Historia de la pintura del arte contemporáneo

En sus inicios para el siglo XIX la pintura contemporánea destacaba por el autor Francisco de Goya,
durante su trayectoria artística fue conocido como el mejor de la corriente en cuanto a la pintura de
interiores Rococó, una tendencia que nació en el continente europeo, siendo más específicos en Francia,
esta corriente tenía como objetivo principal desarrollar obras de pinturas con una variedad de colores
pasteles con el fin de darle vida a todo el arte individualista.
Francisco de Goya también fue conocido como un destacado pintor de la técnica del corte, esto se
refiere a los artistas con trabajo encargado por la nobleza. En este momento, la pintura en el arte
contemporáneo ha venido tomado de la mano con los trabajos de este artista, estas obras serán
recordadas dentro de la historia del arte, tal como es el caso del 2 de mayo y el 3 de mayo, pinturas
emblemáticas en los inicios del arte contemporáneo.
Posteriormente conforme fueron pasando los años, el arte contemporáneo y la pintura tomaba
características más definidas, dichas particulares están relacionadas a las corrientes del neoclasicismo
(corriente artística que ocupó las áreas de la arquitectura, escultura y pintura, se encargaba de
recuperar los rasgos del arte grecorromano, por lo tanto, este deseaba plasmar la sencillez, la belleza de
las obras y la perfecta simetría) y la corriente que se veía en la obligación de cumplir con ciertas
características impuestas para la elaboración del arte, la cual posee el nombre de academicismo.
Es necesario tomar en cuenta el contexto histórico para poder mencionar estas corrientes, las cuales
lograron figurarse durante los inicios del arte contemporáneo. Los artistas de esta época eran
espectadores de momentos históricos importantes que marcarían la humanidad, tal como lo fue la
Revolución Francesa, este momento indudablemente influyó en su manera a la elaboración del arte y
los mensajes que transmitirían cada una de sus obras. (Ver: Patrimonio cultura de El Salvador)
A su vez, otras de las corrientes que se abren paso dentro de la historia en el arte contemporáneo se
trata del romanticismo, es decir la pintura romántica era tendencia ya que también se juntaba con el
neoclasicismo, otorgando como resultado final que estas corrientes se mezclaran para dar paso a las
características más relevantes en el arte y la pintura contemporánea.
Unos de los aportes más importantes del romanticismo para la pintura en el arte contemporáneo se
trató de un nuevo concepto de belleza, puesto que lo sublime había tomado otras decisiones y se
marcaba en los lienzos que aparecían para esta época.
Manteniendo los principios del romanticismo la naturaleza no dejaba de ser parte importante en cada
una de las obras artísticas, los autores más destacados que practicaban estas características se trata de
Turner, pintor inglés que la naturaleza figuraba como su principal musa al momento de plasmar paisajes.
Y así como también Caspar David Friedrich, ambos pintores hacían del paisaje el principal escenario en
sus obras.
Además de la naturaleza, otras de las tendencias encontradas en la pintura en los inicios del arte
contemporáneo se trataba de los acontecimientos heroicos, ligados a su vez alto del contexto histórico
que se presencia a para el momento.
A través de todo este contexto es a partir de los comienzos del siglo XIX cuando nace el realismo como
una las principales características del arte contemporáneo, la pintura realista había obtenido una mayor
aceptación por los artistas hasta ser etiquetada como la pintura independiente.
Si el romanticismo plasmaba temas heroicos, el realismo comenzaba a plasmar temas cotidianos más
acercado a la realidad, uno de sus principales exponentes fue Gustave Courbet, este pintor francés
implantó los principios del realismo en el arte contemporáneo, todo esto en busca de una libertad
artística, fomentando lo que ya sería conocida como las corrientes independientes, las cuales se salían
de los parámetros impuestos por las tendencias del momento y hacían lugar a obras únicas con sus
propias características auténticas, que más que llevar el nombre de una tendencia se hacían valer por el
nombre del autor.
A todo este movimiento se agregaron más artistas para darle una mayor validez al realismo como parte
de la pintura en el arte contemporáneo. (Ver: Juegos tradicionales del Ecuador)
Conforme pasaban las décadas se pudieron presentar nuevas tendencias que cumplía con la misma
forma de definir el arte contemporáneo, es así cómo se implementó el impresionismo y por lo tanto,
este era posterior al realismo, esta nueva tendencia hacia uso de diversas técnicas al momento de
elaborar las obras de arte, se valía de la luz y el color para disponer todos los elementos en el lienzo y
recrear pinturas maravillosas alucinantes para la retina de cualquier espectador.

El impresionismo nació a su vez a partir de lo que serían una ruptura en cuanto a un marco estilístico
que había sido parte de toda la historia proveniente de la pintura en el arte, pero que como parte del
arte contemporáneo ya dejaba de ser una característica esencial, puesto que todo esto se encontraba
enmarcado en obras de autores independientes.
Ya para este momento, los autores de las principales pinturas estaban en toda la libertad de aplicar sus
propias técnicas para dar lugar a unas obras auténticas, dejando a un lado todos los parámetros
establecidos por las tendencias del momento, puesto que el impresionismo hacía espacio para un
naturalismo extremo, para la realidad, e incluso para más sencillas en cuanto a la pintura, en esta
tendencia se permitía el uso de los colores puros, y hasta las imperfecciones comenzaban a ser parte de
los detalles más valorados en las pinturas.
Bajo las tendencias del impresionismo llega entonces una ruptura hacia todos los parámetros, conocido
también como el post impresionismo, para este momento de la historia en la pintura del arte
contemporáneo los artistas habían roto relación con todas las características impuestas por las
tendencias, en este caso la pintura obtenía un mayor valor por las sensaciones que despertaba en el
espectador, las técnicas y el perfeccionismo dejaba un espacio para darle más valor al realismo y a la
intención de la pintura.
Los principales exponentes de esta tendencia hacían de los escenarios cotidianos la principal musa para
generar obras de artes que conectarán esencialmente con el espectador, y así la pintura transmita un
emotivo mensaje para el público y pueda ser disfrutado.
La pintura del arte contemporáneo, basada en el principio de expresar y de comunicar más que en las
técnicas aplicadas para la elaboración del arte, abre paso a la tendencia del modernismo, los artistas
marcados en esta época de la historia hacían énfasis en que los elementos que se encontraban dentro
de la obra que podrían despertar expresiones y emociones en los espectadores. Se hacía énfasis en la
pureza de las líneas, el dibujo una mayor expresividad debido a este estilo de hacer pintura.
Ya para el comienzo del siglo XX, los autores de las principales obras del arte contemporáneo no se
basaban en las tendencias o en las corrientes artísticas del momento sino que más bien en que el arte se
podría clasificar entonces en vanguardias históricas, con características cada vez más definidas.
Los pintores contemporáneos más recientes desarrollaron en sus obras de arte de acuerdo a sus propias
características, es por esta razón que las pinturas correspondientes al arte contemporáneo pueden
resultar muy distintas aunque marcadas bajo el mismo contexto histórico, luego de haber alcanzado un
independencia como artista, los pintores se disponían de establecer sus propios elementos, bajo sus
propias técnicas.
 1.Fauvismo
Comprende la primera de las expresiones del arte contemporáneo. Su nombre hace alusión a un grupo
de pintones franceses que en el año 1905 llenaron de obras el salón de otoño de París. Como
características específicas del fauvismo se encuentra la agresividad en la utilización de los colores
(básicamente primarios, complementarios junto con tonos chillones) y autonomía de los mismos en
relación a las formas.
Tipo de pinceladas gruesas y empastadas. No intentan imitar la realidad sino más bien darle una
impronta única a cada obra mostrando la carga emotiva del artista.
2. Expresionistas
Pusieron énfasis en las expresiones del Yo y las actitudes emocionales. Los colores son más violentos y el
contenido tiene un tinte simbólico.
3. Cubismo
Comienza a jugar con el enfoque del lienzo. Así, plantea una multiplicidad de puntos de vista. Ciertos
autores hablan de 2 etapas:
 Cubismo analítico
 Cubismo sintético

4. Futurismo o cubismo dinámico

Este estilo pretende mostrar la manifestación del movimiento, la velocidad y la repetición rítmica de los
objetos en el lienzo.
5. Arte no figurativo o abstracto
Muchos autores plantean que esta corriente se encuentra dentro del cubismo. No obstante la diferencia
radica en que el arte es de tipo más abstracto y está construido desde la geometría.
6. Neoplasticismo
Esta corriente se basa en la bidimensionalidad, utilización de líneas rectas y colores primarios. Su
objetivo es despojarse de lo particular para manifestar la pureza del arte.
7. Movimiento Dadaísta
La palabra “dada” fue elegida al azar como manifestación de desagrado a la rectitud del Neoplasticismo
por parte de determinados artistas.
8. Surrealistas
Tienen como meta “ir más allá de lo visible” para tratar de expresar el inconsciente con un estilo
figurativo.
9. Segundas vanguardias
Estas llamadas segundas vanguardias aparecen luego de la 2da Guerra mundial. Allí, y como expresión
de una sociedad revolucionada y de consumo capitalista, el arte comienza a tener un tono irónico y
gracioso. Así nació el Pop Art que se caracteriza por expresar arte en movimiento.
10. Arte conceptual y expresionismo abstracto
Nacen como última expresión artística antes de la posmodernidad. Se caracterizan por dejar en
evidencia la sociedad consumista de ese momento. También tiene una necesidad de concientizar e
intelectualizar el arte. A partir del 1968, finaliza esta gran etapa artística para dar lugar
al posmodernismo.

ALBERT OEHLEN

CECILY BROWN

TAKASHI MURAKAMI

DANIEL RICHTER

MATTHHEW RITCHIE

JULIE MEHRET

PETER DOIG.
Takashi Murakami, polifacético artista que trabaja en escultura, pintura, grabado, instalación…
Es llamado «el Andy Warhol japonés», un apodo de lo más simplista, que aún así explica un
poco su arte. Porque Murakami es puro Pop. Se basa en la cultura popular y la utiliza como
herramienta. De hecho, sus típicos personajes son hoy en día un icono de pop en sí mismos.

Takashi Murakami nació y creció en Tokio en los 60. Su objetivo era llegar a trabajar en la
animación o el manga y por ello estudió en la Tokyo University of the Art, especializándose
en Nihonga, el estilo tradicional de pintura japonesa.
Con la tradición en mente, empezó a interesarse por estilo más contemporáneos. Un viaje a
Nueva York hizo que bebiera de influencias del arte americano. Empezó así a crear un arte de
esencia japonesa pero con enormes y evidentes influencias occidentales.
También empezó a centrarse en la cultura popular, esa «baja cultura» frente al «arte de alto
nivel», como es el caso del otaku (anime y manga). Nace así el Superflat.
El Superflat es un movimiento artístico posmoderno que provee una interpretación «exterior»
a la cultura popular japonesa a través de los ojos de la subcultura otaku.
Murakami empieza a mostrar una mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual (que
prevaleció tras la occidentalización de la cultura japonesa de la posguerra), la neurosis
capitalista, la repetición, la distorsión…
Murakami crea sus propios personajes como el Sr. Dob, una especie de autoretrato, las flores
repetidas que llenan toda la superficie, imágenes budistas, o dibujos hipersexualizados.
El artista juega también con las escalas, y suele crear obras de gran tamaño, o series de la
misma pieza en pequeño formato.

Albert Oehlen estudió con Sigmar Polke en Hamburgo en los setenta. Se formó en la Escuela
Superior de Bellas Artes de esa ciudad entre 1978 y 1981. Recibió formación como publicista.
Apareció en la escena del arte contemporáneo a principios de los años ochenta en el seno de
una generación de artistas como Martin Kippenberger, Georg Herold o Werner Büttner, que se
muestra particularmente crítica respecto a la ideología dominante en su época. Se le asocia
mucho con el ambiente artístico de Colonia. Ha sido miembro del Lord Jim Lodge junto con
Martin Kippenberger, entre otros. Sus representantes son Max Hetzler en Berlín y Patrick
Painter en Los Ángeles. Visitó Los Ángeles en 1991. Ha trabajado en colaboración con Jonathan
Meese. Desde finales de los noventa, Oehlen ha tocado con las bandas Red Krayola y Van
Oehlen.
Actualmente, vive entre Colonia y La Palma. Es hermano del también artista Markus Oehlen.