LA REVOLUCIÓN DE CARAVAGGIO (1571-1610)

Retrato dibujado por Ottavio Leoni

El artista a quien conocemos como Caravaggio se llamaba Michelangelo

Merisi. Su familia era de un pueblo llamado Caravaggio, cerca de Milán, y de ahí
viene el nombre con el que se le conoce. Nació en 1571.
En torno al año 1600 y hasta que murió en 1610, pintó escenas de aspecto
radicalmente diferente de lo que se había hecho hasta entonces. Sus cuadros son
imágenes de un tiempo nuevo, que muy pronto serían imitadas en toda Europa.
Caravaggio se formó en Milán, pero pintó la mayor parte de sus obras
en Roma. Fue un pintor de éxito que trabajó para iglesias y para las autoridades
eclesiásticas, pero su carácter dificultó su carrera: fue juzgado y arrestado varias
veces por peleas, por desacato a las autoridades y por llevar armas.
En 1606, con treinta y cinco años, mató a su oponente en una discusión por un
partido de tenis y tuvo que huir de Roma.
Durante los cuatro años que le quedaban de vida vivió y trabajó en Nápoles,
en Malta y en Sicilia.
En 1610, cuando se dirigía de regreso a Roma, murió de forma tan
miserable como había vivido, según palabras de un cronista casi
contemporáneo.
Muchas obras de Caravaggio muestran huellas de su complicada psicología.

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En una ocasión pintó un cuadro en el que David lleva en una mano la cabeza del
gigante Goliath, que ha cortado, una historia del Antiguo Testamento, la cabeza
del gigante muerto en ese cuadro es un autorretrato del pintor. El cuadro está en
la galería Borghese, en Roma, merece la pena buscar una imagen para verla.

El cuadro que veis en pantalla muestra la decapitación de San Juan Bautista,

otra escena bíblica. Es una de las últimas obras de Caravaggio, que lo pintó
en Malta.

En la parte baja del cuadro, la sangre que mana del cuello cortado del
santo se convierte en la firma del pintor. Esto no se llega a ver en la pantalla. El
espacio vacío que rodea las figuras crea una extraña sensación de aislamiento,
de silencio.

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 El cuadro que vemos en pantalla, "La crucifixión de San Pedro", es de los
años de mayor éxito del pintor, lo hizo entre 1600 y 1601.
El cuadro se hizo para una capilla de la iglesia de Santa Maria del Popolo,
en Roma, donde aún sigue, como se ve en esta imagen, a la izquierda.
Esto es inusual: casi todos los cuadros importantes se han retirado de las
iglesias y están en museos. Es interesante por tanto, poder ver pintura en el
contexto para el que se realizó, si vais a Roma no os perdáis esta iglesia.

Caravaggio pintó la mayor parte de sus obras para la Iglesia católica, que
era el principal cliente de la época.
Buscando contrarrestar los mensajes de la Iglesia protestante, la Iglesia católica
buscaba imágenes que tuviesen impacto, que fuesen muy convincentes.
Aquí vemos la particular forma de adaptarse a esas condiciones de Caravaggio.

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 Las figuras están pintadas como si estuviesen muy cerca del espectador,
parecen invadir nuestro espacio y los personajes no parecen de época bíblica,
son gente normal, sus pies y sus manos están sucias, las manos y la cara del
santo están oscurecidos por el sol, el resto de su cuerpo no.
-Al pintar gente de apariencia tan real es más fácil para el espectador
identificarse con ellos.
-Esta forma de pintar era muy novedosa.
-En el pasado el arte había mostrado a dioses o a figuras ideales que parecían
habitar un lugar superior al nuestro.
-No tenía sentido, pensaban los pintores del Renacimiento, pintar a las personas
tal cual eran, ¿para qué hacer eso?
-Caravaggio y los pintores del siglo XVII buscaban impacto, esa era la razón.

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-Pero a pesar de su apariencia de realidad, quiero que os fijéis
en lo cuidadosamente pensado que está todo en este cuadro: consigue parecer
real a base de ser muy efectista.
-Las figuras son poderosas, aunque a primera vista parecen muy diferentes de
las figuras de Miguel Ángel, de hecho se inspiran en ellas.
-Es interesante que el pintor se inspire en figuras heroicas para, en última
instancia, dotarlas de un aspecto mundano, muy poco heroico.
-Esta es una contradicción típica de Caravaggio.
-Fijaos también en lo cuidadosamente compuesto que está el cuadro, con las
figuras en forma de equis.
-Y mirad también la forma en que el pintor usa la luz: hay un fuerte contraste
entre las zonas de luz y de sombra que hace que las figuras destaquen sobre el
fondo oscuro.
-Esta iluminación es muy artificial, parece una escena iluminada con focos.
-Esta forma de pintar la luz, que se denomina claroscuro, es muy característica
de Caravaggio. Como vemos, el realismo del cuadro es sólo aparente.

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 Este cuadro, " La inspiración de San Mateo", muestra muchas de las
características que hemos visto.
-El evangelista Mateo parece un hombre común, no un sabio, y vemos el fuerte
contraste lumínico entre la figura y el fondo.
-Una las piernas del banco en el que se apoya el santo, parece que va a hacer que
éste caiga sobre nosotros.
-De esta forma Caravaggio busca que la imagen parezca real, en el sentido de
que parece suceder en el espacio que ocupamos nosotros.
-La primera versión de este cuadro fue rechazada por la iglesia que lo había
encargado.
-La razón fue que el santo parecía vulgar.
-La idea que quiso plasmar Caravaggio era que los evangelistas no eran sabios
en sí mismos, eran personas cuya sabiduría les había llegado de Dios a través
del ángel, pero tuvo que hacer otro cuadro adaptándose al gusto del cliente.
-Otros cuadros de Caravaggio también fueron rechazados: una pintura de la
muerte de la Virgen le fue devuelta por una iglesia, por considerar que el cuerpo
muerto de María era excesivamente realista, parecía haber usado como modelo
un cadáver real.
-Volvamos a esta pintura.
-Hay algo inesperado en ella, un aspecto del arte de Caravaggio que a menudo
pasa inadvertido.
-A pesar de su reputación de ser un artista poco idealista, a pesar de su gusto
por tipos muy comunes, la búsqueda de la belleza está muy presente en su
pintura.
-Aquí la vemos en el contraste entre las telas naranjas y el fondo negro, y
también quizás sobre todo, en la exquisita figura del ángel envuelto en un gran
paño blanco.
-Las imágenes de Caravaggio combinan de forma muy sutil y original crudeza
con belleza.
-Yo tengo la sensación de que esa combinación rellena un espacio que hasta
entonces permanecía vacío en nuestra mente, y me recuerda contrastes que
existen en otras artes, en la música rap o hip hop por ejemplo, donde a menudo
me sorprende el contraste entre una percusión y unas letras muy agresivas, y
unos fondos musicales sorprendentemente líricos.

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 Este es uno de los últimos cuadros que pintó Caravaggio. San Pedro es
acusado de ser seguidor de Cristo y él lo niega, temiendo ser arrestado.

En este cuadro de nuevo vemos que los protagonistas de la pintura

de Caravaggio son gente normal.
-El casco del soldado es del siglo XVI o principios del XVII, no de época romana.
Esto hace que el soldado parezca más próximo, que su amenaza parezca más
real.
-El dramatismo de las últimas obras de Caravaggio aún depende en parte, del
contraste entre las zonas de luz y de sombra, pero el ánimo de las escenas suele
ser algo diferente que en cuadros anteriores.
-El sentimiento en estos cuadros es más introvertido, su sufrimiento parece más
psicológico que físico.
Una última cuestión: Caravaggio es el primer gran artista europeo que
encaja dentro del perfil del pintor bohemio, el artista de carácter difícil, que vive
al margen de las convenciones sociales.
Esta idea de que los artistas eran gente cuya creatividad les hacía diferentes de
los demás, surgió en época romántica, en el siglo XIX. La mayor parte de los
artistas de los siglos XV al XVIII no se consideraron marginales ni diferentes de
sus contemporáneos y lucharon por obtener éxito y dinero.