CURSO DE CAMERA RAW

Una cosa que desde hace tiempo muchos de vosotros

demandabais era que hablásemos sobre la edición de
ficheros RAW, o mejor dichoel revelado de archivos RAW.
Nuestro compañero Javier Prieto nos contaba hace poco
las ventajas de utilizar RAW+JPG, en esta serie de artículos
partiremos del principio, que no supuesto, que el
archivoRAW es mucho mejor para todo. Vale, tal vez como
decía, si pongo la cámara en modo ráfaga, vaya algo más
lento, pero también eso dependerá de la velocidad de
escritura de nuestra tarjeta de memoria. Esto lo podemos
comprobar en las especificaciones de nuestra tarjeta de
memoria. También hace poco Santiago Díaz nos contaba
su truco express para reducir el ruido usando tomas
múltiples, en definitiva que hay que ponerse a trabajar los
ficheros RAW. Una cosa que quiero dejar bastante clara es
que trataremos de huir de tecnicismos muy complicados y
trataremos de explicar las cosas de la forma más sencilla
posible y con ejemplos reales. Este curso está pensado para
partir de cero, pero siempre se puede aprender algo.

Si empezamos aceptando el hecho que el fichero RAW es

mucho mejor, tendremos en cuenta las siguientes ventajas
siempre presentes: No hay pérdida de calidad como en
el JPG y el formato RAW está libre de artefactos de
compresión visibles, como JPG en los niveles de compresión
más suave. Además a través del revelado RAW podremos
exprimir muchísimo más los datos que si trabajamos
sobre JPG. Para esta serie de artículos usaremos el
programa Adobe Camera RAW en su versión 6. No estamos
diciendo ni que sea el mejor programa ni el único, pero tal
vez sea de los más utilizados. Así pues partiremos desde el
nivel más básico, conociendo los menús y la información
que nos ofrece Adobe Camera RAW 6.x hasta los niveles
más avanzados donde aprenderemos a realizar diversos
tipos de revelados con sus correspondientes ejercicios.
Porque, sí, algunas veces colgaremos un archivo RAW y
vosotros tendréis que ir aplicando los conceptos utilizados
y realizar el ejercicio. No se trata de si la imagen en este
caso está bien tomada, es buena o es mala, que seguro me
pondréis pegas, sino de procesarla lo mejor posible gracias
a los conceptos que aprenderemos.

A pesar de que el procesamiento de archivos de

imagen RAW incrementará la necesidad de almacenamiento
adicional así como probablemente algo más de
memoria RAM.También aumentará algo el tiempo dedicado
a los pasos de nuestro flujo de trabajo y tratamiento de las
imágenes, pero los beneficios globales de la producción
final a menudo merecerán el esfuerzo. Así mientras las
primeras incursiones en el procesamiento de
archivos RAW puede ser un poco confusas y
desalentadoras, sentirse cómodo con el procesamiento de
archivos de imagen RAW se pueden abrir muchas nuevas
opciones.

Instalación de Adobe Camera RAW

Para empezar, diré que vamos a utilizar la versión 6.3 de

Adobe Camera RAW. Dicha actualización podéis descargarla
de la propia página de Adobe en los siguientes enlaces así
como encontrar la información necesaria para su
instalación:

Actualización de Camera Raw 6.3 (7 de diciembre de

2010) Windows | Macintosh

De todas formas, si no deseáis actualizar o utilizáis una

versión anterior a Photoshop CS5, podéis conservar
vuestra versión de Adobe Camera RAW y seguir el curso
en casi todos los conceptos. Después de ello, siempre
podéis actualizar si las últimas funcionalidades que aporta
Adobe Camera RAW os han convencido.
Entendiendo la interfaz de Adobe Camera RAW

En el ejemplo de hoy, he elegido esta foto de mi hijo Diego,

que nos acompañará en algún capítulo de este curso.
Empezaré diciendo que el 99% de lo que contemos aquí
sobre Adobe Camera RAW es exportable a Lightroom ya que
si bien Lightroom es un programa distinto ambos
comparten el motor de reveladoRAW de Adobe, por eso
prácticamente podremos hacer lo mismo en cuanto a
revelado. Luego cada uno con la interfaz que se encuentre
más a gusto.

Lo primero que observamos son 4 zonas:

La zona 1, está reservada a la barra de herramientas de
Camera RAW. Esta barra ha ido evolucionando en las
últimas versiones, ya que al principio contábamos con muy
pocas opciones. En ella, por orden, encontramos las
siguientes herramientas:Zoom, Desplazar, Equilibrio
(¿Balance?) de blancos, Ajuste de destino, Recortar,
Enderezar, Eliminación de tinta plana, Eliminación de Ojos
Rojos, Pincel de Ajuste, Filtro Graduado, Preferencias, Rotar
a la izquierda y Rotar a la derecha. Un poco más lejos la
casilla de previsualización y el botón para pasar a pantalla
completa.

La zona 2 es la destinada a la vista previa imagen donde

podremos ver los cambios aplicados. La vista previa se
autoajusta al abrir la imagen.

La zona 3 nos permite ampliar o reducir el zoom como

nosotros queramos. También podemos elegir
cómo trabajar con el fichero RAW, como objeto inteligente
o no, la profundidad de color, el modo y otra serie de cosas
que veremos más adelante. De momento, fijaros en los
parámetros que tengo elegidos y que son:

– ProPhotoRGB, es el modo de color que usa Lightroom.

Habitualmente uso Lightroom para revelar pero cuando
mezclo varios revelados, para recuperar luces, por ejemplo,
trabajo en Lightroom y luego con los objetos inteligentes en
Photoshop.

– 16 bits. Siempre. No lo cambies. Evitarás pérdida de

información.

– 4288×2848 píxeles y 240ppp: Es el tamaño y resolución

de las imágenes de mi Nikon D90. En tu caso tendrás los
que correspondan al sensor de tu cámara.

– Marcada la casilla de abrir como objeto intelligente. Esto

nos permitirá volver a Camera RAW desde Photoshop
cuando que queramos, además de proporcionar otras
ventajas como poder revelar por zonas usando objetos
inteligentes. Pero esto lo veremos en los capítulos más
avanzados.

La zona 4 está destinada a todos los parámetros, en

general, que podemos variar en Camera RAW: La
exposición, el brillo, contraste, curvas, color, enfoque, ...
etc. Elementos, que variando su valor, nos permitirán
realizar el revelado. Esta zona se divide en varias pestañas y
pulsando en los iconos podemos ir de los parámetros
generales al enfoque, a las curvas o lo que sea.
Básico: La exposición

En fotografía, se llama exposición a la cantidad de luz que

recibe el material fotosensible (en la fotografía química) o el
sensor de imagen (en la fotografía digital) para que se
forme una imagen. Matemáticamente se expresa como
exposición = iluminancia x tiempo.

Fijémonos en el histograma. Lo primero que hay que decir

del histograma es que no es un concepto fotográfico, sino
estadístico. Así, se trata de una herramienta para
representar la frecuencia con que aparecen valores dentro
de una serie, de manera que cada línea o barra vertical
indica la frecuencia con la que una variable determinada
toma un valor concreto. Atendiendo a lo que nos
cuenta Javier Prieto en sus artículos sobre el histograma, el
de nuestro ejemplo parece bastante correcto, ¿verdad?.

Podéis leeros detenidamente los artículos pero

quedémonos con este concepto muy básico: si el pico del
histograma se desliza hacia la derecha la imagen estaría
sobreexpuesta y con gran cantidad de zonas quemadas. Si
fuera hacia la izquierda la fotografía estaría subexpuesta y
con zonas demasiado oscuras y empastadas. Deslizando
hacia la derecha sobreexponemos y hacia la izquierda
subexponemos. Con ese concepto claro en la cabeza,
Camera RAW nos permite hasta 4 pasos de exposición
positivos y otros 4 negativos. Es decir si contamos con el 0,
tendríamos 9 pasos enteros(-4 a +4) de revelado de más
oscuro a más claro.

Si queremos ver las zonas más luminosas de la imagen

manteniendo ALT+Click sobre el deslizador de
exposición veremos los puntos más luminosos de nuestra
imagen, en realidad esto nos servirá para ver zonas
sobreexpuestas. En el ejemplo he desplazado la exposición
por encima de +2, haciendo lo que os cuento podemos ver
la siguiente información en la imagen. Las zonas más
blancas están más sobreexpuestas.

La exposición escala los niveles de toda la imagen de

forma lineal. Esto es equivalente a la exposición de la
cámara: cuanto más expongas, toda la imagen de un modo
lineal va a adquirir una mayor luminosidad. Con ella
establecemos el nivel más luminoso que habrá en la
imagen. Si nos pasamos de exposición empezaremos a
quemar áreas de la imagen.

Básico: Negros

Con la exposición controlas el punto más luminoso de la

foto, como con la herramienta de niveles de Photoshop
harías con el indicador de la derecha. Luego con los negros
haces lo mismo, controlas el punto más oscuro. Lo que
hacemos de esta manera es haber fijado los extremos del
rango dinámico de nuestra imagen.

Si queremos ver las zonas más oscuras de la imagen

manteniendo ALT+Click sobre el deslizador de
negros veremos los puntos más oscuros de nuestra
imagen. En este caso deberíamos ver un fondo blanco
rellenando casi todo. Es decir cuanta menos cantidad de
negro veamos, menos zonas subexpuestas tendremos. Para
ver esto he subido los negros a +75. Fijaros que fondo
queda casiblanco y las zonas negras serán las zonas
subexpuestas. Si estuviera todo correcto lo que veríamos
sería solo blanco. Por eso los blancos en esta imagen no
deberían pasar de 5-7, en cuanto pasamos de ahí empiezan
a empastarse los negros.
Básico: Brillo y Contraste

Con los dos parámetros fijados y ya ajustado el rango

dinámico como decíamos con el brillo movemos el
histograma de derecha a izquierda, es decir, aclarando y
oscureciendo. Es decir, si aclaras no le añadirás más luz
al punto más blanco que has definido con la
herramienta exposición porque ese será el más blanco.
Por eso primero sería exposición/negros y despues
brillo/contraste. Esto podemos traducirlo también en
Exposición, Niveles y Curvas dentro del esquema clásico de
Photoshop.

El brillo, a diferencia de la exposición se aplica mediante

una curva no lineal a la imagen: el punto negro lo deja
negro, el punto más brillante lo deja con la luminosidad
que hayamos fijado con la Exposición y los niveles
intermedios muy parecido a como se hace con el control de
curvas de Photoshop.

Por defecto el brillo y el contraste están en 50 y 25

respectivamente. Si no ha quedado claro lo explicado
anteriormente, veamos qué pasa si subo el brillo hasta el
máximo, 150.

En cuanto al contraste, os recordaré unas

palabras de Guillermo Luijk:“La forma de proceder en
escenas de alto contraste no deja sin embargo de ser un
derecheo, solo que en lugar de derechear las altas luces
absolutas de la escena estaremos derecheando luces de
menor luminosidad, lo que constituirían altas luces
relativas”. Podéis leer el artículo completo aquí.

A mí me gusta subir un poquito el contraste, pero es

cuestión de gustos y depende, normalmente, del tipo de
procesado que estemos realizando. No es lo mismo buscar
un efecto suave que uno más agresivo visualmente.
Básico: Luz de relleno y Recuperación

Con el parámetro de Recuperación oscurecemos las

luces logrando recuperar algo de información en zonas
sobreexpuestas y con Luz de Relleno aclaramos las
sombras, “imitando” el uso de un flash de relleno.

Básico: Claridad, Intensidad y Saturación

Con la claridad se produce una mejora en el contraste

local, lo que se traduce en una cierta mejora en el enfoque
de la imagen. Os suena el efecto Dragan ¿verdad?. La
claridad se debe utilizar con cuidado pues un exceso de
claridad produce la aparición de los no deseados halos. Al
respecto del enfoque se editan el Enfoque al final del flujo
de trabajo, junto con el ruido. Además, en mi opinión, no
es lo mismo procesar un retrato de un bebé que el de una
persona anciana donde tal vez podamos incrementar la
claridad y dar fuerza a las arrugas del rostro. No
confundas por tanto este parámetro con el enfoque,
para ello dedicaremos un buen capítulo. Veamos como
cambia el contraste local mejorando el enfoque, viendo la
imagen al 100%, he montado la imagen para que veais
dentro de la zona del rectángulo rojo la zona con claridad
+100.
Finalmente el control de intensidad controla la saturación
de tonos medios-bajosy con Saturación controlamos que
los colores estén más o menos saturados.. Si llevásemos
la saturación a cero obtendríamos una imagen en Blanco y
Negro. Aunque para trabajar en blanco y negro desde
Camera Raw no es la única opción.

Nos quedaría ver el balance de blancos pero lo dejamos

para otro día. Hasta aquí hemos llegado en este primer
capítulo. Os esperamos en Xatakafoto. La próxima
semana segundo capítulo. Pero recuerda el don está en la
mirada del fotógrafo.
Aprendiendo con Adobe Camera RAW (II)

Comenzamos la segunda parte de nuestro curso dedicado

a Aprender con Adobe Camera RAW. Hoy de nuevo nos va a
acompañar mi hijo Diego. En esta segunda entrega
intentaremos combinar los conceptos aprendidos en
el primer capítulo de la semana pasada así como
introducirnos en el concepto de objetos inteligentes y
empezar a trabajar con ellos desde camera RAW y desde
Photoshop. Realizando nuestro primer procesado en RAW.

Empezaré diciendo algo que quizás es una obviedad pero

que tal vez para alguna gente no lo sea: “Antes de
procesar, piensa qué querrías obtener”. Me explico,
seguramente habrás visto cientos de miles de fotos. Esto es
parte de lo bueno que tiene internet y sus redes sociales.
Además te recomiendo que visites los sitios webs de
fotógrafos reconocidos, aquí en Xatakafoto hemos
entrevistado a unos cuantos y otras veces hemos sacado
reportajes. Basta con que busques por la
categoría Fotógrafos, Entrevistas o Galerías. También
recuerda que no todos los estilos van para la mismas
fotografías. Un procesado que no va bien para una foto
urbana, puede ir bien para una fotografía de un retrato, por
ejemplo.

Antes de crear tu propio estilo, mira mucho

y aprende dónde está la luz, la miradade cada fotógrafo.
Es algo en lo que insistiré mucho a lo largo del curso. Hay
cosas que uno a veces no puedes aprender nunca pero si
no lo consigues, si no consigues ser un artista, al menos
podrás admirar el arte, difrútalo. Una vez que tengas claro
lo que hacer puedes comenzar pero recuerda que a la hora
de procesar lo más importante son dos cosas: La fotografía
y la paciencia. La fotografía porque es la base de todo. Hay
gente que opina que haces una fotografía insulsa y luego le
aplicas un procesado extraordinario y todo cambia
radicalmente. No soy de esa opinión en absoluto. Luego
está la paciencia, y digo bien. No desesperes si no
consigues el efecto o el toque de ese estilo que te ha
gustado a la primera. Investiga, lee mucho, prueba y, por
supuesto, sigue nuestro tutorial. Son las claves.

Objetos inteligentes

Según la propia ayuda de Adobe encontramos que los

objetos inteligentes nos sirven para poder conservar el
contenido original de la imagen con todas sus
características, de tal modo que posibilitan la edición no
destructiva de la capa en cuestión. Este concepto de
edición no destructiva es muy importante, ya que implica
que siempre podremos volver atrás e incluso a la situación
inicial sin haber perdido la información original. Para
identificar si una capa se ha abierto como objeto inteligente
verás un símbolo como el de la imagen a continuación en
su icono.
Los objetos inteligentes nos facilitan la vida:

<ul> <li>Realizar <strong>transformaciones no

destructivas</strong>. Así, puede cambiar la escala de una
capa, rotarla, sesgarla, distorsionarla, cambiar la
perspectiva o deformarla sin perder la calidad ni los datos
de imagen originales porque las transformaciones no
afectan a los datos originales.</li>

· Aplicar filtros no destructivos. Los filtros aplicados a los

objetos inteligentes se pueden editar siempre que se
quiera. Esto implica que aplicamos un efecto el que sea, y
varios pasos más tarde podemos volver a editar el filtro y
corregir algún parámetro

<li> <strong>Editar </strong>un objeto inteligente y

actualizar de forma <strong>automática </strong>todas
las apariciones enlazadas.</li> <li> Aplicar una
<strong>máscaras </strong>de capa al igual que en una
capa normal.</li> <li> Probar los <strong>distintos
procesados</strong> con imágenes de marcador de
posición con baja resolución, que más tarde sustituirá por
las versiones finales.</li>

No es posible realizar operaciones que alteren los datos de

los píxeles (pintar, sobreexponer, subexponer o clonar,
entre otras) directamente en una capa de objetos
inteligentes a menos que se convierta primero en una capa
normal que, por lo tanto, ha de someterse a rasterización.
Ya lo veremos más adelante.
Para saber que hemos abierto como objeto inteligente en
Photoshop un archivoRAW, tenemos que haber marcado
dicha opción. Por defecto, Photoshop no la trae marcada.

Fijaos en la imagen anterior y recordad el artículo

anterior donde distinguía cuatro zonas en Camera RAW. La
zona 3 contenía un “enlace” a lo que el programa
denomina flujo de trabajo. Para mí la traducción no es
demasiado correcta ya que se trata de una serie de
opciones de trabajo, pero no, un flujo de trabajo como tal.
Pulsando en dicha opción, dentro de Camera RAW, veríamos
la siguiente pantalla aproximadamente y como os indicaba,
cada uno la verá distinta dependiendo de los
archivos RAW de su cámara, recordad que lo comentamos
en el capítulo anterior:
Recordad tener marcada la opción de “Abrir en Photoshop
como objeto inteligente”.

Flujo de trabajo con objetos inteligentes

Esto es lo que nos cuenta la ayuda de

Adobe. Profundicemos un poco más. Fijaos que al hablar
de objetos inteligentes no hemos mencionado el
formato RAW. Podemos convertir en objeto inteligente
cualquier capa de información en Photoshop y
aprovecharnos de las ventajas descritas anteriormente.

Realmente yo siempre trabajo con objetos inteligentes

con los archivos RAWdesde el principio del flujo de
trabajo ya que muchas veces tengo que corregir el
procesado. Nos contaba, hace algo más de un mes, Joel
Grimes en la entrevista que le hicimos lo siguiente: “Para
lograr el procesado que actualmente uso, básicamente me
encierro durante unas 2 semanas y trabajo la imagen de
principio a fin casi unas 100 veces hasta que logro
exactamente el toque que busco”. Tal vez no te encierres 2
semanas pero lo que que creo que quiere decir Joel es que
seas meticuloso y eso exige corregir y probar. Esta
posibilidad de volver atrás y volver a editar nos la da el
abrir los archivos RAW como objetos inteligentes. Así el
flujo de trabajo, en mi caso, sería, el siguiente:

• Realizar el revelado RAW y abrir en Photoshop como

objeto inteligente.

· Realizar copias virtuales (mediante la opción Nuevo

Objeto Inteligente mediante copia) de los objetos
inteligentes para mejorar y recuperar determinadas zonas
(opcional), aplicando máscaras de capas.
· Una vez finalizado el revelado RAW y cuando ya estoy
seguro de no realizar más operaciones con Camera
RAW: rasterizar (no es reversible), acoplar, aplicar algo
de contraste (opcional), enfocar (si procede, si no he
enfocado en RAW, ya explicaremos porqué) y aplicar algo
de viñeteo (opcional). Pero estos toques finales son míos,
tú puedes hacer los tuyos. Experimenta
Si en cualquier momento te ves obligado a interrumpir la
edición guarda lo que estés haciendo en
formato PSD o TIFF sin compresión, al volver a abrir podrás
seguir trabajando con los objetos inteligentes.

Adobe Camera RAW: Nuestro primer procesado sencillo

Os he comentado que primero pensemos qué es lo que

queremos obtener. Pensemos primero en la composición.
Para ello visita este artículo de nuestro curso de fotografía
sobre composición o este otro sobre consejos de
composición para retratos. En mi caso he decidido dejar a
Diego en centro de la imagen pero no totalmente en centro,
también resulta una composición no demasiado simétrica
porque las simetrías sino están muy logradas nos aburren
un poco. Veis que hay más “aire” a la izquierda que a la
derecha. Es decir estoy buscando conseguir el siguiente
principio “Fijar toda la atención en el sujeto”. En ocasiones
los elementos del entorno pueden ser una distracción a la
hora de observar un retrato, así que cuidaremos que no
aparezcan ramas de árbol, o cualquier objeto, que tome
demasiado protagonismo en nuestra composición. Es por
ello que la toma fue realizada con un Nikkor AF 80-200
f/2.8 y cerrando el encuadre para que no existieran objetos
indeseados alrededor.
Si existieran podemos recortar y corregir el encuadre. Como
esto lo hacemos sobre un objeto inteligente no perdemos la
información y podemos volver a reencuadrar más tarde si
finalmente no nos convence. Para reencuadrar lo hacemos
así. Os he marcado un poco por encima y aproximadamente
la Regla de los Tercios, ya que si recortamos así lo que
buscamos es centrar los ojos hacia uno de los cuatro
vértices interiores, otra información interesante la puedes
consultar aquí: Ley de la Mirada:
En este caso finalmente no vamos a realizar ningún recorte.
Básicamente vamos subir un poco la exposición para tener
una imagen con más luz, fijaros que está un poco entre
sombras. Luego ajustamos el nivel de negros. Tocamos un
poco la recuperación y ajustamos el brillo bajándolo un
poquito. A continuación el contraste. Algún detalle más y
listo. He de decir que este primer vídeo no ha quedado del
todo bien, la próxima vez prometo mejorarlo, ya veréis.
Podéis ver elvídeo completo a continuación.

Ver video | En Youtube

Con los parámetros básicos hemos visto que podemos

hacer casi el 90% del procesado. Fijaos que hemos hecho
también una corrección de color, bajamos un poco los rojos
y los naranjas porque parecían demasiado fuertes y al ser
colores próximos conviene que haya una cierta transición.
También la corrección de color nos permite corregir de
forma selectiva la dominancia que a veces nos pueden dar
el uso de determinados filtros. Hemos enfocado también
desde el propio CameraRAW, veremos cómo hacerlo
selectivamente y de forma global. Finalmente, no hemos
visto el balance de blancos, pero no os preocupéis lo
haremos más adelante. Déjanos tus pruebas en los
comentarios, dinos en qué te podemos ayudar y en qué
podemos mejorar. La próxima semana tercer
capítulo. Prueba a seguir tú los pasos con un retrato o haz
uno. Experimenta. Pero recuerda: el don está en la mirada
del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

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Consejos prácticos para empezar a hacer fotos de larga exposición diurna
Aprendiendo con Adobe
Camera RAW (III)
19 Mayo 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin

Bienvenidos al Capítulo tercero de Aprendiendo con

Camera RAW. Hoy vamos a repasar los conceptos básicos
aprendidos en las dos anteriores entregas y aprender
algunos nuevos. También nos vamos a enfrentar algunas
de las situaciones reales que nos solemos encontrar, una
foto algo subexpuesta y con ciertas zonas sobreexpuestas
por tener una luz bastante dura. Veremos cómo podemos
mejorar y hasta qué límite podemos llegar.

También cambiaremos de registro y vamos a trabajar

capítulo de hoy sobre un paisaje. Dejamos a Diego que nos
acompañó en lasentregas anteriores y pasamos a otro tipo
de fotografías. En la fotografía de paisajes son importantes
muchos conceptos: reglas de composición, colores, nitidez,
enfoque, profundidad de campo, ... etc. Si quieres más
información sobre ello mírate este artículo de nuestro curso
de fotografía. Hablaremos de ello más adelante pero
teniendo presente que intentaremos en nuestros
procesados que todos estos conceptos se reflejen a la hora
de realizar el revelado. Además veremos los parámetros de
claridad e intensidad así como nos introduciremos en el
enfoque desde Camera RAW, conceptos que algunos de
vosotros ya demandabais en comentarios de las entregas
anteriores.
Empecemos. Esta es la imagen de la que partimos hoy sin
editar, puedes trabajar sobre alguna imagen subexpuesta
que tengas:

Bien, dado que la imagen está algo subexpuesta, lo primero

que hacemos es ajustar la exposición ya que como vemos
tenemos un aviso de recorte de sombras.
En este caso dado que es una imagen muy simple
compuesta por “cielo” y “tierra”tratemos de dividir
mentalmente la imagen en esas dos partes. Al subir la
exposición notamos visualmente que el cielo adquiere más
luz, aunque seguimos teniendo algo de aviso de recorte de
sombras. Pero ¿dónde están esas sombras? Principalmente
en la parte de abajo que hemos llamado “tierra”. Lo mismo
podemos pensar para las luces altas. En el primer capítulo
veíamos como verlo al tiempo que variábamos el deslizador
de la exposición y deslizador de los negros pulsando ALT y
moviéndo el ratón. ¿Cómo podemos comprobar esto o
mejor dicho tenerlo activo todo el tiempo? Activando
el aviso de recorte de sombras(U) y el aviso de recorte
de iluminaciones(O) en Camera RAW. Esta opción me
resulta muy útil para lograr una imagen correctamente
expuesta.

Lo que ocurre entonces es que de forma superpuesta a

nuestra imagen CameraRAW nos marcará aquellas zonas
sobreexpuestas y aquellas otras subexpuestas. Podemos
verlo en las imágenes siguientes donde partiendo de la
imagen inicial, en una subimos exageradamente la
exposición(+2.00) y en otra los negros (+30).

Conclusión: ajustando de forma global a veces no

conseguimos el efecto buscado y podemos alterar el
resultado esperado en otras zonas de la imagen. Pero casi
todo tiene remedio. no te preocupes, ten paciencia.

Retomemos donde lo habíamos dejado. Habíamos subido

un poco la exposición para ganar ese puntito de luz. Sin
embargo si subíamos mucho el “cielo” se quemaba. Vamos
a subir selectivamente y de forma gradual la luz en la parte
inferior o “tierra” como habíamos llamado. Esto lo vamos a
hacer utlizando la herramienta “Filtro Graduado”, que nos
permite de forma gradual ajustar una serie de parámetros
como exposición, brillo, contraste entre otros.

Esta herramienta nos permite ajustar selectivamente, la

“tierra” y darle la exposición adecuada sin afectar al cielo.
Arrastramos desde la parte inferior hasta aproximadamente
el horizonte.
Lo mismo vamos a hacer para el cielo, pero bajando un
poco la exposición, tratando de conseguir un cielo más
dramático. Fijaros también que, en ambos casos he tocado
el contraste además de la exposición.

Ya nos vamos acercando al efecto buscado. Paramos un

poco y vamos a centrarnos ahora en la claridad y el
enfoque. Subimos un poco la claridad. Para poder notar el
efecto deseado es recomendable hacer zoom, al menos, al
100% de la imagen para poder notar la diferencia. En mi
caso suelo subir un poco más, al 200%.
Se nota la diferencia ¿verdad?. Bien vamos a aplicar el
enfoque desde CameraRAW. De momento, no vamos a tocar
nada más que el parámetro enfoqueponiéndolo a un valor
de 60, dejamos el resto como está. Ya profundizaremos en
este concepto más adelante. Por defecto Camera RAW aplica
un enfoque de valor 25 que suele ser muy poco y por eso
las imágenes RAW cuando las abrimos en
Camera RAW resultan “blandas”. A partir de 50-60 notamos
que se empieza a ganar bastante nitidez y suele ser un
valor adecuado para comenzar, sobre todo en paisajes, al
principio, desde mi punto de vista.
Bien, pues ya tenemos nuestra imagen lista, nos vamos
desde Photoshop arasterizar imagen.

O bien a acoplar imagen, dando así por concluido el

procesado.
Y a continuación le pongo un marco negro, que en mi
opinión ayuda a la visualización de la misma.
A continuación guardo siempre 2 versiones. Una en alta
resolución y 16 bit en formato TIFF y otra a un tamaño
menor en formato JPEG de 8 bits. La versión enJPEG es la
que uso para publicar alguna imagen en internet.
Con esto damos por concluido el capítulo de hoy donde
hemos trabajo con una imagen distinta, un paisaje y
además hemos profundizado más en la exposición y los
parámetros basicos, hemos visto los filtro graduado y cómo
nos pueden ayudar, también hemos visto el parámetro
claridad y hemos comenzado a aplicar enfoque en
Camera RAW a nuestras imégenes. Os esperamos en el
próximo capítulo de Aprendiendo con Camera RAW en
Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del
fotógrafo.
Aprendiendo con Adobe
Camera RAW (IV): Primera
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25 Mayo 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin

Bienvenidos una vez más a Aprendiendo con Camera RAW.

Después de tres capítulos donde hemos visto los conceptos
más básicos voy a empezar a exigiros un poquito más.
Además al final del capítulo podéis encontrar un
archivo RAW con el cual podréis trabajar los conceptos
explicados en el tutorial de hoy.

Os seguimos pidiendo que dejéis vuestros comentarios y

dudas ya que en este curso es imprescindible
vuestra colaboración. Hoy vamos a ver como recortar y
girar una imagen para obtener una mejor composición,
como ajustar el balance de blancos, enfocar de forma
precisa y adecuada, las curvas de tonos y cómo combinar
dos revelados de objetos inteligentes para obtener el
procesado final. Esto último como antesala del siguiente
capítulo donde hablaremos de realizar revelados por zonas
usando máscaras en Photoshop. Ah, no te olvides de hacer
el ejercicio. Comencemos.

Camera RAW: Balance de Blancos

¿Te has preocupado por ello alguna vez? Puede que no. Si
lo has visto en CameraRAW tal vez hayas ajustado el
parámetro a Luz de día, nublado o cualesquiera de los otros
valores. Al principio yo lo hacía así. Muchas veces usaba el
valor Nublado, en cuanto había alguna nube. En fin, manías
de cada uno. Y cuando hacía una escena en interiores pues
tenía un verdadero problema. El equilibrio de blancos para
la mayoría de los usuarios es un valor dividido en dos
deslizadores con lo que controlamos la temperatura del
color y su matiz. Trabajaremos a partir de la imagen que
veis a continuación es la imagen sin ningún tipo de ajuste:

Nikon D90 | ISO: 100 | Apertura: f18 | Tiempo de

exposición: 30 segundos | Longitud focal: 12mm
La temperatura de color de la luz que llega al sensor de la
cámara casi solodepende de las fuentes de iluminación y,
en mucha menor medida, de lasdominantes que puedan
introducir la óptica utilizada, que son prácticamente
despreciables en muchos casos. Realmente, el sensor capta
una imagen en tonos de gris, que es filtrada por una
retícula de cuadraditos rojos, verdes y azules (matriz de
Bayer), de modo que a cada píxel del sensor solo llega un
tipo de la luz original: roja, verde o azul. En nuestro caso
tocará compensar bastante.

Se define la temperatura de color como la dominancia de

alguno de los colores del espectro de luz sobre los demás,
de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el
azul en dicho espectro. Para ello se mide en Kelvin, que
situa en 5500 K la luz del día que diríamos perfecta, cosa
que normalmente es lo que se busca en sesiones de
estudio. Para días nublados, la temperatura del color sube,
dominancia de azul, mientras que en interiores y con
iluminación artificial esa temperatura baja a unos 2500 K,
con una dominancia del rojo. Estos conceptos me han
ayudado mucho ya que uno de los problemas a los que me
enfrento cada día como fotógrafo es que soy daltónico.
Tener claro estos conceptos me ayuda,insisto, a procesar
algo más correctamente. Pero a veces meto la pata.

El balance de blancos realmente no es más que multiplicar

por un factor los canales RGB del archivo RAW. Es decir, los
niveles de algunos de los canales, casi siempre el rojo y el
azul, son multiplicados por un factor mayor de 1 lo cual los
escala con la intención de compensar por un lado las
diferentes sensibilidades que tiene nuestro sensor
particular así como las diferentes dominantes presentes en
la escena y que dependerán del tipo de luz (luz de día,
nublado, sombra,...).

Bien, dejemos la teoría. Yo no pienso en ello cuando revelo

una fotografía, pero está bien saberlo. Pero ¿cómo elegir el
balance de blancos más correcto, si es que hay uno
correcto?. Bueno, a pesar de lo que os comentaba antes,
tengo bastante memoria visual y suelo recordar bastante
bien las escenas en cuanto a cómo las vi al tomar la
fotografía, eso me ayuda. También hay que tener muy en
cuenta el balance de blancos cuando utilizamos iluminación
artificial, podríamos hablar bastante del tema, pero no
estamos ahora con strobist donde ya conocemos el uso de
geles para compensar la luz y obtener una luz casi perfecta.

Pero bueno, si no cuentas con esa ayuda o con tu recuerdo

visual de la escena habrá que implementar un método de
trabajo. En el caso de la imagen que nos ocupa vemos
una dominante sobre todo en el cielo, que proviene del
filtro de densidad neutra que utilicé que aunque da buena
calidad también da bastante dominante. Realmente con la
temperatura del color podemos dar un tono máscálido o
más frío a nuestra foto. Bien cuando no hay mucha
dominancia de ningún color bastará con ajustar un poquito
a ojo los valores para obtener un valor natural. Solamente
cuando tenemos condiciones especiales como fotos en un
teatro, fotos nocturnas con esa luz de farola algo molesta o
dominancias por filtros como el caso de hoy suelo usar el
cuentagotas. Realmente lo que vamos a compensar es un
exceso, si la imagen es o no demasiado cálida o fría, pero
esto es cuestión de gustos. Dado que hay una alta
dominancia de en el cielo pulso con el cuentagotas sobre
esa zona como veis en la imagen. Listo. Ya está corregido.
Así de fácil y sencillo. No me resisto a indicar que en
Lightroom es mucho más fácil ya que cuando pasas el
cuentagotas sobre la imagen puedes ver el resultado que
vas a obtener en el panel de vista previa y resulta de gran
ayuda. Tal vez en versiones siguientes de Camera RAW lo
veamos o Lightroom y Camera RAW se integren
directamente con Photoshop pasando a ser un único
producto, ya que tanto Lightroom 3.x como Adobe
Camera RAW 6.x comparten el mismo motor de procesado.

Camera RAW: Recorte

¿Porqué recortar? Para mí la respuesta es clara: mejorar

la composición. Esto puede ser debido a realizar una
corrección como corregir un horizonte o ajustar el
encuadre, suelen ser los dos motivos principales. Con la
herramienta recortar además podemos girar, no lo olvides.
Otra cosa a tener en cuenta es que el recorte es virtual, no
es destructivo. En cualquier momento podemos suprimir el
recorte y volver al original.

En el cuadro de diálogo RAW de cámara, seleccionas la

herramienta Recortar. Para limitar el área de recorte inicial a
una proporción específica, has de mantener pulsado el
botón del ratón mientras selecciona la herramienta Recortar
y elegir una opción del menú, formato 1:1(cuadrado), 2:3,
4:3 … etc. Para aplicar un límite a un recorte aplicado
anteriormente, pulsa la tecla Ctrl y haz clic en el recorte.
Arrastra la imagen de previsualización para definir el
cuadro del área de recorte. Para desplazar el área de
recorte, girarla o cambiar su escala, debes arrastrar la zona
de recorte o sus vértices. Para cancelar, pulsa Esc. En mi
caso vemos que hay bastantes líneas provenientes del
movimiento de las nubes, pero el horizonte me resulta un
poco soso tan en horizontal por lo que decido recortar y
girar un poco. ¡A veces hay que romper las reglas!
Realmente lo que he buscado es que la única vertical sea el
tronco del árbol.
Camera RAW: Curvas

Al pulsar sobre el icono con la curva, accedemos al panel

denominado Curva de Tonos, en la cual veremos a su vez
dos pestañas diferentes, Paramétrica y Puntual,
profundizaremos otro día más en ello. Baste hoy con saber
que en cada una de ellas podemos ver su correspondiente
cuadrícula en la cual podremos ajustar la curva. El ajuste de
curvas nos permite hacer ajustes de iluminación en los
distintos rangos tonales, dejando los demás como están,
esto es especialmente útil en la zona de luces altas, donde
hay mucha información. Yo personalmente prefiero hacer
estos ajustes aquí en Camera RAW ya que al final termino
controlando más el resultado y se puede recuperar más
información, en mi opinión, en la zona sobre de luces altas.
Pero también en algún caso lo hago desde Photoshop sobre
todo para un método de luces altas y sombras que ya
veremos otro día. Antes de ir a ver las curvas tonales ajusto
siempre un poquito, el brillo y el contraste (como ya vimos)
así como el contraste local con el parámetro claridad.

El panel Curva de tonos del refleja los cambios realizados

en la escala de tonos de una fotografía. El eje horizontal
representa los valores tonales originales (valores de
entrada), con el negro a la izquierda y valores
progresivamente más claros hacia la derecha. En el eje
vertical se representan los valores de tono cambiados
(valores de salida), con el negro en la parte inferior y
progresivamente más blancos hacia la parte superior.
Al subir un punto de la curva, el valor pasa a ser un tono
más claro y, al bajarlo, un tono más oscuro. Una línea recta
de 45 grados indica que no hay cambios en la escala de
tonos, es decir, los valores de entrada originales son los
mismos que los valores de salida. La primera vez que ves la
fotografía, antes de haberle realizado ningún ajuste,
observas como su curva de tonos es recta. Esta curva inicial
refleja los ajustes por defecto que Camera RAW ha aplicado
a la fotografía, que normalmente por defecto son 0,0,0,0.
En nuestro ajuste ponemos 24,0,-10,-20. Hemos subido
las luces altas, y oscurecido los tonos oscuros y las
sombras un poco. Tenemos un pequeño aviso de
subexposición mínimo en el tronco del árbol, para mí no
tiene mayor importancia ya que la zona es muy pequeña.
Ajusta un poco más los valores si lo crees preciso.

Mañana más. Veremos el resto y podréis descargaros el

archivo RAW. [CONTINUARÁ]
Aprendiendo con Adobe
Camera RAW (IV): Segunda
parte
26 Mayo 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin

Antes de continuar es recomendable que accedas la primera

parte del capítulo cuarto del curso aquí.

Camera RAW: Empezando a enfocar

Los cuatro parámetros que podemos regular son:

• Cantidad, controlar la forma en gran medida el efecto

se aplicará a la imagen.

• Radio: controla los píxeles desde el punto de

contraste. Otra forma de verlo es cuán grande es el halo
en los bordes de las imágenes, si es demasiado se notará
mucho y quedará un enfecto de sobreenfoque.

• Detalle: Sirve para controlar el efecto de halo (algo así

como poner las riendas sobre el efecto), los ajustes más
bajos significan menos detalles , mientras que los altos
añaden un poco de textura. Personalmente prefiero
textura antes que esas imágenes sin textura ya que me
resultan muy planas.
• Máscara: Reduciendo el efecto de nitidez en toda la
imagen. Personalmente, no lo subo nunca demasiado y
casi nunca por encima del valor 25.

Yo siempre empiezo ajustando los dos primeros, poniendo

siempre la imagen al 100% por lo menos en ACR y
fijándome en el elemento principal de la imagen. En este
caso, el árbol. Con esos dos parámetros voy subiendo la
cantidad y luego radio hasta encontrar un buen enfoque y
procurando que no se generen halos.
Luego ajusto el detalle para meter un poco de grano a la
imagen. Ten en cuenta que estos ajustes se aplican de
forma general a toda la imagen. Ten en cuenta incrementar
o decrementar los valores de estos
parámetros SIEMPRE poco a poco y al 100% como mínimo,
pues si no te encontrarás con los temibles halos y no te
darás cuenta hasta ver impresa la fotografía. Veremos en
otra ocasión como hacerlo de forma local. Así los
parámetros finales del enfoque quedan como puedes ver a
continuación.
Camera RAW: Combinando Objetos
Inteligentes

Hemos comentado anteriormente que había una zona algo

quemada, algo por encima de la línea del horizonte. Vamos
a arreglarlo usando un nuevo objeto inteligente. Esto nos
servirá de avance para cuando empecemos a trabajar por
zonas usando objetos inteligentes. Para ello en Photoshop
vamos a la capa de nuestra imagen y pulsamos sobre la
opción “Nuevo objeto inteligente mediante copia”. No vale
duplicar capa, ya que si lo hacemos así los cambios que
apliquemos en una capa se harán sobre la otra. Para que
sean independientes y poder combinar los revelados
debemos usar la opción indicada de “Nuevo objeto
inteligente mediante copia”.
A continuación hago doble clic y se abre de nuevo ACR.
Bajo la exposición a -0,45 y aplico los cambios.

Ahora necesitamos combinar las dos zonas y que no se

note la mezcla por decirlo así. Para ello, creo una máscara
de capa, pulso CTRl+I para invertir la máscara y uso la
herramienta degradado para que se muestra solamente la
zona que hemos oscurecido un poco al bajar la exposición,
a continuación repasamos en la máscara la zona del tronco
del árbol con un pincel negro pequeño y con baja opacidad
para que no quede oscuro del todo.

Camera RAW: Ejercicio

Esto ha sido todo. Descárgate el archivo RAW y prueba a

hacer tú lo mismo para practicar todo lo que hemos visto
hoy. Aquí tienes el enlace RAW original y otro convertido
a DNG. Puedes subir las pruebas que hagas con ese
archivo o otro a nuestro grupo de flickr en el
siguiente hilo para ello o también nos puedes dejar el
enlace en un comentario. Nos vemos en el siguiente
capítulo de Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en
Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del
fotógrafo.
Aprendiendo con Adobe
Camera RAW (V): Primera
visión del Blanco y Negro ail

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8 Junio 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin

Bienvenidos a nuevo capítulo de Aprendiendo con Adobe

CameraRAW. Hoy nos centraremos solamente en cómo
conseguir imágenes en Blanco y Negro desde Camera RAW.
Vamos a trabajar con un robado para ilustrar este proceso
de blanco y negro.

Pensar en Blanco y Negro es importante

Para el caso específico de la fotografía, decir Blanco y

Negro es aludir al proceso que predominó la presentación
de dicha técnica y arte hasta el año 1861 en que comenzó
la búsqueda del color. Se llegaba a decir en aquella época
que el Blanco y Negro era lo normal, dado que se veían las
fotografías de los diarios y de las revistas en tonos
continuos de grises, y era tan aceptado que siendo un
artificio, una manipulación de la realidad, parecía
constituirse en lo cotidiano y natural. Su valor artístico fue
ampliamente aprovechado por creadores que hicieron de la
fotografía un verdadero arte, proveniente del retrato, del
paisaje y de la industria. Más tarde en 1942, Eastman
Kodak comenzó a producir películas en color e intentó
ganar el mercado por ser más “realista” de acuerdo a la
óptica normal del ojo humano, el cual percibe los colores
tal como se dan en la naturaleza. Sin embargo el blanco y
negro transmite fuerza, contraste, luz y una serie de cosas
que a veces las fotografías en color no son capaces de
transmitir.

De hecho, la fotografía en color tardó en ser aceptada en

los círculos más puristas como corriente fotográfica,
igualmente que parece estar pasando en la actual época
digital con las diferentes técnicas de post-producción
(manipulación digital de imágenes, hdr, retoque digital o el
fotomontaje publicitario o artístico). Es irónico cuando
menos ya que el Blanco y Negro constituía una
manipulación de la realidad también. Volviendo al tema de
hoy, pensad que no toda fotografía es adecuada para ser
procesada en Blanco y Negro. Lo mismo ocurre al revés.

Conceptualmente podemos hablar muchísimo sobre cómo

“pensar en blanco y negro”: técnicas de previsualización,
composición, encuadre, clave alta, clave baja, ... pero
estaríamos muchísimos capítulos. Hoy nos centraremos en
la fuerza del blanco y negro, en su alto contraste, cosa que
llama mucho la atención del espectador, realzando el juego
de las luces y las sombras.

Si bien el color tiene la capacidad de llamar la atención

instantáneamente, las fotografías en blanco y negro dan la
oportunidad a la imagen retratada un toqueespecial del
que muchas veces carecen cuando se las ve a color. Es por
eso que las buenas fotografías en blanco y negro son algo
que NO puede faltar en el portfolio de cualquier fotógrafo,
sea profesional o aficionado. Hay cámaras que su propio
modo de edición ofrecen muy buenos resultados en
monocromo pero no tendremos tanto control como si lo
hacemos con un programa de edición.

Camera RAW: Monocromo/Blanco y

Negro de Alto Contraste

Hoy vamos a trabajar nuestro primer Blanco y Negro.

Buscaremos una imagen de alto contraste como las que ya
hablamos Xatakafoto en el artículo “Fotografías de Alto
Contraste para inspirarte”. Para ello he elegido una imagen
que ya, a primera vista, posea un gran cantidad de luces
altas y sombras. Es un robado donde el señor de la foto
estaba leyendo el periódico debajo de un árbol, sentado en
un banco, pero parte luz se filtraba generando una bonita
composición. Este tipo de fotos, en mi opinión, suelen ser
adecuadas para ser procesadas o trabajadas en Blanco y
Negro.
El método más simple consiste en poner la saturación a -
100 en Camera RAW y a partir de ahí ajustar el resto de
parámetros. Dado que si dejamos solamente la saturación a
-100 la imagen quedaría muy insulsa debemos ajustar el
resto de parámetros. Existen multitud de métodos para
obtener fotografías en Blanco y Negro como el método Rob
Carr o el método Greg Gorman, e incluso plugins para
especializados como Silver Efex del cual hablamos hace
poco de su segunda versión. Además hoy vamos a ver que,
a veces, sobreexponer y subexponer llegando al blanco
puro y al negro puro puede llegar a estar bien.

En nuestro caso tendremos presente siempre el buscar una

imagen de alto contraste monocroma, ten este pensamiento
en la cabeza y repítelo como un mantra durante todo el
tutorial. La base de este Blanco y Negro radica
principalmente en tener una gran cantidad de negro, por
ello trataremos de procesar teniendo en cuenta que el valor
del parámetro Negros de Camera RAWserá un valor alto. El
flujo de trabajo que suelo seguir consiste en :

1.- Desaturación (poner la saturación a -100) y ajustamos

la temperatura de color, en este caso yo la dejé hacia
12750, prueba a variar la temperatura de color verás cómo
cambia el Blanco y Negro.
2.- Ajustar el nivel de negro. Cambiamos un poco el orden
lógico (recuerda que hablamos en el primer capítulo de
ajusta primero la exposición). Bien, aquí suelo ser bastante
flexible. Parto de un valor alto. Puede que no te importe
que haya zonas subexpuestas aunque te lo marque la
opción de recorte de negro. Realmente estamos
conviertiendo a Blanco y Negro. A mí me encanta que haya
negro. Vayamos más allá y pongamos un valor de 100
(normalmente no suelo subir tanto este valor pero en esta
ocasión parece lo pide la imagen, un valor entre 40-70
estaría bien). Recuerda que, a veces negro puro y blanco
puro pueden estar bien si tenemos una amplia gama de
tonos intermedios. Ajustar bien el negro supone casi el 80%
del éxito del procesado.
3.- Ajustar la exposición. Aquí soy menos flexible que con
el negro. No me gusta que haya demasiadas zonas
sobrexpuestas sobre todo en los sujetos. Ahí soy menos
flexible. Procuro que el sujeto principal esté casi
perfectamente expuesto en su totalidad. Si me paso un
poco, no pasa nada ya que como sabemos podemos
oscurecer las luces altas con el deslizador de recuperación.
En este caso decido que no me importa la parte blanca de la
zona inferior y solamente he subido a 0,50.
4.- A continuación el siguiente ajuste que hago es el brillo.
Recordad que con el brillo movemos el histograma de
derecha a izquierda, es decir, aclarando y oscureciendo. Es
decir, si aclaras no le añadirás más luz al punto más blanco
que has definido con la herramienta exposición porque ese
será el más blanco. Por eso primero sería
exposición/negros y despues brillo/contraste. Esto
podemos traducirlo también en Exposición, Niveles y
Curvas dentro del esquema clásico de Photoshop.

El brillo, a diferencia de la exposición se aplica mediante

una curva no lineal a la imagen: el punto negro lo deja
negro, el punto más brillante lo deja con la luminosidad
que hayamos fijado con la Exposición y los niveles
intermedios muy parecido a como se hace con el control de
curvas de Photoshop.

5.- A continuación ajusto el contraste. Aquí una regla

básica que nos marcará la diferencia para un buen blanco y
negro en alto contraste es lograr obtener unos valores
bastante altos en cuanto al brillo y el contraste. Subimos un
poco el contraste, no demasiado ya que nos acentuará la
cantidad de negro existente. Luego podemos ajustar la
recuperación y la luz de relleno si resulta necesario.

6.- Ya tenemos el concepto base de la imagen. Solamente

nos quedan unos pocos ajustes más. Ajustamos la curva de
tonos para obtener el toque final a nuestro Blanco y Negro.
Ajustamos los parámetros de Iluminaciones y tonos claros.
Primero uno y luego otro. A continuación los tonos oscuros
y las sombras. Poco a poco, piano piano. Esto nos permite
ajustar perfectamente las luces y sombras. Si tienes
dificultades puedes usar el recorte de iluminaciones y luego
el recorte de negro para ser preciso, con el tiempo no te
hará falta.

7.- Veamos la imagen al 100% para aplicar un poco de

contraste local con el parámetro claridad y, a continuación,
enfocarla. Ser cuidadoso y detallista es bueno.
Al repasar la imagen y verla al 100% vi unos
pequeños fallos en la esquina superior izquierda y un par
de manchitas, cosa que podemos clonarlo desde
Camera RAW o bien en Photoshop. La herramienta
eliminación de tinta plana de Camera RAW la veremos más
adelante y funciona de forma muy similar si bien en mi
opinión los resultados son bastante mejores que la
herramienta clonar si bien depende de cada caso. Por
ejemplo en Camera RAW de esta forma es muy sencillo
eliminar esas motas molestas de polvo que se nos quedan a
veces en el objetivo.

8.- Opcionalmente podemos realizar un viñeteado y

añadirle grano (veteado que llama Camera RAW en
Lightroom es granulado). Cambia muchísimo el aspecto de
la imagen. Desde hace tiempo Adobe Camera RAW permite
ajustar nuestra imagen en función del tipo de lente que
utilizando corrigiendo el viñeteado y realizando ajustes en
la distorsión de la lente utilizada, entre otras cosas.
Tenemos dos posibilidades hacerlo de forma automática
eligiendo el objetivo utilizado, en la lista disponible que se
va actualizando con cada versión de CameraRAW o bien
hacerlo de forma manual por motivos creativos o bien
porque simplemente el objetivo que hemos utilizado no
está. En mi caso va a ser por ambos motivos. El objetivo
usado fue un Nikkor 80-200 f/2.8 de un anillo, de año de
fabricación 1986, así que no viene. Voy a la pestaña manual
y ajusto los valores del viñeteado y el punto central del
mismo. Con un valor negativo hago que el viñeteado sea
más oscuro mientras que si es positivo lo aclaro. Con el
punto central controlo el tamaño del punto medio de la
imagen que no quiero que sea afectado por el vieñeteado.
Todo ello de forma gradual para ir viendo como se aplica el
efecto en la imagen.
9.- Lo rematamos con la opción de veteado que
mencionábamos antes. Veteado es la cantidad
de grano que añadimos, tamaño hace referencia al tamaño
del grano y rugosidad quedad claro ¿verdad?. Fijaos que
dejamos un bonito grano similar al de las películas que se
usaba tradicionalmente. Este efecto se aprecia mucho más
cuando revelas la imagen y la tienes en tus manos.
Hemos obtenido un buen blanco y negro de alto contraste
de forma rápida, sencilla y fácil. Recuerda que repasar la
imagen es muy importante. Mírala a distintos tamaños. No
siempre acertarás a poner el valor correcto en el revelado.
Pero también date cuenta de que podemos solucionarlo.
Otro ejemplo procesado exactamente igual con un pequeño
virado (cosa que veremos el próximo capítulo) es esta otra
fotografía:
Hemos procesado con Camera RAW casi hasta el final salvo
arreglar esos pequeños detalles que a veces puede ser
mejor hacerlo en Photoshop. Veremosmás sobre Blanco y
Negro en el próximo capítulo. Repasa tus procesados una
vez que creas que están acabados y busca errores. Y
recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo. Te
esperamos en Xatakafoto.
Aprendiendo con Adobe
Camera RAW (VI): Blanco y
Negro en Clave Alta
D
22 Junio 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin

Bienvenidos de nuevo a nuestro curso Aprendiendo con

Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto. En esta ocasión
vamos a tratar de hacer una clave alta o aproximarnos a
ella desde el punto de vista de la edición con Adobe
Camera RAW. He de decir que en mi opinión, lograr este
tipo de efecto en una fotografía es uno de los
másdifíciles para que quede bien. Hay que trabajar mucho
con las luces y sobre todo requiere una muy buena
iluminación previa a la hora de tomar la fotografía.

Comentaros que me hubiera gustado colocar toda la

iluminación adecuada para tener una base mejor. Pero
aceptamos el reto de intentar convertir nuestra fotografía a
una clave alta en este caso con la ayuda única y
exclusivamente de un flash externo rebotado contra el
techo y el pequeño truco de colocar a Diego, que vuelve a
acompañarnos en un tutorial, por delante de una pared
blanca. Dos cosas que pueden estar perfectamente al
alcance de la mayoría de vosotros: rebotar el flash para
obtener una iluminación más uniforme y usar una
pared blanca. Mejor iluminación igual a mejores resultados.
Pensando en clave alta

En el capítulo anterior afrontamos un blanco y negro

bastante contrastado, con buena predominancia de la
cantidad de negros y blancos así como de la gama de grises
intermedios entre el punto negro y blanco. Hablábamos de
pensar en blanco y negro, recordáis. Bueno ahora hay que
pensar predominante en el color blanco. Pensad en una
imagen suave, donde haya predominancia de tonos grises
claros en las sombras mucho más que tonos grises oscuros
y que las luces tiren hacia el blanco aunque sin llegar del
todo a él. “Be white, my friend”.

Recordamos alguno de los consejos que Jesús León nos

daba para realizar este tipo de tomas:

• Todos los elementos deben estar muy

bien iluminados así como compensar la exposición, usa
iluminación puntual

• También podemos utilizar el flash de rebote o muy

suavizado

• Si disponemos de iluminación natural, hay cuidar que

sea suave y atenuada,evitando una luz fuerte.

• Hay que tener muy en cuenta el histograma. Hacer

pruebas y mirar que contenga la gama completa de
tonos, aunque predominen las altas luces, tenemos que
evitar que algún elemento de la imagen quede
sobreexpuesta. Tal como nos contaba Javier Prieto hace
unos meses en sus artículos sobre histogramas. Javier
nos recuerda lo siguiente: “Pese a que la zona ocupada
principal del histograma es la misma, vemos como el
 contraste general es más alto, y de hecho encontramos
siempre algo de información en toda la gama de grises,
desde el negro al blanco absoluto.” Si os fijáis es un
histograma balanceado hacia la derecha.

Editando en clave alta

Tener bien el histograma nos facilitará mucho la edición.

dicho todo esto, pongámonos manos a la obra. Aún así
vamos a partir de un caso que pese a no estar bien
iluminado, le vamos a sacar el jugo todo lo posible para
realizar la clave alta. La foto original de partida es la
siguiente:

Lo primero que tenemos que hacer es llevar el histograma

hacia la derecha con cuidado de no sobreexponer las luces
altas. Subimos entonces para ello la exposición. El cuánto
puedas subir o bajar en Adobe Camera RAW depende
muchas veces de tu cámara y su rango dinámico, recuerda.
Por eso cuánto mejor hayas iluminado, mejores resultados
podrás obtener y forzar menos en la edición.

Bien, en el capítulo anterior, usamos la desaturación para

pasar a Blanco y Negro, el método más sencillo.
Descartamos de esa forma mucha información sobre los
tonos medios, pero no nos importaba porque buscábamos
mucho contraste. Ahora debemos ser más cuidadosos.
Vamos a la pestaña del Camera RAW donde se encuentra la
información de color. Una pequeña regla que siempre
ayuda: “Los tonos cálidos: rojo, naraja y amarillo suelen
estar en la piel”, los ajustes que hagas allí deben ser muy
suaves. Es decir no pongas el rojo en -100 y el naranja en
+100. Tanto si deslizas hacia la izquierda o hacia la
derecha no debe haber mucha separación entre ellos.
Tendrás mejores resultados. El resto ajustalos a tu gusto
buscando siempre tonos grises suaves en la mezcla.
Bien, ahora ajustaremos la curva de tonos. Siempre
pensando en una imagen suave. Luces altas, recuerda.
Visualiza el resultado final. Soy muy insistente y pesado en
visualizar el resultaod. A mí me ayuda muchísimo. Vemos
en el histograma que aún hay un poco de margen. Subimos
las luces y los claros. También puede ser necesario subir
los oscuros y las sombras. Poco a poco. Lo irás viendo.
Ahora los últimos toques, ajustamos la luz de relleno para
seguir suavizando las sombras que nos queden. Y un
pequeño toque: bajamos la claridad un poco. Hemos
comentado que este tipo de fotografías se caracterizan por
tener una textura suave. Ese toque suave lo podemos
conseguir utilizando el parámetro claridad y bajándolo un
poquito.

Ya casi está. Fijándonos en el histograma vemos que

también podemos subir un poquito más la exposición.
Finalmente enfocamos la imagen. Después en Photoshop le
añadí un poco de contraste zonal en la parte de los ojos
para destacarlos como suelo hacer en mis retratos. Esto es
totalmente opcional. A tu gusto. Al final quedó así:
Hemos procesado con Camera RAW casi hasta el final salvo
arreglar dar esos pequeños toques que, a veces, puede ser
mejor hacerlo en Photoshop. Repasa tus procesados una
vez que creas que están acabados y busca errores. Practica
con tus propias fotos. Y recuerda, el don está en la mirada
del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

Aprendiendo con Adobe

Camera RAW (VII): Blanco y
Negro en Clave Baja
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24 Agosto 2011ALFONSO DOMÍNGUEZ LAVÍN @adominguezlavin
Tras un breve descanso veraniego, para daros tiempo a
asimilar los conceptos retomamos nuestro curso
Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto.
En esta ocasión vamos a tratar de procesar orientándonos a
obtener una clave baja o aproximarnos a ella desde el
punto de vista de la edición con Adobe Camera RAW.
Indicar que es muy importante, como siempre la toma
base.Agradeceros durante este pequeño parón los
mensajes de ánimo y agradecimiento recibidos para
continuar con el mismo.

He de decir que en mi opinión, al igual que en la clave alta,

el lograr este tipo de efecto en una fotografía es una de las
técnicas másdifíciles para que quede bien. Si no está en su
punto muchas veces la foto no dice nada. Hay que
trabajar mucho con las luces y sobre todo requiere una
muy buena iluminación previa a la hora de tomar la
fotografía.

Pensando en clave baja

Lo primero que os recomiendo es echar un vistazo a

algunos de los consejos para obtener fotografías en clave
baja que ya os contamos aquí, en Xatakafoto, hace algún
tiempo y cómo es el histograma de tipo de estas
fotografías. En esta ocasión vamos a trabajar como habréis
podido adivinar en la portada sobre una fotografía realizada
al cantautor Ismael Serrano, al cual tuve ocasión de
fotografiar en su backstage hace unos meses. Decir que
para la realización de la fotografía utilicé una sombrilla
blanca, que creo que perdí ese día, con un flash YN460 de
frente a él y a una altura de 1,8m a 2m de distacia y a
media potencia. Aproveché el resto de iluminación difusa y
escasa que había sobre el backstage. El esquema de
iluminación utilizado fue éste:
El resultado de la fotografía, con un histograma ladeado
hacia la izquierda como podéis se explica aquí, en RAW y
sin editar fue éste:
Observando el histograma nos damos cuenta que la imagen
se encuentra subexpuesta. Intencionadamente. Lo que
ocurre es que al saltar el flash iluminamos de forma suave y
contralada el rostro y el torso de nuestro artista. Para saber
y practicar como obtener fondos negros perfectos así como
fondos blancos no tenéis más que leeros el artículo sobre
ello de nuestro compañeroJosé Barceló.

Lo primero que hacemos es subir el nivel de negros, en

este caso alrededor de 50, con lo cual notamos
rápidamente que la imagen se vuelve más oscura. Este
ajuste es quizás el más importante para conseguir este
efecto. Así que posteriormente si te has pasado, vuelve a
ajustarlo. No importa que reajustes. No todo es copiar y
pegar.
A continuación, simplemente con desaturar a -
100 tenemos toda la base de la imagen:
Ajustamos el balance de blancos buscando potenciar el
contraste:
Ajustamos el nivel de brillo cuidadosamente sin pasarnos,
ya que demasiado brillo nos dará una imagen muy plana. En
este caso he llegado a +99 y he subido un poquito el
contraste también. Subimos un poquito la recuperación
para oscurecer un pelín las luces altas.
Ajustamos un poquito la luz de relleno para que los bordes
de nuestro retratado ganen un poco de volumen.
Ajustamos el nivel de las curvas de tonos un poquito si lo
necesitáis. A continuación subimos un poco el contraste
local con el valor de claridad y enfocamos. En este caso he
optado por un enfoque fuerte (119 y radio 2,2) y con
bastante textura (detalle 30) con el fin de intensificar los
rasgos. Este tipo de ajustes creo que van mejor en modelos
masculinos que modelos femeninos o infantiles.
Finalmente viñeteamos un poco la imagen para que la
transición en los bordes del modelo sea más suave, además
le añadimos un poco de grano.
Este es el resultado final, donde podemos comparar la
imagen original y la procesada:
Finalmente realicé un ajuste final, que es rellenar con
negro alrededor de la imagen y dejarla en formato 1:1 para
que hubiera más espacio negativo alrededor y mejorar la
composición, esa imagen la podéis ver aquí. Podéis ver otra
toma de aquella sesión improvisada, en la que el fondo no
ha sido oscurecido tanto buscando un resultado algo
diferente.
Recuerda repasar tus procesados una vez que creas que
están acabados y busca errores. Practica con tus propias
fotos. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.
Te esperamos en Xatakafoto.