
recours à mes propres photos. Lorsque je « Un bon
sors, je prends mon carnet de croquis et
je peins d’après nature. Il est important de
matériel est
savoir aussi que les photos ne sont que
mon matériel de référence.
la clé pour
réussir sa
Faites-vous beaucoup de croquis et
d’esquisses ? peinture. »
Peindre de manière gestuelle et libre est
une illusion qui ne peut être obtenue sans de bonnes facul-
tés de dessin et un bon sens de la couleur. Le reste pro-
cède de l’intuition. Cela demande beaucoup de temps, de
préparation lors de ces étapes préliminaires. Je réfléchis
trois fois et je ne peins qu’une seule fois. En planifiant mes
gestes, en plaçant ma couleur et en laissant agir, j’arrive
à donner un aspect spontané à la peinture… même si en
fait, cela demande beaucoup de préparation.
Vous ne semblez peindre qu’avec des couleurs trans-
parentes…
Je ne peins que de manière transparente, même avec des
peintures que l’on considère opaques. Je ne suis pas contre
l’idée d’avoir recours à des couleurs opaques pour réparer
ou sauver une peinture. Pour moi, tout est bon !
Pour en revenir aux chiens, quelles sont
les erreurs habituellement commises
lorsqu’on les peint ?
Le défaut principal que je vois chez tous les
débutants est le manque de bonnes bases
en dessin. Il est difficile de les convaincre
de prendre les mesures nécessaires pour
développer cette aptitude. Les débutants
ont tendance à peindre ce qu’ils pensent
qu’ils savent plutôt que ce qu’ils voient. Une
autre erreur assez commune est de ne pas utiliser une
bonne photo comme point de départ.
Quels sont les éléments clés de vos compositions
canines ?
J’aime créer une tension en cassant les règles et faire
en sorte que mon tableau fonctionne quand même. Le
placement du sujet sur la feuille est important pour stimuler La Tortuga
38 x 43 cm.
69
Knock knock
76 x 43 cm.

LA PHOTOGRAPHIE,
POUR SUIVRE SON
TRAVAIL EN COURS
Prenez des photos de votre peinture à
différentes étapes de votre travail : cela
vous donnera une bonne idée de ce à
quoi elle ressemble et vous permettra de
savoir quand vous arrêter. Vous pouvez
aussi faire pivoter votre peinture pour la
voir dans l’autre sens ou bien dans un
miroir. Cela aide à prendre de la distance
et à avoir un point de vue plus subjectif.

UN TRAVAIL DANS
L’HUMIDE… OUI, MAIS
PAS TOUJOURS
Je ne peins pas toujours dans l’humide, ce
qui serait monotone et toutes mes peintures
ne s’y prêtent pas. L’inconvénient de la
technique mouillé sur mouillé est qu’elle
est difficile à contrôler… mais c’est aussi
ce qui la rend aussi attirante. Se contenter
de jeter de la peinture sur le papier et de la
laisser couler est très excitant. La difficulté
est que le contrôle peut vite vous échapper
si vous n’utilisez pas une palette restreinte :
si trop de couleurs se mélangent, vous
obtiendrez alors une teinte neutre.

MA PALETTE DE BASE
Terre de Sienne brûlée (Winsor & Newton),
terre d’ombre brûlée, violet de cobalt clair
(Sennelier), vert de Hooker, vert de vessie,
jaune azo (M. Graham), ocre jaune, terre
d’ombre, terre de Sienne, laque de garance
véritable, rouge de cadmium clair, orange
de cadmium, bleu outremer, bleu de cobalt,
bleu céruléum, violet minéral, bleu de
manganèse.
J’utilise une petite palette ShyArt avec
16 godets : comme j’ai tendance à souvent
mettre trop d’eau, cela permet de contrôler
ma pulsion !

« Les animaux sont toujours en train d’exprimer quelque
chose à travers leurs yeux et leur langage corporel. »
le spectateur, l’attirer à l’intérieur du tableau, exprimer de
l’émotion. Le fait de changer mes couleurs à l’intérieur du
tableau m’aide à lui donner une fraîcheur et permet aussi au
regard du spectateur de se déplacer à l’intérieur de l’œuvre.
Ce sont tous ces éléments qui font une bonne composition.
Votre modèle doit-il avoir des qualités spéciales pour
vous donner envie de le peindre ?
N’importe quel chien peut faire une bonne peinture ! Je
cherche généralement une bonne lumière, des formes
sombres et des ombres. Il m’appartient ensuite d’élaborer
et d’imaginer l’émotion que je pense que le chien ressent.
Les animaux sont toujours en train d’exprimer quelque chose
à travers leurs yeux et leur langage corporel. Je travaille
d’après photo, aussi faut-il que ce soit une photo de bonne
qualité afin que je puisse bien voir les formes.
Partez-vous avec en tête une image du tableau fini ?
Oui, quand je cherche ma composition et que je laisse
mes idées mûrir, je peins mon tableau en esprit. Parfois
même dix fois ! Aussi, j’ai une très bonne idée de l’endroit
où je veux aller avant même de commencer à peindre. Mais
Are you going
to eat that?
38 x 43 cm.
l’aquarelle est si imprévisible ! J’apprécie les accidents que
l’œuvre en cours peut m’apporter.
C’est quoi la plus grande difficulté quand on peint à
l’aquarelle ?
C’est que cette technique ne pardonne pas les erreurs,
comme d’autres. Le plus grand défi pour moi à l’aquarelle
est de poser mon premier lavis ! Une feuille blanche peut être
très intimidante, surtout s’il y a en plus un dessin magnifique
et une belle composition.
Et ce qui vous procure la plus grande joie ?
Regarder mon sujet prendre forme et vie sur ma feuille et
la gratification immédiate qui en découle. Je ressens aussi
beaucoup de plaisir lorsqu’un spectateur, en voyant un
tableau de chien que je viens de réaliser, me dit : « On voit
vraiment que vous aimez ce chien ! »… alors que je n’ai
jamais rencontré l’animal en question ! C’est pour moi le
meilleur compliment que l’on puisse faire sur mon travail ! Et
les succès en aquarelle sont ressentis de manière d’autant
plus forte que les possibilités d’apporter des corrections sont
limitées.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 71
 Démo
I’ll be waiting

Sleepy Dog. 38 x 56 cm.

Quels ont été les plus grands moments que vous ayez
connus grâce à l’aquarelle ?

1
Ma plus grande satisfaction a été de développer ma tech- Mon processus créatif débute avec
la recherche de nouveaux sujets.
nique au point où d’autres ont eu envie de publier mes Il m’arrive parfois au milieu de la nuit de
tableaux. Être reconnue par ses pairs, et devenir notamment me réveiller en pensant à une photo prise
membre signataire de l’American Watercolor Society, de la il y a plusieurs années de cela. Et je
National Watercolor Society, de la San Diego Watercolor dois ensuite la trouver. Je cherche dans
Society, de Watercolor West, et de la Transparent la photo quelque chose qui me parle
et qui me raconte une histoire.
Watercolor Society of America sont des accomplissements
énormes pour moi. Mon plus grand problème actuellement
est de trouver suffisamment de temps pour peindre. Et, plus
important peut-être encore, je n’ai pas trouvé de moyen de
toucher un plus large public avec mon processus créatif.
REPÈRES
2005 Devient membre de la
National Watercolor Society
Votre style a-t-il évolué au fil des ans ? (NWS)
Mes années d’expérience m’ont montré que je n’ai pas à 2006 Devient membre de
tout mettre dans une peinture. Garder des parties vierges l’Arizona Watercolor Association
(AWA)
ajoute du mystère et laisse spectateur une plus grande part
d’interprétation. En tant qu’artiste, je veux chercher à évo- 2009 Devient membre de
l’American Watercolor Society
luer et aussi essayer de nouvelles techniques. Le fait de (AWS) et de la Western
me fixer des défis me permet de me développer, ce qui en Federation of Watercolor
retour rend mes peintures plus spontanées et excitantes ! Societies (WFWS)
2010 Devient membre de
Watercolor West (WW)
Enfin, dans quelle mesure votre caractère se dévoile-
2012 Deveient membre de la
t-il dans votre peinture ? San Diego Watercolor Society
J’espère que ce qui se voit avant tout, c’est ma passion
2013 Devient membre de la
pour ma peinture et la grande satisfaction que je retire en Transparent Watercolor Society
peignant ! Je dis souvent à mes élèves dans mes cours qu’il of America
est important de rire et d’apprécier toutes les étapes d’un 2014 Finaliste du concours
tableau. L’aquarelle est quelque chose de très frustrant et artistique organisé par Artists’

5
magazine
si on n’en rit pas, on pourrait en pleurer !
Juillet 2015 Orne la
couverture de Splash 16
PROPOS RECUEILLIS PAR : L AURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.
Les yeux doivent être corrects dès le départ,
aussi je les peins lors des premières étapes.
Je peins aussi certaines des zones sombres
afin de m’assurer, par contraste avec les
blancs, que mes valeurs intermédiaires sont
justes et consistantes.

72 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 « Je n’ai pas de format de prédilection ; je me préoccupe plus de savoir
si mon sujet est à l’aise sur ma feuille et si ma composition fonctionne. »

2 3
Je transfère avec précaution mon image sur
la feuille. Je garde en mémoire les endroits
où je veux avoir des lignes plus floues et ceux
où je vais mettre en valeur une forme. Pour
cela, plus j’appuie, plus la valeur de mon trait
sera sombre.
4
Mon premier lavis est très humide et il est à
base de trois couleurs. Je préfère que mes
couleurs se mélangent sur la feuille plutôt que
sur ma palette : ma peinture n’en est que plus
vive.
Je me concentre sur l’arrière-plan, le sujet et le
premier plan simultanément. Procéder ainsi rend
ma peinture plus cohérente. J’ai délimité mes
contours flous et ceux qui seront plus nets, les
zones d’ombre et j’ai laissé mes blancs vierges de
toute peinture, en faisant attention aux endroits
où j’applique ma peinture.

6 7
Je veux que les couleurs de mes ombres
soient intéressantes afin que ces zones ne
soient pas statiques et sans vie. Les ombres
renforcent les lumières et ne doivent pas
non plus attirer trop l’attention.
Je termine par les détails, en appliquant de
la peinture sombre là où il en faut, et je
m’assure que les valeurs soient constantes
à travers l’ensemble de ma peinture.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 73

 Paty Becker
RENCONTRE
Mouvement
et rythme
Le chemin de l’apprentissage, pour tout autodidacte,
est souvent plus long car il est basé sur l’expérience, la
recherche… Curieuse de tout, j’ai essayé le pastel sec pour
son opalescence, la peinture sur soie pour ses fusions,
l’encre et la calligraphie pour la gestuelle, la gravure pour
son trait. L’aquarelle s’est imposée comme un condensé de
tout cela. La sensibilité, la sensualité du papier ont été un
autre élément décisif. J’essaie d’être fidèle à moi-même en
suivant mon inspiration et mon émotion. J’ai besoin « d’en-
tendre » ma peinture avec ses silences, ses bémols, ses
tempos… Lors d’une exposition, un visiteur qui s’attardait
longuement sur une de mes peintures m’a dit : « Je suis
musicien, j’entends votre musique. » C’est le plus beau des
compliments pour moi.
LE MYSTÈRE DE L’INSPIRATION
Pour moi, l’inspiration naît globalement de deux façons dif-
férentes : soit au travers de l’ambiance générale (la couleur,
la gaîté…), soit plus souvent à partir d’un détail tel que la
géométrie d’une ombre. Le détail est ensuite phagocyté par
REPÈRES
Membre de la SFA, autodidacte bordelaise, elle a suivi
des stages auprès de Jean-Louis Morelle, Lélie Abadie,
Janine Galizia, Marie-Line Montécot… afin de varier les
écritures et les techniques rencontrées. La technique
et la pédagogie la passionnent. Elle a participé à de
nombreux Salons (Brioude, Aiguillon, Belâbre, Saint-
Chamond, le haillan, Arvert; Namiur, Saint-Gelais, Sainte-
Féréole…) et remporté de nombreux prix, dont le Grand
prix du Salon d’Automne de Bordeaux.
CONTACT
Rendez-vous page 98 pour connaître son actualité 2016.
ELLE AIME TRADUIRE LA VIE DANS
TOUTE SA FORCE ET SA VIGUEUR…
C’EST AVEC GÉNÉROSITÉ QU’ELLE
NOUS LIVRE ICI LES FRUITS DE SON
DIALOGUE AVEC L’AQUARELLE.
le sujet visible à tous ; mais pour moi, l’âme du tableau est
lovée dans un petit coin. J’aime avant tout la convivialité
des terrasses, le capharnaüm coloré des marchés, là où la
vie foisonne : c’est-à-dire la trace de l’homme. Les fleurs
m’intéressent par leur personnalité : arrogante, discrète,
zen ou violente…
DÉCOUVRIR ET PARTAGER
Je crois à ce que je fais avec passion, fougue, doute,
découragement parfois… Au fil des années, le travail
est assez constant ; j’ai plutôt l’impression d’atteindre un
peu plus de maturité dans ma peinture. Pour moi, pas de
maturité sans écriture personnelle, ni liberté. La convention,
l’habitude ne demandent qu’à être bousculées pour rester
soi-même et ouvrir les barrières de la créativité. Je pense
que chercher est plus intéressant, voire plus important que
trouver. En tout cas, si je trouve, je suis heureuse, mais
mon but est de repartir chercher autre chose. En peinture
on a toujours des portes mystérieuses à ouvrir. Et c’est ce
chemin, ce vagabondage qui m’inspirent liberté et plaisir
 MON MATÉRIEL
MES PINCEAUX
- J’accorde une place de
choix à la marque Escoda
pour son sérieux et sa qualité.
Mon préféré pour sa douceur
et sa restitution de l’eau
est le pinceau Aquario série
1130 n° 18, et dans la
série 1125 le n° 10.
- Des brosses plates type
Hake 50 et 75 cm, une large
brosse genre bricolage.
- Chez Da Vinci : les petits
spalters synthétiques 20 et
40, le Spin synthétic série
488 n° 4, et le pinceau épée
Cosmotop spin série 5587
n° 30 et n° 30 14. Un traînard
n° 3 Stratford York, un petit-
gris lambda moyen.
- Je conseille aussi d’élargir
ses outils le plus possible
avec ce que j’appelle des
accessoires exotiques tel
que peigne, peigne à colle,
carte style bancaire, plume
d’oiseau, aiguille de pin, demi-
épingle à linge, papier bulle,
filet… Soyez inventifs !
MES PAPIERS
J’aime varier l’écriture et
la recherche en passant du
papier pur coton au cellulose ;
mais c’est toujours un choix
et non un hasard. J’utilise
l’Arches grain fin en grande
feuille, Fabriano, et en
cellulose le papier Quattro
d’Hahnemühle, du Montval,
du Moulin du coq rouge.

MES COULEURS
Le plus souvent de marque
Winsor & Newton, mais selon
le caractère des couleurs,
je travaille aussi avec
Schmincke, Blockx, toujours
en tube.
Mes couleurs de base sont :
bleu de cobalt, bleu outremer
Blockx, bleu de Prusse,
manganèse, céruléum,
cobalt turquoise clair, Sienne
naturelle (meilleure luminosité
chez Winsor), Sienne brûlée,
terres d’ombre naturelle et
brûlée (Schmincke), brun
van Dyck, jaune Blockx,
jaune Turner, jaune indien,
quinacridone gold, or vert,
jaune de Naples, jaune de
titane, permanent d’alizarine,
quinacridone magenta, rose
poterie, rouge Blockx, laque
écarlate de cadmium, ocre
jaune, blanc de titane. Et un
seul vert : le vert de pérylène.

Les Fleurs d’Élodie 2.

60 x 50 cm.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 75

 Gamme matinale
sans cesse renouvelés. J’aime ce mot, « vagabondage »,
synonyme de liberté simple sans emphase. La créativité me
motive et me touche plus que tout. Une œuvre, un spec-
tacle, une architecture peuvent me bouleverser et me tirer
des larmes d’émotion. Je pense à Bartabas, aux danses
butô de Sankaï Juku, au pavement du Dôme de Sienne…
Dans ce contexte, je peux dire que mes buts essentiels
sont : découvrir, se faire plaisir, et enfin partager.
L’AQUARELLE, LEÇON DE VIE
L’aquarelle demande de s’adapter en permanence ; on po-
sitive les petits accidents pour avancer et les transformer
en petits bonheurs. Je vis de ma peinture depuis 2002 et
il n’y a pas de frontière entre vie
« J’ai une attirance
personnelle et vie professionnelle.
C’est un art de vivre. Le dessin
pour les empreintes,
m’est indispensable. Je pense
qu’on peint comme on des-
les traces. »
sine… libre ou pas. Je m’inspire
beaucoup de l’esprit oriental qui
donne plus d’importance aux
vides qu’aux pleins, aux espaces ; ce sont eux qui donnent
le rythme. Mon autre critère de dessin s’appuie sur une
gestuelle ample, globale et généreuse, sans retenue.
SOLITUDEDE L’ATELIER ET
ÉCHANGES DE GROUPE
Il est important de trouver un équilibre entre travail soli-
taire, réflexion d’atelier et partage : partages des valeurs,
des analyses, voire des découvertes. Le groupe dynamise,
encourage, relativise. L’échange est toujours enrichis-
sant. Avec la Société Française d’Aquarelle, dont je suis
membre, nous travaillons beaucoup à valoriser la technique
de l’aquarelle, à réfléchir sur sa place dans le monde de
l’art. Il est important de créer un moteur, une dynamique
en respectant un souci de qualité et d’ouverture. Les stages
à l’étranger sont chaque fois source de découvertes et
76 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Comme un vitrail
50 x 50 cm.
d’échanges. Ce sont des moments humains d’une grande
intensité. Que ce soit en Inde, au Vietnam, au Portugal, l’art
est un messager universel, un moyen de communication.
Les souvenirs sont plus chaleureux les uns que les autres.
Je croque très souvent le matin de bonne heure avant l’ar-
rivée des stagiaires, car après je suis à leur disposition.
Je me souviens très bien de ce petit village du Rajasthan.
Sept heures du matin, les femmes en sari balaient à l’aide
de palmes les ruelles en terre battue, je croque dans mon
coin cette scène rurale. Sourires, gestes, partage, elles
m’invitent à boire le thé, puis à faire cuire sur le brasero
les chapatis. Je leur offre mon croquis et les enfants sont
heureux et fiers de venir écrire leur nom sur mon carnet
pour montrer qu’ils savent écrire.
TEXTURES
ET EMPREINTES
Les effets de texture sont parfois
le fruit du hasard, mais surtout
de recherches. Je joue sur les
oppositions opaque/transparent,
mais je peux utiliser aussi un bâton de graphite (humide
ou non) pour sa texture duveteuse. Posé sur une surface
humide, il fuse façon encre de Chine. Je peux aussi râper
légèrement un bâton de pastel sec à l’aide d’un papier de
verre fin, ce qui donne un granité à condition d’être dans la
bonne humidité. Le granité doit se fondre légèrement mais
pas totalement pour obtenir un bel effet. J’ai une attirance
pour les empreintes, les traces. Je peux appliquer une
feuille végétale, un morceau de tissu qui laisse comme un
souvenir de son passage discret. Une autre piste consiste à
poser du gesso en début de travail pour texturer légèrement
le fond et permettre des blancs relavés différents qui seront
plus duveteux. Il faut s’aventurer à condition que rien ne soit
intempestif et que l’ensemble reste subtil.
PROPOS RECUEILLIS PAR : ELODIE BLAIN. PHOTOS : D. R.
Arabesques végétales
JE NE ME CONSIDÈRE
PAS COMME UN PEINTRE
DE PLEIN AIR CAR
J’AI PLUS SOUVENT
BESOIN DU SILENCE,
DE LA TRANQUILLITÉ,
DE L’INTÉRIORITÉ
DE MON ATELIER.
MAIS L’EXTÉRIEUR
M’EST NÉCESSAIRE
POUR « AIGUISER »
MON REGARD, MES

2
Ce sujet m’a plu pour ses arabesques entre fleurs et Sur fond sec, je superpose un mélange foncé (bleu PERCEPTIONS, ALLER À
grille à ma fenêtre. Je cherche d’abord en croquis les outremer, permanent d’alizarine, Sienne brûlée) puis L’ESSENTIEL, TROUVER
liens par les lignes puis par la couleur. Puis, à l’aide le dégrade au brumisateur. Je fais glisser un dégradé
du pinceau Hake de 5 cm, je pose un lavis de fond de violet à l’intérieur du sujet pour le relier avec le fond : L’ÉMOTION. C’EST
Sienne naturelle, varié en valeur et enchaîné par une quinacridone magenta et bleu de cobalt. J’atténue ALORS UN TRAVAIL DE
zone bleu de cobalt turquoise clair et manganèse légèrement les contours trop nets au moyen d’un CROQUIS RAPIDE, DE
afin d’enfermer les blancs. spalter. Je sculpte certains pétales en formes plus
ou géométriques, pas trop figuratives.
CARNET DE VOYAGE, DE
PRISE DE NOTES. LE
MONDE EST UN VASTE
THÉÂTRE VIVANT, SOURCE
D’INSPIRATION. EN
ATELIER, JE PEUX ME
SERVIR DE MES NOTES,
MÊME TRÈS SUCCINCTES,
CAR MON ÉMOTION DU
MOMENT À ÉTÉ CAPTÉE
DANS UNE LIGNE, UNE
COULEUR QUI S’IMPOSE…
JE NAVIGUE ALORS ENTRE
RÉALITÉ, IMAGINATION
ET ÉMOTION.

3 4
Je descends vers le feuillage pour augmenter mon À l’aide d’un pinceau Spin synthétique, j’écris les tiges
contraste. Je commence très souvent les verts par des légèrement, comme une calligraphie, en équilibrant
aplats de jaune, ici en mélange avec un peu d’or vert. la composition.
Puis j’intensifie certaines zones par un mélange de
cobalt et vert de pérylène en gestes amples et limpides.
J’utilise les superpositions en variant : contrastées
ou estompées.

FABRIQUER
SES VERTS
En ce qui concerne les verts,
je les fabrique toujours : les
verts printemps à base de
manganèse, les verts moyens
avec le bleu de cobalt, et les
verts foncés au bleu outremer.
J’aime particulièrement

5
Je finis les fleurs avec un violet plus foncé et râpe un le mélange outremer et
peu de pastel sec du même ton dans les zones encore quinacridone gold pour des
humides. Je prends soin de rééquilibrer certaines verts foncés et lumineux.
parties et d’ajouter un ou deux points forts grâce à
une couleur opaque.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 77
SAVOIR-FAIRE
Lynn Powers
LES PORTRAITS DE LYNN POWERS SONT LA
QUINTESSENCE D’UNE CERTAINE AQUARELLE : C’EST-
À-DIRE TRANSPARENTE, FLUIDE ET SENSIBLE. ET SON
INTENTION PREMIÈRE COMME ELLE LE DIT ELLE-MÊME
EST D’ENTRER EN CONVERSATION AVEC SON SUJET.

RENDRE LES SUBTILITÉS

DU VISAGE PAR LAURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.

LE PREMIER GESTE EST CELUI QUI

COÛTE LE PLUS
Une feuille vierge est pleine de potentiel tout en
étant très intimidante. Le premier geste est celui
qui coûte le plus. Ensuite, le reste vient tout seul,
environ 70 % de la peinture. Les derniers 20 ou
30 % sont tout en concentration, particulièrement
dans les tableaux où le réalisme compte. Une
fois que j’ai terminé, je suis très critique sur mon
travail. Il n’y a je pense qu’environ cinq peintures
dont je suis satisfaite, dont The Gent et Jake de
profil. Ces œuvres ne sont pas parfaites, loin de
là, mais suffisamment bonnes pour que je n’aie
pas envie d’ouvrir le cadre pour les retoucher.
Peindre est un chemin. Pour faire une critique
constructive de son travail, il faut prendre du
recul par rapport à son travail, savoir où l’on va
et ne pas hésiter à prendre une nouvelle direc-
tion lorsque cela s’avère nécessaire. Certaines
portions de mes peintures demandent moins
d’efforts que d’autres. Plus je peins, plus j’ai de
moments où tout fonctionne sans anicroche.
C’est cela qui me pousse en avant. Jake notam-
ment est une de ces peintures dont la réalisation
a été fluide.

LE TABLEAU : UNE CONVERSATION

AVEC LE MODÈLE
Parce que je m’autorise à peindre des person-
nages sans me soucier de l’arrière-plan, la plupart
des questions que je me pose sont purement
formelles : comment vais-je accorder cette forme
à celles qui lui sont adjacentes ? Quels contours
vais-je flouter ? Où vais-je ajouter des rehauts
Jake de profiL sombres ? Bien que j’effectue plusieurs petites

78 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 LES ERREURS LES
PLUS COURANTES À
NE PAS COMMETTRE
Une des erreurs que l’on commet
généralement au début est de penser
que l’on connaît bien le visage
humain, alors qu’en fait, on ne voit
pas les détails qui rendent chacun
de nous si unique. Une observation
attentive est toujours essentielle. Il
est important de mettre de côté nos
idées préconçues et de regarder
attentivement le sujet. En outre,
les erreurs les plus courantes sont
les suivantes : des narines rondes
et bleues avec des contours bien
Joe. marquées, des lèvres aux contours
Cette aquarelle a été l’occasion pour jouer avec la couleur. marqués, une ligne franche entre
La lumière qui rebondit du sol apporte de la chaleur dans la les lèvres inférieure et supérieure, le
partie inférieure du nez, sous les sourcils, sous les lobes de blanc des yeux justement trop blanc,
l’oreille, ainsi que toutes les autres surfaces perpendiculaires aucune épaisseur aux sourcils, des
au sol et dirigées vers le bas. Les couleurs des surfaces cheveux qui ressemblent plus à un
face à la lumière du soleil sont plus chaudes, tandis que les casque, une mâchoire trop carrée,
surfaces dirigées vers le ciel et non le soleil sont quant à elles des cils peints l’un après l’autre… ce
plus froides tout en ayant en même temps des valeurs claires. sont là les erreurs les plus courantes.

esquisses, la conception de mon aquarelle est

bien souvent dictée par la pose du modèle.
Ensuite, quand je suis lancée dans la peinture,
c’est elle qui me dit où ajouter des couleurs ou
des valeurs sombres. Il faut en tous les cas rester
à l’écoute de son processus de peinture et ne
pas rester enfermée dans son idée de départ.
Je fais l’effort de rester ouverte sur le caractère
unique de chacun de mes personnages. Cela
fait partie de la conversation.

L’APPORT DE LA PHOTO
Je pratique ce que j’appelle la « photographie
furtive » : je suis toujours en train de prendre
des photos dans les lieux publics. Je cherche
les personnes et les poses qui me parlent. Et
je jette rarement une seule photo. Ce que je
vois dans chaque personnage change avec le
temps, aussi je perçois toujours de nouvelles
choses dans mes anciennes photos. Pour moi,
une photo « juste » est une photo qui me parle.
La pose doit exprimer quelque chose au sujet
de la personne, qu’elle soit gracieuse, têtue, ou
perdue dans ses pensées. J’exécute quelques The Gent.
rapides esquisses, afin de pouvoir comprendre Ici, dans cette aquarelle, l’orange presque
le chemin de la lumière, l’emplacement des pur sous l’arcade sourcilière ainsi que dans
sombres, l’angle des épaules, etc. J’indique les rides de part et d’autre du nez est bien
sur ma feuille aquarelle les lignes de contour : apparent. En outre, le bleu sur le col teinte
soit par un trait plein ou des lignes en pointillé. les favoris et les joues du personnage.

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 79

SAVOIR-FAIRE
« Pendergast » pas à pas
1 2
Cherchez les endroits où vous pouvez
casser la ligne nette de la naissance
des cheveux : à cet endroit vos
contours seront flous afin de lier la
chevelure au visage. Les ombres
projetées par les cheveux sont un
endroit où placer des reflets de
lumière ainsi que des couleurs.
4
Exprimé dans sa forme la plus
simple, le nez consiste en quatre
plans, et chacun avec une source de
lumière et une couleur différentes.
Il ne faut pas oublier les accents de
5
lumière sur la partie la plus proche
de la source lumineuse, la partie
éloignée de la lumière (sur laquelle
on trouve fréquemment la lumière et
les couleurs réfléchies des formes
adjacentes), et enfin la partie entre
les deux, représentée avec des
valeurs moyennes avec bien souvent
un rehaut coloré. La partie inférieure
du nez est le meilleur endroit pour
représenter la lumière réfléchie.
Prenez garde : chaque narine a une
forme particulière, avec un contour
net et un contour flou. Et elles ne
sont jamais rondes ou bleues !
80 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
3
Les sourcils ont généralement plus En pleine lumière, les plis et les
d’une valeur. Cherchez le point le plus changements de direction des
sombre et travailler à partir de celui-ci, différentes surfaces de la peau
en variant valeur et couleur. Cherchez d’un visage plus buriné sont autant
les zones où vous pouvez étendre d’occasions d’apporter de la couleur.
la couleur du sourcil sur les zones
adjacentes de la peau… ce qui vous
permettra de lier le sourcil au front.
Pensez également au fait que certains
sourcils réfléchissent la lumière.
LES CONSEILS
DE LYNN
POWERS
Le courage d’avoir
confiance en soi et de
peindre ce que l’on voit
est sans doute le meilleur
conseil que je puisse
donner aux peintres
débutants. L’astuce –
tant est que l’on puisse
l’appeler ainsi – consiste à
regarder attentivement ce
que l’on voit et de peindre
avec concentration et un
but clair en tête. Peindre
sérieusement est un vrai
plaisir – mais c’est aussi
Quand savoir s’arrêter ? Il arrive un point de la un travail.
peinture où elle est terminée à, mettons, 80 ou 90 %.
L’ensemble est satisfaisant mais une ou deux zones
peuvent encore être améliorées. À ce stade, il est très
difficile de peindre avec confiance…
« Une peinture gagne en dynamisme
lorsque l’on ose les couleurs vives
que l’on voit dans un visage. »
PEINDRE LES YEUX
Il faut naturellement prêter attention
aux yeux. Pourtant, c’est à cet endroit
que se produisent des erreurs bien
fréquentes. Il faut ainsi et notamment
s’assurer de :
- teinter le blanc des yeux avec un
léger lavis de couleur chair,
- donner de l’épaisseur aux
paupières,
- apporter de la variation dans les
valeurs de l’iris,
- faire attention à bien avoir la partie
du visage tournée vers la source de
lumière légèrement plus claire que
l’autre partie du visage.
- varier la couleur, valeur et
l’épaisseur de la ligne qui représente
le pli de la paupière.
- Et enfin, ne jamais oublier de tirer
parti des reflets de lumière et de
couleur dès que vous le pouvez.
LE DESSIN AU TRAIT
Parce que je peins à l’aquarelle
transparente, je suis incapable
d’inclure un dessin préalable
indiquant les valeurs. Je peux
m’autoriser un dessin au trait, au
format de mon aquarelle finale, que
je vais ensuite transférer sur ma
feuille à l’aide d’une table lumineuse.
Une petite esquisse m’aide en
revanche à situer les contours
perdus, les ombres portées et les
transitions.
L’AQUARELLE : SES
AVANTAGES ET SES
INCONVÉNIENTS
L’aquarelle est une technique
qui ne pardonne pas et surtout
qui ne possède pas la même
reconnaissance que l’huile,
l’acrylique ou même le dessin
dans l’esprit des collectionneurs.
L’aquarelle permet en revanche
des lavis très doux ainsi que des
lignes fines et pleines de couleurs.
Les couleurs se superposent
magnifiquement à l’aquarelle et
rendent possible de peindre des
transitions de couleurs lisses et
harmonieuses.
LA QUESTION « L’œil de Tilly »
DU FOND pas à pas
Peindre l’arrière-plan et les
vêtements ne me donne pas autant
de satisfaction que peindre le visage.
J’évite les arrières plans autant Je peins sur du papier Arches grain satin 600 g.
1
que possible. Avec les vêtements,
je n’arrive pas à discerner les Je commence par
subtilités de nuances comme je peindre l’œil en entier,
peux le faire avec le visage. Pour à l’exception des
rehauts, à l’aide d’un
moi, les vêtements présentent tout
simplement moins d’intérêt. lavis de ton chair clair.
LA PHOTO
L’empathie avec le modèle est
quelque chose d’important, car cela
2
rend le processus plus facile. Je
passe des heures, si ce n’est des J’identifie la partie la
plus sombre du sourcil.
jours avec mon sujet. Je préfère être
Je peins à partir de cet
en bons termes avec lui ! La pose
de mon modèle influe grandement endroit, en ajoutant
sur l’expression de sa personnalité. et en changeant ma
couleur. J’adoucis les
Beaucoup de poses ont du mal à contours du sourcil et
être tenues. La photographie m’aide
les fonds dans le front.
ainsi à saisir une pose, ce qui en
retour m’offre plus de possibilités
d’interprétations.
3
LA QUESTION
Je peins l’ombre sur
le côté et le dessous
DE L’ÉCLAIRAGE de l’œil. Remarquez
les changements
Je préfère peindre avec la lumière du de couleur et de
jour. La rangée de fenêtres de mon
température dans
atelier donne sur le Nord. Cependant, cette zone.
les soirs et les jours gris, j’allume une
combinaison de lampes dispensant
des lumières chaudes et froides. Les
hivers sont très gris dans l’Oregon.
4
Quant à mes photos, il est préférable Je peins le premier
de les prendre en journée, mais là lavis sur l’iris et le
aussi, ce n’est pas toujours possible. canal lacrymal.
MES COULEURS
Mes couleurs sont les suivantes :
cramoisi ou carmin d’alizarine, rose
permanent ou rose quinacridone,
rose de garance permanent, laque
écarlate, orange brillant ou vermillon,
jaune orange permanent, jaune Final. Je renforce le ton local
profond Winsor, or quinacridone, terre de l’iris, ainsi que les valeurs
de Sienne, or vert, jaune de cadmium sombres de plis de la peau de
clair, jaune auréoline, violet minéral, la paupière. Ici aussi, j’ajuste
violet de cobalt, bleu outremer, bleu la densité de ma couleur en
de cobalt, bleu de manganèse, bleu fonction de la valeur des plis de
paon, bleu d’Anvers, orange brûlée. la peau. Pour la pupille, je passe
un mélange sombre d’orange
Généralement, je le fournis chez
brûlée de quinacridone et de
Holbein ou chez Winsor & Newton. bleu outremer.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 81
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82 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

3
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• Savoir-faire, leçons d’aquarelle,
des sujets techniques
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83
 CONCOURS
Comment participer
à notre nouveau
concours des lecteurs
Qui peut concourir ?
Ce concours est ouvert à tous les
lecteurs de l’Art de l’Aquarelle âgés de
18 ans et plus résidant dans n’importe
quel pays du monde. Il est limité à
une seule participation par personne
pendant toute sa durée.
Quelles sont les techniques
acceptées ?
Les peintures réalisées 100 % à
l’aquarelle sont acceptées, mais aussi
celles dont la réalisation a nécessité
l’utilisation d’autres techniques,
à condition que la technique de
l’aquarelle soit dominante dans l’œuvre.
Doit-on respecter un format
ou un thème ?
Il n’y a pas de taille minimale pour
les œuvres ni de taille maximale.
Aucun format n’est imposé.
Le thème du cinquième concours
est : du figuratif vers l’abstrait.
Comment concourir ?
Participer à ce concours ne peut
s’effectuer que par voie électronique.
Pour cela, vous devez vous rendre
sur le site www.lartdelaquarelle.com
et cliquer sur l’onglet
« Concours l’Art de l’Aquarelle ».
Quels sont les documents
que je dois fournir ?
Pour candidater à la première étape
de sélection, chaque candidat doit
renseigner le formulaire proposé en
ligne et joindre les documents listés
ci-dessous :
• Une photo en format numérique de
bonne qualité présentant l’aquarelle
choisie pour participer au concours
(dimension 10 x 15 cm en 300 DPI
minimum, sous le format JPEG
exclusivement). Le poids de chacune
des images ne doit pas dépasser
10 mégaoctets. Meilleure sera la qualité
des images, meilleures seront vos
chances d’être sélectionné(e)s.
• La photo de l’œuvre doit être
accompagnée du nom de son auteur, de
son adresse e-mail, du titre de l’œuvre,
du format (hauteur x largeur), de l’année
de réalisation et de la technique utilisée.
84 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
LECTEURS
Le gagnant de ce numéro :
Le thème du portrait vous
a inspirés puisqu’un très
grand nombre d’artistes ont
participé à notre concours
permanent. Et notre choix,
en conséquence, fut des
plus difficiles !
L A JUGE,
JANINE GALLIZIA
L
e portrait n’est certainement pas le
genre le plus facile. Quel que soit le style
adopté, nombreux sont les écueils à évi-
ter. Ici, le jury a été séduit non seulement par
la maîtrise technique, mais aussi par la com-
position ainsi que l’humour qui se dégagent
de cette peinture. Tejo Van den Broeck est
un artiste bien connu de nos lecteurs (nous
lui avons consacré un article dans le nu-
méro 15 de L’Art de l’Aquarelle) et il a pris
comme sujet quasi unique, depuis plusieurs
dizaines d’années, l’autoportrait. Au départ
par commodité (car le modèle est toujours
disponible), le sujet est petit à petit devenu
un filtre, une manière pour l’artiste d’exprimer
ses expériences et ses sentiments à travers
des œuvres, souvent de grand format, et tou-
jours empreintes d’humanité.
LE POINT DE VUE DE
TEJO VAN DEN BROECK
« Les amateurs d’art qui me connaissent savent que, depuis 1978, je fais des autoportraits.
Dans les jours qui ont suivi mon invitation à siéger au jury des “Marche d’Acqua” à Fabriano,
il m’a été demander également d’envoyer un tableau pour l’exposition des jurés. Ma première
question a été d’ordre pratique : comment envoyer ma peinture ? De là m’est venue l’idée de
m’envoyer moi-même sous la forme d’un paquet, parce que je cherche toujours comment
renouveler le genre de l’autoportrait. Avant de commencer à peindre, l’idée est présente
dans ma tête. Et du temps, il m’en a fallu beaucoup pour la fixer ! Ensuite sont venues des
questions par rapport au tableau : quelle taille, quelle couleur pour l’arrière-plan, quel arrière-
plan, quelle longueur pour mes cheveux et ma moustache, devais-je aller chez le coiffeur ou
non ?, quel emballage prendre : carton, papier, papier bulles ? Bandes adhésives, ceinture
ou cordes ? Après, il m’a fallu des bonnes photos et toute la documentation nécessaire.
La composition de l’œuvre est un jeu, un arrangement de photos et d’idées. Alors, pendant
plusieurs semaines, parfois des mois, je travaille traditionnellement : je passe plusieurs
couches avec beaucoup de patience et de contrôle. Chaque œuvre est une tentation pour
moi : interpréter le thème et rester moi-même. Et parfois, c’est très difficile. J’ai toujours
peint la même figure, ce peut être un avantage mais aussi un handicap majeur parce que
le risque est de toujours dire la même chose…
Tejo Van den Broeck
Tejo Van den
Broeck
Un delicato e fragile
autoritratto di un
artista imballato.
56 x 76 cm.
PROPOS RECUEILLIS
PAR L AURENT BENOIST.
PHOTOS : D. R.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
• Une photo portrait de l’auteur de
bonne qualité (dimensions 10 x 15 cm,
en 300 DPI minimum, sous le format JPEG
exclusivement).
• Les coordonnées complètes du
candidat : nom, prénom, âge et date de
naissance, adresse, code postal, ville,
pays, téléphone et adresse e-mail.
• Le candidat doit cocher l’autorisation
de reproduction des photos transmises
(œuvre et portrait) dans les magazines
l’Art de l’Aquarelle et The Art
of Watercolour, sur les sites
www.lartdelaquarelle.com et
www.artofwatercolour.com,
ainsi que sur les sites web
partenaires du concours.
• Le candidat doit cocher la déclaration
sur l’honneur précisant que la reproduction
de la peinture transmise est le fruit de son
travail original. Original signifie que l’œuvre
n’est pas une copie/contrefaçon d’une
autre œuvre, et que si elle a été réalisée
d’après photo, cette dernière a été prise
par l’artiste-candidat lui-même ou
qu’il a obtenu l’autorisation de l’auteur
de la photographie pour sa reproduction
en peinture.
Quelle est la date limite
de candidature ?
Le 7 février 2016 à minuit,
heure de Paris.
Quel est le processus du concours ?
Un jury composé de deux artistes
procédera à la sélection du lauréat.
Comment saurai-je que j’ai gagné ?
Les candidats retenus à la première étape
de sélection seront publiés dans
le magazine de mars 2016 (n° 28).
Le lauréat bénéficiera d’un article publié
dans le numéro de juin 2016 (n° 29).
THÈME DE NOTRE
5E CONCOURS
« DU FIGURATIF VERS L’ABSTRAIT. »
Souvent, on part d’un sujet réel mais
des modifications sont nécessaires
pour atteindre notre but. La suggestion
des formes, voire leur abstraction,
est une manière pour l’artiste de
s’exprimer. Ceci est le thème de notre
prochain concours, à vous de travailler
les formes d’une manière suggérée ou
abstraite, et rendez-vous dans 3 mois
pour les résultats !
85
 CONCOURS LECTEURS

Les coups
de cœur
du jury
Eth de Melaou
Le Tailleur de pierre.
2015. 40 x 50 cm.

Valérie Elkaïm
Petit Soleil.
2015. 35 x 24 cm.

Claude Allègre
Innocence.
2015. 50 x 49 cm.

86 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

Joëlle Thirion
Paul. 2012.
80 x 60 cm.

Céline
Guthmuller
Joël Bérard Sillons d’une vie.
2014.
Famille d’ailleurs! 40 x 30 cm.
2015. 40 x 40 cm.

Date limite
de participation au
prochain concours :
7 février 2016 !

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 87

 Claude
DÉCOUVERTE

Carretta
C’EST EN VÉRITABLE AMOUREUX QUE
CLAUDE CARRETTA ABORDE L’AQUARELLE :
AMOUREUX DE SA PALETTE D’EFFETS, DES
RÉSULTATS QU’ELLE PERMET D’OBTENIR.
GAGNANT DU CONCOURS MARINES DE
NOTRE DERNIER NUMÉRO, IL NOUS LIVRE
LES CLÉS DE SA PASSION.

“J’ai appris
à être peintre”

L’Art de l’Aquarelle : Claude, l’aquarelle et vous, est-ce

de l’histoire ancienne ?
Claude Carretta : Depuis toujours amateur de dessin,
j’ai découvert l’aquarelle il y a vingt-cinq ans, presque par
hasard ! J’étais intéressé par l’encadrement de gravures
anciennes et l’envie m’a pris non plus seulement d’enca-
drer, mais de réaliser l’œuvre à encadrer ! Une première boîte
d’aquarelle et c’était parti.

Avez-vous ensuite suivi une formation ou des stages ?

Il était trop tard pour une formation académique et c’est
donc localement que j’ai appris les bases de l’aquarelle. Le
plaisir était là, mais c’est en croisant le chemin de Roland
Devonshire. 2015. 40 x 30 cm. Palmaerts, artiste exceptionnel fidèle à Reims depuis

88 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016


quinze ans, que j’ai pu aller plus loin, tant dans la pratique
du médium et la connaissance des couleurs que dans le par-
tage avec la communauté des aquarellistes, vivante, créative
et enthousiaste.
Vos peintures montrent une volonté d’équilibrer les
valeurs et les couleurs. Est-ce quelque chose d’impor-
tant pour vous ?
Dessinateur à la mine de plomb et à l’encre de Chine,
j’ignorais presque la couleur avant de pratiquer l’aquarelle
et je me suis découvert… coloriste ! J’aime les couleurs,
elles me font toutes vibrer, tout particulièrement lorsqu’elles
fusionnent, se séparent, se repoussent avec une fantaisie
toujours étonnante. L’artiste pose et l’eau dispose ! Mais la
SON TABLEAU
GAGNANT
C’est grâce à cette aquarelle que
Claude Caretta a remporté le concours
lecteurs de notre précédent numéro.
Il explique ici les raisons qui ont
présidé au choix de cette œuvre.
« D’un naturel plus discret
qu’expansif, j’ai trouvé à travers
l’aquarelle des champs d’expression
variés : expositions, démonstrations
publiques, enseignement, mais
aussi la présidence pendant six ans
de l’association Aquarelle Reims
Événement, qui a permis à la ville
de recevoir certains des plus grands
noms de l’aquarelle contemporaine.
Les concours sont une autre façon
de jouer avec les pinceaux ; participer
est pour moi une évidence, une
autre forme de rencontre et de
partage. Sur le thème des Marines,
mes régates, déclinées un nombre
incalculable de fois, étaient une
autre évidence. Alors pourquoi ai-je
choisi celle-là ? Mystère ! »
REPÈRES
  Naissance à Paris
  Découvre l’aquarelle
Prend la tête de l’association
Aquarelle Reims Événement pour
six ans.
+LW\PZ Ses tableaux sont
régulièrement présentés lors des
Salons de la Société canadienne
de l’aquarelle et de la North East
Watercolor Society (Connecticut, USA)
Nommé maître Palm’Arts.
Prix d’excellence au
Salon des membres de la North East
Watercolor Society
Sélectionné au Salon
international de la Louisiana
Watercolor Society, Nouvelle-Orléans
CONTACT
Top départ. 2015. 30 x 40 cm. Rendez-vous p. 98
couleur est aussi une science, et ce sont les connaissances
acquises auprès des maîtres et dans les livres qui permettent
de combiner au plus juste, au plus efficace couleur et valeur,
couleurs chaudes et couleurs froides, le tout dans un univers
qui bouge, se fait et se défait et déjoue souvent les meilleurs
pronostics.
Quel est votre rapport au dessin ? Effectuez-vous de
nombreux croquis avant de vous lancer en peinture ?
J’ai classiquement commencé par le dessin aquarellé, avec
des séances où le dessin occupait deux heures ! Roland
Palmaerts m’a appris à être peintre d’abord et donc à com-
poser directement à partir de la page blanche. Une gageure
lorsqu’entrent en jeu la perspective, les justes proportions,
A QUARELLE N°27 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2015 89
 Paysage
CLAUDE CARRETTA

ambiancé

Or automnal 1. 2014. 30 x 40 cm.
les formes précises, et donc la source de bien des déboires,
mais aussi école de spontanéité, de rigueur, de simplification.
Les croquis préalables peuvent être alors un intermédiaire
précieux, mais c’est davantage une source de repères qu’un
squelette. Affranchi depuis longtemps du dessin préalable, je
suis actuellement en train d’y revenir au contact de virtuoses
comme Eugen Chiniscean et tout récemment Keiko Tanabé,
qui composent avec un crayonné très fouillé, qui n’est pour
eux en aucune façon un carcan. Une belle découverte, qui
donnera peut-être à mes aquarelles à venir une meilleure
charpente !
Les sujets que vous traitez sont variés. Qu’est-ce qui
déclenche l’envie de peindre chez vous ?
Je suis parvenu petit à petit à échapper à la dictature du
sujet ; je travaille plutôt par thème général, l’idée venant sou-
vent d’une association de couleurs qui me tente et qui, au
final, conduira à l’idée. Je cherche davantage l’ambiance, la
lumière, les effets de brume, de vent, dans lesquels l’animal,
le bateau, l’arbre remarquable viendront s’insérer et devenir
peut-être le sujet. Mais dans la logique de mon retour au
dessin évoqué plus haut, il m’arrive de traiter en plusieurs
versions un thème particulier, comme en ce moment les
cathédrales du Bassin parisien.
Comment faites-vous pour garder l’équilibre entre abs-
traction et figuration ?
Je suis un peintre résolument figuratif. Je respecte la pein-
ture abstraite lorsqu’elle est l’aboutissement d’un chemine-
ment artistique de longue haleine et je me surprends parfois,
dans mes régates par exemple, à des élans qui m’éloignent
de l’architecture navale stricte au profit du mouvement, de
l’esprit de compétition, du vent et du bruit des vagues.
LE PLUS SOUVENT,
MES AQUARELLES
SONT IMPROVISÉES,
ASSOCIANT DE
GRANDS LAVIS
DÉGRADÉS À DES
CONTRASTES DE
PLUS EN PLUS PUISSANTS QUI FONT
NAÎTRE LA LUMIÈRE ET ÉNERVENT
LA COMPOSITION. MA PALETTE EST
SOUVENT LIMITÉE À DEUX OU TROIS
NUANCES, ENRICHIES DE MÉLANGES,
SUPERPOSITIONS/JUXTAPOSITIONS.
MON MATÉRIEL, MES COULEURS
J’ai appris au fil des ans à réduire le nombre de couleurs, les
mélanges sur la palette ou sur le papier aquarelle assurant
une variété infinie de nuances et de meilleures harmonies
de couleur. J’utilise essentiellement jaune permanent, jaune
indien, jaune de cadmium foncé, rose permanent, rose
alizarine, rouge de cadmium foncé, bleu céruléum, bleu de
cobalt, bleu outremer et bleus phtalo nuances verte et rouge,
auxquels s’ajoutent les terres et surtout des vraies terres et
non des imitations. Ainsi qu’à l’occasion des variantes comme
or vert, marron de pérylène ou des expérimentations comme
le vert apatite de Daniel Smith, qui exige beaucoup de doigté.
J’ai appris à travailler plutôt avec des pinceaux larges (spalters,
pinceaux biseautés), mais les pinceaux ronds de qualité sont
aussi de beaux atouts. Je conseille à mes élèves de tendre
le papier aquarelle pour faciliter la circulation des pigments et
garantir de beaux lavis.

Diriez-vous que vous êtes un aquarelliste traditionnel ?

Je préfère l’aquarelle pure, mais là encore, les additifs sont
à tester, par exemple la gomme arabique qui crée avec cer-
taines couleurs des ravinements fascinants.
Je préfère la peinture en négatif à la gomme à masquer et je
conseille de ne pas l’utiliser en début de travail, mais sur de
premiers lavis séchés, ce qui évite les blancs trop purs qu’on
remarque tout de suite. Soyons discrets dans nos méthodes !

TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.

90 A QUARELLE N°27 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2015

 LE CROQUIS PRÉALABLE
1 Le croquis réalisé à part permet de faire le choix des grandes formes,
de la ponctuation (avec la tour à droite) et de l’organisation des valeurs.
Il n’est qu’une référence, que je garde rarement à mes côtés pour
rester libre.
LES MAISONS Sur les premiers lavis secs, je peux calibrer les
3 proportions avec un crayon aquarellable (des rectangles, petits dans
le haut du village, plus gros dans le bas.) Ces dessins sommaires
donnent un appui pour réaliser les premiers négatifs, avec la terre
d’ombre naturelle pour un ton au-dessus.
L’ARRIÈRE-PLAN, LES VALEURS SOMBRES
5 Lumineux du fait des premiers jaunes, le village confortera sa
présence par la découpe en négatif de sa silhouette caractéristique.
Des lavis froids et puissants dans le ciel, et même très puissants
au contact de la silhouette, donneront, par la magie du négatif, tout
son relief au travail architectural.
LES LUMIÈRES
2 Sur le papier humidifié au centre par des projections rapides,
je dépose plusieurs jaunes qui s’étalent avec fantaisie dans la flaque
et illumineront le cœur du village. Les touches de terre de Sienne
naturelle préparent les premières maisons.
LES DÉTAILS DU VILLAGE Un village perché, ce sont des
4 horizontales, des verticales et des diagonales qui créent un réseau
géométrique dense et complexe ; mais ce sont au bout du compte des
rectangles et des triangles réunis dans une grande forme triangulaire,
avec davantage de détails dans les parties basses plus proches.
Premiers pas. 2015. 30 x 40 cm.
6
LES FINITIONS Quelques détails de plus en plus précis au pied du
village ont pour effet d’éloigner les parties hautes, au surplus moins
détaillées et davantage réduites à des petites formes imbriquées.
L’avant-plan est volontairement à peine suggéré et les personnages…
donnent leur titre au tableau !
 Hommage
NOUS ONT QUITTÉS

à 3 artistes
de talent Nick
Au cours de ces trois derniers mois, le
monde de l’aquarelle a été sévèrement
ébranlé par la nouvelle de la mort soudaine
de trois artistes aimés et respectés de tous.
Le premier à nous quitter était un de mes
Simmons
amis proches, l’artiste américain Nicholas
ILS

Simmons. Quiconque a suivi l’Art de l’Aqua-

relle au fil des ans a eu le plaisir d’y voir les
grands formats de Nick, d’y apprendre qu’il avait gagné de
nombreux prix, d’y lire ses commentaires, toujours perti-
nents, en tant que juge international, et d’y être confronté à
sa volonté de placer la créativité au-dessus de la technique.
Son décès fut un choc pour tout le monde. Un triste jour qui
pèse encore lourd.
Paul Dmoch, quant à lui, était un artiste belge moins impli-
qué sur la scène internationale. Paul était un peintre investi
d’une mission. Paul, comme Nick, n’était pas intéressé par
la technique, il avait son propre « programme ». Il croyait
fermement que c’était à travers le processus créatif qu’il
était en mesure d’atteindre un état spirituel, et y trouver la
splendeur, la beauté et l’harmonie personnelle. Ses nom-
breuses peintures témoignent de ce désir et nous révèlent
sa capacité à capturer ce “quelque chose » de l’ordre du
magique qui surgissait de ces moments de peinture rares.
Et puis il y a Fernand Lamy, aquarelliste français décédé à
l’âge de 92 ans. Il était débordant de passion et d’énergie.
Sa vie fut une véritable aventure, sous-tendue par le désir
d’accomplir – avec succès – les nombreux rêves qu’il par-
tageait avec son épouse.
Il est bien triste de penser que nous avons perdu les futures
conversations, les pensées, les provocations et les œuvres
de ces peintres qui furent aussi nos amis. Ce qu’il nous reste
de ces trois artistes doués d’une très forte volonté, c’est
l’inspiration qu’ils nous ont transmise.
En tant qu’êtres humains, en tant qu’artistes, nous créons
notre propre chemin. Nous avons la chance d’éprouver le
désir de créer, de comprendre que tout est possible et que
nous devons juste trouver le meilleur moyen d’y parvenir
pour nous-mêmes, par nous-mêmes. Grâce à leur pers-
picacité et à leur vision, les artistes ont un rôle important
dans la société, ce sont eux qui sortent des sentiers battus,
osant ce que personne d’autre n’ose faire. Leurs visions et
leurs croyances sont si fortes qu’ils n’ont pas peur du ridi-
cule ou de l’échec. Leur compréhension et leurs désirs sont
inébranlables. Il faut du courage pour oser être grand dans
le monde d’aujourd’hui. Nicholas Simmons, Paul Dmoch et
Fernand Lamy, eux, ont osé être grands, et ils l’étaient.
Janine Gallizia
Nicholas
Simmons
avec Alvaro
Castagnet
(à gauche) et
Janine Gallizia.
Extrait de l’hommage
d’Arnold Lowrey
J’ai rencontré Nicholas il y a des années et notre
amitié s’est renforcée avec le temps, lorsque nous
avons découvert que nous avions tellement de
choses en commun. Il avait des avis très tranchés
au sujet de l’Art, et pas de temps à perdre avec
les artistes qui s’inventaient des règles ridicules,
comme de ne pas utiliser le blanc en aquarelle.
Ses nombreux talents étaient connus de beaucoup – il était un
excellent joueur de tennis, un guitariste rock, un créateur de
guitares et un artiste –, mais beaucoup moins connaissaient son
incroyable gentillesse. Un jour, pour me faire une surprise, il a peint
un merveilleux portrait de moi ; c’est un de mes biens les plus
précieux. Nous étions amis depuis des années sans nous être jamais
rencontrés en personne jusqu’au jour où, alors que j’animais un
atelier à Dallas, Texas, il est arrivé sans prévenir ! Il avait pris l’avion
de chez lui dans le Maryland uniquement pour m’emmener manger
un steak en sa compagnie (un faux-filet de 800 g, tout de même !!!)
Il était comme un fils pour moi et je sais que ses sentiments étaient
réciproques. Il me manque terriblement. Je n’ai jamais rencontré
sa famille, mais j’ai l’impression de connaître Olga et Larissa. Mes
pensées vont vers elles dans ces moments difficiles.

92 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

Nick et la musique
« Quelque part, Nick était un aquarelliste rock star, et je crois qu’il était le premier
dans le milieu de l’aquarelle. Il n’a écouté que sa créativité. Il a suivi ses propres
idées sans se soucier des règles imposées par les diverses sociétés d’aquarelle,
ni de l’avis de ses pairs. Il ne faisait rien d’autre que ce que lui plaisait, cependant
Nick était souvent frustré car il entrevoyait un autre avenir pour l’aquarelle, un
avenir qui ne ressemblait en rien au monde de l’aquarelle d’aujourd’hui. Il croyait
dans un avenir fait de peintures puissantes, modernes et grandioses. Il croyait
dans le talent d’autrui et il était le premier à prêter main-forte à d’autres artistes.
Nick nous a marqués. Il a aidé beaucoup de personnes à comprendre qu’elles
pouvaient aspirer à quelque chose de mieux, qu’elles pouvaient viser plus haut.
C’est cet aspect de sa vie, à mon avis, qui constitue son legs le plus important
et qui explique l’immense tristesse à l’annonce de sa mort. Nick aimait la vie ;
il aimait la beauté et il aimait s’amuser, et c’est de ce Nick-là que je vais me
souvenir ; le souvenir d’un ami qui voulait le mieux pour tout le monde. »
Janine Gallizia

« Nicholas était aussi doué pour la musique que pour l’art et il disait souvent que la
musique était le plus grand moyen d’expression de l’homme. C’était un guitariste
hors pair avec d’énormes capacités techniques et artistiques dans des genres
divers et variés. Avant de De gauche à droite : Jean-Philippe Moine (directeur de la rédaction de l’Art de l’Aquarelle),
se tourner vers les arts Egle Lipeikaite, William Hook et sa femme, Stanislaw Zoladz, David Stickel, Nicholas Simmons,
plastiques, il a enseigné Janine Gallizia, Liu Yi, Marc Folly et Nicholas Phillips.
la guitare à environ
1 200 élèves, dont le grand
tennisman Pete Sampras.
En collaboration avec Dean
Guitars et Johnnie Bolin,
L’hommage de
Nicholas a aussi créé
deux modèles de guitare
électrique en hommage au
Janine Gallizia
guitariste Tommy Bolin, un Nick était le plus proche de mes amis peintres, et ce
de ses héros de jeunesse. »
David Burge depuis une douzaine d’années. Il disait toujours ce qu’il
tenait pour vrai et il défendait fermement ce en quoi
il croyait, tout en étant à l’écoute des autres et ouvert
à de nouvelles idées. Nick était toujours le premier
à aider ceux qui en avaient besoin. Il va manquer à
nombre d’entre nous ; il va me manquer. Rares sont
les êtres qui peuvent toucher notre cœur et notre esprit,
ceux qui nous inspirent pour nous surpasser. Rares
sont ceux qui par leur présence nous donnent
le sourire et nous réchauffent le cœur. Nicholas
Simmons était de ceux-là. Au mois de septembre,
le monde de l’aquarelle a perdu une personne qui
nous inspirait, un confrère et un ami.
Janine Gallizia

« J’ai souvent exposé

aux côtés de Nick et
nous avons jugé de
nombreux concours
ensemble. Nous
avons parlé, nous
avons beaucoup
ri et je chérissais
cette amitié ouverte,
sincère et dénuée de
Fresh Sushi. « Je me souviens du jour où il m’a envoyé la photo d’une peinture qu’il venait de terminer. Elle négativité. »
s’intitulait Fresh Sushi. “Je n’arrive pas à décider si c’est complètement nul ou super, m’a-t-il dit. T’en penses Janine Gallizia
quoi ?” “Nick, ta peinture est FANTASTIQUE !!! C’est tout simplement ce que j’ai vu de mieux depuis des années.
Je la veux. Je te l’achète. Garde-la pour moi”, ai-je répondu, pleine d’enthousiasme. Nick était un peu surpris
par ma réaction, mais il l’a choisie pour participer au concours de l’exposition annuelle de la NWS (2007). Un peu
plus tard, il m’a appelée. “J’ai une bonne et une mauvaise nouvelle. La bonne c’est que Fresh Sushi a remporté
la médaille d’or à l’expo NWS. La mauvaise nouvelle, c’est que la NWS garde l’œuvre gagnante !” Nous avons
rigolé. J’étais tellement heureuse pour lui ; c’était sa première vraie chance. Quant à moi, je l’ai obligé (gentiment
quand même) à m’obtenir une reproduction de très bonne qualité, qui fait partie aujourd’hui de ma merveilleuse
collection privée. Fresh Sushi a marqué le début de l’envol de la carrière de Nick. » Janine Gallizia

A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 93

 L’hommage de David Burge
HOMMAGE
(extrait) De gauche à
droite : Stanislaw
Zoladz, William
Mon premier contact avions beaucoup de Hook, Nicholas
avec Nick remonte à un choses en commun. Simmons, Janine
Gallizia, Liu Yi,
mail qu’il m’a envoyé Il s’est avéré que Georges Artaud.
le 31 juillet 2004. Il mes commentaires
avait souhaité échanger ont marqué le
avec moi suite à des début d’une longue
commentaires que j’avais amitié qui a duré
postés sur un forum dédié à l’Art en plus d’onze ans.
rapport avec une peinture qu’il avait mise Nicholas était un homme extrêmement
en ligne. En fait, il avait surtout apprécié sensible et perspicace. Il possédait le
ma franchise, même si ce qu’il avait pris sens de l’humour d’un jeune garçon. Son
pour une critique sévère était en fait ma enthousiasme et sa manière de croire à une
façon maladroite d’expliquer à quel point idée étaient aussi contagieux qu’exaltants.
son œuvre m’avait fait forte impression. Le Il avait un don pour la composition, un
tableau en question sens du design qui
était un abstrait,
moitié paysage, moitié
«N ’
ICHOLAS S EFFORÇAIT le distinguait de
l’aquarelliste lambda.
marine, peint depuis ’
D INNOVER ET DE Parmi ses inspirations,
un point de vue élevé. REPOUSSER DE PLUS EN il citait de grands
La composition et artistes tels
le design étaient PLUS LOIN LES FRONTIÈRES J. S. Sargent, Joaquín
tellement parfaits DU MÉDIUM .» Sorolla, Degas, Nick s’est lié d’amitié avec un merveilleux jeune homme qui
s’appelait Kevin. Kevin venait d’une petite ville dans l’État
que le spectateur en Toulouse-Lautrec, d’Indiana et il était tétraplégique à la suite d’une blessure
à la colonne verticale. Ce jeune homme peignait des
éprouvait une sensation de vertige. J’ai Mark Rothko, Andrew Wyeth et le graveur aquarelles avec beaucoup de talent en tenant le pinceau
dit que je « détestais » la sensation que Mauricio Lasansky. Il s’intéressait aussi dans sa bouche. Il était l’une de ces personnes qui étaient
fidèles à lui-même, ce que Nicholas aimait. Tristement, il est
cette peinture me procurait quand je la à de nombreux peintres contemporains, mort jeune des suites d’une infection. Nick était déterminé
regardais. À l’époque, je ne connaissais autant figuratifs qu’abstraits – des à montrer à quel point la force de Kevin l’avait marquée
et il s’est donc rendu dans sa ville natale pour jouer de la
rien à l’étiquette et je dois avouer que le artistes de rue en passant par les maîtres guitare et chanter lors de l’enterrement. La famille était très
fait de mesurer mes propos n’était pas modernes de la peinture figurative comme touchée de voir arriver un étranger, une personne que leur
fils n’avait jamais rencontrée en chair et en os, qui avait
mon point fort. Nick a vu au-delà de mes Alex Kanevsky et Lita Cabellut. Nicholas traversé deux États pour lui rendre un dernier hommage.
défauts et il s’est rendu compte que nous avait un regard aiguisé : il pouvait déceler Cette anecdote résume bien le caractère de Nicholas,
quelqu’un qui brillait dans de si nombreux domaines.
la beauté dans les endroits
les plus inattendus, un trait
inhabituel pour un aquarelliste,
du médium. Il utilisait la technologie
car cette technique privilégie
pour stimuler et développer de nouvelles
la tradition et a une préférence
idées, et ne permettait pas aux règles
marquée pour les paysages
« traditionnelles » de lui dicter un résultat
impressionnistes et les
artistique attendu.
restrictions techniques.
Peut-être que le principal talent de Nick se
Nicholas s’employait à élever
trouvait dans sa capacité à s’enthousiasmer
l’aquarelle au rang de la
et à faire ressortir le meilleur de ceux qu’il
peinture à l’huile et l’acrylique.
touchait avec sa générosité et son amour.
Il croyait à la puissance des
grands formats et il soutenait
Nicholas Simmons était une force créative
que, non seulement le fait de
unique. Sa perte va laisser un trou béant
peindre plus grand donnait
dans le monde de l’aquarelle, mais aussi
plus de liberté technique, mais
dans celui de la musique et dans l’univers
il conférait à l’œuvre finie une
esthétique – la beauté elle-même est
sophistication et un impact
endeuillée. Son talent et son humour – dont
indéniables. Nicholas ne
il était si peu avare – vont nous manquer,
cherchait jamais à apporter un
à nous ses amis et ses connaissances,
quelconque soutien de façade
ainsi qu’au public et à la communauté
aux traditions de l’aquarelle, ni
artistique, mais son cœur appartient pour
à la mentalité institutionnelle
toujours à Olga, sa femme si belle et leur
de la technique. Il s’efforçait
After All The Violence And Double-Talk. Aquarelle acrylique, 127 x 127 cm. fille adorable et bien-aimée, Larissa.
d’innover et de repousser de
« J’ai débuté cette œuvre en la recouvrant d’aquarelle acrylique. Puis, arrivé au stade où Adieu mon cher ami et merci !
vous la voyez, j’ai continué à peindre mais, insatisfait de mon travail, j’ai fini par la détruire. plus en plus loin les frontières
Rétrospectivement,je sais que j’aurais dû m’arrêter là : j’aime ce côté inachevé. »

94 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

 Paul Dmoch
L’hommage de Janine Gallizia
Paul était quelqu’un qui préférait la solitude
et les relations de qualité à la célébrité
ou au prestige. Sa passion était simple :
il aimait à s’asseoir tranquillement dans
son atelier pour y traduire l’essence de
son sujet sur la feuille posée devant lui.
En tant que peintre, Paul ne cherchait pas
à épater avec ses prouesses techniques,
ni à exceller – son ambition était d’ordre
spirituel. Pour lui, c’était par l’acte de
Galerie des Glaces, Versailles, France. 51 x 75 cm. « Même lorsque j’étais enfant, je me souviens d’avoir
été obsédé par la lumière. Tout jeune, un professeur m’aida à découvrir ma passion pour l’architecture. Je
pensais par cette science pouvoir créer un monde fantastique où la lumière pourrait jouer sur les formes. J’ai
très vite déchanté. Avec l’aquarelle, j’ai pu créer mon propre monde de lumière tout en partageant mon amour
de l’architecture, sorte d’ode à la gloire de l’esprit humain. J’aime découvrir par l’aquarelle l’âme d’un intérieur
architectural. J’y pressens, entre la lumière et l’obscur, avec beaucoup de certitude, le secret de tout départ,
de toute naissance. Enfin, la lumière harmonise la beauté de chaque détail de l’espace. »
Nef, Eglise des Piaristes, Cracovie. 39 x 54 cm. Nef, Eglise des Piaristes, Cracovie. 39 x 54 cm.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
création que l’homme accède à un état
de conscience qui transcende son état
normal. Il croyait que, lors de ces rares
instants de création, notre esprit se trouve
transporté vers un état contemplatif, un
état de conscience supérieur, où règne la
compréhension, un esprit de guérison et de
paix. Paul était un grand peintre, mais la
peinture n’était pas sa passion principale ;
elle n’était que le moyen qu’il avait choisi
pour tenter de traduire ce qu’il ressentait
lors de ces moments insaisissables.
Sa quête était d’essayer, avec chaque
peinture, de ressentir à nouveau cette
sensation.
Nef, fragment,
Franziskanerkirche, Vienne,
Autriche. 58 x 38 cm.
« Le spectateur doit venir dans l’espace
du tableau et non pas seulement le
regarder ; il doit passer de l’autre côté
du miroir. Pour cela, j’ai l’obsession de
construire l’illusion de la perspective.
J’ai appris avec le dessin, durant mes
études d’architecture, à tromper les
sens. La virtuosité, la finesse ainsi
que la précision du dessin sont pour
moi la base de l’art. J’aime dans
mes aquarelles le rapport entre les
parties détaillées et celles qui restent
vides. Les lumières que je peins
sont imaginées, ou plutôt inventées ;
elles n’existent pas en réalité, ou très
rarement. L’art est la tromperie qui
nous apprend la vérité sur nous-même,
pas sur le monde… »
95
 Fernand
L’hommage de Thierry Duval
Paul, c’est l’art de sublimer la lumière, c’est
même l’art de réinventer la lumière, de la faire

Lamy
vivre, de la faire vibrer.
Tes représentations d’intérieur d’églises et de
cathédrales m’ont littéralement bouleversé par
leur puissance évocatrice, tu laisses derrière toi
une œuvre magistrale, et un grand vide dans le monde
de l’aquarelle.
Paul, tu es parti avec les anges peindre la lumière finale,
et tu me manques déjà…

L’hommage de
François Malnati
Fernand Lamy a eu une vie hors du commun.
Une longue vie tout d’abord car il nous a quittés à
l’âge respectable de 92 ans. Ses amis pensaient
même qu’il avait trouvé l’élixir de longue vie, voire
d’immortalité. Pensez donc : l’année dernière encore,
il était allé faire une descente en kayak dans le nord du Québec,
comme il l’a fait une bonne quarantaine de fois auparavant. Une vie
très active d’autre part car vouée au sport et à la compétition puis à
l’aquarelle, qu’il a vécue comme une suite de nouveaux défis. L’eau
aura donc été le fil conducteur de sa vie : eau des torrents et de la
mer, eau de l’aquarelle.
Ce petit homme né dans les forêts du Jura aimait les grands espaces.
Il aimait également les grands tableaux. Combien de fois nous a-t-il
bluffés en accrochant des œuvres de 2 m sur 1 m, voire plus grandes !
Il insistait pour que nous suivions son modèle : des aquarelles
marouflées sur bois et protégées au vernis acrylique. Son ambition
était de rivaliser avec les grandes toiles acryliques ou à l’huile qui
triomphent dans les Salons. Et il y est arrivé, ce diable de petit homme,
propulsant l’aquarelle
sur le devant de la scène
dans les expositions de
techniques mixtes ! Lors de
la messe qui honorait sa
mémoire, deux aquarelles
Chœur, Kings College
Chapel, Cambridge, entouraient son cercueil :
Angleterre. 76 x 57 cm. l’une représentant une
« J’adore le soleil
rayonnant par sa mer déchaînée, l’autre un
puissance, sa profondeur paysage de neige du Grand
et sa sensualité, ce
qui dématérialise Nord canadien. Des deux
toute la pauvreté et la tableaux ressortaient son
mesquinerie représentées
par l’obscurité et amour immodéré de la
l’ignorance… Lorsqu’on nature et son optimisme
est élu pour devenir
peintre, il suffit juste inoxydable.
d’écouter la voix de la vie, Adieu Lamy !
d’ouvrir les yeux et de
ressentir les événements
avec son cœur. On peut
aussi y entendre l’écho de
la voix éternelle… la voix Croisière des 20-21 juillet 2012.
de Dieux lui-même. » Fernand Lamy appliquait du vernis sur
ses œuvres marouflées sur bois
avant de les encadrer, avec un petit
rouleau en mousse
imbibé de vernis versé dans
une assiette. Il lissait éventuellement au
papier de verre fin puis appliquait une

96
deuxième couche en croisant.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016
Extrait de la lettre adressée à Janine Gallizia le 16 septembre 2015
Passé 92 ans et aquarelliste depuis plus de cinquante ans, j’ai parfaitement
conscience d’avoir encore tout à apprendre. Tes propos m’ont encouragé, car
je fais partie, malgré mon grand âge, de ceux qui ont envie de progresser
et d’évoluer. Je me lance parfois dans l’inconnu au risque de me mettre en
danger, mais cela rajeunit mon âme d’aquarelliste.
Sais-tu comment je me situe par rapport à l’aquarelle ?
Aquarelliste ? oui
Bon peintre ? peut-être
Artiste… ? pas encore.

Il mouillait complètement
sa feuille recto verso. Pour
que le papier ne gondole
pas durant le travail, il
le recouvrait d’un papier
absorbant sur lequel il
passait un rouleau de
caoutchouc. Ainsi, le
papier a des chances de
rester bien à plat, le temps
de réaliser l’aquarelle.

Fernand préparait sa couleur dans

une assiette et la versait directement
sur le papier mouillé des deux côtés.

L’hommage de Janine Gallizia

Fernand était un grand homme, quelqu’un
de dynamique, quelqu’un qui était toujours
positif. Par sa vitalité et son désir permanent
d’apprendre et de progresser, il a touché la
vie de nombreuses personnes. Mort à l’âge de
92 ans, la vie de Fernand, qui était un aventurier
et un sportif de haut niveau, ressemblait à s’y
méprendre à celle d’Indiana Jones.
Au cours des années, Fernand m’avait envoyé
plusieurs lettres. Des lettres manuscrites et
envoyées par la poste, ce qui est plutôt rare de
nos jours. Son enthousiasme était contagieux.
Il avait des moments d’inspiration quand il
ressentait le besoin de partager ses pensées et
ses découvertes, et de me demander mon avis.
Il parlait sans cesse de son désir d’évoluer et de
progresser.
La dernière lettre que j’ai reçue de Fernand était
peu avant sa mort. Il venait d’avoir quelques
problèmes de santé qui l’avaient perturbé,
mais comme à son habitude il refusait de se
plaindre ou de s’attarder sur les événements
passés. Il regardait comme toujours vers l’avenir
en se demandant comment faire pour aller de
l’avant. La France a perdu une grande figure,
mais Fernand nous a légué sa patience, son
enthousiasme et sa vitalité.
A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016 97
 Carnet d’adresses

ACTUS, SOCIÉTÉS D’AQUARELLE > SALON D’AQUARELLE 2015 AU > DUSAN DJUKARIC
CHÂTEAU DE KERDURAND www.dusandjukaric.com
> ROYAL WATERCOLOR SOCIETY www.riantec.com
www.royalwatercoloursociety.co.uk > ANNA IVANOVA
> EXPOSITION CHRISTOPHE CRÉPIN avva-4@yandex.ru
> THE CANADIAN SOCIETY OF https://expo.artactif.com/crepin/
PAINTERS IN WATERCOLOUR/ > KIM JOHNSON
LA SOCIÉTÉ CANADIENNE DE > MARY WHYTE, STORYTELLERS OF www.kj-art.com
PEINTRES EN AQUARELLE THE SOUTH : VOICES OF WOMEN
www.cspwc.com www.mennellomuseum.com/special.html > MIKE KOWALSKI
http://mikekowalskifineart.com
> NATIONAL WATERCOLOUR SOCIETY > 2ES RENCONTRES
nationalwatercolorsociety.wildapricot.org INTERNATIONALES DE CEUTA > LA FE
aedamadrid.org/eventos www.facebook.com/orm2512
> LA CONFÉDÉRATION EUROPÉENNE asociacionceutiacuarela@gmail.com
DES SOCIÉTÉS D’AQUARELLE (ECWS) > FERNAND LAMY
www.ecws.eu > BOXCARS: RAILROAD IMAGERY IN fernand.lamy.free.fr
https://www.facebook.com/ecws.eu CONTEMPORARY REALISM
www.brattleboromuseum.org > YUKO NAGAYAMA
> LES AQUARELLADES DE MONS
> NOLDE À HAMBOURG www.facebook.com/public/Yuko-
www.lesaquarellades.be
ww.hamburger-kunsthalle.de Nagayama
> 1RE BIENNALE INTERNATIONALE
D’AQUARELLE > WYETH : ANDREW AND JAMIE IN > CHINMAYA PANDA
www.alizarines.com THE STUDIO chinmayapanda.webs.com
denverartmuseum.org/exhibitions/wyeth
> 3E BIENNALE D’AQUARELLE DE > REINE-MARIE PINCHON
TOULOUSE > AMERICAN WATERCOLOR SOCIETY www.pinchon-aquarelles.com
www.aquarelleenmidipyrenees.fr www.americanwatercolorsociety.org

> RÉTROSPECTIVE LARS LERIN > LYNN POWERS

> 1RE BIENNALE DE COQUELLES lynnpowersart-com.myshopify.com
https://www.facebook.com/ http://sandgrund.org
biennaleaquarellecoquelles/ > JOHN SALMINEN
> BIENNALE MARCHE D’ACQUA,
www.coquelles.fr
FABRIANO johnsalminen.com
> SALON D’UCKANGE http://museodellacarta.com
www.uckange-mairie.fr > DYLAN SCOTT PIERCE
> THE ROYAL SCOTTISH SOCIETY OF www.dylanpierce.com
> FESTIVAL D’AQUARELLE DE WASSY PAINTERS IN WATERCOLOUR
www.festivalaquarellewassy.fr www.rsw.org.uk > NICHOLAS SIMMONS
nicholassimmons.com
> RWS CONTEMPORARY ARTISTES
WATERCOLOUR COMPETITION > RICHARD STEPHENS
> JACKY AUGAGNEUR
www.royalwatercoloursociety.co.uk/ jackyaugagneur.odexpo.com www.raswatercolors.com
competition/
> PATY BECKER > NAOMI TYDEMAN
> ROYAL INSTITUTE OF PAINTERS www.patybecker.fr www.naomitydeman.co.uk
IN WATERCOLOURS
www.mallgalleries.org.uk > CLAUDE CARRETTA > JEAN VIGUÉ
www.claude-carretta.fr jeanvigue.jimdo.com
> MUSÉE DES BEAUX-ARTS
DE TOURS > ALI CAVANAUGH
www.mba.tours.fr > RUI ZHOU
www.alicavanaugh.com https://www.facebook.com/public/Rui-Zhou
> COLLECTE DE FONDS / > VERA DICKERSON
NICHOLAS SIMMONS www.veradickerson.com > JAYSON YEOH
www.gofundme.com/NicholasSimmons jaysonart.com
> PAUL DMOCH
https://www.facebook.com/pauldmoch

98 A QUARELLE N°27 / D ÉCEMBRE 2015-F ÉVRIER 2016

Pratique
Arts
des

peinture/sculpture/gravure/dessin
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