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LA HISTORIA DEL ARTE

E. H. Gombrich

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

DEPARTAMENTO DE PSICOLOGIA

Sebastian Naranjo Gómez

Cod: 454448

Cognición, desarrollo y conciencia

Bogotá. Octubre de 2007

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LA HISTORIA DEL ARTE

“No existe, realmente, el Arte. Tan solo hay artistas.” 1 Con estas atrevidas

palabras Gombrich empieza su recorrido por la historia del arte, afirmando

que cada época tiene una serie de gustos, criterios y preocupaciones acerca

de la belleza, haciendo notar de entrada que esta no necesariamente reside

en su asunto, sino mas bien en lo que se propone transmitir, siendo el Arte

no mas que un medio para ello.

Así es que la belleza dependerá de los motivos que tuvo el artista a la hora

de plasmar su obra, antes que de su parecido a la realidad.

Pero el artista rara vez se preocupa por un concepto de belleza, o por

expresar sus emociones (contrario a lo que los profanos en el tema

pensarían) sus problemas son otros; un poco mas de pintura, algo mas a la

derecha… solo hay una proporción en que la cosa debe ser y es la idea del

libro, antes que enumerar una serie de épocas y estilos, dar una noción de

estos problemas y como han sido enfrentados, buscando de esta manera una

mejor comprensión de lo que los artistas de cada época nos han querido

transmitir.

1
Gombrich, E. 1975. Pág.13. hasta el capitulo 13 todas las notas del autor son de la edición 5, y serán marcadas solo
con el numero de pagina.
 3

Extraños comienzos

No sabemos como empezó el arte. Si lo consideramos como algo de lujosa

belleza, nos damos cuenta que su empleo es relativamente reciente, pero si

lo vemos como la actividad de crear objetos con una función definida, este

abunda a lo largo de la historia en todas las regiones del mundo sin

excepción. Debido a esto, si queremos comprender el arte de otras épocas y

culturas, debemos comprender primero los fines a los que sirvió.

Al parecer, para los primeros pobladores humanos de nuestro planeta, la

imagen tenía un sentido mágico, y podían concebirse como creadoras de la

realidad, pues su contenido no era muy diferenciadle de esta. Así pues, si

dibujaban abundantes animales al fondo se una cueva (donde es improbable

que sirvieran como decoración) talvez habrían también abundantes animales

afuera, que les proporcionaran alimento. Esto no es más que una conjetura,

pero explica cabalmente el arte rupestre, pues su misión no es la belleza,

sino que opere la magia requerida.

Normalmente se cree que los antiguos eran incapaces de lograr la belleza, y

de ahí lo grotesco de las figuras mayas o las mascaras africanas, pero tras

encontrar jarrones que emulan caras con increíble realismo, debemos dudar

de lo anterior y preguntar mejor, porque de esa y no otra manera, pues de

seguro tenían un importante significado ritual.

 4

Arte para la eternidad

El arte de Egipto fue el padre de todo nuestro arte actual, pues los griegos

realizaron su aprendizaje en el Nilo, y el arte actual es heredero de Grecia.

Dada la creencia de los egipcios de que el alma de los muertos seguiría

viviendo en el más allá, se desarrollo con las pirámides un arte tan magnifico

y dispendioso, que jamás sería emulado. Puesto que conservar el cuerpo no

era suficiente, se elaboraban retratos en granito que operarían la magia del

rey, y así este viviría para siempre, razón por la que se le llevaban ofrendas

regularmente para que no pasara necesidades. Pero el rey no podría estar

solo, por lo que se llenaban sus tumbas con imágenes de su familia y

súbditos para acompañarlo. Hoy, el arte pictórico egipcio nos parece infantil

y esquemático, pero si tenemos en cuenta su función, apreciaremos su

riqueza y perfección; dado que el cuerpo humano no podía ser representado

por completo en una pared, debía ser dibujado con sus principales

características, aunque esto representara ciertas distorsiones, una mano un

solo dedo, no podría recibir sus ofrendas, por lo que se dibujaba siempre los

elementos en la perspectiva mas clara, aunque implicara inconcordancias con

otras partes del mismo grafico, de ahí que nos parezca deformado cuando en

realidad poseía una perfección y belleza únicas.

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El despertar griego

En principio, el arte griego era aun mas rígido que el egipcio, y se destacaba

por su sencillez y clara distribución en el espacio (normalmente se hacia

sobre cerámicas). En la arquitectura no había nada fuera de lo necesario.

Pero al entran en contacto con el estilo egipcio, se produjo un cambio

importante, los griegos quisieron aprender a modelar la figura humana de la

manera mas correcta, y así su arte se baso en el conocimiento. Pero no

basto con copiar los precisos modelos egipcios, quisieron darles movilidad a

las figuras y apartarse los esquematismos, plasmar lo que veían, y más que

eso buscaron que las formas fueran perfectas, y ciertamente lo lograron. En

principio trataron de hacer las siluetas lo mas claras posibles y desarrollaron

el escorzo. Pero en la medida en que Grecia se fue expandiendo y

haciéndose rica su arte se torno mas esplendoroso, y reflejo de esto fue la

arquitectura.

Hubo un cambio importante en la concepción del arte, ahora, el poder de las

imágenes “residía, no en su mágica fascinación, sino en su belleza” 2. A los

artistas de esta época se los considera como los conquistadores de la belleza,

el espacio y el movimiento.

El reino de la belleza
2
Pág. 68.
 6

A finales del siglo V a.C. los artistas habían adquirido conciencia de su

maestría. Los estilos arquitectónicos (dórico y jónico) empezaron a ser

empleados conjuntamente. Y con posterioridad apareció el estilo corintio,

mucho más bello y ornamental.

En la escultura desapareció toda rigidez y se llego a una perfección

sobrehumana, eran del todo convincentes, pero tanta simetría no pertenece

al humano real, los rostros estaban tan bien modelados que incluso carecían

de expresión, pues de tenerla acabarían con la delicada regularidad de la

cabeza.

Debido a las invasiones romanas, gran parte del arte griego que llego a

nosotros fueron copias romanas, por lo que se ha perdido parte de su belleza

y creemos que era inexpresivo.

Pero con el tiempo el arte helenístico se torno muy emotivo, querían

representar lo impresionante de las escenas mitológicas, y efectivamente

lograron tal efecto, pero esto a costa de acabar con la relación entre arte y

religión que había desde la antigüedad, pues implico que los artistas se

interesaran mas por los problemas propios del arte que por su misión

mágica. Aun con esto, el estilo característico de Egipto dejaría huellas

durante muchos siglos más.

Conquistadores del mundo

 7

La grandiosidad de la arquitectura romana se baso en la aplicación conjunta

de los tres estilos griegos unida a la invención del arco, lo que permitió que

las construcciones fueran más grandes y resistentes, y la cúpula que podía

adaptarse a las nuevas necesidades.

Los romanos eran gente práctica, que se preocupo menos que los griegos en

representar a los dioses, mas bien querían dejar registro de sus grandes

batallas. De esta manera se fueron perdiendo los ideales de belleza y

armonía.

Las religiones orientales siguieron un camino paralelo, la ley judía prohibía

las imágenes por temor a idolatría, pese a esto existen registros históricos

gráficos de gran valor, estos no buscaban ningún tipo de realismo, pese a

que demostraron poder manejarlo, solo querían recordar grandes hazañas o

eventos religiosos importantes.

Una división de caminos

El nacimiento de la cristiandad marco la terminación de lo que conocemos

como mundo antiguo. En el siglo IV sucedieron cambios importantes, la

arquitectura de esta época se vio obligada a cambiar de miras debido a que

las necesidades del cristianismo eran diferentes, y a la par debían ser

desechados todos los antiguos modelos de idolatría, por lo que las estatuas
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prácticamente desaparecieron. Fue este el escenario para la creación de la

basílica, pero a la hora de decorarla aparecieron nuevos problemas y

disputas, pues la Biblia condena la idolatría a imágenes (argumento que

sostenían los iconoclastas), pero dado que estas podían “ser para los

iletrados lo mismo que la escritura para los que saben leer” 3 se accedió al

empleo de imágenes (según dictadura del papa Gregorio el Grande), pero

allí, el tema debía ser expresado con la mayor claridad y sencillez posibles, y

todo aquello que se escapara a los fines religiosos debía ser omitido. Debido

a esto el arte bizantino retomo las directrices del arte egipcio.

Mirando a oriente

Es interesante ver como otras religiones reaccionaron ante los mismos

problemas que el cristianismo, los mahometanos, por ejemplo, prohibieron

totalmente las imágenes, pero el arte no se suprime fácilmente, surgió

entonces una rica ornamentación y decoración lineal llamada el arabesco,

posteriormente se permitió la producción de imágenes siempre que no

tuvieran sentido religioso, por lo que se desarrollo un estilo sencillo y

esquemático que relataba eventos cotidianos. Paralelamente el arte chino

tenía elementos de esquematismo, pero su función era aleccionadora fuera

ya con motivos religiosos o éticos. Pero con la expansión del budismo, el

arte cambio de miras, se centro en la naturaleza, puesto que los monjes

3
Pág., 109
 9

pasaban horas meditando y reflexionando en los pormenores de la vida, a lo

que fue útil el arte debido a que les proporcionó estos elementos de reflexión

en sus propios monasterios.

El arte occidental en el crisol

El periodo entre el siglo VI y XI es conocido como edad de las tinieblas, en

esta época no sobresalió ningún estilo uniforme, mas bien se mezclaron

varios. Las tribus teutónicas eran consideradas como bárbaras, pero

ciertamente desarrollaron un arte con belleza propia pero cuando esto se

conjugó con la tradición clásica, surgió algo completamente nuevo. Si bien

los egipcios dibujaron lo que sabían y los griegos lo que veían, los artistas

del medioevo aprendieron a dibujar lo que sentían. Querían mostrar la fe y

la historia sagrada antes que realizar una copia convincente de la naturaleza.

La iglesia militante

Ningún edificio del periodo sajón sobrevivió a nuestros días, pero con las

invasiones normandas se introdujo a Inglaterra el estilo normando o

románico, que se caracterizó por sus grandes y robustas iglesias, que

carecían en gran medida de ornamentación, pero eran de una solidez

impresionante. Los métodos clásicos se perdieron con el tiempo, por lo que

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esta fue una época de experimentación. Dadas las limitaciones de su

sistema, los normandos se dieron cuenta de que no era necesaria una

construcción tan pesada, y se produjeron avances importantes que pronto

revolucionarían la arquitectura.

La idea de decorar las iglesias se origino en Francia, aunque en principio

cada elemento tenia una función específica. Así, toda la pintura y escultura

se convirtió en una forma de escribir sin la limitación de imitar el mundo

visible, solo les interesaba representar la idea sobre lo natural.

La iglesia triunfante

Apenas habían conseguido los artistas románicos abovedar sus iglesias y

ordenar sus estatuas cuando otras ideas las hicieron parecer anticuadas,

entre otras, la de organizar las vigas de manera cruzada: esta no solo fue

una innovación técnica, sino que dio paso al nacimiento del gótico. Tal

innovación implicaba que ya no eran necesarios los grandes muros de piedra,

y este espacio podía ser llenado por amplias vidrieras, además, el techo

podría hacerse mucho mas alto de lo acostumbrado. Tal cambio implico una

gran revolución en el arte de entonces, pues permitió una amplia decoración

y ornamentación, y una mayor riqueza en las pinturas, dados los posibles

efectos de luz en los ventanales.

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De nuevo, los artistas buscaron en la naturaleza para hacer más verosímiles

sus figuras, pero esta vez con el fin de mostrar el tema sagrado de manera

más emotiva y veraz. Y por primera vez, los artistas abandonaron los libros

y representaron un tema por que les gustaba, y no fue sino hasta 1300 que

se redescubrió el escorzo y se imprimió profundidad a las figuras, cosa que

hacia uno mil años no se hacia. Otro cambio importante es que los artistas

tomaron conciencia de su importancia, y empezaron a firmar sus obras, seria

este el inicio de la era de los grandes artistas.

Cortesanos y burgueses

El XIV fue el siglo de las grandes catedrales, pero a diferencia del pasado se

rindió más culto a lo refinado que a lo grandioso.

Pese a que lograron dominarse elementes importantes de las

representaciones, a los artistas aún no les interesaba darnos alguna idea del

espacio, y los rostros se regían por formulas simples, hasta la generación de

Giotto, en donde se infundió nueva vida a las formas bizantinas. Cuando los

artistas de norte (gótico) empezaron a intercambiar ideas con los del sur

(bizantino) se forjo la aparición de un nuevo estilo, llamado internacional,

que se baso en el estudio de las formas naturales, para la creación

principalmente de almanaques ilustrados, por lo que el publico empezó a

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juzgar al artista mas por su habilidad en reproducir la naturaleza y el valor

de los detalles, que por lo que transmitía su obra.

La conquista de la realidad

En e l siglo XV tuvo lugar el renacimiento, idea que se hallaba ligada a la

recuperación de la grandeza del Imperio Romano por parte de Italia.

Filippo Brunelleschi fue el arquitecto que retomo los modelaos clásicos, y los

adapto a las nuevas necesidades, dándole levedad y gracia a las

construcciones, sus ideas se mantendrían vivas durante 5 siglos mas.

Pero no solo en la arquitectura hubieron innovaciones, por esta época se

descubrió la perspectiva, lo que permitió que cada figura ocupara un lugar

preciso en el espacio dando una idea de mayor realismo, lo que fue

acompañado de una mas paciente observación de la naturaleza. Elementos

que desembocarían el las primeras formas realistas en siglos.

En la escultura, estando acostumbrados a las sencillas y claras

representaciones góticas, las escenas caóticas y llenas de expresividad de

este periodo, debieron parecer a publico como “terriblemente vivas” 4

Otras innovaciones como el óleo permitieron que por primera vez se hicieran

retratos reales, antes que modelos ideales.

Tradición e innovación: I

4
Pág. 188
 13

Efecto de esta revolución artística, fue que todos los artistas empezaran a

experimentar y rebuscar nuevos métodos y efectos, así se creo una multitud

de escuelas, cada una persiguiendo ideas diferentes, sea embellecer las

tradiciones antiguas, dar una nueva expresividad y emotividad a los

personajes o utilizar las nuevas técnicas para representar las alegres escenas

cotidianas.

La gran innovación de esta época fue el tratamiento de la luz, las figuras de

la edad media eran planas y sin sombras, pero hombres como Piero della

Francesca, no solo ayuda a moldear las formas con la luz, sino que junto a la

perspectiva provee una sensación de real profundidad y espacio entre los

personajes. Aun cuando parecían resueltos todos los problemas de la

pintura, nunca dejaron de existir nuevos retos. La consecución de la

armonía fue un gran problema de la época, a lo que pintores como Botticelli

respondieron modificando las formas de las figuras, son tan bellas “que no

nos damos cuenta del tamaño antinatural”5.

Dados estos cambios el arte dejo de ser religioso y tomo una connotación de

riqueza y opulencia que se mantendría hasta nuestros días.

Tradición e innovación: II

5
Pág. 214
 14

La última fase del gótico se llamo gótico flamígero, donde se agotaron los

recursos arquitectónicos, y la decoración era tan abundante que no tenía ya

ningún objetivo. Esto produjo reacciones, y la arquitectura en el norte

retorno a la simplicidad.

Las pinturas ahora tenían motivos cotidianos y divertidos, esto no se veía

desde Egipto. Por esto algunos intentaron retomar los ideales religiosos,

pero esta vez con un aire destinto, mucho más expresivo.

La imprenta se desarrollo a finales del siglo XV, lo que facilito la invención de

nuevos métodos de grabado y el intercambio de ideas en distintas regiones,

lo que acabo por completo con la edad media en la región norte.

La consecución de la armonía

El arte italiano en la época de Botticelli, a finales de s. XV fue llamado

Quatrocento, y el inicio del s. XVI, Cinquecento, siendo este el mas famoso

del arte italiano gracias a la aparición de grandes maestros como da Vinci,

Miguel Ángel, Rafael, Durero, entre muchos otros genios.

En arquitectura, dados los ideales clasicistas, cada arquitecto quería hacer un

gran monumento, pero las necesidades del momento eran muy diferentes,

tan solo el papa Julio II tuvo la tentativa de hacer algo simplemente

magnifico, pero dado que consumía una enorme cantidad de recursos, se

convirtió en uno de los detonantes de la reforma.

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Leonardo da Vinci fue uno de los mas grandes genios de la época, estudio

ampliamente la naturaleza y lo demostró con su arte, logro tal grado de

armonía en sus obras que uno no acaba de admirar el juego de

correspondencias. Da Vinci ideo una técnica llamada sfumato con el fin de

perder de vista los lugares más expresivos del rostro humano, de esta

manera la expresión quedaba a nuestra imaginación, de ahí, posiblemente el

éxito de obras como la Monalisa.

Miguel Ángel se apasiono por la anatomía humana, y la llevo a un grado de

perfección nunca antes alcanzado, y junto a él, Rafael, logro la perfecta

armonía del cuerpo en movimiento.

Por primera vez los paisajes dejaron de constituir el fondo de las obras,

simplemente, ahora, junto a los personajes, constituía su trama central.

Luz y color

Florencia y Venecia fueron los grandes centros del arte en la época, donde se

forjaron innovaciones importantes, por ejemplo, que el tema de la obra se

alejara del centro geométrico del cuadro, y en consecuencia aparecieran los

medios mas inauditos (para los críticos de la época) con que se mantenía el

equilibrio, como los son una coloración mas importante u objetos sin

importancia. Estos elementos fueron tomados como un atrevimiento en

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principio, pero constituyan un paso importante en el manejo de los medios

de la pintura.

El curso del nuevo aprendizaje

Existieron 3 aportaciones de los maestros italianos que se tomarían por

norma en la posteridad: la perspectiva matemática, la anatomía científica, y

la exhumación de formas clásicas en arquitectura.

Los estilos arquitectónicos empezaron a ser mezclados entre si, lo que

parecía irrespetuoso, pero constituía un avance en la inventiva de nuevas

obras.

Fue ideal de artistas como Durero y El Bosco, la creación de formas

fantásticas, apocalípticas e infernales, basados en la expresividad de las

formas. Aunque en ningún momento se dejo de lado el estudio de la

naturaleza, esto era solo un medio para ofrecer una representación creíble

de los hechos bíblicos. Durero se baso en los modelos griegos en su

búsqueda de la armonía en la figura humana, y de esta manera llevo a la

perfección el arte gótico, pero no todo fueron descubrimientos, Grünewald

logro el ideal de perfección en la representación sin dejar de lado los

modelos y objetivos de la edad media.

Ni siquiera los griegos en su búsqueda de perfección en la naturaleza

dibujaron nunca un paisaje con motivo diferente del de contener el tema, y

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tal cosa habría sido escandalosa en la edad media, pero cuando los artistas

fueron apreciados por su habilidad en sí, fue posible contemplar la belleza de

un paisaje sin nada mas que ello.

Una crisis en el arte

Hacia 1520, los italianos estaban convencidos de que el arte había llegado a

la cima de su perfección. Y se puso de moda copiar los modelos de los

grandes artistas, encajaran o no en sus obras. Los resultados de esto fueron

un poco ridículos, se contentaban con hacer una composición bella y

equilibrada a costo de sacrificar la correcta representación de las figuras, a

esto se le llamo manierismo, aquí, la búsqueda de efectos interesantes había

acabado por completo con la finalidad de las obras, y esto fue

particularmente claro en arquitectura.

Tintoretto se dio cuenta que los artistas de la generación anterior a la suya

se interesaban mas por hacer agradables sus obras que por imprimirles

verdadera emotividad, por lo que se propuso hacer sentir al espectador el

drama intenso de sus obras. Su resultado fue un tanto impresionante por

sus contrastes y aparente desequilibrio, pero definitivamente logro su

cometido, aunque no fue muy bien recibido. Otros pintores como El Greco

decidieron irse de Italia para evitar la crítica que exigía la perfección y

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equilibrio en las formas, de manera que pudieran hacer un arte más liberal y

expresivo.

Pero en los países nórdicos la crisis fue mucho más seria, no era como pintar

de modo más impresionante, el problema era poder seguir pintando.

Debido a la reforma fue prohibido todo tipo de representación, al menos las

que tuvieran alguna índole religiosa (que eran las principales fuentes de

ingresos de los artistas de la época), de esta manera, la única rama de la

pintura que sobrevivió fue el retrato, lo que era bastante limitado, por lo que

los artistas debieron buscar nuevas formas de expresión, y así, cada artistas

buscó especializarse en algún tema, cualquiera que fuera, al que no pudiera

poner objeción la iglesia.

Visión y visiones

El término gótico fue empleado por los italianos para designar lo que ellos

consideraban bárbaro, el manierismo tiene un sentido de afectación, y estilo

que vino después del renacimiento recibe normalmente el nombre de

Barroco debido a que algunos desearon ridiculizarlo, pues significa absurdo o

grotesco. La arquitectura de esta época dejo de lado la excesiva

ornamentación, buscando la sencillez y gracia, pero evitando siempre la

monotonía.
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Llegada la pintura a un punto muerto con el manierismo de la Europa

católica, se busco imitar las grandes obras antiguas, a lo que se llamo

eclecticismo, así se volvió a la sencilla y armónica composición renacentista,

pero con cambios importantes respecto a la manera de manejar la luz y la

expresión de las emociones, por lo que se puede diferenciar como barroco.

Posteriormente se busco de nuevo el naturalismo, pero esta vez con fines

religiosos, se dejaron al lado los modelos de belleza, ya no importaba que los

personajes fueran feos, siempre que fueran realistas; aunque hubieron

quienes tomaran la dirección opuesta, y buscaran embellecer la naturaleza, a

lo que se llamo programa neoclásico o académico.

Al conjugar los modelos clásicos con un correcto tratamiento de la luz y la

expresión se logro comunicar vida a cualquier cosa, ahora la tarea era

observar con ojos limpios la naturaleza.

El espejo de la naturaleza

Los holandeses en el s. XVII preferían un arte mucho mas sobrio y sencillo

que los del sur de Europa, por lo que nunca aceptaron del todo el estilo

barroco. Una vez aceptado el protestantismo, los artistas tuvieron que

buscar nuevos medios para expresar su arte, pintando alegres escenas de la

vida de los campesinos, o elegantes retratos para los burgueses. Dado que la

iglesia ya no los buscaría para que hiciesen algún trabajo, los artistas
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tuvieron que volcarse a las palazas y ferias, para vender a bajo precio su

obra. En este punto cada artista debió especializarse en un tema específico,

y esperar que le gustase al público, de ser así, no tendría que ir muy lejos

para asegurarse ingresos. Por esta razón muchos llegaron a ser verdaderos

especialistas en su campo y afloraron grandes artistas como Rembrandt, que

le dio un grado de sinceridad a la expresión de los personajes de sus

retratos, que no cabe preguntar por su belleza.

También los paisajes obtuvieron un importante lugar en el arte de la época,

el publico aprendió a ver la belleza de los sencillos elementos de la

naturaleza, y se abrieron paso las composiciones de elementos reunidos

deliberadamente en un cuadro, se descubrió así que el tema de la

composición no era lo mas importante de esta, pues elementos triviales

podrían proporcionar la «belleza pura» a cualquier obra.

El poder y la gloria, I

El barroco en Italia adquirió su total desenvolvimiento en la medida que se

hizo más ornamental, la mezcla de diferentes estilos y la decoración

pomposa y exuberante daba el efecto en las iglesias, de entrar a otro

mundo, de manera más impresionante aun que las catedrales medievales.

La religión descubrió que el arte no solo podía servir para instruir, sino para

persuadir y aun convertir a quienes estaban alejados de la religión.

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La pintura llego a una intensidad en la expresión que no había sido vista

antes, y hubieron cambios en la forma de modelas los personajes que

contribuyeron a este efecto.

Tras llegar a la perfección del arte barroco, la pintura y escultura empezaron

a decaer en la Europa católica.

El poder y la gloria, II

No solo la iglesia descubrió el poder persuasivo del arte, los reyes y príncipes

desearon igualmente ostentar su poderío, por lo que cada pequeño

monasterio llego a querer competir con los grandes castillos, fue una gran

época para la arquitectura. Cada arte aporto también su parte, logrando una

fantástica decoración de los recintos. Este periodo es conocido como

Rococó.

El arte representó la idílica vida de los burgueses, lo que lo hizo muy intenso

aunque transitorio.

La edad de la razón

En 1700 culminó totalmente el periodo barroco en la Europa católica, pero en

los países protestantes aun se mantenían algunas de sus ideas, las iglesias

allí no buscaban ser impresionantes, sino mas bien sencillas y acogedoras, y

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los príncipes también prefirieron mas las casas campestres que los grandes

castillos, aboliendo así las extravagancias del barroco.

Tras la crisis de la pintura, la gente dudaba de su utilidad, es por eso que

surgió la idea de pintar temas edificantes y aleccionadores, que agradarían a

los puritanos de la época, estos temas serian ampliamente aceptados.

Se creía que las normas del buen gusto podían ser enseñadas, por lo que se

genero una gran cantidad de prejuicios acerca de cómo debía ser una buena

obra. El arte en general se torno gracioso y elegante, a lo que algunos

respondieron pintando escenas de gentes vulgares, que serian bastante

alegres e interesantes, hallando el encanto de la vida real.

La ruptura de la tradición

Con la revolución francesa en 1789 se inicia el periodo moderno. Dadas las

discusiones acerca del buen gusto de la edad de la razón, la gente empezó a

darse cuenta del hecho en sí de los estilos, y aparecieron quienes quisieron

hacer cosas distintas de todo lo anterior. En arquitectura, la gente quiso

escoger el estilo de sus casas como escogeríamos nosotros el color de

nuestra fachada, el renacer de diversos estilos en estas condiciones

culminaría con el periodo de la regencia. Debido a esto se despertó un

interés por lo clásico, y ahora los compradores querían adquirir obras de

autores antiguos, por lo que los artistas de la época se vieron obligados a

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organizarse y hacer exposiciones de sus obras, cosa que nunca antes vista.

Esto produjo un cambio en el arte ya que los pintores y escultores

empezaron a escoger temas melodramáticos, cuyas dimensiones serian

mayores y el color más estridente, todo con el fin de llamar la atención del

público. Además de esto, empezaron a buscar nuevos temas, y nadie mejor

para esto que quienes llegaban de los Estados Unidos, pues no tenían una

tradición artística que respetar.

Tras la revolución francesa los cuadros con motivos históricos se pusieron de

moda, pero pronto verían que estos caducarían con el tiempo perdiendo así

su valor, por lo que tuvieron que seguir buscando ideas, y fueron artistas

como Goya y Blake quienes dieron una nueva orientación al arte, que por

vez primera se baso en la fantasía y los sueños de sus autores, al punto de

rechazar todo lo natural y confiar enteramente en sus visiones.

Tal libertad en los temas repercutió en otras ramas como la pintura de

paisajes, que dejo de lado los apacibles bosques por sorprendentes

tormentas, cargando de espectacularidad sus obras y dándole matices más

humanos.

Así se vislumbraron dos posibles caminos para el artista, el del pintor-poeta

que indagaba en sus sueños, o el del realista que mostraba la naturaleza con

toda la sinceridad posible.

 24

Revolución permanente

La revolución industrial minó las tradiciones y el quehacer artístico, la obra

manual dio paso a la producción en masa. Si bien había un basto campo de

estilos y temas de los que podría escoger libremente un artista, los gustos

del publico se hicieron cada vez mas complicados, pues en realidad carecían

de gusto y solo buscaban imitaciones de algo que ya hubieran visto antes,

esto se debe a la aparición de la nueva clase media sin tradición, y la

producción de obras a bajo precio. Sumado esto al aislamiento de los

artistas que no aceptaban los convencionalismos, “acabaron por desbaratar

el gusto del publico”6. El arte de esta época fue mas libre que nunca, pero

paradójicamente, perdió sus objetivos y en consecuencia se rigió por

convencionalismos.

Pero no todo el arte fue tan vacío, algunos se dedicaron al estudio del color y

la naturaleza, para mostrarla de la manera más veraz posible, se constituyo

así el realismo, que tuvo como ideal la total sinceridad en las

representaciones humanas y naturales, dejando de lado los

convencionalismos de los críticos de la época.

Otro grupo de artistas, los Prerrafaelistas, quisieron retornar al espíritu del

medioevo, pero esta vez representando de la manera más convincente los

relatos bíblicos.

6
Gombrich, E., 1997, Pág. 502.
 25

La siguiente generación de artistas cuestionó la veracidad de las anteriores

representaciones, viendo que en realidad nada tiene una forma y color

definidos, se dieron entonces al estudio de los objetos al aire libre y el

movimiento. Monet se dio cuenta de que la naturaleza cambia

constantemente, por lo que era necesario captarla con pinceladas ágiles y sin

lujo de detalles, así surgió el impresionismo que de principio pareció un

juego de niños, pero cuando los críticos aprendieron a apreciar la naturalidad

con que era manejada la luz, el estilo se volvió muy popular y aceptado, si

sumamos a esto que la aparición de la cámara fotográfica, vemos que los

artistas fueron obligados a buscar nuevos ángulos donde la fotografía no

pudiera llegar, lo que favoreció las nuevas concepciones, como el

impresionismo, precisamente.

En busca de nuevas concepciones

La arquitectura del s. XIX se había tornado vacía, a menudo se cumplía con

los requisitos estructurales y se le adherían “migajas de Arte a la fachada en

forma de adornos”7, el publico de la época empezó a ver lo absurdo de estas

costumbres y quisieron un arte nuevo “cimentado en los fines y posibilidades

inherentes a cada materia”8, y por primera ves desde el renacimiento se

produjo un estilo enteramente nuevo, el art nouveau.

7
Pág. 531.
8
Íbidem.
 26

Si bien el impresionismo tendía a ser brillante en interesante, era confuso,

por lo que, al igual que en la edad media, surgió la necesidad de conciliar el

realismo con la composición, aunque el resultado fue bien distinto. Cézanne

propuso que basados en la dirección de las pinceladas se podría darle un

compacto equilibrio y claros limites a cada parte de la obra, sin perder la

naturalidad del color. Pero esto tuvo consecuencias, pues era necesario

sacrificar la corrección convencional de las figuras, y es la principal

característica del arte moderno escapar a los convencionalismos. Pintores

como Van Gogh quisieron expresar exactamente lo que sentían, aun cuando

tuvieran que tergiversar las formas, y así, valiéndose de la simplicidad de

medios se forjaron los nuevos ideales del arte moderno, el Expresionismo en

Alemania, el Cubismo en Francia y el Primitivismo en diversos lugares.

Arte experimental

La arquitectura moderna tardo en ser aceptada, pero sus principios están tan

bien establecidos que pocos podrían discutirlos seriamente. Anteriormente

se daba mas importancia a la apariencia de los edificios, pero algunos se

aventuraran a afirmar que lo importante era lo contrario, apariencia era

irrelevante, mas bien se hacia necesario fijarse en los interiores, por lo que

se generó la nueva arquitectura orgánica, que atendía mas a las necesidades

de los residentes. De entrada le pareció a algunos una ofensa contra el buen

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gusto y el decoro, pero con el tiempo nos hemos ido acostumbrando a la

limpieza y sencillez de sus geométricos contornos. Estas ideas desembocaron

en el Funcionalismo, dado que los principios fueron compartidos por las artes

plásticas en general, y fue eliminado del arte todo aquello que no cumpliera

una función practica.

Con posterioridad, el arte pictórico se torno expresionista, se hizo totalmente

sincero, pero prescindió de toda belleza y se entrego a la emoción pura, por

lo que no fue muy bien aceptado. La situación se torno mas interesante

cuando, con el fin de expresar nada mas que la emoción, se propuso que el

arte seria mas puro suprimiendo tolo lo concerniente al tema, de esta

manera surge el arte Abstracto.

El ideal ahora era construir elementos, antes que copiarlos. El Cubismo

surgió cuando Picasso quiso representar las cosas de la manera más clara,

esto es, por sus elementos más llamativos, dando una clara idea del objeto

en todas sus dimensiones, esta idea era bastante limitada, por lo que fue

abandonada con relativa prontitud. El arte siguió evolucionando dejando

aparte los temas definidos, y centrándose en el color o la forma como

vehiculo de las emociones del artista.

Otros consideraban que todo lo que en los museos se muestra era fácil de

conseguir, y no representaba ya reto alguno para el artista, por lo que se

advirtió que la simplicidad y espontaneidad es lo único que no se puede

aprender, así surge el Primitivismo como un intento de captar lo ingenuo del

 28

arte infantil. Aun quedaba un campo que anteriormente solo había sido

explorado superficialmente; la creaciones de imágenes fantásticas y oníricas,

muchos de los autores de la época quedaron impresionados con los escritos

de Freud, y se dieron a la creación de imágenes que solo podrían venir del

inconsciente, aunque esto no reflejo de ningún modo la teoría Freudiana, si

dio paso al Surrealismo.

Una historia sin fin

Este libro fue escrito poco después de la segunda guerra mundial, cuando

muchos de los artistas nombrados en el ultimo capitulo aun vivían, pero con

el paso del tiempo el panorama cambio, por lo que fue escrito este capitulo.

El primitivismo evoluciono en dadaísmo, los artistas siguieron identificándose

con lo infantil y haciendo mofa de las pompas del arte convencional. Se

prosiguió con la exploración del color, al punto de nacer el tachismo, que

consistía en la simple manipulación de la pintura regada sobre un papel con

el objetivo de conseguir los más variados efectos. Otros buscaron innovar

por medio de los materiales y hasta de los formatos. Otros utilizaron

imágenes que eran de lo más familiar dada la publicidad y el cómic, por lo

que surgió el movimiento del Pop art.

Debido a esta diversidad de estilos, el publico contemporáneo “se lo traga

todo”9, y la idea de lo nuevo ha reducido la tradición a la trivialidad.

9
Pág. 611
 29

Se han enumerado algunos de los factores que provocado tan profundos

cambios en la concepción del arte, como lo son la idea del progreso (según la

cual el artista constituye la vanguardia y ya no es él quien parece ridículo por

una mala obra sino el espectador, por no saber “apreciarla”), el escape a lo

racional (todos buscan algo que los aparte de la ciencia y la tecnología, sea

la religión o el arte), la gran variedad (no importa si algo esta bien o mal,

siempre que a alguien le guste), la enseñanza del arte, la expansión de la

fotografía, limitaciones teóricas sociales (como el marxismo), y la

sensibilidad por los caprichos de la moda.

El inconformismo en el arte fue una de esas modas, aunque tiene aspectos

positivos como el surgimiento de la fotografía como arte respetado y

equiparable a la pintura.

Ahora es misión de los espectadores es tomar las riendas del arte, y

“observar que el hilo de la tradición no se rompa” 10. Hacernos mas críticos

respecto a lo que nos llega puede constituir el punte de partida a una visión

más avanzada del arte, ya que este, como hemos visto, nunca se detiene.

Historia y desarrollo
10
Pág. 597.
 30

La historia del arte ha sido marcada, durante los últimos tres milenios, por

una clara progresión hacia el realismo, que finalmente desemboco en su

opuesto, el arte abstracto, pero dicha progresión no fue casual, no pudo

darse en un orden cualquiera, el gran aporte de Gombrich fue dar una

explicación coherente del porqué el arte tiene una historia, dando cuenta del

avance del realismo a través de la historia, y como esto termino en el

aparente caos actual.

Si bien los ideales de cada época fueron muy diferentes, es posible observar

una progresión hacia la veracidad en que el arte expresa la emoción

humana. Existe una teoría que afirma que el desarrollo de los niños es

equiparable al desarrollo del universo, ahora resulta interesante comparar la

historia del arte con el desarrollo infantil a nivel intelectual y artístico.

Gardner (2005) afirmó que el desarrollo artístico de los niños podría pasar

durante tres etapas: primero una mecanicista, en donde solo importa

representar los elementos en sus formas más características, sin importar

realmente que parezcan reales o no. Más adelante viene una etapa realista

en que, una vez dilucidada la existencia de normas para representar la

naturaleza, estas deben ser dominadas siendo la perfección el ideal de toda

representación, pero una vez interiorizadas estas normas, el adolescente

parece adquirir la libertad de jugar con ellas y modificarlas a su antojo, por

lo que el arte llega a una etapa conceptual.

 31

Si comparamos esto con la historia del arte podremos ver coincidencias muy

interesantes: en principio el arte egipcio (hasta la edad madia) fue

esquemático, buscando mostrar la «identidad precisa» de los elementos

gráficos, al igual que el niño, lo que interesa es saber lo que se esta

representando, y que en consecuencia, estén contenidos todos los aspectos

característicos de cada personaje. En la medida en que se avanza en la

búsqueda de la representación “justa”, se evidencian nuevos problemas y

contradicciones, lo que permite avanzar (tal como lo hizo la Europa

renacentista) al estudio de la perfecta representación de la naturaleza. Al

igual que los niños, esta es una época de aprendizaje y continua exploración,

y una vez llegados a lo que parecería la cima de la perfección (siempre que

el niño no se frustre en su intento, y prosiga con perseverancia por este

camino) las normas dejan de parecer importantes, generaciones enteras se

rebelan contra los convencionalismos y surge un arte mas libre y

espontáneo, cargado de vida y emotividad, como sucedió con el arte

moderno.

Existe también una teoría, formulada entre otros por Piaget, que afirma la

ciclicidad del desarrollo humano, de manera que cada aparente retroceso,

tan solo afianza lo aprendido y debe considerarse como un paso más en la

progresión del desarrollo. Considero que los tres periodos de desarrollo

enumerados anteriormente, pueden verse una y otra vez “en miniatura” de

 32

manera constante, aunque cada vez a un nivel más evolucionado, y me

propondré señalarlos.

2º. Periodo
1r. Periodo
3r. Periodo

11 10
periodo mágico
12 Egipto
Grecia
7 Roma
6 Medioevo
9 Gótico
8 Renacimiento
3 Barroco
impresionismo
5 cubismo
4
arte abstracto
experimentos actuales

1 2

El elemento que busca el primer periodo (a la derecha), es la sencillez y

claridad de la representación, ni los egipcios ni los cristianos del medioevo

querían expresar más que aquello para lo que era concebido su arte, al igual

que el impresionismo, al que solo le interesaba la naturalidad del color, sin

importar los medios. El segundo periodo se caracteriza por la búsqueda de

la perfección, así, los griegos conquistaron la belleza, los renacentistas el

espacio, y el arte abstracto; la emoción sin los límites del tema.

Evidentemente hubo periodos intermedios entre estos como el gótico y el

cubismo que se dedicaron a indagar en la naturaleza, en busca de nuevos

métodos de mostrar la realidad. Por ultimo existe un periodo de decadencia

 33

donde, en principio, el arte intenta ser expresivo, pero termina abandonando

los objetivos de su época, lo que lo sumerge en una profunda crisis, fue el

caso del arte romano, el barroco, y a mi parecer, es lo que sucede

actualmente, pues exposiciones donde la basura misma es el tema, y el

publico las acepta como verdadero Arte, dejan mucho que pensar.

En los niños se observa un desarrollo similar: A los 2 años, el niño empieza

a garabatear formas circulares, Gardner (Pág. 317) afirma que no es sino

hasta los 3 años que el niño empieza a diferenciar lo que ve (televisión,

imágenes) de la realidad, por lo que este periodo es similar al periodo

mágico. A los 3 o 4 años, el niño empieza a dibujar formas geométricas, y

estas se alinean en el papel, lo que evidencia una preconceptualización de lo

que quiere hacer, y unas reglas para lograrlo (como el arte egipcio). Acto

seguido aparecen las primeras formas humanas que se ubican siempre sobre

un horizonte, así, la figura se contextualiza sobre un espacio imaginario y

empiezan a mostrarse las principales características de cada personaje. “El

primer estado de la tierra expresado por el niño en su dibujo no es una

primera y torpe fotografía de un paisaje, sino una primera estructura

cosmológica”11 pues se evidencia la aparición de personajes característicos

que dan cuenta de la interpretación del mundo por parte del niño, esta

aproximación a la realidad es equiparable el periodo Helénico. Rápidamente

los personajes adquieren movimiento y se empiezan a configurar relatos,

expresividad característica del periodo Romano. Poco tiempo despues el

11
Duborgel. Pág. 42.
 34

niño adquiere un mejor manejo del espacio grafico y las imágenes son

narraciones en si mismas, de manera similar al ideal católico del Medioevo.

A los 8 años aproximadamente el niño adquiere las estructuras necesarias

para la representación tridimensional del mundo, adquiere la noción de

distancia, tiempo y proporción, lo que implica la necesidad de aplicar técnicas

y métodos nuevos como la perspectiva (descubrimiento hecho en el

Renacimiento). Una vez dominada la realidad, el niño puede ver que esta no

necesariamente corresponde a lo que quiere proyectar, por lo que sus

dibujos se hacen más expresivos aun a costa de la correcta representación

de la figura (característico del arte Barroco). Y así el niño se embarca en la

búsqueda de la “emoción pura”, siendo los medios muy variables, desde la

caricatura hasta el impresionismo, y con el tiempo puede descubrir nuevas

técnicas para expresar sus emociones de manera más convincente, aun a

costa de sacrificar el tema, lo que implica la abstracción de la idea a

proyectar. El siguiente paso, ¿podría ser la búsqueda de la representación

de conceptos e ideas?. Lógicamente todo esto no es mas que una

suposición, es necesario realizar estudios que evidencien la veracidad de

estas comparaciones y analicen lo que puede pasar en edades mas

avanzadas, es de subrayar que no todos los niños tienen una evolución igual,

pues cada uno podría guiar su desarrollo en función de un arte diferente

(suponiendo les interese el arte), por lo que sus avances tendrán

 35

características diferentes, aunque las estructuras de fondo deberán ser las

mismas, necesariamente.

Creo que comprender la historia nos puede llevar a una mejor comprensión

del desarrollo artístico y creativo de los niños. Sea desde las aulas de clase,

o en sus casas, seguir las etapas por que pasa cada niño y comprender los

problemas a que se enfrenta, dando suficiente importancia a cada cambio, y

ayudándole a encontrar soluciones a sus contradicciones, sin olvidar nunca la

finalidad a que atiende su trabajo en un periodo determinado. Un niño que

se siente apoyado esta en constante búsqueda, y no se rinde fácilmente

cuando, tras descubrir sus limitaciones, intenta superarlas (hecho que a

menudo sucede, ya que entonces, ¿cómo seria explicable que todos los niños

aborden uno o varios artes en su niñez, pero pocos le den continuidad hasta

la edad adulta?).

Entender la finalidad del artista es comprender sus logros y limitaciones, de

esta manera vemos la posibilidad de estimular la creatividad de los niños

simplemente siguiéndolos y atendiendo a sus dudas. Si muchos padres de

familia y profesores lo hicieran, talvez tendríamos una generación nueva,

capaz de decidir los rumbos que quiere para su Arte, y que, por qué no,

proclame un nuevo renacimiento que nos acerque cada vez mas a la

representación justa de nuestro mundo psicológico.

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BIBLIOGRAFIA

 Duborgel B. (1981). El dibujo del niño, estructuras y símbolos.

Barcelona: Paidós.

 Gardner, H. (2005). Arte, mente y cerebro. Barcelona: Paidós.

 Gombrich, E. H. (1975). La historia del arte. 5ª ed. Vol. 1.

Barcelona: Garriga.

 Gombrich, E. H. (1997). La historia del arte. 16 ed. Madrid: Círculo

de lectores.