DIBUJO

Significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura
o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el
que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre
un espacio plano. Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte
conocida como pintura. Es una de las modalidades de las artes visuales. Se
considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal. Ha sido utilizado por la
humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, sus
ideas, costumbres y cultura.

ARTE

El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto

realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la
cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante
diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un
componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y
sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura
humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la
aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o
religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser
humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica,
mercantil o simplemente ornamental.

ARTISTAS PLÁSTICOS DEL PARAGUAY

Enrique Careaga nació en la ciudad de Asunción el 30 de agosto de 1944.

Es un artista plástico paraguayo.
Realizó estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción y
en la Escuela de Bellas Artes "Lucinda Moscarda", de Asunción. Luego de su
primera exposición en "Asedio", en 1963, integró el grupo de "Los novísimos" en
1964. Desde esa fecha concurre a muestras internacionales de arte.
Fue cofundador del Museo de Arte Moderno de Asunción en 1965 y recibió una
beca del gobierno francés para realizar estudios de integración del arte y la
arquitectura en el taller de Víctor Vasarely entre 1966 y 1967.
Vivió y trabajó en Francia, en la ciudad de París desde 1966 hasta 1978. Formó
parte, en todo ese tiempo, del moviendo óptico y cinético de la Escuela de París.

ADRIANA GONZÁLEZ BRUN

Asunción, 1964 Artista plástica, arquitecta, docente universitaria. Desarrolla
su actividad principalmente en Asunción, donde vive y cría a sus hijos. Desde
joven viaja a Europa y EE.UU. La obra de Adriana se ve fundamentalmente
influenciada por el contexto político de su país.
"...Vinculada desde niña a la política (una cuestión de familia) ha sentido en carne
propia las mutilaciones espirituales de la dictadura..."
en palabras de A. Almada.
Su arquitectura a la que se dedica profesionalmente desde 1990, interactúa con su
obra artística; así la crítica Luly Codas al referirse a su obra hable
de ..."Reflexiones sobre la arquitectura efímera..."
Esta relacionada a la gestión cultural y gremial. Fue fundadora y Presidente de
Gente de Arte - Asociación para las Artes Visuales en el Paraguay entre agosto de
1997 y abril de 2.000.
Carlos Colombino (Concepción, 20 de octubre de 1937 - Asunción, 14 de mayo
de 2013)1 fue un artista plástico, arquitecto, escritor y gestor cultural paraguayo.
Infancia y juventud
Carlos Colombino nació en la ciudad de Concepción, Paraguay, el 20 de octubre
de 1937, con el nombre de Carlos Santiago Colombino Lailla. Se graduó en
arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción. Se inició en el mundo de las
artes plásticas en 1954 como parte del Grupo Arte Nuevo. Realizó estudios de
especialización en Madrid (1964 - 1965) y en París (1970 - 1971).
En artes visuales
Carlos Colombino creó la técnica de la xilopintura como su técnica
fundamental. Lo hizo a partir de su incursión en el xilograbado en el taller de la
artista plástica paraguaya Olga Blinder, donde el común denominador era una
intensa búsqueda de nuevos lenguajes visuales. Muy pronto, Colombino se integró
al grupo "Arte Nuevo" con un lenguaje propio y una técnica nueva en la plástica
del Paraguay.
La xilopintura es una técnica que consiste en tallar la matriz del xilograbado
pero abstenerse de copiar. Esta matriz es tratada no como medio para luego
estampar el papel sino como la obra en sí misma. La madera luego se trabaja con
pintura al óleo.
En las xilopinturas de Colombino, la propia textura de la madera de cedro,
crea un ambiente en que los objetos, a pesar de la propia distorsión, pueden ser
reconocidos como elementos figurativos. Las láminas de madera son talladas en
varias capas, teñidas con óleos en colores que subrayan los tonos propios del
material.
Pero la xilopintura no es la única ténica empleada por Colombino. También
ha trabajado el grabado sobre madera y metal.
Son varias las temáticas de la obra visual de Carlos Colombino. Entre las más
importantes se encuentra un alegato contra la dictadura del Alfredo Stroessner. En
ella, el artista refleja el sufrimiento, la humillación y el abandono del pueblo. En
este periodo las xilopinturas de Colombino se vuelcan a la denuncia política y la
crítica social. A esa época corresponden obras como "El hombre" (1967) y "El
general a cuerda" (1968). Luego, le siguen las series "Reflexiones sobre Durero" y
"Paraguay".
Un poco antes de la caída de la dictadura, Colombino empezó una serie
reflexiva. A esa etapa siguió una serie de exploraciones visuales basadas en la
que hiciera sobre las máscaras del Kamba Ra'anga de Altos.
Con esa serie, el pintor deseaba mostrar lo que estaba ocurriendo el el Paraguay.
Esta serie siguió su curso aún cuando cae la dictadura y denota que la cuestión
política y social de Paraguay no ha cambiado. Por eso creaba imágenes de seres
encajonados, embutidos en estructuras más o menos geométricas, generalmente
sin boca. El artista señalaba que aunque Paraguay vivía en democracia, el país no
había cambiado substancialmente.
En el 1989 se publicó el libro "Colombino", con textos del Premio Cervantes
de Literatura Augusto Roa Bastos. Sobre su obra pictórica.
Colombino concretó en 1990 una obra de grandes dimensiones titulada "La
próxima cena", como “reflexión sobre el canibalismo político desatado en la
transición”.

Pedro Agüero fue un artista plástico paraguayo. Nació en San Juan

Bautista de las Misiones, República del Paraguay, en 1958. Pertenece a una
importante generación de las artes visuales contemporánea de este país, que
irrumpe con fuerza en el último cuarto del Siglo XX con un lenguaje directo,
desenfadado y ríspido.
Primeros pasos
Realizó estudios de Dibujo y Pintura en Encarnación, Arquitectura en Porto Alegre
(Brasil) y Dibujo en la Ecole des Arts Decoratifs de París (1986-1988). Asimismo,
tomó un curso de pintura en la Ecole de Beaux Arts - Taller Antonio Seguí de París
(1987-1988) y de monocopia con Dolores Ayersa en el Taller de Artes Visuales en
Asunción.
Trayectoria
Desde 1983, Pedro Agüero participó en numerosas exposiciones colectivas e
individuales.

Ofelia Echagüe Vera, pintora y docente, nació en Asunción, capital de la

República del Paraguay, en 1904 y falleció en esa misma ciudad en 1987.
Primeros Pasos
Comenzó estudiando en su ciudad natal con Héctor Da Ponte, Modesto Delgado
Rodas, Pablo Alborno y Adán Kunos, para trasladarse luego becada a Montevideo,
Uruguay, donde definió su vocación realizando estudios bajo la dirección del
Profesor Domingo Bazzurro (1939-1941) y de los Profesores Alfredo Guido y
Emilio Centurión, de Buenos Aires, Argentina, donde se graduó en la celebérrima
Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación “Ernesto de la Cárcova” de la
capital porteña.
Trayectoria
En el libro “Una interpretación de las artes visuales en el Paraguay” el crítico de
arte Ticio Escobar escribe acerca de Ofelia Echagüe Vera: “Su mejor obra creativa
la realiza en el período inmediato a su vuelta al país y durante pocos años. En su
exposición en el ‘Club Centenario’, la primera individual, en 1946, ya están
definidas las características fundamentales de su pintura: buena factura técnica,
figuras rotundas de presencia escultórica, organización meditada del espacio en
planos y volúmenes, fuerte sentido de la expresión y preferencia por el tema del
desnudo femenino”.
La obra de Ofelia Echagüe Vera, en la visión de Escobar guarda una "insistencia
en los aspectos formales", los cuales no menoscaban lo expresivo. "Aunque sus
macizos personajes se estructuran en composiciones cuidadosas y meditadas que
delatan la influencia del postimpresionismo rioplatense, tienen una indudable
carga de significados relativa a la problemática existencial del hombre; siempre
hay un fondo de soledad y desesperanza en sus ambientes semivacíos invadidos
por luces crudas, un sentido de incomunicación instalado entre sus mujeres de
cuerpos duros y miradas ausentes,” afirma el crítico.
Ofelia Echagüe participó de una importante muestra colectiva de artistas plásticas
paraguayas, la cual marcó un punto de partida para una nueva etapa que cambia
el papel de la mujer den las artes plásticas paraguayas. Desde esta perspectiva,
Ofelia Echagüe Vera, a través de su obra se convierte en una auténtica precursora
porque rompe los esquemas de la pacatería y el puritanismo imperantes en ese
entonces en el arte paraguayo.