El Barroco

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El Barroco

Introducción
Situación
Contexto histórico
Contexto cultural
Contexto musical
Características de la música Barroca
Períodos de la música Barroca
Desarrollo de los Teatros
Música Religiosa
Introducción
El Oratorio
La Cantata
La Pasión
Música religiosa
La Ópera
Los orígenes de la ópera
El nacimiento de la ópera
Partes de la ópera
Los Castrati
Tipos de ópera
Música instrumental
Introducción
Formas de la música orquestal
Instrumentos del barroco
Los Stradivarius
La danza Barroca
Compositores

Situación
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta
1750. Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos
musicales que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera “Orfeo”
del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach
(1750), que será el genio indiscutible de esta época.

Contexto histórico
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa
que está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue
estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su
autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará
presente. Se convierten para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales
trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

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Contexto cultural
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura,
el arte y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el
mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón, Corneille o Molière; en la
pintura contaremos con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrandt;
además de destacar científicos como Galileo Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es
común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A
esto se le conoce con el nombre de “Horror Vacui” (miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el
Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos
opuestos: la Razón y el Sentimiento. La razón en cuanto que intentan buscar la
lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano que se hará
evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera.

Contexto musical
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente
en el panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de
todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad, etc.) como forma de ordenar y
racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P.
Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):
“...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien
establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que
no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas....”
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la
mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes
tímbricos, uso de dinámicas, etc.). La ópera será el género que más desarrolle la
expresión de los sentimientos.

Características de la música Barroca.

Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes
novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. A
continuación destacamos las más importantes:
 La Monodía: los compositores de Barroco consideraron excesiva la
complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que
así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una de
las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada
(una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta técnica les
permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. En el
campo donde más se desarrolló fue en la ópera.
 El Bajo Continuo: es una línea de notas graves que se interpreta de
manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción. La
melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo,
pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas (manteniendo su
estructura), creando un relleno armónico que va cambiando durante
toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del
bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano o el clave,
como así también el celo o fagot como instrumento melódico.

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  Establecimiento de la Tonalidad y del Ritmo: en el Barroco se establece
el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan
tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas
sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo del
siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases.
La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier
atisbo de ritmo libre.
 Nacimiento del Estilo Concertato: es una técnica que nacerá sobretodo
para la música orquestal. Se basa en contraponer distintos planos
sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli,
etc.). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música.

Períodos de la música Barroca.

Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música
barroca:
 Primer Barroco: Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un
mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los
compositores realizan experimentos armónicos que más tarde darán
lugar a la música tonal en cierto modo producido por el nacimiento de
la ópera. En esta época se produce un rechazo al contrapunto
renacentista. Los compositores más destacados son: en Italia Claudio
Monteverdi, Jacobo Peri, Girolamo Frescobaldi, y en Alemania Michael
Praetorius.
 Barroco medio: La música instrumental gana terreno y se pone a la
altura de la vocal. Se abandona poca a poco la música modal y hay una
vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta
época son: Henry Purcell en Inglaterra y Jean Baptiste Lully en Francia.
 Barroco Tardío: Se da un predominio de la música instrumental sobre
la vocal. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más
representativas son: los italianos Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti y
los alemanes Johann Sebastian Bach, George Friedrich Haendel y
George Philippe Telemann.

El desarrollo de los Teatros.

A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que tendrá mucho
que ver en el posterior desarrollo de la música; fue la creación de los primeros
teatros públicos. Hasta ese momento, aquel que desease escuchar música tenía
que acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas sociales a sus
celebraciones (posibilidad bastante remota si no se pertenecía a la nobleza). Esto
cambió cuando comenzaron a surgir los primeros teatros y salas de conciertos
que se abrían a todo el público bajo el pago de una entrada. El campo de la
música, a partir de este momento se abre a toda la población, que ávidas de
consumo musical acogerán la idea con gran aceptación.
De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de
conciertos de las ciudades más importantes, que se codearán con las salas de los
aristócratas. Veamos algunos ejemplos:
 Francia: En París, durante el reinado de Luis XIV, gran aficionado a
la música, se construye un fascinante palacio en Versalles en los
que se estrenarán las obras del mejor compositor del barroco

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 francés: Jean Baptiste Lully, que destacará sobre todo en el plano
del ballet.
 Inglaterra: Fue una de las primeras ciudades europeas que contó
con teatros públicos. En 1661 se inaugura uno dedicado
exclusivamente a la ópera. En estos centros musicales destacará un
músico llamado Henry Purcell con óperas como “Dido y Eneas”.
 Italia: Será el país que estará a la cabeza en el nacimiento de la
ópera y de los teatros públicos. Por ejemplo, en Venecia en 1637
(ciudad que contaba con unos 140.000 habitantes) existían 17
teatros además de otros centros religiosos donde se interpretaba
música.
 España: Durante la primera mitad del siglo XVIII disfruta de un
intenso ambiente musical; en la corte de los reyes españoles se dan
cita algunos músicos italianos de gran renombre como el castrati
Farinelli o Domenico Scarlatti. Proliferan teatros y salas de
conciertos tales como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de la
Granja o el de los Caños del Peral (actual Teatro Real).

Música religiosa.
Introducción.
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo
un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica
aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear
nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el
“policoralismo”, que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica
surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió
la colocación de dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará exigiendo varios
coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más
espectacular lo encontramos en “La misa de la catedral de Salzburgo”, compuesta
para 53 voces que se colocan en distintas posiciones ocupando todo el perímetro
de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Heinrich Ignaz Franz von Biber.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más
representativa, y la católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos
géneros se aplicarán las novedades de la música barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a
continuación:
 El Ortatorio
 La Cantata
 La Pasión

El Oratorio
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados
que ésta (arias, coros, interludios, recitativos). Además, tiene otras similitudes
como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio
encontramos características propias:
 Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
 El oratorio no se escenifica.
 Se interpreta en un lugar de culto sagrado.

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  Existe la figura de un narrador que va explicando la acción
mediante el recitativo.
Los grandes compositores de este género son Georg Friedrich Haendel,
cuyo oratorio más conocido es “El Mesías” y Johann Sebastian Bach, con obras
como el “Oratorio de Navidad”.

La Cantata.
El término cantata significa etimológicamente “música para cantar” y surge
en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género que nace dentro
de la música vocal profana, destinado a ser interpretado en los salones de la
aristocracia; sin embargo, fueron los músicos de la iglesia protestante los que lo
convirtieron en una forma de música religiosa, cambiando el texto, que ahora se
basará en fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se
diferencia de éste en que será más breve. Las melodías solían estar divididas en
frases que finalizaban con un calderón (influencia del coral).
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a Johann
Sebastian Bach y su cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres) y a George
Philippe Telemann.

La Pasión.
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de
Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión
también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el
evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos. Los
personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras
que otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es Johann Sebastian Bach,
con dos obras fundamentales: “La pasión según San Mateo” y “La pasión según
San Juan”.

La música profana
Los orígenes de la ópera
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e
intelectuales que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le
conocerá como “La Camerata Florentina”. Estos artistas están en contra del
desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones del Renacimiento,
que por su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música,
que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de
sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las
raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era
monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada
de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la
monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los
artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas
artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como “la obra de arte total”,
ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro,
danza.

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 La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que
lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se
consolidará como uno de las formas con más protagonismo a lo largo de los
posteriores siglos.

El nacimiento de la ópera.
La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a
comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la ópera lo
encontramos en los “intremezzo”, que eran pequeñas actuaciones musicales que
se desarrollaban en los intermedios de los dramas teatrales. Estos intermedios
poco a poco irán tomando importancia y cada vez serán más largos, hasta que de
manera autónoma se confirmen como un nuevo género musical.
La primera ópera de la que tenemos noticia es “Dafne”, de Jacobo Peri,
estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos
fragmentos se han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de “Eurídice”, una
del mismo Jacobo Peri y otra de Giulio Caccini.
Pero será en 1607 cuando Claudio Monteverdi cree “Orfeo”, que se
confirmará como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los
requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará en
años posteriores. Esta obra, será tomada como referencia por todos los
compositores que le sucederán. Además, el propio Monteverdi, creará otras
óperas que alcanzarán una gran fama como “La coronación de Popea” y “El
retorno de Ulises”.
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias
ciudades se convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia,
Nápoles), añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa
adoptó el estilo operístico italiano, excepto Francia que creará su género propio.

Partes de la ópera.
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
Obertura: es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente
es breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el
telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los
espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
Recitativos: son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la
acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y
sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: secco ( acompañamiento sólo de bajo
continuo) o acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
Arias: son las partes más importantes y más vistosas de la ópera.
Realizadas por solistas; ahora la acción se detiene y el cantante expresa sus
sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la
monodía acompañada.
Coros: son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
Interludios: partes instrumentales que se intercalan entre todos los
fragmentos anteriores. También se denominaron “ritornellos”.
Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,
etc.
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la
orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban, entre otros. Entre los
personajes que más sobresalían en las óperas figuran los castrati.

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Los Castrati.
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que
desarrolló su mayor actividad. Sin embargo, durante varios siglos se recurrió a la
castración masculina para que el cantante pudiera conservar la voz clara y aguda
(blanca) en su edad adulta. Esta práctica tiene su origen en la Edad Media,
debido a que a las mujeres les estaba prohibido cantar en las iglesias. En el siglo
XVI el papa Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral de San Pedro y
con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las
siguientes:
 No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que
cantaban óperas y todo tipo de música profana.
 Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo
hoy lo podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo
un futbolista de élite.
 Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo que
algunos podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma
nota y sin respirar.
 Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara
de la emoción.
 El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey
español Felipe V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole
todas las noches, durante 10 años, las mismas cuatro canciones.

Tipos de ópera.
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
 Ópera Seria: basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer
tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia
debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus argumentos y
a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera:
“Orfeo”.
 Ópera Bufa: es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y
fáciles de entender. El despliegue de medios de este género no es
demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya
que además de ser más asequible económicamente y más fácil de
entender para todo tipo de personas, era bastante típico que el
argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La
primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado
Giovani Batista Pergolesi, titulada “La Serva Padrona” en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue
adquiriendo la ópera en los distintos territorios en los que se desarrollaba:
 Francia: se llamará “Tragedie Lyrique”. Las características principales
serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran
despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus creaciones. El
compositor más importante será Jean Baptiste Lully.
 Inglaterra: sienta sus bases con la obra de Henry Purcell “Dido y
Eneas” estrenada en el año 1689.

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  Alemania: aunque también van a desarrollar la ópera seria, hay un
género que parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran
desarrollo: el Singspiel.
 España: se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya
característica más significativa será la sucesión de partes cantadas y
habladas.

La Zarzuela. El nacimiento de la Zarzuela.

La zarzuela es el teatro musical más representativo de España y su
historia comenzó el día 17 de Enero de 1657 en un pabellón de caza construido
en medio de zarzales denominado La Zarzuela (que se encontraba situado en una
parte de lo que hoy es el Retiro de Madrid).
Ese día se estrenaba una obra titulada “El golfo de las sirenas”, cuyo
argumento giraba en torno a la aventura de Ulises con las sirenas. Se trataba de
una obra declamada en dos actos en la que se intercalaban fragmentos
musicales. La obra era de Pedro Calderón de la Barca, por lo que podemos
afirmar, que este autor es uno de los fundadores de nuestro teatro musical.
A partir de ese momento se fueron haciendo más obras de este tipo, pero
por desgracia la mayor parte de ellas se ha perdido y se ignora también el nombre
de sus primeros compositores. Sin embargo, conocemos el nombre de uno de
ellos, llamado Juan Hidalgo, que se convirtió en el músico oficial de teatro
musical para la corte a mediados del siglo XVII.

Música instrumental
Introducción
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había
empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel
decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta
como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad
que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso.
Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima
expresividad.
Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las
agrupaciones instrumentales que los interpreten:
 Música para instrumentos solistas: los compositores empezaron a escribir
pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus
cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas
permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su
habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de los géneros más
importantes de música para solistas será “la fuga” (forma contrapuntística por
excelencia), que será desarrollada por autores como Johann Sebastian Bach.
Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave.
 Música de Cámara: se denomina así a la música interpretada por dos o más
instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter
íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género
preferido por la nobleza. Normalmente, en este tipo de música, un
instrumento realizará los acordes del bajo continuo, mientras que los otros se
encargarán de las distintas melodías.
 Música para orquesta: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres
familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían

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 interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el
número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos
dependía de las circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir
del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión
cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte;
uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación
de los mismos en su obra Orfeo.

Formas de la música orquestal.

A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas
instrumentales barrocas, que marcarán no sólo este periodo sino toda la música
posterior.
 La Suite: es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas
de distinto carácter. El número y la disposición de las danzas es
variable. Aunque existen suites escritas para un solo instrumento, la
forma se desarrollará más dentro de la música orquestal, siendo uno de
los principales compositores Johann Sebastian Bach.
 La Sonata: el significado de la palabra sonata es “música para sonar”
(tocada por instrumentos). Es una forma compleja, ya que se desarrolla
en cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo. La
estructura de ésta fue establecida por Arcangelo Corelli.
 El Concierto: el término deriva de la palabra concertare, que quiere
decir contraponer cosas distintas. Es una forma compleja,
normalmente de tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo.
Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:
o Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un
grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que
van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan los
“Seis Concerti Grossi” de Haendel o los “Conciertos de
Brandenburgo” de Johann Sebastian Bach.
o Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que
contrasta con la orquesta. Podemos destacar a Antonio Vivaldi,
al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, como
las “Cuatro Estaciones”, compuesto para violín.

Instrumentos del Barroco.

En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:
Familia de viento:
 El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía
renacentista.
 El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios
del siglo XVIII.
 El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como
Johann Sebastian Bach desarrollarán la técnica de este instrumento hasta
límites insospechados.
Familia de cuerda:
 El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers, como la
familia Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la historia. La

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 familia de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la
gran protagonista de la música barroca.

Los Stradivarius.
La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a
conocer a los mejores constructores de violines del mundo. Todo comenzó cuando
un personaje llamado Andrea Amati fundó un taller en el que siguieron
trabajando sus descendientes. El mítico Antonio Stradivarius trabajó en ese
taller, hasta que, una vez aprendido el oficio, fundó su propio negocio en la
misma ciudad.
Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor.
Escogía con esmero madera de arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y dando
forma a las aproximadamente setenta piezas de las que constaba cada
instrumento. Luego las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El
resultado era una obra de arte cuya sonoridad aún no ha sido superada.
Hoy en día, la fabricación de los Stradivarius sigue siendo un secreto, del
que se conocen algunos datos:
 Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha
conseguido la forma exacta de su composición, ya que se ha llegado a la
conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz compuesto por
varios pigmentos. En esta operación los luthiers invertían varios meses.
 Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es la de
abetos del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de altitud y expuestos
al oeste. Esta madera necesitaba cinco años de secado.
 De todos los instrumentos que fabricó Stradivarius (unos 1100) hoy en día
sólo se conservan la mitad. Los últimos los construyó cuando tenía más de
90 años.

La danza Barroca
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas. Para
celebrar cualquier acontecimiento, organizaban festines en los que la música y la
danza siempre estaban presentes.
En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Feuillet, creó el
primer sistema de notación de danza de la historia. Gracias a este hecho, se
conservan más de 350 coreografías de salón y teatro. La danza, poco a poco, fue
adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la Danza Clásica.
Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían siendo
básicamente las mismas que se habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana,
gallarda, bransle, etc.). Pero a partir de 1600 surgirá una nueva danza que se
convertirá en la protagonista del periodo: El Minuet.
Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que proviene de
un balie de campesinos de la región francesa de Poitou. Era una danza tranquila
escrita en compás ternario. Se bailaba por parejas que salían al centro del salón
saludándose ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la coreografía las
parejas iban intercambiándose. Los movimientos eran muy sobrios y refinados,
manteniendo siempre el cuerpo muy erguido, y los bailarines se desplazaban de
izquierda a derecha y de adelante hacia atrás creando una trayectoria en forma
de Z.

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Compositores
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los
compositores más destacados de esta etapa.
Bach, Johann Sebastián
Corelli, Arcangelo
Frescobaldi, Girolamo
Haendel, Georg Friedrich
Lully, Jean-Baptiste
Monteverdi, Claudio
Pergolesi, Giovanni Battista
Purcell, Henry
Scarlatti, Alessandro y Domenico
Vivaldi, Antonio

Johann Sebastian Bach. (1685-1750) Alemania

Uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos, la obra de Bach
es enorme y abarca gran cantidad de géneros, aunque siempre reverente con la fe
que lo inspiraba. Descendiente y progenitor de una amplia familia de músicos,
compuso en un estilo algo pasado de moda para su época, pero con una maestría
y un lenguaje complejo a la vez que accesible.
Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del que lo
rescataría casi un siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue conocido en su época
como virtuoso organista e improvisador, aunque hoy su figura trascienda como
creador. Desde niño demostró un interés y talento espectacular para la música,
una pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para oír y conocer las obras que allí
se interpretaban. Fue organista en Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
Principales obras:
 Seis conciertos de Brandenburgo (1721)
 El clave bien temperado, (libro I) (1722)
 Pasión según San Mateo (1729)
 Misa en si menor (1733 a 1738)
 Oratorio de Navidad (1734)
 Variaciones Goldberg (1742)
 El clave bien temperado (libro II) (1744)

Arcangelo Corelli (1653-1713). Italia

Compositor y violinista italiano que contribuyó a la cristalización del Concerto
Grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La
Follia, sonatas, etc.), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de
compositores posteriores para este instrumento. Era hijo de una acaudalada
familia de terratenientes. Estudió en Bolonia donde tomó lecciones de violín de
uno de los discípulos de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente
en Roma, salvo dos viajes que realizó a Alemania, donde fue director musical y

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compositor de cámara del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado papa
como Alejandro VIII).
En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre
otros. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además
de doce para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn batían récords de
publicación y reedición.

Principales obras:
 Doce sonatas en trío Op. 1 (1681)
 Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 (1685)
 Once sonatas en trío Op. 3 (1689)
 Doce sonatas solistas Op 5 (1700)
 Doce Concerti Grossi Op. 6 (1713)

Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Italia.

Compositor y organista italiano, creador de escuela en su instrumento y en
la música vocal del primer barroco. Tenía una inmensa fama, reconocida por los
críticos y tratadistas de la época, y muchos años después (hasta entrado el siglo
XIX) su música seguía utilizándose como ejemplo en la enseñanza musical.
Poco se sabe de su infancia. Hay autores que afirman que su padre era
también organista. Ferrara era entonces uno de los centros más progresistas de
Europa y su duque Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las
innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se
concentró además en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes
mecenas como Bentivoglio, el cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los
Medici. Así mismo, desempeñó una importante labor de organista en la
Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en San Pedro
de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órgano.
Principales obras:
 Tre canzoni (1607)
 Madrigales (1608)
 Toccate (1614)
 Ricercari y canzone (1615)
 Capricci (1624)
 Segundo libro de Toccate (1626)
 Canzone (1628)
 Dos libros de Arie musicali (1630)
 Canzone instrumentales (1635)

Georg Friedrich Händel (1685-1759) Alemania-Inglaterra

Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En su familia no
había músicos, pero el talento de Haendel de niño hizo que estudiara con
Zachow, con quien se convirtió en organista e intérprete de clave, además de
dominar el violín y el oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y conoce
importantes compositores.
Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más tarde cae en el
olvido, del que renace al cumplir los cincuenta años, cambiando su género
favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la ceguera le impediría seguir
componiendo, aunque no interpretando música en el órgano. Fue un compositor

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muy prolífico, que en comparación con Johann Sebastian Bach ponía más el
acento en la melodía que en el contrapunto.
Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo
maduro, inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio
inglés.
Principales obras:
 Almira (ópera) (1704)
 La resurrección (oratorio) (1708)
 Rinaldo (ópera) (1710)
 Música acuática (orquesta) (1717)
 Radamisto (ópera) (1720)
 Julio César (ópera) (1724)
 Orlando (ópera) (1733)
 Seis Concerti Grossi Op. 3 (1734)
 Saúl (oratorio) (1739)
 El Mesías (oratorio) (1741)
 Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) (1749)

Jean-Baptiste Lully. 1632-1687 Italia-Francia

Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista Lulli). De cuna
humilde, consiguió llamar la atención del caballero de Guise, que lo lleva a París,
donde serviría al rey Luis XIV, que pone a su disposición una orquesta de violines
donde crece su fama como violinista, como compositor y director. Fue el
encargado de componer muchos ballets de corte, a los que el rey era muy
aficionado.
También destaca su colaboración con Molière en la música de varias
representaciones. Otro colaborador habitual suyo fue Quinault, que escribió la
mayoría de los libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando a ser
secretario real.
Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que
sustituye por otro más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la
prosodia natural de las palabras musicales. Fue uno de los creadores de la
obertura francesa y ejerció una gran influencia sobre otros contemporáneos como
Purcell.
Principales obras:
 Ballet de las estaciones (1661)
 Ballet de las artes (1663)
 Música para “El marido forzado” (de Molière) (1664)
 Ballet de las musas (1666)
 Ballet Flora (1669)
 Música para “El burgués gentilhombre” (1670)
 Alceste (ópera) (1674)
 Proserpina (ópera) (1680)
 Faetón (ópera) (1683)

Claudio Monteverdi (1567-1643). Italia.

Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música aplicando
medios tradicionales con nuevos fines. Considerado uno de los padres del género

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operístico, fue el responsable de los drásticos cambios que tendrían lugar en la
música a partir de 1600.
Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que sus
madrigales, motetes y música sacra en general son más tradicionalistas. Su
invención más importante es el denominado “Stile Concitato”, es decir, la
reproducción realista de batallas y otros escenarios afectivos, que tendría
influencia sobre Merulo en Italia y Schütz en Alemania.
Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su
Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de
San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su reputación había quedado bien
establecida, cuando comienzan a aparecer críticas a su estilo, que pone a la
música al servicio de las palabras.
Principales obras:
 Sacrae Cantiunculae (motetes) (1582)
 Segundo libro de madrigales (1590)
 Orfeo (ópera) (1607)
 Arianna (ópera perdida) (1608)
 Tirsi e Clori (ballet) (1616)
 Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) (1624)
 Mercutio y Marte (1627)
 La finta pazza licori (ópera perdida) (1627)
 Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) (1632)
 La coronación de Popea (ópera) (1642)

Giovanni Batista Pergolesi (1710-1736). Italia.

A pesar de la brevedad de su vida, este compositor italiano tuvo una gran
influencia sobre los posteriores compositores galantes y clasicistas, especialmente
en Mozart. Aunque trabajó tanto la ópera seria como la cómica, es en este último
subgénero donde destaca su genio, especialmente en el intermedio “La serva
padrona”, cuya representación póstuma en París desencadenó la llamada Guerra
de los Bufones, entre los que defendían y se oponían a la italianización de la
ópera.
Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de Pergola,
adoptando más tarde el apellido Pergolesi. Tenía una malformación física en la
pierna y era de salud endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se traslada a
Nápoles, donde aprende música con de Matteis, Greco y Durante, que lo nombra
ayudante de maestro. Contó con la protección del príncipe de Stigliano y los
duques Caracciolo.
Principales obras:
 Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) (1731)
 Lo frate’nnamorato (comedia) (1732)
 La serva padrona (intermedio) (1733)
 Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) (1734)
 L’ Olimpiade (ópera con libreto de Metastasio) (1735)
 Stabat Mater (1749) fecha de publicación
 Livietta e Tracollo (1753) fecha de publicación
 Misa en fa mayor (1805) fecha de publicación
 Salve Regina (1845) fecha de publicación

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Henry Purcell (1659-1695). Inglaterra.
Compositor y organista inglés, iniciador de una tradición musical insular.
Era hijo de un músico de la Capilla Real y maestro de coros de la Abadía de
Westminster, por lo que desde niño aprendió los fundamentos de la música,
trabajando luego al servicio del obispo y del rey. Con once años, se le atribuye la
composición de una oda en honor de Carlos II. A partir de 1673 trabaja con
Hingeston en la restauración y conservación de instrumentos reales y como
copista. En 1679 sucede a su maestro Blow como organista, conservando este
puesto hasta su muerte.
Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros
innovadores, componiendo músicas para acompañar representaciones teatrales,
aunque sin abordar directamente la ópera hasta “Dido and Aeneas” 1689.
También compuso música instrumental, religiosa y canciones.
Principales obras:
 In nomine (4 pavanas a tres voces) (1680)
 Primera Oda a Santa Cecilia (1683)
 Dido and Aeneas (ópera) (1689)
 Distressed Innocence (música para teatro) (1690)
 King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) (1691)
 Música fúnebre para la reina María II (1692)
 The Double Dealer (para teatro) (1693)
 Te Deum e Jubilate (1694)
 The Indian Queen (para teatro) (1695)

Alessandro y Domenico Scarlatti (1660-1725) y (1685-1757) Italia

Familia de compositores (padre Alessandro, hijo Domenico) italianos de
óperas, música vocal sacra y profana, así como de obras instrumentales. El padre
llegó a ser uno de los más renombrados compositores napolitanos de su época,
mientras que el hijo fue un prolífico autor de 555 sonatas para clave que
innovarían la armonía del siglo XVIII con aportes de ritmos de baile italianos,
portugueses y españoles.
Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el fundador de
la escuela napolitana de ópera del siglo XVIII, así como el inventor del aria da
capo, la obertura italiana y el recitativo acompañado. Domenico fue maestro de
capilla de San Pedro, compositor de música sagrada para la capilla pontificia,
autor de óperas para la reina de Polonia, habiendo residido en Londres, Lisboa y
Madrid, siendo considerado como uno de los precursores de la sonata clásica.
Principales obras:
Alessandro Scarlatti
 Gli equivoci nel sembiante (ópera) (1679)
 La Rosaura (ópera) (1690)
 Il Pirro e Demetrio (ópera) (1694)
 La caduta dei Decemviri (ópera) (1697)
 Il trionfo della libertà (ópera) (1707)
 Il trionfo dell'onore (ópera) (1718)
 La Griselda (ópera) (1721)
Domenico Scarlatti
 Esercizi per gravicembalo (1738)
 Sonata K175 en la menor (1752)

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  Sonata K513 en do mayor (1756)

Antonio Vivaldi (1678-1741). Italia.

Compositor y violinista italiano. Hijo de un violinista consagrado de la
capilla de San Marcos en Venecia, da sus primeros pasos musicales con Legrenzi.
Una vez ordenado sacerdote, es nombrado maestro de violín del Orfanato de la
Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en uno de los mejores conjuntos
instrumentales de la época, dirigidos por el prete rosso (el cura rojo), nombre con
el que se conocía a Vivaldi por el color de su pelo.
Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que
destacan varios ciclos de conciertos con violines solistas, pero además compuso
para otros instrumentos conciertos y música de cámara, además de óperas. Su
estilo de forma clara, impulso rítmico y flujo de ideas musicales influyó en el
lenguaje concertístico de Johann Sebastian Bach y otros compositores
posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477
conciertos de los que se conservan 443.
Obras importantes:
 L’estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo
continuo) (1712)
 La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)
(1713)
 La veritá in cimento (ópera) (1720)
 Concierto para flauta nº 2 en sol menor (1724)
 Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro estaciones)
(1725)
 Orlando (ópera) (1727)
 La cetra (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo) (1728)
 L’ Olimpiade (ópera) (1734)
 Il pastor fido (sonatas para flauta) (1737)
 Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 (1740)

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