Unidad 2: Tarea 3 - ¿Cómo se interpreta una imagen?

Slenka Leandra Botello

Alejandra Guerrero Montañez

1014200518

LAS IMÁGENES Y EL ARTE DEL HUMANISMO.

408003A_474

UNAD

Artes Visuales

Manizales/Caldas

Octubre 2018
Introducción

La metodología que seleccione fue iconología e iconográfico, ya que le pieza posee muchos
elementos que son simbólicos de una manera expresa y por otro lado posee características
propias de elementos que se deben interpretar para asignarles un valor propio de la
narrativa.

Continuando con esto se realizó el análisis de la obra de manera puntual elaborando el

ejercicio de una manera constante y constituida por el estudio de la bibliografía sugerida.
Haciendo un ejercicio completo de la pieza seleccionada, St. Sebastián, Andrea Mantegna.
Análisis de Obra de Arte Pictórica:

1. Datos del catálogo razonado

-Mantegna Andrea

-Circa 1431, Isla de Carturo/13 de septiembre de 1506, Mantua (Italia)

-St. Sebastian

-Padua (1456–1459)

-Tabla

-68 × 30 cm

-Padua/Museo de Historia del Arte de Viena

2. Contexto socio-cultural y artístico

-Se crio en Padua, donde a los 10 años debido a su gran talento es adoptado por Francesco
Squarcione.

-Estuvo junto con otros discípulos en competencia para explotar su talento, Marco Zoppo
de Bolonia, Darío de Treviso y Niccolo Pizzolo de Padua, lo que le ayudo a mejorar
considerablemente.

-Se casó con Nicolosi Belini hermana de Giovanni y Gentile Bellini, hijos de Jacop Bellini
rival de Squarcione, por lo que el antiguo maestro de Mategna se convierte en un crítico del
artista.

-En 1459 Luis III Gonzaga convence al autor para que se traslade a Mantua.Trabajaria de
por vida para esta familia bajo el mecenazgo directo de Isabel de Este, marquesa de Mantua
y esposa de Francisco II Gonzaga

-Artista Renacentista.

3. Nivel de significación de la obra

a) Motivos artísticos: La obra presenta a San Sebastián quien era designado como el
protector contra la peste muerto debido a las flechas se especulaba que la peste se
transmitía por aire.

b) Temas: El tema es concerniente al Libro de la Revelación ya que se observa al fondo de

la pintura, un jinete es visible en las nubes en la parte superior izquierda, se ha interpretado
en repetidas ocasiones como el dios grecorromano del tiempo, Saturno, quien mataba todo
tras su paso.

c) Géneros pictóricos: Se presentan características de un paisaje árido con un cielo

despejado de un azul intenso, san Sebastián está amarrado a un arco del triunfo a las puertas
de una ciudad la estructura de la ciudad aparece distorsionada por la perspectiva
característica del artista evidenciando gran calidad en los aspectos arquitectónicos del
espacio visual de la ciudad.

Dentro de la relación de los elementos, el centro de la imagen tiene una relación distante
con el entorno ya que se ilustra a St. Sebastián como el eje de la pintura en el cual
circundan los elementos, este aparece retratado en el centro de la pieza sujeto a la columna
de un arco bien definido, lo cual dista de las interpretaciones tradicionales del en el cual
siempre se le representaba en el campo de marte. El elemento más enunciativo de la pieza
es la manera en como el artista supone una perspectiva nostálgica en la pieza, muy
característico de Mategna.

4. Nivel formal de la obra

a) Estructura compositiva general

Estructura: La obra recarga todo su peso visual en St Sebastián que es el eje principal de
la pieza, la verticalidad de los elementos generan una proporción idónea para generar una
proyección visual de cercanía a los elementos arquitectónicos cercanos mientras la
sinuosidad de los elementos que se proyectan en la distancia proporcionan un a conjunción
forma y geométrica que aportan una composición equilibrada. Si se habla de un orden
jerárquico de la obra, se puede resaltar que la pieza se caracteriza por que la figura del santo
es el elemento que proyecta la primera instancia y que en consecutiva aparecen los demás
en orden de relevancia.
Mapa estructural: El centro evidencia la figura de St. Sebastián, como punto de anclaje
visual, esto debido a que la verticalidad de la figura se antepone a la línea del horizonte
generando un cruce de los ejes, los ejes de la pieza se equilibran en el horizonte del recinto
y la estructura arquitectónica del arco, representa geométricamente el simbolismo mas
considerable. En lo que respecta a los cuadrantes, en el cuadrante superior que es separado
por la línea del horizonte del recinto se evidencia, el torso desnudo y la cabeza de St.
Sebastián observando hacia los cielos, la parte superior del arco con detalles característicos
del capitel, el cielo despejado, y en el cuadrante superior izquierdo se puede observar al
jinete con la guadaña, al igual que una formación rocosa, en el cuadrante inferior se
observan los miembros inferiores del Santo l igual que la sinuosidad del camino con las
ruinas del recinto arquitectónico. El enfoque visual se apoya en las zonas con menos carga
visual de manera sesgada, estas corresponden a la escultura en el piso, al jinete en la nube y
a la formación rocosa, en el área inestable se podrían definir como el área entre el cielo y el
horizonte. La dirección visual se marca en el santo mostrando la figura central como la de
mayor peso la dirección de la obra da profundidad y la mirada del santo genera una
insinuación hacia la parte superior de la pintura, generando aun mayor atracción a la pieza
central.

Las diagonales ascendente se marca del cuadrante inferior izquierdo a cuadrante superior
derecho por la mirada del santo y la decente se marca de cuadrante superior izquierdo a
cuadrante inferior derecho por el jinete y el camino trazado por el sendero. Los bordes
verticales de la obra se enmarcan con el paisaje distante que aparece al fondo de la pieza y
los horizontales con el cielo y la tierra, el Angulo de la misma se compone de manera
frontal. La composición, se marca principalmente, la pieza central tiene una relación
dominante con el fondo, con una característica orgánica y simétrica con dinamismo y
equilibrada en sus partes. La obra tiene un equilibrio de la pieza se correlaciona con la
composición dinámica que tiene con los elementos, la dirección visual se marca con el
fondo pero el peso de la pieza central genera toda la tensión por lo cual los elementes se
atraen siempre al mismo centro. El equilibrio axial lo podemos observar en el ombligo del
santo el cual coincide con el eje horizontal y vertical en el extremo izquierdo de la columna
del arco. El equilibrio radial, los elementos que se generan alrededor del punto central
definido en la mitad del torso, el equilibrio oculto se puede interpretar como la flecha que
sigue la inclinación de la cabeza del santo.

Peso compositivo: A nivel de tamaño el santo es quien tiene la mayor carga visual y genera
la mayor carga de peso compositivo, de igual manera la piel de color cetrino resalta por
encima de los tonos amarillos de la pieza arquitectónica y el azul profundo del cielo, los
tonos cálidos del santo contrasta con el color frio del paisaje distante, los elementos
verticales poseen una mayor carga visual en la obra debido a que se ubican en el centro del
punto visual, en este caso la obra tiene una carga especifica ene l cuadrante superior
izquierdo con una formación rocosa en la zona del borde pero pese a su imponencia pierden
fuerza.

b) Formas principales

El cilindro de la columna que evoca al arco, al igual que la estructura corporal el santo son
factores con mayor carga visual, de igual manera las diferentes líneas demarcadas por las
flechas y la sinuosidad del camino componen una carga visual alternativa.

c) Direcciones y tensiones

Dirección: La dirección que marcan las líneas sinuosas del camino al igual que los
elementos general que manejan una proyección distante y dinámica con el punto central.
Tensión: La tensión se hace evidente en el santo ya que es quien atrae la atención en el
momento que se observa la pieza debido a la carga visual de color y forma.

d) Elementos plásticos

Línea: Las líneas verticales de la columna del arco al igual que las piezas que se muestran
en el capitel también demarcan importancia a la hora de generar la estructura. Las líneas
sinuosas del cuerpo del santo pierden relevancia en contraste con la verticalidad del cuerpo
y las que estas mismas proporcionan, por otro lado las que se muestran con las flechas y los
trazos del piso también contribuyen a generar un mayor indicio de dirección. Se presentan
líneas continuas y bien marcadas en los elementos principales por ende se evidencia cuando
las mismas pierden continuidad como elemento secundario.
Forma: El elemento central posee una característica orgánica de igual manera los
elementos inorgánicos de la obra contrastan en mayor medida con la figura central ya que
proporcionan una mayor composición, de una calidad en específico.

Color: El color es un factor fundamental en esta pieza, los tonos cálidos del material
inorgánico contrastan claramente con la piel cetrina del santo, pese a que la mayor cantidad
de luz es reflejada por esta zona de la pieza es importante determinar que las zonas oscuras
poseen color fríos o una total ausencia de la luz proyectando una mayor profundidad.

Valor: Se evidencia que el artista utilizo el claroscurismo como un medio para demarcar la
profundidad pese a que toda la obra se encuentra enfocada con una luz difusa el eje central
visual de la pieza demarca completamente en el santo y aquellos elementos que no son
relevantes están completamente ajenos de luz.

Textura: La textura de la pieza varía según los materiales ejemplificados por el autor, ya
que la piel se muestra liza pero se trazan los surcos propios de la anatomía, por otro lado la
composición de la piedra y la roca se evidencia corrugada y bien marcada. Las montañas
también poseen texturas variadas al manifestar diferentes características topográficas. Se
podría determinar que la pieza central es decir el santo tiene una textura homogénea y
orgánica, al igual que el fondo tiene un grano visual.

5. Construcción espacial de la obra

Espacio: Se proyecta profundidad con el manejo de la luz, las dimensiones son

proporcionales y la tridimensionalidad del objeto es bien definida. Al observar la pieza se
puede aclarar que el manejo es correcto, la perspectiva nostálgica del autor proporciona un
ángulo visual que da un mejor enfoque espacial de la composición.

Índices o indicadores espaciales:

-Claroscuro: Por medio del uso de las gradaciones en los valores el artista construyo un
juego de luz y oscuridad iluminando las partes orgánicas de la pieza con la recepción de
toda la luz para resaltar las zonas que son importantes para el espectador. Pese a que las
áreas empleadas en tonalidades oscuras no son excesivas si son importantes para generar
profundidad.
-Escorzo: Pese a que la pieza no tiene unas zonas espaciales tan demarcadas ya que el eje
central del foco visual absorbe toda la atención las líneas refuerzan el sentido de
perspectiva apoyando la composición y generando el punto de fuga para poder componer la
pieza de una manera más realista con la tridimensionalidad necesaria y el ángulo que
enfoque sea frontal al espectador.

-Gradiente: En este caso la pieza posee zonas que se difuminan por ausencia de luz y los
detalles, color y textura aparecen menos imponentes, para generar en el espectador un
efecto de profundidad. Esta es gradual no se presenta de manera abrupta sino más bien
definida y escalonada.

-Perspectiva aérea o atmosférica: Esta es notoria a medida que recorremos visualmente la

pieza ya que las áreas que cuentan con mayor calidad visual son aquellas que se encuentran
en primer plano de definición conforme la obra produce sensación de perspectiva esta se
hace cada vez más evidente.

-Perspectiva amplificada o segregación de planos: El ángulo de mayo visión se presenta

en la zona frontal marcando la proyección el segundo es el punto distal que se ubica al
fondo y generan una proyección más abierta. Los diferentes planos juegan entre si
proporcionando una composición ideal.

-Perspectiva lineal: Si observamos la obra esta cuenta con una distancia focal ideal por lo
cual la perspectiva aparece lo más limpia posible de cualquier variación, esta se encuentra
de manera ortogonal que respeta a la perspectiva central, característica del periodo
renacentista a la que pertenece el autor.

-Posición en el plano de la imagen: En este caso no se presenta ya que el cuadro tiene una
profundidad marcada.

-Posición vertical: La posición del eje de la pintura es vertical cumpliendo con los
requerimientos visuales de la obra.

-Relación figura-fondo: La relación espacia con el fondo es la ideal ya que presenta un

escenario distante que puede ser interpretado por una etapa ya superada debido a la
iconología de la pieza.
-Relación de tamaño: El tamaño corresponde a la proporción de la perspectiva, la pieza es
ideal para el ejercicio visual del espectador. Los objetos cercanos al ángulo visual sobre
salen en comparación con aquellos que está detrás del eje.

-Superposición o traslapo: La más evidente es la que se presenta con el santo el cual se

ubica en la parte frontal y a esta lo superponen las flechas este orden proporciona jerarquía
a la pieza.

-Transparencia e interpenetración: Las transparencias son escasas y las interpretaciones

se mancar en zonas puntuales con intención clara del autor como en las nubes con el jinete
que representa a Saturno.

-Veduta: Se aplica en lo que supone el espacio visual abierto que se genera en la parte
posterior del eje visual.
Conclusiones:

El ejercicio de análisis de la pieza fue muy interesante ya que se realizó la actividad bajo
los cánones solicitados por lo que se conoció a profundidad la labor del autor y los
elementos que se emplearon para realizar la composición. En conclusión este tipo de
ejercicios son fundamentales para reconocer los valores compositivos de las piezas y así
elaborar a futuro un ejercicio concienzudo a la hora de analizar el trabajo artístico expuesto.

El estudio de una pieza proporciona la capacidad de diferenciar los factores que constituyen
una pieza y como emplearlos para hacer un trabajo idóneo.
Bibliografía

https://www.youtube.com/watch?v=M4y_lN81tjA

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https://www.youtube.com/watch?v=_BXL7v6fFUw