Trabajo Práctico de

Cultura y Arte
Contemporáneo
Consignas de trabajo:

1) ¿cómo analiza la transición desde lo que ella denomina arte moderno? (Primera
Vanguardia) hacia el arte posmoderno (Segunda Vanguardia). ¿Qué elementos
destaca? Desarrollar.

2). Considerando la analogía analizada por Esther Díaz entre el cuadro “Los
Zapatos Campesino” de Vincent Van Gogh y “Los Zapatos de Polvo de Diamante”
de Andy Warhol. Destaque las características del Arte Posmoderno frente al
Moderno.

3). Analizar esquemáticamente las distintas corrientes artísticas de la Primera y

Segunda Vanguardia teniendo en cuenta los siguientes tópicos: lugares de
surgimiento, años, representantes, temas y “concepción sobre el arte”,
“concepción sobre la belleza”, “concepción sobre la realidad y la representación”,
“concepción sobre el color”, “concepción sobre las perspectiva”.
«Hitler define al arte moderno,

como “Arte Degenerado”,

por lo tanto, el arte se convierte

en un símbolo de libertad.»
 Desarrollo de consignas:

1 La autora analiza la transición entre el arte moderno y el posmoderno a partir de una

crisis que se profundiza a promediar el siglo XX, la cual era la crítica a la representación;
ésta ya se manifestaba dentro de las primeras vanguardias.

La representación comienza a tener signos de impotencia, se comienza a imponer nuevas

formas estéticas, se inventan nuevas formas de juego y se fragmentan los discursos hasta
melodías, relatos cinematográficos, edificios, estilos, tiempos, espacios, así como también
las ciencias, el arte y las formas de vida; en una pluralidad, una discontinuidad y
dispersión.

El arte moderno: es más sublime, combinaba el placer con la pena, se aleja racionalmente
de lo real, tratando de hacer pensable lo impensable. El mismo era solemne, conceptual y
academicista. La libertad artística extraordinaria de las obras imponentes intentaba
ocultar la miseria que se le tenía reservada a los sometidos. Ejemplos, “la estatua de la
Libertad, la torre de Eiffel”.

La modernidad pretendía abarcar la totalidad significante en una obra novela, sinfonía,

edificios, o escultura magistral. También la cultura moderna alentaba la idea de una
historia universal de la humanidad, produciendo una organización lineal de un tiempo
hacia un mañana mejor; el arte se plegaba a esta utopía.

En la posmodernidad este asume la imposibilidad de representar lo concebible, es irónico,

sensual y espontaneo. El desencanto posmoderno no apunta a la libertad absoluta de la
humanidad, donde los discursos emancipatorios indican el lugar del dominador, la
satisfacción de este se muestra sin recato ya que no hace en nombre de la libertad sino
por diversos intereses. Sus placeres son terrenales donde la mezcla de lo clásico con las
nuevas tecnologías hace que no hallan hoy un género artístico común. La informática y la
comunicación de masas, ha arrojado a la instantaneidad, ya al hombre no se lo define
como una identidad homogénea, sino como una metamorfosis. La moda ha ocupado el
lugar de forma de vida total, es un dispositivo social al servicio de una temporalidad breve
como ciertas obras de artistas plásticos actuales (obras de Marta Minujín) las cuales
pretenden ser efímeras pero son registradas en fotos o videos para una posteridad.

En cierto modo se ha cumplido uno de los ideales del modernismo, la expansión del arte.

La hipermoda y la tecnocracia son contemporáneas en la bisagra formada por el cambio

de siglo, producto de la saturación de ideales del proyecto moderno, y la posmodernidad
es decir, hipermodernidad o modernidad saturada, resquebrajada y fragmentada.
2- Martin Heidegger describe “los zapatos campesinos” de Vincent Van gogh como una
obra en donde se refleja la verdad mas alla de esta, no solo en el orden de la belleza sino
que en el orden de la verdad misma, esta representación revela todo lo que acontece en
el mundo, decía que reconstruia el andar de los campesinos pobres quienes dejaron al
usarlos deformaciones de la rutina de su vida.

En la confrontación que hace Fredric Jameson de los zapatos campesinos de Van Gogh con
los “zapatos de polvo de diamante” de Andi Warhol, este considera que los elementos del
primero son modernos y lo del segundo posmoderno. Asi como Heidegger describió la
obra de Van Gogh. Jamenson este la interpreta viendo en ello un espacio semi autónomo
por derecho propio que forma parte de una nueva división del trabajo por medio del
capital, ve la representación de las desventuras del capitalismo. Ambos autores coinciden
en que recrean su entorno, su contexto de vida, síntoma de una realidad mas amplia y
profunda.

Las características del arte moderno de acuerdo al análisis de la obra:

 Manejo de la perspectiva.
 Temas de la vida real.
 Reflejo de emoción exprecion y profundidad.
 Visión subjetiva del mundo.
 Uso de colores puros.


Las características del arte posmoderno decuerdo al análisis de la obra:

 Superficialidad, ironia, desencanto de las obras.

 Sin manejo de perspectiva.
 Arte publicitarios con
elementos decorativos y
reducción de efectos Nació en los Países Bajos en el año 1853 y murió en Auvers (Francia) en 1890.
Su vida y su obra están estrechamente unidas.
representativos. Es el mayor representante del postimpresionismo.
 Deconstruye la estética de la Pintó 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1600 dibujos.
Su principal apoyo a lo largo de su carrera fue su hermano Théo, quien
expresión. desinteresadamente le dio prestó apoyo financiero. Entre ellos había una gran
amistad, lo cual quedó plasmado en las numerosas cartas que se escribieron entre
ellos.
Vincent Van Gogh Desde muy joven sintió inclinación y pasión por el dibujo, pero su primer trabajo fue
en una galería de arte, para después ser pastor. En 1879 se marchó como misionero
a Bélgica, donde comenzó a dibujar. Su primera gran obra que pintó allí fue Los
comedores de patatas Tuvo una vida triste y tortuosa. En 1888, después de una
pelea con Gauguin se cortó una oreja y se volvió loco y el 27 de julio de 1890 se
suicidó con un disparó en el corazón, aunque nuevos datos apuntan a que su muerte
no fue un suicidio, sino un asesinato involuntario.
 Nació como Andrew Warhola en Pittsburgh, PA, hijo de inmigrantes eslovacos
(Anderej y Julia Warhola).
Demostró tener un talento artístico desde muy joven, estudio arte comercial en el
Carnegie Institute of Technology (ahora conocida como Carnegie Mellon
University). Luego de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una
carrera exitosa como ilustrador de revistas como, Vogue y Harper`s Bazaar y
publicidad.
En 1956 gano un premio por logros destacados por parte del MoMA, Museo del
Arte contemporáneo de Nueva York.
En 1960 crea un canal privado llamado WarholTV. En 1962 empieza con su serie
de dibujos mas famosa, Los Campbell`s y participa también uno de los eventos
mas importantes del llamado POP ART. Fue considerado uno de los artistas más
influyentes.
Andy Warhol Murió en Nueva York el 22 de febrero de 1987.

3-Las distintas corrientes artísticas de la Primera Vanguardia y sus tópicos:

*FAUVISMO

Lugar de Surgimiento: Francia.

Años: 1903, punto de partida, aunque su máximo auge lo alcanzaron en el

período comprendido entre 1905 y 1907.

Representantes: Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet,

Dufy y Van Dongen.

Temas: Distorsión de figuras. Pintaron el mundo rural, los ámbitos urbanos,

desnudos e interiores, pintura al aire libre (influido por costumbres impresionistas),
e importancia de sentir alegría de vivir. También paisajes y naturaleza muerta.
“Concepción sobre el arte”: Buscaban el equilibrio interior mediante la
simplificación de las ideas y las formas figurativas. No tenían el orden y la
composición racional, sólo era la expresión.

“Concepción de la realidad”: Proyectaban las emociones y sentimientos de los

artistas; la liberación del más profundo instinto que se sobreponían a la realidad.

”Concepción sobre la belleza”: Rechazaban el concepto de belleza tradicional y

la sustituyeron por la libertad expresiva.

”Concepción sobre la representación del color”: Liberación del color, colores

primarios, secundarios y complementarios; renunciaron al claro oscuro y al
modelado.

”Concepción sobre las perspectivas”: Se elimina la perspectiva.

*CUBISMO

Lugar de surgimiento: Francia.

Años: Se desarrolló en los años 1907 y 1914.

Representantes: Pablo Ruiz Picasso, Georges Braque, Jean Gris (principales

representantes); Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay.

Temas: Tradicionales, bodegones, paisajes, retratos, etc.

“Concepción sobre el arte”: Pretendían dinamitar las fronteras de los géneros y

liberarse del papel imitador de la naturaleza.

“Concepción sobre la belleza”:

“Concepción sobre la realidad”: Plasmación de otra dimensión de la realidad

más allá del mundo físico y tangible. Consideración de la realidad poliédrica
(cuerpo que termina en superficies planas). Plasmar la realidad a base de
impulsos.

“Concepción sobre la representación del color”: Apagado, grises, verdes,

marrones, uso del color monocromático.

“Concepción sobre las perspectivas”: Múltiples, representación de todas

partes de un mismo plano. No representan las apariencias del objeto sino lo que
se sabe de él.

*En la evolución del movimiento cubista se destacan dos estados:

*Cubismo analítico (1908-1911): Analiza la realidad desde diferentes puntos de
vista, descomposición del objeto, multiplicación de punto de vistas, obras casi
abstractas, inicios de la abstracción.

*Cubismo sintético: (1912_1914): Incorporación del material gráfico, periódicos,

papeles por medio del collage. Los pintores se inspiraban en el mundo de los
cefeé y la música.

*EXPRESIONISMO

Lugar de surgimiento: surgió en Alemania, más concretamente en la ciudad de

Dresde.

Años: este movimiento se desarrolló a lo largo del período comprendido entre los
años 1905 y 1914, después del año 1920 todavía se podían encontrar
manifestaciones de pintura expresionista.

Representantes: Eric Bleyl, Ernst Ludlwig Kirchner, Eric Heckel y Karl Schmidt
Rottluff, Edvard Munch, pronto se unieron Emil Nolde y Max Pchstin.(Die Brücke,
El Puente 1905); Vassily Kandinsky, Franz Marc, Augus Macke, Alexei von
Jawlensky, Oscar Kokoschka y Egon Schiele y Arnold Schönberg. ( Die Blaue
Reiter, El Jinete Azul, 1911).

Temas: se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el

cielo, las masas de vegetación o la intención demostrar el ritmo de los
sentimientos.

”Concepción sobre el arte”: reflejaban los sentimientos y el estado anímico:

experiencia catártica para purificar la angustia existencial del artista. Crítico en su
búsqueda de nuevas manifestaciones.

”Concepción sobre la belleza”: era grotesca para representar la naturaleza

humana.

”Concepción sobre la realidad”: deformación de la realidad para expresar de

forma subjetiva la naturaleza del ser humano, primacía de la expresión de

sentimiento sobre la descripción de la realidad.

”Concepción sobre la representación del color”: colores violentos, y una

temática de soledad y miseria.

”Concepción sobre las perspectivas”: no posee perspectiva.

*DADAÍSMO

Lugar de surgimiento: tiene su origen en Zurich (ciudad de Suiza), durante la

Primera Gran Guerra Mundial. (Refugio de artistas).

Años: 1916.

Representantes: el poeta romano Tristan Tzara, Hugo Ball, Hans Arp, Richard
Huelsenbeck

Temas: collages, grabados, esculturas, pinturas, fotomontajes y todo tipo de

objetos que hoy denominaríamos “reciclados”. Absurdos e impredecibles.
Representación de la negación absoluta.

“Concepción sobre el arte”: “Todo puede ser dadá, cualquier cosa puede ser
arte”, no procuraban una obra duradera, ya que trataban de desmitificar, de
destruir la obra de idea artística. Se trataba de combatir a la misma sociedad
utilizando el nihilismo provocando el desconcierto del espectador, el
inconformismo de los artistas, la ironía en la obra de arte, la negación de la
racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces por la sociedad.

“Concepción sobre la belleza”: “ la obra de arte no debe ser la belleza en sí

misma, porque la belleza ha muerto”.

“Concepción sobre la realidad”: de Dadá surgió el gusto por la sorpresa y el

escándalo (insultos, violencia, agresión, histrionismo, humor) y el afán
experimental.

“Concepción sobre la representación del color”: dada las características de

las técnicas que utilizaban había diversidad de colores.

“Concepción sobre las perspectivas”: no posee perspectiva.

*SURREALISMO

Lugar de surgimiento: este movimiento artístico nace en Francia, aunque

probablemente sus mejores manifestaciones se dan en España o proceden de

artistas españoles.
Años: nace en los años 1920 y 1925 y se desarrolló hasta 1945.

Representantes: André Breton. (“papá”) y el pintor Max Ernst.

Temas: El mundo subconsciente censurando la razón. Obras que recrean el

mundo absurdo, animación de lo inanimado, incongruencias, perspectivas vacías,

caos, misterio, simbología, fragmentos anatómicos, etc.

“Concepción sobre el arte”: se valió generalmente de lo figurativo. Se presenta

como revolucionario como estética que al poner de manifiesto lo desconocido,

pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.

“Concepción sobre la belleza”: en el manifiesto surrealista: lo maravilloso es

siempre bello, todo lo maravilloso, sea lo que fuere, es bello e incluso debemos

decir que solamente lo maravilloso es bello.

“Concepción sobre la realidad”: no reniega , sino que pretende llegar a la

esencia de la misma, creación ligada al subconsciente, propone trasladar las

imágenes del inconsciente y de los sueños a las manifestaciones artísticas (Freud

referente principal).

“Concepción sobre la representación del color”: predominó el dibujo sobre el

color.

“Concepción sobre las perspectivas”: perspectivas vacías.

*En el surrealismo existen dos corrientes:

_Abstracto: Joan Miró, crea el universo figurativo extraordinariamente personales,

a partir del automatismo puro, una especie de dictado mágico nacido del

inconsciente.

_Figurativo: Salvador Dalí, Delvaus y Megritte, los personajes reconocibles

aunque puedan aparecer de forma ilógica en la composición, emplean un lenguaje

figurativo, clásico y ortodoxo tanto en la disposición de los elementos, en el

tratamiento de la luz, del color y la perspectiva. Sus obras son onírico

(representación de los sueños).

_Las diferentes tendencias de la Segunda vanguardia:

*DECADA DE LOS 50’

•Happenings
*Surge en EE.UU,
*Su apogeo fue durante la década del 60’,
* Utiliza la teatralidad,
* Participación activa de espectadores, los cuales se incluye la danza, la poesía y
el cine, etc.
* Ocurre en lugares públicos.
*DECADA DE LOS 80’: TENDENCIAS ABSTRACTAS Y FIGURATIVAS

Fue un arte más impersonal y más frio (abstracto) en los cuales estaban el arte

óptico y cinético donde desarrollaron la abstracción pospictórica y arte minimal y

utilizaban elementos geométricos y en las obras cinéticas el movimiento s real y

en las obras ópticas los movimientos son virtuales. Los representantes de

cinético: Eusebio Sempere, François Morellet y otros. Y los representantes del arte
óptico son: Victor Vasarely, Luis Tomasellio, Eusebio Sempere y otros, así como

también el equipo 57. Estas tendencias surgieron en Europa y Estados Unidos.

La Nueva figuración o Neofiguración: nació para romper el informalismo y el

impresionismo abstracto, fue el regreso a la pintura figurativa. La diferencia que

tuvo con las primeras vanguardias fue que partió de la estética abstracta como

referencia y entorno a ella construyó su propia realidad. Las obras neofigurativas

mostraban las figuras humanas y los objetos modificados desde la subjetividad del

artista, pero sin la carga de angustia, la interpretación era grotesca, absurda o

humorista. Surge en Estados Unidos y más tarde en Europa. Representantes:

Francis Bacon, John P. Hultberg, Leonardo Cremonini, Sergio Vacchi, Dado E.

Irving Petling, etc.

Arte Pop: esta tendencia estuvo ligada al contexto social en la cual la época de

depresión vivida en la posguerra ya se había superado en Europa y en EE.UU,

donde la economía pasaba por un buen momento que favoreció al aumento del

consumo. Las características fueron: el lenguaje figurativo y realista referido a las

costumbres e ideas de la cultura popular caracterizado por el consumismo, más

bien propagandista, cómics, revistas, tv, etc. Representaban carácter, inexpresivo

frontales y repetitivas con colores puros, brillantes y fluorescentes.

Representantes: Andy Warhol, Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Robert

Rauschenberg y otros.

DÉCADA DE LOS 80’: POSTMODERNIDAD

La convivencia de antiguos y nuevos estilos es la esencia del arte desde los

comienzos de los años 80’ hasta la actualidad. La mezcla va desde los que
intentan romper con lo tradicional y los que trabajan para ellas alcanzando así la

fama y el dinero. Se recuperan elementos de tendencias anteriores, enfocado

hacia lo diferente, rechazando cualquier intento de uniformidad y pragmatismo de

las vanguardias anteriores llevando los artistas a desarrollar nuevos lenguajes

más subjetivos y libres. Se dan tanto en Europa como en Estados unidos. En ésta

se reconoce a la fotografía como expresión artística y como producto de moda

vendible interesante en el mercado del arte como la pintura, entre estas

tendencias se encuentran:

* Figuración Graffiti →de carácter rebelde basado en la cultura callejera.

*Neoabstracción Geométrica o Neo-Geo→ obras decorativas con

configuraciones geométricas y efectos ópticos realizados con una mezcla de

materiales y técnicas.

*Neoconceptual, Nueva Figuración Pop o Neo-Pop→ basada en las mismas

características del arte pop, más irónico y más exagerado con materiales y

técnicas más diversas.

•Más allá de la pintura las otras formas de expresión las cuales no rompían

completamente con las raíces del pasado y la tradición, pero buscaron nuevas

formas de expresión, un lenguaje artístico innovador, estas son:

ͽ ASSEMBLAGE→ consiste en la unión de materiales y objetos diversos, de

carácter no artístico, para crear una obra de efecto tridimensional, se aplica a las

esculturas realizadas con diversos materiales.

ͽ COMBINE PAINTING→ son collages realizados con objetos típicos de la

sociedad de consumo, como botellas de refresco, matriculas de coche, páginas de

diarios, etc., intentando crear conjuntos que reconcilien la vida diaria con el arte.

ͽ ENVIRONMENTAL ART→ hace referencia a las manifestaciones artísticas que

incluyen el medio ambiente circundante ya sea investigando sobre la propia

naturaleza de ese medio. En este tipo de obras, la participación del espectador es

fundamental, tanto desde el aspecto físico como mental.

ͽ FLUXUS→ busca la fusión de todas las prácticas artísticas, desde la pintura, al

teatro, la poesía o la música. Busca la parte irracional y no convencional de la

creación ya que es un continuo fluir en libertad de ideas.

ͽ ARTE POVERA→ persigue la recuperación de materiales de desecho o de fácil

obtención para incorporarlos a las obras artísticas. Rompe el vínculo entre arte y

mercantilismo.

ͽ LAND ART→ es una mescla de escultura y arquitectura, busca transformar el

paisaje con un sentido artístico provocando sensaciones y efectos en el

espectador. Su objetivo es mostrar las relaciones entre el hombre- artista y el

medio ambiente.

ͽ BODY ART→ posee material plástico, lienzo, el trabajo artístico sobre el cuerpo

tiene un carácter efímero, se vale de documentación gráfica.

ͽ VIDEO ART→ incorpora las aplicaciones y el formato del video y del audio a la

hora artística.
ͽ ARTE DIGITAL→ es una combinación de estética, ciencia y tecnología que en

la década de los 90 se incorporó el internet y multiplicó las posibilidades gráficas

del ordenador y el aprovechamiento por parte delos artistas.

ͽ NET ART→ engloba todas las obras de artes que se hallan en el internet,

aprovechándose de las características de inmediatez y globalidad que

proporciona. Se trata de obras creadas que suelen tener una intensa carga de

crítica política y social.

ͽ SOFTWARE ART→ se encuadra dentro del arte digital. Se trata de obras

creadas mediante programas informáticos desarrollados por el propio artista,

abarca tanto el programa en sí mismo, como el resultado que consigue con él.

ͽ ARTE ACTUAL Y ECLECTICISMO→ carece de tendencia dominante, conduce

a un rechazo de la homogeneidad y a una valoración de un artista como

personalidad única y diferenciable del resto. La misma diversidad se observa en

cuanto a técnicas y temas a tratar.