Método 1 de 3:

Hacer un animatic (preproducción)

1

Redacta un guion. Esto a menudo es más fácil de decir que de hacer, pero tienes que anotar tus
ideas claramente y darles estructura antes de empezar a trabajar. A diferencia de las películas de
imagen real, es casi imposible "improvisar" una película animada, ya que simplemente toma
demasiado tiempo animar todo. Puedes usar un simple documento de Word o un software de
escritura de guiones como Celtx, Writer Duets o Final Draft. Tu guion no necesita diálogo pero sí
necesita lo siguiente:

Un tema: ¿cuál es el "punto" del cortometraje? Este no tiene que ser grandilocuente, profundo o
complicado. Puede ser cualquier cosa desde "la pérdida de la inocencia infantil" o "el aburrimiento
es un estado mental" hasta "quiero hacer reír a la gente con este chiste". Piensa en él como un
principio rector para tu película.[1]

Personajes: ¿qué es lo que atrapará la atención del público? Esto puede ser cualquier cosa, desde
una persona o animal hasta una línea garrapatosa, como en el cortometraje ganador del premio
Óscar El punto y la línea: romance en matemáticas básicas.

Imágenes: ¿en dónde se lleva a cabo el cortometraje? ¿Cuál es el ambiente o la atmósfera? Un

guion necesita contar la historia del cortometraje por completo de forma que pueda usarse como
cianotipo para el trabajo futuro.[2]

Un principio, un medio y un final: esto suena obvio, pero ese es el punto. Casi todas las historias
se cuentan en tres partes o actos específicos y delineados. Esto no significa que debes tener una
historia de tres actos o incluso "personajes". Sin embargo, sí tienes que planear la "acción" del
cortometraje antes de avanzar.[3]

El primer acto introduce a los personajes y un problema (tienen hambre, el mundo se está
acabando, al chico le gusta la chica, etc.).

El segundo acto complica la historia o problema (todas las tiendas están cerradas, el malo podría
ganar, la chica ya tiene novio, etc.).

El tercer acto proporciona una resolución al problema (encuentran una tienda de sándwiches,
salvan al mundo, el chico conoce a otra chica, etc.).
2

Haz bocetos de modelos de personajes. Antes de comenzar a animar, tienes que saber cómo se
van a ver tus personajes. Haz bocetos de ellos en una variedad de poses, vestuarios y expresiones
para obtener una idea de cómo se verán. Recuerda que un personaje puede ser cualquier cosa en
una película animada, desde un oso hasta un salero y un pimentero. Aun así, debes desarrollar a
tus personajes con anticipación de forma que se vean consistentes cuando los animes.

Crea un guion gráfico. Los guiones gráficos son dibujos individuales para cada trozo de acción en
el guion y se usan en la producción de casi todas las películas, ya sean animadas o no. Son tanto
simples como extensos, ya que necesitas uno para cada cambio que quieras en la película. Sin
embargo, no necesitan detalles de fondo ni color a menos que sean esenciales a la historia.
Puedes encontrar e imprimir una variedad de plantillas gratuitas para guiones gráficos en línea o
dibujar unas tú mismo. Cada cuadro del guion gráfico tiene dos partes:

La imagen: en un recuadro rectangular, dibuja la acción principal de la toma ignorando las

imágenes de fondo por el momento. También puedes dibujar notas o flechas para indicar el
movimiento.

El diálogo: debajo de esto, anota lo que debe decirse en la toma, la longitud propuesta de la toma
y cualquier efecto (enfocar algo con el zoom, cámara temblorosa, etc.).[4]

Importa tu guion gráfico a un programa de producción de videos, guardando cada cuadro

individualmente. Una vez que tengas las tomas planeadas, impórtalas a tu computadora.
Asegúrate de ponerles nombre adecuadamente (Acto1.Escena1.Toma1.jpg, por ejemplo). Al
terminar, impórtalas todas a tu software de edición de video (iMovie, Windows Movie Maker,
Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) y colócalas en el orden correcto.[5]

Adobe AfterEffects o Premier son considerados los estándares de la industria, pero puedes usar
cualquier programa con el que te sientas más cómodo.

Usa tu guion gráfico para realizar una presentación de diapositivas cronometrada, o animatic.
Los animatics son los montajes aproximados de la animación. Unen el ritmo del cortometraje y te
permiten cronometrar el tiempo adecuadamente para el cortometraje final. Esto suena
complicado; sin embargo, en realidad solo son presentaciones de diapositivas con el tiempo
cronometrado adecuadamente. Coloca las imágenes del guion gráfico en orden en tu software de
edición y extiéndelas, córtalas y experimenta con ellas hasta tener un montaje "aproximado" del
cortometraje final.[6]
Puedes encontrar ejemplos de animatics en línea, como el animatic para el video musical de "Feel
Good Inc." de la banda Gorillaz, así como algunos animatics de los estudios Pixar.

Casi todas las películas animadas son hechas a partir de animatics. De otro modo, corres el riesgo
de gastar horas animando completamente una escena que tenga que cambiar, alargarse o
acortarse, o eliminarse.

Agrega el diálogo y los efectos de sonido y ajusta el tiempo del animatic según sea necesario.
Una vez que determines la medición aproximada del tiempo, es momento de pre grabar el
diálogo. Esto no tiene que ser perfecto e incluso puedes fingir los efectos de sonido con la boca y
las manos si quieres. Lo que importa es la medición del tiempo. ¿Tienes suficiente tiempo en la
"toma" para decir todas las palabras? Extiende o acorta la longitud de las diapositivas según sea
necesario.

Mientras más cercano a la perfección pueda ser el diálogo, mejor, ya que la mayor parte de la
buena actuación de voz requiere una medición del tiempo adecuada. Con esto en mente, ahora no
es el momento para preocuparte por los pormenores de la actuación de voz. Tienes que terminar
el animatic antes de pasar a la producción completa.

Revisa tu animatic como si fuera la película final. El animatic final debe contar toda la historia de
tu película menos los adornos de color, fondos y detalles.

Si conoces sobre la edición de video, puedes agregar tomas panorámicas, enfocar usando el zoom
y agregar transiciones en este momento para probarlas antes de tu edición final.

Considera comprar una tableta. Las tabletas son pequeñas computadoras que vienen con un
bolígrafo electrónico que te permite "dibujar" directamente en tu computadora. Dibujar bien con
un ratón es casi imposible y, a menos que planees realizar proyectos pequeños o trabajos de
animación cuadro por cuadro, es casi seguro que necesitarás una tableta.

Método 2 de 3: Animar tu película (producción)

1
Determina tu medio de animación. Esto generalmente depende de tu experiencia y herramientas.
Por ejemplo, es muy difícil, si no imposible, que un principiante con una computadora más vieja
realice animaciones en 3D como las de Pixar. Existen muchos, muchos software y estilos de
animación y todos tienen complejidades y técnicas únicas a cada uno.

Animación en 2D: este es el clásico aspecto de caricatura dibujada a mano. Los personajes son
dibujos lineales planos. Originalmente, se dibujaban cuadro por cuadro pero ahora hay una
variedad de software que hace que el proceso sea mucho más rápido, como Synfig, Pencil2D,
ToonBoom o incluso Adobe Photoshop. Tradicionalmente, se usa de 12 a 24 dibujos por cada
segundo de la película.[7]

Animación en 3D: la animación en 3D es similar a los modelos usados en los videojuegos y

películas como Toy Story y Shrek y es mucho más difícil de dominar. Aquí creas modelos de los
personajes y codificas el movimiento dentro de ellos, lo que hace que la animación en 3D sea una
especie de híbrido entre el arte y la codificación. También tienes que agregar iluminación y
texturas. Puede usarse software en 3D pero esto toma mucho tiempo y requiere un software
como AutoDesk, Poser Pro, Aladin o Sketchup. La mayor parte de la animación en 3D es el
resultado de grandes equipos trabajando juntos.[8]

Animación cuadro por cuadro: tan simple que cualquiera puede realizarla, la animación cuadro por
cuadro es cuando usas figuras o dibujos de la vida real y tomas una foto después de cada pequeño
movimiento. Cuando las imágenes se reproducen una detrás de la otra a altas velocidades,
simulan el movimiento. Sin embargo, esto consume una cantidad increíble de tiempo, ya que a
menudo necesitas más de 12 fotos por segundo de metraje para hacer que se vea fluido. Puedes
usar recortes, modelos de plastilina, dibujos individuales o personas reales para realizar este tipo
de animación.

Rotoscopia: una forma especializada de animación que se encuentra en películas como Una
mirada a la oscuridad, la rotoscopia es animar sobre películas filmadas convencionalmente. Para
realizarla, necesitas una tableta y revisas el metraje cuadro por cuadro usando el video como una
guía para dibujar los personajes. El resultado es un aspecto realista pero de todas formas animado.

Dibuja los fondos. Empieza por los escenarios, ya que los personajes están superpuestos sobre
ellos. El fondo debe ser todo con lo que los personajes no interactúan, ya que todo lo que se
mueve debe animarse. El fondo debe ser un gran dibujo y escanearse a una alta resolución. Esto te
permite "enfocarte" en determinadas secciones sin distorsionarlo. Por ejemplo, si tienes a dos
personajes hablando en una cafetería, debes dibujar toda la cafetería detrás de ellos. Sin embargo,
es posible que quieras que la "cámara" se enfoque en cada personaje a medida que hablan
individualmente. En lugar de volver a dibujar el fondo detrás de ese personaje, puedes copiar y
pegar una sección más pequeña del fondo detallado para los "primeros planos".[9]

3
Haz bocetos, modela o diseña tus "poses clave". ¿Cuáles son las poses esenciales de tus
personajes o las acciones que los caracterizan en la escena? Piensa en ellas como los "destinos"
para cada trozo de movimiento. Por ejemplo, un personaje preparándose para dar un puñetazo.
Puedes dividir esto en tres "poses clave", cada una de las cuales tiene que dibujarse y guardarse
por separado.[10]

Pose clave 1 = En reposo. Podría ser un rostro de sorpresa, enojo o determinación, o simplemente
el personaje con las manos a los lados.

Pose clave 2 = La preparación. ¿Cómo inclina el brazo hacia atrás el personaje? No te preocupes
aún por el movimiento para llegar a esta posición, solo dibújalo con el brazo hacia atrás y listo para
soltarlo.

Pose clave 3 = El final. ¿En dónde termina el personaje justo después del puñetazo? Su brazo
estará expuesto y su cuerpo probablemente terminará el movimiento. Nuevamente, quieres la
pose final, no los cuadros a medida que la mano se mueve.

Mientras más poses clave dibujes, el movimiento será más complejo. Por ejemplo, puedes agregar
cuadros clave del personaje con el rostro estupefacto, haciendo un puño con la mano, dejando
caer el codo, balanceando el brazo, dando el puñetazo y luego girando al terminar el movimiento.

Dibuja los cuadros "intermedios". Por ejemplo, en el caso del puñetazo, ¿cómo llegaste de una
pose clave a otra? Existen algunos software avanzados que harán esto por ti. Una vez que creas los
modelos de los personajes, el software "reproduce" el movimiento intermedio por ti. Sin embargo,
si apenas estás empezando, es probable que tengas que dibujar tus propios cuadros a mano.
Mientras más cuadros dibujes, la acción se verá más fluida.

Puede ser útil colocar los cuadros clave en la pantalla como guías. Esto te ayuda a ver a dónde
tienes que llevar a los personajes y en dónde empezaron.

Si algo no se mueve, no te molestes en volver a dibujarlo. Copia y pega el cuadro clave, borra la
parte que tiene que moverse y mantén todo lo demás en donde estaba.

Compón el metraje. Componer es solo una forma elegante de describir el proceso de hilvanar la
película. Esto puede ser tan simple como ordenar todos los cuadros para la animación cuadro por
cuadro o tan complicado como reproducir un modelo en 3D con la iluminación adecuada.
Nuevamente, tu método de animación determinará cómo compondrás algo:[11]

Para la animación en 2D, componer se trata de hacer que el movimiento se vea fluido. Software
como ToonBoom hará esto por ti y puede llamarse "reproducir".
Para la animación en 3D, debes saber que esto toma mucho tiempo. Los efectos de iluminación y
las texturas son difíciles de programar e incluso las computadoras más rápidas pueden tomar
horas para componer un video.

Para la animación cuadro por cuadro, debes experimentar con la longitud de los cuadros y ajustar
las tomas a una décima o centésima de segundo para obtener un movimiento fluido.[12]

Método 3 de 3: Terminar tu película (posproducción)

1

Graba cualquier diálogo para la película final. Ahora que tienes la animación casi terminada, es
momento de asegurarte de que las voces queden bien. Tus actores de voz pueden ver la escena
final, las expresiones de sus personajes y la medición del tiempo que quieres en la toma final. Esto
les permite a ellos o a ti dar la mejor actuación vocal.

Toma nota de que, para este punto, cualquier cambio en la animación podría consumir mucho
tiempo. Por eso es que una preproducción cuidadosa es esencial para una película animada de
cualquier longitud.

Agrega los efectos de sonido en donde sea apropiado. Los efectos de sonido deben venir después
de los actores de voz y estar ajustados a un volumen adecuado en donde no abrumen al diálogo.
Existen algunas excepciones a esta regla, por supuesto. Por ejemplo, si hay una explosión a la que
los personajes tienen que reaccionar, puede ser mejor colocarla primero antes de grabar el
diálogo. Esto ayuda a los actores con las reacciones.[13]

La mezcla de audio es una forma de arte importante y sutil. Invierte en un buen par de audífonos o
altavoces para sintonizar todos los volúmenes correctamente.

Edita la película hasta obtener tu visión final. Ahora que tienes toda la película unida, ¿cómo se
ve? Es probable que algunas de las transiciones se sientan torpes y que una o dos escenas sean
más largas de lo que deberían. Tal como editarías cualquier película de imagen real, tienes que
mirar tu pieza animada con ojos críticos y pulirla hasta que brille. Si bien no hay una forma
"correcta" de editar una película, hay un par de principios que debes tener en mente:

¿Alguna escena se siente rápida y esencial? ¿Te sientes involucrado todo el tiempo? ¿Una línea o
toma específica ayudan a avanzar la historia o el tema? Si la respuesta a cualquiera de estas
preguntas es no, empieza a cortar. A menudo, las primeras y últimas líneas del diálogo son
superfluas, ya que entrar o salir directamente de una escena generalmente es más cautivador.
Cada cuadro cuenta al editar.

Mira la película con alguien que esté distante al proyecto. ¿Hubo partes en las que se aburrió?
¿Algo lo confundió o necesitó más tiempo? ¿Cómo puedes editar tu historia para hacerla lo más
fascinante posible?

¿Cómo fluyó la escena? A veces, 2 o 3 segundos de metraje de fondo ayudan al espectador a

recuperar el aliento y sumergirse en la siguiente escena antes de que el diálogo empiece.[14]

Agrega toques para pulir, como efectos, transiciones y corrección cromática. Por ejemplo, si
quieres un tinte sepia y de antaño para tu película, agrégalo al final. Estas clases de cambios
pequeños son innecesarias mientras editas y construyes la película. Además, serán inútiles si
editas la escena o cambias el esquema de colores. Todos estos toques mínimos tienen que ir al
final, una vez que estés seguro de que el "meollo" de la película esté terminado.

Agrega barridos, disoluciones o fundidos de entrada a las transiciones entre las escenas.

Agrega cualquier filtro o efecto sobre el metraje terminado.

Al final de todo, agrega títulos y créditos al principio y al final según sea necesario.