Antecedentes[editar]

La historia de la fotografía empieza oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer
procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.1

Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias
fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó
varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.2

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesarino, un alumno de Leonardo Da Vinci
durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata,
notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo
popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura
de la cámara, anteriormente un simple orificio o estenopo.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación se transforma en un instrumento
portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la
fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la
acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl
Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se
podían fijar las imágenes.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán;
en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como
Canaletto parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene
grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente
perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de
instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se
empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer
retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas
que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el
perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para
montarse finalmente en otro papel blanco.

En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por
Gilles Louis Chretien. Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la
fotografía,3 en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo
XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesía ascendente: tener una forma de
representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal
motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX.
1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar
imágenes, sin lograr fijarlas adecuadamente.

Inicios[editar]

Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las ocho horas de exposición, la luz del sol ilumina
los edificios de ambos lados.

Daguerrotipo experimental de 1837. Bodegón, por Daguerre.

A principios del siglo XIX, en el año 1824, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas
primeras imágenes fotográficas, inéditas. La fotografía más antigua que se conserva es una
reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826
con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición,
a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre,
quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su
procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces,
Daguerre continúa sus experimentaciones, regresando al uso de las sales de plata que habían sido
desestimadas por Niépce, y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue
mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la
que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de
Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del
retrato de personas.

Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron
otros métodos diferentes, sin conocerse entre sí. El procedimiento creado por Fox Talbot obtenía
negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos reproducía copias positivas,
también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.
Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos, y
su calidad de imagen era muy superior al calotipo. Estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a
divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los
pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

Innovaciones técnicas y científicas[editar]

GERONA.- Puente de Isabel II. En el invierno de 1866-1867, José Martínez Sánchez obtuvo este
negativo original de vidrio al colodión, del formato 27 x 36 centímetros. Se conserva en el
Instituto del Patrimonio Cultural de España.

Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que experimentó constantes mejoras en su
diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de
diferentes investigadores.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron muy diversos, empezando
por el daguerrotipo, y el calotipo. A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión
húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia
gama de tonos. Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado en la
segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas se basaban en procesos artesanales, y requerían
destrezas manuales significativas por parte de los fotógrafos, así como conocimientos prácticos de
química y física.

Después de 1880 se desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que podían ser
producidas de modo industrial y comercializadas sin limitaciones. Los fotógrafos compraban cajas
de placas vírgenes, ya sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara.
También eran placas de vidrio; pero pronto empezó a usarse el soporte flexible de película de
nitrato.

Tampoco deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten
concluir el camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una
cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema
inventado por Kodak se complementaba además con el revelado de las tomas luego de expuestas,
y la carga de la cámara con nueva película. Bajo el concepto "Ud. aprieta el botón, nosotros
hacemos el resto", Kodak inauguraba la fotografía de aficionados.

Procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX:

 Daguerrotipo
 Calotipo
 Sistema Crozat, inventado por los fotográfos españoles Crozat en 1862.
 En 1851 se inventa el colodión húmedo, que reemplazó casi inmediatamente a las demás
técnicas, por las mejoras introducidas en los tiempos de exposición. Con el colodión
húmedo se habla por primera vez de "instantánea" fotográfica.
 En 1854 se patentó la ambrotipia, un proceso fotográfico que crea una imagen positiva en
una placa de cristal, mediante el proceso del colodión húmedo, es una patente de James
Ambrose Cutting quien utilizó el colodión húmedo para obtener una imagen positiva en
 lugar de un negativo. Una variante de los ambrotipos son los ferrotipos, realizados sobre
una base metálica de hierro.
 Charles E. Bennett en 1878 inventa las placas secas al gelatino-bromuro que permitían
positivar muchas copias en papel a la albúmina.
 Desde 1888, Kodak fabrica carretes de película enrollable.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía pueden

resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward
Muybridge. Así, muy interesante fue poder averiguar la secuencia de movimientos de las patas de
un caballo al galope, que era un tema de amplio debate entre los pintores de la época.

Fotografía en color[editar]

Exterior del estudio fotográfico de Kimbei, en Yokohama, Japón. Vista coloreada a mano, hacia
1881.

Placa autocroma Lumière, hacia 1917. Biplano francés en sus colores fotográficos.

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones
comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de
conseguir que los colores quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue
obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la
lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre
la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreaban a mano, con
acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no
técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos,
pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban la mayoría de las copias a
la albúmina para su venta a extranjeros, especialmente los retratos de tipos populares y las vistas
de paisajes y ciudades. Kusakabe Kimbei destacó en el coloreado de fotografías, realizando
verdaderas obras maestras, hasta el año 1912.

La auténtica primera placa fotográfica en color, conocida comercialmente como Autochrome, fue
patentada en diciembre de 1903 por los hermanos Lumière,4 pero no llegó a los mercados hasta
1907. Esas placas autocromas se fabricaban en Francia, y eran transparencias o diapositivas en
soporte de vidrio. El sistema se basaba en una rejilla con puntos, cada uno de los tres colores
elementales, como las pantallas de TV en color, que se ponía sobre una placa fotográfica en
blanco y negro, al revelarla, la intensidad de luz correspondía a la del color de cada punto,
formándose una imagen en colores. El procedimiento: 'Cibachrome', puesto a la venta en el último
cuarto del siglo XX, se basaba en la misma idea. Fueron utilizadas especialmente por fotógrafos
aficionados de todo el mundo. La mayor colección de placas autocromas se conserva en el Museo
Albert-Kahn.5

La primera película fotográfica en color moderna, Kodachrome, fue utilizada por primera vez en
1935, y dejó de fabricarse en 2009. Eran diapositivas en color, producidas y reveladas por la
compañía Eastman Kodak. Las demás películas modernas se han basado en la tecnología
desarrollada por Agfacolor en 1936.

La fotografía en las artes visuales[editar]

La discusión acerca del estatus artístico de las fotografías se inaugura desde su invención. Sin
embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar
que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación
de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se
consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo.

Pictorialismo[editar]

La primera iniciativa organizada de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de

fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y propone que el resultante
de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor
y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la
artisticidad de la fotografía. Algunos autores pictorialistas son: Peter Henry Emerson, Robert
Demachy, Henry Peach Robinson, Comandante Puyo. Los pictorialistas reconocen influencias y
antecedentes en la fotografía academicista de Oscar Gustav Rejlander y en la obra de Julia
Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. La fotografía pictorialista también se
conoce como fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la
pintura moderna.

Fotografía en el siglo XX: desde 1900 hasta la Segunda

Guerra Mundial[editar]
Fotografía aérea de Colonia, destruida por bombardeos aliados durante la Segunda Guerra
Mundial

La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del
periodismo fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición
de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.

El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto lo que pasa en un
lugar. Estas visualizaciones contienen mucha información, y permiten representarnos de un modo
detallado -aunque siempre con limitaciones, como toda representación- lo que ha pasado en ese
lugar y momento específico.

La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada

durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía o la xilografía. En 1880
se inventó la técnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora de los actuales
procedimientos de ófset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a
problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy
bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash
(de magnesio, en aquel entonces), cuyo funcionamiento tornaba indisimulable la presencia del
fotógrafo. Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar
trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades de trabajar
una suerte de "discurso fotográfico documental".

El primer fotógrafo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir
de 1925. Salomon creó un estilo fotográfico documental conocido como "foto live" o fotografía
cándida. Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneamente, sin pose ni arreglo,
muchas veces sorprendidos por el fotógrafo, al estilo de los paparazzi.

A partir de entonces se inicia la época de las revistas ilustradas, como la francesa Vu, desde 1928,
dirigida por Lucien Vogel y la estadounidense Life, a cargo de Henry Luce, desde 1936. Hasta la
década de 1970 serán los soportes principales de publicación para los fotodocumentalistas, y luego
irán perdiendo protagonismo frente a la televisión.

La fotografía a partir de 1945[editar]

Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación
tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en
estos años del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos
diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la
denominación genérica de artes visuales.

Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al
desarrollo de nuevas visiones de la fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en
color, gracias a la obra de William Eggleston, entre otros autores.

En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau, W. Eugene Smith, Robert
Frank, Diane Arbus, entre muchos otros.

Cronología

1947 Se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de fotógrafos preocupados por la

manipulación de la información fotográfica en los medios de prensa, que se autoorganiza para
controlar los temas a cubrir, y la edición fotográfica a la hora de su publicación.

1950, nuevos procedimientos industriales permiten incrementar enormemente la velocidad y la

sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas se
elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5000 ISO, mientras que en las de color se
multiplicó por diez.

1960, que los primeros VTR (video tape recorder) que en 1951, ya eran capaces de capturar
imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos)
son utilizados por la NASA, para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.

1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la
estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga
Acoplada). Este dispositivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de
información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar
imágenes al construir la primera videocámara.

La fotografía en el siglo XXI: digitalizacióneditar

Artículo principal: Fotografía digital

Animación con la fotografía del Puente Golden Gate de San Francisco, EE. UU. En la imagen se
puede ver la original y el retoque.
A finales del siglo XX aparece un nuevo tipo de tecnología en los medios audiovisuales que
supone un cambio de rumbo en la forma de utilizarlos. La aparición de la primera cámara digital
en 1990 constituye la base de la creación inmediata de imágenes. A pesar de que en sus orígenes el
precio de estas cámaras era elevado y las hacía inaccesibles para muchos, con el tiempo no sólo
han bajado de precio sino que han aumentado su calidad técnica. La digitalización ha liberado a la
fotografía del carácter documental histórico ya que la manipulación de imágenes a través de la
infografía ha permitido recuperar el imaginario pictórico y narrativo que se había perdido de la
cultura visual como consecuencia de la aparición de la cámara.

"La fotografía digital entronca con la ideología del collage entendido como fotomontaje de
vanguardia dadaísta o constructivista, que mostraba el recorte y el carácter fragmentario de su
construcción sin pretender engañar a nadie. No obstante, la fotografía digital consigue eliminar las
marcas del proceso de construcción del "collage" y dotar al fotomontaje de carácter unitario".6

Desde su invención, la fotografía tenía total credibilidad como testimonio incuestionable de la

realidad debido al funcionamiento del dispositivo de captura. Posteriormente, la manera de
registrar la realidad se ha considerado un posicionamiento ideológico, que nada tiene que ver con
el carácter neutral y objetivo de su funcionamiento.

Las nuevas tecnologías digitales tienen la capacidad de convertir lo real e intervenir sobre el
registro de la imagen, hasta el punto de manipular y distorsionar las imágenes sin perder el
realismo fotográfico con el que fueron captadas.

La digitalización desposee a la fotografía de su carácter objetivo y rompe la conexión física entre

el referente y la impresión fotosensible, es decir, entre la experiencia perceptiva de la realidad por
observación directa y la imagen mediada a través de una tecnología. Con la pérdida de objetividad
de la imagen fotográfica, a comienzos de la década de los noventa, se empieza a hablar de la era
post-fotográfica, en la que se supera el paradigma fotográfico como modelo de realismo. Lo real y
lo virtual se mezclan dando lugar a un nuevo tipo de imagen híbrida para definir las nuevas
creaciones pseudo-fotográficas. Los programas de manipulación de la imagen son protagonistas en
esta etapa, así como el retoque fotográfico, la fusión de imágenes, la infografía o la generación de
tridimensionalidad, holografía.
Diseño de la cámara oscura XVIII
ARISTOTELES Y LA CAMARA OSCURA

El principio físico en el que está basado el cuerpo de las cámaras fotográficas fue descrito por
Aristóteles, que vivió entre los años – 384 y – 322 con estas palabras: "Los rayos de Sol que
penetran en una caja cerrada a través de un pequeño orificio sin forma determinada practicado
en una de sus paredes forman una imagen en la pared opuesta cuyo tamaño aumenta al
aumentar la distancia entre la pared en la que se ha practicado el orificio y la pared opuesta en la
que se proyecta la imagen", es decir, la cámara negra. Abu Alí al Hasan Ibn al Haythan, Alhacén,
que vivió entre los años 965 y 1030 también describió con detalle la cámara negra en su tratado
de óptica y resolvió el debate entre Euclides, Tolomeo y otros matemáticos que sostenían que la
luz viajaba desde el ojo al objeto observado frente a Aristóteles y los atomistas que sostenían lo
contrario. Alhacén invitó a los incrédulos a mirar directamente al Sol y demostró que la luz parte
de un lugar fuera del ojo y entra en él, explicación por la que Alhacén es considerado el inventor
del método científico para conocer el mundo. La primera representación gráfica de la cámara
negra se hizo en el siglo XIII, una ilustración de Guillaume de Saint-Cloud en su "Almanaque" de
1.290.
Aunque la curiosa inversión de las ilustraciones de los libros y las pinturas de Leonardo da Vinci,
qe vivió entre los años 1452 y 1519 se asocian habitualmente a la utilización de espejos también
se puede afirmar que los elaboraba con ayuda de cámaras negras, principio físico qe conocía y
qe describió en el texto titulado "Demostrar cómo todos los objetos colocados en una posición
están todos en todos lados y todos en cada parte" con estas palabras: "Si el frontal de un edificio
o cualquier espacio abierto iluminado por el Sol tiene una vivienda frente a la misma y si en la
fachada que no está frente al Sol se hace una abertura redonda y pequeña, todos los objetos
iluminados proyectarán sus imágenes por ese orificio y serán visibles dentro de la vivienda sobre
la pared opuesta, que deberá ser blanca, y allí aparecerán invertidos". Es decir, la imagen
proyectada a través de un pequeño orificio practicado en una cámara negra aparece en la pared
opuesta invertida de arriba a abajo y de izquierda a derecha. También han interpretado que da
Vinci transcribía o copiaba sus textos y los de otros estudiosos ayudándose de espejos con un
caprichoso deseo de criptografía u ocultamiento de los conocimientos pero también podemos
pensar qe por comodidá se ayudaba duna cámara negra pa copiarlos y en consecuencia se
pueden leer colocándolos en el exterior, ante un pequeño orificio e introduciéndonos dentro de
una cámara negra. Pero hay más: "Si se hacen aberturas similares en varios lugares de la
misma pared se obtendrán idénticos resultados en cada caso, de donde se infiere que las
imágenes de los objetos iluminados están en toda esta pared y todos en cada minúscula parte
de ella. La razón es que este orificio debe admitir algo de luz en la ya mencionada vivienda y la
luz admitida por él se deriva de uno o de muchos cuerpos luminosos. Si estos son de variados
colores y formas, los rayos que forman las imágenes son de varios colores y formas, como
también lo serán las representaciones en la pared". Da Vinci investigó los efectos de la luz sobre
el ojo con el sfumato, los característicos degradaos conseguidos ahora con aerógrafos e incluso
con los mañosos cepillos de dientes desgastaos como resultao; la relación íntima entre los
elementos que se encuentran gozosos cruces las miradas, posiciones enfocás de los cuerpos en
sus pinturas y esculturas corales también son características de da Vinci qe además exhibió
conocimientos de fotografía, pintura, escultura, ingeniería, filosofía, anatomía, fisiología, geología
entre otros. La simple observación de un objeto o sujeto a través de un agujero hecho en una
superfice opaca a la luz permite "Demostrar cómo todos los objetos colocados en una posición
están todos en todos lados y todos en cada parte" con da Vinci: tanto los objetos cercanos como
los alejados aparecerán perfectamente nítidos ante nuestro ojo, de manera parecida a lo que
ocurre en la película cuando accionamos el disparador de una cámara negra.
La cámara negra más sencilla es una caja en la que se ha hecho un pequeño agujero en una de
sus caras. Por ahí penetran y su cruzan los rayos de luz. La imagen que se forma al fondo de la
caja está invertida de arriba a abajo y de derecha a izquierda. Las distorsiones dependen de la
forma de la caja. Para evitar los reflejos, el interior de la caja debe estar pintado de negro. Se
han hecho fotografías con una caja de cerillas, con un tambor de detergente para lavadoras, con
un bote de Colacao, con una caja de discos, con un embalaje de cartón de una nevera, con una
maleta, con un baúl, con un acordeón, con la boca, con una rueda de tractor, con un paquete de
tabaco, con una caja de puros, en un departamento de segunda de un tren de pasajeros, con
una caja de papel fotográfico, con una tienda de campaña, en una caja de un carrete de fotos y
en casi todas las aulas donde se imparten cursos de fotografía.
Para Joan Fontcuberta, Premio Nacional de Fotografía en 1999, los únicos avances que puede
experimentar la fotografía en el futuro surgirán necesariamente de investigar en el interior de la
cámara negra, entre el diafragma u orifico y el plano focal en el que se instala el material
sensible a la luz.

LEONARDO DA VINCI
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos
de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).

En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje

circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la
segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.

Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde

quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la

parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos
personalidades famosas, como Canaletto y Durero, que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la
perspectiva.
Leonardo Da Vinci fue quien empezó a dar las bases a la fotografía, inventando una máquina capaz de copiar la
realidad, la cámara oscura, en los finales del siglo XV y principios del XVI. En el Renacimiento también se hizo otra
aproximación a la fotografía, se invento un espejo para enderezar la imagen y colocarla sobre un plano horizontal, la
cámara lúcida. Esta permite ver al modelo y calcarlo a tamaño natural para que se pueda copiar.

La fotografía nace en Francia tres siglos después, en el momento de la revolución industrial, favorecida por las
innovaciones técnicas del siglo XIX. En sus inicios es usada principalmente por la burguesía, que acostumbraba tener
retratos para mostrar status y ascensión social.

Después de más de un siglo de evolución y perfeccionamientos, en 1990 nace la fotografía digital con la primera
cámara de este tipo, producida por Kodak. Desde ahí empezó la era digital de la fotografía, que hoy es algo muy
popular y ya hace parte del cotidiano.

La fotografía se inicio como medio de auto representación y al poco tiempo se convirtió en una industria y se infiltró
por todas partes. Como medio de reproducción, la fotografía ha igualado la obra de arte volviéndola accesible a todos.
Al mismo tiempo ha cambiado nuestra visión del arte, usada como medio de expresión artística creativa. Es algo más
que una simple copia de la naturaleza y de la realidad, por el contrario, las toma y las transforma.

Pero ¿en qué momentos de la historia la fotografía se ve la transición de esta de un instrumento para la burguesía a
un producto masivo y con un valor estético? A lo largo de este estudio se podrá presenciar el cambio, el cual no es tan
explicito. Es un tema muy relevante en nuestra época, ya que la fotografía se volvió una gran forma de arte y algo que
nos permite registrar nuestra historia como personas y como sociedad. Además, los fotógrafos llegan a ser artistas de
tal valor como los pintores, escultores, escritores, etc.

Capítulo 1.

Historia de la fotografía
1.1 Principios de la fotografía

"Toda invención está condicionada, en parte por una serie de experiencias y conocimientos anteriores y en parte por
las necesidades de la sociedad. Añadamos la parte de genialidad personal y, a menudo, de acierto fortuito. Así fue
como, en 1824, Nicéphore Niépce inventó la fotografía."[1]

La fotografía fue inventada porque ya se estaba tornando una necesidad en la sociedad y en el mundo. Niépce pasó
años buscando socios que aportaran fondos. A los comerciantes no les importaba y las personas que si les interesaba
no querían arriesgar su dinero en algo que todavía no era muy concreto. Niépce murió en 1833 en plena miseria y
desconocido.

Quien se quedo con el merito fue Daguerre, un pintor y hombre de negocios. Daguerre lo que hizo fue perfeccionar a
través del diorama, el procedimiento de Niépce. Él hizo un contrato con el hijo de Niépce, Isidore, que había recibido
de su padre la propiedad del invento. Nicéphore Niépce nació en 1769 en Francia en una familia noble. Niépce debido
a su situación social y familiar, hacía muchos experimentos e investigaciones. En esa época la ciencia estaba muy de
moda en la burguesía, la química particularmente. Con la revolución de 1789 Niépce se retiró a las tierras de la familia,
así como la mayoría de la clase noble. Niépce empezó a dedicarse cada vez más a sus investigaciones y de ahí
empezó la fotografía. Lo que hizo fue primorear y agregarle más pasos a la litografía. El primer resultado decisivo lo
hubo en 1824.
 La primera foto del mundo, por Joseph - Nicéphore Niépce en 1826[2]

La fotografía no surgió de la nada, su invención tiene antecedentes que se fueron perfeccionando hasta el
procedimiento inventado por Niépce. Uno de los precursores de la fotografía es la litografía que como ya dije antes fue
primoreada por Niépce hasta llegar a la fotografía.

Niépce murió en plena miseria y su invento, a lo que había dedicado gran parte de su vida y de su fortuna, acabo no
teniendo el debido reconocimiento por parte de las autoridades y la sociedad francesa.

Eso que surgió en Paris, que estaba apareciendo en todos los medios públicos y llamando la atención de todos a
pesar de ser la fotografía, no le decían fotografía sino daguerrotipo.

El nuevo invento no era accesible a las masas y eso hacía que su interés aumentara cada vez más pero como vamos
a ver más adelante los precios de los aparatos empiezan a bajar y ser más accesible. El proceso Daguerre resultaba
bastante incomodo, para tener el resultado se tardaba más o menos media hora y a veces hasta tenían que llevarse
tiendas y laboratorios ambulantes. La daguerrotipia tenía un inconveniente fundamental: no se podían hacer otras
copias. Otra cosa era que los primeros aparatos, con todos sus accesorios pesaban a lo mucho cincuenta kilos.

Ya en el año 1842, los aparatos habían disminuido a su tercia parte aproximadamente, ya se consideraban
"portátiles". El precio de los aparatos bajó a la mitad. Este fue uno de los puntos cruciales para que la fotografía se
volviera algo más popular y masivo.

Otro perfeccionamiento fue el tiempo requerido para hacer la "foto". En 1842 el tiempo ya era de veinte a cuarenta
segundos. La daguerrotipia, a pesar de tener un grande éxito en Europa, fue en Estados Unidos donde originó un
comercio floreciente y furor entre la gente.

Daguerre enviaba a un representante a Estados Unidos, y hacia conferencias y exposiciones. Entre 1840 y 1860 la
daguerrotipia creció en América, que estaba en transición de una sociedad agrícola a una sociedad industrial. La
fotografía se hizo muy popular en Estados Unidos, tanto que se estima que en ese periodo la producción superaba los
treinta millones de fotos.
 Daguerrotipo, por Louis Jacques Mandé Daguerre en 1940[3]

Las placas metálicas que se usaban para el procedimiento fueron reemplazadas por negativos de vidrio, lo que fue un
gran avance ya que así se podía hacer copias de la foto original y tenia mayor calidad.

Lo que surgió en Paris y que estaba apareciendo en todos los medios públicos, llamando la atención de todos y
causando una grande euforia era la fotografía, pero se le llamaba daguerrotipo.

Los artistas bohemios no suelen tener reconocimiento ni reputación, lo que ocasiona problemas financieros, sin
embargo la fotografía era algo que estaba creando mucha fama y estaba muy de moda. Entonces, estos "bohemios"
migraron a este nuevo oficio, el de ser fotógrafo.

Este fue el hecho que dio inicio a la fotografía con una propuesta estética. A partir del momento que la fotografía fue
"tomada" por los bohemios empezó la transición de la fotografía como arte.

"Muchos de esos primeros fotógrafos salían de un ambiente que suele conocerse bajo el nombre de bohemia; pintores
que no habían conseguido crearse una reputación, literatos que más o menos sobrevivían escribiendo artículos de
ocasión, miniaturistas y grabadores arruinados por la nueva invención, en suma, todo tipo de talentos regulares y
mediocres que en su mayoría, no habían podido abrirse peso, se inclinaran hacia el nuevo oficio que les prometía una
substancia mejor."[4]

Felix Tournachon Nadar fue uno de los primeros fotógrafos distinguidos. Nadar era un bohemio, de vez en cuando
escribía artículos para periódicos y publicaba dibujos y caricaturas humorísticas.

Nadar procedía de una familia burguesa pero por sus empleos y su situación, tenía problemas financieros y
materiales. Nadar impulsado por la necesidad, adopta la profesión de fotógrafo y abre un estudio en Paris.

Las fotografías de Nadar no tardan en tornarse famosas, su clientela eran los artistas y los intelectuales
principalmente. Sus fotos eran tan reconocidas porque Nadar tenía una forma diferente de hacer retratos, les daba
más vida y expresión.

El fotógrafo acabó como uno de los mejores fotógrafos de Francia y haciéndose muy rico a pesar de a veces haber
tenido decadencias.
 Félix Tournachon Nadar en la barquilla de su globo "Le Géant", 1863[5]

Hay que mencionar también a David Octavius Hill y Disderi. El primero un escocés que solo cuatro años después de la
proclamación del invento de la fotografía tomó fotos en Inglaterra que hasta hoy son apreciadas. Hill también tiene
retratos admirables por el sentido artístico de estos y por lo que podía sacar de sus modelos.

Disderi fue quien gracias a un nuevo formato pudo vender sus retratos por un precio cinco veces más barato que el
que se vendía en los años 1850. Disderi producía retratos en masa y eso fue un grande cambio y una grande
competencia a los otros talleros pero había un problema, el lado artístico se quedaba en segundo plano. Nadar fue
uno de los primeros fotógrafos más exitosos y distinguidos de la época.

Él se diferenciaba de los otros porque tenía una visión diferente, más artística en cuanto que la mayoría seguía el
patrón. Nadar era innovador y llegó a tomar fotos de un globo, que también era algo nuevo.

Pero su visión llego a estorbarle un poco porque llego un momento en que los gustos de la clientela habían cambiado
y él seguía con su manera de hacer los retratos, con eso perdió clientes.

Disderi con su producción en masa provocó un cierre de talleres fotográficos porque no podían competir con él, por
ejemplo el de le Gray que antes era pintor y empezó a dedicarse a la fotografía. Este inventó el negativo de papel de
cera y sus fotos tuvieron mucho éxito. Los primeros fotógrafos eran principalmente artistas fracasados pero eso les
sirvió en la fotografía, en el lado artístico y artesanal, de ahí nacía una arte o forma artística todavía reconocida como
tal. Esto dentro de pocos años sería muy discutido y esta parte la veremos más adelante.
 Disderi (izquierda) y algunos retratos hechos por el (derecha)[6]

A principios de la segunda mitad del siglo XIX la técnica se había perfeccionado bastante como para no exigir
conocimientos especializados de parte de los fotógrafos, ya no era una ciencia. En verdad estos primeros fotógrafos
no tenían como objetivo hacer arte, no era más que un oficio que lo hacían para sí mismo.

1.2 Expansión de la fotografía

El fotoperiodismo fue creado porque ya era algo necesario. Las noticias serian más comprensibles y presentes si
hubiera una foto ayudando a contarla y exponerlas a los lectores.

También porque se dieron cuenta que además de usar la fotografía para hacer retratos de burgueses y como forma de
arte, podrían usarla para un registro de la historia.

Una de la primeras fotografías publicadas por L"Illustration, 1896[7]

Poco después del fin de la primera guerra mundial en todas las grandes ciudades alemanas aparecieron revistas
ilustradas, las más importantes eran el Bertiner Illustrierte y Munchner Illustrierte Presse.

El más célebre de los fotógrafos reporteros de la época era Erich Salomon. Salomon estudio derecho y era de familia
burguesa. Durante años vivió prisionero de los franceses. Salomon aprovecha cualquier suceso para hacer fotos
desde fiestas a conferencias internacionales.

En torno de Salomon se forma un grupo de jóvenes fotógrafos periodísticos, ya siendo free-lance o de alguna revista o
periódico especifico. Uno de los atractivos de la prensa ilustrada era publicar fotos "secretas", como por ejemplo una
sesión del gobierno.

El concepto de fotoperiodismo era sacar fotos pasando desapercibido, sin que te vieran ni te oyeran. Así también
Salomon creó la foto "candida", que era algo vivo, sin poses.
 Erich Salomon, conferencia de La Haya, 1930[8]

En esa época se creó la leica, que era una máquina fotográfica con dimensiones pequeñas, así los fotógrafos
periodísticos podrían sacar las fotos más discretamente, sin que los vieran. En los años 30 empiezan en Estados
Unidos las "mass-media magazines" que eran revistas con todos los reportajes con fotografía y estos eran lo principal.

La revista que tuvo más éxito y fue una fiebre fue Life. Life nacía parte de Time Inc., una compañía creada por Henry
R. Luce y un amigo. Empezaran con la revista Time, que era semanal y en 1936 crearon Life y alcanzaron un éxito
enorme. Life reunía un largo rango de departamentos, como música, teatro, cine, etc. y una gran de fotógrafos.

Primera foto del primer número de LIFE, 1936[9]

Life tenía millones de lectores por semana y contenía lo más actual ocurrido en esta. A partir del año 1965 empieza
una decadencia de las revistas de ese género porque la competencia con la televisión. Life acaba en el año 1972. En
ese mismo año los dirigentes de Time Inc. Pusieron en marcha otras revistas para asegurar la continuidad de la
empresa periodística. Los nuevos fotógrafos en Alemania ya no eran parte de la clase de empleados "bohemios"
alternos. Los fotógrafos eran "gentleman" y eran burgueses con educación apropiada.

Los fotoperiodistas se arriesgaban a veces para poder hacer las fotos que querían y necesitaban para hacer su
trabajo. Las "mass-media magazine" fueron creadas como respuesta a la crisis de 29 porque los estado unidenses
necesitaban una distracción al desastre.
Estas revistas tenían un contenido muy variado, desde música, cine hasta política y todos los artículos tenían
contenido fotográfico.

El mundo de Life les daba esperanzas al a masa y también enseñaba cosas nuevas y educaba la masa. Sin embargo,
con el florecimiento de la televisión las revistas de este tipo entraron en crisis y empezaron a caer porque ya no eran lo
más actual, la televisión era más rápida.

1.3 La fotografía actual

La fotografía digital tiene los mismos principios que la fotografía analógica. Las cosas que cambian son la de la parte
pos-foto porque hasta el punto de hacer la foto es todo igual. La fotografía digital empieza a ser digital a partir de la
cámara que es muy parecida con la analógica, la diferencia más importante es que las digitales registran la imagen en
un chip y las otras en película. La primera cámara digital la lanzó Kodak en 1990 y a partir de ahí empezó la era digital
de la fotografía.

Una cuestión a tratar en la fotografía digital es la impresión de imágenes de una cámara digital se hace básicamente
con una impresora y una computadora y más algunas cámaras ya tienen conexión directa con las impresoras. Esto es
para impresiones básicas y con poca calidad. Para un nivel más profesional es necesario tener un cierto dominio en
software específicos y seguir algunos métodos. Otra parte importante en la fotografía digital es la manipulación de
imágenes o el proceso digital.

El almacenamiento de fotografías digitales es básicamente por medio de discos duros, CDs y DVDs. Pero siempre es
bueno hacer copias de seguridad porque si llega a haber una falla, puedes perder las fotos. La fotografía digital trajo
muchas innovaciones a la fotografía. Esta tiene una más fácil manipulación, las fotografías se pueden editar, mejorar o
modificar con programas específicos en la computadora.

Otra ventaja que se tiene con las cámaras digitales es la inmediatez que tienen, luego que sacar la fotografía la
puedes ver en la pantalla LCD que traen estas.

Algo que también es bueno de la fotografía digital es la parte de la impresión de las imágenes. En la fotografía
tradicional el proceso de impresión es mucho más complejo que el de la fotografía digital. La fotografía digital a pesar
de tener sus ventajas también tiene sus desventajas. Una de ellas es que con la era digital, la fotografía tradicional, la
que usa el rollo, está siendo un poco olvidada, pero esta es algo fundamental para las bases de la fotografía.

El almacenamiento digital es muy útil y más fácil de controlar pero corres el riesgo con el disco duro o en donde están
almacenadas de perder las fotos. Con la película siempre vas a tener el negativo y se puede reimprimir.

"Género (m) 1.tipo o clase, 2. a) categoría de composición artística como en música o literatura, marcada por un estilo,
forma o contenido distintivo. b) Estilo realista de pintura que representa escenas de la vida cotidiana."[10]

Los géneros de la fotografía definen más o menos los tipos de fotos y los fotógrafos. Estos también definen en donde
se van a ver las fotos, en un periódico, en una exposición, en una revista, etc. Existen seis géneros fotográficos:
documental, fotoperiodismo, paisaje, retrato, moda y artístico.

La fotografía documental muestra nuestro mundo en un cierto momento, describiendo sentimientos y situaciones. Las
fotografías documentales normalmente tienen también un significado histórico y/o social.

El fotoperiodismo tiene como objetivo captar la atención del espectador divulgando hechos de interés actual. Los
fotoperiodistas captan imágenes de la historia y registran los sucesos más importantes.

La fotografía de paisaje es un género muy popular y consiste en hacer imágenes tanto de la naturaleza como de los
paisajes urbanos.
El retrato es básicamente la representación de un individuo que también capta algo de la naturaleza y la esencia del
individuo, de su personalidad y carácter.

La fotografía de moda no consiste solo en presentar ropa y tendencias, también capta momentos especiales. Inspira
ideas sobre apariencia, personalidad y estilos de vida. Así como el retrato usa modelos.

La fotografía artística es la que expresa mucho más que lo que está en la escena, así como cuadros y esculturas. Es
cuando la fotografía es usada como herramienta creativa y tiene capacidad de transmitir algo mucho más intenso. Los
géneros fotográficos son los que definen los tipos de fotografía pero eso no quiere decir que la limita y le impone
reglas.

Capitulo 2.

La fotografía como arte

La Gran Guerra causó grandes trastornos en la sociedad. Estos trastornos reflejaron en las tendencias artísticas de la
época, se crearon nuevas ideas y movimientos artísticos.

El pintor Man Ray creo los rayografos que eran fotografías sin el uso de una cámara. Consistía en producir imágenes
reuniendo objetos sobre una hoja de papel sensibilizada y exponiendo a la luz.

En esa época se empieza a practicar el collage mezclando pedazos de fotografía de periódicos y dibujos.

El pintor John Heartfield empieza usar la fotografía para combatir a la guerra y difundir sus ideas de izquierda.
Heartfield hacia fotomontajes con un significado muy fuerte y que llegan a aparecer en carteles de las publicaciones
obreras.

Fotomontaje de John Heartfield[11]

"La antigua querella entre artistas y fotógrafos a fin de decidir si la fotografía es un arte, es un problema falso. No se
trata de reemplazar la pintura por la fotografía, sino de clarificar las relaciones entre la fotografía y la pintura actuales y
evidencias que el desarrollo de medios técnicos, surgidos de la revolución industrial, ha contribuido grandemente en la
génesis de nuevas formas dentro de la creación óptica."[12]

Esa frase demuestra muy bien porque no era necesaria la discusión sobre fotografía como arte y fue de gran
importancia para el fin de esta. En los años 20 la fotografía ya no era algo usado nada más en la prensa y mucho
menos solo para hacer retratos, que era su función cuando fue inventada.

La fotografía ya había empezado a ser usada en un lado más artístico y expresando pensamientos e ideas. Ya había
exposiciones de fotografía. La fotografía ya se había tornado algo muy significativo e importante.

Los artistas tradicionales no consideraban la fotografía como arte y eso generaba una gran discusión entre estos y los
fotógrafos. Después de casi un siglo de discusiones para saber si la fotografía es un arte Lazlo Moholy-Nagy actúa
como un punto final a estas, situando la fotografía en su debido lugar.

Mismo sin una discusión decisiva la fotografía ya se podía considerar como arte, ya tenía sus métodos, sus reglas, sus
equipos, su influencia en la sociedad y principalmente sus artistas.

La fotografía abre nuevas perspectivas y proporciona una nueva visión de todo. Lazlo Moholy-Nagy era pintor,
escultor, cineasta y fotógrafo húngaro. Moholy-Nagy en esa época tenía como principal actividad hacer fotogramas sin
cámara, lo que era lo mismo que el rayografo.

Moholy-Nagy hizo exposiciones y llego a ser maestro de la Bauhaus. Pero lo más importante es que el que
prácticamente puso un fin a la discusión para saber si la fotografía es un arte, demostrando que sí, es. El es el autor
de la frase citada más arriba. Él fue un teórico de la fotografía y tuvo mucha influencia en el arte moderno. Moholy-
Nagy hacia muchas experiencias con la luz y el blanco y negro, también hacia carteles, películas documentales,
cuadros abstractos.

Fotograma de Moholy-Nagy, 1922[13]

Todavía en nuestros tiempos la polémica sobre si la fotografía es arte o no sigue generando discusiones. A pesar de
que a muchos les queda claro que si es arte, hay muchas personas que siguen con el mismo pensamiento
conservador de que nos es porque la cámara es la que hace todo el trabajo. Hay quien llega a decir que la fotografía
es pura química en el caso de las cámaras analógicas.
"La luz imprime la imagen, pero quien hace la foto es el fotógrafo". Esta frase resume lo que se intenta demostrar, que
así como el pincel y los colores en la pintura, la cámara es nada más un instrumento que permite al artista producir su
obra.

Conclusión
En este estudio se trató de hacer un recurrido breve por la historia de la fotografía, que en realidad no es larga, son
aproximadamente ciento ochenta años.

La fotografía ha ayudado a que el hombre descubra el mundo desde nuevos ángulos y tenga diferentes visiones. Ha
disminuido las distancias, aproximando a los hombres. Ha dado la oportunidad de ver cosas que sin ella nunca
hubiéramos visto o nunca veremos en persona, como fotos de galaxias lejanas sacadas por satélites. Pero la
fotografía también desempeña un papel manipulador para crear necesidades, vender mercancías y modelar
pensamientos porque está dotada de un gran poder de persuasión, que es muy explotado por la publicidad
principalmente.

La fotografía ha sido un punto de partida de las revistas, que desempeñan una función muy importante como medio de
comunicación. Sin ella no hubiesen existido ni el cine ni la televisión porque fue una base para estos medios. El
inventor de la fotografía, Nicéphore Niépce, realizó incontables esfuerzos para imponer sus ideas pero sólo obtuvo
fracasos y murió en la miseria. Hoy poca gente conoce su nombre, pero la fotografía, puede ser considerada el
lenguaje más corriente en nuestra sociedad.

Vivimos en un mundo completamente dominado por la imagen fotográfica. La fotografía narra acontecimientos,
comunica e informa las personas. La fotografía tiene el poder de expresar cualquier clase de sentimientos. Las
fotografías son memorias, conectores con el pasado, momentos congelados en el tiempo pero también una
herramienta para expresarnos.

Thomas wedgood

Necephore
Louis Jacques
 Louis-Jacques-Mandé Daguerre, más conocido como Louis Daguerre (Cormeilles-en-Parisis, Valle
del Oise, Francia, 18 de noviembre de 1787-Bry-sur-Marne, Valle del Marne, Francia, 10 de julio de 1851),
fue el primer divulgador de la fotografía, tras inventar el daguerrotipo, y trabajó además como pintor y
decorador teatral

WILLIAM HENRY FOX

CHARLES E BENNETT

Uno de ellos fue Charles Bennett, fotógrafo británico que en 1878 presentó su placa seca recubierta por una mezcla de gelatina y bromuro de
plata con la cual consiguió rebajar el tiempo de exposición a un cuarto de segundo. Fue un gran avance en el campo tecnológico de la fotografía.

Pues con un experimento bastante macabro la verdad. Situó a una mula delante de la cámara, colocó una carga de dinamita debajo
de la cabeza del animal y conectó el interruptor que controlaba el detonador a la cámara con el objetivo de que justo cuando la
dinamita hiciera explosión la cámara disparara. Y la imagen que veis justo debajo es lo que obtuvo, una fotografía que ilustra a la perfección las
mejoras en tiempos de exposición conseguidas por Bennet.
 GEORGE ESATMAN

August y Louis

George Eastman (Waterville, Nueva York; 12 de julio de 1854 – † Rochester, Nueva York; 14 de
marzo de 1932) fue el fundador de la Eastman Kodak Company e inventor del rollo de película,
que sustituyó a la placa de cristal, con lo cual consiguió poner la fotografía a disposición de las
masas. El rollo de película sería también algo básico para la invención del cine, ya que su uso se
encontraba en las creaciones de los pioneros del cine como Thomas Edison, los Hermanos
Lumière y Georges Méliès.

El 4 de septiembre de 1888 Eastman registró la marca Kodak y recibió una patente para su cámara
que usaba el rollo de película. Ese mismo año lanza al mercado la cámara Kodak 100 Vista, que
utilizaba carretes de 100 fotos circulares y para cuya campaña de promoción acuñó la frase «Usted
aprieta el botón, nosotros hacemos el resto». Lo más importante es que a partir de este momento
ya no se requerían grandes conocimientos en fotografía o en la utilización de productos químicos.

august y Louis

Hijos de Antoine Lumière y de Jeanne Joséphine Costille, Auguste y Louis nacieron en Besançon
(Francia), pero crecieron en Lyon. Ambos trabajaron en el taller fotográfico de su padre, Louis
como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de
fotografías estáticas.

A partir de 1892, empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento.

Patentaron un número significativo de progresos notables.

De regreso de un viaje a París, Antoine Lumière trajo un kinetoscopio. Los dos hermanos lo
examinaron atentamente y pronto concibieron un proyecto que harían realidad partiendo de los
inventos ya existentes. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el
cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes en el ojo
humano. Al comienzo, ellos mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para
transportarlo de un lugar a otro.
 Cámara cinematográfica de los hermanos Lumière, expuesta en el Instituto Lumière de Lyon

En 1903, patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière,

lanzado al mercado en 1907.

Posteriormente, Louis Lumière continuó con sus experiencias inventando el photorama y la

fotografía en relieve. Fue nombrado doctor honoris causa en la Universidad de Berna.

Por su parte, Auguste Lumière continuó con sus estudios de bioquímica y fisiología.

Su cámara se encuentra en el Musée du Cinéma Henri Langlois de París, con la de Georges Méliès