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Protagonistas de la Historia Música clásica
Amadeus Mozart
El 27 de enero de 1756 en Salzburgo, Austria nació Wolfgang Amadeus Mozart, uno de
los músicos más grandes que conoció la humanidad. Desde niño fue un verdadero
prodigio, a los cinco años dominaba la técnica del violín, el piano y composición musical.
A los nueve años compuso su primera ópera “Apolo y Jacinto”, meses después, contrata-
do por el emperador José II, compuso otra ópera llamada “La crédula Fingida” y por esa
misma época también estrenó “Bastian y Bastiana”.
En 1769 el obispo de Salzburgo lo nombró su concertino y en 1782 se casó con Constance

Weber, con quién tendría seis hijos, de los que sólo dos sobrevivieron. Sumido en la
pobreza se trasladó a Viena donde compuso “Las bodas de Fígaro (1786)” y “Don
Amadeus Mozart. Giovanni (1787)”.
Un desconocido contratista llamado Walsegg le encargó la composición de un

Réquiem en el año 1791, mientras Mozart estaba trabajando en “La Flauta
Mágica”. La misa quedó inconclusa porque Wolfang Amadeus Mozart falleció en
Viena el 5 de diciembre de ese mismo año.
Mozart es considerado un iluminado musical y sin dudas uno de los más grandes
músicos de la historia, su legado nos permite disfrutar de más de 600 composiciones.
Entre ellas se destacan 41 sinfonías, dos sinfonías concertantes, 31 serenatas, 25
conciertos para piano, seis conciertos para violín y cuatro conciertos para trompa.
También se deben mencionar varios cuartetos y quintetos de cuerdas, numerosas
sonatas para piano y para violín y piano.
Wolfang Amadeus Mozart dominaba la técnica del violín, el piano y composición musical.
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Antonio Vivaldi
Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Italia. En 1703 se ordenó como sacerdo-
te, pero Antonio contrajo asma y esto le impidió continuar con su vocación religiosa. Como
contrapartida, descubrió su verdadera pasión: La música
En 1704, Antonio se convirtió e en profesor de violín en un orfanato para niñas llamado

Ospedale della Pietà en Venecia y escribió numerosas obras para las niñas de esa institución.
Por esa época Vivaldi incursionó en la ópera y conoció a la que sería la compañera de toda su
vida, la joven cantante Anna Giraud.
Pese a que con sus diversas

presentaciones y
composiciones de ópera
cosechó una importante
fortuna, murió en la más
absoluta pobreza.
Antonio Vivaldi murió el 28 de Julio de 1741.
Una de las obras más conocidas de Vivaldi fueron los primeros cuatro de los doce concier-
tos para violín de su “Opus 8”, denominados por Vivaldi como “Il Cimento dell'Armonia” e
“dell'invenzione”, conciertos que han sido conocidos luego como “Las cuatro estaciones”.
Este gran compositor está considerado como uno de los precursores de la música romantica
y fue colaborador de Johann Sebastián Bach, entre sus obras religiosas se destacan “Gloria
RV 589”, para coro y orquesta a cuatro voces, “Kyrie” para coro a cuatro voces y orquesta,
“Dixit dominus” para doble coro a cuatro voces y orquesta, “Nisi dominus” para solista y
orquesta y, por último, “Credo Rv 599” para coro, orquesta a cuatro voces.
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Belá Bartok
Bartok nació en la actual Rumania, por entonces Hungría, en 1881 y murió en Nueva
York en 1945. Fue una de las figuras más importantes de la música contemporánea y sin
duda el más importante compositor que ha dado Hungría a lo largo de su historia.
Fue una de las figuras más Cuando Belá tenía siete años su padre falleció, por lo que su infancia transcurrió en
importantes de la música diversas poblaciones húngaras a las que su madre era destinada como consecuencia de
su trabajo como institutriz. En un primer momento Bartok se inclinó por la interpretación
contemporánea y sin duda del piano, pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical.
el más importante compo-
sitor que ha dado Hungría La influencia del folklore húngaro sería de
trascendental importancia en la labor creadora
a lo largo de su historia. de Bartok y gracias a ella pudo despegarse de
la tradición romántica anterior que se aprecia-
ba en sus primeras composiciones.
También el folklore eslovaco, turco, rumano y

árabe lo atrajeron, de todas formas Bartok
usaba estos ritmos como punto de partida
para una música absolutamente original, que
nada tenía que ver con el resto de las tenden-
cias dominantes en la creación musical durante
la primera mitad del siglo XX.
Composiciones como El castillo de Barba Azul;

los ballets El príncipe de madera y El mandarín
maravilloso; el Concierto para piano n.º 1 y el
Allegro bárbaro para piano hicieron de Bartok
un compositor reconocido dentro y fuera de su
país, a pesar de que algunas de sus piezas Belá Bartok
suscitaron escándalos por lo atrevido de su lenguaje musical.
La Segunda Guerra Mundial lo obligó, como a tantos otros, a buscar refugio en

Estados Unidos, donde pasó por serias dificultades económicas y de salud. A su
muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones,
como el Concierto para piano n.º 3 y el Concierto para viola, ambas culminadas
por su discípulo Tibor Serly.
Franz Liszt
Liszt nació en Raiding, actual Hungría, en 1811 y murió en Alemania en 1886. Fue un
compositor y pianista de un virtuosismo sin par que ya desde niño llegó a provocar el
entusiasmo e Beethoven.
En 1825 se estableció en París, Francia, donde conoció al compositor Hector Berlioz y al

violinista Niccolo Paganini, que ejercerían gran influencia sobre su obra. La carrera
musical de Franz Liszt prosiguió imparable y así fue que consiguió un cargo como
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maestro en la muy prestigiosa capilla de Weimar, ciudad que se convirtió en el foco de

difusión de la música más avanzada de la época, como la de Wagner y la de Berlioz.
Durante los años que vivó en esta ciudad Liszt comenzó a dedicarse a componer
grandes obras para orquesta, entre las que se destacan las sinfonías Fausto y
DanteFue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el
hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso para
centrarse en la creación y la dirección.
En 1858 dejó su cargo en Weimar y se inició así la última etapa de su vida, en la que se
volcó a un profundo sentimiento religioso que lo llevó a componer una serie de obras
sacras, entre las que se dstacan “La leyenda de santa Isabel de Hungría” y “Christus”,
aunque no por ello el abate Liszt –como empezó a ser conocido desde aquel momento–
perdió su afición a los placeres terrenales.
Franz Liszt.
Por otra parte su lenguaje

armónico anticipó algunas
Escritura e interpretación del piano.
de las características de la
música de Richard Wagner. El aporte de Liszt a la historia de la música fue sin dudas muy importante. Por un lado
Todas estas características amplió los recursos de escritura e interpretación del piano y por otro impulsó notable-
mente la música de programa (aquella inspirada por un motivo extra musical). Padre del
hacen de Liszt un poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos poste-
músico revolucionario. riores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss.
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Franz Schubert
Este compositor nació en Austria en 1797 y murió en Viena, también Austria, en 1828.
Shubert es muchas veces considerado el último representante del estilo clásico que lle-
varon a su máxima expresión Haydn, Mozart y Beethoven entre otros. Shubert, además,
fue uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo netamente románti-
cos en su música. Los aportes de Shubert son fácilmente reconocibles en la obra de
Robert Schumann, Hugo Wolf y hasta en Gustav Mahler.
Hijo de un modesto maestro de escuela, a los once años fue admitido en la capilla impe-
rial de Viena como miembro del coro, donde tuvo como profesor a Antonio Salieri. La ne-
cesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada
fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del
Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.
Económicamente las cosas no resultaban fáciles para Franz ya que el campo musical que
Benjamín Franklin. podía generar grandes ganancias era la ópera y éste fue un género en el que si bien insis-
tió, nunca consiguió destacar. En el género que sí destacó fue en lied de piano (entre
1815 y 1816 compuso 150 lieder de gran calidad.
Los ciclos La bella molinera y Viaje de invierno constituyen quizás la cima de su genio
en este campo, a los que hay que sumar títulos como El caminante, La trucha, A la
música, La muerte y la doncella, o el celebérrimo Ave Maria. Pese a su fama y a que
sus obras fueron bien recibidas por el público Schubert vivó siempre en un estado de
precariedad económica y desde 1824 con grandes problemas de salud.
Luego de su muerte varias de sus obras inéditas comenzaron a publicarse y a darse a co-
nocer y fueron defendidas por grandes músicos como Suman o Mendelssohn.
Fraderic Chopin
Nació en Varsovia el 22 de febrero de 1810

en Zelazowa, en las proximidades de
Varsovia, el día 22 de Febrero (otras
fuentes lo sitúan el 1 de Marzo) de 1810.
Fue un niño prodigio que a los cinco años
ya actuaba en los salones aristocráticos, a
los siete publicó su primera obra (La
Polonesa en sol menor para piano) y a los
ocho realizó su primera presentación
pública.Desde los trece hasta los dieciséis
años estudió en el Instituto Varsovia, a esa
edad comenzó a estudiar con mayor
profundidad en la Szkola Glowna Muzyki,
bajo el magisterio de Jozef Elsner, diplo-
mándose en composición en 1829.En este
período se ganó una sólida reputación
como virtuoso del instrumento y brindó
conciertos en Berlín, Praga y Viena. Fraderic Chopin.
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En 1847 su salud se El 11 de octubre de 1830, cuando tenía 20 años, ofreció su último concierto en Polonia.
En 1931 se mudó a París, ciudad en la que desarrolló una intensa actividad y en la que se
debilitó y terminó su rodeó de amistades como Liszt, Bellini, Rossini y Mendelssohn.
relación con George Sand, En 1836 conoció a la escritora francesa Aurora Dudevant, más conocida por su
al año siguiente emprendió seudónimo George Sand, que marcaría los últimos años de su vida. En 1839 se instalan
una gira de conciertos en Palma de Mayorca y viajan frecuentemente.
En 1847 su salud se debilitó y terminó su relación con George Sand, al año siguiente
por Inglaterra. emprendió una gira de conciertos por Inglaterra. Pese a esto su economía no mejoró y,
nuevamente enfermo, regresó a París. El 17 de Octubre de 1849, en la vivienda número
12 de la Plaza Vendome de París, murió a causa de la tuberculosis
Giuseppe Verdi
Nació en Roncole, estado de Parma, el 10 de Octubre de 1813. Ya de pequeño estudió
música en la ciudad de Bussetto, donde conoció a sus protectores, la familia Barezzi. En
1832 el conservatorio de Milán lo rechazó como alumno, pero sin embargo fue admitido
por el compositor Vincenzo Lavigna. Volvió a Bussetto en 1833 como director de la
Sociedad Filarmónica.
A los 25 años Verdi regresó a Milán y presentó en La Scala su primera ópera:

“Oberto conde de San Bonifacio”, con escasa repercusión. Al año siguiente
presentó su ópera cómica Un giorno di regno (Un día de reino, 1840) que fue un
fracaso, Verdi decidió entonces abandonar la música, afectado sin dudas por la
muerte de su mujer y de dos de sus hijos.
Giuseppe Verdi.
En 1842 el director de La Scala lo convenció de escribir el Nabucco, Verdi realizó la obra
en menos de tres meses y fue un verdadero éxito. Desde ese momento la creación
musical de Verdi se hizo más prolífica y entre sus obras más destacadas se cuentan:I
Lombardi alla prima crociata (1843), Ernani (1844), ambas de gran éxito. Macbeth
(1847),Luisa Miller (1849), Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) y La Traviata (1853) .
Entre las composiciones musicales realizadas por Verdi en su madurez se destacan: Las
Vísperas Sicilianas (1855), Simone Bocanegra (1857) Un ballo in maschera (1859), La
forza del destino (1862), Don Carlo (1867), Aida (1871), y el Réquiem (1874) para
conmemorar la muerte del novelista italiano Alessandro Manzini. También son obras
destacadas la cantata dramática Inno delle nazioni (1862) y el Cuarteto para cuerda en
mi menor (1873) .En 1887, cuando Verdi tenía 70 años, compuso “Otello”, que tal vez sea
la mejor ópera del músico italiano. En 1893 presentó la que sería su última ópera:
“Falstaff”. Verdi murió en Milán, el 27 de enero de 1901. Actualmente sus óperas se
encuentran entre las más representadas en todo el mundo.
Igor Stravinsky
Igor Fedorovich Stravinsky nació el 18 de junio de 1882 en Oraniembaum, cerca de San
Petersburgo, Rusia. Sus obras “Sonata para piano” (1902) y “Juegos de artificio” (1908)
fueron las que iniciaron su carrera como músico. El director del ballet ruso, Serguei
Diághilev, le encargóla composición de “el pájaro de fuego” en 1910 y la obra fue un éxito
en Londres.
Luego del éxito, Stravinsky compuso Petrushka, una obra llena de fantasía y amor, donde
los personajes principales son dos muñecos: una bailarina y un payaso celoso. En 1913
estrenó su Consagración a la Primavera en la que adopta una postura libertaria y
transgresora que impide ver un hilo conductor. Además con esta obra se situó en el
dodecafonismo, es decir en escalas sin tonos dominantes, generando una sensación de
caos que estaba muy acorde con los acontecimientos de la época
La ópera “La historia de un soldado” fue compuesta en colaboración con el

escritor Charles Ramuz y combina elementos musicales y teatrales en una
historia que trata sobre un soldado que vuelve a su casa luego de 15 días de
ausencia y que en el camino es interceptado por el diablo. Stravinsky encomen-
dó esta obra a una orquesta de cámara compuesta por clarinete, fagot, trompe-
En 1951 realizó una suerte de ta, trombón, contrabajo y percusión, una combinación bastante insólita en
homenaje a los compositores clásicos cuanto a timbres musicales se refiere.
como Mozart, Donizetti y Verdi, con la
ópera El libertino, tal vez para
amenguar las críticas de las que era
objeto. Stravinsky murió Johan Strauss
en el año 1971.
Johann II Strauss nació en Viena el 25 de octubre de 1825, fue director y compositor y

perteneció al movimiento llamado Romanticismo a principios del siglo XIX. Inició en
forma temprana sus estudios de piano y violín, pero su padre se opuso a que estudiara
música, por lo que tuvo que abandonar su carrera musical hasta el año 1843.
En 1846 realizó sus primeras giras por Hungría Serbia y Rumania como director de
orquesta y recibió el apodo de “Rey del Vals”. En 1851 realizó una nueva gira, esta vez
por Alemania, Praga y Varsovia; pero el exceso de trabajo lo debilitó y fue su hermano lo
tuvo que reemplazar provisoriamente como director de la orquesta.
La orquesta de Strauss y
sus composiciones
ampliaron el prestigio del
vals hasta las proporciones
sinfónicas y transformaron
los salones de baile en
escenarios de conciertos.
Johann II Strauss director y compositor.
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Desde 1863 se consagró Durante 16 años, desde 1855 en adelante, fue contratado cada verano en Pavlosvsk,
cerca de San Petersburgo. Realizó varios viajes: América (1872), Italia (1874), París (1875
casi exclusivamente a las
y 1877), Alemania (1876), Ostende y Berlín (1875), Alemania y Rusia (1876) y
operetas, muchas de las nuevamente Berlín (1879). En 1863 fue elegido director de música de los bailes de la
cuales las estrenó en el Corte, y recibió numerosas distinciones honoríficas austriacas y extranjeras, como la
teatro An der Wien, por Legión de Honor, de Francia, en 1877. Contrajo 3 matrimonios. Entre sus obras se
destacan las instrumentales, entre los que se cuentan 169 valses. Los más importantes
ejemplo "El barón gitano" y fueron: "El Danubio azul", "Vida de artista", "Sangre vienesa" y el "Vals del Emperador".
"El murcíelago".
Johan Sebastián Bach
Johan Sebastián Bach nació en 1685 en Eisenach, Alemania, a finales del siglo XVII. En su
ciudad natal vivió hasta los diez años y comenzó, con su padre como profesor, a estudiar
violín. Luego de la muerte de sus padres se trasladó a Ohrdruff, donde estudió órgano.
J.S.Bach en el Museo de Cera de Madame Tussauds (Berlín).
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En 1717 se mudó a Coethen, donde sirvió al príncipe Leopoldo, un calvinista. Bach tiene
mucha música sacra (recordemos las pasiones según San Mateo y según San Juan, el
Magnificat, el oratorio de Navidad, la misa en si menor) y se las arregló con diplomacia
para escribir piezas para la Iglesia Católica.
El 14 de marzo de 1721, Bach envió a Christian Ludwig de Brandenburgo un grupo de 6
conciertos que no tuvieron el éxito deseado pero que legaron a la humanidad algunas de
las mejores y más populares obras de Johan Sebastián.
En 1723 viajó a Leipzig, donde trabajó hasta su muerte en 1750. Bach tuvo 20 hijos, de
los que sobrevivieron 11. En esta ciudad de Alemania, Bach compuso muchas de sus
obras, sin embrago estas caerían en el olvido hasta que primero Mandelsohnn y luego
Mozart, las rescataron.
La enorme producción musical de Bach cuenta por ejemplo con más de 2000
cantatas. Para tener una referencia de su prolífica producción, se puede mencio-
nar que las obras completas de este músico Alemán ocupan 53 cd´s.
Creó el Clavicémbalo y la Viola. Con él llegó al máximo la “fuga”, composición que gira
sobre un tema y su imitación, repetida con cierto artificio y diferentes tonos y fue un
maestro del “contrapunto”, (concordancia armoniosa de voces contrapuestas).
El 28 de Julio de 1750 sufrió una apoplejía y murió a los 65 años.
Johannes Brahms
Respetado en su tiempo como uno de los más grandes compositores y considerado a la
misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas «B» de la historia
de la música, Brahms nació en Hamburgo, Alemania, en 1833 en una modesta familia.
Johannes fue un músico precoz y pronto comenzó a acompañar a su padre tocando el
violín en bares y tabernas.
Por esa época comenzó sus estudios de teoría musical y piano con el profesor Eduard
Marxsen, quien le proporcionó una educación musical basada en los clásicos, la discipli-
na y el orden, valores que Brahms conservó durante toda su vida.
El 21 de septiembre de 1848 se presentó en público con un gran éxito, pese a que

su vocación era la composición y no la interpretación. Luego de un breve paso
Johannes Brahms.
por Weimar Brahms se estableció en Düsseldorf, donde entabló contacto con
Schumann, quien quedó sorprendido ante las innegables dotes del joven artista.
La amistad entre ambos se mantuvo durante toda su vida.
En 1869 se mudó a Viena y
allí consolidó su estilo, que En 1869 se mudó a Viena y allí consolidó su estilo, que buscaba sus modelos entre la
buscaba sus modelos entre tradición de los clásicos vieneses y en la austeridad de Bach. Desde ese momento
abordó las grandes formas instrumentales y compuso sinfonías, cuartetos y quintetos,
la tradición de los clásicos
obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la construcción formal.
vieneses y en la
austeridad de Bach. Johannes Brahms murió en Viena en 1897.
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Udwig Van Beethoven

Ludwig Van Beethoven nació en Bonn, cerca de Colonia, Alemania. De condición
humilde e hijo de un tenor mediocre y alcohólico desde muy niño sufrió privaciones
materiales y fue obligado por su padre a exhibirse como un niño prodigio. A los cuatro
años lo hacía estar horas y horas en el clave, o lo encerraba en la bohardilla con un violín.
En 1787 falleció su madre y por lo tanto, debido a la incapacidad de su padre, tuvo que
hacerse cargo de su familia y de la educación de sus dos hermanos. En 1792 se trasladó a
Viena y entre 1796 y 1800 comenzó a sentir los efectos de la sordera que lo aquejaría
durante toda su vida. Sufría constantes zumbidos en los oídos y profundos dolores de
abdomen y de cabeza. Comienza a adquirir
un carácter retraído y taciturno, evita la
compañía de otras personas e intenta
evitar que el resto de la gente tomara
conocimiento de su enfermedad.
Beethoven se sentía incapaz de conquistar
el amor de una mujer y, sin embargo, se
enamoraba locamente y soñaba romances
que luego lo defraudaban y lo sumían en la
amargura y el sufrimiento. Estos senti-
mientos fueron los motores de su más
inspirado material.
Políticamente simpatizaba con las ideas
revolucionarias del momento y creía que
Napoleón instauraría el sufragio universal
en toda Europa. Cuando Bonaparte se
coronó Emperador se sintió defraudado y
por eso su obra asume otra vez un marca-
do tono melancólico. En 1810 se abandona Ludwig van Beethoven.
a su carácter iracundo y se despreocupa de
las convenciones sociales y las opiniones de los demás.
En 1814 Beethoven estaba en el momento de máximo esplendor y apogeo, pero

tras esos momentos de gloria, devendrían los días más oscuros de la vida del
En noviembre de 1826 genial compositor. En el otoño de 1815 ya estaba completamente sordo y sólo se
sufrió una pleuresía y en su comunicaba por escrito y a esta trágica enfermedad se le sumaron los constantes
lecho escribió: “Tengo problemas económicos. En ese año también ganó la custodia de su sobrino Karl,
hijo de su hermano menor que había muerto de tisis.
paciencia y pienso que no
hay mal que no nos En el verano de 1826 Karl llegó a dispararse un tiro. No murió, pero sumió a Beethoven
reporte algún bien... es en un colapso nervioso que empeoró sus condiciones físicas. Desde este lugar de infinita
quizás el fin de una tristeza Ludwig iba a exaltar la alegría. El 7 de mayo de 1824 se estrenó en Viena su Misa
comedia... la comedia de en Re y la Novena Sinfonía, que tuvieron un rotundo éxito. Sin embargo el triunfo fue
pasajero y no le reportó ningún beneficio práctico. Volvió a sumirse en la pobreza y la
mi vida” Murió el 26 de decepción, aunque se sentía vencedor de la mediocridad humana, de su propio destino
marzo de 1827. y de su sufrimiento.
Piotr Ilich Tchaikovsky

El 7 de Mayo de 1840 en Votkinsk, Rusia, nació Piotr Ilich Tchaikovsky, uno de los músicos
más reconocidos de la historia. Comenzó a estudiar piano a los siete años, como parte de
la educación que toda familia acomodad a le brindaba a los niños en esa época. De
hecho su familia lo envió a San Petersburgo a estudiar en la Escuela de Jurisprudencia, en
la que se graduó de abogado en 1859.
En 1862 se inscribió en el Conservatorio de San Petersburgo y comenzó a dictar clases
de solfeo y piano par poder sustentarse En 1865 se graduó como compositor y sus obras
comenzaron a ser interpretadas en público. En 1876 Nadiezhda von Meck, viuda muy
adinerada y amante de la buena música, que luego de escuchar una de las obras e
Tchaycovsky y de enterarse de sus dificultades económicas, decidió proporcionarle
dinero para que sólo de dedicara a componer.
Johannes Gutemberg
Nació en el año 1398, en Maguncia, Alemania, y fue el creador de la primer imprenta de

tipos móviles de toda Europa. Sin dudas su trabajo más popular fue “la Biblia de
Gutenberg”. Ya desde muy joven, se demostró estar dotado con una gran capacidad in-
ventiva, así, con sólo 15 años de edad se dedicó a la experimentación del pulido de pie-
dras y a la fabricación de espejos.
Estudió en la Universidad de Erfurt y en 1438 se asoció a Hanz Riffe, Andrés

Tchaikovsky se había Heilman y Andreas Dritzehen, junto a quienes realizó varios trabajos relaciona-
casado con una mujer de la dos con el tallado de gemas y el pulido de espejos, con el objetivo de recaudar los
que se divorció poco fondos necesarios para encarar su proyecto.
tiempo después
justamente para disimular En 1449 y luego de asociarse con el banquero Juan Fust publicó el primer libro tipográfi-
co de la historia, el “Misal de Constanza”.
sus inclinaciones en una
sociedad poco abierta a
este tipo de gustos, pero
aparentemente éste fue el
motivo por el que la viuda
dejó de prestarle sus
favores económicos.
Piotr Ilich Tchaikovsky.
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La fama de Tchikovsky aumentó tanto que llego a ser invitado a distintos países como
Estados Unidos, Francia e Inglaterra. Sin embargo en 1890 la señora Meck dejó de
proporcionarle dinero, tal vez por que se enteró de la condición de homosexual del
compositor. Tchaikovsky se había casado con una mujer de la que se divorció poco
tiempo después justamente para disimular sus inclinaciones en una sociedad poco
abierta a este tipo de gustos, pero aparentemente éste fue el motivo por el que la viuda
dejó de prestarle sus favores económicos.
Tchaycovsky murió en 1893, pero aún es recordado por composiciones tales como los
ballets “Cascanueces” y el “Lago de los cisnes”, sus sinfonías y obras como “Romeo y
Julieta” o la “Obertura 1812”.
Richard Wagner
Tchaikovsky con su esposa,Antonina. Richard Wagner nació en Leipzig en 1813, en una familia de artistas de teatro. Desde
pequeño quiso ser poeta y dramaturgo, pero a los 15 años quedó impactado por la
música de Beethoven y decidió convertirse en compositor, para lo cual se instruyó a sí
mismo y tuvo casi tres años de entrenamiento formal en teoría musical.
Wagner llevó una vida desordenada y ya en
su juventud, en Leipzig, se batía a duelos,
bebía y apostaba, incrementando deudas
que jamás pagaba. En 1842, luego de pasar
dos años en Francia, regresó a Alemania
para producir su ópera “Rienzi n Dresden”
que obtuvo un gran éxito. Por este motivo
fue nombrado como elegido director de la
casa de ópera Dresden., cargo que ocupó
durante seis años.
Cuando las revoluciones de 1848 cruzaron
Europa, Wagner participó de una insurrec-
Richard Wagner (Leipzig, ción, por lo que luego tuvo que huir a Suiza.
Alemania, 1.813 – Venecia, Allí dejó de componer durante varios años,
Italia, 1.883)El compositor aunque terminó el libreto de “Der Ring des
alemán era, además, un Nibelungen (El anillo de los Nibelungos)”,
un complejo de cuatro óperas basadas en
consumado poeta y la mitología nórdica que lo mantuvo
un magnífico literato. ocupado durante veinte años. Richard ysu hijo Siegfried en 1880.
Robert Schumann
Este compositor alemán nació en 1810 y murió en 1856 y tanto su vida como su obra lo
convirtieron en el paradigma del romanticismo musical alemán. Hijo de un librero, la
literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta
el punto de que Schumann estuvo dudando entre ambas vocaciones.
Schumann fue alumno de piano de Friedrich Wieck y a través de él conocería a la

que desde 1840 sería su esposa: Clara Wieck.
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El deseo de Schumann de ser un virtuoso del piano se vio truncado como consecuencia
de una lesión que sufrió en su mano derecha y de la que jamás pudo recuperarse.
Luego de su matrimonio se dedicó a proyectos más ambiciosos como sinfonías y óperas.

La primera de sus cuatro sinfonías data de 1841, mientras que su célebre Concierto para
piano en la menor es sólo cuatro años posterior.
Robert Schumann.
En 1854 Schumann intentó

suicidarse como consecuen-
cia del agravamiento de la
inestabilidad nerviosa que lo
acompañó desde su juven-
tud. Desde aquel momento
vivió recluido en una casa
de salud en Endenich,
donde permaneció recluido
hasta su muerte.
Robert Schumann (1810-1856),contrajo matrimonio con Clara Wieck.
En 1854 Schumann intentó suicidarse como consecuencia del agravamiento de la

inestabilidad nerviosa que lo acompañó desde su juventud. Desde aquel momento vivió
recluido en una casa de salud en Endenich, donde permaneció recluido hasta su muerte.
De su obra para orquestas se destacan sus sinfonías segunda, de 1845-1846; tercera o

Renana, de 1850; y cuarta, de 1841; el Concierto para piano (1841-1845), el Concierto
para violoncelo (1850) y el Concierto para violín (1853). También escribió música coral y
religiosa como el Requiem para Mignon, 1849; Requiem, 1952; los oratorios El Paraíso y
la Peri, 1841-1843, y El peregrinaje de la rosa, 1851 y para la escena (Escenas de Fausto,
1844-1853, Genoveva, ópera, 1847-1850; música para el Manfred, de Byron, 1949).
Finalmente, sus obras más destacadas entre las que compuso para piano son:
Mariposas (1829-1832), Carnaval (1834-35), Estudios sinfónicos (1834), Fantasía en do
mayor (1836), Escenas de niños (1838), Fantasía kreisleriana (1838), Novelletten (1838),
Sonata nº 2 (1833-1838), Arabeske (1839), Carnaval de Viena (1839), Album para la
juventud (1848) y Escenas del bosque (1848-1849), entre otras.
Sergei Vasilievich Rachmaninoff

Sergei Vasilievich Rachmaninoff , fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso que
nació el 1 de abril de 1873 en el marco de una familia rica y con un fondo militar fuerte y falleció el
28 de marzo de 1943.
La familia del compositor
se instaló en San
Petersburgo y fue allí
donde Sergei comenzó sus
estudios musicales en
el Conservatorio.
teoría Heliocéntrica que planteaba que la Tierra era quien giraba alrededor del Sol.
Sergei Vasilievich Rachmaninoff .
En 1942 cayó enfermo de La familia del compositor se instaló en San Petersburgo y fue allí donde Sergei comenzó
cáncer e pulmón y el 28 de sus estudios musicales en el Conservatorio. Luego, en Moscú, realizaría sus estudios de
piano con Nikolay Zverev y Alexander Silote. Su maestro en armonía era Antón Arensky y
marzo de 1943 falleció en el de contrapunto, Sergei Taneyev. Cuando todavía era un estudiante Rachmaninoff
California, Estados Unidos. escribió su ópera Aleko y algunos fragmentos de su preludio en Do Mayor.
Sergei Rachmaninoff fue
enterrado en el cemente- En 1892, a la edad de 19 años, terminó su primer concierto de piano y en 1897 su
rio de Kensico en Valhalla, primera sinfonía, que resultaría un fracaso. El dolor que le produjo el rechazo del
Nueva York. público lo sumió en una profunda depresión, por la que práctimente dejó de
escribir música. Luego de este período de silencio Rachmaninoff compuso el
célebre Concierto nº 2 para piano y orquesta, que fue muy bien recibido y le
proporcionó popularidad.
En 1908 se trasladó a Italia y posteriormente, a Dresden mientras esperaba que la

situación en Rusia se normalizara. En homenaje e inspirado por el pais que visitó:
Estados Unidos, escribe, su concierto No. 3, para piano y orquesta. Luego de la
Revolución Rusa de 1917 emigró a Nueva York y su inspiración decayó por la nostalgia de
su Rusia natal. Sin embargo, su rapsodia en un tema de Paganini , uno de sus trabajos
más conocidos, fue escrita en los Estados Unidos en 1934.
En 1942 cayó enfermo de cáncer e pulmón y el 28 de marzo de 1943 falleció en

California, Estados Unidos. Sergei Rachmaninoff fue enterrado en el cementerio de
Kensico en Valhalla, Nueva York.
Sergei Vasilievich Rachmaninoff compositor, pianista y director de orquesta ruso.
Protagonistas de la Historia Folklore Argentino
Atahualpa Yupanqui
Héctor Roberto Chavero (Atahualpa Yupanqui), nació en Pergamino, provincia de
Buenos Aires, el 22 de enero de 1908. Fue uno de los más importantes músicos populares
de la Argentina y se destacó como cantor, guitarrista, poeta, compositor y recopilador.
En 1926 escribió Camino del indio y emprendió un viaje por Jujuy, Bolivia y los
Valles Calchaquíes. En 1931 participó en la fracasada sublevación de los herma-
nos Kennedy, por lo que debió marchar al exilio en Uruguay. Al regresar del exilio
en 1934 recorrió Entre Ríos, Santa Fe, Buenos Aires y Santiago del Estero.
Al comienzo de la década del 40 se casó con María Martínez, pero el matrimonio fracasó.
Atahualpa Yupanqui. Poco después conoció en Córdoba a Paule Pepin Fitzpatrick, "Nenette", quien sería su
definitiva compañera y colaboradora musical con el seudónimo "Pablo Del Cerro".En
1944, durante otra incursión por las provincias del noroeste creó El arriero y en 1946 las
zambas “Adiós Tucumán” y “La Añera”. A causa e su enfrentamiento con el régimen
militar desde el año 46 hasta el año 49 sufrió persecución, censura y cárcel. Marchó a
Uruguay en 1950 y desde allí se trasladó a Europa, donde Edith Piaf le dio la oportunidad
de compartir el escenario en París en junio de ese año. A partir de ese momento realizó
varias giras por el Viejo Continente.
En 1952 regresó a Buenos

Aires y fue expulsado
del Partido Comunista
por sus críticas a la
organización política.
Por su expreso deseo, sus restos fueron repatriados y descansan en Cerros Colorados.
369
En 1952 regresó a Buenos Aires y fue expulsado del Partido Comunista por sus críticas a la
organización política. En 1955 otro golpe militar triunfa en Argentina y Yupanqui es perse-
guido por la dictadura antiperonista. En 1963/64 emprendió una serie de viajes a Colombia,
Japón, Marruecos, Egipto, Israel e Italia y en 1965 editó el disco El payador perseguido.
Durante 1967 recorrió España y se instaló en París. Cuando en 1976 otra dictadura se
instauró como forma e gobierno en argentina, sus visitas al país que lo viera nacer se
hicieron más espaciadas. Recién en 1979 volvió a presentarse en Buenos Aires.
En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En
1987 volvió al país para recibir el homenaje de la Universidad de Tucumán. En 1990
murió su compañera Nenette y en 1992 regresó a Francia, donde murió el 23 de mayo.
Por su expreso deseo, sus restos fueron repatriados y descansan en Cerros Colorados.
Los Carabajal
En 1967 Agustín Carabajal decidió formar un grupo musical que llevara al folklore a todo
el país con un estilo propio pero sin alejarse demasiado de las formas tradicionales. Así,
junto a dos de sus hermanos y un sobrino fundó “Los Carabajal”, en ese momento
integrado por Agustín, Carlos, Cuti y Kali.
Se sumaron Roberto y
Peteco y se alejó Cuti, por lo
que la formación se redujo
a cuatro miembros: Kali,
Roberto, Peteco y Mario.
“Los Carabajal”, en ese momento integrado por Kali, Roberto, Peteco y Mario.
De esos primeros tiempos es recordada la versión de “La Telesita”, compuesta por
Agustín Carabajal, que poco tiempo después decidió alejarse del grupo, al igual que
Carlos. Entonces, en 1968, se incorporó Mario "Musha" Carabajal.
Durante la década del 70 prosiguió la carrera musical de “Los Carabajal” y

también su popularidad. Desde 1974 hasta 1975 Mario cumplió con servicio
militar por lo que el grupo quedó integrado por Kali, Cuti, Oscar Evangelista y
Oscar Testa. En 1978 los integrantes del grupo volverían a ser todos Carabajal.
370
Varios cambios más en la Pese al éxito cada vez mayor de Los Carabajal tanto Peteco como Roberto decidieron
continuar su carrera en otras formaciones por lo que quedaron frente al grupo Kali y
integración del grupo se Musha. Ellos convocaron a Luis Paredes y a Mario Alvarez Quiroga, quien luego de
dieron desde ese año aportar varias canciones que hoy se encuentran entre los clásicos del grupo ("Romance
hasta el presente, en el de aquel hijo" y "Penas y alegrías del amor) también decidió continuar su carrera como
que el grupo (con más de solista, por lo que fue reemplazado por Jorge Leguizamón.
40 años de historia) sigue
Con una formación que también incluía a Walter y a Carlos Enrique (hijos de Kali)
siendo uno de los referen- los Carabajal continúan con su exitosa carrera y en 1995 llenan en todas las
tes del folklore argentino. presentaciones que realizan en el prestigioso festival de Cosquín.
Los Chalchaleros
En el año 1948 en Salta, Juan Carlos Saravia creó el grupo vocal Los Chalchaleros, que con el
tiempo se convirtió en la expresión más refinada de la música popular del norte argentino y
logró llevarla por todo el mundo, derrochando calidad y sentimiento.
Junto a Juan Carlos Saravia, integran Los Chalchaleros, el chaqueño Pancho Figueroa; de
Cafayate, Salta, el bombista Polo Román y desde 1981 (último integrante), Facundo Saravia,
quien se incorporó como un chalchalero mas, luego de la muerte de Ernesto Cabeza. El
propio Facundo al respecto de su integración al grupo afirma: “para mí es un orgullo ser
chalchalero porque siempre soñé tocar junto a mi padre, inclusive desde la época cuando
junto a mis hermanos formamos los Zorzales. Desgraciadamente y lo digo con todo el dolor,
entré para reemplazar a Ernesto (Cabeza) por su fallecimiento, pero todavía y después de
catorce años, me siento emocionado y es una responsabilidad muy grande".
Grupo vocal Los Chalchaleros.
371
Durante la década del 60 del siglo pasado se vivió en Argentina un momento de gran
esplendor de la música popular y especialmente del folklore, pero luego, según Juan
Carlos Saravia, “nuestra música dejó de ser negocio para los empresarios, se tiró todo
para atrás y se vive en los últimos tiempos una realidad complicada y donde en algunos
casos, el canto nuestro es mala palabra".
Entre las zambas inolvidables que se convirtieron en inmortales para el cancio-

nero popular folklórico en la voz de Los Chalchaleros, se encuentran: "Paisaje de
Catamarca" de Rodolfo Gimenez, "La López Pereyra" de Andrés Chazarreta, "La
Candelaria" de Jaime Dávalos y Eduardo Falú, "Viene clareando" de Atahualpa
La voz de Los Chalchaleros.
Yupanqui, "Angélica" de Roberto Cambaré, "Del tiempo e mama", de Polo
Gimenez, "Sapo Cancionero", de Jorge Chagra y Nicolás Toledo, "Luna tucuma-
na" de Atahualpa Yupanqui , "Zamba de mi esperanza" de Luis Morales, , y la
"Zamba del chalchalero" de Jaime Dávalos y Juan Carlos Saravia
Los Hermanos Abalos

Los hermanos Napoleón Benjamín “Machingo”; Adolfo; Roberto; Víctor Manuel “Vitillo” y
Marcelo Raúl “Machaco” formaron el grupo folclórico santiagueño más conocido en la
Argentina. El grupo realizó temporadas teatrales en distintas partes del mundo y tuvo
apariciones en cine, radio y televisión que lo hicieron conocido en varios países. La
priemera vez que el grupo se presentó oficialmente fue en el año 1939 y en 1942 con su
“Carnavalito” que integró la banda de
sonido de la película “La Guerra Gaucha”
alcanzaron notoriedad. Tres años después
crearon su Estudio de Arte Nativo en
Buenos Aires, en el que enseñaron canto y
baile nativos a varias generaciones de
jóvenes.”Nostalgias santiagueñas", "De mis
Los hermanos Napoleón pagos", "Juntito al fogón", "Agitando
pañuelos", "Zamba de los yuyos", "Chackay
Benjamín “Machingo”; Adolfo; Manta", "Chacarera del Cachi Mayo",
Roberto; Víctor Manuel "Chacarera del rancho" y "Todos los do-
“Vitillo” y Marcelo Raúl mingos", son algunos de los temas de su
autoría que se hace imprescindible desta- Los Hermanos Abalos.
“Machaco” formaron el grupo
car a la hora de hablar de este conjunto que
folclórico santiagueño más recibió varios discos de oro y gran cantidad de premios. Machaco falleció el 7 de abril del
conocido en la Argentina. año 2000 y Roberto en noviembre de 2001, pero su espíritu sigue vivo en su música.
Mercedes Sosa
El 9 de julio de 1935 nació en San Miguel de Tucumán"La Negra" Mercedes Sosa, una de
las más importantes cantantes argentinas. Su primer trabajo discográfico fue “Cancio-
nes con Fundamento” y poco después se presentó por primera vez en el festival de
Cosquín. En ese mismo año, 1965, grabó "Romance de la muerte de Juan Lavalle" de
Ernesto Sábato y Eduardo Falú y al año siguiente comenzó a grabar con la compañía
Polygram y dio a conocer "Yo no canto por cantar".
En 1967, cuando ya iba por el tercer disco -el segundo fue "Hermano", su sucesor, "Para
cantarle a mi gente", comenzó a viajar por el mundo. Cantó en Miami, Lisboa, Roma,
Varsovia, Leningrado, Kislovo, Sochi, Gagri, Bakú y Tifilis.
El músico Ariel Ramírez, compositor de la “Misa Criolla” le propuso que fuera la

voz femenina de su obra “Mujeres Argentinas”, ella aceptó y grabó el disco en
1969, poco después de que se conociera su álbum "Con sabor a Mercedes Sosa".
La represión social y política que se vivía en Argentina por esos años hizo que sus
canciones fueran habitualmente censuradas en las radios oficiales.
Mercedes Sosa.
Dos participaciones en el cine en las películas “El Santo de la Espada” y “Guemes” de

En 1979 editó "Serenata para Leopoldo Torre Nilson sobresalen entre los trabajos que realizó al principio de la década
la tierra de uno" pero ya la del 70 del siglo pasado. Por esos años además se conocieron sus discos “El grito de la
tierra” , “Navidad con Mercedes Sosa”, “La voz de Mercedes Sosa” y “Homenaje a
persecución política y el clima Violeta Parra”. Entre 1972 y 1973 editó otros dos discos cargados de contenido social, en
de terrorismo de estado que momentos en los que la censura la perseguía continuamente. Los discos se llamaron
se vivía en su país hicieron “Hasta la Victoria” y "Traigo un pueblo en mi voz”
En 1976 los militares dieron un sangriento golpe de estado en Argentina y la cantante
que en 1980 decidiera tucumana publicó un disco llamado “Mercedes Sosa”. En 1979 editó "Serenata para la
radicarse en Madrid. tierra de uno" pero ya la persecución política y el clima de terrorismo de estado que se
vivía en su país hicieron que en 1980 decidiera radicarse en Madrid.
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tucumana publicó un disco llamado “Mercedes Sosa”. En 1979 editó "Serenata para la
tierra de uno" pero ya la persecución política y el clima de terrorismo de estado que se
El 18 de febrero de 1982 pudo volver a cantar ante el público argentino en el teatro

Opera de Buenos Aires acompañada por los más destacados músicos locales como León
Gieco y Charly García. Ya instalada nuevamente en Buenos Aires editó “Como un Pájaro
Libre” y cantó en Estados Unidos, en Francia y en numerosos escenarios argentinos.
Éxitos de Mercedes Sosa.

tucumana publicó un disco llamado “Mercedes Sosa”. En 1979 editó "Serenata para la
tierra de uno" pero ya la persecución política y el clima de terrorismo de estado que se
El 18 de febrero de 1982 pudo volver a cantar ante el público argentino en el

teatro Opera de Buenos Aires acompañada por los más destacados músicos
locales como León Gieco y Charly García. Ya instalada nuevamente en Buenos
en 1989, la medalla de la Aires editó “Como un Pájaro Libre” y cantó en Estados Unidos, en Francia y en
Orden del Comendador de las numerosos escenarios argentinos.
Artes y las Letras, otorgado
por el Ministerio de Cultura Durante el resto de esa década continuó con su prolífico trabajo y realizó giras por
Alemania, Europa Central, Estados Unidos y Brasil, además recibió, en 1989, la medalla
de la República Francesa. de la Orden del Comendador de las Artes y las Letras, otorgado por el Ministerio de
Cultura de la República Francesa.
374
Su último trabajo fue una Durante la década del noventa continuaron

los éxitos de Mercedes Sosa: editó "Merce-
obra dividida en dos volú- des Sosa en vivo en Europa", y "De mí", un
menes: “Cantora 1" y álbum con registros en vivo. El 1° de Abril de
"Cantora 2". Se publicó en 1992 en el Salón Dorado del Consejo
Deliberante porteño fue declarada
el 2009 y recopiló sus
Ciudadana Ilustre de Buenos Aires Y a
grandes éxitos, interpreta- comienzos de 1993 cruzó nuevamente Los
dos por ella y artistas de la Andes para participar en el festival
talla de Joan Manuel Internacional de Viña del Mar. “Mercedes
Sosa 30 años” y “Gestos de Amor” nueva-
Serrat, Julieta Venegas, mente la colocaron entre los primeros
Diego Torres, Shakira y puestos y la hicieron acreedora a un disco de
Gustavo Santaolalla entre platino. Luego cantó en representación de
muchos otros. América en el segundo concierto de Navidad
Su último trabajo : “Cantora 1" y "Cantora 2”.
realizado en la Sala Nervi del Vaticano.
En 1996 hizo la presentación en Buenos

Aires de "Escondido en mi País".
En 1996 sufrió un cuadro de depresión que
la tuvo 5 meses en cama, la hizo perder
más de 30 kilos de peso y la colocó al borde
de la muerte. Volvió a la actividad musical
con un disco notable: "Al despertar". Ese
trabajo mereció el Premio Gardel de la
crítica especializada de Argentina como el
disco del año, durante una ceremonia en la
que también fue distinguida como la
Mejor Artista de folklore de la temporada.
Varias fueron las distinciones que le fueron
otorgadas a lo largo de su vida, a las ya
Uno de sus exitosos discos.
mencionadas se agregan la Orden del Mérito
de la República Federal de Alemania, la Medalla al Mérito Cultural del Ecuador, la Placa de la
Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú en reconocimiento a sus 30 años de
difusión del canto latinoamericano, el Premio ACE 1993 por su disco Sino, y el Martín Fierro
En 1999 retomó su activi- 1994 al mejor show musical en televisión.
Además recibió también el Gran Premio CAMU-UNESCO 1995, otorgado por el Consejo
dad internacional y cantó Argentino de la Música y por la Secretaria Regional para América Latina y el Caribe, del
en México, Guatemala, El Consejo Internacional de la Música de la UNESCO; del Premio de la UNIFEM, organismo
Salvador y otros países de las Naciones Unidas, que la distinguió poco antes de una actuación en el Lincoln
Center de Nueva York por su labor en defensa de los derechos de la mujer, del Konex de
centroamericanos. En 2003 Platino 1995 a la Mejor Cantante Femenina de Folklore y del Konex de Brillante a la
comenzó a trabajar en un Mejor Artista Popular de la Década.
libro con sus Memorias.
Su último trabajo fue una obra dividida en dos volúmenes: “Cantora 1" y "Canto-
ra 2". Se publicó en el 2009 y recopiló sus grandes éxitos, interpretados por ella y
artistas de la talla de Joan Manuel Serrat, Julieta Venegas, Diego Torres, Shakira
y Gustavo Santaolalla entre muchos otros. Mercedes Sosa murió en Buenos
Aires el 4 de Octubre del 2009 como consecuencia de una disfunción renal.
375
Antonio Tarrago Ros

Antonio Tarrago Ros nació el 18 de octubre de 1947 en Curuzú Cuatiá, Corrientes y fue
criado por su abuelo Antonio y su abuela Florinda. Hasta que tuvo 11 años vivió recluido
en la casa de su abuela sin mayor contacto con otros niños y envuelto en ensoñaciones
sobre su padre músico. Ese mundo mágico terminó cuando falleció su abuela y Antonio
tuvo que ir a trabajar al campo para poder sobrevivir. Luego su madre imprevistamente
lo llevó a vivir al pueblo de Mercedes, a la casa de su tía Bachita y su marido Macho
Pintos. Fue otro giro de 180º que afectaría la personalidad del pequeño.
Cuando todavía era muy joven y luego de haber aprendido a tocar el acordeón con
Gualberto Panozzo (amigo de su padre) decidió ir a buscar a su progenitor y poner fin a la
Antonio Tarrago Ros. Sus melodías
carencia afectiva que había marcado su niñez.
alcanzan el fraseo definitorio para la
emoción y su tratamiento rítmico
eleva la esencia chamamecera a
alturas insospechadas.
Antonio puso en claro

consigo mismo que le urgía
vivir de una vez por todas
al lado de su padre y
comenzó a trabajar como
acordeonista suplente y
presentador en Rosario.
Antonio Tarragó Ros hizo conocer y amar al chámame a las nuevas generaciones y compuso
algunas de las canciones que son consideradas clásicas dentro del género.
A sus 20 años se trasladó a Buenos Aires y luego de grandes esfuerzos y no pocas

luchas para abrirse camino e imponer su estilo en la Gran Capital. JuEn el año
1972, Microfon sacó su primer disco "Chámame", con 15 temas bailables.Con-
tratado por "Docta", empresa que manejaba los festivales folclóricos, recorrió
todo el país y su estilo fue creciendo con gran éxito. Lentamente su nombre
crecía y en esa escalada no hubo retrocesos.
Protagonistas de la Historia Tango
Aníbal Troilo
Aníbal Carmelo “Pichuco” Troilo nació el 11 de julio de 1914 en el barrio porteño de
Almagro. Bandoneonista eximio y uno de los referentes del tango argentino.
Su madre quería que fuera farmacéutico pero rápidamente cedió ante la vocación de
Pichuco, que pasaba horas simulando tocar el bandoneón con un almohadón de plumas.
Le compró su primer instrumento y Troilo comenzó a estudiar con Juan Amedolaro,
quien a los seis meses le dijo: “No tenés más nada que aprender”.
A los once años debutó en el cine Petit Colón y desde ese momento tocó bajo la dirección
de Juan Maglio Pacho, Elvino Vardaro, Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi y Lucio Demare.
Tapa ilustrativa-CD Obra completa. Troilo heredó la calidad de Pedro Maffia, la línea conductiva de Pedro Laurenz y el fraseo
conversador de Ciriaco Ortiz, pero desde siempre fue poseedor de un sonido diferencia-
do que derivaría en una inconfundible manera de interpretación, arrancando notas de
un pentagrama intimista, sonando a él hasta en los silencios.
Por su orquesta pasaron una gran cantidad de cantores que coincidieron en

destacar que ese período fue de gran aprendizaje para ellos. Entre los más
recordados se encuentran Francisco Fiorentino, Alberto Marino, Floreal Ruiz,
Jorge Casal, Nelly Vázquez, Angel Cárdenas, Raúl Berpon, Roberto Rufino, Aldo
Calderón, Elba Berón, Carlos Olmedo, Amadeo Mandarino y Pablo Lozano.
Más de setenta composiciones memorables fueron el legado de Troilo, algunas de ellas

verdaderos clásicos del género, como por ejemplo “Sur”, “Che Bandoneón”, “María”, “La
última Curda”, “Te llaman Malevo”, “A Pedro Mafia”, “A Homero”, “Y a mí qué”etc.
El 17 de mayo de 1975 murió de un aneurisma cerebral.
Ernesto Sabato dijo: Troilo

fue el prototipo de un mito
y no el prefacio, el capítulo
o una hoja, sino la novela
entera de Buenos Aires.
Aníbal Troilo
377
Astor Piazzolla
Astor Piazzolla nació en la ciudad de Mar del Plata el 11 de marzo de 1921 en el seno de una
familia de clase media. Sus padres, Vicente Piazzolla y Asunta Manetti en 1924 se trasladaron
junto con él a Nueva York, donde pasó los primeros años de su vida.
A los 11 años Astor ya sabe que su vocación es la de músico y empieza a estudiar con Terig Tucci y
Bela Wilda, este útlimo un discípulo de Rachmaninof. En 1932 debuta en un teatro de Nueva York
y compone su primera obra: “Paso a Paso hacia los 42”, que su padre, con mayor olfato milongue-
ro, rebautiza como La Catinga.
Astor Piazzolla
Para cuando retornó al país en forma definitiva Astor ya era todo un músico. Integró el
Quinteto Azul y también formó un grupo bajo su dirección en su Mar del Plata natal. La
Algunas otras obras de su fama le llegaría en 1938 cuando fue convocado por Troilo para integrar su orquesta en la
autoría también quedarían que tocó hasta 1944. Desde 1946 hasta 1949 trabaja como arreglador para José Basso,
Francini- Pontier y muy especialmente para la orquesta de Aníbal Troilo.
catalogadas como clásicos:
“Fuga y Misterio”; “Balada
para un Loco”; “Libertan- Su personalidad artística se consolidó cuando dio a conocer parte de su nueva obra, a
través de seis definitorios tangos instrumentales: Para lucirse (1950), Prepárense
do” y su inmortal “Adiós (1951), contratiempo (1952), Triunfal (1953), y contrabajeando (dedicado a Kicho Díaz),
Nonino”. Astor Piazzolla y Lo que vendrá, ambos en 1954, año que marca una bisagra en el tango. Astor utilizó
murió el Sábado cuanta relación tímbrica necesitara, entre ellas flauta, arpa, instrumentos, vibrófono o
celesta y, después de la década del 70, también sintetizador y de otros recursos propios
4 de julio de 1992
de la electrónica.
Carlos Gardel
Charles Romuald Gardes (Carlos Gardel) nació el 11 de diciembre de 1890 en Toulouse,
Francia y se trasladó junto con su madre a Buenos Aires en 1892. Su niñez y adolescencia
transcurrieron en el barrio del Mercado de Abasto de Buenos Aires. Allí lo apodaron
“francesito”, y luego, el “morocho del Abasto”.
En 1911, con apenas 20 años de edad, Gardel conoció al uruguayo José Razzano. Gardel
y Razzano formaron un dúo que interpretaba canciones típicamente criollas y que fue
conocido popularmente como “el Morocho y el Oriental”. Fue por ese entonces que
adoptó el apellido Gardel en reemplazo del original Gardes. En 1912 grabó 15 canciones
para la compañía Columbia Records entre las que se destaca "Sos mi tirador plateao".
En 1917 Gardel cantó el primer tango con letra del que se tiene registro (Mi
noche triste) convirtiéndose de esa forma en el primer cantor oficial de tango. En
ese mismo año Gardel filmó su primera película: Flor de durazno.
En la década del 20 Gardel realizó una gira por Europa y tras su regreso a la Argentina, en
Carlos Gardel
1925, se separó de Razzano, aunque en buenos términos. Desde ese momento se dedicó
totalmente a la grabación de discos, y su carrera tuvo un asenso constante. En el inicio de
la década del 30 ya era una celebridad en Argentina, Uruguay y Francia. Por su populari-
dad la empresa cinematográfica Paramount Pictrures lo contrató para protagonizar
cuatro filmes, que se filmaron en Joinville, Francia.
En 1934 Gardel desembarcó en el mercado estadounidense. Cantó en distintas radios,

grabó discos y protagonizó comedias musicales que destacaban su figura como cantan-
te. En 1935 comenzó una gira por Centroamérica que lo llevaría a Puerto Rico, Venezuela
y Aruba, pero el 24 de junio el avión en el que comenzaba un viaje se estrelló en
Colombia. Gardel murió en plena gira, en la cúspide de su carrera. Su talento y su muerte
a temprana edad lo convirtieron en un mito popular.
Rostro de Benjamin Franklin en los billetes de 100 dólares.
379
Enrique Santos Discépolo

Enrique Santos Discépolo nació el 27 de marzo de 1901 y fue uno de los más
importantes letristas y compositores de tango que dio la Argentina. Luego de la muerte
de sus padres fue su hermano Armando quién lo formó y educó y lo condujo hacia la
cultura. En 1917 se inició en la actuación y al año siguiente escribió sus primeras obras de
teatro: “Día feriado”; “El hombre solo” y “El señor cura”.
Entre los años 1925 y 1929 compuso varios tangos que alcanzaron un gran éxito (Que
vachaché; Esta noche me emborracho; Chorra; Malevaje y Yira Yira entre otros) y
también actuó en teatros de Montevideo y Buenos Aires.
Desde 1930 a 1935 continuó con sus composiciones musicales, luego viajó a
Europa y de regreso en Argentina se vinculó al ambiente del cine. Paralelamente
compuso sus tangos más inolvidables: Cambalache en 1935, Alma de bandoneón
en 1935, Desencanto en 1937, Tormenta en 1939, Uno (musicalizado por el
maestro Mariano Mores) en 1943 y Canción desesperada en 1944.
En 1947 realizó una gira por México y Cuba y en 1948 compuso “Cafetín de Buenos aires”
Enrique Santos Discépolo 1901-1951.
una de sus obras más recordadas. El 23 de diciembre de 1951, a los 50 años, murió en
Buenos Aires víctima de una descompensación cardíaca.
Osvaldo Pugliese
El 2 de diciembre de 1905, en Buenos Aires, nació Osvaldo Pugliese, uno de los más
importantes músicos que dio el tango argentino. Pugliese eligió el estudio del piano
como motor para acceder al tango y debutó como profesional a los 14 años, en el
café La Chancha.
En 1930 un golpe e estado

encabezado por el general
José Félix Uriburu derrocó
al gobierno de Hipólito
Irigoyen y Pugliese,
de militancia comunista,
debió conformarse
con trabajar allí
Formó un efímero dúo con el violinista Alfredo Gobbi participó en la orquesta de Roberto
donde lo llamaran. Firpo y acompañó desde su piano los éxitos de Charlo y de Adhelma Falcón.
380
Desde su adolescencia comenzó a destacarse como una de las promesas del género y se
lo podía ver actuando en el café ABC (Rivera y Canning) con la formación de Enrique
Mollet y también en café el parque (Lavalle y Talcahuano). En 1926 Pedro Maffia lo
convocó para su formación y allí conoció a Valdaro con quien tres años después
formaría el grupo con el que hizo historia.
En 1930 un golpe e estado encabezado por el general José Félix Uriburu derrocó al
gobierno de Hipólito Irigoyen y Pugliese, de militancia comunista, debió conformarse
con trabajar allí donde lo llamaran. Formó un efímero dúo con el violinista Alfredo Gobbi
participó en la orquesta de Roberto Firpo y acompañó desde su piano los éxitos de
Charlo y de Adhelma Falcón.
Pugliese.
En 1939 pudo formar su primera orquesta propia, pero recién 1943 logró grabar su primer disco.
A su invariable calidad de director, orquestador y selector del plantel, Pugliese agregó la
reluciente madera de su calidad de extraordinario compositor una faceta de su historia músical
que no ha sido aún planteada: de su autoría son, entre otras maravillas Recuerdo, Una vez recién,
La Yumba, Malandra, Agustín Bardi, Negracha, el encopado o cardo y Malvón. Tres de ellas (la
yumba, negracha, malandraca ) obras que constituirían goznes o bisagras para el género. Osvaldo
Pugliese murió el 25 de julio 1995.
381
Protagonistas de la Historia Artistas Latinoamericanos
Alfredo Zitarrosa
Alfredo Zitarrosa fuen uno de los más reconocidos representantes de la canción popular
y de protesta latino americana y uno de los más importantes cantantes y compositores
uruguayos. Nació en Montevideo en 1936 y se desempeñó en varios oficios antes de
transformarse en una de las personalidades más importantes de la música uruguaya.
Fue locutor en Radio Ariel, actor teatral, periodista y poeta. En 1959, obtuvo el Premio
de Poesía concedido por la Intendencia de Montevideo con su libro Explicaciones, que
nunca quiso publicar.
En 1961 debutó como cantor popular junto a César Calvo y Martín Torres e inició,
Alfredo Zitarrosa. de esa forma, una carrera marcada por sus diversas variaciones e
interpretaciones de la milonga, su género preferido. Pese al carácter
universalista de su compromiso político, no creía en las canciones universales, y
toda su capacidad de creación se nutrió de la singularidad de su país.
Es el autor de canciones memorables y que sin duda perdurarán todavía por mucho
tiempo más, como “Guitarra negra”, “Adagio en mi país”, “El violín de Becho”, “El
candombe del olvido”, “Si te vas”, “Stefanie”, “Zamba por vos” y “Milonga para una niña”,
entre otras. Sus canciones fueron prohibidas en casi toda América Latina por las distintas
dictaduras militares que gobernaron los distintos países. Zitarrosa debió marchar al exilio,
primero en España y luego en México, donde compuso gran cantidad de obras.
En 1984 volvió a Montevideo, donde una multitud llenó la rambla para recibirlo. El 17 de
enero de 1989 Alfredo Zitarrosa falleció en Montevideo a causa de una peritonitis.
Caetano Veloso
Caetano Veloso nació en Bahía, Brasil, en 1942 y es uno de los máximos exponentes
musicales de la historia de ese país.
La música siempre estuvo

presente en la vida de su
familia y ya desde
muy pequeño aprendió
a disfrutarla.
Caetano Veloso.
382
La música siempre estuvo presente en la vida de su familia y ya desde muy pequeño

aprendió a disfrutarla. Su hermana María Bethania, famosa cantante, ya cantaba y
ofrecía algunos conciertos cuando Caetano estaba descubriendo algunas de sus
maravillas musicales.
En 1966 grabó su primer disco junto con Gal Costa (“Domingo”) y dio comienzo a una
carrera que ya no se detendría. En 1968 Caetano Veloso logró grabar su primer disco
solista y consiguió renombre a nivel internacional por su controvertido tema “Prohibido
prohibir”. Al año siguiente editó un disco en vivo llamado “Barra 69” con su amigo
Gilberto Gil.
A esa altura ya la fama de Caetano Veloso era indiscutida y se había iniciado una
revolución musical en el Brasil con la aparición del disco “Tropicalia, el
tropicalismo” en el que Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa y Os Mutantes
incursionaron en una nueva forma de pop, con bases rítmicas brasileras.
Caetano Veloso.
En el año 1969 una dictadura militar gobernaba en Brasil y este hecho determinó que
debiera exiliarse junto a Gilberto Gil, en Londres, Inglaterra. Este hecho lo puso en
contacto directo con la música de Gran Bretaña y amplió sus opciones musicales. En
1972 regresó a Brasil y editó Araca Azul. De allí en adelante produjo obras artísticas
incansablemente.
En los años 80' Veloso realizó diversas presentaciones alrededor del mundo y de esa
forma acrecentó fu fama inernacional. En 1983 llenó por tres noches consecutivas el
Public Theater de Nueva York, Estados Unidos. Desde ese momento todos sus discos
alcanzaron un gran éxito y se adentró en su mejor etapa como músico.
Discografía de Caetano Veloso:
1967 - Domingo (con Gal Costa)

1968 - Caetano Veloso
1968 - Tropicália ou Panis et Circensis (con
Gilberto Gil, Os Mutantes, Nara Leão, and
Gal Costa)
1968 - Ao Vivo (con Os Mutantes)
1968 - "Veloso, Gil e Bethania"
1972 - Transa
1972 - Barra 69 ao vivo na Bahia (con
En los años 80' Veloso Gilberto Gil)
realizó diversas 1972 - Caetano e Chico - Juntos ao Vivo Caetano Veloso solista .
presentaciones alrededor (con Chico Buarque)
del mundo y de esa forma 1973 - Araçá Azul
1974 - Temporada de Verão - ao vivo na Bahia (con Gilberto Gil and Gal Costa)
acrecentó fu fama 1975 - Jóia
inernacional. 1975 - Qualquer Coisa
1976 - Doces Bárbaros (con Gal Costa, Gilberto Gil and Maria Bethânia)
1977 - Bicho
1977 - Muitos Carnavais
1978 - Muito (dentro da estrela azulada)
1978 - Maria Bethânia e Caetano Veloso ao Vivo
1979 - Cinema Transcendental
383
1981 - Outras Palavras 1996 - Tieta do Agreste (soundtrack de la

1981 - Brasil (con João Gilberto, Gilberto película)
Gil and Maria Bethânia) 1997 - Livro
1982 - Cores, Nomes 1999 - Prenda Minha
1983 - Uns 1999 - Omaggio a Federico e Giulietta
1984 - Velô Universal Music (live)
1986 - Totalmente Demais (live) 1999 - Orfeu Natasha (soundtrack de la
1986 - Caetano Veloso película)
1987 - Caetano Veloso 2000 - Noites do Norte
1989 - Estrangeiro 2001 - Noites do Norte ao vivo
1991 - Circuladô 2001 - Canto (con Los Super Seven)
1992 - Circuladô Vivo 2002 - Eu não peço desculpas (con Jorge
1993 - Tropicália 2 (with Gilberto Gil) Mautner)
1994 - Fina Estampa 2002 - Todo Caetano (40 CD boxed set)
1994 - Fina Estampa ao Vivo 2004 - A Foreign Sound
1995- O Quatrilho (soundtrack 2005 - Onqotô 2006 - Perfil Som Livre
de la película). 2006- Cê (canciones inéditas de su autoría)
Celia Cruz
Celia Cruz nació en La Habana, Cuba y fue una de las cantantes de salsa más conocidas
del siglo XX. A principios de los '50 se unió a la legendaria orquesta “La Sonora
Matancera”, con la cuál exportó su talento al mundo. En 1960, luego de la Revolución en
la Isla, se estableció en Estados Unidos, donde grabó con maestros del género como Tito
Puente, Johny Pacheco y Willy Colón. “La Reina de la Salsa” cantó también con los más
Con sus más de 70 discos

ganó una enorme cantidad
de discos de oro y platino y
más de cien premios alre-
dedor del mundo.
Celia Cruz.
384
altos representantes de la música: Dionne Warwick, Patti Labelle, David Byrne, Gloria
Estefan, Wyclef Jean entre otros y también junto a grupos de rock, como Los Fabulosos
Cadillacs y Jarabe de Palo.
Con sus más de 70 discos ganó una enorme cantidad de discos de oro y platino y
más de cien premios alrededor del mundo. Fue nominada 12 veces a los premios
Grammy y en 1987 la ciudad de Hollywood le dio una estrella en el paseo de la
fama de esa ciudad. En 1994 recibió de manos del Presidente de Estados Unidos
Bill Clinton, el más alto honor que este país concede a las artes: el National
Edowment for the Arts, en la Casa Blanca. Se le otorgaron tres doctorados Honoris
Causa en las universidades de Yale, Florida y Miami. Además, apareció en unas 10
películas, entre las cuales se destacan “The Mambo Kings” y “The Pérez Family”.
Tapa de disco Celia Cruz.
Como consecuencia de un tumor cerebral, la cantante falleció el 16 de julio de 2003 en

su casa de Nueva Jersey.
Chavela Vargas
Isabel Vargas Lizano nació en San Joaquín de Flores, en la provincia costarricense de
Heredia, el 17 de abril de 1919. Hija de Herminia Lozano y Francisco Vargas,de muy
pequeña enfermó de la vista y cuando iban a secarle los ojos con nitrato de plata la sanó
un indígena; los indios son, al decir de Chavela , los únicos seres puros que quedan.
En su adolescencia se trasladó a México y allí se desempeñó en distintos oficios hasta
convertirse en “La Vargas”. Intérprete notable que ataviada con un poncho recorrió el
territorio mexicano y llenó los bares de la noche azteca: El Otro Refugio, El Blanquita, El
Patio, La Taberna de El Greco.
En su adolescencia se
trasladó a México y allí se
desempeñó en distintos
oficios hasta convertirse en
“La Vargas”.
Chavela Vargas.
385
Estando ya consagrada comienza a relacionarse con la bohemia artística mexicana y se

codea con el compositor Agustín Lara, la poeta Pita Amor, el pintor Diego Rivera, el
escritor Juan Rulfo, el cantante Pepe Jara. Admira profundamente a José Alfredo Jiménez
a quien considera, al igual que al argentino Atahualpa Yupanqui, un “artista que abre
mundos”.
Vargas siempre fue directa y sincera a la hora de hablar de su sexualidad y

reconoció sus amoríos con Frida Kahlo, además nunca ocultó su condición de
lesbiana. Al respecto en su autobiografía señaló: “se dieron cuenta de que yo era
homosexual desde muy niña (…) Lo que duele no es ser homosexual, sino que lo
echen en cara como si fuera una peste".
Tapa de disco con treinta

temas musicales.
Eduardo Mateo
Ángel Eduardo Mateo López nació en Montevideo el 19 de Setiembre de 1940 y murió en la
misma ciudad el 16 de mayo de 1990 de cáncer abdominal. Músico y compositor, fue sin
dudas uno de los grandes y más influyentes representantes de la música popular uruguaya..
Desde su infancia tomó contacto con el candombe, la murga y la música popular brasileña. En
1960 ya era un respetado guitarrista y un gran intérprete de bossa nova. Pero progresivamente
fue asimilando otras influencias, especialmente la de los Beatles, por lo que junto a Ruben Rada
fundó el grupo El Kinto en 1967. El Kinto sentó las bases del candombe-beat (la fusión de
candombe con rock que hasta hoy mantiene su plena vigencia).
En la década del 70 del siglo pasado Mateo sufrió una crisis personal que lo vinculó con las
drogas, la locura y un estilo de vida que lo alejó de la posibilidad de desarrollar una carrera
regular y lo colocó varias veces al borde de la miseria. Por otro lado, Mateo siempre fue
intransigente y aventurero en lo estético, y en el momento en que el gran público empezaba
a digerir su música, él ya se salía con un estilo distinto y aun más extraño que el anterior.
En 1960 ya era un respetado

guitarrista y un gran
intérprete de bossa nova.
Eduardo Mateo.
386
Durante la época de la dictadura militar en Uruguay el género musical que tomó mayor
preponderancia y respeto fue el del “canto popular” con letras con profundo contenido
político. Mateo nunca formó parte de esa corriente pero sin embargo nunca dejó de
ejercer una influencia subterránea entre los músicos. Terminado el periodo dictatorial,
su "ideología musical" ocupaba un buen puesto en la escena montevideano y muchas de
sus idiosincrasias ya eran aprovechadas, aquí y allá, como elementos integrados al
patrimonio musical uruguayo común, como si fueran "géneros" tradicionales.
Jaime Roos
Jaime Roos nació en el Barrio Sur de Montevideo, Uruguay, el 12 de noviembre de 1953,

de padre francés (René Roos) y madre uruguaya (Lucía Alejandro). A los cuatro años
comenzó a salir con la murga de su barrio y la bazucada de su calle. A los 13 años
comenzó sus estudios de guitarra clásica, que abandonó dos años después.
Jaime Roos
Cuatro son los elementos básicos que integran la música de Jaime Roos: rock, candombe,
murga y milonga, fusionados con una naturalidad y consistencia verdaderamente
sorprendentes. Además se pueden encontrar en sus composiciones influencias del tango,
jazz, vals, bolero, música centroamericana, huayno, etc.
387
En 1969 inició su actividad como músico profesional en Uruguay y 6 años después se radicó
en Europa, donde trabajó como músico cesionista y bajista en París y Ámsterdam. En ese
período, grabó en Normandía los discos “Para espantar el sueño” y “Aquello”. Su carrera
discográfica prosiguió con los álbumes Siempre son las cuatro (1982) y Mediocampo(1984),
realizados en Uruguay.
Su disco “Brindis por Pierrot” (1985) se transformó en el más vendido en Uruguay en

los últimos veinte años y de allí en adelante sus discos comienzan a tener un notable
éxito tanto en Uruguay como en Argentina. Sólo en Uruguay percibió más de
cincuenta discos de oro y platino. Su primera producción para la empresa Sony, Si
me voy antes que vos, editada en Argentina en 1996, también ha sido consagrada
con varios discos de oro y platino.
En 1996 realizó música incidental y canciones para el filme argentino "El sueño de los
héroes” dirigido por Sergio Renán y en 1998 editó “Concierto Aniversario” un álbum que
revive 17 canciones grabadas en directo, en un ciclo realizado entre marzo y junio de
1997 en el Teatro Solís de Montevideo (máximo escenario de la ciudad).
En el 2000 recibió un aluvión de discos de oro y platino por parte de su compañía actual
(Sony Music) y de la compañía que posee su catálogo anterior (EMI). Sobre el final de
este mismo año editó “Contraseñas”, un álbum en el que Roos interpreta una selección
de temas de sus autores favoritos.
En el 2000 recibió un
aluvión de discos de oro y
platino por parte de su
compañía actual (Sony
Music) y de la compañía
que posee su catálogo
anterior (EMI).
Tapa de disco a 20 años del lanzamiento de su primer álbum.
388
Javier Solis
Gabriel Siria Levario (Javier Solís) nació el 1º de septiembre de 1931 en México. No
conoció a su padre y su madre lo dejó a cargo de su tío Valentín Levario y la esposa de
éste, Angela López. Luego de terminar su educación primara falleció su madre adoptiva,
por lo que tuvo que salir a trabajar para sobrevivir y no pudio continuar con sus estudios.
Se desempeñó en diversos oficios: panadero, carnicero, carpintero, cargador de
mercados, lavador de autos etc.
Tomó clases de canto con el maestro Noé Quintero y formó el Dueto Guadalajara y el Trío
Flamingo, que luego pasó a llamarse Trío México. Más tarde comenzó su carrera solista
actuando en Garibaldi y en Tenampa.
En 1955 grabó su primer disco con la compañía Columbia. El sencillo incluía canciones
como “"Por qué negar" y "Qué te importa", el cual le mereció su primer disco de platino
el 5 de septiembre de 1957. En esta época fue en la que cambió su seudónimo por el de
Javier Solís.
Una vez afianzado su estilo

pasó a interpretar boleros
rancheros, una variedad de
la ranchera mexicana que
utiliza armonías y
arreglos emparentados con
el bolero.
Javier Solis.
389
Aunque durante años cargó con el lastre de ser considerado un imitador de Pedro
Participó en su primera
Infante el músico Felipe Valdés Leal siempre creyó en él y una tarde de 1958 cuando
película: “El Norteño”. Javier Solis grababa "Llorarás, llorarás" bajo la influencia del estilo de Infante, Valdés Leal
A este film le seguirían 33 logró hacer surgir el estilo propio y la voz auténtica de Solis a base de consejos.
películas más en las que
compartiría el protagonismo Una vez afianzado su estilo pasó a interpretar boleros rancheros, una variedad de la
ranchera mexicana que utiliza armonías y arreglos emparentados con el bolero. Este
con artistas de la talla de género nace el 23 de abril de 1949 con la canción "Amorcito Corazón". También
María Victoria, interpretó rancheras como "Las rejas no matan", "Renunciación" y "Esta tristeza mía",
Lola Beltrán y Luis Aguilar. además de valses y tangos como "En esta tarde gris".
El 18 de junio de 1959 realizó su primera gira internacional y al año siguiente participó en su

primera película: “El Norteño”. A este film le seguirían 33 películas más en las que compartiría
el protagonismo con artistas de la talla de María Victoria, Lola Beltrán y Luis Aguilar.
El 12 de abril de 1966 fue internado en la Clínica Santelena en México D.F. debido a sus
problemas con la vesícula. El 19 de abril se le produjo un infarto que le causó la muerte,
tenía 34 años y se encontraba en la cima de su carrera.El 20 de abril su cuerpo fue
inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México.
Pablo Milanes
Pablo Milanés nació en Bayamo, Cuba el 24 de febrero de 1943. Fue uno de los creadores
de la “nueva trova cubana” y previamente había comenzado su carrera en el género
cubano llamado feeling. Este género se basa en el sentimiento que define la
interpretación y está influenciado por las canciones románticas y el jazz estadounidense.
Comenzó su carrera como intérprete en el grupo Bucaneros y rápidamente probó suerte

como solista. En 1965 editó “Mis 22 años” considerado por muchos el nexo de unión
entre el feeling y la nueva trova cubana. La colaboración con los Bucaneros se extendió
hasta 1967. Un año después Pablo ingresó al servicio militar y puso un paréntesis de un
año a su carrera.
En 1968, Pablo Milanés ofreció su primer recital en conjunto con Silvio Rodríguez,
anticipando lo que en 1972 surgiría con el nombre de “nueva trova”. Pablo Milanés por
Pablo Milanes. esa época conoció a los máximos representantes de la canción latinoamericana como
Violeta Parra, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Vinicius de Moraes, Milton de Nascimento
y Víctor Jara, entre otros muchos que pasaron por la casa de Las Américas en Cuba.
Comenzó su carrera como

intérprete en el grupo
Bucaneros y rápidamente
probó suerte como solista.
Pablo Milanés ofreció su primer recital en conjunto con Silvio Rodríguez.
390
A principios de la década Desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta es una etapa artística de
Milanés en la que se revelan sus dotes como letrista y en la que además estudia los
del ochenta del siglo diversos ritmos y sonidos que luego incorporaría a su música. De esta época son sus
pasado Milanés forma su temas "Yo no te pido", "Los años mozos", "Cuba va" , "Hoy la vi", "Yolanda, "No me
propio grupo y su carrera pidas", "Los caminos", "Pobre del cantor", "Hombre que vas creciendo", "Yo pisaré las
continúa como solista. calles nuevamente", etc.
A principios de la década del ochenta del siglo pasado Milanés forma su propio grupo y
su carrera continúa como solista. Hasta hoy continúa siendo uno de los referentes de la
canción cubana y latinoamericana.
Rubén Blades
Rubén Blades es uno de los cantantes latinoamericanos más reconocidos. Impulsor y
difusor de la salsa, nació en Panamá en 1948 y comenzó su carrera profesional en Nueva
York en 1974.
Rubén Baldes
Cantó en la banda de Ray Barretto y en 1976 inició una serie de grabaciones con el combo
de Willie Colón; entre ellas sobresale Siembra (1977), el álbum de salsa más vendido de la
historia, en la que figura además su canción más popular, Pedro Navaja. Le siguieron
Maestra vida (1980) y Buscando América (1984). En 1988 grabó Nothing but the truth, su
primer álbum en inglés, con temas escritos con Lou Reed, Elvis Costello y Sting.
391
Rubén Blades además siempre estuvo comprometido con la política de su país, en 1994
fundó el partido Movimiento Papa Egoró (Madre Tierra, en lengua embará) y se
presentó como candidato a las elecciones presidenciales de mayo de ese año,
obteniendo el 17 por ciento de los votos emitidos.
Ruben Rada
Rubén Rada nació en Montevideo en 1943. Es un cantante, compositor y percusionista
uruguayo reconocido mundialmente y dotado de un carisma único que lo convirtió en
ídolo de su país.
Rada comenzó su carrera musical en una banda llamada Los Hot Blowers, por la que
pasaron otras importantes figuras de la música uruguaya como por ejemplo “Cacho” de
la Cruz, los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso y Federico García Vigil.
Su primer trabajo solista

fue editado en 1969 y se
llamó Las Manzanas
y desde ese momento
suma más de 40
discos realizados.
Ruben Rada.
392
Finalizada su etapa en los Hot Blowers comenzó su carrera profesional en el grupo “El
Kinto”, banda que todavía hoy es reconocida como la fundadora de un estilo musical
llamado Candombe-Beat. “El Kinto” fue el primer grupo en tocar candombe con
instrumentos eléctricos y estaba integrado por Eduardo Mateo, Urbano Moraes y
Walter Cambón.
Entre 1971 y 1973 formó parte de una de las bandas de culto uruguayas, Totem.
En ese corto lapso Ruben Rada grabo dos LP de un total de tres con que cuenta la
banda. Su primer trabajo solista fue editado en 1969 y se llamó Las Manzanas y
desde ese momento suma más de 40 discos realizados. Artista prolífico y
polifacético Rada también es conocido por su trabajo como actor cómico.. En la
década de los años 60' integró el elenco del afamado programa uruguayo
En la década de los años 60' Rada, Telecataplúm que era éxito en Argentina también.
integró el elenco del afamado
programa uruguayo Telecataplúm que
era éxito en Argentina también. Discografía de Ruben Rada Fattoruso (c/Hugo Fattoruso)
1991 - Terapia de murga
1968 - Circa 1968 (El Kinto) 1991 - Físico de rock
1969 - Las Manzanas 1992 - Concierto por la vida
1970 - Musicación 4 (El Kinto) 1993 - Lo mejor de Rada Vol. I (comp.)
1971 - Tótem (Totem) 1994 - Rada factory
1972 - Descarga (Totem) 1996 - Botijas Band con Ruben Rada
1972 - Rada 1996 - Montevideo
1974 - Camerata Punta del Este 1997 - Lo mejor de Rada vol. II
1974 - S.O.S 1997 - Miscelánea negra
1975 - Radeces 1998 - Rada en colores
1977 - Magic time (Opa) 1999 - Tengo un candombe para Gardel
1980 - La Banda 1999 - Black
1981 - La Rada 1999 - Rada para niños
1982 - En familia 1999 - Montevideo dos
1983 - La cosa se pone negra 2000 - Quién va a cantar
1984 - Adar Nebur 2001 - Sueños de niño
1986 - La Yapla Mata 2002 - Lo mejor de Rada para niños
1987 - Siete vidas 2002 - Alegre caballero
1987 - Botija de mi país (c/Eduardo 2003 - Rubenrá
Mateo) 2004 - Candombe Jazz Tour
1988 - Opa en vivo (Opa) 2005 - Rada para niños en vivo
1989 - Pa´l los Uruguayos 1990 - Las 2006 - Rakatá
aventuras de R. Rada y Litto Nebbia 2006 - Richie Silver
(c/Litto Nebbia) 2007 - Varsovia (c/Javier Malosetti)
1991 - Las aventuras de R. Rada y H. 2008 - Bailongo
Silvio Rodriguez
Silvio Rodríguez Cárdenas nació en San Antonio de los Baños, Cuba, en 1946 y está
considerado uno de los más importantes músicos cubanos. Además es, junto con Pablo
Milanés, el creador de “la nueva trova”.En 1951 se trasladó con su familia a La Habana y
comenzó a tocar el piano. Su debut como intérprete fue en el Museo de Bellas Artes y en
1975 grabó su primer disco solista. A lo largo de su carrera colaboró con numerosos
cantantes y músicos latinoamericanos y españoles en discos y giras.
393
Como ejemplos de sus diversos giros musicales y de su gran talento musical se cuentan
los trabajos Te doy una canción (1975), Al final de este viaje (1978), Tríptico (1984), uno
de sus más reconocidos discos, el recopilatorio Clásicos cubanos 1975-1984 (1991) y
Cita con ángeles (2003).
La Nueva Trova surgió a finales de los sesenta y fue inspirada por la Revolución Cubana.
La influencia de este género y de Silvio Rodríguez sobre toda una generación de músicos
es reconocida en todo el mundo. Silvio, fiel a los principios de la revolución ha mostrado
siempre su adhesión incondicional a Fidel Castro, reclamando el levantamiento del
bloqueo estadounidense a su país y la devolución de la base naval de Guantánamo.
Silvio Rodriguez.
Tito Puente
Ernesto Antonio “Tito” Puente nació en Nueva York en 1920. Compositor y
percusionista conocido como “el rey de los timbales” fue uno de los grandes
difusores de la música latina en los Estados Unidos. Está considerado como el
padre de la salsa y el jazz latinos y su prolífica obra cuenta con más de 100 discos
editados entre 1949 y 1994.
394
Comenzó a actuar de muy pequeño y ya en su adolescencia se unió a Noro Morales y la

Orquesta Machito, pero a causa de la Segunda Guerra Mundial (que pasó enlistado en la
Marina) tuvo que imponer un paréntesis a su carrera. su primera actuación tuvo lugar a
En 1948 formó su propia banda, los Picadilly Boys, pronto conocida como la Orquesta de
Tito Puente, con la que grabó su primer éxito, Abaniquito, para la firma Tico Records al
año siguiente. En 1949 firmó un contrato con la casa RCA Victor y grabó el sencillo Ran
Kan Kan. En la década del cincuenta comenzaron a llegar los éxitos. En un momento en el
que el mambo gozaba de gran popularidad grabó algunos de los temas que se
convirtieron en favoritos en las radios, como por ejemplo Barbarabatiri, El Rey del
Timbal, Mambo la Roca y Mambo Gallego. Con la firma RCA editó Cuban Carnival,
Puente Goes Jazz, Dance Mania y Top Percussion, cuatro de sus álbumes más populares.
Hacia 1960 Puente se encumbró como el principal músico de mambo de la

década y en 1963 grabó junto a Carlos Santana el tema “Oye como va” que
introdujo su música en una nueva generación. En 1967 Tito dio a conocer sus
Tito Puente. composiciones en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center.
En 1979 realizó una importante gira por el Japón, cantó para el presidente de Estados
Unidos (Jimmy Carter) y recibió el primero de los cuatro Gramys con los que fue
galardonado a lo largo de su vida, por “A Tribute to Benny More” . Los otros llegaron en
1983 por “On Broadway”, en 1985 por “Mambo Diablo” y en 1989 por “Goza Mi Timbal”.
En 1948 formó su propia
banda, los Picadilly Boys,
pronto conocida como la
Orquesta de Tito Puente,
con la que grabó su primer
éxito, Abaniquito, para la
firma Tico Records
al año siguiente.
Tapa de disco Tito Puente.
395
En 1960 comenzó a formar A los 68 años de edad, en 1991, grabó su centésimo disco, llamado “El Número Cien” y
distribuido por Sony para RMM Records. Además de las distinciones ya mencionadas,
parte del directorio del contaba en su haber con el más prestigioso de los premios de la música, el que concede
Instituto del Teatro y la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (1994) y había sido nombra-
obtuvo el premio Laurel do doctor Honoris causa por la Universidad de Old Westbury.
como mejor director de Tito Puente murió el 31 de Mayo el año 2000
teatro del año.
Victor Jara
Víctor Jara Martínez nació en La Quiriquina, Chile , en 1932 y fue un imprtante cantautor,
director teatral, actor, dramaturgo y libretista. Sin embargo su mayor trascendencia la
alcanzó como compositor y cantor popular..
De origen humilde y campesino, quedó huérfano a los 15 años y en 1957 ingresó a la
Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. Por esa época conoció a Violeta Parra, que lo
acogió como su discípulo.
En 1960 comenzó a formar parte del directorio del Instituto del Teatro y obtuvo el premio
Laurel como mejor director de teatro del año. En 1967 recibió un premio en Inglaterra y
encontrándose allí escribió una de sus canciones más conocidas y recordadas: “Te
recuerdo Amanda”. Ese mismo año editó su primer disco, llamado “Víctor Jara”.
Victor Jara.
396
Vinicius De Moraes
Vinicius de Moraes, cuyo nombre completo es Marcus Vinícius Da Cruz De Melo Moraes,
nació en Gavea el 19 de octubre de 1913. Mientras estudiaba en la Universidad de
Derecho publicó su primer libro, titulado "O Caminho para a Distancia" (1933).
En 1950 fue nombrado vicecónsul en Los Ángeles y tuvo la oportunidad de estudiar la
poesía anglosajona y el Jazz. En esta época, junto con Tom Jobim y Joao Gilberto funda la
bossa nova. En 1956 escribe Orfeu da Conceição, obra de teatro sobre la comunidad
negra que, llevada al cine por Marcel Camus con el título de Orfeu negro, gana la Palma
de Oro en Cannes (1958) y el Óscar (1959) a la mejor película extranjera
Vinicius De Moraes.
La vida múltiple y contradictoria de Vinicius le permite a la vez pertenecer al
partido comunista, ser amigo de Jorge Amado (su padrino de matrimonio),
Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade y Pablo Neruda. Gustar por
igual del fútbol y la cocina. Casarse nueve veces. Ser capaz a los cincuenta y cinco
años de irse a una comunidad hippy en Bahía. Su anarquía creadora lo lleva a
aplaudir en 1968 su expulsión del ministerio de Relaciones Exteriores.
Vinicius fue uno de los principales artífices de la aparición, y especialmente la

internacionalización, de la bossa nova, y grabó más de treinta discos de larga duración.
Vinicius fue uno de los

principales artífices de la
aparición, y especialmente
la internacionalización, de
la bossa nova, y grabó más
de treinta discos de
larga duración.
Vinicius De Moraes falleció en su ciudad natal el 18 de julio de 1980,
a la edad de 67 años.
397
Violeta Parra
Violeta Parra nació en Chillán, Chile, en 1917. Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval,
realizó sus primeros estudios en Lautaro y en Chillán, En 1938 se casó con Luis Cereceda,
el padre de sus hijos Ángel e Isabel, que adoptarían el apellido de su madre.
Ya en el año 1942 ganó el primer premio en un concurso de canto español organizado en
el Teatro Baquedano. Desde entonces fue asiduamente contratada y decidió partir a
Valparaíso, donde encontró su vocación. El constante viajar por todo el país le puso en
contacto con la realidad social chilena, plagada de desigualdades económicas. Violeta
Parra adoptó una postura política de militante de izquierda que la llevó a buscar las raí-
ces de la música popular.
A mediados de la década del cincuenta del
siglo pasado realizó un viaje por los países
socialistas de Europa y grabó un disco de
folklore chileno en Francia, para el sello Le
Chant Du Monde. En 1956, ya de regreso a
Violeta Parra. Chile fue designada directora del museo
de Arte Popular de la Universidad de Con-
cepción y retomó sus actuaciones en Radio
Chilena.
Su labor de difusora de la expresión del
pueblo campesino la volcó en composicio-
nes musicales como Casamientos de
negros (1955), Yo canto la diferencia
(1961), Una chilena en París (1965), Qué
dirá el Santo Padre (1965), Rin del angelito violeta Parra tapa de disco.
(1966), Run run se fue pal Norte (1966),
Volver a los diecisiete (1966) y Gracias a la vida (1966), muchas de las cuales han sido
grabadas por destacados intérpretes.
Como consecuencia de una fuerte depresión, Violeta Parra acabó con su vida el 5 de
febrero de 1967, momentos antes de salir a un escenario.
Robert “bob” Nesta Marley

Robert “Bob” Marley nació en Nine Mile, Jamaica, el 6 de febrero de 1945. Fue hijo de
Cedella Broker y Norval Marley (capitán del ejército británico que se desentendió de su
hijo) A finales de los años 50 Bob y su madre se mudaron a la capital Kingston intentando
mejorar su situación económica, sin embargo, como la mayoría de las personas que
provenían de las zonas rurales, su destino fue el de los barrios pobres y míseros.
La religión Rastafari (una rama no reconocida del judaísmo) tuvo gran influencia
en la vida de Bob y fue en este ambiente en el que conoció a Neville O'Riley
Bob Marley. Livingstone (Bunny) y a Peter McIntosh. Juntos comenzaron a tocar, bajo la
influencia de músicos como Ray Charles, Fats Domino, Brook Benton o Curtis
Mayfield. En 1963 formaron el grupo “Wailing Wailers” y lanzaron un primer
single que alcanzaría el primer puesto en las listas jamaicanas.
398
En los inicios de la década En 1966 luego de casarse con Rita Anderson, se marchó por unos meses a Estados
Unidos, donde vivía su madre. Al regresar estaba más compenetrado con la religión
del 70 contratan al Rastafari y junto con sus amigos Bunny y Peter, crearon el grupo “The Wailers”.
productor Lee Perry, quien En los inicios de la década del 70 contratan al productor Lee Perry, quien revolucionó su
revolucionó su trabajo y trabajo y logró como resultado algunas de las mejores obras del grupo, como “Soul
logró como resultado Rebel”, “Small Axe” y “400 Years”. En 1972, editaron su primer disco, llamado “Catch a
Fire", con el que consiguieron un gran éxito y realizaron una gira por Estado Unidos e
algunas de las mejores Inglaterra. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, 'Burnin', con nuevas versiones de sus
obras del grupo, como viejos temas.
“Soul Rebel”, “Small
Axe” y “400 Years”. Bunny y Peter abandonaron el grupo en 1975 y fueron reemplazados por la
mujer de Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt. En ese momento el grupo pasó
a llamarse “Bob Marley and The Wailers”. Un año después grabaron “Rastaman
Vibrations”, que además de conseguir gran repercusión es considerado el más
claro exponente de las creencias de Bob.
1975-Live! At The Rainbow.

En 1976 Marley abandonó Jamaica y se trasladó a Florida (EEUU) y multiplicó sus giras
por aquel país, Europa y Africa. Al año siguiente se editó el álbum 'Exodus', que se
convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, salió a la venta “Kaya” , un nuevo
éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana.
Luego de su disco “Babilón By Bus” Bob viajó al Africa y este hecho inspiró su nuevo
trabajo, llamado “Survival”. En 1980 su disco “Usurping” batió todos los record y le
permitió realizar otra gira europea, que batió los records de asistencia.
Bob Marley cayó gravemente enfermo de cáncer y el 11 de mayo de 1981 falleció en un
hospital de Miami. Sus restos fueron trasladados a su ciudad natal y a su funeral
asistieron el primer ministro y altas personalidades jamaiquinas.
399
Protagonistas de la Historia Música Contemporánea Cantantes y cantautores
Barry White
Barry White nació en Galveston, Texas, Estados Unidos en 12 de setiembre de 1944 bajo
el nombre de Barry Eugene Carter. Creció en la ciudad de Los Ángeles en una familia de
escasos recursos económicos. Desde pequeño comenzó a tocar el piano y a cantar en el
coro de la Iglesia, en el que rápidamente fue promovido a director.
Su voz profunda y grave apareció en su adolescencia, por esa época también fue
arrestado por robar llantas y según reconoce el propio White esa experiencia le
cambió la vida y lo hizo enfocarse en su verdadera vocación: la música. Inspirado
por "It's Now or Never" de Elvis Presley decidió unirse a los "Upfronts" y luego
pasó a la producción de artistas.
Barry White.
El primer éxito de “Love En 1969 formó "Love Unlimited" un trío vocal femenino que lo acompañaba en sus
presentaciones. También en ese año armó una orquesta que llevaría el mismo nombre
Unlimited” llegó en 1972 con
que el trío y que estaba integrada por 40 músicos. La orquesta también lo acompañaba y
la canción "Walkin' In The él conducía, componía y arreglaba para esta gigantesca estructura.
Rain With The One I Love"
El primer éxito de “Love Unlimited” llegó en 1972 con la canción "Walkin' In The Rain With
The One I Love", un tema en el que White hablaba sensualmente al teléfono. Luego
llegaron "I'm Gonna Love You Just A Little More Baby", "Never, Never Gonna Give Ya Up"
(1973), "Can't Get Enough Of Your Love, Babe" y "You're The First, The Last, My Everything"
(1974) que alcanzaron los primeros lugares de ventas en Estados Unidos y en Inglaterra.
400
Las letras de sus canciones eran atempora-

les y directas, cubiertas por una voz suave
de barítono que cargaba las palabras de
sensualidad. Con esta fórmula logró 106
discos de oro y 46 de platino, por lo que a
pesar de un declive sobre el final de su
carrera sigue siendo considerado una de las
grandes voces del soul. Barry White murió
el 4 de julio de 2003 a las 9 de la mañana a
los 58 años producto de problemas renales.
Ultima colección de Barry White.
Edith Piaf
Edith Giovanna Gassion nació en París en 1915. Fue una de las grandes cantantes y letristas
francesas y su vida estuvo marcada por la desdicha desde muy temprano. Su aspecto
desvalido le valió el nombre por el que es universalmente conocida: Piaf («gorrión»).
Edith se crió con un padre alcohólico y con su abuela paterna en una precaria situación
económica que la obligó a trabajar desde muy pequeña. A los 16 años quedó embaraza-
da y en 1932 nació su hija Marcelle, que moriría dos años más tarde. Esta tragedia marcó
para siempre la vida de Edith, que sin embrago siguió cantando en los bares de los
barrios bajos de París.
Edith Piaf.
En 1937 Louis Leplée (propietario del cabaret Gerny´s, uno de los más famosos
de París) la vio cantando en la calle y la contrató de inmediato. El éxito no tardó
en llegar y pronto fue conocida como Mome Piaf (pequeño gorrión). Sin
embargo, la vida volvió a castigar a la joven Piaf, ya que Leplée fue encontrado
muerto de un disparo en el club que regentaba y la cantante se convirtió en
sospechosa del asesinato. Su efímera fama había terminado de momento y la
sociedad parisina le dio la espalda, por lo que tuvo que volver a cantar a los bares
de los barrios bajos.
Luego de la Segunda Guerra Mundial Edith se convirtió en musa de varios de los poetas e
Luego de la Segunda Guerra intelectuales existencialistas de París y se ganó el apoyo y la admiración del público.
Mundial Edith se convirtió Edith Piaf remontó el vuelo y volvió a los grandes escenarios de Francia, de Europa y de
América. Se hizo amiga de la actriz Marlene Dietrich y se convirtió en la gran dama de la
en musa de varios de los
canción francesa, ayudando a talentos emergentes como Charles Aznavour, Georges
poetas e intelectuales Moustaki, Yves Montand o Gilbert Bécaud, y relacionándose con intelectuales como
existencialistas de París y se Jean Cocteau.
ganó el apoyo y la admira- Conoció y se enamoró del boxeador Marcel Cerdan en un viaje que realizó a Nueva York
en 1946. Pero la tragedia volvería a golpear a la cantante ya que en 1949 Cerdan murió al
ción del público. estrellarse el avión en el que viajaba. Esto hundió nuevamente a Edith en una profunda
depresión, que superó a base de alcohol y tranquilizantes. Fue a la vez la época de sus
grandes éxitos: “La vie en rose” o “Les trois cloches”.
401
En 1950 colaboró con Charles Aznavour y triunfó en el Olympia, mientras que en 1956 lo
haría en el Carnegie Hall de Nueva York. Tras un accidente, Edith quedó maltrecha y se
hizo adicta a la morfina. A partir de allí una larga lista de enfermedades le fueron diag-
nosticadas, hasta que en 1959 se le descubrió un cáncer.
En junio de 1961 fue premiada por la Academia Charles Cros por toda su carrera artísti-
ca. Murió en Provenza el 11 de octubre de 1963. En su entierro, el cortejo fúnebre fue
seguido por una multitud de 40.000 personas.
Frank Sinatra
Francis Albert Sinatra nació en Hoboken, Estado Unidos en 1915 y fue uno de los más
Edith Piaf y sus 26 grandes éxitos. conocidos y populars cantantes norteamericanos. La vocación musical de Sinatra nació
en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años más tarde ingresó
en el grupo The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes
Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos.
La vocación musical de
Sinatra nació en 1933, tras
asistir a un concierto del
cantante Bing Crosby.
Frank Sinatra.
En 1939 se casó con Nancy Barbato y fue contratado por el trompetista Harry James
como cantante de su orquesta. Ya en 1940 ingresó a la orquesta de Tommy Dorsey, que
por aquel entonces era la más popular de los Estados Unidos. También en ese año nació
su hija Nancy.
402
En 1943 inició su carrera solista con el lanzamiento de su álbum “All or nothing at that” del
que vendió un millón de copias. En 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher.
En 1951 se divorció de Nancy y se casó con la actriz Ava Gardner y dos años después ganó
un Oscar como actor secundario por su papel en la película “De aquí a la eternidad”.
En 1956 su disco “Songs for swingin' lovers” alcanzó el segundo lugar en las listas
de ventas y se mantuvo allí por 66 semanas y en 1958 su elepé “Come fly to me”
alcanzó el primer lugar y lo mantuvo por 71 semanas, permanencia que sería
superada por su disco “Only the lonely” con 120 semanas.
En la década de 1960 lanzó sus discos “Nice and easy (1961)” y “Strangers in the night
(1962)” y protagonizó la película “El mensajero del miedo”, que no tuvo gran repercu-
sión. A los 50 años se casó con la actriz Mía Farrow, de quien se divorciaría en 1968.
También en esta década participó en varios discos de otros músicos como “Sinatra-
Basie” (1962); con Bing Crosby en 1964; con su hija Nancy y el compositor brasileño
Antonio Carlos Jobim en 1967 y con Duke Ellington en 1968.
En la década de 1970 se consolidó como una autentica institución de la música popular.
En 1976 se casó por cuarta vez, en esta oportunidad con Bárbara Marx y en 1980
interpretó su último papel dramático en la película El primer pecado mortal (The First
Deadly Sin).Con motivo de su septuagésimo aniversario realizó una exitosa gira por su
país en 1990 y en 1994 fue galardonado con el Premio Grammy a la totalidad de su
trayectoria artística.
Con motivo de su septua-

gésimo aniversario realizó
una exitosa gira por su país
en 1990 y en 1994 fue
galardonado con el Premio
Grammy a la totalidad de
su trayectoria artística.
Murió en Los Angeles en 1998 de un ataque cardíaco.
403
Nat King Cole

Nathaniel Adams Cole nació en Montgomery, Estados Unidos en 1919 . Fue un conocido
cantante que brilló durante la década del 50 del siglo pasado. Estudió piano en la ciudad
de Chicago y en 1936 realizó sus primeras grabaciones, aún como pianista de jazz del
King Cole trío.
Como solista comenzó su carrera en 1948 e investigó, cantó y tocó diversos estilos
musicales, incluso incorporó la canción latina a su repertorio. Una enorme lista
de éxitos acompañaron la carrera de Cole, entre ellos los más recordados son:
Unforgettable, Nature boy, Mona Lisa, Quizás, quizás, quizás y Ansiedad.
Estudió piano en la ciudad

de Chicago y en 1936 realizó
sus primeras grabaciones,
aún como pianista de jazz
del King Cole trío.
Nat King Cole murió en Santa Mónica en 1965 como consecuencia de un cáncer de pulmón.
404
Paul Anka
Cantante canadiense que nació en Notario en 1941 y fue ídolo de los adolescentes en la
década del 50. En septiembre de 1956 grabó su primer disco, I Confess, y al año siguien-
te, en un viaje a Nueva York, recorrió diversas discográficas hasta que Don Costa, de ABC
Records, quedó impresionado por sus potencial.
“Diana”, una canción dedicada a la joven que se encargaba de cuidar a su

Show de Paul Anka. hermano pequeño fue grabada por Paul Anka en 1957 y se transformó en un
éxito inmediato. Permaneció nueve semanas en el número uno de las listas
inglesas, se vendieron nueve millones de copias en poco más de un mes en todo
el mundo y ha sido versionada en trescientas ocasiones por distintos artistas.
Sus grandes éxitos continuaron hasta principios de la década del 60, entre ellos el
recordado “Put your head on my shoulder” de 1959. Paul Anka compró los derechos
del tema Comme d'habitude del francés Claude Françoise y lo tradujo al inglés con el
nombre “My way” (A mi manera). Esta canción lo devolvió a los primeros planos,
especialmente después de que la canción se hiciera mundialmente famosa en la versión
de Frank Sinatra.
Paul Anka compró los

derechos del tema Comme
d'habitude del francés
Claude Françoise y lo
tradujo al inglés con el
nombre “My way”
(A mi manera).
Paul Anka.
405
En 1974 volvió a llegar al número uno con “You're having my baby”, cantada a dúo con su
protegida Odia Coates. Desde entonces su actividad discográfica inició un declive;
dedicó más tiempo a actuar y a su vida privada, pero todavía editó trabajos como Steel
guitars and a glass of wine (1989) y nuevas versiones de sus antiguos éxitos en Five
decades of hits (1991).
Bob Dylan
Robert Alan Zimmerman (Bob Dylan) nació en Duluth, EEUU en 1941 y fue uno de los más
reconocidos cantantes norteamericanos de la década del 60. Su admiración por el poeta
Dylan Thomas lo llevó a adoptar el apellido artístico por el que se ha hecho popular.
Sus letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones y la recuperación del Folk como

base musical lo convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país.
Algunas de sus canciones revolucionaron el pop mundial y brindaron nuevas posibilida-
des a los cantautores y también a las bandas de rock, es el caso de “Blowin' in the Wind”,
“Maters of war o Talkin' World War III blues”
En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto
estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más
Bob Dylan.
puristas del folk. En 1995 volvió a editar un disco (Unplugged) que lo devolvió a los prime-
ros planos y recorrió sus grandes éxitos, grabados en vivo y sin instrumentos eléctricos.
Sus letras cargadas de

simbolismo y
reivindicaciones y la
recuperación del Folk
como base musical lo
convirtieron en un líder
para la juventud
contestataria de su país.
Cantante norteamericano de la década del 60.
406
Protagonistas de la Historia Música Contemporánea Jazz
Charlie Parker
Charlie “Bird” Parker nació en Kansas City en 1920 y fue un destacado saxofonista y
compositor. Su dependencia a las drogas y al alcohol y problemas de índole mental
signaron su vida y la llenaron de sufrimiento. En el ámbito musical, sin embargo, Parker y
su saxo alto revolucionaron el mundo del jazz en los años cuarenta.
Su estilo (el bebop) rápidamente influenció a otros artistas de jazz como D. Gillespie
y T. Monk y trascendió su condición estrictamente musical para convertirse en
Charlie Parker. elemento canalizador de una reafirmación generalizada de la cultura negra.
Parker formó parte, en 1953, de un extraordinario quinteto integrado además por

Gillespie, C. Mingus, B. Powell y M. Roach. Maestro, entre otros, de M. Davis, se
destacan en su discografía “Relaxin' at Camarillo”, “Bird on 52nd Street”, “Inglewood
jam”, o “Birland All Stars At Carnegie Hall”.
Parker protagonizó dos intentos de suicidio en 1954 y finalmente, murió en marzo de

1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio.
Parker formó parte, en 1953, de un extraordinario quinteto.
407
Duke Ellington
Edward Kennedy Ellington nació en Washington D.C. en 1899 y fue uno de los más reconocidos
músicos de jazz estadounidenses. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los
siete años. A los diecisiete debutó profesionalmente y desde 1919 tocó en varios grupos de jazz
de la capital de Estados Unidos. En 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de
referencia para todo músico de jazz.
Aunque no logró triunfar inmediatamente adquirió la experiencia necesaria

para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que dio una prueba
en el célebre Cotton Club de Harlem. A partir de ese momento, su fama y su
prestigio se fueron consolidando y las giras que realizó por Estados Unidos y
Europa contribuyeron a acrecentar su popularidad.
Grandes éxitos como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) marcaron el inicio
de la época dorada para el músico y su big band. Cuando finalizaba la Segunda Guerra
Mundial abordó composiciones como “Black, brown and beige” (1944), “Frankie and
Johnnie” (1945) y “Deep South Suite” (1946).
Duke Ellington murió en Nueva York el 24 de mayo de 1974 víctima de cáncer de pulmón.
En 1959 comenzó a trabajar en la musicalización de películas, fue así que compuso la
banda sonora del filme “Anatomía de un asesinato”, primero, y “Paris Blues (Un día
volveré)”, un año después.
Se calcula que fueron más de 2000 las composiciones realizadas por Ellington y en su
haber quedan además numerosos reconocimientos.
408
Ella Fitzgerald
Ella Fitzgerald, notable cantante de jazz estadounidense nació en Newport News en
1918. Inició su carrera en la década de 1930 y fue calificada de «primera dama del jazz»
por su elegancia y por su técnica vocal, que la dotaba de una gran versatilidad en su
repertorio.
Entre 1957 y 1958 interpretó, en colaboración, una vez más, con Louis Armstrong, la
ópera de George Gershwin “Porgy and Bess”, en una excelente versión jazz de la misma.
En su extensa discografía destacan grabaciones como “Lady be good” (1946) o “A Tisket
A Tañed” (1968).
Ella Fitzgerald.
Louis Armstrong
Su ciudad natal fue la que
vio sus inicios musicales, Louis Armstrong fue un trompetista cantante y director de jazz que nació en Nueva
Orleáns (Estados Unidos) en el año 1900. Para definir a este artista son especialmente
pero en 1922 Joe King adecuadas las palabras de Duke Ellington, quien dijo que si había un auténtico Mr. Jazz,
Oliver le ofreció éste era sin duda Louis Armstrong.
incorporarse a la Creole Su ciudad natal fue la que vio sus inicios musicales, pero en 1922 Joe King Oliver le
ofreció incorporarse a la Creole Jazz Band en Chicago así que Louis se trasladó a esa
Jazz Band en Chicago así
ciudad, en la que vivió hasta 1924. En ese año Fletcher Henderson lo invitó a Nueva York
que Louis se trasladó a esa para tocar en su big band, con la cual grabó algunos discos que pusieron de manifiesto la
ciudad, en la que creatividad y originalidad del músico. Sus virtuosas improvisaciones influyeron
vivió hasta 1924. notablemente en los músicos de jazz neoyorquinos.
409
Su ciudad natal fue la que vio sus inicios musicales, pero en 1922 Joe King Oliver le
Sobre el final de la década
ofreció incorporarse a la Creole Jazz Band en Chicago así que Louis se trasladó a esa
del 20 y ya siendo un ciudad, en la que vivió hasta 1924. En ese año Fletcher Henderson lo invitó a Nueva York
famoso músico regresó a para tocar en su big band, con la cual grabó algunos discos que pusieron de manifiesto la
Nueva York con el objetivo creatividad y originalidad del músico. Sus virtuosas improvisaciones influyeron notable-
mente en los músicos de jazz neoyorquinos.
de afianzar su carrera
cinematográfica. Su ciudad natal fue la que vio sus inicios musicales, pero en 1922 Joe King Oliver
le ofreció incorporarse a la Creole Jazz Band en Chicago así que Louis se trasladó
a esa ciudad, en la que vivió hasta 1924. En ese año Fletcher Henderson lo invitó
a Nueva York para tocar en su big band, con la cual grabó algunos discos que
pusieron de manifiesto la creatividad y originalidad del músico. Sus virtuosas
improvisaciones influyeron notablemente en los músicos de jazz neoyorquinos.
Al año siguiente regresó a Chicago y fundó su propio grupo al que llamaría The Hot Five
para luego cambiarlo por The Hot Seven. On este grupo se convirtió en uno de los
músicos de jazz más conocidos y respetados a nivel mundial. Sobre el final de la década
del 20 y ya siendo un famoso músico regresó a Nueva York con el objetivo de afianzar su
carrera cinematográfica.
Tapa de disco Louis Armstrong.
Louis Armstrong fue un trompetista cantante y director de jazz .
410
En 1936, su popularidad En 1932 realizó una exitosa gira por el Reino Unido y al año siguiente repitió el éxito pero
además incluyó en su viaje a Dinamarca, Noruega y Holanda. En 1936, su popularidad
era tal que decidió publicar era tal que decidió publicar una autobiografía, que tituló Swing that music. En 1947
una autobiografía, que redujo el número de su grupo a 7 integrantes y con ellos formó Louis Armstrong and the
tituló Swing that music. All Stars. Con este grupo participó de la primera edición del Festival de Jazz de Niza en
1948. Durante la década de 1950 dio conciertos en buena parte del mundo y efectuó
giras por África, Australia y Japón.
En 1964, el tema Hello, Dolly del musical homónimo le proporcionó su primer

número uno en las listas nacionales de éxitos y al año siguiente, las autoridades
municipales de su Nueva Orleans natal le concedieron la llave de la ciudad. En
1970, en el marco del Festival de Jazz de Newport se le rindió un homenaje del
que participaron entre otros Mahalia Jackson, Dizzy Gillespie, Bobby Hackett o
The Eureka Brass Band.
Miles Davis
Miles Davis fue uno de los músicos y compositores de jazz más importantes de la historia
de este género. Nació en Alton (Estados Unidos) en 1926. Miembro de la vanguardia del
jazz y excelente trompetista fue impulsor junto con Charlie Parker, Charles Mingus,
Thelonious Monk y John Coltrane del bebop. En la década siguiente fue uno de los
máximos exponentes del cool jazz, mucho más sobrio que el anterior.
En 1970 publicó su
grabación más comercial,
Bitches Brew, y abrió
nuevamente sus
perspectivas musicales.
Davis falleció en Santa Mónica, Estados Unidos, en 1991.
En 1970 publicó su grabación más comercial, Bitches Brew, y abrió nuevamente sus
perspectivas musicales. Luego realizó diversas colaboraciones para músicos de otros
géneros como la cantante de pop Cindy Lauper en la balada Time after time (1983) o el
guitarrista John McLaughlin, en 1990, año en el cual también grabó a dúo con el
guitarrista de blues John Lee Hooker la banda sonora de la película The Hot Spot.
411
Ray Charles
Ray Charles nació en Georgia, Estados Unidos, el 23 de septiembre de 1930. Durante su
niñez perdió la vista como consecuencia de un glaucoma, pese a ello se convirtió en un
magnífico pianista y músico. Ray Charles fue un autodidacta del piano, pero también
recibió clases de música en braille en la "St Augustine School", un centro para invidentes.
Sobre finales de la década del cuarenta consiguió su primer éxito y en 1951 su

tema “Baby, Let Me Hold Your Hand” ingresó en el Top Ten. En 1955 y tras firmar
un contrato con la discográfica Atlantic Records, consiguió el número 2 en las
listas de Rythm and Blues con el tema “I Got a Woman”.
Ray Charles.
De su producción musical de la década del 50 se destacaron los temas “Drown in My
Own Tears”, “This Little Girl of Mine”, “Lonely Avenue”, “Hallelujah I Love Her So”, y “The
Right Time”, pero su mayor éxito llegó con “What'd I Say”, con el que consiguió el núme-
ro uno de las listas.
Sus temas “Busted”, “Take These Chains from My Heart”, “You Are My Sunshine”, y
“Crying Time”, hicieron aumentar aún más su popularidad, sin embargo fue acusado por
posesión de drogas y ese hecho lo alejó de los escenarios durante algún tiempo. En 1966
reapareció con su disco “Let's Go Get Stoned”..
Sus temas “Busted”, “Take

These Chains from My
Heart”, “You Are My Suns-
hine”, y “Crying Time”,
hicieron aumentar aún más
su popularidad, sin embar-
go fue acusado por pose-
sión de drogas y ese hecho
lo alejó de los escenarios
durante algún tiempo.
El 10 de junio del año 2004
falleció en su casa de Cali-
fornia, a los 73 años.
El actor Jamie Foxx recibió el Oscar como mejor actor en la película “Ray”
Thelonius Monk
Thelonious Sphere Monk nació en Rock Mounty, Estados Unidos, en 1920 y fue un pia-
nista y compositor de jazz referente de ese género. Thelonious Monk fue un personaje
genial y enigmático, que está considerado como uno de los músicos más influyentes de
la historia del jazz después de la II Guerra Mundial. Junto a Charlie Parker y Dizzy Gilles-
pie fue pionero del bebop y su interés por las nuevas armonías, ritmos y estructuras lo
convirtieron en una pieza fundamental del jazz moderno.
412
Entre 1937 y 1939 estudió en la prestigiosa escuela Juilliard School y su primer

encuentro con el jazz fue en el trío del baterista Purnell. Luego se asoció musical-
mente con Kenny Clarke, que pronto sería una de las instituciones del jazz nortea-
mericano. Junto a él, Monk actuó tanto en el Milton's (un club en el que se cele-
braban divertidas jam sessions) como en el Kelly's Stables entre 1940 y 1942.
Con el correr de los años Monk actuó con músicos de cierto renombre como Cootie
Williams (1944) o el saxofonista Skippy Williams (1946), pero fue su participación en la
orquesta de Dizzy Gillespie la que le dio cierto renombre y fama.
1947 fue su gran año, ya que consiguió grabar con su nombre para Blue Note, uno de los
sellos más representativos del mundo del jazz, en el que grabaría toda su producción
entre los años 1947 y 1951.
Su estilo oscuro y extrava-

gante le valió numerosas
críticas y enconos y tampo-
co los managers tomaban
muy en serio al músico,
que quedó postergado y
alejado de los grandes cir-
cuitos del jazz, en los cua-
les sólo participó muy de
vez en cuando.
Thelonious Sphere Monk fue un pianista y compositor de jazz referente de ese género.
413
En 1972 se reunieron Su estilo oscuro y extravagante le valió numerosas críticas y enconos y tampoco los
managers tomaban muy en serio al músico, que quedó postergado y alejado de los gran-
varios de los músicos más
des circuitos del jazz, en los cuales sólo participó muy de vez en cuando. De cualquier
talentosos del jazz en un forma Monk vivía ajeno a todos estos factores. De personalidad cerrada y hermética,
evento que se denominó vivía encerrado en su mundo y grabando sin parar.
“The Giants of Jazz”.
Thelonious tocó con Sonny Rollins y fundamentalmente con John Coltrane, cuya
amistad dio lugar a una de las uniones más representativas de la historia del jazz.
La unión creativa entre Monk y Coltrane muchas veces es comparada con la de
Gillespie y Parker. En los años sesenta Monk ya era toda una celebridad y acre-
centó su fama y su influencia musical con giras por Europa y con su participación
en el trío del genial pianista Bud Powell, cuando éste estaba a punto de fallecer.
En 1972 se reunieron varios de los músicos más talentosos del jazz en un evento que se deno-
minó “The Giants of Jazz”. En la formación se encontraban Dizzy Gillespie (trompeta), Sonny
Stitt (saxo), Kai Wilding (trombón) y Art Blakey (batería). La banda así formada inició una gira
mundial y llegó a tocar en el Festival de Newport, en ese mismo año de 1972.
La salud de Monk ya por ese entonces estaba deteriorada por lo que sus presentaciones en
público fueron disminuyendo hasta que el 17 de febrero de 1982 Thelonius Monk murió en su
casa de Nueva Jersey. Thelonious fue un visionario, un personaje único y un músico irrepetible.
En los años sesenta Monk

ya era toda una celebridad
y acrecentó su fama y su
influencia musical con giras
por Europa y con su partici-
pación en el trío del genial
pianista Bud Powell, cuan-
do éste estaba a punto de
fallecer.
Thelonious Sphere Monk nació en Rock Mounty, Estados Unidos.
414
Protagonistas de la Historia Música Contemporánea Blues
B.B. King
Ben Riley King nació en Indianola, EE UU, en 1925 y fue uno de los grandes guitarristas
estadounidenses de blues. Su carrera dentro del mundo de la música se inició en una
importante emisora de radio de Memphis como disck jockey, lo que le perimitió
popularizar su nombre artístico.
Esta importante promoción le permitió firmar contrato con una discográfica y

editar su primer disco en 1949. Con el mismo sello grabaría “Three o'clock blues”,
que lo lanzaría definitivamente a la fama. Una de las máximas figuras del rhythm
and blues, King creó escuela con su guitarra y en los años noventa, ya al final de su
vida, muchos grupos consagrados seguían solicitando su colaboración.
Su carrera dentro del mundo

de la música se inició en una
importante emisora de radio
de Memphis como disck
jockey, lo que le perimitió
popularizar su nombre
artístico.
B.B. King.
Jimmy Rogers
Jimmy Rogers nació en Rulaville, Estados Unidos, el 3 de junio de 1924. Junto a Muddy
Waters y Little Walter, Rogers fue el puente entre el tradicional blues del Delta, acústico, y
el de las ciudades del norte de EE.UU. de la postguerra, cargado de sonidos eléctricos.
Desde sus comienzos acompañó a Muddy Waters en sus sesiones de los años 50
del siglo pasado y fue algo más que un músico de acompañamiento, ya que
juntos crearon lo que hoy en día se conoce como Blues Chicago. Su principal a la
música blues fue la de haber sustituido la sección de vientos por el diálogo de
guitarras con soporte de piano y armónica. El resultado fue la formula a la que se
han suscrito la gran mayoría de bluesman de la historia.
415
En 1960 comenzó a formar En sus sesiones de los 50´ Muddy tocaba al más propio estilo del Mississippi, mientras
que Rogers, a la segunda guitarra, se acoplaba al sentido global de la melodía, realizando
parte del directorio del contrapuntos y duelos en los que ambos lucían sus enormes dotes como guitarristas. Era
Instituto del Teatro y obtu- un duelo permanente de sonidos, si Muddy tocaba de forma arrogante y poderosa,
vo el premio Laurel como Jimmy se mostraba de forma suave y relajada, y viceversa.
mejor director de teatro del
Cuando a mediados de los cincuenta decidió separarse de la banda el público no lo
año. acompañó en la medida que él lo esperaba y pasó a ser visto como una vieja gloria del
blues, pero sin dudas Rogers fue mucho más que eso, al punto de que su música y sus
creaciones armónicas y arreglos influyeron sobre el género de manera determinante.
Jimmy Rogers murió el 19 de diciembre de 1997.
Muddy Waters
Muddy Waters fue uno de los grandes músicos de blues estadounidense, generalmente
considerado como el Padre del Blues de Chicago. Nació en Rolling Fork, cerca de
Clarkdale, Mississippi y allí se crió con sus abuelos debido a que su madre falleció cuando
él sólo tenía 3 años. Fue su abuelo quien le enseñó a tocar la armónica cuando tenía 8
años y despertó de esa forma su vocación por la música. A los 15 años comenzó a
aprender guitarra acústica, instrumento que tocaría hasta su llegada a Chicago, cuando
lo cambió por la eléctrica.
Su traslado a la ciudad de
Chicago fue por motivos
laborales: había conseguido
un puesto de camionero.
Muddy Waters.
416
Robert Johnson
Robert Leroy Johnson nació en Mississippi, Estados Unidos, el 8 de mayo de 1911. Hijo
de Julia Dodds y Noah Jonson, desde pequeño Johnson mostró gran interés por la
música y muy poco por el estudio, que terminó por abandonar con la excusa de un
problema en la vista.
Al finalizar los años 20 comenzó a demostrar un gran interés por la guitarra y frecuentó
bares y clubes para observar con detenimiento a los guitarristas de la zona. Johnson
empleó la mayor parte de su vida en perfeccionar sus condiciones de bluesman y para
ello viajó por todo el delta del Mississippi e incluso por Canadá y Nueva York.
En febrero de 1929 se casó

con Virginia Travis. La
tragedia golpeó duramente
a Johnson cuando Virginia
y el pequeño bebé de
ambos murieron en el
parto en abril de 1930.
En dos sesiones de grabación, Robert dejó estampada toda su obra.
417
En febrero de 1929 se casó con Virginia Travis. La tragedia golpeó duramente a Johnson
cuando Virginia y el pequeño bebé de ambos murieron en el parto en abril de 1930. Ella
tenía apenas 16 años. Robert se casó por segunda vez con Esther Lockwood, con la cual
tuvo un hijo, Robert "Junior" Lockwood, que también se dedicó al blues.
En dos sesiones de grabación, Robert dejó estampada toda su obra. Fueron once
discos de 78 r.p.m. que se editaron durante su vida y uno más que apareció con
posterioridad a su muerte. En total alcanzó las 29 composiciones y se conocen 42
grabaciones de sus canciones.
Se tejieron gran cantidad de historias y leyendas alrededor de este bluesman y sin dudas
la más conocida de ellas es la que afirma que vendió su alma al diablo a cambio de
Robert Johnson. conocimiento musical, una increíble técnica y ocho años para disfrutarlo. Jonson hizo
todo lo posible para mantener esta leyenda viva, incluso en alguna de sus canciones
hace mención a Satán y un posible lugar de encuentro: un cruce de caminados mencio-
nado en "Cross Road Blues".
Robert Alcanzó tal
sofisticación que superó a El 16 agosto de 1938 el diablo cobró su deuda con Robert Johnson y éste murió en forma
todos sus contemporáneos misteriosa a los 27 años. El 27 es un número familiar dentro del rock, ya que artistas
y marcó las pautas que como Jimmy Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin y Kurt Cobain tuvieron su trágico final a
artistas como Elmore James

Stevie Ray Vaughan
y Muddy Waters emplearon
en el desarrollo del r&b. Stevie Ray Vaughan fue un eximio guitarris-
ta de blues que nació el 3 de octubre de
1954 en el Hospital Metodista de Dallas,
Texas. Si bien sus padres no eran músicos,
sí eran amantes de la música y transmitie-
ron esa pasión a su hijo. Aunque Stevie
inicialmente quería tocar la batería como
primer instrumento, a los ocho años de
edad le regalaron una guitarra.
Durante los años 70 Stevie tocó en los
clubes y bares de Austin con su banda “Las
Cobras” con la que además grabó sus
primeros tres simples. En Noviembre de
1982, Vaughan grabó en el estudio de
Jacklson Browne ubicado en el centro de Stevie Ray Vaughan.
Los Ángeles. Las grabaciones llamaron la
atención de un hombre llamado John Hammond, y fue así como apareció su segundo
álbum "Texas Flood".
Luego fue guitarrista del álbum “Bailemos” de Davis Bowie y posteriormente rechazó la
invitación para participar en la gira de dicho artista para concentrarse en su nueva
formación, que se llamaría "Double Trouble". En 1984 grabó "No puedo detener al clima"
y apareció en varios programas de T.V como Rockpalast, Much Music y Solid Gold. Hacia
fines de Septiembre, la banda ensayó en el Caravan of Dreams en Fort Worth, Texas para
su show en el Carnegie Hall que se llevaría a cabo el 4 de Octubre de 1984.
418
Hacia mediados de 1986, la adicción a las drogas y al alcohol hizo que tuviera que
suspender una gira por Europa para internarse en un centro de rehabilitación. Regresó a
los escenarios en la primavera de 1987 con un especial en MTV.
El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM el helicóptero que trasladaba a

Stevie se estrelló y todos sus ocupantes terminaron muertos.
W.C Handy
Hijo de un predicador metodista, Handy nació en Florence, Alabama, el 16 de noviembre
de 1873 y fue un compositor, pianista cornetista y director de orquesta de enorme
influencia entre los músicos de blues. Aprendió a tocar la corneta y, aún adolescente, se
unió a la "Bessemer Brass Band". En 1886 fue director musical del grupo "Mahara´s
Minstrels" y con él participó de una extensa gira que lo llevó desde Oklahoma, en el
Stevie Ray Vaughan. lejano Oeste, hasta la mismísima isla de Cuba.
En 1886 fue director

musical del grupo
"Mahara´s Minstrels" y con
él participó de una extensa
gira que lo llevó desde
Oklahoma, en el lejano
Oeste, hasta la mismísima
isla de Cuba.
Fue un compositor, pianista cornetista y director de orquesta de enorme influencia entre los
músicos de blues.
419
En 1903 formó una ragtime band en Clarkdale, Mississippi, y también en ese

lugar armó su primera banda de músicos negros: “Colored Knights of Pytams".
Entre 1909 y 1912 escribió varios célebres blues como “Yellow Dog Blues”,
“Beale Street Blues” y “Ole Miss”, inspirándose siempre en los cantos
tradicionales de su pueblo.
Algunos años más tarde se quedó casi completamente ciego, a pesar de los cual
prosiguió con su actividad de compositor y director, y dirigió ocasionalmente a sus
propios grupos. En 1943 tuvo un accidente que lo dejó semiparalítico, pese a lo cual
continuó con su trabajo musical. En 1960 la ciudad de Memphis le erigió una estatua, y
en 1969 se emitió un sello postal conmemorativo, incluso se realizó una película sobre
su vida, la famosa "St. Louis Blues" protagonizada por Nat King Cole. W.C Handy murió el
28 de marzo de 1958.
En 1943 tuvo un accidente

que lo dejó semiparalítico,
pese a lo cual continuó con
su trabajo musical.
W.C.Handy ,El padre del Blues.
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Protagonistas de la Historia Música Contemporánea Rock & Pop
AC-DC
A comienzos de los años 60 Glasgow era una ciudad que ofrecía pocas perspectivas a las
familias de clase obrera y al mismo tiempo Inglaterra se sumía en una dura crisis econó-
mica. El gobierno australiano entonces, lanzó un pan para atraer a los británicos hacia su
país, necesitado de mano de obra para explotar sus bastos recursos naturales. Así pues
en 1963 William Margaret Young emigraron hacia Australia con ocho de sus nueve hijos.
Se establecieron en Sydney (New South Wales).
Una vez en Australia George Young armó un grupo llamado los "Easybeats" con
Johannes Jacobs y Henrickus Vandenberg más conocido por Harry Vanda. Este
grupo de cinco adquirió rápida fama y en 1966 se estableció en Inglaterra. Sin
embrago 4 años después se separarían y Young y Vanda regresaron a Australia
para dar vida, junto a Ted Albert a “Albert Production organisation".
Malcom y Angus (herma-

nos de George) atraídos
por la fama que había
logrado "Easybeats"
comenzaron a incursionar
en la música.
AC-DC.
Malcom y Angus (hermanos de George) atraídos por la fama que había logrado "Easy-
beats" comenzaron a incursionar en la música. Así, en 1972, George invitó a sus herma-
nos Malcolm y Angus a actuar y a grabar con el grupo Marcus Hook Roll Band. Esta fue la
primera experiencia musical seria de Malcolm y Angus antes de AC/DC.
421
En 1973 Malcom comenzó a formar un nuevo grupo en el que necesitaría una segunda
guitarra, por eso convocó a su hermano Angus para que se sumara al proyecto. Collin
Burgges se sumó a la batería, Larry Van Kriedt sería el contrabajista y Dave Evans la voz
líder del grupo que bautizarían AC/DC.
El nombre de AC/DC procede de una inscripción detrás del aspirador de la familia

Young. La abreviatura "AC/DC" significa "Alternating Current/Direct Current"
(Corriente Alterna / Corriente Continua), que es lo que figura en los transformado-
res de corriente eléctrica. Sin embargo en Estados Unidos la sigla insinúa también
bisexualidad, por lo que los integrantes de la banda se vieron preocupados en los
primeros años, por aclarar que su condición sexual era hétero.
Tapa de Disco, Black Ice.
Dieron su primer concierto durante las navidades de 1973 en un pequeño club de
Sydney llamado "Chequers". Hicieron versiones de Rolling Stones, Chuck Berry y The
Beatles y con el paso de los años lograron convertirse en una de las más importantes
bandas de Rock del final del siglo XX.
Hicieron versiones de Rolling Stones, Chuck Berry y The Beatles .
Chuck Berry
Chuck Berry fue un guitarrista, cantante y compositor de rock and roll que nació en San
José, Estados Unidos, en 1931. Está conbsiderado el padre del rock and roll y es el autor
de clásicos como “Sweet Little Sesteen” o “Johnny B. Goode”, del que se han realizado
gran cantidad de versiones. Su influencia fue enorme tanto en compositores (Bob Dylan,
The Beatles), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton).
422
Como consecuencia de haber cometido un robo pasó parte de su adolescencia en un

reformatorio, pero ya a comienzos de los años 50 lideraba un trío de jazz y blues que
tocaba en los bares locales. Su carrera discográfica comenzó en 1955, cuando Muddy
Waters lo envió a ver a Leonard Chess y entonces grabó “Maybellene”, que sería uno de
los primeros éxitos del Rock And Roll.
En 1956 editó cinco singles más, de escasa repercusión. En 1959 fue encarcelado
por el lapso de dos años por haber sido encontrado culpable de abuso contra una
empleada de su night club. Cuando salió de prisión sus temas eran más conocidos
y cosechó varios éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello discográfico y grabó
tres discos para “Mercury” con poca recepción por parte del público.
En la historia del Rock & Roll quedarán Desde de que volvió a su antigua discográfica (Chess Records) en 1970, grabó esporádicamente
anotados para siempre un sin fín de y fue encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. En la historia del
magníficos.
Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sin fín de magníficos.
Su influencia fue enorme

tanto en compositores
(Bob Dylan, The Beatles),
como en guitarristas (Keith
Richards, Eric Clapton).
Chuck Berry.
Creedence
Los orígenes de esta banda hay que buscarlos en el año 1959, cuando John Fogerty formó
con sus amigos Stu y Doug la banda llamada “Tommy Fogerty and The Blue Velvets”.
Tom entró a trabajar como botones en el sello musical Fantasy y poco tiempo
después lograron firmar contrato con la compañía y cambiaron su nombre al de
“Golliwogs”. Grabaron siete singles que no tuvieron éxito y que luego serían
recopilados en el álbum “The Golliwogs” en el año 1975.
En 1967 tomaron el nombre con el que pasarían a la historia: Credence Clearwater

Revival. En esa formación John tomó las riendas musicales, escribió la mayor parte de las
letras y fue la voz lider. El grupo derivó hacia una música de corte más bien sureño .
423
claramente alejado del estilo de los grupos californianos de la época, mucho más politizados
y sometidos a la moda imperante, la psicodelia y algunas experiencias "alucinantes".
Creedence se nutrió de los temas arraigados en el rock and roll de los cincuenta y
consiguió los éxitos más importantes de la música americana entre 1968 y 1973.Las
letras de la banda ubicaban sus historias en el sur de Estados Unidos (Mississippi, Nueva
Orleáns y los campos de algodón) aunque su autor, John Fogerty, nunca había visto el río
y nunca había estado en el sur.
A finales de 1969 Creedence ya tenía cuatro discos editados y varios temas que habían
ocupado lugares en el top ten de las listas americanas, aunque nunca consiguieron que
Creedence. una canción propia llegara al número uno.
Tom Fogerty anunció su retiro de la banda para emprender una carrera como
solista en 1971. El grupo siguió como trío durante un tiempo, pero luego de
lanzar su disco “Mardi Grass” los problemas internos terminaron por disolver la
banda, en octubre de 1972.
424
David Bowie
David Robert Jones nació en Londres en 1947. Es actor y cantante pop británico. Artista
camaleónico, cambió varias veces de estilo y recogió numerosas influencias, sobre todo
del punk y de la psicodelia.
Trabajó con grandes artistas como Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno.
También ha colaborado con jóvenes artistas, a cuya fama ha contribuido notablemente,
como es el caso de Lenny Krawitz. Varios de sus discos alcanzaron un notable éxito, es el
caso de Ziggy Stardust (1972) o Let's dance (1983).Bowie, además, actuó en varias
películas, entre las que se destacan Feliz navidad, Mr Lawrence, El Ansia y Laberinto.
Dadid Bowie.
Dadid Bowie.
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Deep Purple
Deep Purple es uno de los grupos considerados padres del heavy metal junto a Led
Zeppelín y Black Sabbath, entre otros. Esta banda británica se formó en el año 1968 bajo
el nombre de Roundabout. El proyecto había sido ideado por el cantante Chris Curtis
unos años atrás y en él estaban incluidos John Lord como tecladista y Ritchie Blackmore
como guitarrista. Tiempo después se sumó el bajista Nick Simper, que ya había trabajado
con anterioridad en otras bandas con Ritchie Blackmore.
Deep Purple .
Los managers, empeñados Las continuas discusiones con Chris Curtis hicieron que Jon Lord abandonara la banda, y
tras él Ritchie Blackmore y Nick Simper. Los managers, empeñados en que el grupo
en que el grupo continuara continuara vivo, decidieron expulsar al ideólogo del proyecto Chris Curtis. Con la banda
vivo, decidieron nuevamente reunida comenzó la búsqueda de un baterista y un cantante. Ian Paice, fue
expulsar al ideólogo del el elegido para la percusión y Rod Evans como vocalista. A los pocos meses, y después de
proyecto Chris Curtis. firmar un contrato con Tetragammatron en EEUU, Canadá y Japón, y con EMI para el
resto del mundo, la banda cambiaría de nombre al de Deep Purple, en honor a la canción
favorita de la abuela de Ritchie Blackmore.
426
Deep Purple.
Su primer álbum, The shades of Deep Purple, logró un rápido éxito en Estados Unidos
con el tema “Hush” del artista de música country Joe Suth. En ese mismo 1968 graban su
segundo disco, llamado “The book of Taliesyn”. Durante esa época fueron teloneros de
bandas de primer nivel, como Cream o Creedence Clearwater Revival. Pese a que las
cosas marchaban bien para la banda las diferencias reaparecieron y fue así que Rod
Evans y Nick Samper fueron despedidos y en sus lugares se incorporaron el cantante Ian
Gillan y el bajista Roger Glover, ambos de la banda de onda hippie Episode Six.
Durante 1970 editaron el disco “In Rock” y también lanzaron dos discos en vivo:
“Concerto for Group and Orchestra” y “Gemini Suite Live”. Al año siguiente sale a la
venta “Fireball” y con él llegaron al top 40 de Estados Unidos y al número 1 de Inglaterra.
Durante 1970 editaron el También en 1971 la banda creó su propia compañía discográfica a la que llamó "Purple
Records".
disco “In Rock” y también
lanzaron dos discos en En 1972 salió al mercado su disco de mayor éxito comercial “Machine Head” y un año
vivo: “Concerto for Group después hace lo propio el disco “Made in Japan”, que se convirtió en "el álbum en vivo
más vendido en la historia de la música". También ese año aparece el disco grabado en
and Orchestra” y “Gemini
estudio “Who Do We Think We Are” (1973).
Suite Live”. Al año siguiente
sale a la venta “Fireball” y Ian Gillan y Roger Glover abandonaron la banda por esa época y en su reemplazo
con él llegaron al top 40 de ingresaron David Coverdale como vocalista y Glenn Hughes como bajista. En 1974
apareció su disco “Burn” del que se extrajeron los cortes “Burn”, “Mistreated” y “You
Estados Unidos y al fool No One”.
número 1 de Inglaterra.
También en 1971 la banda Meses más tarde, Deep Purple publicó el LP “Stormbringer” y un año después Ritchie
creó su propia compañía Blackmore se alejó de Deep Purple y Tommy Bolin ocupó su lugar. Con esta formación
editaron el disco “Come Taste the Band” (1975) y realizaron una gira europea cargada de
discográfica a la que llamó inconvenientes que generaron la adicción a la heroína de Tommy Bolin.. Evidencia de
"Purple Records". ello quedó registrada en el álbum en vivo titulado "Last Concert in Japan". A partir de
este momento se inició la decadencia de Deep Purple.
427
En 1976 Deep Purple se separó y David Coverdale se lanzó como solista primero y como
parte del grupo “Whitesnake” más tarde. Por su parte, Glenn Hughes también se dedica
a su carrera en solitario, mientras que Tommy Bolin tuvo un desenlace fatal a causa de
una sobredosis de drogas.
Ocho años más tarde, en 1984, la banda volvió a reunirse, esta vez integrada por
Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice (los miembros más emblemáticos de
Deep Purple), y lanzó el esperado álbum “Perfect Strangers”. Con este nuevo
trabajo se presentaron en distintas ciudades del mundo. Tres años después
editan el LP "The House of Blue Light" y en 1989 Gillan abandona nuevamente el
proyecto. En su lugar entra Joe Lynn Turner.
A inicios de la década del 90 salió a la venta su disco “Slaves & Masters” y poco tiempo
después Turner fue despedido y en su lugar regresó Ian Gillan. Ya para 1993 salió al
mercado “The Battle Rages On” y con ese material salió de gira por USA, Europa y Japón.
Cuando finalizó la gira Blackmore decidió salir de la banda y en su lugar ingresó,
En el 2003, salió a la venta temporalmente, Joe Satriani. Tiempo después ocupó ese lugar Steve Morse.
“Bananas”, y en el 2005
grabaron el álbum En 1996 apareció “Purpendicular” y dos años más tarde "Abandon", estos fueron los
“Rapture of the Deep”, con últimos trabajos de la banda en los que participó Jon Lord. Fue reemplazado por Don
Airey Y de esta forma la banda queda finalmente conformada por Ian Gillan como
el que Deep Purple inició vocalista, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en los teclados e
una gira mundial. Ian Paice en la batería.
Depeche Mode
En la localidad inglesa de Basilidon, en el año 1980 se formó la banda pop electrónica
Depeche Mode. El grupo comenzó a gestarse cuando en 1976 se conocieron Andrew
Fletcher y Vincent Clarcke, ambos tecladistas. Ellos fueron los que decidieron formar un
grupo, que tras algunos idas y vueltas y experiencias frustradas se consolidó como
"Composition of Sound" en 1979. El cantante David Gahan se sumó en 1980 y quedó
conformado el grupo definitivo, que pasó a llamerse Depeche Mode.
Banda pop electrónica Depeche Mode.
428
Ese mismo año grabaron su primer tema, llamado "Photographic". La canción llegó a la
discográfica Mute Records, que contrató al grupo ficha al grupo para publicar su primer
sencillo, "Dreaming Of Me", en 1981. Sin embargo recién con su tercera grabación
adquirirían cierta notoriedad. El tema se llamó "Just Can't Get Enough", y llegó a
colocarse en el top ten de su país. A raiz de este éxito, publicaron su primer álbum,
"Speak & Spell", con el que obtuvieron un éxito más que notable.
Vincent Clarcke abandonó

el grupo luego del éxito del
primer disco, lo que dejó
descolocados al
resto de los integrantes.
Banda pop electrónica Depeche Mode.
Vincent Clarcke abandonó el grupo luego del éxito del primer disco, lo que dejó
descolocados al resto de los integrantes. Martin Gore fue el que asumió el rol creativo que
antes cumplía Clarcke y paralelamente contrataron a un nuevo tecladista: Alan Wilder.
Los siguientes tres discos se llamaron "Broken Flame"(1982), "Construction Time

Again"(1983) y "Some Great Reward"(1984), con el que consiguieron dar el salto
definitivo a la fama y colocarse en los primeros puestos de venta de Casio todo el
mundo.
Los siguientes trabajos de la banda fueron enormemente exitosos. Sus discos “Black
Celebration" (1986), "Music For The Masses"(1987), un doble álbum en directo "101"
(1989), "Violator"(1990) y "Songs of Faith and Devotion"(1991) batieron records de
ventas y fueron aclamados por el público de todo el mundo.
En 1995 Wilder decidió dejar el grupo y Gahan sufrió serios problemas de adicción a la
heroína, lo que incluso lo llevó a un intento de suicidio. En 1997 resurgió con el álbum
"Ultra" con temas de la talla de "Barrel of a Gun" o "It's No Good". Con la publicación de
los recopilatorios "Singles 81-85" y "Singles 86-98", Depeche Mode volvió a realizar una
gira mundial y luego editó un nuevo trabajo llamado “Exciter” (2001), que sería el último
trabajo de la banda.
429
Elvis Presley
Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1936 en Mississippi y a los 13 años se mudó a
Memphis junto con sus padres. En agosto del año 1953, Elvis Presley se presentó en la
estación de una radio local con la intención de grabar un disco para regalárselo a su
madre. El dueño de la estación, llamado Sam Phillips, se fijó en Elvis y entonces éste
comenzó su carrera como cantante.
En 1954 grabó su primera canción “That's all right mama” y comenzó una gira
que enloqueció al público femenino. En 1955 comenzó a trabajar con Coronel
Parker como manager. Elvis pronto se convirtió en un ejemplo para los jóvenes
de la época y esta fue una de las razones que lo impulsaron a cumplir con el
servicio militar entre 1958 y 1960.
Love me tender (1956), Amándote (1957), El Rock de la cárcel (1957), el barrio contra mi
Elvis Aaron Presley.
(1958), Estrella de fuego (1960 y el indómito (1961) son algunas de las películas en las
que participó. Tres fueron las mujeres importantes en su vida: su madre, por quien
sentía una gran dependencia y que murió en 1958; su esposa Priscilla, con quien se casó
en 1967 y su hija.
En 1965, los Beatles lo visitaron en su casa de Los Angeles y en 1970 se entrevistó con el
entonces presidente norteamericano Richard Nixon. El 16 de agosto de 1977, una mala
ronda de pastillas acabó con la vida del rey del Rock.
Tres fueron las mujeres

importantes en su vida: su
madre, por quien sentía
una gran dependencia y
que murió en 1958; su
esposa Priscilla, con quien
se casó en 1967 y su hija.
Elvis Presley.
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Eric Clapton
Eric Patrick Clapton nació en Inglaterra el 30 de marzo de 1945. Luego de estudiar arte en
el Kingston College Of Art se unió a la banda “The Yardbirds” con la que comenzó a tener
éxito. Pero algunos meses más tarde y desilusionado por el rumbo pop que la banda
adoptó decidió alejarse del grupo. Fue entonces cuando se unió a la banda “John
Mayall's Bluesbreakers”. Durante su estancia con John Mayall, Clapton se hizo
definitivamente un nombre tanto para él como para el grupo en su conjunto.
En 1966, dejó el grupo de Mayall y se unió a Jack Bruce y Ginger Baker para
formar el primer supergrupo de la historia del Rock: “Cream”. En 1969 y luego de
que “Cream” se separara formó “Blind Faith”, con la presencia de Steve
Winwood. Un álbum con las maravillosas “Can't Find My Way Home” y “Presen-
ce Of The Lord” y una gira americana fue el bagaje musical de este gran grupo
que tan solo duró un año.
En 1966, Clapton dejó el grupo de Mayall y se unió a Jack Bruce y Ginger Baker para formar el
primer supergrupo de la historia del Rock.
431
En 1970 Eric Clapton grabó su primer álbum solista,que contiene temas clásicos
de su repertorio como “Let It Rain”, “Blues Power” o “After Midnight”, además
colaboró en la grabación de “All Things Must Past”, el magnífico triple álbum de
George Harrison y formó un nuevo grupo llamado “Derek and the Dominos” con
el que grabó el que tal vez sea el mejor disco de su carrera:“Layla and Other
Assorted Love Songs”.
Durante las sesiones del All Things Must Past, Clapton comenzó su adicción a la heroína y
este hecho motivó su alejamiento de los escenarios por dos años. El Rainbow Theatre de
Londres fue el sitio elegido para su concierto de regreso en 1973 y en él participaron
Pete Townsend, Ron Wood y Steve Winwood.
En en 1974 apareció su disco solista “461 Ocean Boulevard” al año siguiente salió a la
venta el álbum en vivo “E.C. Was Here” y también “There's One In Every Croad” y en 1976
fue el turno de “No Reason To Cry”, en el que colaboraron Ron Wood y Bob Dylan. Sin
Eric Clapton. embargo el verdadero éxito comercial llegaría con “Slowhand”, en 1977. El LP contiene
los éxitos "Lay Down Sally", "Wonderful Tonight" y el clásico "Cocaine" y vendió más de 3
millones de copias en U.S.A.
En noviembre de 1978 editó “Backless” y
En 1970 Eric Clapton en mayo de 1980 el doble álbum en vivo
“Just One Night” grabado en Japón a
grabó su primer álbum
finales de 1979. Por esa época la bebida
solista,que contiene temas comenzó a complicar la carrera de
clásicos de su repertorio Clapton, sin embargo en 1981 salió a la
como “Let It Rain”, “Blues venta “Another Ticket” y de nuevo llegó al
Top 10 con "I Can't Stand It.". Ese mismo
Power” o “After Midnight”, año, Clapton se desploma durante una
además colaboró en la actuación en Madison, Wisconsin (USA) y
grabación de es hospitalizado inmediatamente. Varias
“All Things Must Past”, úlceras y un deterioro generalizado del
organismo fue el diagnóstico de los
médicos y tras ese episodio el guitarrista
ingresó a una clínica especializada para
tratarse por su adicción al alcohol.
El disco “Money and Cigarettes” de 1983
fue el primero que Clapton editó con la Eric Clapton.
compañía discográfica Warner Brothers Al mismo tiempo apareció una recopilación de
grandes éxitos de su etapa con la compañía Polydor titulado “Time Pieces-Best of Eric
Clapton”. Este disco vendió más de 7 millones de copias en Estados Unidos.
“Behind The Sun” salió a la venta en 1985 y ese mismo año participó del mega concierto
llamado “Live Aid”, en el que realizó una actuación estupenda que supuso un punto de
inflexión en su carrera. En noviembre de 1986, se publicó “August”, que fue catalogado
por la revista Q como “,...el comienzo oficial del renacimiento de la carrera de Clapton...".
En noviembre de 1989 se publicó Journeyman. Este LP está considerado como sus

regreso a las raíces blues-rock y su tema “Bad Love” le permitió alzarse con un Grammy
en 1991. Ese mismo año la tragedia golpeó a Clapton cuando su hijo de 4 años murió al
caerse por la ventana de un edificio en Nueva York.
432
En 1992 se publicó su disco “Umplugged” que contiene el éxito “ “Tears in Heaven”

dedicada a su hijo. Este LP ganó 6 Grammys y vendió más de 10 millones de copias en
En 2004 publicó el álbum todo el mundo.
homenaje al bluesman
En septiembre de 1994 grabó “From The Cradle”, con el que consiguió el Grammy
Robert Jonson. “Me And al mejor álbum de blues y vendió más de 3 millones de copias en Estados Unidos.
Mr. Jonson” incluye 14 Ese año, el nombre de Clapton sonó en la prensa londinense como uno de los
versiones de los 29 temas posibles sustitutos del fallecido Lennon para ser el cuarto componente de los
que grabó el maestro del "Beatles", como parte de un proyecto destinado a unir de nuevo a los
supervivientes del famoso grupo de Liverpool.
blues del Mississippi.
En 2004 publicó el álbum homenaje al bluesman Robert Jonson. “Me And Mr. Jonson”
incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi.
Clapton formó un grupo de lujo para la grabación de este disco: Billy Preston (teclados),
Nathan East (bajo), Andy Fairweather Low (guitarra) y Steve Gadd (batería) entre otros.
Frank Zappa
En diciembre de 1940 en Baltimore, Estados Unidos, nació Frank Vincent Zappa. Músico y
compositor de reconocida trayectoria, inició su carrera como baterista mientras cursaba
estudios en la escuela Mission Bay, donde además formó la banda “The Ramblers”.
Frank Vincent Zappa.

Luego de haber realizado algunas bandas sonoras para películas de bajo presupuesto
Zappa compró un pequeño estudio de grabación en 1963 y realizó algunas
composiciones para otras bandas, como el tema "Memories of El Monte", que fue
grabado por el grupo The Penguins.
433
cEn 1964 se unió al grupo “The Soul Giants” y al poco tiempo se transformó en el líder de la
banda, que pasó a llamarse “The Mothers” y más tarde “The Mothers of Invention”. Con
esta agrupación firmó un contrato con la discográfica Verve label en 1965 y a partir de ese
momento editó una serie de discos.
Su primer disco como solista apareció en el año 1968 y se tituló “Lumpy Gravy”, dos años
después saldría a la venta “Chunga's Revenge”. Para ese momento, Frank Zappa ya había
cambiado de compañía discográfica a Rykodisc y con esa misma compañía editó, en 1972,
“Waka/Jawaka” y “The Grand Wazoo”. Al mismo tiempo que desarrollaba su carrera solista
Zappa seguía colaborando con “The Mothers of Invention”. “Apostrophe (')” (1974) y
“Bongo Fury” (1975) fueron los últimos discos grabados con la compañía Rykodisc, a partir
de este momento, Zappa cambia de discográfica a Warner Bros.
En 1976 salió a la venta “Zoot Allures” y dos años más tarde publicó el disco
grabado en vivo “Zappa in New York” (1978) y también “Studio Tan”. En 1979
fueron 4 los discos que editó Zappa: “Sleep Dirt” , “Sheik Yerbouti”, “Orchestral
Favorites”, y el último se tituló “Joe's Garage”. Este disco doble es una ópera rock
Frank Zappa murió en su casa de Los compuesta en 3 Actos.
Ángeles, Estados Unidos,
a los 52 años.
La década del 80 comenzó para Zappa con la grabación de “Tinsel Town Rebellion”
(1981), que contiene varias canciones grabadas en vivo. Ese mismo año aparecieron dos
discos más: “Shut Up 'n Play Yer Guitar”y “You Are What You Is”. En 1982 grabó “Ship
Arriving Too Late to Save a Drowning Witch” y un año más tarde “The Man from Utopía”,
“Baby Snakes” y “London Symphony Orchestra, Vol. 1”. Este último disco fue grabado
junto a la Orquesta Sinfónica de Londres.
La prolífica carrera de Zappa continuó en 1984 con la salida a la venta de “Boulez
Conducts Zappa: The Perfect Stranger” ,“Them or Us” ,“Thing-Fish” y el LP electrónico
“Francesco Zappa”. Un año después graba el álbum titulado “Frank Zappa Meets the
Mothers of Prevention” Y en 1986 publicó “Does Humor Belong in Music?” y “Jazz from
Hell”, con el cual logró ganar el premio Grammy como “Mejor Performance de Rock
Instrumental”.Un año después grabó el álbum “London Symphony Orchestra, Vol. 2”,
En los últimos años de su nuevamente junto a la Orquesta Sinfónica de Londres. Ya en 1988 aparecieron “Guitar”
vida siguió editando discos (con el cual obtuvo su sexta nominación a los premios Grammy como “Mejor
y así fue que publicó “The Performance de Rock Instrumental”) y el LP en vivo “Broadway the Hard Way”.
Best Band You Never Heard En los últimos años de su vida siguió
editando discos y así fue que publicó “The
in Your Life” en 1991, Best Band You Never Heard in Your Life” en
“Make a Jazz Noise Here” 1991, “Make a Jazz Noise Here” en el
en el mismo año. mismo año, “Playground Psychotics” en
1992 y “The Yellow Shark” en 1993. Este
álbum fue grabado en vivo durante la gira
“Ensemble Modern”.
El 4 de Diciembre de 1993, Frank Zappa

murió en su casa de Los Ángeles, Estados
Unidos, a los 52 años.
434
Funkadelic
George Clinton, tras un enfrentamiento legal con un sello discográfico perdió los
derechos del nombre Parliaments y entonces formó, 1968, un grupo nuevo llamado
Funkadelic. Esta banda combinó sofisticados ritmos funk con arreglos electrónicos y de
rock psicodélico. Sus letras eran escandalosas y sus puestas de escena se destacaban por
lo lujosas.
En 1970 apareció el primer álbum de la banda, que se llamó “Funkadelic” y a él le

siguieron “Free Your Mind and Your Ass Will Follow” (1970), “Maggott Brain” (1971),
“America Eats Its Young” (1972), “Cosmic Slop” (1973) .
Funkadelic.
Con posterioridad formó una nueva banda llamada “Parliament” que integraban los
mismos músicos que formaban parte de “Funkadelic”. Esta banda desarrolló un estilo
más accesible para el público y grabó los discos “Up For The Downstroke” (1974),
“Chocolate City” (1975), “Mothership Connection” (1976), “ParliamentLive/P-Funk
Earth Tour” (1977),y “Funkentelechy v/s The Placebo Síndrome” (1978). Mientras tanto
Funkadelic seguía produciendo música instrumental y más salvaje.
Después de producir el último trabajo de Funkadelic “Who's a Funkadelic?” George se

dedicó a grabar el que sería su primer trabajo como solista: “Computer Games”.
435
Genesis
La banda británica Génesis nació sobre finales de la década del 60 del siglo pasado y en
un principio intentó desarrollar un estilo vinculado al rock sinfónico, aunque
posteriormente suavizaron su música y se transformaron en uno de los grupos pop más
populares del mundo.
Peter Gabriel, Michael Rutherford y el pianista Tony Banks formaron el núcleo de la

banda y trabajaron basados en arpegios de guitarra de 12 cuerdas y fraseos
virtuosos de piano y órgano. En 1971 se integraron a la banda Steve Hackett y el
joven baterista Phil Collins. Con ellos comenzó la etapa más celebrada del quinteto,
desplegando firmemente lo que los críticos llamaron “Rock progresivo”.
Génesis nació sobre finales de la década del 60 del siglo pasado.

Las grabaciones de esta etapa son particularmente recordadas por los aficionados y si
Los discos “Génesis” de
bien no alcanzaron un gran éxito comercial discos como “Foxtrot” (1972) Y “Selling
1983 e “Invisible touch” England By The Pound” (1973) siguen siendo señalados como sus mejores obras. Sin
(1986) se alzaron con varios embrago en 1975 y luego de editar el álbum doble “The Lamb Lies Down In Broadway”,
discos de platino y ocuparon Peter Gabriel abandonó al grupo para trabajar como artista en solitario. La crítica
consideró que sin la presencia del talentoso Peter Gabriel la banda estaba destinada a
los primeros lugares de desaparecer pero el cuarteto restante habilitó a Phill Collins como cantante y logró
ventas en todo el mundo. mantenerse unida.
En 1978 Steve Hacket abandonó el grupo y éste pasó poco a poco a adoptar un estilo
descaradamente pop que lo llevó a trepar en las listas de ventas y conseguir varios
número uno. Los discos “Génesis” de 1983 e “Invisible touch” (1986) se alzaron con
varios discos de platino y ocuparon los primeros lugares de ventas en todo el mundo.
Collins tomó el control del grupo y aprovechó para promocionar de forma paralela su
carrera como baladista.
436
El disco “Calling All

Stations” (1997) no
funcionó comercialmente y
Banda británica Génesis.
el grupo se desintegró.
Sin embargo, a mediados de los años noventa, Tony Banks y Mike Rutherford decidieron
grabar al margen de Collins, para lo cual llamaron al cantante Ray Wilson y a dos
bateristas de estudio. El disco “Calling All Stations” (1997) no funcionó comercialmente
y el grupo se desintegró.
Guns N’ Roses
Axl Rose (voz), Izzy Stradlin y Flash (guitarras), Duff McKagan (Bajo) y Steven Adler
(batería) formaron en 1985, en Los Angeles, la banda Guns N' Roses. En 1987 graban su
primer disco “Appetite for Destruction' y logran un éxito casi inmediato en las listas de
ventas de Estados Unidos.
El carácter de la banda, más allá de los éxitos, siempre fue conflictivo:

Destrozaban las habitaciones de los hoteles en los que se alojaban, protagoniza-
ban peleas anulaban conciertos por problemas de drogas. En un concierto en
Inglaterra, dos fans murieron al ser aplastados por la multitud cuando los Guns
salían al escenario.
En 1988 Guns N'Roses lanzaron GN'R Lies' y al año siguiente actuaron en la entrega de
los premios MTV y comenzaron una gira junto con The Rolling Stones. En 1990 el bateris-
ta de la banda, Steven Adler, decidió alejarse de los Guns por su adicción a las drogas y
fue reemplazado por Matt Sorum. Ese mismo año crean la banda sonora de la película
“Días de Trueno”, reversionando una vieja canción de Bob Dylan.
Imagen de logo ,Guns N'Roses.
“Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”, fueron lanzados por la banda en 1991 y
realizaron una enorme gira para promocionarlo. Actuaron en Rock en Río, en el estadio
Maracaná de Brasil y colaboraron con la banda sonora de la película “Terminator 2”.
También en 1991 Izzy Stradlin abandonó el grupo por sus problemas con Axl Rose.
En 1993 apareció su siguiente álbum, llamado “The Spaghetti Incident?” y para que
apareciera un nuevo disco de la banda hubo que esperar hasta el 2008, cuando lanzaron
“Chinese Democracy”.
Para que apareciera un

nuevo disco de la banda
hubo que esperar hasta el
2008, cuando lanzaron
“Chinese Democracy”.
Guns N'Roses.
James Brown
El 3 de mayo de 1933 nació en Georgia, Estados Unidos, el músico y compositor James
Brown, conocido también como “Mr. Dinamita” Brown se crió en una familia de bajos
recursos económicos por lo que desde muy pequeño se vio obligado a realizar distintos
trabajos. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano
armada y estuvo más de tres años en un reformatorio.
En 1953 ingresó en el grupo “Starlighters”.
Con él, la banda cambió de su estilo Gospel
al rythm and blues y el nombre del grupo
pasó a ser el de '”Famous Flames”. Con esta
banda grabó “Please, Please, Please” en
1955 y en 1958 se lanzó el que sería el
primer número uno de Brown:, “Try me”.
En octubre de 1962 Brown realizó un
concierto en el el teatro Apollo de Nueva
York que fue grabado y editado como disco
bajo el nombre de “Live at The Apollo”.
Desde ese momento los éxitos llegaron
uno tras otro y Brown decidió comenzar
su carrera como solista. Además de
conseguir nuevos hits como “ The
Payback”, “It's a man's, man's, man's
world”, “My Thang”, “Gravity” y “Papa
don't take no mess” apareció en películas James Brown.
438
de cine como “The Blues Brothers”, junto a John Belushi y Dan Ayrkroid y en 1986 grabó
“Living in America”, el tema compuesto para la película “Rocky IV”.
En 1988 fue arrestado por maltratar a su mujer y por consumo de drogas. Fue condena-
do a seis años de prisión de los que cumplió 3, para salir de la cárcel en 1991. En 1996
falleció su esposa y en 1998 fue nuevamente arrestado por consumo de drogas, a los
pocos días de haber salido de una clínica de rehabilitación.
Considerado uno de los músicos populares más influyentes de Estados Unidos, James
Brown murió el 25 de diciembre del año 2006 a la edad de 73 años.
Considerado uno de los

músicos populares más
influyentes de Estados
Unidos, James Brown
murió el 25 de diciembre
del año 2006 a
la edad de 73 años.
Músico y compositor James Brown, conocido también como “Mr. Dinamita”.
439
Janis Joplin
Janis Joplin nació en 1943 en Port Arthur, Texas. Dotada de una voz y un estilo interpreta-
tivo únicos desde muy joven comenzó a colaborar con distintas bandas, pero también
desde muy joven comenzó a tener problemas de adicción al alcohol y las drogas. En 1963
se trasladó a San Francisco para cantar en bares, pero dos años después tuvo que
regresar a la casa familiar por sus problemas con las anfetaminas.
En 1966 regresó a San Francisco y se unió a la banda 'Big Brother And The Holding
Company'. Con ese grupo se hizo conocida en el ambiente musical de la ciudad y
logró que una importante discográfica se interesara en grabar su primer disco. Sin
embargo en 1968 Janis se alejó de la banda por diferencias con el resto del grupo.
Manis Joplin formó una nueva banda en el año 1969 que se llamó “Janis and the
Joplianaires”. Este grupo, que luego cambió el nombre por el de “Kozmic Blues Band” y grabó
Janis Joplin.
un disco titulado “I Got Dem Ol'Kozmic Blues Again, Mama!”, que fue recibido con frialdad
por los aficionados. Los conciertos eran cada vez más desastrosos como consecuencia de su
consumo de drogas y alcohol y esto fue deteriorando su fama y su popularidad..
El 4 de octubre de 1970, a
los 27 años, Manis Joplin
murió víctima de una
sobredosis de heroína.
Janis Joplin nació en 1943 en Port Arthur, Texas.
440
Jimi Hendrix
Jimi Hendrix fue uno de los más reconocidos guitarristas de rock de los Estados Unidos.
Nació en Seattle en 1942 y se crió con su padre y su abuela. Ya desde pequeño mostró
interés por la música y cuando tenía 17 años su padre le regaló una guitarra eléctrica.
Cuando Jimi Hendrix se enlistó en el ejército conoció a Billy Cox, con quien poste-
riormente recorrió el país tocando en bares con diversas bandas. En 1966, uno de
los miembros de 'The Animals', Chas Chandler, se fijó en él y llegaron a un acuerdo
para que fuera su mánager. Juntos, crearon el grupo 'The Jimi Hendrix Experience',
con el que grabaron cuatro álbumes y varias recopilaciones y discos en vivo.
Uno de sus momentos más importantes de su carrera fue el mítico recital de Woodstock
Jimi Hendrix.
de 1969, donde brindó una actuación soberbia. Sin embargo ese mismo año la banda se
disolvió y Hendrix comenzó a tocar como solista, pero sólo hasta septiembre de 1970,
cuando a causa de una sobredosis de heroína falleció mientras trabajaba en el que sería
su quinto álbum, 'First Rays of The New Rising Sun'.
Jimi Hendrix guitarristas de rock de los Estados Unidos.
441
John Lennon
John Lennon nació el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, Inglaterra. Fue abandonado
por sus padres cuando era muy pequeño y pasó una infancia marcada por este hecho.
En la universidad de arte conoció a Cinthia Powell, con la que contrajo

matrimonio en 1962 y tuvo un hijo al que llamaron Julian. Se divorciaron tres
años después. De adolescente, John Lennon creó su propia banda llamada "The
Quarrymen". Un tiempo después conoció a Paul McCartney, con quien formaría
“The Beatles”, una de las bandas más conocidas y populares de la historia.
En 1970 Mc Cartney abandonó la banda y Lennon lanzó entonces su carrera solista con el
album “Imagine”. Desde ese momento comenzó a ofrecer conciertos benéficos y a
posesionarse como defensor de la paz y opositor a la guerra de Vietnam. Su nueva esposa,
Yoko Ono, jugó un papel muy importante en esta etapa de la vida del artista inglés.
John Lennon.
En 1980 apareció su disco

“Double Fantasy” y rompió
todos los records.
Lennon lanzó entonces su carrera solista con el album “Imagine”.
En 1980 apareció su disco “Double Fantasy” y rompió todos los records. En su mejor momento
profesional y creativo, cuando regresaba de una fiesta junto con su mujer, fue baleado en el
pecho por, Mark Chapman. Lennon murió en la ambulancia, camino al hospital.
442
Kiss
En 1973, en Nueva York, se creó la banda de Hard Rock llamada Kiss. La banda se caracte-
En 1973 firmaron contrato rizó por utilizar maquillajes y una puesta en escena extravagante.
con Casablanca Records y Sus integrantes originales fueron: Paul Stanley "The StarChild" en voz y guitarra rítmica.
grabaron 3 discos de estu- Gene Simmons "The Demon" en voz y Bajo, Ace Frehley "The Space-Ace"en voz y
dio, con los que no pudie- guitarra líder y Peter Criss "The Cat" en voz y batería.
ron obtener Otros integrantes del grupo fueron: Eric Carr "The Fox" - batería (1980-1991),
el éxito deseado. Vinnie Vincent "The Egyptian Warrior" (El Guerrero Egipcio) - guitarra (1982-
1983) ,Mark St. John - Guitarra (1984), Bruce Kulick - Guitarra (1985-1995), Eric
Singer - batería (1991-1995, 2001, 2004 hasta el presente) y Tommy Thayer -
Guitarra (2003 hasta el presente).
En 1973 firmaron contrato con Casablanca Records y grabaron 3 discos de estudio, con
los que no pudieron obtener el éxito deseado. La música y la estética de Kiss eran muy
diferentes a las habituales por aquella época: dejaron atrás las raíces Folk, no experi-
mentaron con el rock progresivo y enterraron el espíritu hippie que muchas bandas aún
Banda de Hard Rock llamada Kiss.

conservaban. Utilizaron un sonido potente, crudo y con distorsión y solos de guitarra
repetitivos acompañados con coros que se hicieron himnos para sus fans.
443
Eddie Kramer produjo en 1975 el doble disco en vivo de la banda, llamado Alive! Y que
obtuvo 4 discos de platino. En 1976 lanzaron “Destroyer”, disco con el que evoluciona-
ron hacia el estilo Glam y que incluyó la balada “Beth”, su primer hit comercial.
Otros integrantes del grupo fueron: Eric Carr "The Fox" - batería (1980-1991),
Vinnie Vincent "The Egyptian Warrior" (El Guerrero Egipcio) - guitarra (1982-
1983) ,Mark St. John - Guitarra (1984), Bruce Kulick - Guitarra (1985-1995), Eric
Singer - batería (1991-1995, 2001, 2004 hasta el presente) y Tommy Thayer -
Guitarra (2003 hasta el presente).
Luego llegaron los álbumes Rock'n'Roll Over, Love Gun y Alive II. Estos discos y sus
actuaciones tan espectaculares en vivo (las cuales incluyen explosiones, humo, fuego,
pirotecnia, sangre, plataformas que se elevan, etc.) los hicieron ganar una bien merecida
fama como una de las mejores bandas en vivo.
Luego de esta etapa de éxitos comienzan los conflictos entre los integrantes de la banda
y por consiguiente, su declive. En 1978 cada uno de los miembros de Kiss lanzó un disco
solista y en 1979 editan Dynasty, disco que incluía la canción "I Was Made for Lovin You".
Cuando terminó la gira que realizaron para promocionar este disco, Peter Criss se retiró
de la banda argumentando "no estar contento dentro del grupo”. El sustituto elegido fue
Eric Carr, quien debutó en el Palladium de Nueva York.
Las bajas ventas de Unmasked dentro de
los Estados Unidos llevaron a la banda a
plantearse la realización de una gira por
Europa y Australia, que llevaron a cabo ese
mismo año. Luego de que al año siguiente
la banda grabara su disco “Music From The
Elder”, Ace Frehley abandonó el grupo por
sentirse descontento con el estilo musical
que estaba adoptando Kiss. Como sustitu-
to entró Vinnie Vincent.
El último concierto con maquillaje que
realizó la banda fue en el estadio Morumbí,
en Sao Pablo, Brasil, el 25 de junio de 1983.
El 9 de agosto de 1995, grabaron el
El último concierto con Unplugged para MTV donde la formación
maquillaje que realizó la original de KISS tocó 4 canciones. En 1996
banda fue en el estadio realizaron la gira de reunión “Alive
Morumbí, en Sao Worldwide Reunion Tour", Luego en 1998
editaron el disco Psycho Circus, pero sus
Pablo, Brasil, el 25 de ventas no fueron eran las esperadas.
junio de 1983. Durante la última gira de la bandas por Concierto con maquillaje que realizó la banda.
Estados Unidos, Canadá y México (que se
llamó “Rock the Nation”) pusieron a la venta el disco “KISS Symphony Alive” con la
orquesta sinfónica de Melbourne.
444
Led Zeppelin
Led Zeppelín nació como continuación de la legendaria banda “The Yardbirds”, que
lideraba Eric Clapton. En ella ya tocaba el guitarrista Jimy Page, quien junto a el bajista Chris
Dreja fundó la banda que en un principio se llamaría “The New Yardbirds”. En ese momento
también se suma el cantante Robert Plant. Dreja abandonó la banda y fue reemplazado por
John Poul Jones, la batería por su parte sería ocupada por John Bonham.
En Octubre de 1968 y luego de realizar algunos conciertos, Led Zeppelín grabó su

primer disco, en apenas 30 horas de estudio. Ese mismo año firmaron contrato
con la discográfica Atlanitic Records y comenzaron una gira por Estados Unidos
En Enero de 1969 salió a la venta el primer disco de la banda, que muy pronto se colocó
en un lugar destacado de ventas. Casi inmediatamente graban su segundo disco,
En Enero de 1969 salió a la titulado “II”, con el que alcanzan el numero uno de las listas.
venta el primer disco de la “III”, su tercer disco, salió a la venta en Octubre de 1970, pero su consagración definitiva
sería con “IV” , su cuarto disco, que se editó en 1971 e incluía canciones como "Stairway
banda, que muy pronto to Heaven", "Rock and Roll" y "When the Levee Breaks". En 1973 Led Zeppelin lanzó un
se colocó en un lugar nuevo álbum, titulado "Houses of the Holy", que consigue el numero uno en Estados
destacado de ventas. Unidos e Inglaterra.
En 1974 Led Zeppelin creó su propio sello discográfico, con el que editaron los siguientes
discos de la banda. El primero de estos álbumes fue "Physical Graffiti", de 1975. Luego
iniciaron una gira que debió ser suspendida cuando el cantante Robert Plant sufrió un
accidente. Al año siguiente editan “Precense”, un notable trabajo que sin embargo no
alcanzó el éxito de los trabajos anteriores.
.
Led Zeppelín nació como continuación de la legendaria banda “The Yardbirds”.
445
“In Through The Out Door" fue editado en 1979 y se transformó e el último disco de Led
Zeppelin ya que en 1980 John Bonham fue encontrado muerto después de una fiesta en
la casa de Jimy Page. El 4 de diciembre de ese mismo año el resto de los integrantes de
Led Zeppelín anunciaron la disolución de la banda. En 1982 aparece el que se podría
denominar como álbum póstumo de Led Zeppelin, titulado "Coda", con algunas
grabaciones inéditas del grupo.
En 1988, al cumplirse 25 años de la fundación de Atlantic Records, Led Zeppelín volvió a
reunirse para realizar un concierto. Pese a los rumores que hablaron de la reaparición de
la banda, esto nunca ocurrió.
En Noviembre de 2007 se publicó "Mothership", un doble CD que contiene 24 canciones
seleccionadas personalmente por Page, Plant y Jones y que puede considerarse como la
recopilación definitiva e la banda. El disco incluye verdaderos himnos rock como
“Stairway to heaven” o “Kashmir”.
Concierto de Led Zeppelin.
Lou Reed
El 2 de marzo de 1942 en Long Island, Nueva York, nació quien está considerado como el
padre del rock independiente: Lou Reed. Este músico de enorme influencia desde la
década del 60 primero integró la banda Velvet Underground y luego desarrolló su
carrera solista. Entre sus discos más destacados se encuentran “Rock'n Roll Animal”,
“Transformer” y “Perfect Night Live in London”.
Lou Reed estudió en la Univerdad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore

Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed era amante del jazz y la
música experimental y más tarde afirmaría que sus objetivos en la música eran
"traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela
Americana" en un disco.
Entre sus discos más

destacados se encuentran
“Rock'n Roll Animal”,
“Transformer” y “Perfect
Night Live in London”.
Lou Reed músico.
446
Luego de la experiencia de la banda Velvet Underground (que se deshizo en 1970 y

nunca llegó a tener éxito comercial) Lou Reed se lanzó como solista. En 1972 salió a la
venta “Transformer” un álbum de glam rock producido por David Bowie. Luego editó
“Berlín” que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín.
En 1975, Lou Reed produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music,
lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Se dice que
este disco fue la manera que encontró Reed para romper con la discográfica, que
lo estaba presionando para que grabara un nuevo disco comercial. Sin embargo
Reed sostiene que MMM era y es un álbum serio.
“The Blue Mask” (1980) fue el esperado y aclamado disco de regreso de Lou Reed, una vez
superados sus problemas con las drogas. Poco después salió a la venta “New York”, una
enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad. En él realiza una fuerte denuncia
sobre los problemas de la ciudad, como el crimen, los caros alquileres, Jesse Jackson e
incluso el Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Más tarde apareció “Magic and Loss”, un disco
Lou Reed,integró la banda Velvet en el que intenta reflexionar sobre la mortalidad. En el 2003, publicó un doble álbum, “The
Underground y luego desarrolló su Raven”, basado en la obra de Edgar Allan Poe y en el 2004, se publicó una remezcla de su
carrera solista. canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.
Madonna
Madonna Louis Verónica Fortin, nació en 1958 en Detroit, Estados Unidos, de padre
italiano y madre canadiense. Cuando la futura “reina del pop” tenía apenas seis años su
madre falleció de cáncer y este hecho la marcaría durante toda la vida. Luego de tomar
clases de arte en la Universidad de Michigan Se trasladó a Nueva York para continuar con
sus estudios.
Madonna,“reina del pop” .
447
En 1983 y tras haber pasado por varias bandas y cambiar continuamente de representante,
editó su primer sencillo: “Everybody”. En el mismo año salió a la venta su primer álbum
llamado “Madonna”, con el que inició su camino a la fama. En 1984, su segundo disco “Like
a Virgin” consiguió ubicarse en los primeros puestos de las listas de ventas.
En 1988 Madonna editó

“Who's that girl” y “You can
dance” e inició una nueva y
exitosa gira mundial.
Madonna en concierto.
En 1985 protagonizó la película “Buscando a Susan desesperadamente” y se casó con el

joven actor Sean Penn. Un año más tarde editó su tercer disco “True Blue” que provocó
muchas controversias y fue un auténtico éxito de ventas. En 1987 protagonizó, junto a
Penn, “Shangai Surprise”, que resultó un resonado fracaso.
En 1988 Madonna editó “Who's that girl” y “You can dance” e inició una nueva y exitosa
gira mundial.En 1989 se separó de Sean Penn y publicó “Like a prayer”, que está
considerado como el mejor disco de su carrera y con el que batió todos los records de
ventas. Debido a los temas del disco y los videos tuvo varias discusiones con la iglesia.
En 1990 protagonizó y realizó la banda sonora de la película “Dick Tracy”. En 1992

apareció “Erótica” y en 1994 “Bedtime stories” con los que dio un nuevo giro a su carrera
y consiguió un resonante éxito de ventas. En 1996 protagonizó “Evita”, junto a Antonio
Banderas, con la que logró el Globo de Oro a la mejor actriz. Además, ese mismo año,
editó el disco con la banda sonora del filme y nació su hija Lourdes María Ciccone, fruto
Madonna es sin dudas una de su relación con el cubano Carlos Leon.
de las artistas más Luego de editar “Rayo f Light” (1998) y “Music” (2000), publicó “GHV2”, con 15
talentosas polifacética y de sus mejores temas entre 1991 y 2001, entre los que se destacan 'Erótica',
exitosa que ha dado los 'Secret', 'Ray Of Light' o 'Music'. Sobre el final del 2005 salió a la venta
Estado Unidos en los “Confessions on a dance floor", en el que la artista reinventó la música de baile y
en el 2008 volvió a sorprender con su disco “Hard Candy”, en el que abandonó el
últimos 50 años. Pop para incursionar en el estilo Hip Hop.
Madonna es sin dudas una de las artistas más talentosas polifacética y exitosa que ha
dado los Estado Unidos en los últimos 50 años.
Metallica
Lars Ulrich y James Hetfield formaron Metallica en 1981 en Los Angeles como forma de
responder a las bandas de la época que tenían un sonido suave y comercial.
Luego de trabajar en la
casa de Lars durante
algunos meses salió a la
venta su disco “Garage
Days Re' Revisited” que
contiene versiones de
clásicos del metal.
Grupo Metallica.
449
En 1983 la banda se radicó en Nueva York y lanzó su primer disco, que se llamó Kill 'em All
y que superó las 300mil copias vendidas. En 1984 apareció su segundo disco: Ride The
Lightning; En 1985 Master Of Puppets, su tercer disco, vende un millón de copias sólo en
los Estados Unidos.
En 1986, en un accidente automovilístico durante la gira que la banda estaba realizando por
Gran Bretaña y Europa, murió el bajista Cliff Burton. Para reemplazarlo eligieron a Jason
Newsted. En 1987 completan la gira por Europa y luego deciden tomarse un descanso en
California. Luego de trabajar en la casa de Lars durante algunos meses salió a la venta su
disco “Garage Days Re' Revisited” que contiene versiones de clásicos del metal. Al año
siguiente editaron una nueva producción discográfica: “...And Justice For All”
En Agosto de 1991, luego de algún tiempo de descanso y de varias giras

mundiales, salió a la venta “Metallica”, también conocido por el nombre de
“Black”, con el que alcanzaron el número 1 en Estados Unidos y Europa.
En junio de 1996 salió a la venta “Load”, álbum con el que la banda plasmó la
transformación musical y de imagen que venían insinuando en los años anteriores. Las
canciones de este disco no son tan fuertes y tampoco incluyeron en él una canción
instrumental, cosa que habían hecho en todos los discos anteriores. Esta etapa puede
resumirse en las palabras de James Hetfield "Renovarse o morir, la clave está en la
evolución musical ya que esto provoca un crecimiento del grupo y abre una nueva etapa
para Metallica. Crecemos y nuestros gustos cambian con respecto a aquellos chavales
del Kill 'em all".
Master - 1984.
450
Tras unos años de espera, “Reload” se puso en venta en 1997 y continúa la línea el disco anterior. En 1998 editaron el CD
doble “Garage Inc”, una recopilación en la que hicieron un repaso de las influencias musicales que
Metallica volvió con un los fueron transformando. En 1999 realizaron uno de sus proyectos más esperados: la grabación
nuevo disco de Estudio y de un disco junto con la Filarmónica de San Francisco. El album se llamó “S&M” e incluyó una
revisión de Casio todos sus éxitos. Tras unos años de espera, Metallica volvió con un nuevo disco
de vuelta a sus orígenes de Estudio y de vuelta a sus orígenes “St. Anger” (2003).
“St. Anger” (2003).
Michael Jackson
Michael Jackson nació en Gary, Indiana el 29 de Agosto de 1958. Ya en 1963 los Jackson 5
comenzaron a actuar en público y en 1969 aparecieron en el famoso programa de
televisión "The Ed Sullivan Show." Un año más tarde grabaron su primer disco: "Diana
Ross Presents the Jackson 5," que incluyó los éxitos "I Want You Back" y "I'll Be There,"
que se convirtieron en número uno.
En 1972, cuando todavía cantaba con los Jackson 5 Michael logró sacar a la venta su
primer album solista, que sed llamó "Got to Be There.". En 1979 editó su primer disco
como adulto: "Off the Wall" que alcanzó un rápido éxito y lo colocó como en el primer
artista en solitario en acceder con cuatro sencillos en la lista de los 10 primeros.
Michael Jackson.
451
En 1982 su álbum "Thriller" ganó un récord de ocho premios Grammy y se convirtió en el

disco con mayores ventas de todos los tiempos. Las canciones "Thriller", "Billie Jean" y
"Beat I" están incluidas en este trabajo.
En 1985 Michael Jackson y Lionel Richie escribieron la canción que se convertiría en uno
de los sencillos más vendidos en menor cantidad de tiempo: “We are the World”. Lo
recaudado por esta canción fue donado a las víctimas del hambre en Etiopía. En este
mismo año Jackson compró en 47, 5 millones de dólares los derechos de más de 250
canciones escritas por John Lennon y Paul Mc Cartney.
Su disco “Bad” de 1987 colocó cinco sencillos y vendió más de 22 millones de

copias alrededor del mundo. Sin embargo, en 1993, comenzarían los problemas
judiciales de “El rey del Pop”: Fue acusado de abusar sexualmente de un niño que
habitualmente se quedaba en su mansión. El cantante negó las acusaciones y
llegó a un acuerdo con la familia del menor por el que se supone que desembolsó
20 millones de dólares. Nunca fue formalmente acusado por estos cargos.
Michael Jackson en concierto.
En 1994 se casó Lisa Presley en la República Dominicana, pero su matrimonio
naufragaría dos años después. En 1995 salió a la venta su disco “ History: Past, Present,
and Future Book I".
Ya en el 2005, nuevamente Jackson es acusado de de emborrachar a un niño de 13 años y
abusar de él en su mansión Neverland en el año 2003. Fue declarado inocente pero los
problemas financieros del cantante se profundizaron, por lo que tuvo que despedir a la
mayoría de sus empleados y pagarles miles de dólares de salarios atrasados, en el año 2006.
El 25 de Junio del 2009 Michael Jackson murió, aparentemente, de un paro cardíaco.
En 1985 Michael Jackson y

Lionel Richie escribieron la
canción que se convertiría
en uno de los sencillos más
vendidos en menor
cantidad de tiempo: “We
are the World”.
En 1979 editó su primer disco como adulto.
Nine Inch Nails

La banda Nine Inch Nails (NIN) fue ideada y armada por Michael Trent Reznor, que nació
el 17 de mayo de 1965 en Mercer (Pennsylvania). Desde muy joven comenzó a
interesarse por la música y los ordenadores y estudió tuba y saxofón. Al poco tiempo
En 1987 fue contratado por comenzó a colaborar en bandas de su ciudad.
un estudio de grabación en
Cleveland y allí comenzó a En 1987 fue contratado por un estudio de grabación en Cleveland y allí comenzó
a dar forma, junto a su amigo Chris Vrenna a la banda a la que llamarían Nine
dar forma, junto a su
Inch Nails, haciendo referencia a la medida de los clavos que atravesaron a Cristo
amigo Chris Vrenna a la en su cruz: 9 pulgadas. En 1989 la banda grabó su primer disco, que se llamó
banda a la que llamarían "Pretty Hate Machine" y con el que vendieron más de 3 millones de copias.
Nine Inch Nails.
Luego de realizar diversas giras con Gun´s and Roses primero y en soledad más tarde,
grabaron, en 1992, su segundo disco: "Broken". Con este disco Trent consiguió un
Grammy por la canción “Wish"; pero la censura iba cogida de la mano de la banda y se
creó una gran polémica por el video de "Happyness is Slavery" que fue censurado por
sus explícitas imágenes.
Nine Inch Nails (NIN) fue ideada y armada por Michael Trent Reznor.
453
El inconformismo de Reznor lo llevó a mudarse a Los Angeles y montar un estudio en el

que grabó "The Downward Spiral" que saldría a la venta en el año 1994 y daría a conocer
a la banda a escala mundial. La crítica consideró a ese disco como uno de los mejores de
la década del 90.
Los problemas con las drogas Durante la producción de "The Downward Spiral", Reznor tuvo serios problemas
con los sellos discográficos, por lo que decidió abrir su propio sello al que llamó
y la crisis nerviosa que sufrió “Nothing Records”. Para este sello discográfico firmó contrato Marilyn Manson,
Reznor hicieron que su a quien Reznor ayudó en la creación de sus tres primeros discos ("Portrait of An
próximo álbum retrara su American Family", "Smells Like Children" y "Antichrist Superstar"; además de
salida hasta el año 1999, parte de "Mechanical Animals").
cuando finalmente publicó Los problemas con las drogas y la crisis nerviosa que sufrió Reznor hicieron que su
“The Fragile”, un doble CD próximo álbum retrara su salida hasta el año 1999, cuando finalmente publicó “The
(Left y Right) con un total de Fragile”, un doble CD (Left y Right) con un total de 23 cortos. Esta etapa concluyó con una
espectacular gira mundial llamada "Fragility Tour" que hizo que la banda se metiera en el
23 cortos. bolsillo más de 15 millones de dólares.
En el 2005 apareció "With Teeth" grabado solamente por Reznor con la ayuda de Dave
Grohl (Nirvana, Foo Fighters) en las percusiones, con un primer single llamado "The
Hand That Feeds"; precedido por "Only" y "Every day is exactly the Same".
Impacta La banda Nine Inch Nails (NIN) en Mexico 2008.
454
U2
Larry Mullen Adam Clayton, Bono Vox y The Edge en 1976, en Dublín (Irlanda) fundaron
el grupo que se convertiría en el más importante de la historia de su país y uno de los más
importantes del mundo: U2 .
Al poco tiempo U2 editó un single con tres canciones, entre las que estaba incluida la
celebrada “Out of Control” y en 1979 editaron u n nuevo sencillo llamado '11 O'Clock
Tick Tock'. Su primer álbum completo se editó en 1980 y llevó el nombre de “Boy”. El
U2 En concierto.
disco tuvo un moderado éxito en Gran Bretaña y en los Estados Unidos.
Los éxitos más importantes comenzaron para la banda luego de la edición de su

segundo disco llamado “October” (1981). En 1983 apareció “War”, del cual
vendieron 20 millones de copias en todo el mundo. Poco después sacaron 'The
Unforgottable Fire', con el que repitieron el éxito de su anterior disco.
“The Joshua Tree” se lanzó al mercado en 1987 y en dos días se agotó en todos los comer-
cios. Poco después apareció “Rattle And Hum” y tras un período de descanso publicaron
“Atchung, Baby” (que supuso un cambio en el estilo del grupo) y posteriormente “Zooropa”.
Luego de realizar la banda sonora de la película “Batman Forever” editaron un nuevo trabajo
llamado “Pop” (1997) que tuvo un enorme éxito de crítica y ventas y luego salió a la venta “All
That You Can't Leave Venid”, un disco con el que volvieron a sus orígenes rockeros.
En 2004 publican un nuevo trabajo de estudio, "How to dismantle an atomic bomb" y en el
2009 apareció "No Line On The Horizon" último trabajo de la banda, aunque se conoce ya
que la banda planea editar un nuevo disco que llevaría el nombre de "Songs of Ascent".
Grupo U2.
455
The Who
The Who nació en 1963 en Londres, Inglaterra, y con el correr de los años se transformó en
una de las bandas de rock más influyentes de la historia. La agrupación estuvo conformada
en un inicio por Roger Daltrey (vocalista), Pete Townshend (guitarrista), John Entwistle
(bajista) y Keith Moon (batería).
El disco debut de la banda apareció en 1965, se llamó “My Generation” y fue grabado
bajo el sello Decca. De este disco se extraen los sencillos "The Kids Are Alright" y "My
Generation", las cuales están consideradas como las precursoras de las canciones del
género punk. Al año siguiente salió a la venta “A Quick One” (también conocido como
“Happy Jack” en USA). Para promocionar sus trabajos The Who emprendió una gira por los
Estados Unidos que les permitió ganar miles de adeptos.
1967 trae consigo el lanzamiento de su tercera producción: “The Who Sell Out”. El sencillo
contenido en ese álbum "I Can See For Miles" ingresó al Top 10 en las listas de éxitos. Poco
tiempo después se lanzó el EP titulado "Magic Bus" (1968), tema que además se transfor-
mó en uno de sus singles más importantes.
The Who una banda de los años 60s

“Tommy” fue el doble disco que la banda grabó en 1969 y que presentó como una
formada en Londres(Inglaterra).
ópera rock. El disco logró un éxito inmediato gracias a las canciones "See Me, Feel
Me" y "Pinball Wizard". Al poco tiempo de haber sido lanzado el disco se filmó una
película basada en él que se transformó, con el paso de los años, en un film de culto.
Por otro lado, también en 1969, The Who se presenta en el festival de Woodstock.
En 1970 grabaron “Live At Leeds” y al año siguiente “Who's Next”. Este disco alcanzó un
éxito impresionante y se convirtió en el más vendido de la banda. En 1973 apareció su
segunda ópera rock: “Quadrofenia” sobre la cual también se realizó un film. “The Who
By Numbers” (1975) fue su disco más depresivo y menos energético y en 1978
presentaron “Who Are You”. Menos de un mes después de haber salido ese disco murió
Keith Moon, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían
recetado para controlar su alcoholismo. Moon fue reemplazado por Kenney Jones.
Costumbre de la banda de romper todos sus instrumentos al finalizar cada función.
456
En 1990 presentaron un “Face Dances”(1981) e “It's Hard” (1982) fueron sus siguientes trabajos, pero debido a
disco doble en vivo: “Join los problemas de adicción a las drogas que sufría Townshend, el grupo decidió realizar
Together”, en el 2000 se un tour de despedida y dejar de grabar álbumes de estudio. Sin embargo en 1984 salió a
la venta “Who's Last” y un año más tarde se volvieron a reunir para presentarse en el
dio a conocer el disco triple concierto Live Aid de 1985.
en vivo “Live At The Royal
Albert Hall” y finalmente
en el 2006 lanzaron
“Endless Wire”.
The Who.
The Velvet Underground
The Velvet Undergound fue una banda de rock formada por Lou Reed (composición, voz,
guitarra, piano y armónica), John Cale (bajo, viola eléctrica, órgano y coros) Sterling Morrison
(guitarra y bajo) y Angus McLise (percusión) en 1964 en Estados Unidos. Su primer disco lo
grabaron en 1965 y ese mismo año Andy Warhol pasó a ser el productor del grupo y
consiguió un mayor reconocimiento para la banda y un contrato con Verve Records.
El grupo fue logrando cierta fama basada en su particular sonido y en sus letras,
que hablaban de sadomasoquismo, travestismo, y la adicción a la heroína.
Por sugerencia de Warhol la banda

aceptó integrar a la cantante alemana En 1967 lanzaron su primer disco, al que llamaron “The Velvet Underground and Nico”.
Nico y el grupo pasó a llamarse “The La portada del disco fue diseñada por mismo Warhol. Al poco tiempo Lou Reed se peleó
Velvet Underground And Nico”. con Warhol y con Nico y la sociedad quedó disuelta. Al año siguiente salió a la venta el
segundo disco de la banda “ White Light/White Heat”.
En 1969 Cale se alejó del grupo y fue reemplazado por Doug Yule y en esa misma época
apareció “The Velvet Underground”, tercer disco de la banda, donde predomina un
estilo más tradicional y tranquilo que en los trabajos anteriores.
En 1970 fue el momento del álbum “Loaded” , sin embargo a finales de este año Lou
Reed abandonó la agrupación y al poco tiempo también lo hizo Sterling Morrison. Por
este motivo Doug Yule tomó el liderazgo del grupo que en 1972 publicaría “Live at Max's
Kansas City” y al año siguiente editaría “Squeeze”. La banda tocó su último show en el
club Oliver´s de Cambridge ese mismo año, y poco después Yule disolvió el grupo.
457
The Rolling Stones
En 1962, en Inglaterra, Bryan Jones conoció a Keith Richards y Mick Jagger y junto con
En 1966 lanzan al mercado Charly Watts decidieron formar una banda. Esa banda sería The Rolling Stones, una de las
'Aftermath', considerado más importantes de la historia.
como uno de sus mejores Ese mismo año se sumó al grupo Bill Wyman y en 1963 lanzaron su primer sencillo, que
discos y que fue el primero se llamó “Come On”. También en 1963 realizaron su primera gira por Gran Bretaña. En
1964 apareció su primer álbum, llamado “The Rolling Stones” que tenía un solo tema
que contenía únicamente propio de la banda, el resto eran versiones de canciones de otros artistas. Realizaron dos
temas de su giras por Estados Unidos y aparecieron en el show de Ed Sullivan.
propia autoría. En enero de 1965 salió su segundo disco, “Rolling Stones 2”, para el que tomaron
influencias de la música negra americana, principalmente de soul. Sin embargo, por
aquel entonces comenzaron a plantearse que si querían perdurar entre las bandas que
ocupaban los primeros puestos de ventas y popularidad debían demostrar su capacidad
creativa. Fue por ello que su manager de entonces los encerró varios días en un hotel
para que trabajaran en la creación de temas nuevos.
The Rolling Stones.
458
“Their Sanatic Magesties Request” fue un disco de los Rollings Stones que recibió
muchas críticas por ser considerado una copia de “Sgt. Peppers” de los Beatles. Así, en
1968, editaron “Beggars Banquet” que supuso un regreso a la esencia de la banda.
En 1969, como consecuencia de su adicción a las drogas, falleció Bryan Jones y fue
reemplazado por Mick Taylor. A este hecho le siguió la salida de su disco “Let it Bleed” ,
que ironizaba sobre el “Let it be” de los Beatles en momentos en los que la banda
liderada por John Lennon y Paul Mc Cartney estaba a punto de disolverse. Este disco los
encaramó definitivamente en la cima del rock a nivel mundial.
En 1971 editaron “Brown Sugar” y “Sticky Fingers”, este último con el dibujo de unos
The Rolling Stones en la actualidad labios, realizado por Andy Warhol, como sello distintivo del grupo. Este último disco está
siguen vigentes como una de las considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental.
bandas mas importantes.
Los Rolling Stones continuaron editando discos de variada calidad. Así en 1973
apareció “Goats Head Sooup” y en 1973 “It´s only Rock´n Roll”. Este disco fue el
último con Mick Taylor como integrante de la banda, en su reemplazo se sumó
Ron Wood. También editaron un álbum en directo, 'Love You Live'.
“Some Girls” salió a la venta en 1978 y es considerado como otro de los grandes discos de la
banda. Luego de este trabajo la banda firmó con la CBS el mayor contrato hasta ese
momento, por él los Stones recibirían varios millones de dólares por disco. De esa forma
aparecieron “Emocional Rescue” (1981), “Tatoo You” (1981), “Stiff Life” (1982),
“Undercover” (1983) y “Dirty Work” (1986). En 1989 lanzaron “Steel Wheels”, acompañado
de una mega gira mundial que sustentó su nuevo album en vivo: “Flashpoint”.
En 1994 editaron “Voodoo Lounge” y un año después “Rock and Roll Circus” y “Stripped”.
En 1997 salió a la venta “Bridges to Babilón” y finalmente en el 2005 editaron “A Bigger
Band”, último trabajo de la banda.
“Their Sanatic Magesties

Request” fue un disco de
los Rollings Stones que
recibió muchas críticas por
ser considerado una copia
de “Sgt. Peppers”
de los Beatles.
Show de los Rolling Stones.
459
The Ramones
Los Ramones son considerados como uno de los grupos que sentó las bases del punk y
uno de los más importantes e influyentes de la historia. La banda fue formada
originalmente por Joey, Johnny, Dee Dee y Tommy, cuatro jóvenes del barrio de Queens,
Estados Unidos, que decidieron tomar un apellido común, Ramone. Posteriormente se
The Ramones tocando en vivo. incorporaron C.J., Marky, Richie y Elvis, quienes también adoptaron ese apellido.
A principios de 1976 grabaron su primer LP bajo el título de "Ramones" y si bien

no tuvo una buena recepción por parte del público, logró interesar a un
empresario que los llevó a tocar a Londres. Allí fueron más apreciados que en su
país y se relacionaron con bandas como “The Sex Pistols”.
En 1977 editaron su segundo disco, al que llamaron “Leave Home". Ese mismo año
publicaron "Rocket To Russia", y ofrecieron una serie de presentaciones en vivo junto a
Iggy Pop.
En 1978 aparece "Road To Ruin" (1978), "It's Alive" (1979), "End Of The Century" (1980),
"Pleasant Dreams" (1981) y "Subterranean Jungle" (1981), fueron los siguientes
trabajos de la banda, con los que consolidó su lugar en la industria musical y entre las
preferencias del público. Sin embargo por distintos inconvenientes la banda no volvería a
editar un disco hasta 1985, cuando apareció "Too Tough to Die", con el que consiguieron
su primer número uno con el tema "Howling at the Moon". En 1986 salió a la venta
"Animal Boy" y luego aparecieron "Halfway To Sanity", el recopilatorio "Ramonesmanía"
y el álbum "Brain Drain".
En 1991 y tras varias giras y conciertos por todo el mundo editaron el álbum en vivo “Loco
Live” y un año después harían lo propio con "Mondo Bizarro". El siguiente disco sería
"Acid Eaters", un álbum en el que interpretaron viejos temas de bandas de los sesenta.
En 1977 editaron su
segundo disco, al que
llamaron “Leave Home".
Ese mismo año publicaron
"Rocket To Russia", y
ofrecieron una serie de
presentaciones en vivo
junto a Iggy Pop.
The Ramones.
460
The Police
La historia de The Police comenzó en Londres en 1976 cuando tres jóvenes músicos se
unieron: Henry Padovani, Sting (que tocaba el contrabajo en un modesto grupo de jazz)
y Stewart Copeland. Si nbien en los comienzos la banda se subió al carro del movimiento
punk, a poco de andar comenzaron a buscar su propio estilo y en esa búsqueda
contrataron a Andy Summers, un conocido guitarrista.
Poco tiempo después The Police editó su primer éxito: “Roxanne”, La canción es una
Sting cantando. desesperada poesía de amor dedicada a una prostituta y fue censurada en todas las
emisoras de radio y televisión inglesas, al igual que su siguiente tema “Can´t Stand
Losing You”.
1978 fue el año en el que The Police editó su primer álbum, al que llamó “Outlandos
D'Amour”, que se convirtió en un gran éxito de ventas. Este disco mezcla elementos del
jazz, el reggae y el rock. Al año siguiente salió a la venta “Reggatta De Blanc”, e iniciaron
su primera gran gira. En 1980 apareció su tercer disco “Zenyatta Mondatta”, que
contenía algunos temas de calidad, pese a que la banda realizó esta grabación a
disgusto, por presiones de la compañía.
“Ghost In The Machine” (1981) y “Sinchronicity (1983) fueron los últimos discos
de la banda y con el de 1983 alcanzaron el número uno en Inglaterra y en Estados
Unidos durante 17 semanas. “Sincronicity” además, contiene el tema más
conocido y de mayor éxito de la agrupación inglesa: “Every Breath You Take”.
Henry Padovani, Sting y Stewart.
461
172
The Doors
Jim Morrison, en la voz, Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John
Densmore en la batería formaron la banda The Doors en 1965. Al principio de su carrera
tocaron en clubes y locales de poca reputación, pero finalmente consiguieron un sello
discográfico y grabaron su primer disco, llamado “The Doors”(1967) y que con su tema
“Light my fire” alcanzó rápidamente el número uno.
En 1968 editaron “Waiting For The Sun” con
el que bajaron el contenido sexual de sus
letras e incrementaron su mensaje social.
En 1969 sale a la venta “Morrison Hotel” y en
1971 “L.A Woman”. Cuando salió a la calle su
último disco Morrison ya había comniucado
Jim Morrison. al resto de la banda su intención de
marcharse a París a escribir poesía. Un mes
después fue encontrado muerto en su
habitación, víctima de un infarto.
The Doors.
The Clash
La banda británica “The Clash” se formó durante la primera explosión de la música punk,
en los años 70 del siglo pasado, en Inglaterra. Desde el comienzo llamaron la atención
por su sonido fuerte y heterodoxo y por su ideología política de izquierda. La banda, lide-
rada por Joe Strummer y Mick Jones, fue influenciada por grupos norte americanos co-
mo The Ramones o New York Dolls y sus composiciones estaban impregnadas de un pro-
fundo descontento socio político y un enorme talento musical.
La banda se formó en 1976 y ya al año siguiente firmaron un acuerdo con la CBS y edita-
The Clash en Holanda. ron el estupendo disco “The Clash”. En 1978 lanzaron su segundo disco, llamado "Give-
'em enough rope" y emprendieron una gira por los Estados Unidos. Poco después salió a
la venta el álbum doble "London Calling" (1979), que afianzó a la banda en el mercado de
Estados Unidos. Al año siguiente fue el turno del disco triple “Sandinista” (1980) que si
bien supuso un revés en el mercado británico, sorprendentemen consolidó a la banda en
el resto del mundo.
En 1982 el baterista Headon se alejó del grupo y fue reemplazado por Terry
Chimes. Con esta formación la banda grabó "Combat Rock" (1982), álbum que
contenía los temas "Should I stay or should I go" y "Rock the Casbah". Este fue el
disco mejor recibido por el público y les aseguró un lugar de privilegio dentro de
la industria musical. Sin embargo las diferencias internas del grupo estallaron y
uno de sus principales integrantes (Mick Jones) se alejó para formar su propio
grupo, al que llamaría Big Audio Dynamite.
462
El siguiente disco de The Clash se llamó "Cut the crap" (1985), y fue un rotundo fracaso,
por lo que la banda se terminó por separar definitivamente en 1986.
Discografía de The Clash
The Crash.
The Bee Gess
The Bee Gees fue un grupo de origen británico, compuesto por los tres hermanos Gibb,
que triunfó en Inglaterra y el mundo durante las décadas del 60 y 70 del siglo pasado y
que aún sigue siendo dueña de una inmensa popularidad.
La familia Gibb se trasladó a Australia en 1958 y, en 1963, consiguieron su primer
contrato con una discográfica y al año siguiente grabaron su primer disco. Su primer
número uno lo consiguieron en 1966 con el tema 'Spicks and Specks'. Un año después
regresan a Inglaterra.
En 1967 los Bee Gees lanzaron su primer disco en Inglaterra, que se llamó “Bee Gees First”
y que consiguió un éxito enorme con los temas “Holiday”, “To Love Somebody” o “New
The Bee Gees. York Mining Disaster”. Todas las canciones del disco fueron compuestas por Barry, con
apenas diecinueve años.
Con la producción de Arif Mardin la banda comienza su etapa americana: Se mudan a
Miami y graban el disco “Mr Natural” en 1974 y “Main Course” en 1975. Su estilo musical
evoluciona desde la canción romántica hasta el Rhim & Blues y luego hacia la música disco.
Con la canción “You Should Be Dancing” del disco “Children Of The World”
consiguieron el número uno y un año después, en 1977, llegó su mayor éxito a
nivel mundial con la banda sonora de la película “Saturday Night Fever”. En 1979
editaron “Spirits Having Flown” y nuevamente lograron varios número uno,
entre los que se destacan “Tragedy” y “Too Duch Heaven”. Su estilo ahora era
nuevamente melódico en sus letras, aunque con un ritmo más vivo.
463
“Living Eyes” se editó en 1981 y luego de la salida de este disco se tomaron un descanso
como grupo para atender proyectos individuales. En 1987 los Bee Gees se vuelven a
reunir para grabar 'E.S.P.' y dos años después 'One'.
“High Civilization” de 1991; “Size Isn't Everything” de 1993 y “Still Waters”, son sus
trabajos más recientes, con los que los Bee Gees siguieron deslumbrando con sus voces.
Años 70´s The Bee Gess.
The Beatles
En Liverpool, Inglaterra, en la década del 50, John Lennon formó un grupo de música con
sus compañeros de colegio que se llamó "The Quarrymen”. Al poco tiempo conoció a
Paul Mc Cartney, quien se hizo amigo de John y se unió al grupo un tiempo antes de que
entrara George Harrison.
De este modo, John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, junto con Pete
Best(batería) y Stuart Sutcliffe(bajo), formaron una banda. El nombre de grupo cambió
varias veces, primero se llamó “Silver Beetles", posteriormente lo cambian por "Silver
Beatles" y utilizaron ese nombre para viajar a Hamburgo (Alemania) donde debieron
tocar durante ocho horas diarias en unas condiciones deplorables.
The Beatles. Al regresar de Hamburgo habían mejorado mucho en su forma de tocar y decidieron
cambiar el nombre de la banda a “The Beatles” y comenzar a tocar en un club de
Liverpool, llamado The Cavern. Brian Epstein (dueño de una casa discográfica) los vio
actuando en este lugar e inmediatamente se propuso como manager. Los Beatles
aceptaron y luego de varias pruebas en distintas casas discográficas consiguen una
audición en Parlophone, sucursal de EMI.
464
George Martin, el productor de la EMI que tenía que evaluarlos, les dijo que para grabar
el disco tenían que cambiar de baterista. Así fue que Ringo Star reemplazó a Pete Best.
Con esa formación en septiembre de 1962 grabaron “Love me Do” y obtuvieron un
aceptable éxito que les permitió realizar una gira por todo el país.
En 1963 apareció el simple “Please, please me” que llegó al número uno en
Inglaterra. Desde ese momento la fama de la banda comenzó a crecer de manera
imparable. Al promediar ese mismo año salió a la venta su primer disco larga
duración, también llamado “Please, please me” y que, al igual que todos sus
discos, tuvo un éxito arrollador.
La gira que realizaron por los Estados Unidos les proporcionó la fama a nivel mundial, sin
embargo The Beatles abandonaría los conciertos y las giras en 1966 por el cansancio y el
estrés que éstas les producían.
Desde 1968 las relaciones entre Lennon y Mc Cartney comenzaron a tensarse y en 1969
la banda ya no existe como tal. Ese año grabaron el disco y la película Let it Be, que vieron
la luz cuando la banda ya estaba disuelta, en 1970.
The Beatles.
Discografía de The Beatles
1963: “The Beatles”. Siete de las canciones son compuestas por Lennon-
McCartney.
1963: “With The Beatles”. Diciembre de 1963. También tiene siete temas
propios.
1964: “A Hard Day's Night” Compuesto íntegramente por Lennon-McCartney,

The Beatles en sus comienzos.
sirve de banda sonora a la película de igual título.
1964: “Beatles For Sale.”
1965: “Help”.
1965: “Rubber Soul” Es el primer álbum de estudio del grupo: los músicos se
encierran durante cuatro meses hasta obtener un único producto.
1966: “Revolver”.
1967: “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.
1968: “The Beatles (disco blanco)”. Es un doble album espectacular, lleno de

excelentes canciones y recursos técnicos y artísticos.
1969: “Yellow submarine”
1969: “Abbey Road”. Aunque sale a la venta antes que Le it be, es lo último
que graban juntos. Tiene canciones completas y un curioso mezzley de temas
inacabados.
1970: “Let It Be” Sale a la venta cuando el grupo ya no existe como tal.
The Beach Boys
The Beach Boys se formó en California, Estados Unidos, en 1960 sobre la base de los
hermanos Brian, Carl y Dennos Wilson, a los que se sumaron Mike Love y Al Jardine,
muchachos también cercanos a la familia.
A finales de 1961 grabaron su primer demo para Candix Records”. En ese trabajo estaban
incluidos los temas "Surfin´" y “Surfin´ Safari”, (que poco tiempo después se convertiría en
un éxito y accedería a los rankings de música pop). En 1962 salió a la venta el disco “Surfin
Safari” y al año siguiente lanzaron “Surfin´USA”, “Surfer Girl” y “Little Deuce Coupe”.
Para poder dedicarse a componer y grabar la próxima producción de la banda Brian
Wilson decidió alejarse temporalmente de la gira que The Beach Boys estaba realizando.
Su lugar lo ocupó Bruce Johnston que desde entonces pasó a ser un miembro
The Beach Boys. permanente del grupo.
466
Dos fueron los álbumes que lanzaron en 1964: “All Summer Long” (que logró la
aceptación del público gracias a canciones como "Drive-In" y “I Get Around”) Y “Shut
Down, Vol. II”,(que consiguió un enorme éxito comercial con el tema: "Denny's Drums").
En el año 1965 también lanzaron dos nuevos trabajos “Today” y “Summer Days”. Con este
último consiguen alcanzar el número 3 en los rankings de ventas, gracias al tema y
"California Girls". En 1966 salió a la venta el disco más controversial de la banda, llamado
“Pet Sounds” y que muestra la habilidad de Wilson como compositor y productor.
Ya en 1967 se lanzaron “Smiley Smile” y “Wild Honey” que incluyen canciones de gran
En el año 1965 también popularidad como "Darlin'”, y un cover de la canción "I Was Made to Love Her" de Stevie
lanzaron dos nuevos Wonder. “Friends”, un álbum acústico, y “Stack-O-Tracks" fueron lanzados en 1968 y en
1969 vio la luz el trabajo denominado "20/20" con el que la banda nuevamente alcanzó el
trabajos “Today” y número 3 en las listas de ventas de Inglaterra. Poco tiempo después apareció “Holland”,
“Summer Days”. Con este un disco aún más exitoso, con el que la banda alcanzó el puesto 37 en la lista Billboard y
último consiguen alcanzar que incluye una de sus canciones más emblemáticas: "Sail on Sailor".
el número 3 en los rankings
de ventas, gracias al tema
y "California Girls".
The Beach Boys.
En 1974, la casa disquera Capitol lanzó una recopilación del trabajo de los Beach
Boys bajo la forma de un disco doble que se llamó “Endless Summer” y que logró
establecerse en las listas de ventas durante varias semanas. Por este álbum
además recibieron el reconocimiento de un disco de oro. Al año siguiente se
publicó “Spirit of America” que colaboró a revivir el interés del público por la
banda californiana.
Su siguiente disco, “15 Big Ones”, incluyó nuevas canciones compuestas por Brian, y
novedosos arreglos de temas de otras bandas, como "Rock and Roll Music", "Blueberry
Hill" y "In The Still of The Night". En 1977 salió a la venta “Love You”, una colección de 14
temas que no tuvo éxito comercial.
467
Pese a la tragedia la banda continuó tocando y realizando exitosos conciertos, de los que
sin duda el punto más alto fue el realizado el 4 de julio de 1985, en el que reunieron a
750.000 personas. En 1988 alcanzaron su primer número 1 con el tema “Kokomo” y por
ello fueron inscritos en el Paseo de la Fama del Rock & Roll ese mismo año.
El 6 de febrero de 1998, Carl Wilson murió de cáncer de pulmón y el grupo se separó. En
el 2001, el grupo recibió un premio Grammy por su carrera artística y en el 2004 la
revista “Rolling Stone” les atribuyó el puesto número 12 en su lista de los 100 mejores
artistas de todos los tiempos.
Sex Pistols
Para promocionar su disco La agrupación Punk “Sex Pistols” inició su vida artística en 1975 en Londres, Inglaterra. La
los Sex Pistols banda formada por Steve Jones como vocalista, Paul Cook en la batería, Johnny Rotten
emprendieron una gira por en guitarra y Sid Vicious en el bajo, grabó su primer sencillo “Anarchy in the UK” en 1976.
Este tema logró ubicarse rápidamente en las listas de éxitos de las emisoras, pero el sello
los Estados Unidos y luego discográfico canceló su contrato luego de que hicieran declaraciones provocativas y
del último concierto, obcenas en un programa de televisión, lo que finalmente aumentaría su fama por el
realizado en San Francisco, exceso de atención de los medios hacia un hecho intrascendente.
la banda se separó Al poco tiempo la banda firmó un contrato
sorpresivamente. con la discográfica A&M Records y lanzó su
tema “God Save the Queen (Dios salve a la
reina)”. Ante las protestas, puesto que la
canción injuriaba a la monarquía británica,
fueron despedidos e indemnizados otra
vez. Algunos meses después firmaron para
el sello Virgin Records y editaron el tema
“Pretty Vacant”, que llegó a situarse en la
sexta posición de las listas inglesas.
Sobre el final del año 1977 los Sex Pistols
grabaron el tema “Holidays in the sun”, Sex Pistols.
canción que logró subir hasta la octava posición. Luego de ese éxito lanzaron su primer
disco: “Never mind the bollocks, here is the Sex Pistols”. El disco fue censurado y las
autoridades obligaron a tachar la palabra bollocks (cojones) de la tapa. La banda recibió
varias querellas por el uso ofensivo de esa palabra pero de todas formas el LP llegó al
segundo lugar en la lista de ventas en Inglaterra y la banda ganó todas las batallas legales.
Radiohead
En 1987 en Oxford, Inglaterra, Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Colin

Greenwood y Phil Selway formaron el grupo Radiohead, una banda que a poco de andar
se convertiría en una de las más exitosas e influyentes de los últimos años.
Ya con su primer disco “Paul Honey” (1992) alcanzaron un enorme éxito por el tema
“Creep” con el que llegaron al número uno de Inglaterra y Estados Unidos.
En 1995 Radiohead editó “The Bends”, con el que confirmaron que el éxito de su
primer álbum no había sido fruto de la casualidad. El disco obtuvo de la crítica la
Radiohead.
consideración de mejor disco del año.
468
Nirvana
En Seattle, en el año 1985, Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dale Crover se unieron para tocar
en pequeños clubes de la ciudad. Ese fue el comienzo de “Nirvana”, banda que más tarde se
convertiría en el máximo exponente de la música “grunge”.
En 1986 editaron su primer demo. Fue un trabajo casero grabado en un cuarto de una tía de
Cobain. Pero en 1988 grabaron su primer sencillo, que incluía las canciones “ Love Buzz” y
“Big Cheese” Para entonces, el batería Dan Crover había sido sustituido por Chad Channing.
Su primer álbum de estudio, llamado “Bleach” se grabó en apenas tres días y con un
presupuesto de 600 dólares. Mientras tanto seguían tocando en pequeños clubes y
habían tomado la costumbre de romper sus instrumentos al finalizar cada recital.
En 1990 grabaron su segundo álbum, titulado “Nevermind”. Para este disco Dave Grohl,
que sustituyó al baterista Chad Channing en plena grabación. El trabajo vendió más de 15
millones de copias y transformó a Nirvana en una banda reconocida a nivel mundial. Dos
años después editaron un álbum con temas inéditos, sólo conocidos por aquellos que
acudían a ver sus conciertos. El título del disco fue 'Incesticide'.
Su primer álbum de
estudio, llamado “Bleach”
se grabó en apenas tres
días y con un presupuesto
de 600 dólares. Mientras
tanto seguían tocando en
pequeños clubes y habían
tomado la costumbre de
romper sus instrumentos al
finalizar cada recital.
Cobain, Novoselic y Crover.
En 1993 se encerraron nuevamente en un estudio para grabar “In Utero”, con el que
intentaron alejarse un poco de su anterior éxito comercial. El nuevo disco tuvo una gran
recepción por parte del público, sin embargo ellos no se sintieron satisfechos con el
resultado obtenido.
A finales de 1993 grabaron el “MTV Unplugged”, que salió a la venta un año después,
luego de la repentina muerte de Kurt Cobain (se suicidó disparándose en la cabeza con
una escopeta).
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