EUSEBIO SEMPERE (1923-1985)

Eusebio Sempere fue un artista español que aportó al op art una sensibilidad especial para el
color, con tonos más suaves que otros artistas. Trabajó con muy diferentes soportes desde
pintura clásica hasta arte cibernético. Realizó experiencias tan diversas como crear los
decorados de un festival de la OTI o diseñar los fondos de los escaparates de unos grandes
almacenes. Precisamente esos mismos almacenes han reproducido en 2005 en uno de sus
establecimientos los escaparates tal y como Sempere y otros artistas los concibieron en los años
60. (A la izquierda, cartel en el que aparece el escaparate que Sempere diseñó en su día).

"Reflejos", estructura móvil con dos rejas Eusebio Sempere (1978).

Sempere dejó también su impronta en el Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid, donde
además de ceder uno de sus móviles, creó las barandillas del museo, las cuales crean un efecto
de moiré según camina el espectador. La foto a la derecha, realizada en 2002 por Ilusionario,
refleja cómo era el museo antes de que pintaran las barandillas de azul, el mismo tono que
utilizó el Ayuntamiento de Madrid para diversos puentes de la ciudad y que, en nuestra opinión,
afeaba considerablemente un museo que además debería haber sido respetado tal y como lo
concibió Eduardo Sempere. Finalmente, un par de años después, devolvieron a la barandilla su
color original.
EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR (1922-2004)

Es uno de los escultores colombianos más notables en 1970 transformó el arte precolombino
en obras geométricas propias del arte abstracto y minimalista. Por esta relación con la
abstracción geométrica es que influye a las pautas futuras del Op Art, donde sí participará
artistas como Omar Rayo.

Estudia y trabaja en Paris, donde conoce personalmente la obra de Picasso y Brancusi, y las
demás manifestaciones abstractas del arte de las vanguardias de principios de siglo, así como la
abstracción geométrica de la postguerra. La pintura de Vasarely lo impresiona profundamente y
comenta:
"Él me enseño que no había que representar nada para expresar lo maravilloso de la creación;
color, formas y geometría sumados son suficientes."

El color natural y la textura del metal oxidado y el empleo del rombo como módulo de
composición son una constante en sus obras. Algunas de sus obras son: El
Dorado (1957), Homenaje a Vivaldi (1963, relieve en madera), Amonita fósil(1979, metal
pintado), Cubo inclinado (1970), Recuerdo de Machu Picchu No. 1(1984, hierro oxidado, alude
a los muros, terrazas, caminos, canales de irrigación de la cultura incaica)

Aerolítico
ALEJANDRO OTERO (1923-1985)

Otero fue el primer artista en romper con la tradición figurativa y paisajística del arte
venezolano; su trabajo, considerado como controversia a mitad del siglo XX anunció la
aparición de la abstracción geométrica que una década más tarde se convertiría en un símbolo
nacional de sofisticación cultural y técnica.
En 1945 se trasladó a París, donde vivió intermitentemente hasta 1964. Allí amplió sus
conocimientos en la Escuela de Altos Estudios de La Sorbona. Bajo la influencia de Pablo
Picasso, inició su trayectoria en la abstracción.

En 1975, Otero junto con Miguel Otero Silva y Manuel Espinoza, dio a conocer el proyecto de
creación de la actual Galería de Arte Nacional, inaugurada al año siguiente.

Escultura de Alejandro Otero, en el Museo de Arte Moderno Jesús Soto.

Representó a Venezuela en la XL Bienal de Venecia, celebrada en 1982. Allí se presentó con 13

obras de mediano tamaño, maquetas, 50 dibujos, diapositivas y dos estructuras: Abra Solar y
Aguja Solar, las cuales fueron instaladas a la entrada de la sede de la Bienal y en El Lido de
Venecia.
FRANCISCO SOBRINO (1932-2014)

Fue un escultor español quien a partir de 1957 abandona la figuración y comienza a pintar con
formas abstractas y geométricas. Su estilo empezó a centrarse en investigar la luz, el espacio y
el movimiento, combinando formas geométricas planas para lograr un movimiento virtual. A
finales de 1959 fijó su residencia en París, donde se reencuentra con antiguos compañeros de
estudios de Buenos Aires como Horacio García Rossi, Sergio Moyano (Córdoba, Argentina,
1934) y Julio Le Parc . Tras entrar en contacto con los movimientos artísticos del momento en
Francia, se fijó especialmente en la obra cinética del artista húngaro Víctor Vasarely de quien
fue seguidor. Junto a sus compañeros fundó en 1960 el GRAV (Groupe de recherche d''Art
Visuel). A lo largo de la década de los 60, tanto la trayectoria del GRAV como la de Sobrino
van tomando importancia hasta convertirse en elementos fundamentales del panorama artístico
internacional, participando en numerosas exposiciones en museos y galerías de arte de toda
Europa, especialmente en la galería Denise René de París, especializada en arte cinético, Op-art
y abstracción geométrica.

Francisco Sobrino, Transformation Instable Juxtaposition Superposition, 196 3

 DIBUJO Y GRABADO

M. C. ESCHER (1898-1972)

Maurits Cornelius Escher fue un artista gráfico nacido en los países bajos y reconocido por sus
dibujos acerca de ilusiones espaciales, edificios imposibles, patrones geométricos repetitivos
(teselaciones) y sus increíbles técnicas en el tallado de la madera y las litografías, especialmente
en blanco y negro, en los que exploró diversos conceptos no explotados hasta aquel momento,
como el teselado y las perspectivas sorprendentes.

En las obras de Escher un tramo de escaleras puede ascender y descender al mismo tiempo, los
espacios de separación entre las aves de una bandada forman siluetas de peces, una mano
dibujada sobre un papel puede saltar a las tres dimensiones y pintar una mano igual en sentido
contrario.

Me considero más un matemático que un artistaFigura indispensable para la animación y el

diseño moderno, Escher decía que jugaba "a un juego tedioso", era un investigador visual que
examinaba las posibilidades de representar el infinito, retaba a la percepción psicológica y a las
tres dimensiones.

"Una superficie plana no tiene en realidad tres dimensiones y no tiene por qué seguir las
reglas de la realidad", decía en una entrevista a la publicación neoyorquina Metropolitan
Mathematician's Journal en 1948, en los años previos a su ascenso a la fama mundial. "Soy
consciente de la matemática implícita en mi arte (...) Dos mundos distantes se convierten en
uno, de hecho me considero más un matemático que un artista".

M. C. Escher, Development II (1939)