El cine

1. Introducción
En un principio, el cine fue poco más que una curiosidad de feria, un invento que permitía mostrar la
realidad en movimiento. Con el paso de los años, sin embargo, se consolidaría como un espectáculo de
masas, que atrae a las salas a miles de espectadores de cualquier nacionalidad, y como un arte
característico del mundo contemporáneo.
Hoy en día, el cine constituye uno de los principales medios de entretenimiento de gran prestigio, en el
ámbito mundial y nacional, sin embargo pocas personas conocen algo más allá de lo que ven en la
pantalla o acerca de su evolución en el tiempo.
Esperamos que con este trabajo pueda servirles de utilidad, para futuras investigaciones…
ATENTAMENTE
El Equipo.

2. Antecedentes
La invención del cinematógrafo estaba en el aire desde hacía ya cerca de cincuenta años, cuando los
hermanos Lumière acertaron no sólo a idear un aparato capaz de efectuar tomas y de proyectar su
positivo, sino también a explotar aquella invención organizando proyecciones públicas. El destino de los
hombres se juega así ante ellos; Joseph Planteau había inventado el Fenaquistiscopio en 1.828; Emile
Reynaud hacía moverse a unos personajes dibujados que él proyectaba con su Praxinoscopio; Edward
Muybridge abandona muy pronto sus experiencias; Marey no se interesaba más que por sus estudios
fisiológicos y otros no terminarían sus investigaciones. Pero nada permitía aún adivinar el futuro del
cine.
Louis Lumière; era un químico e industrial francés, el cual ideó el mecanismo de arrastre de la película,
lo que le permitió, con la colaboración de su hermano Auguste, construir el primer aparato
cinematográfico en 1895. En junio de ese mismo año, Louis Lumière fue incluso el primer operador de
actualidades al filmar a los asistentes del Congreso de fotografía descendiendo del barco en Neuville-
Sur-Saône. Fundadores de una escuela de operadores que recorrerá el mundo con cámaras de su
fabricación, los dos hermanos iban a contribuir al nacimiento de un género cinematográfico: el
documental. El cine mostraría sus innumerables posibilidades gracias a su múltiple actividad.
Con el aparato cinematográfico se filmó la primera película, La Salida de los Obreros de las Fábricas
Lumière, que fue exhibida el sábado 28 de Diciembre de 1.895 cuando se celebraba la primera
proyección del cinematógrafo de los hermanos Lumière, patentado el 13 de febrero del mismo año. La
sesión se celebró en el Grand Café de París, organizada por Clément Maurice. La entrada valía 1
franco, y asistieron 33 personas. Se proyectó un programa formado por once películas.
La Llegada del Tren, de Louis Lumière, fue un breve reportaje documental que, a pesar de su trivialidad,
obtuvo un gran éxito popular. Lumière siguió produciendo breves cintas documentales y a él se debe la
creación del género de los noticiarios; sin embargo, el inventor francés, más científico que empresario,
no llegó a captar las posibilidades comerciales del aparato cinematográfico que había inventado.
El propio padre de Louis y Auguste Lumière habla de la primera proyección de sus hijos como de una
simple “curiosidad científica”. Sin embargo, si no lo inventaron todo, los hermanos Lumière serán los
primeros en comercializar aquella “novedad”. Ya como fotógrafos y asegurando el desarrollo de sus
fábricas de placas fotográficas y de productos químicas, realizaron, en un año, cincuenta pequeños
filmes de todo género.
Desde 1.895 hasta el año 1903, los hermanos Lumière produjeron más de 2.000 películas de 16 mm,
que en la mayoría de los casos eran filmaciones de escenas naturales, algunas de ellas de carácter
cómico (como El regador regado), vistas de distintos países, etc. El auge industrial de la cinematografía
les llevó a abandonar esta actividad. Louis se dedicó al estudio de la fotografía en color y en relieve. En
1920 obtuvo la fotoesterosíntesis, y en 1935, el cine estereoscópico.
El primer estudio de cine del mundo, verdadera fábrica de sueños en película, fue concebido, financiado
y organizado por Méliès en octubre de 1.896, en el parque de su propiedad de Montreuil-Sous-Bois. Su
realización costó a su propietario unos 70.000 francos-oro; pero, ¿qué importaba el dinero a un hombre
que así daba a su pasión un medio de realizarse? de 1.897 a 1.914 Méliès produjo unos 4.000 filmes.
Entre las paredes de este estudio se hicieron realidad las invenciones de este creador-inventor que se
obstinaba en hacer del mundo mágico una regla de oro para un espectáculo cinematográfico. Méliès
creó el rodaje en estudio y la mayor parte de los trucajes del cine moderno y fue el legítimo inventor del
género fantástico con la película Viaje a la Luna (1902).
En 1.900, el estudio tenía 23m de ancho y dos pisos, donde se encontraban los camerinos de las
mujeres y de los hombres. A cada lado del escenario, dos grandes departamentos contenían los
decorados y todos los accesorios indispensables a los mecanismos de la realización. Los primeros
estudios americanos fueron construidos por Stuart Blacktone, en Florida, en 1.905.
En este mismo año, sólo habían 10 salas en todo Estados Unidos, luego una oleada de emigrantes
recientes había alquilado todos los emplazamientos disponibles para mostrar al público unos filmes que
los pioneros del cine fabricaban y montaban ellos mismos, con lo que para 1.919 ya se alcanzaba la
cifra de 10.000 salas en todo el país.
Durante los primeros años del siglo, el cine, además de ser medio de expresión, empezó a
transformarse en una poderosa estructura industrial: pronto surgieron en Francia las primeras
sociedades de producción, como la Pathé y la Gaumont; este fenómeno resultó muy evidente también
en EE UU, donde Thomas A. Edison (1847-1931) fundó la Edison Co., una productora que, junto con la
American Biograph Co. y la Vitagraph Co., controló desde el primer momento el mercado
norteamericano.
Edison no tardó en desencadenar la llamada «guerra de las patentes» con el objeto de monopolizar toda
la producción de la incipiente industria cinematográfica, para la que el célebre inventor financió películas
de tanto éxito como El Beso (1896) y, sobre todo, Asalto y Robo de un Tren (1903), de E.S. Porter, título
fundamental de uno de los géneros cinematográficos por excelencia: el western.
La completa gestación del lenguaje artístico del cine se logró entre 1908 y el final de la I Guerra Mundial,
período que antecede al apogeo del cine mudo de los años veinte. En este proceso intervino una serie
de innovaciones técnicas que mejoraron la calidad de las imágenes.
La eliminación del molesto centelleo de las proyecciones primitivas permitió alargar las exhibiciones y,
con ello, la longitud de las películas; además, las exhibiciones tendieron a estabilizarse en salas de
proyección y el público se acostumbró a asistir a las sesiones de modo regular. En la formación de este
hábito contribuyó en gran medida la aparición del cine de episodios, uno de cuyos mayores especialistas
fue el francés L. Feuillade, colaborador habitual de la Gaumont. En EE UU, otro francés, L. Gasnier,
llevó este género a su máxima expresión con los 36 episodios de Los misterios de Nueva York (1914-
1915).
En los años anteriores a la I Guerra Mundial, el cine danés ocupó un papel muy destacado gracias a sus
melodramas pasionales y a su audacia en la presentación de temas eróticos; de esta cinematografía
surgió una de las primeras «mujeres fatales» de la pantalla: la actriz A. Nielsen. El cine nórdico
contribuyó al joven arte cinematográfico con la obra de dos directores de primer orden: V. Sjöstrom y
C.Th. Dreyer, realizador de una de las películas capitales del cine mudo: La pasión de Juana de Arco
(1927).
Durante el mismo período se fraguó también la cinematografía italiana, con grandes y espectaculares
producciones, como Quo Vadis? (1912), de E. Guazzoni, y Cabiria (1913), de G. Pastrone, en la cual
intervino como operador S. de Chomón. Sin embargo, en la creación del lenguaje artístico
cinematográfico intervinieron de modo preferente los cineastas estadounidenses, muy en particular
D.W. Griffith, quien sintetizó los mejores hallazgos expresivos que habían de conformar la sintaxis básica
del cine mudo (la utilización con fines dramáticos de la técnica del montaje, el uso alternado de los
encuadres con el plano medio y el primer plano y con la innovación del gran plano general de un paisaje,
la técnica del jump cut -corte sobre un mismo emplazamiento de cámara con el objeto de representar un
paso de tiempo, la narración de dos historias paralelas y el flash back-, la técnica de la profundidad de
campo). Todo este cúmulo prodigioso de innovaciones se dio cita en sus dos obras maestras: El
Nacimiento de una Nación (1915), la película más taquillera de la historia del cine mudo, e Intolerancia
(1916).
En la época en que Griffith triunfaba, EE UU alcanzó la supremacía cinematográfica a escala mundial.
La industria estadounidense se asentó de forma progresiva desde 1913 en un arrabal de Los Ángeles
denominado Hollywood, donde fueron acudiendo los productores independientes que abandonaban
Nueva York para eludir los ataques del trust organizado por Edison. Algunos de estos productores
forman parte de la historia del cine, como W. Fox, S. Goldwyn, los hermanos Warner y A. Zukor, quien,
en 1914, fundó la Paramount, que llegó a gestionar un circuito de cinco mil salas de exhibición. La nueva
industria afincada en Hollywood se vinculó desde sus inicios a dos fenómenos cinematográficos: el
western y el star-system; el western se convirtió en el género cinematográfico más popular, gracias en
gran parte al productor y realizador Th. Harper Ince, y, al popularizar a determinados actores, contribuyó
a la aparición del star-system, fórmula que cifraba el éxito comercial en el renombre y en la celebridad
de las estrellas que intervenían en una película y en cuyo arraigo desempeñaron un papel esencial el
uso del primer plano y el encasillamiento de los actores en ciertos arquetipos idealizados.
La supremacía del cine estadounidense de este período - que no tardó en emprender el camino de las
costosas y espectaculares superproducciones, como Los diez mandamientos (1923), de C.B. de Mille-
vino dada, asimismo, por el desarrollo del cine cómico, impulsado en primer lugar por M. Sennett, en
cuyos estudios se formó el más célebre de los actores cómicos, Ch. Chaplin, quien, a partir de 1916, se
hizo mundialmente famoso con el personaje de Charlot; otras figuras primordiales de la escuela cómica
estadounidense fueron H. Lloyd y B. Keaton.
El cine mudo alcanzó su edad de oro en los años veinte. Tras superar la paralización impuesta por la
guerra, el cine europeo volvió a brillar con luz propia gracias al cine alemán, soviético y francés. La
revelación del cine alemán tuvo lugar en 1919 con el estreno de El gabinete del doctor Caligari, de R.
Wiene, que abrió las puertas a la estética del expresionismo cinematográfico, cuyos dos grandes
maestros fueron F.W. Murnau, autor de Nosferatu, el vampiro (1922) y de El último (1924), y F. Lang,
autor de Los Nibelungos (1923-1924) y de Metrópolis (1926).
El cine sonoro (1928-1945). Pese a las reticencias iniciales con que fue acogido, el cine sonoro fue
ganando posiciones desde su invención en 1928, hasta desplazar por completo al cine mudo a lo largo
de los años treinta. Las pimeras películas de calidad se debieron a J. von Sternberg, René Clair y King
Vidor; de forma paulatina, los grandes maestros del cine mudo, como Chaplin, Lang y Eisenstein, se
adaptaron al nuevo medio y prosiguieron su brillante filmografía. El cine sonoro propició el desarrollo de
dos nuevos géneros: la comedia y el cine de gángsters, muy cultivados en EE UU. Maestros
consumados de la comedia fueron E. Lubitsch y F. Capra, cuyas obras, elegantes y refinadas,
coexistieron con el género romántico en una época en la que el star-system femenino se hallaba
dominado por dos actrices de origen europeo: M. Dietrich y G. Garbo. El cine de gángsters, por su parte,
fue cultivado, entre otros, por H. Hawks y M. Le Roy. La depresión económica estadounidense propició
la aparición de un cine social, de fuerte acento crítico, entre cuyos realizadores cabe citar a W. Wyler.
Aunque, sin duda, uno de los directores más relevantes del cine estadounidense de estos años fue J.
Ford, que dignificó el western en La diligencia (1939).
El cine sonoro conllevó la aparición de nuevos talentos cómicos, como O. Hardy y S. Laurel y como los
hermanos Marx, famosos a raíz de la comicidad disparatada de Sopa de Ganso (1933) y Una noche en
la Ópera (1935), y resultó muy beneficioso para las películas de dibujos animados - género que, iniciado
en los años veinte, siguió desarrollándose gracias en gran parte a la personalidad de W. Disney para las
adaptaciones literarias, entre las que cabe destacar la realizada por V. Fleming de la novela de M.
Mitchell Lo que el Viento se Llevó (1939). En el capítulo de las innovaciones, esta época vio surgir uno
de los genios más significativos de la historia del cine: el actor y director estadounidense Orson Welles,
quien, con Ciudadano Kane (1941), aportó sugestivas y originales técnicas (la composición en
profundidad, el plano-secuencia, la utilización sistemática del flash-back y el enfoque de audaces
perspectivas visuales, facilitadas por el uso de decorados con techos). La influencia de Welles se hizo
notar en el cine negro, que nació en 1941 con El halcón Maltés, de John Huston.
En el cine estadounidense de posguerra, se asistió a un apogeo del cine negro y a la progresiva
aparición en escena de los miembros de la llamada «generación perdida», duramente golpeada por el
maccarthismo (J. Huston, B. Wilder, E. Kazan, N. Ray y F. Zinnemann); el género musical conoció por
entonces su época dorada, con los filmes de V. Minnelli, Un Americano en París (1951), y S. Donen,
Cantando bajo la Lluvia (1952), que lanzaron al estrellato a G. Kelly y a F. Sinatra. El cine
contemporáneo. La implantación acelerada de la televisión en EEUU y en Europa entre los años
cincuenta y sesenta significó para la industria cinematográfica un nuevo reto.
El cine estadounidense reaccionó impulsando producciones colosales, como la nueva versión de Los
Diez Mandamientos (1956), de C.B. De Mille, y Ben-Hur (1959), de W. Wyler, y auspiciando la aparición
de un cine de autor, basado en la libertad creadora y en la alta calidad artística del producto (R. Aldrich,
A. Penn, M. Nichols, S. Peckinpah y S. Kubrick). En los últimos años, el cine estadounidense cuenta,
entre otros, con P. Bogdanovich, W. Allen, M. Scorsese, F. Ford Coppola y S. Spielberg, quien ha
revitalizado el género de aventuras con la serie de Indiana Jones (1981, 1984, 1989).
El cine de autor alcanzó también un notable desarrollo en los países del bloque socialista, donde se
hicieron valer realizadores como A. Wajda, R. Polanski, J. Skolimowski y M. Forman. La cinematografía
británica fue renovada en los años sesenta por el movimiento del free cinema, integrado, entre otros, por
L. Anderson, K. Reisz, J. Schlesinger y T. Richardson; de forma paralela a este movimiento desarrollaron
su actividad D. Lean - Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1966) - K. Russsell y J. Losey.
El cine de autor español se consolidó tras el advenimiento de la democracia y en virtud de realizadores
como M. Gutiérrez Aragón, P. Miró, V. Erice, J. Chávarri, G. Suárez, J.L. Garci y J.J. Bigas Luna. Con
posterioridad, el cine español ha adquirido proyección internacional a través de las películas de P.
Almodóvar.

3. Cinematografía en color
Las películas en color han existido desde los comienzos mismos del cine, gracias al procedimiento
artesanal de pintar fotograma a fotograma, o de virar la película en tonos monocromos por medio de un
baño colorante. Siguiendo las experiencias de Newton en el s. XVII y las teorías de la visión cromática
establecidas por Young y Helmholtz en el XIX. Maxwell demostró en 1861 el principio de la tricromía,
que Ducos du Hauron aplico en 1868 a la fotografía; diez años después, éste logro superponer las tres
emulsiones necesarias para reproducir los colores en una misma película.
El primer sistema patentado de cine en color en la historia, el Kinemacolor, se basó en el principio de la
bicronomía; fue registrado en 1906 por G.A. Smith y Charles Urban, y permitía teñir alternativamente
de rojo y de verde las imágenes durante la proyección, a una cadencia de 32 por segundo, por medio
de unas pantallas coloreadas transparentes dispuestas ante el objetivo. En 1911 el alemán Rudolf
Fischer patentó un sistema que, perfeccionado en 1936 por el trust Agfa, se denomino Agfacolor;
industrializado en 1940, se aplicó al cine por primera vez en el film de Veit Harlan La Ciudad Soñada
(Die Goldene Stadt, 1942) y utilizaba tres emulsiones superpuestas sobre los mismos soportes,
sensibilizadas al azul, verde y rojo respectivamente, invirtiendo luego los colores en el negativo para tirar
copias sobre otra película con tres emulsiones. Pero el primer procedimiento que alcanzó un renombre
mundial fue el Technicolor, fruto de lo trabajos iniciados en 1914 por los ingenieros Herbert T. Kalmus,
Daniel Frost Comstock y W.B Westcott en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, en su primera
edición se trataba de un sistema bicrómico de dos películas de colores complementarios, que se dio a
conocer en el cine comercial con The Toll of The Sea (1922) de Charles M. Franklin.
La progresiva estabilización de los diferentes sistemas surgidos posteriormente, que se basan en los
principios ya descritos, simplificó los procesos y contribuyó a popularizar el color tras el gran éxito
mundial de Lo que el Viento se Llevo (Gone with the wind, 1939), de Victor Fleming; entre ellos cabe
destacar el Gevacolor de la casa belga Gevaert, Ferranicolor de la italiana Ferrania, Anscolor de la
americana Ansco, el sistema japonés Fujicolor, el soviético Sovcolor basa do en la Agía, etc. A partir de
1956 se generalizó el uso de negativos monopack (de una sola emulsión) para la filmación y de positivos
technicolor para el tiraje de copias, de resultados menos inestables y más económicos.
La creciente adaptación por directores de primera línea, como Visconti (Senso, 1954) o Mizoguchi (Yang
Kwei Fei, 1955), significó una mayor prestigio para el cine cromático, que recibió un definitivo
espaldarazo internacional con el triunfo en Venecia del filme de Antonioni Il Deserto Rosso (1964)¡. La
madurez de los profesionales, la estabilidad de los sistemas, La integración del color a todas las esferas
de vida cotidiana, el mercado suplementario de la televisión, han motivado que, en la actualidad, la
producción las películas cromáticas tienda a superar en todo el mundo a las filmadas en blanco y negro.

4. Técnica Cinematográfica
La técnica del cine consiste en hacer pasar ante nuestros ojos varias imágenes por segundo, dándonos
así la ilusión del movimiento; en efecto las imágenes percibidas por nuestra retina no se borran
instantáneamente. Esta es la razón por la que nuestro ojo no percibe más que una línea continua de
fuego cuando agitamos un tizón en la oscuridad. La observación de este fenómeno se remonta en la
Antigüedad, pero fue necesario que los hombres necesitasen fotografiar las sucesivas fases del
desplazamiento para que de una observación naciese una invención que iba a convertirse en un nuevo
medio de expresión.
El proceso creador de una película se inicia con la redacción del guión – que puede ser un texto original
o una adaptación literaria – por el director, por uno o varios guionistas o en colaboración mutua. Cuando
el guión es aceptado por el productor o una empresa productora dispuesta a financiar la película, se
establece los reparto de actores que deberán interpretarla, se localizan los escenarios de rodaje, se
construyen los decorados de estudios, si los hubiere, y se selecciona al personal técnico y artístico que
trabajara a las órdenes del director. Una vez comenzado el rodaje, el director es la máxima autoridad en
el terreno artístico - técnico, mientras que la responsabilidad de la buena marcha económica y
administrativa de la película recae en el director general de producción o en el jefe de producción,
representa los intereses de la empresa.
A las órdenes del director están, además, de los actores, operador jefe, responsable de la iluminación y
de la calidad de fotografía, su ayudante o cameraman, encargado del encuadre de cada toma, el
maquillador, el técnico de sonido, el ayudante de dirección y los obreros y maquinistas del equipo. En la
operación de rodaje se impresiona la película virgen a la cadencia de 24 imágenes por segundo (16 en
cine mudo) y puede registrarse también el sonido en toma directa, aunque en algunos registra se
prescinde del registro de sonido, o se graba únicamente un sonido de referencia. Salvo rarísimas
excepciones, la película no se rueda siguiendo la continuidad establecida en el guión, sino según
convenga en cuestiones de economía y organización, velando la scriptgirl (o secretaria de rodaje) para
que a pesar de ello no se produzcan fallos de raccord u otras anomalías en la continuidad narrativa.
La película que se impresiona cada día, sigue el plan de rodaje establecido, es enviada al laboratorio
para ser revelada, positiva y controlada directamente por el director, quien selecciona las tomas que le
resultan más satisfactorias. Este material llamado copión, pasa a manos del montador, que es el
encargado de eliminar los trazos inservibles (descartes) y de restablecer a partir de dicho material la
continuidad narrativa del guión en la llamada copia del trabajo, en la que se empalman ordenadamente
los planos que la compones.
Cuando el rodaje a concluido, el director y el montador de aplican a realizar las operaciones propias del
montaje en dicha copia con la ayuda de la moviola y empalmando los planos entre sí mediante un
adhesivo con acetona. Cuando la copia del trabajo entera satisfacción del director, se procede a
sonorizarla, en caso de que se hubiera sido rodada sin sonido, o ha montar la banda sonora, en caso
contrario, en sincronía con la película montada.
Para la sonorización se emplean tres bandas sonoras, independiente correspondiente a las grabaciones
de diálogos, músicas y efectos sonoros respectivamente, que el ingeniero de sonido funde luego de una
banda única mediante la operación de la mezcla. A partir de la copia positiva montada se establece
idéntica continuidad con la película negativa correspondiente, y de esta película negativa así montada se
tiran las copias positivas para la explotación, que llevan incorporadas en el mismo soporte los
fotogramas y la banda óptica de sonido.
Del negativo original puede también tirarse una copia positivo de grano muy fino, llamada lavender, de
la que se obtiene un segundo negativo, utilizado para tirar las copias de explotación, quedando
depositada la película negativa original en un almacén que reúna condiciones de seguridad (llamado
voltio en el argot cinematográfico). La primera copia positiva se denomina copia estándar o copia cero y
a partir de ella se efectúan las correcciones de luminosidad de los diversos planos para obtener
uniformidad en la calidad fotográfica de cada escena, operación que realiza él director de fotografía y
que se llama etalonaje. Las sucesivas copias positivas se denominan copia 1 copia 2, etc. La
proyección de la película sobre la pantalla se efectúa haciéndole desfilar, en el aparato proyector situado
ante ella, entre una fuente de luz intensa y el objetivo de proyección que se utilizó para impresionarla.
Cuando las cadencias no son las mismas, se produce el fenómeno anómalo de movimiento retardado o
acelerado.
Por su longitud la película puede ser un largometraje o un cortometraje. Atendiendo a su estructura se
divide en secuencias, escenas y planos que han sido comparados, sin gran rigor, al capítulo, párrafo y
frase de una novela. El plano es una dramática fundamental, computa por una serie de fotogramas
estáticos impresionados por la cámara con rigurosa continuidad de tiempo y se define por cinco
elementos: encuadre (espacio transversal abarcado), campo (espacio longitudinal abarcado), ángulo
(incidencia de eje óptico sobre el sujeto), movimiento (panorámica travelling o grúa) y metraje (o longitud
de plano).
El montaje de los diversos planos, que hace nacer la unidad orgánica del film, permite crear un espacio
y un tiempo cinematográficos distintos a los reales. Pero en el interior del plano el espacio y el tiempo
son reales, a menos que intervengan trucajes distorsionadores (acelerados, maquetas, transparencias,
etc.).

5. Industrias Cinematográficas
La cinematografía constituye una de las industrias más importante de bienes de consumo, de origen
reciente y que generan mayor cantidad de economías externas, que inciden en una serie de actividades,
desde las publicaciones gráficas hasta la industria de confección, abarcando buena parte de los bienes
de consumo.
El film, eje central de la industria cinematográfica, reviste la característica de ser un producto de
consumo masivo. La cinematografía como fenómeno económico presenta dos peculiaridades: a) la
demanda de filmes es una demanda dirigida, por tanto no libre; b) se trata de una industria ligada a la
evolución de las condiciones técnicas incluso sociales de este siglo XX. La industria cinematográfica se
inicia con una carácter acentuadamente artesanal en las postrimerías del s. XIX y principios del s. XX.
En una primera etapa, que abarca hasta la I Guerra Mundial, la industria cinematográfica se enfrentó,
por un lado, con la escasez de película virgen y, por otro, con una oferta escasa para hacer frente a una
demanda débil. La distribución de los filmes se realizó en esta primera etapa a partir de los
productores, que suministraban filmes directamente a los exhibidores, a menudo ambulantes.
Surgen los primeros locales cinematográficos, lo que impulsó notablemente a la demanda e hizo
aparecer filmes de duración superior a 200 mts. Pathé, Edinson, Biographa, Vitagraph y Messter son los
nombres que corresponden a los primeros años de esta época, en que se condolida definitivamente el
comercio del film y se separan las tres ramas de la actividad cinematográfica: producción, distribución y
exhibición siendo en definitiva los distribuidos quienes controlan en definitiva el mercado, especialmente
frente a la atomicidad de los productores.
Hacia 1.910 aparecen las primeras tentativas monopolísticas: Pathé et Gaumont, distribuidora francesa,
se extendió por toda Europa y consiguió llegar a la concentración vertical al abarcar la producción,
distribución y la exhibición. En EE.UU la Motion Pictures Patents Company desempeñaba un papel
semejante. La Primera Guerra Mundial interrumpió el rápido crecimiento de la oferta y el proceso de
concentración industrial. Surgieron las compañías independientes, que impusieron los largometrajes y el
Start-Systems, con lo que se consiguió aumentar el valor comercial del film.
La Segunda Etapa abarca el período 1918 al 1927. En Alemania surgió la UFA, y en EE.UU, las
compañías independientes Paramaunt, Goldwyn, Warner Bros, Fox, etc., se prepararon para la
conquista del mercado mundial. En 1920 EE.UU, produjo 796 largometrajes, frente a 646 producidos
por Alemania y 65 en Francia. En este año cerca del 80% de las películas proyectadas en Europa
fueron estadounidenses. Hollywood surgió en esa época como sede mundial de la industria
cinematográfica, y con ello se impuso definitivamente la necesidad de cambiar la estructura financiera
anterior. En la década de los 20 la banca inició su dominio de la industria cinematográfica, y al final de
la etapa del cine mudo había absorbido en EE.UU todas las compañías independientes, excepto las 7
grandes de su época: 20th Century Fox, Warner Bros, Paramount Universal Pictures, United Artits, First
National y Metro-Goldwyn Mayer. En esta época inciaron su producción masiva Gran Bretaña, la
U.R.S.S., Japón y la India.
La Tercera Etapa del cine como industria abarca el período de 1948 al 1945. Rasgos característicos en
esta fase son la consolidación del cine sonoro y con ello la aparición de la industria electrónica en el
control de la industria cinematográfica. En EE.UU destacará la importancia de la American Telephon and
Telegraph y de la General Electric (a través de la RCA).
Con la aparición del sonoro el control de la industria se pierde definitivamente para las empresas
puramente cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria electrónica.
Esta etapa marca la cada vez mayor trascendencia del filme como producto de exportación. En este
mismo período se introduce y se consolida el cine en color, que representa mayor comercialización del
producto, y un nuevo acicate a la demanda. En Gran Bretaña surgirá como gran empresa de rango
internacional The Arthur Rank. Japón e Italia consolidarán en esta época su cinematografía.
La Cuarta etapa de la industria cinematográfica abarca el período de 1945 al 1957, y tiene como
característica esencial la competencia con la televisión en los países industrializados. Esta competencia
obliga a la continua introducción de nuevos sistemas en la década de los años 50 (Cinerama,
Cinemascope, Todd-AO, etc.) y la reconversión de la producción ante la necesidad de realizar telefilms,
especialmente en los EE.UU, lo que repercute en l descenso de la producción.
Surge, por otra parte, una industria cinematográfica de carácter estatal, en los nuevos países socialistas
de modo especial en Checoslovaquia y en Polonia (cabe destacar el film Polsky de este último país). En
1946 se inicia una nueva forma de producción de filmes, la coproducción realizada mediante el acuerdo
entre productoras de distintas nacionalizadas para compartirse los costes y conseguirse mayores
beneficios, realizando copias con escenas distintas según el rigor de la censura de los distintos países.
Italia, Francia y, posteriormente, España y Alemania, son los primeros países en régimen de
coproducción.
La última etapa de la industria cinematográfica se abre entre 1958 y 1960. En ella destaca la creciente
producción del Japón, que con sus cinco grandes productores (Shochiku, Toho, Daiei, Tohei y Shintoho)
cubre las necesidades no sólo del Japón y de gran parte del sudeste asiático, sino que se ha convertido
en uno de los mayores exportadores mundiales. India y Hong Kong son ejemplos de productores que
han incrementado extraordinariamente su producción. Los países iberoamericanos únicamente
mantienen una posición destacable Méjico, Argentina y Brasil, habiendo descendido notablemente la
producción argentina y en menor grado la mejicana.
En España la producción cinematográfica se inició a finales del último decenio del siglo pasado, pero
durante la primera mitad del actual mantuvo en gran parte el carácter artesano inicial; entre 1939 y 1953
se produjeron 639 filmes por 199 productoras.
El despegue de la industria cinematográfica se inició al final de la década de los 50, propiciado por las
coproducciones (en 1967, de 140 largometrajes 91 lo eran en régimen de coproducción) generalmente
con Italia. Sin embargo, el mercado español continua dominado por los filmes EE.UU. la exportación de
filmes españoles, independientemente de las coproducciones, es bajísima debida a su escasa
comercialidad provocado por el rigor de la censura y insuficiente calidad comercial.

6. Efectos Especiales
Son procedimientos que permiten intervenir sobre el contenido visual o sonoro de las escenas
presentadas al espectador. La denominación engloba las diferentes técnicas con las que se crean
efectos artificiales mediante la manipulación de los parámetros (velocidad, iluminación, etc.) que
caracterizan la imagen registrada por la cámara cinematográfica.
Entre los diversos dispositivos utilizados para crear efectos especiales destacan los filtros, que permiten
absorber parte de la luz, generar imágenes múltiples (gracias a una superficie tallada de forma
concreta), enfocar simultáneamente dos motivos (uno cercano y otro lejano), etc. Asimismo, se
consideran efectos especiales los fundidos (desaparición gradual de una escena), los encadenados
(doble exposición que permite transformar una escena en otra), las cortinillas (para ocultar una imagen y
revelar otra) y la sobreimpresión (doble exposición que permite que una imagen aparezca superpuesta a
otra). La modificación de la velocidad de registro permite crear efectos de aceleración o frenado de las
imágenes (cámaras lenta y rápida) o la exposición a intervalos (gracias a la cual se pueden hacer
«aparecer» y «desaparecer» objetos o personas). Forman parte de las técnicas de efectos especiales la
utilización de maquetas, la superposición de vidrios pintados que ocultan partes del motivo que se desea
ocultar (mat-painting), el empleo de viñetas (para superponer personajes a fondos, limitar imágenes,
etc.), las composiciones de espejos y la proyección de fondos animados. Finalmente, las técnicas para
la creación de efectos especiales incluyen todo cuanto se relaciona con los dibujos animados.

7. Géneros
Desde las primeras escenas cotidianas de los hermanos Lumière, el cine se acercó a todo tipo de
temas, en cualquier lugar y etapa histórica. Por su temática central, los filmes se han clasificado en una
serie de "géneros", con sus normas, personajes y tópicos característicos, que se han mantenido dentro
de ciertas constantes a lo largo de muchos años. Algunos de estos géneros son:

Documental:
El objeto del cine documental es el reflejo más o menos fiel de la vida real. Sus pioneros fueron los
Hermanos Lumière y los noticieros de Charles Pathé. El Estadounidense Robert Flaherty fue su principal
cultivador, con Nanook Of The North (1922; Nanuk el Esquimal). Durante la segunda Guerra mundial, el
género se puso al servicio de las diferentes naciones en conflicto. En el Reino Unido, John Grierson creó
una importante escuela documentalista.

Western:
Trata el Western del mundo del oeste Norteamericano (pistoleros, indios, diligencias, trenes). Se inició
con Edwin S. Porter y The Great Train Robbery (1903; Asalto y Robo de un Tren), y en el cine mudo lo
cultivaron Thomas H. Ince y D. W. Griffith. La Consagración del género llegó con Stagecoach (1939; La
diligencia), de John Ford, exaltación de la dura vida del oeste, como ocurrió también en las obras de
Howard Hawks y Anthony Mann. En la década de 1960, con Sam Peckinpah, se inició un tipo de
Western de tendencia desmitificadora.

Cine épico y de aventuras:

Refleja el Cine Épico y de Aventuras un mundo heroico de combates y aventuras, de grandes
decorados, predominando la acción y lo narrativo. Sus protagonistas abarcan todas las épocas
Históricas. Los primeros fueron los filmes italianos que exaltaban el pasado de su país. Los soviéticos le
dieron un impulso épico, con sus temas revolucionarios. En el mudo destacó Napoléon (1926), de Abel
Gance. Ya en el sonoro cabe citar, a título meramente ejemplificador, Las series sobre Tarzán; Cleopatra
(1963), Steven Spielberg dio nueva vitalidad y cierto humor al género en la década de 1980 con la ya
mencionada Raiders Of The Lost Ark y otras cintas.

Filmes de guerra:
Las películas de guerra ofrecen ésta como espectáculo cinematográfico, con tono patriótico o crítico. Se
inició el género con The Birth of a Nation (1915; El Nacimiento de una Nación), de Griffith. Las dos
guerras mundiales inspiraron muchísimas películas, Como The Big Parade (l925; el gran desfile), del
Estadounidense King Vidor, y la mencionada la grande Illusion, del francés Jean Renoir. La crítica a los
horrores bélicos fue ejemplificada por el estadounidense Joseph Losey en King And Country (1964; Por
el Rey y la Patria). La guerra del vietnam daría pie a numerosas Películas en los estados unidos, como
Apocalypse Now (1979), de francis ford coppola, y platoon (1986; Pelotón), de Oliver Stone.

Cine de terror:
Recurre el cine de terror a la fantasía y al miedo a través de personajes monstruosos o sobrenaturales
-fantasmas, brujas, demonios, vampiros-. Empezó con el expresionismo alemán. Clásicos del género
han sido Dracula (1931), con el actor Bela Lugosi; Frankenstein (1931), con Boris Karloff; y King Kong
(1933). En la década de 1940, la productora Estadounidense r.k.o., y más tarde la Hammer Británica, se
especializaron en estos temas. A partir de La década de 1970, este género se hizo más descriptivo Y
violento, según una tendencia iniciada Por The Night of the Living Dead (1969; la noche de los muertos
Vivientes), de George Romero. Gran éxito alcanzó Poltergeist (1982), de Tobe Hooper.

Ciencia-ficción:
Comprende el género de la Ciencia-ficción viajes interplanetarios, seres Extraterrestres, experimentos
atómicos y mundos Futuros. Puede acercarse al cine de terror y al bélico. Han destacado 2001, a Space
Odyssey (1968), del Estadounidense Stanley Kubrick, y Star Wars (1977; La Guerra de las Galaxias), de
su compatriota George Lucas. Un estilo muy personal mostró el soviético Andréi Tarkovski En Solaris
(1972). Otro estadounidense, Steven Spielberg, dio nuevas perspectivas al género y consiguió enorme
popularidad con E. T. (1982).

Cine musical:
Se denomina cine musical al género en que las escenas cantadas o bailadas son las predominantes.
Nació con el sonoro y se estableció sobre todo en los estados unidos según el modelo de los
espectáculos de Broadway. Entre los grandes creadores estuvieron los directores Busby Berkeley y
Stanley donen, el actor Fred Astaire el actor y director Gene Kelly, y el director y coreógrafo Bob Fosse.
Un Peculiar intento de revitalizar el musical fue Cotton Club (1983), de Francis Ford Coppola.

Comedia:
Se basa la comedia en el humor y el enredo, y Busca ante todo la carcajada y la sonrisa. Sus primeros
Maestros fueron Charles Chaplin y Buster Keaton, que Dirigieron y protagonizaron sus películas. Con el
cine Sonoro se consagraron en los estados unidos los Hermanos Marx, Frank Capra y Ernst Lubitsch,
mientras En Europa triunfaban las comedias italianas y el francés Jacques Tati. Posteriormente
sobresalió el Estadounidense Woody Allen, que consolidó su gran prestigio gracias a la comedia lírica
The Purple Rose of Cairo (1985; La Rosa Púrpura de El Cairo).

Cine político:
La temática política es tratada con frecuencia por el cine. A lo largo de la historia Cinematográfica han
abundado los especialistas en este tipo de argumentos, tanto en el ámbito documental como en el de la
dramatización de episodios reales de significación política. Ya en sus primeras décadas de desarrollo el
"Séptimo Arte" contó con notables muestras de su motivación política, tales como las obras capitales De
Serguéi Eisenstein Bronenósets Potiomkin (1925, el Acorazado Potemkin) y Oktiabr (1928; octubre).
Posteriormente, otros célebres directores dedicaron buena parte de su obra a creaciones en las que
predominaban los aspectos políticos.

Cine social:
Los argumentos sociales, parcialmente afines a géneros específicos como el melodrama y a estilos
como el neorrealismo, presentan numerosas manifestaciones a lo largo de la evolución del arte
Cinematográfico. Merecen destacarse, entre otros, títulos Como The Grapes Of Wrath (1940; Las Uvas
de la Ira o Viñas de Ira), de John Ford; Ladri Di Biciclette (1948; Ladrón de bicicletas), de Vittorio De
Sica; los Olvidados (1950), de Luis Buñuel; y la red (1953), de Emilio (el indio) Fernández.

Cine negro y policiaco:

Los argumentos clásicos del Cine negro versan sobre crímenes y criminales, policías y Detectives,
gángsters y ladrones. Tema preferido es el Del mundo del hampa en la década de 1920 en los Estados
unidos. Entre las Muchas obras maestras del género cabe citar The Maltese Falcon (1941; el halcón
maltés), de John Huston, y la Personalísima Touch Of Evil (1957; sed de Mal), de Orson Welles. El reino
unido ofreció una visión icónica del mundo del espionaje con la serie sobre James Bond, cercana al cine
de aventuras. Posteriormente, el género osciló entre la recreación de los modelos clásicos -Chinatown
(1974), producción estadounidense del Polaco Roman Polansky- o la adaptación a las nuevas
circunstancias sociales, de lo que fueron muestra la ya Citada Der Amenkanische Freund (1976), del
alemán Wim Wenders, y Witness (1985; último testigo), Realizada en los estados unidos por el
australiano Peter Weir.

Melodrama:
El género del melodrama se centra en las pasiones humanas, destacando lo trágico y lo dramático y
desarrollando conflictos individuales. Han sobresalido Los austríacos Erich Von Stroheim y Josef Von
Sternberg, El italiano Luchino Visconti, el estadounidense de origen Alemán douglas sirk, los cineastas
japoneses y el francés François Truffaut.

Filmes de propaganda:
Divulgan los filmes de Propaganda ideas sociales y políticas en favor de una ideología determinada. Los
primeros en impulsar este Cine fueron los cineastas rusos. En Alemania, con el Nazismo, se desarrolló
toda una propaganda política Dirigida por Goebbels. Tras la guerra, en los estados Unidos se produjo
una corriente anticomunista, Defendida por el comité de actividades Antiestadounidenses. La renovación
del género vino con El Neorrealismo Italiano.

Cine animado:
Por cine animado se entiende la Filmación de dibujos o muñecos fotograma a fotograma. Sus
precursores fueron los franceses Émile Reynaud y Émile Cohl. El gran impulso lo dio Walt Disney en los
Estados unidos. Entre las principales escuelas debe citarse la checoslovaca, con Jiri Trnka, y la
canadiense, impulsada por Norman Mclaren. Un ambicioso intento De ampliar las posibilidades fue la
adaptación de la novela The Lord Of The Rings (El Señor de los Anillos), realizada en 1978 por Ralph
Bakshi.

8. Bibliografía
Diccionario Enciclopédico SALVAT UNIVERSAL.
Tomo Nº 7.
Editores SALVAT.
Barcelona, España.
1.969
GRAN ENCICLOPEDIA DE VENEZUELA.
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1.998.
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Por: Encyclopedia Britannica Publishers, Inc.
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Por: Encyclopedia Britannica Publishers, Inc.
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Enciclopedia Multimedia ENCARTA 1.998.
Por: Microsoft.
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Enciclopedia Multimedia PLANETA De AGOSTINI.
CD Nº 1-12.
Editorial PLANETA De AGOSTINI
Revista PRIMICIA.
Venezuela, 1.997.

9. Glosario
Actor: Hombre que representa un personaje en una obra teatral, cinematográfica, televisiva o
radiofónica.
Actor Secundario: Actor cinematográfico que interpreta un papel que no es protagonista.
Actriz: Mujer que representa un personaje en una obra teatral, cinematográfica, televisiva o radiofónica.
Allen, Allan Stewart Konigsberg: Llamado Woody. Director y actor de cine estadounidense. Revelado
como uno de los grandes directores cómicos de su país, con el tiempo abordó temas dramáticos de
entidad, inspirados en Bergman (La última noche de Boris Grushenko, 1975; Manhattan, 1979; La rosa
púrpura del Cairo, 1985; Hanna y sus hermanas, 1986; Delitos y faltas, 1990; Maridos y mujeres, 1992;
Misterioso asesinato en Manhattan, 1993; Balas sobre Broadway, 1994; Poderosa Afrodita, 1995).
Almodovar, Pedro: Director de cine español, nacido en Calzada de Calatrava (Ciudad Real). Inició su
carrera con la realización de películas independientes y en colaboraciones con el grupo teatral Los
goliardos. Autodidacto, su cine es personal, melodramático y popular (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del
montón, 1980; Laberinto de pasiones, 1982; ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, 1984; Matador,
1985; Mujeres al borde de un ataque de nervios, 1987; La ley del deseo, 1988; Átame, 1989; Tacones
lejanos, 1992; Kika, 1993; La Flor de mi secreto, 1995).
Animación: Técnica cinematográfica con la que se consigue dar a dibujos u objetos inanimados
sensación de movimiento.
Apogeo: Grado máximo de grandeza, perfección, poder, etc.
Arquetipos: Idea que sirve de modelo a otra. Modelo original y primario en un arte u otra cosa.
Audacia: Osadía, atrevimiento, descaro.
Banda Sonora: Parte de la película en la cual se graba el sonido.
Bicromía: Impresión en dos colores.
Butacas: Silla de brazos con el respaldo inclinado hacia atrás. Asiento de teatros y cines.
Calidad: Propiedad o conjunto de propiedades propias de una cosa, que sirve de referencia para
compararla con otras de su misma especie. En sentido absoluto, superioridad o excelencia.
Cámara: Aparato que permite captar imágenes fijas (cámara fotográfica) o animadas (cámara de cine o
televisión) mediante un sistema de registro determinado. C. cinematográfica. La que permite el registro
de imágenes y sonido sobre una película de material fotosensible.
Camerino: Camarín, habitación donde los actores se preparan para la representación.
Campo: Ámbito real o ficticio de una actividad, idea o materia.
Cantinflas, Mario Moreno Reyes: Actor cinematográfico mexicano, nacido en Ciudad de México. Encarnó
un tipo cómico, entre payaso y pícaro, de gran éxito (Ahí está el detalle, J. Bustillo Oro, 1940; La Vuelta
al Mundo en Ochenta Días, M. Anderson, 1955; El Padrecito, M.M. Delgado, 1964; Don Quijote Cabalga
de Nuevo, R. Gabaldón, 1972; El Barrendero, M.M. Delgado, 1982).
Casablanca: Filme estadounidense, dirigido en 1943 por Michael Curtiz e interpretado por Humphrey
Bogart e Ingrid Bergman. La acción se desarrolla durante la segunda guerra mundial en la ciudad
marroquí que da nombre a la película, refugio de huidos del régimen nazi que esperaban la oportunidad
de alcanzar algún país aliado.
Celebridad: Fama, renombre de una persona o cosa. Persona famosa.
Centelleo: Brillo, destellos de luz intermitentes y de intensidad variable.
Chaplin, Charles Spencer: Llamado Charlie. Actor, director y productor de cine británico. Instalado en
EE UU en 1912, fue contratado por M. Sennett y creó un arquetipo cómico, Charlot, de gran éxito en
todo el mundo. Como productor y director, se distinguió por sus rodajes muy preparados, con absoluto
control de la producción y de la distribución y con la composición autógrafa de la música.
Cine de Autor: Aquel realizado por un director que a su vez es el guionista y controla la producción
técnica.
Cine Mudo: Aquel en que la proyección es silenciosa, sin acompañamiento de sonidos y voces.
Cine Sonoro: Aquel en que la proyección va acompañada de sonidos y voces.
Cine: Apócope de cinematógrafo, local o edificio destinado a la proyección de películas
cinematográficas. Apócope de cinematografía.
Cineasta: Persona que interviene en la confección de una película cinematográfica, desarrollando una
tarea como director, actor, productor, etc.
Cinematografía: Arte de representar imágenes en movimiento por medio del cinematógrafo. Industria
cinematográfica.
Cinematógrafo: Procedimiento óptico-mecánico que descompone el movimiento en una serie de
imágenes fijas y que permite su posterior reproducción sobre una pantalla. Edificio o local en el que se
exhiben películas cinematográficas.
Cinta: Película cinematográfica.
Color: Sensación visual producida por las ondas electromagnéticas de longitud de onda comprendida
entre 3.600 Ä (violeta) y 7.800 Ä (rojo), difundidas o reflejadas por un cuerpo.
Comedia: Obra dramática, a menudo de enredo y con final feliz. Género cómico.
Comercializar: Dar a los productos condiciones y organización comercial para su venta.
Copias: Duplicado en positivo de una película cinematográfica o de una fotografía.
Copión: Película que se obtiene empalmando todos los planos, y con la que se procede al montaje
definitivo.
Cortometraje: Película cinematográfica de longitud inferior a los 1.000 m (35 minutos de duración).
Crítica: Arte de juzgar la calidad, bondad y belleza de las cosas. Juicio sobre una obra literaria o
artística. Conjunto de críticos de arte, literatura, etc.
Cromática: Perteneciente o relativo a los colores.
Cronofotografía: Serie de fotografías tomadas de un sujeto u objeto en movimiento, a intervalos
predeterminados, que permite su descomposición en fases sucesivas y constituye la base del
cinematógrafo.
Cúmulo: Montón de cosas sobrepuestas.
Decorados: Conjunto de elementos con que se simula un lugar en las representaciones teatrales.
Director: Máximo responsable de la ejecución y de la calidad artística de una película, que manda sobre
un equipo de técnicos y de artistas.
Disney, Walter Elias: Llamado Walt Productor y director cinematográfico estadounidense. Tras alcanzar
el éxito en 1928 con los cortos del ratón Mickey, pudo crear su propia productora, Walt Disney
Productions, de la que surgieron las películas de dibujos animados que le convirtieron en el mayor
creador de la especialidad (Blancanieves y los Siete Enanitos, 1.937, Pinocho, 1940; Fantasía, 1940;
Dumbo, 1941; Bambi, 1942; La Cenicienta, 1950; Peter Pan, 1953; La Dama y el Vagabundo, 1955; La
Bella Durmiente del Bosque, 1959; 101 Dálmatas, 1961; Mary Poppins, 1.964, El Libro de la Selva,
1967, Aladdin, 1.992, El Rey León, 1.994, Pocahontas, 1.995, Toy Story, 1.996 y El Jorobado de Notre
Dame, 1.996, Hércules, 1.997).
Documental: Película que muestra escenas tomadas de la realidad con propósito informativo o
pedagógico.
Drama: Género literario que comprende las obras escritas para ser representadas. Obra de teatro,
especialmente la de tema serio o penoso.
Dramático: Perteneciente o relativo al drama. Dícese del género en que están escritas las obras
destinadas a ser representadas.
Efecto Especiales: Procedimientos que permiten intervenir sobre el contenido visual o sonoro de las
escenas presentadas al espectador. La denominación engloba las diferentes técnicas con las que se
crean efectos artificiales mediante la manipulación de los parámetros (velocidad, iluminación, etc.) que
caracterizan la imagen registrada por la cámara cinematográfica.
Emplazamiento: Situación, colocación.
Emulsiones: Las emulsiones de una película son capas delgadas de gelatina sensibles a la luz que
reaccionan químicamente para registrar el color y los espacios sombreados de un motivo. En la
fotografía en blanco y negro sólo es necesaria una emulsión debido a que es la cantidad de luz y no el
color la que activa la reacción química. La película de color requiere tres capas de emulsión, cada una
de ellas es sensible sólo a uno de los colores primarios de la luz: azul, verde o rojo. Como la luz
atraviesa las tres capas, cada una de ellas registra sólo la zona donde aparece el color del motivo al que
es sensible.
Encasillar: Poner en casillas. Clasificar, ordenar. Clasificar actores, en especial de modo arbitrario.
Episodios: Cada uno de los sucesos que, enlazado con otros, forma un todo o conjunto. Cada una de
las acciones parciales o de las partes integrantes de la acción principal en una obra.
Escandinava: Relativa a Escandinavia, región de la Europa septentrional que, en su acepción
restringida, comprende los estados de Suecia, Noruega y Dinamarca.
Escenario: Parte del teatro dispuesta para que en ella se pueda colocar el decorado y representar obras
dramáticas.
Espectáculo: Función, recital u otra diversión o entretenimiento público, que tiene lugar en un teatro, en
un circo o en otro edificio o lugar en que se reúne gente para presenciarlo, o que se ofrece por
televisión.
Estereoscopio: Instrumento óptico que permite contemplar imágenes en relieve. En el estereoscopio, la
sensación tridimensional se consigue a partir de dos imágenes fotográficas tomadas desde puntos de
vista correspondientes a la posición de los ojos. A partir de aquí, un par de lentes asociadas a dos
espejos facilitan una visión de las dos imágenes, equivalente a la que se obtendría si el origen óptico
estuviera únicamente en un punto, lo cual, observado con los dos ojos, da la sensación de profundidad
estereoscópica que es propia de la observación directa de un objeto tridimensional.
Estrella: Persona que sobresale en su profesión por sus dotes excepcionales, especialmente la que se
dedica al espectáculo.
Estrellato: Condición de la persona que ha triunfado en su profesión y se ha convertido en una estrella.
Estudio: Conjunto de edificios o dependencias destinado a la grabación de películas de cine, programas
de radio o televisión, etc.
Exhibición: Proyección de una película cinematográfica.
Fama: Noticia u opinión general sobre alguien o algo. Opinión generalizada y muy difundida sobre la
excelencia de alguien en su profesión o arte. Renombre, celebridad.
Fantástico: Género literario o cinematográfico que hace referencia a lo sobrenatural, a la magia, al terror
o a la ciencia ficción.
Fenaquistiscopio: Aparato que produce la ilusión del movimiento, inventado por J. Plateau en 1832.
Film: Película cinematográfica.
Filmar: Impresionar en una película cinematográfica o en una cinta de vídeo las imágenes que se
proyectarán con posteriori-dad.
Filmografía: Conjunto de filmes de un actor, un director, etc.
Financiar: Aportar el dinero necesario para una empresa. Sufragar los gastos de una actividad, obra,
etc.
Flash-back: (voz inglesa) Evocación retrospectiva inserta en la acción principal.
Fotografía: Denominación que engloba todos los procesos de obtención de imágenes permanentes
basados en la utilización de los efectos de sensibilidad a la luz por parte de ciertas sustancias químicas
y materiales (por regla general, compuestos de plata del grupo de los haluros).
Fotograma: Cada una de las fotografías que componen una película cinemato-gráfica.
Fraguar: Idear, discurrir y planear alguna cosa.
Franco:. Nombre de diversas unidades monetarias antiguas francesas. Unidad monetaria vigente en
Francia desde la Revolución, sustituida en 1960 por el franco nuevo, con valor de 100 francos antiguos.
Gaumont, Léon: Inventor e industrial francés. Ideó el cronofotógrafo, aparato capaz de fotografiar un
objeto móvil y obtener instantáneas sucesivas de cada fase del movimiento. Realizó diversos
experimentos de cine sonoro y ensayó el sistema tricrómico para la producción de filmes en color. Está
considerado como uno de los primeros nombres importantes de la industria cinematográfica.
Género: Carácter común esencial aplicable a una clase de películas.
Guión: Relación escrita y detallada de la acción, los diálogos y los personajes de una película
cinematográfica, o de un programa de televisión o radiofónico. G. Técnico. Guión literario de una
película, que con-tiene las indicaciones técnicas pertinentes: secuencias, planos, movimientos, etc.
Guionista: Persona especializada en hacer guiones de cine, radio o televisión.
Hollywood: Ciudad de EE UU en el estado de California. Fundada en las primeras décadas del s. XX
con la instalación de los primeros estudios de cine, actualmente es un barrio residencial al NO de Los
Ángeles donde se hallan los principales estudios cinematográficos norteamericanos.
Iluminación: Conjunto de luces destinadas a iluminar grandes superficies, como un estadio deportivo, o
un espectáculo, una representación teatral, el rodaje de una película, etc.
Imagen: Reproducción visual de la figura de un objeto sobre un espejo, pantalla, etc.
Inaugurar: Abrir solemnemente un establecimiento público. Celebrar el estreno de una película, edificio o
monumento de utilidad pública.
Innovar: Cambiar las cosas, introduciendo novedades.
Inventar: Imaginar el artista su obra.
Largometraje: Película cinematográfica cuya duración sobrepasa los sesenta minutos.
Lumière, Auguste: Biólogo e industrial francés. Colaboró con su hermano Louis en la fabricación de la
primera cámara de filmación cinematográfica y realizó importantes trabajos de luminotecnia y
cinematografía. Después se inclinó por el estudio de los coloides en fisiología.
Lumière, Louis: Químico e industrial francés. Ideó el mecanismo de arrastre de la película, lo que le
permitió, con la cola-boración de su hermano Auguste, construir el primer aparato cinematográfico en
1895.
Méliès, Georges: Director y productor de cine francés. Procedente del campo del ilusionismo, fue uno
de los pioneros de la cinematografía. Ha sido reconocido como el creador del cine fantástico. Descubrió
gran cantidad de trucajes y cultivó también el cine histórico y publicitario. Entre sus obras más notables
destacan: El hombre de la cabeza de caucho (1901), Viaje a la Luna (1902), A la conquista del Polo
(1912). Realizó unas 500 películas para su empresa Star Film hasta 1914, fecha en que se retiró.
Melodrama: Drama popular que trata de conmover por la violencia y el sentimentalismo de las
situaciones. Obra dramática cantada y puesta en música o declamada y sostenida por un acompaña-
miento musical.
Monocromos: De un solo color.
Montaje: Operación de seleccionar, ordenar y empalmar los diversos elementos (imagen, sonido) que
componen una película.
Movimiento: Estado de los cuerpos mientras cambian de lugar o de posición.
Muybridge, Edward Muggeridge: Fotógrafo británico. Fue un pionero de la fotografía del movimiento y de
la cinematografía. Inició sus pruebas en 1872, y en 1878 registró cada momento, en una famosa
secuencia titulada «Caballo al Galope».
Negativo: Imagen que se forma al revelar un cliché fotográfico, cuyos tonos claros y oscuros se hallan
invertidos.
Neorrealismo: Movimiento cinematográfico italiano desarrollado a partir de la II Guerra Mundial (1945),
que buscaba la máxima veracidad en sus creaciones a través de personajes y temas cotidianos,
inmersos en una problemática social.
Nórdico: Perteneciente o relativo a los pueblos del norte de Europa.
Noticiario: Película cinematográfica en la que se ilustran brevemente hechos y sucesos actuales.
Original: Dícese de la obra científica, artística, literaria o de cualquier otro género producida
directamente por su autor, sin ser copia, imitación o traducción de otra.
Pantalla: Superficie blanca que sirve para proyectar sobre ella, imágenes cinematográficas y
fotográficas.
Patente: Documento en que consta la obtención de un privilegio o permiso para algo concreto.
Pathé, Émile y Charles: Pioneros franceses de la cinematografía. Junto con su hermano Jacques,
fundaron la empresa Pathé Frères (1896), que centró su actividad en el campo de la cinematografía y
dio lugar más tarde a la Pathé Cinéma. En 1907 lanzaron el primer noticiario semanal de actualidades y
en 1918 iniciaron la producción de gramófonos. En 1927 se asociaron con Kodak para la producción de
material cinematográfico (cámaras y película virgen).
Película: Cinta de material flexible, resistente y transparente sobre la cual se impresionan imágenes
fotográficas o cinematográficas. Cinta impresionada con estas imágenes. Obra cinematográfica.
Perspectiva: Conjunto de objetos que se presentan a la vista desde un punto determinado y producen
en el espectador una impresión determinada.
Pioneros: Persona que inicia la exploración Precursor, adelantado en alguna actividad humana.
Postrimerías: Último período de la duración de una cosa, o de una época determinada.
Prodigio: Suceso extraño o maravilloso que excede las leyes naturales. Persona, cosa o hecho
singular, que manifiesta caracteres excepcionales.
Producción: Etapa de la preparación de una película, programa o emisión.
Productor: Empresario o entidad que financia la producción de películas, programas o emisiones.
Productora: Empresa o asociación de personas que se dedican a la producción cinematográfica o
discográfica.
Proyección: Acción de proyectar imágenes sobre una pantalla.
Público: Conjunto de personas que comparten las mismas aficiones o concurren a un mismo lugar para
asistir a un espectáculo u otra cosa semejante.
Raccord: (voz francesa) Correcta continuidad de los elementos visibles de la imagen de un plano en el
que le sigue.
Relevante: Notable, excelente, importante, significativo.
Representar: Hacer un determinado papel en una obra de teatro o cinematográfica.
Rodaje: Acción y efecto de rodar una película cinematográfica.
Sátira: Dicho o discurso mordaz, irónico y picante destinado a ridiculizar a una persona o cosa.
Sinatra, Francis Albert: Llamado Frank. Nacido en Hoboken (New Jersey), fue uno de los actores y
cantantes estadounidenses
Sintaxis: Ordenación de palabras en un discurso, oración o diálogo.
Spielberg, Steven: Director de cine estadounidense, nacido en Cincinnati (Ohio). Las imaginativas
películas de Steven Spielberg son conocidas por sus efectos especiales y por sus personajes. Muchas
de ellas, como Tiburón, E.T., En Busca del Arca Perdida y Jurasic Park han cosechado algunos de los
más grandes éxitos de taquilla.
Superproducción: Obra cinematográfica que se presenta como excepcionalmente importante y de gran
costo.
Supremacía: Grado supremo. Superioridad jerárquica.
Taquilla: Casillero donde se despachan las entradas de cine.
Taquillera: Película que consigue atraer gran cantidad de público.
Tecnicolor: Procedimiento que permite reproducir en la pantalla cinematográfica los colores de los
objetos.
Técnicas: Conjunto de procedimientos de que se sirve una ciencia o arte.
Telefilms: Film especialmente realizado y concebido para ser transmitido por televisión.
Ticket: Billete de cine, teatro, etc.
Tiraje: Operación que consiste en sacar copias a partir de un negativo.
Toma: Acción y efecto de fotografiar y filmar.
Tricomía: Impresión en tres colores.
Trivial: Carente de toda importancia y novedad.
Trucajes: Técnica que permite obtener efectos especiales manipulando las imágenes filmadas.
Trust: Vasta asociación financiera de grandes industriales que trata de monopolizar una determinada
industria.
Welles, Orson: Actor, productor, autor y sobre todo director de cine estadounidense, nacido en Kenosha
(Wisconsin), que alcanzó pronta fama con su debut en Ciudadano Kane (1.941), escrita dirigida y
protagonizada por él mismo, cuando contaba con sólo 25 años.
Western: Género cinematográfico que sitúa la acción en el marco del oeste norteamericano durante la
época de su colonización y que se caracteriza por su dinamismo y la presencia de personajes como el
indio, el vaquero, el shérif, etc.
Zona: Demarcación establecida a ciertos efectos.
Zoótropo: Fue el primer dispositivo capaz de generar la ilusión de movimiento, en él la secuencia de
posiciones está dispuesta en una banda interna circular que permite generar de manera ininterrumpida
la misma secuencia. El efecto de animación de imágenes se basa en la capacidad de retención de la
retina cuando se observan en rápida secuencia las diversas posiciones de un movimiento