LA ESTELA DE CARAVAGGIO EN NÁPOLES:

JOSÉ DE RIBERA (1591-1652) Y MATTIA

PRETI (1613-1699)

La influencia de Caravaggio fue tan grande, que surgió un estilo

internacional basado en sus obras y que se asocia con su nombre, el
"caravaggismo". Lo practicaron artistas en Italia, en España, en Francia,
en los Países Bajos y en la actual Bélgica.
La necesidad que se venía sintiendo en el continente de que apareciese
una nueva forma de pintar, se vio satisfecha por las novedades que
proponía Caravaggio.

Uno de los artistas más importantes en basar su estilo en Caravaggio, fue Jusepe
Rivera, cuyo "San Andrés" muestro aquí. Es de hacia 1631.
Cuando diferentes artistas pintan en un estilo similar, cuando siguen las
mismas normas en cuanto al color, el tipo de figura y el tipo de composición, sus
diferencias se hacen más obvias, se resaltan.
En este cuadro vemos claramente la influencia de Caravaggio, en el fuerte
contraste entre las zonas iluminadas y las que no lo están.
-Y vemos también la preferencia por un modelo nada idealizado.
-Estos son los rasgos estilísticos que compartían los "caravaggistas" europeos.
-Ribera es más severo que muchos de los otros.

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-San Andrés no es una figura heroica, sino sobria, apenas se acompaña de la
cruz que se refiere a su martirio, y del pez que lo identifica como el pescador que
fue.

-Los cuadros de Ribera son silenciosos, animan a la contemplación.

-Otra característica de este pintor es su forma de componer los cuadros.
-Aquí vemos que el brazo derecho se hace eco de la forma de un brazo de la cruz,
y el cuerpo y la cabeza del otro.
-Todos los pintores componen siguiendo patrones similares, pero en Ribera
estos están muy marcados, cobran un protagonismo especial.
-Somos muy conscientes de ellos cuando miramos sus cuadros.
-Es típico de Ribera el uso de una pintura muy empastada, muy espesa, que
vemos en algunos lugares en esta escena: en la cabeza, por ejemplo.
-Esta pintura crea mucha textura.

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-Cuando la luz incide sobre el cuadro, crea minúsculos contrastes entre los
surcos que quedan iluminados y los que quedan en sombra.
-El resultado es un tipo de superficie pictórica muy característica de este pintor.
-La textura de sus cuadros en ocasiones supone un problema para su
conservación, puesto que la suciedad se acumula en los surcos y es muy difícil
de eliminar.

Veamos algunos datos sobre la vida de Ribera: nació en 1591, en España,

en Játiva, cerca de Valencia; hacia los quince años de edad se trasladó a Italia y
allí permaneció el resto de su vida.
-Sabemos que sus contemporáneos pronto se referían a él como un seguidor del
estilo de Caravaggio.
-En 1616 se trasladó de Roma a Nápoles y allí vivió el resto de su vida.
-Nápoles era una de las dos o tres mayores ciudades de Europa en ese momento.
Era mayor que Roma, por ejemplo, y pertenecía a la monarquía española.
-Ribera trabajó para los virreyes y la administración española y muchos de sus
cuadros se enviaron a España, donde tuvo mucha influencia.

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 En este cuadro,de 1628, vemos de nuevo el énfasis en los aspectos
composicionales o de estructura formal.
-Los ángulos que forman la pierna doblada del santo y los brazos que se ven en
el cuadro, se relacionan entre sí y todos ellos con el formato rectangular del
cuadro.
-Parecen notas en una escala musical que varían, o que se repiten marcando el
carácter de la imagen.
-El santo es Andrés, como en el cuadro anterior, a quien preparan para su
crucifixión.
-A pesar de la acción, el cuadro inspira contemplación y silencio.
-En este cuadro también vemos el uso de pinceladas muy empastadas, que crean
una superficie con mucha textura.
-Esto es difícil de apreciar en una foto, pero se atisba en este detalle de la parte
inferior de la escena, en la mano y en la zona del talón.
-Dentro del contexto de esta escena sombría, llaman la atención los acentos del
azul del cielo, y del color naranja del paño que hay en la esquina inferior
derecha. Estas escasas y agradecidas notas de color, también son características
de este pintor, sobre todo a partir de la década de 1630.
Ribera dominó el mundo del arte en Nápoles de tal modo, que otros
pintores tuvieron que adaptarse a su forma de pintar, si querían vender sus
cuadros.
De esta manera indirecta se prolongó la influencia de Caravaggio en esa ciudad.

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Un ejemplo es el arte de Mattia Preti, un pintor nacido en 1613, o sea, 22
años después que Ribera y 42 después que Caravaggio.
Trabajó en Roma en los inicios de su carrera, en un estilo derivado de
Caravaggio y se trasladó a Nápoles en 1656, poco después de morir Ribera,
seguramente buscando rellenar el hueco profesional dejado por éste.
En Nápoles su vena "caravaggista" se vio acentuada.
Incluyo este cuadro en esta charla, por una reciente visita al Museo
Capodimonte en Nápoles, al que pertenece.
Es una de las grandes colecciones de Europa, con importantes obras de Pieter
Bruegel, de Rafael, de Tiziano, y de Caravaggio entre otros muchos.
Incluso en ese contexto excepcional, este cuadro destaca por su belleza.
Preti vivió una vida muy larga y fue muy prolífico.

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 No siempre me resultan tan atractivos sus cuadros como en este caso.
Digo esto para recordaros que con la pintura, como con la música por ejemplo,
no es raro que se dé el caso de que nos guste especialmente una pintura de un
artista, pero no otras.
Esto puede parecer obvio, pero es bueno recordarlo cuando estudiamos
la Historia del Arte centrándonos en los autores.
Quizás la cualidad más sobresaliente de este "Martirio de San Sebastián" de
Mattia Preti, es la plasticidad de la figura, la sensación de que su
poderosa anatomía es maleable, que está sujeta a la fuerza de la gravedad.
Sentimos su peso, que cuelga de las muñecas del santo, y que parece resbalar
sobre la piedra en que se apoya.
Sebastián fue un santo de época romana, a quien ataron y dispararon con
flechas.

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Fue muy representado desde la época del Renacimiento, puesto que el tema
permitía la representación de un cuerpo masculino desnudo. Esto era muy del
gusto de una época muy interesada por las esculturas antiguas, que
mayoritariamente también mostraban desnudos.
-En el cuadro llama la atención el contraste entre la fuerza del joven y su
impotencia.
-Empatizamos también con el rostro, que mira hacia el cielo, mezclando
indefensión y esperanza.
-El realismo de la pintura del XVII, nos puede hacer olvidar por un momento
que lo que vemos es un cuadro, pero es el artificio del pintor el que nos seduce y
nos convence.
-Una última idea: los cuadros que hemos visto en este vídeo se hicieron en
la Europa católica, durante una época de reacción militante frente a los
protestantes.
-De ahí deriva parte de su fuerte carácter, de su poder de comunicación.
-Es un tipo de arte diseñado para transmitir y reforzar una verdad que se
entendía como única e incuestionable.

Autorretrato Mattia Preti (1613-1699)