El arte en la época medieval y renacimiento

El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para
una enorme extensión espacial. La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil
años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye movimientos artísticos
principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales, diferentes géneros,
periodos de florecimiento a los que se ha venido en llamar renacimientos, las obras de arte,
y los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una
condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en
régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en
el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en
consideración social y preparación intelectual).
En la Antigüedad tardía se integró la herencia artística clásica del Imperio romano con las
aportaciones del cristianismo primitivo y de la vigorosa cultura "bárbara" de los pueblos
protagonistas de la época de las invasiones (procedentes de la Europa del Norte -pueblos
germánicos-, de la Europa oriental -pueblos eslavos, magiares- o de Oriente -árabes,
turcos, mongoles-), produciéndose peculiarísimas síntesis artísticas. La historia de arte
medieval puede ser vista como la historia de la interacción entre elementos procedentes de
todas esas fuentes culturales. Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en
períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte prerrománico, románico, gótico (en Europa
Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad
oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas.
El concepto renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad
Moderna. El término procede de la obra de Giorgio Vasari "Vidas de pintores, escultores y
arquitectos famosos", publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibe
una amplia interpretación histórico-artística.
Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte
antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno
completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.
De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad
Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y
con la misma consciencia se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento
significa una ruptura con la unidad estilística que hasta ese momento había sido
supranacional.
 Periodo en que se desarrolló el arte en la época medieval y
renacimiento

Neolítico o Edad de Piedra Nueva o Pulimentada, es uno de los periodos en que se

considera dividida la Edad de Piedra. El término fue acuñado por John Lubbock en su obra
de 1865 que lleva por título Prehistoric Times. Inicialmente se le dio este nombre en razón
de los hallazgos de herramientas de piedra pulimentada, en vez de tallada (es decir, en vez
de golpeada, que era menos resistente) que parecían acompañar al desarrollo y expansión
de la agricultura. Hoy en día se define el Neolítico precisamente en razón del conocimiento
y uso de la agricultura o del pastoreo. Normalmente, pero no necesariamente, va
acompañado por el trabajo de la alfarería.
Mesolítico es el término que se utiliza para denominar el período de la Prehistoria que sirve
de transición entre el Paleolítico y el Neolítico. Significa Edad media de la piedra (del griego
μεσος, mesos=medio; y λίθος, líthos=piedra) por contraposición al Paleolítico (Edad antigua
de la piedra) y al Neolítico (Edad nueva de la piedra), identificándose con las últimas
sociedades de cazadores-recolectores. Los hábitos de las culturas del Mesolítico eran
básicamente nómadas, con asentamientos estacionales de invierno y campamentos de
verano, aunque en algunas regiones costeras europeas y en el Oriente Próximo (allí donde
encontraron recursos suficientes y regulares) comenzaron a vivir de una manera más
sedentaria. Esto fue posible gracias a la ampliación del espectro alimentario, que incluyó
una gran variedad de alimentos que los especializados cazadores del Paleolítico superior
no consumían. Relacionado con estos cambios de dieta estaría la mayor diversificación,
especialización y cantidad de utensilios líticos, así como la desaparición de la pintura
rupestre figurativa paleolítica, reemplazada por un arte más abstracto.
Paleolítico significa etimológicamente Edad antigua de la piedra, término creado por el
arqueólogo John Lubbock en 1865 en contraposición al de Neolítico (Edad moderna de la
piedra). Es el período más largo de la historia del ser humano (de hecho abarca un 99%
de la misma) y se extiende desde hace unos 2,8 millones años (en África)1 hasta hace
unos 10.000 años. Constituye, junto con el Mesolítico/Epipaleolítico y el Neolítico, la
llamada Edad de Piedra, denominada así porque la elaboración de utensilios líticos ha
servido a los arqueólogos para caracterizarla (en oposición a la posterior Edad de los
Metales)Tradicionalmente el Paleolítico se ha dividido en tres períodos: Paleolítico
Inferior, hasta hace 127.000 años y abarcando los Pleistocenos Inferior y Medio;
Paleolítico Medio, hasta los 40.000-30.000 años antes del presente, lo que supone casi
todo el Pleistoceno Superior; Paleolítico Superior, hasta alrededor del 10.000 a. C.2
Además habría que añadir un período de transición con el Neolítico, denominado
Mesolítico o Epipaleolítico en función de las escuelas de investigadores y de las
circunstancias en que se desarrolla.
Aunque esta etapa de la prehistoria se identifica con el uso de útiles de piedra tallada,
también se usaron otras materias primas orgánicas para construir diversos artefactos:
hueso, asta, madera, cuero, fibras vegetales, etc. Durante la mayor parte del Paleolítico
Inferior las herramientas líticas eran gruesas, pesadas, toscas y difíciles de manejar, pero
a lo largo del tiempo fueron haciéndose cada vez más ligeras, pequeñas y eficientes.
 Clasificación

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse
artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto
anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad
manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación
tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban
excluidas la música y la poesía. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las
artes fue la de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y
“artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que
sirven para el entretenimiento. Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”,
que serían lo que hoy consideramos ciencias. Platón, por su parte, estableció la diferencia
entre “artes productivas” y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban
a otros.
Durante la era romana hubo diversos intentos de clasificar las artes: Quintiliano dividió el
arte en tres esferas: “artes teóricas”, basadas en el estudio (principalmente, las ciencias);
“artes prácticas”, basadas en una actividad, pero sin producir nada (como la danza); y “artes
poéticas” –según la etimología griega, donde ποίησις (poíêsis) quiere decir ‘producción’–,
que son las que producen objetos. Cicerón catalogó las artes según su importancia: “artes
mayores” (política y estrategia militar), “artes medianas” (ciencias, poesía y retórica) y “artes
menores” (pintura, escultura, música, interpretación y atletismo).
Arquitectura
Escultura
Artes visuales, que incluyen la pintura y el dibujo
Música
Literatura, que incluye la poesía
Artes escénicas, que incluyen el teatro, la danza, el mimo y el circo
Cinematografía
Fotografía
Historieta
Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la
perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la
actualidad existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.
 Manifestaciones artísticas

La Prehistoria es el periodo que abarca desde la aparición del hombre hasta la invención
de la escritura, se divide en Paleolítico, Mesolítico y Neolítico.

El periodo Paleolítico es el más antiguo de la prehistoria, conocido como el periodo de la

piedra tallada. En este periodo aparece el hombre sobre la tierra.
El paleolítico, se divide en tres fases:
Paleolítico inferior, Paleolítico medio y Paleolítico superior.

El Arte Paleolítico surge en el Paleolítico Superior con el desarrollo del homo Sapiens,
Sapiens.
Está unido a las creencias espirituales y al pensamiento abstracto
Su forma de vida coincide con la segunda mitad del último glacial, con periodos templados.
Se caracteriza porque las especies homínidas de los anteriores períodos, como los
neandertales, comienzan a tener problemas para subsistir y una nueva especie recién
salida de África las comienza a sustituir. Se trata del Homo sapiens.
La caza es el tema principal de sus pinturas, pocas veces pintan al hombre.
Junto a los animales aparecen manos y signos geométricos, los investigadores anotan que
las manos significan intento de capturar, los Signos simbolizan trampas y proyectiles.
Las pinturas rupestres son pinturas realizadas en rocas y se conocen dos tipos, Arte franco-
cantábrico que fue hecho en cuevas, Arte levantino, el cual fue hecho en sitios o abrigos
rocosos.
Los primeros objetos de alfarería datan del período Paleolítico superior, se trata de jarras o
vasijas y de pequeñas representaciones de divinidades de culto a la fertilidad.
Las manifestaciones artísticas desarrolladas durante este periodo están fundamentadas en
el deseo de supervivencia e íntimamente relacionadas con el pensamiento mágico-
religioso.Pero si se dieron cambios significativos que marcaron la diferencia entre el
paleolítico y el neolítico, como la aparición de la cerámica, el tejido, la sedentarización, la
rueda, la navegación lacustre y los metales.
Otra manifestación artística del Neolítico es la escultura, las formas escultóricas son muy
variadas y difieren de unos lugares a otros: Estatuillas femeninas, Esculturas funerarias del
Oriente Próximo, Figuras femeninas con niños en brazos y Figuras sentadas del área
europea. La característica principal de este periodo es que el hombre en vez de alimentarse
de forma depredadora de la naturaleza, produce su propio alimento, domesticó animales y
plantas, surge la ganadería y la agricultura.

Pinturas rupestres en Altamira, España hombre cazando

 Representantes y obras más destacadas

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai

llamado Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de
diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar
de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la
pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de
la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi
Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal (1422), es una creación que
supera plenamente el gótico. En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la
composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen
su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de
frescos sobre la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla
Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia, en colaboración con Masolino.
Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que
Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única
fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva. La importancia de estos
frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y
Miguel Ángel, los estudiaron.
 PIERO DELLA FRANCESCA

(Piero di Benedetto; Borgo San Sepolcro, actual Italia, h. 1416-id., 1491) Pintor italiano.
Por su profundo conocimiento de la pintura florentina, se cree que pasó una larga
temporada en Florencia, pero su presencia en dicha ciudad sólo está documentada en
1439, cuando colaboraba con Domenico Veneziano en los frescos (perdidos) de San
Egidio. Su aprendizaje florentino parece indudable en obras como el Bautismo de Cristo,
deudoras del vigoroso planteamiento plástico de Masaccio, del riguroso orden compositivo
de Fra Angélico o de la luminosidad de las gamas cromáticas de Domenico Veneziano.
Después de realizar otros frescos, hoy perdidos, hacia 1452 Piero della Francesca
empezó a trabajar en el coro de San Francesco de Arezzo, donde dejó un magnífico ciclo
sobre la Leyenda de la Vera Cruz. Esta obra, que es considerada la más sobresaliente de
toda su producción, está basada en una leyenda medieval muy compleja, y plasmada con
grandiosidad y solemnidad, mediante un perfecto estudio de las proporciones, de tal
forma que naturaleza, arquitectura y personajes se entrelazan y relacionan con una
armonía y un equilibrio perfectos.
Al acabar esta obra (1465), Piero fue llamado a la corte humanista de Federico de
Montefeltro, en Urbino, donde permaneció casi hasta el final de sus días. Allí pintó el
famoso Díptico de Urbino, con los retratos y los «triunfos» de Federico y su esposa, una
de las obras más notables del Quattrocento italiano, y la enigmática Flagelación, de la que
se han hecho numerosas interpretaciones.
 Giogione

Pintor italiano que revitalizó la escuela veneciana de pintura y fue un maestro sin igual en
el retrato. Los pocos datos que existen sobre su vida y su carrera artística son confusos,
pero parece que nació en Castelfranco y que fue discípulo del pintor veneciano Giovanni
Bellini. Probablemente su nombre verdadero fuera Giorgio Barbarelli. No existen obras
firmadas ni fechadas por él; se le atribuye un pequeño número de ellas, entre las que se
incluyen el Retablo de Castelfranco (1504, Castelfranco, Veneto), Los tres filósofos
(Kunsthistorisches Museum, Viena, Austria), La tempestad (Academia, Venecia, Italia) y
Concierto campestre (1510, Museo del Louvre, París, Francia). Hay otras obras que se le
atribuyen basándose en datos indirectos, aunque muchas son todavía objeto de debate. La
mayoría de las obras de Giorgione están compuestas por una figura o un grupo de figuras
integradas en paisajes amplios. Sus pinturas, a diferencia de obras anteriores del mismo
tipo, utilizan la luz de un modo innovador, produciendo un gran lirismo: se trata de una luz
suave y tamizada, más destinada a crear una atmósfera determinada dentro de la
composición que a definir los objetos dentro de la escena. Prescindió deliberadamente de
los bocetos previos y prefirió componer directamente sobre el lienzo, pues creía que así
conseguía expresiones más profundas y efectos cromáticos más sorprendentes. Sus
innovaciones en el tratamiento de los temas tuvieron especial importancia en dos áreas: el
paisaje y el desnudo femenino. Antes de él las escenas paisajísticas se tomaban de fuentes
bíblicas, clásicas o alegóricas, pero La tempestad no parece haber recurrido a ninguna de
esas fuentes y se alza por sí misma como una obra puramente imaginativa.
 Obras

Entre las obras más sobresalientes se encuentran:

La Gioconda, Retrato de Mona Lisa
San Jerónimo
Madona de las Rocas
La Última Cena (Fresco famosísimo realizado en el refectorio de Santa María delle
Grazie, en Milán). Llamado también la Santa Cena
Retrato de un músico
Estudio de las proporciones del cuerpo humano
La Virgen y el Niño con Santa Ana
La Madona del Clavel
Isabella d'Este
La Virgen, el Niño con el cordero y Santa Ana
Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan niño
Retrato de la Dama con un armiño
Retrato de Ludovico el Moro
Mona lisa san jerónimo madonna de las rocas

Retrato de un músico madonna del clavel

El arte en la época
medieval y renacimiento
 Contenido

La edad media o época medieval es la época de la historia comprendida entre el siglo V y

XV en occidente. Comienza gracias a la validación del cristianismo por parte de Constantino
en el 300 d.C., generando el dominio del cristianismo durante la edad media. Las figuras
geométricas priman contrastando con la herencia de la antigüedad generando que el
concepto de belleza sea dado por el significado de la obra más que por su belleza en si. El
arte era usado más que todo para educar sobre el arte y era importante por esto más que
por el hecho de ser arte. Los mecenas eran los religiosos, quienes encargaban las mejores
obras encontradas de aquella época.
Los estilos más representativos son:
Bizantino: Muchas imágenes religiosas, especialmente talladas sobre tabla. Las
representaciones eran sublimadas, con mucho uso del dorado, de los astros,
espiritualidad y divinidad. Se representaba mucho a María, los mártires, los santos y, por
supuesto, Cristo.
Románico: Aunque hay más arquitectura que pintura, ambas son muy importantes
históricamente. Se usa mucho el arco de medio punto, los monasterios son fuente de
trabajo para muchos artistas y se caracterizan por tener muros gruesos, pequeñas
ventanas, techos altos y suelen ser muy fríos y lúgubres. A Cristo suele pintársele
rodeado de los 4 evangelistas, representados como personas y animales en otras
ocasiones.
Gótico: En la arquitectura, el arco apuntalado u ojival es el más usado y se desarrolla un
nuevo concepto en los monasterios en los cuales la luz, el color y la aplicación de los
avances físicos y matemáticos son característicos. Se puede clasificar en Gótico Sencillo,
Clásico y Flamígero.
Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se
produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se
hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y
las ciencias, tanto naturales como humanas.

El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una
nueva concepción del hombre y del mundo.
El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica.
Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos
de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la
Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano,
el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por
el antropocentrismo renacentista.Sin embargo, Vasari, había formulado una idea
determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada
conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del
artista
 Biografía

La historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del
arte a través del tiempo.
Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad
estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una
visión del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos,
sonoros o mixtos. La historia del arte, como disciplina académica y entorno institucional
(museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se
suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura,
escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de
estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de
la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras
manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o
la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados
con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción
medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna
distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad
contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del
ser humano. La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo
XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura,
la poesía —entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye
los distintos géneros del teatro y la narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la
historieta (o cómic). Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes
visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de
expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar
artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los
videojuegos.

La historia del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen objetivo del arte
a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando
sus características distintivas e influencias. El estudio de la historia del Arte se desarrolló
inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la
civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de
la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y
el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales
(relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del arte occidental.
Índice
1. periodo en que se desarrollo
2. clasificación
3. manifestaciones artísticas que se dieron en cada uno de los periodos
4. representantes y obras más destacadas en este periodo
5 .imágenes de las obras y representantes
6. conclusión
conclucion