La historia de la música es tanto el estudio de la evolución que la música ha sufrido a lo largo de los

tiempos, como -también- el conjunto de procesos que esta evolución ha comportado. Por un lado es
una disciplina de estudio que se inserta dentro de la musicología histórica y, por otro, es el resultado
de los datos e interpretaciones hechas por los musicólogos y otros investigadores.

A su vez, el estudio de cómo este estudio de la historia de la música ha ido evolucionando a lo largo
del tiempo se conoce como historiografía de la música.

La historia de la música como disciplina

Como disciplina, teóricamente, la historia de la música hubiera podido ser considerada como una
parte de la historia del arte, pero ésta, en la mayoría de casos, se ha circunscrito a las artes plásticas
; por otra parte, el mismo material a historizar es suficientemente diverso para que sus caminos sean
muy diversos.

En un sentido amplio, la historia de la música se puede referir, y de hecho se refiere, en cualquier

aspecto o elemento que forme parte de los fenómenos musicales en una cultura o sociedad. Para ello
estudia la composición de obras, la interpretación, la recepción, la transmisión, la teorización y la
crítica (o en general, la opinión), como elementos destacados.
Como concreciones de algunos de estos aspectos, estudia la evolución de los instrumentos , de las
agrupaciones y de las tradiciones interpretativas, así como las formas de enseñanza y de aprendizaje.

Dado que la historia de la música entiende la música como parte de un sistema cultural, requiere,
igualmente, el estudio de todos aquellos otros elementos -algunos de ellos no específicamente
musicales- que permiten insertar cada música en su contexto geográfico , histórico y cultural .

En este sentido son importantes los estudios biográficos que permiten, a menudo, no sólo
contextualizar y dotar de significado producciones musicales concretas.

Exclusiones

Desde sus inicios -que se sitúa habitualmente en el siglo XVIII -, el estudio de la evolución de la
música se ha referido casi exclusivamente a la música clásica europea. De esta manera,
tradicionalmente, la historización de, por ejemplo, la música hindú ha considerado que correspondía
más bien a la etnomusicología, y que la historia del rock formaba parte del campo de acción de los
estudios culturales.

Estas han sido algunas limitaciones importantes de la historia de la música pero no las únicas. Una
parte no pequeña de los historiadores de la música clásica europea, han actuado con unos objetivos,
una metodología y unos posicionamientos apriorísticos limitados.

Lejos de aplicar un concepto de música amplio, que englobara todos los procesos humanos que hacen
posible la existencia de la música, a menudo se han centrado en la evolución de la composición, y
han hecho una historia de la composición y de los compositores líderes.

De resultas de ello, muchas veces la historia de la música ha acabado siendo una historia de los
estilos compositivos con una atención preferente a la evolución de las formas musicales y de las
técnicas compositivas, contextualizada socialmente en los mejores de los casos.

El siglo XIX , y en concreto el Romanticismo , con su mirada hacia el pasado, dio un impulso muy
notable en esta historia de la música nacida el siglo anterior en el contexto de la Ilustración. El
Romanticismo (y más tarde el positivismo ) impulsó estudios históricos musicales mediatizados por
el concepto del genio , y en concreto del genio creador, compositor.

El principal centro de interés eran las obras que el análisis musical de la época -aplicando la ideología
de la obra de arte autónoma- consideraba obras maestras ‘del pasado, y, por extensión, las biografías
de sus autores.

Por ello, a lo largo de buena parte del siglo XIX y del siglo XX , la historia de la música (clásica
europea) ha sido, mucho, una historia de la composición, con una dedicación menor no sólo a otros
fenómenos sino también a las implicaciones sociales y culturales completas y reales de estos
procesos compositivos.

También por eso, a menudo, esta disciplina se ha sentido más atraída por el estudio de fenómenos
minoritarios que implicaban músicas que la teoría musical y el análisis musical consideraban ‘de
calidad’, que por el estudio de otros fenómenos con más relevancia social, pero referidos a unos
productos musicales que no disfrutaran de este prestigio.

Esto explica que la historia de la música del siglo XX ‘pase mucho más a menudo por Arnold
Schönberg o Ígor Stravinski, por poner algunos ejemplos, que por el pop y el rock. Si bien a lo
largo del siglo XX hay ejemplos de estudios de historia de la música hechos con una visión amplia, sí
es cierto que la simbiosis de disciplinas como la etnomusicología y los estudios culturales con la
musicología histórica ha hecho que una parte significativa de los estudios de historia de la música de
las últimas décadas se llevaran a cabo con un alcance mucho más amplio, y que se plantearan más
estudios de historia de la música popular.

Susan McClary señaló que a menudo ha parecido como si los posicionamientos posmodernos y
críticos que han impregnado otras disciplinas de las ciencias sociales no lograran hacer lo mismo en
la historia de la música y que los avances metodológicos menudo se generalizaban cuando en otras
ciencias sociales ya resultaban sobrepasados por otros posicionamientos aún más actualizados. Y esto
es una consecuencia más de la ideología de la obra de arte autónoma.

Métodos

Los métodos y las herramientas de la historia de la música son casi tan diversos como sus temas de
estudio. Incluyen el estudio de fuentes documentales originales, y la aplicación de metodologías
diversas para evaluarlas, interpretarlas y extraer conclusiones.

Las fuentes documentales son de índole muy diversa, tanto a su contenido como a los soportes.
En cuanto al soporte, se trata sobre todo de documentación escrita (sobre papel, pergamino u otros
soportes), pero también retablos u otros lugares donde se puedan encontrar representaciones
iconográficas que aporten información sobre instrumentos (como son, como se tocan, como se
combinan .. .), sobre situaciones de interpretación musical, etc. sin olvidar a los soportes sonoros y
videográficos (CD, DVD, …) cuando se trata de la historia de música bien reciente.

Paralelamente, la musicología histórica ha tenido que preocuparse de que los archivos donde se
guardan estas fuentes fueran localizables y consultables.

En cuanto al tipo de información que contienen estas fuentes, es también muy diversa: partituras
(sean manuscritas por el mismo compositor o primeras ediciones, en las que, a menudo, hay que
aplicar conocimientos de paleografía musical); representaciones de instrumentos y / o de
interpretaciones; documentación privada (diarios, crónicas, cartas …); normativa; biografías;
documentación económica diversa (contratos, compraventas …); testamentos; prensa (programas,
críticas, …); tratados teóricos o didácticos, etc.

El historiador de la música aplica a estas fuentes metodologías diversas de análisis, algunas más
propias de la misma historia , como por ejemplo cuando trabaja con contratos o testamentos, o más
específicas de la música como por ejemplo las del análisis musical cuando trabaja con una partitura o
debe poder descifrar hasta qué punto es verosímil una representación iconográfica.

De esta manera los especialistas de la historia de la música elaboran monografías que pueden versar
sobre aspectos muy muy diversos.

He aquí algunos ejemplos:

historia de una institución o de un grupo musical; la música en un centro cultural (una corte, un
monasterio, una ciudad …) en un período; evolución de la música para un instrumento, o para un
grupo de instrumentos, o para una agrupación (la orquesta …); la práctica interpretativa en un
periodo y lugar concretos:

formas de interpretar (instrumentos, articulación, ornamentación , tempos ), funciones, significados,

circunstancias, repertorios, para quien …); la evolución de un género (la sinfonía, la ópera …) en
unas coordenadas geográficas y / o cronológicas concretas; la historia de un estilo (todo o en una
zona concreta); la producción de un compositor (posiblemente conectada a su biografía); la
incidencia de un invento (la radio, …) en la cultura musical de un grupo humano; biografías de
autores y / o intérpretes; la difusión de un estilo , un género o una forma musical más allá del lugar y
momento de origen con las correspondientes transformaciones; la producción de un grupo de músicos
con ataduras estilísticas (escuela); la evolución de una forma de interpretación (los castrados …); la
evolución de los aspectos profesionales y contractuales del músico, etc. Asimismo elaboran ediciones
críticas de obras de otros momentos históricos.

Pedagogía
La historia de la música ocupa un lugar importante en la enseñanza y el aprendizaje de la música; en
muchos casos es el único acercamiento a la música desde fuera de la misma disciplina, y con la
metodología de otra ciencia (la historia).

Hay elementos de cronología de la música del pasado a los currículos de primaria y de secundaria
obligatoria así como el bachillerato. Igualmente hay en los currículos de los conservatorios de grado
profesional; y n ‘hay en los currículos de muchas escuelas de música que a menudo han adaptado
muchos elementos de los currículos oficiales de los conservatorios.

En la mayoría de casos estas asignaturas sirven más para organizar sobre unos ejes temporales unos
repertorios que los respectivos sistemas consideran que el alumnado debe conocer que para entender
realmente el sentido evolutivo que la disciplina quiere profundizar.

A todos estos tipos de enseñanzas convierte casi la única aproximación externa a la música,
desestimándose otros como podrían ser desde la sociología, la antropología o la geografía.

En la enseñanza superior -concretamente a las enseñanzas universitarias de musicología y al grado

superior de música, se mantiene la presencia de las asignaturas de historia de la música, con dos
diferencias con respecto a los estadios anteriores; por un lado, un mayor grado de profundización
hace que las asignaturas se dediquen a tramos concretos de esta historia (historia de la música
medieval, de la música del siglo XVII, …) y a veces -especialmente en los postgrados- se dediquen a
circunstancias concretas; por otro, y especialmente a los estudios superiores de música, la historia de
la música deja de ser la aproximación preferente a la música desde la metodología de otro campo
disciplinario y aparecen otras disciplinas como la sociología, etc.

La historia de la música como evolución de la música

Uno de los resultados importantes del estudio llevado a cabo por la musicología histórica es la
periodización de la historia de la música. Esta, se ha llevado a cabo aplicando los criterios, límites y
métodos mencionados antes, con conexiones desiguales con la historia general y con la historia del
arte, y estableciendo unas franjas que. en muchos casos, vienen dadas principalmente por elementos
de estilo .

Música prehistórica

El desarrollo de la música entre los seres humanos aconteció con el telón de fondo de los sonidos
naturales del entorno. Posiblemente estuvo influido por los cantos de los pájaros y los sonidos que
otros animales utilizan para comunicarse.
Algunos biólogos han teorizado que la habilidad para reconocer sonidos no creados por humanos que
podríamos considerar “musicales” proporciona una ventaja selectiva. (Véase Música animal).

La música prehistórica, habitualmente llamada música primitiva , es el nombre dado a toda la música
producida en culturas preliteràries, actividad iniciada en algún lugar incierto y en un pasado muy
lejano.

La música indígena de América y el aborigen de Australia se podría llamar prehistórica por sus
características, pero el término se utiliza para referirse a la música europea anterior al desarrollo de la
escritura.

Es más habitual denominar la música “prehistórica” de los continentes no europeos, especialmente la

que todavía existe en la actualidad, música folclórica, étnica o tradicional.

Música de la antigüedad

Se considera que la prehistoria concluyó con el desarrollo de la escritura , y por tanto, también la
música que se producía. La música de la antigüedad es el nombre con que se denomina la actividad
musical realizada durante el Edad antigua .

La canción más antigua que se ha encontrado está escrita en grafía cuneiforme ; se encontró en Ur , y
data del año 4000 aC. Ha sido descifrada por la profesora Anne Draffkorn Kilmer de la Universidad
de Berkeley ( California ), y ha demostrado que está compuesta en armonías con intervalos de
terceras, como los antiguos gymel ingleses, y utilizaban la afinación pitagórica del escala diatónica .

Hay dibujos en jarrones y paredes de instrumentos de viento con dos tubos, como los utilizados por
los griegos, y gaitas antiguas. También encontramos escritos, como los de Aristóteles ( Problemas ,
Libro XIX.12) que describen técnicas musicales de la época, indicando algún tipo de polifonía.

Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda se han
recuperado en los yacimientos arqueológicos de la civilización del Valle del Indo.

La música clásica india ( marga ) se encuentra recogida en las escrituras de la tradición hindú, los
Vedas . En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se describe extensamente la música antigua hindú.

Tradiciones clásicas
La música clásica es un término amplio, un poco impreciso. Una música es clásica si incluye algunos
de los rasgos siguientes: una tradición aprendida, apoyo desde la iglesia o la corte , o de un gran
capital cultural. La música clásica también se describe como compleja, duradera, trascendente y
abstracta.

En muchas culturas la tradición clásica coexiste con la música tradicional o popular, ocasionalmente
durante miles de años, y con niveles diferentes de intercambio mutuo con la tradición paralela.

Asia

Por zonas, la música asiática cubre fundamentalmente las culturas musicales de Arabia, Asia Central,
Este de Asia Oriental, Sur de Asia, y Sudeste de Asia.

India

La música india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del
Valle del Indo tiene esculturas donde se representan espectáculos de danza y aparecen instrumentos
musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros.

Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores se han recuperado en las excavaciones realizadas
por Sir Mortimer Wheeler en Harappa y Mohenjo-Daro.

El Rigveda presenta elementos de música hindú actual, con una notación musical que indica la
métrica y la manera de cantar. La antigua tradición musical hindú también habla de tres acentos y de
una música vocal conocida como “Samagan” ( Sama significa melodía y Gan la manera de cantar).

Los orígenes de música clásica hindú se encuentran descritas en uno de los resúmenes literarios más
antiguos, las Vedas. En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se describe la música con bastante
detalle.

La música clásica hindú incluye las dos grandes tradiciones de la música carnática del sur y la música
clásica Idioma indostánico del norte. Estas tradiciones son milenarias y se han desarrollado a lo largo
de grandes períodos; actualmente siguen vivas y son fundamentales en la vida de los hindúes como
fuente de inspiración religiosa, expresión cultural y entretenimiento.

La música clásica hindú ( marga ) es monofónica , y se basa en una línea melódica modal única o
rāga , que rítmicamente se organiza mediante las talas. La música carnática es en gran parte dedicada
al culto religioso; la mayoría de las canciones se dirigen a las divinidades hindúes.

Pero también existen muchas canciones amorosas y que tratan diversos temas sociales.

En contraste con la música carnática, la música hindustaní no solamente está influida por las antiguas
tradiciones musicales, la filosofía védica y los sonidos de los nativos, sino también por las prácticas
interpretativas persas los mongoles afganos.

China
La música clásica china es el arte tradicional o de la corte de China. Tiene una larga historia que se
remonta a más de 3.000 años de existencia. Tiene sus propios sistemas de notación musical , un
determinado sistema de afinación , alturas , instrumentos musicales y estilos o géneros musicales.

La música china es pentatónica -diatònica, teniendo una escala de doce notas en una octava (5 + 7 =
12), como en la música europea.

Persia

La música persa es la música de Persia y de los países de lengua persa . Musiq , es la ciencia y el arte
de la música, y Muzik , el sonido y la interpretación de la música. Los iraníes antiguos daban gran
importancia a la música ya la poesía, como todavía hacen en la actualidad.

Europa

La música clásica europea es un término un poco ancho, y hace referencia a la música producida por
las tradiciones artísticas en Europa, especialmente entre el año 1000 y 1900, si bien la denominación
de “música clásica” se sigue aplicando a las composiciones de los siglos XX y XXI que surgen de
esta tradición. La fundamentación teórica de esta tradición se desarrolló entre 1550 y 1825.

Grecia

Una parte importante de la historia escrita de la Antigua Grecia estaba dedicada al antiguo Teatro
griego , en el que los corazones actuaban en actos de entretenimiento y en celebraciones religiosas.

Entre los instrumentos musicales que los acompañaban estaba el aulos , de caña doble, y un tipo de
lira , instrumento de cuerda pinzado: la cítara.

La música tenía un papel importante dentro de la educación de los individuos, y los chicos se les
enseñaba a partir de los seis años. Esta alfabetización musical general favoreció un desarrollo musical
muy sólido con una fuerte fundamentación teórica.

Los modos musicales griegos se convertirían en la base de música religiosa occidental y, por
extensión, de la música clásica . En cuanto a la música griega posterior, recibió las influencias del
Imperio Romano , de las culturas de la Europa del Este y los siglos de dominio del imperio bizantino
.

Al siglo XIX compositores de ópera como Nikolaos Mantzaros (1795-1872), entre otros, revitalizar
la música clásica griega.

Música occidental

Los principales centros de producción ( composición y interpretación ) de la música a la que la

historia de la música ha dedicado su atención preferente fueron, durante la Edad Media, los
monasterios, a los que se sumaron las grandes catedrales a partir del siglo XII , las cortes nobiliarias ;
más tarde fue a las ciudades donde se concentró el más innovador e intenso de la vida musical.
 Aunque durante la alta edad media hubo bastante actividad musical como se deduce, entre otras
cosas, de las descripciones artísticas de instrumentos musicales y de escritos sobre música, el único
repertorio de música que ha sobrevivido anterior al 800 es la música litúrgica de canto llano de la
Iglesia Católica Romana, mayoritariamente el canto gregoriano y otros cantos de alcance geográfico
y temporal menor.

El Papa Gregorio I dio su nombre a este tipo de repertorio musical, y puede haber sido él mismo uno
de los compositores. Generalmente se afirma que él fue el creador de esta parte musical de la liturgia
en su forma actual, aunque las fuentes que dan detalles de su contribución son de más de cien años
posteriores a su muerte; muchos eruditos creen que su reputación ha sido exagerada.

La mayor parte de este repertorio de canto fue compuesto anónimamente durante los siglos que van
desde el tiempo de Gregorio hasta el de Carlomagno .

Durante el siglo IX se produjeron tres hechos especialmente significativos:

 La acción unificadora, por parte de la Iglesia Católica , de las diversas tradiciones litúrgicas y de canto
religioso, suprimiendo muchas de ellas en favor de la liturgia gregoriana y el canto gregoriano.
 La aparición de la polifonía , concretamente del organum, un tipo de polifonía en movimiento paralelo.
 La reinvención de la notación musical. Este hecho es de una especial trascendencia en la historia de la
música.

Después de un lapso de unos 500 años se volvían a utilizar grafías musicales, aunque aún sería
necesario que pasaran varios siglos más antes de que el sistema de notación determinara con más
precisión la duración ( ritmo ) y la altura ( tono ).

A partir del 1100 aparecieron varias escuelas de polifonía musical:

 La escuela de organum de St. Martial, con una música que a menudo se caracterizaba por el movimiento
rápido de una voz sobre una línea melódica simple y mantenida.
 La escuela de Notre Dame , con los compositores Léonin y Pérotin que, alrededor del 1200, ya producía la
primera música polifónica para más de dos voces.
 La tradición musical de Santiago de Compostela , en Galicia , un gran centro de peregrinaje y un lugar donde
convergieron artistas de muchas culturas diferentes; su música ha sobrevivido en el Codex
 La escuela inglesa, la música de la que ha perdurado en el Worcester fragmentos y en el Old Hall Manuscript.

Junto a estas escuelas de música sacra , también existía y se desarrollaba una viva tradición de canto
secular , ejemplificada en la música de los trovadores , trouvères y minnesänger , y de música de
danza, tanto vocal como instrumental.

Las principales formas de la música sacra polifónica que se desarrollaron hasta finales del siglo XIII
incluían el motete , el conductus , el Discant , y la cláusula. Un desarrollo inusual fueron el
Geisslerlieder , música de grupos de flagelantes que vagaban por Europa especialmente durante dos
períodos:
Durante la gran Peste Negra , alrededor de 1350 , y en los años posteriores. Esta música, que
mezclaba el estilo de la canción popular con textos penitentes o apocalípticos, quedó bien grabada
con la correspondiente notación musical.

En el siglo XIV dominó el estilo del ars nova , que por convención se incluye en la era medieval de la
música, aunque tenía mucho en común con los ideales y la estética del primer Renacimiento.

Es una música mucho más vinculada al mundo urbano; mucha de la música que sobrevive de esta
época es secular, y tiende a utilizar formas fijadas: la balada , el virolai , el lai , el rondeau , que
corresponden a estructuras formales poéticas de los mismos nombres.

Muchas de estas piezas están compuestas por una a tres voces, probablemente con el
acompañamiento instrumental: los compositores más famosos fueron Guillaume de Machaut y
Francesco Landini .

Paralelamente seguía existiendo una música monódica tanto al canto litúrgico como la música
profana de danza.

Música del Renacimiento

El comienzo del Renacimiento en la música, ya diferencia de las artes plásticas ni está tan bien
delimitado en el tiempo, ni tiene lugar en Italia sino que lo hace más hacia el noroeste de Europa, en
el área que actualmente comprende el norte y centro de Francia , los Países Bajos y Bélgica, ni
pretende un verdadero re-nacimiento de la antigüedad clásica.

En este periodo, los principales centros nobiliarios y las grandes catedrales se dotaron de capillas en
las que se reunían compositores, cantores e instrumentistas; cada centro procuraba, en la medida de
sus posibilidades, los mejores músicos.

El estilo de los compositores de la Borgoña , la primera generación de la escuela francoflamenca ,

representó -al principio- una reacción al ue se consideró una excesiva complejidad y artificiosidad del
estilo de finales del siglo XIV , el ars subtilior.

Este estilo se caracterizaba por un tipo de melodía clara y una equilibrada polifonía en todas las voces
mediante el uso del contrapunto imitativo. Los compositores más famosos de la escuela borgoñesa
mediados siglo XV fueron Guillaume Dufay , Gilles Binchois y Antoine Busnois .

Hacia mediados del siglo XV , compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes
empezaron a ser reclamados para trabajar en toda Europa, especialmente en Italia, donde eran
contratados en la capilla pontificia en Roma, y por los grandes aristócratas y mecenas de las artes,
como los Medici en Florencia , los Este en Ferrara , y los Sforza en Milán.

Allí donde iban, difundían su estilo de polifonía que se podía usar tanto en la música sacra como en
la secular . Los principales géneros de la música sacra de la época eran la misa y el motete ; las
formas seculares incluían la chanson, la frottola y, más tarde, el madrigal .
 La invención de la imprenta tuvo una gran importancia en la diseminación de los estilos musicales, y
en la difusión de la música y el estilo francoflamenca por toda Europa; contribuyó al establecimiento
del primer estilo verdaderamente internacional de la música europea desde la unificación del canto
gregoriano en la época de Carlomagno, 700 años antes.

Otros compositores de la escuela francoflamenca fueron:

Johannes Ockeghem, que escribía música en un estilo contrapuntístico bastante complejo, con una
textura variada y un uso elaborado los mecanismos canónicos.

Jacob Obrecht , uno de los compositores de misas más famosos de finales del siglo XV.

Josquin Desprez , probablemente el compositor más famoso en Europa antes de Palestrina ; durante
el siglo XVI tenía la fama de ser uno de los mejores creadores en cualquier forma musical.

La música de la generación posterior a Josquin Desprez desarrolló la complejidad del contrapunto ;

posiblemente el ejemplo más relevante de esta tendencia fue la música de Nicolas Gombert. Su
elaborado contrapunto influyó en las composiciones de lo que sería el inicio de la música
instrumental, con formas como la canzona y el ricercare , que desembocarían en la fuga barroca.

A mediados del siglo XVI , el estilo internacional comenzó a descomponerse, y aparecieron una serie
de nuevas tendencias estilísticas, bastante diversas. Fundamentalmente hay que destacar:

Una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, impulsada por la Contrarreforma del Concilio
de Trento, y ejemplificada en la austera perfección de la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina;
Una tendencia hacia la complejidad y el incremento del cromatismo en el madrigal, que culminó en
el estilo de vanguardia de la Escuela de Ferrara de Luzzaschi, y del último gran madrigalista del
siglo, Carlo Gesualdo.

Una música grandiosa, de ancha sonoridad, del escuela veneciana , que aprovechaba la arquitectura
de la Basílica San Marcos de Venecia para crear una música de grandes contrastes.

 Claudio Monteverdi (Bernardo Strozzi, 1640)

 Claudio Monteverdi
 (Bernardo Strozzi, 1640)

La música de la escuela veneciana aporta a la música de finales del siglo XVI y primeros años del
XVII un marcado sentido del lujo y de abundancia de recursos, la policoralidad, la especulación
tímbrica y la instrumentación , el gusto por la ornamentación y el uso del bajo continuo . Muchos de
estos elementos se traspasaron a la música barroca.

Entre los compositores más famosos de esta escuela hay que citar Andrea y Giovanni Gabrieli , y
Claudio Monteverdi , uno de los innovadores más significativos del final del periodo.

Inglaterra, España, Alemania y Francia

A finales del siglo XVI, existían tradiciones musicales activas y bien diferenciadas en diferentes
lugares de Europa:

En Inglaterra destacan compositores como Thomas Tallis y William Byrd , que escribían música
sacra con unas técnicas similares a las del continente pero con un regusto bien inglés, y un grupo
activo de madrigalista como Thomas Morley y Thomas Weelkes , que adaptaron la forma italiana a
gustos ingleses.

En España se desarrollaron estilos instrumentales y vocales propios. Tomás Luis de Victoria

componía música con un refinamiento similar al de Palestrina; varios compositores escribieron
abundante música para Viola de mano ( vihuela ) sola o con voz.

En Alemania se cultivaban formas polifónicas construidas a partir de los corales protestantes que
fueron reemplazar el canto gregoriano propio del catolicismo. Por otra parte, importaron el estilo de
la escuela veneciana que definiría el comienzo del Barroco musical.

Además, los compositores alemanes escribieron grandes cantidades de música para órgano ,
estableciendo las bases para el gran desarrollo posterior del órgano barroco que culminaría con la
obra de JS Bach.

Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como la música medida, y que se
utilizaba en las canciones seculares. Uno de los compositores más relevantes fue Claude Le Jeune.

Los inicios de la ópera

Uno de los movimientos más revolucionarios de la época se desarrollaría en Florencia durante los
años 1570 y 1580, bajo el impulso innovador de la Camerata florentina que, irónicamente, tenía una
voluntad reaccionaria. Sus miembros, descontentos con la música del momento, pretendían restaurar
la música de la antigua Grecia.

Dos de los compositores más representativos var ser Vincenzo Galilei , el padre de Galileo , y Giulio
Caccini. Las consecuencias de su acción fue la consolidación de un estilo de canto declamado muy
melódico, conocido como monodia, y de la correspondiente forma dramática, que era escenificada,
forma que posteriormente se conocería con el nombre de ópera.

Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también sirven para delimitar el final del
renacimiento y el comienzo del Barroco musical.

Otros elementos de la música del Renacimiento

La música anterior al 1600 era más modal que tonal. Las aportaciones de teóricos de lamúsica de
finales del siglo XVI, especialmente de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, abrieron las puertas
al desarrollo de la tonalidad en la práctica musical.

Las escalas mayores y menores empezaban a predominar sobre los antiguos modos eclesiásticos,
inicialmente de manera obvia en las cadencias, y extendiéndose progresivamente a toda la obra.
Uno se refiere a menudo a música posterior al 1600, que es cuando aparece la música tonal y el
Barroco musical, con el nombre de música clásica .

Paralelamente a la música vocal, preponderante en la época, la música instrumental polifónica tuvo

un primer periodo de esplendor, sobre todo gracias a la música de baile (mayoritariamente
homofónica , a los tratados didácticos, y los géneros intrínsecamente instrumentales de alguna modo
derivados de los vocales.

Música del Barroco

En el Barroco, los grandes focos de música polifónica y concertando continuaron siendo las cortes
reales y las casas nobiliarias, y los templos principales de las grandes ciudades europeas.

Continuando una tradición ya iniciada en el siglo XVI se esperaba del noble que no sólo apreciara
la música que escuchaba sino que, a la vez supiera tocar algún instrumento y/o cantar ‘, lo que fue
determinante para que la música alcanzara el estatus que tuvo en el Barroco.

El contrapunto y la melodía acompañada fueron dos rasgos característicos (a la vez que, hasta cierto
punto, antagónicos) tanto en la música instrumental como de la vocal. En este último terreno, fue la
ópera el género y la forma musical de más trascendencia, tanto para la producción en sí como por la
influencia en otros géneros como el oratorio .

Una vez creados, en el Renacimiento los primeros géneros de la música instrumental , ésta comienza,
en el Barroco, un proceso de aumento gradual de protagonismo que debería continuar aún: los
públicos se interesaron más, los compositores se tuvieron más dedicación, y se definieron algunas de
las formas musicales más básicas como los diversos tipos de sonata y de concierto .

La mayoría de géneros implicaban la presencia del bajo continuo , un bajo creado por el compositor
ya partir del cual el intérprete resolvía – improvisando la armonía que estaba implícita, a menudo con
complejos juegos contrapuntísticos.

El teclado, especialmente el clave, era el instrumento dominante, y con la llegada de la afinación

temperada abrían posibilidades para tocar en todas las tonalidades.

El bajo continuo es uno de los rasgos característicos del Barroco y era realizado de forma habitual
por un teclado (clavecín o órgano, oa veces un laúd), y un instrumento grave, como una viola da
gamba o un fagot.

Los compositores más relevantes fueron Johann , George Frideric Handel , y Antonio Vivaldi , por
encima de muchos otros autores destacados, algunos con una gran producción, difusión e influencia.

Clasicismo musical

La música del Clasicismo se caracteriza por un estilo mucho más fácil de entender que el del
Barroco: una textura homofónica, el recurso frecuente a la melodía con acompañamiento (aunque se
mantuvo el uso del contrapunto como elemento decorativo, a menudo incorporado al final de una
obra, o puntualmente como el mecanismo compositivo de un movimiento único), melodías que
tendían a ser muy cantables, frases muy simétricas, y estructuras formales muy cerradas y fuerza
rígidas.

El notable crecimiento de la música instrumental (sobre todo con inventos de tanta proyección
como el piano , la orquesta , la forma sonata y la sinfonía ) no arrinconó la ópera , que se siguió
desarrollando, especialmente en el formato de ópera bufa y de otros géneros cercanas, algunos en las
lenguas nativas de cada territorio.

Hay que recordar que hasta ese momento las óperas se cantaban generalmente en italiano .

Patrones sencillos, como arpegios y, en la música para piano, el bajo de Alberti (un acompañamiento
con un típico patrón repetitivo en la mano izquierda) eran utilizados para animar el movimiento de
una obra sin crear voces adicionales que pudieran generar confusión .

La música instrumental, muy innovadora, estaba dominada por varios géneros bien definidos,
especialmente por la sonata y el cuarteto de cuerda en la música de cámara , y la sinfonía , y el
concierto en el orquestal.

Las tres utilizan el que posteriormente (ya en el Romanticismo llamaría forma sonata , que maduró
durante el Clasicismo para convertirse en el principal elemento estructural para componer música
instrumental durante el siglo XIX .

Si bien la musicología germana ha puesto el énfasis en el papel que la Escuela de Mannheim (con
compositores como Johann Stamitz y Carl Stamitz ) tuvo en la configuración del estilo clásico, no
hay que menospreciar la influencia de los operista italianos.

El gran configurador del estilo clásico maduro, sin embargo, fue Joseph Haydn . Wolfgang Amadeus
Mozart fue la figura capital de este periodo, y un genio excepcional; su producción, cuantiosa y
variada, abarca todos los géneros y, de alguna manera, define la percepción que tenemos de lo que es
el Clasicismo musical.

Ludwig van Beethoven y Franz Schubert serían los compositores que se encargarían de la transición
hacia el romanticismo, estilo que iniciarían expandiendo las posibilidades creativas de los géneros ,
formas y funciones existentes en la música de aquella época.

Música del Romanticismo

La música del Romanticismo tiene un vínculo con el resto de facetas del pensamiento y la
cultura (especialmente la literatura y la filosofía ) de la época posiblemente superior a la de otros
periodos. La composición emprende una búsqueda de expresividad y de emoción que lleva a una
flexibilización de las formas musicales emanadas del Clasicismo.

Entre los primeros compositores más famosos de la primera época se pueden destacar:Rossini ,
Schumann , Chopin , Mendelssohn , Bellini y Berlioz , además de Schubert y Beethoven.
En la segunda mitad del siglo XIX se produjo una expansión en las dimensiones de la orquesta , y la
consolidación del concierto como una actividad relevante en el ámbito cultural y social. Los grandes
focos de producción musical son las grandes ciudades donde habita un público, mayoritariamente
burgués , que ha integrado la asistencia al concierto como un hábito.

La necesidad de poder meter cada vez más público en un concierto hizo crecer las dimensiones de
salas de conciertos, lo que provocó el aumento del volumen de sonido de la orquesta algo que sólo se
podía conseguir con más instrumentos, especialmente de instrumento de metal, que la revolución
industrial había permitido desarrollar.

En esta época destacaron compositores como Johann Strauss , Brahms , Liszt , Bizet ,
Tchaikovsky , Verdi y Wagner .

Entre 1890 y 1910, se puede considerar la existencia de una tercera generación de compositores con
estilos muy diversificados pero que todavía tienen una cierta relación, más cercana o alejada, con el
romanticismo.

Debussy , Mahler , Richard Strauss o Puccini , construyen las sus composiciones a partir de las de sus
predecesores y, algunos de ellos, crean obras más complejas y, a menudo, mucho más largas. Otras
figuras destacadas son Ravel , Rachmaninov y Elgar. Algunas de ellas se consideran posrománticos

En concordancia con los movimientos sociales existentes, un buen número de compositores se

desvincularon de la corriente general de predominancia germánica y reivindicar elementos propios de
sus países.

En el caso de los autores que utilizaron elementos de sus respectivos folclores se les ha conocido
como compositores nacionalistas , movimiento que en Europa lideraron compositores como Smetana
, Dvorak , Sibelius y Grieg . En el ámbito catalán y español cabe destacar la figura de Pedrell , y
compositores de la talla de Albéniz , Granados , Tárrega.

Música del siglo XX

En el siglo XX se produjo una revolución en las artes en general, y en la música en concreto. La

búsqueda de la libertad y la experimentación en la creación en el sentido más amplio del término
llevó a la aparición de unos estilos musicales totalmente nuevos que desafiaban y, a menudo rompían
las reglas musicales aceptadas en periodos anteriores.

En esta dinámica innovadora destacan, entre otros, compositores como Stravinsky , Schönberg , Berg
y Shostakovich .

La invención de instrumentos electrónicos y la posibilidad de grabar el sonido representó una

dimensión diferente tanto en el ámbito de la música llamada clásica, como en la popular. La
confluencia de culturas generaron una explosión artística y comercial de estilos musicales muy
influyentes, como fue el jazz , y hacia los años 50, del rock y la música pop .
Este desarrollo tecnológico, cada vez más acelerado, convertido durante el siglo XX dio un impulso
enorme al hecho musical. Primero, el invento de la radio , que llevó la música a todos los rincones de
la sociedad.

Los nuevos medios de comunicación , con el apoyo de nuevas tecnologías, iban desarrollando
sistemas para registrar, captar, reproducir y distribuir música.

La comunicación musical ya no se limitaba a la actuación en directo, mediante los conciertos;

existían otros mecanismos para que los artistas se hicieran famosos y esta fama se podía esparcir más
rápidamente por todo el mundo.

Por otra parte, las audiencias estaban expuestas, más que nunca, a una oferta más amplia y diversa de
música. Las actuaciones recibían el apoyo de los medios audiovisuales y la emisión y grabación de
vídeos de música enriquecía las posibilidades de los medios exclusivamente sonoros.

MÚSICA

Historia de la Música Occidental

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En este artículo hablaré sobre la historia de la música occidental, que puede dividirse en períodos, de
acuerdo con el número de instrumentos y el...

MÚSICA
 Historia de la música rock
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Rock es un término genérico que define un género de música popular que se desarrolló durante y
después de la década de 1950 . Sus raíces están en el...

La música es uno de los diversos elementos que ha acompañado al hombre

desde el principio de su vida, haciendo acto de presencia en prácticamente
casi todo momento fundamental, contribuyendo al nacimiento de las sociedades
y algunas de sus costumbres. Llevando a catalogársele como una manifestación
artística de carácter universal. Debido a esto es difícil determinar con seguridad el
momento en que empezó a realizarse música, sin embargo se prevén ciertos
escenarios que influyeron en los hombres primigenios para su desarrollo.
Las primeras muestras de civilización datan del 50.000 a.C. En la prehistoria.
La relación del ser humano con el sonido podía entenderse de una manera
simple: mientras fuera emitido significaría señal de vida. Los registros pictóricos
rudimentarios corroboran esto, destacando la unión existente entre el ruido y la
danza. Se podría llegar a concluir que en aquellos años el entorno le presentaba
una gama de sonidos y movimientos que intentó imitar, valiéndose de algunas
herramientas para producirlos (huesos, ramas, rocas, etc.).
Posteriormente, esta práctica sería utilizada como un ritual para celebrar la caza o
los festejos alrededor del fuego. En estas, los hombres pondrían de manifiesto
todas sus sensaciones vividas por medio del uso de la voz, usando de forma
diferente a lo habitual. Estos relatos eran acompañados por algunos
instrumentos labrados en hueso, madera o restos de frutos duros.
En el antiguo Egipto, la música empieza a desarrollar conocimientos técnicos,
entre ellos una escala de siete sonidos, sin embargo estos eran exclusivamente
reservados a sacerdotes y a la naciente profesión de músico. También se efectúa
el desarrollo de instrumentos de viento y cuerda como el oboe doble o el arpa,
este último era el más apreciado por su tonada suave. La música acompañaba los
actos de culto, las ceremonias y la guerra.
“La música compone los ánimos descompuestos y alivia los
trabajos que nacen del espíritu”. Miguel de Cervantes
Saavedra
Tanto para Grecia como Roma, la música era un factor esencial en las prácticas
sociales, pues estas esencialmente se usaban para transmitir un conocimiento
educativo a los habitantes. Aparece la figura del rapsoda o aedo, los cuales
viajan por los pueblos recitando lo poemas épicos que guardan la memoria del
pueblo y sus tradiciones, acompañando la narración con el uso de una lira. En las
fiestas dionisiacas era indispensable el uso del aulós, un instrumento de viento
similar a una flauta, por su conexión con lo divino. Con el desarrollo de las
comedias, tragedias y dramas, se condensaron el canto, la música y la danza en
una sola representación artística.
En la otra parte del mundo, en oriente, se transmitía el conocimiento musical de un
instrumento específico a partir de dinastías. La unión de sus practicantes en
agrupaciones musicales componía sonidos bajo la concepción de la armonía
entre los instrumentos y el tiempo, para que estos no se interrumpan entre sí.
También, se desarrolló una escala de sonidos compleja basada en afinidad entre
instrumentos y su potencial al generar melodías.

Luego de la caída del imperio romano, en la Edad media, la música seguiría

relacionada con lo sagrado, la forma sería por medio de los cantos
gregorianos, alabando la figura del dios de la religión cristiana. En este
momento también aparece una variedad de música más popular y accesible para
las gentes de baja escala social, por medio de juglares, trovadores o troveros, que
componían sus cantos a partir de historias que escuchaban. Estas creaciones se
destacaban por no siempre tratar de un héroe o una figura sagrada, podrían ser
simplemente hechos del día a día o hechos que acontecieron recientemente que
se modificaron para ser transmitidos por medio de canciones.
En la época del Renacimiento, se desarrolla el concepto de polifonía en el
pueblo de Flandes, relacionando dos o más voces y sonidos en medio de un
equilibrio armónico. Esta concepción se vio refleja con el desarrollo del estilo
flamenco. En Francia se llevó a cabo la creación de la Chason, aquella
condensaba el tema amoroso, además de la crítica política y social en una
expresión cantada, potenciando la fuerza rítmica de los sonidos. Por su parte Italia
inspirada en el modelo flamenco instauró la fróttola y la lauda.
Con el movimiento Barroco influenciando la música aproximadamente entre los
años 1600 a 1900, se empieza uno de los periodos más abundante y
prósperos en composiciones. A partir de este periodo se desarrollan las
concepciones técnicas que mantenemos hasta nuestros días desde las escalas, el
acompañamiento, los tonos, hasta la armonía, intensidad y expresividad. Se
consolidan los espacios para la audición de música destina sólo para las clases
sociales altas, además principales espectadores de las sinfonías. En cuanto a la
voz se emplea la práctica de castrar niños para mantener su voz todavía aguda
(los Castrati), debido a que esta tonalidad era considerada la mejor.

“La música debe hacer saltar fuego en el corazón del hombre, y

lágrimas de los ojos de la mujer”. Ludwig Van
Beethoven
A partir del clasicismo se perfeccionan los aportes de la época barroca en cuanto
a la técnica y el equilibrio de estructura y melodía. Este periodo también es
conocido por ser la edad de apogeo respecto a las orquestas sinfónicas. La
música siguió evolucionando y volvió a recuperarse en valor esencial de
pertenecer a todo tipo de gentes, ramificándose en distintas variedades según las
culturas, estilos, influencias, etc. Hasta el punto de llegar a variedades casi
infinitas.

La música en la antiguedad
Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la
extereorizacion de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el
fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre
que podían producir sonidos.
Clasificación de instrumentos musicales primitivos:
a. Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están
construidos.
b. Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre.
Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente
cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.
c. Cordófonos: de cuerda, el arpa.
d. Aerófobos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.

Uno de los primeros instrumentos: la flauta(en un principio construida por un hueso con
agujeros).
2. Lejano oriente
Música en China: atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país ansiosos de
novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música; reservaban las primeras a los
hombres ordinarios y las ultimas a hombres sabios.
Exponía la situación del país en cada momento histórico que vivía. Los chinos formaron
la escala que los europeos llamaron "cromática", descubierta por el maestro de música de
Hoan-Ti(antiguo emperador).
Antes de descubrirse la escala dodecafónica (12 sonidos) los chinos usaron la escala
pentatónica (5 quintas fa/do/sol/re/la)
FA=(Kong) representaba al príncipe. Do = (cho) a los negocios. Sol = (chang) a los
ministros. LA = (kio) al pueblo. Re = (yo) a los objetos.
Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos:
piedra, metal, seda, bambú, madera, cuero, calabaza y tierra.
Píen chong: campanas cuadradas, circulares, cubicas y en forma de vaso(abarcaba 12 notas).
Entre los instrumentos de viento están las flautas de Pau (si-siao); las flautas de bambú con
orificios (siau o yo); las flautas traversas (ti o chou) y las trompetas. Entre los de cuerda
estaba el Kin (laúd); el che (cítara); el pi-pa (guitarra con 4 cuerdas); el eut-hilu (guitarra
con dos cuerdas); el cheng (igual que el che pero más pequeñas); el yang-kin (laúd
extranjero con cuerdas de metal).
Música en Japón: la teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes
de corea, a su vez, los habían incorporado en china. Pero el refinamiento musical japonés
alcanzó un nivel superior al chino. Instrumento favorito: el koto (citara sin trastes), de 7
tamaños, construidos con cañas de bambú, tenia desde 6 a 13 cuerdas: el yamato-goto y el
yamato-bue. En los casos de acompañamiento instrumental, no acostumbraban hacer sonar
simultáneamente la voz y el instrumento ya que ya le precedía a distancia de una corchea,
realizándose una especie de cañón.
Existían diferentes géneros musicales: el bagaki para ceremonias del Emperador; el No,
para la música de fondo en actos de teatro, el ko-uta, para la música folklórica y el noga-uta,
para la musca seria.
En la actualidad existen dos corrientes musicales en Japón, una que pretende mantener la
tradición musical a través de su música folclórica y la otra incorporada a las corrientes de la
música occidental.
La música en la India:No paso inadvertidamente aun cuando su situación geografía alejada
de Europa impidió que esta la conociera durante varios siglos. El carácter de la música india
se encuentra más cercana a la música occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos
principales son origen mitológico, predominio del compás ternario y la división cromática
de la escala. Igual que en china las notas de la escala tenían cierta relación con los
individuos. La rajá (tónica) representaba al caudillo, la mautri (dominante) al primer
ministros, etc.
La teoría musical tenia como base la raga (forma melódica), el cual al modificarse sus ritmos
permitía el establecimiento de nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados
del alma, cada uno tenia un sentimiento o contenido emocional propio. La música vocal y la
instrumental de india tenia variadas aplicaciones, en la religión, en palacios, entre gente
humilde, etc.
Instrumentos: de arco(ravanastia, ravana y amurita), de viento(flautas, oboes, cornamusas y
trompetas) y de percusión (campanas, platillos, panderos y tambores). Él mas difundido en
la era cristiana fue el laúd.
3. Medio oriente
La música en Israel
Era un elemento inseparable del culto. Pentateuco: el caso de Labán(reprocha a Jacob por
haber partido el canoón con los suyos a escondidas sin haberse despedido con alegría,
cantores, etc.) Génesis: cita instrumentos musicales(el kinno – de cuerdas, y el ougob – de
viento) Exodo: el canto oral. Cantemus dominio: compuesto por Moisés (al pisar tierra firme
después de cruzar el Mar Rojo), fue cantado por la Iglesia cristiana.
Instrumentos: Cuerda: las lisas, y cítaras. Salterio de 13 cuerdas (nebel), arpa egipcia de 10
cuerdas (kinner) llamada "arpa de David".
Viento: flauta simple (ugabo tedil), cuerno de carnero (schofar).
Percusión: tambores, cimbolos y castañuelas.
4. Cuenca del mediterráneo
Música en Egipto
Es un misterio como era la música egipcia. Se admite su influencia sobre la cultura musical
griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados, también el hallazgo de
bajorrelieves en templos religiosos. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de
cuerda, viento y percusión, ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de
flautas, etc.
Empleaban el movimiento de la mano (quirononía), para indicar la ondulación melódica,
se marcó el ritmo con palmadas, sistros, crótalos, carracas, platillos y tambores, también
para indicar la marcha de la melodía los cantantes se valían de movimientos de las
manos(cheironomía).
La música se la asignaba con una doble posibilidad. Por un lado la capacidad de motivar en
el hombre una sensación (de gozo, alegría) y por el otro, al de crear sensaciones
de naturaleza mística y mágica.
5. Música en Grecia
Generalidades: componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados, o sea:
no creaban música.
Solo un determinado esquema musical le agregaban diferentes poesías o alteraban su ritmo
dando nacimiento a otras obras musicales. Géneros melódicos muy variados:
Prosodia: canto entonado cuando la procesión se dirigía al templo.
Hiporquema: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas.
Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco.
Peán: himno en homenaje a Apolo.
Treno: canto fúnebre y doliente creado por Linos.
Elegía: carácter triste.
Himeneo y Apitalemio: carácter alegre, para el casamiento.
Sobre la base de estos géneros se elaboró toda la música lírica en Grecia, pero se fueron
introduciendo otros géneros líricos como: Dafneforicas (entonados por portadores de
laurel), Oscoforicas (por quienes llevaban una rama de vid), tipodeforicas (dos individuos
que cargaban los trípodes.)
Sistema Musical: se nutrió de los principios de Pitágoras. Nuestros músicos, por ejemplo,
encierran el marco melódico dentro del espacio de una octava, pero los antiguos griegos
dividían a esta en 2 cuartas (tetracordios)
En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y
cantaban ditirambos. En las representaciones teatrales al coro era un personaje importante
en las tragedias griegas.
6. Música en Roma
Generalidades: una diferencia de Grecia dedicó toda su vida a desarrollar sus ideales
políticos, de allí que en el terreno musical y artístico se la considere imitadora de ésa.
El cultivo de la música era condenado por algunos gobernantes como Tulio Cicerón, pero
Cicerón, por ejemplo consideraba que debía realizarse con perfección y moderación.
Instrumentos: tibia u oboe (intervenía en la donación de ofrendas a dioses. La cítara era
consideraba mejor que la flauta. Entre los instrumentos predilectos estaba la fidula (flauta
de dos tubos). Cerní (trompa), tuba (trompeta recta con sonidos graves) litus (trompeta de
tubo largo y pabellón reducido). Luego los platillos. Los timbales y la lira de mucho arraigo
popular.
7. Música popular
El pueblo Romano se preocupo por la música y el leguaje, por ejemplo, algunos oradores
estaban acompañados por un flautista. Cuando inicia la época de los emperadores con
Octavio(Augusto) comienza la "paz octaviana" época de gran prosperidad para las artes. Se
desarrolla el virtuosismo musical entre profesionales y aficionados y ocupa una
preferente atención de los emperadores.
8. La Música en la edad media
Se divide en el Periodo Patrístico (hasta el año 840, padres de la iglesia intervienen en la
iniciación del canto cristiano)
En el románico (año 840 hasta la primera mitad del siglo XII{año 1250}) y el gótico (1250 a
fin de la edad media {1453-fines del siglo XV}) en el periodo Patrístico apareció la era
Cristiana y al Era media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente
ligada a la forma en que sedesarrollo la liturgia cristiana ya que se consideraba a la música el
vehículo por medio el cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Existieron formas de
expresión musical.
9. Música religiosa y profana
Las diversas forma musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la
existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos.
10. Música Profana
Los nuevos personajes dedicados a la disposición de esta música fueron los Juglares
(músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y castillos). Los Trovadores
(pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que inventaban rimas y ritmos), Los
bardos (antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus héroes valiéndose del
laúd). Por ultimo los ministeriles o ministriles (verdaderos productores musicales,
administraban música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar
espectáculos musicales).
Sau Ambrosio (374-397) reunió aquellos himnos que debían ser aceptados un creo
"antifonario", nace así el "canto Ambrosiano". 200 años después, San Gregorio Magno (540-
604) recopila himnos eliminando los que tenían origen popular o pagano dando nacimiento
al canto Gregoriano.
Este periodo termina con el saqueo que realizaron los bárbaros y que trajo como
consecuencia la destrucción de muchos documentos, por ello hoy no es posible reconstruir
esta importante etapa de la historia de la música.
11. Música gregoriana
La Iglesia Católica tuvo su propio lenguaje musical nacido de los 4 dialectos musicales que
se impusieron: el Milanés, el Galiciano, el Mozárabe y el Romano, pero en definitiva el que
se impuso fue el Romano, si bien el Canto Ambrosiano ejerció una poderosa influencia a
fines del Siglo IV, el Canto Gregoriano sé de difundió a toda la Cristiandad casi dos siglos
después y marco un trascendente camino en el desarrollo de la Humanidad.
La melodía del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes; El "Silábico" (cada nota
representada por una sílaba), el "Neumasico" (una misma sílaba corresponden 2, 3 0 4
sonidos diferentes), y las "Secuencias" (intercalación de un texto en las notas del aleluya)
12. Polifonía
Posibilidad de acompañar una melodía con otra que mantenga su independencia, estas
totalmente diferenciadas se convierten luego en tres, cuatro y más melodías.
Es una nueva técnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y
esquemas armónicos. Se difundió en especial en Franciadurante los Siglos XII, XIII y XIV,
luego por el resto de Europa. Mas tarde se fueron adaptando diversos matrices de acuerdo
con el temperamento y gusto de cada pueblo.
En realidad la música polifónica tubo origen en el canto Gregoriano, o sea que el tema de un
canto litúrgico se tomaba como base superponiéndole otro nuevo.
El Organum: forma más antigua de la polifonía que se conoce y tiene por base la
superposición de voces a distancia de intervalos de 4ª o 5ª (do - fa; do - sol).
El Discantus: las voces o melodías realizaban movimientos contrarios en lugar de
movimientos directos (sí una voz sube la otra baja y viceversa).
 El Conductus: con su aparición los compositores tienen una mayor libertad en su creación,
sin sujetarse a la melodía base.
El Gymel: las voces o melodías se movían en distancia de terceras solamente comenzando y
concluyendo en el unísono.
El Faux-Bordon: Procedimiento musical en el cual las voces se disponían en intervalos de 3ª
y 6ª.
El motete fue un nuevo estilo y forma heredados por elementos incorporados a la
composición musical.
La lengua empleada era el latín para el teros y otras dos voces en francés.
13. Notación musical
Solo se sabe que se utilizaban neumas (especie de estenografía consistente en rayas, acentos,
puntos y ganchos). Eran colocados sobre el texto de himnos religiosos y el director del coro
los interpretaba por medio de sus manos (queironimia), señalando los ascensos y descensos
de los sonidos a los cantos que entonaban de memoria.
Los monjes, refiriéndose a las neumas, decían que no son mas que simples auxiliares de la
memoria ya que la música no es retenida por la mente del hombre, ello si pierde, desde el
momento que no puede ser escrito.
14. Bibliografía
 Iniciación Musical, O.S Bareilles. Editorial Kapeluz. Editado en diciembre de1968.
 Educación Musical, de Gastón Mathias. Editorial: Sainte Claire. Editado en marzo de 1979

Autor:

Alejandro Zanotti

15 años. Argentino.
Comunicación, Arte y Diseño.

Comentarios


 Martes, 5 de Abril de 2011 a las 12:24 | 0
Nelly Jusa
muchas gracias...

Mostrando 1-1 de un total de 1 comentarios.

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