DECEMBRE 2018

N°193

MENSUEL - BELGIQUE 9,50 € - SUISSE 13,50 FS - CANADA 14,00 $ - LUX. 10,00 €

P.04 LE SAMPLER
P.06 COURRIER DES LECTEURS BIG MOUSTACHE
P.08 LE PURGATOIRE : BLUE OYSTER CULT
P.12 TELEX : L’actu métallique
J’avais dix ans quand un ami m’a fait écouter le 45 Tours « We Will

© Nidhal Marzouk
Rock You/We Are The Champions ». C’était un samedi après-midi

P.14 HELLFEST/KNOT FEST : BEN BARBAUD

d’avril 1978, et cet électrochoc m’a instantanément transformé en

P.16 DE + EN + NET
hardos. En métalleux, si vous préférez. Comme ça, en une poignée
de secondes, le temps d’un riff titanesque. Mon premier vrai coup

P.17 TOUTE PREMIERE FOIS : EVERGREY

de cœur musical. Alors, vous pensez bien, chez moi, ça fait quatre

P.18 MERCHANDISING
décennies qu’on ne rigole pas avec Queen. C’est probablement ce qui explique que je sois
récemment sorti de la projection de Bohemian Rhapsody sans trop savoir quoi penser de ce

P.19 I LIKE TO MOVIE,

film. Trop d’approximations, de libertés chronologiques, de bons sentiments et de guimauve

MOVIE : ORANGE GOBLIN

pour apprécier pleinement, ceci étant d’autant moins compréhensible (pardonnable) que
Brian May et Roger Taylor ont suivi de très près l’interminable gestation de ce long métrage.

LES INTERVIEWS :
Alors, c’est vrai, nous avons ici affaire au tout-puissant Hollywood et à ses ficelles grosses
comme des baobabs, mais que penser notamment de la scène qui voit Freddie Mercury se

P.20 BRUCE DICKINSON

faire un nouveau petit copain, le présenter à ses parents et en profiter pour révéler à ces

P.28 WITHERFALL
derniers son homosexualité… dans les heures (minutes ?) qui précèdent sa montée sur scène
au Live Aid ? Franchement… Je pourrais dresser une liste interminable des grossiers

P.30 METAL CHURCH

raccourcis empruntés par ce film que grand nombre de spectateurs a certainement pris, non
pour une histoire romancée, mais pour la « vérité vraie ». Il faut dire que tout est fait ici

P.32 EMIGRATE
pour nous aider à tomber dans le panneau. Mais bon, arrêtons de faire la fine bouche, et

P.34 SUIVEZ LE GUIDE !

avant de recommander à ceux qui souhaitent de l’info véritable de se jeter sans plus attendre
sur les documentaires Days Of Our Lives et The Great Pretender (récemment diffusé par Arte),

QUEEN
reconnaissons au moins une qualité à l’entreprise Bohemian Rhapsody : replacer Queen au

P.36 22
centre des débats, et Freddie avec lui. Si ce film a réussi – et ça en a tout l’air – à donner (ou
redonner) envie à ceux qui l’ont vu d’écouter (ou de réécouter) la sublime discographie des

P.38 ELECTRIC BOYS

Quatre Fantastiques (Cf. la rubrique Suivez Le Guide de ce mois en pages 34 et 35), c’est un
fait d’armes qui doit être salué comme il se doit. « Toujours ça de pris ! » doit se dire le Dieu

P.40 GOTTHARD
Mercury de là-haut. Parce, pour le reste, on peut légitimement se demander (même si nous

P.42 OOMPH!
n’aurons jamais de réponse, et pour cause) ce que ce dernier penserait de ce film… si l’on
fait fi du fait que son ego serait évidemment flatté par le fait même qu’on lui en consacre un

P.44 K.K. DOWNING

tout entier en 2018, 27 ans après sa disparition prématurée. Tout ça pour vous dire que
vouloir (bien) raconter une star d’exception via une biographie (aussi malmenée soit-elle) est

P.48 HAKEN
Mission : Impossible. On peut approcher du soleil, mais pas trop près, sous peine de se brûler

P.50 LE TOP 10 DES

les ailes. Demandez à Icare et à Henri Volney, au hasard. Une autobiographie va-t-elle plus
loin pour autant ? La question mérite d’être posée, celui qui l’écrit ayant généralement

CADEAUX LES PLUS

tendance, parfois malgré lui, à éviter certaines zones d’ombre pour ne rester que dans la
lumière. Bruce Dickinson, interviewé en exclusivité dans ces pages, ne fait pas exception à la

METALLIQUES
règle, quand bien même son nouveau livre, très intéressant car il ne s’attarde pas sur Iron

P.52 BILLYBIO
Maiden, n’est pas le panégyrique annoncé. Mais n’est-ce pas mieux ainsi ? Le charme de ces
légendes qui continuent de nous bercer n’est-il pas justement de parvenir à préserver un côté

P.54 ACOD
jardin, une part de mystère, voire de fragilité, qui, s’ils étaient dévoilés, nous les rendraient

P.55 SKULL PIT

peut-être antipathiques, décevants ou tout simplement humains ? Vous avez quatre heures…
L’essentiel est de continuer à prendre un panard pas possible en

P.56 SHVPES
écoutant Iron Maiden comme Queen. Car c’est de « ça », de
l’amour que nous portons aujourd’hui encore à son œuvre,

P.58 JOHN GARCIA

que Freddie est probablement le plus fier, ne croyez-vous pas ?

P.60 GIGS YOUR ASS !

Bonnes fêtes à toutes et tous ! Vous êtes des champions !
See ya in 2019 !

Mass Hysteria + High On

PHILIPPE LAGEAT

Fire + Shining + Greta

Van Fleet + Powerwolf
39, rue Santos Dumont - 75015 Paris

+ Blackberry Smoke
Tél : 01.40.28.43.41 - Fax : 01.40.43.02.98

+ Suicidal Tendencies
Directeur de la publication : Marc Villalonga (marc@rockhard.fr)
Rédacteur en chef : Philippe Lageat (phil@rockhard.fr)

+ Nightwish + Sick Of It
Rédacteur en chef adjoint : Morgan Rivalin (morgan@rockhard.fr)
Rédaction : Charlélie Arnaud, Stéphane Auzilleau, Benji, François Blanc, Emmanuel Hennequin,

All + MC50 + Within

Julien Monsenego, Guillaume Fleury - Photographes : Marc Villalonga, Nidhal Marzouk
Directrice artistique : Vanessa Girth (vanessa.rhmag@gmail.com)

Temptation + Glenn
Publicité « musique » : Vanessa Girth (vanessa.rhmag@gmail.com)

Hugues
Courrier & dates de concerts : redaction@rockhard.fr
Rock Hard est une publication de : GRANDS MALADES EDITIONS SARL de presse au capital de 320

P.68 ABONNEMENT CDS

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P.70 KRONIKS CDs

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 Sur chaque sampler figure un morceau extrait de la démo d’un groupe francophone non signé.
Espérons que ce petit « coup de pouce » attire l’attention des labels et autres maisons de disques
et débouche sur des signatures. Jeunes combos, n’hésitez donc pas à nous envoyer vos démos
(CDs uniquement) agrémentées d’une bio complète et d’une photo à l’adresse suivante :
Rock Hard/Strass - Démos Sampler - 39, rue Santos Dumont - 75015 Paris. Bonne chance !
1 - OOMPH!
« Kein Liebeslied »
Pionnier du metal indus, Oomph!, ces dernières années,
avait sensiblement adouci son propos pour séduire un plus
large public. Ce dernier étant volatile, le combo allemand
revient aujourd’hui avec Ritual, un treizième album
studio qui le voit renouer avec les riffs martiaux pour
2 - SOILWORK
lesquels nous l’aimions tant. Sortie le 18 janvier 2019.
« Full Moon Shoals »
Il n’est pas surnommé « Speed » par hasard. Le chanteur
Björn Strid jongle sans cesse entre The Night Flight
Orchestra et un Soilwork dont le onzième opus,
Verkligheten, arrivera le 11 janvier. Le batteur Dirk
Verklighe… euh, Verbeuren ayant rejoint Megadeth, on
3 - VENOM
y découvre le talentueux Bastian Thusgaard.
« Bring Out Your Dead »
Le 14 décembre, le chanteur/bassiste Cronos, épaulé
par Rage à la guitare et Dante à la batterie, revient
d’entre les morts (et demande à ses fans... de faire
prendre l’air aux siens) avec Storm The Gates. Treize
nouveaux mollards de Venom qui, espérons-le,
4 - EVERGREY
porteront chance au démoniaque trio de Newcastle.
« A Silent Arc » (Edit)
The Atlantic (sortie le 25 janvier) vient refermer la
trilogie entamée par Evergrey sur Hymns For The Broken
(2014). Découvrez le premier extrait (ici sensiblement
raccourci) de ce nouvel opus mixé par Jacob Hansen
(Volbeat, Epica), avant de retrouver les Suédois sur scène,
5 - BILLYBIO
en mars, avec Kamelot. Interview le mois prochain !
« Feed The Fire »
Le fait que Biohazard joue les Hibernatus n’empêche
pas le guitariste/chanteur Billy Graziadei d’être sur tous
les fronts. En compagnie de Powerflo, mais aussi avec
son nouveau projet, Billybio, qui porte bien son nom car
il voit notre homme Billy donner dans le bio… Le
6 - JON SCHAFFER’S PURGATORY
Biohazard, évidemment.
« Dracula » (Edit)
Purgatory, l’ancêtre d’Iced Earth, est de retour !
Reformé par Jon Schaffer, il s’apprête à publier un EP 5
Titres au sein duquel figure ce « Dracula » (ici en version
éditée) très différent de celui publié par Iced Earth en
2001 sur le concept-album Horror Show. Vampire, vous
7 - WITHERFALL
avez dit vampire ?
« Ode To Despair »
Quand deux membres d’un groupe sont recrutés par
des formations bien plus établies comme Sanctuary ou
encore Iced Earth (et bientôt Demons & Wizards), « ça
sent bon », comme on dit. Witherfall devrait en effet
ravir les amateurs de heavy/power prog qui seraient
8 - ARION
bien inspirés de se jeter sur A Prelude To Sorrow.
« At The Break Of Dawn » (Feat. Elize Ryd)
François Blanc, qui échange régulièrement des smileys
« cœur » et « licorne » avec Elize Ryd sur Facebook (le
malotru est pourtant marié…), a craqué sur ce duo über
accrocheur entre la chanteuse d’Amaranthe et Arion, un
combo power sympho finlandais. Et comme il n’y a pas
que le Père Noël qui fait des cadeaux...
4
9 - DANKO JONES
« We’re Crazy »
Danko Jones se produisant à Toulouse et Vauréal dans le
courant de ce mois de décembre, les fans du combo
canadien seraient bien inspirés d’apprendre par cœur ce
nouveau single qui leur permettra également de prendre
leur mal en patience, le prochain album du trio ne devant
10 - LEGION OF THE DAMNED
paraître qu’au printemps 2019.
« Slaves Of The Southern Cross »
En Hollande, il y a l’Edam, mais aussi « les Damned » ! (fou
rire) Les fondus de thrash/death auront attendu cinq ans
avant que le successeur de Ravenous Plague (2014) ne
pousse son premier cri. Heureusement, Slaves Of The
Shadow Realm, le nouveau Legion Of The Damned, arrive
11 - JOHN GARCIA & THE BAND OF GOLD
le 5 janvier. Et il n’est pas content.
« Chicken Delight »
Plus difficile à suivre que John Garcia, tu meurs ! Plus
talentueux aussi. Après Kyuss, Unida, Slo Burn, Hermano,
Vista Chino et une aventure en solitaire (on oublie un
paquet de projets au passage), le chanteur américain
s’associe à un nouveau groupe, The Band Of Gold, pour
12 - SKULL PIT
nous parler de poulets. Cot, cot !
« Blood Titan »
D’un côté du ring, Mem Von Stein, chanteur des thrashers
allemands d’Exumer. De l’autre, Tatsu Mikami, bassiste du
combo doom nippon Church Of Misery. Au coup de gong,
une rencontre improbable et un choc des (blood) titans qui
fait des étincelles et rappelle furieusement le Motörhead
13 - LOVEBITES
des débuts.
« M.D.O. »
Heavy et power sont les deux mamelles de Lovebites,
formation japonaise 100% féminine active depuis 2016. Si
vous pensez que « metal féminin nippon » rime forcément
avec « Babymetal » (ça ne rime pas du tout, nous sommes
bien d’accord), une écoute de Clockwork Immortality vous
14 - BROTHERS OF METAL
ramènera à la raison.
« Prophecy Of Ragnarök »
Croisés en forêt de Rambouillet, en région parisienne, les
randonneurs suédois de Brothers Of Metal nous ont
demandé si leur ville, Birka, était encore loin... Avant de
leur annoncer la mauvaise nouvelle (un petit mois de
marche), nous leur avons acheté un exemplaire de
DECOUVERTE DU MOIS : 15 - BLURRY SHAPES
Prophecy Of Ragnarök. Bonne balade !
« From A Distance »
Blurry Shapes est né en novembre 2015. Il n’a pas fallu plus de 24 heures
pour que le quintet s’accorde sur ses principales influences : Tool, Deftones,
Faith No More, Mass Hysteria, SOAD et autres Alice In Chains. Après plusieurs
mois de maturation dans son local du Silo et sur les scènes du Mans, Blurry
Shapes publie Inclusive, son premier EP. Dix autres compos du combo
attendent au chaud. A suivre !
Extrait de l’EP Inclusive
Facebook : facebook.com/blurryshapesmusic
Bandcamp : blurryshapes.bandcamp.com
éro de
Le prochain num janvier 2019
u8
e aux alentours d
sera en kiosqu

Salut gars et fille de mon mag’ préféré
(et seul auquel je sois abonné),
Je veux réagir au courrier d’Arnauld paru dans
le numéro 000% basse (qui a eu cette idée ? A
mourir de rire, félicitations !). Il se trouve que,
moi aussi, j’ai cinquante ans et je n’ai jamais, ô
grand jamais, au fil de mes lectures de ce
magazine, senti une obligation à aimer tel groupe
par rapport à un autre. J’en veux pour preuve
que même un groupe dont l’album n’obtient
pas une super note ou chronique dans un
numéro peut figurer sur le sampler. Et Philippe
Lageat est loin d’être un dictateur : c’est un
grand fan d’AC/DC, alors que je continue à ne
pas l’être. Des groupes sont régulièrement mis
à l’honneur, certes, mais en aucun cas, je n’ai eu
de quelconque message subliminal me disant
qu’il s’agissait des nouvelles sensations du
moment et qu’il fallait à tout prix les aimer sous
peine de passer pour un imbécile. J’ai tenté
Audrey Horne, Ghost, The Darkness (à une autre
époque) et d’autres, et je me suis forgé mon
opinion. Je n’ai pas été acheter l’album parce
que, dans Rock Hard, ils adoraient. Concernant
les festivals (pourquoi ne dit-on pas festivaux ?
Quelle langue compliquée que la nôtre !), si
déambuler au milieu de personnages déguisés
ne me dérange pas plus que ça, ce qui me
dérange est l’image véhiculée par certains
médias. Suite au passage dans Quotidien d’un
énième reportage sur le Hellfest (avec sa tradi-
tionnelle exhibition de fesses poilues), je me
suis attardé sur les commentaires (pour une fois,
j’avais le temps). Voici en résumé ce qui m’a
sidéré :
- Untel : « Hey, Jennifer (en gras car taguée) :
c’est ce dont je te parlais ! »
- Jennifer : « Ah ouiiii ! Trop cool ! Il faut absolu-
ment qu’on y aille au moins une fois ! »
J’ai eu le sentiment à cette lecture – mais je
peux me tromper – qu’outre les métalleux, les
amateurs de gros son, le Hellfest commence à
attirer ce qu’on appelle traditionnellement les
« bobos parisiens » qui, pour s’encanailler le
temps d’un week-end, vont aller batifoler dans
les champs au milieu d’une horde de barbares
parce qu’ils ont vu à la téloche qu’on s’y éclatait
et qu’on pouvait s’y déguiser pour amuser la
galerie. Car certains, au vu des commentaires,
n’ont jamais jeté une oreille sur du metal, jamais
entendu parler du Hellfest sauf au travers des
pastilles annuelles de Quotidien (ou du Petit
Journal), mais ont décidé d’y aller « au moins
une fois » parce que ça a l’air trop cool. Une fois
rentrés, ils n’iront pas plus aux concerts et
n’achèteront pas plus d’albums de metal qu’ils
ne le faisaient avant. Me dérangent aussi ceux
qui passent leur festival complètement ivres et
qui font parfois ch… les autres, mais « parce
qu’on est à un festival, il faut se bourrer la
gueule » (entendu au Sonisphere). Même si,
comme l’avait écrit l’un de vos lecteurs, « ils ont
acheté leur billet, ils font ce qu’ils veulent », en
achetant mon billet, je m’attends à passer un bon
moment, pas à ce qu’on vienne m’emmerder.
Voilà : moi aussi je conçois qu’on puisse être
sérieux dans son travail, mais ne pas l’être à
l’extérieur (en sachant qu’on peut très bien
travailler correctement en faisant rire ses
collègues, ce que je me suis toujours efforcé de
faire : rien de tel que d’aller bosser en sachant
qu’on va passer une bonne journée). Et pour
finir : moi aussi j’adore Ultra Vomit (avec une
nette préférence pour Objectif : Thunes.
Daniel
Cher Daniel,
Tu as bien résumé les choses : notre opinion
n’engage que nous. Nous partageons notre avis,
à vous de vous forger le vôtre ! Indéniablement,
l’image publique du Hellfest a changé au fil des
années, passant de « réunion de terrifiants
satanistes » à « Disneyland de l’extrême ».
C’est la rançon du succès ! Heureusement, et
quoi qu’on en dise, la programmation continue
majoritairement à s’adresser à un public d’initiés.
Voilà bien l’essentiel !
6
Faites couiner vos souris en nous e-mailant directement vos messages à :
Hello Rock Hard,
Fidèle lecteur depuis le N°1 (…), je m’appelle
Maxime, j’ai bientôt 41 ans et j’écoute du hard
rock/metal depuis mes 14 ans. Ce petit message
pour vous dire que s’il y a un Download Festival
cette année à Brétigny Sur Orge, eh bien j’irai !!!
Cela fait huit ou neuf ans que je vais au Hellfest,
et là je n’ai pas pu avoir de place cette année.
De plus, l’année dernière, pour circuler dans le
Hellfest, c’était l’enfer. Alors pourquoi pas
changer un peu (car je n’achèterai pas de place
au marché noir) et accepter un peu plus de
mainstream ? Il faut donner une chance à ce
festival car je tiens à rappeler que ce genre
d’événements n’existait pas en France dans les
années 90 (sauf le dernier Monsters Of Rock à
l’Hippodrome de Longchamps en 1991). Alors,
je préfère en avoir deux qui sont variés plutôt
que rien du tout. Dernier message : je conseillerai
aux gens du Download de nous trouver des
pépites comme sait le faire le Hellfest. Je pense
à un Cheap Trick, par exemple. Bonne journée !
Maxime
Bonjour,
Tout d’abord, un grand bravo pour votre magazine
dont la qualité n’a jamais faibli (je viens de
m’acheter un gros lot de vieux numéros avec
leurs samplers et je peux constater la formidable
évolution de Rock Hard). Gardez cette formule
qui nous propose chaque mois un CD nous
faisant découvrir des nouveautés, c’est top !
J’écoute du metal et ses dérivés depuis 35 ans
maintenant et je continue à m’éclater en
découvrant des styles et des groupes nouveaux,
et en essayant d’aller les voir en live dès que
l’occasion se présente. A ce sujet, je dois avouer
que le Download est pour cela une formidable
opportunité ; ce festival m’a permis de voir sur
scène des groupes que je ne serais pas allé voir
autrement. En parlant du Download, avez-vous
des news sur l’édition 2019 ? Cela ressemble
pour l’instant à un silence radio assez inquiétant
alors que l’édition anglaise vient d’annoncer ses
premiers noms. Bonne continuation !
Musicalement,
Stephane
Cher Maxime, cher Stéphane,
Merci de votre fidélité. La cuvée 2019 du
Download français est effectivement annulée,
les chiffres de fréquentation de l’été dernier
s’étant avérés largement inférieurs aux espoirs
des organisateurs. Le festival vient d’ailleurs de
communiquer officiellement. Vous trouverez
toutes les infos nécessaires dans les pages
news de ce numéro.
Salut Rock Hard,
Je vous écris pour vous raconter (brièvement...)
ma petite histoire. J’ai 56 ans, et je suis fan de
metal depuis mon plus jeune âge ; il y a peu de
temps, j’ai perdu mon emploi. Après plusieurs
mois de recherche active et infructueuse, je
réponds à une annonce et suis convoqué à un
entretien. Celui-ci se déroule tout à fait norma-
lement, avec des questions sur mes compétences
et mes diverses expériences professionnelles,
jusqu’à ce que le patron, qui me fait passer
l’entretien, me dise : « Je vois que vous avez mis
comme loisir : écouter de la musique… Quel
type de musique aimez- vous ? » Là, dans ma
tête, je me dis : « Houlà… Dire que j’écoute du
metal pour un directeur financier, ça fait peut-
être pas sérieux… ». Pourtant, cette hésitation
ne dure que quelques secondes ; après tout, je
n’ai pas à avoir honte de mes goûts musicaux,
bien au contraire. Tant pis si cela ne plait pas !
Donc, je me lance et lui réponds : « Le heavy
metal... ». Et là je vois son visage s’illuminer :
« Non, c’est pas vrai ? Moi aussi ! » Du coup on
a arrêté de parler boulot, et nous avons discuté
une bonne heure de nos groupes favoris, essayé
de savoir qui de Metallica ou Exodus était le
roi du thrash… J’ai été embauché (cela fait
maintenant plus d’un an), mon patron et moi
sommes même allés à des concerts ensemble
redaction@rockhard.fr
(Pain Of Salvation notamment) et je demeure la musique qui les a faits vibrer si profondément
persuadé que si j’avais répondu que ma préférence durant toute leur adolescence. Même si nous
était la variété française, je n’aurais peut-être pas demeurons circonspects à l’égard de
été choisi. Moralité : soyez tous fiers d’aimer cette Babymetal, nous n’avons jamais boycotté le
musique qui ne nous apporte que de la joie. phénomène (comme l’atteste la présence du
Pascal groupe sur notre sampler ou notre compte-
rendu de son concert au Download 2016). Si
Cher Pascal, l’occasion d’une interview se présente, nous la
Figure-toi que François Blanc a fait la même saisirons. Enfin, on ne peut pas dire que le
chose que toi lorsqu’il a passé son entretien « metal d’aujourd’hui », comme tu dis, soit
avec l’équipe de Rock Hard et, contre tout ignoré dans nos pages : François Blanc, notam-
attente, cela a payé aussi !!! Dingue, non ? Amis ment, se passionne pour les fers-de-lance du
en recherche d’emplois, vous avez désormais la folk et du power metal contemporain, faisant fi
formule miracle pour vous attirer instantanément de l’indifférence (ou du dégoût) de certains de
la sympathie de vos recruteurs ! Non, ne nous ses collègues… Par contre, c’est vrai, Philippe
remerciez pas, c’est tout naturel. Lageat est un vieux con blasé.
Salut Rock Hard, Hello à toute l’équipe,
Ces derniers mois, vous avez (entre autres) râlé Dans le cadre de sa mini-tournée européenne
sur le prix des concerts, sur le prix des meet & d’une douzaine de dates destinée à promouvoir
greet, sur la sur-fréquentation des festivals, sur son album acoustique December Wind (compila-
la sous-fréquentation des concerts et, dans tion de reprises et de titres originaux à laquelle
votre dernier numéro, sur le « Alestorm- Rock Hard Allemagne a attribué la note de
metal ». Dernier numéro que j’attendais pour le 9/10), Blaze Bailey se produisait le jeudi 8
compte-rendu du Motocultor. C’était ma première novembre au Biplan de Lille, petite salle de
fois à ce festival et j’ai passé une excellente théâtre/concert située dans le quartier de
journée : bonne orga, affiche variée et bonne Wazemme, un peu plus de deux mois après son
ambiance. Résumé de ma lecture de votre passage à Leers, dans la proche banlieue lilloise.
compte-rendu : il y a trop de queue, trop de Sur cette tournée, Blaze est accompagné du
poussière, les saucisses sont trop chères, les guitariste « classique » Thomas Zwijsen (connu
couverts en plastique et on ne peut pas amener pour ses reprises de Maiden à la guitare acous-
sa bouteille d’eau ! Mais pas un mot sur tique/classique dans le cadre du projet Nylon
Cypecore ou Sticky Boys qui ont fait d’excellents Maiden) et de la charmante violoniste Anne
concerts. On a vraiment l’impression que vous Bakker (pour quelques dates uniquement). La
vous êtes fait chier pendant trois jours. Et cette grande majorité de la cinquantaine de personnes
ironie dans votre compte-rendu du concert présentes ce soir est constituée de « die-hard »
d’Ultra Vomit... Je n’étais ni déguisé, ni bourré, de Maiden, les vrais, les durs, ceux qui connais-
et ne suis fan ni des Charlots, ni de Lagaffe, mais sent par cœur tous les titres de la Vierge de Fer,
pour moi, ce fut le meilleur concert de la journée. y compris ceux de The X-Factor et Virtual XI ! En
Après avoir vu des centaines de concerts depuis guise de « première partie », Thomas Zwijsen,
plus de vingt ans, j’attends d’un groupe seul sur scène, reprend « The
qu’il me fasse tout simplement passer un Blaze Trooper » et « Highway Star »
bon moment, par la qualité de sa musique, de Deep Purple avant d’être
par le spectacle proposé, par l’interaction cVirus (*) rejoint par Anne Bakker pour
avec le public, et c’est exactement ce que cThe Launch une très belle version
fait Ultra Vomit. Et s’ils attirent quelques cLord Of The Flies (*) d’« Alexander the Great »,
milliers de personnes non-métalleuses au cJudgement Of puis du sublime « Strange
festival, où est le problème ? Vous préférez Heaven (*) World » qui se termine par
que le festival fasse faillite en ne program- cWhat Will Come quelques notes de « The
mant que du metal de connaisseurs (le cFutureal (*) Prophecy » pour un final très
regretté Fall Of Summer) ? J’appelle ça du cDecember Wind folk et enjoué. Blaze arrive
snobisme ! Quand j’ai commencé à écouter c2 AM (*) ensuite sur scène et, sans sur-
du metal dans la première moitié des cPraise Of Light prise, la majorité de la setlist
années 90, il n’y avait aucun festival français. cAfraid To Shoot de ce soir est constituée de
Je bavais sur les affiches de Donington et Strangers (*) morceaux de Maiden de la
du Dynamo. Et maintenant que la scène période « maudite » (dont
cThe Crimson Tide
metal en France n’a jamais été aussi dyna- certains s’avèrent excellents
cComo Estais
mique, il faut s’en réjouir ! Votre refus en mode unplugged, comme
Amigos (*)
manifeste de couvrir le « phénomène » « Judgement Of Heaven »,
cMan Hunt
Babymetal (votre news également bien « Como Estais Amigos » ou
ironique) est aussi significatif d’un certain (Wolfsbane) encore « 2AM »). On se rend
manque d’ouverture de votre part. A mon cDoctor Doctor (UFO) compte également que, même
humble avis, Babymetal est le groupe le cThe Clansman (*) joués en acoustique, les
plus novateur apparu ces dernières années cMan On The Edge (*) morceaux de Maiden sont
tout en restant très accessible pour le cThe Love Of Your tout simplement très bons !
public. J’adore ce qu’ils font et cela ne Life Blaze interprète également
m’empêche pas d’adorer AC/DC, Slayer ou cThe Angel And quelques titres de sa carrière
Emperor. Sous couvert d’humour (votre The Gambler (*) solo, ainsi que deux extraits
réponse au lecteur qui répond au dernier de December Wind (« Crimson
édito), je perçois une certaine lassitude, (*) reprise d’Iron Tide » et l’émouvant « Decem-
voire même un léger syndrome du « vieux Maiden ber Wind »), un morceau de
con ». Peut-être faut-il recruter des pigistes Wolfsbane (« Man Hunt ») et
plus enthousiastes pour le metal d’aujourd’hui ? une reprise d’UFO (« Doctor, Doctor »). Après
Je trouve cette tendance qui s’accentue à un dernier rappel et deux heures de concert
chaque numéro… Dommage, d’autant que (« The Angel And The Gambler »), Blaze file
j’adore votre mag’ dont je trouve la qualité au stand de merch’ pour une séance de
éditoriale vraiment exceptionnelle sur le fond et dédicaces en toute simplicité ! Une très belle
sur la forme. Merci de maintenir la flamme de la soirée intimiste en compagnie d’un artiste
presse metal à laquelle je tiens beaucoup. qui mérite mieux que la relative confidentialité
Amicalement, (indifférence ???) dans laquelle il évolue
Olivier désormais.
Arnaud
Cher Olivier,
Comme tout Français qui se respecte, nous Cher Arnaud,
adorons râler. Et tu marques un point, certains Merci pour le compte-rendu de ce sympathique
d’entre nous ne parvenant pas (ou peu) à recon- concert. Toujours un plaisir de sentir Blaze aussi
naître dans certaines formes actuelles du metal motivé et proche de ses fans !
 Ponctuellement, nous revenons sur un
album « décrié », un peu à part dans la
discographie d’un groupe. Un « mal aimé »,
en quelque sorte. Par certains critiques,
certains fans, et, parfois, par ses géniteurs
eux-mêmes. Un album qui, pourtant, vaut
le détour et mérite qu’on le réhabilite
sans plus attendre. L’autopsie d’un
« échec » qui n’en est pas vraiment un,
l’idée étant de faire parler les musiciens
« à froid », plusieurs années après la
sortie de ce disque, afin de mieux
comprendre ce qui, à l’époque, n’a pas
collé. Pourquoi les étoiles n’étaient pas
alignées. Ce mois-ci, Philippe Lageat
revient sur le Heaven Forbid de Blue
Öyster Cult paru en 1998.
Lorsque Heaven Forbid sort, en 1998, personne n’est
intéressé, ou presque, seuls les fans purs et durs de Blue
Öyster Cult prenant le temps d’y poser une oreille ou
deux. Il faut dire que, depuis 1983 et The Revölution By
Night, le Culte a eu un parcours pour le moins
décalé qui l’a, du moins en Europe, relégué aux
oubliettes : volonté « commerciale » affirmée sur le
décevant Club Ninja (1985), Imaginos (88),
magnifique concept-album, certes, mais qui, dans
les faits, n’était autre qu’un album solo de l’ex-
batteur du groupe Albert Bouchard, renvoi de la
maison-mère CBS, bande-originale famélique du
navet de science-fiction Bad Channels (92), etc.
Bref, depuis quinze années, quand bien même
BÖC est venu honorer Paris de sa visite (tous les
trois ans environ), le bilan est maigrichon. D’où
l’indifférence générale qui entoure, en 1998, la
parution de ce Heaven Forbid pourtant fort
recommandable et dont le chanteur/guitariste
Buck Dharma nous raconte alors la gestation.
Buck Dharma : Ces dix dernières années (Rappel :
interview réalisée en 1998), nous n’avons
composé que très peu de nouveaux titres, à
l’exception de la B.O. du film hollywoodien Bad
Channels. Pas vraiment un chef d’œuvre ! (rires)
Ceux qui s’attendaient à un nouvel album de
Blue Öyster Cult ont donc été déçus. Nous avons
également tourné à grande échelle, aux Etats-
Unis tout du moins. Puis, aux alentours de 1992,
nous avons décidé d’enregistrer un nouvel album,
mais nous avons dû faire face à d’importants
problèmes contractuels qui ont retardé la sortie
du disque. La situation ne s’est véritablement
débloquée que l’année dernière. Rainer Hansel, qui
travaille pour le label allemand SPV, a longtemps été
notre principal tourneur et promoteur européen. C’est
donc en toute logique que nous avons signé avec lui.
(…) Il s’est écoulé un certain temps avant que nous ne
voulions vraiment enregistrer de nouveaux titres, mais
lorsque nous nous sommes finalement décidés, cela
s’est fait avec grand enthousiasme. Nous avons pris
énormément de plaisir à retravailler ensemble. (…)
Danny Miranda (basse) remplace Jon Rogers qui nous a
accompagnés pendant huit ans. Ce dernier s’est marié
et a décidé de laisser tomber les tournées pour
reprendre ses études. En 1995, nous avons auditionné
plusieurs bassistes dont Danny qui nous avait été
recommandé et que nous avons engagé. Il est originaire
de Long Island, comme la plupart d’entre nous.
Auparavant, il travaillait surtout comme musicien de
sessions (…) Son boulot sur Heaven Forbid est tout
bonnement surprenant. Quant à Bobby Rondinelli, ex-
Rainbow, sa réputation n’est plus à faire. Tout comme
Ritchie Blackmore, nous avons besoin d‘un batteur
puissant. Bobby nous a donc rejoints l’année dernière,
ce qui explique que notre ancien batteur Chuck Burgi
ait enregistré dix des onze titres du nouvel album.
8
Ainsi que le souligne Buck, plusieurs morceaux de
Heaven Forbid datent du début des années 90, à l’instar
de « Harvest Moon » que Dharma jouait à l’époque avec
son projet parallèle, The Red And The Black, ou de « See
You In Black », une compo de Bloom datant de 1994 et
notamment interprétée l’année suivante à l’Elysée
Montmartre de Paris. C’est aussi le cas de « Power
Underneath Despair » et de « Still Burnin’ » que le
groupe a enregistrés à l’aube des années 90 en
compagnie du manager Steve Schenck. Au niveau
textes, le groupe a de nouveau fait appel à John Shirley.
Buck Dharma : John est un écrivain américain spécialisé
dans les nouvelles et les scripts. Il a coécrit celui du film
The Crow (1994). C’est un parolier très prolifique que
nous avons rencontré au début des années 90 et avec
lequel nous avons commencé à travailler sur deux titres
de la B.O. de Bad Channels (Ndlr : « Demon’s Kiss » et
« The Horsemen Arrive ») (…) J’écris toujours des textes
de ci, de là, mais Shirley est responsable de la majorité
de nos lyrics, comme Sandy Pearlman le faisait il y a
quelques années. C’est une nouvelle ère dans l’histoire
du groupe.
Une nouvelle ère aux allures de résurrection que Heaven
Forbid ouvre avec un certain panache, les textes de
Shirley, très majoritairement sombres, se dévorant
comme autant de petites nouvelles noires de suie :
un type tentant d’inciter une femme à
tuer son mari qui la bat (« See You In
Black »), paranoïa urbaine (« Hammer
Back »), un mourant faisant promettre à
son frère de vivre deux fois plus intensément (« Live
For Me »), un personnage dérangé mais qui adore ça
(« Damaged »), un revanchard qui se concentre tant
sur son désir de vengeance qu’il parvient à s’évader
de prison pour tuer ceux qui l’ont trahi (« Power
Underneath Despair »), etc., chaque saynète de ce
Heaven Forbid est un petit bijou, y compris « Harvest
Moon » signée Dharma (l’histoire d’un homme qui hérite
de la ferme de sa grand-mère et la revend car il sent le
mal rôder dans les parages). L’autre atout de cet album
– et pas le moindre –, c’est qu’il marque le retour du
groupe à une musique bien plus musclée que la mixture
FM de Club Ninja. Pour tout dire, il s’agit peut-être
même du disque le plus metal de BÖC, ainsi qu’en
attestent des titres comme « See You In Black », « Power
Underneath Despair » et « Hammer Back ». « Still
Burnin’ » se pose comme un clin d’œil au giga hit
« Burnin’ For You » (1981), « In Thee », originellement
paru sur Mirrors en 1979 étant proposé en clôture
d’album en version acoustique chantée par Lanier.
« Harvest Moon » pourrait quant à lui être un classique
de l’âge d’or du Culte de l’Huître Bleue avec sa mélodie
mélancolique chantée par Buck, au même titre qu’un
« X-Ray Eyes » transpercé par les flèches d’une guitare
subtile et racée ou qu’un « Damaged » groovy rehaussé
d’orgue Hammond ramenant tout droit à la variété et à
la versatilité d’un Cultösaurus Erectus (1980). « Cold
Grey Light Of Dawn » , pour sa part, n’aurait pas
dépareillé sur le mésestimé mais éminemment
sympathique The Revölution By Night de 1983.
Alors, pourquoi ce Heaven Forbid n’a-t-il pas marché
avant de s’évanouir corps et âme de la mémoire
collective ? La trop longue absence du groupe déjà
mentionnée est une première explication, de nouveaux
héros s’étant dans l’intervalle (dix ans séparent Imaginos
de ce disque !) engouffrés dans la brèche béante. Mais
rien ne nous empêchera de penser que l’immonde
pochette de cette galette – un comble pour le Culte
qui a très souvent proposé des artworks de grande
classe – en a rebuté plus d’un, Dharma préférant
d’ailleurs botter en touche à ce propos. Ce qui,
finalement, en dit bien plus que de longs discours…
Buck Dharma : Celle qui représente un homme au visage
monstrueux est la pochette originale américaine mais,
pour je ne sais quelle raison, SPV a préféré opter pour
un dessin moins repoussant pour le marché européen,
ce qui ne me gêne pas outre-mesure (Ndlr : certains
exemplaires européens ont néanmoins eu droit au
visuel US. Beurk !). Pour moi, la pochette d’un disque
n’a que très peu d’importance. C’est la musique qui
compte avant tout.
Certes, mais cet artwork raté, combiné au triste
souvenir de Club Ninja, a clairement enfoncé un
Blue Öyster Cult qui, en 1998, n’avait clairement
pas besoin de ça pour « passer à côté » en dépit
des qualités intrinsèques de ses morceaux.
Buck Dharma : Je crois que Heaven Forbid donne
une image précise et fidèle de ce qu’est le groupe
aujourd’hui, en 1998. C’est-à-dire un disque
contemporain duquel se dégage également une
intégrité identique à celle de nos premiers albums.
Rien de plus vrai, Buck. Voilà pourquoi cet album,
plus que recommandable, mérite bien mieux que les
geôles de l’oubli dans lesquelles il semble aujourd’hui
enfermé à vie, tel un vilain souvenir dont on tente à
tout prix de se débarrasser. Vingt ans après
sa sortie, il ne bénéficie d’aucune réédition,
contrairement à l’immense majorité de ses
grands frères, ne totalisant pourtant, sur
YouTube et en version « full album », que
5.000 vues à peine pour… 14 commentaires.
Comme s’il n’existait pas… Rayé des tablettes.
Une honte… Comme disait l’immense Pierre
Dac : « Quand on voit ce qu’on voit, qu’on
entend ce qu’on entend, et qu’on sait ce qu’on
sait, on a raison de penser ce qu’on pense ». Achetez-le
d’occase, copiez-le, volez-le, mais écoutez-le ! Y
Track-listing de l’album original :
1/ See You In Black - 2/ Harvest Moon - 3/ Power
Underneath Despair - 4/ X-Ray Eyes - 5/ Hammer Back -
6/ Damaged - 7/ Cold Grey Light Of Dawn - 8/ Real
World - 9/ Live For Me - 10/ Still Burnin’ - 11/ In Thee
Producteur :
Buck Dharma (trois titres par Buck Dharma, Eric Bloom
et Steve Schenck)
Line-up d’époque :
Eric Bloom (chant, guitare, claviers) – Buck Dharma
(chant, guitare, claviers) – Allen Lanier (guitare, claviers) –
Danny Miranda (basse) – Chuck Burgi (batterie) – Bobby
Rondinelli (batterie sur « Live For Me ») – Jon Rogers
(basse sur « Harvest Moon », « Power Underneath
Despair » et « Still Burnin’ »).
 Propos recueillis : Guillaume Fleury
Photo : DR
Entretien téléphonique réalisé le 14 novembre 2018
Chaque mois, un musicien évoque
les dix albums qui ont changé sa vie,
ses « Dix Commandements ». Ce mois-
ci, c’est Jon Schaffer qui s’y colle (oui,
il y a bien un Maiden dans sa liste).
1. KISS – Alive (1975)
Jon Schaffer : L’album qui m’a
ouvert la voie. Je connaissais déjà
Kiss car ma sœur, de cinq ans
plus âgée que moi, en écoutait
déjà. Mais celui-ci dévoile une
électricité, une énergie, qui ont
changé ma vie. J’étais un immense fan d’Ace
Frehley (guitare) au départ, raison pour
laquelle je joue toujours sur un modèle de
guitare Les Paul, mais l’attitude scénique et
la personnalité de Gene Simmons (basse) en
ont ensuite fait mon favori.
2. BLACK SABBATH – Black
Sabbath (1970)
Je les ai connus avant Kiss,
probablement vers l’âge de trois
ans, toujours grâce à ma grande
sœur, qui m’a également initié à
Alice Cooper, Deep Purple et
Led Zeppelin. Black Sabbath était si sombre !
Même la pochette est flippante. Et puis, le
morceau-titre est juste parfait : seulement
trois cordes pour définir ce qu’est le heavy
metal, et un riff final excellent. Un son étrange
et noir créé par un groupe qui fut probablement
le tout premier de son genre. Ce disque
renferme d’autres classiques comme « N.I.B »
et « The Wizard ».
3. ALICE COOPER – Killer (1971)
J’aime beaucoup Love It To Death (1971), mais
Killer reste mon favori avec des titres comme
« Killer », « Halo Of Flies »,
« Dead Babies ». Il y a une grosse
différence entre ses premiers
albums et ce qu’il est devenu
après Welcome To My Nightmare
(1975). Je préfère l’original,
avant qu’il ne s’entoure d’autres
compositeurs et ne perde, selon
moi, la magie des débuts. Il y a, sur cet
album, des choses très sombres, théâtrales et
plutôt épiques. Si tu mets de côté les sonorités
psychédéliques d’un titre comme « Halo Of
Flies », tu sens que tu aurais pu en faire une
très bonne chanson d’Iron Maiden des années
avant sa naissance !
4. RUSH – 2112 (1976)
Les rares éléments de prog
contenus dans Iced Earth
viennent probablement de ma
passion pour Rush. Cet album
est fantastique, tant du point de
vue conceptuel que du côté
purement musical. J’ai enfin pu
les voir sur scène à l’occasion de leur tournée
d’adieu, il y a deux ans, et ce fut vraiment
bon. Jusque-là, je les avais loupés chaque fois
qu’ils passaient par chez moi ! (rires)
5. AC/DC – Highway To Hell (1979)
Difficile de n’en retenir qu’un car je les aime
tous jusqu’à For Those About To Rock (We
Salute You) (1981) inclus. Mais ce
disque me renvoie à une période de
ma jeunesse qui m’est chère. Il n’y
aura jamais meilleur groupe de rock
qu’AC/DC. Certains essaieront de
faire mieux, mais échoueront car ces
mecs étaient en total état de grâce.
Malcolm Young était l’un de mes
héros, pour son sens du riff, son style, sa façon de
gérer son groupe.
6. PINK FLOYD – The Wall (1979)
J’aime Dark Side Of The Moon (1973),
Animals (1977) et Wish You Were Here
(1975), mais celui-ci est le fruit d’une
écriture musicale et textuelle vraiment
spectaculaire. Roger Waters (basse,
chant) est l’un des artistes qui m’a le
plus inspiré. Il figure dans mon Top 3
avec Steve Harris et Tony Iommi. Waters est un dieu
en termes d’écriture, d’habileté technique. Un
visionnaire. Et cet album est le pinacle de sa carrière.
7. IRON MAIDEN – The Number Of
The Beast (1982)
Iron Maiden, avec ses changements
de tempo, ses mélodies et ses textes,
a porté le heavy metal vers un niveau
supérieur. Tu peux entendre les
influences de Thin Lizzy, Wishbone
Ash et UFO dans sa musique, mais ce
que Steve Harris (basse) en a fait est une putain de
tuerie. Il te suffit de fermer les yeux en écoutant Maiden
pour partir en voyage ! La découverte de cet album
fut une véritable révélation et a orienté la direction
musicale que je souhaitais pour mon propre groupe !
8. JUDAS PRIEST – Defenders Of
The Faith (1984)
Je les avais vus avec Kiss en 1979,
sur la tournée Hell Bent For Leather.
J’avais trouvé ça cool, mais pas extra-
ordinaire, de même que l’album,
acheté le lendemain. Il a fallu attendre
Screaming For Vengeance (1982), et
plus encore cet album, pour que je me prenne une
claque. Ces deux disques sont l’apogée du groupe,
selon moi.
9. METALLICA – Ride The Lightning (1984)
Ils ont changé la face du monde
musical avec leur agressivité et leur
colère, sans jamais délaisser la
mélodie. Leur passion a à jamais
foutu le feu au monde du heavy metal.
C’est le plus grand groupe du genre et
il le restera. Personne ne fera mieux
niveau ampleur, et pas seulement
parce que le business a radicalement changé !
C’était si organique ! Leur énorme travail leur a
permis de forcer un système qui les boudait à
s’intéresser à eux. C’est assez incroyable !
10. OZZY OSBOURNE – Diary Of A
Madman (1981)
J’ai eu pas moins de trois copies de
ce vinyle car je l’abîmais à force de
l’écouter. Randy Rhoads est l’un de
mes guitaristes favoris. Il est si tragique
qu’il soit mort avant d’avoir pu exprimer
son plein potentiel. J’ai adoré l’album
Blizzard Of Ozz sorti en 1980, mais celui-ci... J’adore
les choses plus sombres, et ce disque est plus sinistre
et noir que son prédécesseur. Et le riff de son morceau-
titre est l’un des meilleurs de tous les temps. Y
9
 Le Monde… du Metal
LE CHIFFRE CONCOURS POP EVIL WANTS YOU !
18ème ANNÉE - N°193 100% INDÉPENDANT PHOTOS : M.VILLALONGA

80.000
40.000 : c’est le nombre de places que
C’est là, à compter du 3 décembre 2018 et jusqu’au
10 janvier 2019, que vous pourrez déposer deux
de vos compostions (format MP3 ou Wav), ainsi
contient, en configuration concert, la qu’une vidéo d’une de vos chansons jouée live
Paris La Défense Arena (ex-U Arena) (en concert ou en studio), une mini bio et des
de Nanterre située aux portes de la photos. Vos enregistrements seront soumis à un
Capitale. Puisque Rammstein s’y
jury (composé de membres des équipes de  Rock
produira les 28 et 29 juin prochain à
Hard, MyRock,  Oui FM, Deezer, Radio Metal,
guichets fermés, le groupe allemand
devrait donc jouer devant un total de
Gérard Drouot Productions et Replica Promotion)
80.000 spectateurs. Nicht schlecht ! qui sélectionnera trois «  finalistes  ». Ces derniers
Profitons-en pour préciser que le seront soumis aux musiciens de  Pop Evil  qui
nouvel album du combo, que la choisiront eux-mêmes le gagnant qui jouera
rumeur annonce mixé par Rich trente minutes en ouverture de leur concert au
Costey (Muse, RATM), devrait Trabendo. Le nom du groupe sélectionné sera
sortir juste avant cette tournée, au annoncé le  20 janvier 2019. En plus de cette
printemps. première partie d’un groupe international, celui-ci
pourra bénéficier d’une exposition (news et live-
report) dans les magazines Rock Hard et MyRock,
Mercredi 20 février 2019, les Américains de  Pop Evil ainsi que sur le site radiometal.com et les réseaux sociaux
LA PHRASE DU MOIS
DR

• « Je n’ai pas été surprise. Chris
faisait toujours de l’humour noir
à propos de sa solitude dans les
chambres d’hôtel. ‘La seule chose
qui manque est une corde de
seront en concert à Paris, au Trabendo. A cette occasion,
le groupe du Michigan a décidé de lancer un concours
afin d’offrir sa première partie à un groupe français. Si vous
êtes musiciens, membres d’un groupe «  indépendant  »
n’ayant pas plus d’un album « autoproduit » à son actif,
rendez-vous sur le site www.replica-promotion.fr/pop-evil
de Pop Evil. Et ce n’est pas tout : l’une de ses chansons
figurera sur le CD sampler de Rock Hard et sur diffé-
rentes playlists Deezer  et  MyRock. Ce titre sera aussi
programmé sur  les web-radios  Bring The Noise
et  Alternatif  de  Oui FM, ainsi que sur  Radio Metal.
Bonne chance à tous !

HELLFEST LES PREMIERS NOMS ET UNE SURPRISE !

potence’, disait-il »
(Ann Wilson de Heart interviewée
par Rolling Stone au sujet du suicide
FESTIVALS
de son ami Chris Cornell. Ce dernier
lui avait confié que vivre sur la
route était « trop fatiguant, trop
dur et trop impersonnel »)
Ça y est ! L’attente est enfin terminée. Le Hellfest a en
effet communiqué les 49 premiers noms de groupes
figurant à l’affiche de son édition 2019. Parmi les têtes
d’affiche, on note la présence annoncée de Dropkick
Murphys, Manowar, Gojira, Def Leppard, Kiss, ZZ
Top, Slayer, Tool et Lynyrd Skynyrd. Pour un aperçu
bien plus complet, merci de jeter un œil sur l’affiche
du festival placée en page 91 de ce numéro, sachant
que plus de cent groupes supplémentaires la rejoindront
sous peu. Surprise de taille : le jeudi 20 juin 2019 (la
veille du Hellfest qui se tiendra les 21, 22 et 23 juin),
le Knot Fest viendra poser ses flightcases sur le site de
Clisson en ouverture du Hellfest !!! Au menu de cette
journée exceptionnelle, Slipknot et pas moins de neuf
autres groupes  : Sabaton, Papa Roach, Ministry,
Behemoth, Rob Zombie, Sick Of It All, Amaranthe,
Powerwolf et Amon Amarth  ! Toutes les infos de la
bouche de Ben Barbaud, patron du Hellfest, en pages
14 et 15.
DR

NOUVELLES DU FRONT
A cause de problèmes de
« production », Resist,
nouvel album de Within
Temptation initialement
attendu le 14 décembre,
sortira finalement le 1er
février prochain. Anders
Fridén (In Flames) ou encore
Jacoby Shaddix (Papa Roach) sont tous deux
invités sur ce disque. 6 C’est le 16 janvier
prochain, au Forum de Los Angeles, qu’aura
lieu I Am The Highway, un concert hommage
caritatif organisé à la mémoire
de Chris Cornell. Les membres
des groupes dont a fait
partie le chanteur que sont
Soundgarden, Audioslave et
Temple Of The Dog seront
rejoints par Metallica, les Foo
Fighters, Ryan Adams et des
invités surprises. Les bénéfices
de cette soirée seront reversés
à la recherche contre l’épider-
molyse bulleuse dystrophique,
une maladie génétique derma-
tologique rare. 6 Le sixième
opus de Rival Sons se nomme
Feral Roots. Il verra le jour dès le 25 janvier
chez Low Country Sound, une filiale de
Warner dirigée par Dave Cobb, producteur
de longue date du groupe. 6 Liam Anderson,
le plus jeune fils d’Angry
Anderson, frontman de Rose
Tattoo, est décédé le 4
novembre en Australie après
une altercation avec une
connaissance. Âgé de 26
ans, Liam était un rappeur
qui se produisait sous le nom
de Ranford Bigsby. Nos pensées vont à
Angry Anderson et aux proches de Liam. 6
Le nouveau Dream Theater verra le jour le
22 février prochain. Il s’agit
du premier opus du combo
metal prog publié chez
Inside Out/Sony Music.
Précisons au passage que
Dream Theater interprétera
Metropolis Pt. 2 : Scenes
From A Memory (1999) en
entier sur sa prochaine tournée. Voilà qui
devrait davantage plaire que l’intégralité de
The Astonishing (2016). 6 Le 25 janvier
sortira Songs For The Dead Live, DVD live de
King Diamond. Deux concerts, filmés à
Philadephie en 2015 et au Graspop en 2016,
vous permettront notamment de voir et

10
 DOWNLOAD FRANCE
FESTIVALS

PAS D’EDITION 2019, RETOUR EN 2020…

© F. Blanc
Nous le pressentions depuis plusieurs mois, mais c’est aujourd’hui confirmé :
en dépit de ce qui avait été suggéré à l’issue de l’édition 2018, le Download
français n’aura pas lieu en 2019. C’est ce qu’a officiellement annoncé l’orga-
nisateur Live Nation le 19 novembre dernier, et cela, à vrai dire, ne nous
surprend pas au regard de l’affluence décevante de l’an passé (Cf. RH190).
Extraits de ce communiqué de presse :
« Le Download Festival reviendra en 2020 sur la Base 217. L’agglomération
Cœur d’Essonne et Live Nation France ont décidé d’un commun accord de
reporter à l’été 2020 la prochaine édition du Download Festival. L’année
2019 sera utile pour réfléchir à une formule plus en adéquation avec les
nouvelles aspirations du public et mieux adaptée aux nouvelles inspirations
du site : plus vert, plus local, plus responsable… Dans le même esprit qui
© Morgan Rivalin

anime l’Agglomération pour le développement de sa Base et de son territoire,

Live Nation désire revoir la formule du Download afin de multiplier des
partenariats avec les acteurs locaux et proposer davantage d’animations
liées au territoire ; de l’autre, l’agglomération va pouvoir poursuivre
l’aménagement de cette ancienne base militaire, la plus grande réserve
foncière du sud francilien, qui attire déjà de nombreuses entreprises et
événements grand public. «  Nous avons besoin de temps pour développer
davantage l’événement, explique Angelo Gopee, directeur général de Live
Nation France. Les deux premières éditions ont été un succès, mais nous
avons le sentiment que nous pouvons faire mieux et plus, en remettant le
territoire au cœur du festival, à commencer par les nombreux acteurs du
territoire » (…) « Nous aurons à cœur de proposer aussi bien tout en étant
plus inventifs sur la forme artistique, plus attentifs aux talents locaux, encore
plus respectueux de l’environnement et plus collaboratif avec les acteurs
du territoire » assure Armel Campagna, directeur du festival. (…)
L’agglomération Cœur d’Essonne et Live Nation France ont commencé à
travailler à ce nouveau format. Ils donnent rendez-vous aux festivaliers dès
mars 2019 pour une annonce des dates de l’événement, une partie de la
programmation et proposeront un Download innovant ».
A suivre, donc…

d’entendre le classique Abigail dates. 6 Son guitariste Karl Logan étant

(1987) joué en entier. 6 Who Do
You Trust ?, le nouvel album de
Papa Roach, est attendu dès le
18 janvier. Plus d’infos bientôt !
6 Shakin’ Street annonce un
concert à New York en décem-
bre et une tournée française
de pas moins de 14 dates en
janvier. Les fans y retrouveront
Fabienne Shine, mais aussi
Ross The Boss (ex-Manowar) et
Norbert « Nono » Krief, guita-
riste de Trust qui sera présent
sur une grande majorité de ces
poursuivi aux Etats-Unis pour corruption de
mineur et détention d’images pédoporno-
graphiques, Manowar se produira sans lui
l’été prochain. Ce sera donc un autre
guitariste qui foulera les planches avec
le groupe au Hellfest. Karl Logan a été
libéré sous caution après le
paiement d’un montant de
35.000 dollars. 6 Flesh &
Blood, le treizième album
studio de Whitesnake, doit
voir le jour au mois de
mai. 6 The Night Flight
Orchestra, H.E.A.T., Tokyo
 LA PLAYLIST DES PROS
BILLY GRAZIADEI (BILLYBIO)
1. BAD BRAINS – Rock For Light
2. MINOR THREAT – Out Of Step
ROCK HARD IL Y A 10 ANS...
« L’idée qu’un fan désaxé pourrait se mettre
(par Philippe Lageat)
le groupe en profitant pour dévoiler quelques
à vouloir me tuer, parce qu’en volant la clichés d’époque retrouvés dans ses archives.
3. AGNOSTIC FRONT – Victim In Pain

place de Slash j’empêchais la reformation du Les deux concerts que Slipknot, accompagné
4. CRO-MAGS – Age Of Quarrel

line-up original, m’a vite traversé l’esprit ! ». de Machine Head, a donnés au Zénith de
5. BLACK SABBATH – Black Sabbath

C’est Ron « Bumblefoot » Thal, alors guita- Paris et le show de la Unholy Alliance III
riste de Guns N’ Roses qui se livre ainsi à (réunissant Slayer, Trivium, Amon Amarth et
GRIFFIN DICKINSON (SHVPES)
l’occasion d’une interview-fleuve consacrée Mastodon) sont deux des multiples live-reports
1. GHOSTEMAN – N/O/I/S/E

à ce Chinese Democracy attendu depuis près au menu. Mais le papier « hors normes » du
2. ARCHITECTS – Holy Hell

de quinze ans (!) et qui sort enfin. Slash, Duff mois est le fruit d’une rencontre au sommet
3. CYPRESS HILL – Elephants On Acid

McKagan et Axl Rose s’étant rabibochés en mettant en scène deux grands Suisses : Tom
4. BOSTON MANOR – Welcome To The Neighbourhood

2015, on en conclut que Ron ne se retourne Gabriel Warrior, le leader de Celtic Frost, et
5. SLOWTHAI – Runt

plus dans la rue et dort aujourd’hui sur ses HR Giger, plasticien, graphiste, illustrateur
RICHARD Z. KRUSPE
deux oreilles. Un bonheur n’arrivant jamais et sculpteur de génie à qui l’on doit, entre
(EMIGRATE)
seul, nous interviewons un Extreme reformé, autres, la créature du film Alien et de superbes
1. BRING ME THE HORIZON – That's The Spirit

quelques heures avant un concert à L’Elysée pochettes de disques (Magma, Dead Kennedys,
2. GRETA VAN FLEET – From The Fires

Montmartre (Paris) marquant son grand Carcass, ELP, Celtic Frost, etc.). Giger étant
3. LANA DEL REY – Lust For Life

retour sur les planches après un hiatus de hélas décédé en 2014, cet entretien dans
4. RADIOHEAD – A Moon Shaped Pool

treize années (!). Ce Rock Hard #83 est lequel il se dévoile comme rarement n’en a
5. DEPECHE MODE – Spirit

décidément un numéro « retrouvailles » car aujourd’hui que plus de valeur. Merci à lui !
nous profitons de leur future présence à l’affiche
FRED (ACOD)

du Paris Metal France Festival III pour Top Albums de la Rédaction RH83 :
1. SAMAEL – Ceremony Of Opposites

célébrer Squealer et Attentat Rock, mais • BLACK TIDE – Light From Above
2. AT THE GATES – Slaughter Of The Soul
3. DARK FUNERAL – The Secrets Of The Black Arts

aussi le Shakin’ Street de l’adorable (M. Rivalin)

4. CRADLE OF FILTH – The Principle Of Evil Made Flesh

Fabienne Shine qui, curieux hasard, vient Parmi les autres interviewés au sommaire • THE BOTTLE DOOM LAZY BAND –
5. MANOWAR – The Triumph Of Steel

d’annoncer son intention de donner plusieurs
concerts dans l’Hexagone en 2019 (Cf.
JÉRÔME (ACOD)
Agenda). Cinq ans après ses shows en clubs
1. DEICIDE – Overtures Of Blasphemy
figurent Sister Sin, Lacuna Coil, Axel Rudi Blood For The Bloodking (B. Bages)
Pell, Mastodon, Taake, Black Rain, Outlaw • FROST* - Experiments In Mass Appeal
Order, Jimi Jamison, Karelia, Mudvayne et (S. Auzilleau)

ou en ouverture des Stones, nous retrouvons Lofofora (Reuno comparant Sarko à «  un • GUNS N’ ROSES – Chinese Democracy
2. VITAL REMAINS – Dechristianize

par ailleurs AC/DC à Wilkes Barre où nous croisement entre Bob l’Eponge et David (P. Lageat)
3. IRON MAIDEN – Powerslave

assistons, en compagnie de quelques Copperfield  » !). N’oublions pas SUP, dont • TAAKE – Taake (I. Le Maguet)
4. BURZUM – Hvis Lyset Tar Oss

gagnants de concours, à la Final Dress Ludovic Loez retrace l’improbable carrière à • VIKING SKULL – Doom, Gloom,
5. ULVER – The Assassination Of Julius Caesar

Rehearsal du Black Ice Tour qui s’annonce. l’occasion de la sortie de l’album Hegemony, Heartache And Whiskey (L. Reymond)

LES INSOLITES DU WEB

MEM VON STEIN
(SKULL PIT/EXUMER)
1. TORTURE RACK – Malefic Humiliation
2. UNCLE ACID AND THE DEADBEATS – Wasteland
3. GOBLIN – Profundo Rosso
INTERNET

Envoyez-nous vos liens à l’adresse insolites@rockhard.fr !

4. GARY MOORE – Rockin’ Every Night
5. HIGH ON FIRE – Electric Messiah

• « - Papa ? Pourquoi est-ce que le monsieur bizarre arrose la route avec son jet
LEO LEONI (GOTTHARD)

d’eau... ? » « - Cherche pas fiston : les gars du Hellfest ont sans doute fumé la
1. LED ZEPPELIN – The Song Remains The Same

pelouse de la Warzone, mais ils ont réalisé un incroyable court métrage ! » Gare
2. THE BEATLES – Let It Be

aux envahisseurs : une fois de plus, la vérité est ailleurs… A Clisson !

3. JOE BONAMASSA – Redemption

http://bit.ly/hellfest2019
4. DEF LEPPARD – Pyromania
5. GARY MOORE – Still Got The Blues

• Matt Heafy et sa femme s’apprêtant à accueillir

des jumeaux, le chanteur/guitariste de Trivium a
MAGNUS BORMARK (22)

dû rentrer au bercail en pleine tournée américaine.

1. ANDREAS AASE – Eon
2. EVERYTHING EVERYTHING– A Fever Dream

Il a été remplacé au pied levé par Brandon Saller (Atreyu), Howard Jones (Light
3. LEPROUS – Malina

The Torch, ex-KSE) ou encore Johannes Eckerström (Avatar).

4. AGENT FRESCO – Destrier

http://bit.ly/trivium-inwaves
5. FIRST AID KIT – Ruins

• Afin de rendre hommage à leur ami Vinnie

JOHN GARCIA

Paul décédé en juin dernier, des membres de Korn, Godsmack, Deftones et

(BAND OF GOLD)

Sevendust ont profité du festival californien Aftershock pour interpréter des titres
1. THE CULT – Love

de Pantera, dont l’incontournable « Walk ». http://bit.ly/vinnie-walk

2. THE CULT – Electric
3. DANZIG – Danzig

• « Malcolm a toujours été mon héros, depuis

4. MONSTER MAGNET – Spine Of God

le premier jour  » : ainsi débute cette vidéo

5. QUEEN – News Of The World

(réservée à ceux d’entre vous qui parlent

anglais) au cours de laquelle Scott Ian
JAKE DREYER
(WITHERFALL)

d’Anthrax déclare et prouve sa passion pour le

1. QUEEN – Queen II

jeu du regretté Malcolm Young, le guitariste qui

2. KING DIAMOND – Them

dans l’ombre, était LE patron d’AC/DC.

3. YNGWIE MALMSTEEN – Rising Force
4. LED ZEPPELIN – Houses Of The Holy

http://bit.ly/scottmal
5. KING’S X – Dogman

• Quand « acoustique » rime avec « historique ». A l’occasion de sa croisière KISS

Kruise, le Bisou a livré des concerts très spéciaux pour les fans présents à bord.
CONNY BLOOM

L’un d’eux leur a permis d’assister à un set donné en compagnie de Bruce Kulick,
(ELECTRIC BOYS)
1. THE UNDISPUTED TRUTH – Higher Than High

mais aussi (surtout) du premier guitariste de Kiss : Ace Frehley.

2. THE BEATLES – Revolver

http://bit.ly/kiss-ace
3. JIMI HENDRIX – Are You Experienced ?
4. BLACK SABBATH – Black Sabbath
5. CAPTAIN BEYOND – Captain Beyond

Blade, Electric Boys et Zodiac, de retour
après une pause de près de deux ans, sont les
premiers noms confirmés par le Raismes Fest.
Le célèbre festival des Hauts-de-France se
tiendra les 14 et 15 septembre 2019. 6 Avis
aux collectionneurs : à
l’occasion du Black Friday,
A Perfect Circle a publié un
vinyle constitué du single
« So Long, And Thanks For
All The Fish » et d’une
reprise, enregistrée en
studio, du « Dog Eat Dog »
d’AC/DC. Ce titre avait notamment été
interprété lors du concert donné par le
groupe au Hellfest, le 22 juin dernier. 6 Alma
Mater Records, label géré par Fernando
Ribeiro de Moonspell, sortira une réédition
vinyle de Clouds (1992) de
Tiamat le 22 février prochain.
Seulement 500 exemplaires
seront disponibles. 6 Covered
In Blood est le titre de la com-
pilation de reprises que Arch
Enemy publiera le 18 janvier.
Au programme, pas moins de
24 titres sélectionnés par Michael Amott
himself rendant hommage à Iron Maiden,
Megadeth, Europe, Judas Priest, Carcass,
Scorpions, Pretty Maids, Mike Oldfield, etc. 6
John O’Daniel, chanteur originel du légendaire
groupe sudiste Point Blank, est décédé le 17
novembre des suites d’un cancer. R.I.P. 6 Son
batteur Jeremy Spencer étant immobilisé
suite à une nouvelle opération du dos, Five
Finger Death Punch a actuellement recours
aux services de Charlie Engen, batteur du
groupe texan de metal prog instrumental
Scale The Summit. 6 Terminons en beauté
avec cette information du
journal Le Parisien : la
chanteuse Zaz aurait enre-
gistré un duo avec... Till
Lindemann. Le frontman
de Rammstein, qui serait
fan de notre compatriote,
l’aurait invitée avec son
pianiste dans sa loge à un
concert de son groupe. « C’était surréaliste
de le voir danser sur ‘Je Veux’ ! », a confié
Zaz. Ah ça, pour être surréaliste, ça devait
l’être, chère Zaz !!! 6

12
 L’OEIL DE VERRE
Rob Halford, Londres (UK), le 1er
juin 2000
Rob Halford étant soucieux de son
image, il ne donne pas de session-
photos au hasard et, surtout, met tout
en œuvre pour que lesdites sessions
soient réussies. Alors, ce 1er juin, ce fut
pour moi « open bar » : son manager
ayant réservé un studio, j’ai pu utiliser
tout le matériel mis à disposition :
flashs, fonds, etc. C’en était presque
stressant car la plupart de mes sessions
se font à « l’arrache » : peu de temps,
lieux imposés… Et là, tout l’inverse : 45
minutes de photos dans des conditions
optimales. Je me suis presque senti ce
jour-là être un « vrai » photographe.

Tous les mois, une photo « plein pot » extraite des archives de Marc Villalonga et commentée par le photographe himself…

Propos recueillis par Philippe Lageat
Interview réalisée le 22 novembre 2018
Photo : Paul Pascal
Surprise, surprise ! Le Hellfest, censé se tenir à Clisson du 21
au 23 juin 2019, vient d’annoncer qu’il accueillera le Knot Fest
de Slipknot sur ses terres le jeudi 20 juin à l’occasion d’une
quatrième journée qui ouvrira les réjouissances ! Au menu de
cette dernière, dix groupes sur les deux scènes principales du
site. Ben Barbaud, le boss du festival, nous a tout dit, en
exclusivité et en avant-première, sur cette rencontre au sommet,
Knot Fest meets Hellfest, qui s’annonce d’ores et déjà historique.
Rock Hard : Pourquoi avez-vous décidé d’accueillir le Knot Fest cette année ?
Ben Barbaud : Pour être tout à fait honnête, il s’agit plus d’un concours de circonstances que
d’une réelle volonté. Pour la première fois de notre histoire, et ce, avant même que le
Hellfest 2018 ne se déroule, nous connaissions déjà nos principales têtes d’affiche pour l’édition
2019 : Manowar, Kiss et Tool. Ces trois groupes avaient déjà reçu leur offre. Manowar a
accepté très vite, ce qui nous a permis de pouvoir l’annoncer en clôture de l’édition 2018.
Concernant les deux autres, nous avions la certitude que cela allait se confirmer. Puis, lors
d’un déjeuner avec Cory Brennan, le manager de Slipknot, ce dernier m’a confié que le groupe
souhaitait revenir chez nous en 2019. Ayant déjà nos têtes d’affiche, nous ne pouvions que
proposer à Slipknot « d’ouvrir » pour l’une d’entre elles. Cette option a rapidement été
refusée par le groupe, ce qui est compréhensible au regard de sa notoriété. Nous avons
donc envisagé l’idée d’ajouter une quatrième journée au festival, mais nous nous sommes vite
rendu compte que l’opération n’allait pas être rentable. C’est alors qu’ils nous ont proposé
d’organiser le Knot Fest en co-production avec eux afin de limiter les risques financiers.
Nous avons longuement hésité, de peur que les fans du Hellfest ne comprennent pas ce « 2
festivals en 1 », et puis, nous nous sommes dit qu’il était impossible de ne pas offrir à ces
derniers l’opportunité de voir ou revoir cet artiste. Manowar et Kiss répondent aux attentes
d’une partie de notre public, Tool à une autre, mais nous savions que l’absence de Slipknot
allait en décevoir une troisième frange. Le Hellfest a la chance d’avoir un public de fans
composé de générations très différentes. Ayant à cœur d’essayer de contenter le maximum
de festivaliers, nous ne pouvions pas laisser Slipknot aller faire son Knot Fest ailleurs que
chez nous. L’avenir nous dira si ce fut une bonne idée.
Le Knot Fest a été créé en 2012. Pourquoi, selon toi, lui a-t-il fallu autant de temps avant
de tenter de s’implanter en Europe ?
A contrario de l’Amérique, l’Europe est déjà pourvue d’innombrables festivals de renom
ayant une histoire très forte et un public fidèle. Implanter une « grosse machine » n’est pas
chose aisée car l’économie et la concurrence des festivals européens se sont durcies.
Aujourd’hui, il est devenu impossible d’arriver sur un nouveau terrain avec un nouveau festival
et de vendre 60.000 tickets, même avec Metallica en tête d’affiche. Il faut du temps pour
fidéliser les fans et pour implanter une marque. Il nous a fallu plus de dix ans pour être
légitime aux yeux des fans. Or, souvent, ces festivals itinérants déboulent directement avec
la grosse artillerie, en pensant que le simple nom de leurs têtes d’affiche va leur assurer de
vendre des camions entiers de billets. Malheureusement, on ne gère pas le succès d’un
festival comme celui d’un concert en stade. Cory Brennan avait parfaitement conscience de
ces problématiques et n’a pas voulu se précipiter afin de ne pas se prendre un « four ». On
ne va pas se mentir : si Slipknot et lui ont décidé de s’adosser à notre événement, c’est dans
l’espoir « d’accrocher » les festivaliers du Hellfest car il y a fort à parier que ce sont eux qui
vont, les premiers, se jeter sur la billetterie. A leur place, j’aurais fait la même chose ! (rires)
Est-ce un événement censé se reproduire chaque année désormais ou s’agit-il d’un « one
shot » ?
Nous accueillons avec grand plaisir le Knot Fest cette année car nous le voyons comme une
belle opportunité pour ceux parmi nos festivaliers qui souhaitent y assister. Mais il s’agit
d’un « one shot » pour nous et nous l’avons clairement dit. Nous n’avons pas l’intention de
reproduire ce « 2 festivals en 1 » chaque année car cela n’aurait aucun sens. Le Hellfest a sa
propre identité, ses propres codes, son propre public. Tout mélanger serait prendre le risque
de perdre ce que nous avons mis quinze ans à construire !
Ne crains-tu pas que le public confonde les deux événements ? Autrement dit, le Knot Fest
fait-il partie intégrante du Hellfest 2019, ou est-ce un événement à part qui n’a de point
commun avec le Hellfest que celui d’avoir lieu au même endroit ?
Bien sûr, je peux comprendre que cette association de deux événements ayant lieu au même
endroit et à la suite puisse être déroutant pour plus d’un festivalier. Encore une fois, je ne
détiens pas la vérité. Nous avons pris cette décision en pensant qu’il s’agissait là d’une belle
opportunité à soumettre à nos fans. Nous n’imposons rien, c’est à prendre ou à laisser. Si
nous n’avions pas eu Slipknot cette année, certains festivaliers auraient hurlé. Avec cette
formule, les fans pourront, s’ils le souhaitent, assister à cette quatrième journée, et ceux qui
ne sont pas intéressés par les groupes du Knot Fest ne changeront rien à leurs habitudes en
allant faire la fête sur le camping le jeudi.
14
Sais-tu où le Knot Fest se produira par ailleurs en Europe ?
Le Hellfest sera le seul événement européen à accueillir le Knot Fest en 2019. Les mecs de
Slipknot ont évidemment envie que cette soirée conjointe avec notre festival puisse leur per-
mettre de faire connaître le leur et leur ouvre divers champs de possibilités pour le futur. En
France ? En Angleterre ? En Allemagne ? Ça, je n’en sais rien, il faudra leur poser la ques-
tion !
Combien coûtera l’entrée au Knot Fest ?
Ça, c’est le Clown (Shawn Crahan) qui a décidé ! 66,6€, frais de location inclus. Nous avons
bien conscience qu’additionné au prix du pass 3 jours Hellfest, cela représente une somme
importante. Mais si l’on compare ce tarif avec ceux du concert en solo que Slipknot va
donner aux Arènes de Nîmes (de 45 à 80€ selon le placement), la somme de 66,6€ est plus
que raisonnable. Surtout au regard des neuf autres groupes qui accompagneront Slipknot à
Clisson…
Justement, venons-en à l’affiche de cette journée du jeudi. Il semblerait que les
groupes annoncés au Knot Fest soient divisés entre « scène US » et « scène Europe ». Peux-
tu confirmer ?
Oui, c’est une idée qui vient des mecs de Slipknot. Pour la première édition européenne du
Knot Fest, ils ont trouvé cool l’idée de proposer une Mainstage 1 « US » avec Slipknot, Rob
Zombie, Papa Roach, Ministry et Sick Of It All, et une Mainstage 2 « EU » avec Sabaton,
Amon Amarth, Powerwolf, Behemoth et Amaranthe. Je trouve moi aussi cette idée sympa.
C’est avec ce petits genre de détails et d’attentions qu’on fidélise des fans !
Avez-vous décidé de l’affiche en accord avec Slipknot et son management, ou s’agit-il
uniquement d’un choix de ces derniers ?
Je ne vais pas mentir, ce sont eux qui ont choisi, mais il leur a fallu jongler avec mes envies
vis-à-vis du Hellfest. Je n’allais pas non plus leur laisser tous les bons groupes, haha ! Bref,
Corey Taylor, le chanteur de Slipknot, et Shawn m’ont soumis une belle et grande liste, et
moi, ensuite, je leur ai dit : « Ha, ça, c’est déjà au Hellfest ! » ou alors « Ok, partons là-
dessus ! ». Ça s’est vraiment fait dans la bonne humeur et le respect de chacun. A aucun
moment, ils ne m’ont imposé quoi que ce soit. J’avais un peu peur qu’ils ne pensent qu’à
leurs propres intérêts et leur événement, mais ça n’a pas été le cas : ils se sont vraiment
montrés respectueux de notre travail et du Hellfest.
Quand les billets seront-ils mis en vente ?
Le 7 décembre prochain, sur www.knotfestfrance.com !
Quelle sera la jauge maximale pour cette journée ?
Seules les deux scènes principales seront ouvertes, les autres scènes étant inaccessibles pour
le public. La jauge à donc été réduite à 40.000 personnes (au lieu des 60.000 présentes au
Hellfest) afin de garantir un certain confort aux festivaliers qui seront présents. Il n’y aura
donc pas de places pour tous ceux qui sont déjà en possession d’un pass 3 jours pour le
Hellfest… On va encore se faire engueuler ! (rires)
Peux-tu expliquer à nos lecteurs, et aux festivaliers du Hellfest, comment cette journée
spéciale va se dérouler en termes d’organisation ?
Comme à son habitude, le festival ouvrira ses portes le jeudi (20 juin). L’horaire d’ouverture
sera cependant avancé à 10h00 au lieu de 14h00 afin qu’un maximum de personnes puisse
avoir le temps de se préparer pour l’ouverture des portes du Knot Fest à 16h00. Comme je
te le disais, les deux Mainstages accueilleront les dix groupes présents (cinq par scène).
L’ensemble du site « concert » sera accessible, sauf les tentes Altar, Temple et Valley, l’espace
Warzone étant également fermé. Bien évidemment, les personnes ne souhaitant pas assister
au Knot Fest auront toujours la possibilité de profiter des animations habituelles du jeudi
soir au Hellcity Square, au Metal corner, à l’Extreme market et au camping.
Allez-vous, pour cette journée du jeudi, proposer une décoration spéciale liée au Knot
Fest ?
Nous n’allons pas pouvoir révolutionner le site existant car les structures Hellfest en place
ne se démontent pas d’un coup de baguette magique. Monter et démonter autant de
décors et de structures en seulement une nuit est chose impossible ! Cependant, nous allons
évidemment mettre en place des trucs fun supplémentaires afin de rendre cette soirée Knot
Fest unique ! Ce sera la surprise à découvrir sur place !
Que t’inspire le fait que Slipknot, en 2019, demande à profiter de vos installations quand
on se souvient de l’accueil délicat qui lui avait été réservé au Fury Fest (que tu organisais)
en 2004 ?
Haha, je m’attendais à cette question ! En effet, mon histoire avec ce groupe est assez
improbable. J’avais 22 ans lorsque je l’ai programmé au Fury Fest en 2004. Le Fury Fest
n’était que le balbutiement de ce que deviendrait plus tard le Hellfest. Ce festival n’avait
pas les moyens de ses ambitions avec un patron sans expérience à sa tête : moi. De plus, ce
festival était encore très marqué « hardcore/punk ». La présence de Slipknot à l’affiche avait
donc été très mal percue par les « coreux » et autres punks qui estimaient que le festival
dérivait… Bref, le show a été apocalyptique, dans tous les sens du terme ! Le groupe s’est
pris des cageots entiers de tomates pourries durant tout le concert, mais a tout de même
assuré son show sans sourciller et avec une violence comme j’en avais rarement vue. Ce jour-
là, je me suis dit « putain, les mecs assurent ! », mais j’ai aussi pensé « à la fin du concert, je
suis mort ! » (rires). Et puis, le temps a suivi son chemin et, d’année en année, ce festival aux
racines punk-hardcore (devenu le Hellfest en 2006) s’est ouvert, et son public avec lui. Il a
fallu des années pour convaincre Slipknot de revenir. Quand Stone Sour a franchi le pas en
2013, Corey Taylor a réalisé que le festival avait changé. Slipknot a donc fait son grand
retour, onze ans après le Fury Fest, en 2015, pour un concert dantesque en tête d’affiche !
Ils ont alors été scotchés par l’ambiance et la scénographie du festival ! Alors oui, c’est une
grande fierté d’entendre Corey, Shawn et Cory, leur manager, nous faire des compliments
et nous demander de les accompagner dans ce nouveau projet qu’est le Knot Fest européen.
Cela récompense l’extraordinaire travail de tous les acteurs, professionnels ou bénévoles, du
Hellfest depuis tant d’années, qui a fait du festival ce qu’il est aujourd’hui. Y

Pour des groupes de la trempe de Metallica ou Iron Maiden (exemples pris au hasard), les chiffres de
ventes des premières semaines qui suivent la commercialisation d'un nouveau disque sont importants car
ils constituent un véritable baromètre de la carrière à venir dudit album. Il en va tout autrement dans
l'underground, où le retentissement d'un CD se jauge plutôt sur sa première année « d'exploitation », le
temps que webzines, radios et distros aient fait leur office (sans parler des exemplaires vendus lors des
concerts). Pourtant, combien de groupes ont encore dans leur local des cartons pleins de leur première
autoproduction pressée à 500 exemplaires il y a trois ans ? Tout cela pour vous dire qu'il n'est pas
gravissime d'être chroniqué en retard, ici ou ailleurs : c'est toujours mieux que pas du tout. Votre disque
sorti l'été dernier n'est pas encore périmé, promis. Joyeux Noël, et support the underground !
ELECTRIC CHARGED
Clermont-Ferrand
Groove metal
Avec sa pochette assez passe-partout, on
ne se retournerait pas forcément sur cet
album. De même, avec les masques vus et
revus, on ne se retournerait pas forcément
sur les photos de ce groupe. Grave erreur,
car Electric Charged vous prend, vous
soulève, et vous envoie des mornifles
dignes d’un Obélix qui aurait un Romain
tout frais entre les paluches. Parlons tout
ENDBROKEN
Poitiers
Thrash
Endbroken n’est pas bien vieux puisque le
groupe confesse seulement trois ans
d’existence. Il ne fait en revanche aucun
doute que les les thrasheurs du Poitou ont
dû, par le passé, traîner leurs guêtres dans
d’autres formations tant il est évident qu’il
y a déjà un vrai savoir-faire dans la place,
lequel alimente une machine à riffs bien
huilée. Même si nous parlons de thrash « à
l’ancienne », il ne s’agit pas ici de joyeuses
16
La rubrique introuvable dans les autres journaux, par Charlélie Arnaud.
d’abord du son : ultra puissant et très
actuel, il est fortement compressé, mais
tout à fait en adéquation avec le groove
metal moderne des Auvergnats qui lorgne
tour vers Slipknot (« Toxic Buddy »), Lamb
Of God – et donc Pantera haha –
(« Blackblood », dont le chant rappelle
furieusement Randy Blythe), voire
Meshuggah (Cf. le couplet de « Vox
Populi »). Riche en riffs qui tombent sous
le sens et d’une efficacité à toute épreuve,
cet essai éponyme colle une furieuse envie
de voir le trio évoluer en live tant il est
facile d’imaginer un gigantesque moshpit
courir en rond au son de ses compos
cavalcades sautillantes. La musique
d’Endbroken reste sombre en toutes
circonstances. L’EP 4 Titres éponyme
s’ouvre sur le mid tempo de « Planet
teigneuses. L’opération de sape ne faiblit
jamais un seul instant : ici, pas de ballade
pour aller emballer la fille du voisin. Les
mecs avoinent non-stop pendant une
demi-heure, puis rangent le matos sans
même avoir ramassé les dents qui ont
giclé. A noter que l’album est disponible
en support physique grâce à M&O,
mais que les moins fortunés d’entre
vous pourront le télécharger au prix de
leur choix sur Bandcamp. L’initiative a
beau être noble, pas sûr que Brassens
aurait vanté la gentillesse de ces
Auvergnats-là.
http://electriccharged.bandcamp.com
Entity », dont les riffs solides secondés par
un son impeccable rappellent le Testament
des débuts, voire Metal Church. Pourtant,
lorsque le quintette se lâche sur la pédale
de droite, il fait montre d’un talent
certain (Cf. l’ensemble break-solo
de « Vegan Messiah » très enlevé,
dont la partie lead rappelle à s’y
méprendre le Megadeth de So Far,
So Good... So What!). « Welcome To
My Funeral » trompe son monde
avec une intro cérémonieuse et
heavy comme du Paradise Lost,
avant de partir dans un « tagadap
tagadap » thrash death digne du
premier No Return (la comparaison
n’est d’ailleurs pas innocente,
puisque la voix de Jean-Charles
Michaud rappelle par instants celle
de Phil Ordon, premier chanteur de
NR). La petite outro à l’orgue, très
réussie, pourrait quant à elle figurer
sur un album de Ghost. Tout cela
est fort bien écrit et exécuté, mais
il faut bien admettre que deux titres
supplémentaires n’auraient pas été
de refus (ce qui, en y réfléchissant
bien, est un compliment habilement
déguisé). Vite, la suite !
www.facebook.com/pg/
endbroken
• Trente ans après le miraculeux Truth And Soul de
Fishbone, DOWNTOWN BROWN nous refait le coup
de l’album qui illumine la vie toute entière avec ce
CaliFlorida absolument jouissif. Signe des temps, les
influences soul qu’on trouvait chez Fishbone ont ici
laissé leur place à l’héritage du hip hop, mais c’est
bien le seul ingrédient qui diffère. Le metal, le funk,
le ska et le punk sont de la fête comme en 1988, et
il est tout simplement impossible de résister à des
chefs d’œuvre comme « Bathroom Door », « Love
Kitchen » et l’hilarant « GF BF » qui suintent à plein
nez l’influence d’Angelo Moore & consorts (les deux
groupes sont très liés et ont tourné ensemble à
maintes reprises). Signalons au passage que si DTB
est encore un combo obscur chez nous, CaliFlorida
est tout de même son septième album (!), et que la
formation de L.A. écume les scènes des Etats-Unis
depuis 2001. Si vous cherchez à attraper un coup de
soleil vite fait, ça se passe là : http://downtown-
brown.bandcamp.com/album/califlorida
• Petit flashback sur un excellent EP qui a échappé à
nos radars lors de sa sortie : le très impressionnant
Initium Belli des Montpelliérains d’HEGEMON. 22
ans de carrière, quatre albums... le combo sait de
quoi il parle. Il revisite ici trois titres issus de son
passé, qui présentent un black râpeux mais toujours
mélodique (Dissection n’est pas loin). Les Occitans
nous livrent également le sublime inédit « La
Mélancolie De L’Abîme » aux ambiances véritablement
prenantes, avant de fermer le ban sur une reprise
d’un classique d’Immortal (« Unsilent Storms In The
North Abyss », extrait de Pure Holocaust). Au terme
de ces vingt grosses minutes, on se demande inévi-
tablement pourquoi Hegemon ne chapeaute pas
aujourd’hui toute la scène black tricolore tant il surclasse
bon nombre de ses concurrents. Il est encore temps
de corriger le tir et de célébrer comme il se doit les
qualités d’écriture bien réelles de ce groupe par trop
discret. http://hegemon666.bandcamp.com
• Décidément, Bayonne n’abrite pas des petits rigolos.
PROPHETIC SCOURGE (qui compte en son sein deux
ex-membres de Scars On Murmansk et un ex-chanteur
live des furieux Ad Patres) balance, avec Calvary, un
death progressif de fort belle facture, à l’écriture
fouillée et aux nombreux rebondissements. En huit
titres pour une durée de 54 minutes, la formation
s’est donné les moyens de caser « quelques » idées !
Malgré cette profusion d’infos et des titres souvent
longs, le combo ne se perd jamais en route comme
en témoigne le superbe « The Hierophant » de 8’30
durant lequel on ne s’ennuie pas une seconde. Si tous
les membres méritent de chaleureuses félicitations,
nous tirerons notre chapeau à Josh Smith (chant)
pour sa performance variée et remarquable (même si
son growl profond et terreux n’appelle pas les bisous).
Un album sérieux pour un groupe méchamment doué.
http://propheticscourge.bandcamp.com/album/calvary

Propos recueillis par Morgan Rivalin
Photo : Marc Villalonga
Interview réalisée le 23 novembre 2018 à Paris
A l'occasion de la sortie, le
25 janvier 2019, de The
Atlantic, le nouvel Evergrey
(interview dans notre prochain
numéro), nous avons soumis
le chanteur/guitariste Tom S.
Englund à notre questionnaire
impitoyable. C'est parti !
Rock Hard : Ton premier héros musical ?
Tom S. Englund : Mark Knopfler de Dire
Straits. L’album Alchemy : Dire Straits Live
(1984) tournait en boucle à la maison car
mon père était un grand fan. Je lui ai dit :
« Voilà, c’est ça que je veux faire ! Jouer de la
guitare ! ». Malheureusement, sa réaction
fut : « Mon garçon, il y a très peu d’élus.
Tout le monde ne peut pas devenir Mark
Knopfler... ». C’est vrai, mais j’aurais aimé
qu’il me dise : « C’est génial d’avoir un rêve !
Donne-toi à fond ! Je crois en toi. »...
Ton premier disque hard rock/metal ?
J’ai découvert en même temps Pyromania
(1983) de Def Leppard et Ride The
Lightning (1984) de Metallica. Quand un
pote m’a fait écouter sa cassette de Ride...,
j’ai trouvé ça horrible ! C’était beaucoup
trop violent pour moi. Mais quelques mois
après, je n’écoutais plus que ça ! J’avais
chopé le virus.
Le premier concert auquel tu as assisté ?
Def Leppard au Scandinavium de Göteborg,
en 1988, sur la tournée Hysteria. J’avais
quinze balais et j’en ai pris plein les yeux et
les oreilles. Enfin, surtout plein les yeux
car mon souvenir le plus vivace est la
longue file d’attente de très jolies nanas
qui essayaient de rentrer backstage. Ça a
confirmé ma vocation ! (rires) Mais voilà, je
n’ai jamais vu la moindre file de groupies à
nos concerts… En revanche, il y en a toujours
à ceux de Def Leppard, trente ans après !
Ton premier instrument ?
L’école a essayé de me faire jouer de la
flûte, mais je me suis rebellé. Moi, je voulais
jouer de la guitare. J’ai tenu bon et j’ai pu
prendre des cours de guitare acoustique. Le
premier morceau que j’ai joué était « House
Of The Rising Sun » (The Animals). J’étais
tellement fier !
Ton premier groupe ?
Adamant, mais nous n’avons rien fait. Puis
j’ai lancé un projet death dont le bassiste
était Jesper (Strömblad), futur In Flames.
Ce dernier est parti former Ceremonial Oath,
un groupe de death dans lequel officiait
aussi Oscar Dronjak, futur membre
d’HammmerFall. Ce dernier se scarifiait
sur scène. Il se dessinait de grosses croix
renversées sur le torse à coups de lames de
rasoir ! Si, si ! De mon côté, j’ai fondé
Caedes, un groupe dont le chanteur était un
autre Oscar : Oscar Carlquist, futur frontman
de Ram. Nous étions colocataires à l’époque.
De vrais satanistes ! (rires)
Ton premier concert ?
Avec mon projet death, dans lequel jouait
Jesper, en compagnie d’un groupe du nom
de Stillborn. Dans la salle, il n’y avait que
deux gars et un chien... (rires) Et à un
moment, le chien s’est barré. Impossible
de lui en vouloir ! (rires)
Ta première cuite ?
C’était à Hastings, en Angleterre, lors
d’un « séjour linguistique ». Je devais avoir
13 ou 14 balais. Je ne sais plus ce que
j’ai ingurgité, mais je ne m’étais encore
jamais senti aussi mal. J’étais hébergé chez
des Anglais chez qui je me suis pointé ivre
mort. La grande classe ! Ils doivent avoir
gardé une belle image des Suédois...
(rires)
Ta première tournée ?
En 2000 : un joli « ménage à trois » en
première partie de Crimson Glory, en
compagnie de, tiens-donc : Kamelot ! (Ndlr :
en mars prochain, Evergrey va de nouveau
tourner en Europe avec Kamelot, mais en
première partie de ce dernier) J’ai adoré
cette première tournée constituée de trois
groupes. Nous sommes d’ailleurs en train
d’essayer de monter quelque chose de
similaire au printemps prochain.
Ton premier manager ?
Edward Janson, l’un des responsables
de Valvet, la minuscule salle de Göteborg
où nous jouions tous du death. Il a flashé
sur Evergrey et nous avons fait un bon
bout de chemin ensemble. Edward est
devenu l’agent qui booke les tournées de
nombreux groupes dont celles des
Cardigans, ultra populaires en Suède. Il
n’est plus notre manager puisque je me
charge de cette tâche à présent, mais il
est toujours notre agent.
La première fois que tu t’es senti idiot
sur scène ?
C’était à Thessalonique, en Grèce. Fait
rare, Henrik (Danhage) et moi avons tous
deux eu des problèmes d’ampli et nous
savions que nous allions être immobilisés
pendant un bout de temps. Nous avons
donc demandé à notre bassiste de l’époque,
Michael Håkansson, d’aller parler au
public. Mais voilà, Michael détestait ça. Il
avait une peur bleue du micro. Nous avons
dû le lui demander plusieurs fois et avons
fini par lui gueuler dessus pour qu’il aille
meubler. Mais à cause du stress, au lieu
de dire aux Grecs « You kick ass ! » (Ndt :
« Vous bottez des culs ! »), il a sorti « You
KISS ass ! » (Ndt : « Bande de lèche-culs ! »)
(Rires)
Ta première groupie ?
Jamais… Snif. Comme je te l’ai dit, Def
Leppard a encore des files d’attente de
groupies à ses concerts. Nous, que dalle...
(énorme sourire) Y
17
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Adresse : . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
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Propos recueillis par Benji De nouveau, pas besoin de sang ou d’images choquantes
Interview réalisée le 18 novembre 2018 pour entrer dans ce film vraiment tordu. J’adore le
contraste entre cette innocence, cette vie normale dans
Chaque mois, un musicien revient sur les cet environnement rural et le côté sombre des sacrifices
films de sa vie, ses grands moments sur religieux et de ces rituels terrifiants qui s’imposent à la
grand (et petit) écran. De retour d’une belle fin du film. impressionnantes. Mais je
tournée anglaise aux côtés de Corrosion Of vais porter mon choix sur Linda Blair pour son rôle
Conformity, Ben Ward, le vocaliste d’Orange Ta Bande Originale de film préférée ? de Regan dans L’Exorciste. Pour une si jeune fille (Ndlr :
Goblin, nous livre ses choix, dans lesquels J’en aime énormément liées aux elle n’avait que 14 ans au moment du tournage), jouer ce
films d’horreurs, en particulier genre de personnage a dû sacrément la marquer.
l’horreur tient une place de choix. Pas de tout ce qu’a écrit Goblin pour les
doute, « he likes to movie, movie »… longs métrages de Dario Argento. Ta série préférée ?
J’adore aussi les compositeurs Breaking Bad (2008/2013) est la
Rock Hard : Quels sont tes cinq films
Fabio Frizzi, John Carpenter et la seule série que j’ai vue et revue
préférés ?
B.O. de Cannibal Holocaust avec plaisir. C’est brillant ! Chaque
Ben Ward :
(1980) signée Riz Ortolani. Mais personnage est génial et parfaite-
Shining (1980) de Stanley Kubrick.
si je devais n’en garder qu’une, ment joué, l’intrigue remarquable
Pour sa cinématographie, son
ce serait celle de Conan Le Barbare (1982) par Basil et la façon dont les épisodes
atmosphère, son histoire, la perfor-
Poledouris. C’est si épique et beau que lorsque tu n’as s’enchaînent te fait mourir d’envie
mance des acteurs et son suspense,
pas la pêche, l’écouter te redonne l’âme d’un guerrier ! de voir le prochain : c’est très
il m’est impossible de ne pas citer ce
fort ! Du coup, je dois avouer
film. Jack Nicholson et Shelley Duvall
Ton réalisateur préféré ? m’être aussi laissé prendre par
y sont incroyables, et je pense qu’il
Quel choix horrible ! De très Better Call Saul, cette série dérivée de Breaking Bad,
s’agit du meilleur film de toute la carrière de Kubrick.
nombreux réalisateurs ont un style également d’excellente facture.
Ce dernier est parti d’un livre que beaucoup pensaient
et des qualités uniques. Il m’est
impossible à adapter au cinéma, créant ainsi une pièce
immensément difficile de trancher Ton film d’animation préféré ?
maîtresse de l’horreur. Apparemment, Stephen King
entre Dario Argento, Lucio Fulci, Le Seigneur Des Anneaux
(Ndlr : qui a écrit Shining) a détesté cette adaptation.
George A Romero, John Carpenter, (1978) de Ralph Bakshi. Cela a
Je ne comprends vraiment pas pourquoi car je pourrais la
Alfred Hitchcock, Terence Fisher, peut-être mal vieilli, mais le
revoir encore et encore.
Pete Walker, Richard Donner, David gamin que j’étais a adoré,
Suspiria (1977) de Dario Argento. Le D. Argento
Lynch, Stanley Kubrick… C’est un étant à la base fan du livre de
sommet d’Argento. La lumière, les
crève-cœur, mais si je dois vraiment n’en retenir qu’un, ce Tolkien. Ce film ne couvre que
décors et les visions qu’il a créés sont
serait Argento. la moitié de l’histoire,
juste incroyables. C’est un film à la fois
et comme ce fut un succès
dérangeant et obsédant qui te happe
Ton affiche de film préférée ? mitigé, les distributeurs
jusqu’à son dénouement, génial : c’est
J’aime beaucoup celle des Dents ont refusé de financer la
très rare. Je le vois comme une sorte de
De La Mer (1975), avec cet suite. Du coup, ils n’ont
cauchemar qui prend vie via un écran
immense requin qui remonte jamais été au bout de la deuxième partie !
de cinéma. Tout y est parfait, jusque
vers la surface où l’on aperçoit
dans le choix de la bande originale
cette baigneuse… Ou celle de Le dernier film que tu as vu ?
signée Goblin.
Rosemary’s Baby (1968) avec Ghost Stories (2018), un film d’horreur
L’Exorciste (1973) de William Friedkin.
l’ombre de cette poussette sur anglais réalisé par Andy Nyman et
Pour les gamins ayant grandi entre la
ce fond vert et ce visage… Jeremy Dyson. Pas mal, mais rien
fin des années 70 et le début des
Troublant. Mais au final, je d’extraordinaire non plus. Je vais tâcher
80’s, ce film reste forcément comme
retiendrai celle de Zombie, Le de le revoir un de ces jours pour lui
une sorte de référence en la matière.
Crépuscule des Morts Vivants donner une seconde chance.
J’ai compris pourquoi la première
(Dawn Of The Dead/1978) de George A. Romero, avec
fois que je l’ai vu. En ce qui me
ce crâne de zombie et cette phrase placée au-dessus de Ton documentaire
concerne, un bon film d’horreur n’est
lui disant : « Quand il n’y a plus de place en Enfer, les préféré ?
pas nécessairement associé à des
morts reviennent sur Terre ». Gamin, je me souviens avoir Jodorowsky’s
litres de sang et du gore, mais plutôt
été terrifié à cette pensée lorsque j’ai vu la jaquette de Dune (2013) de Frank Pavich. Au
à cette sensation d’angoisse et d’irréel qui te prend aux
ce film dans un vidéoclub ! milieu des années 70, le réalisateur
tripes. L’Exorciste ne pourrait être plus maléfique et
chilien Alejandro Jorodowski
sombre. J’aime aussi toutes ces rumeurs qui courent sur
Ton acteur préféré ? ambitionnait d’adapter au cinéma
les incidents qui se sont déroulés tant sur le plateau de
Je vais opter pour Sir Christopher le roman de Frank Hebert, Dune.
tournage qu’en périphérie.
Lee. C’est quand même ce gars Un projet pharaonique qui n’a
Théâtre De Sang (1973) de Douglas
qui a joué Dracula (1958), Lord jamais abouti faute de budget.
Hickox. L’acteur Vincent Price y est à
Summerisle dans Le Dieu D’Osier, Je suis un grand fan de Jodorowski, notamment de
son firmament et je suis un fan absolu
Saroumane dans Le Seigneur Des ses films La Montagne Sacrée (1973), El Topo (70)
des productions de la Hammer et
Anneaux (2001) et le Comte et Santa Sangre (89). Ce documentaire permet
d’Amicus, ces compagnies qui ont
Dooku dans La Guerre des de mieux comprendre son génie.
tant compté pour les fans de films
Etoiles, Episode II et III
d’horreur en Angleterre. J’aime ce
(2002/2005) ! Au-delà de ces Ton « méchant de
film parce qu’il est flamboyant dans
rôles à succès, il est resté brillant cinéma » préféré ?
son exagération, mais j’aurais pu tout C. Lee
dans tout ce qu’il a entrepris, y Robert Mitchum dans le
aussi bien choisir Les Vierges De
compris enregistrer des disques de heavy metal jusqu’à rôle du Révérend Harry
Satan (1968), Dracula 73 (72), L’Abominable Docteur
sa mort. Il nous manquera ! Powell, un tueur en série,
Phibes (71) et plein d’autres !
dans ce vieux film en noir
Le Dieu D’Osier (The Wicker Man/
Ton actrice préférée ? et blanc nommé La Nuit
1973) de Robin Hardy. Il y a tant
J’apprécie beaucoup Kathy Du Chasseur (1955) réalisé
d’autres films que j’aurais aimé
Bates dans Misery (1990), elle par Charles Laughton.
ajouter à cette sélection, mais je ne
y est incroyable. Sissy Spacek Il est génial dans la peau
peux la conclure sans citer Le Dieu
dans Carrie (1976), tout de ce gars qui poursuit deux jeunes enfants qui connaissent
D’Osier, avec Edward Woodward et
comme Piper Laurie, qui joue l’emplacement d’un magot dont le « révérend » veut
Christopher Lee. Cette histoire
le rôle de sa mère dans ce s’emparer. C’est le seul religieux que j’ai vu avec des
tatouages love et hate sur les doigts ! Y
mêlant paganisme, cultes étranges
même film, sont tout aussi
et sacrifices m’a sacrément marqué.
L. Blair

19
 © Marc Villalonga

20
 Propos recueillis par Philippe Lageat & Morgan Rivalin
Interview réalisée le 05 novembre 2018 à Paris
Photos : Nidhal Marzouk

Le 5 novembre dernier, Bruce Dickinson était à Paris

afin de s’entretenir avec quelques médias et de
dédicacer son autobiographie, L’Autobiographie – A
Quoi Sert Ce Bouton ? (dont le titre original anglais
est An Autobiography : What Does This Button Do ?),
enfin traduite en français, dans une grande enseigne
des Champs Elysées. Rock Hard en a profité pour
s’entretenir longuement avec le chanteur d’Iron
Maiden dans les bureaux de son éditeur parisien,
Talent Editions. Le touche-à-tout, tout à tour bavard,
drôle, émouvant ou passionnant, nous y a ouvert son
« book of souls ». Retranscription intégrale.

Rock Hard : Contrairement à de nombreuses stars, tu as écrit

ton autobiographie seul, sans l’aide d’un nègre. Il t’a donc fallu
prendre un certain recul pour revenir en détail sur ta carrière,
mais aussi sur ton parcours en tant qu’homme, ce qui n’est pas
un exercice aisé. Qu’as-tu appris de cette expérience ?
Bruce Dickinson : Déjà, j’ai pris beaucoup de plaisir à le faire car
ressasser ces souvenirs s’est avéré plus amusant que je ne l’avais
pensé de prime abord. D’ailleurs, je me suis souvent surpris à me
marrer tout seul durant certaines sessions d’écriture. Une grande
partie de ce bouquin a été rédigée dans le pub de mon quartier, à
Londres. Chaque jour, je m’y rendais pour descendre une ou deux
pintes et écrire environ 1.200 mots, et quand j’arrivais à 5/6.000
mots, je m’arrêtais et marquais une pause de trois jours afin de
m’aérer l’esprit et de recharger les accus avant de me remettre au
boulot. J’aimais écrire en tout début de soirée, quand il n’y avait
pas beaucoup de clients dans le pub et que c’était assez calme.
Je restais là deux à trois heures. L’un de mes potes passait régu-
lièrement et me laissait bosser jusqu’à ce que j’aie terminé pour la
journée et que je me pose enfin pour me détendre en buvant une
bière avec lui. Et il lui arrivait souvent de me dire :
- Tu avais l’air de bien te poiler !
- Ah bon ?!?
- Oui, je ne t’ai pas vu sourire comme ça depuis des
années !
J’ai donc trouvé ma vie plus intéressante que prévu ! (rires)

L’idée de départ était-elle d’éviter à tout prix les biographies

« sex, drugs & Rock’n’roll » façon The Dirt (Ndlr : best-seller
consacré à Mötley Crüe qui s’attarde sur les nombreux
excès du groupe) ? Il semblerait que ton but ait été d’écrire un
livre positif, fun à réaliser, fun à lire.
Les bouquins comme The Dirt sont assommants et insipides. Dans
un premier temps, mon livre devait raconter une bonne histoire.
Du début à la fin, il devait se lire comme un roman. Ou, plus exac-
tement, comme un récit de voyage, une aventure. La première
chose que j’ai faite a été de décider quelle en serait la fin, le
moment précis de ma vie où le livre s’arrêterait. Et, sans dévoiler
l’intrigue, j’ai jugé que le moment où je devais faire décoller ce
Boeing 747 était une conclusion idéale. Je suis donc parti de ce
point de départ avant de remonter dans le temps. Il existe déjà
tant d’ouvrages consacrés à Iron Maiden, retraçant l’histoire du
groupe, chaque concert que nous avons donné, que ça n’aurait eu
aucun intérêt que je m’engage à mon tour dans cette voie. Si c’est
ce qui vous intéresse, vous avez l’embarras du choix. Inutile, donc, que
je m’y mette à mon tour. Ce livre est mon autobiographie, l’histoire
de ma vie, et, en aucun cas, celle d’Iron Maiden. Lorsque je fais
mention du groupe, je parle essentiellement de moments-charnières,
d’événements qui se produisent pour la première fois : mon arrivée
dans le groupe, mon premier album avec Maiden (Ndlr : The Number
Of The Beast/1982), notre première tournée commune, notre concert
à la première édition du festival Rock In Rio (Ndlr : en 1985), etc.
Que des « premières fois ». Les premières fois où il m’a fallu faire
face à une nouvelle aventure. Alors, c’est vrai, je ne parle pas en
longueur du Brave New World Tour, qui marquait pourtant mon
retour au sein du groupe – j’aurais pu le faire – mais il m’a fallu
faire des choix sans quoi le livre aurait fait le double de pages.
Rien ne m’empêche de revenir plus tard sur ce point… et d’autres
(sourire).

Ce qui nous amène tout naturellement à la question suivante :

une suite est-elle envisageable ?
C’est une idée qui me traîne dans la tête. Il se pourrait bien, en

21
Je me suis souvent surpris à me
marrer tout seul durant
certaines sessions d’écriture
(Bruce Dickinson)
effet, que je remette le couvert, mais en
proposant quelque chose de différent.
Une autobiographie suffit amplement,
pas besoin d’un volume 2. Même si
Sharon Osbourne (Ndlr : femme et
manager d’Ozzy Osbourne) fait ça très
bien ! (sourire) Elle doit en être à la
cinquième ! Il y a des footballeurs à
peine âgés de 28 ans qui en ont déjà
sorti trois ! Merde, ça n’a pas de
sens ! Mais pour revenir à la question,
oui, je me laisserais bien tenter par
un autre livre, ce qui, apparemment,
ravirait mon éditeur car ce dernier
me questionne déjà sur le contenu
d’un nouveau bouquin éventuel. Il y
a tant de choses que je pourrais
aborder que je suis avant tout
confronté à un problème de choix.
C’est un « bon » problème d’avoir le
choix. D’autres ne l’ont pas…
Oui, absolument, j’en suis bien
conscient. Disons qu’il faut que j’y
réfléchisse, qu’on me laisse un peu
de temps, qu’on me laisse souffler.
Parce que, l’air de rien, il m’a fallu
58 ans pour écrire ce premier livre
(sourire). Je vais tâcher de faire plus
vite pour le suivant.
Il paraît que ton texte original était
bien plus long que ce qui figure
dans ton autobiographie.
J’ai dû écrire 160.000 mots, et il m’a
fallu en enlever environ 40.000, ce
qui ne m’a pas dérangé outre mesure.
Il arrivait ponctuellement que mon
éditeur me fasse des suggestions :
- Pourquoi ne coupes-tu pas ce
passage ?
- Ah bon ? Moi, je le trouve
vraiment drôle…
- Oui, mais, dans ce chapitre,
tu racontes trois anecdotes
différentes alors que deux
suffiraient amplement, la dernière
n’apportant rien au récit. Il faut
continuer d’avancer afin de
rendre la lecture plus fluide,
sans quoi, ton livre aura des
allures d’annuaire. Or, nous
avons l’habitude, pour ce genre
de bouquin, de ne pas dépasser
un certain nombre de pages.
- Quel est-il ?
- Hum, je dirais un maximum de
384 pages car nous avons observé
que lorsqu’un auteur fait plus
long, les lecteurs finissent par se
déconcentrer et perdre le fil.
J’ai compris ce qu’il voulait et me
suis donc rangé à ses arguments,
même si, au départ, je me suis dit que
40.000 signes à couper, c’était énorme.
Mais quand j’ai intégré sa façon de
voir les choses, il ne nous a fallu que
trois jours pour faire les coupes
nécessaires. Nous avons commencé
par mettre de côté certaines histoires
SES ALBUMS . Scream For Me Brazil
(solo uniquement) (live – 1999)
. . Tyranny Of Souls (2005)
Tattooed Millionaire (1990)
. . Scream For Me Sarajevo
Balls To Picasso (1994) (documentaire – 2018)
. Alive In Studio A
(live – 1995)
. Skunkworks (1996) ARTICLE RH
. Accident Of Birth (1997) RH N°193
. The Chemical Wedding
(1998)
dans leur intégralité : et hop, huit
pages de moins ! Ce qui a été plus
chiant, c’est que, durant la première
relecture du manuscrit, nous avons
réalisé qu’à telle ou telle page, je
mentionnais un personnage ou deux
que j’avais préalablement présentés
au lecteur dans un passage… que nous
venions de supprimer ! Et merde ! Il
a donc fallu procéder à quelques
réajustements pour retom-
ber sur nos pattes.
Mettre sur la touche un
quart de ce que tu avais
originellement écrit ne t’a
donc pas trop frustré ?
Non, pas du tout, car je
me suis même surpris à
penser : « Génial, tu disposes
déjà de 40.000 mots pour
ton prochain bouquin ! »
(rires) Encore une fois, je
pourrais partir dans tant
de directions différentes
avec un deuxième livre que
je suis plutôt enthousiaste.
Franchement, je suis sur-
pris que l’accueil réservé
à mon autobiographie soit
aussi bon et que le public
semble prendre beaucoup
de plaisir à la lire. A une
ou deux exceptions près,
personne ne m’a dit qu’il
aurait préféré que je
m’attarde sur les orgies,
toutes ces conneries dont
sont friands les éditeurs
américains. J’ai répondu
© Marc Villalonga
à ces derniers que s’ils
attendaient ça de ma part,
ils allaient être déçus. Je
leur ai dit : « Ce que je veux
faire me semble bien plus
intéressant. Peut-être ne
partagez-vous pas ce point de vue, mais
je suis persuadé que tout être possédant
ne serait-ce que la moitié d’un cerveau
préférera lire ça que la liste des groupies
que je me suis tapées ». A quoi servirait
un tel ouvrage ??? Car même si tu as
baisé des tonnes de groupies, qui s’en
soucie ?
Les groupies !!! (rires)
Hahaha, oui, même si, devinez quoi,
ces dernières ne vont pas attendre
que tu publies ton autobiographie.
Elles vont sortir leur propre bouquin !
(rires) La revanche des groupies !
Tu as brillé (et excelles encore)
dans de multiples domaines : pilote
d’avion, escrimeur émérite, frontman
et chanteur d’exception, etc., etc.
D’où te vient cette impressionnante
confiance en toi et cette attitude
qui consiste à ne jamais lâcher
l’affaire, à toujours aller au bout de
ce que tu entreprends ?
Je l’ignore. J’ai toutes sortes de
théories à ce propos, du genre : je
suis tombé sur la tête lorsque j’étais
bébé ! (rires) Peut-être est-ce quelque
chose d’héréditaire. Franchement, je
ne me l’explique pas. Je ne sais pas
pourquoi je ressens ce besoin irré-
pressible de me relever lorsque je
suis à terre. Je le fais, c’est tout.
Probablement parce que j’aime les
challenges, l’exaltation que procure
le fait de varier les plaisirs, puis de
passer à autre chose. Un autre défi.
Ce qui est plutôt une bonne chose
pour les fans de musique car ils
m’ont vu leur proposer pas mal de
choses différentes au fil des ans.
La plupart de nos lecteurs voient
principalement en toi le chanteur
d’Iron Maiden. Quelle est la part du
groupe dans ta vie par rapport à
toutes tes autres occupations ?
Elle est forcément très importante
puisque j’ai passé plus de la moitié
de ma vie au sein du groupe. Et ce
n’est pas fini… Mais cela signifie
aussi que, durant 50% de ma vie, j’ai
fait plein d’autres choses. Des choses
que le public ne sait pas forcément.
Si j’avais tenté de tout mettre dans
ce livre, il aurait été épais comme un
annuaire. Ces derniers temps, il
m’est arrivé de faire des one-man
shows : six en Australie et quatre
en Scandinavie. Et durant ces inter-
ventions, l’une des choses que je fais
est de développer certains points
évoqués dans mon autobiographie. Il
s’agit quasiment de séances d’impro-
visation de deux heures et demie.
J’en profite pour raconter des histoires
autour du livre, en y ajoutant des détails
et en déconnant plus ouvertement,
quitte à être un peu impoli parfois
(sourire). C’est plus drôle que le livre.
Le final, qui dure une bonne heure,
me voit répondre à des questions qui
me sont posées par des membres du
public. Les spectateurs écrivent leurs
questions sur un petit carton.
Backstage, je fouille parmi ces centaines
de questions et je sélectionne celles
qui me semblent le plus intéressantes
afin d’y répondre. Encore une fois, ça
tient vraiment de la séance d’impro,
le public se posant comme mon
partenaire. C’est un format
plutôt cool qui me plaît. Pour
l’instant, les critiques semblent
avoir plutôt aimé.
Il faudrait faire ça chez
nous, mais en français !
Un promoteur français aimerait
en organiser une, alors,
pourquoi pas ? Si ça se fait,
j’essaierai de répondre un
peu en français, c’est promis
(sourire).
Puisqu’on parle d’improvi-
sation… Quand tu as quitté
Iron Maiden en 1993, avais-
tu un plan en tête pour
mener à bien la suite de ta
carrière ou as-tu « improvisé »
en suivant essentiellement
ton instinct ?
Non, honnêtement, je n’avais
rien de précis en vue, aucun
plan B en tête, que vous le
croyez ou pas. En fait, j’aurais
dû être une femme (sourire) car
partir ainsi est très féminin.
Les mecs sont souvent « car-
rés », alors que les femmes
aiment davantage se fier à
leur instinct. A l’époque, j’étais
dans l’émotion pure, j’avais
envie de partir, de saisir la
chance de faire autre chose,
de changer de vie. On entend
parfois des gens dire « j’ai une chouette
vie, une super femme ou un super mari,
tout va bien pour moi, mais j’ai décidé
d’aller vivre sur une île déserte ou d’aller
à la pêche ». Une envie irrépressible
de repartir de zéro, de recommencer
sa vie. Et quand quelqu’un fait ça, il
n’y a pas de juste mesure : soit ça lui
sourit totalement, soit il se plante
dans les grandes largeurs. En quittant
Maiden, j’ignorais totalement ce qui
m’attendait car je n’avais pas assuré
mes arrières.
Du jour au lendemain, tu n’as plus
eu, autour de toi, « la machine
Maiden » pour te protéger. Certains
en ont-ils profité ?
Absolument. Pour moi, ça a été un
désastre ! Comme je ne faisais plus
partie d’Iron Maiden, certains médias
ont commencé à m’ignorer, voire à
me massacrer. Ils étaient trop ravis
de pouvoir enfin le faire ! Avec les
fans, ça n’a pas été une partie de
plaisir non plus : beaucoup n’ont
pas compris mon choix et s’en sont
offusqués, me traitant de traître au
passage, ou pleurant toutes les larmes
de leur corps. Alors, c’est vrai, j’étais
toujours managé par Rod Smallwood
(Ndlr : le tout-puissant manager de
Maiden), mais vous devinez bien
quelle était sa priorité à l’époque :
faire en sorte qu’Iron Maiden souffre le
moins possible de mon départ (sourire).
23
 Son souci premier n’était pas le
lancement de ma carrière solo. Je me
suis donc très vite retrouvé dans une
position finalement peu enviable
(rires). Mais devais-je m’attendre à
autre chose ? Dans ce genre de
situation, tu apprends beaucoup sur
les gens qui t’entourent. Et ça, c’est
plutôt une bonne chose car ça t’em-
pêche de devenir trop complaisant
envers toi-même. Reste qu’il n’en
demeure pas moins vrai que quand tu
quittes un cocon comme Iron Maiden
et que tu t’exposes comme je l’ai fait,
tu dois t’attendre à t’en prendre plein
Une autobiographie suffit amplement, pas besoin d’un
volume 2. Même si Sharon Osbourne fait ça très bien !
Elle doit en être à la cinquième ! (Bruce Dickinson)
la tronche. Mais si tu prends sur toi
et que tu y travailles, ça finit par
devenir une situation agréable car tu
peux, ou pas, te reconstruire. A un
point, je me suis demandé si Maiden
était la finalité de ma vie. Après tout,
je n’aurais pu faire que ça de mon
existence : être chanteur d’Iron
Maiden durant le reste de mes jours.
Mais voilà, je voulais savoir s’il y
avait quelque chose au-delà de ça
que je puisse faire. Et même si tel
n’était pas le cas, je pense qu’il était
important qu’ils embauchent un
nouveau chanteur car, à ce moment
précis, je ne pouvais plus rien apporter
au groupe. Peut-être l’univers me
chuchotait-il à l’oreille de faire autre
chose. Alors, je me suis dit : « Ok, je
vais en avoir le cœur net très bientôt ! ».
Balls To Picasso (1994), le premier
album que j’ai enregistré après avoir
quitté Maiden, m’a coûté une fortune.
Il m’a fallu le repenser à trois reprises.
Et encore, même là, je n’étais pas
totalement satisfait du résultat.
J’étais content du matériel que Roy Z
(guitare) et moi avions composé, mais
24
je pense que le producteur (Ndlr :
Shay Baby) n’était pas au niveau. Il
aurait dû faire sonner nos morceaux
de façon bien plus heavy. Si j’avais
confié la production à Roy, ce disque
aurait été bien plus costaud. Mais
bon, nous venions à peine de nous
rencontrer… Par la suite, le groupe
de Roy, Tribe Of Gypsies, a décroché
un deal avec une maison de disques,
alors je me suis dit qu’il était préfé-
rable d’être fairplay et de le laisser
se concentrer sur sa carrière. J’ai
donc lancé le projet Skunkworks
(Ndlr : dont le premier album éponyme
est paru en 1996), décidant au passage
« d’enterrer » Bruce Dickinson, de
changer d’identité (Ndlr : ce disque
flirtait un peu avec la scène grunge avec
ses colorations à la Soundgarden). Ce
que j’ai d’ailleurs clairement dit dans
le morceau « Back From The Edge » :
« Kill yourself, begin again » (Ndt : sui-
cide-toi, repars de zéro »). Skunkworks
était un album très sombre…
Très intéressant aussi…
Oui, c’est aussi mon avis. J’adore ce
disque ! Même s’il est vrai qu’il était
en quelque sorte incomplet car il ne
me représentait que partiellement,
se focalisant entièrement sur la
noirceur et la colère dans laquelle
j’évoluais alors. Mais il renferme de
la très bonne musique.
C’est un disque que tu as écrit
après avoir été joué à Sarajevo ?
(Ndlr : le 14 décembre 1994,
comme raconté dans l’excellent
DVD Scream For Me Sarajevo,
Bruce Dickinson a donné un
concert dans la ville en état
de siège, dans une Bosnie-
Herzégovine en guerre).
Oui, et c’est très précisément ce que
je raconte dans le morceau « Inertia »
qui figure sur cet album : Sarajevo, la
guerre, le fait d’avoir été dans cette
ville assiégée…
Le DVD Scream For Me Sarajevo,
sorti récemment (Cf. RH189), en est
lui aussi un poignant témoignage…
Oui, ça prend aux tripes, n’est-ce
pas ? C’est un documentaire très fort.
Certains pensent que je suis à l’origine
de ce DVD, mais ce n’est pas le cas.
© Marc Villalonga
C’est l’œuvre du réalisateur Tarik
Hodzic et des gens de Sarajevo.
Durant les combats, je n’ai passé que
trois jours là-bas. Eux vivaient sur
place en permanence. Et le conflit a
duré des années. Je suis très fier des
textes du titre « Inertia » car ce qui
se passait alors dans cette ville était
vraiment brutal. Je suis persuadé que
c’est la même chose actuellement au
Népal, au Yémen, et, hélas, dans bien
d’autres régions du monde.
Tu avais déjà des enfants à l’époque ?
Oui.
Nous te posons cette question car
l’un des moments forts du DVD est
ce passage d’une tristesse absolue
où vous rencontrez des enfants
dans un orphelinat. Le fait même
d’en reparler, plus de vingt ans
après, te fait d’ailleurs monter les
larmes aux yeux… Bien sûr, voir
des gamins subir la guerre est une
horreur absolue, mais quand on a
des enfants soi-même, ça doit être
encore plus traumatisant…
Oui. Un enfant est un symbole de
naïveté, d’innocence, incapable de se
défendre. Et il n’est aucune raison
valide, AUCUNE, qui puisse justifier
qu’on puisse envisager de tuer un
enfant. Qu’il s’agisse d’un enfant juif
victime de l’Holocauste, d’un enfant
musulman abattu par un sniper, etc.,
etc., rien ne peut justifier ça. Ces
gamins n’ont rien fait de mal (Bruce
sent les larmes lui monter aux yeux). Si
l’un d’entre eux est tué, devinez ce
que vont faire ses amis lorsqu’ils
seront plus âgés ? Ils vont perpétuer
cette merde dégueulasse.
Une dizaine de jours après ton
retour de Sarajevo en décembre
1994, c’était Noël. On imagine que
le cœur ne devait pas être à la
fête…
Oui, c’était pour le moins particulier…
Très étrange pour moi et tous ceux qui
m’avaient accompagné à Sarajevo.
En pourtant, je n’avais été sur place
que durant quelques jours. Je n’ose
imaginer ce que ressent un soldat qui
revient chez lui après des mois passés
en Afghanistan, par exemple. Ces gens-
là ont vu des gens mourir quotidien-
nement. La période de réajustement
doit être… Certains s’en sortent plutôt
bien, mais d’autres souffrent durant
des années. Le major Trevor Gibson,
qui apparaît dans le documentaire, a
fait partie de l’armée anglaise avant
de bosser pour les Nations Unies. Et à
l’époque, il a notamment opéré en
tant qu’agent infiltré. Vous imaginez
le stress ? Fuck ! Tu dois avoir toujours
l’impression que n’importe qui peut
débouler à tout moment pour te
mettre une balle en pleine tête ! Il m’a
par exemple raconté que lorsqu’il
opérait en Irlande du Nord, en civil, il
était lié par radio à un opérateur qui
lui disait parfois : « Ne tourne pas dans
la rue qui est sur ta gauche ! Prends
celle de droite et vas t’en ! Si tu tournes
à gauche, tu es un homme mort ! ».
Vivre durant autant de temps avec
une telle pression sur les épaules…
On a du mal à imaginer à quel point
il doit être difficile, ensuite, d’essayer
de mener à nouveau une vie normale.
Un documentaire comme Scream
For Me Sarajevo devrait être montré
dans toutes les écoles…
Je pense en effet que ce serait cool de
le montrer dans certains endroits
d’Europe et d’avoir ensuite une vraie
bonne discussion afin de savoir ce
que signifie vraiment le mot « civilisé ».
Pendant de longues années, en
Europe, les gens ont pensé : « Une
nouvelle guerre ? Chez nous ? Ça n’arri-
vera pas ! ». Et puis, il y a eu la guerre
de Bosnie. « Chuut, n’en parlez à
personne ! ». Il y a eu des guerres en
Europe dans les années 90/2000 : la
Bosnie, le Kosovo, la Macédoine, la
Grèce, la Turquie, la Syrie, l’Ukraine,
l’Estonie… Difficile de faire plus
près, non ? Quand allons-nous enfin
nous révolter, dire que ça suffit et
nous acheter une paire de couilles au
lieu de rester assis sur nos culs à
bavasser ? Le seul moyen de faire
cesser les guerres, c’est d’arrêter de
filer du pognon à ceux qui la font :
« Nous allons vous filer du fric. Ne tuez
Quand allons-nous enfin nous révolter,
dire que ça suffit et nous acheter une
paire de couilles au lieu de rester assis
sur nos culs à bavasser ?
(Bruce Dickinson)
je me suis demandé si Maiden était la finalité de ma vie.
Mais voilà, je voulais savoir s’il y avait quelque chose
au-delà de ça que je puisse faire
(Bruce Dickinson)
personne ! Si vous faites ce qu’on
vous dit, on vous donnera encore
plus de pognon ! ». Aujourd’hui, le
dernier garant de la démocratie,
c’est l’OTAN (Ndlr : l’Organisation
du Traité de l’Atlantique Nord, une
organisation politico-militaire aussi
nommée « Alliance Atlantique »).
C’est parce que l’OTAN existe que
les Russes ne sont pas retournés
en Pologne, etc. Ça me rend fou de
voir que nous ne nous réveillons
pas. A Sarajevo, ils ont recons-
truit. Quelqu’un qui ne sait pas
qu’il y a eu une guerre ne pourrait
jamais s’en douter. A part un ou
deux immeubles, tout est nickel.
Là-bas, ils s’engueulent pour savoir
s’ils doivent tout reconstruire ou
laisser quelques bâtiments en
ruines, pour le devoir de mémoire.
Moi, je pense qu’ils devraient les
conserver en l’état, de même qu’il
faut conserver un bout du Mur de
Berlin et Checkpoint Charlie. Afin
de pouvoir montrer en permanence
aux gens que ça a existé, de sorte
qu’ils ne l’oublient jamais : voilà

© Marc Villalonga
ce qui se passe lorsqu’on ne défend
pas bec et ongles la démocratie.
Car toutes ces horreurs peuvent se
reproduire…

C’est déjà le cas. Il suffit d’obser-

ver ce qui se passe aux quatre
coins d’Europe ou au Brésil en ce
moment : la montée en puissance
du populisme, comme si l’homme
avait oublié de ses erreurs passées…
J’ai fait une interview plus tôt aujour-
d’hui, et le journaliste a tenté de me
faire parler du Brexit (Ndlr : il s’agit
du Nouvel Obs’). Je lui ai répondu :
« Aïe, aïe ! Attendez une minute :
l’Angleterre n’est pas un pays extrême.
C’est une aberration de le penser ! ».
Chaque pays d’Europe a eu, dans le
siècle écoulé, soit un dictateur à sa
tête (Franco, Salazar, Mussolini,
Hitler, etc., je pense aussi à la France
de Vichy), soit un parti fasciste
conséquent. Et ce, y compris la Suède.
Tous les pays d’Europe, excepté un :
l’Angleterre. Ok, il y a eu Oswald
Mosley et ses « Chemises Noires »
qui, au grand maximum, étaient
2.000. Et les Juifs leur ont mis une
bonne branlée lors de la Bataille de
Cable Street (Ndlr : le 4 octobre 1936,
un affrontement lors d’une manifestation,
dans un quartier à forte population
juive, entre militants de la British
Union Of Fascists – les Chemises
Noires – et antifascistes). Ce qui a bien
fait marrer l’Angleterre qui a trouvé
ridicule le fait de parader en uniforme
et d’aller chercher des noises à
d’autres Anglais. Nos traditions
démocratiques sont très fortes. Elles
commencent peut-être à être contes-
tées par certains, mais jusqu’ici elles
tiennent le coup. Nous parvenons à
nous tolérer (sourire). C’est pourquoi
ça me dérange vraiment que certains
tentent d’établir un parallèle entre
le Brexit et, par exemple, Marine le
Pen. Non, il y a un monde entre les
deux ou tout autre personnage
politique extrême. Ce serait plutôt à
rapprocher de la volonté d’indépen-
dance de la Catalogne. Mais je
digresse… (sourire)
Les concerts du Legacy Of The Beast Tour 2018 ont été
excellents. Peut-être même les meilleurs que nous ayons
jamais donnés (Bruce Dickinson)
Dans une récente interview, tu
confiais que ton équipement
d’escrime commençait à prendre
la rouille. Avant d’ajouter : « Tout
comme moi ! » (rires) Nous t’avons
vu cet été à plusieurs reprises à
l’occasion du Legacy Of The Beast
Tour d’Iron Maiden, et tu étais tout
sauf « rouillé ». Très franchement,
ces concerts figurent parmi les
meilleurs que nous avions vu le
groupe donner depuis un bout de
temps.
Oui, je pense moi-même que ces
concerts ont été excellents. Peut-
être même les meilleurs que nous
ayons jamais donnés. Mais que s’est-
il donc passé ??? (rires) Lorsque je
jette un coup d’œil en arrière, je me
dis que les concerts du World Slavery
Tour 1984/85 étaient bons. Bons pour
l’époque. Mais je pense sincèrement
que ceux du Brave New World Tour
2000/2001 leur étaient bien supérieurs.
Et nous faisons encore mieux aujour-
d’hui. C’est en partie dû au fait que
nous ayons désormais à nos côtés un
technicien-son incroyable. Combien
de fois, sur cette dernière tournée,
nous a-t-on dit, ou avons-nous pensé,
que jamais auparavant le groupe
n’avait sonné aussi bien en live ? Ce
qui, par ricochet, nous a amené à
avoir des regrets : « Dire que nous
pourrions sonner ainsi depuis trente
ans, mais que nous n’avons rien fait ! »
(rires).
Le son est une chose, mais il y avait
aussi, sur cette dernière tournée,
une production totalement remaniée
et très spectaculaire, sans compter
une impressionnante débauche
d’énergie et d’enthousiasme de la
part du groupe !
Oui, c’est vrai. A cet égard, ces
concerts de 2018 avaient tout de
« classiques ». Rod Smallwood, Steve
Harris (basse) et moi avons passé
une bonne année à développer ce
nouveau show. Nous avons même
apporté quelques changements dans
les dernières minutes précédant la
première date de la tournée, à
Tallinn, en Estonie (Ndlr : le 28 mai
2018). Quelques détails qui n’en
étaient pas… Durant les quinze
premiers jours, nous avons encore
procédé à de nouvelles modifications.
Alors, oui, j’avoue que je suis très
fier du show que nous développons
sur cette tournée. A tel point que je
me demande bien ce que nous allons
pouvoir proposer ensuite pour tenter
de faire mieux. Bah, ça nous sera
dicté par la musique elle-même,
comme toujours. Lorsque nous avons
établi la setlist du Legacy Of The Beast
Tour, nous avons observé que nous
pouvions regrouper les différents
morceaux par thème. C’est ce qui
nous a conduits à couper le show en
trois séquences distinctes. J’ai adoré
cette progression « guerre, religion,
enfer ». Même si, d’ordinaire, ce serait
plutôt la religion qui mène à la
guerre, et la guerre à l’enfer (sourire).
Mais bon, comme nous ouvrions avec
le Spitfire (Ndlr : un avion survolant le
groupe en début de show), je ne me
suis pas battu pour préserver cette
logique.
Une chose est sûre, en tout cas : tu
n’es pas rouillé !
Hum, après avoir sauté dans tous les
sens pendant deux heures comme je
le fais sur cette tournée, je peux
vous assurer que si ! (rires) Même si,
lorsque la tournée s’est arrêtée le 11
août 2018 à Londres, je me suis
surpris à penser : « Je prends un tel
pied. Pourquoi devons-nous nous arrêter
en si bon chemin ? ». Mais bon, je crois
que c’était plus raisonnable de marquer
une pause avant de repartir pour une
nouvelle série de dates en 2019. Nos
organismes avaient besoin de repos
car, physiquement, ces concerts sont
très exigeants.
C’est d’autant plus vrai depuis
que tu te crois dans Rammstein !
(Ndlr : sur le titre « Flight Of
Icarus », Bruce se servait d’un
double lance-flammes à la façon
de Till Lindemann, chanteur de
Rammstein)
Hahaha ! Comment je m’éclate avec
ce truc ! Un soir, j’ai invité mes
enfants et leurs amis backstage et je
leur ai dit : « Alors, qui veut essayer le
lance-flammes ? » Inutile de préciser
qu’ils ont tous sauté de joie ! (rires) Il
faut dire que c’est vraiment génial.
Je le recommande vivement ! Tout le
monde devrait pouvoir s’essayer au
lance-flammes dans son jardin !
(rires) Y
Remerciements spéciaux à l’équipe de
Talent Editions (Emmanuel et Olga),
Mary Henry et Bruce Dickinson pour
leur gentillesse et leur disponibilité.

27
 GENRE SITE INTERNET
. Power heavy metal www.witherfall.com
LE GROUPE ALBUMS
. Joseph Michael (chant) . Nocturnes And Requiems (2017)
. Jake Dreyer (guitare) . A Prelude To Sorrow (2018)
. Fili Bibiano (guitare) ARTICLE RH
De g. à d. : Joseph Michael, Anthony Crawford, Steve . Anthony Crawford (basse) RH N°193
Bolognese (envoie la sauce) , Jake Dreyer, Fili Bibiano . Steve Bolognese (batterie)

28

Difficile de trouver plus morne que le contexte de création de A Prelude To Sorrow, le second effort des Américains de
Witherfall. Hommage au batteur originel de la formation, Adam Sagan (dont le fantôme plane sur tout l’album, de son titre
à son concept), disparu il y a deux ans, ce disque fut en effet également conçu alors que le vocaliste Joseph Michael
rejoignait Sanctuary afin de remplacer Warrel Dane, brutalement décédé en décembre 2017. Même si la douleur est
palpable, Joseph et Jake Dryer (guitare), les deux têtes pensantes du projet, se sont néanmoins prêtés de bon cœur et
avec une bonne humeur certaine au jeu des questions/réponses.
Rock Hard : Witherfall a donné son
tout premier concert lors de la croi-
sière 70.000 Tons Of Metal. Plutôt
particulier comme baptême du feu !
Jake Dryer : Nous avions pour but de
proposer quelque chose de différent
pour notre premier show. Plusieurs
opportunités, dont des concerts locaux,
se sont offertes à nous, mais nous
avons validé ce choix spécial. Quatre
jours sur un bateau, c’est un contexte
un peu stressant, mais nous sommes
heureux de l’avoir fait !
Joseph Michael : Ce fut vraiment
mémorable, surtout après ce que
nous avons traversé concernant Adam
(Ndlr : le groupe a profité de l’occasion
pour répandre les cendres du défunt
batteur sur la scène où il se produisait, au
sein du ferry).
Ce nouvel album poursuit la célébra-
tion de sa mémoire. Quel rôle avait-il
au sein du groupe ?
Jake Dryer : Adam est le premier à
nous avoir tous deux rejoints après la
création du groupe. C’est lui qui a
trouvé le titre de notre premier effort,
Nocturnes And Requiems (2017). S’il n’était
pas compositeur pour Witherfall, il a
néanmoins contribué à de superbes
idées pour la batterie, mais aussi au
son du premier effort. Sans lui, nos
morceaux n’auraient pas sonné pareil.
Joseph Michael : Adam était très
technique…
Jake Dryer : Mais il ne frimait pas. Il
jouait toujours les parties adaptées
aux riffs qu’il devait servir. C’était, de
plus, une personnalité très originale !
(ils rigolent d’un air entendu)
Avez-vous quelques anecdotes à
partager le concernant ?
Joseph Michael : La première fois que
je l’ai vu, il m’a dit que Madonna était
membre de la secte des Illuminati !
(rires)
Jake Dryer : C’était un maniaque de la
propreté ! Un jour où nous avions étalé
de la charcuterie sur une table, il s’est
immédiatement saisi d’un spray net-
toyant, avant de sortir des Kleenex pour
couvrir la viande. Il pensait également
que l’odeur du saumon fumé pouvait
suffire à le rendre malade, lui qui était
allergique au poisson ! (rires)
Joseph Michael : Il est mort d’un
cancer, donc je pense que ses choix
diététiques n’étaient pas forcément
des plus sains…
Jake Dryer : Il avait installé une
ruche dans sa propre maison ! Les
abeilles faisaient la loi chez lui car s’il
s’agitait trop, celles-ci s’énervaient
et le piquaient ! (rires) Il a dû s’en
débarrasser ! C’était un super mec, le
plus positif qui soit. Il parlait de plus
quatre ou cinq langues !
Joseph Michael : Sept, il me semble, dont
le français, le portugais, l’espagnol…
Adam joue-t-il sur cet album ?
Jake Dryer : Non…
Propos recueillis par Guillaume Fleury et Morgan Rivalin - Entretien téléphonique réalisé le 16 novembre 2018
Joseph Michael : Il n’a entendu que le
refrain du titre « Moment Of Silence »
et m’a demandé de quoi traitait ce
morceau ! (petit rire) Nous avons
composé durant la maladie d’Adam et
cela a impacté nos choix, notamment
en termes de ballades. Mais tout le
concept ne s’est réellement cristallisé
qu’après sa mort…
Jake Dryer : L’idée du titre « Vintage »
nous est apparue le soir où nous avons
appris qu’il était frappé par un cancer,
en novembre 2015, il y a déjà trois
ans…
Quand avez-vous décidé que les
initiales du titre de l’album seraient
un hommage aux siennes ?
Joseph Michael : Très récemment…
Jake Dryer : Il y a un an environ.
Adam ayant nommé notre premier
album, il nous a paru cool de lui faire
prendre part au second. Nous avions
déjà une très bonne idée de ce que
seraient les thèmes des chansons à ce
moment-là. Ce fut très émouvant de
bosser sur ces morceaux, notamment
« Vintage ». Durant la conception de
Durant la conception de cet
album, je me suis vraiment demandé
si nous n’étions pas maudits
(Jake Dryer)
cet album, je me suis vraiment demandé
si nous n’étions pas maudits. Je le
pensais encore hier ! Dès qu’une merde
nous arrive, je me dis : « Nous sommes
maudits par Sagan ! » (rires) Composer
l’album fut très facile pour Joseph et
moi, mais la conception du disque en
lui-même a été bien plus pénible…
Joseph Michael : 90 jours de production,
plusieurs studios ruinés, c’est dingue !
(rires)
Vous considérez-vous comme des
perfectionnistes ?
Jake Dryer : Tout à fait ! Disons que
nous souhaitons toujours donner le
meilleur possible de nous-mêmes, tout
simplement !
Joseph, cela implique-t-il que tu passes
beaucoup de temps à travailler tes
prises vocales ?
Joseph Michael : En général, tous
mes textes sont déjà écrits au moment
où nous investissons les studios car
Jake et moi préparons tout en amont
de l’enregistrement. Mais je préfère ne
pas trop répéter encore et encore mes
prises avant de me retrouver devant le
micro. Cela tue, selon moi, l’élément
de spontanéité dont ont besoin les
morceaux. C’est d’autant plus vrai
lorsque le chanteur est également
compositeur, ce qui est mon cas. Il
arrive donc que je conserve la première
prise d’une ligne de chant, après avoir
simplement tourné la mélodie dans ma
tête ou griffonné celle-ci sur une
feuille. Je reprends évidemment les
passages les plus techniques lorsque
cela s’avère nécessaire, mais je n’aime
pas trop répéter ! (rires)
Votre musique présente une sorte de
combinaison entre le power, le
thrash et le heavy metal. Il n’y a plus
tant de groupes qui marient tous ces
styles. Avez-vous une quelconque
ambition de ramener ce type de son
dans la lumière ?
Jake Dryer : Nous voulons être originaux,
ne pas sonner comme un autre groupe
ou avoir l’air de regarder dans le rétro.
Nous n’aimons pas devoir catégoriser
notre musique. Lorsque tu commences
à t’imposer des étiquettes, tu te pièges
toi-même, ainsi que tes fans potentiels.
Un amateur de power metal, par exemple,
va s’attendre à quelque chose de
spécifique qui lui plaît habituellement
dans ce style, mais qu’il ne trouvera
peut-être pas forcément chez nous.
Pour dire les choses plus simplement :
nous n’avons pas peur de tenter d’écrire
n’importe quel style de musique…
Joseph Michael : Nous composons,
c’est tout !
Les influences de Nevermore,
Savatage ou Megadeth me semblent
néanmoins assez évidentes !
Pour sûr, nous aimons tous ces
groupes !
Jake Dryer : Je pense que notre plus
grosse influence est celle de Queen.
Mais si je nous reconnais effectivement
dans les groupes que tu viens de citer,
cela n’est pas intentionnel.
Jake, n’est-il pas trop délicat de jongler
entre Witherfall et Iced Earth ?
Non, car un groupe aussi pro que Iced
Earth planifie ses activités six à neuf
mois – voire même un an – à l’avance.
Nous pouvons ainsi adapter notre
calendrier au sien. Néanmoins, je me
souviens qu’à peine quatre heures
après avoir enregistré mes prises solo
pour A Prelude To Sorrow, j’embarquais
dans un avion pour l’Allemagne afin de
lancer la tournée européenne d’Iced
Earth ! Lorsque tu t’es engagé, tu ne
dois pas te plaindre ! (rires)
Joseph, tu as rejoint Sanctuary deux
mois à peine après la mort de Warrel
Dane, afin de boucler la tournée
initialement prévue et lui rendre
hommage...
Joseph Michael : Oui, j’ai l’impression
d’être un employé des pompes funèbres !
Tout ce que je chante a à voir avec une
personne disparue ! (rires) Nous étions
en train d’écrire A Prelude To Sorrow
lorsque nous avons appris la mort de
Warrel, aux alentours de sept heures,
ce matin de décembre... Alors que
j’avais encore le douloureux concept
de notre album en tête, il m’a fallu
embrayer et assurer cette tournée si
émouvante… avant de perdre mon
oncle en plein milieu de ladite tournée !
Cette période a vraiment représenté une
expérience incroyablement émotionnelle
pour moi…
Une nouvelle tournée de ce type est-
elle envisageable ?
Eh bien, je dois justement prendre
l’avion dans deux heures afin de ral-
lier Seattle, dans l’optique d’un album
en compagnie des gars de Sanctuary !
Les choses bougent et le groupe ne
veut pas en rester là...
Witherfall va bientôt se produire en
première partie de Sonata Arctica en
Europe. Les Finlandais vont proposer
un show entièrement acoustique.
Allez-vous faire de même ?
Jake Dryer : Oui ! Ce sera vraiment
spécial, mais je pense que de bonnes
chansons doivent pouvoir être inter-
prétées en acoustique. Un bon morceau
se doit de sonner aussi bien à la guitare
électrique qu’au piano. Les arrange-
ments de ces versions « à nu » vont
vraiment être cool à bosser, même si
nous n’allons pas beaucoup dormir
afin d’en venir à bout ! (rires)
Joseph Michael : Nous allons d’ailleurs
profiter de ces concerts pour intégrer
un claviériste à notre line-up, notre
ami Alex Nasla. Nous vous réservons
par ailleurs quelques surprises. Et je
peux même déjà annoncer que nous
sortirons un nouvel EP à l’occasion
de cette tournée ! Nous pouvons
également révéler que nous nous
produirons au festival allemand Keep It
True en 2019.
Jake Dryer : Et je précise que ce set
ne sera pas acoustique, cette fois !
(rires) Avec Iced Earth, j’ai eu la chance
de me produire dans de nombreuses
villes européennes, dans des lieux très
différents, qu’il s’agisse d’églises, de
vieux théâtres. Je suis impatient car
j’aime beaucoup la variété de vos
salles européennes. Tu sais immédia-
tement en arrivant quelle va être
l’atmosphère du lieu. Vos clubs sont
souvent très beaux, parfois un peu
flippants aussi, voire même tout
pourris ! (rires)
Justement, puisque tu mentionnes
Iced Earth, un nouvel album est-il
dans les tuyaux ?
Jon Schaffer est actuellement très
occupé par Demons And Wizards, le
projet qu’il mène en compagnie
d’Hansi Kürsch de Blind Guardian.
Même s’il a composé quelques trucs,
rien n’est donc programmé du côté
d’Iced Earth pour le moment... Y
29
 Propos recueillis par Benji - Entretien téléphonique réalisé le 05 novembre 2018
En 2015, c’est avec un mélange d’excitation, de surprise, mais aussi de doute que nous avions accueilli le retour de Mike
Howe au sein de Metal Church. Le vocaliste, porté pâle depuis une vingtaine d’années, revenait en effet de nulle part pour
reprendre l’aventure avec le groupe dont il fut aux commandes de 1989 à 1995. Depuis, Mike a prouvé, tant sur album
que sur scène, que le feu sacré brûlait toujours en lui. A l’occasion de la sortie de Damned If You Do, le nouvel album du
gang de Seattle, il revient en notre compagnie sur ce retour pas comme les autres.
Rock Hard : Comme nous n’avons notre direction musicale et la façon Durant ta période avec Metal Church, Ah oui, ces jeunes gars de Metallica ?
pas encore eu l’occasion de nous dont nous devions nous présenter au vous avez connu des hauts et des bas, Ça me fait vraiment plaisir de me dire
entretenir avec toi depuis ton public. Notre manager essayait de nous comme tous les groupes de metal que nous avons contribué à les rendre
retour dans Metal Church en 2015, faire aller vers un style avec lequel je dans la première partie des années plus populaires ! (rires) Je m’en souviens
revenons un instant dans le passé. Tu n’étais absolument pas en accord. Cela 90. Nous n’allons pas entrer dans le comme si c’était hier. Metallica avait
as fait partie du groupe entre 1989 se ressentant dans l’ambiance entre détail, mais il y a une date sur contacté notre management car il
et 1995. Lorsque vous vous êtes musiciens, j’ai préféré arrêter plutôt laquelle nous aimerions revenir : le voulait donner un petit concert avant
séparés, cela s’est fait de façon très que de laisser pourrir les choses, afin de 11 mai 1990, vous avez donné un de partir en tournée européenne
discrète. Qu’est-ce qui, à l’époque, a pouvoir regarder en arrière en restant concert en tête d’affiche au célèbre (Ndlr : avec Dio, Bonham et Warrior
provoqué cette séparation ? fier de ce que nous avions accompli, avant Marquee de Londres. Un petit groupe Soul, tournée qui fit halte à Bercy le 21
Mike Howe : J’étais fatigué du business que les gens qui gravitaient autour de de San Franscisco assurait votre mai 1990), histoire de s’échauffer.
de la musique, qui tentait de contrôler nous ne me fassent devenir dingue. première partie… Tu t’en souviens ? Bien évidemment, nous avons accepté.

30

De g. à d. : Steve Unger, Kurdt Vanderhoof,
Mike Howe, Rick Van Zandt & Stet Howland
Le reste du groupe connaissait bien
les gars de Metallica car ils avaient
joué de nombreuses fois avec eux
entre 1985 et 87, à l’époque des
albums Metal Church (1984) et The
Dark (1986). Ils sont venus le plus
simplement du monde et ont donné
leur show. Nous plaisantions avec eux
GENRE
. Heavy metal
LE GROUPE
. .
Mike Howe (chant)
. Kurdt Vanderhoof (guitare)
. Rick Van Zandt (guitare)
. Steve Unger (base)
. Stet Howland (batterie)
SITE INTERNET
www.metalchurchofficial.com
en leur disant qu’ils devraient installer
leur kit de batterie sur scène, devant
le nôtre, car après tout, il ne s’agissait
que de notre première partie ! Et tu
sais quoi ? C’est exactement ce qu’ils
ont fait ! Nous avons regardé leur
concert, puis donné le nôtre. C’était à
la fois intimidant et génial car les
gars sont restés nous voir et se sont
installés à la console de son, juste en
face de nous. Après le show, nous
sommes allés tous ensemble dans un
club à deux pas de la salle faire ce
que des groupes de rock font après un
concert ! (rires) Une soirée mémorable.
Tu as totalement disparu du monde
de la musique durant pas moins de
vingt ans ! Qu’as-tu fait durant
toutes ces années ?
J’ai élevé mes enfants et travaillé
comme charpentier. C’est mon métier
dans mon « autre vie », et j’adore ça !
As-tu chanté durant tout ce temps,
à quelque niveau que ce soit ?
J’ai envie de répondre « chanteur un
jour, chanteur toujours ! » Je n’ai
pas vraiment pratiqué de façon
classique, dans un groupe ou en
studio, mais je n’ai jamais cessé
d’embêter ma femme, mes enfants et
mes amis en chantant à tue-tête
devant eux ! (rires)
Vingt ans en dehors de ce milieu,
c’est une éternité. Lorsque Kurdt
(Vanderhoof/guitare) t’a contacté
mi-2014 pour te proposer de
redevenir le vocaliste de Metal
Church, as-tu hésité à laisser
tomber cette « autre vie » que tu
mentionnes ?
La première fois qu’il m’a appelé, je
lui ai répondu non. Je n’étais pas
intéressé. Je me croyais définitivement
retiré de ce monde-là et je gardais
précieusement en mémoire toutes ces
années avec Metal Church. Mais au
fil de nos discussions, Kurdt m’a fait
part de la façon dont ce business avait
évolué depuis que je l’avais quitté :
tout ce qui avait changé, pour le
meilleur, et le fait, surtout, qu’on puisse
vivre dans des régions différentes
sans avoir systématiquement besoin
de se voir pour faire évoluer sa
musique. C’est le bon côté d’Internet :
pouvoir s’échanger nos fichiers pour
avancer sur nos idées sans avoir à se
taper de longs trajets pour obtenir le
même résultat. Ce sont des choses
dont je n’avais pas entièrement
conscience en n’étant plus du tout au
contact de la scène. Cela m’a en
quelque sorte convaincu de faire
un essai. Nous avons avancé tout
doucement, sans brûler les étapes.
L’idée était juste, au départ, de tester
ALBUMS ARTICLES RH
. Rumors, Paul Di’Anno’s Killers et
Metal Church (1984) RH N°35, 57, 81, 163 & 193
. The Dark (1986)
. Blessing In Disguise (1989)
The Human Factor (1991)
. Hanging In The Balance
(1993)
. Masterpeace (1999)
. apprécié ?
The Weight Of The World
(2004)
. A Light In The Dark (2006)
. This Present Wasteland (2008)
. Generation Nothing (2013)
. XI (2016)
. gens se comportent, comment ils
Damned If You Do (2018)
de la nouvelle musique et de voir si je
me sentais bien pour l’interpréter. Ça
a évolué de belle manière, cela m’a
plu, j’ai retrouvé mes sensations. Alors,
je me suis dit que je pouvais vraiment
me réinvestir dans quelque chose de
sérieux. Même si je dois avouer, pour
être tout à fait honnête, qu’il m’est
encore difficile de trouver le bon
équilibre entre ma vie personnelle et
le groupe.
Au début, étais-tu préoccupé par la
qualité de ta voix ? Ne craignais-tu
pas de ne pas être à la hauteur
après toutes ces années passées
sans chanter « sérieusement » ?
Je n’avais vraiment aucune idée de
l’état réel de ma voix. Je savais que je
disposais encore de la technique
vocale nécessaire : c’est quelque chose
que tu n’oublies pas car, à l’époque,
j’avais pris des cours de chant avec
un professeur très réputé à Seattle :
Maestro David Kyle (Ndlr : il a notamment
travaillé avec Layne Staley, Ann Wilson,
Chris Cornell, Geoff Tate, Don
Dokken… Il est décédé en 2004). Ce
dernier m’a appris à utiliser mon
diaphragme et cet instrument qu’est
la voix de façon correcte. Mais en
effet, je n’avais pas poussé ma voix
dans ses derniers retranchements
depuis très longtemps. Alors, nous
Metallica ? Ça me fait vraiment
plaisir de me dire que nous avons
contribué à les rendre plus
populaires ! (Mike Howe)
avons fait une sorte de test sur de
vieux morceaux comme « Badlands »,
et à ma grande surprise, je m’en suis
tiré sans le moindre problème
En 2016 et 2017, vous avez
participé à de nombreux festivals
européens. A la fin des années 80
et début 90, il en existait déjà
plusieurs en Europe, mais bien
moins qu’aujourd’hui. As-tu été
surpris ou impressionné par
l’ampleur de ces manifestations ?
Oh oui ! Et je suis toujours aussi excité
à l’idée de revenir y participer ! Je
n’avais aucune idée de la prolifération
de festivals dédiés au metal dont vous
bénéficiez, vous, Européens. C’est
incroyable ! Je me suis vraiment éclaté.
La façon dont vous célébrez le metal
chez vous, c’est merveilleux !
Selon nos informations, durant ta
première partie de carrière avec le
groupe, vous n’aviez joué qu’une
seule fois en France, à Bordeaux, le
07 novembre 1994, avec Vicious
Zodiac Mindwarp. Depuis, vous
vous êtes rattrapés puisque vous
avez participé au Hellfest et au
Sylak Open Air en 2017 ! As-tu
Ce que j’aime, dans des festivals
énormes, de taille moyenne ou
modeste, c’est regarder comment les
vivent ensemble, ce qu’ils mangent,
l’ambiance. J’adore observer cela :
la culture des différents pays se
retrouve souvent dans la façon dont
les fans vivent un festival. Le Hellfest
était génial, mais j’ai aussi beaucoup
aimé le Sylak, qui est certes plus
intime, mais qui a lui aussi une vraie
identité.
Pour vous avoir vu à ce « fameux »
concert de 1994 et sur des vidéos
live de l’époque, puis ces deux
dernières années, il semble que ton
attitude sur scène a changé.
Aujourd’hui, tu as l’air vraiment
heureux d’être là et tu souris, alors
que, dans les années 90, tu donnais
l’impression d’être plus « tendu ».
Comment le perçois-tu ?
C’est sûrement la combinaison de
plusieurs choses. Je suppose que j’ai
muri. Enfin, j’espère ! (rires) Avec
l’âge, tu apprends à mieux te connaître,
à savoir qui tu es vraiment, et à
apprécier le moment présent. C’est
d’ailleurs le cas de tous les membres
du groupe : nous sommes vraiment
conscients de la chance que nous
avons de faire ce métier et de pouvoir
encore jouer à travers le monde en
donnant de la joie aux gens, alors
que nous avons tous dépassé la
cinquantaine. Et à titre personnel, je
pratique le yoga depuis des années,
ce qui m’aide sûrement à me relaxer
et à profiter des choses lorsqu’elles
arrivent.
En septembre 2017, Stet Howland,
votre batteur, a dû se battre contre
une forme de cancer très agressive.
Par chance, il a parfaitement supporté
le traitement et, depuis février
2018, il est en rémission. Comment
va-t-il aujourd’hui ?
Il va très bien, ce qui nous rend
immensément heureux. Stet a toujours
gardé une attitude positive et comba-
tive. Il m’est impossible de me
mettre à sa place et d’imaginer ce
qu’il a dû endurer durant ces mois de
traitement, mais il s’est battu comme
un beau diable et il est toujours parmi
nous ! Son combat pour sa vie nous a
beaucoup inspirés. Metal Church a dû
faire face à pas mal de problèmes et
de drames durant sa carrière, mais
celui-ci se place tout en haut de la
liste.
Il y a une expression anglaise bien
connue qui dit : « Damned if you
do, damned if you don’t » (Ndt :
quoi que tu fasses, tu auras tort).
Pourquoi avoir intitulé votre album
Damned If You Do ?
Parce que c’est très « nébuleux » et
que ça peut donner lieu à plusieurs
interprétations. Que peux-tu accomplir
dans la vie qui fait que, de toute
façon, on t’en voudra ? Chacun a pu
connaître un tel dilemme. Y
31
 GENRE
. Metal alternatif
LE GROUPE
. Richard Z. Kruspe
(chant, guitare, claviers)
. Olsen Involtini (guitare)
. Arnaud Giroux (basse)
. Mikko Sirén (batterie)
32
SITE INTERNET
www.this-is-emigrate.com
ALBUMS
. Emigrate (2007)
. Silent So Long (2014)
. A Million Degrees (2018)
ARTICLES RH
RH N°69, 148 & 193
Richard Z. Kruspe

Parfois, pour une raison inconnue de tous, on craque sur un disque diamétralement opposé à ce qu'on a l'habitude
d'écouter. Ce fut précisément le cas avec A Million Degrees, le troisième album d'Emigrate, qui ne semblait pas du tout
destiné à votre humble serviteur. D'où cette envie d'aller me frotter (c'est une image) à Richard Z. Kruspe afin d'en savoir
plus sur sa démarche solo, lui qui est avant tout connu pour être guitariste de Rammstein. La tenue ignifugée prévue n'a
été d'aucune utilité tant Kruspe est un interlocuteur affable et disert, jamais avare en explications et très ouvert au
ressenti qui lui est exprimé. En somme, un client trois étoiles pour une conversation charmante.
Rock Hard : Tu as dû reporter la
sortie de ce troisième album, notam-
ment en raison des engagements
pris par Rammstein. Ce disque,
initialement prévu pour fin 2015,
ne paraît donc qu’aujourd’hui. N’est-
ce pas terriblement frustrant ?
Richard Z. Kruspe : Oui et non. En
fait, plusieurs choses sont entrées en
ligne de compte. J’ai effectivement
commencé à travailler sur cet album
en 2015, mais j’ai rapidement fait un
burn out. Je me suis retrouvé complè-
tement dénué d’inspiration. La promo
du deuxième album avait été longue
et fastidieuse, nous avions fait
quelques belles erreurs dans notre
plan marketing. Bref, j’ai recommencé
à écrire trop rapidement et, surtout,
pour les mauvaises raisons : rester au
top, battre le fer tant qu’il est chaud,
etc. Je faisais cela sans passion, par
obligation, voire sous pression – ce
que je déteste. J’avais d’autres choses
bien plus importantes en tête : j’étais
en train de construire ma maison, le
rêve de toute une vie et un sacré
challenge. Entre construire sa propre
maison et sortir un disque, il y a un
fameux delta. Je suis allé mixer les
titres déjà enregistrés à Los Angeles
et je n’étais pas plus satisfait que
cela. J’écoutais, et je me disais :
« Mouais... », mais pas « Yeeeeaaaah ! »,
tu vois ? Ensuite, nous sommes partis
en tournée avec Rammstein, et
durant ce temps, mon studio a été
ravagé par un dégât des eaux. J’ai
perdu beaucoup de matériel, à
commencer par mes disques durs.
Comme à mon habitude lorsqu’il
m’arrive une grosse tuile, j’ai d’abord
eu un moment d’abattement du genre
« c’est la fin du monde », mais très
vite – c’est une constante chez moi –
j’ai regardé les choses extrêmement
calmement en me disant que chaque
événement avait une bonne raison de
se produire. J’ai essayé de retrouver
de mémoire toutes les chansons que
j’avais écrites pour l’album, et c’était
un mal nécessaire car cela m’a permis
de modifier certaines tonalités, certains
riffs, un tempo ou l’autre, et de regarder
les morceaux d’un autre œil... La
passion était enfin revenue ! Au final,
même si tout cela m’a occasionné pas
mal de tracasseries, ce fut un mal
pour un bien car aujourd’hui j’écoute
l’album avec satisfaction. J’en tire
donc un enseignement de vie : il est
toujours possible de tirer bénéfice de
tout, même des pires situations.
A Million Degrees est un album
hyper contrasté qui souffle le chaud
et le froid, entre certains titres qui
te collent immédiatement la patate
pour la journée et d’autres bien plus
sombres et intimistes...
Il est à mon image ! Mon humeur
varie constamment du tout au tout,
Propos recueillis par Charlélie Arnaud - Entretien téléphonique réalisé le 1er novembre 2018
parfois même d’une heure sur l’autre.
Je peux être très dynamique et
enjoué, puis, soudain, être totalement
déprimé sans raison apparente. Cela
s’explique en partie par le fait que je
suis une véritable éponge. Je suis
ultra-sensible à toutes les ondes
dégagées par mon environnement.
J’ai donc régulièrement besoin de
m’isoler pour « remettre les compteurs
à zéro », sinon je deviens fou ! (rires)
Pour les titres qui te mettent la
patate, comme j’adore le soleil, peut-
être faisait-il faisait beau ce jour-là ?
Ou alors, j’étais content de m’être
souvenu d’un riff et je l’ai donc joué
de façon plus guillerette… (rires) Il
faudra désormais que je ne sorte
plus que des chansons que j’ai
oubliées et que j’essaie de retrouver,
puisqu’ apparemment ça leur confère
une aura positive (rires).
Il y a onze titres sur l’album, et
quasiment onze singles potentiels
Depuis peu, je commence à avoir
plus de facilité à exprimer mes
sentiments. Moins peur de le faire
en tout cas (Richard Z. Kruspe)
tant les refrains sont forts et accro-
cheurs, quelle que soit l’ambiance
de la chanson. Le choix des mor-
ceaux à mettre en avant a dû être
cornélien...
Comme ces titres ne sont pas destinés
à la scène, j’ai essayé d’imaginer
lesquels sonneraient le mieux s’ils
étaient joués en live. Le choix s’est
donc rapidement porté sur « 1234 »,
un titre dont la genèse est particulière.
A l’origine, il n’y avait pas de guest au
chant sur ce titre, mais mon manager
m’a conseillé de me rapprocher du
chanteur de Billy Talent, Benjamin
Kowalewicz. Il pensait que cette
chanson collerait parfaitement à sa
voix, mais je ne savais pas du tout à
quoi m’attendre car la seule chose qui
m’avait marquée chez ce groupe était
le jeu si particulier et le son unique
de son guitariste, Ian D’Sa (rires).
Nous avons donc fait une tentative
car je m’efforce de rester toujours
très ouvert dans le cadre d’Emigrate,
et je dois avouer que le résultat m’a
bluffé. Ben a ajouté un feeling
presque punk à ce morceau, et cela
matche à la perfection. Nous nous
sommes bien amusés à tourner le clip
à Los Angeles, dans un hangar où il
devait faire 45° au bas mot (rires).
Bonne ambiance, belles rencontres
avec des gens gentils et chaleureux,
très simples et terre-à-terre. Pas du
tout le genre de groupe qui se la
raconte. Le deuxième single – qui, à
l’origine, devait être le premier – est
un titre qui me tient particulièrement
à cœur : il s’agit de « You’re So
Beautiful » que j’ai écrit pour ma fille
âgée de sept ans. Le clip à venir est
très réussi, c’est presque un petit film
dans lequel elle joue son propre rôle.
Elle a été épatante, j’étais si fier
d’elle... Dommage que je ne puisse
pas te le montrer par téléphone !
(Ndlr : Lorsque vous lirez ces lignes, ce
clip sera disponible sur les plateformes
habituelles). J’aime tellement ce titre
que j’en ai également enregistré une
version acoustique qui sortira plus tard.
Le texte parle de mon amour incondi-
tionnel pour ma fille... Avec l’âge, et
depuis peu, je commence à avoir plus
de facilité à exprimer mes sentiments
intimes. Moins peur de le faire en tout
cas. Peut-être suis-je moins en colère
qu’il y a dix ans, qui sait ? (rires)
Puisque tu évoques les invités
présents sur l’album, faisons un tour
d’horizon de ceux-ci, et commençons
par le très emblématique Cardinal
Copia de Ghost qui chante sur « I’m
Not Afraid ».
En écrivant ce titre dont l’atmosphère
est assez sombre, je pensais à sa
voix. Nous ne nous connaissions pas
à l’époque, et puis, l’idée m’est
sortie de la tête – comme beaucoup
d’autres… Mais un jour, j’ai eu besoin
d’avoir des renseignements sur un
producteur avec qui Ghost avait
travaillé et j’ai donc cherché à obtenir
le numéro de téléphone du Cardinal.
Comme il devait se rendre à Berlin la
semaine suivante, nous nous sommes
donné rendez-vous chez moi et l’entente
a été parfaite. Je lui ai donc suggéré
une collaboration sur un titre de
l’album, qu’il a poliment déclinée en
me disant qu’il n’aimait pas trop se
livrer à ce genre d’exercice. Je lui ai
tout de même fait écouter la chanson
en question, à la fin de laquelle il m’a
dit : « Ok, faisons donc cela ! » (rires)
J’aime quand ça se déroule aussi
simplement. Inviter d’autres musiciens
est l’un de mes plus grands plaisirs
avec Emigrate.
Etait-ce important pour toi d’inviter
Till (Ndlr : Lindemann, chanteur
de Rammstein) ?
Cela avait du sens puisque le titre
« Let’s Go » relate notre longue amitié
et particulièrement les 400 coups que
nous avons pu faire ensemble lorsque
nous nous sommes connus, juste
après la chute du mur de Berlin. Nous
allions à l’Ouest dans des soirées
techno, nous trainions dans des
squats jusqu’à 6h00 du matin, puis
il rentrait chez lui pour amener sa
gamine à l’école, nous nous retrouvions
ensuite, puis nous remettions ça le
soir même... C’était le « Wild West »
pour nous ! (rires) D’ailleurs, Till
était à la base le premier chanteur
d’Emigrate ! Mais très vite, lui et les
autres musiciens ne m’ont pas semblé
être très motivés par le projet, alors
j’ai continué seul. J’ai donc réécrit
cette chanson qui datait de l’époque
« Till dans Emigrate » et j’ai pondu
un texte en mémoire de ces années
complètement dingues que nous
avons vécues ensemble.
Margaux Bossieux (basse) est une
invitée permanente sur les albums
d’Emigrate. On la voit d’ailleurs
dans le clip de « 1234 ». Qui est-
elle ? Joue-t-elle dans un groupe ?
Elle joue dans un groupe punk de
New York qui s’appelle Dirty Mary.
Elle est la maman de ma fille, et...
(silence) et voilà ! (éclats de rire). Je
n’ai pas envie d’en dire beaucoup
plus, en fait.
Aucun souci ! La façon de travailler
au sein de Rammstein a-t-elle fini
par avoir une incidence sur la façon
dont tu fonctionnes avec Emigrate ?
Absolument aucune ! (rires) Emigrate
est l’antithèse totale de la « Répu-
blique Rammstein » ! C’est un projet
personnel au sein duquel je suis
libre à 100% de faire ce que bon
me semble, d’inviter qui je veux, et
surtout de pouvoir sauter d’un genre
à un autre sans rendre de comptes à
qui que ce soit. J’aime tant de
musiques différentes... Rammstein
est bien plus cadré. Quand bien même
nous essayons de nouvelles choses,
elles sonnent toujours comme du
Rammstein. C’est un peu comme si
nous étions des acteurs qui jouent
toujours le même rôle, alors
qu’Emigrate me permet d’aborder
tout type de registre. J’ai fondamenta-
lement besoin des deux pour mon
équilibre, et je l’ai trouvé.
Rammstein est ma femme, Emigrate
est ma maîtresse. Tu as beau être
très amoureux de ta maîtresse,
lorsque ta femme appelle, tu rappliques
immédiatement ! (rires)
Vous avez enregistré le nouvel
album de Rammstein en France,
au studio La Fabrique de Saint-
Rémy-de-Provence (Morrissey, Nick
Cave, Aznavour, Radiohead...). Une
date de sortie est-elle déjà prévue ?
En tout début d’année prochaine,
je dirais mars dernier délai. Ce sera
vite là ! Y
33

Chaque mois, l’un de nos journalistes, appuyer plus fort sur le champignon des riffs de guitare
pétri de bonnes intentions mais flanqué simples que ses prédécesseurs. « Brighton Rock » et
d’une incroyable mauvaise foi, extrait la « Tenement Funster » donnent ainsi le ton d’entrée de
substantifique moelle de la carrière d’un jeu, même si, dans l’intervalle, se glisse un « Killer Queen »
délirant et irrévérencieux, et surtout incroyablement
groupe afin de proposer un « guide
savoureux. Au menu, Sa Majesté nous propose
d’achat » qui n’est, bien évidemment, également l’irrésistible « Now I’m Here », le speedé
que le reflet de ses goûts douteux. Dans « Stone Cold Crazy » et un « Flick Of The Wrist » très
ce numéro, c’est Queen qui est passé au rythmé et au refrain entraînant qui dérive peu à peu
crible par Stéphane Auzilleau. vers le bucolique « Lily Of The Valley ». Sheer Heart
Attack impressionne tout particulièrement par le
naturel de la transition entre ses différents morceaux :
LES INCONTOURNABLES en effet, Queen n’a pas inséré de pauses entre les
différents titres qui, malgré des différences stylistiques
marquées, semblent former un seul et même ensemble.
SHEER HEART ATTACK A « Bohemian Rhapsody » près, Queen atteint sur cet
(EMI, 1974) album novateur et surprenant les mêmes sommets que
Sheer Heart Attack, sur son successeur : l’impeccable A Night At The Opera.
troisième opus du groupe,
est l’antichambre du
mythique A Night At The A NIGHT AT THE OPERA
Opera, avec toutefois un (EMI, 1975)
aspect rock plus développé. Quatrième album studio du
Car si Queen a toujours groupe, A Night At The
refusé la facilité ou la Opera est celui de la
monotonie en choisissant consécration. En ouverture,
d’explorer systématiquement « Death On Two Legs »,
de multiples directions musicales (les visages des que les musiciens dédient
membres dans tous les sens sur cette pochette en sont à leur ex-manager Norman
la métaphore), force est de constater que le successeur Sheffield afin de lui exprimer
de Queen II paru la même année (1974) semble tout leur mépris, renferme
34
en son sein tout ce qui fait la force
du groupe : des parties de piano,
une guitare incandescente, des
harmonies vocales outrageusement
présentes et inspirées, etc. Cet album
est extrêmement varié, avec son lot de
titres délirants (« Lazing On A Sunday
Afternoon », « Seaside Rendez-vous »),
son côté rock (« I’m In Love With My
Car » chanté par Roger Taylor), une
excursion en terres progressives
(« The Prophet’s Song »), de la pop
dans la droite lignée des Beatles
(« ’39 », « Good Company ») ou plus
ancrée dans son époque (« You’re My
Best Friend »), une incroyable ballade
(« Love Of My Life » au cours de laquelle
Freddie Mercury donne toute la mesure
de son talent, au chant comme au
piano), etc. Bref, il n’y a vraiment rien
à jeter sur ce disque qui ne contient
aucun titre faible. Toutefois, c’est bien
le mythique « Bohemian Rhapsody »,
sans conteste l’un des morceaux rock
les plus connus (notamment pour son
passage en canons), qui fait la
différence. Plus de quarante ans après
sa publication, ce classique demeure
époustouflant et l’on ne voit pas
passer ses six minutes. Queen est ici
au sommet absolu de son talent.
INNUENDO
(Parlophone, 1991)
Est-il réellement possible d’écouter
cet album sans être bouleversé et
verser une larme à l’issue des
dernières notes de « The Show Must
© DR
Go On » qui le conclut ? Mercury était
affaibli et se savait condamné lorsqu’il
a chanté ce titre en studio,
à tel point que Brian May a
plus tard confié qu’il
pensait que son comparse
n’arriverait jamais à
l’enregistrer. C’était sans
compter sur la
détermination du chanteur
: ce morceau, d’une
puissance absolument
phénoménale, atteint des
sommets encore jamais gravis. Cependant, réduire
Innuendo à son aspect le plus émotionnel ou affectif
serait une erreur car ce dernier album studio enregistré
par le groupe avec son chanteur originel est
objectivement l’un des plus beaux joyaux de la
couronne de Queen. Son époustouflant titre éponyme,
avec un solo de guitare acoustique façon flamenco
divinement interprété par Steve Howe (Yes), ouvre
superbement et puissamment le disque. Le groupe
navigue ensuite entre rock et pop, avec un sens de la
mélodie toujours aussi hallucinant, le tout servi par une
mise en son riche et ingénieuse. Les chœurs et
harmonies vocales typiques du quatuor sont toujours
présents (« I’m Going Slighly Mad »), tout comme les
guitares agressives de Brian May (qui se fait très plaisir
sur « Hitman »). Mais c’est encore Freddie Mercury qui
bluffe tout le monde tout au long de ce magnifique
opus (écoutez donc la ballade « Don’t Try So Hard » et
le quasi gospel « All God’s People »), et pas
uniquement sur son dernier titre. Difficile d’imaginer
plus belle sortie de scène.
 EGALEMENT RECOMMANDÉS
QUEEN II
(EMI, 1974)
Enregistré un mois à peine
après la sortie de son
premier disque, ce Queen
II est considéré comme
l’album qui définira
réellement les bases de
l’oeuvre de Queen.
Richement mis en son par
le producteur fétiche Roy
Thomas Baker, et structuré
en deux parties distinctes (la face blanche comprenant
principalement des chansons de Brian May et la face
noire composée par Freddie Mercury), cet album laisse
libre cours à l’imagination fertile des deux principales
forces vives du combo, tant du point de vue musical
qu’en termes de textes parfois ésotériques (« Ogre
Battle »). Et à ce petit jeu-là, force est de constater que
Freddie Mercury, également très présent au piano,
démontre une plus grande capacité à transgresser et
s’affranchir des règles. L’enchainement « The Fairy
Feller’s Master-Stroke » (d’une incroyable richesse
sonore avec son clavecin et ses harmonies vocales)/
« Nevermore » est un petit bijou. « The March Of The
Black Queen » est, quant à elle, une composition très
ambitieuse à l’ambiance médiévale assumée, tandis que
le disque s’achève en beauté sur une version complète
et chantée de « The Seven Seas Of Rhye » (le premier
album ayant proposé une version instrumentale et non
aboutie de ce même titre !), morceau à l’intro aux
magnifiques arpèges de piano devenu un classique du
répertoire du combo. Une étoile est née !
NEWS OF THE WORLD
(EMI, 1977)
Considéré comme le
dernier disque majeur de la
première partie de carrière
du groupe (même si son
successeur, Jazz, sorti l’année
suivante n’est quand même
pas mal non plus dans son
genre), News Of The World
s’ouvre sur deux titres
iconiques : le tellurique
« We Will Rock You » et l’hymne « We Are The Champions »
(morceau qui trainait dans l’escarcelle de Freddie
Mercury depuis quelque temps déjà). Difficile de faire
mieux, non ? Pour autant, la richesse de cet album ne
s’arrête pas là, News Of The World étant probablement
le disque de Queen sur lequel l’écriture est la mieux
partagée entre les différents membres du groupe. John
Deacon, le bassiste et compositeur le moins prolixe,
signe ici la magnifique ballade « Spread Your Wings »,
tandis que Freddie Mercury propose peut-être l’un des
morceaux les plus novateurs du répertoire du groupe :
l’oppressant et très sexuellement connoté « Get Down,
Make Love ». Fidèle à sa ligne directrice Roger Taylor
(batterie) signe et chante les morceaux les plus rock
(« Fight From The Inside » et « Sheer Heart Attack », en
duo avec Mercury). Brian May explore quant à lui le
terrain du blues (« It’s Late »), même si l’émulation avec
Mercury est toujours présente (« My Melancholy
Blues »). Les deux leaders se retrouvent sur « All Dead,
All Dead » composé par le guitariste (en hommage à
son chat !) pour la voix et le piano de son compagnon.
Respect et partage.
DÉCONSEILLÉ
HOT SPACE
(EMI, 1982)
Le virage des années 80 n’est pas celui qui a été le
mieux négocié par Queen, loin s’en faut, même si The
Game, sorti en juin 1980, est
un bon disque renfermant
son lot de tubes, dont
l’énorme « Another One
Bites The Dust ». Mais
Queen s’est ensuite égaré
avec la bande originale du (mauvais) film Flash Gordon
(1980), très grandement instrumentale (seuls deux
morceaux sont chantés) et globalement dénuée
d’intérêt. L’album suivant, Hot Space, qui sort 1982,
est probablement le plus faible de la discographie
« classique » du groupe. En effet, le quatuor modernise
les sons qu’il utilise, lorgnant parfois vers le funk
(« Dancer »), mais en tombant dans l’excès, voire la
caricature, à l’image de sa pochette outrageusement
flashy. C’est simple, les synthétiseurs et boîtes à rythmes
noient tous les autres instruments. Seul surnage « Under
Pressure », somptueux duo réalisé en compagnie de
David Bowie. Heureusement, les Anglais rectifieront
le tir deux ans plus tard avec The Works (1984), à la
modernité bien mieux digérée et assumée.
LE LIVE
LIVE KILLERS
(EMI, 1979)
Live Killers est le premier
album live de Queen.
Le groupe jouit d’une
réputation scénique
flatteuse car il parvient à
reproduire live des
compositions généralement
ambitieuses. Les versions
des morceaux présentées
ici, captées lors du Jazz
Tour européen au début 1979, s’avèrent néanmoins
souvent plus rock que leurs pendants studio. Dès les
premières minutes d’un « We Will Rock You » ultra
rapide, l’auditeur est pris à la gorge… Quel talent !
Entre versions à rallonge, prétextes à faire chanter le
public (« Now I’m Here », fantastique dans ce contexte)
ou à digresser instrumentalement (« Brighton Rock »),
adaptations acoustiques (« Love Of My Life ») et medleys
intelligents, Queen se réinvente sur scène, ce Live Killers
capturant toute l’énergie qui se dégage des shows du
majestueux quatuor. Le public est extrêmement présent,
donnant de la voix dès qu’il en a l’occasion, en particulier
sur la séquence finale « We Will Rock You » (joué une
seconde fois, mais dans sa version traditionnelle)/«We
Are The Champions ». Frissons garantis ! Un très grand
disque live qui constitue une excellente introduction à
la première partie de carrière du combo, sans doute la
plus créative, mais également la plus rock.
LA COMPILATION
THE PLATINUM COLLECTION –
GREATEST HITS I II & III
(Parlophone, 2000)
Queen Greatest Hits, paru
en 1981, est à ce jour le
disque du combo le plus
vendu puisqu’il s’est écoulé
à 30 millions d’exemplaires
dans le monde ! Si l’on
ajoute à ce total les ventes
du Greatest Hits II paru en
1991 et qui couvre la
période 1981/1991, cela
nous amène à plus de 50 millions. Vertigineux ! EMI a
donc décidé de ne pas s’arrêter là en publiant, en 1999,
un Greatest Hits III proposant des reprises, des live et des
remixes, certes bien moins essentiels que les hits des
deux précédents volumes, mais néanmoins sympathiques.
Ces trois best of sont regroupés au sein de The Platinum
Collection, un coffret au prix modique qui constitue donc
une compilation extrêmement complète (51 titres !) à la
fois centrée sur l’essentiel tout en sortant parfois des
sentiers battus. Que demander de plus à un best of ?
LE COFFRET
NEWS OF THE WORLD 40TH ANNIVERSARY EDITION
(Universal, 2018)
News Of The World,
avec sa pochette si
intrigante réalisée par
Frank Kelly Freas,
illustrateur de science-
fiction, se prêtait
parfaitement à une
édition super deluxe.
Il n’est donc pas
surprenant que ce soit
le premier album du
groupe (et pas le
dernier, espérons-le !)
à bénéficier d’un tel traitement de faveur car le résultat
est somptueux. Outre l’album remasterisé en CD et
non masterisé en vinyle, ce coffret au format LP
renferme un magnifique livre de 60 pages, un pass
laminé, trois posters, un CD constitué de versions
alternatives parfois franchement différentes (qui montrent
ainsi l’important travail réalisé sur les morceaux en studio)
et un troisième CD comprenant des versions live ou
instrumentales donnant au final une vue complète des
11 morceaux de ce disque. Enfin, un DVD documentaire,
The American Dream, nous replonge dans la tournée
américaine qui suivit la sortie de l’album, en particulier
un show filmé au Summit de Houston en décembre 1977.
Un magnifique objet, sur le fond comme sur la forme.
LE DVD
LIVE AT WEMBLEY STADIUM
(Eagle Rock Entertainment, 2003)
Choisir un seul DVD de
Queen a sans doute été
l’épreuve la plus ardue
de cette sélection, de
nombreux concerts du
groupe édités en vidéo
valant assurément le détour.
Impossible, en effet, de ne
pas craquer sur Live At
The Rainbow 1974 (2014),
A Night At The Odeon –
Hammersmith 1975 (2015)
ou encore l’impressionnant
Live At The Bowl filmé à Milton Keynes en 1982. Ne
ratez pas également la branlée du Live Aid 85 où
Queen écrasa toute concurrence en vingt minutes à
peine. Mais c’est ce show capté au Wembley Stadium le
12 juillet 1986 (originellement paru en VHS en 1990,
mais avec neuf titres en moins) qui illustre le mieux la
démesure de Queen, l’extravagant Freddie Mercury
tenant dans le creux de sa main les 70.000 spectateurs
présents à ce concert du Magic Tour. Ce show
extraordinaire s’avère passionnant des premières
secondes du puissant « One Vision » aux dernières
note d’une version magique de « We Are The
Champions » à l’issue de laquelle Mercury revient sur
scène en tenue de monarque. Les morceaux plus pop
(« Another One Bites The Dust », « Under Pressure »,
« Radio Ga Ga ») sont ici magnifiquement rendus,
illustrant la polyvalence et le talent du groupe. Les
passages où le chanteur se met au piano sont empreints
d’une vive émotion, permettant d’affirmer que Freddie
restera à jamais inégalable… Y
35
 GENRE SITE INTERNET
. Rock progressif transgressif www.22.no
LE GROUPE ALBUMS
. Per Kristian « Fox » Trollvil
. Flux (2010)
(chant) . You Are Creating : Limb 1 (2017)
. Magnus Børmak (guitare, . You Are Creating (2018)
chant)
. Mats Paulsen (basse, chant) ARTICLE RH
. Andreas Kjøl Berg (batterie) RH N°193

De g. à d. : Mats Paulsen, Per Kristian Trollvil,

Andreas Kjøl Berg, Magnus Børmak
36

Quand vous prenez une claque gigantesque à l’écoute d’un album, vous avez forcément envie d’en savoir plus sur ses
géniteurs, surtout lorsque vous pressentez une démarche artistique assez profonde. Alors, même si 22 n’est pas un gros groupe
signé sur un label important, nous avons fait en sorte d’aller à sa rencontre. Et cet échange avec Magnus Børmak, guitariste,
auteur et producteur du groupe norvégien, a confirmé nos intuitions. Espérons que cela vous donne envie d’écouter le
surprenant You Are Creating, un concept-album sorti fin novembre (reprenant une première partie déjà éditée en 2017).
Rock Hard : Selon toi, cela a-t-il du
sens de publier une interview de 22
dans un magazine consacré au metal ?
Magnus Børmak : (Rires) Excellente
question… Je crois que oui, car même
si nous ne jouons pas à proprement
parler du metal pur et dur, une partie
de notre public est composée de fans
de ce genre musical. Nous avons la
chance que notre musique parle à un
auditoire très diversifié. Récemment,
nous avons joué avec Leprous et Agent
Fresco, et c’est la meilleure tournée
que nous ayons effectuée jusqu’à
présent. Les musiciens de ces deux
groupes aiment vraiment 22 et nous
ont même avoué que nous les avons
inspirés, ce qui est flatteur. Nous
avons passé d’excellents moments
dans le tour-bus et le public a été génial,
à tel point que notre merchandising a
très vite été épuisé, signe que les fans
de Leprous et Agent Fresco ont été
réceptifs à notre musique.
Comment décrirais-tu votre musique
à quelqu’un qui ne vous connait pas ?
(Réfléchissant) Je dirais que nous
sommes un groupe de rock progressif
à cheveux courts ! (rires) Nous ne
jouons pas du rock progressif classique,
même si nous avons cette volonté de
proposer quelque chose de différent,
d’un peu exploratoire, d’un point de
vue rythmique par exemple. Nous
cherchons uniquement à provoquer
des émotions. Nous ne voulons pas en
mettre plein la vue car nous ne sommes
de toute façon pas des monstres de
technique : aucun de nous n’a de
formation musicale académique et
nous ne savons pas lire les partitions.
Nous jouons d’ailleurs peut-être tous
faux, mais au moins, nous le faisons
en même temps ! (rires)
Comment est né le groupe ?
Notre bassiste, Mats Paulsen, est un
ami du technicien-guitare de l’autre
formation dans laquelle je joue (Ndlr :
Gåte, un groupe de folk très populaire
en Norvège). Ensemble, nous avons
longuement évoqué nos envies musi-
cales avant de nous dire qu’il était
temps de monter le groupe dont nous
parlions depuis tant de temps. L’idée
était de voir quel genre de musique
nous pourrions produire en nous
levant à quatre heures du matin pour
composer. Nous nous sommes donc
forcés à adopter ce rythme : lever à
quatre heures du mat’, un bon petit
déjeuner, puis des séances de travail
dans notre local de répétitions pour y
créer des chansons. Et ça a donné un
résultat étonnant car, à ce moment de
la nuit, tu n’es pas totalement sorti de
tes rêves et tout est possible… comme
dans les songes. Nous avons ainsi
travaillé durant quelque temps avant
de nous rendre compte qu’il serait
préférable que nous ayons un batteur
et un chanteur. Nous étions très atta-
chés au fait de produire une musique
Propos recueillis par Stéphane Auzilleau - Interview via Skype réalisée le 17 novembre 2018
personnelle, un peu abstraite mais
surtout la plus connectée possible à
nos émotions, à l’immatériel. J’écris
toutes les paroles de nos chansons et
fais en sorte qu’elles aient du sens.
Par ailleurs, nous avons à cœur de faire
en sorte qu’il se passe musicalement
quelque chose, notamment rythmique-
ment, en arrière-plan de nos chansons
afin que l’auditeur puisse découvrir
différentes couches.
Vos chansons sont effectivement
immensément riches du point de vue
sonore et renferment notamment
des harmonies vocales complexes.
Comment procédez-vous pour les
composer et les enregistrer ?
Je passe beaucoup de temps en studio
pour l’enregistrement et la production.
Il n’y pas de recette unique. Prenons
un titre comme « Sum Of Parts » : nous
avons démarré sur la base de son
refrain et il nous a fallu du temps pour
trouver des couplets qui convenaient.
C’est ensuite Fox, notre chanteur, qui
a eu l’idée de ces harmonies vocales
en introduction. Il a également pas
mal travaillé sur des parties de synthés
Nous sommes un groupe de rock
progressif à cheveux courts
(Magnus Børmak)
que nous avons reproduites en studio
à la guitare et à l’aide d’autres instru-
ments. Les harmonies vocales arrivent
souvent très tôt et sont parfois même
l’inspiration, la colonne vertébrale,
des titres. Nous ne sommes pas du
tout dans la logique de composer un
morceau, puis de nous dire comment
nous pourrions y ajouter des chœurs
ou autres effets.
You Are Creating est un album
concept qui traite de la relation
entre celui qui produit la musique et
celui qui l’écoute…
Absolument. Je crois en effet que c’est
l’auditeur qui crée l’effet que va produire
la musique sur lui. L’artiste ne fournit
que des notes, des arrangements,
mais c’est bien celui qui écoute la
musique, qui la reçoit, qui en mesure
les effets produits. Dans ce processus,
l’aspect créatif est donc équitable-
ment partagé entre le musicien et
l’auditeur.
C’est effectivement intéressant. Cela
peut d’ailleurs s’appliquer à d’autres
disciplines artistiques : peinture,
écriture, et…
Absolument, cela s’applique à toutes
les formes d’art. J’avais vraiment
envie d’éveiller la curiosité de notre
public sur les interactions qui existent
lorsque tu écoutes un disque ou que tu
vas à un concert. Tu ne te comportes
pas en simple consommateur : tu es
bien partie prenante de l’œuvre et de
l’effet produit. C’est à toi de connecter
les notes et les mots à ton vécu, tes
pensées, tes émotions. Tu deviens
alors acteur du processus créatif.
C’est quelque chose que de nombreux
artistes ont bien en tête, mais je
voulais l’aborder explicitement.
Quand Bono de U2 chante « Je ne
peux pas vivre avec ou sans toi » (dans
« With Or Without You »), des milliers
de personnes qui se disent que
cette chanson parle d’eux, de ce qu’ils
ressentent précisément. Tout le
monde écoute le même disque, mais
l’expérience de chacun, ce que
cela lui fait ressentir, est unique.
C’est fascinant. D’où le titre de notre
album, dans lequel nous voulions
donner les meilleurs outils possibles
pour que les auditeurs les utilisent
au mieux, afin de plonger au plus
profond d’eux-mêmes et, peut-être, de
découvrir des endroits inconnus de
leur conscience.
Peux-tu nous en dire un peu plus sur
HAL22000, que vous citez comme le
cinquième membre du groupe ?
Hormis le fait que son nom est sans
doute inspiré de L’Odyssée de
l’Espace (Ndlr : le film de Stanley
Kubrick dans lequel l’ordinateur
HAL9000 prend le contrôle du
vaisseau du principal protagoniste
du film) ?
(Rires) Oui, la référence au film de
Kubrick est explicite. Je suis très
intéressé par tous ce qui est ordina-
teurs et intelligence artificielle. En
l’espèce, HAL22000 est un outil tout
à fait particulier qui va au-delà du
synthétiseur ou de l’échantillonneur.
Beaucoup de groupent jouent sur
scène avec un clic pour déclencher
des parties instrumentales ou des
choeurs préenregistrés au bon
moment. Ce n’est pas notre cas.
Nous avons beaucoup de pédales
diverses et variées, dont nous nous
servons en plus de jouer et de chanter,
mais surtout HAL22000 est un
instrument que nous utilisons tous
en même temps et qui nous permet
d’être encore plus connectés les uns
aux autres. Nous ne visons pas la
perfection, qui peut être ennuyeuse.
Nous préférons prendre des risques et
jouer … dangereusement. Les vidéos
que nous avons faites pour certains
des morceaux de cet album racontent
justement la relation entre un jeune
garçon, Akira, et une machine, HAL.
Je me suis inspiré de Blade Runner,
en particulier pour la réflexion sur
le rapport entre l’homme et la
machine, qui peut dépasser la relation
d’utilité mais peut impliquer des
sentiments. Et sur scène, HAL22000
nous aide à partager des émotions.
Ray Kurzweil, le directeur de l’ingé-
nierie chez Google, est convaincu
qu’il vivra le jour où l’on pourra
télécharger l’intégralité du contenu
d’un cerveau humain dans une
machine… Qu’en penses-tu ?
Je crois que cela arrivera, effectivement,
même si je ne sais pas quand. C’est un
peu effrayant, mais cela montre aussi
que les évolutions technologiques
doivent s’accompagner d‘une réflexion
éthique car elles font porter sur nous
d’immenses responsabilités. La seule
chose qui importe, c’est ce que tu fais
de la technologie, pas la technologie
elle-même. C’est, en tout cas, la
démarche que nous adoptons, modes-
tement et d’un point de vue artistique,
avec 22.
Votre musique n’est pas facile à
décrire… Du coup, j’aimerais que tu
me dises ce que tu penses des
groupes qui peuvent venir à l’esprit
à écoute de votre dernier album.
Commençons par Muse…
Nous adorons ce groupe, notamment
ses premiers albums. Ils ont repoussé
les limites et défini de nouveaux
standards en termes d’arrangements
de chansons pour un trio guitare/
basse/batterie. Ils nous ont inspirés
dans la manière d’utiliser des effets,
en particulier pour faire ressortir les
émotions.
Queen ?
Bien sûr que c’est une influence,
notamment en ce qui concerne les
harmonies vocales. Quand Freddie
Mercury chantait, il ne mentait pas.
Ce dernier avait vraiment quelque
chose de spécial, un rapport unique à
la vérité.
King Crimson ?
Je n’ai jamais vraiment écouté King
Crimson, mais nous adorons certains
groupes qu’il a influencés, comme
Tool, The Mars Volta ou encore
Meshuggah.
The Darkness ?
Je connais, mais ça ne fait pas partie
de mes références. Je préfère Panic At
The Disco ou des choses plus
émo/électroniques, avec des mélodies
très précises et beaucoup d’énergie.
Sur un terrain plus émotionnel, je
citerais forcément Kate Bush et Joni
Mitchell. Kate Bush est une artiste
incroyable, comme compositrice,
interprète et productrice. Elle utilise
des sons très étranges qui parviennent
à créer une ambiance absolument
unique dans chacun de ses morceaux.
J’ai un respect absolu pour elle. Elle
est dans la recherche des émotions
justes, de l’accord sons/message, et
sait s’affranchir de toutes les règles.
C’est inspirant. Y
37
 GENRE
. Hard rock
LE GROUPE
. Conny Bloom (chant, guitare)
. Franco Santunione (guitare)
. Andy Christell (basse)
. Niclas Sigevall (batterie)
. Jolle Atlagic (batterie)
SITE INTERNET
www.electricboys.com
ALBUMS
. Funk-O Metal Carpet Ride (1989)
. Groovus Maximus (1992)
. Freewheelin (1994)
. And Them Boys Done Swang (2011)
. Starflight United (2014)
. The Ghost Ward Diaries (2018)

ARTICLE RH
RH N°193

De g. à d. - Haut : Niclas Sigevall, Franco Santunione, Jolle Atlagic

Bas : Conny Bloom, Andy Christell
38

Electric Boys fait figure d'éternel outsider. Voyez plutôt : en 1989, le premier album des Suédois, Funk-O Metal Carpet
Ride, est produit par Bob Rock et se vend comme des petits pains. Le single « All Lips N'Hips » tourne en boucle sur MTV,
et le combo ouvre alors pour Alice Cooper, Mr Big ou encore Metallica. Trente ans plus tard, que reste-t-il de tout cela ?
Les membres du groupe (line-up garanti d'époque !) sont revenus de leurs rêves de gloire, mais s'accrochent dur comme
fer à leur amour de la musique et sortent leur sixième album, The Ghost Ward Diaries. Conny Bloom (guitare, chant)
nous parle sans amertume de ce parcours hors norme.
Rock Hard : Que s’est-il passé de
beau pour le groupe durant les
quatre ans qui ont suivi la sortie de
Starflight United (2014) ?
Conny Bloom : Quatre ans ? Oh
putain, le temps passe si vite... Nous
avons tourné, évidemment. J’ai aussi
publié un album solo en 2016, sur
lequel je chante en suédois... Et enfin,
nous avons pas mal réorganisé le
listing des personnes avec lesquelles
nous travaillions auparavant. Nous
avons rompu avec notre ancienne
maison de disques et décidé de sortir
ce nouvel album par nous-mêmes, via
Pledge Music (Ndlr : Site de crowdfun-
ding uniquement dédié à la musique).
Avez-vous facilement atteint le budget
requis ?
Oui, assez rapidement. Je ne sais pas
trop comment ça se passe en France
ou ailleurs, mais ce système est devenu
très courant en Suède et les gens y
sont désormais habitués. Tu n’as pas
à expliquer ta démarche en long, en
large et en travers, comme c’était le cas
au tout début de ce type d’opération,
le principe est aujourd’hui passé dans
les mœurs. Après tout, quelle différence
entre cela et le système classique de
précommande qui existe depuis toujours
et n’a jamais choqué personne ? Les
labels n’ont plus l’influence qu’ils avaient
il y a quinze ou vingt ans. Alors, si tu
as un nombre conséquent de followers
sur les réseaux sociaux, ce type de
démarche est une alternative intéres-
sante pour sortir un album. Sans parler
de la liberté artistique et financière
que tu y gagnes au passage...
Tu faisais allusion à un album solo.
Quelle en est la teneur musicale ?
Il s’agit de rock, pas de hard rock.
Davantage bluesy, parfois un peu
funky, très 70’s... En fait, une
musique qui me vient tout droit de
mon goût pour les Beatles, les Doors
et Jimi Hendrix. Le principal challenge
de ce disque était surtout de chanter
dans ma langue maternelle car je ne
m’étais jamais livré à cet exercice. Si
je prends une guitare et que je me
mets à chanter en anglais, il n’est pas
rare que je me dise rapidement :
« Merde ! Ça sonne comme tel ou tel truc
que j’ai déjà fait ! ». En suédois, ça sonne
obligatoirement « nouveau » (rires). Je
ne connais aucun autre artiste qui
fasse ce genre de classic rock chanté
dans cette langue. Et puis, cela
m’aide à expulser hors de mon
système un paquet de mélodies et de
musiques que j’ai en moi depuis un
bail et que je peux utiliser avec
Electric Boys.
Le hard mélodique et groovy pratiqué
par Electric Boys se fait de plus en
plus rare. D’autres groupes du
même acabit, comme Extreme, sont
Propos recueillis par Charlélie Arnaud - Entretien téléphonique réalisé le 14 novembre 2018
aujourd’hui très discrets dans le
paysage musical. Te sens-tu isolé,
un peu comme l’un des derniers
représentants d’une espèce ?
(Long silence) Oui, on peut dire cela. Il
est clair que la musique que nous
pratiquons n’est pas vraiment tendance.
Mais en y repensant, cela a toujours
été un peu le cas. A nos débuts, en
Suède, tout le monde faisait de la pop.
Nous étions donc hors du lot. Puis,
aux Etats-Unis, la vague funk metal a
été un véritable raz-de-marée, mais
nous n’étions pas exactement dans ce
trip non plus, qui incluait parfois des
influences hip hop ou thrash. Tant et
si bien que nous nous sommes
recentrés peu à peu sur le hard rock
en oubliant notre côté funky. Nous
sommes condamnés à être des outsiders
pour le restant de nos jours… Nous
serions probablement bien plus
riches et célèbres si nous nous étions
Nous serions probablement bien
plus riches et célèbres si nous nous
étions davantage pliés aux règles
du marketing, mais cela n'a jamais
fait partie de nos prérogatives
(Conny Bloom)
davantage pliés aux règles du marke-
ting, mais cela n’a jamais fait partie
de nos prérogatives. Si tu te sens
profondément musicien plus que
businessman, jouer quelque chose
qui ne vient pas de ton cœur ou de tes
tripes ne dure qu’un temps. Tu ne
peux pas être heureux de cette façon.
Nous avons donc pris le parti d’écrire
la musique qui nous ressemble sans
nous soucier de la hype du moment.
La carrière d’Electric Boys n’a pas
été un long fleuve tranquille, entre
les séparations, les réunions, la
gloire suivie d’un relatif oubli...
C’est presque un miracle de vous
voir toujours en piste, avec le line-
up d’origine, trente ans après votre
premier album !
Nous nous sommes séparés en 1994
après un changement de line-up et
Freewheelin, un album un peu plus
heavy dont nous étions pourtant
assez satisfaits. Le label avait dépensé
pas mal de pognon pour son enregis-
trement et a coupé les vannes pour sa
promotion. Le truc purement incom-
préhensible ! Du coup, ce disque
est sorti dans l’indifférence générale.
Il aurait fallu remonter en selle
directement pour oublier ce sale
coup, mais je n’avais pas en moi
suffisamment de bonnes chansons qui
collaient à notre style pour réécrire
un album qui tienne la route. Nous
avons donc plié les gaules. J’ai sorti
deux disques en solo avec plus ou
moins de succès, j’ai dépanné des
groupes de potes sur certaines tour-
nées, et puis, en 2004, j’ai rejoint
Hanoï Rocks avec Andy (Christell/
basse), mon binôme de toujours. Nous
avons beaucoup tourné, sorti deux
albums, et le groupe s’est séparé cinq
ans plus tard, en 2009. Nous nous
sommes alors aperçu qu’Electric Boys
nous manquait et avons donc passé
un coup de fil aux autres membres
d’origine pour savoir si l’aventure les
tentait. Lorsque nous nous sommes
tous retrouvés dans la même pièce, ce
fut très étrange car nous avions
l’impression de nous être quittés la
veille. Rien n’avait réellement changé.
De même, rejouer ensemble a été
naturel, nous avons très vite retrouvé
nos vibrations communes. Et avoir pris
un peu d’âge a été très bénéfique :
cela nous a permis d’éviter les
querelles débiles pour des petites
choses insignifiantes. Mais ce qui me
satisfait le plus est qu’il n’y a eu
aucune espèce de nostalgie dans
notre reformation. Nous voulions tous
aller de l’avant, sans passer notre
temps à ressasser nos faits d’armes
passés. C’est l’avenir qui importe : nous
sommes bien trop contents d’être
encore en vie ! (rires) Je me dois de
souligner que nous avons à nos côtés
un cinquième membre, Jolle Atlagic
(batterie). Notre batteur d’origine,
Niclas Sigevall, vit désormais à Los
Angeles. Il lui est donc impossible de
revenir lorsque nous donnons un
concert occasionnel. Il se déplace
uniquement en cas de tournée, et Jolle
est avec nous pour les dates isolées.
Et afin que tout soit équitable, ils se
sont également partagé les titres en
studio, pour l’album. Les deux ont le
même genre de groove et, humainement,
tout se passe très bien. Tout le monde
est donc satisfait de la situation.
Vous vous produisez essentiellement
en Suède ?
Oui... (gêné) C’est embarrassant car
nous voudrions jouer partout. Mais
pour des raisons indépendantes de
notre volonté, les deux albums que
nous avons sortis après la reformation
n’ont pas été distribués ailleurs que
chez nous, contrairement à ce que
notre contrat prévoyait. Les choses
vont être différentes maintenant que
Mighty Music s’occupe de nous pour
l’Europe, mais pour être tout à fait
honnête avec toi, tu es le premier
journaliste étranger auquel je parle
depuis des années. Ça te situe avec
quel sérieux le boulot a pu être torché
par notre précédent label... Et nous
avons eu la même « chance » – si je
puis dire – avec nos tourneurs.
Combien de fois avons-nous entendu :
« Si ça marche bien en Suède, on vous
cherchera des dates en Angleterre, puis
aux Etats-Unis ! ». Alors, de fait, il y a
quelques années, nous avons joué en
Angleterre et aux Etats-Unis, mais
c’est à croire que nos tourneurs ne
connaissaient que ces deux pays !
Quid de l’Allemagne, de la France, de
l’Europe en général ? Quid du Japon
où nous avons pourtant une fanbase
fidèle depuis nos débuts ? Je me plais
à penser qu’il n’est pas trop tard et
que nous pourrons rattraper le temps
perdu. Nous avons joué tout récemment
chez vous à Bully-Les-Mines (Ndlr :
le 20 octobre 2018, dans le cadre du
festival Bully On Rocks) et nous
allons revenir jouer au Raismes Fest
(Ndlr : qui aura lieu les 14 et 15 sep-
tembre 2019). Espérons que nous
pourrons aussi faire quelques dates
en clubs un peu partout dans le pays.
Depuis que nous avons ouvert chez
vous pour FM il y a des années, j’ai
toujours aimé l’accueil du public
français.
Parlons rapidement des textes de ce
nouvel album. Tu les décris comme
étant plus sombres que par le passé.
Une raison à cela ?
Deux, voire trois raisons ! (rires) Tout
d’abord, nous ne traversons pas une
époque franchement propice à la poilade
ininterrompue. Beaucoup de choses
aujourd’hui dépassent l’entendement
ou sont franchement effrayantes.
Ensuite, j’ai toujours pensé que les
textes plus graves faisaient bien sou-
vent des chansons plus intéressantes,
plus intemporelles aussi. Et enfin,
avec l’âge, je ne me vois pas passer le
restant de mes jours à chanter des
paroles comme celles de « All Hips
N’Hips » (rires). Je ne les renie aucu-
nement, mais je les ai écrites il y a
trente ans... Mes centres d’intérêt ont
évolué, heureusement.
Le nouveau single s’intitule
« Hangover in Hannover » (NdT :
« Gueule de bois à Hanovre »).
C’est du vécu ?
Absolument. En toute franchise, j’ai
choisi Hanovre pour la rime, parce
que ça sonne bien, mais j’aurais pu
écrire le même texte à propos de
dizaines d’autres villes ! (rires) Y
39

GENRE
. Hard rock
LE GROUPE
. .
Nic Maeder (chant)
. Leo Leoni (guitare)
. Freddy Scherer (guitare)
. Marc Lynn (basse)
. Hena Habbeger (batterie)
SITE INTERNET
www.gotthard.com
40
. Domino Effect (2007)
ALBUMS . Need To Believe (2009)
. . Heaven – Best Of Ballads
Gotthard (1992)
. Dial Hard (1994) Part. 2 (compilation – 2010)
. G. (1996) . Homegrown – Live In
D Frosted (live – 1997) Lugano (live – 2011)
. . Firebirth (2012)
Open (1999)
. Homerun (2001) . Bang! (2014)
. One Life One Soul – Best Of . Silver (2017)
. Defrosted II (live – 2018)
Ballads (compilation – 2002)
. Human Zoo (2003)
. One Team One Spirit – The
Very Best (compilation – 2004) ARTICLES RH
. Lipservice (2005)
. RH N°46, 66, 91, 115, 121,
Made In Switzerland – Live In 142, 172 & 193
Zürich (live – 2006)
De g. à d. : Leo Leoni, Nic Maeder & Francis Rossi

En 1997, il n’a fallu que quelques semaines à D Frosted (littéralement « décongelé »), le premier live acoustique des
Transalpins de Gotthard, pour être certifié double Disque de Platine en Suisse. Vingt et un ans après ce pic artistique et
commercial, le quintet a décidé de réitérer l’expérience avec Defrosted II et prouve à nouveau qu’une bonne composition
garde toute sa saveur même une fois interprétée de façon dépouillée. Leo Leoni, guitariste et leader du combo, fait pour
nous le point sur son actualité.
Rock Hard : Revenons d’abord sur
le premier D Frosted (1997). Qu’est-
ce qui, à l’époque, vous avait incités
à tenter l’expérience acoustique ?
Leo Leoni : C’était une sorte de mode.
Beaucoup de groupes se produisaient
dans ce genre de configuration,
notamment dans le cadre du programme
Unplugged de la chaîne de télévision
MTV. Sachant que le public aimait
ça, nous avions décidé de tenter
notre chance. De plus, nous voulions
proposer quelque chose de différent
entre notre troisième et notre quatrième
album. En revanche, le succès de D
Frosted nous a complètement pris de
court. Nous pensions que toute cette
« expérience acoustique » ne durerait
que quelques mois alors qu’en fin de
compte, nous avons tourné pendant
deux ans et demi pour défendre ce
disque ! (rires) Tout le monde était
ravi… Sauf moi !
Pourquoi ?
Lorsque Gotthard a débuté, je n’avais
qu’un seul rêve : jouer de la guitare
électrique. Le fait de me retrouver
coincé derrière une guitare sèche
pendant une aussi longue période fut
donc assez frustrant. Cela étant dit,
j’apprécie beaucoup D Frosted car il
contient de super morceaux et de
très beaux arrangements. Ce disque
a marqué une étape dans notre carrière
et je ne regrette pas une seconde de
l’avoir aussi bien défendu.
Ton mécontentement transparaît
sur le documentaire One Life, One
Soul publié en septembre dernier…
Tout le monde était content car le
succès était au rendez-vous et l’argent
commençait à rentrer. Certains memb-
res du groupe souhaitaient proposer
une musique plus grand public, mais
ce n’était pas mon cas. A cette
époque, il y a eu quelques hésita-
tions quant à notre orientation, mais
je suis convaincu que nous avons fait
les bons choix.
A quoi tient, selon toi, la réussite
d’un album acoustique ?
La qualité et la finesse du travail de
réarrangement font toute la différence.
Au sein de Gotthard, il nous est arrivé
de renoncer à bosser sur certains
titres car ils ne dégageaient rien de
plus lorsqu’ils étaient transposés à
la guitare acoustique. « I’m Your
Travellin’ Man », par exemple. A
l’inverse, certaines chansons comme
« Beautiful », qui apparaît sur
Defrosted II, ont gagné en efficacité
et en émotion. Les paroles et le message
de ce morceau précis sont encore
plus percutants lorsqu’il est joué de
façon plus fragile. Le plus important
pour moi, c’est que les compositeurs
soient satisfaits de leur travail, qu’ils
aient le sentiment d’avoir capturé
l’essence des chansons.
Quels sont tes albums « unplugged »
(Ndlr : littéralement « non branché
») favoris ?
J’adore Unplugged: Second Night
(1994) des Eagles, Unplugged… And
Seated (1993) de Rod Stewart… Je
trouve également le Unplugged
(1992) d’Eric Clapton absolument
fantastique. Les chansons ont été
remaniées avec beaucoup de talent !
J’aime aussi beaucoup de morceaux
acoustiques, notamment « Yesterday »
des Beatles et la majorité du
répertoire de Crosby, Stills, Nash
And Young.
Pourquoi avoir attendu 2018 pour
publier le deuxième Defrosted ?
A vrai dire, nous avons commencé à
plancher sur cet album en début
d’année 2010. A l’époque, j’avais
averti mes comparses d’entrée de
jeu : « La dernière fois que nous avons
publié un live acoustique, je me suis
retrouvé coincé derrière une guitare
sèche pendant plus de deux ans !
Gotthard et Coreleoni sont deux
bandes de potes avec lesquelles
je fais des choses différentes.
Un peu comme si j’avais une copine
blonde et une autre brune !
(Leo Leoni)
J’aimerais donc achever mon album solo
avant qu’on s’y mette… » Nous nous
sommes donc offert deux ans de
congés. Mais comme chacun sait,
Steve (Lee, premier chanteur de
Gotthard, décédé en 2010) est parti en
vacances et n’est jamais revenu…
(silence) Cela nous a forcé à changer
de programme. Notre nouvelle priorité
a été de retrouver un chanteur afin
de ne pas laisser Gotthard s’éteindre.
Après un certain temps, nous avons
eu la chance de rencontrer Nic
(Maeder), qui s’est avéré fantastique.
Et puisque nous avions achevé trois
albums avec Steve avant d’enregistrer
notre premier D Frosted, nous avons
décidé d’en finir trois avec Nic avant
de nous y remettre. Cela faisait huit
ans que le projet était dans les cartons
et vingt et un ans que le premier était
volet était sorti : le moment était
venu. Je suis moins réticent à l’idée
de jouer « unplugged » durant une
longue période car j’ai démarré un
autre projet dans lequel je joue
exclusivement sur une guitare
électrique : Coreleoni. Ouf ! (rires)
Defrosted II constitue-t-il la
retranscription intégrale d’un concert
ou s’agit-il d’une compilation de
plusieurs shows ?
Propos recueillis par François Blanc - Entretien téléphonique réalisé le 11 mars 2014
Même si nous avons enregistré toutes
nos prestations, nous avons choisi de
n’utiliser que celle de Brême (Ndlr :
ce show a eu lieu le 20 mars 2018).
Nous avons fait des retouches, nettoyé
les prises et effectué quelques arran-
gements supplémentaires en studio,
et notamment rajouté des lignes de
violon. Deux inédits, en revanche,
ont été entièrement enregistrés en
studio.
L’un de ces titres s’intitule « Bye Bye
Caroline » et est une collaboration
avec Francis Rossi, le leader de
Status Quo. Comment êtes-vous
entrés en contact avec lui ?
En début d’année, Nic et moi avons
participé à la tournée Rock Meets
Classic. Or, Francis faisait également
partie des invités. Un jour, j’ai fini
par l’aborder pour lui proposer d’écri-
re un morceau avec moi. Après tout,
nous avions du temps libre et je pensais
que ça pourrait être amusant. Sur le
coup, Francis s’est montré hésitant.
Mais dès le lendemain, il était dans
notre loge avec sa guitare, nous faisait
écouter une idée et nous demandait
notre avis ! (rires) Nous avons commencé
à bosser là-dessus, et à la fin de la
tournée, la composition était déjà
presque achevée. Nous avons enregistré
la batterie en Suisse, puis sommes
allés à Londres mettre en boîte ses
guitares et sa voix. C’était amusant
et 100% rock’n’roll ! Je trouve très
cool que cette chanson soit née de
façon totalement spontanée, sans
maison de disques derrière notre dos
ou volonté commerciale. De plus,
« Caroline » de Status Quo est un
morceau que j’écoutais déjà étant
gamin. Francis étant l’une de mes
idoles, collaborer avec lui s’est avéré
fantastique. J’adore « Bye Bye
Caroline ». Il y a de fortes chances
qu’il trouve sa place dans nos setlists
dès l’année prochaine !
Tu as mentionné ton nouveau
groupe, Coreleoni. Comment s’est-il
formé ?
En 2010, les circonstances m’ont
empêché de mener à bien mon projet
solo. Mais en 2014, j’ai rencontré le
chanteur Ronnie Romero (Rainbow).
Son groupe Lords Of Black assurait
la première partie de Gotthard. J’ai
flashé sur sa voix et bien discuté
avec lui. L’an dernier, je l’ai rappelé
pour lui proposer de me rejoindre
dans le cadre d’un nouveau projet.
En studio, il a enregistré sa version
de « Firedance ». J’ai immédiatement
ressenti beaucoup d’excitation…
Mais pourquoi avoir formé un
nouveau groupe qui ne reprend
quasiment que des chansons de
Gotthard ?
Après D Frosted, Gotthard a changé
de direction musicale et a cessé de
jouer certains morceaux. J’avais tout
simplement envie d’y revenir, de
retrouver un espace de liberté.
C’était le bon moment de le faire.
Ronnie a changé ma vie : à ses côtés,
je renoue avec l’excitation de nos
débuts. Tu sais, Gotthard a connu
nombre d’épreuves et de moments
difficiles. J’ai perdu mon technicien,
qui était un très bon ami, ma mère,
Steve… Lorsque Steve nous a quit-
tés, une partie de moi s’en est allée
avec lui. Ronnie m’a permis de la
retrouver. Ce fut, pour moi, la bonne
rencontre au bon moment. Gotthard
et Coreleoni sont deux bandes de
potes avec lesquelles je fais des
choses différentes. Un peu comme si
j’avais une copine blonde et une
autre brune ! (rires)
Vous avez récemment publié, sur
votre page Facebook, un hommage
à la célèbre cantatrice espagnole
Montserrat Caballé, décédée le 6
octobre dernier. Vous aviez collaboré
en 1997…
Oui, c’est exact. Nous avons donné
des concerts ensemble lors de notre
tournée acoustique. Nous l’avons
accompagnée lors d’émissions de
télévision et avons enregistré deux
versions de « One Night, One Soul »
avec elle. J’en garde de super souve-
nirs ! Nous sommes restés en contact
durant de nombreuses années…
C’était une grande artiste et une
grande dame.
Question inhabituelle pour finir :
quel est l’objet le plus insolite
qu’on t’ait jamais demandé de
dédicacer ?
Récemment, lors d’un concert en
Belgique, un fan nous a amené un siège
de toilettes ! (rires) Apparemment,
nous l’avions déjà signé en 1994 et
le mec voulait que les nouveaux
membres puissent aussi ajouter
leurs autographes ! Nous acceptons
généralement de dédicacer tout ce
qu’on nous propose, mais c’est sûrement
la chose la plus bizarre qu’on nous ait
jamais demandée. Y
Remerciements spéciaux à Messieurs
Philippe Lageat et Fabien Leroy pour
leur aide précieuse dans la préparation
de cet entretien.
41
 Propos recueillis par Morgan Rivalin - Entretien téléphonique réalisé le 14 novembre 2018
Nous avions un peu perdu Oomph! de vue, ce pionnier du metal indus’ teuton bien connu des initiés : ceux qui savent
qu’il ne singe pas Rammstein, mais fait partie de la même scène, la Neue Deutsche Härte du début des 90’s que Dero
Goi, Robert Flux et Andreas Crap (paye tes pseudos !) ont incontestablement contribué à faire émerger. Les forgerons de
Wolfsburg, ville plus connue pour l’acier de ses Volkswagen que pour son metal industriel, sont fidèles au poste et, divine
surprise, nous livrent un treizième album studio (Ritual, attendu le 18 janvier 2019) renouant avec les riffs martiaux
chers à nos cœurs. De quoi pousser un très grand « ouf ! » de soulagement...
Rock Hard : Vous avez fêté vos 25 plus... virile ! Ça bouge énormément et à Paris. Cf. Agenda). J’espère que le précision diabolique ! Ça nous permet
ans avec un album, XXV (2015), et une dans la fosse, ce qui n’est pas pour public sera tout aussi chaud que la de caler des concerts dans des
tournée qui est passée par la France nous déplaire. Il faut dire que, sur dernière fois ! endroits où nous n’aurions pas osé
en mars 2016 (Ndlr : pas moins de cette tournée-anniversaire, nous jouions Robert Flux : Cette tournée a été une aller, de peur de jouer dans une salle
cinq dates). Quels souvenirs en davantage de morceaux de nos premiers belle réussite. Nous avons joué un vide. Notre collaboration avec Napalm
gardez-vous ? albums : des titres qui motivent les peu partout en Europe, en Russie, etc. Records va également nous ouvrir de
Dero Goi : Cette tournée française s’est pogoteurs ! Je garde notamment un La révolution numérique a énormément nouvelles portes et nous permettre
très bien passée, comme toujours ! En excellent souvenir du concert de chamboulé l’industrie musicale, mais d’explorer de nouvelles possibilités.
France, pour une raison que j’ignore, Lyon, ville où nous allons d’ailleurs un aspect positif de cette dernière est Ça nous enthousiasme beaucoup !
notre public est bien plus masculin revenir en mars prochain (Ndlr : le qu’il est désormais bien plus facile de
qu’ailleurs. Ça donne une ambiance bien groupe passera également à Strasbourg voir où tu as des fans. C’est d’une Depuis bien longtemps vous n’étiez

42
 pareille, mais dans les faits, les
différentes branches locales ont du mal
à se coordonner. Il y a des pays – ceux
qui ne t’auraient jamais offert un deal
– qui se moquent de ton groupe et qui
t’empêchent de trouver ton disque
partout dans le monde le même jour.
Bien sûr, nous n’avons jamais eu de
problèmes en Allemagne, en Autriche
et en Suisse, et parfois, nous avons eu
la chance que les majors jouent le jeu
en France, mais ailleurs, ça a toujours
été assez compliqué… Cette fois, il
était vraiment important pour nous
que Ritual sorte le même jour partout,
dans sa version CD, mais aussi en
vinyle. Nous avons discuté avec huit
maisons de disques différentes, des
labels indépendants et des majors, et
nous avons très bien accroché avec
les gens de Napalm.
Dero Goi : Et puis, on peut dire que
le contenu bien plus metal et sombre
de Ritual correspondait bien à un
label comme Napalm.
D’où vient cette envie de ce qui
s’apparente en quelque sorte à un
retour aux sources ?
La tournée XXV en est sans doute
responsable. Nous avons joué tous
ces titres de notre premier album
(Oomph!/1992) ou encore de Defekt
(1995) qui ont mis le feu aux salles de
concerts. Au moment où nous nous
sommes réunis dans notre local pour
jammer, ce que nous n’avions pas fait
depuis bien longtemps, nous avons eu
envie de composer des morceaux tout
aussi puissants. Je crois que le premier
titre écrit a été « In Namen Des
Vaters », une compo dotée d’un riff
bien martial. Ça nous a montré la voie
à suivre. Et histoire de garder le
contrôle et être sûrs de livrer un
produit « 100% Oomph! », nous avons
produit et mixé ce disque nous-
mêmes. Ceux qui ne l’aimeraient pas
peuvent directement s’adresser à
nous ! (rires)
Comment expliquez-vous ce titre,
Ritual ?
Nous l’avons justement choisi parce
qu’il peut être expliqué et interprété
de nombreuses façons. Il y a les
rituels sans danger, ceux que nous
De g. à d. : Robert Flux, Dero Goi pratiquons tous au jour le jour, et il y
& Andreas Crap en a d’autres qui font beaucoup plus
peur. Les meurtres rituels, par exem-
ple. Certains disent que ce ne sont que
distribués que par des majors : des légendes, mais personnellement,
Virgin, Sony, Universal... Pourquoi je n’en suis pas si sûr ! J’aime les
avoir jeté votre dévolu sur un label mots porteurs de significations
indépendant ? multiples, de la plus anodine à la plus
Avec les majors c’est toujours le même sombre...
problème : elles te disent qu’elles
sont présentes dans le monde entier Quel message voulez-vous véhiculer
et que leur force de frappe est sans avec « Europa » ?
GENRE ALBUMS ARTICLES RH
. Metal industriel . de donner les clés aux obscurantistes.
Oomph! (1992) RH N°03, 30, 55 & 193
. Sperm (1994)
LE GROUPE . Defekt (1995)
. Dero Goi (chant, batterie, . Wunschkind (1996)
programmation) . Unrein (1998)
. Plastik (1999)
. Andreas Crap . Ego (2001)
(guitare, claviers) . Wahrheit Oder Pflicht (2004)
. GlaubeLiebeTod (2006)
. Robert Flux . Rohstoff (live - 2007)
(guitare, samples, basse) . Monster (2008)
. Des Wahnsinns Fette Beute
SITE INTERNET (2012)
. XXV (2015)
www.oomph.de . Ritual (2019)
Plutôt qu’un message, c’est un simple
constat que nous faisons. Nous obser-
vons l’Europe comme un patient, un
malade, car il ne fait aucun doute
qu’elle ne va pas très fort... Je ne sais
pas si elle agonise, mais à certains
moments, ça en a tout l’air ! Pour
nous, c’est un simple fait. Je me
doute que certaines personnes ne
partageront pas ce point de vue, et je
le respecte, mais personnellement, je
ne suis pas très optimiste. Sur le
plan politique, l’Europe va très mal.
Les extrémistes gagnent du terrain
dans différents pays parce qu’un
peu partout, les gens ont peur du
changement...
Robert Flux : C’est une chose normale
et je pense qu’il faut arrêter de les
montrer du doigt. La peur engendre
des choix radicaux. Il faut entendre
ces peurs et s’efforcer d’y répondre
pour les désamorcer. Cacher la pous-
sière sous le tapis et prétendre que
tout va pour le mieux dans le meilleur
des mondes est sans doute la pire
chose à faire !
Dero, tu as déjà fourni aux médias
un communiqué à propos du mor-
ceau « TRRR - FCKN - HTLR »,
comme si ce morceau avait été mal
compris… alors qu’il n’a pas encore
été diffusé !
Les humains font des erreurs, c’est
même à ça qu’on les reconnaît !
(Dero Goi)
Dero Goi : (Rires) C’est vrai. Disons
que j’ai préféré prendre les devants...
S’il est bien une chose que j’ai apprise
depuis la naissance de Oomph!, c’est
qu’il existe une catégorie de personnes,
une sorte de police morale, qui VEUT
mal interpréter les chansons. Ce n’est
pas qu’elle se plantent : elle veut
vraiment ça et se nourrit de la moindre
polémique stérile. Je me doute que ce
morceau a des chances d’être incom-
pris car il touche à des sujets ultra
sensibles comme le terrorisme et le
néo-nazisme. Sous ses aspects provo-
cateurs, c’est une chanson qui prône
simplement la liberté d’expression.
Elle dit que si nous commençons à
censurer et à empêcher d’aborder
librement certains sujets comme la
religion, nous ne vaudrons pas mieux
que ceux que nous prétendons com-
battre. Pire : nous rentrerons dans
leur jeu et créerons de dangereux
précédents. Le danger est de ne plus
voir la vie qu’en noir et blanc, sans
toutes ses nuances. Ça ferait le lit des
démagogues et autres populistes. Des
sociétés éclairées comme les nôtres
ne peuvent et ne doivent pas accepter
La réponse à ce problème complexe
se trouve sans doute dans l’écoute, la
tolérance et la liberté d’expression,
mais dans cette chanson, nous nous
contentons surtout de poser des
questions, pas de prêcher…
En parlant de prêche, vous avez une
nouvelle fois été inspirés par le
scandale des viols perpétrés par des
membres de l’Eglise catholique. Il faut
dire que l’Allemagne est particuliè-
rement concernée...
Oui, ça concerne des milliers d’enfants…
C’est un scandale sans précédent
(Ndlr : Entre 1946 et 2014, plus de
3’600 enfants auraient été abusés
sexuellement par plus d’un millier de
prêtres en Allemagne) et c’est effecti-
vement ce qui a inspiré le morceau
« Das Schweigen Der Lämmer » (Ndt :
Le Silence Des Agneaux). Même si les
faits allemands sont particulièrement
graves, il faut savoir que c’est un
problème mondial qui touche de
nombreux pays. En tout cas, il ne fait
pas de doute que ce sont ceux qui
viennent constamment nous rebattre
les oreilles avec la morale qui ont le
plus de squelettes dans le placard !
Cette chanson ne fait que rappeler ce
triste fait établi.
« In Namen Des Vaters » (Ndt : Au
Nom Du Père) parle-t-il aussi de
religion ?
Pas vraiment. C’est surtout un morceau
qui parle du clonage humain et des
problèmes éthiques que ce dernier
n’est pas sans poser. Ça m’a été en
partie inspiré par le film Bienvenue A
Gattaca (1997) que j’ai adoré et que je
revois régulièrement. Un être humain
parfait est-il un véritable être humain ?
Les humains font des erreurs, c’est
même à ça qu’on les reconnaît ! Ils
font des erreurs et apprennent de ces
erreurs… Enfin, parfois ! (rires)
Comment expliquez-vous que vous
soyez encore réunis tous les trois
dans Oomph! après toutes ces
années ? C’est plutôt rare...
Robert Flux : C’est vrai. Je pense que
l’explication est à chercher du côté de
notre goût pour la créativité. Nous
nous sommes bien trouvés. Nous
avions la même ambition artistique
et le même rêve, et c’est toujours le
cas aujourd’hui. Nous avons toujours
voulu consacrer nos vies à la
musique. Ça n’a jamais été un hobby,
ni une passade : c’est un projet de
vie. Et accessoirement, nous nous
apprécions !
Dero, révises-tu le français en vue
des concerts de mars ?
Dero Goi : Oh, tu sais, je sais surtout
dire « Voulez-vous coucher avec moi ce
soir ? », ce qui sera très à propos sur
la scène de La Machine du Moulin
Rouge ! (rires) Blague à part, je parle
très mal français, mais je viens quand
même régulièrement réviser chez
vous. L’hiver, je révise en skiant au
Grand-Bornand, et l’été, j’aime beau-
coup réviser sur les plages du Cap
d’Agde !
Ah, un habitué des plages nudistes !
(Rires) Non, non, je suis un Allemand
prude... mais je mate énormément !
(rires) Y
43

K.K. Downing, resté silencieux et on ne peut plus discret depuis son départ de Judas Priest en 2011, a, depuis ce début d’année,
brisé la loi du silence qui a toujours régné au sein du Metal God anglais. Avec sa récente autobiographie, Heavy Duty - Days And
Nights In Judas Priest, qui renferme certains passages édifiants et des propos qui ne sont pas passés inaperçus suite au retrait
de Glenn Tipton de ses activités live, le blond guitariste sème le trouble… Sans détours, il s’est confié à nous.
Rock Hard : Pourquoi as-tu ressenti
le besoin, sept ans après ton départ
de Judas Priest, d’écrire cette auto-
biographie ?
K.K. Downing : Plusieurs personnes
m’ont suggéré d’écrire un tel livre. A
vrai dire, on m’en parle depuis que j’ai
quitté le groupe. Au départ, je n’étais
pas trop intéressé, mais le temps
passant, j’ai commencé à y penser,
l’idée m’apparaissant plus attractive
au fil des mois. Et puis, si je ne m’y
étais pas mis alors, peut-être aurait-il
été trop tard pour le faire par la suite.
Mon but premier était que les fans me
connaissent un peu mieux et, bien sûr,
de pouvoir raconter des choses sur
ma vie avec Priest sur la route ou en
studio, de dire comment ce metal a été
créé, et enfin d’essayer d’expliquer les
raisons qui ont fait que je suis parti du
groupe. Car beaucoup de suppositions
ont circulé quant à mes motivations.
C’est pourquoi j’ai souhaité mettre les
choses au point.
Ecrire sur sa propre vie fait fatalement
resurgir des souvenirs joyeux, mais
aussi d’autres plus douloureux. T’a-
t-il parfois été pénible de repenser à
certains événements précis ?
Je ne savais pas vraiment à quoi
m’attendre. En fait, j’ai beaucoup
parlé avec Mark Eglinton, l’écrivain
fantôme de ce livre : au départ, parler
de choses aussi personnelles à quelqu’un
que je ne connaissais pas si bien que
ça, et en particulier tout ce qui avait
trait à mon enfance, a été la partie la
plus difficile, à l’évidence. Mais au fil
des rencontres avec Mark, les choses
ont commencé à devenir plus décon-
tractées. Alors, lui parler de choses
« indiscrètes » s’est avéré plus facile
que je ne l’avais imaginé. C’est ainsi
que j’ai pu entrer dans le détail de
cette transition entre mon début de vie
compliqué et le fait que je me retrouve
finalement à jouer sur les plus grandes
scènes du monde entier.
Judas Priest a toujours été très secret,
mystérieux : ainsi, par exemple, très
peu de choses ont filtré, plus encore
avant l’ère d’Internet, quant aux rai-
sons d’un changement de musicien
ou à certaines décisions semblant
curieuses vues de l’extérieur. N’as-tu
pas craint que l’on t’en veuille de
briser le silence en te montrant
« trop honnête » ?
Je comprends parfaitement ce que tu
veux dire, mais après avoir décidé
d’écrire ce livre, je me devais de tout
44
Propos recueillis par Benji - Photos Marc Villalonga - Entretien téléphonique réalisé le 19 octobre 2018
dire et me montrer très précis sur le
cours des événements. Etre honnête
était la seule façon de faire. Et si cela
devait ennuyer certaines personnes,
ou avoir certaines répercussions, eh
bien, qu’il en soit ainsi. Telle est la
vérité. Heureusement, je dois dire que
ce bouquin a été très bien reçu, personne
n’ayant vraiment critiqué son contenu.
Si quelqu’un fait quelque chose d’inap-
proprié, d’amoral ou de non éthique,
à un moment donné peut-être a-t-il
besoin qu’on le lui dise.
Ta jeunesse, comme tu le soulignais
précédemment, n’a pas été des plus
faciles. Est-ce que tu crois que cela
t’a donné la force nécessaire pour te
battre et réussir dans ce métier
qu’est la musique ?
Oui, sans aucun doute. Vivre et grandir
Composer avec Glenn a toujours
fonctionné. Ça aurait été plus
difficile si nous avions dû partager
une cellule de prison : là, il aurait
vraiment fallu que nous prenions
sur nous pour parvenir à nous
entendre ! (K.K. Downing)
dans un environnement « hostile » a,
sans que je le sache à l’époque, façonné
ma personnalité. Et en de nombreux
points, cela m’a donné cette volonté
de réussir à tout prix, quel que soit le
prix à payer. Le fait d’avoir eu du
succès m’a fait sortir de ce combat
victorieux, mais j’imagine que, dans
le cas contraire, cela m’aurait énor-
mément affecté. Après, tout n’a pas
été sans embûches, évidemment. Ma
personnalité fait que j’ai su, à certains
moments, me mettre en retrait et
accepter certaines choses avec lesquelles
je n’étais pas forcément d’accord.
D’un autre côté, j’étais fort, déter-
miné, plein d’assurance, persévérant.
Et je suis persuadé que ces qualités
me sont venues de la façon dont
j’ai grandi. Si j’étais né dans une
famille riche et sans problème, il est
probable que j’aurais gentiment
attendu qu’on me donne ce que je
voulais. Alors que là, pour obtenir ce
dont je rêvais, j’ai dû faire beaucoup
de sacrifices.
Tu as eu la chance de voir Jimi
Hendrix en concert à plusieurs
reprises. A quel point a-t-il influencé
ton jeu ?
Lorsque je l’ai vu pour la première
fois, en novembre 1967 au Coventry
Theatre, je commençais tout juste à
jouer de la guitare, si on peut appeler
ça « jouer de la guitare » ! (rires) J’étais
juste un fan parmi tant d’autres. Le
voir en concert fut vraiment un truc
incroyable. Il n’y avait absolument
rien de comparable. A partir de l’âge
de quinze ans, je me suis mis à écouter
tout un tas de musiciens de blues :
John Mayall And The Bluesbreakers,
Cream… Mais Hendrix, c’était autre
chose. Un esprit libre. Et je me disais :
« Waouh, quelqu’un arrive à faire ça
avec une guitare ! » (rires) Il a été ma
principale source d’inspiration, mais à
l’époque, mon niveau était bien trop
faible pour que je puisse ne serait-ce
qu’envisager de le copier. Mais j’ai
bien sûr emmagasiné tout cela dans
mon esprit.
Tu cites le premier et unique album
éponyme de Quatermass (1970)
comme le disque qui a déclenché en
toi cette envie de te frotter à des
sons plus lourds et « sombres ». Ceci
étant dit, les premiers albums de
Black Sabbath, Led Zeppelin et
même In Rock de Deep Purple
étaient déjà sortis. Tu n’y avais pas
prêté attention ?
Si, bien sûr. J’adorais In Rock, en
particulier pour la superbe voix de Ian
Gillan. Et j’étais très heureux que
Black Sabbath ait réussi à sortir ses
deux premiers albums. Mais tu sais,
Judas Priest tournait déjà pas mal à
travers l’Angleterre à cette époque,
et nous écrivions déjà nos propres
morceaux. Et puis, aussi bonnes
qu’étaient les trois formations que tu
viens de citer, elles ne me touchaient
pas autant qu’Hendrix : aucune ne
pouvait rivaliser avec ce que j’avais vu
et entendu à plusieurs reprises avec
Jimi. Pour moi, il possédait déjà ces
ingrédients heavy que je recherchais,
et sans que je le sache, il m’a fait
écouter les premiers morceaux de
heavy metal de ma vie. C’était bien
différent de tous ces groupes aux
racines blues que j’aimais aussi, mais
qui n’arrivaient pas à franchir un
palier. C’est pourquoi je n’ai jamais
vraiment recherché d’autres artistes
desquels m’inspirer. Quatermass,
quand tu y penses, n’avait même pas
de guitariste ! J’aimais l’émotion que
dégageaient des titres comme « Post
War Saturday Echo » et « Black Sheep
Of The Family » (Ndlr : qui a été repris
par Rainbow sur son premier album).
J’aimais aussi Taste, Free, Jethro Tull,
The Kinks, les premiers albums des
Rolling Stones… Mais encore une fois,
ils me semblaient se cantonner à du
rock, du progressif et du blues. De
mon côté, j’essayais de créer quelque
chose qui n’existait pas encore en
m’inspirant principalement d’Hendrix.
Un nom qui n’apparaît jamais dans
ton livre est celui de Wishbone Ash.
Ce groupe a-t-il influencé, d’une
façon ou d’une autre, votre jeu de
guitare en duo avec Glenn Tipton ?
Je connaissais ce groupe, mais je n’ai
jamais eu l’occasion de le voir sur scène
à l’époque, pas plus que récemment. Il
ne m’a donc pas influencé. Je dirais
même que je suis devenu plus fan du
groupe ces dernières années que dans
ma jeunesse. J’aimais bien Wishbone
Ash, mais de la même façon que j’ai-
mais Fleetwood Mac, Savoy Brown,
Chicken Shack… Je pouvais écouter
ses albums, mais ses guitares étant trop
mélodiques pour moi, ils ne dégageaient
pas l’émotion que je recherchais.
Lorsque Glenn nous a rejoints, j’ai
vraiment adoré l’idée que nos deux
guitares puissent enfin délivrer cette
lourdeur que je m’employais à obtenir
depuis quelque temps. Je voulais jouer
des harmonies, mais pas des choses
gentillettes : des ambiances plus
sombres. Les groupes à deux guitares
venaient beaucoup de la côte ouest des
USA : le Grateful Dead, James Gang,
les Doobie Brothers, etc. Or, je n’étais
pas fan, je trouvais ça trop mignon !
(rires) Et parfois, Wishbone Ash me
donnait un peu ce même sentiment.
J’ai toujours cherché à façonner ce
heavy metal dont je rêvais, mais qui
 Avec British Steel (1980),
notre musique
s’est métamorphosée
en heavy metal
(K.K. Downing)

Rob Halford & K.K. Downing

46
n’existait pas comme je l’aurais souhaité.
Aujourd’hui, il y a énormément de grands
groupes de metal sur la planète, mais
à l’époque, tu peux imaginer à quel
point j’étais frustré ! Il y avait des
signes avant-coureurs : Hendrix, et
peut-être Black Sabbath et Deep
Purple… Mais je pense qu’histori-
quement, Judas Priest a été l’un des
premiers groupes à avoir été étiqueté
comme étant « heavy rock ». Lorsque
nous avons poussé la chose plus loin
encore, avec nos tenues en cuir, les
clous, et publié British Steel (1980),
tout s’est parfaitement mis en place :
le son, les chansons, la pochette, notre
look, bien sûr, qui collait enfin à notre
musique, qui, sur ce disque, s’est
métamorphosée en heavy metal.
Nous avons été très surpris de
découvrir à quel point ta relation
avec Glenn Tipton fut compliquée
durant l’ensemble de ta carrière avec
Judas Priest, et ceci, dès le début.
De l’extérieur, vous donniez pourtant
une impression de force et d’unité et
sembliez former un duo de guitaristes
ultimes, complémentaires et indisso-
ciables. Etait-ce difficile de composer
de la musique avec Glenn, sachant
que tu n’étais pas toujours très
heureux de certaines décisions
prises en coulisses ?
(Hésitant) Glenn et moi avons passé
tant de temps ensemble… C’est comme
toute relation : chacun étant différent,
il peut être difficile de travailler
ensemble et il n’est pas toujours facile
de se comprendre. Il y avait de petites
choses qui se tramaient dans l’ombre…
J’ai tout de suite su que Glenn et moi
étions différents, depuis le premier
jour. Mais bien évidemment, nous avions
aussi de très nombreuses choses en
commun. Nous étions tous deux des
scorpions, des guitaristes solistes,
nous adorions pêcher et jouer au golf
et au tennis… Ces centres d’intérêt
nous réunissaient. Et, bien entendu, la
musique. Nous bossions bien ensemble.
Je pense qu’il est juste de dire que j’ai
toujours essayé de faire en sorte que
notre musique soit heavy et émotion-
nelle. Ce que Glenn nous a apporté a
probablement été le côté un peu plus
« commercial » de Priest. J’ai accepté
ses idées en pensant, à juste titre,
qu’elles aideraient le groupe à connaître
plus de succès. Je n’aimais pas certaines
de ses chansons, mais ceci dit, est-ce
que j’ai moi-même proposé des compo-
sitions plus accessibles ? Peut-être,
peut-être pas, je ne sais plus trop en
vérité ! Dans mon esprit, j’étais celui
qui apportait ce côté heavy à la
musique. Alors, pour en revenir à ta
question, composer avec Glenn a tou-
jours fonctionné. Ça aurait été plus
difficile si nous avions dû partager une
cellule de prison : là, il aurait vraiment
fallu que nous prenions sur nous pour
parvenir à nous entendre ! (rires)
De toutes les tournées que tu as pu
faire à travers le monde, tu dis te
souvenir de façon très précise de
celle effectuée en première partie
d’AC/DC fin 1979. Vous aviez alors
donné pas moins de dix concerts en
France. C’était la première fois que
vous jouiez chez nous. Quels souvenirs
en gardes-tu ?
C’était génial ! Cette tournée, dans
son ensemble, fut absolument parfaite.
Nous jouions tous les soirs devant
beaucoup de monde. Franchement,
l’un de mes regrets est que nous
n’ayons pas donné plus de concerts en
France avec Judas Priest. Je n’ai
jamais vraiment compris pourquoi, et
ça reste une vraie frustration. Car
sincèrement, tous les shows que nous
avons donnés chez vous ont été super.
Le Zénith de Paris est une salle que
j’ai toujours aimée. Avec AC/DC, ce
fut un vrai plaisir car ces gars nous
traitaient vraiment bien. Ils étaient
également très humbles. Je me souviens,
à l’époque (Ndlr : décembre 1979) avoir
joué deux soirs à Nice, ainsi que deux
fois dans la même journée à Paris.
En février 2018, lorsque Glenn a
décidé de ne plus partir en tournée
avec le groupe à cause de sa maladie
(Ndlr : Parkinson), tu as déclaré être
choqué qu’on ne t’ait pas proposé de
revenir dans Judas Priest. Penses-tu
que tu aurais pu t’entendre musica-
lement avec Richie Faulkner, qui t’a
lui-même remplacé en 2011 ? Et
humainement, comment penses-tu
que ça se serait passé avec Rob
(Halford/chant), Ian (Hill/basse) et
Scott (Travis/batterie) que tu n’as à
priori pas revus depuis sept ans ?
Je crois que Richie et moi aurions pu
constituer un duo de guitaristes féroces.
Je crois que Richie Faulkner et moi
aurions pu constituer un duo de
guitaristes féroces (K.K. Downing)
Je ne pense pas que cela aurait posé le
moindre problème. J’ai dit que j’étais
choqué et stupéfait qu’on ne m’ait pas
proposé de revenir car Rob, Ian et
Scott savaient parfaitement que j’avais
principalement quitté Priest parce que
j’étais malheureux dans ma relation
avec Glenn et notre management.
Glenn avait pris l’habitude de boire
trop de bières avant et pendant les
concerts. Notre musique devenait
imprécise, ce qui m’ennuyait beaucoup.
Il me rendait nerveux sur scène. Je
sais que nous donnions encore de
chouettes concerts et que les fans ne
se rendaient compte de rien, mais moi, en
tant que musicien, je m’en apercevais.
Le groupe dans son ensemble ralentis-
sait la cadence et devenait feignant.
De mon côté, je donnais le maximum
et bougeais autant que possible, mais
Glenn buvait des bières entre chaque
titre, Rob lisait son téléprompteur,
disait les mêmes choses au public depuis
vingt ans et ne faisait pas vraiment
participer les fans… Pour moi, il est
très important d’en donner pour leur
argent aux fans qui viennent nous voir
en concert car ils paient leur billet,
mais pas seulement. Cela s’accompagne
souvent de l’achat d’un tee-shirt, de
frais de déplacement, parfois d’une
nuit d’hôtel, d’une baby-sitter (rires).
Bref, ça leur coûte parfois beaucoup
d’argent. C’est pour ça que le groupe
se devait de se donner à 100%, ce qui
n’était plus le cas. Sincèrement, je
donnais tout, et j’avais cette sensation
que mes camarades me laissaient tomber.
Je ne parle pas d’Ian car il a toujours
été solide et fiable. Mais regarde Scott
sur des vidéos filmées lors de notre
dernière tournée commune : on a
l’impression qu’il s’ennuie. Probablement
parce qu’il ressentait la même chose
que moi, que ce qui se passait sur
scène n’était pas adéquat. Pour moi,
l’avis des fans est primordial. Le fait
que Glenn ne puisse continuer et qu’on
ne m’ait pas demandé de revenir, c’est
à mes yeux manquer de considération
pour ce que les fans auraient voulu.
Ces derniers ont le droit de parole et
d’exprimer leur opinion. Enfin, c’est ce
qu’il me semble. Le groupe aurait pu
me téléphoner, sachant qu’il m’aurait
été aisé de rempiler sans les erreurs
de Glenn sur scène, nous rendant ainsi
vulnérables. J’ai travaillé dur pour que
nous proposions des concerts carrés,
tant visuellement que musicalement,
et sur la fin, ce n’était plus ça. Je ne
prenais plus autant de plaisir sur
scène à cause de cette déperdition de
qualité. En studio, si tu fais une
erreur, tu peux refaire la prise encore
et encore, jusqu’à ce que le résultat
soit parfait. Sur scène, tu n’as qu’une
seule chance pour que ça passe. J’ai vu
des vidéos de Richie sur scène : c’est
un musicien très carré, il n’est pas
ivre, et cela s’entend.
Lorsque tu faisais partie de Judas
Priest, tu n’avais pas le désir
d’enregistrer un disque solo.
Aujourd’hui que tu en as la liberté et
le temps, est-ce une chose à laquelle
tu penses ?
Peut-être. Je vais m’enfermer en studio
cet hiver, et comme il semble que je ne
serai jamais plus impliqué dans Judas
Priest en tant que musicien, alors
peut-être qu’au printemps prochain,
j’y penserai… Il est vrai que je ne l’ai
jamais envisagé lorsque j’étais avec
Priest car je trouvais que ça n’avait
aucun sens. Pourquoi certains musiciens
bien ancrés dans un groupe à succès
se lancent dans des projets solo ?
Honnêtement, je crois qu’il ne s’agit
que d’un problème d’égo. Pourquoi,
faisant partie d’un super groupe
comme Judas Priest, ressens-tu le
besoin de créer de la musique pour toi
et non pour le groupe ? Est-ce que, sur
le premier album solo de Glenn,
Baptism Of Fire (1997), ou celui de Rob
(Ndlr : KK doit faire référence à War Of
Words de Fight paru en 1993), il y a
quoi que ce soit d’assez bon pour
figurer sur un disque de Judas Priest ?
Quelle est ton opinion ?
Eh bien, certes, le premier disque
solo de Glenn n’est pas un classique
du genre ; En revanche, et même si la
musique est très différente de celle
de Priest, je pense que le premier
Fight est un excellent disque… Mais
pour être franc avec toi, je pense que
la meilleure chose qui ait été enre-
gistrée par un membre de Priest en
solo est le Resurrection (2000)
d’Halford, le groupe. De cet album,
certains titres auraient largement eu
leur place sur un disque de Priest…
Mais pourquoi ? J’ai travaillé dur toute
ma vie pour composer les meilleures
chansons possibles pour Judas Priest,
du mieux que j’ai pu. Si Rob, ou Glenn
d’ailleurs, possède de super morceaux
qui sont assez bons pour figurer sur un
album de Priest, alors pourquoi donc
n’en-font-ils pas bénéficier le groupe ?
Et dans le sens inverse, si ces titres ne
sont pas assez bons pour Priest, alors
pourquoi perdre un temps précieux,
tant le leur que celui du groupe et des
fans, à enregistrer ces trucs ? Il a fallu
six ans à Glenn pour arriver à bout
de son album, alors que nous aurions
pu nous concentrer à faire avancer
Priest…
Pour être honnête, il faut se souvenir
que Rob avait quitté le groupe
depuis neuf ans lorsqu’il a sorti
Resurrection et qu’il n’était en
aucun cas impliqué dans le groupe à
ce moment-là...
C’est absolument vrai. Il a d’abord
sorti ses deux albums avec Fight et
2wo. Pas terrible du tout, à mon sens.
Quant à Resurrection, qui fut une
réussite grandement dûe au fait que
Roy Z soit impliqué, il renferme en
effet d’excellents morceaux. Mais
pourquoi faire un disque qui sonne
comme du Priest ? Pourquoi, dans ce
cas-là, avoir quitté le groupe ?
Sans vouloir me faire l’avocat de
Rob une nouvelle fois, ce dernier
avait auparavant assouvi ses désirs
d’ouverture musicale avec Fight et
2wo, et, encore une fois, cela faisait
neuf ans déjà qu’il vous avait quittés.
On ne peut pas lui en vouloir d’avoir
eu envie de revenir à ses racines à ce
moment-là…
Tu marques un point. Mais je crois que
le problème que j’ai eu avec ça, c’est
que lorsqu’il est parti en 1991, il a dit
dans la presse que Judas Priest n’était
plus assez heavy pour lui et que c’était
pour cela qu’il fondait Fight. Pour, au
final, faire un disque qui sonne comme
du Priest avec Roy Z. Il y a une sorte
d’hypocrisie là-dedans qui m’ennuie.
Mais bon, c’est ainsi. Je suppose qu’au
fond, ce qui m’a le plus embêté, c’est
de voir ces bons titres composés avec
Roy ne pas finir sur un disque de
Priest ! C’est dommage.
Ton voyage avec Judas Priest fut
riche en bien des points, et votre
héritage est immense. Mais vu de
l’extérieur, on peut avoir le sentiment
que, depuis que tu as quitté le
groupe avec une certaine animosité,
tu ne peux plus apprécier la valeur
de cet héritage à sa juste valeur.
Qu’en penses-tu ?
Ce qui est arrivé est assez triste, et il
aurait été fantastique que je puisse être
encore investi jusqu’à la fin de Judas
Priest. Mais finalement, avec le recul,
ça ne n’ennuie pas plus que ça si cela
devait signifier que, sous la pression,
il m’ait fallu dire « oui » alors que,
clairement, la vraie réponse était
« non »… L’opportunité s’est présentée,
avec le départ de Glenn, que je fasse
mon retour. Ça ne s’est pas fait, et cela
a le mérite de prouver une chose : le
nom de Judas Priest est plus grand que
ceux des membres qui le composent.
Et tant que Rob sera là pour chanter
ces morceaux, les fans seront présents.
Car comme tu l’as dit, l’héritage de ce
groupe est immense. Alors, tant que
Rob chantera ces titres, il y aura
toujours un Judas Priest. Y
47
 Propos recueillis par Djul - Entretien téléphonique réalisé le 02 octobre 2018
Dans la continuité d’Affinity paru en 2016, Haken affirme toujours plus son identité metal sur Vector. Cette patte
contemporaine ne fait toutefois pas totalement l’impasse sur le rock progressif plus à l’ancienne qui l’a fait connaître à
ses débuts. C’est le long de ce fil tendu entre deux genres que les Anglais jouent les funambules avec un brio certain, il
faut l’avouer. Sous le feu de nos questions, le guitariste et principal maître d’œuvre Richard Henshall prouve d’ailleurs
qu’il est bon équilibriste, ne perdant jamais la ligne directrice de sa formation de toujours.
Rock Hard : Revenons tout d’abord montrés encore plus pressants sur la tremblements de caméras et mouve- et classiques captées lors de cette
sur L-1VE, votre premier album tournée d’Affinity en réalisant que, ments de foule compris ? soirée aux Pays-Bas, au Melkweg
live. Je crois comprendre que vous justement, nous célébrions notre C’est vrai que cela apporte un plus et d’Amsterdam. Le rendu est chouette
avez cédé à la pression populaire première décennie. Les planètes un peu d’originalité. Cette petite touche et permet de s’immiscer dans la foule,
par rapport à cette sortie ? étaient donc alignées, et cela nous a est venue de mon technicien guitare. comme si « vous y étiez » ! En tout
Richard Henshall : Exact ! (rires) également permis de clore un chapitre Il s’occupe aussi d’approvisionner nos cas, on ressent bien l’énergie sous cet
Cela fait maintenant dix ans que nous avant d’en ouvrir un autre avec ce médias sociaux en images et vidéos. angle. Et cette première sortie live nous
formons un groupe professionnel, nouvel album. C’est lui qui a eu l’idée de se placer a donné des idées : celle, par exemple,
alors j’imagine qu’il était temps pour dans le public et de filmer des de proposer en téléchargement des
nous de respecter cette tradition. Comment vous est venue l’idée compléments d’images, plus bruts, albums live « bruts » renfermant les
Comme tu le dis, c’était une demande d’inclure, sur ce DVD, des prises qui ont ensuite été ajoutés aux concerts complets de plusieurs
récurrente de nos fans, qui se sont de vue réalisées depuis le public, prises de vues plus professionnelles dates de nos prochaines tournées. Ou

48

envisager un documentaire sur la vie
en tournée, même si cela peut être
incroyablement peu excitant ! A suivre…
Vector, plus qu’un virage à 180
degrés, s’inscrit dans la continuité
d’Affinity, n’est-ce pas ?
Il est clair qu’il s’agit d’une progression
ayant Affinity pour point de départ,
mais certainement pas d’une rupture
GENRE
. Metal progressif
LE GROUPE
. Ross Jennings (chant)
. Richard Henshall (guitare)
. Charlie Griffiths (guitare)
. .
Conner Green (basse)
. concurrence ou émulation ?
Ray Hearne (batterie)
. Diego Tejada (claviers)
avec ce dernier. Cela s’explique par le
fait que, pour Affinity, nous avions
changé notre approche de l’écriture
afin d’adopter un mode bien plus
collaboratif que par le passé, et que
nous avons conservé cette formule
pour Vector. Ces échanges d’idées dès
le départ sont franchement différents
de l’époque où je composais la plus
grande partie des titres seul, les autres
membres contribuant simplement aux
arrangements. Cette approche a
contribué à forger notre nouveau son
et notre nouvelle direction, et nous
sommes désormais plus familiers
avec cette manière d’opérer, ce qui
explique que deux ans seulement se
sont écoulés entre les deux disques.
Cela étant dit, je pense que Vector est
un album plus sombre et doté d’une
production encore plus innovante que
son prédécesseur.
Un titre comme « 1985 », de votre
précédent album, semble en tout cas
avoir eu une grande influence sur
cette nouvelle direction, que ce soit
à travers l’utilisation d’une batterie
électronique ou les sons de claviers.
C’est criant à l’écoute du nouveau
titre « The Good Doctor »…
Tout à fait. Comme je te le confiais
lors de notre précédente interview
(Cf. RH164), les bandes-son des
années 80, et particulièrement celles
Notre nouveau disque évoque les thèmes de la
psychologie humaine en se basant sur les expériences
réalisées en la matière dans les années 50 et 60
(Richard Henshall)
composées par Vince DeCola
De g. à d. : Diego Tejada, Ray Hearne, Richard Henshall,
(Transformers, Rocky IV), ont largement
influencé « 1985 ». Nous avons gardé
Ross Jennings, Conner Green & Charlie Griffiths
cette référence dans notre son en
continuant à recourir à du matériel
analogique plutôt qu’à des arrange-
ments orchestraux ou symphoniques,
comme par le passé. Diego (Tejada/
claviers) a beaucoup expérimenté avec
ces claviers vintage, mais aussi ses
samplers, et il est d’autant plus motivé
qu’il peut désormais sortir sa guitare-
claviers sur scène et être lui aussi
une star, comme Ryo Okumuto de
Spock’s Beard, en moins fou quand
même ! (rires) L’occasion, pour le public,
de voir enfin ses doigts travailler !
Sur « Puzzle Box », les passages
djent, électro, et des vocaux à la
Gentle Giant s’enchainent : est-ce
un bon résumé du melting-pot de
vos influences et de l’ampleur de
votre registre musical ?
Absolument, et c’est de loin l’un de
mes moments favoris de l’album.
Nous avons demandé à l’un de nos
SITE INTERNET ARTICLES RH
www.hakenmusic.com RH N°164 & 193
ALBUMS
. Aquarius (2010)
. Vision (2011)
. The Mountain (2013)
. Affinity (2016)
L-1VE (live – 2018)
. nouvelle scène metal progressive :
Vector (2018)
amis, Pete Jones, qui tient les claviers
sur mon autre projet, The Nova
Collective, et qui faisait aussi partie
d’Haken il y a bien longtemps (Ndlr :
de 2007 à 2008, avant même le premier
album Aquarius paru en 2010), de nous
aider. C’est un gros fan de musique
électronique ; il en joue également
dans des projets parallèles. C’est lui
qui est intervenu sur ces passages
en remixant même la rythmique de
batterie. Quant aux parties vocales,
l’inspiration est bien entendu venue
des canons de Gentle Giant ou encore
de ce que Neal Morse a pu proposer
au sein de Spock’s Beard lorsqu’il en
faisait encore partie. L’ensemble est
assez unique, c’est vrai, et sera sans
doute un sacré challenge à restituer
en concert : nous allons probablement
devoir simplifier l’ensemble, surtout
les parties de batterie qui ont été
multipliées par échantillonnage en
studio.
Est-ce que le fait de jouer des
morceaux de Dream Theater avec
son ex-batteur, Mike Portnoy, sur
sa tournée The Shattered Fortress
l’an dernier, a eu un impact sur
votre écriture, notamment sur le
titre « Veil » ?
Bien entendu. Il serait stupide de le
nier tant c’est évident. Il faut savoir
être détendu avec ses influences et se
laisser naturellement inspirer par
celles du moment. « Veil » a justement
été composé lors de cette incroyable
tournée. Alors, évidemment, répéter
et tourner pour reprendre ces compo-
sitions de Dream Theater a impacté
notre écriture.
Mike est-il une sorte de parrain
pour vous ?
Oui, et c’est un peu irréel. J’ai grandi
au son de sa musique, en allant voir
Dream Theater à l’Hammersmith Odeon,
puis à Wembley ; Alors, le fait qu’il nous
aide depuis si longtemps et que nous
partagions la scène ensemble est
assez incroyable. Jouer cette musique
à ses côtés demeure l’un des plus grands
moments de ma carrière à ce jour. Je
suis conscient que nous n’aurions
certainement pas réussi à capter
l’attention de certains de ses fans,
désormais fans de nous, sans son aide,
sans qu’il ne parle de nous durant ses
interviews ou dans ses posts sur
internet. Mais je ne veux pas non plus
oublier quelqu’un comme Jordan (Ndlr :
Rudess, claviériste de Dream Theater)
qui a lui aussi été à nos côtés depuis
le départ et qui a également contribué
à nous « placer sur la carte ».
Quelle est votre relation à Leprous,
avec qui vous partagez le même label
et le titre officieux de leader de la
Emulation, bien entendu ! Einar
(Ndlr : Solber, frontman de Leprous)
chante sur « The Architect » d’Affinity
et nous avons tourné ensemble par le
passé, en 2013. Ce sont donc des amis.
Nous allons d’ailleurs repartir sur la
route ensemble ce mois-ci, aux Etats-
Unis. J’adore le mélange de passion et
de précision dont ils font preuve en
concert : je les respecte au plus haut
point. Bien entendu, les comparaisons
sont inévitables entre nous, même si
je pense que nous sommes bien plus
différents musicalement que ce que
certains veulent bien entendre.
J’adorerais pouvoir reproduire cette
affiche en Europe, les fans seraient
ravis, mais je sais que Leprous vient
de tourner en Europe avec Agent
Fresco. Il faudra donc sans doute
attendre encore un peu…
Comme tu le disais, Vector sonne
encore plus metal que tout ce que
vous avez réalisé par le passé. De ce
point de vue, quel a été l’apport
d’Adam Nolly Getgood (Devin
Townsend, Periphery) avec qui vous
avez travaillé pour la première fois ?
Très important ! C’est un gars adorable
et qui a les pieds sur terre. Très vite,
nous avons su que nous allions porter
notre dévolu sur lui : dès le stade des
démos où il est apparu évident que
nous nous orientions vers un disque
très axé guitares et riffs. Adam ne
vivant qu’à deux heures de chez nous,
à Londres, nous avons pu bénéficier
de sa présence en continu, jusque
dans les réglages de la batterie et de
chaque micro, ce qui va au-delà du
travail habituel d’un producteur.
Nous avons même pu aller à son
studio et choisir nos amplis et nos
pédales avec lui, à l’avance. Nous
n’avons jamais eu autant d’interactions
avec un producteur par le passé.
Quel est le concept qui se cache derrière
ce nouveau disque et cette pochette
sous forme de test de Rorschach ?
Nous avons fait paraître, il y a quelques
semaines, le premier extrait du disque,
« The Good Doctor », car il sert de teaser
pour l’histoire évoquée sur celui-ci. Ce
titre pose les bases : il parle d’un
sinistre docteur fasciné par la thérapie
par électrochocs. En traitant l’un de
ses patients via ce procédé, il révèle des
mémoires enfouies dans l’inconscient
de ce dernier. Les autres morceaux
sont donc vus à travers les yeux de ce
patient. Plus généralement, le disque
évoque les thèmes de la psychologie
humaine en se basant sur les expériences
réalisées en la matière dans les années
50 et 60. Nous nous sommes également
amusés à inclure quelques références
musicales ou textuelles à notre passé,
que seuls nos fans les plus pointus
pourront déceler. C’est un peu comme
une chasse aux œufs de Pâques… Il y
en a également quelques-uns dans le
livret : à vous de les trouver ! Y
49
 Noël approchant, nous vous soumettons ces dix cadeaux, superbes et minutieusement sélectionnés par notre
équipe, en croisant fort les doigts pour que ce bon vieux Santa Claus épluche soigneusement vos lettres et ne

WHITESNAKE
se plante pas en garnissant sa hotte.

Unzipped – Acoustic Adventures (Super Deluxe Edition)

(Rhino/Warner)
Si David Coverdale n’est pas très productif en ce
moment dès lors qu’il s’agit de proposer du
nouveau matériel (si l’on fait fi du Purple Album
de 2015, simple album de reprises, le dernier
opus studio de Whitesnake, Forever, date de…
2011), l’ex-chanteur de Deep Purple s’y entend
comme personne pour multiplier les « produits »
parallèles : albums et DVD live (Live At Donington
1990, Made In Japan, Live In ’84 : Back To The Bone,
The Purple Tour, etc.), compilations à gogo (au moins sept best of depuis 2000 !), sans oublier un minutieux

MARILLION
Clutching At Straws
(Parlophone/Warner)
En 2017 et 2018, deux chefs d’œuvre de Marillion, Misplaced
Childhood (1985) et Brave (1994), sont ressortis dans un coffret Deluxe.
Nous vous avons alors dit le plus grand bien de ces deux rééditions
dans nos numéros 179 et 186. C’est aujourd’hui Clutching At Straws qui
bénéficie de ce traitement de faveur. Ce disque, initialement paru en
1987, fut le dernier enregistré par le groupe anglais en compagnie du
chanteur écossais Fish. Il est aujourd’hui présenté dans un petit coffret
élégant renfermant quatre CDs et un Blu-ray : au menu, niveau audio,
l’album remixé en 2018 par Andy Bradfield et Avril Mackintosh, treize
démos (dont neuf figuraient déjà sur le remaster de 1999, ce qui
signifie – si l’on compte bien – que quatre d’entre elles sont inédites),
ainsi qu’un concert donné à Edimbourg (Ecosse) le 19 décembre 1987,
cinq jours après que Marillion se soit produit à Bercy (hé oui, le groupe
se produisait à Bercy à l’époque !). Sur les 19 titres proposés, seuls
quatre (« Slàinte Mhath », « Sugar Mice », « Incommunicado » et
« White Russian ») figuraient sur The Thieving Magpie paru en 1988.
Nous avons ici droit à un show captivant boosté par un Fish trop
travail de restauration initié, en 2017, par un coffret célébrant le trentième anniversaire du classique 1987
paru en… 1987 (ça vous la coupe, pas vrai ?). Un an plus tard, le label Rhino, dont le nom est souvent gage
de qualité, remet le couvert avec cet Unzipped – Acoustic Adventures qui, cela n’étonnera personne, compile
dans un coffret (de format identique à celui de 1987) tout ce que le Blanc Serpent a enregistré en acoustique,
en studio mais aussi en live. Au menu, pas moins de cinq CDs et un DVD. Une première galette reprend
neuf chansons d’amour (on ne refera pas le David !) enregistrées en studio pour Into The Light, album solo
de Coverdale, mais aussi Forevermore et Good To Be Bad, ainsi que deux instrumentaux bonus (« Wherever
You May Go » et « Love Is Blind »). Le CD2 revient sur le génial Starkers In Tokyo (1997), dix titres captés
au Japon le 5 juillet 1997 en compagnie du guitariste Adrian Vandenberg, deux titres supplémentaires,
« Only My Soul » et « Fool For Your Loving », figurant pour la première fois sur CD. Le troisième disque
s’inscrit dans la continuité du Starkers In Tokyo, puisqu’il contient des sessions acoustiques enregistrées à
Varsovie (18.04.1997), Stockholm (02.12.2006), Cologne (24.11.2006) et même Paris (30.11.2006, dans la
Salle des Billards de l’Olympia/Cf.RH62 – un article reproduit dans le livret de 64 pages présent dans ce
coffret !), Coverdale étant accompagné de Vandenberg sur la première prestation et de Doug Aldrich sur
les trois dernières. Du tout bon ! Le CD4 propose des répétitions inédites de 2005, mais aussi Starkers In
New York, quinze titres enregistrés à la Cutting Room le 10 avril 2008, toujours avec Doug, ainsi que des
extraits des WSTV Jams de 2012 et d’un soudcheck de 2011. Sur les cinquième CD, les fans trouveront des
idées diverses et variées de démos, tandis que le DVD leur permettra de visionner les shows déjà
mentionnés de Tokyo 1997 (uniquement disponible au Japon jusqu’ici) et de New York 2008, mais aussi
des captations bootlegs de Stockholm 2006, Cologne 2006, Sofia 2015, Paris 2009, Wolverhampton 2011
et Glasgow 2011, ainsi que divers bonus. En plus du livre précédemment évoqué, un poster et un livret de
20 pages complètent ce coffret hautement intéressant à réserver toutefois aux complétistes.

METALLICA
heureux de jouer « à la maison » et porté par un public exubérant qui Prix indicatif : 54€
donne de la voix. Parmi les moments de bravoure à retenir, un « Assassing »
propulsé en version rapide, « Incubus » (non joué à Paris), « Warm Wet
Circles », « That Time Of the Night » ou encore « Garden Party » et un
« Market Square Heroes » transpercé par un clin d’œil au « My Generation » …And Justice For All – Remastered (Deluxe Boxset)
de The Who. Bien plus complet que le concert tronqué de Londres du (Universal)
05 novembre 1987 figurant dans le coffret Early Stages (2008), très Attendu comme le messie par les fans du bassiste Jason
sensiblement différent de celui de Milan (26.01.1988) du coffret Curtain Newsted, le coffret renfermant toute l’histoire du
Call (2004), plus abouti que le set de la VHS Live From Loreley (18.07.1987) quatrième album des Four Horsemen, originellement
sortie en 1987, il est peu de dire que ce show vaut le détour et justifie à paru en 1988, place la barre encore plus haut que ses
lui seul l’achat de cette version Deluxe. Quand on sait que le Blu-ray trois prédécesseurs. Il faut dire que tout au long de
contient différentes versions remastérisées de l’album (48/24 PCM l’ascension fulgurante de Metallica, Lars Ulrich, en
Stéréo Mix, 48/24 LPCM Audio 5.1 Mix, 48/24 DTS Master Audio 5.1 archiviste maniaque, a pris soin de mettre de côté les
Mix), le mix originel, ainsi que trois titres bonus remastérisés en 1999, moindres documents concernant le groupe. Résultat :
trois clips de (« Incommunicado », « Sugar Mice », « Warm Wet Circles »), un coffret dont le volume a doublé en comparaison des
un livret d’une soixantaine de pages et un documentaire d’une heure rééditions de Kill’Em All (1983) et Ride The Lightning
voyant le groupe au complet (y compris Fish, donc) revenir sur la genèse (1984). Au menu ici, six vinyles, parmi lesquels l’album
de ce disque, impossible de ne pas penser qu’à ce prix-là, c’est donné ! remasterisé, le picture-disc single de « One », et surtout

ACCEPT
Au fait, l’album est formidable…
Prix indicatif : 29,99€
Symphonic Terror – Live At Wacken 2017
(Nuclear Blast/PIAS)
Wolf Hoffmann, guitariste et leader d’Accept, vous en
parlait dans notre précédent numéro (Cf. RH192) :
Symphonic Terror – Live At Wacken 2017 retrace, comme
son nom l’indique, le concert événementiel que le combo
allemand a donné au mythique W.O.A. le 3 août 2017
devant 80.000 spectateurs. Pour l’occasion, son set était
découpé en trois parties bien distinctes : cinq titres (dont
deux extraits du récent The Rise Of Chaos) assurés par
Accept, six extraits de Headbangers Symphony, album
instrumental d’Hoffmann, interprétés en compagnie de
l’orchestre symphonique de Prague, et enfin un best of de dix titres lui aussi joué en
compagnie des musiciens classiques. Cette prestation hors-normes est aujourd’hui
disponible en format CD, mais aussi proposée aux fans du combo teuton dans un joli
coffret composé de trois vinyles et d’un beau livret de 24 pages aux dimensions LP préfacé
par Hoffmann et illustré de photos qu’on croirait issues d’un tour-programme. Ce coffret
existe également dans une version renfermant trois vinyles couleur or, uniquement
disponible sur le site du label Nuclear Blast.
Prix indicatif : 46,20€
l’extraordinaire, l’inénarrable, concert donné à Seattle
en août 1989 et originellement publié en VHS au sein
du fameux coffret Live Shit : Binge & Purge (1993). Ajoutez à cela pas moins de onze
CDs (!!!) et il ne restera plus de place pour le dessert. Parmi ceux-ci, le trésor pour les
fans reste le cinquième disque constitué de mix bruts sur lesquels la basse de Jason est
enfin audible, trente ans après ! Quant à savoir si Metallica a eu raison de la baisser au
mix final, à vous de juger… S’ajoutent à ces morceaux d’Histoire les deux reprises sur
lesquelles a bossé Mike Clink, premier producteur de l’album viré au bout de quelques
semaines (Cf. RH192). De quoi se faire une bonne idée du travail de celui qui, un an
plus tôt, avait sonorisé un certain Appetite For Destruction. Autre offrande à faire se
pâmer n’importe quel fan : deux CDs de démos, riffs et jams issus des archives de
James Hetfield qui permettent d’appréhender plus clairement que jamais la manière
dont fonctionnaient les Américains à l’époque. Il est toutefois dommage de ne pas
avoir fait figurer les prises de basse enregistrées par Cliff Burton alors que le groupe
était en studio pour Master Of Puppets (1986) et qui ont ensuite donné naissance au
titre « To Live Is To Die ». Trois live complètent la section CDs. Il y a aussi quatre
DVDs : deux concerts d’époque, une compilation d’interviews, ainsi qu’un recueil de
vidéos faites par des fans, façon Cliff ’Em All (1987). Côté goodies : des patchs, un
poster, un pass laminé, les textes manuscrits de James reproduits avec soin et, surtout,
un imposant bouquin de 120 pages retraçant la genèse de l’album. Est-il utile de
conclure en précisant que ce coffret est indispensable ?
Prix indicatif : 170,99€

50
 DEVIN TOWNSEND L’ERE METAL
Eras I, Eras II, Eras III
(Inside Out/EMI)
TOME 1 : 1954-1988
(Bruno Piszczorowicz)
Ces derniers mois, Devin Townsend réédite ses albums en vinyle dans une
(Camion Blanc)
collection nommée « Eras ». Le premier coffret, Eras I, paru en juin dernier,
Bruno Piszczorowicz (qui a dû galérer à
renfermait sa récente tétralogie composée de Ki (2009), Addicted (2009),
l’école au moment de l’appel, mais doit être
Deconstruction (2011) et Ghost (2011). Eras III, qui verra le jour le 7 décembre
un champion émérite de Scrabble) n’a aucune
(peu ou prou au moment où vous lirez ces lignes), sera pour sa part constitué
– mais alors aucune – pitié pour le Père Noël.
d’Accelerated Evolution (2003), Epicloud (2012), Sky Blue (2014, le sixième
En atteste cet ouvrage de 1077 pages qui a
album du Devin Townsend Project faisant originellement partie du double
notamment pour intérêt, si vous n’arrivez pas
concept-album Z²), Transcendence (2016) et Live At Royal Albert Hall (la partie « By Request » du concert figurant sur
au bout, de pouvoir caler efficacement un
l’album Ziltoid Live At Royal Albert Hall paru en 2015). Intéressant tout ça, assurément, mais c’est bien le Eras II (sorti
meuble Conforama ou assommer votre conjoint quand il vous gonfle.
en août 2018) que nous vous recommandons avant tout. Et pour cause, ce coffret renferme, à notre sens, ce que le
C’est déjà beaucoup. Mais trêve de plaisanterie, ce pavé dans la
génie canadien a publié de mieux ou, en tout cas, une grande partie de son acmé. Jugez-en vous-mêmes : Ocean
« mhard » (aspirine, svp !) doit être salué pour la somme colossale de
Machine (1997), Infinity (1998), Physicist (2000), Terria (2001) et Synchestra (2006). Ah oui, quand même ! Exception
boulot que son auteur a dû abattre pour en venir à bout. Comme
faite de Infinity et Synchestra, simples LPs, ces chefs d’œuvre, spécialement masterisés pour l’occasion, sont ici
toujours avec l’éditeur Camion Blanc, on regrettera l’absence d’une
proposés en version double LP 180 grammes, avec pochette ouvrante, photos et commentaires de l’artiste. Disponible,
iconographie (le metal étant l’un des genres musicaux les plus visuels
selon les éditions, en vinyle noir, transparent ou orange, ce coffret roboratif de 3,5 kilos est limité à 2.500 exemplaires
qui soient) qui aurait flatté l’œil, rendant la lecture de cette somme
(2.000 pour le Eras I, bientôt épuisé). Mais croyez-nous sur parole, il n’a pas besoin de ça pour attirer le chaland, les
moins « aride ». Mais pour le reste, impossible de ne pas tirer un
albums qu’il renferme (dont certains ne sont plus réédités par ailleurs) étant d’authentiques joyaux. Ceux qui ne jurent
grand coup de chapeau à Bruno (ne comptez pas sur moi pour
que par le sublime Ocean Machine, au hasard, ne nous contrediront pas. Prix indicatif : 96,99€
retaper son nom…) pour ce travail de bénédictin retraçant la genèse

SMALL VICTORIES : THE TRUE STORY OF FAITH NO MORE

du metal et ses pérégrinations jusqu’en 1988, la suite devant être
traitée dans un second tome. L’essentiel (et bien plus ça) y figure,
agrémenté, entre autres, de petits Top 5 ludiques permettant, par
(Adrian Harte) (Jawbone) exemple, d’apprendre qu’Honoré de Balzac faisait la même taille
« Le mec a fait un sacré travail de recherche, ça se voit. J’ai appris plus d’une chose sur Faith qu’Angus Young et que la coquine Tawny Kitaen, muse peu farouche
No More... Et je suis dans le groupe ! » Ainsi parle bassiste Billy Gould de Small Victories, la de David Coverdale, s’est « pécho » (on reprend le terme utilisé) O.J.
biographie qu’Adrian Harte a consacrée à l’une des formations les plus atypiques de la Simpson, sacripan s’il en est. Comment, enfin, rester de glace devant
scène électrifiée de ces 35 dernières années. Vous avez dit atypique ? L’auteur, très pointu, un livre débutant par une citation du philosophe Karl Popper (qui
occupe dans la « vraie » vie le poste de Media Intelligence Manager au sein de l’UEFA (Ndlr : n’était pas la moitié d’un couillon) que nous soumettons à votre
l’Union Européenne de Football), mais en bon fan, il est également à la base du site expertise : « Il n’y a pas de certitude absolue concernant la vérité,
newfaithnomore.com. Bill Gould, Roddy Bottum (claviers) et Mike Bordin (batterie), les trois mais seulement un progrès de nos conjectures, c’est-à-dire de la
murs porteurs du groupe, sont au cœur du récit. Nous les découvrons adolescents, avant résistance des théories aux falsifications. Connaître, c’est ne cesser
même que la moindre note ne s’échappe des instruments qu’ils mettent alors au service de de corriger ses erreurs ». Vous avez quatre heures ! Joyeux Noël !
leurs premières formations pré-FNM (Sharp Young Men et Faith No Man). Il est 1077 pages - Langue : français
véritablement passionnant de suivre pas à pas ce qui va mener ce trio d’ados un peu branleurs à accoucher d’un des Prix indicatif : 40€

LED ZEPPELIN BY LED ZEPPELIN

combos les plus novateurs du rock alternatif américain. Si de nombreux intervenants (membres, ex-membres et
proches) sont de la partie, il est bien sûr regrettable que Mike Patton (chant) n’ait pas souhaité participer à l’entreprise
de fouille de Harte. Celui-ci, Dieu merci, exhume de nombreuses interviews d’époque du fantasque chanteur sans nuire
à la cohésion du texte. Il évite surtout un écueil majeur en ne déifiant pas ce groupe aux relations humaines aussi
complexes que sa musique. Son regard est celui d’un fan raisonné qui ne manquera pas de séduire les passionnés A Moment Suspended In Time
(anglophiles) du combo de San Francisco. (Reel Art Press)

K.K. DOWNING
(avec Mark Eglinton)
Heavy Duty - Days And Nights In
Judas Priest
(Constable)
De manière générale, Judas Priest a
toujours entretenu un certain mystère
autour de ses membres et du
fonctionnement interne au groupe. Et si
ses musiciens ont toujours accordé de
nombreuses interviews sans rechigner, certains volets de leur
carrière semblaient destinés à rester hermétiques à toute
personne extérieure au cercle très fermé du combo et de ses plus
proches collaborateurs. Cette aura de secret est aujourd’hui
partiellement levée avec la publication de Heavy Duty - Days And
Nights In Judas Priest, la première autobiographie d’un membre
historique de la légende anglaise (n’oublions pas qu’Al Atkins, le
premier chanteur du groupe, a édité, en 2009, une biographie
intitulée Dawn Of The Metal Gods, très informative sur ses
premiers pas modestes). Ce livre, pour l’instant, est uniquement
disponible en anglais, malheureusement. Mais à tous ceux qui
350 pages - Langue : anglais - Prix indicatif : 17€ Afin de célébrer le cinquantième
anniversaire de sa formation, la
légende Led Zeppelin publie
aujourd’hui un magnifique livre de
photos retraçant sa carrière, de ses débuts au concert événement donné en
compagnie du batteur Jason Bonham à l’O2 Arena de Londres le 10 décembre 2007.
Manquent certes à l’appel quelques « instants » comme l’effroyable show du Live Aid
(1985) et celui donné en clôture du 40ème anniversaire du label Atlantic (1988), ainsi
que l’intronisation au Rock’n’Roll Hall Of Fame en 1995, mais on peut légitimement
penser qu’ils ont été volontairement écartés, Jimmy Page, Robert Plant et John Paul
Jones ne gardant pas d’excellents souvenirs de ces prestations. Car ce sont ces trois-là
et personne d’autre (c’est là le charme principal de ce livre « officiel », doit-on le
rappeler) qui se sont impliqués en sélectionnant eux-mêmes les nombreux et très
beaux clichés ici imprimés avec soin. Des photos signées de quelques-uns des plus
grands noms du métier (au hasard, Bob Gruen, Neal Preston, Michael Zagaris, Ross
Halfin, etc.), dont beaucoup étaient jusqu’ici demeurées inédites et qui suivent les
quatre Led Zeppelin sur scène, en studio, chez eux, en voyage, backstage, etc. Cerises
sur le Dirigeable, le label Atlantic et le mythique studio de design Hypgnosis
(responsable de pochettes légendaires pour Led Zeppelin, mais aussi Pink Floyd, AC/DC, UFO, Black Sabbath, Scorpions, etc.)
ont également accepté d’ouvrir leurs archives pour ce projet, ce qui nous vaut notamment de découvrir des sessions
réalisées pour les pochettes d’albums comme Presence (1976) et In Through The Out Door (1979). Chaque cliché
bénéficie d’annotations bien utiles, voire d’anecdotes, permettant de déguster les 368 pages de cet imposant
ouvrage comme un cru millésimé. Un morceau d’Histoire.
368 pages - Langue : anglais - Prix indicatif : 59€

maîtrisent la langue de Benny Hill, nul doute que ce bouquin de
288 pages apprendra de nombreuses choses, surprenantes,
amusantes, et parfois même gênantes sur ce géant du British
Steel. K.K. Downing, qui a quitté Judas Priest en 2011, s’était à
l’époque montré plus qu’évasif quant à sa décision de mettre un
terme à ses 32 ans de carrière avec la formation de Birmingham.
Aujourd’hui, il revient en détails sur l’accumulation de décisions
discutables, d’attitudes ambigües et de relations conflictuelles
(ouvertement ou non) avec certains membres du groupe, et plus
particulièrement avec Glenn Tipton, qui a mené à son départ.
Mais s’il règle ainsi certains comptes, ce livre va heureusement
bien plus loin que cela, de nombreuses pages étant consacrées à
l’enfance difficile du petit Kenneth, puis à ses premiers pas dans
le monde du rock, et, bien sûr, à l’irrésistible assaut de Judas
Priest au sommet du heavy metal, avec tous les excès que cela
implique. Et si l’on peut regretter un certain manque de photos
(d’autant que celles présentées sont souvent de qualité très
moyenne), on ne peut toutefois que recommander la lecture de
cet ouvrage, assurément étonnante, même pour les fans purs et
durs du combo.
Prix indicatif : 18,00€
350 pages - Langue : anglais
GRUMPY MOOD
Nous avons fait sa connaissance à l’occasion de la sortie du nouvel album de Venin,
La Morsure Du Temps. Jean-Michel Attia est un passionné de heavy metal, et plus
particulièrement de heavy metal « à l’ancienne ». Sa structure Grumpy Mood (doit-on
en déduire que le gaillard est du genre grincheux ?) est notamment un label qui a
récemment édité l’album de Venin susmentionné, mais aussi Reach The Fire, EP 6
Titres de The Warm Lair. Elle lui sert également à vendre des t-shirts qui nous ont
tapé dans l’œil puisqu’ils s’adressent avant tout (mais pas que) aux « viens cons » de
cette rédaction. Festivals devenus cultes (Breaking Sound Festival 1984), labels qui ne
le sont pas moins (Hellhound Records, Devil’s Records, Neat Records, Heavy Metal
Records), magazines pionniers (Enfer, Metal Attack), groupes mythiques (Grand Funk
Railroad, Sortilège, Blackfoot, Trouble, Malice, Liege Lord, Budgie, Blue Öyster Cult,
Agent Steel, etc.), la liste s’allonge chaque semaine. Alors, c’est vrai, Jean-Michel et
Grumpy Mood nous parlent d’un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas
connaître et, ce faisant, s’adressent essentiellement à des nostalgiques, mais à des
nostalgiques qui ont sacrément bon goût. Et puis, pas la peine d’avoir la bourse (on a
dit « la ») bien garnie, ces t-shirts classieux étant vendus à un prix très raisonnable.
Qui c’est qui va se la péter avec un t-shirt Acid l’été prochain ?
Infos sur : grumpymood.bigcartel.com
Prix indicatif : entre 15 et 18€ le t-shirt

51
 Au centre : Billy Graziadei

Propos recueillis par Benji - Entretien téléphonique réalisé le 07 novembre 2018

Biohazard a beau marquer une longue pause, Billy Graziadei, son guitariste fondateur, n’en reste pas moins des plus
actifs. Entre un boulot de producteur de plus en plus prenant et son implication dans le « supergroupe » Powerflo, le
gaillard a tout de même trouvé le temps de mener à bien son premier projet solo, sobrement nommé BillyBio. Entretien
avec un musicien aussi passionné qu’au premier jour.
Rock Hard : Billy, tu as déclaré, à un environnement musical, c’était avec elle. Le jazz et la musique leur guitariste les a quittés, alors je
propos de Feed The Fire, le premier juste « normal » pour moi. Mais avec classique furent mes bases pour leur ai dit : « Hé, si j’apprends à jouer
album de BillyBio : « C’est 100% le recul, je réalise à quel point je apprendre le piano. Ce n’est que bien de la guitare, je peux rejoindre votre
moi, aucune influence extérieure, baignais dans la musique. J’ai deux plus tard que j’ai découvert le metal, groupe ? » Ils m’ont répondu : « Cool ! »
c’est qui je suis et ce que je suis enfants, une fille et un garçon. le hardcore et le punk, des musiques Je connaissais deux accords ! Mais
devenu ». Pour comprendre comment Récemment, chez moi, je jouais du qui ont des énergies bien différentes c’est à partir de là que j’ai vraiment
tu es devenu cette personne, remon- piano et mon fils de la trompette, et et qui ont capté mon attention. commencé à m’y mettre sérieusement.
tons le temps ensemble. Il semble que ensuite, il s’est mis à jouer des deux Je me revois assis dans la chambre
tu aies grandi dans un environnement instruments à la fois. Ça m’a ramené à Quand as-tu joué de la guitare pour d’un de mes meilleurs potes, Chris :
musical… ma propre enfance, lorsque je me la première fois ? j’apprenais à jouer les morceaux de
Billy Graziadei : En effet. J’ai commencé mettais au piano et que ma mère J’adorais un groupe de punk rock Museum Of Corruption et j’essayais
à jouer de la musique à six ans. Je chantait. Je dirais que tout a commencé nommé Museum Of Corruption. Ses même d’écrire de nouveaux titres !
n’avais pas conscience de vivre dans avec ces petits échanges musicaux textes étaient hyper politisés. Un jour, J’avais un autre bon copain, Pete, qui

52

était originaire de Californie, mais qui
habitait à New York à l’époque. Il m’a
fait découvrir toute la scène punk
rock californienne. C’était un dingue
de skate, et chez lui, il avait une
guitare électrique dont il ne se servait
pas. Il m’a dit : « Je te file ma gratte et
tu apprends à en jouer. Comme ça, plus
tard, je serai ton roadie ! » Chez Chris,
un jour, cette guitare m’a explosé
entre les mains. Raconté comme ça,
GENRE SITE INTERNET
. Hardcore
billybio.com
LE GROUPE ALBUMS
. Billy Graziadei
. Feed The Fire (2018)
(chant, guitare)
. Dan Palmer (guitare studio)
ARTICLE RH
. Ra Diaz (basse studio) RH N°193
. Simo Perini (batterie studio)
ça ressemble à une scène de dessin
animé, mais c’est la stricte vérité.
C’était dû à la tension des cordes et
des ressorts liés au vibrato : c’est
difficile à expliquer, mais à un
moment, ces ressorts ont claqué et nous
avons eu l’impression que la guitare
partait dans tous les sens ! Bref…
Mon ami Pete est décédé de façon
horrible, il s’est tué en jouant avec un
flingue. Quant à Chris, il a effectivement
suivi mes aventures. Je disais toujours
à tous mes potes : « Un jour, nous
jouerons au CBGB’s », et tout le monde
me répondait : « Ouais, rêve pas ! »
Museum Of Corruption n’a pas duré
assez longtemps pour cela, mais peu
après notre séparation, j’ai monté
Biohazard et j’ai joué dans cet endroit
mythique. Quant à Chris, c’était un
foutu punk avec une mentalité radicale,
mais il était très instruit. Il a fini ses
études de droits, est devenu avocat,
puis juge, une fonction qu’il occupe
toujours à New York. Nous nous
parlons encore souvent. Il a toujours
cette même façon de penser, qu’il utilise
de manière différente. A l’époque, nous
étions des incompris qui gueulions
contre le système. Mon père, qui m’a
toujours aimé et soutenu, me deman-
dait : « Qu’est-ce que tu comptes faire de
ta vie ? », la question clichée, mais il
s’inquiétait pour moi car il était
bien conscient que j’étais déjà en
marge. « Personne ne t’écoutera car tu es
différent » me disait-il. Et moi, je lui
répondais : « Je ne veux pas faire partie
de ce système ». Des années plus tard,
alors que ça marchait bien pour
Biohazard, j’ai repensé à cela et je me
suis dit : « Bon sang, je pense toujours
de la même façon, mais maintenant, des
gens m’écoutent ! J’écris une chanson, et
des gens l’entendent ! » Nous n’avons
pas changé le monde, mais nous avons
eu un impact sur la vie de plein de
gens.
Quand es-tu tombé amoureux du
hardcore ?
Lorsque j’ai écouté pour la première
fois Out Of Step (1983) de Minor Threat
et Victim In Pain (1984) d’Agnostic
Front. Bien sûr, je connaissais déjà
les Sex Pistols et d’autres trucs de
punk rock anglais, mais lorsque j’ai
entendu Vinnie Stigma jouer les
premiers accords de « Victim In
Pain », avec sa guitare désaccordée, je
me souviens avoir pensé : que je vis, ce que j’observe : j’écris à
« L’important n’est pas d’être un bon
musicien. Ce qui compte, c’est l’émotion,
la passion, les mots, la colère qui se
dégagent de ta musique ». Ça m’a saisi à
la gorge et ça ne m’a jamais quitté.
L’impact de Minor Threat fut diffé-
rent, mais tout aussi important car il
véhiculait un message très positif
auquel j’adhérais. Ces deux albums, et
Rock For Light (1983) des Bad Brains,
m’ont fait plonger dans le hardcore et
m’ont grandement influencé.
Quel est le premier show de hardcore
que tu aies vu et les sentiments qui
t’ont traversé durant ce concert ?
Ce n’était pas à proprement parler un
concert de hardcore. Il s’agissait des
Ramones : la façon dont ce groupe a
impacté des tas de styles de musiques
est incroyable. A leurs concerts, il y
avait de tout : des punks, des coreux,
des metalleux, des rockers… J’ai
adoré ! Je ne me souviens plus exacte-
ment de la période à laquelle j’ai vu
les Ramones, mais je dirais dans la
première partie des années 80. Le
deuxième groupe que j’ai vu fut
Underdog, une formation de hardcore
new-yorkaise.
Tu es aussi un fan de metal.
Comment le metal est-il entré dans
ta vie, sachant qu’à l’époque, l’équa-
tion metal/hardcore était loin d’être
une évidence ?
Au départ, je dois dire que j’étais très
borné : je n’écoutais que du punk et du
hardcore, rien d’autre. Un jour, un
pote me prête une cassette dont la
première face était occupée par Septic
Death (Ndlr : groupe dans lequel chantait
Brian Shroeder dans la première moitié
des 80’s. Il deviendra plus tard célèbre
pour ses illustrations sous le nom de
Pushead). Sur l’autre face, il y avait ce
logo de groupe metal que j’avais
déjà vu auparavant, sans connaître sa
Biohazard n’est pas un business,
nous ne le faisons pas pour payer
nos loyers. Je mourrai avec lui
(Billy Graziadei)
musique. Au bout de quelques secondes,
j’ai entendu ce cri haut perché : c’était
« Angel Of Death » de Slayer, et l’album
Reign In Blood (1986). Je n’arrêtais
pas de l’écouter. C’est le disque qui
m’a vraiment connecté avec le metal.
Et plus tard, les gars de Biohazard
m’ont initié aux premiers Judas Priest,
Iron Maiden, Motörhead, Venom…
Revenons à aujourd’hui ! Quand et
pourquoi as-tu décidé de sortir un
disque solo ?
J’adore créer. L’inspiration me vient
de tout ce qui me touche au cœur, ce
propos de tout, que ce soit pour
Biohazard, Powerflo, ou pour ce
disque solo. J’ai besoin d’expulser
cette inspiration, et plus les années
passent, plus j’ai le sentiment que je
suis en mesure de mettre en forme ces
émotions en chansons.
Tu as invité plusieurs musiciens sur
Feed The Fire. Peux-tu nous en
parler ?
Sur les démos, j’ai joué de tous les
instruments. D’ailleurs, certaines d’entre
elles devraient sortir d’une façon ou
d’une autre, peut-être en singles sur le
label Bridge Nine. Puis, au moment
d’enregistrer le disque, j’ai fait appel
à quelques musiciens additionnels. Je
connais le batteur Simo Perini, qui
joue avec Ten Foot Pole, depuis un
bout de temps. Ra Diaz est aussi un
bon ami. C’est le bassiste de Suicidal
Tendencies depuis quelques années.
Quant à Dan Palmer, qui a enregistré
plusieurs soli pour l’album, il joue avec
Death By Stereo. Ce sont juste des
potes qui m’ont filé un coup de main.
Tu chantes sur tous les titres ?
Oui.
Nous avions un gros doute, notam-
ment sur « Generation Z », morceau
sur lequel ta voix est assez différente
de celle que nous te connaissons
d’habitude, abrasive mais plus
mélodique…
Sur le dernier album de Biohazard,
Reborn In Defiance (2012), nous avons
bossé avec le producteur Toby Wright
(Alice In Chains, Fear Factory,
Slayer). Nous sommes devenus très
bons amis. Avant cet album, je n’avais
jamais réussi à chanter d’une façon
mélodique qui puisse aller de pair
avec l’agression que dégageait ma
musique. Lorsque ma fille est née, je
lui chantais des choses toute douces,
au piano ou sans accompagnement.
Mais jamais je n’avais réussi à trouver
la bonne façon de chanter ainsi en y
infusant assez d’énergie. Toby m’y a
aidé, il a trouvé le moyen de conserver
cette rage dans ma voix et à la combiner
avec de la mélodie. Alors, tu as certes
l’habitude de m’entendre gueuler,
crier, j’adore ça, mais à présent, je
peux aussi me permettre d’utiliser ce
type de chant.
« Generation Z » sonne en effet
assez punk rock mélodique…
Je ne fais que de la musique, mon
pote. Tu peux appeler ça comme tu
veux, ça me convient !
Tu ne verras donc pas d’inconvénient
à ce que je qualifie la majorité de ce
disque de hardcore, avec une grosse
dose de morceaux rappelant fortement
ton groupe de cœur, Biohazard. Ce
type de musique, avec ces gros
cœurs typés « hooligans », est ancré
au plus profond de toi…
Je SUIS Biohazard, avec Bobby (Hambel)
et Danny (Schuler). Ce groupe coule
dans mes veines et ça ne me quittera
jamais. J’aime ce genre de musique à
mort. Biohazard existe toujours, même
s’il n’est plus actif depuis 2015. Mais
lorsque les choses devront bouger,
nous serons de retour, aucun doute.
Ce groupe n’est pas un business, nous
ne le faisons pas pour payer nos
loyers. Je mourrai avec lui. Biohazard
existe parce que nous le voulons.
C’est d’ailleurs pour ça que j’ai sorti
ce disque solo sous le nom BillyBio et
non Billy Graziadei. Tu peux entendre
une certaine influence Biohazard dans
Powerflo, mais là, c’est moi. Alors,
forcément, c’est encore plus évident.
Je n’ai aucune intention d’ignorer mon
passé, j’adore ce que j’ai fait et je
continue d’être moi-même. Y
53
 De g. à d. : Raph, Fred & Jérôme

Propos recueillis par Morgan Rivalin - Interview réalisée le 14 septembre 2018 à Paris
« A Change Of Dimension » ? « Amicale des Chirurgiens Orthodontistes Dyslexiques » ? Personne ne sait ce que les initiales
ACOD signifient... N'hésitez donc pas à cuisiner le trio death/black metal marseillais à l'occasion de sa tournée française avec
Decapitated, au mois de février ! (Cf. Agenda)
Rock Hard : Pouvez-vous nous présenter Jérôme : C’est la situation rêvée ! n’a pas loupé : j’ai lu des commentaires où ont lieu de nombreux suicides…
ACOD ? Quand, au départ, une porte s’est sur le Net allant dans ce sens, comme Nous aimons ce mélange de beauté et
Fred : Nous sommes un groupe de entrouverte, nous ne savions vraiment si nous devions cette signature à une de noirceur. C’est aussi ce que nous
death originaire de Marseille. Nous pas à quoi nous attendre. Un deal forme de copinage... évoque la pochette de l’album, une
avons déjà publié quatre albums – le de distribution ? Une collaboration Jérôme : Pourtant, jusqu’à preuve peinture de l’artiste italien Paolo
petit dernier se nomme The Divine quelconque ? Et au final, c’est un du contraire, les gars de Dagoba ne Girardi (Armageddon, Inquisition).
Triumph – et deux EP’s. ACOD est né contrat en bonne et due forme qui travaillent pas chez Sony !
en 2006 et nous n’avons pas toujours nous a été proposé ! Nous avions Vous avez déjà donné des concerts
été un trio... démarché plusieurs labels metal bien Que pouvez-vous nous dire au sujet au Japon. Racontez-nous...
Jérôme : Fred et moi en sommes plus underground et qui, pourtant, du concept de The Divine Triumph ? Jérôme : C’était après la sortie de
les membres d’origine. Il y a eu des nous ont pris de haut... Avec Sony, Déjà, nous tablons sur une trilogie notre deuxième album, First Earth
évolutions de line-up, mais ACOD se nous y sommes allés au culot. Ca a démarrée avec ce disque. Ensuite, je Poison (2011). Les gars du label nippon
fonde sur ce noyau que nous formons payé. dois dire que nous aimons bien garder Zero Dimensional Records nous ont
et que Raph (batterie) complète. C’est une part de mystère… (sourire) Pour invités et, avec eux, nous avons donné
avec ce dernier que je compose la Sony a également signé Dagoba, résumer, The Divine Triumph nous des concerts dans des clubs. Nous
majorité de la musique. un groupe avec lequel vous êtes fait entrer dans un monde que nous enchaînions les dates dans leur van
d’ailleurs amis... observons à travers les yeux d’un être qu’ils conduisaient dix heures d’affilée,
Peu de groupes de metal extrême Fred : Exact. Ça montre une certaine « éveillé », une âme ni morte ni vivante, souvent après avoir fait la bringue…
sont signés sur des majors. Comment cohérence ! Nos contacts respectifs condamnée à errer dans cet univers… De vrais samouraïs ! (rires)
s’est passée votre rencontre avec ont eu lieu quasiment en même temps Globalement, le thème principal du Fred : C’était très sympa mais, honnê-
Jive Epic/Sony Music ? et nous avons tous deux signé en disque est celui de la perte. Ça peut tement, je préférerais faire ces dates
Fred : Le boss de Jive Epic, qui est un 2017. Puisque nous sommes potes être la perte de mémoire, d’un être aujourd’hui, maintenant que nous
fan de metal, nous suivait depuis la avec les Dagoba – nous venons du cher… avons plus de bouteille, et pour jouer
sortie de II The Maelstrom (2015). même coin, nous avons déjà joué les morceaux de notre nouvel album.
C’est l’EP Inner Light (2016) qui a ensemble et nous enregistrons dans le La perte de clés ?
achevé de le convaincre. Le processus studio de son frontman, Shawter – je (Rires) Non, mais ça m’arrive ! En tout Pour finir en beauté, la question
a pris du temps, mais tout a été limpide. me suis tout de suite dit : « Ce serait cas, cette trilogie est intimement liée déjà posée 23.477 fois : que signifie
Il nous a dit de rester nous-mêmes et bien que notre deal avec Sony soit annoncé à nous, à notre trio. Le trident du logo ACOD ?
nous a donné carte blanche sur le plan avant le leur, sinon les gens vont croire n’est d’ailleurs pas là par hasard. Et Héhé ! Bien tenté, mais nous ne voulons
artistique. que nous signons grâce à Dagoba ». Ça dans « Triumph », il y a « tri »... (sourire) pas le révéler. C’est notre jardin secret...
Nous avons également soigneusement (sourire)
GENRE SITE INTERNET ARTICLE RH choisi les lieux de tournage de nos clips.
. Death/black metal www.acod-music.com Il y a une ancienne fontaine druidique Rassurez-nous : ça veut bien dire
RH N°193
symphonique qui colle bien avec la rencontre avec quelque chose ?
LE GROUPE ALBUMS un chaman mélangeant drogues diver- Oui ! Pour le moment, personne n’a
. Fred (chant) . Point Zero (2009) ses et magie noire... trouvé...
. First Earth Poison (2011) Fred : Nous sommes également allés Jérôme : Celui qui trouvera la réponse
. Jérôme (guitare, basse) . Another Path (EP – 2013)
. II The Maelstrom (2015)
au Temple de Diane, à Nîmes, ou encore se sera intéressé à nous sur la durée.
. Raph (batterie) . sur les falaises de Cassis : un endroit Ce sera plus facile quand la trilogie
sera achevée... Y
Inner Light (EP – 2016)
. The Divine Triumph (2018) superbe, mais aussi vraiment glauque

54
 De g. à d. : Tatsu & Mem

Propos recueillis par Benji - Entretien téléphonique réalisé le 15 novembre 2018

Lorsqu’un thrasher allemand qui habite New York se lie d’amitié avec un doomster japonais, cela donne… un album de metal
speedé qui sent bon le Motörhead des origines ! Tatsu Mikami, bassiste des cultissimes Church Of Misery, et Mem Von Stein,
hurleur au sein d’Exumer, sont à l’origine de Skull Pit, dont Mem nous conte la genèse.
Rock Hard : Quand as-tu rencontré connais personne capable de chanter ça avec passion, pour l’amour de la Tatsu joue sur une basse
Tatsu Mikami pour la première au Japon. Ça te dirait ? » Cette première musique et rien d’autre. Rickenbacker, tout comme Lemmy.
fois ? série de titres ne m’inspirait pas trop, Son amour pour Motörhead est-il
Mem Von Stein : C’est une histoire même si, déjà, c’était très différent de Tatsu a forcément joué de la basse, aussi ancien que le tien ?
assez spéciale. Je suis collectionneur COM et d’Exumer. Mais quelques mais a-t-il également enregistré les Oui, je crois, même si nous n’en avons
de disques. J’écoute toutes sortes de mois plus tard, il m’a transmis d’aut- autres instruments ? pas parlé de façon spécifique.
musiques, et j’aime le metal sous res morceaux, en me demandant d’y Non. Taichi Futo, du groupe Curieusement, nous nous sommes
toutes ses formes, dont le doom. poser une oreille, et là, ça m’a vrai- Cemment, s’est chargé de toutes les aussi retrouvés sur notre passion
Régulièrement, je poste sur Instagram ment parlé. J’ai donc écrit quelques guitares. Quant au batteur, dont le nom commune pour Frank Zappa. Ce mec
des photos de mes nouvelles acquisitions textes et chanté sur un ou deux titres, m’échappe, c’est l’un de ses amis. Nous était une sorte de condensé de vingt
ou de vieilles choses, et j’en discute puis j’ai envoyé le résultat à Tatsu qui envisageons de donner des concerts groupes à lui seul ! Bien sûr, nous
avec d’autres passionnés. Il m’est donc a adoré et m’a demandé si j’étais par- avec Skull Pit l’année prochaine, et avons tous deux d’énormes influences
arrivé de « poster » des albums de tant pour finaliser d’autres morceaux. si cela se matérialise, le groupe live liées aux années 70 et 80, mais il était
Church Of Misery. Je porte également, Je m’y suis mis, et, rapidement, nous comprendra Tatsu, Taichi et moi- inutile d’en parler : nous « savions ».
à l’occasion, un tee-shirt de COM sur avons disposé de neuf chansons. même, ainsi qu’un batteur américain Par contre, Zappa, ce n’était pas
scène. Un jour, Tatsu m’a envoyé un qui reste à définir. forcément évident !
message sur Facebook me disant : Aviez-vous parlé en amont de la
« Salut, je te remercie de soutenir mon direction musicale de cet album ? Motörhead est l’une de vos influences Votre choix de reprise est assez
groupe. Tu ne le sais peut-être pas, mais Oui. Après qu’il m’ait envoyé cette les plus évidentes à l’écoute de surprenant : « All The Lessons »
avant de monter COM, je jouais dans un deuxième série de morceaux, je lui ai l’album. Te souviens-tu de ton est loin d’être le titre le plus
groupe de thrash au Japon, et je suis un fait part de ma satisfaction quant à la premier contact avec la musique de populaire de Rose Tattoo, d’autant
gros fan d’Exumer que j’écoute depuis direction musicale, emprunte de cette Motörhead ? que vous le jouez de façon assez
l’album Possessed By Fire en 1986 ! » saveur NWOBHM avec laquelle nous Oui, très bien ! En 1981, je regardais différente de l’original. Qui a eu
(Ndlr : le groupe dont parle Tatsu se avions tous les deux grandi. L’idée était souvent une émission télé en cette idée ?
nommait Salem) A partir de là, nous que nous nous devions de proposer Allemagne, nommée Musikladen. Elle Tatsu et moi sommes de gros fans
sommes devenus amis. Je lui ai quelque chose de totalement différent diffusait souvent du hard rock. Et un de Rose Tattoo. C’est Tatsu qui m’a
envoyé des trucs d’Exumer, et il a fait du doom ou du thrash dans lequel jour, ce fut le tour de Motörhead. proposé ce choix, que j’ai trouvé très
de même avec COM. Un jour, il m’a nous évoluons avec nos formations J’écoutais beaucoup de punk et de pertinent. Lorsque je me suis mis à
écrit : « Mem, j’ai composé ces morceaux respectives, sans quoi ça n’aurait hardcore à cette époque-là, même si, étudier les paroles de ce titre, j’ai eu
qui ne correspondent pas à COM. Je ne aucun intérêt. C’est un disque fait bien sûr j’avais écouté du hard rock la sensation que ce dernier avait été
avant cela. Ils ont joué « Ace Of écrit pour être chanté à deux ! J’ai
GENRE SITE INTERNET Spades » et ça m’a vraiment secoué. donc demandé à Brian « Mitts »
. Metal speed Le lendemain, j’ai supplié ma mère de Daniels (Ndlr : ex-guitariste de
www.facebook.com/
skullpitofficial m’avancer mon argent de poche pour Madball) si ça le branchait de faire
LE GROUPE les semaines à venir afin que je puisse un duo avec moi, vu qu’il produisait
. Mem Von Stein (chant) ALBUMS toutes mes parties de chant dans son
m’acheter des disques de Motörhead.
. Tatsu Mikami (basse) . Skull Pit (2018) Elle a été cool, et je me suis procuré studio de New York, et il a accepté
. Taichi Futo (guitare) ARTICLE RH Bomber et Overkill car, si ma mémoire avec plaisir. Pour moi, Angry
est bonne, ils n’avaient plus de copies Anderson est un personnage tout
aussi iconique que Lemmy. Y
RH N°193
d’Ace Of Spades en bac.

55
 GENRE SITE INTERNET
. Metalcore/rap metal www.shvpes.com
LE GROUPE ALBUMS
. Griffin Dickinson (chant) . Pain. Joy. Ecstasy. Despair. (2017)
. Ryan Hamilton (guitare, chant) . Greater Than (2018)
. Youssef Ashraf (guitare)
. Grant Leo Knight (basse) ARTICLES RH
. Harry Jennings (batterie) RH N°176 & 193

De g. à d. : Ryan Hamilton, Grant Leo Knight,

Griffin Dickinson, Harry Jennings & Youssef Ashraf
56

« Faites-moi plaisir : si vous m’interviewez, parlons de Shvpes, pas de ma famille. J’en ai tellement marre de
rembarrer ceux qui cherchent juste un article facile à vendre... » Ce tweet du 27 septembre dernier est signé Griffin
Dickinson, frontman de Shvpes auquel nous avons fait le plus beau des cadeaux de Noël en focalisant cet entretien sur
Shvpes et sur Greater Than, le nouvel album de la formation britannique, sans lui parler de son père, un certain Bruce
que vous connaissez peut-être...
Rock Hard : Même s’il était « matinal »,
votre premier concert au Hellfest, le
18 juin 2017, s’est très bien passé.
Tu es descendu de la Mainstage 02
dans le public pour lancer un très
beau wall of death...
Griffin Dickinson : Exact ! Ça s’est
effectivement très bien passé, mais je
n’ai tout de même pas très bien vécu
ce concert. Nous ne sommes arrivés
sur le site du festival que trente
minutes avant notre montée sur
scène. Nous avons pris du retard sur
la route et avons bien failli rater notre
créneau… Notre matériel a été installé
dans la précipitation la plus totale.
J’ai même fait mes échauffements
vocaux en portant des caisses de
matos ! Pour couronner le tout, au
moment où nous pensions être enfin
prêts, nous avons réalisé qu’aucun
son ne sortait de la guitare de Youssef
(Ashraf) ! J’ai eu peur de me chier
dessus – désolé, y’a pas d’autre mot –,
mais heureusement, une fois le concert
lancé, tout s’est bien passé.
Ce saut dans le public est devenu
en quelque sorte ta marque de
fabrique…
C’était fun, mais je pense l’avoir fait
de façon trop systématique. J’ai eu un
peu peur que ça devienne un gimmick
et c’est pourquoi je ne le fais plus
aujourd’hui. Je trouverai autre chose !
(sourire) Enfin, ces dernières semaines,
mon gimmick était tout trouvé : je
chantais… avec des béquilles ! Je me
suis fait mal au genou lors de notre
concert à Francfort. Le public allemand
a eu droit à un show absolument
unique ! (rires)
Tu aurais pu chanter assis sur un
trône, comme Dave Grohl ou Axl
Rose...
C’est vrai. J’ai demandé si je pouvais
avoir un fauteuil roulant : on m’a
répondu que nous n’avions pas le
budget ! (rires) Visiblement, ce n’était
pas assez grave. La prochaine fois, je
ferai carrément en sorte de me péter
la jambe ! (rires)
Que sont donc ces mixtapes que
vous aviez initialement prévu de
sortir au lieu de Greater Than,
votre nouvel album ?
Notre idée de départ était effectivement
de publier des EP’s 4 Titres que nous
aurions appelé des mixtapes. Il y
aurait eu trois mixtapes de quatre
titres qui, une fois sorties, auraient
constitué notre nouvel album de douze
morceaux. Mais voilà, début mai,
nous avons eu très hâte de partager
un nouveau titre avec nos fans. Il
nous brûlait les doigts ! C’est un mor-
ceau assez différent qui s’intitule
« Undertones » et l’accueil qui lui a été
réservé nous a totalement pris par
surprise. Jamais l’un de nos morceaux
n’avait été autant écouté, partagé et
commenté. Ça nous a donné envie d’en
partager un deuxième dès le mois de
juin (« War »), puis de nous magner à
finaliser toutes nos autres compos.
Pour la première fois, nous donnions
des concerts et voyions des fans
chanter nos nouveaux morceaux qui
venaient juste de sortir sur le Net. Ça
nous a beaucoup motivés. Nous avons
vu qu’il y avait un intérêt du public
alors, plutôt que de tout sortir en lots
de quatre titres, nous avons décidé de
publier l’album entier, dès que possible.
Nous avons franchi un cap dans le
sens où, désormais, nous voyons que
nous sommes suivis par une base de
fans. Par exemple, il y a deux jours,
nous avons joué pour la première fois
à Prague et il y avait des fans de
Shvpes un peu partout dans les premiers
rangs. Quand tu fais partie d’une
tournée comme celle-ci (Ndlr : la
tournée européenne de Bullet For My
Valentine, ouverte par Shvpes et à laquelle
participaient également Nothing More et
Of Mice & Men), tu sais que ceux que
Je suis satisfait du rendu de mes
vocaux : on n’a plus l’impression
d’avoir affaire à un gamin.
C’est bien plus couillu !
(Griffin Dickinson)
tu vois au premier rang ont attendu
pendant des heures. C’est touchant de
voir que des fans de Shvpes sont au
rendez-vous.
Tu sembles vraiment agréablement
surpris par l’accueil réservé à vos
nouveaux morceaux…
Oui, c’est le cas ! Ne nous voilons pas
la face : il est très dur de percer
aujourd’hui. Quand je dis « percer », je
ne parle pas de vendre des tonnes de
disques, comme c’était le cas avant.
Aujourd’hui, ça signifie seulement
« réussir à capter l’attention du public ».
Point. L’offre de musique est plétho-
rique, il y a énormément de très bons
groupes et tout est disponible en
quelques clics. Le plus dur est vraiment
de réussir à se frayer un chemin
jusqu’aux oreilles du public. Ensuite,
il ne reste plus qu’à espérer qu’il aime
ce qu’il entende et qu’il ait envie de le
recommander à son tour.
« Afterlife » est un titre de Greater
Than qui reste immédiatement en
tête. Il va sans doute truster vos
setlists…
Je le pense aussi ! Nous commençons
tout juste à le jouer et j’espère que le
public le chantera bientôt, comme il
peut le faire sur « Skin & Bones » du
premier album (Pain. Joy. Ecstasy.
Despair./2017). Quand nous avons
interprété ce dernier devant un public
conséquent à Londres, j’ai d’abord cru
que des bandes préenregistrées
Propos recueillis par Morgan Rivalin - Interview réalisée le 06 novembre 2018 à Paris
étaient envoyées à donf dans mes
retours ! Mais non : c’était juste le
public qui, pour la première fois,
s’appropriait notre chanson (grand
sourire).
Ton chant a sensiblement évolué
depuis la sortie du premier album.
As-tu pris des cours ou est-ce que
les tournées t’ont fait progresser ?
Je n’ai pas suivi de cours, non. Les
tournées sont la meilleure école
possible et nous les avons enchaînées.
Avec le recul, je juge mes vocaux sur
Pain. Joy. Ecstasy. Despair. vraiment
trop binaires : il y avait soit du chant,
soit du cri, et un soupçon de vocaux
rappés. Sur Greater Than, j’ai essayé
de tout mélanger en rendant mes cris
plus mélodieux et mon flow rap plus
« agressif », pour ainsi dire. Nous avons
travaillé avec le même producteur,
Jim Pinder (Bullet For My Valentine,
Trivium), mais je lui ai demandé de ne
plus utiliser Auto-Tune sur ma voix. Je
voulais plus de grain, un rendu plus
brut. Or, ce logiciel a tendance à tout
lisser. Je suis satisfait du rendu de
mes vocaux : on n’a plus l’impression
d’avoir affaire à un gamin. C’est bien
plus couillu ! (sourire)
Vous étiez en pleine composition de
Greater Than quand vous êtes
partis en tournée avec Trivium et
Sikth au mois de mars 2017. Ces
concerts ont-ils pu avoir un impact
sur vos nouvelles compos ?
C’est bien possible parce que, juste
après cette tournée, Ryan (Hamilton/
guitare) a composé « Calloused
Hands » en accordant sa guitare en la,
exactement comme le font les gars de
Sikth !
C’est peut-être également sur cette
tournée qu’a été évoqué le futur
featuring de Matt Heafy sur l’un de
vos morceaux ?
Euh... oui, absolument ! J’ai failli
l’oublier ! (rires) C’était très peu de
temps après notre concert parisien, à
la fin de cette tournée. Matt, que je
connaissais déjà avant ces dates, m’a
dit que si, un jour, nous voulions lui
demander de chanter ou de jouer de la
gratte sur l’un de nos titres, il serait
tout à fait partant. Il ne nous en fallait
pas plus pour chercher le morceau
adéquat, ce qui a demandé un certain
temps. « Rain » ne semblait pas un
choix évident car, avec ses relents hip
hop, Matt s’y éloignerait énormément
de ce qu’il fait avec Trivium. Mais voilà,
c’est justement ce qui était intéressant.
L’idée lui a plu. Je ne cache pas que
ça m’amuse pas mal d’aller lire les
commentaires sur le Net au sujet de
ce titre, sur YouTube notamment.
Certains écrivent « Mais... où est
Matt ??? », d’autres sont persuadés
que c’est lui qui crie sur ce morceau…
(sourire) J’ai même lu une chronique qui
disait « ce morceau commence directement
avec Matt Heafy ». Perdu ! (rires)
En parlant de vocaux rappés, difficile
de ne pas comparer ton flow à celui
de Zack de la Rocha (Rage Against
The Machine). Est-ce une influence
que tu revendiques ?
Oui, bien sûr ! J’ai toujours aimé Rage
Against The Machine (Ndlr : Griffin
Dickinson a toujours connu RATM, lui
qui est né en 1992, année de sortie du
premier album du groupe !). Je suis
forcément influencé par le style de
Zack de la Rocha, même si je ne suis
pas non plus obsédé par RATM. Je
crois d’ailleurs préférer son projet
One Day As A Lion (Ndlr : duo actif de
2008 à 2011 réunissant Zack de la Rocha
et Jon Theodore, ex-batteur de The Mars
Volta et actuel QOTSA) à RATM. En tout
cas, je comprends tout à fait qu’on
compare mes vocaux aux siens. Il y a
effectivement des points communs.
Un autre groupe qui vient parfois à
l’esprit à l’écoute de Greater Than
est Linkin Park. Vous avez joué au
Hellfest quelques heures avant ce
qui allait être le dernier concert
français de Chester Bennington
(Ndlr : le chanteur s’est suicidé à
peine plus d’un mois après). Que
représentaient Chester et Linkin
Park pour toi ?
Tu as raison, c’est un groupe qui nous
influence et que nous aimons tous
beaucoup. J’ai toujours vu Chester
Bennington comme la voix embléma-
tique de cette génération de groupes.
Globalement, Linkin Park est sans
doute l’un des derniers groupes
influents de la scène rock/metal à
avoir vu le jour. Chester a inspiré tant
de monde… C’est si triste ! Sa dispa-
rition brutale m’a fait très mal. Je ne
le connaissais pas, je ne l’avais jamais
rencontré, mais j’avais l’impression
de le connaître un peu. J’en ai parlé
avec les gars de Of Mice & Men qui,
eux, le connaissaient bien, mais qui
sont également tombés de très haut.
On ne sait jamais vraiment ce qui se
trame dans la tête de quelqu’un…
Dans le cas de Chester, un arrière-
goût amer reste en bouche. Quand je
réécoute ses chansons aujourd’hui,
j’ai l’impression qu’il tente de nous
parler de son mal-être... Ça donne envie
de lui dire : « Nous nous demandons
tous pourquoi tu as commis ce geste alors
qu’en réalité, tu appelais à l’aide depuis
tout ce temps... » (Silence) Ça me brise
le cœur. Y
57
 GENRE
. Hard rock
LE GROUPE
. John Garcia (chant)
. Ehren Groban (guitare)
. Mike Pygmie (basse)
. Greg Saenz (batterie)
SITE INTERNET
www.facebook.com/
JohnGarciaOfficial/
ALBUMS
. John Garcia (2014)
. The Coyote Who Spoke In Tongues
(2017)
. John Garcia & The Band Of Gold
(2018)
+ divers albums avec Kyuss, Unida,
Hermano, Slo-Burn, Vista Chino…
ARTICLES RH
RH N°144, 172 & 193

58

« Ces derniers temps, j’en ai chié ! » Si, en substance, cette phrase surgit dans une conversation, le reste est dans le
timbre de voix du chanteur John Garcia (Kyuss, Hermano…). Aujourd’hui, ce dernier hésite, parfois, mais ne tremble pas.
John n’est pas du genre à biaiser ou ruser pour faire passer le message promotionnel, le cœur passe avant tout. Et l’année
qui a précédé la sortie de John Garcia & The Band Of Gold, son nouvel album composé en groupe et produit par Chris
Goss (Kyuss, QOTSA), a été délicate. L’homme le dit avec ses mots, tout en parlant d’un disque électrique. C’est un
entretien à la tonalité mélangée entre vie et art, et qui laisse dans son sillage ces remous intérieurs progressivement
dissous dans l’espoir de meilleurs lendemains.
Rock Hard : Revenir sous un patro-
nyme tel que « John Garcia & The
Band of Gold » n’annonce pas un
projet purement solo, non ?
John Garcia : Effectivement. Mon
premier album, en 2014, est sorti sous
mon nom propre. Je ne l’avais pas
écrit en configuration groupe, c’était
le résultat d’une collaboration avec
divers musiciens. Mais Ehren Groban
(guitare), Mike Pygmie (basse) et Greg
Saenz (batterie), intervenants du Band
Of Gold, étaient déjà dans les parages.
L’histoire du nouvel album est bien
plus collective : les canevas ont été
couchés par Ehren et moi, puis Mike
et Greg sont venus mettre leur grain
de sel comme arrangeurs sur tous les
titres. La force de leur présence justifie
ce nom de groupe.
… et l’homonymie du titre de l’album !
Mais pourquoi The Band Of Gold ?
Il y a une chanteuse R&B de Detroit
que j’écoute beaucoup, Freda Payne. Elle
est notamment connue pour un single
intitulé « Band Of Gold » (Ndlr : 1970).
Ce morceau m’a marqué, elle avait
moins de trente ans à l’époque. J’ai
trouvé ce titre bigrement adapté au
groupe, il est tout ce que je ressens
pour lui. Ce collectif devait être honoré.
Un autre acteur, familier, est présent
dans l’histoire de ce nouvel album :
le producteur Chris Goss. L’idée me
trotte en tête qu’il y aurait entre
vous quelque chose de singulier, tant
au stade relationnel qu’artistique.
Je me fais un film ou… ?
Non, tu as raison – et il y a une histoire
à raconter si je veux répondre correc-
tement. La vérité, c’est que j’ai eu
grand besoin d’aide au moment de
faire ce disque. Chris m’a fait tenir
debout. Avant lui, des contraintes de
temps se sont cumulées à des visions
contradictoires entre ingénieurs du son
et d’autres intervenants précédents
sur l’album. Tout s’est effondré, et il
ne me restait plus qu’une personne en
laquelle avoir confiance : Chris. Alors,
nous nous sommes rencontrés. Sur un
plan personnel, c’est difficile de dire
les choses avec justesse. Chris est
pour moi, d’abord, une personne
authentique. Voilà le terme. C’est
ensuite un être d’expérience et de
connaissance, une encyclopédie
humaine sur la musique et les
musiciens, un homme de savoir sur
les équipements et le son.
Que tu rapportes ces qualités à
Chris suggère une forme d’intimité.
Que reconnais-tu de toi-même en
lui ? Quelles valeurs te paraissent
communes entre lui et toi ?
Merci de poser cette question. Je crois
que… (court silence) les similarités
entre Chris et moi tiennent à ce soin
que nous voulons porter aux choses
Propos recueillis par Emmanuel Hennequin - Entretien téléphonique réalisé le 18 novembre 2018
que nous fabriquons. A ce moment
précis, et ça a encore été le cas pour
le nouvel album, les histoires d’argent
sont loin. Même si les gens ne le voient
pas vraiment, nos styles de vie attestent
de cette valeur fondamentale commune.
Chris et moi ne sommes pas des
rockstars : nous sommes des maris, je
suis père de deux enfants, et il se
considère lui-même comme le papa de
tous les animaux peuplant son ranch.
Nous avons des valeurs et faisons les
choses parce que nous les aimons.
Notre point commun, en musique, est
dans ce que nous espérons ressentir
une fois cette musique terminée.
Nous ne faisons pas les choses pour les
faire, mais parce que nous sommes
attachés à elles. Les gens peuvent
s’imaginer que tout cela n’est que du
fun, mais ce n’est pas si simple. Que
partageons-nous, au fond ? Ce disque
devait le dire : un disque de rock pur,
qui devait trouver une forme d’évidence
Le temps qui passe est précieux.
Il nous en reste trop peu. Passons-
le à faire de belles choses, à être
le plus heureux possible
(John Garcia)
et de simplicité. Et crois-moi, c’est
dur d’atteindre ça. Notre philosophie
a été d’éviter tout excès, pas trop de
compression, ne pas mettre des voix
partout… Bref, laisser les chansons
respirer. Res-pi-rer. Une fois ces buts
définis, nous avons pu prendre soin
des morceaux ensemble, et ça a été une
vraie collaboration, à commencer par
mettre nos agendas respectifs en
concordance. Vraiment, j’avais besoin
d’aide, et de quelqu’un de précaution-
neux. Quelqu’un qui porte une attention
véritable à ces choses restées en jachère.
Il semble que le nouvel album succède
à une année compliquée pour toi sur
un plan personnel, du fait notamment
de la tentative, avortée, de monter
un vrai studio d’enregistrement. Es-
tu au clair aujourd’hui sur les causes
de ce revers ?
Cet échec résulte d’une mésentente
entre personnes. Les partenaires de ce
projet ne partageaient pas les mêmes
idées que moi. Il y a deux grands stu-
dios d’enregistrement à Palm Springs.
Je ne parle pas de home-studios équipés
de ProTools, au moyen desquels tu
peux faire des choses très correctes,
voire de grands disques – mais de
vrais studios : des environnements
professionnels, avec de grandes pièces
faites pour enregistrer. Et j’aspirais à
créer, pour moi comme pour d’autres,
un environnement de ce niveau-là
dans une petite ville située entre
Palm Springs et Joshua Tree. Nous
avons investi de l’argent dans du
matériel, mais nous ne sommes pas
parvenus à un accord sur ce que nous
devions faire de ce lieu. Les choses ne
se sont pas passées comme je l’espérais
et, ensemble, nous sommes arrivés à
la conclusion que ça ne marcherait
pas. Une période épuisante, émotion-
nellement comme physiquement.
Aujourd’hui, je fais face à moi-même
et dois assumer de mauvaises décisions,
en conscience : elles ont tenu à John
Garcia, et je ne veux blâmer personne
d’autre que moi. J’en ai tiré la leçon,
au final, que je n’étais pas un homme
de studio. Je suis un chanteur, un
compositeur, ça se limite à ça et c’est
bien. Ce que j’aime le plus, c’est
partager des émotions, être sur
scène. C’est ma vraie nature.
L’histoire du nouvel album est-elle
liée à celle du studio ?
Oui. Lorsque je disais avoir besoin
d’aide, je parlais aussi de ça. Chris
Goss est la première personne à avoir
entendu parler de ces difficultés.
J’avais désespérément besoin de
sauver ce disque de la mort. Tous ces
moments, l’enregistrement, etc., tout
cela a été très anxiogène. Mais nous
en sommes là aujourd’hui : à vivre et
à prendre de la distance vis-à-vis de
cette période de merde. La partie
créative, déjà, n’est pas si facile, mais
poser les choses et émotions sur
bandes peut être tout aussi compliqué.
Emotionnellement, ça a été comme
une purge. Bien des drames sont
associés à cet album : une incertitude
sur mon devenir, une aspiration à
retrouver le bonheur… J’ai détesté ce
moment. Je suis heureux que tout
cela soit derrière et que nous soyons
parvenus à un tel résultat. J’irai
même plus loin : c’est un disque de
caractère et qui porte une culture. Il
m’a aussi amené à évoluer dans ma
philosophie de vie : aujourd’hui, je
ressens le besoin de passer plus de
temps avec mes proches, ma femme.
Il me faut ralentir un peu ; mais n’y
vois pas le début de l’annonce d’un
retrait, ce n’est pas ce que je suis en
train de faire ! Je veux simplement me
montrer meilleur mari, meilleur père.
Je continuerai en même temps à faire
des disques et mon métier dans la
médecine vétérinaire. Il s’agit de
trouver un meilleur équilibre entre
l’art et les choses de la vie… Pardon,
je m’étends peut-être, mais j’avais
besoin que ces choses soient dites.
Non, non, merci. Mais… quel musi-
cien crois-tu être, en définitive ? Un
instinctif, un réfléchi ?
(Silence) Sincèrement, je ne crois pas
être de nature instinctive. Il me faut
réfléchir, creuser. Je n’ai pas ce truc
qu’ont, par exemple, Brant Bjork et
Josh Homme (Ndlr : ses anciens collègues
dans Kyuss). Je ne suis pas le Jim
Morrison du stoner rock et je dois
travailler d’autant plus. Amener là où
elle est une chanson comme « Sweet
Remain », de Vista Chino, a été diffici-
le ; idem pour « Popcorn », sur le nou-
vel album. Je connais mes limites et
c’est uniquement par le travail que je
suis resté à un certain niveau en
musique. Si je sens les choses hors de
portée ou pas à leur place, elles res-
tent dans les limbes. Mais parfois, je
ressens ce potentiel dans les choses
difficiles. Un peu comme si la chan-
son me prenait de haut et me disait :
« Je pourrais être belle, mais tu ne me
dompteras pas, je refuse. » Là, si je sens
que j’ai de la réserve, je n’abandonne
pas. Pas quand il y a de l’or au bout.
Et le match commence : soit je mets
la chanson K.O. dans les premiers
rounds, soit je dois lutter pour
dresser l’animal. C’est du travail,
plus que de l’instinct.
Anciennement, tu es apparu dans
différentes configurations sur
scène, notamment au Hellfest,
pour des hommages à Kyuss. Ces
événements sont-ils amenés à se
reproduire ?
Probablement pas, ou pas sous cette
forme. Je suis heureux de faire ce
que je fais aujourd’hui, et les autres
membres de Kyuss vaquent à leurs
occupations. C’est la nature des
choses : ils doivent le faire. Moi, si je
veux célébrer la musique, je le peux
avec mon propre groupe. Ce n’est pas
comme si Josh venait vers moi et
proposait de faire revivre Kyuss pour
de vrai ; car là, il est probable que je
dirais oui. Mais je te le dis parce que
je sais aussi que ça ne se produira
jamais.
Quel est l’état de tes relations avec
Josh Homme ?
Elles n’existent pas. Nos derniers
échanges m’ont laissé un goût amer,
mais je ne veux pas me répandre
négativement, et, sur le fond, je ne lui
souhaite rien d’autre que du bien. Ma
nature n’est ni de ruminer le gâchis,
ni de détester pour toujours. Je ne
suis pas ce genre de type, et le temps
qui passe est précieux. Il nous en
reste trop peu. Passons-le à faire de
belles choses, à être le plus heureux
possible. Y
59

MASS HYSTERIA
Mass Hysteria
(Set 1)
cIntro
LE 26 OCTOBRE 2018 A REIMS (CARTONNERIE) cReprendre Mes Esprits
cPartager Nos Ombres
cSe Brûler Sûrement
cChaman Acide
cNerf De Bœuf
cArômes Complexes
cMa Niaque
cL'Antre Ciel Ether
cDerrière La Foudre
cWe Came To Hold Up
Your Mind
(Set 2)
cVae Soli !
cUne Somme De Détails
cPositif A Bloc
cWorld On Fire
cFailles
cContraddiction
cP4
cL'Enfer Des Dieux
cChiens De La Casse
cPlus Que Du Metal
cDonnez-Vous La Peine
cRespect To The Dance Floor
cFuria
cManiac (Michael
Sembello - Outro)
60
26.10.2018. Voilà une date à marquer d’une pierre noire pour
les fans de Mass Hysteria puisqu’aujourd’hui sort Maniac, le
neuvième album studio du combo français. Histoire de fêter
ça dignement, le groupe lance ce soir, à Reims, sa nouvelle
tournée en donnant un concert très particulier, en deux
parties. La première verra le quintet jouer l’intégralité de
Maniac et la seconde offrira une sorte de best of. Voilà qui a
de quoi ravir plus d’un membre de l’Armée des Ombres,
fan-club de Mass Hysteria dont de nombreux membres ont
logiquement fait le déplacement. Affichant « complet » depuis
des lustres, la Cartonnerie est le lieu idéal pour les répétitions
de la tournée, qui ont eu lieu au cours des jours précédents,
et pour ce premier concert très spécial. On comprend les
musiciens car, dans cet ensemble récent de (deux) salles de
concerts et de locaux de répétitions, également muni d’un bar
et d’un restaurant, on se sent vite « comme à la maison ». Ce
qui n’empêche tout de même pas le groupe d’avoir la
pression... « On stresse pas du tout ! », blague Mouss après le
premier titre de la soirée, un « Reprendre Mes Esprits » qui
laisse entrevoir que Maniac sera joué dans l’ordre… Mais non,
pour des questions d’accordage. « Sinon, on sera encore là à
deux heures du mat’ ! », précise le chanteur. Fidèle à son
habitude, Mouss s’exprime entre les morceaux, livrant traits
d’humour (sa coupe de cheveux de « flic en civil », par
exemple) et confidences. « Je dédie ce titre à celles et ceux
qui ont ou ont eu des parents violents. Ou plutôt, un père
violent. On s’en sort quand même !!! », lance-t-il avant
l’explicite « Nerf De Bœuf ». « Je prends une petite gorgée
parce que le prochain morceau, il est dur. Dur à chanter, je
veux dire… », précise-t-il avant « Arômes Complexes », un titre
que Jamie Ryan, bassiste arrivé en 2017, chante quasiment en
duo avec lui. Le résultat étant des plus probants, il serait
bienvenu qu’à l’avenir, le bassiste soit encore plus présent. Ce
soir, il l’est en tout cas sur « Ma Niaque » pour aider Mouss,
en proie à un petit trou de mémoire. Mention spéciale au très
bon solo de Fred « Duke » Duquesne (guitare) sur ce titre
impeccablement mis en son. Très en forme, Raphaël « Rapha »
Mercier, le régional de l’étape, fait fumer les peaux de son kit
de batterie sur « Derrière La Foudre », dernière roquette
envoyée avant « We Came To Hold Up Your Mind », titre
électro balancé dans la sono qui permet aux musiciens de
reprendre leur souffle… et leurs esprits. « On se fait un mini
concert pour terminer la soirée ? », lance Mouss en prélude à
une deuxième partie de pas moins de 13 titres. Dès « Vae
Soli ! » on comprend que le public va chanter et se donner à
fond. Impressionnant ! « Erection pillaire ! », conclut le
chanteur en désignant les poils de ses bras. Sur « Une Somme
De Détails », il prend ses aises en s’allongeant sur les amplis…
mais en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire, il se
retrouve à terre, sonné. Que s’est-il passé ? Mystère... « J’ai
fait deux conneries : je me suis pété une dent et j’ai cassé mon
micro tout neuf ! Il est tout tordu ! », dit-il avant de lancer
quelques gros mots... et de réaliser l’ironie de la situation :
« En plus, le prochain morceau, c’est « Positif A Bloc » !!! ».
Bien soutenu par les « Mouss ! » scandés par le public, le
vocaliste a un peu de mal à se remettre dans le bain. Son « On
va pas s’arrêter à un chicot… mais p*tain de sa mère, ça me
casse les c******* !!! » le met en tout cas dans le bon état
d’esprit pour le très hardcore « World On Fire », titre sur lequel
l’über costaud Yann Heurtaux (guitare) est comme un poisson
dans l’eau. Après un mot pour Thomas, ingé-lumières mis sous
les spotlights à l’occasion de son premier concert avec Mass
Hysteria, « P4 » voit Mouss, Fred et Jamie une nouvelle fois
jouer dans « l’œil du cyclone », dans la fosse. Désormais
parfaitement concentré, Mouss nous offre une superbe
prestation sur « L’Enfer Des Dieux ». Même topo sur « Chiens
De La Casse », titre hargneux comme un pitbull et vicieux
comme un coup de boule dans le pit. Après avoir fait applaudir
un fan qui a fait plus de 600 kilomètres pour ce concert, Mouss
et Mass nous offrent un vrai enchaînement d’hymnes. « Plus
Que Du Metal », « Donnez-Vous La Peine », « Respect To The
Dance Floor », qui voit la scène être envahie de furieuses en
folie (« Regardez-moi la nouvelle génération ! Mais pourquoi
venez-vous voir des vieux cons ??? »), et « Furia » referment
alors ce très beau concert. Les musiciens pensent en avoir fini,
mais leur manager Mehdi El Jai leur fait la surprise d’arriver
sur scène accompagné du réalisateur Julien Metternich pour
leur remettre des DVDs d’Or célébrant les ventes de Mass
Hysteria A l’Olympia (2013). Tout sourire malgré sa dent
amochée, Mouss nous donne rendez-vous le 6 décembre 2019
au Zénith de Paris (« Venez avec votre grand-mère, votre
tante, vos voisins ! ») et n’oublie pas de filer « rencard au
bar ! ». C’est sûr : il a parfaitement repris ses esprits.
MORGAN RIVALIN
Photo : Morgan Rivalin
 Un drakkar dans des marécages ! Si les mélanges de

HIGH ON FIRE
genres sont de plus en plus courants en termes d’affiches

– ENSLAVED – KRAKOW live (Ndlr : en point d’orgue, cette année, l’association

Kreator/Dimmu Borgir), celle de ce soir a tout de même
de quoi décontenancer. Que vient donc faire Enslaved,
LE 16 OCTOBRE 2018 A PARIS (MACHINE DU MOULIN ROUGE) formation misant sur des atmosphères guerrières black
metal teintées de rock progressif, au milieu d’un plateau
typé stoner/sludge (plateau d’une qualité indiscutable
par ailleurs, là n’étant pas la question) ? Des impératifs
d’emploi du temps nous ayant privés de la prestation de
Krakow, c’est dans une Machine honnêtement remplie –
mais loin d’afficher complet – que nous pénétrons, alors
que celle-ci attend l’arrivée des guerriers Norvégiens. Il
faut dire qu’outre l’aspect déroutant de l’affiche, Enslaved
se produit très souvent en France (pas moins de dix fois
en à peine deux ans !). Un sentiment de lassitude a donc
pu toucher jusqu’aux plus fidèles de ses fans. Même si
le groupe se produit en co-tête d’affiche, il doit composer
High On Fire avec le matos de ses confrères américains, ses paravents
trouvant tout juste leur place sur scène. Le son n’est
cSons Of Thunder
cThe Black Plot
d’entrée pas très agréable, mais le problème est
cCarcosa heureusement assez vite réglé, durant l’ouverture « The
cFertile Green Roots Of Moutain ». L’occasion de constater que le
cRumors Of War claviériste/chanteur Håkon Vinje, enrôlé l’an passé, assure
cSlave The Hive parfaitement ses parties de chant clair, dominantes sur
cSteps Of The les nouveaux morceaux issus de E (2017). Grutle Kjellson
Ziggurats (basse, chant) vient même trinquer d’un air complice
cSpewn From avec lui... avec une bouteille d’eau (les temps changent !).
The Heart Le frontman prend à présent la parole pour présenter un
cFury Whip nouvel extrait de E, « The River’s Mouth » : « Je crois que
cSnakes For The c’est la première fois que nous la jouons à Paris ! » (Ndlr :
Divine il se trompe puisque ce titre a été interprété au Trabendo
* Electric Messiah le 25 novembre 2017). L’univers du quintet a beaucoup
évolué ces dernières années, mais force est de constater
que ces nouvelles sonorités plus « polies », bien qu’incitant
davantage à une écoute rêveuse qu’à une séance de
headbanging, passent très bien l’épreuve des planches.
Grutle semble justement trouver le public un peu tendre :
« Ne vous retenez pas de faire du bruit ! Cela dit, vous
avez raison : le silence est aussi une bonne chose. Mais
vous n’aimez pas vraiment ça, vous, les Français, qui êtes
toujours en train de parler ! ». Le set se déroule tranquil-
lement, et il faut reconnaître que le groupe a opéré
quelques changements salvateurs dans sa setlist, à
commencer par « Isöders Dronning », extrait de Frost
(1994) et joué pour la première fois en France ce soir,
qui permet de mesurer l’étendue de l’évolution du
propos des Norvégiens depuis ses débuts. Autre rareté,
« Havenless », avec son refrain scandé le poing levé, se
pose lui aussi à part dans leur féconde discographie.
Dernière date de tournée oblige, les musiciens célèbrent
leurs techniciens avec quelques gobelets de champagne,
tandis que Grutle entonne la Marseillaise, reprise par
Enslaved une partie du public, avant d’entamer l’incontournable
cRoots Of The « Allf ðr Oðinn ». Un set d’1h15 plaisant et parfaitement
Mountain rôdé. Quinze minutes d’entracte et les affaires reprennent,
cRuun High On Fire investissant les planches en faisant tournoyer
cStorm Son longuement le même riff, comme si le trio se chauffait.
cThe River’s Mouth Premier constat : le son est énorme ! Puissant, gras et
cIsöders Dronning faisant honneur aux murs d’amplis stockés en fond de
cHavenless scène. Second constat : au contraire d’un Enslaved
cSacred Horse joyeusement cabotin, les Américains n’ont pas envie de
cAllfǫðr Oðinn discuter, mais simplement de balancer la purée, sans le
moindre temps mort. C’est tout juste si Matt Pike (guitare,
chant) prend le temps d’expliquer que « Fertile Green »
« parle de beuh ! ». Les riffs velus défilent et la Machine
se transforme en temple du groove. Seul « Steps Of The
Ziggurats », extrait du tout fraîchement sorti Electric
Messiah, marque quelque peu le pas avec son riff très
répétitif. Heureusement, le combo dispose de quelques
cartouches imparables. Attendu comme le messie
(électrique), « Snakes For The Divine » fait rugir de plaisir
l’assemblée, les chevelures et popotins remuant en cadence
sur ce pavé accrocheur de près de dix minutes, avant
qu’un slammeur ne vienne longuement squatter les
devants de scène sans le moins du monde perturber des
musiciens qui ont beaucoup de place pour se mouvoir.
1H10, soit cinq minutes de moins qu’Enslaved, mais un
set bouillant qui confirme que même s’il ne se passe pas
grand-chose visuellement sur scène, High On Fire reste
une vraie machine à distribuer des gnons.
GUILLAUME FLEURY
Photos : Nidhal Marzouk

61
 SHINING – ALITHIA – INSOLVENCY
LE 09 NOVEMBRE 2018 A PARIS (BACKSTAGE BY THE MILL)
Cette soirée d’automne dans la petite salle du Backstage
By The Mill est placée sous le signe du renouveau prog, avec
trois spécimens franchement singuliers et contemporains.
Commençons par Insolvency, formation française se
revendiquant du metalcore, mais qui dispose de bien plus
de cordes à son arc, entretenant par exemple une ressem-
blance assez affirmée avec les excellents Insomnium ou
Soilwork, en particulier dans sa manière de combiner riffs
tranchants et mélodies nordiques. Même si les Troyens
débutent bien plus tôt que prévu, nous arrivons tout de
même à profiter de quelques compositions tirées d’Anta-
gonism Of The Soul, leur premier album, interprétées à
deux chanteurs : le guitariste Valentin et le bassiste Pierre.
C’est notamment le cas de « Black Moon », au démarrage
bien violent, avant qu’un solo rehaussé d’une jolie mélodie
à la tierce ne vienne conclure le set de fort belle manière.
Ayant tout juste livré son dernier album, The Moon Has
Fallen, AlithiA revient en France après son passage aux
côtés de Leprous et Agent Fresco l’an dernier. On remarque
tout de suite Jeffrey Raul Ortiz Castro, littéralement possédé
derrière ses percussions et son micro, qui harangue la
foule et contribue à sa manière à asseoir la réputation de
feu du groupe sur scène. Il faut dire que la formule du
combo part dans tous les sens : atmosphères éthérées et
élégantes flirtant avec l’électro et un sens du groove
franchement peu commun au sein du mouvement prog se
mêlent à des accélérations plus franchement rock, voire
metal. Au milieu de tout cela, John Rousvanis propose une
prestation physique de vocaliste, empruntant parfois à
Chino Moreno (Deftones) dans l’attitude. On se délecte
autant du sinueux « The Sun », en forme de mantra, que
du très accrocheur « Blood Moon », au final gothique
pas si éloigné que ça de The Cure. Le chanteur évoque à
plusieurs reprises sa « fierté » de jouer dans notre ville,
qui figurait sur sa « liste de choses à faire dans ma vie »,
avant de lancer le nouveau single « Empress ».
En parlant de prestation scénique Shining
animée, Shining n’est évidemment
pas en reste. Il n’empêche qu’on cAnimal
peut légitimement se demander cMy Church
si nous aurons droit à son habi- cLast Day
tuelle sauvagerie matinée de cEverything Dies
saxophone, compte tenu du virage cHealter Skelter
à 180 degrés opéré par Animal, cMy Dying Drive
disque bien plus pop et synthé- cHole In The Sky
tique, sans cuivres, qui a franche- cWhen The Lights
Go Out
ment divisé. Cela explique sans
cI Won’t Forget
doute que la salle soit bien plus cThe One Inside
clairsemée que lors des dernières cSmash It Up !
apparitions parisiennes du groupe cThe Madness And
au moment d’accueillir un Jørgen The Damage Done
Munkeby peroxydé et en starter Rappel :
rouge aux couleurs du nouvel cFisheye
album. Le morceau-titre et « My cFight Song
Church » sont pourtant bien
accueillis, Eirik Tovsrud Knutsen aux claviers étant
très présent dans le mix. « Last Day », orné d’un
impressionnant jeu de charley, permet à Tobias
Ornes Andersen de briller avant un solo de batterie
en introduction d’un « Healter Skelter » aussi haché
que fou et qui évoque toujours autant King Crimson.
Après avoir fait un sondage en mode « premier
concert de Shining ? » auprès de la foule, Munkeby
introduit le « temps calme » de la soirée : un « Hole
In The Sky » réaménagé pour une seule voix et un
« When The Lights Go Out » doté d’un rare solo de
guitare. Mais la fureur revient au galop via le rageur
« I Won’t Forget » et un « Smash It Up ! » durant lequel le (trop) à Muse. Shining envoie toujours du bois, c’est un fait,
public reprend un « chant de hooligan » tandis que le leader mais doit désormais composer avec un grand écart stylistique
s’essaie au stage-diving. Toujours prêt à gâter la capitale, dans sa discographie qui continuera de diviser…
les Norvégiens bravent le couvre-feu pour un rappel imprévu, DJUL
à savoir « Fisheye » puis un « Fight Song » qui doit beaucoup Photo : Nidhal Marzouk

GRETA VAN FLEET – GOODBYE JUNE

LE 26 OCTOBRE A PARIS (ELYSEE MONTMARTRE)
Le phénomène Greta Van Fleet est de retour à Paris.
Pour ce second concert – archi complet – dans la
capitale, le public est très bigarré, de nombreux
jeunes gens (filles et garçons) côtoyant des rockers
blanchis sous le harnais. C’est Goodbye June, trio
originaire de Nashville, qui a l’honneur d’assurer la
première partie de cette nouvelle tournée euro-
péenne débutant ce soir. Pour l’occasion, Landon
Milbourn (chant, guitare acoustique) et ses acolytes
se sont attaché les services d’un bassiste et d’un
batteur, le pauvre Brandon Qualkenbush (qui, en
plus de ses guitares, assure en studio basse, batterie
et claviers) ne pouvant à l’évidence reproduire la
même performance sur scène… Mais c’est le troisième
larron, le guitariste lead Tyler Baker, qui prend le
plus la lumière ce soir. Quelle performance ! Good-
bye June propose un classic rock teinté de blues et
de rock sudiste (« Good Side », avant
Greta Van Fleet lequel Tyler envoie un riff d’un morceau
de Greta Van Fleet, histoire de chauffer
cBrave New World un peu le public), voire, par instants, de
(extrait) country du plus bel effet. Les morceaux
cHighway Tune
sont très efficaces, portés par le chant
cEdge Of Darkness
habité de Milbourn, sans doute le fils
cFlower Power
cYou’re The One
caché de Steven Tyler (Aerosmith) et Jeff
cEvil (Howlin’ Wolf) Keith (Tesla). Une excellente entrée en
cLay Down (Mélanie) matière !
cWatching Over C’est dans la pénombre que les membres
cWhen The Curtain de Greta Van Fleet font leur entrée,
Falls offrant des roses blanches au public et
Rappel : attaquant par une version tronquée
cBlack Smoke Rising de « Brave New World », frustrante au
cSafari Song regard de la qualité de ce nouveau titre.
Heureusement, « Highway Tune » et surtout « Edge
Of Forever », dans une version étirée dantesque
gorgée de guitare et très 70’s, nous font oublier
cette frustration. La magie est bien présente au
cours de ces deux titres, même si Josh Kiszka, le
chanteur, semble avoir plus de mal à assurer le show
que ne peut le faire son jumeau Jake à la guitare.
Malheureusement, l’intensité du concert retombe
avec « Flower Power » et plus encore la ballade
« You’re The One ». Nous avons ensuite droit à deux
reprises, dont une totalement inconnue du public.
Etonnant. Encore deux titres du nouvel album, et le
groupe quitte déjà la scène. Au bout d’une toute
petite heure, et surtout sans avoir interprété le
morceau « Lover, Leaver (Taker, Believer) », l’une
des pépites du dernier album, dont les versions live
antérieures (par exemple, lors de son premier show
parisien ou sur des dates américaines, quelques
semaines plus tôt) étaient prétexte à improvisation
à rallonge de cinq à vingt minutes ! Incompréhensible.
Les quatre jeunes gens dans le vent reviennent asséner
deux titres imparables extraits de leur premier EP :
« Black Smoke Rising », dont le chant semble gonflé
à l’hélium, et « Safari Song » qui permet aux fans de
se manifester bruyamment sur le refrain. Mais au
bout d’une toute petite heure quinze, c’en est
vraiment fini d’un show très inégal de surcroît,
dont seuls le début et la fin auront été réellement
enthousiasmants. Il va falloir que le talentueux
quatuor rectifie le tir pour continuer à séduire le
large public qu’il a si bien su capter…
STEPHANE AUZILLEAU
Photo : Marc Villalonga

62
 Indéniablement, Powerwolf est aujourd’hui l’une des plus

POWERWOLF
grosses locomotives du power metal contemporain. Son

– AMARANTHE – KISSIN’ DYNAMITE septième opus, The Sacrament Of Sin, s’est hissé à la tête
des charts allemands et nombre de dates de cette nouvelle
édition du Wolfsnächte Tour – qui ne s’arrête que dans des
LE 25 OCTOBRE 2018 A PARIS (BATACLAN) salles capables d’accueillir plus de 1.500 spectateurs – affichent
archi-complet. C’est d’ailleurs le cas de ce Bataclan, première
étape de ce nouveau périple. Le quintet teuton aurait bien
Powerwolf volontiers opté pour un lieu plus vaste – aucun effet pyro-
technique n’est autorisé et la scène est bien trop étroite
cFire And Forgive pour lui permettre d’installer la totalité de son décor – mais
cArmy Of The Night
cela n’a pas été possible. Gageons que le combo de Sarrebruck,
cIncense & Iron
qui reviendra en France dès janvier 2019 pour y donner dix
cAmen & Attack
cLet There Be Night
concerts (!), sera bientôt en mesure de remplir un Zénith sur
cDemons Are A Girl's son nom seul… Mais pour l’heure, n’anticipons pas et parlons
Best Friend plutôt de la prestation de Kissin’ Dynamite, ouverture de
cKillers With The Cross choix qui débute hélas son set alors qu’une vaste majorité
cArmata Strigoi de spectateurs poireaute encore à l’extérieur. Le quintet,
cBlessed & qui dispose d’un bon son et d’une mise en lumières très
Possessed soignée, présente avec succès quelques extraits de son récent
cWhere The Wild Ecstasy (2018), classiques mais remarquablement efficaces.
Wolves Have Gone Du haut de ses 26 ans, Johannes Braun est un chanteur et
cResurrection By frontman aguerri, visiblement très sûr de lui (« Nous allons
Erection vous faire vivre le meilleur concert de rock de votre vie ! »,
cStossgebet annonce-t-il en français). Les musiciens, qui affichent un look
cAll We Need Is Blood plus sobre et moins glam qu’à leurs débuts, obtiennent un
cWe Drink Your Blood bel accueil (« Ça, c’est magnifique ! » s’exclame Braun en
cLupus Dei voyant le public taper dans ses mains sur « Highlight Zone »)
Rappel :
et achèvent leur prestation sur une petite acrobatie, le
cSanctified With
chanteur se mettant debout sur les cuisses de ses acolytes
Dynamite
cColeus Sanctus
au moment de saluer le public. Une mise en bouche
cWerewolves Of sympathique, qui a parfaitement tenu son rôle.
Armenia Le metalcore pop et électronique des Suédois d’Amaranthe
tranche assez drastiquement avec le reste de l’affiche, et la
prestation n’est pas aussi énergique et divertissante que de
coutume. Faut-il mettre cette baisse de régime passagère
sur le compte du début de tournée ou des nouveaux mor-
ceaux, dont les sonorités mécaniques très contemporaines
ne sont pas des plus plaisantes ? Toujours est-il que malgré
les efforts du nouveau chanteur Nils Molin (Dynazty) et de
la charmante Elize Ryd (perchée sur de très hauts talons
blancs et qui semble éprouver des difficultés à chanter les
deux premiers titres), le charme n’agit pas entièrement.
Certains fans manifestent bruyamment leur enthousiasme à
l’écoute des tubes que sont « Hunger » et « The Nexus »,
dont les refrains s’incrustent dans le cerveau dès la première
écoute, mais une large part des auditeurs semble plutôt
circonspecte.
Il est exactement 20h30 lorsque Powerwolf démarre sa
prestation. Lorsque tombe le rideau noir qui dérobe la
scène aux regards, l’enthousiasme est déjà à son comble.
Le groupe a entièrement renouvelé son décorum, qui
donne une magnifique impression de relief, comme si les
festivités se déroulaient au milieu des ruines d’une
abbaye. « Etes-vous prêts à célébrer la seule et unique
sainte messe du heavy metal avec moi ? » s’écrie le chanteur
Attila Dorn, dont le niveau de français semble en constante
amélioration. Rigoureux et professionnel (les déplacements
des deux guitaristes, Matthew et Charles Greywolf, sont
Kissin’ parfaitement coordonnés), le groupe joue devant une
Dynamite audience toute entière acquise à sa cause et qui connaît
déjà son dernier opus par cœur. Ça tombe bien car les
cI've Got The Fire loups-garous en interprètent les six premiers titres (dont
* Somebody's
trois pour la première fois). « Pour garder notre armée forte
Gotta Do It
et vigilante, nous avons besoin de fer et d’encens ! » lance
* Highlight Zone
* Love Me, Hate Me
le vocaliste de sa belle voix lyrique en ouverture du folkisant
* Waging War « Incense & Iron » qui voit la fosse entière sauter en rythme
* You're Not Alone (et faire spontanément quelques wall of death). Même sans
* I Will Be King pyrotechnie, le quintet a ménagé quelques effets visuels
* Flying Colours plutôt réussis, notamment sur l’émouvante ballade « Where
The Wild Wolves Have Gone », interprétée sur un véritable
piano par le claviériste Falk Maria Schlegel (qui quitte la
Amaranthe partie surélevée de la scène pour rejoindre le chanteur en
avant-plan), dont le final est illuminé par une chute de neige
cThe Score
artificielle du plus bel effet. Une chaleur terrible règne dans
cCountdown
la salle, mais cela n’empêche pas l’audience de s’époumoner
cHunger
cInvincible
en reprenant inlassablement la mélodie du solo de « Armata
cThe Nexus Strigoi », titre devenu incontournable, ou d’hurler les
cAmaranthine imprécations sauvages du conclusif « Werewolves Of
cGG6 Armenia ». En 18 titres et près d’une heure cinquante,
cDream Powerwolf a tout détruit sur son passage. Un concert
cDrop Dead absolument imparable !
Cynical FRANÇOIS BLANC
c365 Photos : François Blanc
cDigital World
63
 BLACKBERRY SMOKE – QUAKER CITY NIGHT HAWKS
LE 31 OCTOBRE 2018 A PARIS (CABARET SAUVAGE)
A la fin de son concert à la Maroquinerie, le 25 mars déployer un drapeau américain Blackberry
2017, Charlie Starr, le guitariste/chanteur de Blackberry « Make America Rock’n’Roll Again » Smoke
Smoke, avait promis en souriant un retour en qui file la banane à tout le groupe, cTestify
France « dans un stade » : force est de constater que ou encore « One Horse Town », cNobody Gives A
nous n’y sommes pas encore ! Il n’empêche que cette magnifique carte postale de cette Damn
superbe salle du Cabaret Sauvage n’est pas loin d’afficher Amérique rurale chère à Starr. Si un cGood One Comin' On
complet pour ce nouveau passage des Américains fan n’a de cesse de réclamer « Pretty cCrimson Moon
dans la capitale aves ses 1200 spectateurs. Après une Little Lie » au point d’en agacer cWaiting For The
première partie très sympathique des Texans de Quaker Charlie, ce n’est pas ce titre que BBS Thunder
City Night Hawks, aux influences autant heavy blues choisit de nous offrir en premier cLiving In The Song
que rock, BBS débute son show par le brûlant « Testify ». rappel, mais le célèbre « Six Ways To cLet It Burn
Une première pour cette tournée européenne annonçant, Sunday » réclamé en chantant par cMedicate My Mind
comme toujours il est vrai, une setlist pleine de surprises. une bonne partie du public. Un cSleeping Dogs/
Car BBS reste aujourd’hui l’un des très rares groupes à bonus sympa car non prévu sur la Come Together
changer systématiquement ses morceaux d’un concert setlist initiale, auquel il faut ajouter (The Beatles)
sur l’autre, et pas qu’un peu : à la vingtaine de titres une reprise rare de Black Sabbath, cShakin' Hands With
interprétés chaque soir s’ajoutent une trentaine d’autres le groovy « Fairies Wear Boots », et The Holy Ghost
cThe Good Life
que le combo fait « tourner » au gré de ses humeurs et l’incontournable « Ain’t Much Left Of
cRock And Roll Again
envies. Résultat : un bonheur pour les fans suivant le Me » en version XXL au sein duquel
cTill The Wheels Fall
groupe sur plusieurs dates et l’assurance de toujours sont intégrés les deux premiers Off
passer un bon moment avec un quintet qui n’évolue couplets du « Mississipi Kid » de cUp In Smoke
jamais en roue libre. Charlie reste définitivement celui Lynyrd Skynyrd. Au crépuscule de la cRun Away From It All
sur lequel tous les regards se posent, ce dernier assurant carrière de ce dernier, cet hommage cAin't Got The Blues
à la fois le contact avec le public, un chant gavé de à l’une de ses plus grosses influences cOne Horse Town
feeling et des soli non moins émouvants, qu’il partage laisse à penser que BBS a encore cI'll Keep Ramblin'
à l’occasion avec l’excellent Paul Jackson, comme sur le de beaux jours devant lui en tant Rappel :
final de « I’ll Keep Ramblin’ ». Au rang des nombreux qu’héritier de ce son ancré dans la cSix Ways To Sunday
moments forts du show, « Sleeping Dogs » couplé au tradition américaine du rock sudiste cFairies Wear Boots
« Come Together » des Beatles (au cours duquel Starr et de ses dérivés country ou plus (Black Sabbath)
s’empare de maracas durant le solo d’orgue de Brandon heavy. Foutu concert ! cAin't Much Left Of
Still), le tranchant « Shakin’ Hands With The Holy BENJI Me
Ghost », morceau choisi par une spectatrice pour Photo : Benji

SUICIDAL TENDENCIES – GLOCK 203

LE 08 NOVEMBRE 2018 A BORDEAUX (KRAKATOA)
Dans le cadre d’une courte tournée européenne
de six petites dates, Suicidal Tendencies, entre
un concert à Munich et un show dans un fes-
tival espagnol, fait halte à Bordeaux pour son
unique escale française. Gâtés, les Girondins !
Le Krakatoa est à deux doigts d’afficher com-
plet lorsque Glock 203, jeune formation locale
de hardcore dont le premier EP vient de sortir,
surgit sur scène. Pas franchement tendus à
l’idée d’ouvrir pour une légende et de se
produire sur l’une des plus grosses scènes de
la région, les kids font le job avec une certaine
aisance, même s’ils évoluent dans un style
dont ils respectent les codes à la lettre. Pas
très original, mais efficace et bienvenu pour
faire monter l’ambiance !
Depuis le départ de Mike Clark en 2012, le
poste de guitariste rythmique de
Suicidal Tendencies ST a tout du siège éjectable. Cet
été, Ben Weinman, « sans emploi »
cYou Can't Bring Me Down depuis la dissolution de Dillinger
cTwo Sided Politics Escape Plan fin 2017, a remplacé
cI Shot The Devil Jeff Pogan. Et si son implication
cF.U.B.A.R. n’est officiellement que provisoire,
cLost Again
croisons les doigts pour qu’il
cClap Like Ozzy
pousse un peu plus loin la collabo-
cFreedumb
cTrip At The Brain
ration avec ST car le bougre, monté
cSend Me Your Money sur ressorts comme avec ses ex-
cWar Inside My Head comparses de DEP, s’éclate comme
cI Saw Your Mommy un gosse ! Son enthousiasme
cPossessed To Skate semble même avoir déteint sur ses
cSubliminal compères, Mike Muir, Ra Diaz, le
cCyco Vision sautillant bassiste, et Dean Plea-
cHow Will I Laugh sants, d’habitude plutôt placide et
Tomorrow concentré sur ses soli, paraissant
cPledge Your Allegiance plus virevoltants que lors de leur
dernier passage dans cette même salle il y a à
peine un an et demi. Quant à Dave Lombardo,
quel plaisir de le voir de nouveau derrière les
fûts, qu’il maltraite avec la puissance qu’on lui
connaît, mais aussi, parfois, avec plus de
« swing » qu’avec Slayer. Notons au passage
son petit clin d’œil à son ancienne machine de
guerre sur le final de « Freedumb », durant
lequel Dave se fend du célèbre roulement
concluant « Angel Of Death ». Mike, d’excellente
humeur et sincèrement heureux de retrouver
ses fans français, multiplie les petits discours
positifs et rassembleurs. Alors, certes, le
combo ne se foule pas question setlist, même
si l’on se doit de saluer le retour de « Lost
Again », l’un des trois extraits de Lights...
Camera... Revolution! (1990), et l’inclusion de
« F.U.B.A.R. », titre de Cyco Miko récemment
réenregistré par le groupe. Mais dans la salle,
le public n’en a cure et s’éclate sans retenue,
envahissant à deux reprises la scène à la
demande de Muir. Durant « Cyco Vision »,
Weinman heurte Mike au visage avec sa
guitare : le vocaliste, hilare, avoue que Ben lui
« file des coups tous les soirs, ce mec est
EVIL ! » Weinman le lui prouve une fois de
plus en grimpant dans les cintres soutenant les
lumières durant « How Will I Laugh Tomorrow »,
tanguant dans un équilibre précaire durant ce
titre qui met le feu aux poudres, avant un
« Pledge Your Allegiance » fédérateur et ses
« ST !!! » hurlés par les fans tant sur scène que
dans le pit. Bonne grosse soirée virile donc,
comme toujours avec Muir et ses sbires.
BENJI
Photo : Benji

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 Afin de fêter ses 22 ans en grandes pompes et de faire

NIGHTWISH
Nightwish patienter les fans jusqu’à la sortie de son prochain album
cSwanheart (intro)
cDark Chest Of
– BEAST IN BLACK studio (espérée au printemps 2020), Nightwish a décidé de
se lancer dans une gigantesque tournée intitulée Decades:
World Tour. Audacieuse et bien articulée, la setlist, très
Wonders
cWish I Had An Angel
LE 10 NOVEMBRE 2018 A PARIS (ACCORHOTELS ARENA) inhabituelle, honore sept des huit opus studio du combo
c10th Man Down (seul Dark Passion Play manque à l’appel) et donne au public
cCome Cover Me l’occasion d’entendre de véritables raretés que nous
cGethsemane pensions bannies à jamais. En attendant le DVD live (deux
cÉlan dates sud-américaines ont déjà été immortalisées en
cSacrament Of septembre dernier), attardons-nous sur cette soirée à
Wilderness l’AccorHotels Arena. Une Fosse Or a été mise en place et
cDead Boy's Poem permet aux fans les plus dévoués de s’installer au plus près
cElvenjig (air trad.) de la scène. Petit chouchou de Nightwish (qui avait déjà
cElvenpath choisi Battle Beast, le précédent groupe du guitariste et
cI Want My Tears Back compositeur Anton Kabanen, pour ouvrir sur sa tournée
cLast Ride Of The Day européenne en 2012), Beast In Black profite des quarante
cThe Carpenter
minutes qui lui sont allouées pour interpréter neuf des dix
cThe Kinslayer
titres que compte son premier (et unique) album, l’efficace
cDevil & The Deep
Dark Ocean
Berserker (2017). Le quintet, qui vient de recruter le batteur
cNemo Atte Palokangas (Agonizer, ex-Before The Dawn) et d’achever
cSlaying The Dreamer son nouveau disque (à découvrir le 8 février), bénéficie d’un
cThe Greatest Show bon son et reçoit un accueil majoritairement favorable.
On Earth (extrait) Même s’il est toujours agaçant de ne pas voir de claviers sur
cGhost Love Score scène (au vu de l’importance que revêt cet instrument dans
la musique du groupe) et en dépit de certaines mélodies
d’un kitsch absolu (quel décalage entre les poses héroïques
des guitaristes et la mélodie de clavier du passage instru-
mental de « Blind And Frozen » !), le groupe nous distrait
agréablement. Mention spéciale au vocaliste grec Yannis
Papadopoulos, toujours aussi impressionnant dans les aigus
et qui assume de mieux en mieux son rôle de frontman.
Une voix suave de conteur – qui incite les spectateurs à se
« libérer pour deux heures de l’emprise des technologies »
et à laisser leurs téléphones de côté – fait office de préambule
au concert de Nightwish. Un compte-à-rebours fait monter
la pression, mais lorsque le rideau tombe, on est quelque
peu surpris de ne voir « que » Troy Donockley, qui assure à
la flûte quelques mélodies de la jolie ballade « Swanheart ».
Il aurait été plus pertinent de garder ce moment de douceur
pour plus tard et d’ouvrir avec le riff agressif de « Dark
Chest Of Wonders » qui, à grands renforts de pyrotechnie,
met littéralement et immédiatement le feu à la salle !
L’enchaînement imparable avec « Wish I Had An Angel »
rappelle le lien qui unit les fans à l’album Once (2004),
disque charnière de la carrière du groupe, et atteste de la
très bonne forme des musiciens, souriants et motivés.
« 10th Man Down » est un premier cadeau aux fidèles,
même si l’on regrette que l’impressionnante Floor Jansen,
qui attire à elle tous les regards, n’y utilise pas son chant
lyrique. « Come Cover Me » voit Troy se saisir d’une guitare
pour accompagner Emppu Vuorinen dont les parties
rythmiques sont parfois étouffés par des claviers ou des
parties de double grosse caisse proéminentes (comme lors
du puissant « The Kinslayer » et du furieux et jouissif « Devil
& The Deep Dark Ocean », présenté avec ironie par le
bassiste/chanteur Marco Hietala comme « une très belle
histoire d’amour qui mettra les larmes aux yeux aux plus
romantiques d’entre vous ».) En revanche, impossible de ne
pas mentionner les images et animations d’un kitsch
consumé qui accompagnent la musique ; Nightwish n’a jamais
brillé par la qualité ou l’originalité de son univers visuel (ces
loups maladroitement incrustés sur un fond bleu durant le
fantastique « Sacrament Of Wilderness », beurk !), et cette
scénographie ne fait certainement pas exception ! L’accueil
que reçoit la majorité des titres récents (« Elan », « I Want
My Tears Back », sur lequel Floor danse avec enthousiasme,
« Last Ride Of The Day », qui remplace avantageusement
« Amaranth » et donne lieu à de nouvelles salves de pyro-
technie) prouve que beaucoup de spectateurs ont découvert
le combo sur le tard. Les puristes, au contraire, se réjouissent
à l’écoute du doux « The Carpenter » qui n’avait plus été joué
depuis 1998 et sur lequel Troy remplace avantageusement
Beast In Black le claviériste Tuomas Holopainen au chant, ou de l’émouvante
cBeast In Black ballade « Dead Boy’s Poem » que Floor assure à la perfection.
cEternal Fire « J’adore voyager dans le temps ! » s’exclame la vocaliste.
cBlood Of A Lion « Nous pourrions rester avec vous pour toujours ! » Hélas,
cThe Fifth Angel les majestueux et incontournables « Greatest Show On
cBorn Again Earth » et « Ghost Love Score » marquent la fin des festivités.
cGhost In The Rain En près de deux heures, Nightwish a offert un superbe
cCrazy, Mad, balayage de sa riche carrière et a donné tout ce que nous
Insane espérions de lui. Très beau moment !
cBlind And Frozen FRANÇOIS BLANC
cEnd Of The Photos : Nidhal Marzouk
World

65
 Sick Of It All
cInner Vision
cClobberin' Time

SICK OF IT ALL – MISSILE – WHO I AM

LE 14 NOVEMBRE 2018 A BIARRITZ (ATABAL)
cTake The Night Off
cInjustice System
cMy Life
cRoad Less Traveled
cCall To Arms
Wake The Sleeping Dragon!, le nouvel album de Sick Of classiques du hxc comme « My Life », cThat Crazy White Boy
Shit
It All, est en bac depuis le 02 novembre. Fait rare, c’est « World Full Of Hate » et « Injustice
cSanctuary
par une tournée française (et nulle part ailleurs en System » (des premières heures du
cWake The Sleeping
Europe !) de huit dates que les New-yorkais fêtent la groupe), « Good Lookin’ Out » et Dragon
sortie de cet opus. Alors, direction Biarritz et la dynamique « Sanctuary » (de son milieu de cLet Go
salle de l’Atabal pour assister à l’une de ces prestations, carrière) ou les plus récents « « DNC » cGood Lookin' Out
où nous rejoignons environ 330 personnes bien décidées et « Machete ». Le nouvel album est cUs Vs. Them
à en découdre. Who I Am, d’Angoulême, ouvre les également bien représenté avec quatre cThe Snake (Break
hostilités pour ce qui constitue son premier concert avec extraits expéditifs, dont un « That Free)
son nouveau chanteur, qui n’est autre que Gurvan Guiriec, Crazy White Boy Shit » qu’on verrait cMachete
également vocaliste des Bordelais de Glock 203 qui bien s’incruster durablement dans la cUprising Nation
ouvraient six jours auparavant dans leur fief pour Suicidal setlist des Ricains. « Combien de cDNC
Tendencies. Bonne semaine pour le jeune homme ! Avec personnes nous voient pour la première cWorld Full Of Hate
son hardcore direct et sans fioritures, le quartet fait très fois ce soir ? Six ?! Alors, pas d’excuse, cBusted
bonne figure. Pas de répit pour le public puisque c’est vous avez intérêt à gueuler sur celle- cScratch The Surface
près du bar situé dans le hall de la salle que Missile là. Sinon, je serai très malheureux ! » cStep Down
(anciennement Iron Fist), un combo de hardcore punk s’amuse Lou avant « Us Vs. Them », Rappel :
noisy de Bayonne, fracasse nos tympans alors que le bien évidemment soutenu par un public cBuilt To Last
matériel de SOIA est installé sur la scène principale. lui aussi très motivé. En témoignent
Doté d’un batteur explosif et d’un chanteur à la voix ses innombrables circle-pits ou ce wall of death initié
primitive, Missile porte plutôt bien son nom. comme toujours pendant l’intro de « Scratch The
Un backdrop très « bariolé » représentant la pochette Surface », qui précède un « Step Down » festif et
de son dernier opus orne le fond de scène de Sick Of It qu’on imagine clore le show. Mais les musiciens,
All, signe que nous allons en voir de toutes les couleurs, visiblement ravis, reviennent pour un morceau non
au propre comme au figuré ! Car, fidèle à sa réputation, prévu au programme et choisi par le très vivace
le gang de la Grosse Pomme se montre d’une générosité batteur Armand Majidi : « Built To Last », titre
et d’une intensité qui ne se tarissent pas malgré les éponyme de leur album sorti en 1997. Destiné à
années de services : trente ans comme aime à le rappeler durer ? Pas de doute, après plus de trente piges,
Lou Koller, vocaliste en surtension. Ce n’est pourtant SOIA semble paré pour nous régaler durant encore
rien comparé à son frangin guitariste, Pete, qui défie quelques années !
sans cesse les lois de la gravité en multipliant les sauts BENJI
de cabri tout en martyrisant son instrument sur des Photo : Benji

MC50 – DRIVEN HIPS

LE 14 NOVEMBRE 2018 A PARIS (ELYSEE MONTMARTRE)
Triste constat : le MC5 célèbre son cinquantième
anniversaire à Paris (d’où son surnom de MC50
sur cette tournée) et l’on se balade à l’aise dans
un Elysée Montmartre très peu fréquenté aux
allures de palais des courants d’air. Comme dirait
OSS 117, « j’appelle ça la France, Mademoiselle,
et pas n’importe laquelle : la France du Général
de Gaulle ! ». Eh oui, la France variétoche qui ne
connaît rien au rock et ne se déplace donc pas
pour célébrer les héros, les vrais. Car, à l’évidence,
les happy few qui ont fait le déplacement ne
sont pas là pour le combo francilien Driven Hips
qu’ils ne suivent que d’un œil, à défaut d’une
oreille. Non, ceux-là ont fait le déplacement
pour le pionnier Wayne Kramer qui déboule sur
scène accompagné d’une sacrée brochette : le
guitariste Kim Thayil (Soundgarden), le bassiste
Billy Gould (Faith No More/il remplace un Doug
MC50 Pinnick un temps annoncé), le batteur Brendan
Canty (Fugazi) et le chanteur Marcus Durant
cIntro J.C. Crawford
(Zen Guerilla), excusez du peu ! En dépit de ce
cRamblin’ Rose
plateau pour le moins relevé, on se demande si
cKick Out The Jams
cCome Together
cette formation va s’avérer capable – pas un
cRocket Reducer N°62 mince exploit – de restituer comme il se doit le
(Rama Lama Fa Fa Fa) séminal Kick Out The Jams de 1969 joué
cBorderline d’entrée de jeu dans son intégralité. Le public
cMotor City Is Burning est vite rassuré, Kramer affichant une forme
cI Want You Right Now olympique en dépit de ses 70 ans. Alignant pas
cStarship de canard à la Chuck Berry et moulinets à la
cTonight Pete Townshend (The Who), jouant de sa guitare
cShakin’ Street dans le dos, souriant en permanence, Wayne
cFuture/Now s’attire immédiatement la sympathie des
cI Can Only Give You spectateurs. Les pistoleros qui l’accompagnent
Everything (Them) se faisant eux aussi plaisir, nous avons droit à
cCall Me Animal une vraie leçon de rock’n’roll punk à l’ancienne.
Rappel : Gould headbangue à s’en démettre les cervicales
cSister Anne cependant que Thayil, concentré, vient croiser
cLet Me Try
le fer avec le maître. Mais c’est Durant qui, par
cLooking At You
ailleurs, fait le show avec sa dégaine improbable,
sorte de panaché ébouriffant entre celles – ce
qui suit est copyrighté Morgan Rivalin – « de
Buzz Osborne (The Melvins) et de Cedric Bixler-
Zavala (The Mars Volta) ». L’homme, caché
derrière une épaisse paire de lunettes de soleil
et une touffe incroyable, esquisse des pas de
danse chaloupés, se tordant sous l’impulsion du
groove. Il faut dire que ça joue sévère, façon pan
dans la gueule (« Kick Out The Jams ») ou plus
laid back (l’impro reggae de « I Want You Right
Now »), voire free jazz (le délire spatial du bien
nommé « Starship », originellement écrit avec le
perché Sun Ra, dont le final à rallonge grince
sous les convulsions de clarinette de Durant).
Lorsque résonnent les dernières notes de Kick
Out The Jams, Kramer présente le line-up originel
du groupe (dont seuls le batteur Dennis
Thompson et lui ont survécu), demandant le
respect aux « brothers and sisters » qui manifes-
tent bruyamment leur approbation. Heureux
d’être à Paris (le groupe a visité les Catacombes
dans l’après-midi), Wayne s’attaque ensuite à
quelques extraits de High Time (1971), au premier
rang desquels un « Sister Anne » pourfendu par
un solo d’harmonica, et à une bonne moitié de
Back In The USA (1970), dont on retiendra
avant tout « Shakin’ Street » joué à la gratte
sèche, « Let Me Try » et un « Looking At You »
gentiment dédié à Trump (« Nous avons un
connard absolu à la Maison Blanche ! »). La salle,
à l’unisson, finit le point levé. Militante. C’est
que, durant une heure trente, elle s’est sentie
vivante. Et dire que, pendant ce temps-là et
pour l’essentiel, la France du Général était
coincée devant sa télé…
PHILIPPE LAGEAT
Photo : Nidhal Marzouk

66
 Après avoir intensément tourné pour promouvoir Hydra, sorti

WITHIN TEMPTATION
en janvier 2014, Sharon den Adel, chanteuse et co-compositrice

– EGO KILL TALENT de Within Temptation, a traversé une période de doute. Après
vingt ans de carrière, avait-elle encore envie de composer et de
se lancer dans de longs périples autour du monde ? Fort
LE 16 NOVEMBRE 2018 A PARIS (ZENITH) heureusement, une pause bien méritée et la publication d’un
album solo (My Indigo, projet foncièrement pop) ont permis à
Within Temptation la vocaliste de recharger pleinement ses batteries et ont ravivé
sa passion pour une musique plus épique et puissante. A l’heure
cRaise Your Banner actuelle, nul ne semble savoir précisément quand Resist,
cThe Reckoning septième opus ardemment attendu, verra le jour – sa date de
cEndless War publication vient d’être repoussée au premier trimestre 2019 –
cIn The Middle Of mais cette tournée donne aux fans l’occasion d’en découvrir
The Night cinq titres, soit la moitié de l’album (!). Le Zénith, pour
cStand My Ground l’occasion, affiche quasiment complet. Déjà aperçu lors des
cAll I Need deux dernières éditions de notre Download national et en
cSupernova
première partie de System Of A Down aux Arènes de Nîmes,
cShot In The Dark
Ego Kill Talent, le nouveau groupe de Jean Dolabella (batteur
cThe Promise
cIce Queen
de Sepultura de 2006 à 2011) pratique un rock vaguement
(acoustique) grungy qui doit beaucoup à Queens Of The Stone Age et aux
cFaster Foo Fighters (« Last Ride »). Le quintet brésilien, dont la présence
cMercy Mirror sur l’affiche n’a été annoncée qu’en dernière minute, livre un
cParadise (What concert professionnel, mais sans grand relief, qui ne marquera
About Us?) pas les mémoires. Dolabella est le seul musicien qui se montre
cThe Heart Of réellement énergique et il faut attendre la fin du set pour voir
Everything le public réagir et répondre poliment aux sollicitations du
cWhat Have You Done chanteur Jonathan Correa.
cForgiven A 20h50, les lumières s’éteignent et l’excitation de la foule
cMother Earth passe au niveau supérieur. Difficile de décrire précisément
Rappel : l’étrange décor dans lequel évolue un Within Temptation qui
cStairway To The Skies s’est totalement détaché du caractère naïf et féérique de ses
débuts. Un écran géant recouvre la partie haute de la scène,
avec un cercle en son milieu, qui permet quelques effets
cinématiques bien pensés. Deux « ailes » gigantesques aux
textures de pneus, disposées de part et d’autre, évoquent un
monde déshumanisé et post-apocalyptique qui illustre intelli-
gemment le concept du septième album. Les claviers et la batterie
sont surélevés de part et d’autre, et la belle Sharon, drapée de
blanc, se tient au centre de la scène. Le sextet batave, qui dispose
d’un son d’une qualité rare pour un Zénith (et pas trop fort, ce
qui permet de se passer de protections auditives lors des
moments les plus dépouillés), fait le choix audacieux de débuter
avec trois nouveaux titres, dont le puissant et très metal « Raise
Your Banner » qui compte parmi les meilleurs moments de
Resist. La chanteuse est parfaitement en voix et assure à la
perfection la superbe montée finale de la chanson, pourtant
inhabituellement aigue. Les fans reconnaissent immédiatement
« The Reckoning », premier single du nouvel album publié sur
le net, qui fonctionne très bien en conditions live. On déplore
tout de même que ce nouveau disque n’ait pu sortir avant la
tournée car on sent que la formation a établi son set en fonction
des thèmes abordés dans ses paroles : la nécessité de se battre
pour ses convictions (« Stand My Ground », unique extrait de
The Silent Force interprété), d’ouvrir les yeux et de prendre
conscience de ce qui nous entoure (« The Heart Of Everything »),
etc. A l’exception de quelques déclarations d’amour en français
(« Paris, je t’aime ! Chante pour moi ! ») et d’une petite allusion
au match de football du jour, qui verra justement la France
perdre face aux Pays-Bas (« quelqu’un connaît le score ? »), la
charmante chanteuse ne communique que peu, préférant se
concentrer sur sa prestation. Chacun des quatre extraits de The
Unforgiving (2011) reçoit un accueil formidable, notamment « In
The Middle Of The Night », dont l’assistance reprend la mélodie
avec ferveur, et le rappel « Stairways To The Skies », qui voit
Sharon enveloppée dans une tenue vert pâle s’élever dans les
Ego Kill Talent airs de façon angélique et chanter suspendue à quelques mètres
de hauteur, pour un effet visuel saisissant. Petite surprise du
soir (« Nous avons toujours quelque chose de spécial pour
Paris ! »), le groupe reprend « Ice Queen » en version acoustique,
dans un arrangement minimaliste strictement similaire à celui
proposé par le chanteur Jasper Steverlinck (invité sur un titre
de Resist) dans le cadre de l’émission de télévision néerlandaise
Liefde Voor Muziek en avril dernier. Un beau moment ! S’il est
toujours déstabilisant de revoir sur écran le visage de Keith
Caputo (qui est aujourd’hui devenu Mina Caputo) sur « What
Have You Done », force est de constater que cette chanson
emballe le public,qui réserve cependant tout son enthousiasme
pour « Mother Earth », accueilli et célébré comme un véritable
classique. En conclusion de ce superbe concert d’1h40, Sharon
prend une dernière fois la parole pour s’excuser de cette longue
absence et promet un retour rapide. Rendez-vous au prochain
Hellfest !
FRANÇOIS BLANC
Photos : Nidhal Marzouk

67
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 Glenn Hughes Entamée il y a plus d’un an et loin d’être finie, la tournée

GLENN HUGHES cStormbringer « Glenn Hughes performs classic Deep Purple live » est un joli

– LEX KORITNI (Deep Purple)

LE 06 NOVEMBRE 2018 A PARIS (ÉLYSÉE MONTMARTRE)
cMight Just Take Your
succès. Comme son titre l’indique, elle voit The Voice Of Rock
se consacrer à l’interprétation de morceaux de Deep Purple.
Life (Deep Purple) Rappelons à toutes fins utiles que Glenn Hughes a fait partie
cSail Away du groupe de 1973 à 76, marquant son line-up « Mark III » de
(Deep Purple) sa basse et de ses vocalises. En toute logique, des morceaux
cGettin’ Tighter extraits de Burn (1974), Stormbringer (74) et Come Taste The
(Deep Purple) Band (76) sont donc au programme, mais « pas que »... Pour
cYou Keep On Moving l’heure, c’est Lex Koritni qu’on retrouve sur les planches de
(Deep Purple) l’Elysée Montmartre. Lex Koritni, et non Koritni « tout court »,
cYou Fool No One le chanteur/guitariste se produisant sans ses camarades du
(Deep Purple) groupe franco-australien. Comme il l’a déjà fait en première
cMistreated
partie de Phil Rudd en 2017 (Cf. RH176), Lex Koritni joue en
(Deep Purple)
acoustique, accompagné d’un percussionniste et d’un second
cSmoke On The Water
(Deep Purple)
guitariste : Marcelo Merens et Tom Fremont. Et comme en
cGeorgia On My Mind 2017, ce sont des titres de Koritni qui ont ses faveurs : « Red
(Hoagy Carmichael) Light Joint » (joué dans de belles lumières… rouges), « Seal
Rappel : The Deal » et « Try To Live (A Little Bit) » de Night Goes On
cBurn (Deep Purple) For Days (2015) (enregistrés avec les ex-Trust Vivi Brusco et
cHighway Star (Deep Farid Medjane), mais aussi « Take It All », « Looking So Fine »
Purple) et « Bottle Of Wine », tous trois tirés de Rolling sorti cet été.
« Oh la vache, c’est chaud ! » dit, en français dans le texte, le
plus francophile des musiciens from Downunder qui garde la
tête froide et dédie « Woman In Love » à sa chérie. Faute de
temps, « Sweet Home Chicago » passe à la trappe, mais
l’Australien et ses amis ont le bon goût de conclure avec une
cover très sympathique du méga tube « Beds Are Burning »
(Midnight Oil), copieusement applaudie. Nous attendons
désormais de retrouver Koritni en électrique, chose qui serait
prévue pour juin prochain. A suivre !
Il est 20h23 pétantes quand Glenn Hughes et ses trois
camarades mettent en joie une salle remplie aux trois-quarts
avec « Stormbringer », la première cartouche qui lance ce set.
Pour ceux qui, dans les 70’s, « y étaient », la performance du
frontman a des airs d’hologramme ! Mister Hughes qui, de son
propre aveu, a passé de longues heures sur YouTube pour se
remémorer ses concerts des années 70, a de nouveau la tignasse
longue et est sapé comme à l’époque. Ne manque que le
patchouli pour qu’on s’y croit à 100 %, embarqué dans une
expérience de réalité virtuelle rythmée au son des « Peace and
love ! » du maestro. Mais voilà : nous sommes 44 ans plus tard,
en 2018, il fait froid dans les rues et les cordes vocales de The
Voice Of Rock font grise mine. Les impressionnants cris aigus
dont il a le secret sont de la fête, mais chacun d’entre eux
semble faire davantage de dégâts que le précédent et la
prestation globale de Glenn en pâtit. Derrière son Hammond,
Mike Mangan essaye de remplir le spectre sonore. Derrière son
kit, l’excellent Ash Sheehan, fraîchement arrivé en pleine tournée,
met la gomme sur le final de « Sail Away », rivalise avec le jeu
flamboyant d’un Tommy Aldridge sur l’imparable « Burn » et
offre aux spectateurs un long solo de batterie (pendant lequel
le maestro récupère) digne d’un numéro du Plus Grand Cabaret
Lex Koritni du Monde… Comme d’habitude, Glenn Hughes reste particu-
cTry To Live lièrement affable. Les jolies choses qu’il dit au sujet de Tommy
(A Little Bit) Bolin (« l’un des meilleurs, sinon le meilleur guitariste de sa
cDance Mamma Dance génération » et un homme « bon, attentionné, généreux et
cTake It All sensible ») touchent tous les inconditionnels de Come Taste The
cSeal The Deal Band (1975) au moment où est interprété « Gettin’ Tighter »,
cBottle Of Wine morceau écrit à quatre mains par Hughes et Bolin. Mais les fans
cWoman In Love ultimes qui entourent votre serviteur semblent peu convaincus
cLooking So Fine (euphémisme…) par la qualité et la fidélité du jeu de Soren
cRed Light Joint Andersen, guitariste de Glenn depuis bientôt dix ans. Faut-il
cBeds Are Burning interpréter les morceaux à la perfection pour que l’hommage
(Midnight Oil) atteigne son but ? En tout cas, l’intégralité du public est loin
d’être conquise. L’implication de Glenn Hughes n’est pas en
cause (« Je ne peux pas vous téléporter en 1974, à la California
Jam, mais je peux essayer ! De toute façon, à l’époque, j’avais
quatre ans... »), mais ce soir, le concept peut être trouvé un
poil bancal. Afin d’éviter que ceux qui auraient vu écrit « Deep
Purple » sur l’affiche ne comprennent pas que « Smoke On The
Water » et « Highway Star » ne soient pas de la partie (Ndlr :
ils ont été écrits quand Glenn Hughes ne faisait pas encore
partie du groupe), le quatuor les joue. « Comme Glenn Hughes
le faisait avec Deep Purple dans les 70’s », me rétorquerez-
vous, et vous aurez raison. Ce soir, en réalité, c’est surtout la
qualité du chant de Glenn (difficile reprise de « Georgia On My
Mind » en plein milieu de laquelle le musicien, en proie à de
gros problèmes vocaux, s’en prend à son ingé-son...) qui a terni
« l’expérience ». Qui sait, peut-être de nouvelles dates, l’an
prochain, permettront-elles de remettre les pendules à
l’heure ? Wait and see !
MORGAN RIVALIN
Photos : Nidhal Marzouk

69
 PLAYLISTS
CHARLELIE ARNAUD
1. OBSCENITY – Summoning The Circle
2. EMIGRATE – A Million Degrees
3. MÖRGLBL – The Story Of Scott Rötti
(advance CD)
4. DOWNTOWN BROWN – CaliFlorida
5. ELECTRIC BOYS – The Ghost Ward Diaries
STEPHANE AUZILLEAU
1. 22 – You Are Creating
2. 22 – You Are Creating
3. 22 – You Are Creating
4. 22 – You Are Creating
5. 22 – You Are Creating
BENJI
1. ENJOY THE VIOLENCE – Sam Guillerand et
Jérémie Grima (livre)
2. BILLY BIO – Feed The Fire
3. METAL CHURCH – Damned If You Do
4. ELECTRIC BOYS – The Ghost Ward Diaries
5. RUNNING WILD – Death Or Glory (Deluxe)
FRANCOIS BLANC
1. GOTTHARD – Defrosted II
2. ARION – Life Is Not Beautiful
3. AVANTASIA – Moonglow (advance CD)
4. JEAN-MICHEL JARRE – Equinoxe Infinity
5. BEAST IN BLACK – From Hell With Love
(advance CD)
DJUL
1. AZUSA – Heavy Yoke
2. THE SACRIFICE – The Sacrifice
3. THOMAS GILES – Don’t Touch The Outside
4. NOSOUND – Allow Yourself
5. THE VACANCY – Four Seconds Ago
GUILLAUME FLEURY
1. EMBRYONIC CELLS – Horizon
2. EVOKEN – Hypnagogia
3. JON SCHAFFER’S PURGATORY – Purgatory
4. UNCLE ACID AND THE DEADBEATS –
Wasteland
5. HYPNO5E – Acid Mist Tomorrow
VANESSA GIRTH
1. JOHN GARCIA AND THE BAND OF GOLD –
John Garcia And The Band Of Gold
2. UNCLE ACID AND THE DEADBEATS –
Wasteland
3. RIVALS SONS – Feral Roots (advance CD)
4. 22 – You Are Creating
5. MASS HYSTERIA – Maniac
EMMANUEL HENNEQUIN
1. JOHN GARCIA AND THE BAND OF GOLD –
John Garcia And The Band Of Gold
2. DIRGE – Lost Empyrean
3. VIRGIN BLACK – Requiem Pianissimo
4. THE STOOGES – Fun House
5. BEHEMOTH – I Loved You At Your Darkest
PHILIPPE LAGEAT
1. IRON MAIDEN – Beat Club 22.01.1981
(YouTube)
2. BOB SPENCER – Saints + Murderers
3. DEVIN TOWNSEND PROJECT – Ocean
Machine : Live At The Ancient Roman
Theatre Plovdiv
4. MARILLION – Clutching At Straws
(Deluxe Edition)
5. RIVALS SONS – Feral Roots (advance CD)
MORGAN RIVALIN
1. CONCEPTION – My Dark Symphony (EP)
2. EMIGRATE – A Million Degrees
3. EVERGREY – The Atlantic
4. AVANTASIA – Moonglow (advance CD)
5. BEAST IN BLACK – From Hell With Love
(advance CD)
MARC VILLALONGA
1. CLUTCH – Book Of Bad Decision
2. ALICE IN CHAINS – Rainier Fog
3. MASS HYSTERIA – Maniac
4. NASHVILLE PUSSY – Pleased To Eat You
5. SLASH – Living The Dream
70
ALL THAT REMAINS
Victims Of The New Disease
(Eleven Seven Music/Sony Music)
Metalcore
Sortie : déjà disponible
Pour cuisiner un album de All That
Remains, munissez-vous des ingré-
dients suivants : un peu de Slipknot,
une bonne grosse dose de Five Finger
Death Punch ou encore un zeste de
Lamb Of God (facultatif). Roulez tout
ça dans la panure, passez en friteuse,
égouttez (un peu) et collez le tout
entre deux tranches de pain. Et bon
appétit, bien sûr ! Cette recette s’ap-
plique (un peu) moins à Victims Of The
New Disease, neuvième album du
gang du Massachusetts sur lequel ce
dernier lorgne davantage du côté de
ses racines metalcore. Pour l’occasion,
Phil Labonte (chant) se remet sérieuse-
ment à hurler méchamment. Il le
prouve dès « Fuck Love », un titre sur
lequel le message passe comme une
lettre à la Poste tant il est convain-
quant. Toujours aussi versatile,
Labonte est toutefois toujours capable
de faire penser à Corey Taylor
(Slipknot, Stone Sour) ou encore à Ivan
Moody, chanteur de FFDP qu’il a
d’ailleurs remplacé en tournée
(« Everything’s Wrong »), mais ici, il
prend vraiment plaisir à poser ses
vocaux éraillés sur des riffs bulldozer
et autres saccades issues du metalcore
pur jus. « Blood I Spill » et
« Wasteland » raviront ainsi les ama-
teurs de Killswitch Engage, autre
membre éminent de cette fameuse
scène metalcore du Massachusetts. En
revanche, les fans de KSE trouveront
sans doute qu’ATR est allé trop loin en
singeant le célèbre « In Due Time » de
ses copains… (« Misery In Me ») Après
un autre « clin d’œil », mais à Gojira
cette fois (« Broken »), l’auditeur – ou,
en tout cas, votre serviteur – en vient à
espérer que All That Remains fasse
preuve de plus de personnalité à ce
stade de sa carrière. Malheureusement,
cette dernière connaît actuellement
une période bien sombre : Oli Herbert,
guitariste/membre fondateur du
groupe, est mort le 17 octobre dans
des eaux aussi troubles (celles d’un
étang) que les circonstances de sa dis-
parition, qualifiées de « suspectes »
par la police locale… Malgré le choc,
1 - 3 = naze / 4 - 6 = moyen / 7 - 8 = bon / 9 - 10 = génial !
MON ALBUM DU MOIS par STEPHANE AUZILLEAU
22
You Are Creating
(Long Branch Records/Season Of Mist)
Rock progressif transgressif
Sortie : déjà disponible
Décidément, cette fin d’année nous
réserve d’excellentes surprises en
termes de sorties d’albums. Après le
magnifique Divide des Anglais éner-
vés de Black Peaks le mois dernier,
voici que déboule sur nos platines un
incroyable double (même s’il ne dure
« que » 63 minutes) concept-album,
proposé par un quatuor de Norvégiens
qui répond au nom de 22. Après un
intéressant Flux en 2010, le groupe
s’était contenté de sortir quelques
EPs ainsi qu’un DVD (The Pool
Sessions), jusqu’à You Are Creating -
Limb 1 en mars 2017. Ce n’est qu’un
an et demi plus tard que parait You
Are Creating dans sa forme aboutie,
reprenant Limb 1 et y ajoutant Limb 2.
Oui, le groupe de Magnus Børmark
(guitare, production) est un peu tor-
turé, musicalement mais aussi intellec-
tuellement… L’idée de ce concept-
album est que c’est la personne qui
écoute une chanson qui crée elle-
même l’effet que celle-ci lui procure,
postulant que la musique est bien une
rencontre dans laquelle l’artiste et
l’auditeur font chacun la moitié du
chemin (Cf. interview de Magnus dans
ce numéro). A l’appui de son argu-
mentation, le groupe nous propose
une œuvre extrêmement dense et tra-
vaillée, mais avec des espaces de res-
piration afin de donner à chacun l’op-
portunité de rentrer dedans à ces
moments précis. Tout cela est très
bien, me direz-vous, mais musicale-
ment, ça donne quoi ? Eh bien, au-
delà du fait qu’il est strictement
impossible d’apposer une étiquette
pertinente au genre pratiqué par 22,
chaque titre possède sa propre et
forte identité. Sans autre forme
d’avertissement, on se trouve ainsi
projeté au centre d’une méga-orgie
sonore à laquelle participeraient Muse
(« You Are Creating »… et plein d’au-
tres, le trio anglais étant une influence
majeure), The Mars Volta (d’entrée de
jeu, avec le frénétique « Inspec »),
Agent Fresco (avec qui 22 a tourné
cet automne), Queen (l’intro de « Sum
Of The Parts », un morceau totale-
ment irrésistible dont le refrain s’in-
cruste dans votre esprit dès la pre-
mière écoute, est au niveau des idées
les plus lumineuses de Mercury et
consorts), The Darkness (le chant en
voix de tête et les chœurs de « Adam
Body Mass Index », dont les disso-
nances guitaristiques évoquent plutôt
… King Crimson, un combo dont l’om-
bre réapparait à nouveau lors des
morceaux les plus déstructurés, à
l’instar de « V » en fin de parcours),
Coheed And Cambria, voire Michael
Jackson (l’impeccable riff synthétique
de « Autumn Stream » évoquant celui
du « Smooth Criminal » du Roi de la
Pop, pour un titre construit sur des
pulsations rythmiques). Bref, ça en fait
du monde invoqué sur cette galette !
Et, de surcroît, du monde qui aime
bien les choses riches, à la fois d’un
point de vue sonore et harmonique.
Chaque chanson est donc un univers
en soi, que l’auditeur est invité à
explorer. Les rythmiques sont inven-
tives, voire inattendues (« You Are
Creating »). Les mélodies sont à la fois
limpides et torturées, et le chant de
Per Kristian Trollvik venu tout droit
d’une autre galaxie. En voix de tête, il
nous emmène par-delà les frontières
des territoires connus, comme sur la
magnifique ballade éthérée « Ectypes »
et sur « Akira » en conclusion. Le plus
incroyable dans cette affaire, c’est
que les morceaux (de quatre minutes
en moyenne) sont faciles d’accès, et la
plupart du temps rehaussés de
refrains taillés pour les stades, ce qui
n’est pas le moindre des paradoxes.
Un peu à l’instar de Queen et Muse,
22 parvient en effet à rendre à la fois
évidentes et passionnantes des mélo-
dies et des structures complexes. Le
jeu de guitare de Magnus Børmark est
d’une subtilité peu commune (« Call
Me Trimtab », « Dilemanns »), fine-
ment ciselé par des sonorités inédites.
Et globalement, même si le groupe
s’en défend, ça joue sévère ; cela sans
pour autant qu’aucun des musiciens
ne tire la couverture à lui, dans une
osmose peu commune. Ça s’appelle le
talent. On ressort donc tout cham-
boulé, mais enchanté et régénéré, de
l’écoute de ce concept-album qui
nous touche et donne finalement rai-
son à ses concepteurs, que nous avons
vraiment le sentiment d’avoir rencon-
trés lors de ces moments de commu-
nion passés ensemble. Imaginatif,
STEPHANE AUZILLEAU . . . . . . . . . . . . .9
somptueux et absolument irrésistible.
ses camarades ont toutefois décidé de
continuer, de sortir cet album et de
nous rendre visite le 9 décembre à
Paris, en compagnie du guitariste
Jason Richardson (All Shall Perish,
MORGAN RIVALIN . . . . . . . . . . . . . . . . .7
Chelsea Grin). Respect...
ARION
Life Is Not Beautiful
(AFM/Season Of Mist)
Power metal symphonique
Sortie : déjà disponible
Ne vous fiez pas à cette pochette qui
fleure bon l’amateurisme et le pseudo-
metal épique de troisième catégorie ;
Arion ne joue pas dans cette cour. Life
Is Not Beautiful, le deuxième méfait
des jeunes Finlandais, est au contraire
une parfaite représentation, archéty-
pale mais indéniablement soignée, de
ce qu’incarne aujourd’hui le metal
mélodique. Non pas que le propos du
quintet soit bêtement prévisible, loin
de là – Arion vient de quitter une
structure locale pour rejoindre les
rangs du label AFM, ce qui n’est tout
de même pas rien – mais disons plutôt
qu’on sent que des formations comme
Battle Beast ou Amaranthe sont pas-
sées par là ; ces deux groupes, et
quelques autres dans leur sillage, ont
contribué à décomplexer les jeunes
pousses du metal, qui n’hésitent plus à
puiser dans la pop ou à s’inspirer des
formules magiques de la variété
contemporaine pour atteindre le
graal, la réussite suprême : la rengaine
imparable, le « refrain qui tue ». Des
tubes, on en dénombre plusieurs sur
cet album, à commencer par « No One
Stands In My Way » et le formidable
single « At The Break Of Dawn »,
hyper bien troussé et sur lequel inter-
vient justement Elize Ryd, la voix des
Suédois d’Amaranthe. Il faut dire que
la formation dispose de nombreux
atouts non négligeables : production
lisse mais chromée, sans feeling mais
très puissante et bien équilibrée,
arrangements pertinents (la douce bal-
lade conclusive « Last One Falls »),
énergie communicative, exécution
rigoureuse et professionnelle qui
prouve que les musiciens sont loin
d’être des manches (notamment le
chanteur polyvalent Lassi Vääränen,
véritable révélation)… Tout a été
pensé pour atteindre le summum du
power metal « façon 2018 ». Certains
fans attachés aux canons du début des
années 2000 risquent de ne pas trop
se reconnaître dans certains passages
(les touches électroniques et les riffs
sous-accordés, façon metalcore, du
titre éponyme ou de l’accrocheur
« Punish You »), mais pour le reste, dif-
ficile de ne pas se laisser prendre au
jeu, d’autant que la formation a le bon
goût de varier ses influences sans
qu’aucune ne vienne prendre le pas
sur les autres ou se rappeler à l’audi-
teur avec trop d’insistance. Vous l’au-
rez compris, Life Is Not Beautiful n’est
pas parfait, mais colle parfaitement à
l’air du temps et témoigne d’un vérita-
ble savoir-faire mélodique qu’on ne
croise pas à tous les coins de rue. Avec
ce sens inné de l’accroche, les
Finlandais pourraient bien, s’ils s’en
donnent les moyens, s’élever au-des-
sus d’une bonne partie de la concur-
rence. Une formation à suivre avec la
FRANÇOIS BLANC . . . . . . . . . . . . . . .7,5
plus grande attention !
BROTHERS OF METAL
Prophecy Of Ragnarök
(AFM/Season Of Mist)
Heavy/power metal
Sortie : déjà disponible
Lorsque nous sommes tombés sur le
nom « Brothers Of Metal » pour la pre-
mière fois, nous avons d’abord cru à
un tribute band de Manowar particu-
lièrement peu inspiré. Car franche-
ment, qui, sinon un groupe de reprises
des souverains autoproclamés du vrai
metal oserait se présenter derrière un
patronyme aussi bateau ? Il semble
pourtant que cette notion de ridicule
n’ait même pas effleuré l’esprit des
huit jeunes musiciens suédois, qui n’en
sont de toute façon pas à un cliché
près. Un rapide visionnage du clip du
titre éponyme de ce premier opus
(publié de façon indépendante et
confidentielle voici un an et réédité
cette année par AFM, qui a senti qu’il
y avait là un bon coup à se faire) per-
met déjà d’y voir plus clair. Cela com-
mence avec le line-up, qui compte
trois guitaristes (au vu de la simplicité
de la musique pratiquée, la question
de la « nécessité » de ce recrutement
massif demeure en suspens !) et trois
vocalistes, dont deux chanteurs (un
préposé aux narrations, pompeuses
ou faussement solennelles, un autre à
la voix rauque façon Grave Digger ou
les débuts de Sabaton). On flirte d’ail-
leurs avec la parodie, le groupe faisant
preuve d’un second degré (qui semble
assumé, heureusement). Et si Brothers
Of Metal ne saurait nier l’influence de
Manowar (notamment en ce qui
concerne ses textes qui puisent dans la
mythologie nordique ou chantent la
gloire éternelle du seul et du vrai
heavy metal), la formation va plutôt
faire son shopping chez Freedom Call
MON ALBUM DU MOIS par DJUL
AZUSA
Heavy Yoke
(Indie Recordings/Season of Mist)
Thrash progressif aventureux
Sortie : déjà disponible
Ô brutale, mais délicieuse surprise !
Sorti de nulle part, mais doté de mem-
bres au pédigrée qui ne ment pas,
Azusa se propose de vous asséner une
magnifique mandale au papier de
verre pour fêter cette fin d’année en
beauté ! Côté CV donc, que du beau
monde avec Liam Wilson (des regret-
tés The Dillinger Escape Plan) à la
basse et la paire Christer Espevoll à la
guitare et David Husvik à la batterie
(des non moins barjots Extol, même si
Christer a quitté le navire depuis long-
temps). Et derrière le micro, la révéla-
tion du lot en la personne d’Eleni
Zafriadou (du groupe Sea + Air,
inconnu de nos services) qui éructe
autant qu’elle cajole et participe donc
grandement à cette distribution de
baffes digne du Parc Asterix ! A
l’image d’une Julie Christmas (Made
Out Of Babies et Battle Of Mice), elle
propose, sur Heavy Yoke, une parti-
tion complètement schizophrène sur
un fond musical qui ne l’est pas moins.
Sa maison de disques nous parle d’un
Slayer emmené par Kate Bush au
micro. On n’en est effectivement pas
loin sur un titre comme « Eternal
Echo », sur lequel ses minauderies et
ses effets de production sur la voix
rappellent sans détours l’héritage de
la belle Anglaise… défiguré à l’acide
(c’est flagrant sur le refrain de
« Siblings Of Metal »), dans les débuts
d’Ensiferum, (on retrouve une touche
folk/pagan, le chant extrême en
moins), voire chez les grands frères de
Sabaton, eux aussi originaires de la
ville de Falun (le refrain de « Gods Of
War »). Bien qu’un peu sous-produit,
l’album n’est pas entièrement mauvais
(force est de reconnaître que les
Scandinaves s’y connaissent en
matière de mélodies accrocheuses). La
preuve, un public jeune et nourri aux
jeux de rôles à l’imagerie viking a déjà
adoubé les Frères De Metal et s’est
empressé de jurer sa fidélité éternelle
à la petite troupe. De notre côté, on
chlorhydrique des cavalcades sangui-
nolentes de la bande à Tom Araya ! En
voix claire, Eleni flirte clairement avec
une autre grande dérangée de la
scène progressive, à savoir Sofia
Kempe de The Great Discord. Sur le
seul réel temps calme du disque, le
langoureux « Fine Lines », elle étale
un sacré talent d’expression… et nous
ferait presque regretter qu’elle ne
module pas encore un peu plus le
reste de son répertoire sur les autres
titres. Musicalement, la technique des
instrumentistes est majoritairement
présentée en rythmiques, avec des
fulgurances qui ne sont pas sans rap-
peler Coroner et Death dans leurs
dernières années respectives (enfin,
les années 90, pour les premiers, res-
suscités depuis lors !). En ce sens, on
parle vraiment de thrash et non de
metal progressif, et cette petite préci-
sion terminologique a toute son
importance, tant le premier genre est
sous-représenté par des formations
contemporaines dignes de ce nom :
Azusa en est une, incontestablement !
Cela n’empêche pas le quatuor de flir-
ter avec le metalcore technique d’un
Protest The Hero ou avec la folie d’un
Mister Bungle, notamment dans cet
art de proposer des morceaux en
forme de petites saynètes. Il est d’ail-
leurs plus qu’heureux que l’ensemble
ne dure que 34 minutes au regard de
l’agression sonore qui est assénée :
« Succumb To Sorrow » n’en a pas
besoin de plus de deux pour faire son
office de destruction, et
« Spellbinder » de trois pour dévelop-
per toute la gamme des riffs syncopés
proposés depuis ces quatre dernières
décennies. La production se veut pré-
cise et rêche, pour encadrer une
musique qui se joue déjà en rangs très
serrés et avec une cohérence qui ne
sent pas vraiment le premier album,
et encore moins le projet parallèle.
Que demander de plus, et par exem-
ple au Père Noël ? De nous livrer des
albums aussi frais et saisissants tous
DJUL . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .8
les mois ! On a le droit de rêver…
déplore l’aspect relativement caricatu-
ral des compositions et de l’interpréta-
tion (l’humour est-il devenu le seul
moyen de fédérer de nos jours ?) et
l’accentuation exagérée de certains
gimmicks déjà très usés. Vouer
Prophecy Of Ragnarök aux gémonies
serait exagéré, mais il convient de ne
pas se tromper sur la marchandise et
de prendre le combo pour ce qu’il est :
une bande de jeunes enthousiastes
pratiquant un metal épique gentillet
destiné aux adolescents. Tout simple-
FRANÇOIS BLANC . . . . . . . . . . . . . . . . .6
ment !
DIRGE
Lost Empyrean
(Debemur Morti/Season Of Mist)
Post-metal/sludge
Sortie : 14.12.2018
Le doute s’accroît au fur et à mesure
MON ALBUM DU MOIS par BENJI
BILLYBIO
Feed The Fire
(AFM/Season Of Mist)
Hardcore punk
Sortie : déjà disponible
Avec le départ du bassiste/chanteur
Scott Roberts en 2015, lui-même rem-
plaçant d’Evan Seinfeld parti faire car-
rière avec sa bite (pas besoin de son
couteau) dans l’univers du X,
Biohazard semble entrer dans un som-
meil à durée indéterminée. C’est donc
avec plaisir que nous avons retrouvé,
en 2016, l’un de ses membres origi-
naux, le guitariste/chanteur Billy
Graziadei, au sein de Powerflo, asso-
ciation de musiciens issus de Cypress
Hill, Downset, Fear Factory et donc
Biohazard. De beaux CV sur le papier
et des promesses confirmées par un
concert très convaincant au Hellfest
2018. Cette nouvelle mise en lumière
a semble-t-il donné des ailes à Billy
qui publie aujourd’hui son premier
album solo sous le nom de BillyBio. Un
patronyme en forme de rappel évi-
dent à son groupe de cœur : tout ce
qu’il y a de plus logique à l’écoute de
cet uppercut en bonne et due forme.
Car avec l’aide de quelques amis
(Simo Perini de Ten Foot Pole à la bat-
terie, Ra Diaz de Suicidal Tendencies à
que grandit la discographie des
Français. Sept albums, déjà. Dirge a-t-
il un équivalent dans le post-metal
hexagonal ? A notre connaissance,
non. Style, qualité d’écriture et de pro-
duction : jamais le groupe n’a sorti un
seul travail à l’écoute duquel nous
nous serions dit : « ils n’ont pas tout
la basse, et Dan Palmer de Death By
Stereo pour quelques soli), Billy signe
là ce qui pourrait presque s’apparen-
ter au dixième album studio de
Biohazard tant les parallèles sont évi-
dents. Avec une majorité de titres
donnant dans un hardcore direct et
sans fioriture, mais aussi ces chœurs
de hooligans en rut caractéristiques
de la musique des New-yorkais, Billy
s’en donne à cœur joie en chantant
avec une incroyable rage sur des riffs
dont il a le secret. Si l’on se deman-
dait encore qui était réellement au
cœur du son et du style Biohazard, le
doute s’estompe définitivement avec
Feed The Fire. Ceci étant dit, Billy
s’aventure aussi à l’occasion dans des
contrées un peu plus punk rock
(influence revendiquée par Biohazard),
notamment sur « Generation Z » où
l’on a même du mal à reconnaître sa
voix, plus mélodique qu’à l’accoutu-
mée. C’est aussi le cas sur « Feed The
Fire » où l’on a parfois l’impression
que deux vocalistes se partagent le
boulot. Le bougre s’en sort d’ailleurs
plutôt pas mal dans ce registre moins
hurlé, offrant ainsi quelques passages
un poil plus light (toutes proportions
gardées) au milieu de la tourmente. A
noter également deux interludes rela-
tivement anecdotiques (« Remedy »,
assez planant, et « Trepidation », mix
de bruitages, guitares épurées et voix
robotiques), ainsi qu’un final terrifiant,
« Disaffected World », qui, après 3’20
d’une rare intensité, s’en va clore l’al-
bum avec un dernier passage instru-
mental « industriel » étouffant. Du
très bon boulot qui devrait être
apprécié comme il se doit par tous les
fans frustrés de Biohazard en atten-
dant un hypothétique retour des ter-
reurs de Brooklyn et un probable nou-
BENJI . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .8
vel album de Powerflo pour 2019.
 mis », ou « les ambiances sont plan-
plan ». Les quatre derniers enregistre-
ments, en particulier, sont de purs
joyaux (plus le mini-album Hyperion) ;
et Lost Empyrean, plein de ce son ram-
pant et aérien, confirme si besoin était
la force d’inspiration du quartet. Les
discrets effets posés sur les voix don-
nent parfois un grain cybernétique à
un son à la fois lourd et spatial
(« Hosea 8:7 »). Il se dégage alors de
cette musique une force émotionnelle
qui nous fait penser à celle d’un Kill
The Thrill : les sept monolithes saturés
formant ce septième opus, ni plus ni
moins que leurs prédécesseurs directs,
ont de somptueux volumes (« The
Burden Of Almost »). L’information
selon laquelle deux ans et demi de tra-
vail auraient été nécessaires pour par-
venir à finition n’étonnera personne.
Nous avons ici affaire à un artisanat
authentique : une apocalypse floy-
dienne, un déchirement. Le son de
EMMANUEL HENNEQUIN . . . . . . . .8,5
l’âme.
ELECTRIC BOYS
The Ghost Ward Diaries
(Mighty Music/Season Of Mist)
Hard rock
Sortie : déjà disponible
Comme vous pourrez le lire dans l’in-
terview de Conny Bloom (chant, gui-
tare) qui figure en ces pages, Electric
Boys revient de loin. Si vous avez une
mémoire d’éléphant, vous vous sou-
viendrez à coup sûr de l’ébouriffant
Funk-O Metal Carpet Ride sorti en
1989, et, avec un peu de bol, de son
successeur, Groovus Maximus (1992),
déjà bien plus confidentiel. En dehors
de ces deux disques, les autres méfaits
du gang suédois n’ont jamais atteint
nos régions tempérées. C’est donc
avec une joie non feinte que nous
avons vu débarquer ce nouvel album,
tout impatients que nous étions de
retrouver ce hard rock mâtiné de funk
grâce auquel de jolis déhanchés
étaient à prévoir. Mais Electric Boys a
beaucoup changé, et les racines funky
du combo ne sont plus qu’un lointain
souvenir. De la mixture de jadis ne
reste presque exclusivement qu’un
hard rock de très bonne facture qui
rappelle tour à tour AC/DC (l’intro de
« Hangover In Hannover » !), D.A.D.
74
(« Knocked Out By Tyson »), voire Guns
N’ Roses (flagrant notamment sur
« Gone Gone Gone » où le chant de
Bloom pique un paquet de tics à Axl
Rose). Seul titre un peu groovy à se
mettre sous la dent, « Love Is A Funny
Feeling » (rien à voir avec la chanson
de The Darkness) est un peu plus sen-
suel que l’ensemble. Les garçons élec-
triques vont même jusqu’à taper dans
le rock de stade avec un « You Spark
My Heart » sur lequel plane l’ombre
des Foo Fighters. Bref, s’il s’écoute
sans déplaisir, The Ghost Ward Diaries
reste toujours en terrain balisé et ne
peut à ce titre obtenir la même cote
d’amour que son glorieux aïeul d’il y a
bientôt trente ans. Il conviendra mal-
gré tout de l’apprécier pour ce qu’il
est et non pas pour ce qu’on eût aimé
qu’il soit. On aurait voulu se déboîter
le bassin ? Eh bien, tant pis, on tapera
CHARLELIE ARNAUD . . . . . . . . . . . .6,5
du pied. C’est toujours ça de pris.
EMIGRATE
A Million Degrees
(Vertigo/Capitol/Universal)
Metal alternatif
Sortie : déjà disponible
Richard Z. Kruspe doit parfois trouver
le temps long au sein de Rammstein.
Ce n’est pas faire injure au combo
mondialement révéré que de dire
cela : il suffit d’écouter les onze titres
de A Million Degrees pour compren-
dre que le guitariste a dans la tête un
vrai juke-box qui couvre une collection
de styles allant bien au-delà des
hymnes martiaux de son groupe princi-
pal. Le « War » d’ouverture, à mi-che-
min entre Faith No More et Killing
Joke, en est une première preuve tan-
gible. « 1234 » (avec, au chant, Ben
Kowalewicz de Billy Talent) enfonce le
clou avec son petit côté sautillant, sa
mélodie vocale plutôt jouasse, et son
refrain à chanter z’en choeur. Pas de
doute, nous sommes très loin de « Du
Hast ». Bien entendu, les sons électro
et les ambiances synthétiques sont
également de la partie, mais toujours
mis au service de mélodies vocales
mémorisables (voire tubesques,
comme sur le titre éponyme ou sur le
poppy « Lead On You » et son chant
féminin). Certes, il serait exagéré de
crier au génie tant l’écriture de Kruspe
se sert allègrement de tout ce qui s’est
fait ces vingt dernières années en
matière de rock/metal alternatif, mais
le bonhomme a le mérite d’avoir la
science du refrain catchy chevillée au
corps. Tellement même que, dans un
excès de bons sentiments, il n’évite
pas toujours les fautes de goût avec un
« You’re So Beautiful » difficilement
supportable ou un « We Are
Together » au chorus typiquement
bavarois. Mais tout cela est bien vite
oublié devant « Let’s Go » (en duo
avec Till Lindemann, mais sans Zaz
(rires)), « I’m Not Afraid » (sucrerie
délicieusement pop/wave qui semble
avoir été taillée sur mesure pour son
invité, le Cardinal Copia de Ghost), ou
ce « Spitfire » aux accents de metal
gothique typiquement 90’s. A Million
Degrees est une collection de singles
MON EP DU MOIS par MORGAN RIVALIN
CONCEPTION
My Dark Symphony (EP)
(Conception Sound Factory)
Prog metal
Sortie : déjà disponible
Si vous nous lisez depuis longtemps,
vous avez dû remarquer que très rares
sont les EP’s chroniqués dans nos
pages. Il y a tant d’albums qui sortent
tous les mois que nous avons suffisam-
ment à faire avec ces derniers, quand
bien même il est acquis qu’un EP au
rythme haletant peut être bien plus
intéressant qu’un album qui traîne en
longueur... Prenons le cas du tout nou-
vel EP 6 Titres des Norvégiens de
Conception. 21 ans après son qua-
trième album, Flow (1997), le groupe
prog/power qui, en 2005, était sorti
de sa retraite pour le festival US
ProgPower (puis pour le Scream Fest
norvégien), reprend enfin du service.
Nous retrouvons avec grand plaisir le
guitariste Tore Ostby (Ark), le bassiste
Ingar Amlien (Crest Of Darkness) et le
batteur Arve Heimdal, retiré du
« music business » depuis 1999, mais
tous les regards se portent tout natu-
rellement sur Roy Khan, ex-chanteur
de Kamelot dont cet EP de 26
minutes est la première sortie offi-
cielle depuis son départ fracassant du
groupe en 2011, en pleine tournée-
marathon de Poetry For The Poisoned
qui ratisse au plus large et possède, à
ce titre, un potentiel certain. Malgré
quelques tournures parfois un peu
faciles, bien malin qui pourra y résister
et éviter de fredonner inconsciemment
CHARLELIE ARNAUD . . . . . . . . . . . . . . .7
l’une des chansons qui la composent.
EVOKEN
Hypnagogia
(Profound Lore Records/Season Of Mist)
Death doom metal
Sortie : déjà disponible
Si Evoken est considéré comme l’un
des pionniers du funeral doom, cela
fait déjà un moment que sa musique
s’est parée d’atours plus death metal,
sans jamais renier un aspect lent et
pesant. Pour sûr, les Américains savent
prendre leur temps, puisque six ans se
(2010). Depuis le burnout qui l’a
amené à cette décision radicale, Roy
Khan s’est principalement tourné vers
la religion, officiant pendant quelque
temps au sein d’une église de sa ville.
Les fans de Conception seront toute-
fois rassurés de retrouver un groupe
absolument pas marqué par une quel-
conque dimension religieuse, Roy
Khan n’y occupant pas plus
aujourd’hui qu’hier de posture de mis-
sionnaire. Ceux qui douteraient sont
rassurés d’emblée par « Grand
Again » : son riff nerveux sorti des
doigts de fée d’Ostby fait penser aux
grandes heures du groupe, mais aussi
à l’excellent Burn The Sun (2001)
d’Ark qui a tant usé la platine de votre
serviteur. C’est aussi à Ark qu’on
pense sur l’excellent « Into The Wild »,
morceau à tiroirs à l’ambiance à cou-
per au couteau marqué par la voix
grave de Khan, mais aussi par des
orchestrations discrètes, des chœurs
délicats et une montée en puissance
très habilement menée. Quelle maî-
trise ! Quelle finesse ! Les nostal-
giques du « vieux » Kamelot auront
« le grand frisson » en réentendant la
voix de Roy Khan pleine d’émotion(s)
sur le plus direct « Quite Alright » ou
encore sur un « My Dark Symphony »
transpercé par un solo de guitare
quasi « Gilmourien ». Précisons qu’un
solo comparable brille également sur
« Feather Moves », face B du récent
single re:Conception qui mérite égale-
ment que vous posiez une oreille des-
sus. En tout et pour tout, ce sont donc
sept très bons nouveaux morceaux
(six, en déduisant l’intro de My Dark
Symphony) que Conception nous offre
cette année en autoproduction totale
suite à la campagne de financement
participatif lancée en mai sur le site
PledgeMusic. Des morceaux qui lais-
sent un goût de trop peu. Vite, la
MORGAN RIVALIN . . . . . . . . . . . . . . . .8
suite !
sont écoulés depuis le réussi Atra
Mors. C’est plus ambitieux que jamais
que revient le quintet, avec le premier
concept-album de son histoire. Un
concept abouti qui donne tout son
sens à la musique de cet Hypnagogia
(la transition entre l’état d’éveil et
celui de sommeil, qui inclut les rêves
lucides, les hallucinations et la paraly-
sie du sommeil). Ce sixième album
relate l’histoire d’un soldat de la
Première Guerre Mondiale, amer
d’être utilisé comme chair à canon et
refusant de perdre la vie après une
sérieuse blessure. Il décide ainsi
d’écrire un journal racontant ses der-
nières heures et décrivant ce qu’il voit
et ressent pendant que sa vie lui
échappe. Se sentant trompé, il fait
alors un pacte avec un « dieu sadique »
auquel il laisse une part de son âme,
celle contenant toutes ses souffrances,
à travers son journal. Afin d’assouvir
l’esprit de vengeance du mourant,
tous ceux qui liront ce journal délivre-
ront cette partie de son âme, qui han-
tera les lecteurs, et ces derniers
vivront les émotions ressenties par lui
comme s’ils étaient à sa place. Le lec-
teur descendra donc aux tréfonds du
désespoir, au point de ne plus pouvoir
le supporter, et se suicidera. Après sa
mort, son âme sera elle aussi attachée
au journal, renforçant un peu plus son
pouvoir jusqu’au prochain lecteur qui
le trouvera. Autant dire que ce genre
d’idée colle plutôt bien à la musique
gravée ici ! Une musique clairement
parée de l’influence de l’incontourna-
ble Tiamat, grand ancien et détenteur
du son clair le plus caractéristique du
style (c’est flagrant sur un titre comme
« Valorous Consternation »). Le
regretté Giant Squid est une autre for-
mation qui vient facilement à l’esprit à
l’écoute des belles lignes de violon qui
parsèment l’ensemble des composi-
tions. Si Evoken aime toujours à imbri-
quer des plans dissonants dans son
ouvrage afin de renforcer le côté
inquiétant de sa musique, il sait égale-
ment se montrer profondément
mélancolique comme en témoigne suite en moins d’un an avec sa forma-
l’excellent « Too Feign Ebulliance », tion principale, Between The Buried
l’un des pics de cet album, au final and Me (Automata Part 1 et Part 2,
entêtant. Point de riff trop facile fait tous deux chroniqués dans nos pages
de quelques notes tenues durant de cette année) ? L’imagination quasi-infi-
longues secondes ici, mais de multi- nie du chanteur et multi-instrumentiste
ples trouvailles mélodiques qui per- ne semble pas étanchée malgré la mul-
mettent de se laisser aller au spleen titude de plans à la minute contenus
sereinement plutôt que chercher à se dans la musique de BTBAM. C’est
taillader les veines. Sans oublier
quelques incursions bienvenues d’un
chant clair et solennel (« Ceremony Of
Bleeding »). Très pesant, triste, céré-
moniel, Hypnagogia est un disque émi-
nemment ambitieux, tant sur la forme
(une très bonne production, notam-
ment en ce qui concerne la batterie,
même si la guitare fuzze un peu trop
par moments) que sur le fond. Pas
aussi profond qu’un Saturnus, pour ne
citer qu’un exemple, mais un excellent
effort de doom comme on en fait de
GUILLAUME FLEURY . . . . . . . . . . . . . . .8
moins en moins.
THOMAS GILES
donc encore sous le sobriquet de
Thomas Giles (en réalité, une partie de
son vrai nom, Thomas Giles Rogers
Don’t Touch The Outside Jr. !) qu’il poursuit sa carrière solo.
(Sumerian Records/Warner) Celle-ci se compose déjà de pas moins
Metal progressif de trois albums : Pulse (2011), Modern
Sortie : déjà disponible Noise (2014) et enfin Velcro Kid
Cela ne suffit donc pas à Tommy (2016). Ce Don’t Touch The Outside
Rogers de proposer deux albums de reprend les bonnes habitudes de venir
taper dans la veine la plus électronique, progres-
sive et expérimentale de son répertoire et de
recourir à des invités de marque. Sur le premier
point, c’est un véritable kaléidoscope auquel nous
avons droit, que ce soit « Incomplet », aux arpèges
de guitare arides en hommage au King Crimson
des années 80, ou encore « Take Your Seat, Time
Gentlemen », digne d’une bande originale d’un
film imaginaire de Tim Burton. « Mr. Sunshine »
lorgne lui sur l’héritage de Faith No More et de
Mike Patton. Concernant la guest-list, elle fait la
part belle aux vocalistes. Sur la somptueuse bal-
lade « Milan », on se fait bercer au son nostalgique
d’un mellotron tout droit sorti des œuvres
d’Anekdoten et de Porcupine Tree, et du duo
entre l’Américain et Kristoffer Rygg d’Ulver. Avec
« Everyone Is Everywhere », notre oreille se tend
immédiatement à l’écoute d’un falsetto très dis-
tinctif : oui, c’est bien Einar Solberg de Leprous !
Le troisième invité est quant à lui employé plus à
rebours de ses interventions habituelles : Carley
Coma de Candiria s’essaie ici à du pur hip hop/dub
step menaçant, posant son flow sans la moindre
référence metal. Avec cette large palette musi-
cale, Tommy Rogers démontre l’ampleur de ses
influences et cette capacité toujours aussi impres-
sionnante à taper dans n’importe quel répertoire
avec bonheur et personnalité. Si cela fait perdre
de sa cohérence à Don’t Touch The Outside, c’est
aussi ce qui en fait le meilleur CV de l’artiste, et
sans doute une excellente porte d’entrée sur son
univers solo et parallèle. Il n’a d’ailleurs pas dit
autre chose, en expliquant que ce disque se vou-
lait à la fois un voyage pour l’auditeur et une
quête de ses origines pour lui-même : un double
DJUL . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7,5
pari incontestablement réussi !
JON SCHAFFER’S PURGATORY
Purgatory
(Century Media/Sony Music)
Heavy metal
Sortie : 21.12.2018
Trente après son split, Purgatory, le groupe pré-
Iced Earth, est de retour ! Reformé par le guita-
riste Jon Schaffer en compagnie de Gene Adam,
chanteur d’origine qui officiait d’ailleurs sur le pre-
mier album d’Iced Earth, Iced Earth (il avait été
remercié après avoir refusé de prendre des cours
de chant pour enregistrer Night Of The Stormrider
en 1991), le line-up est complété par le guitariste
d’origine du groupe (aujourd’hui à la basse), Bill
Owen, le guitariste Jim Morris (des célèbres
Morrisound Studios), le bassiste Ruben Drake
(Sons Of Liberty, Demons And Wizards) et le bat-
teur Mark Prator (il avait pris part au The Dark
Saga d’Iced Earth en 1996). Cet EP est ainsi dédié
au bassiste Richard Bateman, décédé peu de
temps avant l’enregistrement, et le groupe rebap-
tisé Jon Schaffer’s Purgatory afin d’éviter la confu-
sion avec d’autres formations du même nom. Et
probablement de rameuter les fans d’Iced Earth. Il
faut dire que ces derniers connaissent au moins de
nom ce fameux Purgatory, puisque plusieurs de
ses titres avaient été réutilisés sur certains albums
d’Iced Earth, Schaffer ne conservant que les intitu-
lés et modifiant profondément – et même la plu-
part du temps intégralement – leur musique. Des
cinq morceaux présents ici, composés entre 1985
et 1987, seule l’introduction en arpèges de
« Dracula » évoque légèrement la version Iced
Earth. De même, la construction de « Burning
Oasis » présente quelques légères réminiscences
de ce qui est par la suite devenu le titre du même
nom sur Burnt Offerings en 1995 (l’introduction et
un riffing assez similaire, bien que nettement plus
lent dans la version Purgatory !). Si une seule
influence ressort clairement de ces compositions,
c’est bel et bien… Mercyful Fate (ceux qui ont
parié sur Iron Maiden ont perdu même si l’univers
de Harris & Co. n’est évidemment pas loin non
plus). De la musique à la pochette, spécialement
créée en 2018 pour la réédition, mais qui ne
trompe pas sur la marchandise avec cette sorte de
mix entre Abigail (1987) et Them (1988) de King
Diamond, le clin d’oeil laisse peu de doutes.
Encore moins à l’écoute des envolées d’un Gene
Adam qui s’en sort franchement bien après tant
d’années d’inactivité vocale ! Il faut dire que les
musiciens ont eu l’air de prendre un vrai plaisir à
réenregistrer ces titres, à une époque où des for-
mations revival comme Enforcer ont le vent en
poupe chez les nostalgiques et même les plus
jeunes fans d’une époque qu’ils n’ont pas connue.
Un tel contexte rend ainsi la résurrection de ces
compositions, qui ont pour le coup vraiment plus
de trente ans d’âge, très intéressante. Sans oublier
que c’est aussi là l’occasion de jauger les débuts
d’un groupe culte. Purgatory est un EP très plai-
sant qui ravira les fans du guitariste au bandana,
mais a également de quoi contenter les amateurs
de bon heavy metal à l’ancienne. Une démarche
qui vient boucler la boucle pour Schaffer avant le
retour de Demons And Wizards et les nouvelles
aventures d’Iced Earth qui a achevé un cycle
depuis son départ de chez Century Media après le
GUILLAUME FLEURY . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7,5
très bon Incorruptible publié l’an passé.
LOVEBITES
Clockwork Immortality
(Arising Empire/PIAS)
Speed/power metal
Sortie : déjà disponible
En à peine deux ans d’existence, Lovebites a sorti
deux EPs et un album (deux si l’on compte ce
Clockwork Immortality), joué devant des milliers
de spectateurs au Wacken et au Bloodstock, et
vient de signer avec Nuclear Blast, plus grosse
maison de disques européenne en matière de
metal. Dans le genre « ascension fulgurante »,
avouez qu’il est difficile de faire mieux ! Mais alors,
Lovebites, quésako ? Formé en 2016 à Tokyo à
l’initiative de la bassiste Miho, la troupe japonaise
compte en ses rangs cinq musiciennes belles
comme le jour (et qui officient entièrement vêtues
de blanc et en mini-jupes, s’il vous plaît !) dispo-
sant toutes d’expériences scéniques conséquentes
et d’un bagage technique pour le moins impres-
 sionnant. Musicalement, les demoi-
selles n’ont pas choisi le style le plus
en vogue : plutôt que d’emprunter
leurs énormes claviers et leurs refrains
fédérateurs aux fers-de-lance du
power metal contemporain que sont
Sabaton et Powerwolf, Miho et sa
bande puisent plutôt leurs influences
chez Helloween (ce goût prononcé
pour les soli harmonisés, ces ryth-
miques rapides et élégiaques),
Stratovarius (les multiples emprunts et
références, subtils toutefois, à la musique
classique, Chopin et Rachmaninov en
tête), voire au Nightwish de l’époque
Oceanborn (« Empty Daydream »). Le
mixage et la production, assurés par les
maîtres Mikko Karmila et Mika Jussila
(Nightwish, Children Of Bodom,
Amorphis, etc.) renforcent encore cette
parenté avec la scène finlandaise,
même si les claviers, chez Lovebites,
ont davantage un rôle d’accompagne-
ment, les soli de guitare virtuoses de
Miyako (qui a pris en charge la moitié
de l’écriture de ce deuxième opus)
étant largement mis en avant. Tout cela,
sur le papier, s’annonce plutôt réjouis-
sant, les Japonaises n’hésitant pas à
relever la sauce en proposant quelques
riffs assez proches du thrash (les ouver-
tures musclées de « Mastermind 01 » et
« M.D.O. ») ou à se lancer dans des
pièces épiques dépassant les sept
minutes (la power ballade « Epilogue »,
relevée de quelques très beaux soli). En
revanche, en ce qui nous concerne,
notre patience finit par être mise à
l’épreuve par cette avalanche de dou-
ble soli assurés sur fond de tempi très
rapides, et par cet accent japonais très
prononcé et cette façon de chanter
indéniablement maniérée… Néanmoins,
et si un effort supplémentaire pourrait
être fait sur l’accroche et les refrains
mémorisables, les charmantes
Lovebites s’inscrivent d’ores et déjà
dans le sillage de Galneryus et X Japan.
Du « made in Japan » à suivre et à
FRANÇOIS BLANC . . . . . . . . . . . . . . . . .7
recommander.
MAT NINAT
Mat Ninat
(Autoproduction/Mat Ninat Studio)
Rock hard
Sortie : déjà disponible
Mat Ninat, réalisateur d’émissions télé
78
et photographe officiel et community
manager de Trust, est également musi-
cien. Sur ce premier album enregistré
au Studio Davout (Trust, Ozzy
Osbourne) avant sa fermeture en avril
2017, il se charge du chant et de la
guitare, épaulé par les pointures que
sont le batteur Aurel Ouzoulias et le
bassiste Pascal Mulot, deux Satan
Jokers. Avec une telle équipe, difficile
de décevoir. Visiblement inspiré par
Slash, et donc Joe Perry (Aerosmith),
Mat, qui joue sur Les Paul, s’en sort
avec les honneurs sur des titres somme
toutes assez variés. Au menu, de la
fusion funk/rock groovy (« Funky
Wolf », « Getting The Job Done »,
« Get The Funk Out », ce dernier étant
un original à la Fishbone, en plus lent,
et non une reprise du classique
d’Extreme) permettant à Mulot d’évo-
luer comme un poisson dans l’eau,
mais aussi des titres foncièrement
rock’n’roll (le bien nommé
« Rock’n’Roll », « Double Trouble »,
« Big Swindle » avec sa talk-box et sa
gratte sèche hispanisante) ou plus
bluesy, comme « Time » et un
« Dilemna » qui lorgne vers ZZ Top et
le « Cocaine » de J.J. Cale et bénéficie
d’un solo épatant de Patrick Rondat
qu’on apprécie de voir, une fois n’est
pas coutume, se frotter à ce style.
Patrick n’est pas le seul invité sur cet
album éponyme qui bénéficie aussi de
la présence de Renaud Hantson. Ce
dernier assure les chœurs sur tous les
morceaux (et c’est assez épatant car
on croirait parfois entendre une
femme chanter) et chante même le
très bon « Double Trouble » (qu’il a lui-
même écrit) doté d’un refrain bien
accrocheur et perforé de ce slap
« façon Mulot » reconnaissable entre
mille. La présence de Nono, au regard
des accointances de Mat avec Trust,
est presqu’une évidence, les gaillards
se répondant à deux reprises comme
des duellistes au soleil au fil de « Run
Away ». On note également la pré-
sence, dans les chœurs de ce morceau
(mais aussi de « Getting The Job
Done »), du chanteur Pierre Benvenuti
(Superfiz, Notre Dame de Paris). Enfin,
l’album s’achève par un blues des
familles dont l’intro et le motif rappel-
lent un tantinet ceux du « Have A
Drink On Me » d’AC/DC. L’un dans
l’autre, une première carte de visite
prometteuse qui appelle des lende-
PHILIPPE LAGEAT . . . . . . . . . . . . . . .7,5
mains qui chantent. A suivre.
METAL CHURCH
Damned If I Do
(Nuclear Blast/PIAS)
Heavy metal
Sortie : 07.12.2018
Le retour de Mike Howe au sein de
Metal Church en 2015, après une ving-
taine d’années passées sans la moin-
dre activité liée à la musique, avait sur-
pris les fans du gang américain et
attisé leur curiosité. Car si pour beau-
coup, David Wayne, regretté chanteur
original, demeure « la » voix historique
MON ALBUM DU MOIS par GUILLAUME FLEURY
EMBRYONIC CELLS
Horizon
(Apathia Records/Season Of Mist)
Death black metal
Sortie : déjà disponible
Formé en 1994, il aura fallu pas moins
de treize ans à Embryonic Cells pour
publier son premier effort. Preuve que
rien ne saurait arrêter un groupe
déterminé ! Si le rythme de travail des
Français est plus constant depuis, ce
quatrième album arrive tout de même
six ans après The Dread Sentence :
une éternité au regard de la produc-
tion gargantuesque de disques black
metal depuis quelque temps. Mais
avec un Horizon de cette qualité, le
quartet peut néanmoins espérer s’ex-
tirper de cette fameuse masse, tou-
jours plus consistante. Bien sûr,
Embryonic Cells ne révolutionne pas
le metal extrême, et telle ne semble
pas être sa prétention, mais au moins
peut-il se targuer de proposer des
compositions astucieusement pen-
sées, solides, tout en restant fidèles à
une certaine tradition. Une qualité pas
si courante ! Plus important encore, vu
le style, les atmosphères sont ici très
abouties, mélancoliques, et fort bien
déployées par les guitares. Mention
spéciale aux claviers (tenus par Pierre
Le Pape/Melted Space) très intelli-
gemment imbriqués à l’ensemble
(comprendre : qui ne viennent pas sur-
plomber tout le reste) et toujours à
propos, afin de renforcer la profon-
deur de l’ensemble. Soulignons égale-
du groupe, Howe a pourtant assuré,
entre 1988 et 95, une succession plus
que digne à la faveur de trois albums
parfaitement recommandables. XI,
sorti en 2016, avait donc ravivé la
flamme avec une certaine classe, et ce
Damned If You Do s’inscrit dans une
même voie qualitative. Les premières
notes de son titre éponyme ont de
quoi décontenancer : des sons guttu-
raux identifiés comme des chants « de
gorge » de moines tibétains ! Passée
cette étrange introduction, nous navi-
guons ensuite en terrain connu, avec
une suite de trois morceaux aux tempi
moyens servis par toute la science du
riff de Kurdt Vanderhoof, unique com-
positeur du quintet. Mais s’ils s’avè-
ment une basse très audible, voire
très flattée par le mix, pour un rendu
groovy de très belle facture. Parmi ces
huit nouvelles compositions, « Don’t
Serve Your King » se pose d’entrée
comme une très bonne accroche, à la
fois puissante et atmosphérique. Les
influences sont ici à chercher dans la
scène nordique incontournable du
black death des années 90, chez des
formations comme Satyricon, Emperor,
Dimmu Borgir (première époque) ou
Enslaved. Un petit quelque chose de
Diabolical Masquerade et Summoning
pointe également par instants, de
même que quelques relents thrash à
la Slayer (« Never Let You Fall »). Mais
le vrai talent d’Embryonic Cells, c’est
de parvenir à proposer un ensemble
très cohérent et mature en termes
d’écriture. Pas de poudre aux yeux ici,
mais de vrais brûlots black death, par-
ticulièrement rageurs, avec juste ce
qu’il faut de mélodies. Le point
d’orgue « Across The Mountains »,
déployant une remarquable ambiance
venteuse qui sent bon les forêts
enneigées, porte une très belle nos-
talgie. Autre beau moment, un « To
Horizon » à la profondeur atmosphé-
rique particulièrement délectable. Le
tout renforcé par un chant black très
maîtrisé, puissant, quand il ne verse
pas carrément dans des psalmodies
claires proches du gothique ou de la
darkwave (avant que le morceau ne
vire au black’n’roll furieux). L’ambiance
orientalisante de « No Boundaries »
achève ce voyage fascinant et ne
donne qu’une envie : y retourner. La
France se pose depuis quelques
années comme un pays incontourna-
ble en termes de metal extrême, et,
au milieu des nombreux combos
occulto-expérimentaux qui font notre
réputation à l’étranger, Embryonic
Cells peut se targuer de faire partie
des formations « traditionnelles » les
plus intéressantes ! Un groupe qui
doit en outre, au regard de ses com-
positions très efficaces, exprimer tout
GUILLAUME FLEURY . . . . . . . . . . . . . . .8
son potentiel en concert.
rent de bonne facture, on ne peut
s’empêcher de trouver curieux ce
choix de proposer d’entrée trois mor-
ceaux pas vraiment rentre-dedans qui
font qu’on a un peu de mal à entrer de
plain-pied dans ce disque. Etrange
décision, alors qu’il y avait largement
de quoi alterner les ambiances de
façon plus harmonieuse. Ainsi, après
MON ALBUM DU MOIS par EMMANUEL HENNEQUIN
JOHN GARCIA AND THE
BAND OF GOLD
John Garcia And The Band Of
Gold
(Napalm Records/Season Of Mist)
Stoner rock/blues rock
Sortie : 04.01.2019
Furieusement groovy, plein de jus
électrique et de vie, le nouveau
disque de l’ancien leader de Kyuss ne
laisse rien présager des circonstances
de sa fabrication : une période de dif-
ficultés personnelles sur laquelle John
revient dans l’entretien publié dans ce
numéro, et qui aurait pu faire tomber
le projet aux oubliettes. Ça n’est pas
passé loin, d’ailleurs. A ce compte-là,
on peut aujourd’hui se demander ce
qu’il serait advenu de lui comme des
musiciens qui l’entourent depuis plu-
sieurs années : Ehren Groban (guitare,
fidèle collaborateur), Mike Pygmie
(basse) et Greg Saenz (batterie). Mais
Chris Goss (QOTSA) s’est emparé de
l’affaire ; et en bon producteur, a su
tirer de l’ornière ces chansons de qua-
lité supérieure. Le nom donné au
groupe par John rend hommage à ses
musiciens, et The Band Of Gold peut
s’enorgueillir du résultat publié en
cette fin 2018. Le collectif fait feu de
l’excellent et très mélodique
« Revolution Underway », un style
dans lequel Metal Church a aussi su se
montrer à l’aise depuis The Dark
(1986), pas moins de trois titres plutôt
speed se succèdent à un rythme qui
fera le bonheur de tous les headban-
gers. « Guillotine », « Rot Away » et
« Into The Fold » prouvent en effet
que Metal Church en a encore sous la
pédale. Ils permettent aussi de consta-
ter que le batteur Stet Howland, qui
se remettait à peine d’une bataille – à
priori gagnée – contre le cancer au
moment de l’enregistrement de cet
opus, a mis toutes ses tripes sur la
table et sur ses futs pour se fendre
d’une prestation plus que convain-
cante pour son premier disque avec la
formation de Seattle. Bravo ! Le meil-
leur de ces morceaux rapides s’avère
toutefois « Out Of Balance », avec son
riff bien ciselé et des soli de toute
beauté signés Vanderhoof et son lieu-
tout bois, son rock a du physique et
l’on peut commencer à rêver pour le
live. C’est réellement taillé pour la
scène : ça sonne déjà live, ça va
envoyer. Il y a ici de belles pesanteurs
(« Apache Junction », qui se termine
un peu curieusement) – mais surtout, il
y a ce groove, enflammé, en mode
mid-tempo (« Popcorn », voix acide),
comme sur les titres les plus enlevés
(« Jim’s Whiskers » et le mordant
« Lillianna »). Et puis, John est en voix.
Il en veut. Quant au fond, l’imprégna-
tion de ce rock par le blues est fla-
grante. Elle donne des fruits épais :
plus de pulpe, tu meurs (« Kentucky
II », jouissif). C’est un travail qui
tranche donc assez fort avec le précé-
dent, acoustique et économe The
Coyote Who Spoke In Tongues (2017).
Electrique, le son n’en reste pas moins
aéré, il y a l’essentiel : Chris Goss met
en valeur la section rythmique
Pygmie/Saenz, la colonne vertébrale.
Le feeling desert rock reste aussi très
présent (les salement stylés « My
Everything » et « Don’t Even Think
About it » réjouiront tout bon fan de
Kyuss) et, avec cette collection 2018,
Garcia et ses copains imposent une
nouvelle série de classiques. Il en res-
sort une authentique cohésion de
groupe, de manière plus évidente que
sur le premier et versatile album solo
de 2014. Mais ce cru 2018, de toute
manière, ne doit pas être appréhendé
comme un disque « solo », quoiqu’il
porte le nom de Garcia : le frontman a
aujourd’hui besoin des autres, le leur
fait sentir et leur laisse l’espace dont
ils ont besoin. C’est une affaire de
tâches bien réparties. Chris Goss a
aidé le groupe à faire le tri, et voilà :
un grand album de plus pour un grand
EMMANUEL HENNEQUIN . . . . . . . .8,5
gars prénommé John.

tenant Rick Van Zandt, suivi de près
par « The War Electric », excellent titre
énervé qui clot l’album avec une cou-
leur très 80’s (quelques parties de
chant sur les couplets sonnant curieu-
sement comme du Dave Mustaine !).
Au final, malgré un agencement
bizarre qui nuit certainement à l’effica-
cité de cet album, ce dernier est un
autre très bon disque à mettre à l’actif
de notre église de cœur. Celle-ci ayant
été tant de fois à deux doigts de fer-
mer ses portes pour toujours, nul
doute que ses fidèles se frotteront les
mains à l’idée d’écouter ce douzième
BENJI . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7,5
prêche.
THE SACRIFICE
The Sacrifice
(Season Of Mist)
Electro/synthwave
Sortie : déjà disponible
La vague synthwave qui envahit le pay-
sage musical français n’a pas fini de
faire des remous, au risque de prendre
un tour parodique vu le rythme halluci-
nant de parutions des suiveurs des
fondateurs Kavinski, Carpenter Brut et
Perturbator… S’il faut faire attention à
la congestion, cela n’empêche pas
d’accueillir avec plaisir The Sacrifice,
trio hexagonal dont deux membres
opéraient dans le passé sous le nom
de Panzer Flower, ce qui leur a permis
de se faire connaître en signant notam-
ment un « tube » en 2014, « We Are
Beautiful ». Gros reset donc, avec un
changement de nom, de références, et
une signature chez Season Of Mist.
Première étape : cet album éponyme.
Les claviers baveux et pompeux sont
bien entendu de sortie, tout comme le
chant grave de Rel, qui font tous deux
écho au A Great Reward (1984) de
Depeche Mode ou encore au Night
Time de Killing Joke (1985). C’est évi-
dent sur « Redemption » et « Ghosts »,
ou à l’écoute de ces chœurs en forme
d’hommage sur le pont de « Marble
Hallways ». Les vocaux, très présents
sur le disque, sont d’ailleurs l’un des
signes distinctifs de The Sacrifice, ce
qui le distingue du reste du mouve-
ment auquel il appartient : le trio
développe vraiment des chansons plu-
tôt que des tracks à but hypnotique.
C’est ainsi qu’on se retrouve avec des
80
titres comme l’enjoué « Moving To The
City » et le bien plus sombre « Violent
Devolution » qui tapent dans tout le
spectre (analogique !) du milieu des
années 80, en prenant soin de garder
cet art de la mélodie qui s’ancre bien
dans les crânes. Les quelques instru-
mentaux éparpillés sur The Sacrifice
perpétuent l’héritage électronique de
notre cher pays, que ce soit
« Errdemption », langoureux instru-
mental épique nourri par M83, ou
« Aurora » qui flirte avec le Discovery
de Daft Punk (2001). Vous l’aurez com-
pris, on reste très loin de l’univers
metal, qui n’est présent que dans
l’imagerie du groupe et dans certains
climats « occultes » développés sur le
disque (le cérémonieux « Order Of
Disorder » évoque Ghost), même si
l’on est loin des références à Mayhem
ou Venom revendiquées par le groupe.
On peut toutefois relever quelques
réflexes de double grosse caisse sur la
boîte à rythmes et des parties de gui-
tare jouées par Six, comme ce solo en
mode shredding incontrôlé sur
« Digging Deep » ou ces riffs téné-
breux qu’on entend par moments
poindre le bout de leur nez. Avec cette
brouette de références, à cheval sur
plusieurs décennies, difficile de
contester que The Sacrifice porte un
réel amour pour la musique électro-
nique et son évolution, et qu’en inté-
grant tous ses « tics » d’écriture et
d’arrangements, il ne fait pas que capi-
taliser sur la tendance du moment.
Reste à passer le test de la scène, mais
comme déjà relevé, avec une
approche bien plus vocale que ses
« concurrents », on pressent qu’il arri-
vera sans difficultés à se faire une
DJUL . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7,5
place et une légitimité.
SKULL PIT
Skull Pit
(Metal Blade/Sony Music)
Metal speed
Sortie : déjà disponible
Surprenante association que celle-ci.
D’un côté, Mem Von Stein, hurleur
chez les thrashers allemands d’Exumer
et qui réside depuis 1998 à New York.
De l’autre, Tatsu Mikami, bassiste japo-
nais de Church Of Misery, formation
culte de Tokyo bien connue des
doomsters. Via les réseaux sociaux, le
MON ALBUM DU MOIS par FRANÇOIS BLANC
GOTTHARD
Defrosted II
(Nuclear Blast/PIAS)
Rock acoustique
Sortie : déjà disponible
En 1997, la sortie de D-Frosted, pre-
mier album live acoustique des
Suisses de Gotthard avait provoqué
un vif émoi et permis au groupe de
franchir un véritable pallier en termes
de popularité. Il faut dire que la
chaîne de télévision MTV avait déjà
largement sensibilisé les fans de rock
et de metal à cette pratique – et que
le quintet mené par le guitariste et
compositeur Leo Leoni avait mis
toutes les chances de son côté. Les
titres les plus accrocheurs de ses trois
premiers opus, réarrangés avec beau-
coup de goût et de pertinence, béné-
ficiaient de l’interprétation sensible
du chanteur Steve Lee (tragiquement
fauché par un camion en 2010), d’une
mise en son parfaite et de l’apport de
quelques parties de claviers et d’ac-
cordéon (et même d’un chœur d’en-
fant !) sur des passages choisis. En
2018, Gotthard, qui fait toujours figure
de véritable institution dans son pays
natal, a douze albums studio à son
actif, et un « nouveau » chanteur (l’ex-
cellent Nic Maeder, qui s’est approprié
avec brio tous les classiques du combo).
duo se « rencontre », discute et
échange pendant plusieurs mois (Cf.
interview en ces pages). Si les deux
énergumènes évoluent dans des styles
musicaux assez éloignés, ils se trou-
vent rapidement de nombreuses
influences communes. De fil en
aiguille, Tatsu soumet à Mem
quelques-unes de ses compositions ne
collant pas à l’univers de COM, pas
plus qu’à celui d’Exumer, afin que ce
dernier y pose sa voix. Le résultat ? Ce
premier album de Skull Pit enregistré à
distance (Tokyo/New York) et dont la
couleur rappelle furieusement les pre-
miers méfaits de Motörhead version
Lemmy/Fast Eddie Clarke/Phil Taylor.
C’est une évidence sur une grosse
majorité des morceaux, à l’instar de
« Roller », « Soul Raiders » et du très
speed « Marauders » (avec sa grosse
intro de basse que Mikami, la
Rickenbacker rouge en bandoulière,
exécute certainement avec un rictus
Pourquoi, dans ces conditions, ne pas
offrir une suite à D-Frosted ? Enregistré
à Bremen (Allemagne) le 20 mars
dernier et soigneusement retravaillé
en studio par la suite (avec, notamment,
des rajouts de cordes), ce second live
acoustique répond à toutes les pro-
messes qu’on pouvait placer en lui.
Sans chercher à renouer avec la magie
d’une époque révolue, le sobrement
nommé Defrosted II, enregistré en
compagnie de deux chanteuses qui
assurent des chœurs façon soul ou
gospel du plus bel effet, prouve une
fois encore qu’une bonne chanson est
capable de dégager quelque chose de
fort, même une fois interprétée de
façon plus minimaliste. Polyglotte et
volontiers taquin, Nic se fait enjôleur
(« Beautiful »), expressif (le classique
« Sweet Little Rock’n’Roller »), éner-
gique (le revitalisant « Sister Moon »
et son solo électrique façon
Aerosmith, « Bang »)… Au-delà des
six incontournables qui figuraient déjà
sur le premier volet, on ici retrouve
des reprises typiques du répertoire de
Gotthard (« Hush » et « Smoke On The
Water », que le quintet s’est vraiment
réapproprié) et des morceaux récents
qui permettent d’éviter toute compa-
raison avec le passé (le nostalgique
« Miss Me », ouverture bien choisie).
Parfaitement produit et équilibré (le
public se fait entendre quand il le faut
et ajoute un surplus d’âme aux enre-
gistrements), Defrosted II s’achève en
prime sur le foncièrement rock « Bye
Bye Caroline », inédit et bonus de
choix enregistré avec Francis Rossi
(Status Quo). Un double album qui
pourrait parfaitement faire office de
best of – acoustique, certes, mais tout
de même – et donne un aperçu très
complet de la riche discographie de
Gotthard. Un achat de Noël chaude-
FRANÇOIS BLANC . . . . . . . . . . . . . . . . .8
ment recommandé !
d’intense satisfaction) ! De ci, de là,
des relents du Venom des origines, du
punk ou encore des bribes de metal
anglais de la fin des 70’s se font enten-
dre au travers d’un ensemble sale, pas
du tout surproduit, et dont le but sem-
ble clair : passer du bon temps en se
faisant (et en faisant) plaisir. Histoire
d’ajouter une dose de fun au projet, le
duo (épaulé par le guitariste nippon
Taichi Futo de Cemment, combo de
death/thrash initialement actif dans les
années 90 et récemment reformé), ils
reprennent à leur sauce « All The
Lessons » de Rose Tattoo, un extrait
d’Assault And Battery (1981), le
deuxième album des Australiens.
Cette version est encore plus nerveuse
que l’originale (l’intro ferait presque
penser au « Witching Hour » de
Venom !) sur laquelle Brian « Mitts »
Daniels, l’ex-guitariste de Madball qui
a produit les parties de chant de Von
Stein, donne de la voix avec ce dernier
pour un duo abrasif. Rien de génial, ni
d’extrêmement original à se mettre
entre les esgourdes, certes, mais un
album qui a le mérite de nous faire
passer un bon moment. C’est déjà
BENJI . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7
beaucoup !
UNEARTH
Extinction(s)
(Century Media/Sony Music)
Metalcore
Sortie : déjà disponible
Attention : un album de metalcore
peut en cacher un autre ! Quand plu-
sieurs groupes issus de la scène metal-
core du Massachusetts sortent leur
disque quasiment le même jour, le
chroniqueur de Rock Hard frôle en
permanence l’accident industriel. Vous
reconnaîtrez qu’il est facile de confon-
dre Adam Dutkiewicz, leader de
Killswitch Engage et producteur avec
lequel Unearth collabore souvent,
avec Daniel Laskiewicz, l’ingé-son du
dernier All That Remains, également
chroniqué dans ces pages. Alors voilà,
la prochaine fois que vous vous dites
que journaliste metal est LE métier de
MON ALBUM DU MOIS par CHARLELIE ARNAUD
OBSCENITY
Summoning The Circle
(Apostasy Records/Season Of Mist)
Death metal
Sortie : déjà disponible
Déjà dix albums au compteur et
trente ans de carrière pour les
Allemands d’Obscenity ! Comment
expliquer ce qui a bien pu merder
pour que ce combo extrêmement effi-
cace et talentueux revienne encore et
toujours à la case départ, exactement
comme si les gars avaient donné une
mauvaise réponse au « 4 à la suite »
de Questions Pour Un Champion ?
Mystère. De facto, tous les albums
enregistrés par le groupe dans les
années 2000 sont sortis sous le sceau
du secret, ou presque, à l’exception
peut-être de Where Sinners Bleed
(2006). Dans le même temps, de nom-
breux groupes de death européens
parfois arrivés bien après nos amis se
construisaient une vraie carrière en
trois albums et remplissaient les salles
planqué par excellence, svp, repensez-
y… Bon, dans le cas présent, seules les
prises de batterie ont été effectuées
chez Monsieur Dutkiewciz, ce gentil-
homme qui a eu le bon goût de ne pas
nous compliquer encore plus la tâche
en sortant le nouveau Killswitch
Engage en même temps que les CDs
de ses voisins de All That Remains et
d’Unearth. Qu’il en soit remercié.
C’est Will Putney, homme fort des
deux derniers albums de Body Count,
qui est aux manettes sur ce
Extinction(s) doté d’un très, mais alors
d’un TRÈS gros son. Pendant 37
minutes, l’auditeur complice se prend
à tire-larigot. Tout ceci est totalement
incompréhensible. Mais fi de ce
préambule, attardons-nous sur ce
Summoning The Circle qui remplit
toutes nos espérances. Manuel Siewert,
le nouveau vocaliste du combo, fait
honneur à ses prédécesseurs en
reprenant à son compte leur sens du
growl articulé et puissant. L’ingé-son –
probablement emballé par la perfor-
mance du chanteur – l’a même un peu
beaucoup poussé au premier rang du
mix. Rien de très grave, mais pas de
doute, on l’entend bien. Musicalement,
le combo reste sur sa ligne directrice
de toujours : un death old-school
mélodique qui emprunte parfois au
thrash, riffu en diable et bien équipé
en soli, avec un son de basse énorme
et un batteur qui, enfant, a dû être fan
du Muppet Show. De quoi se niquer la
nuque les doigts dans le nez. Souvent
traversées par des accélérations sou-
daines où les blastbeats clouent l’au-
diteur sur place, les compos sont suf-
fisamment riches pour maintenir l’at-
tention en éveil constant et provo-
quent même parfois un large sourire
de contentement devant tant de vio-
lence gratuite (mais toujours maîtri-
sée). Sera-ce suffisant pour qu’enfin
Obscenity puisse obtenir la place qui
lui revient de droit ? Nous le souhai-
tons ardemment. Pourquoi aujourd’hui
plus qu’hier ? Parce qu’il serait temps
que justice soit faite. Jamais décou-
ragé, le quintette de Basse-Saxe
mérite en tout cas la médaille de la
CHARLELIE ARNAUD . . . . . . . . . . . .7,5
persévérance. Indéniablement.
 une ribambelle de baffes et autres
uppercuts qui portent le doux nom de
« Incinerate » et autres « Cultivation
Of Infection ». Droit dans ses Vans,
Trevor Phipps n’est pas du genre à
draguer la ménagère en servant des
refrains bardés de chant clair. Les
mélodies entêtantes jaillissent donc
encore et toujours des guitares du
tandem Ken Susi/Buz McGrath, leur
ami Phipps se chargeant de les embal-
ler de vocaux virils. Unearth n’est
jamais aussi efficace que lorsqu’il accé-
lère le tempo, ainsi que le démontre
ce « King Of The Arctic » haletant.
Malheureusement, on aimerait que le
quintet le fasse plus souvent, mais
aussi qu’il soit moins monocorde et
nous surprenne davantage. Il n’em-
pêche qu’Extinction(s) est un album

MON ALBUM DU MOIS par PHILIPPE LAGEAT

arrive même qu’on pense par instants
(mais par instants seulement) au Peter
Garrett de Midnight Oil, au niveau
diction plus qu’au niveau voix (« I
Can’t Do That, My Wife Will Kill Me »,
« When The Devil Gets To Heaven »).
Epaulé par plusieurs batteurs (Peter
Heckenberg, Jacob Cook et Peter
Maslen), Spencer prétend évoluer ici
entre « joie, anxiété, confusion,
dépression, allégresse, désespoir et
bonheur ». Tout un programme ! Plus
simplement, Bob distille un bon pub

Retrouvez également ROCK HARD
tous les mois sur vos smartphones
et tablettes Apple et Android (liens
ci-dessous). Cette version dématérialisée
est enrichie à l'aide de liens cliquables
que vous pourrez ouvrir sans
quitter l'application. Bonne lecture !
Apple / AppStore :
http://bit.ly/appleRH
Android / Google Play :
BOB SPENCER
Saints + Murderers
(Autoproduction/bobspencer.com.au)
Rock hard
Sortie : déjà disponible
S’il est vrai qu’on a les lecteurs qu’on
mérite, alors nous allons finir par
croire que nous sommes des gens
épatants. Le mois dernier, Thierry
« Madness » Dubreuil, fan de bon hard
rock (notamment australien) croisé au
concert de The Angels au Forum de
Vauréal en juin 2015, m’interrogeait
via Facebook :
- Tu as écouté l’album de Bob
Spencer, l’ex-guitariste de The
Angels qui officie en ce moment
chez Rose Tattoo ?
- Non, car j’ignorais qu’il en avait
publié un !
- Bouge pas, je t’envoie un fichier !
Des fois, c’est simple la vie ! Si simple
que, de fil en aiguille, cette première
échappée en solitaire se retrouve pro-
pulsée « Album du Mois » dans ce
magazine et que j’en ai depuis fait
l’acquisition sur le site de Bob himself.
Tout comme le Head Job de Phil Rudd
(batteur d’AC/DC) paru en 2014, ce
Saints + Murderers renferme des mor-
ceaux composés, pour la plupart, il y a
des années (des dizaines d’années
pour certains !), et enfin réunis ici. Bob
y assure la guitare rythmique, évidem-
ment (c’est sa spécialité), mais aussi la
guitare lead, la basse et… le chant.
Une première pour ce grand timide
qui a dû apprendre à chanter en
public pour gagner en confiance. Et
c’est tant mieux car le gaillard s’en
sort plutôt bien. Sa voix n’est pas
aussi identifiable que celle de certains
de ses employeurs (Angry Anderson
et le regretté Doc Neeson en tête),
rock qui ne décevra pas les amateurs
de guitares australes, et ses mor-
ceaux, avant tout bâtis sur une ryth-
mique de précision et des riffs solides
(« « I Can’t Do That, My Wife Will Kill
Me », « What Do You Think About
That », « As White As Jesus »), ont
pour point commun un groove conta-
gieux qui fait invariablement bouger
le corps tout entier (« Relentless »,
« Daylight »). Et même si certains
titres auraient probablement gagné
en efficacité à être un peu plus courts,
ce premier opus solo jamais ne lasse
et séduit par sa variété, l’Australien
sortant, par exemple, la gratte sèche
sur l’instrumental « Marouba, 1973,
September, 3pm », le bottleneck sur
le puissant et bluesy « Rosie », les
chœurs virils sur « Can I Get An
Amen » ou encore un soupçon de reg-
gae sur « When The Devil Gets To
Heaven ». Il y a aussi ces voix fémi-
nines qui doublent parfois le guita-
riste/chanteur, généralement à bon
escient (« I Can’t Do That, My Wife
Will Kill Me », « The Road Goes On
Forever »), mais aussi ces échappées
en lead, tout en retenue et en humilité
(« When The Devil Gets To Heaven »,
le solo à la Slash de « Daylight »), qui
prouvent, si besoin était, que Bob
vaut bien mieux que le simple rôle de
guitariste rythmique auquel il est bien
trop souvent cantonné. Enfin, si les
paroles appuient souvent là où ça fait
mal (trolls des réseaux sociaux, musi-
ciens se mêlant de politique, etc.),
soufflant le chaud et le froid, Saints +
Murderers est aussi truffé de pointes
d’humour bien senties (ce type, par
exemple, qui veut faire du parachu-
tisme en tenue d’Adam, mais qui
craint que sa femme ne le tue pour
ça…). Bref, de quoi passer un bon, un
excellent moment en compagnie d’un

PHILIPPE LAGEAT . . . . . . . . . . . . . . . . .8
http://bit.ly/androidRH mais elle n’est pas dénuée d’un cer- artiste complet.
tain caractère et donc de charme. Il
rugueux et puissant garanti 100 %
metalcore pur jus qui parlera aux
MORGAN RIVALIN . . . . . . . . . . . . . . . . .7
puristes du genre.
VENOM
Storm The Gates
(Spinefarm/Caroline/Universal)
Speed/heavy metal
Sortie : 14.12.2018
Depuis le divorce consommé (de façon
irrémédiable ?) avec le batteur
Abaddon (depuis l’album Cast In
Stone de 1997) et le guitariste Mantas
(depuis Resurrection paru en 2000),
Cronos, l’abominable chanteur/bas-
siste et dernier membre original de
l’infernal trio, continue de mener tant
bien que mal la carrière de Venom.
Une nouvelle aventure qui a depuis
connu une trajectoire en dents de scie.
Cette épopée a pourtant bien redé-
marré avec un Metal Black (2006) de
très bonne facture. Hélas, ce dernier a
été suivi du faiblard Hell (2008), d’un
Fallen Angels (2011) à peine plus
convaincant et enfin – ouf ! – de From
The Very Depths (2015) qui relevait
enfin le niveau. Précisons que si la qua-
lité des albums reste fluctuante, il faut
avouer que, depuis la stabilisation du
trio en 2009 (Cronos au chant et à la
basse, Rage à la guitare et Dante à la
batterie), les prestations live se tien-
nent bien plus qu’à une époque. Alors,
qu’en est-il de ce Storm The Gates à la
pochette réussie et dans l’esprit origi-
nel du gang (en plus colorée cepen-
dant !) ? Eh bien, malheureusement, et
comme toujours depuis ces dix der-
nières années, il faut composer avec
du bon, du moyen et du franchement
dispensable au fil de ces treize titres
dont plus d’un tiers aurait largement
pu être mis sur la touche, allégeant
ainsi ces 53 minutes souvent pesantes.
Pour faire court, attardons-nous sur les
moments les plus accrocheurs de cet
opus : « Notorious », mid-tempo aux
bons riffs, « Dark Night (Of The Soul) »
qui voit enfin Cronos retrouver sa
véhémence, « The Mighty Have
Fallen », premier véritable titre speed
de bonne facture hélas placé en sep-
tième plage, « Over My Dead Body »
alternant plans ultra-rapides et
ambiances plus oppressantes, « We
The Loud » au feeling quasi-punk, et
enfin « Immortal », malgré son final en
queue de poisson, s’inscrivent dans
une bonne, voire très bonne moyenne.
On peut, à l’extrême limite, ajouter à
cette sélection « Beaten To A Pulp »,
dont le break s’avère plutôt bien foutu
(on s’accroche à ce qu’on peut, hein…
) et « Storm The Gates », honnête final
d’un ensemble, vous l’aurez compris,
très disparate et dont cinq titres ne
méritent même pas qu’on s’y attarde.
Une piste pour l’avenir : même s’il ne
fait aucun doute que Cronos nous cer-
tifierait le contraire et qu’il arguerait
que personne d’autre que lui ne
connaît mieux les besoins de Venom,
sa production rêche et qui ne varie pas
d’un iota d’album en album aurait
besoin d’un bon dépoussiérage en
règle. D’autant qu’en faisant appel à
un « vrai » producteur, cet avis exté-
rieur permettrait sûrement au groupe
d’éviter de grossières erreurs dans
l’ordonnance des morceaux et permet-
trait d’opérer des coupes franches
pour parvenir à un résultat non pas
parfait, mais plus digeste. Mais ne
rêvons pas, ce n’est pas aujourd’hui
qu’on fera entendre raison à cette tête
de mule de Cronos, et au final, c’est
aussi pour cela que nous apprécions et
respectons le musicien. Il n’empêche
que statut de légende ou pas, nous
REEDITIONS
attendons bien plus du gaillard de
BENJI . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6
Newcastle et de ses sbires.
VOMITORY
Raped In Their Own Blood
Redemption
(Metal Blade/Sony Music)
Death metal
Sortie : 11.01.2019
Les Suédois de Vomitory, défaits en
2013 et de retour en cette fin 2018,
ont laissé leur petite empreinte dans
le monde grouillant du death. Metal
Blade leur rend justice en rééditant,
début 2019, leurs deux premiers
albums (des pochettes aussi belles
qu’un gilet jaune tâché de sang – c’est
du death quoi !). Ce ne sont certes pas
les plus spectaculairement produits,
mais ces disques étaient suffisamment
clairs dans leurs intentions, déjà, pour
qu’on se pique en s’y frottant. Les
épaisseurs rugueuses et brutes du pre-
mier album, Raped In Their Own Blood
(1996), avaient permis à Ronnie Olson
de laisser son empreinte vocale dans
l’histoire, avant que Jussi Linna prenne
la suite directe le temps du deuxième
opus, Redemption (1999). Ce sont les
disques du début, avant qu’Erik
Rundqvist s’impose (basse ET chant)
dans la discographie, à partir du XXIe
siècle. Mais ce qui a fait constance
dans Vomitory tient d’abord aux deux
Gustafsson : les guitares d’Urban, les
batteries de Tobias. Raped In Their

Own Blood constitue le faire-part offi-
ciel de naissance après presque sept
ans de travail (le groupe a vu le jour à
la fin des années 1980, pour rappel).
Une énergie crasse marque ce premier
vrai format long (complété, pour la
réédition, par la démo de 1994
Through Sepulchral Shadows, plus cra-
dingue en rendu, mais tout aussi
nature). Dès ses débuts, Vomitory fait
ainsi partie de ceux qui incarnent
l’école death suédoise : une école
sérieuse quoique, en l’occurrence, de
technicité relative comparée au Death
américain de Chuck Schuldiner.
Vomitory, consciencieux, est certes à
l’époque un peu moins épatant sur la
forme (à l’époque, Death vient de sor-
tir l’iconique Symbolic), mais le côté
cohérent en style et acéré de la
musique de Vomitory compense
(« Into Winter Through Sorrow »,
« Perdition », « Pure Death »). Il n’en
fallait pas moins pour que
Gustafsson & Co. inspirent tout de
suite le respect. Sur le deuxième
album, produit par Henrik Larsson,
Vomitory cherche à faire gagner de
l’ampleur au son : les compositions de
Redemption contiennent plus de
mélodies et veulent faire reluire les
guitares (ceci étant vérifié dès les pre-
miers titres, « The Voyage » et « Forty
Seconds Bloodbath »). La réédition du
cru 1999 est aussi complété par trois
bonus issus d’un picture-disc, et l’en-
semble a une certaine tenue. Pourtant,
notre affection première reste à l’al-
bum inaugural. Le deuxième opus,
agréable à écouter, signe un progrès
dans la forme, mais reste davantage,
vu d’ici, un disque de transition : Erik
Rundqvist est en train d’arriver (à la
basse seulement en 1999), les chan-
sons tournent bien et la production est
84
plus spectaculaire qu’en 1996. Mais
c’est réellement à partir de 2001 que
les choses prendront consistance défi-
nitive. Un diptyque originel plaisant et
à revisiter, nécessaire retour aux
DVD
racines avant de revoir le groupe sur
scène. 2019, le retour.
EMMANUEL HENNEQUIN
VOLBEAT
Let’s Boogie ! - Live From Telia
Parken
(Vertigo/Universal Music)
Le 1er août 2015, Volbeat donnait, à
Odense, ville de moyenne importance
située au beau milieu du Danemark, un
concert en tête d’affiche devant pas
moins de 37.000 personnes. Un chiffre
record pour un groupe danois ! Le 26
août 2017, le gang de Michael
Poulsen, chanteur/guitariste et leader
incontesté, remettait le couvert, mais
en mieux. Dans sa bonne vieille cité de
Copenhague, le quartet s’est en effet
offert le luxe de remplir le plus grand
stade de la ville, le Telia Parken, en y
rameutant très exactement 48.250
fans. Impressionnant ! Et mérité, car
cette fierté nationale a, depuis ses
humbles débuts en 2002, mené sa
barque de façon remarquable et quasi-
ment sans le moindre faux-pas. Ce
DVD de 2h15 fait donc revivre cette
nuit historique à laquelle participait un
grand nombre d’invités spéciaux. La
superbe scène utilisée pour la tournée
Seal The Deal & Let’s Boogie (2016)
est ici agrémentée d’un ring de boxe
placé au milieu de la scène et sur
lequel Michael vient régulièrement se
LE BOOK QUI TUE
Chaque mois, un musicien vous recommande
son livre de chevet. Puisse cette rubrique
vous donner envie, amis lecteurs, de vous
plonger (ou vous replonger) dans un bon
bouquin au son d’un chouette disque. Un
plaisir rare. Dans ce numéro, c’est Øystein G.
Brun, le guitariste et fondateur de Borknagar,
qui s’y colle.
Breaking The Spell: Religion As A Natural
Phenomenon (de Daniel C. Dennett)
Chaque année, l’université de Bergen (Norvège)
organise la « Semaine De La Science » et
invite des auteurs, chercheurs et penseurs du
monde entier à venir présenter leurs travaux.
En novembre 2009, je suis tombé par hasard
sur une conférence de l’auteur américain
Daniel Dennett, qui venait alors de publier
un essai sur les liens entre neuroscience et philosophie. Ses
propos m’ont tellement captivé que j’ai décidé d’acheter l’un
de ses ouvrages afin de le lui faire dédicacer. C’est ainsi que j’ai
fortuitement découvert Breaking The Spell (Ndlr : il n’existe pas
de version française de ce livre, mais son titre signifie « briser
cordes vocales sur « 7 Shots ». Le
fidèle Johan Olsen, ami et compa-
triote du groupe, est présent sur les
parties en danois de « For Evigt » et
« The Garden’s Tale », trop souvent
mis au placard ces dernières années.
Danko Jones vient pousser la chanson-
nette sur « Black Rose », tandis que
Barney de Napalm Death dynamite
une version tuante de « Evelyn ».
Ouch ! Cerise sur le gâteau, un certain
positionner. Ce dernier parle souvent Lars Ulrich, Danois qui a lui aussi réussi
au public en danois (logique !), mais quelques petites choses dans la
ses interventions sont ici sous-titrées musique, vient s’installer derrière la
en anglais pour une meilleure compré- batterie le temps de « Guitar
hension. Il ne fait aucun doute que Gangsters And Cadillac Blood » et
Poulsen, malgré des années de scène d’une reprise du « Enter Sandman » de
et l’habitude de jouer devant d’im- Metallica. Très sympa ! Mais au-delà
menses foules, est particulièrement de tous ces guests de luxe, Volbeat
ému ce soir-là, ainsi qu’en attestent délivre une prestation haut de gamme,
ses très nombreuses marques d’affec- déroulant un répertoire irrésistible
tion et ses remerciements à l’égard de tapant dans le metal pur (« Doc
ce public très mixte. C’est que Volbeat Holliday », « Dead But Rising », « Seal
attire énormément de filles à ses The Deal », le prometteur nouveau
concerts, une très bonne chose si vous titre « The Everlasting »), le rock’n’roll
voulez notre avis ! La setlist est bien (« 16 Dollars », « Sad Man’s Tongue »)
rallongée par rapport à celle des ou encore ces morceaux mélodiques
shows « classiques » de cette même portés par la voix d’or et si particulière
tournée, pas moins de 23 morceaux de Poulsen. C’est avec « Still
Counting » et « l’invasion » du ring par
étant interprétés. Nos deux seuls
une vingtaine de kids que se termine
regrets : un seul rescapé de The
ce show à la fois excitant et émouvant.
Strength/The Sound/The Songs
Très bien filmé (applaudissons les
(2006), premier album que nous por-
nombreux plans sur le public, qui fait
tons en très haute estime. Et si de
ainsi partie intégrante du spectacle) et
nombreux amis ont répondu présent à
doté d’un excellent son, voici un DVD
l’invitation du groupe pour venir
tout à fait recommandable aux ama-
reprendre en live les titres sur lesquels
teurs de ce groupe qui n’a aucun équi-
ils intervenaient originellement en stu-
valent dans le genre… Et pour cause,
dio, manque à l’appel un certain King
il évolue dans un style unique dont il
Diamond sur le génial « Room 24 »
est le seul dépositaire. Cela peut en
(2013) que nous aurions adoré enten-
agacer certains. Plus nombreux encore
dre dans ce contexte. Après, difficile
sont ceux qui s’en délectent. Votre ser-
de faire mieux que ce menu on ne
viteur est de ceux-là.
peut plus copieux. Ainsi, Mille
Petrozza (Kreator) vient s’arracher les BENJI
le sort : la religion comme un phénomène naturel »),
qui est rapidement devenu mon livre préféré. Dennett
essaie de comprendre et de justifier pourquoi
l’Homme éprouve le besoin viscéral de se tourner
vers le surnaturel et de développer des rituels pour
honorer les entités auxquelles il accorde sa confiance.
Ce livre opte pour une approche chronologique et
s’attarde aussi bien sur les cérémonies et cultes primi-
tifs que sur les grandes religions monothéistes et les
pratiques modernes. Il met en parallèle l’évolution de
l’être humain, tant sur le plan biologique que technique,
et celle de ses religions, ce qui est absolument fascinant.
Sans surprise, certains fanatiques n’ont vu dans cet ouvrage
qu’une critique violente du concept même de « foi » et
ont expédié à l’auteur des menaces de mort. Pourtant,
Dennett privilégie les idées aux faits et ne donne pas de
réponse toute faite à ses lecteurs. Au contraire, il les
exhorte à réfléchir en posant beaucoup de questions, ce
que je trouve infiniment plus intéressant. Je pense que tout
le monde, croyant ou non, devrait se pencher sur cet écrit
qui présente une vision moderne et éclairée d’un athéisme
dans lequel je me retrouve tout à fait. Cette lecture a eu un très
fort impact sur moi, m’a aidé à sculpter ma propre pensée et a
nourri mon rapport à l’art et à la religion. Le contenu de ce
gros livre, très long et détaillé, peut alimenter des heures de
discussions et des débats absolument passionnants
 autres rééditions de l’œuvre de Vincent
Furnier précédemment évoquées dans
Une rubrique de Philippe Lageat
cette rubrique. Celle-ci vaut le détour pour
Ces dernières années, le vinyle revient en force, plusieurs raisons : sa magnifique pochette à
ce qui n’est pas pour nous déplaire. Chaque mois, volets s’ouvrant au recto, à l’intérieur et au
dorénavant, nous vous proposons donc une sélection des verso, mais aussi son insert avec textes et
plus chouettes nouveautés. C’est parti, mon kiki ! son vinyle de couleur vert fumé. Une petite

Si vous êtes un habitué de cette rubrique,

je ne vous apprends rien : Nuclear Blast tient
le haut du pavé dès lors qu’il est question
de proposer aux fans des vinyles collectors.
C’est encore le cas ce mois-ci avec plusieurs
sorties pas piquées des vers. Commençons
par Burning Witches qui publie son

Metal Church qu’à son pressage noir merveille ! Signalons aussi la sortie d’une
basique pourtant enrobé d’une sympa- édition Deluxe de l’album Clutching At
thique pochette ouvrante. One Last Ride, on note aussi quelques sorties de choix, à Straws (1987) de Marillion (déjà évoqué,
le nouveau Chrome Division (l’autre groupe commencer par Anthem Of The Peaceful dans sa version CD, dans le guide de Noël
Army, le nouvel album de Greta Van Fleet, de ce numéro) composée de cinq vinyles :
simple vinyle de couleur jaune fumé limité à l’album (double LP) nouvellement remixé
4.000 exemplaires avec insert au format LP. par Andy Bradfield et Avril Mackintosh,
Les fans noteront que ce disque existe ainsi qu’un concert tonitruant donné à
Hexenhammer dans une pochette ouvrante également en vinyle rouge. En matière de Edimbourg (Ecosse) le 19 décembre 1987 et
renfermant un double LP de couleur noire classic rock, impossible de faire l’impasse ici présenté sur pas moins de trois LP’s. Une
ou, plus rare, rouge (500 exemplaires merveille ! Pour autant, la médaille en
seulement). Le Garden Of The Titans
d’Opeth bénéficie lui aussi d’une pochette
gatefold, ses deux vinyles, rehaussés d’un
insert, étant, selon les pressages, disponibles
de Shagrath, chanteur de Dimmu Borgir qui
se charge ici de la guitare rythmique), jouit
également d’une pochette ouvrante quand
bien même il s’agit d’un LP simple et non
d’un double. Existe en noir, évidemment,
mais aussi en blanc (300 exemplaires). Nous
vous en parlions dans notre numéro 191, sur les « classiques » que sont In Rock
Blind Guardian réédite sa discographie au (1970) et Fireball (1971/avec insert), deux chocolat de « vinyle du mois » revient cette
format vinyle. Battalions Of Fear (1988), pierres angulaires que Deep Purple réédite fois-ci à Rhino/Roadrunner qui édite Above
Follow The Blind (1989), Tales From The aujourd’hui en vinyle 180 grammes de The Remains. Késako ? Il s’agit d’un album
Twilight World (1990) et Somewhere Far couleur mauve présenté dans une pochette live de Sepultura capté sur le Beneath The
Beyond (1992), les quatre premiers opus du Remains Tour, à la Waldseehalle de Forst
combo teuton, sont déjà disponibles et (Allemagne), le 21 septembre 1989. Au
s’apprêtent à être rejoints par les incon- menu, huit titres (dont une reprise féroce
tournables Imaginations From The Other du « Holiday In Cambodia » des Dead
Kennedys) provenant d’un enregistrement
en noir, blanc (300 copies), bleu (300) ou
rouge (500). Slania (10 Years) d’Eluveitie a
également droit à son double vinyle, sa
pochette gatefold et son insert, mais c’est
à n’en pas douter sa belle version limitée à
300 exemplaires de couleur menthe qui
aura la faveur des fans. De même, notre
ami Benji donnera sa préférence au double
LP blanc (300 copies) ou rouge (500) du
Damned If You Do de ses chouchous de

réalisé à partir de la table de mixage et pro-

Side (1995), Nightfall In Middle-Earth
(1998) et A Night At The Opera (2002),
chacun de ces albums étant proposé en
double vinyle noir avec pochette gatefold
et insert 4 pages au format LP. Le premier
existe également en tirage blanc (500
copies), le deuxième en blanc (500) et
orange fluo (500), et le troisième en bleu
(500) et jaune (500). Les collectionneurs
vont se régaler ! Du côté de chez Warner,
ouvrante. Il est à noter que chacun de ces
chefs d’œuvre a été remastérisé à partir
des bandes analogiques d’époque pour un
rendu optimal. Warner Bros. s’attaque de
son côté à un autre monument, le From The
Inside d’Alice Cooper originellement paru
en 1978 et qui fait suite à de nombreuses
venant des archives de Monte Conner (alors
directeur artistique du label Roadrunner) et
Borivoj Krgin (journaliste devenu fondateur
du site de news metal Blabbermouth). Cet
enregistrement est évidemment cru, et
donc foncièrement authentique, mais sa
valeur historique et le fait qu’il soit inédit
(de même que sa pochette) en font un
collector de choix. Ceci est d’autant plus
vrai qu’il est disponible en simple vinyle
rouge. History in the making… Y

85
 Partenaire favori des plus grands tourneurs français !
& 106DB ALICE IN CHAINS + BLACK REBEL
MOTORCYCLE CLUB
28/05 - Paris, Olympia
AMORPHIS + SOILWORK + JINJER
+ NAILED TO OBSCURITY
06/02 - Paris, Cabaret Sauvage
07/02 - Toulouse, Bikini
10/02 - Lyon, Transbordeur
A PERFECT CIRCLE
06/12 - Paris, Zénith
NEW MODEL ARMY ARCHITECTS + BEARTOOTH
14/12 - Paris, Trabendo + POLARIS
27/01 - Paris, Olympia
& AEG PRESENTS AURA NOIR + OBLITERATION
FRANCE + VORBID
08/12 - Paris, Petit Bain
09/12 - Bordeaux, Rock School Barbey
10/12 - Nantes, Ferrailleur
11/12 - Colmar, Grillen
AVANTASIA
10/04 - Paris, Olympia
LE BAL DES ENRAGÉS
04/05 - Paris, Cigale + TAGADA JONES
BATTLE BEAST + ARJON
GRETA VAN FLEET 18/04 - Lyon, Ninkasi Kao
03/03 - Paris, Zénith 26/04 - Toulouse, Connexion
27/04 - Clermont-Ferrand, Coopé’ de Mai
28/04 - Paris, Trabendo
& BEHEMOTH + AT THE GATES
+ WOLVES IN THE THRONE ROOM
MOLLY HATCHET 17/01 - Lyon, Transbordeur
18/12 - Paris, Machine 21/01 - Toulouse, Bikini
22/01 - Paris, Bataclan
BLACK BOMB A
08/12 - Colmar, 10 Ans Live
15/12 - Limoges, CCM John Lennon
BRAINSTORM
20/01 - Paris, Petit Bain
DANIEL CAVANAGH + COVERS IN
FRENCH
15/12 - Bordeaux (Le Haillan), Salem
JOHN GARCIA CLUTCH
23/01 - Paris, Trabendo
15/12 - Paris, Elysée Montmartre
FREAK KITCHEN
07/03 - Paris, Maroquinerie DANKO JONES
08/03 - Lyon, Ninkasi Kao 11/12 - Vauréal, Forum
MANTICORA DISTURBED
+ LOCH VOSTOK + HEXED 09/05 - Paris, Elysée Montmartre
09/03 - Paris, Boule Noire
12/03 - Lyon, Ninkasi Kao
DRACONIAN + HARAKIRI FOR THE
PANIC AT THE DISCO SKY + SOJOURNER
19/03 - Paris, Zénith 29/01 - Paris, Petit Bain
& GERARD DROUOT
DAVID ELLEFSON PRODUCTIONS
(MASTERCLASS "BASSTORY")
09/03 - Strasbourg, Laiterie
EPICA "TOURNEE 10 ANS DE DESIGN
YOUR UNIVERSE"
06/10 - Paris, Elysée Montmartre
FLOGGING MOLLY
13/01 - Paris, Trabendo
GHOST + CANDLEMASS
03/02 - Lyon, Halle Tony Garnier
07/02 - Paris, Zénith
GRAVE DIGGER + BURNING
WITCHES
28/01 - Paris, Petit Bain
HIGHWAY + IRON SLAUGHT
+ EVILNESS + IRON FLESH
02/03 - L'Isle Bouzon (32), Ecole Des Filles
JUDAS PRIEST
STEVE HOGARTH 27/01 - Paris, Zénith (ATTENTION ! CETTE DATE
13/12 - Paris, Eglise St. Eustache N’EST PLUS DISPONIBLE EN ABONNEMENT)
JOHN GARCIA AND THE BAND OF
GOLD + DEAD QUIET
23/01 - Paris, Trabendo
24/01 - Bordeaux, Krakatoa
28/01 - Lyon, Kao
L’AN 8 DU PERE NOËL ROCK
(Hommage à Malcolm Young)
avec THE CHRIS SLADE TIMELINE
+ LAURA COX + TITAN
22/12 - Dax, Chapiteau Stade Maurice STEEL PANTHER
Boyau (“Sunset Strip Live”)
15/02 - Paris, Bataclan
MASS HYSTERIA
07/12 - Vauréal, Forum
+ WAX NEON (complet)
08/12 - Liévin, Centre Arc En Ciel
+ BAASTA
09/12 - Savigny-Le-Temple, Empreinte
+ DIRTY BASTARZ
MASTODON + KVELERTAK
+ MUTOID MAN
13/02 - Paris, Casino de Paris
MERCYLESS + SAVAGE ANNIHILATION
+ SECRET FAITH
08/02 - Toulouse, Usine à Musique
MOLYBARON
POP EVIL
20/02 - Paris, Trabendo
21-27/07 - Tolmin (Slovénie), Metal Days
MONSTER MAGNET ORPHANED LAND + SUBTERRANEAN
02/02 - Magny-Le-Hongre, File 7 MASQUERADE + PARATRA
09/04 - Rouen, 106
OOMPH ! 09/04 - Vauréal, Forum
17/03 - Strasbourg, Laiterie 09/04 - Montauban, Rio Grande
20/03 - Paris, Machine du Moulin Rouge 09/04 - Saint-Étienne, Clapier
24/03 - Lyon, Ninkasi Kao 09/04 - Montpellier, Secret Place
Envoyez vos dates à : redaction@rockhard.fr

& OSTROGOTH + TENTATION + HERZEL

26/01 - Paris, Glaz’Art
19/01 - Nice, Altherax + LES GRANDES
GUEULES ABONNEMENT
Si vous vous abonnez et que vous êtes inté-
21/01 - Toulouse, Métronum + SABOTAGE
OVERKILL + DESTRUCTION 23/01 - Orléans, Blue Devils ressé par une place de concert, outre les
+ FLOTSAM & JETSAM + MESHIAAK shows proposés en page 98, vous pouvez
20/03 - Paris, Trabendo SKINDRED + BLOOD COMMAND choisir n’importe quelle date indiquée dans
23/02 - Toulouse, Metronum un cadre doré en le précisant clairement
PARKWAY DRIVE + KILLSWITH 24/02 - Paris, Maroquinerie sur votre coupon.
ENGAGE +THY ART IS MURDER
04/02 - Paris, Olympia SLASH FEAT. MYLES KENNEDY
& THE CONSPIRATORS
THE DEAD DAISIES &
PERTURBATOR 22/02 - Paris, Zénith
07/12 - Marseille, Moulin
29/03 - Paris, Trianon 10/03 - Toulouse, Zénith
LACUNA COIL
07/12 - Savigny Le Temple, Empreinte POWERWOLF + AMARANTHE SLIPKNOT
10/01 - Toulouse, Bikini 01/07 - Nîmes, Arènes
11/01 - Bordeaux, Rocher de Palmer
15/01 - Lille, Aéronef SONATA ARCTICA (Acoustic
16/01 - Nantes, Stereolux Adventures) + WITHERFALL
17/01 - Rouen, 106 22.03 - Paris, Trabendo
24/01 - Reims, Cartonnerie 23.03 - Lyon, Ninkasi Kao
26/01 - Nancy, L’Autre Canal
27/01 - Marseille, Espace Julien SUNN O)))
AUDREY HORNE 28/01 - Lyon, Transbordeur 06/03 - Lyon, Epicerie Moderne
29/01 - Strasbourg, Laiterie 07/03 - Nancy, Autre Canal KORPIKLAANI + TURISAS
+ THE NEW ROSES 08/03 - Dijon, Vapeur + TROLLFEST
12/12 - Strasbourg, Laiterie 26/02 - Lille, Splendid
13/12 - Lyon, Blogg RAISMES FEST avec THE NIGHT 09/03 - Rouen, 106 27/02 - Paris, Cigale
14/12 - Limoges, John Lennon FLIGHT ORCHESTRA + H.E.A.T. + 11/03 - Tours, Temps Machine 28/02 - Bordeaux, Krakatoa
15/12 - Savigny Le Temple, Empreinte 08/03 - Marseille, Espace Julien
ZODIAC + ELECTRIC BOYS + TOKYO 12/03 - Nantes, Stereolux
BLADE, etc. 13/03 - La Rochelle, Sirène
14+15/09 - Raismes, Château de la Princesse 14/03 - Bordeaux, Rocher de Palmer
d’Arenberg
ULI JON ROTH (50th Anniversary Show)
RAMMSTEIN 20/12 - Paris, Trabendo
28/06 - Paris, Défense Arena (complet !)
29/06 - Paris, Défense Arena URIAH HEEP
22/01 - Paris, Cigale
RIVAL SONS + THE SHEEPDOGS 24/01 - Marseille, Espace Julien
08/02 - Rouen, 106 29/01 - Toulouse, Bikini SEPTIC FLESH
27/04 - Pagney Derrière Barine, Chez Paulette
DORO 09/02 - Paris, Bataclan
09/03 - Strasbourg, Laiterie 10/02 _ La Rochelle, Sirène STEVEN WILSON
10/03 - Vauréal, Forum 19/01 - Strasbourg, Laiterie
25/02 - Lyon, Transbordeur
OOMPH! 21/01 - Nantes, Cité des Congrès
17/03 - Strasbourg, Laiterie SEPTICFLESH + KRISIUN 22/01 - Bordeaux, Théâtre Femina
20/03 - Paris, Machine du Moulin Rouge
24/03 - Lyon, Ninkasi Kao 12/03 - Paris, Machine du Moulin Rouge 23/01 - Toulouse, Bikini
+ DIABOLICAL + XAON 26/01 - Rennes, Etage
DECAPITATED 13/03 - Bordeaux, Rock School Barbey 27/01 - Caen, Cargo
+ HEART ATTACK + ACOD + DIABOLICAL + XAON 29/01 - Tours, Palais des Congrès
01/02 - Epinal, Souris verte 21/03 - Lyon, Ninkasi Kao 30/01 - Nancy, L’Autre Canal
02/02 - Metz, Haunting The Chapel (sans ACOD)
03/02 - Lyon, Cco + DIABOLICAL + XAON
04/02 - Marseille, Jas Rod 27/04 - Pagney-Derrière-Barrine, Y&T
06/02 - Nantes, Ferailleur 25/10 - Vauréal, Forum
07/02 - St Brieux, Citrouille Chez Paulette + WHEN REASONS
08/02 - Savigny Le Temple, L’Empreinte COLLAPSE + INCITE KLONE (UNPLUGGED TOUR)
06/12 - Tulle, DLQC
ZEAL & ARDOR + HANGMAN’S 08/12 - Le Haillan, Salle Salem
SHAKIN’ STREET (avec Fabienne CHAIR 09/12 - Pau, Le Cabaret Au Suivant
Shine, Norbert Krief et Ross The Boss) 09/12 - Lille, Aeronef 12/12 - Toulouse, Usine à Musique
10/01 - Caen, El Camino 11/12 - Le Havre, Tetris 13/12 - Montpellier, Black Sheep
14/12 - Vitrolles, Salle du Roucas
11/01 - Paris, Petit Bain + OCEAN 12/12 - Paris, Cigale 15/12 - Draguignan, Bucephale
12/01 - Montbéliard, Atelier des Môles 13/12 - Strasbourg, Laiterie 16/12 - Nice, Altherax
+ ONIX
15/01 - Lyon, Rock N’Eat + SALHEM ROB ZOMBIE
16/01 - Chambéry, Brin de Zinc 19/06 - Paris, Bataclan
SAMAEL + ARCHANGE & Alternative Live
15/05 - Dunkerque, 4 Ecluses 17/01 - Marseille, Cherrydon ZZ TOP
16/05 - Strasbourg, Laiterie
17/05 - Paris, Petit Bain + BELPHEGORZ 21/06 - Boulogne-Billancourt,
18/05 - Lyon, Ninkasi Kao 18/01 - Montpellier, Secret Place Scène Musicale
GOOD CHARLOTTE
08/02 – Paris, Zénith
+ LOLITA LARSEN 08/07 - Nancy, Zénith
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MANTICORA
19/03 - Paris, Zénith
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PRODUCTIONS 20/03 - Paris, Machine
09/03 - Paris, Boule Noire 24/03 - Lyon, Ninkasi Kao
12/03 - Lyon, Ninkasi Kao

KORPIKLAANI + TURISAS
FREAK KITCHEN SEPTIC FLESH DORO + TROLLFEST
07/03 - Paris, Maroquinerie 27/04 - Pagney Derrière Barine, 26/02 -Lille, Splendid Offert par
Chez Paulette 09/03 - Strasbourg, Laiterie MUSIC FOR EVER
08/03 - Lyon, Ninkasi Kao 09/03 - Vauréal, Forum 27/02 -Paris, Cigale
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Offert par BASE Offert par MUSIC FOR EVER Offert par KPROD 08/03 -Marseille, Espace Julien

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