THE RAMBLAS

revista bimestral para gente curiosa y diferente

nº 02/abril/2011

diseño arte literatura entrevistas moda ilustración

www.acebuch.com
ARTESANÍA Y GICLÉE PRINT

El taller de reproducción de Acebuch.com es un laboratorio de

diseño de imágenes para murales pensados en la decoración como
estética de un arte que ha perdurado desde hace milenios.
Nunca desde la revolución islámica la decoración obtuvo grados
de belleza tan altos al utilizar un módulo repetitivo que generase
de por si un placer semejante a la música por su abstracción, sen-
tido del ritmo, de las escala cromáticas y de las melodías equiva-
lentes al mundo visual. Tendríamos que esperar a que Kandinsky
redescubriera la abstracción para los obtusos occidentales para
comprender los valores intrínsecos a la estética decorativa como
una posibilidad de trascender el significado icónico de las imá-
genes. El taller de Acebuch es un laboratorio donde se preparan
imágenes pintadas a mano, serigrafiadas por el procedimiento
directo o bien una mezcla de ambas, con el fin de hacer una foto-
grafía que sirva posteriormente para hacer una reproducción de
alta calidad en Giclée Print o reproducción sobre tela. Estos tra-
bajos son siempre modulares lo que permite su ensamblaje para
conseguir unidades mayores cuyo efecto inmediato es la amplifi-
cación de los ritmos y la ocupación de superficies mayores.
snºumario 5 Cubiertas
2/abril 2011 8 RA. Realidad aumentada
11 Sexy Dolls
13 Elogio de la pereza. El manifiesto definitivo contra la enfermedad del trabajo
14 La pulga y el profesor
17 Bienvenidos a Belleville
18 Hemoficción
23 Miguel A. Salvó. El arte y la trampa
26 Marillion
28 San Vicente y las Granadinas
32 Cosmovisión y expresión de la creatividad en el Arte
34 Anna Blau Atelier
36 Los collares de Ryta
41 El humor de Kap

HoodBikes modelo Barcelona Cream

Foto de cubierta: Marxela Etchichury, compañía de teatro Hemoficción (pág 18).
Edita: The Ramblas Project
Dirección de Arte: Roger Castillejo {www.castillejo.eu}
Redacción: Araceli Martí
e-mail: editor@theramblas.com / e-mail redacción: redaccion@theramblas.com
Tel.: 668829610 / www.theramblas.com

Colaboradores: Kap (Jaume Capdevila), Valentina Vives, Antares, Andrés Dengra, Compañía de teatro Hemoficción, Anna Blau Atelier,
Rosario Salom, Los collares de Ryta, Indira Gutiérrez Samuels, Javier Águila, Jack el Dissenyador {jackeldissenyador.blogspot.com},
Suset Sánchez, Miguel A. Salvó. Francesc Puig.
Patrocinadores: Acebuch {www.acebuch.com}, El tarot de Noemí {www.tarotdenoemi.com} Hood Bikes {www.hoodbikes.es},
R170ART {www.r170art.com}, Crossroads Bar {www.crossroads.es}

The Ramblas cree en la libertad de opinión, y en la responsabilidad de quienes la ejercen, y no necesariamente tiene que estar de acuerdo
con las mismas. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de la revista por cualquier medio, mecánico o electrónico sin la
autorización previa del editor.

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Cubiertas

ΑΑAntares

Las portadas o cubiertas de los libros surgieron por una

necesidad, ya que la primera hoja estaba mas expuesta a

diseño editorial
mancharse o empolvarse. Para evitar este inconveniente, y
que el comienzo del texto apareciese inmaculado, algunos
tipógrafos concibieron la idea de comenzar la impresión
en el reverso de esa primera hoja, dejando la primera hoja
en blanco. El siguiente paso consistió en imprimir el título
que permitiera identificar mas fácilmente la obra. De este
modo a partir de 1475-1480, hizo su aparición la portada.

En el diseño editorial, la cubierta ha devenido una de las

partes mas importantes del libro. Podríamos definirla como
la puerta principal de acceso, el reclamo visual del libro.

Los editores dedican especial atención a las cubiertas,

pueden definir al libro como producto, diferenciarlo del
resto, llamando la atención en las estanterías, compitien-
do con otras portadas.

La configuración y diseño de ambas cubiertas debe estar

en concordancia con el contenido del libro, y su lenguaje
visual tiene todos o casi todos los elementos de un cartel
publicitario. Una cubierta es un pequeño cartel que se
anuncia a si mismo, ya que el libro sigue las mismas
estrategias de venta que cualquier otro producto en una
tienda, un comercio, una librería o un supermercado.

La cubierta frontal incluye normalmente el título de la

obra, el nombre del autor, el logo de la editorial y la
colección, así como también fotografías imágenes o ilus-
traciones. Debe llamar la atención, ser visible, seducir y
transmitir la información básica del libro para persuadir al
potencial comprador.

en esta página cubiertas de Daniel Gil.

http://danielgil.org/
La riqueza del diseño de las cubiertas hace que puedan
convertirse en objetos, estar fragmentadas, ser ambiguas,
tipografías, completamente abstractas o minimalistas...
repetir con imágenes lo que se lee en el título. Pueden ser
simbólicas, metafóricas y conceptuales.

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http://bookcoverarchive.com
http://thepenguinblog.typepad.com
http://www.flickr.com/groups/paperbacks/pool
http://bookdesigners.com
http://nytimesbooks.blogspot.com
http://drzeus.best.vwh.net/wotw
horizontes

RA
Realidad ΑΑAntares

Aumentada

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La realidad aumentada (RA) es un
concepto que se viene utilizando desde
hace mucho tiempo para definir la
integración de la realidad física con
contenidos virtuales adicionales que
generan una realidad mixta, enrique-
cida y ampliada en tiempo real. El
término lo acuñó Tom Caudell en el
año 1992.
Con el auge de los smartphones, la
realidad aumentada está cada día más

cerca de todos ya que dichos dispositi-

vos combinan los elementos fundamen-
tales para su funcionamiento: cámara,
brújula, acelerómetro y GPS. Aunque
para ello se deben instalar, en los dis-
positivos, las aplicaciones que permitan
su funcionamiento. Disfrutar de la RA
es tan sencillo como abrir la cámara y
apuntar al aire para ver los iconos de
los establecimientos, puntos de interés, Hasta ahora, las principales apli- El único problema es si estamos
sonidos o imágenes sobre la imagen caciones se desarrollaron en el area de dispuestos a ir todo el rato por la calle
real. La geolocalización permite saber los videojuegos, pero su empleo en la mirando la pantalla del móvil, perdien-
en qué punto exacto nos encontramos y actualidad va desde las clásicas guías do los pequeños detalles de la vida real
hacia donde está apuntando la cámara, de la ciudad, hasta el uso como medio a costa de estar más informados.
siendo ésta capaz de reconocer edifi- publicitario, ya que según los publi-
cios, logos, carteles o cualquier punto cistas, su nivel de interacción permite
de interés que se le asigne. que se recuerde mejor a una marca.
 horizontes
©Fotos: www.orient-doll.com

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La clásica muñeca hinchable ha
quedado definitivamente para
las bromas y las despedidas de
solteros(as). Las nuevas muñe-
cas de silicona realistas se estan
imponiendo. Se pueden comprar y
configurar a medida por internet.

En Tokio estan apareciendo loca-

les donde se pueden alquilar por
intervalos de tiempo desde

Sexy Dolls
70 minutos a 24 horas.

Se pueden hacer muchas cosas

con las muñecas. Hay clientes que
vienen equipados con ropas para
vestirlas, hay quien prefiere to-
mar fotos. Otros las llevan a casa
los fines de semana. Las muñecas
tienen nombres como Alice, Mayu, ΑΑAntares
etc. El precio de venta aproxi-
mado es de 6.000 eu. (según la
configuración y los accesorios)
lo que hace sea más económico
alquilarlas, evitando los clásicos
problemas de almacenamiento y
mantenimiento.
 Se sabe que Charles Bukows-
ki y Robert Crumb, cronistas
complementarios de la vida y
las pesadillas en los pliegues
más incómodos de su socie-
dad, se vieron una sola vez, y
que se profesaban admiración
y respeto.
«Para mí —opinó Crumb
sobre Bukowski— dice las
cosas como hay que decirlas.
Creo que para ser artista o
escritor en el mundo moderno
hace falta una fuerte dosis de
alienación. Si eres muy equili-
brado, no tienes nada intere-
sante que decir.»
«En la gente que él dibuja —
dijo Bukowski sobre Crumb—
hay energía y resplandor. Una
de las personas más verda-
deras que he conocido. Sería
para mí un mágico honor que
ilustrara algunos de mis ruino-
sos personajes.»
Entre 1975 y 1984, Robert
Crumb ilustró los tres notables
relatos que componen este
libro: «Tráeme tu amor», «No
funciona el negocio» y «Bop,
bop, contra aquel telón»,
historias de perdedores obse-
sionados por la precariedad
laboral, el alcohol y el sexo,
a quienes la realidad controla
para que no puedan salir de
donde están.
«Ningun escritor norteame-
ricano contemporáneo ha
descalificado el sueño ameri-
cano con tanta perseverancia
como Charles Bukowski.» San
Francisco Chronicle
«Me odio por lo menos tanto
como odio a los demás.» Ro-
bert Crumb
TRÁEME TU AMOR
Charles Bukowski
Robert Crumb (ilustrador)
Libros del Zorro Rojo
60 páginas, Cartoné con so-
brecubiertas
ISBN: 978-84-92412-83-9

Una historia de más de tres en la que se
evidencia la complejidad del vivir, tra-
tando de acariciar lo que desde tiempos
socráticos se conceptualiza hoy como
felicidad. ¿Qué es? ¿Es posible lograrla?
La maduración biológica es obligatoria,
el crecimiento personal es una elección.
El cómo se integran las experiencias vivi-
das, el cómo redefinimos nuestra histo-
ria a partir de ellas, algo que parece ser
inherente en todo ser humano, va
a permitir, o no, seguir caminando hacia
ese horizonte.
LA OPORTUNIDAD DE DAN
Javier Águila Morales
160 páginas
ISBN: 978-84-7948-110-0
Los hijos del Chino es una extraña histo-
ria de amor en la Barcelona de los años
70, que conmueve y atrapa de principio
a fin. Alrededor de sus dos personajes
protagonistas, Jose y Nía, asistiremos a
las andanzas de una heterogénea fauna
humana de chaperos, prostitutas, dro-
gadictos y otros parias, que recorren las
calles del barrio Chino y nos reviven mo-
mentos de la Barcelona underground, un
espacio que visto hoy deviene mítico. Los
hijos del Chino descubre una parcela de
la realidad que, si bien la verdad oficial
trata de esconder, no difiere del momen-
to presente.
LOS HIJOS DEL CHINO
Juan Martínez
192 páginas
ISBN: 978-84-7948-097-4

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Elogio de la pereza
El manifiesto definitivo contra la enfermedad del trabajo
de Tom Hodgkinson
Si eres de los que cada día dan un
manotazo al despertador y se dan
la vuelta para seguir durmiendo tan
ricamente...¡Este es tu libro!
ΑΑValentina Vives Para entrar en materia quiero empezar defi-
niendo la palabra clave del título: pereza.
Es la negligencia, tedio o descuido a la
hora de poner en marcha acciones, movimien-
tos o trabajos. Otros términos para definirla
son: gandulería, flojera, haraganería, u holga-
zanería.
Por otra parte, las personas que evitan
participar en cualquier tipo de actividad son
perezosos o vagos, adjetivo este último de
tintes más negativos.
Ahora bien, ¿cuáles son las posibles
causas que conducen a la pereza? Por un lado
tenemos una alimentación deficiente o la
aparición de determinadas enfermedades como
la fibromialgia, la fatiga crónica, el síndrome
de Asperger o la depresión.
Por otro lado, en el entorno laboral, la
falta de motivación, la rutina o la ausencia
de reconocimiento de los propios talentos
por parte de los superiores, puede generar un
atrincheramiento en la pereza.
Hasta aquí, la visión más o menos con-
sensuada por nuestra sociedad occidental.
Hodgkinson, en un arranque de rebelión
contra los valores establecidos, le da la vuelta
al concepto de pereza como enfermedad o
carencia y sitúa el trabajo precisamente como
un agente patológico en nuestras vidas. En
efecto, la ética puritana del esfuerzo que rige
los países anglosajones desde hace siglos, se
ha extendido a lo largo de las últimas décadas
a otros países cuyas tradiciones respetaban las
libros
ventajas físicas y espirituales de la pereza. Me
refiero por ejemplo, a los países mediterráneos
donde hasta no hace mucho, se practicaban
las siestas, y las sobremesas.
El autor reivindica los aspectos positivos
de la pereza a partir de fuentes filosóficas,
poéticas e históricas, situadas a lo largo de
los últimos tres mil años. Cita asimismo,
autores orientales y occidentales. Entre éstos
últimos tenemos a Bertrand Russell, Thomas
de Quincey o Lord Byron. Los capítulos del
libro tienen títulos tan sugestivos como los
siguientes: Dormir hasta tarde, La hora del
almuerzo ha muerto, La siesta, De pesca y La
hora del té.
Hodgkinson analiza las estrategias que
emplea la ética del trabajo para convertirnos
en dóciles consumidores y siervos del sistema
capitalista a cambio de nuestro tiempo y “un
plato de lentejas”.
El libro resulta muy ameno ya que combina
las citas literarias con divertidas anécdotas
vividas por el autor.
Para concluir este artículo quiero señalar
que el autor dirige desde 1993 una estupen-
da revista llamada The idler (El vago) donde
desarrolla su filosofía de vida. La web de la
revista cuenta con apartados tan divertidos
como, The idle pleasures, Idle idols o Crap
jobs (Placeres perezosos, Ídolos perezosos o
Trabajos cutres). Y por si fuera poco, Hodg-
kinson ha puesto en marcha una iniciativa
llamada The Idler Academy. Su objetivo es
organizar talleres donde poner en práctica las
bondades de la pereza.
Os dejo con una cita que me ha parecido
interesante : “Las instituciones tienen miedo
de los vagos porque un vago es un pensador y
los pensadores no son bien recibidos en la ma-
yoría de los entornos sociales. Los pensadores
pueden convertirse en descontentos”. (Extrac-
to de la entrevista con Terence McKenna).
 clásico ilustrados
ΑΑHans Christian Andersen
La pulga y el profesor
Había un aeronauta que acabó mal: el
globo se rompió, el hombre cayó y se
hizo pedazos. A su hijo lo había lanzado
dos minutos antes en paracaídas, lo
que fue una suerte para el muchacho.
Resultó ileso y sabía más que suficiente
para convertirse en aeronauta, pero no
tenía globo ni medios para adquirir uno.
Tenía que vivir, de modo que se
aplicó al arte: sabía hablar con el estó-
mago. A eso le llaman ser ventrílocuo.
Era joven y apuesto, y cuando se dejó
bigote y se compró ropa buena, se le
podía tomar por el hijo de un conde.
Las damas lo encontraban guapo e in-
cluso una doncella quedó tan prendada
de su hermosura y su arte que le siguió
por ciudades y países lejanos. Allí se ha-
cía llamar profesor, no podía ser menos.
Su idea fija era conseguir un globo
aerostático e irse por el aire con su
mujercita, pero aún no tenía medios
suficientes para hacerlo.
—¡Ya llegarán! —decía él.
—¡Ojalá! —decía ella.
—¡Somos jóvenes! Y ahora yo soy
profesor. ¡También las migas son pan!
Ella le ayudaba fiel-
mente, se sentaba en la
puerta a vender entradas
para la representación, lo
que no resultaba demasia-
do agradable en invierno. También le
ayudaba en uno de los números artísti-
cos. Él colocaba a su mujer en un cajón,
un cajón grande. Ella se metía entonces
en el doble fondo del cajón, de modo
que no se la veía en la parte delantera.
Era como una ilusión óptica.
Pero una noche, al abrir el cajón,
resultó que tampoco él la pudo encon-
trar. No estaba en la parte delantera ni
en el doble fondo, ni en ningún sitio de
la casa, no había forma de encontrarla,
no se la oía. Aquel fue el número que
hizo ella sola: nunca regresó. Se había
hartado y el también se hartó, perdió
su buen humor, ya no podía reír ni decir
chistes, de modo que la gente dejó de
acudir. Las ganancias disminuyeron, las
ropas se estropearon, al final no tenía
más que una gran pulga macho. Era
una herencia de su mujer, por eso la
quería tanto. De modo que la disfrazó,
le enseñó algunos números, le enseñó
a presentar armas y disparar un cañón,
aunque pequeñito.
El profesor estaba orgulloso de la
pulga, que a su vez estaba orgullosa
de sí misma, había aprendido cosas y
tenía sangre humana y había estado en
las mayores ciudades, la habían visto
príncipes, y princesas, se había ganado
{14} www.THERAMBLAS.com
 sus ovaciones. Aparecía en anuncios y
carteles. Sabía que era una celebridad
y que podía alimentar a un profesor,
hasta a una familia entera.
Estaba orgullosa y era famosa,
pero cuando el profesor viajaba, cogían
billete de cuarta clase de ferrocarril.
Llega igual de rápido que la primera. Se
habían hecho una promesa muda de no
separarse nunca, de no casarse nunca,
la pulga se quedaría soltera y el profe-
sor, viudo. Lo que viene a ser lo mismo.
—Donde se ha tenido mucha suerte
—dijo el profesor— no hay que ir dos
veces.
Conocía bien a las personas, lo que
también es mucho conocer. Finalmen-
© Ilustraciones: Araceli Martí
te habían viajado por todos los países
excepto por tierras de salvajes, de
modo que quería ir a tierras de salvajes.
Ciertamente, allí se comen a los cris-
tianos, el profesor lo sabía, pero él no
era del todo cristiano y la pulga no era
persona, así que pensaba que podían
atreverse a ir por allí a ganarse sus bue-
nos dineros.
Viajaron en vapor y en velero. La
pulga hizo sus trucos y pudieron viajar
gratis y llegar hasta tierras de salvajes.
Allí reinaba una princesita. Solo
tenía ocho años, pero reinaba. Había
recibido el poder de su padre y su ma-
dre, porque tenía genio y era de lo más
linda y mala.
En cuanto la pulga presentó armas
y disparó el cañón, la princesa quedó
tan prendada de la pulga que dijo:”¡Ella
o nadie!” Se puso salvajísima de amor,
y eso que antes ya era una auténtica
salvaje.
—Pero, hijita linda, preciosa, sé
sensata —le dijo su padre— Primero,
habría que convertirla en persona.
—¡Eso déjamelo a mi, viejo! —dijo
ella, y no está nada bien que una prin-
cesita diga algo así a su padre; pero era
una salvaje.
Se puso la pulga en la mano.
—Ahora eres una persona y reinas
conmigo. Pero tendrás que hacer lo
que yo quiera, o te mato y me como al
profesor.
Al profesor lo pusieron a vivir en
una gran sala. Las paredes eran de caña
de azúcar; podía chuparlas si quería,
pero no era goloso. Le dieron una
hamaca para dormir, y era como si estu-
viera en un globo, lo que siempre había
deseado y había sido su idea fija.
La pulga se quedó a vivir con la
princesa, se sentaba en su manecita
y en su delicado cuello. Ella se había
quitado un pelo de la cabeza, que el
profesor tuvo que atar a una pata de
la pulga para que ella la llevara atada
a un gran trozo de coral que le colgaba
del lóbulo de la oreja.
Aquella fue una época estupenda
para la princesa, también para la pulga,
al menos eso creía la princesa. Pero
el profesor no se encontraba a gusto,
era un viajero, le gustaba ir de ciudad
en ciudad, leer los comentarios de los
periódicos sobre su habilidad y su per-
severancia al conseguir enseñar a una
pulga la conducta humana. Un día si y
otro también se los pasaba tumbado en
la hamaca adormilado, y comía bien:
huevos frescos de aves, ojos de elefante
y muslos de jirafa asados. Los caníbales
no viven solo de carne humana, que
para ellos es un manjar exquisito. “El
solomillo de niño en salsa picante —
decía la madre de la princesa— es la
mayor exquisitez”.
El profesor se aburría y gustosa-
mente se habría ido del país de los
salvajes, pero tenía que llevarse a la
pulga, era su prodigio y su pan de cada
día. ¿Cómo hacerse con ella? No sería
tan fácil.
Esforzó su mente hasta el límite y
dijo: “¡Ya lo tengo!”.
—Padre de la princesa, concéda-
me un favor. Puedo introducir a los
habitantes de su país en lo que en los
mayores países de la tierra se llama
“educación”.
—¿Y qué puedes enseñarme a mí?
—preguntó el padre.
—Mi mejor arte —dijo el profe-
sor—. Disparar un cañón y ver temblar
todo el mundo, y caer asados al suelo
los más sabrosos pájaros del cielo. Todo
eso gracias a una explosión.
Pero en todo el país no había otro
cañón que el que había traído la pulga,
que era demasiado pequeño.
—Yo fundiré uno mayor —dijo el
profesor—. Basta con que me dé los
medios para hacerlo. Necesito fina tela
de seda, hilo y aguja, cuerdas y cables,
junto con gotas de aceite de alcanfor
para los gases: te hacen sentir mucho
mejor y te calman. Los gases causan el
estampido del vientre del cañón.
Le dieron todo cuanto pidió.
Todo el país se congregó para ver el
gran cañón. El profesor no los convocó
hasta que tuvo el globo completamente
terminado y listo para inflarlo y subir.
La pulga estaba sobre la mano de
la princesa, mirando. Llenaron el globo
que se abombó y apenas se estaba quie-
to, de lo salvaje que era.
—Tengo que hacerlo subir para que
se enfríe— dijo el profesor, y se metió
en el cesto que colgaba de él—.Yo solo
no puedo dirigirlo. Necesito un buen
compañero para ayudarme. No tengo
aquí a nadie más que a la pulga.
—No me gusta nada —dijo la
princesa, pero le entregó la pulga al
profesor, que se la puso en la mano.
—¡Soltad cuerdas y cables! —
dijo—. ¡Allá va el globo!
Y el globo subió más y más, por
encima de las nubes, y se alejó del país
de los salvajes.
La princesita, su padre y su madre,
todo el pueblo estaba allí esperando.
Siguen esperando y, si no lo crees, vete
al país de los salvajes, allí todos los
niños hablan de la pulga y del profesor.
Creen que volverán cuando el cañón
se enfríe, pero no volverán, están en
nuestro país, están en su patria, viajan
en ferrocarril, en primera clase y no
en cuarta. Tienen buenas ganancias y
un gran globo. Nadie pregunta cómo
consiguieron el globo ni de dónde lo
sacaron. La pulga y el profesor son muy
queridos, apreciados.
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 cine

Bienvenidos a Belleville de Sylvain Chomet (2003)

ΑΑRosario Salom
Sinopsis: Champion es un niño solitario que vive con su abuela Madame Souza. La
abuela descubre la pasión de su nieto por el ciclismo y decide dedicar los próximos
años a entrenarle concienzudamente. Champion participa en la carrera ciclista más
famosa del mundo, el Tour de Francia. Durante una de las etapas, dos misteriosos
hombres vestidos de negro raptan a Champion y a otros dos ciclistas. Madame Souza
y su fiel perro Bruno siguen las huellas de Champion a través del océano hasta llegar
a la gigantesca ciudad de Belleville. Allí se cruzan por azar con las famosas “Trillizas
de Belleville”, tres estrellas del music - hall de los años 30, que acogen a Madame
Souza y a Bruno. Las trillizas, la abuela Souza y Bruno localizan a Champion y lo-
gran rescatarle tras enfrentarse a la mafia francesa.

varios efectos de sonidos ambientales en

vez de seguir un texto determinado. Me
parece interesante incluir las siguientes
palabras del director Sylvain Chomet: “Creo
que una animación sin las restricciones de
las palabras habladas tiene más fuerza. Si
tienes que hacer que todo cuadre con las
palabras, todos los movimientos gestuales
giran en torno a la boca. Sin ellos eres
mucho más libre para crear animación
verdadera, para hablar a través de la propia
animación.”

Los efectos digitales

Belleville
La ciudad de Belleville está llena de
referentes arquitectónicos de las ciudades
canadienses de Québec y de Montreal. Por
ejemplo, la primera imagen de la ciudad en
la película, muestra el castillo de Fron-
tenac en Québec. Por otra parte, hay varios
elementos que apuntan a la vida cotidiana
en las grandes ciudades estadounidenses.
Me refiero a la cantidad inmensa de coches
y de ciudadanos recorriendo las calles y a la
obesidad generalizada de las personas e in-
cluso de las estatuas. Por ejemplo, la famosa
estatua de la libertad de Nueva York, es una
oronda dama que sostiene un plato con una
hamburguesa gigante.
Personajes
Los personajes protagonistas de la pelícu-
la son: la abuela Madame Souza, su nieto
Champion, su perro Bruno y las trillizas de
Belleville.
Tal y como ocurre en muchos filmes de
animación infantil, los personajes escapan
de los rígidos esquemas marcados por la
tradición cinematográfica de Hollywood. Es
decir, son personajes poco convencionales:
las trillizas son tres ancianas excéntricas
que siguen actuando después de varias
décadas; madame Souza tiene una pierna
mucho más corta que la otra, y Bruno es
un perro obsesionado con los trenes que ve
pasar continuamente frente a su ventana.
Champion, por su parte, es un niño solitario
y poco agraciado físicamente. Por supuesto,
los personajes muestran otros valores, como
la amistad, la perseverancia y una creativi-
dad desbordante que les permite enfrentar-
se con éxito a los miembros más peligrosos
de la mafia francesa.
Una película sin diálogos
A mi modo de ver, uno de los aspectos más
sorprendentes de la película es la ausencia
de diálogos. En efecto, se usa la música y
En el plano técnico, la película combina la
animación tradicional, con las técnicas de
animación digital en 2D y 3D. Por ejemplo,
en las escenas situadas en carrera del Tour
de Francia, tanto las bicicletas como los
ciclistas están animados en 3D. En cambio,
la multitud de aficionados que apoya a los
corredores fue animada usando las técnicas
tradicionales.
Curiosidades
El proyecto de Bienvenidos a Belleville,
tardó cinco años en desarrollarse. Todos los
sonidos caseros (actuaciones de las trillizas,
etc.) son originarios de la vida real. Es
decir, no se utilizaron medios electrónicos
para crearlos.
Bienvenidos a Belleville fue presentada en la
selección oficial del 56º Festival de Cannes,
treinta años después de que lo fuese la
última película de animación francesa La
planète sauvage en 1973.
 Hemoficción
Juan Trigos, narrador y dramaturgo mexicano
nacido en 1941 es el creador de la corriente
estética y literaria denominada hemoficción.
Según Trigos, la hemoficción se opone a cualquier
clase de etiqueta simplificadora del alma humana,
y es además literatura seria pero muy divertida.
Entre las obras de hemoficción publicadas por
Juan Trigos tenemos: Déjame que te mate para
ver si te extraño, Mis dos cabezas piensan
peor que una, La diabólica santa de las
tijeras o Cabeza de perro con orejas de conejo
entrevista
ΑΑValentina Vives
La hemoficción es un movimiento dinámico
y en continuo crecimiento gracias al intenso
trabajo de Lorenzo Mijares, director, actor y
promotor cultural mexicano. Lorenzo vive en
Barcelona desde hace varios años y decidió
dedicar su vida a la hemoficción ya que en sus
propias palabras. “es lo único que ha calmado
mis inquietudes humanas y artísticas.” Loren-
zo dirige la compañía de Teatro de Hemofic-
ción, una compañía de repertorio que tiene en
su haber cientos de representaciones de varias
obras de Trigos en multitud de espacios escéni-
cos, tanto convencionales como alternativos.
Marxela Etchichury contacta con Loren-
zo Mijares cuatro años atrás y se involucra
inmediatamente en este proyecto cultural.
Marxela, quien siempre se había interesado
por los movimientos artísticos de vanguardia
del s.XX y el teatro del absurdo, encuentra
en la hemoficción un canal para manifestar
sus necesidades humanas y dar con respues-
tas. Marxela se forma en hemoficción a partir
de los talleres impartidos por Lorenzo. A día
de hoy, ya es actriz y directora de montajes
teatrales de hemoficción y está preparando La
señora del rostro rasurado, una obra que de-
nuncia la violencia machista. Según Marxela,
“aunque la hemoficción habla de la sociedad,
la familia o la religión, no es un movimiento
artístico social sino cultural.”
Los Talleres de Formación de actor, director y
promotor cultural, transmiten una técnica de
actuación basada en una metodología específi-
ca de la hemoficción.
Teniendo en cuenta que se trata de un mo-
vimiento cultural vanguardista, es evidente
que se rompen las pautas convencionales de
{18} www.THERAMBLAS.com
la dramaturgia. Por otra parte, dicha meto-
dología puede enriquecer tanto a los actores
formados en otras disciplinas como a aquellas
personas sin experiencia previa.

Mijares dice: “Hoy las escuelas de formación

actoral enseñan construcción de personajes. Yo
gracias a la Hemoficción he entendido que es al
revés. Me he podido construir a mi mismo gra-
cias a los personajes. No es al revés. Ellos son,
ellos existen, ellos están. Soy yo el extraviado © Fotos: Hemoficción
que les necesita y no al contrario. Por ello los
métodos de “construcción de personaje” en
esta vanguardia no sirven. Parten de principios
contrarios. Yo he tenido que comenzar reco-
nociendo que ni a mi mismo me conocía, ¿con
qué soberbia o estulticia iba yo a sentirme ca-
paz de conocer a otro sin saber quién soy yo?”
La hemoficción se extiende a otras
manifestaciones artísticas. Por ejemplo,
la música, la pintura, la fotografía y
el cine. En efecto, Juan Trigos R, (hijo
del dramaturgo) compositor y director
de orquesta aporta su talento musical
en varias obras de hemoficción. Entre
ellas, la Ópera Mis dos Cabezas piensan
peor que una representada en Lizins-
ki City Hall de Zagreb, Croacia y en
Teatro Juárez en Guanajuato y Palacio
de las Bellas Artes en la Ciudad de
México en el marco del Festival Inter-
nacional Cervantino. La citada Ópera
constituye un ejemplo de fusión ar-
tística en la que participan el director
Lorenzo Mijares, el músico Juan Trigos
R y el pintor Luciano Trigos.
Otros artistas van sumándose a la
hemoficción: el compositor musical
Alex Jiménez, la artista plástica Laura
Sveva y el director de cine y teatro
Alberto Durón.
El trabajo de la compañía es muy rico y
acumula a la fecha más de doce puestas
en escena de diversos formatos: de mo-
nólogos a óperas. Se siguen estrenando
títulos en castellano, catalán e italiano
y llevando la hemoficción a todo el
público.
Haciendo además algo único e históri-
co; funciones completas de Teatro de
Hemoficción en parques, plazas y calles
de Barcelona y otras ciudades.
En 2008 Lorenzo Mijares crea el Festi-
val Internacional Hemoficción con el
fin de poder conjugar el trabajo artísti-
co de todos; literatura, música, ópera,
pintura, radio, video, cine y teatro y
compartirlo en una fiesta anual que lle-
gue cada vez a más público y ciudades
del mundo. La cuarta edición que se
celebrará en el mes de mayo 2011, ten-
drá lugar en: Barcelona y Madrid en
España, Turín en Italia, Oaxaca y D.
F. en México, Bucarest en Rumania y
Nueva York, en Estados Unidos.
{20} www.THERAMBLAS.com
entrevista
entrevista
En cuanto a los proyectos que van a desarro-
llarse a lo largo de los próximos meses cabe
añadir la publicación de libro TEATRO DE HE-
MOFICCIÓN (trayectoria) con los últimos doce
años en la vida artística de Lorenzo Mijares
como pionero de esta vanguardia por iniciati-
va de NIRAM ART.
La cuarta edición Festival Internacional
Hemoficción se celebrará
en el mes de mayo 2011
Quiero terminar este artículo con las siguien-
tes palabras de Marxela:
“Cuando escucho las mismas frases que a mí me
han hecho llorar o reír, cuando escucho esas
frases en medio del aire de un barrio, estoy se-
gura de que vale la pena hacerlo. Asaltar la ca-
lle, hacerla escenario, hacerla camerino. Hacer
que por una vez, la gente esté cerca del teatro.
Que sepan cómo es eso de ver a alguien poner
todo el ser para contar la historia que vale la
pena contar. Me pregunto si vale la pena, y
dos ojos me miran desde lejos o un niño queda
maravillado, no puede soltarme la mirada. Me
pregunto si vale la pena y me respondo que sí.
Asalto la calle para abrir nuevas posibilidades:
una señora ama de casa, un niño de cinco años,
un barrendero de la calle, un estudiante, todos
son bienvenidos a mi teatro. Todos se convier-
ten en cómplices. Asaltamos la calle, actriz y
espectadores. Drama y risas nerviosas. Drama-
turgo y director.”
{22} www.THERAMBLAS.com
 El arte
y la trampa ΑΑSuset Sánchez

Ahora se me antoja lejano el momento en que decidí no confiar más en

mi ojos, cuando convencida de las mentiras de la visión comprobé que el

plástica
conocimiento y la mirada son distantes, aunque por efímeros lapsus de
tiempo parezcan rozarse. Últimamente me resisto a la seducción del arte,
y mucho más de la pintura, sobre todo de la «buena», esa que te embria-
ga muchas veces con la grandilocuencia de los colores, la épica narrativa
y el opulento trazo. Sin embargo, acongojada —y ambivalentemente
complacida­—, algunas veces me descubro en el acto de la traición. En el
revés que desordena los valores que me interesan del arte. Y ello ocurre
poco, pero es un sentimiento imprescindible cuando repaso una obra como
la de Miguel Ángel Salvó.
Esos lienzos parecieran conocer mis debilidades, el influjo que sobre
muchos ejerce detectar el depurado oficio constructor de imágenes indele-
bles. Por si fuera poco, Salvó sabe bien como enredarnos en una madeja de
referencias que trasciende el prístino espacio de lo visual para adentrarse
en los cauces de la reflexión y la teoría sobre el arte mismo. Y es que este
la pericia del artista quizás alcanza
su realización en el instante mismo en
que esa duda deja de pertenecerle
artista es un obseso de la historia del arte, un caníbal de los discursos que
sobre la misma se han cernido cual criterios normativos, sobre todo de
aquellos relacionados con las funciones y los valores de la praxis artística.
No por gusto en sus lienzos deambulan incesantemente las apariencias del
expresionismo, del realismo socialista, del muralismo mexicano, lenguajes
donde el debate en ese sentido se ha tornado una álgida contienda.
Mas no nos dejamos engañar por el empaque pictórico de sus obras,
los referentes son sólo eso, instancias para la apertura del diálogo con la
historia del arte y la historia misma, pero no camisas de fuerza para el
despliegue del sentido. De hecho, Salvó parece utilizarlos como máscaras,
como un medio para travestir sus propias nociones sobre el arte que con-
tínuamente se debaten entre la opción autónoma y el compromiso social.
Residiendo ahí el cisma ético que le imprime el sabor de la duda y de la
relatividad a su poética, el tufillo a pacto, concesión y rebeldía.
Sus estudios preliminares van recorriendo hitos de la historia occi-
dental, mitos y paradigmas que han dejado una impronta del compromiso
social del arte, del devenir utópico de tantos momentos y procesos artísti-
cos e históricos: Ícaro, Eva, Fouché, desvelan trayectos donde el mito y la
historia se funden en el diapasón de la transgresión y la subversión, del
anhelo utópico de la libertad. Mientras que otros estudios revelan la vo-
cación constante del arte, los estudios de Miguel Ángel Salvó nos acercan
a un proceso en el que el creador se ha acercado a la historia para tomar
{24} www.THERAMBLAS.com
después distancia de ésta. Los estudios son la antesala del mural donde
se combinan las notas disonantes que han creado la sinfonía del arte.
Entre tanta nebulosa y fragmento historicista transfigurado en veladuras y
pinceladas, en figuraciones expresionistas y potencias de color, emerge la
certeza de una poética que encuentra su única verdad en la duda.
Y la pericia del artista quizás alcanza su realización en el instante
mismo en que esa duda deja de pertenecerle como patrimonio poético
para apoderarse de nuestros sentidos. Confieso que ante los lienzos de
Salvó siento la vergüenza de una desnudez que se muestra públicamente.
Nuevamente he sido burlada por la pasión y el regodeo de la retina: donde
creía adivinar el dato preciso, se encuentra un espacio ambiguo en el que
vagan referencias históricas que confieso desconocer. Por ello, ante una
obra como la de Miguel Ángel Salvó, compleja en sus redes intertextuales,
sólo resta abandonarse al desenfreno de la vista, al disfrute de la pintura
que avasalla y seduce como un poder, como el poder del arte. Entonces
la pintura existe per se, desaparece como lenguaje y referencia , nos mues-
tra que ya no estamos situados —tal vez nunca lo estuvimos— dentro
de la historia. Estamos fuera de ella porque no atinamos a reconocerla.
 Marillion
música
ΑΑAndrés Dengra En mi opinión, Brave (1994) significó para los
años noventa del siglo pasado lo que Dark Side
of The Moon de Pink Floyd para los setenta
o Tommy de The Who para los sesenta, en
concepto, no en popularidad. A principios de
los noventa, la música popular, como el pop,
rock, etc… no contaba todavía con el gran
descubrimiento de la música comprimida en
mp3 y su distribución comercial por Internet.
Las grandes discográficas aún debían lucrar-
se con la música que producían los artistas,
y aunque no fuera mediante una cláusula
contractual, éstos debían hacer que su música
tuviera al menos una o dos canciones con las
que asaltar las emisoras de radio y los oídos
de algunos inocentes. Me refiero a los llama-
dos éxitos o singles, que debían promocionar
hasta la saciedad para darles buenos benefi-
cios a sus arcas, que en aquellos momentos
estaban rebosantes. Ahora, en cambio, deben
reinventarse para llenar dichas arcas.
Marillion, de una forma u otra había entrado
en esta espiral de presión realizada por las
compañías discográficas, y su producción an-
terior, Holidays in Eden (1991), fue un disco
orientado tanto a nivel de composición como
de producción hacía el pop, o hacia lo que
los ingleses llaman mainstream. En efecto, la
discográfica podía hacer uso de varias cancio-
nes para su promoción, como fue el caso. Pero
el grupo al acabar el disco hizo la siguiente
reflexión: el próximo trabajo sería completa-
mente diferente al que habían realizado.
Lo primero que se plantearon fue que tenía que
explicar una historia desde la primera hasta la
última canción. Es decir, sería un disco concep-
tual, lo cual contradecía los planes de cual-
quier discográfica, ya que el disco se concibe
de principio a fin. Una canción editada por
separado pierde muchos matices que el conjun-
to del disco si te da. En la historia de Marillion
ya había un ejemplo de este tipo de composi-
ción. Misplaced Childhood (1985) era un disco
conceptual que les llevó de grupo de culto a la
primera línea mediática. Una de las canciones,
Kayleigh fue un éxito rotundo que hizo que las
ventas del disco fueran millonarias.
{26} www.THERAMBLAS.com
La chispa que dio la salida al concepto del
álbum fue una noticia que Steve Hogarth, can-
tante del grupo, escuchó por la radio en 1988.
En la carretera M4, cerca del Severn Bridge,
en la zona de Bristol (Reino Unido), la policía
había encontrado a una joven deambulando.
Cuando quisieron interrogarla, ella se negaba
a hablar con nadie. No lograron que hablase
ni nadie supo identificarla. Este fue el punto
de partida para explicar la vida de esta chica,
que es el leitmotiv de Brave. El álbum comien-
za con Bridge, momento en el que la chica es
encontrada. Se crea una atmósfera ambiental
que casi te hace oler el agua que pasa por de-
bajo del puente. La vida envuelta de mentiras,
como dice la canción Living with the big lie,
lleva a la protagonista a pasar por episodios
de drogas, que musicalmente se representan
de forma magistral en la canción Goodbye to
all that. Vivida en las diferentes fases por las
que pasa la protagonista al ser obligada por
el supuesto novio a inyectarse una dosis de he-
roína. El sexo tiene una fuerte presencia casi
por primera vez en la discografía del grupo.
Alone again in the lap of luxury, es una de las
canciones destacadas, que la compañía publicó
como single, junto a Hollow Man, una canción
lenta, y The great scape. Esta última posible-
mente sea una de las mejores composiciones
del grupo, e incluso me atrevería a decir, que
es una de las mejores canciones compuestas
en los noventa. Contiene miles de elementos
que la convierten en un claro ejemplo del rock
progresivo actual. El mensaje de la canción
es contundente, la gran huida, lo que lleva a
la joven al suicidio tirándose desde el puente
donde fue encontrada. Para los amantes del
vinilo, si encuentran una copia de este disco,
que aun no se ha reeditado en este formato,
verán que si cambian el peso de la aguja, la
canción acaba de una forma o de otra. Una
es la canción en su versión más pesimista: el
suicidio que acaba con todo; pero la otra forma
da paso a la última canción, Made Again, un
medio tiempo exquisito que nos habla de espe-
ranza y de la oportunidad de volver a empezar.
El proyecto Brave no solo se quedó en la
publicación del disco, sino que lo acompaña-
ban una película y una gira presentando la
producción. La película se encargó al director
Richard Stanley, conocido por haber realizado
videos para grupos como Fields of the Nephi-
lim. Stanley supo captar la historia y conver-
tirla en una película estética y cargada de dra-
matismo. El film intercalaba la música con la
historia que se iba desarrollando, tal y como
ocurría por ejemplo en The Wall de Pink Floyd,
donde los protagonistas no hablan sino que es
la música la que habla por ellos y acompaña
las imágenes.
La gira de presentación del disco no fue la tí-
pica que se hacía en esos momentos, donde se
tocaban algunas canciones del disco junto con
otras que repasaban la carrera del grupo. La
apuesta fue presentar el disco entero, tocando
de la primera a la última canción. Esto Este
El proyecto Brave no solo se quedó en la
publicación del disco, sino que lo acompañaban
una película y una gira presentando la
producción
tipo de presentación en directo es bastante
común hoy en día, pero en los noventa nadie
se atrevía a tocar un disco completo. La pues-
ta en escena se acompañaba de proyecciones
y un Steve Hogarth que lo daba todo en cada
una de las canciones, cambiando de vestuario,
maquillándose, y en definitiva metiéndose en
la piel de la protagonista.
Poco después, y no sabemos si por influencia
o no de este disco y el siguiente Afraid of
Sunlight, empezaron a surgir las propuestas de
Radiohead en The Bends y OK Computer, donde
el grupo cambia hacia una sonoridad y com-
posiciones más progresivas, llenas de capas y
matices, que después influenciarían a grupos
como Muse.
lugares

SAN VICENTE Y LAS GRANADINAS

ΑΑIndira Gutiérrez Samuels

Reconocida en la cadena de las Antillas Menores del mar Caribe por sus ini-
ciales SVG (y pronunciadas según el alfabeto inglés), está situada al norte
de Venezuela entre las Islas Santa Lucía y Granada. Tiene un territorio de
389km² y 118, 149 habitantes. Comprende la isla principal San Vicente dividi-
da en cinco parroquias o distritos: Charlotte, St. Andrew, St. David, St. Patrick
y St. George donde se encuentra su capital Kingstown y las nueve islas que
conforman las Granadinas del norte, las cuales no superan los 350 metros de
altitud. Son islas maravillosas en las que se puede encontrar perfecto acomo-
do (en hoteles, casas o bungalows) para disfrutar de un rato de esparcimiento
alejado de la vida bulliciosa de cualquier ciudad. Son todas ellas verdaderos
paraísos tropicales.
Young Island (la más ancha), Bequia dinas son Barbados, Granada, Trinidad,
(la de mayor tamaño), Union Island Santa Lucia, Martinica y Puerto Rico.
(la más meridional), Mustique (la más Ya para el 2012 se espera la puesta
exclusiva), Canouan (la de más fanta- en funcionamiento de un aeropuerto
sías), Palm Island (la más paradisíaca ), internacional, que ampliará la conexión
Mayreau (la más pequeña), Tobago Cays con la isla.
(el paraíso más deshabitado) y Petit St. El clima imperante durante los casi
Vincent (la última de las granadinas). 365 días del año es tropical húmedo con
Las islas tienen acceso por vía una media de entre 18 y 31°C. (85° F).
marítima mediante un servicio de Ferris El constante verano y la calidez de sus
entre ellas y por vía aérea mediante aguas invitan a un paseo interminable
la aerolínea LIAT además de las líneas por sus playas, muchas de ellas de are-
aéreas que vuelan a los diferentes nas negras. Las islas se encuentran en la
aeropuertos: Grenadine Air Alliance la trayectoria de los vientos que soplan del
cual incluye SVG Air, Mustique Airways este, lo que las convierten en lugares
y Trans Island Air. Canouan posee un perfectos para la navegación.
puerto para jets donde aterrizan vuelos Los isleños son amistosos dados a la
de SVG Air y American Eagle. agricultura y disfrutan de las fiestas.
Los principales aeropuertos de La música que se escucha es bien
conexión para San Vicente y Las Grana- caribeña: Soca, Reggae así como sus

{28} www.THERAMBLAS.com
bailes, muy contagiosos y con una cadencia
especial. Su idioma es el inglés a pesar de
que la población prefiere utilizar un dialecto
conocido como Vincy.
Sus comidas son exquisitas, les encanta
el picante y adoran los tradicionales grandes
banquetes a base de Breadfruit (Fruta del Pan)
y Bacalao.
Las mejores fechas para visitar las islas y
disfrutar de sus festejos son cuando celebran
El Vincy Mas, los carnavales más coloridos del
Caribe en los primeros días del mes de Julio,
durante dos semanas, y el 27 de Octubre, fe-
cha en la que celebran su Independencia con
grandes manifestaciones desde 1979, tras un
referéndum que los convirtió en la última de
las Windward Islands (Islas de Barlovento) en
conseguir su independencia.
SVG cuentan con encantadoras atracciones
turísticas donde la mano del creador estuvo
presente para convertirlas en verdaderas obras
de arte. Tienen un total de cinco afrodisiacas
Cataratas, El Volcán Le Soufriére de 3584ft
(1234mts) de altura y ubicado en las montañas
que llevan su mismo nombre, el Salt Pond en
la localidad de Owia, El sendero Natural de Ver-
mont, El jardín Botánico en las afueras de la
ciudad, y los hermosos grabados rupestres de
Arawack, son lugares que valen la pena visitar.
Recorrer una tierra llena de oportunidades
como lo es SVG e interactuar en su medio, sin
duda alguna ayudará a su crecimiento, diversi-
ficación, sostenibilidad y desarrollo.
{30} www.THERAMBLAS.com
 c/ Josep Tapiolas, 75. Terrassa. BCN
Días de conciertos: viernes y sábados
Todos los jueves Jam Session
Abierto: lunes, martes, miércoles
de 19:00h a 03:00h y jueves, viernes
y sábados de 22:00h a 05:00h.

Para saber más sobre crossroads:

www.myspace.com/crossroadsmusica
www.facebook.com/crossroadsmusica.terrassa
crossroads@crossroads.es

Fotografías: Jack el diseñador (www.jackeldissenyador.blogspot.com)

Cosmovisión y
expresión de la
creatividad en el ARTE
Parece una certeza, si nos permitimos viajar a lo
largo de las culturas y a través de miles de años que
en el ser humano existe una necesidad de poder
dar una respuesta funcional a las preguntas ¿Quién
soy? ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy?
ΑΑEl Tarot de Noemí Y nos aparece como una obviedad, de la que
miles de personas han hecho su causa, las
distintas formas que hemos usado para pre-
guntarnos y dar respuesta a dichas cuestio-
nes. Éstas han ido reflejando las inquietudes
y las habilidades de las que muchas veces de
manera inconsciente, somos partícipes.
En la historia de cada persona, en algún mo-
mento de su desarrollo, aparece esa difícil cues-
tión a resolver, que obliga a plantearse, a veces
evitable por un tiempo y, a veces, negociable en
la duda, que nos posiciona delante de lo tras-
cendente de nuestra vida, de nuestra existencia.
En múltiples ocasiones se ha apelado a diferen-
tes tipos de credos, o filosofías, para conectar
con algo significativo y que dé una solución,
probablemente temporal, a ese conflicto que
aparece ante las siguientes preguntas: ¿Qué
hay de mí? ¿Cuál es mi camino? ¿En qué creo?
el Arte se hace manifiesto
como aquello concreto
y a la vez sagrado
En las diferentes cosmovisiones, es posible
observar cómo el ser humano ha puesto de
manifiesto su gran capacidad de generar, adhi-
riéndose o no al credo, obras de arte con gran
capacidad de transformación. Su potencialidad
creativa se ha concretado en pintura, escri-
tura, escenificación, piedra, y todo elemento
susceptible de expresar aquello en lo que
creen, adoran, e incluso temen.
El arte, en definitiva, sustentado por la his-
toria y lo posible de la esencia del ser huma-
no en movimiento para generarlo, expresa
en ocasiones lo que las personas en algún
momento podemos anhelar, desear, amar,
reflejar… Nos muestra a veces, aquello que no
podemos eludir, su propia finitud. Y, lo cierto,
es que este legado, y la importancia de estas
cuestiones, como ejemplos significativos de
nuestra contemporaneidad, son enormemen-
te visibles en las pirámides de Egipto, en los
Tótem Maya, en los templos druidas, en el
folclore y práctica yoruba, en la práctica de
la meditación oriental… De hecho en múlti-
ples prácticas que posicionan al ser humano
como centro de su universo interior creyendo
en él mismo, o como un individuo emotivo y
racional que siente el deseo de estar vincula-
do a un sentimiento de unidad mediante un
posible sistema de creencia teístas o politeís-
ta. En este sentido, el Arte se hace manifiesto
como aquello concreto y a la vez sagrado. En
algunas ocasiones, como modo de comunicar
con eso otro en lo que se cree.
De este modo, la capacidad artística y creado-
ra del ser humano, se ha dirigido en no pocas
ocasiones, a honrar lo divino y/o bien ensal-
zarse a sí mismo como el centro de su credo.
{32} www.THERAMBLAS.com
Resulta, en definitiva, común y observable en
aquello creativo de toda cosmovisión.
Cuando se introdujo la idea de la expresión del
arte como modo de comunicarse con aquello
en lo que se cree, es inevitable preguntarse por
la intención de ese acto, y por los mecanismos
que se articulan. Por otra parte, yy respetando
todos los posicionamientos, es inevitable cues-
tionarnos sobre su importancia y repercusión,
tanto a nivel individual como social.
Como ejemplos que podrían considerarse
creaciones en las que el arte de algún modo
está presente, y como canales de comunicación
con las creencias podríamos hablar del I Ching,
como “libro adivinatorio y también un libro
moral, a la vez que por su estructura y simbo-
logía es un libro filosófico y cosmogónico”* de
las runas de origen germano, las danzas pin-
torescas y provocativas del yorùbá al ritmo de
unos tambores sagrados (batá) ofrendadas a sus
deidades, e incluso de la plena conciencia en el
uso de las artes plásticas en la creación de las
tan populares Cartas del Tarot. A estas últimas
nos dirigimos por lo particular de dinamizar lo
creativo en un total de 22 arquetipos, figuras,
que conforman los Arcanos Mayores y, otras 56
que, usando los prototipos de la baraja de car-
tas española, conforman los Arcanos Menores.
En una lectura, las diferentes posiciones de
las cartas permiten al consultante plantear-
se su situación actual y decidir hacia donde
quiere dirigirse.
Creamos o no en alguno de ellos o, en ningu-
no, sin duda alguna parece que toda cosmovi-
sión hace uso del poder de la expresión artís-
tica y, el Arte, es al menos, una de las formas
creativas que intenta conectar con nuestras
máximas, ensalzarlas, hacerlas perdurables en
el tiempo… consiguiendo, incluso, trascender
nuestra individualidad y propia finitud en la 902 777 456
historia que vamos a vivir.
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