Géneros teatrales

OBRAS MAYORES

TRAGEDIA
Obra dramática de asunto elevado en la que intervienen personajes enfrentados a fuerzas
invencibles (el destino, la culpa...).

DRAMA
Texto dramático de conflictos menos trascendentes que los de la tragedia. En el siglo XVII,
recibió el nombre de tragicomedia.

COMEDIA
Texto teatral que representa el lado festivo y alegre de la realidad, con acciones de la vida
cotidiana y desenlace feliz.

OBRAS MENORES

AUTO SACRAMENTAL
Texto teatral de tema religioso y personajes alegóricos de tema eucarístico.

ENTREMÉS
Pequeña pieza teatral de carácter cómico y personajes populares que pretende divertir al
espectador. Se representa en los entreactos de una comedia mayor.

MOJIGANGA
Género dramático del Siglo de Oro español. Consiste en un texto breve en verso, de
carácter cómico-burlesco y musical, para fin de fiesta, con predominio de la confusión y el
disparate deliberados, explicables por su raigambre esencialmente carnavalesca.

JÁCARA
Se representaban en el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Destaca el
agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos que provocaba la hilaridad con
crítica social. También era propio un tono especial al cantar, el tono "de jácara o de
jacarilla", característico de esta composición.

LOA
Composición breve en verso que se escenificaba antes que el primer acto o jornada de
una comedia. Al principio era un monólogo; luego se transformó en una conversación con
una máxima acción dramática. Se precedía de unos tonos musicales, cantados a veces, con
guitarras, vihuela y arpa, que se reiteraban tras su fin.
SAINETE
Obra cómica de ambiente y personajes populares que, en uno o más actos, se representa
en una función independiente.

FARSA
Obra que, para lograr un fin cómico, exagera la acción o los caracteres de los personajes
hasta hacer grotesca la realidad.

VODEVIL
Comedia ligera y evasiva de intriga, que basa la acción en equívocos, ingenio y sentido del
humor. Generalmente es de temática amorosa y alterna escenas dialogadas con números
musicales.

OBRAS MUSICALES

ÓPERA
Obra teatral compuesta para el canto. En ella confluyen literatura, música, danza,
escenografía y artes plásticas.

ZARZUELA
Obra ligera, de carácter popular, en la que alternan la declamación, la música y el canto.

OPERETA
Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira.

REVISTA (o musical)
Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y números
musicales.

GÉNERO CHICO
Es un género español de arte escénico y lírico. Es un subgénero de la zarzuela de formato
breve típicamente en un acto. Se caracteriza por su no excesiva duración (una hora o
menos), la escasa trascendencia de su contenido y la sencillez de su argumento, con pocos
personajes y un solo decorado. Su temática suele ser mayoritariamente costumbrista.
Estructura del Género Dramático
Una Obra Dramática tiene una Estructura Externa y una Estructura Interna.

Estructura Externa.

La estructura externa es la forma como está organizada la obra, así, se divide en:
 Actos: Un acto se distingue porque al terminar se cierra el telón, además, implica
un cambio importante dentro de la historia.
 Escenas: Una escena se distingue porque hay un cambio de personajes, sea que
entra uno o sale otro.
 Cuadros: Un cambio de cuadro se distingue porque hay un cambio en la
escenografía, sea porque entran o salen del lugar donde se encuentran los
personajes.

Estructura Interna.

La estructura interna es la forma como está organizada la historia que se cuenta en la obra,
así, se divide en:
 Presentación: Se da al inicio de la historia y es cuando conocemos a los personajes
que participarán en ella.
 Desarrollo: Consiste en el desenvolvimiento de las acciones que dan forma a la
historia.
 Clímax: Se trata del momento de mayor tensión dentro de la historia.
 Desenlace: Es la resolución de todos los conflictos planteados durante el desarrollo
de la historia.

Tomada de modo general como una construcción estructurada, una obra dramática tiene
tres instancias características:

1. Presentación del conflicto

El conflicto es el origen para una obra dramática. Si no hay conflicto no hay drama. El
conflicto hace referencia a las fuerzas contrapuestas (fuerzas en pugna) que hacen avanzar
el desarrollo argumental del drama.
Aparecerán dos posturas contrarias, que habrá que descubrir. Pueden manifestarse
explícitamente o hallarse implícitas en otras situaciones, anteriores o posteriores, de la
obra.
La presentación del conflicto cambia de acuerdo a la obra. Podemos diferenciar en
términos generales, cuatro etapas:

Exposición o situación del protagonista.

Propósito del protagonista.
Presentación del obstáculo o materia del conflicto.
Choque de las dos fuerzas en pugna.
2. Desarrollo de la acción dramática

La realidad del conflicto avanza hasta llegar a un duelo decisivo de los personajes y sus
objeciones. Es lo que sería el nudo y coincide con el momento de mayor tensión y donde la
trama se complica.
Esto entrega la dimensión artística a la obra de teatro. Los distintos esfuerzos por superar
a la fuerza opuesta dan lugar a un pensamiento dramático.

3. Desenlace de la acción dramática

Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de la obra.

Es la eliminación del obstáculo (resolución del conflicto) o la desaparición del protagonista.
Al hablar de conflicto este puede observarse desde diversos puntos de vista; del hombre
con el destino (“Edipo Rey” de Sófocles); del instinto con el ambiente (“Hamlet” de William
Shakespeare); del entendimiento con el ambiente (“Madre Coraje” de Bertolt Brech); del
libre albedrío con el ambiente (“Casa de Muñecas” de Enrique Ibsen).

Por eso, la fuerza opuesta puede ser un elemento externo o interno del propio personaje,
fuerza que dificulta el propósito de la fuerza protagónica.

LA IMPROVISACIÓN TEATRAL

La improvisación es una técnica escénica que permite contar historias que se generan y
desarrollan en el momento mismo de actuarlas. El improvisador es al mismo tiempo
dramaturgo, director y actor de la obra en el preciso momento en el que va representando.

La espontaneidad tiene el poder de liberar el potencial creativo y a la vez añade un

elemento de riesgo que da aún más valor al trabajo. En la improvisación, este proceso se
realiza cooperando, ya que la técnica se basa en 'aceptar'. Como nada existe hasta que los
actores lo proponen, crear una escena supone que todos estén de acuerdo en cuanto a
dónde están, quiénes son y que está sucediendo. Los improvisadores deben aceptar las
propuestas de sus compañeros y sumar, es decir, construir sobre ellas. Por tanto, la escucha
y aceptación son tan importantes como el trabajo en equipo.

Es importante señalar que la actuación puede desarrollarse en tres niveles del espacio:
inferior, medio y superior.

Esta forma de teatro se presenta en la actualidad no solo como un ejercicio de formación

para los actores, sino como un producto terminado, en el que los actores y el público que
participa dando sugerencias sobre situaciones, personajes, lugares, etc. en los que se
desenvuelve la acción – van "descubriendo" la trama de la historia que cobra vida en el
escenario. Cada función es diferente: no hay ensayos previos, ni guion, ni elementos
técnicos o escenográficos, sólo la imaginación y la destreza de los actores-improvisadores
que producirán una creación única y espontánea.
COSAS QUE SE DEBEN EVITAR EN LAS IMPROVISACIONES

Cuando el participante elige o

Ejemplo: “Jorge siempre juega de
lo eligen siempre como el
De personajes: ladrón”.
mismo personaje para jugar.

Si frente a distintos estímulos

se mantienen iguales Ejemplo: “El gordo siempre es enojón,
De conducta:
respuestas de acción. no importa el personaje que realice”.

La vida no es solo palabras y

Sug. : utilizar los tiempos que tiene el
palabras, traten en las
silencio para expresar en algunos
De palabras: improvisaciones hacer
casos mucho más que la palabra
silencios

Aplicar niveles distintos a las frases le

a) Las respuestas son
imprime más ritmo a la escena
verbales, sin variaciones
rítmicas.
Ejemplo: el actor es el mismo cuando
De Rítmica : b) Todos los personajes
hace un payaso, un médico, un
tienen el mismo ritmo de
campesino, etc., y todos los personajes
actuación que el del actor que
hablan, caminan y se mueven igual
los representa.
que el actor.

Cuando se realizan las

devoluciones terminado los Es más fácil al coordinador pedir que
De juegos muchos suelen decir, bajen la sobre actuación a exigir que
Intenciones. que hubieran hecho tal o cual sobre actúen.
cosa, pero se cohibieron.

Como jugadores deben hacer en las improvisaciones todo lo que se les ocurra, será función
del coordinador decir si está bien o mal, que lo sigan haciendo o no.
¿Cuáles son las claves para una buena escena improvisada?
Una buena escena improvisada debería tener las mismas características narrativas que una
escena guionizada: debe plantear un inicio, con la presentación de personajes; un nudo, en
el que un conflicto se presenta; y un desenlace, en el que se resuelve la historia y finaliza la
escena.

El actor que interviene en una escena improvisada debe:

 Asimilar lo que sucede a su alrededor, entendiendo las intenciones de sus

compañeros y reaccionando de manera acorde con ellas.

 Imaginar para interpretar lo que está ocurriendo y continuar hacia adelante

añadiendo nuevas ideas.

Es importante mantener un equilibrio en la escena, y no añadir eventos o reacciones que

resulten exuberantes o improbables dentro del contexto dado.

También resulta clave aceptar las ideas que otros introducen en las escenas, y no tratar de
desecharlas porque no nos convenzan.

Finalmente, la clave para una buena escena improvisada es la naturalidad. Dejar camino a
la espontaneidad cuando haya que reaccionar ante lo que sucede, y no pararse demasiado
a pensar la respuesta perfecta.

Ejemplos

1. Una cantante se presenta a un festival de música como solista. La música

empieza a sonar y la cantante no se ha aprendido la letra.

2. Un hijo sale a las puertas de un hospital. Su padre ha muerto de manera

repentina y tiene que llamar a todos sus hermanos para comunicárselo.

3. Un caza tesoros encuentra un cofre cerrado. Tiene poco tiempo para abrirlo.
Un caza tesoros rival se dirige hacia allí.

4. Una locutora de radio de noche recibe la llamada de un oyente desesperado.

5. Dos padres se sientan con su hija. Tienen que explicarle que van a
divorciarse. La hija pregunta por qué y uno de los padres acusa al otro de
ser infiel.
 6. Un hijo se sienta con sus dos padres para decirles que es gay. Los padres
no se lo toman bien.

7. Dos completos caballeros intentan ganar el amor de una dama harta de que
la traten como a una princesa.

8. Dos pueblerinos se encuentran con dos extraterrestres que acaban de caer

en nuestro planeta. Los extraterrestres se acercan con curiosidad a los
pueblerinos. Uno de ellos se pone muy nervioso y saca una escopeta.

9. Dos jugadores de ajedrez juegan la final del campeonato mundial. Sus

respectivos entrenadores no dejan de darles consejos innecesarios y
pelearse entre ellos.

10. Tres desconocidos en un avión empiezan a hablar entre ellos. Uno de ellos
se inventa que es médico para impresionar a otro. El tercero empieza a sufrir
un ataque al corazón y un asistente de vuelo pregunta si hay algún médico
a bordo.

11. Un grupo de remeros deportivos avanzan a toda velocidad en una carrera,

arengados por un coordinador que no rema. Uno de los remeros se pregunta
por qué siempre tienen que remar ellos, y el coordinador no. Comienza un
motín.

12. Varias personas se sientan en restaurante caro sin saberlo. Como se

avergüenzan de salir tras descubrir los altos precios, se quedan a comer
intentando gastar el menor dinero posible.

Producción teatral
La producción teatral comprende la serie de actividades necesarias para hacer posible la
visión del productor, el director o el coreógrafo de una obra de teatro, dentro de los límites
que impone el presupuesto económico y los dispositivos técnicos disponibles.
La producción abarca el trabajo de una serie de disciplinas tales como: escenografía,
vestuario, iluminación, sonido, proyección, automatismos, aparejos, vídeo, pirotecnia,
efectos especiales, gestión del escenario, en apoyo de la puesta en escena de la obra de
teatro.
Para lograr su objetivo la producción teatral debe gestionar: la contratación de personal,
materiales y servicios; comunicaciones, relaciones laborales, logística, alquiler de la sala,
cronograma de tareas, gestión de las operaciones, y seguridad laboral.
Evolución de la danza Universal – Línea del Tiempo
Los elementos de la danza creativa

La danza tiene su propio contenido, vocabulario, habilidades, y técnicas, que deben ser
comprendidas y aplicadas por todo aquel que quiera ser competente en este arte. Los
elementos de la danza son los conceptos y el vocabulario, fundamentales para desarrollar
adecuadamente las habilidades de movimiento y ser capaces de entender la danza como
una forma de arte. Todos estos elementos se encuentran presentes simultáneamente en
una danza o, incluso, en una breve expresión de movimiento.

El cuerpo

El arte de la danza toma lugar

en y a través del cuerpo
humano. El crítico reconocido
de baile Walter
Terrycomentó: “no necesitas
pinturas ni cepillos, canicas ni
cinceles, pianos o violines para
hacer este arte, porque somos
las cosas de las que la danza
está hecha. Nace en nuestro
cuerpo, existe en nuestro
cuerpo y muere en nuestro
cuerpo. La danza, entonces es
el arte más personal de todas…
que brota del mismo aliento de vida.”

Los cuerpos de los bailarines se unen como si fueran uno ante la puesta en escena

En la danza el cuerpo es la figura móvil, o la forma del bailarín, percibida por los demás. A
veces el cuerpo permanece quieto, relativamente, y otras cambia cuando el bailarín se
mueve de lugar o viaja a través del área de baile. Los bailarines pueden enfatizar
específicas partes de sus cuerpos, o su cuerpo entero, mediante una expresión de danza.

Cuando vemos el cuerpo entero de un bailarín consideramos todo el diseño de la forma;

¿es simétrica? Dicho de otra forma, para describir el cuerpo en la danza hay que considerar
los sistemas del cuerpo – los músculos, los huesos, los órganos, la respiración, el equilibrio
y los reflejos. Por ejemplo, podemos describir cómo se utiliza el sistema esquelético o la
respiración.

El cuerpo es el conducto entre el reino interior de intenciones, ideas, emociones e

identidad y la parte externa del reino de expresión y comunicación. Ya sea viendo la danza
o bailando con nosotros mismos, cambiamos continuamente del sentido interno de
nuestro cuerpo, al externo.

La acción

La acción es cualquier movimiento

humano, incluido el acto de bailar – puede
incluir pasos de baile, movimientos faciales,
elevaciones, rotaciones, capturas, e incluso
cualquier movimiento realizado de forma
diaria, como el caminar. Los bailarines
pueden escoger movimientos que han
reproducido en otras ocasiones, o pueden
añadir movimientos propios, originales,
vinculados al vocabulario del movimiento
de la danza. También pueden revisar o
adornar pasos que han aprendido de otros.

Cualquier movimiento implica una acción, incluso la danza

La danza se compone de corrientes de circulación (movimiento) y de pausas. De esta

forma la acción no solo se refiere a pasos y secuencias, también a pausas y momentos de
relativa tranquilidad. El movimiento que viaja a través del espacio es ampliamente
conocido como movimiento locomotor en contraste al movimiento axial, que se produce
en un solo lugar.

La comprensión y el debate de la acción no requieren de una amplia terminología de

baile ya que el movimiento puede ser categorizado y descrito de acuerdo a sus cualidades.

Por ejemplo, un “sashay” descrito en el baile callejero americano puede ser llamado un
“chassé” en ballet o un “undercurve” en baile moderno, mientras que nosotros podemos
describirlo como un “deslizamiento” ya que es la característica esencial, presente en todos
estos pasos.

El espacio

Hay innumerables variaciones y combinaciones de movimientos para poder ser

reproducidos en el espacio.Los bailarines interactúan con el espacio de miles de formas.
Ellos pueden permanecer en un único lugar y mover partes de su cuerpo o su cuerpo
entero, o pueden viajar de un lugar a otro. Pueden alterar la dirección, el nivel, el tamaño
y las vías de sus movimientos.

El espacio en el que se realiza el movimiento varía en función de las necesidades. También

se puede desarrollar al aire libre.

Los bailarines pueden centrar su

movimiento y la atención hacia el
exterior, en el espacio, o hacia
dentro, en sí mismos. La línea de
viaje puede ser bastante directa,
hacia uno o más puntos del espacio,
o puede tener una dirección
indefinida y confusa. La danza puede
tener lugar en una esquina de un
escenario o en un gran círculo
abierto al aire libre con toda la
comunidad rodeando a los bailarines.

El tiempo

La palabra clave para el elemento de tiempo es “cuando”. El movimiento humano es

rítmico de forma natural, en sentido amplio, ya que nosotros alternamos una actividad con
el descanso. El aliento y las ondas son ejemplos de ritmos de la naturaleza que se repiten,
pero no de forma tan consistente como en un contador.

El tiempo real o percibido, marca

los ritmos y las secuencias que debe
seguir la danza

La palabra hablada y la
conservación tienen un ritmo y una
dinámica, pero los patrones son
característicamente más
inconsistentes e impredecibles.

Los patrones rítmicos pueden ser medidos o tener un rimo libre. Gran parte de la música
occidental utiliza patrones repetitivos (por ejemplo 2/4 o ¾), pero los conceptos de tiempo
y medida son usados de manera muy diferente a lo largo del mundo. Los movimientos de
la danza pueden mostrar también diferentes relaciones temporales como ser simultáneos
o secuenciales; de breve o de larga duración; de velocidad rápida a lenta; o tener acentos
en intervalos predecibles o impredecibles.
 El tiempo también puede ser organizado de otras formas. Por ejemplo, teniendo en
cuenta la hora del reloj, el tiempo percibido, o el evento-secuencia. Los bailarines pueden
tomar señales visuales de cada uno de ellos como referentes para empezar la siguiente
escena o utilizar un sentido compartido del tiempo para poner fin a un baile. Incluso
pueden tomar de referencia sonidos como el del silbato de un tren durante un espectáculo
de danza al aire libre.

Los ritmos inherentes en nuestro movimiento y nuestro paisaje sonoro son una fuente
rica de inspiración para la danza.

La energía

La danza aérea implica energía y

fuerza en cada movimiento

La energía hace referencia al “cómo”

– se refiere a la fuerza de una acción
y puede significar ambas, energía
física y psíquica, que conduce y
caracteriza el movimiento.

Las decisiones sobre la

energía incluyen variaciones en el
flujo de movimiento y en el uso de la fuerza, la tensión y el peso. Una carrera podría ser
de flujo libre o de detección fácil, poderosa o suave, apretada o floja, pesada o ligera. La
energía podría cambiar en un instante, y varios tipos de energía podrían concurrir en la
obra.

Las decisiones sobre la energía podrían revelar estados emocionales. Por ejemplo, un
poderoso empuje podría ser agresivo o alegremente estrepitoso dependiendo de la
intención y la situación. Un toque delicado podría parecer cariñoso o incierto, o quizás
sugerir preocupación.