Resumen final

GOMBRICH/BAXANDALL: Renacimiento
El renacimiento surge en el siglo XV en base a los intereses humanistas: la figura humana, la
representación del espacio y la naturaleza. Estos intereses habían sido extraídos de la antigüedad
clásica greco-romana y por esta razón es que el renacimiento es considerado como un “revival” de
la antigüedad. Se quiere recuperar “la grandeza de Roma” y a volver a tener elementos culturales
de la edad clásica. El artista Giotto es considerado un precursor de este movimiento. Un
movimiento artístico relacionado con la ciencia, la matemática: el descubrimiento y el uso de
perspectivas, la regla de tres y las proporciones, la geometría y el estudio de la figura humana.
También se realiza un estudio en base a lo gestual (Baxandall) basado en los movimientos del alma
(dolor, alegría, deseo, temor, etc.). a cada gesto se le asignaba una expresión física o mental, por
ejemplo en “La expulsión del paraíso” de Masaccio, con gestos de Adán y Eva de dolor (apretar el
pecho con la palma de la mano) y vergüenza (cubrir el rostro con las manos).

También la danza es una acción demostrativa de un movimiento espiritual. La pintura y la danza

compartían una preocupación por los movimientos físicos como reflejo de movimientos mentales.
Ese era el sentido de la danza, que describen modelos de disposición de figuras que expresan
relaciones psicológicas. La danza era semidramática. EJ: “la primavera” (Botticelli).
El renacimiento en Italia se plasma en obras principalmente religiosas con un triple objetivo:
1.Para instruir: ser simples para los que no saben leer. 2. Para causar emoción y devoción en los
fieles. 3. Para activar la memoria: retención de imágenes en memoria.
La relación artista-espectador se da a través del estilo cognoscitivo: los espectadores son capaces
de interpretar un cuadro y comprenderlo según sus experiencias y conocimientos. El estilo
cognoscitivo consta de una competencia individual que son las experiencias propias adquiridas y
de una colectiva otorgadas por el conocimiento general, popular. Además se debe tomar en
cuenta al reconocimiento de una convención representativa (EJ: Se utiliza una superficie de dos
dimensiones para referirse a algo de tres.), Los tipos de habilidad interpretativa (capacidad de un
hombre para distinguir cierta clase de forma/s va a tener consecuencias en la atención que le
preste a un cuadro. Sus experiencias le dan habilidades de interpretación. La capacidad de
interpretar y por ende, comprender un cuadro, hace que pueda ser disfrutado (de su gusto). Y la
Información a partir de la experiencia en general: nuestra comprensión depende de lo que
aportamos al cuadro. Es decir, uno lleva ante el cuadro una masa de información y de
presunciones surgidas de la experiencia en general. Nuestra cultura hará que comprendamos o no
al cuadro. Ej la anunciación (Piero). Si se conoce a la anunciación como contenido religioso puede
entenderse el cuadro.

Artistas renacimiento en Italia:

Brunelleschi: arquitecto Florentino que en el siglo XV forma parte de un grupo de artistas quienes
tienen el objetivo de crear un nuevo arte rompiendo con las ideas del pasado.
Fue el encargado de terminar la catedral de Florencia (estilo gótico). Propone un nuevo modo de
construcción, en el cual las formas de arquitectura clásica se empleen para crear modalidades
nuevas de belleza y armonía. Combinó columnas, pilastras y arcos con su estilo para conseguir un
efecto de levedad y gracia, distinto a todo lo visto anteriormente.
EJ: “Capilla Pazzi”: divide los espacios proporcionalmente, utiliza frontones clásicos y pilastras
planas (no como los góticos con grandes ventanales).

Además de ser un iniciador en la arquitectura, también lo fue en el arte, ya que descubre a la

perspectiva, proporcionándoles a los artistas medios matemáticos para entender la razón por la
cual los objetos disminuyen de tamaño a medida que se retrocede hacia el fondo.

Masaccio artista que crea uno de los primeros cuadros con reglas matemáticas y recursos técnicos
de Brunelleschi: “Santísima Trinidad”. Pintura mural que representa a Virgen, San Juan y los
donantes. Esta pintura crea una revolución no solamente por utilizar el recurso técnico de la
perspectiva pictórica, sino también por la simplicidad y magnitud de las figuras encuadradas por
esta nueva arquitectura. El arte de Masaccio era menos agradable a la vista que las pinturas que se
estaba acostumbrado a ver, pero era más sincero y emotivo. El ademán sencillo con que la Virgen
señala a su Hijo en la Cruz es tan elocuente e impresionante porque es el único movimiento en el
conjunto solemne de la pintura. Sus figuras parecen estatuas (logradas por la perspectiva). Parece
que podemos tocarlas y esta sensación es la que hace de ellas y de su mensaje algo nuevo para el

espectador.
Donatello: escultor del círculo de Brunelleschi. Rompe completamente con el pasado de la Edad
Media. EJ: El “San Jorge de Donatello” yergue con firmeza sobre el suelo con los pies clavados en
la tierra, su rostro no tiene que ver con la serena y vaga belleza de los santos medievales, sino
energía y concentración y con una actitud determinante y desafío. A pesar de la sensación de vida
y movimiento que la estatua comunica, sigue siendo precisa en su silueta y sólida. Al igual que
Masaccio, quiso sustituir la delicadeza de sus predecesores por una nueva y vigorosa observación
de lo natural, un nuevo e independiente estudio de las formas reales del cuerpo humano (por
ejemplo detalles de manos o cejas). Se observa un estudio del cuerpo humano. Las figuras de
Donatello son rígidas y angulosas en sus movimientos y ademanes violentos (similitud con
Masaccio). La generación de Donattello se cansa de las sutilezas y refinamientos del estilo gótico y
aspira a crear figuras más vigorosas y austeras. Hay un estudio de la naturaleza, la ciencia y la
antigüedad.

Tradición e innovación
En la segunda mitad del siglo XV, en Italia los nuevos descubrimientos realizados por los artistas
italianos y flamencos crearon una gran agitación en Europa. Se instaura una idea de que el arte
sirve para reflejar el mundo real. En consecuencia, artistas de todas partes empiezan a
experimentar y rebuscar nuevos efectos. Este espíritu señala la verdadera ruptura con la Edad
Media. Brunelleschi, Donatello y Masaccio son ejemplo para la generación siguiente a ellos. Un
ejemplo de esto es el pintor Fra Angélico (1387-1455) quien aplica los nuevos métodos de
Masaccio con el objetivo de expresar las ideas del arte religioso. EJ: “La anunciación” en el que se
observa el estudio de la perspectiva. Se propone representar la escena religiosa con toda su
belleza y simplicidad. Apenas hay movimiento ni sugestión de cuerpos sólidos pero parece mucho
más emotiva por su humildad.

ALPERS: al mismo tiempo que se producía un renacimiento artístico en Italia, se produjo también
un renacimiento en el arte nórdico. A diferencia del arte científico y matemático florentino, el
arte nórdico se basó en hacer representaciones extremadamente realistas (a nivel fotográfico) de
la realidad.
Se pueden encontrar varias diferencias entre el arte nórdico y el italiano:
1. El arte nórdico es un arte de descripción (JVE) y el de Italia es narrativo.
2. A diferencia del arte narrativo, se considera a las obras descriptivas como carentes de
significado o inferiores por naturaleza.
3. Las pinturas holandesas son ricas y variadas en su observación de la realidad. Exige
menos de los espectadores que el arte de Italia.
4. Italia se centra en representar al cuerpo humano, arte nórdico a la naturaleza.
5. A diferencia del arte italiano, el arte nórdico tiene en sus cuadros ausencia de punto de
vista fijo, hace juego con grandes contrastes de escala, hay una falta de un marco previo y
se toma al cuadro como superficie.

Van Eyck: Observa a la naturaleza con sus detalles de forma infinitamente paciente y exacta.
Como ejemplo en sus pinturas se pueden observar pelillos con extremo detalle en un caballo,
arrugas en la piel, efectos de luz y sombra. Van Eyck logra en sus pinturas la ilusión del natural
añadiendo pacientemente un detalle tras otro hasta que todo el cuadro se convirtiera en una
especie de espejo del mundo visible. EJ: “El matrimonio Arnolfini”. El cuadro es un retrato de un
comerciante y su esposa, ambos tomados de la mano en una habitación, donde se observa la
precisión de detalles, tanto de los objetos que la conforman como del matrimonio: se ven los
pliegues de la piel, la ropa.

Para llevar a cabo su propósito de sostener un espejo ante la realidad en todos sus detalles, Van
Eyck tuvo que perfeccionar la técnica de la pintura. Fue el inventor de la pintura al óleo: no se
trata de algo enteramente nuevo, sino que lo que él consigue es un nuevo método de preparación
de los colores, utilizando al aceite para retardar el secado de las pinturas, dándole la posibilidad de
trabajar más lento, conseguir colores más transparentes y poder realzar las partes más luminiosas
y conseguir la exactitud.

ROMERO: Burguesía y espíritu burgués

El espíritu burgués se define cuando la burguesía adquiere conciencia de sí misma de que es una
fuerza constructiva y comienza a dar forma a sus propias tendencias. El surgimiento de la
burguesía está vinculado a la activación económica y a la transformación de ideas que suponen las
nuevas formas de vida de esta clase social. Su interés por mejorar las condiciones en las que
estaban, implicaba una nueva actitud frente al mundo y modos de vida que alteraban los
establecidos, significaba abandonar un sistema de ideas que les era habitual. Aparece entonces,
un nuevo tipo de hombre que consagraba su vida a la conquista de la riqueza. Este propósito lo
situaba en una curiosa relación con las cosas y con los hombres; debía superar el temor de lo
desconocido, las supersticiones y creencias que lo ataban a las situaciones establecidas, las
opiniones y costumbres que se oponían de diversas maneras al desarrollo de la actividad
económica.
El espíritu burgués no es exclusivo ni se da al mismo ritmo de expansión o desarrollo que la
burguesía como clase. Osea, la burguesía y el espíritu burgués no siempre tienen una relación
directa. El espíritu burgués es un conjunto de reacciones que se dan en la Edad Media, que son
independientes entre sí y tienen diversos orígenes pero que coinciden en el tiempo. Este espíritu
disidente o burgués son ideas o sentimientos, tendencias o reacciones que son distintos o
contrarios a las ideas del espíritu del orden cristiano feudal.
La causa de la aparición de un espíritu disidente frente al predominio del cristiano feudal reside en
circunstancias primarias y en sus consecuencias. Una de las circunstancias seria la extensión
considerable del ámbito cristiano en Europa, que le permitió una interacción cultural. En el
Mediterráneo se dio muy ampliamente este fenómeno, muchas ciudades de España e Italia se
transformarían muy pronto en focos de irradiación de nuevas ideas y modos de vida que influirían
a corto plazo sobre las concepciones tradicionales.
Acompañó a aquella transformación de ideas una activación de la vida económica cuyo signo fue
el florecimiento de las ciudades, las manufacturas, y del comercio interno y externo. El
crecimiento de la riqueza y el impulso de la economía monetaria favorecieron el desarrollo de la
naciente burguesía, cuya forma de vida entrañaba un ataque directo contra los dogmas cristiano
feudal. El colono decidía abandonar ese estilo de vida para alcanzar la fortuna como artesano o
mercader, debía desprenderse del sistema de ideas establecido con sus limitaciones e
inhibiciones, para convertirse en un nuevo hombre, del que saldrá el burgués, que consagraba su
vida a la conquista de la riqueza y al ascenso social. Tenía que superar las creencias y
supersticiones que lo ataban a situaciones establecidas .Esta actitud frente al mundo y la vida era
contraria al mundo Cristianofeudal. Entonces el colono cansado de su vida miserable, empezó a
mirar el mundo diferente, a darle más valor a lo terrenal antes que lo celestial, y se interesa por el
conocimiento de las maravillas del mundo, del mundo sensible. Las cosas de la naturaleza
empezaron a darle curiosidad, tener interés por lo desconocido. Esta curiosidad ayudo la difusión
de la medicina y el interés por conocer el cuerpo humano. La higiene y la curación de
enfermedades fue el fin práctico de ese conocimiento. También la zoología, como la astrología
despertó interés.
Con este espíritu disidente se altera la imagen de la divinidad, junto con la naturaleza se considera
al hombre como un ser terrenal. El hombre ahora se ve valioso aunque no tenga transcendencia.
Desea vivir en el mundo terrenal fuera de los esquemas rígidos, descubrir nuevas actividades y
trabajar para sí mismo. Estas nuevas actividades le podrían dar riquezas y ascenso social, también
el ocio o el goce de la vida. La sensualidad y la codicia, el goce terrenal y la alegría de vivir no eran
virtudes para la concepción cristiano feudal y condenaban esto.
Otro signo del espíritu disidente es en las nuevas formas de convivencia social y política: hay una
inclinación por despersonalizar el poder y basar la política en conjunto de normas objetivas,
comunes a un grupo y perdurar en el tiempo. Esto es propio del estado moderno. Además se
tienen tendencias revolucionarias. El espíritu burgués sobrepasa los límites sociales: ambos
extremos de la escala social, desde aristócratas hasta desposeídos van influenciándose lentamente
con este espíritu.

CHARTIER Y CAVALLO: De la escritura monástica a la escolástica

La historia del libro medieval se divide en dos etapas: la monástica y la laica. Estas mismas tienen
formas y visualidades del libro diferentes:

Diferencias Escritura Monástica Escritura laica

Ubicación temporal
Ámbitos de producción
Monopolios del saber
Se inicia principios de la Edad Desde XVIII-XV
Media. Del siglo V- XII
La escritura se desarrollaba Se fueron creando en las
dentro de los monasterios, en el universidades talleres laicos de
scriptorum ubicado dentro de la copistas.
biblioteca. A medida que los talleres laicos
de copistas se multiplicaron, se
crearon distintas oficinas: una de
copistas, otros de rubricadores y
otra de iluminadores.
Los monasterios mantienen el
monopolio de la producción de
libros y, por lo tanto, el
monopolio del saber. Tienen el
poder de difundir ciertos
elementos ideológicos que van a
primar en la población medieval.

Personas encargadas de la
producción
Los productores de libros son
monjes. Hay distintos personajes
que cumplen distintas tareas, los
cuales trabajan en el scriptorium.
Estos son:
Rubricadores, copistas, escribas,
iluminadores y miniaturistas,
encuadernadores
La técnica de scriptorium se
mantiene, pero la creciente
demando obliga a implementar
sistemas seriales de producción.
Aparece la modalidad
de exemplar (manuscritos
revisados por profesores de la
universidad para alquilarlos para
su copia) pecia (ejemplares se
alquilaba por cuadernos
separados llamados pecia. Asi
puede copiarse
simultáneamente).

Puede ser externa o interna, pero Los centros de la vida intelectual

Modos de circulación
siempre hablamos de una
circulación muy restringida
(analfabet 90%)
- circulación externa: un rey o
noble que tenía la posibilidad
económica podía encargar un
libro o el traslado de libros de un
monasterio a otro para que
fueran copiados.
- Circulación interna: dentro
de la misma abadía.
se desplazan y se organizará en
las universidades un activo
comercio de libros. El libro
comienza a circular de una
manera más amplia. Un nuevo
público seglar comienza a acudir
a bibliotecas.

Quienes consumían estos Los libros se utilizaban en la

Destinatarios y finalidades
Características
manuscritos eran los personajes enseñanza universitaria, que en
del ámbito monástico, quienes los un principio se limitaba a
leían al oficiar sermones. El contenidos teológicos.
acopio de libros cumplía la
función de conservar la cultura.
Soporte: papiro Idem
Formato: rollo (volumen) se
desenrolla para su lectura.
Escritura: no hay separación ni de
palabras ni frases (scriptio
continua).
Caligrafía: letras capitales
Imágenes: utilizadas sin separarla
del texto.

VEZIN: La fabricación del manuscrito

La revolución del códex
Códex: conjunto de hojas plegadas, agrupadas en uno o más cuadernos y cosidas.
Anteriormente al códex, el volumen de los libros permitía difícilmente la verificación de
referencias (ya que eran muy largos), en cambio luego del códex, esto resulta más fácil de hacer.
Nuevos soportes: pergamino y papel
Pergamino fabricado a partir de pieles de carnero, de cabra o de ternero. Se lavaban las pieles y
luego se las trataba con cal para quitarle los pelos. Se lo extendía tirante (orienta fibras) sobre un
círculo o cuadrado de madera hasta secar y se le eliminaban las impurezas con una cuchilla. Se le
pasaba una piedra pómez y polvo de tiza.
La utilización del pergamino como soporte de la escritura plantea un importante problema
económico. Era necesario que los escribas pudieran disponer de un número de pieles suficiente
para su trabajo. Había casos en los que la materia prima faltaba o era necesario economizarla. En
esos casos se lavaban pergaminos ya escritos cuyo textos habían perdido interés y se volvían a
utilizar (palimpsestos).
Durante los últimos siglos de la Edad Media, los escribas utilizaron para escribir un nuevo soporte
de origen vegetal, el papel, que fue difundido desde China en Occidente por los árabes (utilizada a
mediados del siglo XIV). Para su fabricación se utilizan trapos de lino no teñidos y también de
cáñamo. Los trapos, seleccionados y lavados, luego de haber fermentado, eran cortados en
pequeños trozos y transformados en pulpa en morteros que se tritura y se diluye. Se utilizan
moldes gemelos, se secan, se encolan, es puesta en una prensa y se pule. Para lograr la forma de
papel se utilizan hilos metálicos puestos en varillas.
Los cuadernos
A fines del siglo XI, se realizan libros con plegado de hojas in folio, in quarto e in octavo. Este tipo
de formato, hace que las dimensiones de los cuadernos de papel sean mucho más regulares que la
de los cuadernos de pergamino.
Formatos
Formatos cuadrados (códices latinos), rectangulares (manuscritos medievales) y rectangular
alargado (libros litúrgicos). La evolución del arte de escribir, la multiplicación de abreviaturas, la
utilización de un pergamino de gran fineza, etc permiten a los escribas del siglo XVIII la realización
de un volumen de formato pequeño. Este mismo era útil para poder transportar los libros
fácilmente.
El trazado de renglones
Una vez armado los cuadernos y con el fin de asegurar la regularidad del trabajo de los escribas, se
trazaban líneas verticales y horizontales que delimitaban el espacio reservado a la escritura.
El material
Instrumentos utilizados por los copistas: navaja, tiza y piedra pómez para suprimir todas las
imperfecciones del pergamino y dejarlo apto para recibir la escritura. Se escribía (con una pluma
de caña y luego con una de ave) con tinta negra para el texto, y tinta roja para los títulos y
rúbricas. A fines del siglo XII se trazan las iniciales importantes alternativamente en azul, verde y
rojo.
La evolución de las escrituras
A partir del siglo IV se puede constatar la utilización frecuente de un tipo de caligrafía a la que se
designa con el nombre de uncial: letras redondeadas y de módulo grueso. Además de esta
caligrafía se encuentra la capital y la minúscula semiuncial. Las mismas son caligrafías de lujo.
En la segunda mitad del siglo XIII emerge en Galia y Germania una nueva escritura de tipo
minúscula que luego será constituida en el entorno de Carlomagno “carolingia”. Ésta, presenta
destacables cualidades de elegancia y de legibilidad (identificación de letras es fácil). A partir del
siglo XI, sufre una evolución: las curvas devienen angulosas. Pequeños trazos oblicuos añadidos a
la base de los palos que reposan sobre la línea y las ligaduras de curvas se multiplican entre las
letras. Esas modificaciones derivan de la escritura constituida finalmente en el siglo XIII, con el
nombre de “gótica”. A fines de este mismo siglo, aparece otra forma de caligrafía: la “bastarda”.
Esta misma es menos solemne y se caracteriza por curvas que forman los palos superiores de las
letras b,d,h,l.
Se crea una nueva escritura directamente imitada de la minúscula carolingia, designada con el
nombre de “humanística”. Además de esta escritura vertical con formas redondeadas, los
calígrafos crearon una humanística cursiva, que más tarde, sirvió de modelo a los tipógrafos para
crear los caracteres itálicos. Todas las otras escritoras, humanística, gotica, bastarda, fueron
igualmente utilizadas por los grabadores de caracteres luego de la aparición de la imprenta.
La puesta en página
Los manuscritos más antiguos contienen un aspecto compacto del texto, que se transcribe en
largas líneas o a dos columnas. Las letras son transcriptas unas seguidas de las otras. Se indican
pausas con espacios blancos. A principios de siglo VI aparecen iniciales ornamentales que indican
las divisiones de texto.
Progresivamente se empiezan a utilizar signos de puntuación destinados a guiar la lectura: las
pausas fuertes son indicadas por un punto y coma, la palabra comienza con al principio de la frase
con una mayúscula. Las pausas medias son marcadas por coma y las pausas cortas con un punto.
El signo de puntuación aparece en el reinado de Carlomagno. El de exclamación y los paréntesis es
inventado por los humanistas.
Espacios de comentario
Glosas y comentarios entre líneas del texto o márgenes destinados a la enseñanza universitaria.
Iniciales mayores en color indican al lector las divisiones de un texto.
Encuadernar los manuscritos
Las encuadernaciones occidentales se caracterizan por el empleo de dobles nervaduras cuyos
cuadernos se sujetaban sólidamente. Esta técnica nace en el siglo VIII.
Las tapas evolucionaron durante la Edad Media. Al principio muy gruesas, poco a poco se hicieron
más delgadas. En los comienzos sus dimensiones eran las mismas que la de los cuadernos a
encuadernar.
A fines de la Edad Media, cuando se sustituye el pergamino por el papel para copiar libros, se
aligeran las encuadernaciones. Se usan tapas de madera, y a principios de siglo XIV comienzan a
utilizarse planchas de cartón. Una vez terminada, la encuadernación era a veces decorada.

LUPTON

Los manuscritos eran escritos sin espacio entre letras. Se utiliza el “capitulum” como punto o
separador para economizar espacio. Se lo usa junto al “asterisco”, “espada” y otros ornamentos.
Se los utiliza también para citar pasajes y referencias marginales.
Luego de la imprenta se introduce la división de textos en “párrafos”.
Toda esta puntuación fue usada arbitrariamente hasta después de la invención de la imprenta que
revoluciona la escritura con normas gramaticales y tipográficas.
La puntuación sirve para regular el ritmo y dar énfasis a frases particulares y no necesariamente
para marcar una estructura.
Los alfabetos griego y romano eran originalmente en mayúscula. Las letras minúsculas se
desarrollan para escritos rápidos “cursiva” y eran usadas para correspondencias de negocios.
Luego se introduce la minúscula “carolingia” (escritura condensada, negra. Reemplazada después
por la “gótica”). Los manuscritos carolingios marcan las frases con una letra agrandada. En el siglo
XV la escritura carolingia fue revivida por los humanistas italianos. Introducen los términos de
“caja alta”, “caja baja” para referirse a dos tipos de fuentes.
Aldo Manuzio, un imprentero, desarrolla la escritura itálica, para economizar espacio y distribuirlo
internacionalmente en libros pequeños y económicos.
Imprenteros utilizan letras agrandadas, pesadas, coloreadas o góticas para marcar énfasis.
También aparece el subrayado, espaciado y letras negras y supernegras para marcar diferentes
tipos de texto, notas y referencias.
MARTIN: la imprenta
Aparece por primera vez el interés por reproducir textos continuos. La idea de hacer caracteres
individuales y colocarlos uno al lado del otro para formar un texto se produce en el siglo X. Se van
desarrollando técnicas e invenciones en cuanto a la formación de los caracteres. Estas mismas
progresan poco a poco alimentadas por el dinamismo del sistema capitalista, el papel, el tipo móvil
y la prensa impresa se convierten en una forma de liberación y en el agente de cambios a largo
alcance de la vida social e intelectual.
La invención de la imprenta marca el fin de un largo aprendizaje de la escritura en Occidente.
Hacia el siglo X el comercio experimentó un nuevo desarrollo donde las ciudades empezaron a
crecer de nuevo. En esta atmósfera, la escritura renace. Desde el siglo XI hasta el XIII el sistema
notarial se restableció, permitiendo el uso y la mejora de los contratos, el comercio y las
transacciones comerciales se facilitaban con letras de cambio y se desarrolla la correspondencia
empresarial. Además de esto, había luchas de movimientos de autodeterminación religiosa, en los
que la búsqueda del contacto directo con D`s se veía ayudado por los libros. Los escritos, eran
accesibles solo a grupos restringidos. Los libros de devoción espiritual estaban reservados para los
conventos de mujeres. Por otro lado, las literaturas vernáculas tenían poca importancia y se
centraban en la corte de la realeza. Como se puede observar, Europa vivía a diferentes niveles.
Las ciudades Italianas introducen un nuevo tipo de escuela desde el siglo XIII adaptadas a las
necesidades comerciales, esto produjo en una parte de la población la alfabetización. Sin
embargo, en una Europa cuyas élites tenían cada vez más acceso al mundo de la escritura, se creó
la necesidad de un lenguaje de mayor claridad, más universal y más apropiado para la elaboración
de un argumento.
El humanismo, iniciado en las cancillerías de Florencia y el papado, se extiende rápidamente por
Europa. Consiste en un movimiento intelectual desarrollado en el Renacimiento. Sus objetivos son
una mayor apreciación de la cultura y una educación más práctica. Vuelven de forma característica
a la escritura minúscula carolingia la cual preferían por sobre la gótica. Desarrollan un sistema
lógico de puntuación y esto produce que haya formas de leer con más rapidez.
El nacimiento de la imprenta
A fines del siglo XII, el papel se introduce en Europa por parte de los árabes a través de España e
Italia justo en el momento en el que el resurgimiento de la cultura escrita estaba creciendo y
contra la limitación del abastecimiento disponible de pergamino. A fines de siglo XIV, aparecen los
primeros grabados en madera (se desgasta rápidamente, es tosca). Posteriormente, los orfebres
perfeccionan el proceso de grabado en cobre (grabación de plancha de metal con un instrumento
punzante. Permite sutileza de imágenes pero es muy caro y se deben imprimir las imágenes
separadas del texto). Se añaden textos que acompañan al dibujo. Estos últimos estaban impresos y
trataban mayoritariamente temas de escenas de la vida religiosa. En este mismo periodo,
aparecen las pinturas sobre telas (estampas). De este modo, se había logrado la reproducción de
imágenes. Para la reproducción de un texto, se recurre a los trabajadores de metal, quienes cortan
en el extremo de un mango de metal duro cada letra o signo. Luego es batida en cobre, formando
la matriz. Este mismo se coloca en un molde en el que se vierte un liquido caliente (plomo, estanio
y antimonio) y da por resultado cantidades de caracteres exactamente iguales “tipos móviles”. La
prensa, precedía de la prensa de vino (de madera con ajustes de hierro. Se maneja manualmente y
funciona con un modo de presión).
De esta forma, se crea la imprenta, no como resultado de una invención autónoma, sino cuando se
reconoció la necesidad de ésta. En 1448, Gutenmberg, maestro de la Casa de la Moneda se hace
socio de un banquero llamado Fust y en 1455 abren la primera imprenta. Uno de sus más
reconocidos impresos es la Biblia de 42 líneas. Desde el principio, la imprenta está destinada a
jugar un papel importante en acelerar la comunicación a varios niveles culturales. La nueva técnica
se desarrolla y se difunde por toda Europa, abriéndose así, ya en 1489, más de 200 imprentas.
Durante mucho tiempo, la producción de textos fue manual, manejada por la prensa con
tecnología básica que permite un buen rendimiento. Todo esto trae como consecuencia una
racionalización del trabajo que ocasiona una completa revolución en el panorama cultural
occidental.
Los primeros libros, pretenden reproducir la apariencia de los manuscritos (incunables 1450-
1500). Las letras iniciales se resaltaban a mano y había bordes coloreados elaborados. Para tales
prácticas, se exigía una labor intensiva. Por esto mismo, se decide reemplazar a las iniciales
dibujadas a mano por grabados en madera. Con la intervención de los humanistas, se decide
adoptar un sistema lógico de puntuación y división de los textos. El libro impreso se organiza: en
su primera página, presenta el título, el autor, el emblema del impresor y su dirección. Las hojas
son foliadas y se desarrolla un índice. Además, se utiliza la tipografía romana desplazando así a la
letra gótica. De esta manera, nace el libro moderno y con él, nuevas formas de lectura, más
rápidas y más individuales. Empiezan a aparecer libros de otros tipos que sugieren otras formas de
leer y otras actitudes. EJ: Literatura callejera: vendida por vendedores ambulantes. Venta de
baladas, almanaques, libros de recetas. Más económica, pero de peor calidad.
Los circuitos del libro
Con la aparición de la imprenta, el libro empieza a considerarse objeto de mercancía. Debido a su
costo de impresión y su trabajo, un impresor no invertía en ediciones de copias si no estaba seguro
de poder venderlo en poco tiempo. De forma gradual, emerge un comercio de libros organizado.
Los primeros editores, se exponían a grandes riesgos, ya que no estaban protegidos por ninguna
ley internacional. Posteriormente, empiezan a aparecer redes de publicaciones clandestinas.

Escritura
Hay 4 principales clases de tipos:
1. Gótica de suma: utilizada en textos escolásticos
2. Gótica misal: utilizada en textos eclesiásticos.
3. Gótica bastarda: utilizada en manuscritos de lujo en lengua vulgar y en textos latinos
4. Romana (humanistas): inspirada en minúscula carolingia. Se utilizan en textos
tradicionales. A esta misma se le añade la cancilleresca.
La necesidad de comercializar los ejemplares de una misma edición en ciudades y países distintos,
ocasionan la necesidad de una unificación de los tipos regionales. De todas formas, termina
triunfando un tipo único: el humanístico. Comienza a crecer utilizándose en la mayoría de los
textos y se empieza a usar en textos de lengua vulgar. De este modo, se generaliza la letra
romana, imponiéndose como una especie de alfabeto internacional.
El estado civil del libro: íncipit, colofón y marca
“Estado civil del libro”: Datos del libro: autor, título, lugar de edición, editor y fecha de publicación.
Aparece la marca tipográfica (signo de libreros e impresores) que luego va a ser utilizada como
ilustración publicitaria destinada a indicar no sólo el origen del libro, sino también a adornarlo y
proclamar su calidad.
Presentación de textos y tamaño de los libros
Los primeros incunables se presentaban exactamente como los manuscritos: tenían la misma
disposición general, utilizaban abreviaturas y tenían una escritura apretada. Poco a poco, las líneas
se van espaciando, los caracteres se engrosan y se usan menos las abreviaturas. Tiempo después,
aparece la foliación impresa (en un principio para guíar a los artesanos) e índice. Esto, no se
generaliza hasta el siglo XVI, gracias a los impresores humanistas. Además, los textos pasan a
imprimirse en “línea tirada”. Entre todo esto, gracias a la imprenta y a la multiplicación de textos,
el libro deja de considerarse como mercancía, ya que también pasan a hacerse formatos
portátiles, para poder llevarlo consigo y transportarlo a cualquier lugar y hora (s XVI). Frente a esta
nueva modalidad, se contrasta con las pesadas ediciones de libros científicos, destinadas a la
lectura en bibliotecas. Las pequeñas ediciones, en cambio, son más ligeras y se componen de
obras literarias o escritos de combate para un público más amplio.

La ilustración
En los manuscritos existía la costumbre de ilustrar y decorar los libros. Este proceso era demasiado
largo y costoso, por esto mismo, cuando hubo que decorar centenares de impresos, se impone la
necesidad de recurrir a un procedimiento distinto: las imágenes debían encontrar un mecanismo
para reproducirse en serie (al igual que lo habían hecho los textos). A finales de siglo XVI se adopta
a la xilografía como medio de reproducción de impresión. Esta misma consistía en realizar
grabados en madera que armaban tramas. Las imágenes logradas eran en blanco y negro, con
líneas finas y pocos detalles. A partir de 1550, se acerca en Europa una crisis. Como consecuencia,
dejan de ilustrarse libros. Cuando vuelven a hacerlo a finales de ese siglo, lo hacen con una nueva
técnica: la del grabado en cobre. Este mismo, permitía reproducir mejor el contraste entre
sombras y luces y obtener trazos muy finos. En el siglo XI pasa a utilizarse la calcografía, la cual
permitía producir fielmente detalles.
La encuadernación
Los mismos artesanos que antes encuadernaban los manuscritos, pasaron a encuadernar
impresos. Mantienen la práctica de revestir el lomo y las tapas hechas de tablas con telas
preciosas o cuero. Con una necesidad urgente de tener una encuadernación más rápida y efectiva,
se sustituyen las tablas por tapas de cartón, menos costosas y pesadas. Se cambian también los
métodos de decoración de las mismas. A fines de siglo XVI, ante la influencia de libros impresos
que se multiplicaban constantemente, los encuadernadores, a fin de buscar técnicas más rápidas y
baratas, prueban un nuevo método, el de la rueda: pequeño cilindro metálico sobre el cual se
graba un motivo decorativo que se repite varias veces. También se encuentran nuevos métodos de
encuadernación adoptando al cuero con técnicas de estampado en frio.
En el siglo XVII cuando la producción aumenta, se decide renunciar a la decoración de libros. Sólo
se lo hace en su lomo. En el siglo XIX, la aparición de la prensa de vapor y la invención de la
máquina para fabricar papel hicieron posible producir cada vez más rápido y a menor costo, por
esta razón, se renuncia a encuadernar libros.

Diferencias Manuscritos Incunables Libro Moderno

Escrito a mano por los Imitación de escritura a Tipografías romanas e
Tipografías copistas (gótica). mano con tipos móviles itálicas. Ilustraciones
Ilustraciones y (gótica). Ilustraciones hechas por grabado en
ornamentos a mano por por xilografía. cobre
ilustradores.
Formato In folio. In folio, in octava, in In octava, de bolsillo.
cuarto.
Soporte Pergamino. Pergamino, papel de Papel de trapo.
trapo.
Puesta en página Glosas y comentarios. Glosas y comentarios Glosas y comentarios
aparte o eliminados. aparte o eliminados.
Organizador del texto Minimo interlineado, Puntuación, colofón y Puntuación, colofón y
columnas. portada. portada.
SZIR: Innovaciones gráficas y cambios culturales. Aldo Manuzio y la edición humanista
Los humanistas, con la invención de la imprenta, desarrollan innovaciones gráficas para la
impresión de libros. Estos cambios se consolidan el siglo XV consolidándose el libro impreso como
nuevo soporte de comunicación visual y estableciendo una nueva relación entre el libro y el lector.
Gran parte de esta renovación en los modelos gráficos es atribuida a Manuzio, un editor, impresor
y tipógrafo. Él, rompe las tradiciones y como consecuencia trae cambios sociales y culturales.

Manuzio
Aldo Manuzio instala su imprenta en la ciudad de Venecia (importante desarrollo comercial). Fue
el primero en editar la obra completa de Platón y Aristóteles. En forma estratégica, los primeros
libros que editó fueron tratados de gramática, vocabularios y opúsculos de iniciación, destinados a
facilitar el estudio de las lenguas clásicas. Uno de los elementos más destacados de Manuzio, fue
la de publicar gran parte de los textos clásicos en una edición de bolsillo, económicamente
accesible y fácilmente transportable y disponible, ganando nuevos lectores para textos. Eran libros
de pergamino, ejecutados manualmente y escritos en letra humanística o cursiva. Cuando
Manuzio realiza estas colecciones de bolsillo, decide editar las tipografías itálicas (o cursiva) para
adaptarlo al formato. Esta innovación, permitió ganar espacios. Además, le prestó especial
atención a la encuadernación y al papel que eran de calidad. Otra característica a agregar, es que
prefirió los libros sin ilustraciones ni ornamentos.
Frente a todos estos factores, Manuzio concibió y ejecutó procesos de promoción y distribución
del libro. También, impuso la marca de su casa editora en los libros ubicadas en el colofón como
soporte de producción estética.

BARROCO
El barroco (perla de forma irregular) fue un periodo en la historia en la cultura occidental que
abarca desde el año 1600 hasta el 1700 aproximadamente. Se sitúa entre el Renacimiento y el
Neoclásico, en una época en cual la Iglesia católica tuvo que reaccionar contra muchos
movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente
dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante. Dada esta situación, el papado
busca recuperar a los fieles a través de la “Propaganda Fidel” (propagación de los fieles) y para
llevar esto a cabo toman el arte como medio más efectivo, como así también a la arquitectura. La
sugestión del movimiento expresa la idea del paso fugaz del tiempo. Las clases dominantes
buscan atraer a una masa de opinión. Esto lo hace sirviéndose de la pintura, por su eficacia de
mover los sentimientos a través de la visión.
El término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de desmesurado, recargado e
irracional. Luego, fue utilizado con un sentido despectivo para subrayar el exceso de énfasis y
abundancia de ornamentación. El movimiento artístico barroco es un arte extravagante, recargado
y pomposo. Se utiliza la ornamentación excesiva, la ostentación y el artificialismo. Utiliza a la luz
como uno de los principales medios de expresión. Sus pinturas refuerzan la llamada al espectador
para que le preste atención y pueda recibir con énfasis una doctrina o sentimiento de admiración,
de suspensión. Lo hace mediante elementos sensibles que se le graben indeleblemente en la
imaginación. El barroco pretende con eficacia entrar por los ojos, de ello depende que se
enciendan movimientos de afección, de adhesión y de entrega (experiencia psicológica). Se utiliza
a la grandiosidad, el dramatismo en los gestos, etc como recurso de la Iglesia para influir en la
sociedad. El arte barroco tiene la característica de querer despertar las emociones. Al servirse de
muchos elementos decorativos da grandeza a los personajes ante los ojos del espectador y lo
presenta como un hecho incuestionable y positivo.
Lo que en esa época preocupa (a la iglesia o políticos) es influir en los ánimos o voluntades de las
personas, para dirigir a una multitud y poder gobernarlos para conseguir sus objetivos. Se apunta a
orientarlos a una restauración y conservación de valores que vienen de la tradición señorial.
EJ: “Plaza de San Pedro” (Bernini): estructura antropomórfica, columnatas en elipse reemplazan a
la perfección circular del renacentismo. Los brazos de la plaza representan los brazos de Dios que
acogen a sus fieles y el punto de atención es la cúpula renacentista.
“Las meninas” (Velázquez): muestra la ostentación de las ropas y de los nobles. Ubica al
espectador como el rey y la reina quienes se ven en el fondo, en el espejo.

HONOUR: Arte y revolución, clasismo y neoclasicismo, la visión de la antigüedad

El neoclasicismo “clásico fuera de tiempo” es el estilo de la revolución francesa a fines del siglo
XVIII de la fase de la Ilustración (“Siglo de las luces” el hombre rechaza todo lo que le sea
impuesto, solo admite lo que le llega a través de la razón). La austeridad moral, la seriedad
exigente y el idealismo noble se reflejan en él. Busca un espíritu de reforma, a una pureza y
sencillez primitivas, a un mundo regido por las leyes de la razón y la equidad. El termino de
neoclasicismo proviene del siglo XIX en el que se lo usaba para designar un estilo sin vida,
impersonal y frío. Es el estilo opuesto al romanticismo. Es el “renacimiento de las artes”. El estilo
estaba asociado al deseo de engrandecer las artes. Quiere lograr la recuperación de la antigüedad.
Expresa una reacción de la burguesía contra el rococó y el barroco (empleados para conseguir
efectos de atmósfera y textura, efectos superficiales al servicio exclusivo de un lujo privado y
decadente) ya que posee una gran carga moral, es sobrio, serio y austero y refleja las tendencias
revolucionarias.
EJ: “El juramento de los Horacios” (David): personajes en primer plano, predominio del dibujo.

“El asesinato de Marat” (David): fallecimiento escritor.

El rococó
Durante la primera mitad del siglo XVIII, la monarquía Francesa estaba relacionada con un estilo
artístico: el rococó. Las escenas representadas (comúnmente al aire libre, en los jardines que era
donde la aristocracia pasaba la mayor parte de su tiempo) donde los en los cuadros hacen alusión
a la vida de lujo, despreocupación, superficialidad y artificialidad. Utiliza colores claros y
luminosos, pasteles. Se caracteriza por las centellantes luces y el modelado nervioso e impulsivo.
En cuanto a la decoración, es un estilo recargado, con exceso de ornamentación que tiene que ver
con el artificio de la corte: pelucas de colores, mucho maquillaje, vestuario suntuoso). El rococó
consiste en capas de ornamentos que enmascaran la estructura. En cuanto a la arquitectura, los
espacios parecen indefinidos gracias a la red de decoraciones intensamente cromáticas.
EJ: “Mezzetino” (Watteau): hombre tocando la guitarra. Muestra el regocijo, el ocio, la música.

“El indiferente” (Watteau): Señor que se encuentra haciendo una especie de reverencia, especie
de prototipo de masculinidad, buen gusto y educación. Aparecen colores nacarados, rosados,

brillosos.

Política y Sociedad: Antiguo Régimen

En la sociedad anterior a la revolución francesa de 1789, hay una monarquía de corte absolutista.
Hay una especie de pirámide social, donde los grupos sociales se distinguen de acuerdo a sus
privilegios:
-cúspide: rey, soberano absoluto. Poder absoluto e indiscutible.
-aristocracia o nobleza: gobernar o hacer la guerra. Vive de las rentas y goza de privilegios, como la
exencion de impuestos.
-clero: tampoco paga impuestos. El pensamiento, la ciencia, la moral, están sometidos a el.
-tercer estado: todos aquellos que no formen parte ni del clero ni de la aristocracia (artesanos,
jornaleros, mercaderes, etc). Necesidad de trabajar y pagar impuestos. Desde el siglo XIII, dentro
del tercer estado se fue consolidando la burguesía, que nació como consecuencia del comercio. La
burguesía es un sector cada vez más numeroso y rico, pero que estaba apartada del poder político
y obligado a pagar impuestos. El llamado “tercer estado” (burguesía, comerciantes) realiza la
revolución francesa aspirando a gobernar desplazando a los aristócratas y aboliendo la monarquía
absoluta.
Francia se encontraba en plena crisis económica:
 El tesoro del rey estaba prácticamente vacío.
 Los campesinos y artesanos estaban en la miseria debido a los impuestos que recaían sobre
ellos y varios años consecutivos de malas cosechas.
Luis XVI, decidió hacer pagar impuestos a la aristocracia para solucionar la crisis económica. La
aristocracia exigió al rey la convocatoria de los Estados Generales – asamblea que no se reunía
desde haces siglos – ya que, según la nobleza, era la única institución capaz de exigir nuevos
impuestos. En 1789 se reunieron los Estados Generales, donde la burguesía estaba también
representada. Así los burgueses de París provocaron una serie de manifestaciones, la más
importante terminó con el asalto de Bastilla.
 Los Estados Generales se transformaron en la Asamblea Constituyente controlada por la
burguesía. La Asamblea Constituyente instauró la monarquía constitucional, decretó que el poder
residía en el pueblo, proclamó las libertades políticas y suprimió los privilegios de la nobleza.

CHARTIER : revolución y lectura en Francia

Chartier indica la existencia de tres mercados del libro en Francia en el siglo XVIII:
1. Libros raros y curiosos: recorta a partir de la totalidad de libros en circulación una clase
particular de obras, raras, dignas de coleccionarse por aficionados y curiosas porque su
valor depende de criterios de apreciación distintos a los establecidos.
2. Novedades: público más amplio. Vendido por libreros. “antiguo régimen tipográfico”
(limitaciones tecnológicas a la actividad editorial) 3 rasgos lo caracterizan: la estabilidad
técnica, el dominio de la edición por las exigencias del capitalismo de librería y lo reducido
de los tirajes.

Antiguo régimen tipográfico: Metáfora que utiliza Chartier para darle nombre al modo de
producción del libro previo a la revolución Francesa. Dice que hay un antiguo régimen
(monarquía absoluta) que entra en crisis pasando al nuevo régimen (república). A pesar de su
crecimiento, se tropieza con el antiguo régimen caracterizándolo en 3 rasgos:
 Estabilidad técnica: imprenta sigue trabajando con el mismo método técnico
productivo que venía desde sus inicios (composición de caracteres móviles y
producción en prensa manual) y enfrenta los mismos problemas
(aprovisionamiento de papel, la contratación necesaria de obreros). El sistema de
producción estaba estancado.
 Dominio de la edición por las exigencias del capitalismo de librería: los
mercaderes-libreros aportan el capital y controlan el mercado del libro.
 Reducido de los tirajes: Las tiradas solían ser de cortos vuelos, oscilando entre los
mil y los dos mil ejemplares. Se produce para no movilizar demasiado capital.

3. Filosóficos: compradores más numerosos y de arraigo popular. se caracterizan en 3

repertorios: libros puramente filosóficos, literatura pornográfica y sátiras al gobierno y
poder. Su único medio de difusión es la venta ambulante de librería.

Venta ambulante:
La venta ambulante de los libros cumple una doble función alimentando a dos mercados de libros:
el de los letrados (que no pueden o no quieren comprar las novedades) y el de los lectores menos
hábiles o afortunados (no pueden comprar libros por el costo o les es difícil libros de alta
complejidad). Venden libros filosóficos,populares. Impresos en ediciones de segunda mano. Son
considerados “malos libros” (críticas a la moral, la política, las creencias y las autoridades) por el
gobierno y se censuran. Por esto mismo, se terminan imprimiendo libros sin permisos del
gobierno, violando una prohibición. Hay dos producciones: la de los libros prohibidos y la de los
libros falsificados. Según Chartier, estos libros fueron posibles gracias a la ruptura afectiva previa
entre el Rey y su pueblo.

Por otro lado, los burgueses, artesanos y profesionales (capas medias) también pueden acceder al
libro a través de gabinetes y bibliotecas (mecanismos de circulación del libro) en los cuales puede
leerse un libro sin necesidad de ser comprado.
Se modifican las prácticas de lectura en Francia del siglo XVIII: con la triplicación de la producción,
con la reducción del precio del libro, con la venta ambulante, con el triunfo de los formatos
pequeños, con los gabinetes literarios y las cámaras de lectura, con la multiplicación de los diarios,
con el flujo creciente de panfletos: se extiende una nueva manera de leer que quita a lo impreso
su estatuto de autoridad. Se produce un nuevo modo de lectura: pasa a ser de intensiva (sometida
a la autoridad. EJ: Biblia) a extensiva (crítica y libre).

BARBIERE: lo impreso, la revolución y la participación política

Las transformaciones del siglo XVIII parecen acelerarse en Francia en la última década del Antiguo
Régimen y bajo la Revolución Francesa (hecha por el Tercer Estado: burguesía, comerciantes que
empiezan a tener más poder y piden participación política. Aspiran gobernar desplazando a los
aristócratas y no aceptaban la monarquía absoluta) “Si los libros no hicieron la revolución, al
menos la hicieron posible”: la imprenta cumple un papel de instrumento de difusión cultural. Se
producen propagandas políticas y publicaciones ligeras (volantes, caricaturas, diarios ,afiches). De
vector de la racionalidad y de las Luces, el objeto impreso se transforma entonces en un
instrumento de propaganda firmemente asociado a los acontecimientos de la lucha política. El
formato de los impresos es manejable y la diagramación y configuración del texto son tomadas de
la “Biblioteca Azul”. Los precios son lo más bajo posibles, y por lo tanto, de menor calidad. El
objetivo revolucionario es bajar los precios y ampliar la difusión. Las publicaciones de texto
religioso o jurídico pierden valor.
Prácticas de lectura, aculturación, apropiación
En la década 1789-1799 se dan nuevas prácticas de lectura y aculturación. Las luces habían
desarrollado las prácticas de lectura comunitaria, donde se daba la presentación de un texto que
luego era discutido alrededor de su contenido. Con la Revolución, esta práctica de lectura oral
expresa una participación de esencia política más allá de los grupos privilegiados. Se hace común
el encuentro en plazas para escuchar lecturas de diarios y gacetas. De este modo, las mayorías
entran en el mundo de la aculturación por lo escrito, de manera directa o indirecta, al mismo
tiempo que se desarrolla la lectura extensiva: lo impreso tiende a perder su estatuto de raro y a
banalizarse. La antigua lógica del libro raro, costoso, leído y releído abre paso a la lógica
revolucionaria de lo impreso corriente, sin un precio particular y cuyo contenido es rápido e
inmediato. Hay un nuevo modo de comunicación.
Especificidades de la cronología francesa
Francia estaba cronológicamente más atrasada que el resto de los países en los cuales ya se
imponía el romanticismo. En Francia, todavía gobernaba el estilo neoclásico en el que predominan
formas más severas y despojadas y a motivos antiguos vinculados a los descubrimientos de
Herculano y Pompeya. Con respecto a los impresos, hay un cambio de estilo en una cuestión
tipográfica (Didot y Bodoni geometrizan la tipografía romana) y a una cuestión de puesta en
página (se despojan las ornamentaciones del libro).
Las redes del libro
En 1814 en Paris, la cantidad de libreros, editores e impresores cae. En cambio, el éxito se genera
en las redes de difusión no especializadas (venta ambulante) y las formas recientes de difusión de
lo impreso (gabinetes de lectura y bibliotecas de préstamo). Lo impreso se convierte en el soporte
principal de la politización de las masas.
BOIME: revolución industrial

La Revolución industrial fue un periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo
XVIII y principios del XIX, en el que Gran Bretaña en primer lugar, y el resto de Europa continental
después, sufren el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y
culturales de la historia de la humanidad.
En la primera fase hay un clima de optimismo sustentado en la idea de progreso.
La revolución industrial es posible a través de la alianza entre la industria, la ciencia y el arte.
Empresarios, artistas y científicos formaron una especie de alianza trabajando conjuntamente.

INDUSTRIA
La aparición de la máquina de vapor y su perfeccionamiento fue un elemento indispensable para la
expansión industrial.
 Aparición de la máquina:
El problema que se planteaba era el agotamiento de las fuentes de energía. La madera era
insuficiente. El nuevo elemento va a ser el carbón que se encuentra en las minas. Se inventa una
especie de bomba de extracción de agua de las minas que funciona con agua caliente y la
propulsión es el vapor. Esta máquina es una respuesta a una necesidad.
 Aplicación de la máquina a la industria del tejido:
El proyecto inglés es aplicar esta máquina a la industria del tejido. Se tejía con telares y había poca
producción, ya que el comercio satisfacía el mercado interno. La forma de producción es la
manufactura. La forma de organización del trabajo es doméstica.
La aplicación de la máquina de vapor acelera la producción. El esfuerzo humano se reemplaza y
aumentan las ganancias.
 Aparición de las fábricas y la posibilidad de fabricación seriada de un mismo objeto:
A mediados del siglo aparece la posibilidad de fabricación seriada de un mismo objeto y se
transforman las relaciones de producción. Hay nuevas demandas, por lo que el tipo de producción
en los hogares es insuficiente. El señor empresario dueño de los telares se trasladaba a un lugar
específico donde los trabajadores se reúnen por turnos y la relación entre estos no es una relación
familiar. Es decir que aparece la fábrica. Ej: “Eturia”: se establece la división del trabajo, la
sistematización del sistema de producción y sentó las bases de las tareas del capataz. A su vez,
impuso una disciplina que exigía horas fijas e introdujo un primitivo sistema de fichaje con
cartones para asegurarse que sus obreros cumplían con el horario y asistían al trabajo.

CIENCIA
A comienzos del siglo XVIII, la ciencia era principalmente un pasatiempo de caballeros y las
curiosidades científicas se trataban como objetos coleccionables.
AVANCES CIENTÍFICOS:
En este período hay un notable interés por las ciencias y la investigación.

Relación ciencia – industria

El objeto fundamental de la ciencia era resolver problemas prácticos del mundo real. La
preocupación por el alumbrado público y el suministro de agua y energía, por ejemplo, estaban
ligados a los avances realizados en la industria y en la ciencia.
La revolución industrial tiene ámbitos intelectuales en los cuales apoyarse. Los científicos se
reunían y exponían sus experimentos en las sociedades. La discusión estaba planteada en el seno
de la producción.
Relación arte – Revolución industrial
El artista es el que da forma a los materiales, teniendo en cuenta la utilidad y la estética.
Aprender dibujo era indispensable para los diseños de las distintas máquinas y de obras de arte
que decoraban los interiores de las casas.
En consecuencia aparecieron las academias de arte. Por ejemplo, la Royal Academy de Londres. Se
iba para aprender a dibujar. La Royal Acedemy propició la difusión de pintura histórica o
mitológica. El estilo neoclásico es el que mejor se adapta al tipo de producción industrial tanto por
la sobriedad del dibujo como por la falta de ornamentos.

Relacion arte-ciencia
A su vez, la pintura se asociaba con la ciencia a través de las pinturas científicas, representaciones
científicamente exactas de fenómenos naturales, por ejemplo, formaciones geológicas, erupciones
volcánicas, vistas de tierras lejanas con sus habitantes. Esto se observa, por ejemplo, en el paisaje
de Wolf con un arco iris glacial.

ESTILO ARTÍSTICO A PARTIR DE LAS REVOLUCIONES: NEOCLASICISMO

Segunda fase
En el siglo 19 XIX, se empiezan a verificar las consecuencias de la aparición de la máquina. La clase
obrera empezó a sufrir de explotación: el trabajador debía permanecer en la fábrica o mina gran
cantidad de horas sin descanso con un salario mínimo. A su vez, las mujeres y sus hijos se veían
obligados a trabajar en la fábrica ya que los salarios no alcanzaban para vivir.
Es por esta razón que se da un quiebre entre ciencia, arte e industria. El quiebre tiene que ver con
la división que se plantea dentro del trabajo. Por un lado están los empresarios, dueños de los
capitales. Por otro lado, está el proletariado, quien trabaja unido a la máquina y al sistema de la
fábrica.
En 1812, se empiezan a plantear las primeras rebeliones de los trabajadores. A su vez, surgen los
primeros sindicatos, asociaciones de trabajadores en busca de reivindicación.
Los movimientos revolucionarios estuvieron cargados de una ideología socialista. El socialismo
afirma que la propiedad de los medios de producción debe estar en manos de toda la comunidad y
que es obligación del Estado intervenir en la economía. El más importante de los pensadores
socialistas del siglo XIX es Marx. El socialismo se oponía al capitalismo, basado en la propiedad
privada de los medios de producción y la no intervención del Estado. Esto supone el imperio
absoluto de los patrones sobre los obreros.

Por otro lado, hay una expansión del sistema de redes que tiene que ver con el transporte de
mercaderías. Aparecen rutas y canales que atraviesan el campo. A principios del siglo XIX, surge el
ferrocarril. El ferrocarril se construyó para el transporte de mercaderías, pero con el tiempo se
hizo más veloz y empezó a transportar personas.

El hierro, a su vez, se aplica en otros proyectos como en la construcción de puentes. El hierro

permitía una construcción mucho más resistente con vigas de menor diámetro capaces de
soportar un gran volumen.
Todo esto da lugar a una especie de desorientación y decepción del hombre. Las posturas hablan
de una necesidad de recuperar el paraíso perdido. Hay una nostalgia frente a la naturaleza del
pasado. Por último, aparecen críticas la máquina. Se habla de un hombre que está aislado y
separado afectivamente de sus productos. Frente al artesano que veía un producto terminado
interviniendo en todos los pasos de la producción, el hombre de la fábrica sólo intervenía en un
aspecto de la producción.

DARNTON
1751: Primera edición de la enciclopedia (formato in folio) por el editor Diderot. Esta misma es la
organización alfabetica de los conocimientos y se reúne en un compilado de 24 tomos. Hay una
convicción de que se puede saber de todo. Intervienen filósofos como Rousseau que dan líneas de
pensamiento modernas. Una de las bases del pensamiento enciclopédico es la del “contrato
social”: se revierte al rey como ley divina. Solo hay un pacto entre los ciudadanos y el gobernante
al que se le designa un poder dado por el pueblo. Sacan a dios de escena y proponen que el
conocimiento es la razón. Separan a las ciencias naturales de las ciencias de D´s. Invitan a los
lectores a leer entre líneas y a buscar segundas intenciones.
Esta primera edición, es de gran calidad y es exitosa porque penetra en el sentimiento humano. El
problema, es que se encuentra con la censura y pasa a estar en 1759 el Index, lista de libros
prohibidos por la Iglesia ya que se consideraba un libro “peligroso” que no solo reunía información
que registraba el conocimiento de acuerdo a corrientes filosóficas, sino que aunque reconocía a la
iglesia, dejaba claro que el conocimiento provenía de los sentidos. Pasa a crearse una investigación
para estudiar el contenido del libro, los autores y los colaboradores y el Papa anuncia que todo
católico que poseyera la Enciclopedia, sería excomulgado. Además, mandan a capturar a Diderot y
Malesherbes (director de la biblioteca real a cargo de quemar material enciclopedia) le avisa y lo
salva. Diderot termina sus 10 volumenes restantes. Hacia 1769, la censura y el aparato de control
estatal fuerzan a muchos filósofos a publicar sus obras en pequeñas sociedades tipográficas
alrededor de las fronteras de Francia. La enciclopedia se había convertido en un Best Seller.
En 1768 se venden los derechos para las futuras ediciones de la enciclopedia. Diderot consigue un
permiso para realizar una segunda edición de la enciclopedia en forma revisada. En Francia, para
que una publicación fuera legal tenia que tener cumplir con una serie de requisitos para conseguir
el “privilegio”. Al obtenerlo, significaba la aprobación del Rey. La rigidez del sistema estimula así la
producción pirata fuera del territorio francés.
En 1769, la Sociedad Tipográfica de Neutchael decide editar la enciclopedia abaratando el costo
del mismo cambiando el formato. En vez de in folio, pasa a ser in quarto y en octavo. Esto trae
como consecuencia, la difusión de la Enciclopedia a un público más amplio (sectores medios
urbanos). Para capitalizarse, se consiguen suscriptores, y se genera mucha demanda. Esto trae un
problema, y es el insumo del papel (en ese momento de trapos) que no da abasto. La fuerza de
trabajo, estaba ubicada en los campos y se debía liberar para la búsqueda de trapos. Los
problemas de aprovisionamiento del papel estaban relacionados con el carácter primitivo y
delicado de su manufactura. A pesar de la introducción de cierta maquinaria moderna, el arte de
hacer papel continuó a los ritmos de la economía agraria.

2do parcial de Historia

Pre romanticismo- contexto social:

A mediados del siglo XVIII se da una triple revolución:
 1. Revolución industrial: en Inglaterra. Se expande hacia el resto de Europa. Cambia su
fisonomía pasando a ser de una sociedad feudal a una capitalista. Cambios en la
comunicación (ferrocarril), cambios demográficos (de sociedad rural a la urbanización). En
el siglo XIX la burguesía triunfa y accede al poder participando también el grupo
trabajador. Ambos irrumpen y afectan a la sociedad.
2. Revolución Francesa: la burguesía toma al poder y deja de lado a la clase trabajadora.
Cambios políticos.
3. “Revolución” científica: comienza con cambios en la ilustración por un grupo de científicos
a comienzos del XIX. Toman a la razón como medio de conocimiento, tienen una creencia
en el progreso de la humanidad.

El mundo del siglo XIX es un mundo que predomina la burguesía, la economía capitalista y se le da
a la ciencia una importancia fundamental. Los cambios en la urbanización hace que las ciudades
crezca cada vez más. La economía va a ser interindependiente. Dentro de esos cambios se
producen diferentes movimientos estéticos: el romanticismo, el realismo, el impresionismo.

Honour: Romanticismo

Honour caracteriza al fenómeno histórico del Romanticismo como una revolución trascendental
en la manera de entender el arte. Considerado como el acontecimiento intelectual más
sobresaliente.
El uso del término “romántico” se registra a partir del siglo XVII en Inglaterra. Los artistas
románticos tienen una admiración por los fenómenos violentos de la naturaleza (tempestades,
cataratas, montañas) y fascinación por las religiones esotéricas y la creencia supersticiosa
(fantasmas, vampiros). Además hay un interés por la literatura y arquitectura medieval.
Mientras que el neoclásico seguía convenciones y reglas estructuradas, los románticos heredan su
seriedad y su repugnancia por el arte frívolo o meramente decorativo pero expresando ideales que
pudieran ser experimentados en el alma individual. El artista debe expresar las creencias,
esperanzas y temores de su época. Adquiere importancia el boceto y la libre manipulación del
pigmento, la arcilla que revela el “toque” del artista. Sin embargo, también los dibujos y las
pinturas meticulosamente detalladas y delicadas también revelaban una visión del mundo
personal. Lo que los románticos querían evitar eran las composiciones impersonales del arte
académico. Una obra de arte romántica expresa el punto de vista único del creador. Al artista
romántico, individualista, apasionado y creador espontáneo por naturaleza, de la manera más
esencial e íntima, toda norma la resultaba antipática.
Según Baudelaire, el romanticismo no se sitúa ni en la elección del tema ni en la total sinceridad,
sino en una manera de sentir. Al ser esta manera de sentir, tan subjetiva, es que es tan difícil
definirla de alguna manera. Además, en las artes visuales no existe un estilo “romántico”. No hay
una única obra que encarne a los objetivos románticos. Ej, cuadros románticos pero totalmente
contrarios:
Gericault- Coracero herido: representación audaz, libre, pinceladas amplias, pigmento salpicado.
Contrastes luz y sombra, pigmentos claros y oscuros superpuestos. Sistema de composición
dinámico y abierto.
Overbeck- El retrato de Franz Pforr: elaboración meticulosa, precisión de pincelada del
miniauturista. Presicion y frialdad, contornos firmes. Sistema estático y cerrado.
Todo el mundo occidental experimentó la conmoción que supusieron las sacudidas intelectuales y
políticas a finales del siglo XVIII. Todo el arte de la primera mitad del siglo XIX se vio teñido por
ideas románticas. El acento se dio en la autenticidad de las emociones expresadas y hacia la
sinceridad e integridad del artista. Se llego así a admitir que la espontaneidad, la individualidad y la
“verdad interior” eran los criterios aplicables al enjuiciamiento de cualquier obra artística, literaria
o musical de cualquier época y país. Los románticos concedían supremo valor a la sensibilidad y a
la autenticidad del artista. Toda obra romántica es única, es la expresión de la experiencia vital
personal del artista.

Delacroix- La libertad guiando al pueblo: compromiso con el momento. Pinceladas expresivas.

Nochlin: realismo

El realismo alcanzó su formulación más coherente y sólida en Francia. Precedido por el

romanticismo, constituyó el movimiento dominante desde aproximadamente 1840 a 1870. Su
propósito consistió en brindar una representación verídica, objetiva e imparcial del mundo real,
basada en una observación meticulosa de la vida del momento.
Hay una confusión en creer que el realismo está ligado a la realidad. Pensar que el realismo es un
estilo espejo de la realidad visual, constituye un obstáculo en el camino de su comprensión como
fenómeno histórico y estilístico. El realismo afirma y exige la absoluta independencia del mundo
del arte respecto al mundo de la realidad y cuestiona la existencia absoluta de una realidad única e
inequívoca. La observación desempeña un papel mayor, siendo el de la convención menor. Los
realistas subrayan la importancia de desnudar conscientemente sus mentes y pinceles de todo
conocimiento de segunda mano y fórmulas preconcebidas.
En un escenario hasta entonces reservado exclusivamente a reyes, nobles y diplomáticos empezó
a aparecer gente corriente (comerciantes, trabajadores y campesinos) desempeñando sus labores
cotidianas. El realista, insistía en que solo el mundo de momento constituía un tema apropiado
para el artista, el arte de la pintura solo puede consistir en la representación de objetos que sean
visibles y tangibles para el artista. El único tema válido que podía tratar el artista contemporáneo
era el mundo del momento. A medida que el realismo fue evolucionando, la demanda de
contemporaneidad se fue haciendo más rigurosa. La imagen de lo fortuito, cambiante, efímero e
inestable parecía más próxima a las cualidades de la realidad del momento que se
experimentaban, que la reproducción de lo estable, armonioso. “la modernidad es lo transitorio,
lo fugitivo” (Baudelaire). Esta insistencia en captar el momento presenta en el arte es un aspecto
esencial de la concepción realista de la naturaleza del tiempo. El movimiento realista es siempre el
movimiento capturado “tal como es ahora”.

Ej: Degas- la estrella: no tuvo un interés en brindar una imagen ideal del movimiento de la
bailarina, sino que se concentro en crear el equivalente de un instante concreto en una realidad
temporal, un momento aislado. Las figuras están desconectadas entre sí.

Manet- la ejecución de Maximiliano: la aceptación de lo que se experimenta en el acto como

significado completo del acontecimiento pintado, conduce a los críticos a acusar al artista de falta
de sentimiento, de incapacidad de crear un equivalente pictórico de las resonancias morales y
psicológicas de un tema escalofriantemente brutal, como había hecho Goya. Sin embargo, Manet
no tiene un desapego por el acontecimiento, solo pone la importancia en los detalles de la
ejecución.

Goya- los fusilamientos del 3 de mayo: para Goya, el significado se despliega dentro del mundo
pictórico en el tiempo y en el espacio. Progresando dese el fondo gris e indiferenciado del “antes”
al momento cumbre revelado por la luz de los hombres que están siendo ejecutados, el “ahora” y
las figuras inertes, caídas, cubiertas de sangre, el “después”. Este avance en el tiempo (enfatizado
por la luz, intensificación y saturación del color) se vincula a una convicción moral de falta de
sentido y la bestialidad de tales acontecimientos. En el cuadro de Manet no hay nada de este
despliegue temporal-emocional. GOYA ROMANTICO

Los realistas, expandieron su campo de visión, dando un espacio temático hasta entonces
ignorado o considerado carente de interés: los pobres y clases medias. Para los realistas, las
situaciones y los objetos ordinarios de la vida cotidiana constituían algo valioso de la misma
manera que los héroes o santos. Los realistas valoraban positivamente la representación de lo
bajo, lo humilde y lo común, de los sectores desposeídos o marginales. No se trataba solo de
representarlos, sino que era un sentimiento mucho más profundo: se quería demostrar la verdad.

Millet “las espigadoras” (esfuerzo, trabajo en el campo).

Los realistas tenían un compromiso ético con los valores de la verdad, honestidad y sinceridad.
Rechazaban la idealización, la elevación, el embellecimiento de los temas. Al hacer de la verdad la
meta del arte, su punto de vista revelaba las mismas fuerzas que conformaron la actitud científica
en sí. Compartían de las ciencias la imparcialidad, la objetividad, el rechazo de los prejuicios
metafísicos o epistemológicos y la exacta observación y descripción de los fenómenos empíricos.
También hay una relación entre el realismo y las cuestiones políticas-sociales: el movimiento
realista francés tenía una tendencia hacia el socialismo, denunciando las injusticias sociales que
sufrían los sectores más bajos y retratando el materialismo burgués.

Courbet- los picapiedreros

Twyman: el libro gráfico

 Lo “gráfico” en 3 categorías:

-Elementos no verbales (imágenes, decoraciones)

-Cadenas lineales de palabras
-Los atributos del color asociado con el exterior e interior del libro

El ritmo con el que la producción de los libros se transformó entre fines del siglo XVIII y fines de
siglo XIX se aceleró a tal punto que garantizó el surgimiento del libro gráfico. El típico libro del
Renacimiento, que no estaba ilustrado, instauró el modelo tanto a nivel visual como también a
nivel de la técnica y los procedimientos.
A lo largo del siglo XIX, se va produciendo un crecimiento de la imagen pictórica impresa en
publicidades, postales, impresos satíricos y periódicos ilustrados. Todo esto trae como
consecuencia un gran impacto en la conciencia gráfica: por ejemplo, en 1751 con la Enciclopedia
de Diderot y D´Alembert en la cual se ve la efectividad de las imágenes para transmitir
información. Además, con la revolución industrial, el dibujo empieza a ser aplicado a la
investigación científica y a la industria, y esto hace que la imagen se vuelva necesaria. La imagen se
vuelve una necesidad comercial. Las fuertes influencias sobre la producción de las imágenes
también son usadas con fines de aprendizaje: “aprendizaje por la mirada”. Mientras empiezan a
favorecerse las sociedades acuarelistas y las escuelas de arte y diseño, va decayendo la
importancia de la pintura de historia. Con respecto al aprendizaje, se desarrolla también dos
importantes innovaciones: la de Prestley y la de Playfair. Éstas consistían en enseñar de un modo
gráfico información que no es visual.

 Prestley, desarrolla la idea de considerar al tiempo como una línea para poder enseñar
historia de una forma más efectiva a sus alumnos.
 Playfair, representa a las cantidades: desarrolla la idea de un diagrama lineal y gráfico de
barras. Los métodos gráficos para presentar estadísticas iniciados por Playfair jugaron un
importante rol en el libro a lo largo del siglo XIX.

Los diagramas temporales y estadísticos tienen en común el hecho de brindar información

alentando a la comparación visual.
Además, el siglo XIX se encuentra dominado por la búsqueda de la verosimilitud: hay un interés de
observar detalles, efectos de la luz, fascinación por trabajos en cera. Inexorablemente, esto llevó a
la invención de la fotografía.
La verosimilitud en la estampa se relaciona con la habilidad para dar resolución o detalle vinculado
con la consecución tono-textura. También se realizan grabados en acero y en metal y este último
empuja a la xilografía y litografía a una mayor precisión. La verosimilitud fue el objetivo específico
de estos procesos de impresión usado en los libros. La realización de imitaciones a partir de
documentos fue aspecto que avanza gracias al desarrollo de la técnica de la litografía de
trasnferencia: se pone una hoja translucida de papel sobre el documento a ser copiado y luego se
traza con lapicera cargada de tinta litográfica. La manifestación más evidente de la verosimilitud
en el siglo XIX lo toma la fotografía: al principio, se empiezan a utilizar fotografías pegadas
manualmente en los libros. Luego, se incluyen con el uso de tacos de madera cubiertos en solución
fotosensible las cuales producen imágenes que deben ser grabadas manualmente. A fines de siglo
XIX ya hay varios procesos de producción fotográfica.
Otra dimensión importante para la verosimilitud, es el color que se aplica en libros luego de 300
años de monocromía.
Con respecto al contenido del libro, hay una relación entre el texto y la imagen que son utilizadas
como acompañantes y no estrictamente necesarias o artefactuales (aparece cuando se la nombra
o aparte al final). Esta relación se había dado en el siglo V, en la que las imágenes convivían junto
con los textos, creando una relación unitaria, pero se rompe con la aparición de la imprenta y el
humanismo. Es decir, la relación texto-imagen no es novedosa, sino que lo nuevo es el método.
Otra característica gráfica en los libros es el uso de la negrita, la portada y el packalging.
En la producción de imágenes se da un proceso de innovación tecnológica:

1. Grabado en cobre: se obtiene buena calidad pero las chapas de metal no pueden ser
impresas al mismo tiempo que el texto, son lentas y no soportan muchas tiradas.
2. Grabado en metal: es más costoso. Posibilita sutilezas en las imágenes, se va a utilizar en
las imágenes de lujo. Se reproducen por separado del texto.
3. Grabado en madera de boj: 1790. Se utiliza una plancha, siendo la misma un taco extraído
de un árbol frutal y se la corta con una navaja a contra fibra. Los tacos pueden ser
impresos con el texto, es más resistente y presenta más sutilezas. Su inconveniente mayor
proviene de su ejecución lenta y fastidiosa. Se debía recurrir a dos especialistas: el
dibujante y el grabador. No pudiendo mecanizarse, el trabajo se parcializa. Se producen
viñetas, frontispicios e iniciales ornadas. Se utiliza para producciones baratas.
4. Litografía: 1798. técnica de grabado sobre piedra. Se dibuja sobre la superficie con un lápiz
graso. Más barata y más rápida. Pueden ser impresos con el texto si éste también esta
producido litográficamente. Sus primeros usos son en sátiras y en publicidades. Se pueden
utilizar varias pasadas para obtener colores.
5. Grabado en acero: 1810. reemplaza al grabado en cobre. mayor precisión y aguantan más
tiradas, pero aún son lentos y se imprimen por separado del texto tipográfico. Trazo seco y
monocorde. Más dureza en el trabajo. Utilización en billetes y en obras de semi-lujo.
6. Fotograbado: 1817. se imprime a través de la trama de puntos como medio de
reproducción de imágenes.
7. Daguerrotipo: fotografía sobre una placa que da una copia. Exigía una mano de obra y
demoras importantes. Además, la fotografía no era duradera en el tiempo y eran muy
costosas. Luego el problema de la fijación de la tinta, se resuelve con la utilización de ácido
y mercurio y más adelante con un baño de metal.

Papel:

1. Máquina de papel continuo: introduce la lógica del rollo frente a la tradicional de vaivén.
2. Abandono de trapo y aprovechamiento de la pulpa de madera
Prensas:

1. Prensa de hierro: manual pero con mayor resistencia

2. Prensa a vapor: la innovación fundamental es la sustitución del movimiento de vaivén por
un movimiento cilíndrico.
3. Prensa de cilindro plano
4. Rotativa: molde no se hace en metal, sino en cartón que puede curvarse y ser flexible. No
es necesario usar cilindros.
5. Rotativa automática de Bobina: uso de papel continuo y rodillos de entintar

Composición:

1. Estereotipia
2. Linotipia
3. Monotipia

A lo largo de 1800-1840 todos estos procesos encuentran un lugar en el mercado, aunque

ninguno cumple todos los requisitos.

Barbier: La industrialización de las técnicas

La invención técnica debe plantearse desde el sistema técnico. Éste, es considerado una estructura
y posee tres propiedades: totalidad, transformación y autorregulación. Esto significa que un
sistema se satisface a sí mismo, pero se encuentra en constante transformación y posee un
mecanismo de autorregulación. Este sistema, tiende así a reencontrar su equilibrio global y es el
que explica la larga duración de la “segunda revolución del libro”.
Para que la invención sea económicamente viable, debe tener un mercado. La finalidad de toda
innovación técnica es una finalidad económica.

Entre 1730 y 1760 se da una renovación técnica. Uno de los elementos fundamentales de esta
segunda revolución, lo da el problema del material: la máquina pre industrial (prensa Gutenberg)
es una máquina de madera, la cual es mediocre en su funcionamiento y hay una imposibilidad de
obtener rápidamente una producción elevada. En 1760, los progresos de la siderurgia hacen que
se obtenga un mejor metal (más resist, más fácil de trabajar, más abundante) y se construyen
máquinas nuevas, las cuales producen una productividad mayor con un mejor provecho. La trilogía
máquina metálica-hulla- utilización de vapor sirve de base al sistema técnico del siglo XIX industrial
trayendo como consecuencia la expansión de un público lector, particularmente a causa de la
alfabetización.
Otra innovación que se da, es la del papel. Alrededor de 1800, se patenta una máquina de papel
continuo (movimiento prensa cilíndrico), que introduce la lógica del rollo frente a la tradicional, de
vaivén. La limitación de las nuevas prensas mecánicas reside en el movimiento de la platina y el
molde. La máquina se compone de la utilización del papel de rollo continuo, el cilindro de presión
y de los cilindros de entintado. Frente a los cilindros de entintado, parecía imposible obtener una
forma tipográfica plana sobre una superficie curva, pro esto es que los caracteres tipográficos
debían ser recortados, rebajados. El problema de la “forma cilíndrica” es resuelto en 1849 con la
rotativa. Esta misma consiste en hacer el molde no en metal, sino a la pasta, es decir, en un cartón
fuerte pero flexible para ser curvado a voluntad. Se utiliza en grandes tiradas, periódicos.
Además, empieza a haber un abandono progresivo del trapo en provecho de la pulpa de madera
(1867).
Se introducen también innovaciones en la fundición mecánica: no se busca ya obtener un molde,
sino una matriz de página. Para esto, se realiza un cliché, la cual consiste en una forma de relieve
de metal que produce matrices de impresión masiva. Su mayor obstáculo, era que no se
reproducían grises y finezas. El dibujo estaba reducido a los negros y blancos, dejando en los grises
lagunas o manchas. En 1884, se introduce la linotipia, la cual se compone de un juego de matrices
que crean líneas de texto.

Bewick/ Rosen: la viñeta romántica

La integración de las artes encontró su modo de expresión más natural y el mayor de sus éxitos en
la ilustración gráfica. La incorporación de las imágenes al texto, ya sea para sea para clarificar su
significado o para hacer el libro más atractivo, se remonta a la antigüedad. La representación más
lograda de la asociación texto-imagen eran los manuscritos medievales. La “viñeta” (ilustración
gráfica romántica) era un término utilizado para describir las pequeñas vides o floreos
ornamentales utilizados en los escritos góticos. La libertad y la fantasía, la integración total de lo
visual y verbal que los románticos atribuían a los manuscritos medievales, pasó a ser ideal. Los
artistas románticos recapturan esa integración. La ilustración romántica, que estaba asociada a la
xilografía alcanzó su punto culminante durante el siglo XX. Allí se hace plenamente real la unidad
imagen-texto. Previamente, la litografía había hecho un intento por lograr esta unión, pero era
complicado porque se debía usar una prensa diferente para texto-imagen, y además, sus
tonalidades delicadas no iban bien con las páginas del texto, ya que producían efectos dispares.
Justamente estos contornos difuminados, son una de las características esenciales de la viñeta
romántica. Este efecto era acentuado por la supresión de todo marco o línea. El hecho de que
este nuevo tipo de ilustración de libros fuera una expresión tan definitiva y adecuada del
Romanticismo no se debe solamente a la estrecha asociación del texto-imagen. La viñeta, se
presenta al mismo tiempo como una metáfora global del mundo y como un fragmento. Densa en
el centro, tenue en los márgenes produce un efecto de desvanecimiento (fusión arte y realidad).
También es fragmentaria, a veces de tamaño mínimo, incompleta y de contornos irregulares. La
viñeta, es una forma artística que rompe con la representación clásica. Ésta, fue inventada por
Bewick a fines de siglo XVIII. Lo hizo mediante una innovación técnica de la xilografía: la
tradicional, era un taco de madera cortado a fibra (poca resistencia) y se grababa con una navaja.
Bewick, en cambio, utilizó tacos de madera de boj cortados a contra fibra (más resistencia) y el
grabador trabajaba con buril. Esta nueva técnica permitía un mayor número de impresiones y un
trabajo más fino. Este desarrollo técnico produjo una revolución en la práctica de la ilustración
gráfica, haciendo que la mayor parte de los libros románticos dependan de él.

Melot:el texto y la imagen (procesos im) Sousa: litografía

Lyons/ Crowling: nuevos lectores del siglo XIX
En el siglo XIX, es conocido como “la edad de oro” del libro ilustrado. La imagen empieza a tener
una importancia fundamental y la cultura visual se expande. Frente a esto, se da la alfabetización
masiva, donde decrece la discrepancia entre alfabetización masculina-femenina. A su vez, se da un
proceso de ampliación de la educación primaria, el cual propicia el crecimiento de un nuevo
público lector, los niños. Otra causa que hace que aumente el público lector es que se reduce la
jornada laboral y esto hace que los trabajadores tengan más tiempo para leer. A su vez, se da un
proceso de urbanización, posibilitando la aparición de nuevos espacios y prácticas sociales. La vida
en ciudad posibilita la aparición de consumo. Se da la “segunda revolución del libro”. Se leen:

1. Periódicos (hombres) y revistas (mujeres, niños): Hay una gran cantidad de periódicos y
revistas con el objetivo de entretener e interesar. La mayoría son ilustrados. Con la
aparición del grabado en madera de boj se hace posible imprimir texto-imagen juntos.
Además, al ser bajo su costo de producción, permitía que lo sea también el precio de los
periódicos y revistas. Las variedades de los periódicos iban desde los didácticos a los
educativos (enciclopedia popular semanal) y a los satíricos. También nacen las revistas
mensuales ilustradas las cuales presentaban recetas, mostraban la moda y ficciones en
serie y las infantiles (público lector gracias a la educación primaria) las cuales poseen
cuentos con un final feliz y un ambiente fantástico para desarrollar la imaginación.
2. Novelas (mujeres): pensadas para entretener al lector. Hay una gran cantidad de novelas
seriales porque las mujeres cortaban episodios de las novelas a medida que se publicaban
y los encuadernaban. De esta forma, producían su propia biblioteca.
3. Afiches, guías turísticas, manuales escolares ilustrados

Con respecto a la posición de la Iglesia frente a todos estos cambios, se puede decir que estaba de
acuerdo con el aumento de lectores para que los mismos puedan leer la Biblia, pero se oponía a
que puedan escribir, ya que el dominio del mismo, suponía un grado de independencia poco
deseable para la Iglesia. Por este motivo, los obreros construyen sus propias Bibliotecas.

Selma: prerrafaelitas
La hermandad Prerrafaelita se constituye en 1848 en Londres. Se trata de un grupo de artistas
intelectuales ingleses liderado por Ruskin. Sus principios eran tener ideas genuinas que expresar,
conocer la naturaleza, simpatizar con lo que es serio y saludable excluyendo lo tradicional y
producir buenas pinturas en hermandad amistosa (propuesta de trabajo grupal tratando de borrar
la individualidad del artista). Tienen un interés por la interacción entre el arte y la naturaleza a
través de la observación naturalista, el diseño y la ornamentación de su recuperación de las
tradiciones artísticas populares. Según Ruskin, los prerrafaelitas toman a la belleza como su primer
objetivo y luego a la realidad.
Rechazaban al arte académico, sostenían que era un regreso al manierismo italiano, elegante pero
vacío. Hay un rechazo a la mecanización y a los métodos industriales. Por esta razón, proponían el
regreso al detalle minucioso y colorido previo a Rafael basándose en temas y autores de la Edad
Media. Los prerrafaelitas pintaban directamente del natural, intentando captar de cerca el detalle.
Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la
memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo
a partir del motivo representado.
Duró 5 años pero influenció hasta el siglo XIX. Bajo la influencia del Romanticismo, pensaban que
la responsabilidad y libertad en el arte eran claves. El acercamiento a la Edad Media los alejaba de
los realistas, por esto es que se encuentran separados en dos corrientes: medievalismo y realismo.
EJ: Rosetti: la anunciación Millais: cristo en casa de sus padres- fuertes críticas por tanto detalle,
demasiado realista, antiestético. Idea de familia trabajando.

William: imprenta victoriana y Morris como diseñador de libros

Morris, considerado el primer diseñador ya que busca la estética en toda pieza de diseño.
El afirmaba que la producción gráfica masiva del siglo XIX era la confirmación de la decadencia y el
deterioro que había sufrido el libro desde la E Media hasta la actualidad. Para él, los primeros
libros impresos eran mejores por su fuerte espíritu artesanal. Según Morris, en el siglo XVI, tanto
las impresiones como la arquitectura había entrado en decadencia usando los ornamentos pseudo
clásicos, las tipografías de bodoni/didot (“confusas, feas por el torpe engrosamiento y vulgar
afinamiento”) y abaratando costos de papel, tinta y materiales de encuadernación.
Morris rechazaba la nueva tecnología: la tinta que se utilizaba se empezó a diluir en jabón y los
papeles se hacían con trapos de mala calidad (el suministro de trapos de calidad había declinado) y
se introdujo yeso y alumbre en la fibra, más adelante, también se reemplaza al trapo por pulpa de
madera. Todos estos factores, hacia que los libros pierdan calidad. También hubo cambios en los
estilos tipográficos, donde se utilizaba para los libros letras cada vez más delicadas y frágiles. Este
cambio no sólo se debía a los cambios en la moda, sino también a los cambios de la tecnología, ya
que con la prensa a vapor se descubrió que podían utilizarse trazos más finos para las letras.
Mientras los diarios hablaban de un “refinamiento” de las tipografías, Morris diseñaba tipos
sólidas y gruesas despreciando la “debilidad” de la tipografía del siglo XIX por sus páginas
grisáceas.
En plena época victoriana, funda el movimiento Arts and Crafts: revaloriza el arte medieval y su
forma artesanal de trabajo. Decía que la máquina debía estar a disposición del hombre y no al
revés. Busca la calidad por sobre la cantidad. Utiliza tintas negras, buen papel y su trabajo es
artesanal (ya que con la industria el obrero queda alienado y los productos eran antiestéticos
porque no se hacía todo el producto o por el proceso de producción del mismo).
En 1891, fundó la Kelmscott Press, donde a diferencia de la imprenta victoriana (impresión,
encuadernado, papel y tintas) se ocupa de la belleza y calidad. Gradualmente, sus libros fueron
enriqueciéndose con ornamentaciones y se logro una mayor integración de imagen-texto. Utilizó
también tinta roja. Morris adoptó ciertas reglas: el uso de tipos antiguos, la reducción de espacios
blancos entre palabras y líneas y el ajuste cuidadoso de los márgenes (los márgenes internos
deben ser más angostos que los externos). Además, la producción de libros debía ser artesanal
(prensa manejada a mano y papel hecho a mano) con ornamentación profusa (grabadas en
madera o hechas a mano) y materiales de alta calidad. Las tintas a utilizar eran densas y espesas y
demandaba mucho trabajo. Con respecto a la encuadernación, se la hacía en vitela con cuero.
Todos estos factores hacían que se lentifique el proceso de producción y sea más costoso.
Morris quería traer armonía al libro devolviéndolo al método más antiguo: imprimiendo las
ilustraciones en grabados de madera en el mismo marco con el tipo y usando el mismo papel y
tinta.
El movimiento Arts and Crafts, William Morris y Ruskin, son precursores al Art Noveau ya que
tienen una idea de socializar el arte, de que hasta las piezas cotidianas tengan diseño. Movimiento
anti industrial.

Schmutzler: modernismo/ art noveau

El Art Noveau o modernismo se designa a una corriente de renovación artística situada alrededor
del 1900 alrededor de varios países de Europa y Estados Unidos. El centro de atención del
modernismo son las artes decorativas (libros, carteles relacionados a la fantasía que adopta
expresiones orgánicas y estaban relacionados con la ilustración.) y las aplicadas (papeles pintados,
muebles, decoración de interiores). El estilo se preocupa por lo decorativo y lo ornamental, el cual
se apodera de curvas y espacios. No cumplen solo una función decorativa, sino que también son
significativos encontrando una relación entre forma y sentido. Tienen una intención de crear un
arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la
época. La primera característica de toda obra modernista es la de expresarse en un plano. El uso
del cromatismo queda reducido a algo secundario. Lo asimétrico domina y se subraya
enfáticamente. Hace un uso de formas inspirados en grabados japoneses y contiene elementos de
diseño que anticipan evoluciones futuras presentando también referencias al pasado. El artista es
universal: elabora diseños, técnicas y métodos de fabricación para especialidades diferentes y en
varios medios. El modernismo se manifiesta en su manera primero en su forma más completa en
los libros ilustrados y decorados ya que lo transforma en unidad de escritura-imagen o escritura-
ornamento. La fusión de lo óptico y lo acústico, la doble capacidad de pintor y poeta y la
preponderancia de los símbolos ornamentales nos demuestran el carácter sintético del Art
Noveau. Hay una reflexión y actitud consciente de los creadores y seguidores de ese estilo.
Se divide en dos actitudes: el modernismo lineal (líneas cambiantes de grosor para provocar
impresión de flexible, inestable.) y el volumétrico (bidimensionalidad de los cuerpos planos,
abstracción).

Barnicoat: carteles artísticos

El cartel nace en 1870 como forma secundaria del arte. Cumple la función de publicidad y
propaganda. Sus primeros 100 años se relacionan con la pintura. Su rasgo distintivo es su
preocupación por la legibilidad relacionando imagen-texto (al igual que la escritura). No pretende
ser únicamente informativo sino también poético. Es usado como medio de expresión, ya sea por
publicidad o propaganda política.
Uno de sus cartelistas más notables es Cheret, quien produce carteles mediante la litografía
dibujando sus diseños en las piedras. Su primer cartel aparece en 1869 que apunta a un diseño
nuevo y sobrio (que luego serán características esenciales del cartel) y éste mismo lo expone en un
lugar nunca antes usado: la calle. En las paredes austeras, aparecen los carteles de Cheret como
una nueva forma artística. Los mismos, combinan la técnica y la interpretación tradicionales del
arte mural con el sentido del idioma popular. Las cubiertas de los programas de los circos y ferias
son una influencia para sus ideas. En 1869 Cheret establece el carácter dinámico de su obra con
Val Valentino: el payaso y las dos mujeres parecen querer saltar hacia fuera del cuadro, efecto que
acentúan las inscripciones curvadas, sugiriéndonos un cartel tridimensional. La cuidadosa y al
mismo tiempo sobria disposición de capas de color da una sensación de espontaneidad. El uso del
color negro y las formas lisas rompen con la interpretación tradicional de los cuerpos sólidos y el
hábito de crear una ilusión de relieve.

Otro artista que se expresó por medio de los carteles fue Toulouse-Lautrec, quien los utiliza para
describir las vidas interiores de los habitantes. En vez de representar los cabarets, iba a ellos a
realizar su propia experiencia utilizando al cartel como su medio de expresión. El elemento
caricaturesco, irónico y satírico, las formas sencillas y lisas y las líneas decorativas eran artificios
usados por Lautrec. EJ: Divan Japonais, retrato de una amiga suya.

Zaiets: werkbund
Hacia fines del siglo XIX, siguiendo el modelo inglés e inspirados en las enseñanzas de Morris, se
fundaron en Alemania talleres privados que producían enseres de casa, muebles, textiles y
utensilios de metal. A diferencia de Arts and Crafts, su producción se hacía mediante máquinas. Ya
no se trataba de suprimir la alienación del trabajo ni de las consecuencias que la industrialización
traía, estas concepciones parecían superadas. En 1907, Naumann, Schmidt y Muthesius
(defensores de una formación artística orientada a la producción de máquinas) se unen formando
la Werkbund (Liga Alemana de Talleres) como lugar de encuentro de artistas, artesanos,
diseñadores, arquitectos, etc dispuestos a buscar la forma de lograr productos industriales de
calidad. Su finalidad es ennoblecer el trabajo artesano, relacionándolo con el arte y la industria. La
Werkbund, sin reivindicar la artesanía y aceptando como solución valida la producción industrial,
buscó conciliar el arte, la artesanía y la industria.