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Santiago de los Caballeros

República Dominicana
10 de marzo del 2019
 INTRODUCCIÓN
A continuación, se presenta un estudio que trata sobre el cine, las primeras

películas, hablar de los personajes George Melies y los inicios del cine

ficción, así como también personalidades de la historia del cine tales como

David Wark Griffith, Mack Sennet y Charlie Chaplin, así como también el

evolución del cine mudo al cine sonoro..

Por otra parte, hablaremos del cine en diferentes países del mundo tales como

Estados Unidos

Europa

Alemania

Francia

Y España.

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PRIMERA PELÍCULA

En 1888 se filmaba la primera película del mundo

Roundhay garden scene ("la escena del jardín de Roundhay") es un

cortometraje muy breve (1,66 segundos de duración) filmado por el inventor
francés Louis Le Prince (1842-1890) el 14 de octubre de 1888 en el jardín
de la casa de sus suegros en Leeds (Inglaterra).

GEORGE MELIES Y LOS INICIOS DEL CINE DE FICCIÓN

Marie Georges Jean Méliès nació el 8 de diciembre de 1861 en su casa de
Saint-Martin, en París. Su padre era un conocido empresario del calzado pero
él desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo, hasta el punto de
tener problemas en el colegio al llenar sus cuadernos de caricaturas de los
profesores. Otra de sus pasiones eran las marionetas, y construyó sus propios
decorados para pequeños espectáculos que montó a partir de los 10 años.
Más o menos a esa edad recibió otro empujón en la dirección de una carrera
artística: fue al teatro por primera vez y vio una actuación de Jean Eugène
Robert-Houdin, uno de los grandes magos de la época y cuya influencia fue
decisiva en el nombre artístico del mago estadounidense Harry Houdini.

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Los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo, pero quien realmente
lo dotó de contenido y convirtió el cine en espectáculo fue el también francés
Georges Méliès. Solo así se entiende que se le conozca y defina como
dibujante, pintor, caricaturista, ilusionista, director de teatro, escenógrafo,
humorista, escritor, actor, técnico… Aunque en el fondo, Méliès fue un
amante de la fantasía, un visionario que plasmó su genialidad en más de 500
películas y el propietario del primer estudio acristalado diseñado
específicamente para el cine.

Georges Méliès, al que le atrajo siempre la pintura y el arte aunque su padre

lo quiso orientar al negocio familiar de calzado, fue capaz de cumplir su
sueño desde el momento que entendió la magnitud, alcance y trascendencia
que podía tener el cinematógrafo. Participó en todos y cada uno de los
aspectos de producción de sus obras: desde dibujar los conceptos de la
escenografía hasta dirigir al reparto.

EWING S. PORTER Y SU APORTE A LA CINEMATOGRAFÍA

Edwin Stanton Porter (Connellsville, Pensilvania, 21 de abril de 1870 -

Nueva York, 30 de abril de 1941) fue un pionero del cine estadounidense,
más conocido como productor, director, gerente y director de fotografía de
la Empresa manufacturera de Edison.

Biografía
Trabajó en los estudios de Thomas Edison, primero como ayudante de
cámara y luego como jefe de su estudio desde 1902 a 1910. Con Porter se
consolida la técnica narrativa de ese nuevo invento que era el cine a
principios del siglo XX.

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Una vez que la vigilancia se hizo más estrecha, al estudio de Edison no le
bastaba con pedir los negativos de las películas europeas con la excusa de
catalogarse inventor de la fotografía animada; más aún cuando Méliès instaló
una sucursal en los Estados Unidos. La copia de los filmes se hacía más
difícil, por lo que Edison recurrió a otro método menos peligroso: el plagio.
El hombre clave de esta sección fue Edwin S. Porter.

Veíamos anteriormente en el post titulado "los orígenes del cine", cómo los
hermanos Lumiere se dedicaron a grabar determinados acontecimientos ante
la cámara , y cómo George Melies fue un gran innovador, pues además de
sus juegos de ilusionismo, fue más allá del plano único. Melies contaba sus
historias en varios episodios, estableciendo una continuidad entre los
diferentes planos. Vistos consecutivamente se contaba una historia más
compleja que con el plano único de los Lumiere. Sin embargo las
limitaciones de Melies se basaban en que cada episodio se desarrollaba en
un decorado único y tenían unidad de tiempo y lugar, asemejándose al
teatro...

El norteamericano Porter dio un paso más en la evolución del cine: Fue el

primero en construir una historia cinematográfica a partir de material ya
rodado. Eso suponía que el sentido de un plano podía ser modificado al unirlo
con otros, abandonando la continuidad de Melies.

En 1.902 Porter hizo "La vida de un bombero americano", primera película

en la que podemos ver un montaje como lo entendemos hoy en día. Porter
utilizó material ya rodado para otros fines de las actividades de los bomberos
y material rodado para la película, sin que existiera ruptura en el hilo de la
acción. Otra ventaja que se logró fue transmitir al espectador una dimensión
temporal, seleccionando los planos importantes de la historia se logró
transmitir una continuidad aceptable y de desarollo lógico.

Porter demostró que el plano aislado, como registro de una porción

incompleta de la acción, era la unidad con la que debían hacerse la películas,
estableciendo el Principio básico del montaje, abandonando las largas
escenas fijas divididas en actos.
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PERSONALIDADES DE LA HISTORIA DEL CINE

DAVID WARK GRIFFITH

David Wark Griffith (La Grange, Kentucky, 22 de enero de 1875-
Hollywood, 23 de julio de 1948) fue un director cinematográfico
estadounidense. Considerado el creador del modelo estadounidense de
representación cinematográfica (o montaje invisible), es considerado padre
del cine moderno.
De ascendencia irlandesa, se educó bajo las influencias dominantes en el sur
de los Estados Unidos de aquella época, con toda la carga de racismo que
esto conllevaba, le influyeron poderosamente en su carrera. Hay que destacar
de este prolífico director que realizó más de 500 filmes y colaboró en la
creación de muchos otros.

De joven quiso ser escritor, pero ya en 1897 se hizo actor aficionado,

llegando a ser profesional tres años más tarde. Estudió en varias escuelas
locales, después trabajó como actor de reparto y en compañías ambulantes,
hasta hacerse actor de cine en 1908, cuando comenzó a trabajar para la
AM&B (American Mutoscope & Biograph). En esta misma compañía llegó
a ser director en Nueva York y en California, convirtiéndose en productor
independiente en 1913.

Las películas que dirigió entre 1908 y 1913 para la compañía AM&B le
dieron una notable seguridad en su oficio. Con El nacimiento de una nación,
en 1915, logró un éxito excepcional, dando al espectáculo cinematográfico
sabor auténtico y original. Otro de sus grandes filmes fue Intolerancia, 1916,
filme muy ambicioso para su tiempo y que resultó ser uno de los más caros
de la historia del cine, aunque también uno de los más influyentes en futuros
directores.

En 1919, junto con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford,

los artistas más cotizados del cine del momento, fundó la United Artists, para

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producir películas de larga duración al margen del control de los productores
y financieros no creativos del cine.

Griffith siguió realizando películas con su sello especial hasta el

advenimiento del cine sonoro. Solamente realizó dos películas sonoras:
Abraham Lincoln, 1930, y The Struggle, 1931. El cine sonoro significó su
fin como director.

El padre del cine moderno

Estudios tempranos de la historia del cine mostrarían a Griffith como «El
padre del cine moderno», partiendo de un artículo escrito por él mismo en
un periódico poco después de su salida de AM&B en 1913. En este filme
afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, por usar técnicas tales
como el primer plano o el flashback. Los primeros historiadores de cine, sin
tener acceso a muchos de los filmes producidos antes de 1913, declararon a
Griffith como el padre del cine.

MACK SENTE
(Michael Sinnot; Richmond, 1884 - Hollywood, 1960) Director
cinematográfico estadounidense. La fama de los estudios Keystone como el
principal centro de producción de comedias del cine mudo se debió
principalmente al liderazgo y a la personalidad contagiosamente divertida de
Mack Sennett. Director, productor, actor y guionista, llevó al cine un sentido
intuitivo del ritmo cómico, que había refinado en sus años de experiencia en
el vodevil y en los meses que había pasado ante la cámara bajo la dirección
de otros realizadores.

Mack Sennett

Nacido en el seno de una humilde familia de emigrantes, se trasladó de

adolescente a los Estados Unidos con el fin de probar suerte como actor en

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el mundo del espectáculo. Las primeras oportunidades le llegaron de la mano
de la prestigiosa actriz Marie Dressler, que supo reconocer en el joven
intérprete unas innatas cualidades para el teatro burlesco. Sin embargo, hacia
1908 decidió probar suerte en el naciente cinematógrafo como forma de
ganar algún dinero extra que le permitiese ir superando las continuas crisis
de trabajo habituales en el teatro.

Contratado por Biograph, se convertiría en una especie de chico para todo

capaz de interpretar papeles cómicos, farsas o tragedias, y al mismo tiempo
ejercer como improvisado carpintero levantando decorados, ayudante de
dirección o guionista. The Curtain Pole (1909) fue el título que lo dio a
conocer como actor, en un papel de borracho que provoca múltiples caídas
jocosas.

En 1910 tuvo la ocasión de sustituir al director Frank Powell al caer éste

gravemente enfermo mientras realizaba A Lucky Toothache, trabajo dentro
de una serie incesante de cortometrajes que se rodaban sin apenas
preparación y a un ritmo cercano a los cinco por semana. La continuidad de
este tipo de producciones le permitió adquirir un oficio que más tarde llevaría
su máximo esplendor junto con su musa predilecta: la actriz Mabel Normand.

Observando que estas películas obtenían importantes cantidades de dinero

en las taquillas, se decidió a montar su propio estudio de producción con la
ayuda de los modestos editores Kessel y Baumann. Surgió así Keystone, que
desarrolló un estilo único e irrepetible de películas cómicas próximas al
absurdo, llenas de variopintos personajes y narradas con una considerable
anarquía. A medida que el estudio fue creciendo acabó siendo necesario el
rodaje de varios títulos al mismo tiempo, por lo que se contrataría a directores
y actores hasta formar una vasta familia de artistas capaces de improvisar
sobre la marcha y de ir saltando de un proyecto a otro sin apenas solución de
continuidad.

CHARLIE CHAPLIN
Las tres primeras décadas del siglo XX presenciaron el nacimiento y
esplendor del cine mudo y la aparición de talentosos actores y cineastas que
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gozaron de una inmensa popularidad. De todos ellos, ninguno llegaría a
alcanzar un reconocimiento tan unánime entre el público y la crítica como el
británico Charles Chaplin (1889-1977), considerado uno de los grandes
genios de la historia del séptimo arte.

Charles Chaplin caracterizado como Charlot

Creador del tierno y humanísimo Charlot, personaje más universal si cabe

que el mismo actor y cineasta, Charles Chaplin sobrepasó en su filmografía
de madurez la idiosincrasia meramente lúdica del género cómico para
transmitir al público su perspectiva crítica sobre el capitalismo salvaje, el
auge de los totalitarismos y la deshumanización del mundo moderno. La
profundidad de tales cargas, cuya vigencia comprobamos al revisitar sus
películas, llegaron a ponerlo en el punto de mira de la «caza de brujas»
estadounidense, hasta el punto de forzar el regreso a su país: ningún hecho
ilustra mejor su insobornable condición de artista comprometido.

Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de

variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable
éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda,
graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16
de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth.

No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había

abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio
obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la
cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero
comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su
gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al
pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el
desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut
artístico.

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LA TRANSICIÓN DEL CINE MUDO AL CINE SONORO

El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso
la llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El
Cantor de Jazz, de Alan Crossland. Warner Bros. hizo esta película cuando
estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al
éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras.

Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba

expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad
comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender
mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir
guiones interesantes.

A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo
cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz
tenía que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos
actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en
Hollywood, pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes,
por lo que se vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.

Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las

actividades cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y
exhibición), se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse
a la nueva tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para
asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen,
pasaron a rodar a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la
reforma de las salas de exhibición.

La aparición del sonoro también supuso la necesidad de cambiar la

estructura financiera de Hollywood. Con la aparición del sonoro el control
de la industria se pierde definitivamente para las empresas puramente
cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria
electrónica.

EL CINE EN LOS ESTAOS UNIDOS

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La industria cinematográfica estadounidense ha tenido un profundo
efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia
se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el cine
clásico de Hollywood, el nuevo Hollywood, y el periodo contemporáneo (a
partir de 1980).

La segunda instancia grabada de imágenes capturando y reproduciendo

movimiento fue una serie de fotografías de Edward Muybridge que
mostraban un caballo galopando, tomadas en Palo Alto, California,
utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de
Muybridge motivó a inventores de todas partes para intentar crear
dispositivos similares que pudiesen capturar ese movimiento. En EE. UU.,
Thomas Alva Edison fue el primero en producir un dispositivo de esas
características, el kinetoscopio, cuya abusiva patente forzó a los primeros
cineastas a buscar otras alternativas.

EL CIEN EN EUROPA

EL CINE EN ALEMANIA
El cine de Alemania se refiere a la industria cinematográfica basada en
Alemania y se puede remontar hacia el siglo XIX. El cine alemán ha hecho
grandes aportaciones técnicas y artísticas al cine durante el periodo de 1918-
1933.
Alemania fue testigo de grandes cambios de su identidad durante los siglos
XX y XXI. Esos cambios determinaron la periodización del cine nacional en
una sucesión de distintas épocas y movimientos.1
1895–1918 Imperio Alemán
La historia del cine alemán se puede remontar hacia unos pocos años después
del nacimiento del medio. El 1 de noviembre de 1895, Max Skladanowsky y
su hermano Emil presentaron su propio invento de proyector
cinematográfico, el Bioscope, en el pasillo de la música Wintergarten, en
Berlín. Una serie de 15 minutos de ocho pequeños filmes fue la primera
reproducción de una película en la cual la audiencia de Europa estaba
pagando.2 Este espectáculo precedió al primer cine público en el
Cinematógrafo de los hermanos Lumiere, en París, en diciembre 28 del
mismo año, a un espectáculo al que asistió Max Skladanowsky y en el que
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él tenía la capacidad de asegurarse de que el Cinematógrafo era técnicamente
superior a su Bioscop. Otros dos pioneros alemanes fueron Oskar Messter y
Max Gliewe, quienes en 1896 usaron, por primera vez y de manera
independiente, la unidad de Geneva (que permite que la película avance
intermitentemente un fragmento a la vez) en un proyector, y el cinefotógrafo
Guido Seeber.

EL CINE EN FRANCIA

Francia ha sido un país muy influyente en el desarrollo del cine como medio
de entretenimiento para el mundo. Los hermanos Lumière inventaron en cine
dando un giro inesperadamente en el mundo del espectáculo
Finales del siglo XIX y principios del siglo XX
A finales del siglo XIX, durante los primeros años del cine, Francia fue
pionera en varios aspectos. Los Hermanos Lumière inventaron el
cinematógrafo su proyección de L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat (La
llegada de un tren a la estación de La Ciotat) en París en 1895 es considerada
por muchos historiadores como el nacimiento oficial del cine. Durante los
siguientes años, los directores de cine de todo el mundo comenzaron a
experimentar con este nuevo medio. El francés Georges Méliès fue
influyente ya que inventó muchas de las técnicas ahora comunes en el
lenguaje cinematográfico, e hizo la primera película de ciencia ficción Le
Voyage dans la Lune (Viaje a la Luna) en 1902.1

Otras personas y organizaciones de este periodo incluyen a Léon Gaumont y

Pathé. Alice Guy Blaché fue una de las pioneras del cine. Hizo su primera
película en 1896, La Fée aux Choux, y fue jefe de producción en Gaumont
(1897-1906), donde hizo en total unas 400 películas. Su carrera continuó en
los Estados Unidos. Otros pioneros que trabajaron en Francia y en los
Estados Unidos fueron Maurice Tourneur y el actor cómico Max Linder.

Durante el periodo entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra

Mundial, Jacques Feyder se convirtió en uno de los fundadores del realismo

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poético en el cine de Francia. Sumado al hecho de la quiebra de las
productoras francesas.

EL CINE EN ESPAÑA

Con el nombre de cine español se conoce a las producciones

cinematográficas rodadas por españoles o en España. A lo largo de su
historia el cine de ese país ha logrado ofrecer algunas figuras de primer nivel,
entre las que destacan: Luis Buñuel, director cuya producción tuvo una gran
influencia en Europa (a través de Francia) e Iberoamérica (a través de
México) y Pedro Almodóvar. Pero se deben citar muchos otros nombres
como Segundo de Chomón, Florián Rey, Juan Antonio Bardem, Luis García
Berlanga, Carlos Saura, Jesús Franco, Antonio Isasi-Isasmendi, Mario
Camus, Víctor Erice, José Luis Garci, Fernando Trueba, Álex de la Iglesia,
Alejandro Amenábar o Juan Antonio Bayona.

Otras vertientes han obtenido menos repercusión internacional. Sólo el

director artístico Gil Parrondo, ganador de dos Óscar de Hollywood, y el
director de fotografía Néstor Almendros (que desarrolló toda su trayectoria
fuera de España) o los actores Fernando Rey, Francisco Rabal, Fernando
Fernán Gómez, Antonio Banderas y Javier Bardem y las actrices Imperio
Argentina, Sara Montiel, Ángela Molina, Victoria Abril, Carmen Maura,
Maribel Verdú y, sobre todo, Penélope Cruz y Carmen Sevilla han obtenido
cierta fama mundial, generalmente por sus trabajos fuera de España.

Como señalan los autores del libro Cine español en cien películas (2002),
Miguel Ángel Barroso y Fernando Gil Delgado, «la historia del cine español
es parte integrante de la historia del siglo XX y no un simple "adorno
cultural"... la cronología de nuestro cine es parte de la historia de nuestro
país». En efecto el cine es un espejo de la realidad y de la sociedad de la
época en que fue realizado.

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Las primeras exhibiciones cinematográficas en España tuvieron lugar en
Madrid en mayo de 1896. Por una parte, el húngaro Edwin Rousby presentó,
el día 11 de mayo, en el circo Parish, plaza del Rey, el Animatógrafo, sistema
también conocido como Teatrograph, derivado del Kinetoscopio de Edison,
modificado por el inglés Robert William Paul. Sólo dos días después (13 de
mayo) llegarían las imágenes del Cinematógrafo Lumière, que traía Jean
Busseret, representante de los inventores lioneses para la Península.1

CONCLUSIÓN

El tema desarrollado anteriormente ha dejado grandes aportes a los

conocimientos del tema.

El cine forma parte de la cultura a partir del Siglo XX, no solo como invento,
sino como instrumento social, vale la pena mencionar como ejemplo las
adaptaciones que este ha tenido a lo largo de las épocas de las que ha sido
fiel testigo no solo documentando hechos reales, sino también creando
hechos fantásticos para ayudar a la sociedad a distraerse de los momentos
difíciles, pues el apogeo de la comedia durante los periodos en guerra, lo
demuestran.

Es importante analizar los motivos que han mantenido a nuestro país aislado
de la producción de cine durante tanto tiempo, pues al realizar esta
investigación fueron escasos los vestigios de este trabajo artístico que en su
mayoría es conformado por comedias.

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 BIBLIOGRAFÍA

Google.com

AUMONT, Jacques. Historia general del cine. Madrid, Cátedra, 1995. ISBN
84-376-1369-8
BAZIN, André. ¿Qué es el cine?. Madrid, Rialp, 2001.
BURCH, Noël. "Praxis del cine". Madrid, Fundamentos, 1970.
BURCH, Noël. El tragaluz del infinito: contribución a la genealogía del
lenguaje cinematográfico. Madrid, Cátedra, 1987. ISBN 84-376-0642-X.
CERAM, C. W.; Donato Prunera, trad. Arqueología del cine. Barcelona,
Destino, 1965.

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