Música Barroca

La música barroca abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600

hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750 (todo el siglo XVII y la primera mitad del
siglo XVIII). Pertenece a los estilos de la música culta europea, antecedido por la música del
Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.

Es uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música por el enorme espíritu de
creación que hay en él. Surgen músicos de primerísima línea entre los que destacan: Johann
Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp
Telemann, Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean Philippe Rameau y
Henry Purcell.

La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de

mecenas pertenecientes a la alta Aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes,
cardenales, arzobispos o instituciones religiosas (como catedrales o conventos notables).
Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. En todos
los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general
para las funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc.

El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una

construcción «pesada, elaborada, envuelta» (el término original describía una perla
deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las
características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño,
áspero y anticuado».

Características generales y estilísticas

Las principales características comunes de la música de la época barroca son:

 A diferencia del Renacimiento, la música no trata de servir sin más a la palabra, sino de
sobrepasarla, de cantarla “afectivamente”.

 Se impone el sistema armónico, es decir, la tendencia vertical, no horizontal, como en

el Renacimiento, por lo que las voces tienen una importancia diferente; hay una
principal y las demás sirven de acompañamiento armónico, esto se llama monodia
acompañada.

 El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces

queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, construidos desde el bajo
continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).

 Se emplea la disonancia tanto en las partes fuertes como débiles del compás.

 La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el
bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo
continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos
graves (violoncello, viola de gamba, fagot...) más un instrumento armónico que
improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa,...).

 El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo, muy uniforme, incluso
mecánico.
  Se busca un ritmo muy marcado, que se llama ritmo mecánico, por sus pulsaciones
fuertes y normalmente repetidas. Por ello el movimiento se convierte, como en
pintura,en uno de los elementos vitales de la música barroca.

 El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con

adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática).
En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de
cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

 La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y

la cantata entre las primeras, y el concierto, lasonata y la suite entre las segundas.

 El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales
o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante»,
por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.

 El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en la ya

escritas, en forma de ornamentación.

 Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música

instrumental no se puede cantar, y viceversa; comienzan a diferenciarse claramente
estos dos estilos.

 Instrumentos: Clave, órgano, violín, viola, viola da gamba, laúd, fagot, violonchelo,
flauta y oboe.

Estética y función de la música en el Barroco

El hombre del barroco vive una época de crisis, tanto económica (recesión económica
importante, malas cosechas, mala producción…) como espiritual. En plena lucha entre la
Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada como medio de
propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto a
algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. Producto
de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética expresiva y teatralizante:
profusión en el uso de laornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y
esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros...

En los géneros vocales la música queda supeditada a la poesía, pues su propósito es el refuerzo
en la transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra. El espectáculo de mayor
éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la ópera, fusión de poesía,
música y teatro. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición fundamental,
impuesta tanto en la música religiosa como en la teatral (aparición del estilo recitativo).

La diversificación de estilos

En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista:

convivieron diversos estilos, utilizados con plena consciencia por los compositores según el
lugar en el que trabajasen y el género musical practicado.

Un primera diferenciación se daba entre el stile antico (stylus gravis), consistente en la

permanencia de la vieja polifonía renacentista (marginal pero vigente por ejemplo durante
todo el siglo XVII en parte de la música religiosa italiana y española), contra el stile
moderno (stylus luxurians), ya plenamente barroco y generalizado en la música teatral y de
cámara. Así, Monteverdi escribió su Messa da capella como ejemplo del stile antico, y Bach
denominaba música concertada a sus cantatas de iglesia por contraposición a motetes o
corales más sencillos.
Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música europea
del Barroco medio y tardío:

 El estilo francés. Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación y Lully
como referente. Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza:
piezas breves (unidas en la suite), de forma fija bipartita, estructuradas en frases
cerradas y simétricas, con armonías muy restringidas (aunque usadas con sutil
imaginación) y una compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas.

 El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las ciudades

italianas (Venecia, Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la música
italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos, incluidos los
franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el
continente. El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una
tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la
melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo
armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.