Nombre: Maximiliano Olivares M.

Profesora: Tamara Figueroa

Poéticas escénicas
12-04-2017

Análisis de los sonetos de Shakespeare dirigida por

Robert Wilson

En el desarrollo de este cuestionario se tomaron en cuanta la poética de Brecht. Como

“El pequeño órganon” y “Estudio del proceso de creación de la obra de Robert WiIson”
de Pedro Valiente. El ultimo nos muestra un poco de la diversidad de referentes que
trabaja Bob Wilson donde podemos conocer uno de los directores contemporáneos que
toma textos las vanguardias del siglo XX y las hace parte de su Poética al igual que
diversos atores en los cuales se ven reflejados en la puesta en escena, desde Peter Brooks,
Stanislavsky, Artaud y Brecth y todo esto que forma parte del resultados que podemos
ver en los sonetos de Shakespeare y donde también es capaz de unir la forma dramático
con la Épico.

Los elementos de la puesta en escena se sustentan a partir de los cuerpos, la música,

cantos y texto hablado. Los cuerpos en si se codifican a medida de lo que el soneto narra,
a través de acciones y reacciones que muestran el conflicto de texto, esto se devela con la
repetición de estos, y lo que quiere decir al resaltar los párrafo, por ejemplo en el soneto
veintinueve de Shakespeare, W. se sustenta de cuatro cuerpos en escena, de los cuales
tres están en penumbra y el cuarto esta con el rostro iluminado, de fondo hay dos pantallas
con un video que muestra a un niño de raza negra siendo este manipulado por un sacerdote
de la misma raza mientras que el niño está leyendo un libro, la tensión se genera desde el
video y el personaje que está iluminado, mientras que los tres cuerpos que aún no
podemos distinguir cantan el primer párrafo de soneto que habla sobre la desgracia del
hombre en su soledad y maldice su destino, al continuar el soneto. En la continuación de
texto que habla desde la envidia al semejante rico en esperanza y los talentos que este
posee y del otro el poder la iluminación muestra a los demás personajes arquetipos de la
burguesía de la época de Shakespeare y tomando en cuenta que este es Inglés, toma gran
coherencia con el video del niño negro que está en la pantalla como alusión a la esclavitud
de la raza negra y la manipulación de la clase burguesa que genera un conflicto interno
en la raza por sobrevivencia y que a pesar de sus dones, en la puesta en escena es
acecinado por quien posee el poder.

Como mencionábamos anteriormente, el vestuario de los personajes corresponde a una

época (medieval) que junto a ello los personajes también se expresa de una determinada
forma que va acompañada del maquillaje que aumenta su expresiones de los actores,
también no es menor señalar que la utilización del maquillaje juega un rol para distinguir
los géneros masculino y femenino tomando una importante decisión en la narración de la
obra en fusión de cambio de roles lo que podemos llamar trans-generos y que resulta a
veces difícil de identificar quien es hombre o mujer, y justifican con la espacialidad, sus
movimientos, que lo podemos describir como expresionistas que es una de las
vanguardias o formas que Wilson trabaja tomando en cuenta que utiliza la poética de
Brecht que la estructura épica y genera estos distanciamientos para mantener en contaste
actividad al espectador que se convierte también en observador y más que centrarlo en la
historia lo enfrenta a lo que se quiere decir o a la forma , la iluminación es simbolista que
se utiliza mucho en las puestas de opera como las de R. Wagner, que utiliza la luz azul,
blanca y juega con los tonos en contraposiciones en las sombras, como un espacios
oníricos que proponen una realidad donde estos personajes se desenvuelven y nos narran
con los sonetos.

Las transformaciones dela puesta en escena se van dando a ves que se narra y pasa de un
soneto a otro, si bien podemos ver que se trasforma en cuanto a materialidad, y en otras
en ocasiones la transformación se mantiene en un espacio vacío y son los personajes que
invaden el espacio transformando una situación intima a colectiva donde todos desde su
posición narran. Entonces el conflicto presentado en escena si bien a veces es apoyada
por mecanismo escénico, como una especie de trans-medialidad en el caso de las
pantallas en el soneto veintinueve, también se presenta entre los mismos personajes, como
el soneto sesenta y seis, que pone a tres personajes en la puesta en escena en un costado
esta la Reina al otro costado está el Rey y en el centro se encuentra un árbol donde sale
uno de los personajes sosteniendo en la mano derecha una serpiente y en la mano
izquierda una manzana, como símbolo de Adán y Eva, este personaje comienza con la
primera exclamación que forma parte del “soneto sesenta y seis, que pide la muerte como
descanso eterno al ver la injusticia al del mayor mérito convertido en mendigo”. Y como
este texto se asemeja a la puesta en escena, en lo que significa el fruto prohibido por lo
que Adán y Eva fueron expulsados del paraíso y como esto es manipulados por el
catolicismo el cual gobernaba junto con las monarquías. Es esta tensión que se genera en
las continuación del soneto ya que es de carácter denunciante y este personaje se ve
tentado por la manzana y se encentran los reyes quienes son los denunciados por la
manipulación de la fe y la moral de la época, todo esto es relatado por el personaje quien
con la manzana y relata a través del cuerpo lo importante de la decisión de cometer pecado
y la neutralidad de los reyes por el rol que ejecutan de poder y catando el soneto es lo que
pone en conflicto la puesta en escena, lo que podríamos identificar como otro tipo de
distanciamiento entre texto, personajes y acciones.

El ritmo de la ejecución de acciones y de la escena va variando dependiendo del énfasis

que se le quiere dar a la escena por ejemplo el soneto número veinte muestra una
diferencia de ritmos en los sistemas un poco más claro, si bien la interpretación de este
soneto es más sutil muestra dos cuerpos en distintas acciones el que actor que está
cantando en situado en la ilusión del amor, romanticismo, mira al público, caracteriza la
acción desde lo romántico y lo mágico, en cambio el otro personaje se encuentra
inyectándose a vena de su brazo que a simple lectura podemos leer que es droga por su
comportamiento, pues bien este personaje también se encuentra en una situación de
ilusión y mágica. Aquí también podemos darnos cuenta que la contraposición de roles de
género es develado sin intensión de hacernos creer nada más de lo que estamos viendo y
los actores utilizan sus voces reales, hace sublime el soneto, ya que mientras podemos
identificar la voz masculina catando el soneto desde lo sutil, la voz femenina dialoga
desde ese otro lugar alucinógeno sin dialogar ellos quiméricamente, dialogan en lo
atmosférico en lo cual se ve un aporte de los dos a la escena, y la hace peligrosa y sublime
por lo cruel por si sola en lo que la imagen va relatando, en transcurso de la obra tiende
a ser discontinuo, pero como mencionaba anteriormente, depende de cómo se relate y lo
que se quiera decir, ya que su modificación es por escena o los cuerpos en el espacio que
narra distintas situaciones , porque no narra una historia lineal o de orden aristotélico en
si los sonetos de Shakespeare en la puesta en escena de Bob Wilson, pero si se establecen
cierta relaciones entre los personajes que narran por sí sola, como se puede apreciar en la
presentación de personajes previo al soneto cuarenta y tres, la cual propone una realidad
con sus propias reglas y relaciones entre los personajes y donde podemos ver el rol de
cupido que es quien sitúa esta realidad en un sueño y el rey dice el soneto cuarenta y tres
y la imagen de la sombra la cual se refiere se hace presente de forma explícita y es quien
lo acompaña en más de una ocasión. Por lo que el lugar que le otorga la puesta en escena
al texto es del simbolismo, el cual lo lleva por el camino de los sueños y la estructura
épica de Brecth, en la cual se utilizó el distanciamiento para el espectador y situar de
distintas formas los sonetos de Shakespeare y la sintetizar la puesta en escena con el fin
de entretener ya que con esto el espectador era estimulado a través de la acción de los
personajes as que el decorado de una puesta en escena, lo que también lo hace dialectico
por que la mayor parte de la obra los personajes estuvieron en contacto con el público
situando en distintas formas los sonetos musicalizados por Rufus Wainwright, ocupando
también lo critico y político que fue Shakespeare en su época y Bob Wilson lo
contextualiza en esta época, narrando y contraponiendo el texto la imagen. Finalizando
así la obra con el soneto sesenta y seis con todos los actores en escena al más puro estilo
Brechtiano.