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ESQUEMA
Aperturista.
Evolución.
Audición activa.
Cómo trabajarlo
Grados.
Definición armonización.
Cadencias.
Entonar por imitación.
Gestualización.
6) Recursos didácticos para trabajar en el aula Interpretación
instrumental.
A capella.
De creación propia.
INTRODUCCIÓN.
La melodía, junto con el ritmo, la armonía y la forma es uno de los elementos fundamentales de la
música y así, el especialista de Música debe conocerlo muy bien.
En Infantil la experiencia musical del niño es rítmica, en Primaria se aborda la melodía a través de
audiciones, de la interpretación, improvisación, creación vocal o instrumental, movimiento y
lectoescritura.
Por último y en los aspectos puramente didácticos, analizando la manera, los recursos...para poder
trabajar la melodía con el alumnado de primaria.
La palabra melodía proviene del griego “melos”, que significa gusto por el canto. Ya filósofos como
Platón hicieron teorías acerca de la melodía como la Teoría del Ethos, en la que narraba cómo cada
tipo de melodía despertaba un estado de ánimo diferente.
En relación con la ley lo vamos a relacionar con el tema 15 la canción ya que el concepto de
melodía se incluye en la canción, e incluso cuando improvisan en el aula melodías se pueden llegar
a crear canciones.
Para meternos de lleno en este punto primero haremos una definición de melodía, algo
complicado ya que nos encontramos con gran diversidad de opiniones, ya que la música es un arte,
tiene una carga de subjetividad enorme...encontramos 2 teorías.
a) Teoría clasicista: sucesión sonora dentro de un orden, los diferentes sonidos que la integran han
de tener relación entre sí, esta relación a de ser de carácter tonal, tiene su máximo desarrollo en el
Clasicismo.
b) Teoría aperturista: cualquier sucesión sonora, incluso el ruido producido por máquinas como
defiendo Russolo en el Bruitismo, máximo desarrollo a principios del s.XX.
Por esta diversidad de opiniones vamos a definir la melodía como: “Sucesión sonora, que destaca
sobre los demás elementos de una obra musical que fundamentalmente tiene una finalidad
expresiva”.
a) Grecia: la melodía es el elemento más importante, toda la teoría está estructurada desde el
estudio de la sucesión de sonidos.
La música es fundamentalmente monódica. Incluso Platón especula sobre cuáles son las
sucesiones sonoras más adecuadas para cada estado de ánimo y cuáles son las más educadas para
la formación de buenos ciudadanos, llegaron a desarrollar leyes para escuchar la música más
adecuada.
b) Edad media: la música y la enseñanza está centrada casi exclusivamente en los monasterios, se
cuidaba mucho la melodía en cuanto a la emisión en relación a la voz ya la entonación, ya que se
usaba como mensaje divino; tanto era así que en el gregoriano no se contempla acompañamiento
instrumental.
En el ámbito trovadoresco y juglaresco también se hace monodía, pero los instrumentos se usaban
para doblar la voz, en ocasiones estos instrumentos se salían de la melodía, esto se conoce como
heterofonía.
d) Barroco: en esta época nace el concepto de melodía acompañada, con la línea melódica como
elemento principal de una obra musical. Se contradice con el gran desarrollo de la armonía ya que
se desarrollan conceptos tales como bajo continuo, cifrado..
Existieron debates muy interesantes como partidarios de Rousseau que decían que cualquier
acompañamiento instrumental estropeaba la obra, lo contrario que los partidarios de Monteverdi.
En esta época aparecen los adornos en la melodía, como floreos, ligados, trinos...algunas de ellas
son las denominadas notas no reales.
Surge aquí la relación con la conciencia y expresiones culturales, en los distintos tipos de canciones
que podemos encontrar a lo largo de la historia, en diversas épocas y en distintos estilos.
h) Expresionismo: siglo XX ruptura total con tendencia nuevas como el dodecafonismo donde no
existen jerarquías sonoras, sino 12 sonidos, su máximos exponente es Schoenberg.
Comenzamos este punto definiendo intervalo como: “Distancia entre dos notas, diferenciándose
entre si por tonos y semitonos que hay entre ambas”.
Tipos de intervalos:
- armónicos: si las notas se dan a la vez. Se diferencian por la consonancia; perfecta, imperfecta,
mixta, ambigua , suaves y fuertes.
– Según su extensión:
- Mayores
- Menores
- Aumentados
- Disminuidos
- Doble aumentados
- Doble disminuidos
Otros de los conceptos dentro del estudio de los intervalos es el de la consonancia y disonancia.
Y, para terminar los conjuntos y disjuntos, siendo los primeros de 2ª y disjuntos el resto.
- Frase melódica: “Estructura musical que tiene significado por sí misma, pudiendo ser el eje
central de un obra o no”.
Cuando esta frase melódica se convierte en el eje central de la obra y sobre el cual se desarrolla un
discurso musical se convierte en el tema melódico. Podemos encontrar distintas denominaciones
como sujeto, tema o motivo; en el barroco adquiera gran importancia en la forma fuga, al igual que
en el clasicismo con la forma sonata.
Conceptos derivados son:
– Frase: Puede coincidir con ser el tema o no, pero tiene entidad por sí mismo, puede ser regular (8
compases, momentos de tensión y distensión) o irregular (número asimétrico de compases)
– Célula: no tiene entidad por si misma, pero puede ser motor de una obra como las 4 primeras
notas de la 5ª Sinfonía de Beethoven.
– Línea melódica: es un concepto de carácter gráfico que se empieza a dar mayor importancia del
Romanticismo hacia delante, podemos observar los siguientes tipos:
- Líneas de diseño recto: repetición de una nota musical de manera reiterada, como el gregoriano.
- Líneas de diseño ascendente: ascenso de la nota grave a la aguda, suele estar relacionado con
estados de euforia.
- Líneas de diseño descendente: descenso de la zona aguda a la grave, suelen ser momentos más
melancólicos.
Lo más habitual es que se combinen los diferente tipos, lo que otorga una sensación de variedad,
se denominan líneas de diseños mixto.
Para terminar el punto lo hacemos con la frase melódica; la melodía se articula con frases
melódicas con sentido en sí mismas. Se pueden analizar atendiendo al:
*Número de compases: si las subdivisiones son iguales son frases regulares y si no, son irregulares.
En este punto entra en contacto la relación con la Competencia para aprender a aprender ya que
hay que ir adquiriendo nuevas metas a corto y largo plazo y se verán nuevos conocimientos y
conceptos que se irán tratando a lo largo de los diversos niveles.
RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA.
Se puede hacer mediante la audición activa; que es percepción y contempla los planos sensorial,
descriptivo y musical.
Se puede realizar también a través de musicogramas para seguir una audición, o mediante la
lectura tanto de códigos convencionales como lo sno convencionales.
*Intermedios: los alumnos identificarán auditiva y visualmente frases mmusicales y partes que se
repiten y contrastan, así como los instrumentos clásicos populares o escolares que interpreten
melodías.
*Últimos: el repertorio será más amplio y variado. Habrá que reconocer los instrumentos en las
audiciones y se identificarán las repeticiones.
En cuanto al repertorio entran en juego las Competencias sociales y cívicas ya que a partir se
trabaja de forma cooperativa y se crea empatía.
Los conceptos de tonalidad, modalidad y afinación bajo el semitono igual, quedan fijados en la
mitad del siglo XVIII; veamos en qué consisten estos términos:
– Tonalidad: Jerarquización de las notas musicales en torno a una fundamental, es decir entorno a
una nota principal, por esta razón las notas reciben una denominación a partir de esta principal:
- 1º grado: tónica.
- 2º grado: supertónica.
- 3º grado: mediante.
- 4º grado: subdominante.
- 5º grado: dominante.
- 6º grado: superdominante.
La tonalidad está relacionado con el tema 17, la voz ya que es a través de la misma donde se va a
trabajar el tema de la tonalidad y donde se debe dar su importancia a la voz.
– Modalidad: manera de estructurar los tonos y semitonos a lo largo de una escala musical, este
término ya proviene de la época griega, cada modo genera una sensación distinta, lo modos se
conocían como:
- Dorio- mi
- Frigio- re
- Lidio- do
- Mixolidio- si
- Hipodorio- la
- Hipofrigio- sol
- Hipolidio- fa
- Hipomixolidio- mi
- Protus- re
- Deuterus- mi
- Tritus- fa
- Tetrardus- sol
Se diferencian en auténticos y plagales, además tenía una nota denominada final que era aquella
en la que terminaba el canto y otra llamada nota tenor que era la nota sobre la que oscilaba el
canto.
Va a ser a partir del Renacimiento donde aparece también la música modal y a partir del s. XVII se
va a establecer la dualidad tonal en modo mayor y modo menor.
– Modo mayor: la distancia entre notas es de un tono menos, entre III y IV grado y entre VII-VIII.,
este modo sería invariable.
– Modo menor: admite cambiar la disposición, es lo que se denomina reloquia modal, está la
escala natural (no altera nada), escala melódica (altera el VII), escala armónica (altera VI, VII),
escala mixta (al subir las dos, al bajar ninguna).
– Transporte escrito: consiste en escribir la melodía desde la nota de comienzo respetando los
intervalos, hay que prepararlo con anterioridad.
Una vez realizado el transporte, las canciones se pueden escuchar en diversas modalidades y
tonalidades para saber diferenciar los mismos, y unido a esto se relaciona con la Conciencia y
expresiones Culturales, donde se escuchen distintos estilos, épocas y culturas; y se deberá tener
una actitud abierta a la diversidad.
Armonizar no es más que determinar los acordes que se van a usar y en qué momento para
acompañar la melodía y enriquecerla; para ello el profesor debe haber analizado la melodía y a
partir de ahí decidir teniendo en cuenta las capacidades del alumnado.
La armonización más simple es la que se usa con los grados tonales. Empieza en el tiempo fuerte y
casi siempre en Tónica-Dominante.
– Saber el grado tonal sobre el que oscilan las determinadas partes de la canción.
– Colocar las notas del acorde de acuerdo con el instrumento que las va a interpretar.
Además a la hora de armonizar las canciones, debemos tener en cuenta las cadencias más
oportunas en cada momento de la obra o fragmento, esta cadencia son:
– Semicadencia: V
– Cadencia picarda: acorde final en modo mayor cuando la pieza discurre en modo menor.
Cuando hablamos de la didáctica de la melodía nos referimos a cual es la mejor manera que los
alumnos se familiaricen con el concepto de melodía, para que pueda llegar poco a poco disfrutar
plenamente del hecho musical.
– Entonación por imitación de canciones lúdicas: partir de la realidad del alumno, comenzamos por
cantar canciones que supongan un juego, por imitación del profesor. Se va a tener en cuenta la
relación con la Comunicación Lingüística, mediante la adquisición de nuevo vocabulario.
– Gestualización de canciones: que traten de oficios, actividades cotidianas, también están las
danzas. Relación con el tema 16 la dramatización, donde se puedan expresar sentimientos y que
cada uno saque lo que lleva dentro.
– Entonación con acompañamiento: permite soporte que favorece la entonación , hecho por el
profesor, permitirá ir subiendo el nivel del alumnos.
– Melodías de creación propia: una vez aprendidos y asimilados por parámetros podemos recurrir
a que sean los propios alumnos realicen este trabajo, usaremos lectoescritura convencional y no
convencional. Relación el sentido de la iniciativa y espíritu emprendedor, al realizar creaciones
propias e individuales y/ o colectivas donde se respeten las creaciones del resto de compañeros sin
criticar o hacer menos las ajenas.
CONCLUSIÓN.
Los especialistas de música deben conocer los elementos básicos que componen cualquier obra
musical.
La melodía es uno de ellos y es el que se percibe antes por las sensaciones que provoca en el
oyente; otros elementos son el ritmo y la armonía.
No hay ninguna regla para crear buenas melodías, aunque sí hay recursos para enriquecerlas.
El maestro debe conocer sus características antes de presentarlas a los alumnos y que permitan
desarrollar la inteligencia auditiva, la creatividad y el dominio del lenguaje musical.
La melodía se debe realizar siempre que se pueda en forma de juego donde el alumno se exprese
libremente y de forma espontánea, y unido a esto y para terminar termino con una cita de Cobain:
“La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y cuando quieras; siempre que sea
buena y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor
BIBLIOGRAFÍA.