George Maciunas

George Maciunas fue un artista neerlandés, conocido como miembro fundador de la

comunidad de Fluxus de artistas, arquitectos, escritores, músicos y diseñadores. Sus
objetivos principales eran simplicidad y diversión.
Nació Jurgis Maciunas en Kaunas, Lituania, el 8 de noviembre, 1931, padre lituano y madre
ucraniana. Escapó de la ocupación soviética moviendo a América. Allí estudió arquitectura
en la Universidad Carnegie Mellon. Finalmente, él desarrolló varios edificios loft para
artistas en SoHo, Nueva York y una granja en Massachusetts. Sin embargo, el negocio
inmobiliario no era su vocación, y él se expresó en diversas iniciativas artísticas. Maciunas
fue un maestro de actividades de rechazo público, como vestirse como los dentistas con
sus amigos y utilizando cepillos de dientes para limpiar la acera cerca del Hotel Plaza en
Nueva York.
Maciunas fue cofundador de la Asociación de arte experimental, que él llamó Fluxus.
Reunió un encuentro flojo, no jerárquica de innovadores artistas, arquitectos, escritores,
compositores y diseñadores de todo el mundo. Sus actuaciones mezclan distintas
disciplinas artísticas, artes visuales, música y literatura. En 1960 Maciunas inició una galería
de arte en 925 Madison Avenue en Nueva York que se convirtió en un lugar de encuentro
para la gente de Fluxus. Utiliza una combinación amplia de influencias dadaístas y Marcel
Duchamp y John Cage, Karlheinz Stockhausen, Nam June Paik, futuristas.
FLUXUS se centró en la personalidad y las acciones individuales en lugar de la tradicional
"profesionalidad". Influenciado por la idea de "piano preparado" de John Cage, Maciunas
inventado «preparados deportes» bicicleta de múltiples vehículos, eventos de alimentos
divertidos y "danzas humorísticas" piso pegajoso. FLUXUS ideas principales fueron
formuladas libremente como internacionalismo, experimentalismo, inter-media, jugar o
gags, minimalismo y ephemeriality. Eventos de Fluxus tempranos tuvieron lugar en Nueva
York en 1960-62.
En 1962 se celebró el primer festival Fluxus en Wiesbaden, Alemania, con las actuaciones
de Maciunas, Dick Higgins, Nam June Paik, Alison Knowles, Emmett Williams y otros. En
1963, en la Kunstakademie Düsseldorf Beuys y Maciunas apareció por primera vez en
acciones Fluxus tocar pianos como parte del performance improvisada. Más festivales
Fluxus (también llamados "Festivales de expresión libre") se celebraron en la década de
1960 en Europa, en la década de 1970 en Seattle y en la década de 1980 en varias ciudades
de Estados Unidos y Europa. En la década de 1970 y 1980 el metro ruso Sergei Kuryokhin
y Boris Grebenshchikov estaban experimentando con las ideas de Fluxus en su suceso de
artistas muestra. Finalmente una comunidad de Fluxus-estilo de artistas libres fue fundada
en un edificio abandonado en Pushkinskaya 10 en San Petersburgo.
Desde la década de 1960, Maciunas fue pionero en el resurgimiento de las comunidades
artísticas en SoHo convirtiendo varios edificios ruinas en lofts y estudios del artista. En aquel
momento Maciunas reunió una comunidad altamente diversa de personas creativas que
comparten sus ideas artísticas innovadoras. Maciunas había abrazado a muchos artistas
desconocidos y ayudaron a avanzar en sus carreras. Maciunas y el movimiento Fluxus
atrajeron a joven artista japonesa Yoko Ono. Ella y Maciunas se convirtieron en amigos
cercanos. En 1970 George Maciunas fue invitado por Yoko Ono para pintar y decorar el
apartamento de John Lennon en el edificio "Dakota" en la ciudad de Nueva York.
Sus ideas atrajeron e influenciado a muchos artistas alrededor del mundo, como Yoko Ono,
John Lennon, John Cage, Karlheinz Stockhausen, Nam June Paik, La Monte Young, Eric
Andersen, Yasunao Tone, Ben Vautier, Ben Patterson, George Brecht, Alison Knowles,
Philip Corner, Wolf Vostell, Geoffrey Hendricks, Joseph Beuys entre muchos otros.
Manifiesto de Fluxus de Maciunas declaró "oposición a la enfermedad burguesa y la cultura
comercializada". También inició el arte correo y red libre de correo-artistas en los años 60,
que finalmente se convirtió en la red de Internet.
En 1978 Maciunas se casó con su novia Billie Hutching, en una pieza de performance
llamada "The Fluxwedding" donde la novia y el novio comercializan ropa. Tres meses más
tarde, George Maciunas murió de cáncer pancreático, el 09 de mayo de 1978, en un hospital
de Boston, rodeado de sus amigos de Fluxus. Ese mismo año, Nam June Paik y Joseph
Beuys dieron un rendimiento "En Memoriam George Maciunas" en la Kunstakademie,
Dusseldorf donde Beuys y Maciunas apareció por primera vez en las acciones Fluxus. El
concierto duró 74 minutos - Maciunas murió de 47 años.
Artistas de Fluxus seguirán reuniéndose en ciudades de todo el mundo, así como en el
ciberespacio. En 2005 un oratorio basado en Maciunas se estrenó en el Festival de verano
en Vilnius, Lituania. LA chica de arte en el centro de Getty en Los Ángeles dio una serie de
performances de Fluxus-inspirado en 2006 y 2008.

Literatura
 Mr. Fluxus: A Collective Portrait of George Maciunas 1931-1978. Emmett Williams,
Ann Noel, Ay-O, Thames & Hudson, 1998, ISBN 0-500-97461-6.

 Der Traum von Fluxus. George Maciunas: Eine Künstlerbiographie. Thomas Kellein,
Walther König, 2007. ISBN 978-3-8656-0228-2.

 Petra Stegmann. The lunatics are on the loose… European Fluxus Festivals 1962–
1977. Down with art! Potsdam, 2012, ISBN 978-3-9815579-0-9.

Joseph Beuys
Vida y obra
Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, 23 de enero de 1986) fue un
artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance,
happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus.
Beuys combatió como piloto de la Luftwaffe en la Segunda Guerra Mundial. El 16 de marzo
de 1944 su Stuka se estrelló cerca de la aldea Známenka del Raión de Krasnogvardeyskiy
de Crimea. A punto de morir congelado, unos nativos tártaros lo rescataron y lo envolvieron
con grasa y fieltro para evitar su muerte.[cita requerida] En cualquier caso, ambos
elementos aparecerán constantemente en su obra.
Trabajó de profesor universitario hasta que fue expulsado años después. La obra realizada
en su tiempo de profesor, se refiere a la relación de la pedagogía con el estudio del arte, ya
que Beuys cambió totalmente el enfoque de enseñanza que se tenía hasta el momento.
De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue
profesor de escultura.
En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser
el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió
hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.
En Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de oro en la
cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta
obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista,
a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un
animal. Beuys asumía el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad
que él consideraba muerta.
En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a América le gusto yo donde Beuys, un
coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación.
Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses, símbolo del
capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro
y al final Beuys abraza al coyote.
Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de los ready-
made de Marcel Duchamp, no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la
vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su
huella. Muchos tienen una relación autobiográfica, como la miel o la grasa utilizada por los
tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su
Traje de fieltro.
En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra desde
los años 1940 hasta 1970.
En 1985, el 12 de enero, Joseph Beuys participó junto a Andy Warhol y el artista japonés
Kaii Higashiyama en el proyecto „Global-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli
Fuchser, éste era un proyecto especial de „FAX-ART“, en el cual un fax con diferentes
dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el mundo dentro de
solamente 32 minutos – de Dusseldorf via Nueva York hacia Tokyo, finalmente recibido por
Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante la Guerra
Fría.
Wolf Vostell
Wolf Vostell (Leverkusen, 14 de octubre de 1932 - Berlín, 3 de abril de 1998) fue un artista
alemán de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con varios
medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el
happening y el fluxus.
Wolf Vostell nació el 14 de octubre de 1932 en la ciudad alemana de Leverkusen, en la
región de Renania. Su padre Hubert Schäfer era revisor de ferrocarril y su madre Regina
ama de casa. En el año 1939 la familia se trasladó a la ciudad Chomutov en
Checoslovaquia. En el año 1945, tras la capitulación de Alemania, Wolf Vostell tenía 12
años, regresó acompañado por sus padres y su hermana a Leverkusen.1Una experiencia
fundamental en su vida, puesto que hubo de hacerlo andando, y en lo que duró el viaje fue
testigo de los devastadores efectos de la contienda en ciudades como Praga, Dresde o
Kassel. Además, los terribles efectos del Holocausto le marcarían profundamente, siendo
uno de los temas recurrentes de su obra, como lo demuestra el cuadro Shoah de 1997. En
el colegio entre 1945 y 1950 ya dibujó con acuarela y tinta china.
Realizó sus primeros estudios sobre arte en Colonia, en los campos de pintura, fotografía
y litografía, y después en la academia de Wuppertal, en pintura libre y tipografía
experimental. En el año 1953, creó obras como Corea, Corea Masacre, Das Paar (La
Pareja), Familie (Familia), Flugzeug (Avión) y Kriegskreuzigung (Crucifixión de Guerra) y
empezó a trabajar con óleo sobre lienzo en obras como Kriegskreuzigung II (Crucifixión de
Guerra II). En estas obras, Wolf Vostell empieza a reflejar los desastres producidos por la
Segunda Guerra Mundial.2
En 1955 dibujó con tinta china un ciclo de ilustraciones para el cuento de hadas La
maravillosa historia de Peter Schlemihl de Adelbert von Chamisso.3
En su primer viaje a París en 1954, y recogiendo un titular del periódico Le Figaro que le
llamó la atención, acuñó el término decollage, que distinguió del collage tradicional y su
yuxtaposición creativa de elementos, relacionándolo con la traducción literal de la palabra
francesa de la que derivaba: desprender, separar dos cosas pegadas o deshacer. Aplicó el
nuevo término a los cuadros Dé-coll/age, que incluían jirones de carteles, fotografías
emborronadas y objetos. Tanto sus obras materiales como los happenings, estaban
impulsadas por un mismo principio, la estética de la destrucción, que pretendía recoger el
carácter negativo y agresivo del mundo contemporáneo. En 1955, se trasladó a París para
estudiar pintura, y grabado en la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes y empezó a
trabajar como asistente del cartelista Cassandre. Después, entraría en la Academia de
Bellas Artes de Düsseldorf. Por entonces ya había demostrado su interés por artistas como
Goya, Bruegel, Zurbarán, El Bosco o Fernand Léger y había consagrado parte de su tiempo
a la obra del psicólogo Carl Jung.
En 1958, viaja a Guadalupe, (Cáceres), para estudiar a fondo la obra de Zurbarán. Allí
conoce a Mercedes Guardado, con quien se casará meses más tarde. La compenetración
artística de ambos esposos hará que Vostell se sienta muy vinculado con España, en
especial con Extremadura.
Desde los años 50, Wolf Vostell refleja la política y las desastrosas consecuencias de las
guerras en sus obras. En 1958, creó la instalación La habitación negra, que refleja el
Holocausto.4 Con Miss Vietnam, un emborronado y un happening con el mismo título,
muestra en 1968 el infierno de la guerra de Vietnam. El asesinato de John F. Kennedy y
muchos otros acontecimientos políticos aparecen reflejados en las obras de Wolf Vostell.5
En un amplio ciclo de obras, el artista documenta la caída del Muro de Berlín en 1989. El
tríptico 9 de noviembre de 1989 y el ciclo La Caída del Muro de Berlín son dos ejemplos de
este ciclo.
Con la instalación 6 TV Dé-coll/age del año 1963 Wolf Vostell se convierte en pionero de la
instalación y con su video Sun in your head 6 (Sol en tu cabeza) también de 1963, en
pionero del Videoarte. En 1958 crea El teatro está en la calle en París, que es el primer
happening europeo y en 1961 Cityrama es el primer happening en Alemania.
Wolf Vostell conoce en 1974, acompañado por su esposa la extremeña Mercedes
Guardado, Malpartida de Cáceres y los Barruecos -un magnífico paraje, declarado en 1996
Monumento Natural, donde se conjuga la belleza natural de unas grandes rocas graníticas
y el agua de una presa, un rico potencial ecológico y un complejo de edificios del siglo XVIII
que fue utilizado como Lavadero de Lanas- y declara la zona como "Obra de Arte de la
Naturaleza".
Desde aquel momento, concibió la idea de crear aquí un museo, inconfundible e innovador,
como expresión del arte de vanguardia, un lugar de encuentro del Arte y la Vida y del Arte
y la Naturaleza. En 1976 funda Wolf Vostell el Museo Vostell-Malpartida (MVM) que desde
1994 está gestionado por la Junta de Extremadura. En el año 2005 la Junta de Extremadura
incorpora el Archivo Vostell al Museo Vostell Malpartida para que esté a disposición de
investigadores y estudiosos.
En el año 1992 la ciudad de Colonia recibe una gran retrospectiva de la obra de Wolf Vostell,
que se reparte en 6 museos diferentes de la región. Los museos que presentaban la
retrospectiva fueron el Stadtmuseum Köln, Kunsthalle Köln, Rheinisches Landesmuseum
Bonn, Kunsthalle Mannheim, Museum Morsbroich Leverkusen y Städtisches Museum
Mülheim Ruhr. David Vostell realiza una película documental con el título Vostell 60 -
Rückblick 92 sobre esta retrospectiva.
En su estudio de Malpartida de Cáceres desarrolló, a lo largo de los años 80 y 90,
tauromaquias; cuadros y dibujos de tamaños distintos que muestran toros mayormente
sangrando o cabezas de toros y cuerpos deformados. Combinó de nuevo la pintura con
objetos: piezas de coches, bombillas o navajas. Wolf Vostell sólo ha trabajado el tema de
la tauromaquia en España.
Desde los años 80 hasta su fallecimiento en 1998 su trabajo se centra fundamentalmente
en la pintura. Cuadros de gran formato y dibujos en los que aplica el hormigón como material
pictórico.
Wolf Vostell fallece de insuficiencia cardíaca. Su tumba se encuentra en el Cementerio Civil
de Madrid de la Almudena.
En 2011, su viuda, Mercedes Guardado, publica el libro Mi vida con Vostell, un artista de
vanguardia;7 un relato íntimo de su trayectoria desde que se conocieron en 1958 hasta su
fallecimiento en 1998.
 Korea Massaker, 1953, Gouache
 Zyklus Guadalupe, 1958
 Das schwarze Zimmer (La habitación negra), 1958, instalación con televisión,
Berlinische Galerie, Berlin
 Transmigración,12 I-III, 1958, lienzo con televisión
 Rue de Buci,13 1960, Dé-coll/age
 Ihr Kandidat, 1961, Dé-coll/age, Haus der Geschichte der Bundesrepublik
Deutschland14
 Coca-Cola 1961, Dé-coll/age, museo Ludwig
 Wochenspiegel Beatles, 1961, Dé-coll/age, Saarlandmuseum
  Marilyn Monroe,15 1962, Dé-coll/age
 Kleenex,16 1962, emborronado
 Marilyn Monroe Ídolo,17 1963, Dé-coll/age, emborronado
 Sun in your head (El sol en tu cabeza), 1963, Video
 6 TV Dé-coll/age,18 1963, instalación con televisión, Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía
 You, 1964, instalación con televisión
 Wir waren so eine Art Museumsstück, 1964, lienzo, Berlinische Galerie, Berlin
 Kennedy vor Corham, 1964, emborronado
 Goethe Heute, 1967, lienzo técnica mixta, emborronado, Sprengel Museum
Hannover

Paik, Nam June

Videoartista, escultor, músico, cineasta, escritor y profesor estadounidense de origen
coreano nacido en Seúl el 20 de julio de 1932 y fallecido el 29 de enero de 2006 en Florida.
La obra de Paik, desarrollada en Alemania, Japón y Estados Unidos, está considerada
como la primera en el campo del videoarte, aunque su formación musical imprimió a ésta
su interés por otros campos que abarcan desde la práctica del happening y la performance
a la composición musical o incluso incursiones en el campo de la ingeniería electrónica.
En 1949, al estallar la Guerra de Corea, abandonó junto a su familia su país de origen con
destino a Hong Kong. Tras un año de estancia se trasladó a Japón, donde comenzó a cursar
sus estudios superiores. En 1956 se licenció con una tesis sobre el compositor, Arnold
Schönberg, en Historia del Arte y Estética por la Universidad de Tokio. Su interés por la
música le hizo abandonar Japón y, en 1957, se trasladó a Alemania. Allí siguió cursos de
música en la Universidad Ludwig-Maximillians de Múnich y posteriormente en el
Conservatorio de Friburgo. Su postura abiertamente vanguardista en el campo de la teoría
musical le puso en contacto con artistas como Karlheinz Stockhausen, con el que colaboró
en piezas de música electrónica en el estudio que este último poseía en Colonia, o a John
Cage, el compositor americano que desde sus clases en el Black Mountain College inició
el movimiento del happening que cristalizó en la obra de Allan Kaprow. En este terreno,
Paik se inició en 1959 con la obra Hommage à John Cage: Music for Tape Recorder and
Piano. Hasta principios de los sesenta, Paik experimentó en el campo del happening y su
interés por este género le llevó a participar en la fundación del movimiento Fluxus. En 1961
conoció a los artistas Fluxus, John Maciunas y Wolf Vostell y a año siguiente participó en el
Primer Festival Fluxus celebrado en Wiesbaden (Alemania). También en 1962, el 16 de
junio, presentó otra performance en la exposición "Neo-Dada in der Musik", obra que
posteriormente interpretó Maciunas en el festival Fluxus celebrado a su llegada a Nueva
York.
Paralelamente a sus investigaciones en el campo del accionismo, Paik empezó a
interesarse por la imagen electrónica en su doble vertiente de nuevo campo de expresión
artística y como elemento representativo de la cultura de masas. En marzo de 1963 participó
en la exposición celebrada en Wuppertal (Alemania) Exposition for Music-Electronic
Television. Al igual que en sus performances, el compositor coreano despoja a estos de su
única función musical y les añade tanto elementos estéticos como acciones agresivas que
distorsionan su significado inicial, en sus experimentos televisivos, Paik se concentró en la
alteración y distorsión de la imagen. Para proseguir sus investigaciones en este terreno se
trasladó a Japón, donde estuvo entre 1963 y 1964 trabajando en distintos proyectos. Por
un lado experimentó con la manipulación e imágenes televisuales en blanco y negro o color
con los ingenieros Hideo Uchida y Shuya Abe. Para la distorsión de las imágenes utilizaban
imanes cuya proximidad al monitor provocaba la manipulación de éstas. Durante su
estancia en Japón realizó el primero de sus robots, el Robot K-456, realizado con una
estructura de madera y alambre que incorporó tecnología que le permitía realizar
actividades humanas, como andar, hablar o, incluso, defecar. Paik ha realizado a lo largo
de su trayectoria varias de estas piezas, como los exhibidos en la Galería Juana Mordó de
Madrid Don Quijote y Sancho Panza (1989), y las ha incluido en algunas de sus acciones;
el ya mencionado Robot K-456 fue utilizado por Paik en una performance realizada en 1982
en el Museo Whitney de Nueva York, en la que el robot, después de ser atropellado, fue
llevado como si de un cadáver se tratase al museo.
En 1964 se trasladó a los Estados Unidos para participar en las actividades del grupo
Fluxus. A su llegada conoció a la intérprete de violonchelo Charlotte Moorman, con la que
colaboró en múltiples ocasiones desde entonces. El 8 de enero de 1965 realizó su primera
exposición en la New School for Social Research de Nueva York y que llevó por título Nam
June Paik: Electronic TV, Color TV Experiments, 3 Robots, 2 Zen Boxex & 1 Zen Can. El
título de la muestra estaba compuesto con el nombre de las obras que él artista exponía.
En esta muestra, el público podía jugar con los efectos de distorsión de imágenes televisivas
mediante el magnetismo, posibilitando así una interacción entre el espectador y la obra de
arte. La mayor contribución al arte realizada por Paik no se inició en este campo sino en el
del videoarte, del que está considerado como el primer artista en utilizar este medio. Paik,
que había comprado uno de los primeros equipos de vídeo portátil que llegó a Estados
Unidos, grabó con él la visita del papa Pablo VI a la catedral de San Patricio el 4 de octubre
de 1965.
Esa misma noche, dentro del círculo de actividades del grupo Fluxus organizadas por los
artistas Robert Watts y George Bretcht, Paik presentó la cinta en el Café á Go-Go bajo el
título Electronic Video Recorder (the combination of Electronic Television and Video Tape
Recorder). La cinta no fue presentada tal y como fue grabada, sino que Paik manipuló sus
imágenes, por lo que es desde entonces considerada como la primera pieza de video-art.
Durante la segunda mitad de la década de los sesenta Paik continuó sus experimentos en
el campo del vídeo y de la performance. Realizó numerosos happenings con la
violonchelista Charlotte Moorman, con la que realizó una gira por Europa entre 1965 y 1966.
Alcanzó gran publicidad al ser detenido junto con Charlotte después de la celebración de la
performance Opera Sextronique; celebrada en la Filmakers Cinamateque de Nueva York,
Moorman y Paik fueron acusados de inmoralidad. A pesar de ello, ese mismo año (1967)
recibió la beca de la Fundación Rockefeller.
En 1969 la galería Howard Wise de Nueva York presentó la que se conoce como la primera
muestra de videoarte. A la exposición, titulada TV as a Creative Medium, Paik presentó las
obras Participation TV y TV Bra for Living Sculpture. En ambas obras el artista permite que
el espectador manipule las imágenes por medio de micrófonos, haciendo interactuar
imagen y sonido. El primer museo que inició una colección de videoarte, el Museo Everson
de Siracusa (Nueva York), exhibió sus cintas en 1973 y organizó en 1974 su primera gran
retrospectiva, Nam June Paik: Videa'n' Videology. 1959-1973. En 1977 se casó con la artista
japonesa de vídeo Shigeko Kubota, y el año siguiente inició su carrera como docente en la
Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf. En la década de los ochenta comenzó a trabajar
con Horst Baumann en la proyección de imágenes por láser. También se interesó por la
utilización de la emisiones vía satélite, ahondando en la dimensión de el medio televisivo y
de su importancia como medio de masas.
El primer experimento en este campo consistió en la retransmisión de una serie de
performances que, con motivo de la Dokumenta de Kassel nº 6 (que se celebró el 24 de
junio de 1977), realizó junto a Joseph Beuys, Charlotte Moorman y Douglas Davis. Otros
trabajos en este campo del artista coreano fueron la emisión desde París y Nueva York del
espectáculo titulado Buenos Días Mr. Orwell o la realizada con motivo de la celebración de
los Juegos Asiáticos que unió por satélite a Nueva York, Tokio y Seul el 4 de octubre de
1986 en la que emitió la obra titulada Bye, Bye, Kipling.
La obra de Paik es tan extensa como heterogénea; incluye esculturas, videocreaciones,
happenings y otras manifestaciones interdisciplinares. Entre sus obras más conocidas en
el terreno de la videocreación se encuentran Mayor Lindsay (1965), Dieter Rot on Canal
Street (1996), Waiting for Commercials (1972), Mc Luhan Caged (1967), Nam June Paik
Edited for Television (1975), Merce by Merce by Paik (1978), Media Shuttle: Moscow/New
York (1978), You Can't Lick Stamps in China (1978), Lake Placid (1980), Alan and Allen's
Complaint (1982) o Living with the Living Theatre (1989). Su obra se encuentra y ha sido
exhibida en numerosos museos entre los que destacan el Museo de Arte Moderno de Nueva
York (1977), el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou (1978), el Museo
Whitney de Arte Americano de Nueva York (1982) o el Museo Metropolitano de Arte de
Tokio (1984). En la actualidad, el artista vive y trabaja en Nueva York.
Obras
 Buenos días señor Orwell (1 de enero de 1984), arte televisivo satelital en directo
desde Nueva York (Estados Unidos) y París (Francia) en forma simultánea.
 Moon is the Oldest TV (1965-1992)
 Early Color TV Manipulations (con Jud Yalkut) (1965-1971)
 Beatles Electronique (con Jud Yalkut) (1966-1969)
 Fish Flies on Sky (1975) (instalación)
 Candle TV No. 1 (1975) (instalación)
 Suite 212 (1975-77)
 B.S.O.and Beyond (1984) (instalación)
 All Star Video (con Ryuichi Sakamoto) (1984)
 Little Italie (1985) (instalación)
 Butterfly (1986)
 Bye Bye Kipling (1986)
 Beuys/Voice (1987) (instalación)
 Birdhouse (1990) (instalación)
 Olimpyc centennial(1992)