Introducción

Las crisis sociales, bélicas, filosóficas y artísticas del siglo XX representan una catarsis que
tras la primera guerra mundial y en el periodo entre guerras las sociedades intelectuales y
artísticas utilizaron como detonante de grandes expresiones, técnicas e ideas que
revolucionarían y aportarían significativamente a la historia artística de la humanidad.

Grandes artistas y pensadores desarrollaron diferentes técnicas y conceptos, que marcarían

el rumbo y el camino hacia las expresiones del siglo, mismas que marcarían un punto y
aparte en las artes académicas y en las vanguardias del momento.

El serialismo integral constituye uno de los sistemas artísticos más renovadores y

ambiciosos del siglo XX, y que dicho sea de paso, trascendió su temporalidad ocupando un
escalón en el camino hacia el desarrollo musical de la humanidad.

1
 Descripción

Esta es una investigación sobre el Serialismo, recurso compositivo basado en la utilización

de secuencias conocidas como series. Dichas secuencias pueden contemplar los distintos
parámetros musicales.

Justificación

Es necesario comprender la forma en que se estructuraba la música en estilos musicales

desarrollados en el siglo XX, los cuales distaban de la concepción tradicional de armonía
que caracterizaba la música académica occidental, para explorar las posibilidades que
proporciona la música.

Objetivos

Generales:

 Desarrollar de manera integral la Historia, filosofía y técnica del recuso artístico

“Serialismo”.
 Contemplar los aspectos fundamentales del serialismo para poder analizar obras que
posean dicho recurso.

Específicos:

 Comprender las razones del surgimiento y desarrollo de la técnica compositiva

llamada Serialismo, así como su desarrollo al Serialismo Integral.
 Entender el contexto socio-cultural y político en el que se encontraban los
compositores que desarrollaron el Serialismo y de esta forma entender las razones
que motivaron el rompimiento de la tonalidad y más adelante, de la métrica.

2
 Serialismo
1. Antecedentes

Surge como desarrollo de la técnica compositiva llamada Dodecafonismo, la cual consiste

en la descomposición del sistema tradicional tonal, basándose en los doce sonidos de la
escala cromática.

Tanto el serialismo como el dodecafonismo, procuran romper con la estructura tonal que
había predominado en las obras artísticas hasta su época, sin embargo se cree que el
primero en romper el parámetro de tonalidad fue Richard Wagner en su ópera Tristán e
Isolda (1865). Esto responde a la necesidad artística de buscar y explorar nuevas
herramientas y recursos para expresar un mensaje, y no como una forma de rebelarse contra
el sistema, idea por la cual estas corrientes artísticas fueron duramente criticadas por la
sociedad y sobre todo por un gobierno que oprimía el desarrollo musical, privando de
libertad a aquellos que se opusieran al nazismo y al arte que promovía este movimiento. Se
procuraba extender los parámetros tradicionales con tal de crear una riqueza en el lenguaje
musical, sin descartar la validez de los recursos anteriormente descubiertos por los teóricos
que les antecedieron.

1.1. Dodecafonismo

Influenciado por la corriente pictórica Impresionista, el dodecafonismo propuesto por

Arnold Schönberg determina estructurar series de sonidos pertenecientes al cromatismo,
cuidando de ciertas reglas como la no repetición, y el distanciamiento a cualquier tipo de
tonalidad.

La búsqueda de la desarticulización de la melodía como se le conoce tradicionalmente dio

paso a un nuevo sistema de expresión musical, el cual limitaba de alguna manera la
creatividad en la composición.

Si bien Schönberg dio paso a esta nueva herramienta compositiva, es su discípulo Anton
Webern quien establece e inspira las ideas de lo que se conocería como “Serialismo”
sirviendo así como punto de partida hacia lo que desarrollaría el Francés Olivier Messiaen.

En los años cincuenta, el francés Olivier Messiaen y el italiano Luigi Dallapiccola adoptan
algunas ideas matemáticas de permutación que son parte de la serie dodecafónica para
determinar la secuencia ordenada de intensidad, duración y timbre de los sonidos. De ahí
nace el Serialismo integral, generado en la escuela de Darmstadt en Alemania. Entre sus
compositores sobresale el alemán Karlheinz Stockhausen, autor de Kreuzspiel y Zeitmasse;
y el francés Pierre Boulez.

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1.1. Antecedente Filosófico

Desde el inicio del estudio de la música la filosofía ha influido en el establecimiento y

concepción de cánones: la belleza, utilidad, espiritualidad etc. siendo una influencia que a
lo largo de los siglos ha guiado el camino hacia nuevos lenguajes, ideas y conceptos tanto
técnicos como teóricos.

Resulta punto de partida el “Tratado de Armonía” de Schönberg en el que critica de manera

técnica y filosófica los modelos establecidos de “Estética” e inicia a nombrar la
consonancia y disonancia como partes intrínsecas de una misma naturaleza. Para Schönberg
“la naturaleza es tan multiforme que podemos insertar en ella nuestros artificios; y en la
naturaleza, sin duda, pueden encontrar su fundamento muchos otros sistemas diverso del
nuestro. ¡ o bien encontrar razones que los invaliden!” (Tratado de armonía, Schönberg).
Determinando así el ocaso del gran periodo artístico tonal y al mismo tiempo el comienzo
de una nueva etapa, el dodecafonismo.

El serialismo no es la excepción, alimentado por la profunda devoción que Webern poseía

hacia la naturaleza y la botánica, misma que lo acercarían a ideas del célebre escritor
Goethe, influenciado en la concepción de un arte de “unidad”.

El propio compositor ha dejado suficientes alusiones de este acercamiento a la naturaleza

“Observar y experimentar la física de la naturaleza es la más alta teosofía metafísica que
existe para mí”.

El concepto que Webern poseía de la naturaleza era el de “un todo” orgánico que crece
progresivamente y se expande desde las células pequeñas hasta el “Creador” como una
continua metamorfosis.(Perle. George, “Serial composition and atonality an introduction to
the music of Schoenberg Berg and Webern” 1991)

1.1.1. La unidad

Durante toda su vida Webern tuvo predilección por la unidad en la variedad, en una de sus
ocho conferencias dictadas entre 1933 y 1934 declara: “Desarrollar toda clase de ideas
diversas a partir de una idea principal: Ahí está la máxima unidad” así mismo en
correspondencia a la poetisa H. Jone: ¡Qué concepción! Es la réplica exacta de nuestro
modo de composición; siempre la misma cosa que aparece bajo mil aspectos diferentes.

La concepción del motivo como célula básica sometida a variación se cristaliza en Webern
en el empleo de pequeñas células de tres o cuatro sonidos. El espíritu analítico del
compositor le lleva a analizar flores y plantas, le impulsaba también a crear la música de
una forma lógica y coherente.

Según Weber la técnica dodecafónica se distancia del tonalismo en el cambio de sentido de

“unidad”, dado que anteriormente la tonalidad representaba el camino de cualquier

4
composición, que aun variando de centro tonal mantiene un sentido de “unidad tonal”,
según Weber el dodecafonismo establece una nueva y divisible unidad, la cual de manera
cromática establece los parámetro para un camino compositivo determinado pero a la vez
rico en experimentación y propuesta.

La búsqueda de la unidad total nos conecta con el estudio Ontológico, en el cual filósofos
como Hegel propone que “la entera Unidad del Ser es su totalidad: el conjunto de todos los
seres; que exige la realización de la total diversidad de ellos: lo universal concretado en la
totalidad de los particulares”. (Rev. Filosófica 6 García Gonzales)

Claro está que el dodecafonismo otorga dicha totalidad a cada sonido de la escala
cromática, borrando el llamado Centro tonal pero a la vez creando 12 unidades que en su
relación se convierte en una escala autosuficiente.

Se trata siempre del mismo esfuerzo, extraer lo máximo de “una idea musical”, todo lo que
se ha hallado en cuanto formas artísticas se encuentra también en la nueva música (El
camino hacia la nueva Música, Weber 1933)

2. Contexto Histórico

Europa inicia la primera década del siglo XX en un ambiente hostil, que llega a
desencadenar en 1914 la Primera Guerra Mundial, hecho que alteró la sensibilidad de la
población y las corrientes académicas del momento, Estados Unidos por su parte
artísticamente ve el surgimiento y establecimiento del Jazz.

La geopolítica del momento vive un clima de tensión bélica, desde revueltas populares y
obreras, cada región busca la evolución y el desarrollo, en la segunda década India de la
mano de Gandhi marcha por su libertad, el fascismo se instala en Italia, Adolf Hitler logra
ser presidente del Partido Nacionalsocialista de los trabajadores y Albert Einstein Obtiene
el premio Nobel de Física.

Los años de 1930 inician con purgas sangrientas en Rusia bajo el régimen de Stalin, Hitler
asume el poder total en Alemania, Inician las revueltas de la Guerra Civil española. Inicia
la segunda Guerra Mundial, hecho que divide al mundo y establece un clima de caos a nivel
global, el cual determina y sirve de inspiración a corrientes artísticas y filosóficas como:
Impresionismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo en las artes, mismas que sirven de
catarsis social a determinados círculos y esferas académicas, la segunda mitad de este siglo
es la antecesora al tiempo actual, la cual es más conocida por el establecimiento de la
Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética llegando hasta el nuevo milenio, que
continúa con enfrentamientos y eternas luchas de poder.

La música expresionista, que alcanzó su apogeo en el periodo de entreguerras, buscó la

expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea.
Para ello empleó composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas,
5
deformando las técnicas convencionales y reemplazando las armonías tradicionales por
otras más complejas y disonantes. La música es a menudo atonal o producto de la
distorsión, la polifonía (simultaneidad de líneas melódicas) es con frecuencia densa, y la
melodía, prácticamente irreconocible.

3. Desarrollo

3.1. Serialismo

El serialismo es una herramienta compositiva, cuya base es establecida por una secuencia
de sonidos llamada serie, que es determinada por el compositor. Existen dos tipos de serie,
la serie dodecafónica, basada estrictamente en los 12 sonidos de la escala cromática,
evitando la repetición de los sonidos dentro de la serie y la serie libre, en la cual el
compositor elige los sonidos y la extensión de la serie.

"El serialismo no es una propuesta que haya aparecido de inmediato para romper con la
tonalidad, sino que es más bien el fruto de varias exploraciones y composiciones que
extendían y se alejaban cada vez más de los parámetros tradicionales de la música tonal."
(Música, serialismo y matemáticas, Hipótesis, Apuntes científicos uniandinos, núm. 15,
noviembre del 2013, Gabriel Téllez)

Esta es una de las pocas corrientes posteriores al siglo XX que tuvieron un avance muy
rápido, y cada vez se volvió más matemático. El serialismo es un proyecto musical
intelectual que busca el análisis estructural de la obra. El anhelo por romper con la
música tonal no tenía el afán de refutar las reglas tradicionales sin motivo alguno, sino más
bien correspondía a una búsqueda por ampliar los parámetros de la música tonal y a un
deseo de lograr nuevas expresiones artísticas.
Los principios del serialismo se fueron forjando debido a la necesidad de reglas que
equilibraran el caos causado por la falta de reglas armónicas de la atonalidad.

Existen dos tipos de serialismo, el serialismo básico, también llamado dodecafonismo y el

serialismo integral.

3.1.1. Serialismo básico o dodecafonismo

Este parte de la idea de tomar los doce sonidos de la escala cromática. Este tipo de
serialismo afecta solo a la altura de los sonidos de forma horizontal (la melodía) y
horizontal (la armonía). Las series poseen 4 formas de ser presentadas, a fin de obtener una
mayor riqueza compositiva.

6
3.1.1.1. Serie original (O)

La serie determinada por el compositor. Si es una serie dodecafónica debe cumplir

con las normas establecidas de dicho recurso compositivo, como la no repetición de los
sonidos dentro de la serie.

Imagen 1 - FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

3.1.1.2. Serie retrógrada (R)

Esta consiste en interpretar la serie original, comenzando por la última nota de la

serie, en segundo lugar la penúltima nota de la serie, luego la antepenúltima nota, y así
sucesivamente.

Imagen 2 - FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

3.1.1.3. Serie invertida (I)

Esta serie se construye a partir de la inversión de la dirección de los intervalos de las notas
de la primera serie. En términos simples "consiste en subir lo que baje y bajar lo que suba la
misma distancia", utilizando la misma cantidad de semitonos.

Imagen 3 - FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

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En el ejemplo podemos observar que en la serie original se comienza con un intervalo de
cuarta aumentada ascendente (de G4 a C#5), o sea tres tonos (tritono), por lo que en la
inversión, tomando como punto de partida la misma nota (en este caso Sol), se descenderá
tres tonos (de G4 a C#4). El siguiente intervalo es de segunda menor ascendente (de C#5 a
D5), o sea medio tono, con lo que se procederá a colocar un intervalo de segunda menor
descendente (de C#4 a C4).

3.1.1.4. Serie retrógrada invertida (RI)

Esta parte de la serie invertida, interpretándola en el orden contrario, tal como lo hace la
serie retrógrada con la serie original.

Imagen 1 - FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

3.1.2. Serialismo integral o Total

Junto con la idea de tomar los doce sonidos como una serie, el serialismo integral es
empleado en todos los parámetros musicales, tanto en la melodía (altura) y la armonía (al
igual que en el dodecafonismo), como en el ritmo (duración), dinámicas (intensidad),
timbre (siguiendo una secuencia en cuanto qué instrumentos interpretarían la serie), los
ataques (acentos, staccatos, etc.), entre otros.

Anton Webern fue quien empezó a explorar y a promover el serialismo integral y más
adelante otros compositores como Messiaen y Boulez, perfeccionaron la técnica en sus
composiciones.

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3.1.2.1. Estructuras para dos pianos de Pierre Boulez

Imagen 4. Estructura para dos pianos- Boulez. FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

Imagen 6- Estructura para dos pianos- Boulez. FUENTE: https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148

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3.2. Características

 Requiere de una estructura y orden determinado

 No posee un centro tonal: Esto para evitar una preferencia o una
sobrevaloración a una nota específica y crear una democracia sonora.
 No se deben repetir las notas: "En una conferencia dictada en Viena en 1932,
Webern comentaba sobre sus Bagatelas para cuarteto de cuerdas op. 9:
“cuando todas las doce notas han pasado, la pieza está terminada”, y a partir
de esa idea elemental proponía una regla: “hasta que las doce notas no hayan
ocurrido, ninguna de ellas puede ocurrir de nuevo”. Así, una serie de doce
notas va a formar el elemento de base de una composición." - (Música,
serialismo y matemáticas, Hipótesis, Apuntes científicos uniandinos, núm.
15, noviembre del 2013, Gabriel Téllez)

3.2. Relación matemática del serialismo

Los miembros de la Segunda Escuela Vienesa (Schönberg, Berg, Webern), hicieron uso de
recursos de la geometría axiomática que se basa en elementos primarios que se definen en
una lista de axiomas. Schönberg definiría la llamada Serie a partir de cuatro axiomas
fundamentales para delimitar su "geometría serial":

En primer lugar, la serie debe estar basada en los 12 sonidos de la escala cromática. En
segundo lugar, ninguna de las notas se repetirá en la serie. Tercero, se puede presentar la
serie en cualquiera de sus aspectos lineales o formas antes expuestas de la misma; serie
original, serie retrógrada, serie invertida y serie retrógrada invertida. Cada una de estas
transformaciones es una biyección de la serie. La biyección es una función uno a uno en la
que a cada elemento de una serie, le corresponde un elemento en la otra serie. Y por último,
se puede utilizar la serie en cualquiera de las cuatro formas comenzado desde cualquiera de
las notas de la escala.

El primer axioma, hace referencia a la permutación matemática, ya que cada uno de los
elementos (cada una de las notas de la escala cromática), se presenta solo una vez en la
serie.

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Tal como lo presenta el Licenciado Manuel Domínguez Romero, en el documento Las
matemáticas en el serialismo musical (mayo 2004):

Imagen 7. Las matemáticas en el serialismo musical (mayo 2004)

"Numerando las notas del 0 al 11 como en la figura, dar una serie no es más que establecer
una
biyección _:{0,1,2,...,11}_ {0,1,2,...,11}, de modo que por _(i) entendemos el número de la
nota que en la serie ocupa el puesto i-ésimo. Esta permutación –al grupo de permutaciones
de "n" elementos se le conoce como grupo simétrico "Sn–" suele representarse del siguiente
modo:

Imagen 8. Las matemáticas en el serialismo musical (mayo 2004)

De esta forma se puede presentar la serie como una permutación

Imagen 9. Las matemáticas en el serialismo musical (mayo 2004)

El segundo axioma denota una de las principales reglas de la permutación, ya que en la

fórmula que permite dar como resultado el número de combinaciones posibles de un
arreglo (serie), no se puede repetir ninguno de los elementos dentro del arreglo, con lo cual
los "n" objetos o elementos son diferentes entre sí.
El tercer axioma presenta los aspectos lineales y se nos presentan dos términos
Retrogradación, con el que encontramos relación en la geometría aplicada a la astronomía,
con el movimiento retrógrado de los planetas, que se presenta cuando uno de los mismos
invierte su movimiento de acompañamiento al Sol, durante breves períodos (según cada
planeta). El siguiente término es Inversión se encuentra también en la geometría, como una
transformación geométrica plana en la que un punto se hace corresponder a otro punto
sobre la recta en una circunferencia, si el punto está en la parte de superior de la
circunferencia ahora se encontrará en la parte inferior.

Por último, en el cuarto axioma podemos ver que Schönberg, propone que se puede partir
de cualquiera de los sonidos de la serie, respetando el orden establecido previamente, con lo
que la melodía no cambia, solo el punto de partida. A esto le podemos llamar Trasporte,

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consistiendo en bajar o subir de nota la serie sin alterar los intervalos (o a distancia entre los
sonidos) que ya se han establecido. En esto se pueden usar operaciones sencillas, que
veremos en el ejemplo a continuación:

Si se tiene una secuencia con las notas: Fa# - Do - Sol#, y le asignamos un número en
correspondencia a la escala cromática comenzado desde Do como 0 y Do# como 1,
tendríamos a Fa# como 6, Do como 0 y Sol# como 8, luego para transportarlo tres
semitonos, se sume 3 a cada uno de los número que representan las notas. Entonces Fa#
(6+3=9) y 9 equivale a la nota La. Luego Do (0+3=3) y el número 3 equivale a la nota Re#.
Para concluir, Sol# (8+3=11) y el 11 representa la nota Si.

En 1950 Milton Babbitt crea el "Cuadro de Babbitt" una matriz que ofrece al compositor o
al analista las cuatro transformaciones de la serie, a través de fórmulas y operaciones
matemáticas simples.

4. Compositores

4.1. Segunda Escuela Vienesa

Formada por compositores vieneses Arnold Schönberg, Anton von Webern y Alban Berg
quienes marcaron precedente en la composición la cual supondría la desestructuración total
con la tonalidad.

Imagen 10. De izquierda a derecha: Anton Webern, Alban Berg, Arnold Schoenberg.
FUENTE: https://berlinconfidencial.com/2010/10/0

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4.1.1. Arnold Schönberg

Compositor y pintor del siglo XX, nacido en Viena el 13 de

septiembre de 1874. Comenzó a tocar violín a los 8 años y casi
de inmediato empezó a componer. Desde dicha edad hasta los
17 años, compuso música convencional, que a su perspectiva
eran meramente imitaciones de las música con la que estaba
familiarizado.

Arnold Schönberg expresó a Richard Dehmel en 1912, que sus

poemas fueron de gran inspiración para sus composiciones,
sobre todo porque estos lo motivaron a encontrar un nuevo Imagen 11. Retrato Azul- Arnold
estilo en su lírica. Además admitió que sus primeros intentos de Schönberg (1910)

composiciones basadas en los poemas de Dehmel, ayudaron

más en el desarrollo de lo que sería su trabajo compositivo, que lo que hicieron sus obras
posteriores.

"No fue sino hasta que conocí a tres jóvenes, casi de mi edad, y hasta que obtuve su
amistad que mi educación musical y literaria comenzaron. Primero Oskar Adler, cuyo
talento como música era tan grande como sus capacidades científicas. A través de él,
aprendí que existe una teoría de la música y encaminó mis primeros pasos en la misma. Mi
segundo amigo en esa época fue David Bach, un lingüista, filósofo, literato y matemático,
que también era un buen músico. Y el tercer amigo, a quien debo la mayor parte de mi
conocimiento en la técnica y mis problemas al componer, Alexander von Zemlinsky".
(Arnold Schönberg, My Evolution, 1949).

El 25 de marzo de 1898 Schönberg se convirtió al protestantismo.

En 1903 Richard Strauss, consiguió que Schönberg llegara al conservatorio Stern, y obtuvo
el estipendio Liszt para Arnold.

Entre diciembre de 1901 y julio de 1902 Schönberg trabajó como director musical para
Ernst von Wolzogen en el teatro Buntes en Berlín.

Ya entre 1903 y 1905, con las Seis canciones orquestrales, op. 8, el objetivo de Schönberg
era unificar los elementos artísticos de la esctritura y la instrumentación.

En esta época, comienza su amistad con Gustav Mahler, quien diría de Schönberg en 1910,
que él es una de esas personas apasionadas que se levantan en oposición, pero que
ciertamente provocan estimulación y movimiento, y quienes siempre han tenido una
influencia inspiradora y beneficiosa en la mente de las personas.

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En el otoño de 1904 Alban Berg y Anton Webern se convierten en estudiantes de
Schönberg.

La obra que marcó un precedente para Schönberg fue La Sinfonía de Cámara para 15
instrumentos solistas (sinfonía de cámara para orquesta op. 9b), ya que fue un punto clave
en su desarrollo. El segundo cuarteto de cuerdas en fa sostenido menor también jugó un
papel importante en su desarrollo, aunque el progreso decisivo hacia el llamado atonalismo
aún no había sido abordado. No fue sino hasta su composición "El libro de los jardines
flotantes" op. 15, que el "George Lieder" que por primera vez logró acercarse al ideal de
expresión y forma que había estado en su mente durante años, entonces había trazado el
camino de una vez y por todas, en el que era consciente de haber roto las restricciones de la
estética anterior a aquella revolución.

Arnold Schönberg murió en Los Ángeles el 13 de julio de 1951.

4.1.1.1. Obras destacadas

• Julikäfer, Polka française, en 1885.

• Zwei Gesänge für eine Baritonstimme und Klavier [Dos canciones para barítono y piano]
op. 1 (1899).
• »Verklärte Nacht«. Sextett für 2 Violinen, 2 Violen und 2 Violoncelli ["Noche
transfigurada " para sexteto de cuerdas] op. 4 (1899).
• Gavotte und Musette (im alten Style) [Gavotte and Musette (en estilo antiguo] para
orquesta de cuerdas (1897).
• Quartett (d-Moll) für 2 Violinen, Viola und Violoncello [Primer cuarteto para cuerdas en
re menor] op. 7 (1904/05).
• Frühlings Tod [Muerte de la primavera] después de Lenau para orquesta (Fragmento,
1898).
• Brettl-Lieder [Canciones de Cabaret]
• Sechs Orchesterlieder [Seis canciones orquestales] op. 8 (1903–1905)
• Kammersymphonie für fünfzehn Soloinstrumente op. 9 (für grosses Orchester op. 9b) [La
Sinfonía de Cámara para 15 instrumentos solistas (sinfonía de cámara para orquesta op.
9b)] (1906/1936).

Imagen 12- Ensemble Avantgarde. FUENTE https://www.allmusic.com/album/sch%C3%B6nberg-pierrot-lunaire-op-

21-mw0001797516/similar

14
4.1.2. Anton Webern

Compositor austríaco, conocido por impulsar el serialismo.

Nació el 3 de diciembre en Viena. Su madre le dio sus
primeras lecciones de piano a los 5 años. En 1895 Webern
recibe sus primeras clases de teoría musical. Más adelante
en 1899 compone sus primeras obras. Luego de graduarse
del Gymnasium en Klagenfurt, comienza a estudiar en la
Universidad de Viena en 1902. Comienza sus estudios con
Arnold Schönberg en el otoño del 1904.

En el año 1906 obtiene su doctorado. Ese mismo año

compone el Quinteto para piano. Termina sus estudio con
Schönberg en el año 1908 y se convierte en el director
sustituto del Teatro de Bad Ischl, además se estrena su obra Imagen 13. Anton von Webern
Passacaglia op. 1 bajo su dirección. Fuente:https://www.imagenesmy.com/im
agenes/anton-webern-94.html

En el 1913 se estrena su polémica obra Seis piezas para Orquesta op. 6. Además realiza un
año de servicio voluntario en el ejército.

Durante 1918 se instala en la ciudad austriaca Mödling y ayuda Schönberg a dirigir la

Sociedad de presentaciones musicales privadas. En el año 1922 su obra "Cinco
movimientos para cuarteto de cuerdas op. 5 es interpretado en el Festival Internacional de
Música de Cámara en Salzburgo, ese año también se hace cargo de la Vienna Workers’
Symphony y dirige la Freien Typographia en Viena.

El año 1923 fue importante ya que es cuando Schönberg les enseña a Webern y Berg la
teoría del dodecafonismo. El año siguiente gana el Gran premio musical de la ciudad de
Viena. En 1931 le dan el Premio Musical de la Municipalidad de Viena. En 1934 se le
prohíbe la participación en el partido democrático social y Weber renuncia a su cargo en el
"Kunstselle" (en el "Social Democratic Kunststelle and Musical Modernism").

Anton Webern encuentra la tragedia en una muerte causada por un disparo accidental de un
soldado estadounidense, el 15 de septiembre 1945.

4.1.2.1. Obras destacadas

• Quinteto para piano - 1906

• Passacaglia op. 1
• Seis piezas para Orquesta op. 6 - 1913
• Seis bagatelas para cuarteto de cuerdas op. 9
• Seis Lieder para voz, clarinete, clarinete bajo, violín y violoncello, op. 14.
• Sinfonía op. 21

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4.1.3. Alban Berg

Compositor vienés, pupilo de Arnold Schönberg. Compuso obras atonales y con recursos
compositivos de finales del siglo XIX tales como el dodecafonismo, aunque se mantuvo fiel
al romanticismo de finales de ese siglo. Escribió música orquestal , música de cámara,
canciones y dos innovadoras óperas Wozzek y Lulu. Nació en Viena el 9 de febrero de
1885. En 1900 reprueba el examen conocido como Matura, el examen final (en el sistema
educativo vienés) que permite que los estudiantes entren a la universidad, lo que lo hace
caer en depresión, al punto de considerar el suicidio. En 1904, aprueba el Matura y este
mismo año toma clases privadas y gratuitas con Arnold Schönberg. Además fueron clases
gratuitas, ya que Schönberg pudo reconocer el talento de Berg, solo hasta el año 1906, ya
que luego fueron clases pagadas debido a la precaria situación financiera Schönberg. En el
año 1910 culmina sus estudios con Schönberg y compone el Cuarteto de cuerdas op. 3. El
estilo musical y el ejemplo humano de Schönberg influenció la personalidad musical de
Berg. Estrenó la sonata para Piano y el Cuarteto de Cuerdas en 1911. Compone Cinco
canciones basadas en textos de tarjetas postales de Peter Altenberg (escritor y poeta
austriaco) op. 4 en el año 1912, y no es sino hasta el 31 de marzo de 1913 que estrenó dos
de estas cinco canciones, lo que desembocó en una trifulca.

El 14 de mayo de 1914 asiste a la presentación de Woyzeck de Georg Büchner (inconclusa

debido a su muerte, pero con distintas versiones sobre el final de dicha obra) y decide crear
la música y componer una ópera (u operetta) basándose en ella. El 3 de diciembre completa
el "Lied der Lulu" dedicado al cumpleaños cincuenta de Webern. En noviembre de 1934 las
Piezas sinfónicas de la ópera Lulu son estranadas bajo la dirección de Erich Kleiber, pero
debido a la hostilidad contra Kleiber, este decide emigrar en 1935, razón por la que no pudo
continuar dirigir las obras de Berg en Alemania.

El veneno de una mordedura de insecto acabaría con la vida de Alban Berg el 24 de

diciembre de 1935 en Viena.

4.1.3.1. Obras destacadas

* Tres canciones y fuga para cuarteto de • Ópera Lulu

cuerdas (1907) (inconclusa tras
• Sonata para Piano la muerte de
• Cuarteto para cuerdas Berg, luego el
• Cinco canciones basadas en textos de compositor
tarjetas postales de Peter Altenberg op. 4 austriaco
• Cuatro piezas para clarinete y piano op. Friedrich Cercha
5 agregó un tercer
• Suite Lírica acto).
• Ópera Wozzeck • Piezas
Imagen 14. Alban Berg. Fuente
• Lied der Lulu sinfónicas de la Alban Berg.
ópera Lulu FUENTE:https://www.musicroo
m.es
16
4.2. Escuela Darmstadt

Se llamó así al conjunto de compositores emergentes, educados en Darmstadt, Alemania,

en los "Internationale Ferienkurse für Neue Musik" (Cursos de Vacaciones Internacionales
de música nueva). Con maestros de composición como Oliver Messiaen y Edgar Varèse, su
metodología alentaba a los jóvenes compositores a desligarse de las formas tradicionales de
composición. Entre los compositores del siglo XX destacan: Igor Stravinsky, Bela Bartók,
Luigi Nono, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen. Estos dos últimos se inspiraron en la
técnica serialista de Webern.

Imagen No. 15 (Pierre Boulez, Bruno Maderna y K. Stockhausen. Darmstadt 1955)

4.2.1. Olivier Messiaen

Compositor, organista y ornitólogo francés. Nació en Aviñón, Francia el 10 de diciembre

de 1908. Su padre era un erudito de la literatura inglesa y su madre una poetisa. A causa de
la Primera Guerra Mundial su familia se mudó a Grenoble. A la edad de siete años,
Messiaen comenzó a componer y a aprender a tocar el piano. En 1919 su familia se mudó a
París y Messiaen entró al Conservatoire de musique en esa ciudad, a la edad de 11 años y
culminó sus estudios a los 20 años. Allí recibió clases de órgano e improvisación con
Marcel Dupré, clase en la que destacó, con lo que a la edad de 22 años se convirtió en el
organista de la Sainte Trinité de París. Ya que su carrera como organista duró desde esa
edad hasta su muerte, la contribución de Messiaen en el repertorio para órgano fue
excepcional.

Messiaen creó sus propios modos de composición limitada, tomando como referencia
ritmos de la India (deci tala), la antigua Grecia (modos eclesiásticos) y lo más peculiar de
todo, del canto de los pájaros de distintas partes del mundo, cantos coleccionados desde que
tenía 18 años de edad. Estos cantos fueron más notorios en sus obras a comienzos de los
17
años 40. Continuó componiendo textos para la mayor parte de sus obras corales, así como
"Trois Petite liturgies de la Presence Divine" que al ser estrenada provocó reacciones
negativas y hostiles de parte de los críticos. Se supone que dicha reacción fue causada por
el hecho de que la obra rebosa de pasión con profundo fundamento religioso, lo que
sorprendió a la crítica, con lo que la mayoría de las críticas no fueron dirigidas
precisamente a la música.

Muchas de las composiciones de Messiaen poseen un evidente carácter religioso, debido a

su devota fe cristiana y su catolicismo. Algunas de sus obras también se centraron en el
sonido de los pájaros, ya que a lo largo de su carrera fue perfeccionando la habilidad de
reconocer el canto de distintos tipos de pájaros.

Los compositores que influyeron tempranamente en la vida artística de Messiaen fueron

Debussy y Gluck, más específicamente las obras "Pelleas et Mellisande" y el "Prelude á
l’apres-Midi d’un Faune" de Debussy, ya que Jean Gallon, su profesor de armonía, le
enseñó la partitura de dicha obra. La cualidad eterna y etérea de esta música cautivó a
Messiaen. Aún siendo bastante joven leyó la partitura del Orfeo de Gluck y descubrió que
podía escuchar esta música en su mente.

Olivier descubrió que la música tiene color, pero aclaró que no se pueden ver todos los
colores, ni todas las imágenes a la vez. Se conoce a esta habilidad como sinestesia, sin
embargo son pocos los compositores reconocidos que la han desarrollado con tal de
transmitir dichos colores en sus obras.

Messiaen declararía, con respecto a este tema: "Intento incorporarlos a mi obra y

comunicárselos al oyente. Todo es muy móvil. Es como conseguir un sonido móvil. Los
sonidos son agudos, graves, rápidos, lentos, etc. Mis colores tienen la misma función, se
mueven de la misma forma. Como el arcoíris, que evoluciona de un todo a otro. Es muy
fugaz y difícil de abarcar de forma absoluta." (Biografía y algunas reminiscencias
personales, http://www.oliviermessiaen.org/spanpage.htm)

Creó el grupo de compositores "La Jeune France" (la Joven Francia) para promover la
"nueva" música francesa. Este grupo lo integraban Messiaen, Andre Jolivet, Daniel Lesur e
Yves Baudrier.

Una de sus obras más reconocidas la escribió en junio de 1940 luego de ser capturado por
los nazis y encarcelado en el campo de prisioneros de guerra Stalag 8A, Gorlitz, Polonia,
producto de alucinaciones (visiones y sueños) por falta de alimento. Dicha obra es Quatour
pour la fin du temps (Cuarteto para el final de los tiempos o el fin del tiempo), basado en el
libro de Apocalipsis capítulo 10. Esta obra se presta a un análisis muy extendido que
demuestra como Messiaen utiliza el serialismo para desarticular el tiempo en las notas y
darle un carácter significativo y filosófico a este recurso compositivo y recalcar el tema de
la obra, sobre el final de los tiempos. Esta composición fue estrenada el 15 de enero de

18
1941 ante los prisioneros en el campo de concentración quienes posiblemente ignorarían
tanto aspectos musicales tradicionales como las nuevas armonías planteadas en la obra.
Fueron sus amigos, el violinista Jean Le Boulaire, el chelista Etienne Pasquier y el
clarinetista Henri Akoka, que se encontraban en el campo con Messiaen, quienes le
ayudaron a interpretar la obra por primera vez. En marzo del mismo año, fue liberado. En
1966 fue nombrado catedrático de composición en el Conservatoire de Musique de París,
aunque ya impartía dicha cátedra, la cual recibieron compositores famosos como Pierre
Boulez, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, entre otros, quienes aprendieron de él, el
evitar las métricas regulares en las marchas y otros estilos populares.

El "Mode de valeurs et d'intensites", parte de los cuatro estudios de ritmo para piano,
demuestra que Messiaen usó la teoría de Schönberg de serializar las alturas y la llevó a otra
dimensión ya que serializó todo los parámetros musicales, altura, dinámicas, duración y
articulaciones, para que cada nota tuviera un carácter y una identidad propia y se
mantuviese de esta forma a lo largo de toda la pieza. Entonces un Sol4 siempre tendría un
valor de negra, pianísimo y con un tenuto como articulación. Con esta obra Messiaen
encaminó a sus estudiantes a explorar las nuevas posibilidades en serialismo integral, para
luego regresar a sus ideas compositivas sobre la naturaleza, con su fe como inspiración y su
distintiva asimetría e irregularidad rítmica.

En el año 1975 Messiaen comenzó un proyecto que ocuparía ochos años de su vida, la
ópera "Saint François d'Assise". Esta obra representa su trabajo vital incluyendo todas las
técnicas desarrolladas a lo largo de su carrera artística.

Murió el 27 de abril de 1992, en Clichy, Francia.

Imagen 16. Olivier Messiaen – Quatuor Pour La Fin FUENTE: Sello. Deutsche Grammophon, 1979

19
4.2.2. Karlheinz Stockhausen

Nació el 22 de agosto de 1928 en Mödrath, Alemania. Compositor con una amplia

trayectoria artística y con gran influencia en estilos musicales innovadores. Compuso
alrededor de 376 obras. La música de Stockhausen en general se la puede clasificar como
"música espiritual".

Entre sus obras seriales más famosas se encuentran "Kreuzspiel" (Cross-play) y "Formel"
(Fórmula).

En 1952 recibió clases de rítmica y estética con Olivier Messiaen en París. También
durante este año, formó parte del grupo "Musique concréte" en la radio Francesa en París y
realizó la primera síntesis del espectro sonoro con tonos sinusoidales generados
electrónicamente.

Desde 1953 colaboró en el Estudio para Música Electrónica de la Radio del Oeste de
Alemania en Cologne, luego desde 1963 a 1977 fue el director artístico de dicho estudio y
en 1990 fue consultor artístico.

La música espacial y la música aleatoria nacieron en 1953. Sus primeras composiciones de

música Electrónica vieron la luz ese mismo año, de las cuales se pueden mencionar:
"Electronische Studien I und II" (Estudios electrónicos 1 y 2), "Gesang der jÜnglinge"
(Canción de los jóvenes).

De 1954 a 1959 fue coeditor de "die Reihe", publicaciones sobre música serial (Edición
Universal, Viena).

Cabe destacar que a lo largo de su trayectoria musical, Stockhausen clasificó sus obras en
estilos particulares. Dichas clasificaciones se presentan a continuación:

 Música serial
 Música puntual
 Música electrónica
 Música nueva de percusión
 Música variable
 Música nueva para piano
 Música espacial
 Música estadística
 Música aleatoria
 Música electrónica en vivo Imagen 17. Partitura Música Cósmica - Stockhausen FUENTE:
http://novamusik.net/?p=17
 Nueva síntesis sobre La música y el
discurso
 Nueva síntesis sobre el Teatro musical
 Nueva síntesis de la Música ritual
20
  Música escénica
 Grupo de composición
 Proceso "polifónico" de composición.
 Momento de composición
 Fórmula de composición
 Multi-fórmula de composición
 La integración de objetos encontrados (himnos nacionales, folclor de todos los
países, eventos de onda-corta, escenas sonoras, etc.)
 Música mundial
 Música universal
 La síntesis de la música Europea, Africana, Latinoamericana y Asiática en
"Telemúsica"
 Música Octofónica vertical.
 Música espiritual (que engloba las demás clasificaciones, siendo la que caracteriza
toda la obra de Stockhausem)
 Música armónica
 Música intuitiva
 Música para mantras
 Música cósmica

La mayor parte de sus composiciones realizadas hasta el año 1970 fueron presentadas en la
"Expo '70" feria mundial en Osaka, Japón, en un auditorio esférico (idea de Stockhausen),
por cinco horas y media, diarias por 183 días e interpretadas por veinte instrumentistas y
cantantes, alcanzando una audiencia de más de un millón de personas. Stockhausen fue
profesor de composición en el "Hochschule fÜr Musik" en Cologne en 1971. Además fue
invitado a distintas cátedras en Suiza, Estados Unidos, Finlandia, Holanda y Dinamarca.

4.2.2.1. Obras

• 1951- Música serial: "Kreuzspiel" (Cross-play), "Formel" (Fórmula).

• 1952- Música puntual: "Spiel" (Play), "KlavierstÜcke" (piezas para piano), "Schilagtrio"
(Trío de percusión), "Punkte" (Puntos), "Kontra-punkte" (Contrapuntos).
• 1953 - "Electronische Studien I und II" (Estudios electrónicos 1 y 2), "Gesang der
jÜnglinge" (Canción de los jóvenes).
• "Zeitmasze" (Medidas de tiempo).
• "KlavierstÜck XI" (Pieza para piano XI)
• "Kontakte" (Contactos)
• 1959- Nueva música de percusión: "Zyklus" (Ciclo), "Refrain"
• "Carré" para 4 orquestas y 4 coros.
• "Momente" (Momentos).
• Música cósmica: "Stimmung" (afinación), "Aus den sieben tagen" (de los siete días),
"Mantra", "Sternklang" (Estrella sonora), "Inori", "Atmen gibt das leben" (La respiración
da vida), "Sirius", "Light" (Luz), "Klang" (Sonido).

21
4.2.3. Pierre Boulez

Nació en Montbrison, Francia, 1925.

Compositor y director de orquesta francés.
Tras recibir una completa formación como
matemático en su localidad natal, Pierre
Boulez estudió en París desde 1942 con
Olivier Messiaen y René Leibowitz, quienes
le descubrieron el universo de la música
Imagen 18. Pierre Boulez FUENTE: http://www.futuresymphony.org
contemporánea. Alineado con las posturas
estéticas de la escuela de Darmstadt, su defensa intransigente del serialismo integral (en la
que cabe situar su polémico artículo «Schönberg ha muerto», escrito poco después de la
muerte del maestro vienés Arnold Schönberg) dio paso, a partir de 1960, a una mayor
libertad compositiva basada en una aleatoriedad controlada y una aguda sensibilidad
tímbrica, heredada de Debussy. El objetivo según Boulez, no era el de provocar una
polémica sino el de concienciar a ir mas lejos que el maestro.(Abromont, Claude. Pierre
Boulez, de la flgurance au plasir). Descubrió la música atonal y, de la mano de su maestro,
Olivier Messiaen, convirtiéndose en el líder de esta escuela postweberniana.

Para Boulez “lo abstracto construye la realidad. No me interesa la abstracción por sí misma,
sino porque nos ayuda a comprender la realidad, sobre todo la realidad interior de las
cosas” (El país. Junio 2013).

Un aspecto a tener en cuenta es que el compositor considera el silencio como parte orgánica
de la música, es decir, puede formar parte de la serie tanto como el sonido (Aitana García,
Espacio Sonoro No. 42 Mayo 2017)

En 1973 surge el Ircam junto al Centro Pompidou, un lugar de estudio y experimentación

de la música, que es referente en todo el mundo. Como director de orquesta ha conseguido
hitos como sus apariciones en el Festival de Bayreuth, consagrado a Richard Wagner.
También en el Festival de Lucerna, la referencia mundial en música sinfónica, ha dirigido y
se le han rendido homenajes como revolucionario musical.

4.2.3.1 Obras:

 Polyphonie X (1951)  Pli selon Pli (1962) y Notations

 Le marteau sans maître (1955) (1980)
Como director, su estilo objetivo y analítico se adapta especialmente al repertorio
contemporáneo, aunque también se le deben algunas versiones referenciales de obras de
Berlioz y Wagner. Boulez ocupó un puesto de privilegio en la música de vanguardia
posterior a la Segunda Guerra Mundial, tanto en su faceta creativa como en la de intérprete.

22
5. Obras cumbres del Serialismo Integral

 Variaciones Op. 27 - Anton Webern  Alban Berg - Suite Lírica, III Allegro
 Olivier Messiaen - Quatour pour le misterioso (1925)
fin du temps (1941)  Tres composición para piano - Milton
 Estructuras para dos pianos - Pierre Babbitt
Boulez Libro I (1951)  "Mode de valeurs et d'intensites" -
 Pierrot Lunaire op. 21 (1912) - Olivier Messiaen
Arnold Schönberg
 Anton Webern - Trío de cuerdas Op.
20 (1926)

Imagen 19. Tres composiciones para piano - Babbitt. FUENTE: https://www.youtube.com/watch?v=9C9ELx0Gr14 . Copyright 1957
by Bockle-Bomart

Imagen 20. Messiaen-Mode de valeurs et d'intensites. FUENTE: https://www.youtube.com/watch?v=cJBGJAyAQt8

23
6. Consecuencias

6.1 Serialismo Latinoamericano

El dodecafonismo es introducido y practicado por

primera vez en América Latina por el compositor
argentino Juan Carlos Paz (1897-1972) en 1934.

Paz es el teórico musical más importante que tuvo

Argentina hasta ahora, un compositor riguroso y una
personalidad pionera en el campo de la enseñanza y de
la difusión de la música nueva. Pertenece a la misma
generación de la que se habló anteriormente, pero al
igual que Acario Cotapos (1899-1970) y Carlos Isamitt
(1887-1974) en Chile. Paz sigue su propio camino, un
Imagen 21. Latinoamérica . FUENTE:
largo camino que lo lleva de un lenguaje
https://www.ekon.es/acerca-de/erp-en- postromántico y luego neoclásico a la música
latinoamerica dodecafónica en 1934 y, finalmente, a las más
extremas abstracciones de los procedimientos seriales a partir de 1950.

En 1937, Paz funda la "Agrupación Nueva Música", que nuclea principalmente a sus
alumnos, pero que no sólo se dedica al dodecafonismo, sino que cultiva la música
contemporánea en general y posibilita, a través de conciertos periódicos, la ejecución de
obras importantes de muchos compositores (por ejemplo, Bartók, Stravinski y la joven
vanguardia latinoamericana).

En estos años, precisamente en 1937, Hans-Joachim Koellreutter (1915) - flautista, director

y compositor alemán - llega a Brasil salvando su vida del nazismo y se convierte en la
personalidad más decisiva del país en el campo musical. Su trabajo teórico y pedagógico,
como así también su talento organizativo y su ininterrumpido compromiso político y social
influyeron y aún influyen sobre compositores, intérpretes, directores, pedagogos y músicos
populares brasileños.

En 1937, este alumno de Scherchen trae consigo la semilla del dodecafonismo y la difunde
en Brasil. En 1939, funda el "Grupo Musica Viva", similar a la "Agrupación Nueva
Música" y compartiendo sus objetivos, pero con un punto de partida político más fuerte y
definido, que no sólo marcó sus actividades sino que culminó en 1950 en una controversia
cultural (y política) a nivel nacional.

La "Agrupación Nueva Música" argentina continuó durante muchos años bajo la influencia
de Paz. Sigue existiendo hoy, con una orientación un tanto diferente y debilitada por un
notorio "drenaje de cerebros" de compositores hacia los centros metropolitanos, hecho que
podría explicarse por la orientación europea y "cosmopolita" del grupo.

24
El "Grupo Musica Viva" brasileño - especie de grupo hermano - tuvo una vida mucho más
corta y más violenta bajo circunstancias muy complicadas, que también fueron provocadas
por el fuerte compromiso político presente en sus actividades.

Paz, cuyo horror frente al nacionalismo argentino de salón, amable, superficial, seudo-
heroico y postromántico - en el cénit en la década del treinta - estaba fuertemente
enraizado, encontró en el dodecafonismo un medio de expresión mediante el cual hacer
frente a esta "fiebre nacional" y también al neoclasicismo (principalmente de corte
estravinskiano), que él mismo había practicado anteriormente. Un medio de expresión que
liberara a la música del lastre del "programa", del falso nacionalismo y del peligroso
neoclasicismo, y que él aplicó consecuentemente en su música entre 1934 y 1950.

La introducción del dodecafonismo en Argentina y Brasil significó un rompimiento con el

falso nacionalismo y un antídoto contra la música reaccionaria (neoclásica). En el momento
en que fue introducido en Sudamérica, representaba una salida del estancamiento del
lenguaje musical, en aquellos países en que la música nueva estaba amenazada de asfixia
por este nacionalismo estereotipado. Por otro lado - como se observó anteriormente - , el
dodecafonismo llegó más tarde a aquellos países como Cuba y México (donde el
nacionalismo jugaba el papel de la verdadera vanguardia), como resultado de la difusión
general de la música nueva europea después de la segunda guerra mundial.

El compositor y pianista holandés Fré Focke (1910) y el compositor austríaco Stefan Eitler
(1913-1960) fueron corresponsables de la enseñanza y difusión del dodecafonismo en
Chile.

Focke había estudiado composición con Webern en Viena en los últimos años de la década
del treinta y comienzos de la del cuarenta, y estaba familiarizado con el método
dodecafónico. Llegó a Chile en 1946 y permaneció allí hasta 1957, desarrollando
actividades de compositor, pianista y profesor de piano en Santiago de Chile.

Eitler arribó a Buenos Aires en 1936 y participó activamente de la vida musical local, entró
a la Agrupación Nueva Música y partió para Chile en 1950. En 1957, se radicó en São
Paulo, donde murió tres años más tarde.

En 1952, Focke y Eitler, concretando una idea del primero, fundaron el "Centro de la
música contemporánea en Chile", que desarrolló actividades y conciertos presentando no
sólo música europea sino también latinoamericana. Posteriormente, se convirtió en el
"Grupo Tonus".

Al finalizar la década del cincuenta y comenzar la del sesenta, Venezuela, Colombia,

Puerto Rico, Panamá, Guatemala, Nicaragua, contaban con compositores familiarizados
con la técnica dodecafónica y aplicándola más o menos regularmente pero, en la mayoría
de los casos, con bastante ingenuidad.

25
7. Recepción

7.1. Musical

La música ha buscado una forma de transmitir emociones y mensajes a través de un

lenguaje subjetivo, por esto se da importancia a la estructuración de la idea y su
representación dentro de las obras. Anteriormente se tomaba las frases y los motivos, para
dejar en el público una idea de lo que se quería expresar, ya en el serialismo es la serie la
que toma el papel de representar la idea. Desde la concepción del dodecafonismo hubo
avance en cuanto al desarrollo del serialismo, llegando a convertirse en serialismo integral,
sin embargo fueron los compositores que habían explorado la sonoridad cromática los que
comprendieron y adoptaron la técnica. El público, muchas veces conocedor, tuvo
reacciones sesgadas. Hubo quienes tacharon a la música serialista como mecánica y alejada
del propósito fundamental del arte, la elevación emocional y espiritual. Por otra parte,
aquellos que conocían el propósito por el cual los compositores aplicaban este recurso, se
maravillaban por tan elocuente técnica, que cumplía la función de representación del
mensaje artístico. Aunque tuvo un auge entre los compositores franceses de mediados del
siglo XX, el recurso cayó en desuso, incluso por aquellos que lo habían promovido. Sin
embargo, la música serialista dio paso al desarrollo de innovaciones en la estructuración de
la música en general, dando mayor importancia a los sonidos, en vez de las notas. También
supuso una entrada al campo de música electrónica, explorada por Stockhausen y la música
estocástica, desarrollada por Xenakis, con una composición mucho más matemática.

7.2. Social

El “serialismo integral” constituyó una transgresión al orden establecido, la misma que tuvo
diferentes respuestas, sobre todo en los círculos artísticos, acusada de ser una música
academisista, el serialismo tuvo siempre contrarios, tras los regímenes del siglo XX, los
compositores se vieron obligados a un exilio personal, en el cual compositores alemanes,
franceses, italianos etc. deambulan por toda europa central, influyendo en las juventudes
musicales del momento.

La vanguardia musical fue acusada por un lado de amistad con el Marxismo, y por otro
lado de ser demasiado libertaria y poco ortodoxa. Si bien el serialismo forma parte de las
expresiones surgidas tras el fracaso social y artístico de la postguerra, en la que los artistas
buscaban trazar el un camino nuevo, que a diferencia del ya andado, mismo que desembocó
en guerras, este nuevo posibilitara a las sociedades a una reconciliación con sus problemas
y dieran vida a un nuevo lenguaje en el cual pudiesen cobijarse de alguna manera las
masas. Esto no sucedió.

La música serialista no logró siquiera superar el círculo musical, siendo atacada desde su
nacimiento hasta su máximo desarrollo, no pudo lograr llegar de manera directa a las salas
de concierto, constituyéndose en un movimiento totalmente intelectual.

26
 Conclusiones

 No se debe confundir la concepción del serialismo como algo simple o

meramente técnico, puesto que se soporta sobre bases filosóficas, matemáticas,
y claro está musicales, que a lo largo de los años de desarrollo han demostrado
ser un campo aún no totalmente explorado.
 El arte está en constante desarrollo, pero la sociedad no siempre está preparada
para los cambios que esto supone.
 El serialismo supuso una nueva estrategia de transmisión de la idea artística.

27
 Referencias

Bibliográficas

Anton Webern, El Camino hacia la nueva Música. Norte sur Editorial,2009

Arnold Schönberg. Tratado de armonía. Real Musica 1974
Juan A. García. La unidad del ser: El pensamiento y el universe. Revista de
filosofía. 2004.

E- gráficas

https://www.Schönberg.at/index.php/en/Schönberg-2/biographie
(Arnold Schönberg, Biographical Note, November 28, 1931)
(Arnold Schönberg to Richard Dehmel, December 13, 1912)
(Arnold Schönberg, My Evolution, 1949)
https://www.universaledition.com/anton-webern-762/works
https://www.britannica.com/biography/Alban-Berg
https://www.wien.gv.at/english/education/ahs.htm
http://www.karlheinzstockhausen.org/karlheinz_stockhausen_brief_biography_engli
sh.htm
https://stgo.es/2013/04/oscillate-patrones-sinusoidales-como-representacion-
artistica/
http://avalon.utadeo.edu.co/servicios/ebooks/geometria_durero/files/assets/basic-
html/page73.html
http://www.matetam.com/glosario/definicion/inversion-geometria
Música serial - https://you.tube/5svhjV6cQME

https://es.slideshare.net/Legendarius/serialismo-33303148
https://es.slideshare.net/AldoRodriguez1/perle-atonalidad-y-
serialismo?qid=0f817fdf-c297-4333-9dda-9dd38bb6d33c&v=&b=&from_search=5
Biografía y algunas reminiscencias personales,
http://www.oliviermessiaen.org/spanpage.htm
https://berlinconfidencial.com/2010/10/03/la-segunda-escuela-de-viena-luminosa-
musica-atonal-y-dodecafonica/
https://bustena.wordpress.com/historia-de-la-musica-online/el-siglo-xx-y-la-era-del-
sonido/unidad-31/
https://www.nacion.com/archivo/vanguardia-del-
mundo/PJTN7VJIUFB2FMYSSGDNCSQYHU/story/
http://musicaclasicaba.com.ar/blog/ver/377/Arnold_Schoenberg_Pintar_el_alma

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