Roberto Gerhard

(Valls, 1896 - Cambridge, 1970) Compositor español. Es uno de los más notables representantes de la
Generación musical del 27 y fue él quien introdujo el dodecafonismo y las teorías de la Segunda Escuela
de Viena en España.

De padre suizo y madre alsaciana, Gerhard siempre dirigió su mirada hacia la música germánica,
combinándola acertadamente con los ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce
años de edad se trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero a los
diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó a Múnich, en cuyo conservatorio
(Musikhochschule) se matriculó en 1913.

Poco después estalló la Primera Guerra Mundial y Gerhard tuvo que volver a Cataluña. Una vez en
Barcelona se inscribió en las clases de piano de Enric Granados y, tras la muerte de éste, ocurrida en
1916, continuó recibiendo lecciones de Frank Marshall. Asimismo, comenzó a estudiar composición con
Felipe Pedrell, que había sido maestro de Albéniz, Falla y Granados y defendía la simbiosis de las raíces
musicales españolas con la metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue
crucial para la carrera compositiva de Gerhard, quien en aquella época fue asistente del folclorista Joan
Amadés y cultivó una buena amistad con Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.

Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos obras vocales destacables: el ciclo de
canciones basado en poemas de Josep María López Picó, gran amigo del compositor, y L´infantament
meravellós de Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza profusamente
el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de las primeras décadas del siglo XX,
lo cual era realmente innovador para la música española de la época, más cercana a la tradición
francesa. En su Trío con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Ravel y Debussy,
conjugando dicha influencia con aspectos del folclore peninsular.

En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó componiendo obras como Dos Apunts para piano
o Sept Haiku para voz y ensemble en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases
de composición de Arnold Schoenberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más tarde se convertiría
en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó a Berlín junto a su maestro, del que ya había
llegado a ser asistente, y continuó su formación con él.

Sus obras de este período muestran las influencias de Schoenberg en aspectos como la claridad en la
forma, lo complejo de la textura contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden
escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si bien poco tiempo
después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces claramente nacionalistas: las Catorce
canciones populares de Cataluña.
En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de
profesor de música en la Escola Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del
departamento de música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schoenberg y su
esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por los Gerhard. Allí
Schoenberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la orquesta de Pablo Casals y compuso la
partitura de Moises y Aaron.

En 1936, y gracias al empeño de Gerhard, tuvo lugar en Barcelona el XVI festival de la Sociedad
Internacional de Música Contemporánea. En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para
Violín de Alban Berg y el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix
basados en La Tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes folclóricas catalanas. Pocos
meses después del estreno de Ariel, Gerhard se centró en la composición de otro ballet basado en
danzas folclóricas de Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue
Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Stravinsky como de Bartok.

Tras el fin de la Guerra Civil española y la toma del gobierno por parte del General Franco en 1939,
Gerhard decidió trasladarse al extranjero, como hicieron muchos de los artistas de la Generación del 27.
En un principio se instaló en París, ciudad donde residían sus amigos Joan Miró y Josep Lluis Sert, pero
en junio de 1939 le ofrecieron una beca de investigación en el King's College de la Universidad de
Cambridge (Reino Unido) y allí permaneció hasta su muerte. Dado que su música no poseía en un
principio un público fiel en Inglaterra, durante la década de los años cuarenta Gerhard tuvo que realizar
arreglos de zarzuelas y música popular española para la orquesta de la BBC utilizando el pseudónimo de
"Juan Serralonga".

En 1941 se celebró el centenario del nacimiento de Pedrell, para el que Gerhard escribió el Cançionero
de Pedrell. Ese mismo año terminó el ballet Don Quijote para orquesta de cámara, una obra serial que
describe con maestría las contradicciones entre Don Quijote y Sancho Panza. El ballet, que más tarde fue
divulgado por la BBC en un programa de radio sobre la célebre novela de Cervantes, se estrenó en el
teatro Sadler's Wells de Londres en 1951 tras sufrir diversos cambios.

Antes de esa fecha Gerhard ya había compuesto otros dos ballets, Alegría y Pandora, por encargo del
Ballet Rambert y del Ballet Joos, respectivamente. El primero de ellos, Alegría, posee ciertas resonancias
del folclore andaluz, mientras que el segundo contiene muchos elementos de la música popular de
Cataluña. Pero su obra escénica más importante es sin duda La Dueña, inspirada en la comedia The
Duenna de Richard Sheridan y que rinde tributo a la tonadilla escénica dieciochista de compositores
como Pablo Esteve o Blas de Laserna.
Además de dedicarse a componer música para la escena, Gerhard creó numerosas obras orquestales
como el Concierto para violín, dedicado al solista catalán Antonio Brosa y muy cercano a las ideas
compositivas de Schoenberg. Asimismo, el lenguaje utilizado en su Concierto para piano vuelve a ser de
carácter serial, pero con incursiones en el folclore catalán y en la música ibérica renacentista para
teclado.

El interés por la búsqueda de nuevos sonidos y texturas le llevó a acercarse a la música electroacústica.
La BBC le montó en su propia casa un pequeño estudio donde Gerhard manipulaba electrónicamente
sonidos y los utilizaba en ciertas composiciones de música incidental para seriales radiofónicos u obras
de teatro como King Lear, de Peter Brook, en 1955.

Al año siguiente, la revista The Score le rindió un homenaje dedicándole un número completo en el que
escribieron Laurence Picken y David Drew, entre otros. Por aquel entonces el compositor catalán ya
había concluido su Sinfonía nº 2 por encargo de la BBC, institución en la que Gerhard ocupó diversos
puestos. Además, enseñó en los cursos de verano de Dartington (Inglaterra) y ejerció la docencia en los
Estados Unidos de manera ocasional, concretamente en el prestigioso Berkshire Music Center de
Tanglewood y en la Universidad de Michigan.

Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados por una evolución en sus técnicas
compositivas cuyo fruto se deja ver en las obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento
polimórfico. Las numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3
"Collages", que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se divide en siete secciones en las que
intenta reflejar las experiencias vividas en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección,
Gerhard utiliza la electrónica para crear distintos efectos.

Otras obras, como el Cuarteto de cuerda nº 2 o el Concert per a 8, también constan de un solo
movimiento dividido en secciones. Pero sin duda su obra más notoria de este periodo es la cantata La
peste. La partitura está basada en la obra de igual nombre de Albert Camus, con quien Gerhard colaboró
estrechamente. Además de utilizar recursos electrónicos, Gerhard cuenta en La peste con un narrador
para recitar el texto y con un coro, siguiendo la tradición de las tragedias griegas. Tras La peste vinieron
su Sinfonía nº 4 "New York" -compuesta por encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York- y tres
obras camerísticas basadas en los signos del zodíaco: Libra, Leo y Gemini.

Casi al final de su vida, en 1967, Gerhard fue nombrado Comendador del Imperio Británico. Al año
siguiente fue investido doctor honoris causa por el King's College de la Universidad de Cambridge en
reconocimiento a su labor compositiva. En 1992, veintidós años después de la muerte de Gerhard, La
Dueña vio la luz en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Liceu de Barcelona, en una versión de la
compañía británica Opera North dirigida por Antoni Ros Marbá.
Conlon Nancarrow

Samuel Conlon Nancarrow fue un compositor mexicano de origen estadounidense reconocido por su
monumental obra para piano mecánico. Nació en Texarkana (Arkansas) el 27 de octubre de 1912 y
falleció en México, D. F. el 10 de agosto de 1997. Se naturalizó mexicano en 1955. Su obra despliega
recursos constructivos, formales y creativos que lo sitúan entre los compositores más destacados del
siglo XX. En general, sus piezas se caracterizan por el uso de la polifonía basada en estratos de tempos
distintos. Nancarrow fue el primero en aplicar sistemáticamente las teorías del compositor
estadounidense Henry Cowell, quien en su libro "New Musical Resources" sugirió, en un breve párrafo,
la idea de usar un piano mecánico para reproducir estructuras rítmicas súper-complejas basadas en la
idea de que las frecuencias sonoras y rítmicas pertencecen a un mismo ámbito constructivo. Nancarrow
desarrolló las idea de Cowell a niveles que rozan nuestras limitaciones perceptivas. Nancarrow creó el
cuerpo principal de su obra en México. También escribió partituras para ejecutantes. Su trabajo puede
dividirse en tres períodos: obras anteriores al piano mecánico, obras para piano mecánico y obras
posteriores al piano mecánico.

En Estados Unidos

1916: criado en el seno de una familia protestante con cierta afición a la música, Nancarrow inicia
estudios de piano a los cuatro años.1

1922: a los diez años de edad, Nancarrow muestra su interés por la autoenseñanza en diversas áreas del
conocimiento. En esta época también estudia violín.

1926: aprende a tocar la trompeta y se integra a la banda local de su pueblo. No tarda en descubrir el
jazz e identificarse con algunos de sus grandes intérpretes.

1928: ingresa por breve tiempo en la Western Military Academy, en Alton.

1928: ingresa —por presiones de su padre— a la Facultad de Ingeniería, de la Vanderbilt University.

1928: ingresa en el National Music Camp at Interlochen.

1929: ingresa en el conservatorio de Cincinnati, donde estudia trompeta y teoría musical hasta 1932.

1932: contrae matrimonio con Helen Rigby en el condado de Kenton. Se muda con su esposa a Boston.

1933: ingresa en el Malkin Conservatory, donde estudia dirección de orquesta con Arthur Fiedler.
Estudia de modo privado con Walter Piston (importante compositor y orquestador estadounidense),
Roger Sessions y Nicholas Slonimsky, tres personalidades influyentes en la cultura musical
estadounidense. Si bien las clases de Slonimsky y Piston tienen poca consecuencia en su formación, en
las clases de Sessions, dedicadas al estudio del contrapunto estricto, Nancarrow adquiere la disciplina y
la sistematización que influenciarían en sus complejos estudios para piano mecánico. Ingresa al Partido
Comunista. Su exesposa Helen Rigby afirma que Nancarrow asistió a talleres con el compositor vienés
Arnold Schoenberg, que estaba realizando una residencia académica en Boston. Nancarrow siempre
negó este hecho.

1935: director de orquesta en el marco del Works Progress Administration.

1935: se divorcia de Rygby. Trabaja como trompetista de jazz; por eso en su obra se aprecian
reminiscencias de música de jazz y de blues.

1936: viaja como trompetista en un barco hacia Europa, donde permanece un mes. Visita Londres y
París. Viaja a Austria. Viaja en auto a Alemania, ya gobernada por el nazismo.

1937: en España, ingresa en el Batallón Abraham Lincoln, para luchar como soldado raso en la Guerra
Civil Española al lado de las fuerzas democráticas (contra el fascismo de Franco).

1938: se publican en New Music del compositor estadounidense Henry Cowell (1897-1965) tres piezas
breves de Nancarrow: Toccata, preludio y blues.

1939: regresa a Barcelona en barco. El 1 de abril termina la guerra civil. Escapando del ejército
franquista, cruza a pie hasta Francia a través de los Pirineos. De allí vuelve en barco a EE. UU. En el
mismo año permanece breve tiempo en su pueblo natal (Texarkana), para después viajar a Nueva York.
Lee New Musical Resources (nuevos recursos musicales), de Henry Cowell. Vive dos años en Nueva York.
Se contacta con Aaron Copland, Elliot Carter y Mina Ledermann. Escribe regularmente una columna
(«Over the air») para la revista Modern Music. Realiza un estreno frustrado de su Septeto. Después de
esta experiencia decidió empezar a utilizar el piano mecánico como el instrumento ideal para desarrollar
sus ideas musicales.

1940: La Liga de Compositores fracasa en tratar de ejecutar música de Nancarrow. El Gobierno

estadounidense le retiene el pasaporte, ya que cuestiona sus ideas políticas pro-socialistas. Nancarrow
decide escapar del país y huir a México.

En México

1940: vive en la Ciudad de México. Se divorcia legalmente de Helen Rygby, de oficio.

1943: escribe su Trío para clarinete, fagot y piano a pedido de Rodolfo Halffter. La pieza no se estrena,
aunque aparece en el programa. Escribe su Pieza para orquesta. Conoce a Annette Margolis.

1945: escribe su primer Cuarteto de cuerdas.

1947-1949: construye su "orquesta mecánica de percusión" en colaboración con su amigo ingeniero Bob
Allan.

1947: viaja a EE. UU. Se reúne con Henry Cowell y Minna Ledermann. Escucha las Sonatas e interludios
para piano preparado de John Cage.

1947: se casa con Annette Margolis en Nueva York.

1949-1950: escribe su primer Rhythm study (estudio ritmo) para piano mecánico.

1951: se estrena la Sonatina en Washington DC (James Sykes).

1953: se divorcia de Annette Margolis.

1953: pierde la ciudadanía estadounidense.

1955: adquiere la ciudadanía mexicana.

1960: John Edmunds le entrega a John Cage las cintas de las obras para piano mecánico que el
coreógrafo Merce Cunningham estrenaría como parte de su obra Crises en el mismo año.

1962: Nancarrow ofrece un primer concierto en la Ciudad de México (en la sala Manuel M. Ponce, en el
Palacio de Bellas Artes), a instancias de Rodolfo Halffter. En el programa se ejecutan los estudios 1, 2, 4,
7, 8, 9, 11, 12, 13, 14, 15 y 3A para piano mecánico. En ese entonces el estudio 13 era una sola pieza.
Posteriormente se convertiría en los 7 estudios canónicos (7 al 19).

1964: estreno de Cross Currents, en el Sadler’s Wells Theatre (de Londres), que incluye composiciones
de Nancarrow con la compañía de Merce Cunningham.

1965: intentos de piezas para piano preparado «a la Cage». Problemas operativos hacen que Nancarrow
desista. El Estudio 30, para piano preparado fue compuesto a mediados de los años sesenta.

1960-1965: Nancarrow deja de componer debido a la depresión. Transcripción final de todas sus obras
para piano mecánico realizadas hasta entonces.

1969: termina el Estudio 37. Los Estudios 34 y 35 están en proceso. Se publica el primer disco de vinil
(Columbia Records, MS7222) con obras de Nancarrow: Estudios 2, 7, 8, 10, 12, 15, 19, 21, 23, 24, 25, y
33.

1971: se casa con Yoko Sugiura Yamamoto en México, D. F.

1975: John Cage visita a Nancarrow en México.

1976: New World Records, Sound Forms con los Estudios 1, 27 y 36.

1977: trabaja en el Estudio 39 para la European Broadcasting Union. En este año concluye el Estudio 41.

1978: recibe una invitación de DAAD (institución alemana de intercambio académico) para trabajar
durante tres meses en Berlín, en 1979. Nancarrow la rechaza.

1980: los Estudios 40 y 41 están terminados antes de este año.

1980: trabaja en un Estudio didáctico que guarda ciertas relaciones rítmicas con el Estudio 2.

1981: carta del compositor rumano György Ligeti dirigida a Charles Amirkhanian, en la que describe a
Nancarrow como el compositor más relevante desde Anton Webern y Charles Ives.

1981: Betty Freeman le paga para realizar el Estudio 42.

1981: se hace miembro de la Sociedad de Autores Estadounidenses BMI.

1982: Lígeti recomienda a Nancarrow para la beca MacArthur.

1982: primera carta de Nancarrow a Lígeti.

1982: se hace acreedor de la beca Genius Grant de la Fundación MacArthur, de la que recibe la cantidad
de 300.000 dólares distribuida en cinco años.

1983: recibe al Dr. Greeson, de la Universidad de Arkansas.

1983: recibe una segunda invitación de la DAAD para una residencia en Berlín. Nancarrow la rechaza.
1986-87: Lígeti recomienda a Nancarrow, sin éxito, para el premio Grawemeyer.

1986: termina la Pieza para orquesta pequeña, n.º 2, encargo de Betty Freeman para el Continuum-
Ensemble.

1987: termina su Tercer cuarteto de cuerdas, encargo de la WDR Alemana.

1988: durante una semana, Trimpin convierte los estudios de Nancarrow al formato midi.

1991: Carlos Sandoval perfora en rollo de pianola la última pieza para piano mecánico de Nancarrow:
Para Yoko.

1991: recibe una beca anual de parte del gobierno de México.

1992: Carlos Sandoval archiva los documentos de Nancarrow y perfora sus nuevas composiciones.

1993: Nancarrow recibe un homenaje dentro del festival World Music Days (en la Ciudad de México).
Concierto en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Nancarrow presta uno de sus pianos
mecánicos.

1997 (10 de agosto): muere en la Ciudad de México.

Los contenidos completos de su estudio, incluidos los rollos de piano de los jugadores, los instrumentos,
las bibliotecas y otros documentos y objetos, se encuentran ahora en la Fundación Paul Sacher de
Basilea.

Leoš Janáček (bautizado como Leo Eugen Janáček; 3 de julio de 1854 – 12 de agosto de 1928) fue un
compositor, teórico musical, estudioso del folklore y profesor checo. Janáček se inspiró en la música
tradicional de Moravia y de otras culturas eslavas para crear un estilo musical original y moderno1

Janáček alcanzó la madurez musical a una época tardía, cuando tenía alrededor de 50 años. Hasta
principios del siglo XX su producción musical está influida por compositores nacionalistas checos como
Antonín Dvořák. Los estudios que realiza en torno a la fonética de la lengua checa y sus investigaciones
sobre la música tradicional le permiten conseguir un estilo musical propio y original, al margen de las
tradiciones centroeuropeas existentes hasta el momento, que se manifiesta por primera vez en la ópera
Jenůfa, estrenada en Brno en 1904.2 El éxito de Jenůfa en Praga en 1916 abre a Janáček las puertas de
los grandes teatros de ópera europeos ,34 y desemboca en la creación de numerosas obras de gran
importancia entre las que se incluyen óperas como Katia Kabanová o La zorrita astuta, la Sinfonietta, la
Misa glagolítica, la rapsodia para orquesta Taras Bulba, dos cuartetos de cuerda y otras obras de
cámara, entre otras composiciones. Gracias a estas creaciones de madurez, Janáček está considerado
como uno de los compositores checos más importantes, junto con Antonín Dvořák y Bedřich Smetana.5
Su importancia en los últimos años no ha dejado de aumentar, especialmente por la consideración cada
vez mayor que sus óperas van adquiriendo dentro del panorama escénico del siglo XX, y también por la
entrada en el repertorio de sus composiciones instrumentales y vocales.
Kurt Julian Weill (Dessau, 2 de marzo de 1900 — Nueva York, 3 de abril de 1950) fue un compositor
alemán, esposo de la actriz y cantante austríaca Lotte Lenya.

Nacido de una familia judía (su padre era cantor en una sinagoga), Kurt Weill mostró un talento musical
desde temprana edad. Estudió composición musical en el Conservatorio de Berlín con Ferruccio Busoni y
compuso su Primera sinfonía, influida por el estilo expresionista de moda por entonces en Berlín.

Aunque tuvo cierto éxito con sus primeras obras, Weill tendía cada vez más hacia la música instrumental
y el teatro musical. En 1926, hizo su estreno teatral en Dresde con su primera ópera, Der Protagonist, en
un sólo acto y con libreto de Georg Kaiser. Weill consideraba que su Der Neue Orpheus ("El nuevo
Orfeo", 1925), una cantata para soprano, violín, y orquesta basada en un poema de Iwan Goll, marcó un
momento crucial en su carrera; prefiguraría la variedad estilística y la ambigüedad provocativa típicas de
su estilo compositivo. La estética moderna se hizo más evidente en la ópera surrealista de un sólo acto
Royal Palace (Palacio Real, 1926) sobre un libreto de Iwan Goll (excepcional por su incorporación de
danza y proyección cinematográfica), y en la ópera bufa Der Zar lässt sich photographieren ("El Zar se
deja fotografiar"), de 1927, con un libreto de Georg Kaiser.

Colaboración con Brecht

Weill obtuvo el éxito definitivo con Die Dreigroschenoper ("La ópera de tres centavos", también
conocida como "La ópera de cuatro cuartos", 1928), escrita en colaboración con el dramaturgo Bertolt
Brecht. Se trata de una versión actualizada de una ópera inglesa del siglo XVIII (The Beggar's Opera), en
la que la feroz crítica social que la obra contiene se expresa por medio de una música compuesta para
una orquestina de cabaret y cantada por actores que no son cantantes profesionales.

Dos años después desarrolló aún más este estilo en Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny ("Grandeza y
decadencia de la ciudad de Mahagonny"), otra ácida sátira social de Brecht, con el que Weill también
colaboró en Happy End ("Final feliz"), de 1929.

Cada vez más incómodo con las restricciones que imponía Brecht al papel de la música en su teatro
político, Weill buscó otros colaboradores; el escenógrafo Caspar Neher escribió el libreto de su ópera
épica en tres actos Die Bürgschaft (1931), y volvió a colaborar con Georg Kaiser en la audaz comedia
musical Der Silbersee (El Lago de plata) (1932).

La música de Weill no era del gusto de los nazis, que la catalogaron de "decadente". Provocaron
alborotos durante sus representaciones y organizaron campañas de boicot para disuadir el montaje de
sus obras. Esta situación obligó a Weill y a su esposa la cantante Lotte Lenya a abandonar Alemania en
marzo de 1933, y se establecieron en París.
Aquí reanudó Weill brevemente la colaboración con Brecht para Die sieben Todsünden ("Los siete
pecados capitales"), un "ballet cantado" para la compañía de George Balanchine. También escribió la
música para la obra de Jacques Deval Marie galante y concluyó su Segunda sinfonía, cuya claridad al
estilo de Haydn y su economía de medios contrastan con la Primera sinfonía.

Estados Unidos

En septiembre de 1935, Weill viajó a Estados Unidos para supervisar el montaje de Max Reinhardt de la
obra épica de Franz Werfel Der Weg der Verheissung, para la que Weill había escrito la música. Tras
muchos retrasos, la obra se representó, parcialmente truncada, en 1937.

Entre tanto, el Group Theatre reclutó a Weill para colaborar con el libretista Paul Green en el musical
Johnny Johnson, basado libremente en la novela El buen soldado Schweik, del autor checo Jaroslav
Hašek. Su música, aunque todavía reconociblemente "europea", fue un éxito y consolidó a Weill con el
panorama musical norteamericano. Animado por su triunfo, y convencido de que el teatro comercial
ofrecía más posibilidades que la ópera tradicional, Weill y Lenya decidieron quedarse en los Estados
Unidos, y solicitar la nacionalidad norteamericana, que obtuvieron en 1943.

Durante los años siguientes, Weill compuso musicales de la importancia de Knickerbocker Holiday (1938,
que fue un éxito relativo, pero que consagró su famosa September Song), Lady in the Dark (1941), con
letras de Ira Gershwin, One Touch of Venus (1943), Street Scene (1947), Love Life (1948) y Lost in the
Stars (1949).

Weill estaba trabajando en una versión musical de Huckleberry Finn de Mark Twain cuando sufrió un
ataque al corazón. Murió el 3 de abril de 1950, un mes después de cumplir los cincuenta años.